Historias de Arte

Conversaciones con Xavier Moreno

2013-12-14T12:58:00.000+01:00

Después de meses sin actualizar el blog (el proyecto Llibreria Papasseit, que algunos ya conocéis, ha acaparado necesariamente el 100% de mi atención) retomo la marcha de "Historias de Arte" con una interesante conversación con el polifacético Xavier Moreno.

Xavier (Barcelona, 1975) es un introvertido catacaldos. Conocedor de las bellas artes, la filosofía y la antropología, y tras una multilingüe trayectoria artística que incluye la fotografía, el arte de acción, la poesía visual y la animación, actualmente ejerce como profesor en la Escola d'Art de Manresa, y centra su creatividad en proyectos personales como "La Granota Tsarevna" un trabajo de collage que se mostró en la Llibreria Papasseit el pasado octubre.

[SOBRE EL VIRTUOSISMO, EL MÉTODO Y LA PASIÓN]
Para contextualizar un poco tu trabajo de collage, ¿puedes contarnos algún proyecto anterior?

Pues explicaría algunos, pero no servirían de ningún modo para contextualizar “La Rana Zarevna”. En primer lugar porqué, en general, he acabado muy pocas cosas que he empezado. He sido muy constante en dejar proyectos a medias y eso hace que la forma que toman siempre sea como rara y no pueda verse apenas nada (antes me pesaba mucho, pero ahora lo digo con cierta satisfacción y, mirando atrás, pienso que es una suerte y que me ha aportado mucho; ignoro si más o menos, pero seguro cosas muy diferentes). Y, después, porqué no he sido nunca demasiado diestro en nada concreto por lo que, además de estar a medio hacer, mis proyectos son muy dispares.

De hecho, el virtuosismo me resulta en muy pocas ocasiones interesante. Sospecho siempre de los que saben hacer muy bien una cosa. Como también sospecho de los que hacen muchas. Por suerte, a veces me equivoco.

Confieso que mi admiración por Yuri Norstein viene, en parte, de haber hecho sólo 6 películas en su larga trayectoria. Me fascina. O, en el mundo del arte, gente como Andy Goldsworthy, que pueden estar mucho tiempo en hacer algo. Y cuando lo hacen, ya está, se lo lleva el viento lo arrastra la marea.

A menudo la pasión por las cosas no está sincronizada con nuestras clasificaciones. La pasión no tiene porqué corresponderse con disciplinas, campos específicos del conocimiento, la ciencia o el arte. Hay pasiones que son transversales, y entonces parece que dejes las cosas a medias o que no exista una coherencia entre ellas, pero en realidad las continuas, bajo otros parámetros, con otras herramientas o caminando por otros territorios. La tarea terminada es lo que hay encima de la mesa a la hora de plegar. Aunque la mesa está bacía o haya solo un garabato o un dibujo lleno de detalles. Lo que está en juego no es el resultado, sino la metodología, el proceso, el conocimiento, el contemplar, la curiosidad, la conexión de ideas, la emoción... el querer las cosas. Los resultados son fáciles de conseguir, están todos en Google.

Un personaje pequeño en un paisaje extenso es una idea muy moderna en occidente. Más allá del siglo XIX son muy escasos los ejemplos. En cambio, hay ilustraciones otomanas preciosas hechas de este modo. Y también dibujos chinos muy antiguos. No había hecho nunca collages que se parezcan a esto. "La Rana Zarevna" responde a una necesidad. No a una necesidad expresiva o artística, sino vital. Son poca cosa, pero en ellos hay un trozo de vida, inevitable, imperfecta.

Hacer es devenir decía Deleuze y a menudo tenemos la necesidad de devenir alguna cosa. De que alguna cosa pase en nosotros, a través nuestro. Y entonces es igual que seas el autor o el lector o el espectador. Y si cuando pasa esto, tienes la oportunidad de conocer gente maravillosa que pone en marcha una librería con un pequeño espacio para el arte, eso toma la forma de una exposición...

[SOBRE LOS LENGUAJES ARTÍSTICOS]

¿Hay algún lenguaje artístico con el que te sientas especialmente cómodo?

Siempre me he encontrado muy incómodo con los lenguajes artísticos por esto que te contaba. No creo que existan cosas tales como estilos o lenguajes artísticos. Son excusas para hacer horarios en las Escuelas y las Facultados, o para ordenar lo inextricable. En ilustración, por ejemplo, muchas cosas magníficas están hechas en fotografía. La fotografía, pues, no es una técnica de ilustración; como tampoco debe serlo rasgar papeles, acumular hojas de árboles o rallar piedras. Y, en cambio, nos sorprendemos constantemente de los ilustradores que exponen en ferias como la de Boloña, y muchos de ellos hacen cosas así. Y muchas son preciosas.

Los paisajes de la película de Norsten están hechos con puntas de cojín. O Hermina Tyrlova que fabricaba unos muñequitos de trapo preciosos. O la misma Emma Hemmings con sus marionetas, la compañera de Hugo Ball, sin la cual no existiría el Cabaret Voltaire ni Dadá.

Pero bien visto, esto del lenguaje artístico es una contradicción. Los humanos siempre hemos hecho imágenes o obras de arte y precisamente las continuamos haciendo para intentar arruinar el lenguaje, cualquier lenguaje.

Las imágenes son una de las herramientas que tenemos para agujerear la realidad, o esta ficción compartida a la que llamamos cultura. Como la música. Y lo cierto es que lo más raro es que imágenes y música funcionen por separado. Debemos ser la primera sociedad de la historia que contempla obras de arte y no las canta, las baila, las mueve, las lanza, las rompe, las vive, las quema...

[SOBRE LA REVOLUCIÓN DIGITAL]

En un momento que parece que todo tiende a lo digital (el reconocimiento de la iphoneography como "lenguaje artístico", la realidad aumentada, etc.) has elegido un medio muy "hand made"... ¿Es una especie de declaración de principios?

Solo hay dos formas de fabricar una imagen a partir de la luz que reflejan los objetos: Una, con un espejo cóncavo que era la técnica que usaban los pintores renacentistas de Flandes; La otra a través de un agujerito y una cámara oscura, como hacían los pintores de la misma época en Italia, y poco después se incorporó una lente biconvexa en frente del agujero (aunque la primera lente pulida que conocemos data del siglo siete antes de Cristo!). Todas las cámaras funcionan de esta segunda forma, incluso las del móvil. Que haya una película o un sensor es una parte relativamente significativa del proceso fotográfico.

Por otro lado, el mismo habla es ya un proceso digital que tiene millones de años de antigüedad. Es increíble que con sólo unos pocos fonemas podamos poner nombre a todo lo que hay en el mundo y a todo lo que de él opinamos. La abrupta revolución digital es un poco el invento de la industria para vendernos aparatos increíbles, inigualables y que, a veces, también sirven para algo. Tiene que ver con el fetichismo.

En referencia a los collages, tenía ganas de estarme en la mesa, recortando y pegando tranquilamente. He usado pinzas y lupa! Y mientras vas haciendo, piensas, cantas, sonríes, silvas, lloras... Además, los hice en casa de una amiga que vive en un valle muy bonito, entre paseo y paseo con los perros, recogiendo moras y saúco... Pero ahora también vuelvo a hacer cosas en vídeo y todos los aparatos que necesitas...

¿Sabías que lo que intentan muchos directores que trabajan en vídeo digital es dotar a sus películas de la "textura" del cine y por este motivo sacan calidad y añaden grano y "ruido"?

En definitiva uno usa las herramientas que considera oportunas en cada momento. Y de variables y circunstancias hay muchas. Pero siempre he comprobado que la sencillez acompaña las cosas más interesantes.

Me viene a la mente Karl Blossfeldt que pasa por ser uno de los fotógrafos mas influyentes de la primera mitad del siglo XX, de la Nueva Objetividad, cuando su obra está hecha con una cámara de madera, construida por él mismo y sus fotos simples ejemplos de plantas para sus alumnos, ya que era... profesor de forja!

Además, trabajar con las manos es un placer. Hay una relación bien estrecha entre el pensamiento y la actividad de las manos... Al principio fue la palabra. Pero la palabra es, en el fondo, muy táctil. Después está el tema del pensamiento manual, eso que se inventó Godard, pero que es una evidencia, solo puedes descubrir cosas en las cosas cuando las coges, las giras, las pones del revés, las cambias de sitio, juegas con ellas... y tienes que hacerlo con las manos. Es imprescindible. Es como un contacto no sólo con los materiales, con los objetos, con la tierra, sino con sus posibilidades, con su cara invisible. En el fondo, con lo humano que hay en las cosas...

[SOBRE EL FETICHE RUSO]

Siendo originario de una cultura tan cálida como la mediterránea, ¿de donde sale este interés por el imaginario ruso?

No lo se... La Historia del arte está llena de artistas rusos. Y la literatura, Txejov, Maiakowski... En Rusia y en las ex repúblicas soviéticas es donde se gestan muchos de los cambios que sacuden Europa durante todo el siglo XX. En cine, por ejemplo, Vertov, o en fotografía con Rodtxenko... La influencia en la Bauhaus, o en Dadá... Y las olas de artistas soviéticos que desembarcan a América. En animación, la Unión Soviética que comprende durante los 60 todos los países del este de Europa, es prácticamente donde se hacen las cosas más bonitas e interesantes. El mismo Nostein, los chechos o la Escuela de Zagreb, en Croàcia.

Antoine de Saint-Exupéry explica una historia que escucho en uno de sus viajes a la URSS: Era una estación rusa donde un hombre pierde el tren. Tiene que esperarse un buen rato en un pueblecito aislado. Mientras espera, descubre un conjunto de fardos. Al cabo del rato llegan risueños y cantando un grupo de samovares. El hombre pregunta al jefe de estación que hace ese grupo de personas allí y el jefe de estación le responde que esperan. Esperan el permiso para irse. ¿Dónde? Pregunta el hombre. El jefe de estación responde, contrariado por la pregunta, esperan simplemente coger el tren. Allá donde vaya. El hombre, a quien ya le parecen intolerables dos horas de espera, vuelve a preguntar. ¿Y cuánto hace que esperan? Y el jefe de estación se quita la gorra, se rasca la cabeza y dice, haciendo un cálculo aproximado, unos 5 o 6 años.

Buena parte del pueblo ruso tiene un alma nómada, el deseo constante de ponerse en camino, escribe Saint-Exupéry. No se si tiene algo que ver con esto, pero muchas cosas que me maravillan, en animación por ejemplo, vienen de ahí. Después está todo el tema de la revolución bolchevique, la atracción que siempre nos ha provocado...

Y aún hay otra cosa que me ha interesado, los formalistas como Jakobson, pero sobre todo Propp con sus estudios sobre los cuentos populares rusos y la estructura del cuento… Por cierto, para "La Rana Zarevna" necesitaba un cuento concreto. Pensaba que tendría que inventarlo, pero leyendo unos cuantos, lo encontré. O, mejor dicho, me encontró él a mí.

La reivindicación del collage

2013-08-06T10:31:00.001+02:00

El collage - una técnica artística basada en el ensambalje de lenguajes gráficos de distintas naturalezas - fue aceptado históricamente como lenguaje artístico gracias al uso profuso que de él hicieron los pintores cubistas, como Braque o Picasso (quienes, de hecho, se disputan su "invención").

Pablo Picasso, "Naturaleza muerta sobre silla de rejilla" (1912)

Estos artistas descubrieron en el collage las posibilidades expresivas de la imaginería gráfica de lo cotidiano, superando así los "anticuados" materiales nobles propios de las Bellas Artes.

Después de éstos, y a lo largo de todo el siglo XX - futuristas, dadaistas, los chicos del pop art, y demás vanguardistas y posmodernos - expandieron las posibilidades expresivas y conceptuales de este nuevo lenguaje, llevándolo incluso al plano digital.

Así - y a pesar de ser un lenguaje completamente abierto, aparentemente carente de reglas, abierto a toda clase de subjetividades y estrechamente vinculado a "lo cotidiano", o a lo mejor precisamente por ésto - el collage ha superado la transición de siglo, consolidándose como "forma de expresión contemporánea". Y de esto son testigo una serie de artistas emergentes que, ya completamente adentrados en el siglo de lo digital, reivindican el componente táctil y la capacidad expresiva que de su material se desprende.

Maurizio Anzeri (Loano, Italia, 1969)

A partir de una extensa colección de retratos fotográficos anónimos, adquiridos concienzudamente en mercados de antigüedades y tiendas de viejo, Anzeri seleccionó 25 imágenes de los años 30 y 40 para aplicarles una serie de patrones de hilo bordado. Este material configuró su primera muestra en solitario en la galería británica Baltic Centre for Contemporary Art durante el año 2011.

Maurizio Anzeri, "Round Midnight" i "Family Day" (2009)

Más allá del componente táctil y tridimensional que el hilo otorga a las imágenes, las intervenciones de Anzeri actúan como máscaras que cargan de connotaciones sujerentes a estos personajes anónimos; ocultándoles y dándoles, así, un nuevo juego identitario.

