High Five Magazine

Concours : 45" @ Rex Club (25-05-13)

2013-05-20T18:53:00.000+02:00

High Five Magazine vous fait gagner des entrées gratuites pour la soirée de ce Samedi 25 Mai, 45 au Rex Club.
Pour tenter de remporter ces entrées, envoyez nous un gentil mail en précisant le nom de la soirée, votre nom, ainsi celui de la personne vous accompagnant à l'adresse suivante :

highfiveblog@gmail.com

Fin du concours ce Vendredi à 13 heures.

Line-up :

Alexkid

Mlle Caro

Chloé

Pour la « 45″, Melle Caro, maîtresse des lieux et hôte de la soirée, vous concocte un plateau 100% français!
A ses côtés, vous retrouverez Alexkid, figure majeure de la house en France, qui comme à son habitude, arrive avec une house toujours aussi funky et toujours efficace!
Puis pour l’épauler, rien de tel qu’une taulière du Rex en la personne de Chloé ! Avec ses productions toujours autour d’une minimale plus que rythmée, elle enflammera le stage!

Concours : Hello White @ Rex Club (23/05/13)

2013-05-20T18:48:00.002+02:00

L'équipe d'High Five Magazine vous offre des entrées gratuites pour la soirée de Jeudi prochain au Rex Club, Hello White and Pepperpot Birthday.

Pour tenter de remporter ces places, envoyez nous un (gentil) mail en précisant le nom de la soirée, votre nom ainsi que celui de la personne vous accompagnant à l'adresse suivante :

highfiveblog@gmail.com

Fin du concours ce Jeudi à 13 heures.

* *

Line-up :

Nu (live)

Oskar Offermann

Murat Kilic

Pepperpot

Pour cette HELLO nous invitons nos amis du très bon label berlinois WHITE MUSIC. Nous fêterons également l’anniversaire de notre résident PEPPERPOT. Une double occasion pour venir faire la fête avec nous jusqu’au bout de la nuit…

NU est un véritable phénomène !!! Ce péruvien qui vit à Berlin est un nomade des temps modernes…
Seul ou en collaboration avec Acid Pauli, sa musique a fait le tour du monde en s’inspirant et s’enrichissant de continent en continent.
Posées sur de solides rythmes, la diversité des productions de cet ingénieur du son mélangent des instruments acoustiques à des sons profonds et envoutants.
En moins de 3 ans NU a publié 4 projets de LIVE sur Soundcloud qui ont générés 450 000 écoutes !!!!
“La Primavera” reste pour nous la grosse claque de 2012. La quasi totalité des morceaux de ce live ont depuis été signés sur Crostown Rebels, White, Bar 25, Kindisch, Dantze…
Un artiste rare à Paris qui jouera pour la première fois au Rex.

Artiste fort apprécié en France, le berlinois OSKAR OFFERMANN revient à une HELLO pour notre plus grand plaisir.
La qualité musicale de ses DJ sets et le buzz grandissant autour de cet artiste l’amène à jouer dans les meilleurs clubs européens.
Pour son retour au Rex, il nous fera découvrir ses dernières réalisations, ou re-découvrir son excellent premier album “Do Pilots Still Dream Of Flying?” sorti il y a quelques mois sur son label WHITE MUSIC.

L’Australie sera représentée par MURAT KILIC. Outre de belles productions sur de nombreux labels (Still Vor Talent, Kaato Music, Beef Records…), il est considéré comme l’un des meilleur Dj de son pays. Son dernier passage dans la capitale l’année dernière avait fait l’unanimité…
De retour en Europe pour une tournée de 10 dates, il était donc évident qu’il repasse par la case HELLO. Un artiste du bout du monde à découvrir ou à re-découvrir…

Un mot une image : Tim Walker

2013-05-17T10:47:00.001+02:00

On vous présente en ce mois de Mai le photographe anglais Tim Walker. Un photographe que l'on aime particulièrement ici, et ce depuis Les Rencontres Photographiques d'Arles il y a quelque années.

En mots et en images !

Peter Ilyich Tchaikovsky

Colin et Chick

Joyeuse funéraille

Réponse

L'au-delà

Ariel Pink

Le site de Tim Walker.

Notre page Facebook.

Des Races.

Ron Mueck à la Fondation Cartier

2013-05-07T21:44:00.005+02:00

Ron Mueck, Still Life, 2009.

La Fondation Cartier pour l’Art Contemporain invite le sculpteur australien Ron Mueck. Jusqu’au 29 Septembre 2013, 9 œuvres sont exposées sur deux étages. Un documentaire inédit de Gautier Deblonde filmant le sculpteur dans son atelier vient compléter le tout.

Ron Mueck est un artiste fascinant. S’intéresser à sa vie peut constituer le premier pas vers la compréhension de son œuvre. Mueck est devenu artiste sur le tard. Né en 1968, ce n’est que 38 ans plus tard qu’il commence à réaliser ses premières sculptures et s’inscrit alors dans le mouvement de l’hyperréalisme. Mueck connaît pourtant bien le corps humain, ou ce qui s’en approche. Son activité professionnelle commence avec la modélisation de marionnettes pour la télévision, notamment pour la série bien connue des Muppet Show. Mueck ouvre ensuite une société de mannequins confectionnés, ces derniers étant photographiés dans un but publicitaire. On comprend ainsi que l’artiste australien a très tôt su modéliser et réaliser ce qui paraît humain. Il a travaillé avec des matériaux l’ayant mené progressivement vers la sculpture Une fois bombardée artiste, le succès vint facilement. Sa première sculpture Dead Dad lui vaut une notoriété à Londres. Les expositions suivent sans toutefois faire étalage d’une œuvre abondante. Et pourtant le public se presse, en témoigne les longues files d’attentes jouxtant La Fondation Cartier.

Il faut souligner à grand trait la patience de Ron Mueck. L’artiste prend son temps. En près de 20 ans de carrière, son œuvre ne dépasse pas les 38 sculptures. L’exposition à la Fondation Cartier n’en présente d’ailleurs que 9, dont 3 crées pour l’occasion. On perçoit davantage sa formidable patience à travers le documentaire de Gautier Deblonde. Accompagné de ses deux assistantes, Mueck construit sculpture après sculpture au terme d’un long processus. Son modèle est d’abord photographié à l’image de cette femme portant son bébé et ses courses à bout de bras aperçu dans la rue. Il faut ensuite dessiner les courbes, les rides, le personnage. Le dessin prend forme et s’incarne alors dans une maquette. C’est au tour de l’argile, façonné avec précision, presque méthodiquement. La sculpture prend là ses premières expressions, et le corps ses primaires postures. Un modèle à l’échelle voulue est construit. Il reste alors le plus gros du chantier. Ron Mueck doit s’atteller à donner vie à son sujet. La peau craquante se sculpte, l’œil brillant ou fatigué se peint doucement. Un regard apparaît. Les cheveux se tissent pour qu’une chevelure naisse. Le corps et le visage ne suffisent pas. Viennent alors les vêtements, eux aussi peints et pourtant si réels. Les détails sont majestueux. Ce sont eux qui rendent humain ces sculptures. L’expression « il ne leur manque plus que la parole » prend tout son sens.

De même, les accessoires crédibilisent un peu plus l’objet sculpté. Ainsi, il est fort amusant de regarder avec curiosité ce que contient le sac de cette femme voutée… Une boite de beans Heinze, une orange quelque peu usée et des yaourts typiquement anglais.

Le documentaire de Gautier Deblonde nous montre avec justesse ce que les mots peinent à décrire. Les mots ne suffisent pas, ou sont parfois de trop. Le silence entoure Mueck lorsqu’il travaille. Pas un mot n’est dit, et seul l’écho d’une télévision ou d’une radio accompagne ses gestes. Ses deux assistantes semblent le comprendre ainsi. Les rapports qu’entretient Mueck avec ses assistantes témoignent d’une étroite compréhension. C’est un travail paisible, où se mêle la rigueur à la passion. Car il faut une passion indescriptible pour, jour après jour, faire naitre la beauté de ce réalisme.

Les œuvres exposées à la Fondation Cartier sont en tout point étonnantes. L’exposition commence avec ce couple, surdimensionné, visible depuis le Boulevard Raspail. Du trottoir, il semble même nous attendre paisiblement. Ce couple de gens âgé, en maillot de bains et sous une ombrelle, c’est formidable ! La grandeur de la sculpture peut sembler imposante. Et pourtant, c’est une impression de fragilité, ou plutôt un caractère sensible, qui se dégage des sculptures. Le visage de l’homme est d’une sérénité troublante, tandis que la femme veille avec attention sur lui. Elle semble le regarder avec amour, un de ces amours polit par le temps. Un amour tendre, presque intact malgré les années. Il regarde au loin, tout en s’agrippant à son bras. Plusieurs interprétations peuvent être faites. Libre à vous…

Mueck ne donne jamais d’indices sur ses œuvres. Elles ont vocation à être interprétés librement. Il transparait néanmoins de ses sculptures, des thèmes redondants. À l’image de ce couple, Mueck questionne le temps, la vieilesse et ses marques physiques et morales. On sent parfois poindre la décrépitude. Tout ce qui fait de transforme peu à peu l’homme en graisse jaune, pourrait-on dire avec ironie. Et il y en, ça oui du sarcasme. On semble en déceler avec ce poulet plumé. Pendu comme cela, l’animal mort nous rappelle les désastres de la grippe aviaire. Ou bien est-ce un simple objet exposé, comme une nature morte ? A t-on besoin de dire que la sculpture fascine par son réalisme ? Si ce n’était que la taille …

Couple under Umbrella, 2013.

Still Life, 2009

A côté de cette charmante volaille trône une femme nue, rondouillette supportant son fardeau de bois. Cette fois ci la sculpture se veut en deçà de l’échelle humaine. On croirait la femme revenue à son état initial, à cette innocence purement biblique. Et pourtant le bois nous rappelle à l’évidence. Le bois est lourd de sens. Il est ce fardeau qu’on traîne sa vie durant, ce poids de la vie écrasant Atlas. C’est au tour de l’homme nu, mort ou presque, dans une barque noire démesurément grande. L’homme semble être résigné face à son voyage. On pense bien évidemment à la mort l’emmenant dans sa barque si longue. D’autant que la pâleur cadavérique du personnage conforte notre impression.

Man in a boat, 2002.

Les thèmes peuvent paraître quelquefois morbide. Pourtant Mueck n’est pas si sombre que cela. Voyez ce garçon noir, gravement touché et saignant abondement. Ces traits évoquent au contraire l’inverse. Il ne semble pas souffrir. Étonné, il transpire la douceur, la tranquillité, voir même la naïveté devant sa blessure. Il existe aussi une place dans les sculptures de Mueck pour une certaine candeur, un paisible amour que partage ensuite la sculpture d’un jeune couple.

Youth, 2009

Une sculpture qui m’a particulièrement marqué. Celle de cette femme portant son bébé et ses courses. Ses mains sont accaparées par deux lourds sacs remplis pèle mêle. Le bébé est coincé avec agilité dans son manteau. Il implore du regard sa mère. Il a l’air malade, chétif et sa mère le protège du mieux possible. Ce bébé est blanchâtre. On pourrait le qualifier de laid, mais le travail de Mueck le rend malgré tout beau. De même, le spectateur se prend de pitié pour cette femme au regard fatigué. Sa tête blême et fatiguée nous parle si bien. C’est une fatigue universelle.

Woman with sticks, 2008

Comment pourrait-on alors définir l’hyper-réalisme de Mueck ? Il me semble avant tout que cela se manifeste par l’empathie que l’on éprouve pour ses sculptures. Il est quasiment impossible de ne pas se sentir proche d’elles. Elles nous renvoient en outre une image de notre monde, tantôt vieillissant tantôt accablant. Les sculptures de Mueck nous rappellent avec force ce temps qui nous vieillit, sans toutefois nous enlaidir. Enfin, les sculptures de Mueck laissent une impression longue et surprenante. Il n’est pas rare de se souvenir de ces sculptures quelque temps après les avoir vu. L’art de Mueck n’est pas un art que l’oublie facilement. Son réalisme marque, impressionne, obsède. On ne souhaite alors que retourner contempler ses œuvres.

Des Races.