Eugenia Loli (Preveza, Grecia, 1973)

Nacida en Grecia, pero con base en California (después de pasar por sitios como Alemania o Inglaterra), Eugenia Loli realiza sus mashups digitales a partir de fotografías antiguas. Su trabajo - construido a base de combinar lo vintage con lo contemporáneo y reconocido pletóricamente en plataformas como tumblr - está teñido de una sensibilidad femenina que logra un delicado equilibrio entre el placer visual y una cierta intriga.

Eugenia Loli, "Normalization", "Fabler busters" y "Hotel California"

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Eugenia Loli se nutre de su pasado a caballo entre disciplinas - ha sido enfermera, programadora informática, periodista especializada en tecnología y directora de cine - para jugar con los lenguajes propios de éstos mundos, mezclándoos con una voluntad que recupera lo surrealista del collage.

Para más información, podéis leer las FAQ que la misma artista responde en su página de tumblr o visitar sus álbumes en Flickr.

Eli Craven, "Screen lovers" (2013)

Eli Craven (Idaho Falls, EUA, 1979)

"Del collage 3D al origami hay solo un paso". Ésta podría ser la máxima (o una de ellas) de Eli Craven, la joven estadounidense que se encuentra detrás de estas piezas a medio camino entre la fotografía (a menudo reciclada), la escultura y el collage.

El suyo sí es un collage táctil. Hecho del mismo material y técnica que la papiroflexia, la obra de Craven se fundamenta en el imaginario del gesto, hasta regocijarse en él, creando estructuras hechas a base de pliegues que esconden historias y a la vez las crean.

A partir de imágenes fijas casi icónicas, que remiten a los fotogramas cinematográficos, la mayoría de trabajos de Craven analizan los procesos de interacción y socialización del hombre. El amor, la pasión, la máscara identitaria o la condolencia son temas recurrentes en las series de Eli Craven. Como bien podrían serlo la apatía, la confrontación o la gula.

Viéndolo así, se me antoja que el suyo es un trabajo que se aproxima a lo cinematográfico... Bien, sea como sea, lo interesante aquí es la capacidad de un lenguaje artístico (aparentemente) tan naïf como el collage logra expandirse y asentarse (de nuevo) como alternativa low cost para los "materiales nobles" de las bellas artes.

"Photo-Graph in East London", las entrevistas

2013-05-13T08:30:00.000+02:00

Por fin tengo el placer de compartir con vosotros las entrevistas completas realizadas para "Photo Graph in East-London", una exposición realizada en octubre en The Vyner Studio (que, por cierto, estrena web) y de las que ya os anticipé información de algunos de los artistas (Patricia Karallis, Mariell Amélie o Nick Scaife) en este blog y a través de la plataforma ARCO Bloggers.

Me alegro también de poder comunicaros que a partir de Julio seguiré colaborando con este espacio Londinense de forma regular, con más entrevistas y artículos sobre arte contemporáneo que también compartiré aquí.

Keep moving! :)

Art Austria, la feria de arte se traslada al museo

2013-04-17T09:10:00.000+02:00

He tenido el placer de pasar este fin de semana en la preciosa ciudad de Viena, una de las capitales artísticas europeas por excelencia.

Durante estos días (del 11 al 14 de abril), ha tenido lugar ahí la sexta edición de Art Austria, una muestra exclusiva de arte austriaco en la que 50 galerías exhibieron sus mejores artistas, desde los consolidados hasta los más emergentes.

Lo que llama especialmente la atención en este evento, más allá de la alta calidad de la mayoría de las obras seleccionadas, es el hecho que la feria se realizara en las 3 plantas inferiores del Museo Leopold, el cubo blanco del Museums Quartier de Viena (que ostenta, además, una impresionante colección de Secesionismo, Modernismo y Expresionismo Vienés).

Este novedoso formato rompe las tradicionales barreras entre el museo y el mercado del arte, entre la conservación y goce y la comercialización; proponiendo un interesante encuentro entre lo coleccionado y lo coleccionable. Con la inclusión del "regateo" ferial, el museo deja de ser ese sitio silencioso, sacralizado y semivacío, para llenarse de una inusitada vitalidad; Con su traslado al "templo del arte" la feria minimiza la banal artificiosidad comercial, haciéndose mucho más amigable para aquellos asistentes que no gozamos de una "billetera VIP".

Art Austria representa, pues, una buena medida para los ajetreados tiempos que vivimos, en los que la participación (tanto de galerías como de público) en eventos de estas características se ve menguada por las dificultades económicas.

Como ya viene siendo una tradición en 'Historias de Arte' (hice lo mismo para JustMAD y SWAB Art Fair) os propongo una selección de las propuestas más interesantes de esta edición de la feria vienesa a través de un Pinboard de Pinterest, así como un listado de las galerías y artistas destacados:

Kunsthandel Widder (Viena): Gottfried Salzmann
ZS art Galerie (Viena): Irene Wölfl
Galerie 22a (Innsbruck): Anne-Marie Julien
artdepot (Innsbruck): Aron Demetz
Galerie Wolfgang Exner (Viena): Emil Herker
Galerie Lang (Viena): Franz Beer y Stefan Zsaitsits
Galerie Gans (Viena): Alfredo Barsuglia
Kro Art Contemporary (Viena): Ina Loitzl
Galerie Krinzinger (Viena): Eva Schlegel
Charim Galerie (Viena): Lisl Ponger

Pinboard de Art Austria 2013

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Os recuerdo, además, que en el apartado 'Enlaces y recursos' de este blog podréis encontrar el link a las páginas web de estas y más galerías de arte.

Llega @ZincShower, el primer Meeting Show de las ICC

2013-03-21T08:30:00.000+01:00

E 'Historias de Arte' lo celebra con el sorteo de entradas y descuentos.

ZincShower se presenta en abril de 2013 como el primer "meeting show" de las Industrias Culturales y Creativas en España. El evento, que tendrá lugar en Matadero Madrid los días 11-13 de abril (os dejo la programación), será un punto de encuentro entre emprendedores, inversores y profesionales del ámbito de las ICC; así como un mecanismo de apoyo y promoción de proyectos culturales, fomento de la colaboración e intercambio de conocimientos.

A través de la presentación de nuevos modelos de negocio transformadores dentro de las Industrias Culturales, ZincShower pone de manifiesto que existen nuevas metodologías y posibilidades de negocio transformadoras también para el ámbito cultural.

FINANCIACIÓN. PROMOCIÓN. COLABORACIÓN. FORMACIÓN. CREACIÓN. NETWORKING. PARTICIPACIÓN. ACTIVIDADES CULTURALES Y DE OCIO.

Contando con la colaboración de numerosas y reconocidas entidades, ZincShower se presenta como un evento para canalizar la inversión hacia proyectos relacionados con las ICC, potenciar el networking, compartir conocimientos y celebrar la creatividad.

Podéis comprar vuestros abonos y entradas para ZincShower aquí. Y si seguís leyendo encontraréis la forma de conseguir entradas gratuitas e interesantes descuentos.

¿En qué consiste ZincShower?

A través de una convocatoria abierta (a la que se han presentado más de 900 proyectos) se han elegido las 100 propuestas más innovadoras, con una fuerte base tecnológica, y en representación de diferentes sectores: software y servicios de computación, animación y videojuego, artes audiovisuales, arte y diseño, moda, publicidad y editorial. Esta selección, se presentará en un encuentro que se organiza alrededor de una serie de espacios destinados a la presentación, reflexión y experimentación de ideas innovadoras en el campo de las ICC:

#ShowArea (100 proyectos seleccionados contarán con un espacio de exhibición y punto de encuentro para su presentación ante inversores y público), #ZincShows (para celebrar la creatividad en los diferentes sectores presentes en el evento), #ZincNetwork (para el intercambio de ideas y experiencias), #ZincZone (donde descansar y reflexionar sobre los estímulos recibidos), #ZincTalks (para aprender y charlar), #ZincLabs (donde participar de las nuevas ideas y herramientas) y muchas otras actividades paralelas que complementan esta ducha de creación cultural.

Para celebrar la existencia de eventos de estas características en un momento especialmente complicado para las ICC, 'Historias de Arte' os ofrece la posibilidad de conseguir entradas gratuitas y descuentos del 35% para asistir a la primera edición de ZincShower a través de un sencillo concurso. ¡Al que os animo a participar!

BASES DEL CONCURSO:

Para participar en el sorteo de las 2 entradas gratuitas solo tenéis que dejar un comentario en este post contando qué os parece esta iniciativa y/o cuál es vuestro interés para asistir a ZincShower.
Además, podéis conseguir un descuento del 35% en cualquier entrada para el evento. Sólo tenéis que suscribiros a 'Historias de Arte' via e-mail (a través de la aplicación que encontraréis en el menú de la derecha) y difundir el contenido de este post en Twitter a través del hashtag #ZincHdA.

El periodo de participación empieza ahora mismo y terminará el 31 de marzo a las 23:59 (hora española peninsular).

El día 1 de abril, los 50 primeros suscritos a 'Hisotrias de Arte' recibirán un correo al e-mail de suscripción con el código para los descuentos en la compra online de las entradas; y anunciaré el nombre de los ganadores de las entradas gratuitas en este mismo post, que difundiré a través de Twitter.

Y los ganadores del concurso de una entrada gratuita para Zinc Shower de cualquier tipo, de este sorteo organizado a través de Random.org son:

Enhorabuena a los ganadores! En breve me pondré en contacto a través del mail de suscripción a 'Historias de Arte' para enviaros el código que debéis introducir en la compra online de entradas.

¡Muchas gracias a todos por participar!

Fotografía joven en Londres III: Nick Scaife

2013-02-08T10:43:00.000+01:00

Coggles.com

Nick Scaife (Reino Unido, 1984) es un joven fotógrafo especializado en fotografía de moda que ha trabajado en campañas comerciales para grandes marcas y diseñadores como Moschino, Orla Kiely, Oliver Spencer y eventos como la influyente London Fashion Week.

Más allá de estos trabajos puntuales, Nick es, además, el fotógrafo que se esconde detrás de la selección de "fotografía callejera de estilo" de Coggles.com, una conocida revista online de tendencias.

La fotografía de moda, pero, parece ser sólo una fracción de su portfolio fotográfico, ya que cuenta, además, con una serie de proyectos personales que complementan estos trabajos hechos por encargo.

La mayoría de estos proyectos personales están desarrollados durante largos viajes que Nick realiza alrededor del mundo (parece tener especial preferencia por el próximo oriente) y buscan trasladar esa visión analítica de la fotografía de moda al reportaje fotográfico etnológico.

Es el caso de sus series realizadas en Armenia, la India o en el estrecho del Bósforo de Istanbul, que separa la Europa oriental del Asia occidental, constituyéndose como quizá la frontera más significativa y evocadora existente.

"Istanbul is a cohesive city awash with contradictions. Where new entrepreneurial energy collides with the traditional melancholic air, and where the gulf between possibility and reality seems to be at its most pronounced."

Nick Scaife, "Istanbul" (2010)

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"The Last Photos", constituida a partir de imágenes instantáneas de una persona especial a quien creyó no poder volver a fotografiar jamás, es quizás la serie más personal de Nick. Este estrecho vínculo psicológico con el sujeto fotografiado confiere al conjunto de imágenes un halo que trasciende a sus cualidades individuales y que ha servido al joven fotógrafo para plantear, de una manera casi accidental, una reflexión teórica sobre la fotografía como mecanismo de fijación de lo vivido.

Así, la serie se plantea como un work in progress a modo de diario de una relación personal hasta que llegue, definitivamente, la última foto.

Nick Scaife, "The Last Photos" (2012)

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Como en los posts anteriores de la serie, os dejo un fragmento de la entrevista que hice a Nick para el catálogo de la exposición colectiva "International Photo-Graph-East-in London" en The Vyner Studio, una actividad paralela al consolidado festival de fotografía de East London Photomonth.

You have series of photographs taken in Armenia, Istanbul, South India... Have these environments shaped the way you understand photography?

Yes, I think every environment I work in shapes my understanding of photography. Armenia was an interesting trip for me as I have some Armenian heritage and an interesting family history from the region. I traveled there to get a feel for the place and to develop some ideas with a view to starting a long term project out there in the new year.

Nick Scaife, "A quick trip from Mumbai to Kerala" (2010)

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Your best known work is, probably, the “Street Style” archive for Coggles.com. Tell me a secret: what is the key style?

It's as much about the person than the clothes they are wearing. I'm not looking for the latest trends but for people that turn my head without me really having to think twice about it. I try and look for individuality, a sense of character, and people who look completely comfortable in what they are wearing. Forcing a look for the sake of being on trend doesn't make for a good outfit or a good photograph.

And where are the characters you portray from? Is London a perfect location?