Liens :

Fondation Cartier pour l'Art Contemporain

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808 State - Utd. State 90

2013-05-07T20:02:00.000+02:00

Un des nombreux bastions historiques de la House music se trouve dans les hautes contrées glaciales et charbonnées du Royaume-Uni.
Manchester fut le lieu d'une émulsion musicale et créative tout à fait déterminante dans le développement du courant : on y mélangeât le rock dans lequel a toujours baigné l'Angleterre, transfiguré en New wave à la fin des années 80, et la musique électronique encore naissante ramenée par quelques badauds des Etats-Unis.
Les boîtes à rythme Roland inondent le pays suite à leur redécouverte, et inspirent le trio génial 808 State formé en 1987.
Après une première escarmouche notable et l'album Newbuild (inspirant Aphex Twin au passage), il était temps d'effectuer le retour aux sources de cette musique avec la conquête des Yankees et de composer, accessoirement, un hymne house et techno Pacific.

Les versions sont aussi nombreuses que les adjectifs qui suivent le titre mais la piste balancée à la face du monde sur l'album Ninety et le Utd. State 90 lancé aux Etats-Unis s'appelle Pacific 202.
Une nappe de synthétiseurs puissants et aériens, un saxophone qui s'imprime immédiatement dans votre cortex et une rythmique acide, foisonnante à souhait : la signature de 808 State.

808 State - Pacific 202

On peut apprécier avec autant de bonheur les deux autres versions présentes en fin d'album, la première agrémentée d'un break incisif et la seconde comme passée à travers un filtre adoucissant les percussions pour un résultat aigre-doux sans précédent, afin d'admirer la qualité première de tout hymne électronique : sa durée de vie infinie.

808 State - Pacific 212

808 State - Pacific 718

Le reste de l'album Utd. State 90 subsiste très acid house avec des sons bruts et clairs sur une rythmique véritablement typée.

C'est la marque de fabrique de 808 State : des percussions, non pas linéaires, mais homogènes durant tout le morceau sur lesquelles se greffent des harmonies et des mélodies variant du tout au tout sans pour autant paraître inaudibles.

L'émulsion vous dis-je, que l'ami Internet décrit comme un "mélange macroscopiquement homogène mais microscopiquement hétérogène".

Alors évidemment, à mon goût, certains morceaux semblent avoir mal vieillis, peut-être parce qu'à la sortie de ce disque je ne me baladais même pas dans le placenta de ma mère.

Qu'à cela ne tienne, il y a ici plus de réussites que d'échecs, et c'est bien l'important.

Pour une idée plus précise, voici une petite sélection, en vous invitant tout de même à écouter les doux arpèges de 808 State et leur science du rythme robotique intégralement.

808 State - Revenge Of The Girlie Men

808 State - Sunrise

808 State - Magical Dream

808 State - 808080808

808 State - Cobra Bora

En y repensant, il faudrait danser là-dessus dans une usine remplis de lasers giclant à travers les parois, avec son jogging, les Stan Smith et le bon maillot de Manchester United avec une gourmette dégueulasse autour du cou.

A l'ancienne.

Matthieu

Une conversation avec les Sucré Salé

2013-05-01T23:40:00.001+02:00

Rencontre avec le duo des Sucré Salé avant la French Kitchen de ce Vendredi 03 Mai.

On a récemment discuté avec le duo parisien Sucré Salé (Romain et Nicolas) sur le renouveau de la vie nocturne parisienne, notamment grâce à leurs soirées CocoBeach. L’occasion rêvée de découvrir deux grands passionnés de musique électronique, mais aussi un label unique, « French Kitchen » au fort potentiel.

La cuisine française musicale est bien évidemment à l’honneur, on n’aurait tord de se mettre au régime.

Moi : Salut les « Sucré Salé », vous venez de fêter votre anniversaire au Pigallion, le 30 mars dernier. Racontez nous un peu.

Romain : C’était très sympa, on s’est bien marré, ça nous a fait de jolies retrouvailles. Nous n’avions pas joué ensemble depuis quelques mois, Nico étant parti se planquer du froid, alors évidemment c’était un plaisir de se retrouver.

Nicolas : C’est vrai que tous les ans je m’échappe quand la neige arrive. J’ai du mal à supporter le froid. Je laisse Romain seul face aux intempéries sans son acolyte de platines.

En ce qui concerne la date, ça n’est pas le meilleur "lieu" mais c’était amusant de faire ces retrouvailles à l’occasion de la We Want Dance.

Moi : Quelle lieu auriez vous préférié?

Nicolas : La CocoBeach, au soleil avec une bouteille de rosé !

Romain : Sûr !

Nicolas : Mais cette soirée était bien cool, un beau bordel ! On a revu tout le monde. Aux côtés de Danny Faber en plus qui est un type du genre de ceux qu’on aime à découvrir. Merci à Philipe !

Racontez nous comment s’est formé le duo ? Pourquoi avez vous choisi ce nom si savoureux?

Romain : Il faut remonter en 2009. Je me rappelle que quand j’ai rencontré tonton, « Nico », on prenait rendez-vous pour produire le soir, tard. Chaque début de production commençait d’abord par un bon dîner, « la bonne bouffe » inspirante ! Celle ou on se faisait écouter les loop du moment. Une fois le ventre plein, on en avait généralement sélectionné une qu’on développait pendant des heures et des heures sans réel fin si ce n’est le petit matin. C’est un peu comme ça qu’on a commencé à filer des noms de plats à nos productions.

Nicolas : L’idée étant que plus la recette du dîner était élaborée, plus le morceau l’était aussi. Parfois on se faisait un simple plat de pâtes, le délire était alors seulement minimal. Ou bien nous cuisinions un poulet basquaise et l’ambiance tendait vers des rythmiques beaucoup plus complexes. Le morceau était plus construit, plus recherché, plus posé. Comme la sieste à laquelle on pensait ! Non, je rigole ! Mais je suis sûr qu’à regarder, on n’est pas loin de la vérité.

Lequel de vous deux cuisine ?

Romain : Nous cuisinons tous les deux. On s’est vite aperçu que nous étions de bons cuistots.

Nicolas : Romain cuisine plus souvent. Moi je mange ensuite… derrière Ableton Live.

Cela peut tout de même vous jouer des tours. Lorsque l’on mange trop, c’est fatalement la sieste.

Nicolas : Oui c’est ce que j’expliquais. C’est arrivé souvent. L’un s’endormait pendant que l’autre produisait. De temps en temps, l’autre se relevait et prenait la relève. Celui qui s’était endormi avait raté trois heures de productions et redécouvrait le morceau, puis le continuait. Et ainsi de suite…

C’est très complémentaire.

Nicolas : Ca peut effectivement l’être. Mais ça ne marche pas à tous les coups. C’est le côté côté Sucré Salé justement. Les opposés s’attirent et s’assemblent, parfois en bien d’autres fois en mal. Il faut trouver l’équilibre. C’est un peu l’idée du label French Kitchen… Associer des artistes dont les styles totalement différents nous donne un panorama de saveurs musicales qui doivent évidemment fonctionner ensemble.

Romain : Finalement, ce que Nico est en train de vous dire c’est qu’on a jamais quitté cette idée de cuisine techno…

Nicolas : De recette musicale électronique ! Un bon son est un agencement d’ingrédients multiples sans aucun doute. C’est juste une façon de le dire mais ça marche à tous les coups.

Procédez vous toujours de la même manière maintenant ?

Romain : C’est aléatoire. On essaye de trouver le temps pour la fameuse « bouffe ». Mais c’est différent, on a malheureusement moins de temps…

Vous pouvez toutefois organiser un festin pour fêter cela.

Nicolas : On préfère ouvrir une bonne bouteille de rouge et travailler en même temps.

Romain : Du coup tout devient bien, on écoute tout avec plaisir ! :)

Il y a quelques jours, la CocoBeach a rouvert ses portes pour sa IVeme saison. Comment cette soirée là a t-elle commencé ?

Nicolas : On a commencé en 2010 je me souviens. On organisait déjà quelques soirées depuis 2005. C’était néanmoins quelque chose de plus aléatoire à l’époque, un peu au feeling, lorsque l’on sentait qu’un DJ était sur Paris et qu’il était disponible ou encore que nous trouvions un "Lieu" sympa. On avait fait cela dans des petites salles, notamment à la Scène Bastille. Ou encore dans des hôtels, on cherchait des lieux insolites. On a notamment organisé des soirées dans les backoffice d’Hotels Quatre Etoiles. Ça c’était chouette !

Dans quels hôtels notamment ?

Nicolas : Je me souviens du Lumen, rue des Pyramide en 2008 notamment. La soirée s’appelait HoT TiMes parce qu’il faisait chaud à crever dans leurs trucs. Le patron n’avait pas de fric pour sa clim. On s’est peu à peu forgé un réseau. L’envie nous a alors pris de se rassembler le dimanche et d’écouter de la musique avec nos potes au soleil l’été. On a donc trouvé un premier lieu, Le River island (village thaï pour certains) qui se trouvait à Ivry, hors de Paris. On avait dans l’idée d’organiser une réunion de nos copains DJs parisiens et de se retrouver simplement le dimanche. Ca existait déjà, c’était la bien connue « Terrassa » à l’époque, mais c’était déjà trop commercialisé. Il y avait déjà des DJs connus du monde entier. Nous étions davantage porté sur une réunion de copains.

Romain : La première année était exclusivement française d’abord en petit comité.

Nicolas : La première soirée a réuni une cinquantaine de personne. Puis la seconde, environ 200. La troisième s’est agrandie à 800. De fil en aiguille, plus cela grossissait et plus cela prenait de l’ampleur. L’effet boule de neige. On pouvait alors inviter des DJs plus connus. Cela pouvait faciliter les rencontres avec les réseaux parisiens, et montrer les DJs que nous aimions.

Qui avait vous réunis ?

Nicolas : Au début de la deuxième saison, en 2011, on a pu faire venir des artistes de Berlin que nous apprécions beaucoup. A l’époque, nous étions davantage orienté vers la minimale house. Il y avait beaucoup de gens du label HighGrade, tel que le désormais très connu Sacha Braemer. Il y avait aussi du cocoon, je me souviens de cette soirée incroyable aux côtés de André Galuzzi.

Romain : Niconé ! Alejandro Mosso ! Guido Schneide…

Nicolas : Le premier invité fut Giuseppe Cennamo. On fit la soirée la veille de la signature de son premier EP sur Desolat (le label de Loco Dice). C’était encore un petit gars. C’était fin 2010. On communiquait souvent ensemble et je lui ai proposé de venir un jour jouer avec nous. Il a dit oui tout de suite et deux jours après il était dans l’avion.

L’été suivant on a reproduit le même schéma. On faisait venir un artiste, puis deux artistes, puis trois, le tout accompagné d’artistes locaux. La sauce est montée. On a alors pu faire venir de plus gros labels, tel que Cocoon, ou encore Cadenza tel que Ernesto Fereira ou Digitaline. On a fait tout ceux que l’on aimait particulièrement et qui n’était pas encore connu. Je me souviens m’être régalé à voir les gros clubs se faire la guerre pour faire certains artistes en premier à paris alors que nous les avions fait jouer quelques mois auparavant en petit comité. Le côté un peu secret ! :) C’était rigolo. Je pense à des mecs comme Tom Demac, Cosmin Trg, ou encore Makam devenue une grosse star depuis. Ce qui fait plaisir c’est que certain ne ratait pas une occasion de nous rappeler dés qu’ils étaient à Paris pour nous voir. On est resté en très bons termes avec quasi tous.

Qui est au programme cette année ?

Nicolas : Beaucoup sont devenus des potes et reviennent. Beaucoup ont signé notre label, et ont une « résidence ». Sur la première, on a Niconé et Phillipe Bader. L’exemple type. En l’espace de deux ans, ils sont devenus des « superstars » mais vont jusqu’à annuler des dates pour venir nous retrouver aux commandes de la coco et ça, ça fait plaisir ! Ils ne viennent pas seulement pour la soirée, pour repartir le lendemain matin. Ils restent deux à trois jours avec nous. On s’enferme alors dans le studio, on fait les cons … De temps en temps il y a bon trucs qui en ressort, comme notre prochain vinyl sur le label de Niconé et Bader, « caviar champagne » dont ils ont fait un remix costaud

Cette année, on a toutefois de très, très gros DJ. À booker les petits DJ de gros labels, l’information remonte vite. Les patrons des gros labels reviennent vers nous et nous disent « J’ai entendu dire que c’est bien chez vous, je serai ravi de…».

Cette année il se pourrait que vous soyez surpris mais nous n’en disons pas plus…

Au départ, vous étiez donc sorti des murs de Paris pour commencer à Ivry. Vous participez avec joie au renouveau de la scène de Paris. Que pensez-vous de cette renaissance ? Paris renaitrait-il de cendres ?

Romain : Il était difficile de déplacer des gens à l’époque, surtout à Ivry. Les réseaux sociaux ont beaucoup aidé à la communication dans la nuit parisienne. Mais il n’y a pas que cela. Un véritable engouement est né. Les gens s’intéressent davantage au DJs, et recherchent une atmosphère particulière dans ce milieu qui dépend des gouts de chacun. Encore une histoire de cuisine ! Je suis fier de ce que font les parisiens en ce moment. J’espère que cela va continuer et que ce n’est pas uniquement un phénomène de mode.

Nicolas : Je suis tout à fait d’accord. Cela fait deux trois ans que Paris se bouge. Les gens sortent au delà du Vendredi et Samedi soir. Les gens s’interrogent sur les personnes bookées, sur les artistes, en tout cas chez nous. Ils recherchent leurs morceaux, écoutent leurs sets. Ils se renseignent, cherchent les soirées atypiques et délaissent les gros clubs au profit des lieux atypiques. On ne sort plus seulement pour draguer. Il y a un engouement pour la musique électronique c’est certain.

Tout le monde le dit en Europe. Actuellement, c’est assez courant d’entendre que Paris bouge.

On dit souvent qu’il y a un son propre à Berlin, comme il y a un son propre à Londres. Existe t-il un son uniquement parisien ?

Nicolas : C’est certain.

Comment le définir ?

Nicolas : Il est éclectique. Le son parisien, c’est un ensemble de couleurs, faits de multiples collectifs. Plus que le son en lui même, il existe une atmosphère parisienne unique. Le son berlinois est assez formaté, absolument génial mais formaté à mon goût. On sait que le style de musique va taper, sec, que cela sera très techno. A Londres, il y a les warehouse et leur deep-techno. On est resté très house à Paris.

Ca évolue selon moi dans tous les styles depuis quelques temps. La Concrete met un joli coup de collier sur la techno. Je leur tire chapeau bas. Ils éduquent les gens. Ils ont choisi leur créneau. C’est cool car cela se perdait. Cela montre que l’on peut faire du clubbing avec de la techno.

Ils ont toutefois des line-up plus orienté vers la house.

Romain : Je m’aperçois que les gens sont dans une recherche de ce qui se passait avant. Les DJ’s ressortent des vieux skeuds. On recherche ce qui se faisait à la base un peu plutôt que de découvrir de nouveaux artistes. Je suppose une phase transitoire avant un véritable renouveau. C’est amusant.

Cela me rappelle la récente interview de Jeremy Underground Paris pour Resident Advisor. Il disait notamment vouloir ressortir des vieux sons des années 90, d’une époque dorée pour la house américaine.

Romain : Il y a tout d’abord la culture et peut être un aspect vintage, plus commerciale. Il y a cette phrase facile à dire, « c’était mieux avant ! ». Je dirai que « c’était différent ». On a grandi avec ce type de son. C’est notre madeleine de Proust. Une petite madeleine de Proust sur quelque tracks, cela fait toujours du bien.

Nicolas : Je ne suis pas tellement d’accord pour dire que cela était mieux avant effectivement. Je pense que cela évolue. Les sons sont bien plus riches aujourd’hui. Il est fou de voir ne serait-ce que les techniques de production. La recherche se complexifie.

Pour autant, un son simple, à l’ancienne, marche tout aussi bien. On écoutait hier des vieux morceaux des années 1995, dans ces eaux là. Des morceaux produits alors même que nous étions encore trop jeunes pour sortir en boîte. Ces sons là sont incroyables, et pourtant ils n’ont que trois notes. Je pense à « the big fake », Red Kult ou encore azuli. 9a fait toujours chaud au cœur de les entendre !

L’évolution actuelle doit beaucoup à l’ordinateur, non ?

Romain : Les gens étaient pourtant dépendants des machines analogiques. L’ensemble de la musique électronique découle de ces machines. Ces machines là étaient accessibles. C’est bien plus pratique que d’appeler et payer un batteur. La machine synthétise le batteur.

Techniquement parlant, comment produisez vous vos morceaux ?

Romain : L’ordinateur est maintenant le cœur du studio. Il est accompagné de machines. On bosse beaucoup avec un Motif Rack-XS, c’est un synthétiseur numérique. On a aussi le Slim Phatty de Moog. Les rythmiques sont parfois prises par samples. Le cœur du studio est néanmoins l’ordinateur. Dire que nous ne produisons pas sans ordinateur serait mentir.

Nicolas : C’est même obligatoire.

Parlez nous de votre label French Kitchen.

Nicolas : French Kitchen est le résultat de quatre années, de productions, de rencontres et de fêtes. Le label s’inscrit parfaitement dans le concept de cuisine musicale, on voulait que cela soit un label qui n’ait pas forcément une tendance particulière. Je ne veux pas que l’on catégorise French Kitchen comme un label uniquement orienté vers la deep house ou bien la techno. Pour moi notre label se devait d’être fédérateur. Un mix de styles pour une explosion de saveurs. On dirait un slogan de pub !

Le label ne s’attache pas à un genre particulier.

Nicolas : Tout à fait. Le label existe grâce à tout ces gens que nous avons croisés, avec qui nous avons parfois partagé des moments forts. Il est important pour nous de diversifier nos genres. On adore jouer au warm-up cocobeachiens, au soleil, des sons deep avec beaucoup de vocal. On aime aussi tabasser tout le monde avec de grosses basses technos quand l’heure est venue.

C’est l’avantage du duo. On a chacun nos périodes. Le concept de Sucré Salé tourne autour de ces ingrédients qui s’assemblent.

Romain : On parlait du label depuis des années. Ce n’était pourtant jamais le bon moment et puis un jour Nico s’est pointé en disant on y va. On avait un track, on a demandé à nos copains dj’s de produire quelque chose qui leur ferait penser à Cocobeach et le premier various est né.

Nicolas : Tous les DJ’s de nos soirées nous demandaient années après années pourquoi ne pas réunir les mêmes artistes sur un même label. Je l’ai sentie l’année dernière, on s’est lancé !

Romain : Et tous disaient oui sans même réfléchir. Le morceau était validé d’avance. Les artistes nous connaissaient tous plus ou moins très bien.

Quelles sorties préparez vous sur le label ?

Romain : Des choses vraiment chouettes ! On est en pleine préparation, et nous passons bientôt au mastering.

Nicolas : On va faire un vinyl qui s’appellera French Kitchen Limited, comportant uniquement nos morceaux. Ça c’est la prochaine étape. Le concept du limited c’est vinyl only, à quelques 200 exemplaires, pour le plaisir !

Romain : Rappelons que French Kitchen est uniquement un label de « Various Artists ».

Nicolas : Pour French kitchen, chaque sortie comportera trois à quatre artistes différents. Il y a donc eu le numéro un avec Michael Melchner, Giuseppe Cennamo, Alejandro Mosso qui commence à briller… Vid qui est un artiste roumain.
Bien évidemment il y aura notre collectif d’artistes parisien que l’on veut mettre en avant. Il s’agit de Nox, Arno Kamaz qui sont tous résidents à droite et à gauche. On les a fédéré autour du label. La première nuit du label sera au Showcase le 03 Mai.

La prochaine sortie sera avec Niconé, Phillipe Bader et un track d’Andri qu’on adore, qui fait 18minutes et qu’il n’a jamais réussi à sortir à cause de ça. Il n’y a pas de remix ou autre, c’est un various artists. On va aussi sortir quelques EP exclusivement tourné vers divers artistes parisiens. On met en avant les artistes de notre crew. Enfin, il y aura une sortie plus underground avec un morceau de Ferro. Il est hollandais, on l’apprécie beaucoup.

Romain : Tout cela avance bien. La release numéro deux est prévue pour les prochains mois, la trois suivra vite. On va accélérer la cadence. Le premier était un double various, il fallait laisser au gens le temps de connaître notre direction. On a sorti un double maxi, c’est imposant pour une première sortie. Cela ferait presque prétentieux.

Nicolas : Cela coûte cher aujourd’hui de faire du vinyle ! Mais quel plaisir d’avoir tous ces objets …

Avez vous le même gout du vinyle dans vos sets ?

Romain : Ouai !

Nicolas : Il y a un peu de tout. On peut très bien mélanger les genres. Je n’ai pas envie d’affirmer que je mixe seulement sur vinyles. Ce sont des conneries. Les plus gros artistes, des stars internationales, jouent souvent sur Traktor. Sven Vath et Ricardo Villalobos jouent sur vinyles, c’est vrai. Mais Loco Dice joue bien sur Traktor, Matthias Tanzman, Damian Lazarus, Seth Troxler etc… Il y a de tout. Le vinyle reste avant tout un support. Traktor nous permet quelque chose de génial, utiliser des promos, des sons que personnes d’autres n’a et que nous seul ou presque à jouer. C’est un peu ça aussi être dj, aller fouiner pour trouver des trucs inconnus et se faire son propre univers, non ?

Quels sont vos adresses personnelles pour acheter quelques vinyles ? Où allez-vous lorsque vous désirer fouiller des bacs ?

Romain : Chez Synchrophone. Après il y aussi La Source, le magasin joignant DDD et Smallville Records Paris. Le magasin est plutôt cool, j’y ai acheté pas mal de skeuds. C’est sympathique de voir s’ouvrir des magasins à Paris.

Je t’avouerai que Decks propose aussi énormément de bonnes choses.

C’est tout aussi pratique de les recevoir chez soi.

Nicolas : J’aime bien aussi me déplacer. C’est amusant car nous achetons plus de vinyles lorsque nous sommes à l’étranger qu’à Paris.

On a beaucoup parlé de complémentarité pour qualifier votre duo. Vous ne vous êtes jamais encore tapé dessus ?

Romain : Non !

Nicolas : On s’est déjà engueulé pendant des sets.

Romain : Surtout lorsque l’un est trop allumé, notamment moi. Il m’est arrivé de jouer complétement bourré… Shame on me ! J’ai eu ma période où j’y allais un peu costaud sur les verres. Vaut mieux ça qu’autre chose mais bon…

Nicolas : Mais bon !... C’est vrai qu’il est malheureusement arrivé de rater des sets. Si l’un de nous n’est pas dedans, que son humeur diffère, voir même une baisse de forme. Parfois nous n’avons pas le temps de nous voir avant et nos délires sont contraires. Mais c’est aussi ce qui peut faire notre force.

Lalie : Mais si je peux me permettre, c’est la force du duo. L’un soutient l’autre et arrive à le remettre dans le droit chemin.

Nicolas : Il nous est arrivé de sortir d’un set énervé. On avait clairement fait de la merde. C’est devenu rare.

Cela vient avec l’expérience.

Romain : Nous sommes deux personnes aux caractères différents. Cela peut partir dans un sens et dans un autre. Mais il faut toujours rester ouvert. On construit un set avec des propositions.

Compte tenu de la dualité de Sucré Salé, faites-vous parfois des back-to-back avec d’autres artistes ?

Romain : On en fait à titre individuel. Le dernier que j’ai fait était un B2B avec Giuseppe à Naples.

Nicolas : On est assez perso.

On va néanmoins casser le duo pour la Label Night du 03 Mai au Showcase. L’un avec Nox, et l’autre avec Marcelo Cura.

Lalie : Tous les DJ du label porteront une toque de cuistot ce soir là !

Cela peut être compliqué pour mettre son casque. Pour clore cette discussion, nous avons pour tradition de poser une question bien précise. Danser toute la nuit, jouer, s’amuser donne nécessairement faim. Quel est votre plat favori pour se remettre d’aplomb le lendemain ?

Romain : Un truc lourd. Le matin, après une longue nuit, il me faut du pain, du beurre, du fromage, des œufs. A la bonne franquette ! Et hop du repars faire la sieste.

Vincent : Moi je préfère un petit-déjeuner préparé par ma femme, avec en fond sonore du Robag Wruhme, du Dominik Eulberg… Des sons un peu perchés, très mélodieux à boire avec son petit café au lait et deux trois tartines.

Merci à vous Sucré Salé. On se voit donc Vendredi pour la réunion FRENCH KITCHEN au showcase. Le mot du jour ?

Romain : Basse !

Nico : beat…

Un grand merci à Lalie, qui a pu organisé cette interview ainsi qu’à notre bien aimé Jack Haze.

Liens :

Sucré Salé sur Soundcloud, Resident Advisor.
French Kitchen sur Soundcloud, Facebook, Resident Advisor.
Le site de French Kitchen

Notre Facebook.

Des Races.