The people I photograph are from all over the world, creating a really diverse range of styles and influences that probably makes London the street style capital of the world. 75% of my shots from London are probably taken in Soho as its probably London at its most diverse.

Has this kind of “street fashion photography” influenced your personal work?

I tend to try and simplify all my street style images, looking for clean and complementary backgrounds to let the person stand out in the frame, although its not always possible in a city as busy as London... I guess my personal work also aims to be fairly stripped back as I think less is often more with photography (although I'm challenging myself to think a bit differently with regards to this at the moment) so it has probably had some sort of influence on my personal work.

Which are your references?

I really admire The Sartorialist and The Locals (formally Copenhagen street style). Both blogs are right on it in terms of style and aesthetic.

What exactly are your “last photos”?

There was a point when I thought I had taken the last photo of someone very special to me, someone who I'd taken hundreds, if not thousands of photos of before. These last images therefore attained a much greater significance to me than perhaps their individual qualities deserved, and really got me thinking theoretically about photography in quite an unintentional and natural way. The project has subsequently developed because my relationship with the subject of the series has improved significantly. As such the series is a work in progress and has become more of a diary of our time spent together, but of course there will eventually be a last photo of all of us, which is a terribly sad thought, and one that raises more questions about photography's purpose and ability.

Nick Scaife, "The Last Photos" (2012)

Fotografía joven en Londres II: Mariell Amélie

2013-01-30T10:30:00.000+01:00

Mariell Amélie, "She had just left for
heaven, they said #3" (2011)

Criada en una pequeña isla al norte de Noruega, cerca del círculo polar, Marielle Amélie se trasladó hace unos años a Londres, donde actualmente vive y trabaja como fotógrafa de moda. Actividad, ésta, que combina con la que ya desde la infancia es su pasión: sus "autorretratos de humores".

Según la propia artista, el hecho de criarse como hija única en esa pequeña y despoblada isla la obligó a aprender a gozar de su propia compañía, es por esta razón que se siente más libre con los autorretratos que trabajando con modelos. Así sus autorretratos, que gozan de títulos tan poéticos como "She had just left for heaven, they said" o "Sharp retractable claws, and teeth adapted to killing small prey", marcan una especie de hoja de ruta vital, sin la cual asegura Mariell que no podría vivir.

En un estilo aislado, frío y misterioso, Mariell realiza la mayoría de sus autorretratos durante sus breves viajes a su isla noruega, donde reencuentra la soledad y el silencio que marcaron su infancia. Sus retratos intemporales, inspirados en recuerdos y sueños, desprenden una aura de romanticismo del siglo XXI.

Como en el post anterior, os dejo un fragmento de la entrevista que hice a Mariell para el catálogo de la exposición colectiva "International Photo-Graph-East-in London" en The Vyner Studio, una actividad paralela al consolidado festival de fotografía de East London Photomonth:

Mariell Amélie, "Finding home series" (2012)

“Grew up on a small island, above the polar circle, in Northern Norway with her parents and a cat”, this is what we can read in the “bio” section of your website. How do you reconcile this peaceful origin with London's maelstrom?

When I do my selfportraits I go back back to Norway. I find it hard to do my selfportraits in London because the buildings and locations is not like back home. The landscape and locations plays a big role in my portraits.

Do you think the polarity your Norway island - London is translated into your work?

After I moved to London my pictures changed a little bit. They look less naive and perhaps a little bit more cold. I miss my island when I am in London and I think that makes my feelings stronger as I am taking the pictures.

Both your commissioned work and your personal ones consist mainly of portraits with a poetic background. What's behind this halo, this “non-presence”?

I take pictures because I am not very good at painting or writing. It is my way of putting my feelings down to paper, and that is probably why my photos sometimes look a bit poetic.

The titles in your works are very poetic too, “Untitled” is not your stuff?

There is pretty much always a though behind all of my photos. I think a title makes the picture stronger and it makes people think more about what is actually going on in the picture.

What are the topics in your work?

A lot of my pictures are about waiting.

What is your working ritual?

I go home to Norway about 3 times a year, this is when I try doing most of my self-portraits. I visit old buildings and I bring my dad to help me out most of the times, as I don’t drive myself and sometimes its good having a person to test-shoot on before I go in front of the camera myself. I do like being by myself when I actually take the picture though. Before a self-portrait-shoot I plan a few outfits and I have a few ideas, but never an actually planned shot. I have to feel the house or the landscape and see what would be right to do just there and then.

Mariell Amélie, "She had just left for heaven, they said series" (2011)

Fotografía joven en Londres I: Patricia Karallis

2013-01-28T09:00:00.000+01:00

Patricia Karallis (Mildura, Australia) es una joven australiana que desde 2006 vive, estudia y trabaja en Londres. Su obra fotográfica gira alrededor de la investigación cultural e identitaria y es el íntimo resultado de mezclar el trabajo documental con el retrato. La calidez y la sensación de soledad que transmiten sus imágenes viene dada, seguramente, por la elección de la fotografía analógica y la luz natural como principios creativos de unas obras donde el grano y el tono marcan una continuidad.

Con el proyecto "On the Cusp" (2012), Patricia se acerca al tema del "transgénero" de un modo mucho más intimista que los estereotipos tradicionales, en una especie de aproximación antropológica a una identidad de género muy concreta. Las fotos de la serie han estado tomadas con modelos voluntarios que se han dejado retratar en espacios e indumentaria con los que se sienten confortables. Y el resultado es una serie de imágenes honestas de personas en las que la condición "transgénero" aparece naturalizada como un elemento más de la identidad individual.

Patricia Karallis, "On the cusp series" (2012)

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Os adjunto un fragmento de la entrevista que hice a Patricia para el catálogo de la exposición colectiva "International Photo-Graph-East-in London" en The Vyner Studio, una actividad paralela al consolidado festival de fotografía de East London Photomonth:

What happened to an Australian girl, from the small Mildura, that moved 6 years ago to London, and why have you stayed?

The plan was for me to stay for a year but I somehow managed to live here on a more permanent basis. I’ve always had a love/ hate relationship with London; it’s the type of city where there’s a lot to take advantage of culturally - that is, if you have enough money to take advantage of it, but overall it’s quite tough. The weather is generally pretty bad, people can be quite moody, but when things start falling into place (as they slowly do), there’s nowhere else I’d rather be. It’s definitely a city that pushes you and I don’t think I would’ve gone back to photography if I hadn’t moved here.

Do you think that an artists environment shapes their works? Is the relationship between Mildura – London influencing yours?

I think environment shapes an artists work to a degree. Being in London has definitely exposed me to new people, experiences and influences I wouldn't normally have had the opportunity to in Australia, which has helped me to focus on what type of photographer I want to be. For me, the relationship between the 2 cities and my relationship with them both is completely different, however I feel that my aesthetic is still the same.

Your photography is the intimate result of merging documentary work and portraits, how do you do this?

Lots of shooting and lots of editing.

And, if you had to tell me the topics and references of your work, what would you say to me?

I guess you could say I'm usually drawn to themes surrounding identity, culture and/ or class. The majority of the portraits on my sites are friends, family, or people I've met during different projects. I love Lise Sarfati’s portraits and she was a major influence on my last series On The Cusp. I love the feel of her photographs, they’re quite cinematic and I like the fact that she uses film and natural light; this is an aesthetic I also prefer when shooting portraits. There’s a sense of loneliness and maybe yearning in her photographs that I really connect with. I also love the work of Paul Graham. I went to see his retrospective show at The Whitechapel Gallery last year and it blew me away.

How does the analogue photography for your portraits tie together?

I love the richness, the grain and the colours of shooting film, as opposed to digital. I have a couple of portraits on my site that were taken with digital and for me, they stand out. I think what generally ties my portraits together is the tone and warmth of the photographs.

Patricia Karallis, "On the cusp series" (2012)

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Let's focus in “On the Cusp”, the series which is shown in “Photo-Graph in East London”. Where does the magnetism of these characters reside?

On The Cusp was my degree final year project. I wanted to focus on a particular subject that I think is very relevant but sometimes shunned or difficult for people to understand. I also wanted to approach it in a new, different way. People who identify as transgendered have often been sexualised or portrayed with the use of stereotypes and cliches. I wanted to move away from that by having the portraits taken in each sitters home and in clothes they feel comfortable wearing day to day, with the final outcome hopefully being an open and honest discussion with people of all sex, gender and preferences. I think this is what initially draws people in; these are everyday people in everyday environments.

Arte Cotidiano. ¡Bajemos al arte del pedestal!

2012-12-30T11:00:00.000+01:00

Uno de los valores fundamentales en Ártica es la difusión de buenas prácticas de gestión cultural independiente, con el objetivo de generar y dinamizar una red de aprendizaje colectivo. Arte Cotidiano es, sin duda, uno de estos proyectos emprendedores en gestión cultural. Nos ha llamado la atención por ser una iniciativa geográficamente distribuida (se realiza en pequeños comercios en diversas ciudades) que se hace visible no sólo en las localidades sino también a través de la red, y por su producción 100% colaborativa.

Cartel Arte Cotidiano (fragmento)

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La iniciativa de este proyecto sale de las cabecitas de los chicos de la Asociación Cultural Lemon y Coco (Montaña Hurtado y Miki Gazquez), de Cáceres, y parte de la idea de acercar el arte a todo tipo de público, sacándolo de las instituciones artísticas y llevándolo a los pequeños negocios de barrio. Pero no sólo esto; con la participación de jóvenes profesionales de la gestión cultural comisariando obras de artistas emergentes, el proyecto persigue un doble objetivo: por un lado dar una oportunidad a agentes artísticos emergentes, y por el otro dar, en la medida de sus posibilidades, un impulso a los pequeños comerciantes. “Comercios de tres ciudades se convierten en salas de exposiciones para el proyecto Arte Cotidiano” anticipaba la nota de prensa

Con este interesante planteamiento, se suman al proyecto Laura Cano (una joven historiadora del arte y museóloga de Granada) y Semíramis González (historiadora del arte y, entre otros, comisaria de la Asociación Cultural GRITO), para llevar la obra de 7 artistas a 10 tiendas de 3 ciudades españolas: Cáceres, Granada y Gijón. El pasado sábado 10 de noviembre a las 20:00h (horario español) tubo lugar la inauguración simultánea de los 10 espacios expositivos que, durante un mes, dejarán de ser simplemente “negocios de...” para convertirse, además, en auténticas salas de arte (y de lo más concurridas).

Arte cotidiano en Cáceres:

Comisarios: Montaña Hurtado y Miki Gázquez (Asociación Cultural Lemon y Coco)

Artista: Beatriz Ballesteros (fotografía de pequeño y mediano formato)

Establecimiento: Floristería Naturadecor

El proyecto según sus ideólogos, coordinadores y también comisarios, Montaña Hurtado y Miqui Gázquez:

“Estamos muy satisfechos con el resultado de todas las exposiciones y la repercusión que el proyecto está teniendo en medios de comunicación, blogs y redes sociales. Estamos muy satisfechos sobre todo porque todas las personas implicadas en Arte Cotidiano hemos participado en el proyecto de manera altruista pero con mucha ilusión.
En el caso de la exposición de Cáceres, que nos hemos encargado de comisariar, ha resultado muy sencillo encontrae el espacio en el que realizar la exposición porque Chus y Alfredo de la floristería Naturadecor tienen muy buena disposición para colaborar. En cuanto a la elección de la artista tratamos de unir la filosofía de Arte Cotidiano de contar con artistas locales con la que seguimos en Lemon y Coco, de dar oportunidades a artistas emergentes. Conocíamos a Beatriz Ballesteros y su trabajo nos parecía que podía encajar tanto con el proyecto como con la floristería.
La inauguración fue el sábado por la tarde y el lunes cuando los dueños de la floristería fueron a ver la tienda se encontraron gente esperando para visitar la exposición. Nos ha sorprendido mucho la aceptación que está teniendo y la cantidad de gente que se ha acercado a la floristería a ver las fotos de Beatriz.”

#ARTECOTIDIANO from Lemon y Coco on Vimeo.

Arte Cotidiano en Gijón:

Comisaria: Semíramis González (Asociación Cultural GRITO)
Artistas: Begmont, Breza Cecchini, Elisa torreira, Rocío Pinín y Rodrigo Martín.

Establecimientos: 8 tiendas de ropa del centro de la ciudad (Alouette, Daniela Sierra, Marisa del Castillo, Tamar, It, Scalpers, Trench y Toscana)

El proyecto según su comisaria, Semíramis González:

“Para Arte Cotidiano yo conté con el apoyo de la asociación cultural de la que formo parte, GRITO, ya que me era imposible acudir a Gijón para el montaje. Sin embargo los artistas los escogí yo e intenté valorar la frescura en su producción, que fueran asturianos y que todos fueran emergentes, habida cuenta la necesidad de dar a conocer nuevos nombres y sus obras. En Gijón contamos con el apoyo de la Unión de Comerciantes, donde se integran la mayor parte de las tiendas de la ciudad, y que nos ayudó a seleccionar a las ocho participantes, todas en el centro. La verdad que no hemos tenido problemas con el montaje, ya que al recibir el apoyo de la Unión todas las tiendas se mostraron encantadas de apoyar esta iniciativa, que por otra parte también les beneficiaba a ellos. Además, se hizo coincidir la fecha con el próximo encendido de luces navideñas el día 5 y la actividad “De tiendas a medianoche”, que permite comprar hasta las 12 de la madrugada, pudiendo así comprar y ver arte al mismo tiempo.