Claire Burelli, la belle attente

2013-04-29T19:03:00.002+02:00

L’artiste française Claire Burelli nous a gentiment invité à se pencher sur son œuvre. Il arrive parfois qu’une gentille lettre se glisse dans notre boite au lettre virtuelle. Je me penche alors avec attention sur les nombreuses photographies que l’on me propose. Je tente d’y déceler l’extraordinaire. Et parmi les vagues d’images qui m’assaillent, il arrive parfois d’être frappée plus soudainement que d’ordinaire. C’est à cette surprise renouvelée que l’on reconnaît une belle photographie.

Qui pourrait bien être Claire Burelli ? Les éléments biographiques manquent, et il ne me reste plus que ses œuvres. C’est qu’au fond, l’artiste est toujours mieux servi par ce qu’il fait que par ce qu’il est. Me voilà donc lancé dans une œuvre à la fois photographique et graphique. Je délaisserai le traits discontinues et autres artifices pour mieux me pencher sur les grains et les couleurs.

Les couleurs, venons-y. De la série « Passé-Composé » se dégage des couleurs pastels qui donnent à Cuba, l’objet photographique, une terne romance. On retrouve dans l’ensemble des clichés le même vert sauvage, le bleu turquoise, comme bienveillant, qui habille l’homme et le gris terreux, presque poussiéreux du bitume. Claire Burelli donne la part belle à l’interprétation du spectateur. L’artiste n’impose pas sa vue. La série se dit être à mi-chemin « entre le carnet de voyage et le documentaire ». Ce serait aussi oublier l’aspect fantastique. Cuba se révèle être un espace quelque peu mystérieux. On se plonge dans une ville intrigante. Ou bien est-ce mon imagination, mon interprétation des clichés qui me suggère cela ? Claire Burelli joue gentiment avec les idées du spectateur.

Elle pose avec justesse la question de la compréhension d’une autre culture. « Comment peut-on comprendre un pays dans lequel on ne vit pas ? ». A partir de quel moment arrive t-on à le comprendre ? Les photographies prises suggèrent-elles des idées préconçues d’une île fantasmée ? À cela on ne peut y répondre. Mais la photographie est loin d’être naïve. Chaque photographie raconte sa douce histoire. Cette phrase aussi semble naïve. Il n’y a pas de mal à retrouver le naturel.

Le noir et blanc reprend le dessus dans la série « Intervalles ». La photographe se déplace alors, pour saisir dans l’immédiat, ce qui ne bouge pas. L’attente est photographiée sur le vif. Les hommes se prélassent dans l’attente d’un rien. C’est l’heure particulière des siestes, où plus rien ne bouge. Quel merveilleux temps que celui de la sieste ! C’est un instant de photographie magique. La vie est comme suspendue à la tranquillité des hommes.

La ville est elle aussi arrêtée. Elle ne semble plus évoluer, comme emmuré dans un temps. Le progrès n’a pas d’emprise sur elle, on n’y voit aucun signe de notre si chère modernité. L’archaïsme du naturel se révèle. La photographe capture avec merveille les rues et la broussaille, comme le faisait si bien Manuel Alvarez Bravo. « Intervalles » est sans nul doute la série que je préfère. Il ressort de chaque image une beauté merveilleuse. Que dire de ces balançoires suspendues ? Elles aussi attendent qu’on les chevauche. Elles attendent, encore et toujours.

le site de Claire Burelli

Des Races.

Teenage - Joseph Szabo

2013-04-28T20:25:00.001+02:00

On connait bien Larry Clark et son obsession parfois très critiquée pour la jeunesse et les drogues.
Son exposition avait d'ailleurs été interdite au moins de 18 ans. Volonté de ne pas polémiquer oblige.
La jeunesse s'avère être un thème récurrent chez les photographes à la fois fascinante et décomplexée.
Ce désir d'aller rechercher dans son passé à travers la vie d'autres personnes, Joseph Szabo excelle dans le cadrage, le moment choisi, une insouciance ressort de ces clichés en noir et blanc.
La jeunesse d'antan n'est sans aucun doute pas la même que celle que nous connaissons aujourd'hui, tout a évolué, les moeurs ont changé mais cette liberté unique est illustrée avec légèreté et sans complexes par ce photographe de l'ancien temps.

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Thibault

What a sleepy Monday

2013-04-22T10:31:00.000+02:00

Il y a ces jours où notre souhait le plus cher serait de rester au fond sa couette chaude en ayant l'esprit tranquille, sans se soucier des conséquences de ce choix délibéré.
Nos cernes décrivent une fatigue insoupçonnée, nos membres sont frêles et les hésitations sont nombreuses, notre mémoire se voit avancer d'une vingtaine d'années dans le temps, les oublis se multiplient, la maladresse prend le dessus sur notre habituelle habileté.
Ne ferions-nous pas mieux d'éviter au monde extérieur tous nos défauts et rendre honneur à notre lit favori ? La mauvaise foi s'empare de moi tant ma volonté et mon abnégation me font défaut.
Ce paradoxe si particulier de la jeunesse qui s'avère exténuée comparée à ses comparses plus âgés.
Alors prenons notre courage à deux mains et allons affronter cette table qui fera office d'oreiller.
Et dans cette situation particulière, ce meuble aussi laid soit-il, aussi inconfortable se révèle être le meilleur ami de l'Homme.

Love Your Brother - The Deep

My Paradise - Kerri "Kaoz 6:23" Chandler

Prophecy - Jon Charnis

Thibault

Le vide-grenier - Podcast #13

2013-04-18T10:55:00.000+02:00

Le soleil commence à s'installer durablement pour le plus grand bonheur de tous, les gens se dénudent sans aucune gêne apparente, la sueur gagne nos fronts dégarnis, le sourire regagne sa place initiale sur toutes les bouches assoiffées.
Le grand déballage a commencé, il est parfois nécessaire de dire adieu au passé et d'avancer vers de nouveaux horizons. Dans cette optique on se décide à se débarrasser de ses objets poussiéreux et respirant le temps passé, cela fait parfois mal au coeur mais cela finit toujours par soulager sur la durée.
On inspecte chaque recoin, chaque petit indice, des dilemmes s'imposent à nous, le choix est difficile, c'est un crève-coeur. Des millions de questions s'imposent, ces gens là en prendront-ils soin ?
Ai-je vraiment besoin de faire tout ça ?
Cette sorte de thérapie matérielle et complètement subjective a pourtant ses effets.
Une fois ce vide-grenier effectué, on se demande toujours si c'était une bonne idée.
Alors quitte à ne jamais regretter, on décide de garder cette seule chose qui à elle seule pourra nous rappeler les années qui sont désormais derrière nous et de laisser le reste aux mains d'étrangers.

Thibault

Joakim Eskildsen ou l'humaine humilité

2013-04-11T11:49:00.003+02:00

Il subsiste un quelque chose de perturbant dans cette maison. La lumière qui s'y dégage peut-être, comme éclatante, contrastant avec la pauvreté apparente de la maison. De même, les épais feuillages et broussailles étouffent un jardin déjà bien à l'étroit. Il reste enfin cette porte du premier étage, qu'on ouvre avec absurdité sur le vide. Cette maison là est bien étrange, oui. Elle me rappelle celle du petit Charlie dans l'oeuvre de Roald Dahl. La maison du pauvre, de l'humilité et qui cache les trésors d'une belle humanité.

C'est de cette humaine humilité que traitent les photographies de Joakim Eskildsen. Né à Copenhague en 1971. Elève de Rigmor Mydstkov, le photographe de la famille royale danoise, il rejoint ensuite l'Université des Arts et du Design d'Helsinski en 1994. Ce faisant, il fait parti du mouvement dite de l'école d'Helsinski comprenant entre autre les photographes comprenant entre autre sa femme Cia Rinne. Depuis quelques années, Joakim Eskildsen vit à Berlin. Son champs d'étude photographique s'est diversifié au cours des années, allant d'objet à caractére autobiographique (Requiem) aux oeuvres plus sociales, telles que les conditions de vie quotidiennes des Roms (The Roma Journeys) ou la misère américaine (American Realities).

À première vue, les photographies de Joakim Eskildsen semblent être mises en scène. Quelle serait la probabilité de rencontrer ce gros homme, confortablement assis sur ces épais bourrelets ? Et pourtant la simple ballade suffit. La photographie doit être cherchée, et non recherchée. Parcourir les routes, " c'est ça la vraie vie " nous dit Eskildsen. De fait, Eskildsen foule routes et campagnes pendant près de six ans pour sa série The Roma Journey. La première motivation vient d'une recherche sincère de l'amitié. Pour bien photographier, il faut se lier avec l'homme ou la femme en face de l'objectif. La confiance doit ressortir. Le spectateur sent la sincérité du contact, la simplicité des échanges. Le gros homme se baignant invite l'autre à se plonger dans son quotidien, avec malice. Cela a pour effet immédiat de soulever la curiosité du spectateur.

L'ensemble des photographies de The Roma Journey donnent une image problematisée de la situation de ces populations tsiganes. Les clichés cassent l'image surfaite des préjugés que l'on transporte avec soi. On y ainsi découvre un peuple oppressé, fragile. Les individus apparaissent à contrario chaleureux, sincère, invitant l'autre à se dévêtir de ses idées préconçues.

Le social demeure une partie majeure de l'oeuvre de Joakim Eskildsen. Il ne faut toutefois pas négliger l'aspect autobiographique de son oeuvre. Dans ses récents travaux intitulés Home Works, Eskildsen photographie sa famille dans différents lieux où il résida durant plusieurs années.

Il faut souligner les couleurs froides, doucereuses. Les cliches dégagent une harmonie, comme une aspiration à la tranquillité. Cet enfant chérubin se promène, drapé comme le serait un ange, dans un jardin d'Eden. Quelle douceur chez cet être. Et comme cela ressort avec majesté.

On redécouvre la tendresse universelle de l'enfant. Cette même tendresse, cette propension à l'amour que Proust décrivait dans Combray. A chacun sa madeleine, celle d'Eskildsen semble être faite des feuilles craquelées de l'automne, des braises virevoltantes dans l'air chaud, des lueurs jetant ombre et lumière sur un être assoupi.

La photographie, comme le font aussi bien d'autre art, donne à l'homme le sentiment de pouvoir exprimer ce qui est universel. Par les mots, par les phrases, on tente vainement de repeindre ce qu'une simple image nous évoque avec force. On s'arrime à l'universel, cette grande montagne qu'ont sur gravir des poètes comme Joakim Eskildsen.

le site de Joakim Eskildsen.

Des Races.

Tale Of Us - Renaissance : The Mix Collection

2013-04-09T18:20:00.000+02:00

Non, le mariage entre Italie et musique électronique ne se résume pas à l'Italo-disco bariolée de la fin du siècle précédent.
Par-delà les clichés transalpins, les milanais Tale Of Us distillent un son superbe depuis leur base berlinoise.
Alors qu'ils balancent actuellement des petites sucreries sur le Web, Carmine et Matteo ont sorti deux mix prodigieux sur le label Renaissance il y a peu, accompagnés des morceaux soigneusement compilés en double disque.
Une collection visiblement ressuscitée par la même occasion et pourtant existant depuis 1994 !
Ce n'est pas sans succès que Renaissance se sera attaché les services du duo italien tant la mesure de leur talent est ici mis en exergue.
Par leur deux mix d'un peu plus d'une heure chacun, Tale Of Us livre une prestation hypnotique, sans être soporifique, avec au menu de belles têtes d'affiches et d'autres obscures à ma connaissance, qu'on citera plus tard de manière non exhaustive.
Sans jamais devenir franchement incisif, les deux heures suivent le même rythme croissant dans l'intensité, bien que le numéro 2 soit plus orienté "tech-house" que le premier, après tout inutile de nettement définir la chose, il suffit de l'écouter !

La première heure s'ouvre avec Gran Cavaliere dans une atmosphère calme et intrigante.
On y retrouvera une géniale production de Tale Of Us accompagné de Clockwork et The/Das, dans le même esprit mystique.
Suivent deux morceaux extraordinaires du Kollektiv Turmstrasse remixés respectivement par Lake People et l'allemand fou Robag Wruhme.
Enfin, parlons de l'étonnant Gold Panda revisité par Baths ainsi que du punchy Simian Mobile Disco qui traînait sur la fin.