A modo de conclusión sólo diré que me ha parecido no sólo interesante sino necesaria la realización de proyectos como Arte Cotidiano, planteado desde Lemon y Coco, ya que en momentos como el que nos toca (no sólo al sector cultural) con la crisis asomando en cada esquina, es vital el apoyo entre agentes locales; convertir tiendas corrientes en espacios para el arte y “des-elitizar” el arte de los museos y cubos blancos, tan fríos para el público general”.

Arte Cotidiano en Gijón: obras de Begmont y Rocío Pinín

Arte cotidiano en Granada:

Comisaria: Laura Cano

Artista: Juan Jesús Dueñas Ruiz (grabados)

Establecimiento: Peluquería Esperanza Muñoz

El proyecto según su comisaria, Laura Cano:

“Para mí, elegir el artista fue fácil. Conozco la obra de Juan Jesús. Es meticuloso, entregado y se adaptaba perfectamente a las condiciones del local.

Esperanza Muñoz, la peluquera, estuvo encantada con el proyecto desde el principio. Ha colaborado en todo momento con mucha ilusión. Trabajando en equipo y con muchas ganas, el resultado ha sido el esperado. Me ha parecido una experiencia genial, estupendamente coordinada tanto en general como en cada caso concreto.

Tengo ganas de montar algo con obras en soportes como el vídeo o la instalación, pero obviamente en este caso, eso era imposible, por ello, saber adaptarse a cada contexto creo que también es prueba de organización y previsión en el trabajo.

Todas las exposiciones han quedado perfectas. Se ha conseguido con creces el objetivo del proyecto. Feliz con ello”.

Arte Cotidiano en Granada from Lemon y Coco on Vimeo.

El proyecto, según la organización y los participantes, parece haber sido un éxito rotundo. Y es que una iniciativa así no merece otra cosa.

[Publicado en Ártica, Centro Cultural 2.0]

Arte emergente y casitas en miniatura

2012-11-12T08:00:00.000+01:00

Una de mis películas preferidas empieza con una casa en Tejas que sale volando y con una chica calzada con brillantes zapatos rojos que echa de menos a sus granjeros tíos.
Me atraen irracionalmente las casitas, lo confieso, y ya en la última edición de JustMAD no pude evitar fijarme en ello. Intenté no darle importancia, pensé que se trataba de un hecho casual. Pero durante los pasados nueve meses mi inocente negación se ha ido haciendo fuerte a base de observar la misma tendencia en blogs y artículos: el arte emergente tiene una especie de affaire con las casitas en miniatura (que bien podrían ser esas casas voladoras de Tejas).

Recreaciones detallistas a lo "casa de muñecas", amasijos de muebles y trastos que remiten al carrito de los homeless, artilugios mecanizados que te transportan al rincón infantil debajo la ventana del cuarto de coser, casas en árboles, tiendas de campaña principescas entre escritorios, todo vale a algunos artistas para reflexionar sobre este polémico bien: la casa.

Thomas Doyle (Michigan, 1976)

Thomas Doyle, Varios trabajos de la serie "Distillations"
(2004). Fotografía de Martino Margheri.

La casa fue la piedra angular de la cultura americana de la sociedad del bienestar y, para este joven artista, el motivo principal de su trabajo. A través de unas perfectas pero siniestras recreaciones escultóricas a pequeña escala de las ya clásicas casas adosadas americanas, Doyle denuncia la precariedad que se esconde detrás de la tan codiciada lar. A menudo protegidas por urnas de cristal - hecho que las eleva de algún modo a objetos de lujo -, el espectador puede aproximarse a las casas de Doyle como un "ojo que todo lo ve", escrutando a las familias que siguen con su vida rutinaria sin darse cuenta que todo a su alrededor está apunto de derrumbarse. Se trata, ni más ni menos, de una clara metáfora de la precaria situación que ha acarreado esa obsesión por equiparar la propiedad inmobiliaria con la "familia feliz".

Brock Davis (Minneapolis)

Este diseñador y director creativo estadounidense ha hecho de la creatividad un pilar para su vida y, más allá de sus trabajos publicitarios, destacan sus esculturas efímeras realizadas con comida. Entre las obras-comida de Davis encontré una casita del árbol construida en un brocoli en la que, más que una actitud crítica, se desprende un halo de juego que invita al adulto a recuperar la ilusión infantil de pensar que "en mi casa del árbol el tiempo se detiene y nada puede ir mal". No podréis negarme que al verla uno se ve inevitablemente empujado a sonreír.

Brock Davis, "Brocoli House" (2011) · Andrea Canepa "To live as if it was possible to recover certainity" (2012)

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Andrea Canepa (Lima, 1980)

La obsesión de esta peruana por las casas se hace evidente al visitar su página web, donde todo remite a la cotidianidad de la lar. ¿Y qué se supone que es exactamente una casa? Andrea nos invita a pensar sobre el hábitat, sobre una existencia que, nos guste o no, debemos compartir en un espacio, medio natural medio construido, medio seguro medio derrumbable, medio sólido medio conceptual, medio real medio imaginado. Casas con árboles dentro. Casas sin árboles fuera. Casas a pesar de todo.

Sabine Timm (Düsseldorf)

Sabine Timm, "Collection of piles" (2011)

Sabine cuenta cuentos de niñas-princesa que se esconden debajo de pilas de muebles, y hacen de ellas su infranqueable castillo.
¿Qué pasaría si recogiera muebles bonitos en la calle el día de desecho y me acurrucara debajo de ellos? ¿Cómo sería ese maravilloso castillo construido a pedazos?
No son casas en sentido estricto esta vez, de acuerdo, pero estoy segura que miente quien percibe estos fardos de madera en miniatura como un reducto seguro. Niños somos todos, y la protección de este castillo de artilugios es más necesaria que nunca.

Ana Sofía Gonçalves (Lisboa, 1979)

Ana Sofía Gonçalves, "Casa com jardim" (2008)

Construir artesanalmente sueños verdaderos ha sido, de siempre, la utopía vanguardista de la humanidad. Si vamos más allá de los límites arquitectónicos, si concebimos engranajes, mecanismos, árboles, aceras, inodoros, baldosas, cortinas estampadas de PVC y todo lo demás, una casa es una casa. No necesitamos paredes, tan solo un sitio donde echar raíces. Y esto, justamente, es lo que Ana Sofía busca mostrar con sus artilugios, un rinconcito poético hecho a base de cuentos y para uno mismo, una forma contemporánea y alienígena de reentender la lar.

Joâo Mouro, "Ricas Vidas" (2010)

Joâo Mouro (Faro, 1985)

La obra de Joâo Mouro no dista mucho de la de su compatriota Ana Sofía.
La reflexión sobre la complexa condición del consumidor urbano reluce en la madera barnizada de las pequeñas esculturas móviles de Mouro, unas piezas que navegan entre lo estético, lo funcional y lo reflexivo y que, asumiendo la responsabilidad de replantear el imaginario arquitectónico heredado, preguntan sobre la desestructurada casa imposible - ese espacio cálido descendiente de la utópica matriz -, esa casa que, sin estructuras, contiene la esencia de la lar.

Así que... ¿qué cosa es la casa?

Hacia una Economía Social de la Cultura. #cursolibrebus

2012-10-05T08:00:00.000+02:00

Fotografía original de Julie Falk

Como apuntan Lilia Pagola y Mariana Fossatti en sus respectivos posts ("Licencias libres como alternativa al copyright" y "Modelos basados en licencias libres en el arte y la cultura") correspondientes a la segunda y tercera clase del curso "Arte y cultura en circulación", hay que contextualizar el nacimiento de las Licencias Libres para contenidos culturales en el marco de la expansión de Internet, una red libre, abierta y distribuida.

Dentro de este nuevo contexto, la circulación (distribución) de los productos culturales se hace más libre, intuitiva y descontrolada, por lo que la estricta cadena del copyright basada en el trinomio Creación - Distribución - Consumo (con sus agentes perfectamente definidos, especialmente aquellos que atañen a la distribución) empieza a desmembrarse. Los consumidores tradicionales devienen creadores de contenidos (a través de los blogs), imágenes y vídeos (gracias a las plataformas para el intercambio de material audiovisual digitalizado), etc. A la vez, los creadores se tornan ellos mismos en medios de difusión de su obra (a través de la participación en redes sociales, por ejemplo) y en consumidores de la obra de otros, que ahora pueden reinterpretar, remixar o derivar.

No nos encontramos, por lo tanto, frente a un nuevo sistema de distribución de las obras que amenaza la unicidad y la calidad de los productos culturales (como los acérrimos defensores del copyright pretenden hacernos creer), sino ante una nueva forma de entender el propio proceso creativo, la autoría y la obra.

Pensemos en los agentes culturales (artistas, escritores, músicos, etc.) que han optado por prescindir del sistema de copyright, que los hay. ¿Por qué estos creadores renunciarían a participar de esta consolidada cadena y la garantía de un porcentaje de ingresos de garantiza? Mariana, en su post, apunta algunos beneficios que las licencias libres suponen para estos artistas: La distribución independiente y gratuita de su obra, una mayor difusión o el crecimiento y la proyección a partir de obras derivadas.

A éstos, podríamos añadir una serie de beneficios derivados, que poco tienen que ver con la premisa inversión - beneficio, que sirve de base al capitalismo: la reputación, por ejemplo de bloggers (escritores) que ven abaladas sus opiniones por el "boca-oreja" digital; la facilidad de interacción con otras obras o artistas, para fomentar un trabajo colaborativo más enriquecedor; o, como apunta Pablo Ortellado, la participación en la creación de una Economía social de la cultura, más igualitaria, accesible y libre de cánones.

"Tal y como el copyright es un instrumento legal que crea una escasez artificial para generar ingresos para los titulares de los derechos, la superación de ésta práctica genera abundancia" (Pablo Ortellado).

10 artistas para entender L'Art Brut de Dubuffet

2012-09-27T08:00:00.000+02:00

Empecemos por el principio. En el contexto de la Europa de la Segunda Posguerra [aquí tenéis el equivalente Norteamericano] surgió una especie de corriente artística: L'Informel o Informalismo que, a grandes rasgos, continuaba el proceso histórico de disolución de las formas iniciada con el expresionismo abstracto de Kandinsky, añadiéndole un componente crítico hacia la abstracción geométrica y los colores primarios, cercanos a una racionalidad tecnológica que había hecho posible las guerras.

Las dictaduras europeas fomentaban un "Arte de Vanguardia" realista, con temas de glorificación del estado, de ahí que se gestara una especie de "antiacademicismo" que defensaba unas prácticas artísticas situadas la margen de los patrones culturales y fuera de los circuitos artísticos profesionales.

Jean Dubuffet (Le Havre, 1901 - París, 1985) encontró en las creaciones de personas aisladas - ancianos solitarios, pacientes de hospitales psiquiátricos, niños criados en hospicios, etc., que en nignún caso buscan el reconocimiento de su obra por los demás -, un arte libre del peso de las referencias culturales, producido en un estado primario de intensa conexión con su inconsciente y que exteriorizaba la subjetividad a través de un gesto completamente espontáneo, casi irracional.

"L'art ne vient pas coucher dans les lits qu'on a faits pour lui; il se sauve aussitôt qu'on prononce son nom: ce qu'il aime c'est l'incognito. Ses meilleurs moments sont quand il oublie comment il s'appelle." (Jean Dubuffet, 1960)

Tal fue la pasión que Dubuffet puso en estudiar el que resolvió llamar L'Art Brut que, junto a André Breton y Antoni Tapies, fundó la Compañía del Art Brut, una colección de obras "extraordinariamente inventivas y que con una observación más detallada se descubren como de las más lucidamente acabadas, de las más metódicamente construidas y administradas que conocemos".

Sobre la base de esta colección particular, se creó en 1976 la Collection de L'Art Brut con sede permanente en Lausanne (visita obligada si visitáis esta bonita ciudad suiza), de la que he seleccionado una serie de creadores representativos de esta interesante manera de mirar el arte.

Madge Gill, "Sin título" (1922)

Madge Gill (Londres, Inglaterra, 1882 - 1961)

Criada en un hospicio inglés, fue enviada a Canadá para trabajar como sirvienta y volvió a la isla británica alrededor de los 20 años para vivir con su tía, quien la introdujo en el mundo de la astrología y el espiritismo. A los pocos años, se casó con su primo con quién tuvo 3 hijos, uno de los cuales murió de gripe española y otro nació muerto, causándole una grave enfermedad que la postró en cama durante meses y le privó de la visión de un ojo.

A raiz de estas pérdidas, empezó a dibujar, escribir y bordar, según unos patrones guiados por un espíritu a quien ella llamaba "Myrninerest" (mi reposo interior), en unes especie de "trabajo de medium". Gill trabajaba siempre de noche, a la luz de una lámpara de aceite, sobre cartón o papel en formatos muy diversos, trazando obsesivamente con tinta china o bolígrafo el rostro de una mujer cubierto con sombrero e inserido en arquitecturas imaginarias. Un rostro de mujer que, mostrándose en humores distintos, remite a sí misma o a su hija perdida.

Aloïse, "Napoleón III à Cherbourg
(1952 - 1954) · Nek Chand, Figura
del "Rock Garden" (1958) · Émile
Ratier, "Sin título" (1966)

Aloïse (Lausanne, Suiza, 1886 - 1964)

Costurera de profesión y cantante de vocación, consiguió un puesto de institutriz en la corte de Guillermo II, el amor obsesivo y onírico por el cual la llevó a ser diagnosticada como esquizofrénica e ingresada en un hospital psiquiátrico tras su vuelta a Suiza debido al inicio de la Primera Guerra Mundial.

Fue en el sanatorio suizo donde empezó, en secreto, a escribir poesía y a dibujar con lápiz, tinta y materiales poco convencionales - tizas, jugos de hojas y pétalos o pasta de dientes sobre papel de libreta o de embalar, sobres, trozos de cartón o reversos de calendarios -.

Estas obras - que desarrollan un riquísimo imaginario personal de príncipes, princesas y heroínas históricas en el elegante contexto de las cortes europeas - despertarían el interés de sus médicos, quienes las pondrían en contacto con Jean Dubuffet.

Nek Chand (Berian Kalan, Pakistán, 1924 - )

A raíz de la Partición de la India (1947), emigró con su familia a Chandigarh, India - una ciudad que estaba siendo rediseñada como una utopía moderna por Le Corbusier e iba a convertirse en la primera "ciudad planificada" de la India -, y empezó a trabajar como inspector de caminos para el Departamento de Obras Públicas del gobierno.

Tras una visión en sueños en 1958, empezó a limpiar un terreno en las afueras de la ciudad, donde (según su sueño) en otros tiempos había existido un glorioso reino. Paralelamente, empezó a recolectar grandes piedras y materiales de desecho para construir, durante su tiempo libre, el Rock Garden (Jardín de Piedras), un territorio que a día de hoy tiene más de dos hectáreas, poblado de cientos de esculturas alineadas en terrazas, porches, cataratas y caminos.

En 1972, el gobierno local descubrió el sitio, y contribuyo en su desarrollo financiando a Chand, que se rodeó de un equipo de colaboradores.

Émile Ratier (Soturac, Francia, 1894 - 1984)

Hijo de una familia granjera, después de la primera guerra mundial se dedicó al comercio de madera cortada hasta que, de una manera gradual y a la vez que padecía una depresión, fue perdiendo la vista hasta quedarse completamente ciego.

Fue en este período que empezó a trabajar su propia madera para construir unas estructuras animadas con mecanismos y sonido.

Vojislav Jakic, "Les effrayants insectes
cornus" (Los asustadizos insectos
cornudos, 1970) · Michel Nedjar, "Sin
título" (1981)

Vojislav Jakic (Macedonia, 1932 - 2003)

Hijo de un sacerdote ortodoxo y miembro de una familia humilde y extremadamente estricta, se trasladaron a un pequeño pueblo de Serbia, donde ayudaba económicamente a su familia pintando retratos de recién fallecidos. A los 20 años, y después de perder a sus hermanos, se trasladó a Belgrado para recibir clases de pintura y escultura y empezó a crear su propia obra. Cinco años más tarde, regresó a Serbia, para malvivir junto a su madre y su abuela. Tras un corto matrimonio, volvió a trasladarse a Belgrado, donde se casó por segunda vez y desarrolló su obra de una manera más continuada.

En la década de los 70 escribió una autobiografía semi-fictícea llamada "Nemanikuce" (Sin hogar), en la que indagaba el tema del dolor y el sufrimiento que marcaron su infancia. Por aquel entonces, sus obras eran ya de gran formato, construidas a base de texto y diminutos dibujos de seres oscuros, oníricos y demoníacos. Sus composiciones complejas ofrecen diversos niveles de lectura y son descritas por el propio artista como "depósitos sedentarios de sufrimiento".

Michel Nedjar (París, Francia, 1947 - )

Hijo de una familia judía de padre argelino y madre polaca, buena parte de su familia desapareció en los campos de concentración de la Segunda Guerra Mundial.

Ya de niño, jugaba con las muñecas de sus hermanas y empezó a obsesionarse con las telas, y a los 14 años entró como aprendiz en una casa de confección. A raíz del servicio militar, y durante muchos años, viajó por África, Asia y América del Sur, donde entró en contacto con los encantamientos hechos con muñecas mágicas. Tras su vuelta a París empezó a crear sus muñecos - fetiche, hechas con trapos y bolsas de plástico que viste con plumas, trozos de madera, pajas, cordeles o conchas impregnadas en baños de tinta, tierra o sangre.

Desde la década de los 80, su imaginario gira alrededor de los cadáveres quemados y cuerpos mutilados. Actualmente vive en el barrio de Belleville de París, donde continua su producción.

August Walla (Viena, Austria, 1936 - 2001)

Criado por su madre y su abuela tras la muerte de su padre, a la edad de 16 años prendió fuego a la vivienda familiar y amenazó con suicidarse. Hechos que le llevaron a ser diagnosticado de esquizofrenia e ingresado en una institución mental en la que, después de muchos años, se convirtió en residente de la Haus der Künstler (Casa de los artistas) vinculada al hospital.

Las obras de Walla empezaron siendo una especie de amuletos hechos a partir de desechos con inscripciones en varios idiomas (a veces inventados a través de la combinatoria) y dibujos, que le protegían de lo que más temía: la muerte, Dios, el diablo y el mismo hombre. De los pequeños tótems pasó al gran formato: paredes, muebles, suelos; y en la casa de artistas creó obras inmensas con un elevado contenido simbólico referente a una mitología completamente personal de guerras, identidades sexuales y creencias religiosas.

August Walla, "Götter" (Dioses, 1986)

Paul Amar (Argel, Argelia, 1919 - )

Nacido en Argelia, a la edad de 17 años se trasladó a París para aprender el oficio de barbero. Fue soldado durante la Segunda Guerra Mundial y, al finalizar ésta, se casó, tuvo dos hijos y regresó a Argelia para trabajar como taxista. Durante la Guerra de Argelia (1954 - 1962) fue repatriado a la capital francesa.

A los 55 años, Amar tropezó con una tienda de souvenirs hechos a base de conchas y desde ese momento empezó a trabajar en unos cuadros tridimensionales hechos con este mismo material. Tanto él como su mujer, consumen marisco sin parar, para proveerle de material suficiente para montar, en una pequeña habitación de su apartamento, unos cuadros hechos a partir de mejillones, caracoles, corales y erizos de mar pegados y pintados en acrílico o esmalte de uñas; a los que posteriormente monta en cajas retroiluminadas que generan un ambiente casi sagrado.

Paul Amar, "Le Grand Chef avec les six Totems" (2000) · Eugenio Santoro, "Sin título" (2000)

Eugenio Santoro (Lucania, Italia, 1920 - 2006)

Carpintero de profesión, luchó en Albania y Grecia en la Segunda Guerra Mundial, donde fue preso y deportado a un campo de trabajos forzados alemán en el que estuvo dos años. Unos años después de la vuelta a su país, por motivos económicos, emigró a Suiza, donde trabajó como obrero.

En este nuevo contexto, Santoro empezó a dibujar obsesivamente y a tallar esculturas de madera, afición a la que se dedicó íntegramente tras su jubilación. Su imaginario está compuesto por figuras de una gran expresividad, talladas a tamaño natural, en una besante figurativa del Informel en la que la figura humana se asemeja al monstruo.

Kunizo Matsumoto, "Sin título" (2004)

Kunizo Matsumoto (Osaka, Japón, 1967 - )

Matsumoto asistió desde 1985 a un taller creativo para discapacitados mentales, trabajando a la vez como lavaplatos en el restaurante de sus padres. En este contexto, y a pesar de no saber escribir, desarrolla un especial interés en la caligrafía y su producción artística se centra en la replica de los símbolos que los camareros del restaurante hacen sin parar en pequeñas hojas.

Así, a partir de la acumulación de papeles con ideogramas impresos, desarrolla historias personales con ideogramas nuevos, y rellena obsesivamente con estos dibujos papeles impresos a los que da una nueva vida.

Otra interesante creadora que encontramos en la Colección de Lausanne es Judith Scott, a quien @eldadodelarte dedica un muy buen post. Además, si os interesa el tema, dí con el blog "Otras voces del ver" que aborda estas prácticas artísticas periféricas la mar de bien.

Notas sobre la Propiedad Intelectual. #cursolibrebus

2012-09-05T08:30:00.000+02:00

Infografía handmade sobre la Propiedad Intelectual realizada a partir de la información de la Clase 1 del curso "Arte y cultura en circulación. Introducción al derecho de autor y las licencias libres" de @articaonline, escrito por @scannopolis.

La Propiedad Intelectual abarca conceptos amplísimos, desde las patentes de los inventos, hasta los derechos de autor. Resulta, por lo tanto, un "cajón de sastre" en el que, a partir de la década de los 70, se han hecho encajar regulaciones con orígenes, historias y evoluciones muy distintas (Richard Stallman es uno de los principales detractores de esta clasificación coloquial).

Aceptando la definición estandarizada de la OMPI (Organización Mundial de la Propiedad Intelectual), que divide la Propiedad Intelectual entre Propiedad Industrial y Derechos de Autor y conexos, y centrándonos en éstos últimos, se definen los Derechos Morales y los Derechos Patrimoniales como elementos de vinculación entre Autor y Obra, a la vez que como sistema de regulación jurídica sobre los Bienes Intelectuales (obras Científicas, Artísticas y Literarias).

Por su lado, las características de dichos Bienes Intelectuales (son, esencialmente, abundantes, acumulables y no rivales) apuntan a un sistema de regulación que, más allá de centrarse en la explotación económica de la obra (en esto consisten, fundamentalmente, los Derechos Patrimoniales), apunte a la construcción cooperativa de un conocimiento colectivo. Este aspecto de la regulación de los Bienes Intelectuales es el que defienden los seguidores de la filosofía Open Data y en el que se basan también las Licencias Libres como Creative Commons.

Con el advenimiento de Internet y más concretamente de la web 2.0, autores y artistas se encuentran con la posibilidad de ocuparse ellos mismos de la difusión de su obra. Y en este contexto, el papel del editor se pone inevitablemente en entredicho, surgiendo una necesaria reflexión sobre el aspecto imperativo que ha tenido hasta el momento la protección de los Derechos Patrimoniales en los Bienes Intelectuales.

Iker García Barrenetxea y su "Western LifeStyle Everyday Recipe". London 2012.

2012-08-17T08:30:00.000+02:00

"More and more, we live in a world that aims to control, ups, sorry, I mean connect everything. New apps, gadgets and links... lots of links, some very useful some... not so much. And these are key ingredients of the WLSER (Western Life Style Everyday Recipe).

I assume that because we are witnessing so many different forms of connecting information every now and then, as a result we are unconsciously training our "analog" brains to establish links with any information we deal with. Far from being different to the mass this phenomenon affects mee too. And I guess that this is how I ended up with this drawings.

With this exhibition I want to give you a bit of my imagination that I have managed to link to my hand, linked to a marker pen, then linked to a piece of paper. NOTE: If you do this same process you can have your own drawings ;) I hope that on this exhibition you see reflected a bit of London, of 2012, the games and also a bit of yourself. Have a nice day!"

Con este texto se presenta la exposición de Iker García Barrenetxea (San Sebastián, 1979) WLSER en The Vyner Studio (os sonará, quizás, por la exposición del otoño pasado "Barcelona Design meets London Design" coordinada con el BCD y en el contexto del London Design Festival 2011), un pequeño pero dinámico espacio fundado por el mismo artista, situado en el East London - una zona tradicionalmente industrial que desde los últimos años está redefiniéndose como una encrucijada fundamental para el arte británico más emergente, a partir de la proliferación de estudios artísticos y pequeñas galerías -.

The Vyner Studio. 1 Vyner St. | E2 9DG | London | UK

Basándose en diferentes formas de comunicación propias del siglo XXI - los nuevos media, las app para smartphone, los gadgets y links propios del social media o la publicidad - y en cómo estos "ingredientes" se entremezclan con nuestra cotidianidad, las ilustraciones de Iker nos devuelven a la simplicidad del papel, la línea y el no color, en una reflexión sobre el contexto social saturado propio de los eventos olímpicos y, en cierta medida, característico también de la sociedad y la identidad británicas con las que este joven vasco convive desde hace más de 10 años.