Gran Cavaliere - Dancing Alma

Tale Of Us & Clockwork - Life & Death (feat. The/Das)

Kollektiv Turmstrasse - Ordinary (Lake People's Circle Motive Remix)

Kollektiv Turmstrasse - Heimat (Robag's Turmkolle Rekksmow)

Gold Panda - Marriage (Baths Remix)

Simian Mobile Disco - Cerulean

Votre deuxième heure d'écoute démarrera un tantinet plus violemment, vraiment un petit peu, avec Daniel Avery & The Deadstock 33's, inconnus notoires sans compter sur le remix fourni par l'animal sonore qu'est Barnt, multirécidiviste en matière de bizarreries bandantes.

Le talentueux Roman Flügel, également présent précédemment, fera l'honneur d'être ici une seconde fois, suivi de près par Christian Smith qui revoit avec brio Carl Craig.

Osunlade remixe Argy et sa chanteuse Bajka, Lake People est à nouveau à l'appel ainsi que le fabuleux DJ Koze et son omniprésent remix de Herbert, dont on ne se lasse pas.
Notons enfin l'enchaînement avec Seph et en fin d'action le croate Petar Dundov.

Daniel Avery & The Deadstock 33's - Magnetic (Barnt Remix)

Roman Flügel - Softice

Carl Craig - At Les (Christian Smith Hypnotica Remix)

Argy (feat. Bajka) - Upon Ourselves (Osunlade Stripped Mix)

Lake People - Point In Time

Herbert - It's Only (DJ Koze Remix)

Seph - Zoom (Bi)

Petar Dundov - Distant Shores

Au détour de ces deux heures pleinement remplies, vous croiserez également pêle-mêle Robert Hood, Four Tet, Extrawelt ou encore Tin Man. Bref, de la qualité sonore rondement menée et liée par les deux DJ italiens.

A écouter rapidement !

Matthieu

Un mot une image : John Batho

2013-04-08T11:55:00.000+02:00

En ce mois d'Avril, le raffinement des couleurs et la passion pour la lumière sont à l'honneur avec le photographe français John Batho.

Caméléon

Cousinades

Comme une méduse

Les presque-effacés

L'esprit flottant

Les monts Taurus

Comme un doute

Des Races.

Reflet et lumière

2013-04-04T20:34:00.000+02:00

Les photographies d'Emma Louise illustrent parfaitement cette capacité à jouer avec les ombres et la luminosité. Chaque instant saisi donne lieu à un état d'esprit, la paresse, la contemplation ou l'attente,
rien n'est laissé au hasard dans cette recherche de l'harmonie.
Du corps humain à la nature par excellence c'est tout un jeu intelligent qui est mis en place.
Chaque élément déteint sur l'autre pour au final avoir cette influence imagée.
Un univers paisible loin de la tourmente de notre quotidien s'affiche sur chacun des clichés de la photographe qui semble attachée à faire ressortir ce sentiment de liberté.

Sex In The Kitchen - Soul Clap

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Thibault

DJ Koze - Amygdala

2013-03-27T16:42:00.001+01:00

Personnage hors du commun et incontournable de la scène électronique allemande, DJ Koze revient avec un nouvel album près de 8 ans après la sortie de son LP Kosi Comes Around.

La folie peut aussi avoir certains avantages, à l'image d'une pochette d'album (il faut se l'avouer) à vomir où l'énergumène pose fièrement sur son Caribou (rien n'est laissé au hasard vous l'aurez compris) le tout sur un fond rose délicieusement repoussant, DJ Koze reprend du service.
Les bases sont donc posées, Stefan Kozalla n'en fait qu'à sa tête, à l'image de ses interventions musclées pendant des sets où l'on m'a raconté qu'il s'amusait à couper le son intentionnellement dans l'optique de recevoir les multiples insultes d'un public chauffé à blanc.
Rien de plus normal donc que d'intituler cet album Amygdala mais au-délà des facéties multiples de l'artiste on a ici l'un des albums les plus travaillés et fournis de la décennie.
Et je pèse mes mots avec douceur pour ne pas paraître trop impliqué.
Par où commencer ? DJ Koze a eu l'initiative d'inviter de gros noms pour l'épauler dans ce long chemin de la discorde, Daniel V. Snaith le Caribou, Matthew Dear, Apparat ou encore Dirk Von Lowtzow se joignent à la danse délirante.
Amygdala s'avère être d'une densité incroyablement surprenante, 13 titres qui touchent sensiblement à tous les genres pendant une partion de seconde.
Bien entendu cet LP est orienté Techno mais une Techno à la fois lancinante et douce où les sonorités sont si différentes et tellement originales qu'on se perd facilement dans un fourmillement d'idées.
DJ Koze est sans doute un génie moderne, incompris dans un sens et terriblement original parfois à la limite de la démence.
Tout est bon à prendre dans un univers qui regorge d'initiatives burlesques et osées.

L'homme passionné a assurément trouvé le titre de la décennie, certains y verront du mépris déguisé et d'autres un clin d'oeil aux adeptes de la recherche musicale intense mais Track ID Anyone? ouvre avec brio cet album haut en couleurs avec la participation de Caribou.
Sombre dans sa progression et rythmé frénétiquement, à cela s'ajoute les cloches et notes s'agitant autour de cette voix toujours aussi apaisante.
Une des particularités de cet album est cette capacité de jongler entre des sonorités enjouées et mélancoliques.
A l'image de Nice Wölkchen et Don't Lose My Mind qui bien que diamétralement opposés gardent cette ligne de conduite impeccable que Koze suit à la perfection.
Ce qui étonne c'est aussi cette multitude d'instruments qui composent chaque titre, les synthés semblent sortis de nul part et certaines sonorités donnent l'impression de venir tout droit d'un autre univers.
Et c'est bien cet univers précis que l'excentrique allemand cherche à matérialiser.
Les vocals prennent une place très importante dans cet album, l'habituelle Techno n'est que très peu souvent ouverte à l'ajout de voix langoureuses mais DJ Koze fait le pari d'un mélange harmonieux et qui tient au final toutes ses promesses.
My Plans et Homesick illustrent cette omniprésence de la parole humaine qui dévoilent une nouvelle facette de l'imaginaire "kozien".
Aux détracteurs de la musique électronique il répond par l'écriture, car ce n'est pas seulement des beats répétitifs et une note qui revient sans cesse mais tout un processus imaginé et créé pour donner vie à une musique complexe. Si une partition devait correspondre à un morceau, elle serait sans doute illisible pour la majorité d'entre nous tant elle dépasse l'imaginaire collectif.
Comme avec Royal Asscher Cut où un instrument totalement inattendu vient accompagner avec joie les percussions rythmées au milieu du morceau.
La Duquesa est à coup sûr le titre le plus abouti de tout l'album, 10 longues et intenses minutes qui transportent notre corps entier dans des horizons encore méconnus, les sons spatiales s'entrechoquent sans aucune fausse note. Véritable oeuvre d'art, Koze démontre ici tout son savoir-faire et son extrême maturité qu'il a su acquérir tout au long de sa carrière déjà bien remplie.
Visionnaire d'un temps, Koze surprend sans cesse et n'hésite pas à utiliser sa langue natale pour ajouter une nouvelle touche de splendeur et d'originalité.
Ce n'est qu'une interprétation parmi tant d'autres mais Das Wort me rappelle ces contes de Noël qu'on a pu entendre dans notre enfance, entre crainte et attirance, notre imaginaire ne cesse de travailler.
Il y a certains aspects qui provoquent une mélancolie apparente malgré tout nos sens restent en éveil et réagissent positivement à l'écoute d'un tableau musical que Stefan Kozella dépeint avec volupté.

Rien n'est à jeter dans Amygdala, d'une variété inédite et d'une excentricité sans égale.
Et pourtant DJ Koze continuera à s'attirer les foudres des critiques mais peu importe il a enfin su s'affirmer musicalement et à vrai dire cela ne l'atteindra sans doute jamais.

Thibault

A conversation with Mike Sharon

2013-03-26T18:52:00.000+01:00

I can easily remember the day when I first hear Mike Sharon productions. My friend Thibault shared with me his discovery. Since that day, Mike Sharon's fresh sounds has sent the tempo of our days.

Seventeen years old ago, Mike Sharon was introduced to house music by his older brother. His passion for music has grown as fast as his talent. We had recently the chance to discover one of our favorite artist. His productions are beloved in our pages. Here is a chance to discover a talented artist and an exceptional man.

* * *

H5: Hi Mike, I hope you’re all right! You told me yesterday that you were working today, while it’s Sunday.

Mike: I’m well and you mate? Yeah, here it goes from Sunday till Friday.

H5: So you only have your Saturdays to slow down, right?

Mike: Yeah, and a half day on Friday. But tomorrow begins our holidays here in Israel. But I’m not going to rest. I’ll stay at home doing music.

H5: You told me you had lots of projects to finish. Could you tell us a bit more about them?

Mike: One is coming up very soon for a nice label called Traxx Underground. The label is runned by Salvator Poliscatrese (a.k.a Samann). He’s a great man. I like a lot the sound of the label. Another project will be released on Skylax Records. These are my next releases. And my track “ Under the bridge “ will be released in a compilation for the US Room Control label. It’s also a great label. I’ve made this production for them.

H5: Let’s speak a bit of you. You’re currently living in Tel-Aviv, isn’t it?

Mike: I am. I’ve been moving here from Canada, where I’ve lived for a long time. But I’m currently in Tel-Aviv. I don’t know how much time I will live here.

H5: Could you tell us a bit more about the Tel-Aviv electronic scene? How’s the scene in Israel?

Mike: In general it’s great. Comparing to Canada, it’s different! The scene in Tel Aviv is great. There is one big club called the Block where I spent a lot of time. But lately the police wanted to close the club, among with few others clubs. That’s too bad…

H5: Why did the police want to shut down the clubs?

Mike: Drugs, you know… Apparently people were doing drugs deals inside the clubs. But as a citizen here, I see worse things down the street. I don’t think they should shut the clubs down.

H5: They could have spent their time differently instead of shutting down the club.

Mike: Even if people take some drugs in nightclubs, there are not like junkies or freaks. They go to the party, to release themselves from the stress of the week. They are working people. It’s not as if they were shooting him right on the street, like that, and then going to the party. This never happened. It’s a different kind of people.

H5: It reminds me of a chat I had with Axel Boman. Swedish people had the same issues in Stockholm. The police were shutting down the clubs because of the drugs. That’s too bad.

Mike: Besides that, the owner of The Block makes a lot of money, that’s maybe why. They actually shut down 5 or 6 clubs for thirty days, not just The Block. But 6 clubs! And only The Block has an extra restriction of closing because it’s the biggest club. It’s the most successful one.

Actually, it’s a special club for me. When I want to have fun, I go out there.

H5: Have you ever played at The Block?

Mike: Actually no. But I’ll have a gig next month at Bootleg with Sammy Dee from Perlon. We’re going to hit the jams together; it’s going to be nice.

H5: I’m sure it will. I’ve noticed through your Facebook page that you were a great fan of Kerri Chandler, Ron Trent, and Theo Parrish. No doubt that we deeply loved them here. What are your influences, by any genre?

Mike: Ouuff, It’s a long story … to name a few I could say St-Germain, as one of my biggest influence. When I was a kid, my brother brought me his cds.

H5: The same brother that makes you discover house music, isn’t?

Mike: Yeah, my bigger brother was the one who brought it to my ears. Later on, it was some stuff on TV, some friends… Then I got my first turntable while I was very young. I had first synthesiser too. I’m recording music since I am fifteen years old. Now I’m twenty-seven, I’m not young anymore.

H5: You are! And it doesn’t change anything. I saw Jus-Ed a week ago at Concrete, in Paris. I think he’s about fifty years old right now, and he’s younger as ever! He’s such a dynamic person.

Mike: Yeah, Jus-Ed! He was supporting my music back in 2009. He used to play one of my tracks during his Underground Quality shows in Detroit. Regarding my age, I had much history behind me. I made vinyls since I’m eighteen years old, and now I’m twenty-seven. Last year was a huge step for me, as people discovered Mike Sharon.

H5: You released the “ I Feel You “ EP on Local Talk for instance.

Mike: It’s my last release. It’s a huge label. But I think they also knew who I am. I’ve done some really nice productions back then. You should listen to my stuff on Sushitech. These productions are now hard to find. They were only released on vinyl’s, not in digital. It’s mostly on vinyl.

H5: You mentioned Sushitech, but your productions were also released on Sub static. Could you tell us a bit more on what these labels have done for you?

Mike: Sub static, wow! They were a great inspiration for my friend Falko (Falko Brocksieper) when I was eighteen years old. Like many others one, Richie Haw tin, Magda. So I went into this German sound, this unique sound. I am no longer in touch with them. But when I lived in Berlin, it was so nice to meet them.