Siguiendo con este concepto fundamental de "vuelta a la esencia del arte" que se desprende de la recuperación del dibujo y la temática olímpica - como una vuelta a la forma de mirar de esos filósofos griegos que sentaron las bases de nociones fundamentales para el arte como la belleza o la mímesis -, Iker nos presenta una muestra constituida a partir de dibujos originales en papel clavados a la pared. Así, una vorágine de trazos negros, inscripciones, retratos caricaturescos, siluetas de deportistas en acción, y alusiones a temas paradigmáticos del mundo contemporáneo, llenan el blanco espacio del Vyner St., en una referencia más que directa a la sociedad cosmopolita.

Las características de la muestra nos hablan, más allá del elaborado contenido artístico, de la propia estrategia de supervivencia (sustainability, que dicen los ingleses) de la galería y del artista - además de la obra original, la sala ofrece "merchandising WLSER": pósters, pequeñas litografías enmarcadas, camisetas, y se planteaba la posibilidad de incluir un "libro para colorear" para adultos, consituido a partir de las ilustraciones de Iker e invitando al espectador a realizar sus propias masterpieces -.

La idea de "exposción low cost" va tomando fuerza en los tiempos que corren, ferias de arte virtuales, debates de arte a través de hashtags o exposiciones en la blogsfera, son iniciativas de un colectivo de gestores que han tomado ya consciencia del tortuoso camino que la cultura está emprendiendo en esta época de crisis. Iker se suma a este "descenso del pedestal" de la cultura apostando por una obra en formato poster, en una serie que puede archivarse y enviarse en un tubo de cartón y que se puede montar desde en galerías a espacios urbanos; ofreciendo su propia respuesta a la pregunta contemporánea de ¿qué pasará con la conservación y difusión de las obras de arte clásicas, en un panorama económico como el contemporáneo?

De esta manera, WLSER se presenta como algo más que una serie finita de dibujos, es más bien el concepto que podría englobar un amplio abanico de "productos artísticos" que pretenden reflexionar sobre las características psicológicas del mundo global contemporáneo y que podría ir desde las chapas más punk a obras finalizadas y deliciosamente enmarcadas para "nuestros maravillosos salones decorados al gusto del consumidor" (según palabras del mismo artista)

[ENG]

With these words, Iker García Barrenetxea (San Sebastián, 1979) presents his exhibition WLSER at The Vyner Studio, (it may sound familiar to you due to its recent exhibition "Barcelona Design meets London Design" coordinated with BCD during the London Design Festival in October 2011 edition). It is a small but dynamic space founded by the artist on his own, and located is in East London – a traditionally industrial area that is being redefined as a fundamental point for emergent British art, on the basis of the spread of art studios and small galleries during the last few years –.

Based on different forms of communication within the twenty-first century: new media, smartphone applications, gadgets and links usually found in social media and advertising. The way these “ingredients” blend within everyday life, Iker's illustrations bring us back to the simplicity and clarity of this: paper, line and black and white. The drawings are a reflexion and reaction to the Olympics, media social saturated has given us these unique circumstances. Characteristic of British society and identity, with which this young Basque has been living for more than 10 years.

Following this fundamental concept of “returning to the essence of art” deduced from the recuperation of drawing and the Olympic topics – returning to the fundermentals of the Greek philosophers who laid the notions of beauty or mimesis –, Iker presents an exhibition made up of original ink on paper drawings tacked to the wall. In this way, a maelstrom of black lines, inscriptions, caricatural portraits, athlete silhouettes, and illusions to a contemporary world's paradigmatic issues, filling the white space at Vyner St. in a direct reference to the cosmopolitan society.

The Exhibition's characteristics talk us about galleries' and artists' sustainability (beyond the elaborate artistic content). Apart from original masterpieces, the Vyner St. showroom offers “WLSER merchandising”; posters, small framed lithographs, T-shirts, this presented the possibility of including a “coloring book” for adults, made from compiling Iker's illustrations, where the viewer is invited to create their own masterpieces.

Presently, the “Low Cost Exhibition” idea is taking shape: online art fairs, debates via hashtags or exhibitions on the blogosphere are initiatives of a group of cultural managers who have already become aware of the culture's tortuous path in this time of financial crisis. Iker's contribution to this culture “pedestal drop” is a poster formated work of art that can be stored and sent in a cardboard tube, and shown from galleries to urban spaces. This way, Iker is offering his own answer to the contemporary question of how conservation and diffusion of classic masterpieces must be understood in this new economic landscape?

Thus, WLSER is presented as something more than a finite series of drawings, this is a concept that could include a wide range of “artistic products” reflecting on psychological characteristics of a contemporary global world, from punk pins to completed and delightfully framed works for “our wonderful halls decorated to suit the consumer” (in the artist's own words).

Los relatos interrumpidos de Theo Firmo

2012-07-18T08:30:00.000+02:00

**Me hace mucha ilusión inaugurar esta nueva categoría del blog, dedicada a jóvenes Artistas Emergentes, con las ilustraciones de un joven brasileño que me hacen sonreir cada vez que las reconozco en alguna feria.**

Conocí a Theo (Sao Paulo, 1983) el febrero del año pasado, durante la 2a edición de la Feria JustMAD, en el stand de la Galería Columpio de Madrid, especializada en dibujo contemporáneo y obra sobre papel y que actualmente carece de espacio físico.

"Familia 3" (2009)

Con un aire tímido y una voz muy dulce me enseñó "Casa Tomada" (2009), una serie de ilustraciones que guardaba en su portfolio. En seguida me quedé prendida de esos inacabados dibujos hechos a base de líneas de tinta china sobre papel milimetrado (una de las señas de identidad de este brasileño graduado en lingüistica y semiótica).

Así, unos trazos que se interrumpen por enigmáticos espacios vacíos - invitando al espectador a completar la narración desde su experiencia individual - y la apariencia de calco casi escolar, son la base compositiva de una obra gráfica en la que lo doméstico y lo público, el simulacro y lo real, lo íntimo y lo lejano, lo seriado y lo único, lo racional y lo emotivo, lo cotidiano y lo extraño se superponen y entrecruzan sin posibilidad de disolución.

Hace un par de meses volví a coincidir con Theo, esta vez en el stand de la Galería Emma Thomas de Sao Paulo (a quien quiero agradecer el amigable trato y la información facilitada), en la quinta edición de la feria Barcelonesa Swab. Esta vez, los dibujos de Theo no estaban guardados en un portfolio, sino cuidadosamente colgados por todo el stand, en unos marcos que el mismo artista se encargaba de mantener completamente brillantes. Esta delicadeza y pulcritud guardaba una harmonía perfecta con obras como "Charla", de la Série "Suma Cero" (2010), una gran pieza de acetato intervenido con calor, que nos habla de un tiempo indefinido, carente de movimiento, en el que la imaginación del espectador para configurar la escena, tiene un papel tan importante como el fuerte elemento táctil de las texturas familiares trabajadas por el artista.

"Charla" y detalle (2010)

Parece que los estudios de comunicación y lenguaje han servido a este joven dibujante para establecer el núcleo central de su trabajo en el hecho narrativo. Su obra - basada más en referentes literarios que artísticos - constituye una narración que gira alrededor de la memoria, la ausencia y el azar; y que está compuesta a partir de signos que, como los lingüísticos, se superponen en una mezcla de dibujos inacabados que apelan directamente a las comunicaciones interrumpidas de la realidad y, sobretodo, a aquellos fragmentos que faltan y que, en ocasiones, aportan tanto o más significado que aquellos que sí están.

De la serie "Estoria Hilustrada" (2011)

De la serie "Porno o No"

De la serie "Piscinas, lagos, rios, arena movediza: bienvenidos"

Theo hablando de su obra en Swab 2012

"New" Media Art

2012-07-08T08:30:00.000+02:00

[ACTS] Arte, Ciencia, Tecnología y Sociedad en el contexto del cambio de siglo.

Os dejo, como segunda entrega del post anterior, el Embed de un ensayo que he escrito sobre el New Media Art. Está escrito en catalán y analiza las prácticas artísticas internacionales que desde la Revolución Digital se basan en las nuevas Tecnologías de la Información y la Comunicación para la reflexión sobre el papel que éstas jugaron en el desarrollo cultural.

Como sabéis, los comentarios son siempre bienvenidos ;)

"Old" Media Art

2012-07-06T09:29:00.000+02:00

De como la experimentación de los nuevos lenguajes artísticos de la Segunda Posguerra se tradujo en el origen del New Media Art contemporáneo.

Os dejo el Embed de un ensayo que he escrito sobre los orígenes del Media Art. Está escrito en catalán y analiza las prácticas artísticas realizadas entre Nueva York y Europa durante la Segunda Posguerra que utilizaron la tecnología propia de los primitivos medios de comunicación de masas para la reflexión sobre el papel que éstos jugaron en el desarrollo cultural.

A este ensayo le sigue otro, "New Media Art: [ACTS] Arte, Ciencia, Tecnología y Sociedad en el contexto del cambio de siglo", que sigue la misma línea de análisis en el contexto de las décadas de 1990 y 2000, y que en breve también será publicado.

Como sabéis, los comentarios son siempre bienvenidos ;)

Mi primera vez en @swabartfair

2012-06-01T08:30:00.000+02:00

La semana pasada tuvo lugar Swab, la Feria de Arte Contemporáneo de Barcelona nacida en 2007 y que este año ha apostado más que nunca por las propuestas artísticas más emergentes, convirtiéndose así en plataforma para una nueva generación internacional de galerías.

Swab, se empapa ella misma de estas corrientes innovadoras para ofrecer, aparte de los clásicos estantes dedicados a galerías y/o solo projects, una serie de actividades que complementan la oferta artística:

El espacio My First Art Fair da cabida (gratuitamente) a cuatro galerías con menos de dos años de trayectoria: Junge Kunst (Berlín), La Bañera Gallery (Madrid - Sevilla), MUTT Art Gallery (Barcelona) y ZAK Gallery (Siena).

Talking Artist se presenta como ciclo de conferencias para presentar la obra de 10 artistas jóvenes (nacidos a partir de 1980) presentes en ésta edición de la feria. La obra de estos artistas podrá adquirirse a través de un innovador sistema de Vending (la Vending Art machine) que, a la vez pretende reflexionar sobre el consumo de productos artísticos.
La Plaça de l'Univers del recinto Fira Montjuic se convirtió en espacio multidisciplinario que dió acogida a dos proyectos: (1) Swab Urban, en el que una serie de artistas urbanos emergentes mostraron su proceso de creación en unas ART BOXES (2x2m aprox) que al terminarse también se pusieron a la venta; y (2) Swab Music, un proyecto de música en directo organizado juntamente con la Sala Razzmatazz.

Como si esto no fuera suficiente, otra importante novedad que la feria ofrece este año es el tour virtual que puede realizarse a través de la web.

Pinboard de Swab Art Fair 2012

Tal y como hice en el post dedicado a la feria JustMAD, os dejo un Pinboard de Pinterest y el listado de las propuestas, a mi entender, más interesantes de esta edición de la feria barcelonesa, repleta de proyectos jóvenes y de tendencias completamente variopintas:

ARTCURATOR.RU Gallery (Moscú): Sonya Suhariyan
DEA ORH (Praga): Zdenek Trs
Galería Nuble (Santander): Antonio Díaz Grande
Gallerianumero38 (Lucca): Luca Gaddini y Aron Demetz
Galería Rosa Santos (Valencia): Andrea Canepa
Galería Sicart (Vilafranca del Penedès): Alejandra Alarcón
Jarmuschek + Partner (Berlín): Sabine Banovic
MiTO (Barcelona): Crajes, Antonio Fernandez Alvira y Mai-Loan Tu
Montana Gallery (Barcelona): Dhear
Movimiento Arte Contemporanea (Milán): Domenico Grenci
N2 Galería (Barcelona): Juan Manuel Villa-Escribano
Black Square Gallery (Miami): Pablo Lehmann
Pabellón 4 Arte Contemporáneo (Buenos Aires): Natalia Revilla
Galería Emma Thomas (Sao Paulo): Theo Firmo
Espai [B] (Barcelona): Rithika Merchant
Galería Ángeles Baños (Badajoz): Jesús Zurita

Os recuerdo, además, que 'Historias de Arte' tiene un Stack de Delicious llamado 'Galleries', donde podréis encontrar el link a las páginas web de estas y más galerías de arte.

VIP Art Fair y la virtualización de la feria de arte

2012-04-24T11:01:00.000+02:00

Foto original by ladyb

Amantes del arte y las nuevas tecnologías, id mullendo las sillas de vuestros despachos porqué desde hoy hasta el próximo sábado 21 de abril estáis citados a una curiosa edición de VIP Art Fair, una feria internacional de arte que se desarrolla exclusivamente online y que, en esta ocasión, está dedicada a los trabajos sobre papel.