H5: I didn’t know that you were living in Berlin.

Mike: Yeah, I was living in Berlin as well. Basically, I was taking inspiration in this city. One of my favourite clubs there is the Panorama Bar/Berghain, of course. And it’s still one of the greatest clubs.

H5: Well, that’s a chance I didn’t get. I was too young to go in, unfortunately…

Mike: There were also the Watergate, the Wilden Renate. The scene is so open. It’s an electronic city as well.

H5: No doubt about it. Let’s get back to your productions. One of my favourite is I Feel You. How did you produce it? How did you find these amazing samples?

Mike: Ow. This is interesting. I actually take a vocal from a seventies acapella called “Sanctuary of Love” by Zhana. But I was also inspired from one of my mid-90’s track. I tried to give this track another level. I’ve completely changed it in order to give my vision. I took it few levels ahead. And people said the track was amazing.

We have to remind us that I have a history behind me. When I was a little kid, I used to go to nightclubs and promote parties in Jerusalem. In Jerusalem, it was so tight. The scene was really good. People were actually going from Tel-Aviv to Jerusalem to party. My guys and me had the right environment to grow up into this music. We knew, and we still do, what is right or what is wrong. This explains why it’s hard for me to fail when I make a track, just because of this environment. When someone listens to one of my track, I want him or her to feel it good.

H5: I was also wondering what gear are you using.

Mike: I have two great monitors by Adam called E-7. For reference, I’m using very cheap monitors. I won’t even say they name, it’s only to compare the sound. I used a very cheap company.

But what I do have is a Yamaha CS6X, which is a really tied synthesiser. I used to have MPC-1000 but I’ve sold it about eight months ago. Actually, I’ve been working in massive studios, especially when I was in Berlin. I’ve earned pretty nice knowledge. At the moment, I’m using Ableton Live.

H5: We were also wondering how do you manage to keep producing with such a constant rhythm?

Mike: Well, that is the secret… Everybody’s asking. regarding the years 2010 - 2012 I had been stop making releases to make more concentration to study  Ableton Live, I had been working on Cubase till than but had the  feeling i need to come to another level. Every artists has its own methods … And I had to know what my methods was. It’s the biggest part for an artist. If you don’t have this method to serve the inspiration, you won’t go further. You will just stop.

Now I can work on my steady job the whole week and come back home, sitting around two or three hours, and make a bomb. I’ve always had the inspiration, but once that I got the knowledge; I was able to make music the whole week.

H5: The idea is growing slowly in your head the whole week, just waiting to spring.

Mike: Yeah a bit likes that. To come back on Ableton, it makes things easier. Once that you have become a master, things goes faster. I can sit down whenever I have time and make a track. It’s not a problem to make a good track. I think it’s easy to make good music nowadays once that you have the knowledge.

H5: As soon as you’re talented.

Mike: Yeah, I’m doing that, you know (laughing).

H5: Few years ago, you were also part of a duo called Soulmate.

Mike: Soulmate isn’t alive now. I had this project with the Sushitech owner, Yossi Amoyal. We grew up together and had the same taste for music. I used to work for Sushitech, as label artist as I worked for Sub Static. It was the time where I choose music. A lot of people of my age would sit down at their friend’s home, doing nothing, drinking beers and watching soccer. It wasn’t my thing. And it’s still not my thing.

H5: Does it mean that you don’t like beer?

Mike: (laughing) No, I like beer, but only when I’m out.

Regarding Sushitech and Yossi Amoyal, the project won’t continue. It was only one track on a compilation. Chez Damier remixed the track. But I am no longer friend with the Sushitech crew, for many reasons. I think it’s better for me to go on my own. I have the right talent to do so, and the right direction to success.

H5: Well, we could say it’s a good choice.

Mike: Everybody is happy about it.

H5: To complete this nice conversation, here are two final questions. What was the last record you bought?

Mike: That’s an interesting question. The last one was in Canada. And it was my Local Talk releases (“ I Feel You “). I took some time for the delivery to arrive, and I needed to give some souvenir to my friends there. So I bought like five records and offer them.

Actually, are you into music yourself?

H5: Not at all. I’m only a listener. I honestly doubt about my ability to make music, and prefer to write down my feelings about music. Sometime I’m just writing on other subjects.

Mike: Writing is important too. I’m writing too, I think it’s very expressive. I’m also painting.

H5: That’s nice, are you a painter too?

Mike: I’m a painter as well. But I won’t show you. Actually I don’t paint but draw. I do some sick stuff, and you might have the chance to discover it soon. But not now, it’s a secret … but I’ve chosen music. I’ve got all this skills but I choose strictly music. It’s my goal and I don’t have any regrets about it. I’m doing it for fun!

Painting is nice. I could try to learn. When I was studying Arts, they taught me. But it took me four years of my life. Four years putting music aside.

H5: Can’t wait to see that!

Paris is still waiting for you. You haven’t visited us yet.

Mike: Not yet… I had an offer to play on the 8^th of June, but it’s complicated to book me as I lived in Israel. I was supposed to play at La Villette Enchantée.

H5: Too bad, it’s a charming club actually. I’m sure you will come one day!

Mike: I really hope so.

H5: As you might know, we love food and wine here in France. Partying, Dancing, having fun can lead you to eat a horse. So, what’s your special meal after throwing a good party?

Mike: Pasta & i can deal with almost any kind of red wine, hehe.

H5: Well, thanks a lot! Looking forward to hear your fresh sounds.

Mike: Thank you too! Bye

Interview by Des Races.

L'ombre d'elle-même - Podcast #12

2013-03-25T11:59:00.002+01:00

Ces derniers temps le soleil ne parvenait pas à se montrer aux yeux du monde, la grisaille s'emparait peu à peu de chaque habitant et les sourires auparavant joyeux ne nourrissaient plus aucun désir.

Les gens s'accordaient à dire qu'un rayon de lumière était synonyme d'espoir, le moral était au fond du gouffre en compagnie de certains sympathisants déjà présents depuis longtemps.

Seule cette jeune femme aux yeux verdoyants pouvait prétendre à une condition meilleure, de par son allure naturelle et sa parole réfléchie.

Son apparence saine et travaillée reflétait un état d'esprit irréprochable, une volonté sans égale, une ténacité rare. Mais comme beaucoup le redoutait, elle n'avait plus les idées en place, la rumeur disait qu'elle commençait à perdre tout ce qui faisait d'elle ce personnage unique qui à lui seul pouvait éclairer tout une ville laissée à l'abandon.

Dans la tourmente, rien n'a plus de pouvoir que la lumière pour éclairer les esprits.

L'ombre n'a aucun mérite et pousse l'homme à s'isoler et à quitter son habitat naturel.

La jeune femme se devait de retrouver cette flamme qui jaillissait en elle, ce pouvoir si particulier de danser, de faire ressentir.

Sans jamais se mentir à elle-même elle parvenait à se sortir du piège sombre et profondément vicieux que le temps lui avait tendu.

Son aura redevenait sienne et elle pouvait à nouveau faire vivre les gens par son talent.

Thibault

Joel Meyerowitz à la Maison Européenne de la Photographie

2013-03-20T18:11:00.001+01:00

Depuis le 23 Janvier et jusqu’au 7 avril, la Maison Européenne de la Photographie offre à Paris une rétrospective de l’artiste américain Joel Meyerowitz.

Né dans le Bronx en en 1938, Joel Meyerowitz est considéré comme l’un des pionniers de la photographie en couleur. On le décrit comme l’archétype de l’homme curieux, qui découvre autant qu’il dépeint les différentes facettes de son époque. Joel Meyerowitz est comme le « chainon manquant » entre la photographie en noir et blanc et la photographie couleur.

La rétrospective accueille les visiteurs avec le grand tirage « Air/Water ». En face de cette photographie, on peut lire que le photographe prise particulièrement les couleurs éclatées. Et en effet, à la vue de cette femme portée gracieusement par l’eau, comme soulevée d’elle même, les couleurs sont belle et bien magnifiques. Les bulles et l’air entourant la nageuse lui confèrent une force naturelle. Le cliché donne le ton de l’exposition, il est impressionnant. Le contempler longuement est un plaisir.

Viennent naturellement les débuts (1962-1963) du photographe. Joel Meyerowitz hésite encore, entre noir et blancs et couleurs. Les photographies montre des scènes de rue, des flâneurs sur les bords des trottoirs. New-York dans sa tranquillité, ses gens inoccupées. Quelques photographies prêtent intentionnellement à sourire, tel que cette femme derrière un comptoir dont le visage est masqué par l’ouverture. Ou bien ce baiser presque mise en scène, et ce titre ironique « kiss me stupid » qui administre les amoureux.

Les débuts photographiques de Joel Meyerowitz sont plaisants. Il transpire un charme naturel, et l’on sent le photographe transporté par une époque insouciante, comme libérée.

Après avoir observé Robert Frank le temps d’une journée, Meyerowitz comprend qu’il lui faut « bouger et photographier ». Se mouvoir dans la ville, arpenter les artères de l’Amérique s’avère essentiel. La photographie s’abrite alors derrière des objets loufoques, souligne l’ordinaire d’une situation pour montrer sa légère absurdité.

Et puis la guerre survient. Ou bien plutôt, la guerre se passe. L’Amérique « marche » comme une vielle voiture qui roule malgré tout. Le Vietnam ne semble pas avoir de prise sur les êtres photographiés par Meyerowitz. Cette jeune fille semble tantôt insouciante, ce jeune homme là apparait indifférent, cette époque là est comme inconsciente de ce qui se passe plus loin. Meyerowitz souligne sans jamais critiquer l’indifférence qui traverse une Amérique jeune et festive, une Amérique pourtant plongée dans la guerre. Cette guerre qui pourtant marquera fortement l’esprit américain par la suite, de Michael Herr à Stanley Kubrick.

Les plaisirs simples sont photographiés dans une couleur éclatante. Il faut admirer les jaunes et beiges ensoleillés capturés par le 35mm. Les années 70 apparaissent lisses à l’image de cette femme conduisant. Elle semble parfaite, sublime, d’une beauté sensuelle.

Son voyage en Europe de 1966 à 1967 est peut-être le moment lui donnant foi en la couleur. Il passe cette année à visiter les quatre coins du Vieux Continent. Naples, Rome, Paris sous toutes ses coutures, l’Espagne terreuse et même la Turquie. L’Europe le conforte en tant qu’ « artiste et homme ».

Les apparences silencieuses de Naples, qu’un mariage ne réveille guère. Et ces nombreux portraits de Paris, comme une déclaration d’amour. C’est ce typique empressement parisien, d’abord, qui foudroie le spectateur. Cet homme affalé, pris dans une chute et qu’un livreur enjambe avec hâte. Une scène extraordinaire capturée sur le vif. Ah, cette hâte parisienne. Et les flaques d’eaux des Tuileries, elles n’ont pas changé. Là s’affirme avec force la volonté de Meyerowitz. La photographie semble être toujours en mouvement. Elle ne capture que des scènes de vie, jamais mise en scène. Des moments précieux, amusant, qui attire inéluctablement le regard.

Le voyage européen donne aussi à voir l’Espagne pourtant encore franquiste. On dirait par moment les peintures de Goya, tant la photo éblouit. Du cliché capturant un cheval affalé, on croit saisir l’étonnement primaire qui saisit les témoins attablés.

Le voyage en Europe donne une intime conviction au photographe. La couleur exprime bien plus que le noir et blanc, en témoigne ces comparaisons commençant la série « Dans la lumière ». La couleur est plus vive, elle donne davantage d’informations, de profondeur aux clichés. Elle imprime les particularités, elle dessine les caractères.

Et la couleur est parfois juste sublime, telle que ces paysages américains. « Roseville Cottage », « Dairyland », « Provincetown », impossible de choisir.

Les paysages apaisés remplacent les scènes de vie new-yorkaises. Une impression calme se dégage de l’ensemble de ces photographies. Les couleurs semblent s’étaler, à l’exemple de ces derniers instants du jour. L’architecture américaine est aussi à l’honneur, avec les clichés « New Jersey », « St Lows ». La photographie ne se fixe jamais, alternant entre campagnes, front de mers et villes.

La photographie de Joel Meyerowitz ne s’arrête pas aux paysages. La série « face à face » montre des portraits fascinants. Meyerowitz capture en chaque être ce qui est fascinant. Cette rousse, « Sarah » qui semble éclater de vie.