En un post anterior, “VIP Art Fair 2011: ver es más que ver”, Mariana ya introdujo la feria y propuso una reflexión sobre su primera edición (en enero de 2011), que al parecer estuvo condicionada por una serie de problemas técnicos consecuencia del gran número de visitantes que curiosearon en el evento (y digo curiosearon porqué, al parecer también, el cierre de ventas no fue ni mucho menos el de una feria offline). Tras una segunda edición (en febrero de 2012 y bautizada como Vip 2.0) buena parte de estos inconvenientes tecnológicos ha quedado resuelta y parece que, poco a poco, la feria se va consolidando como evento artístico online. Tanto es así que, no satisfechos con una edición anual (característica casi definitoria de las ferias tradicionales), para este año VIP Art Fair tiene programadas una serie de “ferias temáticas”: La actual VIP Paper (19-21 de Abril); VIP MFA (1-8 de Junio), o el equivalente a las “exposiciones de fin de carrera” de estudiantes de Bellas Artes seleccionados a través de un concurso; VIP Photo (12-14 de Julio) y VIP Vernissage (20-22 de Septiembre), el gran evento inaugural de la temporada de galerías.

Aparte de esta pequeña concesión temporal (propiciada por el propio medio digital que aloja la iniciativa), hay que reconocer que el proyecto de los americanos James y Jane Cohan (propietarios de la James Cohan Gallery en Nueva York) y Jonas y Alessandra Almgren (emprendedores de Silicon Valley) lo tiene todo pensado para parecerse al máximo a una feria de arte tradicional: diferentes tamaños de galería en función de la “importancia”, secciones (artistas emergentes, solo projects, etc.), presencia de editoriales, visitas guiadas a cargo de artistas y comisarios, videos con entrevistas que sustituyen los tradicionales programas de conferencias, etc.

Esta “virtualización de una feria de arte” (pero sobretodo la traducción literal que VIP Art Fair ha hecho de su referente físico) atañe, inevitable, a una serie de reflexiones vinculadas a la rigidez estructural del mundo del arte frente a las posibilidades del medio online que ya apunté en mi primer post en Ártica.

El contexto digital ofrece, por naturaleza, un formato de feria más democrático y accesible para con el gran público y más adecuado para atraer un nicho de coleccionistas sin explotar, los coleccionistas jóvenes habituados al uso de las nuevas tecnologías. Si a esto le sumamos que el formato online resulta un modelo más flexible adaptado a tiempos de crisis, la feria de arte online se presenta como un buen sistema para abrir campos al mundo del arte. Por otro lado, si bien es cierto que un gran número de aficionados y profesionales ha conocido una cantidad considerable de trabajos artísticos únicamente a través de reproducciones en revistas, libros y catálogos, y que muchos de los coleccionistas más importantes han adquirido muchas de sus obras sin haberlas visto antes personalmente; la cuestión del “aura” de la obra de arte de Benjamin surge de nuevo con este tipo de eventos.

Abordando el tema desde otro punto de vista, ya anteriormente a la creación de VIP Art Fair, existían varias iniciativas de venta de arte en la red: el portal Saatchi online y la plataforma [s]edition (para obras de grandes artistas y reproducciones digitales de las mismas respectivamente), así como una importante cantidad de tiendas virtuales para artistas visuales que, al eliminar los intermediarios, son idóneas para artistas jóvenes o emergentes.

A sí pues ¿Qué aporta de nuevo VIP Art Fair a este panorama? La feria online se presenta como un proyecto comisariado por varios profesionales (con obras de arte de mucha calidad) y sintetiza la actividad online de muchas galerías, además de establecerse como una valiosísima base de datos de usos y costumbres del mundo del arte, como plantea el crítico de arte y comisario Pau Waedler. Pero, a pesar de ofrecer ciertas características de la web 2.0 y los proyectos online vinculados al arte (la utilización de “marcadores” para coleccionar y compartir las obras y artistas favoritos de la feria, la conversación tipo chat con las galerías, la posibilidad de configurar rutas a través del content curating, la interacción a través de las redes, la gran calidad del zoom en las imágenes), a VIP Art Fair le falta una parte social fundamental, aquella que equivaldría a los cócteles, las cenas y las charlas “out of the record” de la feria tradicional.

La cuestión fundamental parece, pues, si es suficiente el cambio de medio (del físico al digital) para que un evento se convierta en 2.0. En mi opinión, se requiere también de un cambio en la concepción del proyecto que se adecue al lenguaje y características propias del nuevo medio. Y vosotros, ¿qué opináis? ¿Puede una feria de arte online tener la misma repercusión que una feria tradicional? ¿Podemos concebirlo como el mismo tipo de evento? ¿Se está planteando este tipo de proyecto de la manera correcta?

[Publicado en Ártica, Centro Cultural 2.0]

Pieter Hugo en "La morada del hombre"

2012-03-23T08:37:00.000+01:00

Las fundaciones barcelonesas Foto Colectania y Suñol han elaborado conjuntamente un proyecto expositivo que ha llevado a los dos centros de la ciudad condal parte de la colección de fotografías del coleccionista Martin Z. Margulies en una exposición, "La morada del hombre", que gira alrededor de la cuestión de como el hombre habita, interacciona y construye el mundo, y que incluye a los grandes nombres de la fotografía internacional (Walker Evans, Dorothea Lange, Lee Friedlander, Ed Ruscha, Stephen Shore, William Eggleston, Helen Levitt, Andreas Grusky, Roni Horn, etc.).

Mallam Galadima Ahmadu with Jamis, Nigeria 2005
(Premio Retrato World Press Photo 2005)

La muestra, abierta al público hasta el próximo 16 de junio, está comisariada por Régis Durant y dividida en 3 ámbitos, dos de ellos ubicados en Foto Colectania y el último en la Fundació Suñol. Pero en esta ocasión, más que una crítica de la muestra (por otro lado, muy recomendable) quiero resaltar el trabajo de un fotógrafo que me impresionó especialmente.

Pieter Hugo (Johannesbourg, 1976) es un joven fotógrafo sudafricano que trabaja mayoritariamente el retrato, uniendo la tradición de la fotografía documental con las raíces artísticas africanas, que le llevó a ganar el primer premio en la categoría de retrato del certámen World Press Photo en su edición de 2005.

A través de la reflexión que ofrece el trabajo con una cámara de medio formato y la agrupación en series, las fotografías de Hugo muestran una especie de 'cara oculta de lo africano' influenciadas, sin duda, por su condición de hombre blanco en un continente que, a menudo, no lo reconoce como hijo propio.

La serie The Hyenna and other men, de la que está extraída la foto ganadora del WPP, muestra imágenes de un gurpo de hombres (acusados por la prensa de ser atracadores de bancos, camellos o recaudadores de impuestos) que pasean por la ciudad de Lagos con una hiena encadenada. El grupo resultó ser finalmente una unión de animadores y vendedores de hierbas medicinales que tenían al salvaje animal adiestrado para interaccionar con la población, así, las imágenes de la serie, muestran un salvajismo contenido que asemeja al adiestrador con el adiestrado.

Otras series del artista, relizadas durante sus constantes viajes por todo el continente, muestran personajes en el contexto de Nollywood (centro de la producción cinematográfica realístico-dramática africana), el genocidio de la minoría tutsi en Rwanda, la polifacética población de Musina o retratos de enfermos de SIDA o albinismo.

Las fotografías de Hugo, han sido a menudo acusadas de sensacionalismo y de sacar partido de los colectivos más desfavorecidos; acusaciones de las que el artista se defiende argumentando que "mis intenciones no son malignas de ningún modo, a pesar de lo que diga la gente. He viajado por todo África para hacer mis fotos, lo sé, pero a la vez no formo parte de este continente... No puedo reclamar tener una voz auténticamente africana, pero sí puedo afirmar que tengo una honesta". De nuevo, la polémica está servida.

Escort Kama (Enugu, Nigeria 2008) · Nayanza graveyard (on the road between Kigali and Bujumbura, Rwanda) · Liz and Neil Selby with some of their cats (Musina)

El nuevo "Malestar en la cultura"

2012-03-16T08:50:00.002+01:00

Fotografía original de Tanakawo

Sigmund Freud, a principios de los años 30 del pasado siglo, tituló como "Malestar en la cultura" un discurso más bien sociológico que, en términos esloganistas, permanece vigente 80 años después.

En este primer post que escribo para Ártica voy a intentar, a partir del análisis de una serie de sucesos que han tenido lugar en el último mes en relación con la cultura y su presencia en internet, fomentar la reflexión sobre el panorama de la comunicación cultural online y apuntar, como Mariana hizo en su post “Los blogs y la conversación sobre arte”, alguna posible hipótesis.

#ARTEYUNCAFÉ (17 de febrero)

En el contexto del Fin de Semana del Arte en Madrid, tuvo lugar el encuentro #Arteyuncafe (evento organizado por @VeoArte a modo de desvirtualización de un proyecto que llevaba tiempo desarrollándose online). En la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, una serie de profesionales y especialistas de la cultura y las TIC, blogueros culturales, tuiteros aficionados a la cultura y estudiantes de la misma facultad (se añadieron espontáneamente a última hora) reflexionamos sobre las diferentes caras del desarrollo y uso del arte en la web 2.0.

De este encuentro, salieron varias ideas interesantísimas; yo me quedé esencialmente con dos cosas: la primera fue la poca participación de instituciones y galerías en el evento; y la segunda la idea (presentada por @mediamusea y secundada por todos en el debate posterior) de que “los museos están en las redes, pero no son sociales”. Ante estas sintéticas conclusiones, el vacío comunicativo que parece existir entre las instituciones culturales y los usuarios en la web 2.0 se hizo evidente.

#UNCMPARAELPRADO (27 de febrero)

Unos días después, y un poco como consecuencia de comentarios que habían surgido en el evento madrileño, empezó lo que desencadenó una suerte de “crisis social media” bautizada con el hashtag #UnCMparaElPrado. Nuestra amiga Pilar DM publicó en su blog, @eldadodelarte, un post con ánimo de hacer una crítica constructiva a dos instituciones culturales que parecía no estaban llevando a cabo una buena práctica de comunicación 2.0 en Twitter.

La primera, a pesar de estar al corriente de esta invitación a la reflexión sobre las propias prácticas (el post, escrito a modo de conversación amistosa con la institución, tubo bastante revuelo en la plataforma del pajarito) hizo caso omiso, sorteando como pudo los comentarios de los usuarios que aprovecharon el post de Pilar para “debatir en la red lo que es de la red”.

La segunda institución, en cambio, entró en diálogo con los tuiteros de un modo un tanto irreflexivo, defendiéndose de lo que no eran acusaciones sino sugerencias de comportamiento. Esta conversación quedó reflejada al día siguiente en el blog de @zapatosrosas donde, con el mismo tono bienintencionado se analizaba la estrategia social-media (o carencia de ella) explicada por el mismo departamento de comunicación de la institución, en busca del origen de la mala praxis. El título de este post, el hashtag #UnCMparaElPrado, era una invitación a sumarse a la petición de esta figura para el departamento de comunicación de una de las mejores pinacotecas españolas. Esta vez el debate se popularizó y durante unos días Twitter se llenó de conversaciones acerca del tema.

A ésto, se sumó un post de comunicación 2.0 en el que se defendía la postura del blog como herramienta para una comunicación más profunda entre las instituciones y, ya no el público general del museo, sino los expertos en arte y usuarios activos de la web 2.0 que buscan el diálogo más allá de la mera repetición de la información facilitada en sus páginas web.

#CUANDOERAMOSCULTOS (11 de marzo)

En el contexto de los recortes en educación y cultura que el gobierno español está practicando, el programa televisivo Salvados realizó uno de sus polémicos reportajes sobre lo que acertó en llamar “burbuja cultural” (asemejando la especulación en cultura a la practicada en el ámbito inmobiliario) y haciendo públicas cifras millonarias vinculados a la inversión en centros culturales actualmente infrautilizados. De nuevo, los expertos culturales asiduos de Twitter (acompañados, evidentemente, de otros usuarios), establecieron un debate paralelo al programa convirtiendo esta vez el título del documental #CuandoEramosCultos en TT durante el desarrollo del mismo. Y, de nuevo también, en dicho debate no participó ninguna institución, ni responsable de cultura de la Administración.

#CULTURA18 (12 de marzo)

Bajo el hashtag #cultura18 tiene lugar semanalmente (todos los lunes a las 18h horario español y durante una hora) un debate que gira alrededor de temáticas culturales y en el cual participan, de nuevo, expertos del mundo del arte y la cultura que desarrollan una importante actividad online (resulta redundante mencionar de nuevo la escasísima participación institucional en él). Dicho debate, bajo el tema “cultura y tópicos” (que para este caso es lo de menos, pero que pretendió analizar a través de la ironía los prejuicios y concepciones erróneas que acarrea el mundo de la cultura), fue el pasado lunes TT número uno en España durante buena parte de su desarrollo.