Viennent enfin des clichés récents, et capturant le World Trade Center peu après l’attentat du 9/11. Ces clichés sont les seuls témoignant de l’immédiat après 9/11. Meyerowitz fut le seul photographe autorisé à arpenter les lieux, et ce pendant des mois. Contre intuitivement, les photographies ne témoignent aucunement d’un abattement. Au contraire, les hommes et femmes semblent affairés à se redresser. Les scènes parfois fantomatiques contrastent avec un sens du collectif qui transparait. Il ne semble pas y avoir de place pour la désolation. Et toujours, toujours, la couleur. La couleur, là, pour magnifier une ville, un paysage, un pays même désolé.

Le site de la MEP
Le site de Joel Meyerowitz

Des Races.

The Strokes - Comedown Machine

2013-03-20T12:07:00.001+01:00

Parlons de rock, ça fait longtemps, très longtemps.
Faut dire qu'on s'emmerde clairement sur cette scène actuellement, du moins du peu qu'il m'est donné de suivre, mais un espoir de lumière jaillit au fond du tunnel.
Les STROKES bon sang, pour certains encore une bande de connards à guitares, et pour d'autres la nostalgie d'une jeunesse passée à chantonner leurs refrains.
Pour moi, c'est une chanson intrigante et impossible à trouver de cette putain de pub EDF, puis l'achat de Is This It (2001), un peu en retard certes, mais peu importe, qui a allumé la flamme.
Et la découverte du reste a suivi.

En 2011, on a eu le droit à Angles qui, objectivement, était loin d'être splendide, puait la tension au sein du groupe et partait dans une direction électronique et pop assez mal maîtrisée.
Enfin, c'était un retour au travail après une longue absence, un nouveau contact, voir un album de transition ? On ne pouvait que se féliciter d'un tel come-back et de quelques pépites tout de même (Taken For A Fool, Life Is Simple In The Moonlight).
Les new-yorkais nous avaient promis de vite, vite retourner en studios et avait insisté là-dessus, s'excusant presque à l'avance de l'album mitigé alors dans les bacs.
Autant dire que tout le monde les attend au tournant, avec excitation mais appréhension.
Un album de génie ? Une merde inaudible ? Une suite logique dans la métamorphose du son des Strokes ? Allons écouter.

On reparlera des deux titres lâchés sur Internet avant la sortie de l'album mais autant dire qu'ils nous laissaient dans le vague avec un All The Time accompagné de grosses guitares grasses et un One Way Trigger très électronique au chant falsetto de Julian Casablancas.
Clairement, Comedown Machine s'avère être un savant, et plutôt réussi, mix de ces deux styles.
On dirait que les Strokes chassent leurs démons, se retrouvent, se marrent et en même temps progressent vers quelque chose de nouveau.
Pas besoin de s'attendre à un chef d'oeuvre, mais cet album donne une légère, mais pressante, envie de déféquer sur ceux qui condamnaient ce groupe.
Oh oui je prend ça à coeur.

D'emblée, il faut annoncer qu'on reste très indécis à une première écoute, mais la deuxième est la bonne. De toute façon, l'envie vous viendra rapidement d'y retourner pour se faire une idée définitive. Les lignes mélodiques sont plus complexes et plus travaillées, on est loin du style épuré d'il y a dix ans mais aussi de la surproduction qu'a pu subir un Angles.

Tap Out : Le coup de coeur de l'album. Gros son !

All The Time : Du Strokes qui cogne style Room On Fire, minimaliste, simple. Pas mal.

One Way Trigger : A la première découverte c'était la stupéfaction, le drame, tout ça. Les Strokes ont traîné avec Marty McFly et sont restés bloqués avec A-Ha dans les années 80.
Puis on s'y fait.

Welcome To Japan : Une horreur au premier abord qu'on finit par beaucoup apprécier dès la seconde. Carrément étonnant, difficile à décrire et pourtant rien d'hyper original à part une superposition et un enchaînement assez complexe de mélodies sans véritable refrain.

80's Comedown Machine : Vous trouverez au moins une ballade dans chaque album Strokes. Autant annoncer que celle-ci est surprenante, on savait Casablancas addict aux claviers, et plus particulièrement au mellotron.
A croire qu'il s'est beaucoup entraîné, et c'est réussi. Très sympathique

50/50 : Symbolise peut-être un album comme un bon délire entre potes, et pourtant c'est vraiment nul. Un truc punk bien dégueulasse et beauf. 1er raté

Slow Animals : Peut-être le nouveau son des Strokes ? Casablancas semble abandonner définitivement sa voix de crooner alcoolique de la dernière décennie pour un timbre plus aérien avec
un refrain à l'ancienne, un break électronique et des couplets mélancoliques en mode Phoenix.

Partners In Crime : Ca part fort et ça cogne rapidement. On aurait pu trouver celle-ci sur Angles mais ça reste très agréable, particulièrement les espèces de breaks avant chaque couplet.

Chances : De la dream-pop, ou un truc comme ça. Qui l'aurait cru ? Très belle chanson.
On a peut-être encore un peu de mal à se faire au falsetto de JC à la limite.

Happy Ending : On a ici le droit à un refrain incroyablement entraînant. Une ambiance années 80 enveloppe encore le gâteau avec des claviers ça et là accompagnant des guitares funky.

Call It Fate, Call It Karma : Le voilà l'OVNI. Sorte de son jazz crachant d'un gramophone des années 30 agrémenté d'un beau refrain. Génial.

Perdrez-vous 40 minutes (x2) de votre temps à l'écoute de cet opus ?
Certainement pas.
Est-il mieux que les précédents ? Finalement, impossible de répondre puisque c'est très différent mais cette fois-ci en étant réussi contrairement à Angles.
On clôture la trilogie des années 2000, on nomme Angles "album de transition" (celui que les puristes kifferont pour faire les malins dans 50 ans, alors qu'en fait il est franchement pas terrible) et on ouvre un nouveau chapitre messieurs ?

L'album en écoute intégrale sur Pitchfork ICI
Le clip de All The Time LA

Matthieu

Report : Concrete (17/03/13)

2013-03-19T19:46:00.002+01:00

De nature quelque peu flemmarde, on s’est rendu en milieu d’après-midi à Asnières pour une Concrète alléchante. Tôt le matin, Jesper Dahlback avait (re)cueillis tôt les plus fêtards.. Un peu plus tard, la ravissante Molly se remettait aux platines, elle qui jouait déjà la veille au Rex Club.

Ces derniers mois, Moomin n’avait eu de cesse d’exciter notre intérêt. Charmant en Juin, le temps d’un long set entrainant. Renversant à la Machine aux cotés d’Oliver Deutschmann il y a peu. Et que dire de ses productions, sinon qu’elles respirent la classe. Moomin jouait Dimanche dernier en live pour la première fois en France. Dans une salle bétonnée, comme dénudée, les sons rêveurs et poétiques ont résonné longuement. Le répertoire y est passé entier. Ses mélodies ont vite conquis un public répondant alors avec chaleur. Il fallait voir l’émotion qui transportait chacun de nous, comme une caresse. À l’écoute des titres « You Neva Know », « Valentine », « A day and a Night », les cœurs chavirent facilement.

« Beautiful as your are », « Doobies », « You », voilà de quoi est fait un bon Dimanche.

Le live terminé, il était temps de redescendre voir jouer Tom Trago. Invité surprise, celui-ci finissait son set de façon fort honnête. Trago oscilla entre une techno plutôt sèche, frénétique, quasi-hypnotique et une house bien rythmée. Des voix caverneuses, à l’image du titre « BRTHDTT » de Joy O venait ponctuer le tout. Il me semble aussi avoir entendu l’excellent remix du titre « Only » de Ryan Elliott. Le public de la Concrète semble maintenant bien le connaître, et l’apprécier, après ses nombreux passages. Il faut dire que le cadre de la SIRA se prêtait particulièrement bien à son style incisif.

L’abandon du navire habituel n’est pas sans déplaire. Au cœur d’une zone commerciale, et entourée de quelques buildings, la SIRA détonne avec l’environnement ambiant. Au bas des piliers bétonnés se promènent quelques aventureux. Au loin les amoureux d’un soir se prélassent à même le sol. Les fin-de-carrières eux se trainent avec courage. On évoque souvent Berlin, comme référence mais le lieu me rappelle davantage les warehouses anglaises. Le chemin menant aux deux étages est juché de niches où l’on s’assoit exténué lorsque l’on ne rêvasse pas.

En haut jouait alors Hieroglyph Being. La prestation de l’américain m’a peu convaincu. Peu communicatif, l’homme aux longues dreads s’est contenter de passer – et non d’enchainer – des morceaux qui pourtant semblaient de qualités. La sélection était bonne, rappelant celle des plus beaux jours de Larry Levan au Paradise Garage. Pour autant la qualité du mix m’a semblé bien faible. Pouvait-on même parler de mix ?

Qu’à cela ne tienne, le français et résident Ben Vedren jouait en bas. Récemment signé sur le label de la Concrète, ainsi que sur celui du Minibar, Vedren confirme qu’il est l’un des plus innovants talents de la scène française. Son live fut prenant de bout en bout. Le public, chaleureux, répondait bien et Vedren semblait s’amuser dans une salle comble.

Il faut le dire simplement, nous étions surtout venu pour Jus-Ed. Il y a un an ou presque, Ed avait alors livré un mix incroyable, faite des grands classiques de la house, de morceaux funk tout en n’oubliant pas ses productions. Le chef d’Underground quality revenait au premier rang, et ce de 19h jusqu’à la fin. Ed commença plutôt doucement, à l’image du planant et adorable Matthew Herbert – It’s only (Koze remix). Une version de Blaze se fit entendre. Le ton enjoué, jouant avec la foule, le DJ américain nous pressait de s’activer. Les jambes étaient lourdes pour certains. On oublie pourtant la fatigue. La musique se faisait entrainante. La version live d’I’m Coming était un classique obligé. Ed nous fit l’honneur de découvrir un de ses prochains remix. La belle voix n’étant tout simplement que celle de sa femme, Jenifa Mayanja. Underground Quality était à l’honneur avec les morceaux « I Dare you », « Dum Jams » et ses rythmiques si typiques. L’ensemble était majestueux !

Il est primordial pour un DJ de lire la foule, de la comprendre et de la manier.. Jus Ed est sans aucun doute expert en la matière.

Des Races.

Local Talk - Talking House vol. 1

2013-03-16T18:07:00.001+01:00

(pour écouter les morceaux, cliquer simplement dessus)

Le label suédois Local Talk vient tout juste de sortir sa première compilation réunissant ses meilleures titres. Le label est né de la collaboration de Mad Mats et Tooli et a su réunir depuis 2011 des artistes à la fois talentueux et prometteurs.

Un ami qualifiait récemment Local Talk comme le meilleur label du moment. Il est toujours difficile de juger et classer, néanmoins Local Talk ne déçoit jamais. Le label a récemment signé l'EP " I Feel You " du très cheri ici-bas Mike. Quand aux autres, vous jugerez par vous même.

La compilation Talking House vol.1 s'ouvre sur le morceau " The Grit " d'Actual Proof (plus connu sous le nom d'Opolopo). D'emblée, un son house assez jazzy se fait entendre. Sorti il y a deux ans, le morceau n'a pas perdu de sa fraîcheur. Une voix filtrée, presque caverneuse survole une basse funky. C'est entraînant comme jamais !

Actual Proof - The Grit

On retrouve ensuite Kyoday et son titre " Breaking ". Le morceau porte bien son nom, puisqu'après une montée progressive, les rythmiques, pianos et voix répétés encore et encore, tout cela prennent le dessus. Le temps d'un break, voilà le morceau reparti. Terriblement efficace.

Kyoday - Breaking

Il faut se l'avouer rapidement, la compilation est simplement excellente. Aucun morceau n'est en dessous d'un autre. Le " Heart Attack " de Tanzlife transporte poétiquement l'auditeur tout en lui imposant de danser frénétiquement. " Moody " de Dirtytwo charme dés les premières notes. Le morceau est admirablement bien construit, puissant sans jamais se délaisser d'une certaine subtilité.

HNNY - For the Very First Time

" For the Very First Time " laisse entrevoir une ligne directrice dans les morceaux choisis par le label. C'est l'affaire d'une boucle, d'un son répété mille fois auquel on accole une voix suave. La recette peut paraître simple, trop facile. Et pourtant chaque morceau s'avère être troublant. Chaque morceau est d'une qualité indéniable.

Le morceau de Willie Graff et Tuccillo casse pourtant avec la recette donnée ci-dessus. Au son joyeux de " Sunday Morning ", on s'imagine une ballade euphorique, fantastique, fantasmée.

Andreas Saag - Back to life (Full mix)

" First Time House " du français Fulbert rappelle cette house anglaise que distille avec merveille l'anglais James Johnston. On le sait adepte du label suédois.

La compilation finit merveilleusement bien. Steaw qui jouera chez les amis de D.ko le 31 Mars régale avec " Sky Hunt ". Le meilleur vient pour la fin. Andreas Saag et sa version full mix du titre " Back to Life " semble être simplement épique. Un classic. Il y a un peu de tout là dedans. Un peu de tout dans cette compilation, parfaite en tout point.

Des races.

Moomin - A Day And Night EP

2013-03-04T16:27:00.002+01:00

C'est seulement en 2010 que Moomin se montrait pour la 1ère fois aux yeux du monde avec la sortie d'un EP en compagnie du fantasque Oskar Offermann sur le label Aim.

Depuis il a parcouru un petit bout chemin, avec notamment l'album The Story About You qui définit avec passion l'irréel sur Smallville Records et quelques sorties minimes mais par pour autant passées inaperçues.

Ce n'est pas tout il aussi formé un duo avec Christopher Rau répondant au nom de Roaming, expérimental, scientifique, le live à l'EGO d'Hamburg m'a marqué à vie tant une tranquillité et une maîtrise si spéciales se dégagent d'une heure de présence réussie de bout en bout.

Alors pourquoi évoquer ce live ? Tout simplement car un morceau de A Day And Night EP y apparaissait et je n'en pouvais plus d'attendre sa sortie.
Maintenant que cela est fait, je peux une nouvelle fois faire l'éloge du phénomène Moomin.
J'ai eu la chance de le voir à deux reprises en DJ set mais jamais en live avec toujours une sélection originale et parfaite de morceaux dansants et enivrants.
L'énergumène dégage une sérénité sans pareille, jamais dans l'excès, si vous le croisez dans la rue jamais il ne vous viendrait à l'idée que cette personne puisse mixer dans les plus grands clubs d'Europe (Robert Johnson, Panorama Bar, Watergate, Rex Club et j'en passe).
Par où commencer ?
Peut-être par le meilleur à vrai dire, le titre éponyme A Day And Night est un rêve éveillé, c'est sans doute ainsi que l'on pourrait symboliser l'art musical. Cela relève du génie, le synthé est d'une beauté incomparable et le morceau a beau être un brin répétitif le voyage n'est que plus mémorable.
You Neva Know nous amène d'un univers où s'entremêle musique électronique avec des percussions rythmées et une voix qui rappelle les discours à la radio du siècle dernier, le piano mélancolique s'accorde avec ces éléments et on ne peut se lasser d'écouter en boucle cette phrase qui interpelle.
Enfin le dernier titre What My Eyes Can See illustre une certaine montée en puissance, les percussions s'accélèrent au fur et à mesure que le morceau s'exécute, on voit à nouveau la maîtrise de l'artiste qui lui seul connaît le fonctionnement des choses et comment elles doivent s'exécuter.

Pour le voir à l'oeuvre en live pour la première fois à Paris, passez à la Concrete du 17 Mars (Jus-Ed sera aussi de la partie) pour vous envoler à nouveau.

Thibault

Lawrence - In A Rush

2013-03-01T13:57:00.002+01:00

L'homme de l'ombre, la partie immergée de l'iceberg, les expressions ne manquent pas pour décrire une personne discrète mais qui a considérablement participé aux changements musicaux que l'on a pu observer ces 15 derniers années au sein de la grande famille électronique.
Et pourtant Lawrence s'avère être le boss du label Dial et co-fondateur de Smallville Records, il sait cacher son jeu et c'est sa façon de se comporter.
Discret aussi dans ses productions malgré la sortie de plusieurs EP par année, le dernier Etoile Du Midi n'avait pas forcément marqué les esprits mais la constance est là et on ne peut critiquer ce fait.
Pour la seconde fois, c'est chez Smallville Records que Lawrence a décidé de sortir un EP intitulé In A Rush, après le fantastique Sorry Sun sorti en 2009.

Toujours dans la sobriété (en témoigne sa manière de mixer), deux morceaux composent In A Rush, rien de moins rien de plus. Et cela s'avère entièrement suffisant.
La simplicité est sans aucun doute le maître mot de cet EP mais il n'en reste pas moins très efficace.
Les deux morceaux démarre pratiquement avec la même ligne de percussions pour au final s'orienter vers des horizons différents.
Tangled Track affiche une montée progressive, un synthé spatial est joué avec une amplitude qui varie à la perfection, l'effet répétitif est recherché et la cohésion du tout s'avère surprenante.
In A Rush se révèle bien plus complexe, laissant rêveur à l'écoute, des pensées s'entrechoquent à son écoute, on reconnaît indéniablement la patte du génie Lawrence, il n'y a rien à ajouter.

Thibault

Isolée - Allowance EP

2013-02-27T11:58:00.002+01:00

On aime bien Pampa Records ainsi que son leader et savant fou DJ Koze, ses productions originales et ses potes Die Vögel et Robag Wruhme.
Cette écurie très Deutschland, ja wohl, compte un autre pur sang : Isolée.

Le francophile de Francfort aime peut-être la solitude, qui sait, tant ce dernier EP respire la mélancolie, sans aller au désespoir.
Soit un habile tour de passe-passe qui confère une douce sensation de rêverie plutôt agréable.
Ouvrez grand vos oreilles, le premier track Allowance s'articule autour d'une mélodie fantastique à la texture grasse mais affinée comme un grand cru.

Notre artiste-vigneron penche ensuite vers l'option "lourde ligne de basse" avec You Could Do Your Memories.

Autre coeur mélodique, autres effets : sensiblement plus calme et nu. Isolée laisse progressivement transpirer une sorte de grattement de guitares avant de vous replonger dans ses nappes à basse fréquence.

Pour achever ce petit mais superbe ouvrage, on découvre dans Wobble une ligne de basse entraînante et rebondissante accompagnée d'une rythmique plus dansante.

Le teuton balance de la sauce plus dancefloor t'as uv, et c'est aussi un franc succès.

Isolée peut aller se remplir de schnaps avec ses potes, il l'a bien mérité.

Matthieu

Retour sur Mr.Nobody

2013-02-27T00:01:00.001+01:00

Mr.Nobody est un film de Jaco Van Dormael, présenté en avant-première à la 66ème édition de la Mostra de Venise en Septembre 2009.

Mr. Nobody Bande-annonce VO

Jaco Van Dormael est un réalisateur belge ayant bientôt 60 ans et uniquement trois long métrages à son actif ; Toto le héros, récompensé par la caméra d'or au festival de Cannes, Le huitième jour, et Mr.Nobody. Metteur en scène de théâtre pour enfants à ses débuts, il est aujourd'hui président d'honneur de l'association des réalisateurs et réalisatrices de films francophones. Son oeuvre est teintée d'onirisme, de charme enfantin, sans perdre en pertinence, ou tomber dans la naïveté. Mêlant le réalisme à la science-fiction, il est surement l'un des plus beau porte-parole de cette fascinante légèreté qui m'est chère. Celle qui, en secret, n'est que vertu.

Si la structure du film est tout sauf linéaire, le réalisateur a choisit avec soin les phrases qui initient le long métrage. Les mots sont ceux de Nemo, qui n'a pas un an et marche difficilement sur le parquet en observant sa mère, et du narrateur ; Nemo, omniscient.

"

Everything we see exist.

We can see it

I can see Mummy's eyes. But I can't see my eyes.

The little baby can see his hands, but he cannot see himself.

So, does he really exist ?

Do I really exist ?

Le ton est donné, la reflexion, philosophique. Comme Descartes en son temps, le réalisateur invite le spectateur à s'interroger sur le réel, sur soi, en remettant en question l'existence même des choses "réelles". Pour mettre en scène ce questionnement, le réalisateur a recours à un artifice temporel. On découvre alors Nemo, vieux de 113 ans, dernier mortel encore en vie sur Terre. Un journaliste curieux, interroge le vieillard s'apprêtant à mourir qui, confus sans être déboussolé, peine à se souvenir de son vécu.

"-I've got nothing to say to you. I'm Mr.Nobody, the man who doesn't exist.

-Do you remember what the world was like before quasi-immortality ?

-What ?

-Telemerisation, endless renewal of cells "

La thématique du film est la matière du discours du vieil homme. Incapable de se souvenir avec certitude de sa vie, il ne sait dire, des vies qui s'offraient à lui, celle qu'il a choisit de vivre. Un choix implique tellement plus qu'une simple selection. Puisque la vie ne va que dans un sens, un choix est irreversible, c'est une orientation. D'autant plus pour Nemo, qu'on nous montre épargné par les Anges de l'oubli. Le conte des Anges de l'oubli est également narré au début du film. Il montre une foule de nouveaux-nés qui ne le sont pas encore. Ils errent innocemment au sein d'une nuée blanche. Ils savent tout, du passé comme du future, avant que les Anges de l'oubli ne déposent leur doigt sur leur bouche pour taire ces vérités et les laisser venir au monde, en laissant par la même une marque sur leurs lèvre supérieure. Nemo lui, est épargné par les Anges, et revendique pendant toute sa vie savoir avec certitude ce qui va se passer, ce qui est impliqué. Un choix est donc d'autant plus cornélien pour lui qu'il en connaît les moindres conséquences. Dépossédé, il est condamné à ne pas faire le choix, à le retarder. Impuissant devant une tarte au pommes ou un éclair au chocolat, il rentre chez lui avec sa pièce dans la main.
Le second ressort principal apparaît donc au spectateur. C'est l'effet papillon, responsable par ailleurs de la rencontre de ses parents. Pour résumer le mal dont Nemo souffre on peut dire qu'oublié par les Anges de l'oubli, Nemo a une connaissance intuitive de l'effet papillon, qui le condamne à ne pas choisir.

"A single snowflake can bend the leaf of the bamboo"

Le début du film est très dense mais féerique, il présente les ressorts avec lesquels le réalisateur s'amuse pour mettre en image la réflexion proposée. Il s'agit d'être fasciné ou intrigué pour poursuivre le visionnage tant la matière, complexe, et le montage, non linéaire, condamnent le spectateur à se laisser bercer. Par moment, des references scientifiques, au Big Bang, sur le temps, l'illusion, l'amour chimique, font des intervalles venant rationaliser cette fausse aliénation. Puis, Nemo grandit.

Il faut s'attarder un peu sur la forme de cette exercice de style. En effet, comment mettre en scène, en images, le seul film peut être plus polyphonique que Magnolia (Paul Thomas Anderson). Avec talent, le réalisateur a recours à une véritable grammaire visuelle. Chaque vie présente un esthétisme, un cadrage, des teintes propres. Le thème aquatique permet le passage d'une vie à l'autre, et la naissance comme là mort, dans une baignoire, ou noyé dans un lac. Les flous esthétiques relaient les plans séquence donnant l'illusion qu'il ne s'agit que d'une vie. Le montage est très audacieux puisque le réalisateur ose parfois montrer différentes scènes successivement vécues de façons opposées, notamment sur le quai de la gare, quand il s'agit pour Nemo de choisir entre sa mère et son père. C'est la voix du narrateur qui détermine la nature du film, celle d'un conte cinématographique. L'identité de chaque vie est aussi assurée par des interludes musicaux, en accord avec le conte, tantôt d'Erik Satie, tantôt de Pierre Van Dormael, le frère du réalisateur.

Au regard du profil de Jared Leto, ayant une vie d'acteur (Requiem For A Dream, Lord of War ) mais aussi de leader d'un groupe de punk ( 30 second to Mars !), on comprend le choix de Jaco pour interpréter Nemo. Les facettes de l'acteur répondent à la polyphonie du film. Diane Kruger se démarque également, au même titre que les Nemo de 7 ou 15 ans.

Une pirouette de scénario permet de conclure le film, et c'est encore la viruosité de l'exercice qui permet d'apprécier cette mise en scène du Big Crunch, ultime ressort, davantage que la cohérence du dénouement. Mr.Nobody est donc une symphonie, un conte cinématographique, à tiroire, à facettes, qui se mêlent et se répondent grâce à certaines scènes se faisant échos, à l'image de certains choix. On s'étonne de la maîtrise de ce long métrage de presque trois heures au regard du peu d'expérience du réalisateur avec ce genre. Remarqué comme meilleur film biographique à la Mostra de Venise, on est incapable d'imaginer un film aussi abouti et personnel de la part du réalisateur. Peut être que lui aussi, a du mal à choisir.

Bonny