A partir de estos casos expuestos (que sintomáticamente llevan todos un hashtag por título) puede verse, de algún modo, cómo la plataforma Twitter (y la consiguiente expansión a los blogs) se ha definido como lugar de debate y conversación entre expertos del mundo del arte y la cultura, dando lugar a proyectos y colaboraciones que funcionan de un modo independiente a lo institucional, dado que las instituciones deciden (de un modo consciente o no) formar parte de un modo más bien relativo.

Yendo un poco más allá, parece que se estuviera construyendo, como por generación espontánea, una estructura virtual con lo que respecta al mundo de la cultura, una especie de red que corre de un modo paralelo a “lo real”, gestionado por las instituciones.

De nuevo, un malestar en la cultura.

[Publicado en Ártica, Centro Cultural 2.0]

JustMAD, una feria joven que sube con fuerza

2012-02-24T08:40:00.007+01:00

La segunda semana de febrero se ha convertido, ya de una forma oficial, en La Semana del Arte en Madrid. La propuesta más arraigada de estas fechas, con el aval de 30 reconocidas ediciones anteriores, es la internacionalmente conocida Feria de Arte Contemporáneo ARCO, a raíz de la cual empezaron a surgir ferias y actividades paralelas, bautizadas inicialmente como "satélites" pero que en la actualidad (y a pesar de las escasas ediciones precedentes) ya se presentan, por la solidez de las propuestas así como por la afluencia y aceptación de los visitantes, como eventos consolidados.

Este es el caso de la jovencísima JustMAD, una feria que con solo 3 ediciones contando la del presente año, se presenta como el hermano pequeño y travieso de la demasiado institucionalizada ARCO. JustMAD forma parte de una serie de eventos internacionales independientes dedicados a galerías y artistas emergentes que pasan desapercibidos a las ferias principales, con una cuidada selección de propuestas jóvenes y frescas que apuestan por la ilustración, el diseño, el trabajo de la pintura sobre nuevos materiales, así como las acciones y performances.

Pinboard de JustMAD 2012

Os dejo a continuación un listado de las propuestas, a mi entender, más interesantes de esta edición de una Feria que, coleccionistas consagrados aparte, seguro se ha ganado el corazón de amantes del arte que, como una menda, lo que esperan de una "feria de arte contemporáneo" es la sorpresa, la ilusión, el descubrimiento, los nervios en observar que hay mucho por conocer y muy bueno. Sentimientos todos ellos que se agolpan en JustMAD y que, sin duda, esta edición de la consagradísima ARCO no me ha probocado.

Galería Saro León (Las Palmas de Gran Canaria): Manolo González
Bom Gallery (Seul): Kim Joowon
Galería Ángeles Baños (Badajoz): Manuel Antonio Dominguez
Negocios Raros (Madrid): Miguel Marina Cobo
Galería Eva Ruiz: Rosa Isabel Vázquez
3+1 Arte Contemporánea (Lisboa): Claire de Santa Coloma
Galería Sabrina Amrani (Madrid): Younes Baba-Ali
La Casa Cuadrada (Bogotá): Antonio Fernández Alvira
Galería Trinta (Santiago de Compostela): Miguel Ángel Moreno Carretero
Galería José Robles (Madrid): Santiago Morilla
6+1 Arte y Arquitectura (Madrid): Julio Falagán, Fernando Bayona
Galería Fernando Pradilla (Madrid): Moisés Mahiques
Galería Sicart (Vilafranca del Penedès): Alejandra Alarcón, Marta Espinach
Ogami Press (Madrid): Mauriel Moreau
Galería María Llanos (Cáceres): Manuel Acedo
Galería AranaPoveda (Madrid): Rosana Antolí
Galería Liebre (Madrid): Laramascoto
Galería Adriana Suárez (Gijón): Helena Toraño
Galería Inés Barrenechea (Madrid): Gayle Chong Kwan
Galería Alegría (Barcelona): Pablo Milicua
Et Hall (Barcelona): Martín Vitaliti (Premio de dibujo Museo ABC), Luís Macías
Galería Louis 21 (Palma): Javier Calleja
Galería Guillermina Caicoya (Oviedo): Natalia Pastor
Galería Trema (Lisboa): Ana Sofía Gonçalves
Galería Marisa Marimón (Ourense): Tamara Feijoo

Para terminar, os dejo mi Stack de Delicious 'Galleries', donde podréis encontrar el link a las páginas web de estas y más galerías de arte.

La Villa Laurentum de Plinio el Joven (Plin.Ep.II,17)

2012-01-31T13:25:00.009+01:00

Os dejo el Embed de un ensayo que he escrito sobre la Villa Laurentum de Plinio el Joven, una villa romana martítima del siglo I, basado en las Epistulae del mismo. Sé que no tiene mucho que ver con la temática habitual de este blog, pero el Arte Antiguo también tiene cabida aquí [podéis ver el post sobre gestos en el Arte Egipcio] y seguro que a más de uno puede interesaros.

El surrealismo queer de Claude Cahun

2012-01-16T11:15:00.008+01:00

El Palau de la Virreina (La Rambla, 99) está considerado uno de los mejores exponentes del barroco en la arquitectura civil catalana y ahí tiene sede el Centro de la Imagen con el mismo nombre, que acoge atractivas (y gratuitas!) exposiciones temporales dedicadas a los maestros de la fotografía. En el contexto de este precioso espacio arquitectónico, encontramos hasta el día 5 de febrero de 2012 la retrospectiva de la obra fotográfica de Claude Cahun, nombre artístico bajo el que se refugió la polémica Lucy Schwob (Nantes, 1894 - Jersey, 1954). La obra de esta prolífica fotógrafa francesa de los tiempos revueltos de la primera mitad del siglo XX, aunque desconocida durante mucho tiempo, goza actualmente de un “boom” de popularidad debido a las numerosas exposi-ciones que se le han dedicado durante los últimos veinte años (Museo Nacional de Arte Moderno de París, Instituto de Arte Contemporáneo y Tate Modern en Londres, Grey Art Gallery en Nueva York etc.), consagrando definitivamente su obra.

La retrospectiva de La Virreina, pretende no solamente mostrar la trayectoria artística de la controvertida Cahun, sino también inscribirla en un discurso que alude tanto al surrealismo como a la “moderna” teoría Queer. Este factor determina que la muestra no presente (gracias a Dios!) un insustancial orden cronológico sino que, a través de un elaborado discurso expositivo, agrupa una importante cantidad de imágenes de Cahun en una serie de espacios temáticos (organizados alrededor del espectacular patio interior con doble escalinata) que logran dilucidar la ambigua figura de la artista y el complejo contexto artístico, cultural y social en que desarrolló una obra artística intimista y poética que funciona como una íntima y delicada autobiografía a través de la imagen.

Instalada en París antes de los 20 años con Suzanne Malherbe (Marcel Moore), con quien formaría pareja sentimental y artística, la figura de Cahun ya se perfila como independiente y transgresora; y esta personalidad que pasaría desapercibida en sus tiempos es el elemento latente y trascendental de esta obra aparentemente sensible y discreta.

La que para mí resulta la línea fundamental en del trabajo de Cahun, aquella que de una manera introspectiva sirve para reflexionar sobre la identidad y la subversión de los géneros, se encuentra en el primer de los espacios de La Virreina. A través de una infinita variedad de autorretratos donde una puesta en escena teatral (influenciada inevitablemente por su participación en la compañía teatral Le Plateau) resulta la protagonista, buena parte del recorrido artístico de Cahun nos es presentado como un trabajo completamente íntimo de investigación personal en el que, desnudándose emocionalmente delante de la cámara a través del travestismo y el juego de máscaras, desmenuza la cuestión de la ambigüedad sexual y los convencionalismos a ella asociados. A través de estos autorretratos introspectivos, Cahun explora y promulga un mensaje elemental en pro del género indefinido, en la frontera entre la homosexualidad, la bisexualidad y la androginia, que, sin ser consciente de ello, iría como anillo al dedo a la “ochentera” teoría Queer (sí hombre, aquella que defiende que la identidad de género es una construcción social y que, por lo tanto, no existen roles sexuales esenciales predeterminados, sino formas variables de desempeñarlos).

El segundo espacio constituye un pequeño paréntesis dedicado a la poética del objeto (el bodegón, vamos), un trabajo esencialmente surrealista realizado con objets trouvés y entendido como un “teatro de las cosas” con un alto componente literario. Cabe decir aquí que, aunque no puede desvincularse el trabajo de Cahun del activo grupo surrealista de André Bretón y su defensa de la libertad de creación del artista, la búsqueda de un “mito” personal a lo Baudelaire ultrapasa todas estas intencionalidades y convierte el trabajo de Chaun en un incesante cuestionamiento del trabajo y la personalidad propias.

Combinaciones surrealistas de objetos aparte, sigue Cahun con sus íntimas reflexiones hechas imagen hablándonos del deseo. A través de una mirada metafórica, busca reducir este deseo (completamente desvinculado aquí de la pornografía) a lo esencial a través de la exploración del componente imaginario, casi onírico, de un cuerpo que tiende cada vez más a lo hermafrodita.

Al llegar a la cuarta sala uno ya es perfectamente consciente del morboso rol de voyeur que los comisarios de la muestra, Juan Vicente Aliaga y François Leperlier, han decidido otorgarle. Dejadme apuntar aquí que, discursos feministas aparte, porqué no los soporto, en todo momento había dado por sentado que detrás de tan sensible discurso había una mente femenina. Pues eso, sigue al deseo un espacio dedicado a la complicidad de la pareja Cahun-Malherbe. Trabajos conjuntos, autorretratos, fotomontajes, retratos dobles, una vorágine de obras colaborativas en las que convergen las cuestiones que la obsesionaban.

Los comisarios tienen otro detalle aquí y nos ofrecen una “pausa” ante tanto intimismo con un a sala que, a modo de simpático álbum de fotos familiar, recoge retratos de amigos y personajes que ejercieron una importante influencia sobre la artista. Sigue a ésta, un espacio dedicado al aspecto más social de la vida de Cahun, que testimonia su activismo político vinculado al grupo surrealista, una actividad en el movimiento de la resistencia que la llevaría a ser encarcelada, junto a su inseparable Malherbe, por el ejército nacionalsocialista.

Esta lectura del diario personal de Cahun a través de las imágenes, concluye con una sala dedicada a los trabajos posteriores a esta estancia en prisión que le dejaría una profunda huella física y emocional. Los poemas visuales de este último período de madurez, inmediatamente anterior a su muerte, sintetizan todas las reflexiones anteriores, remontándose al cuestionamiento fundamental de la realidad y las apariencias.

The End.

Sí, la sensación con la que una sale de La Virreina es la de haber visto una película biográfica bien hecha. El discurso expositivo está trabajado, el ritmo de la visita es elástico y equilibrado, el contenido es intenso y a la vez ameno. Definitivamente, os recomiendo esta exposición.

[Publicado en absur2eal num.-5]

Jeff Wall, el fotógrafo que "pinta la vida Moderna"

2011-12-13T15:23:00.003+01:00

Estuve la semana pasada tres días en Londres, medio de vacaciones medio en rol de "exploradora cultural" y de mis paseos por galerías y museos varios quiero destacar la selección de trabajos de Jeff Wall que ofrece el espacio que ocupa la White Cube Gallery enmedio del concurrido barrio de Picadilly.

Jeff Wall es un artista canadiense (Vancouver, 1946) pionero de lo que se conoce como Fotoconceptualismo, un movimiento artístico heredero directo del Conceptualismo surgido a finales de la década de los 60, que se centra en la "imagen de la idea" y no en la visión óptica de la misma. Como tal, el Fotoconceptualismo se nutre de las nuevas tecnologías fotográficas (transparencias de gran tamaño a color, estética y composición cinematográfica, etc) para trabajar sobre la cotidianidad a través de un lenguaje visual en constante reflexión sobre sí mismo.

Picture for women (1979) · The Destroyed Room (1979)

Mientras que la inmensa mayoría de propuestas de arte moderno desprenden un halo de espectacularidad, el trabajo de Wall mantiene una cierta sofisticación y substancia, debidas quizá a su formación teórica como historiador del arte y al hecho de trabajar la fotografía como con la pintura, preparando minuciosamente tanto escenarios como modelos y recreando escenas vividas en primera mano, en un proceso que le permite reinventar la composición original, según las composiciones de pinturas clásicas (obras de pintores como Eugène Delacroix o Édouard Manet). Según palabras del propio artista "pinta la vida moderna", haciendo palpable aquí la importante influencia de Charles Baudelaire y sus intentos de unificar arte y vida en el contexto de la Modernidad parisina de finales del siglo XIX.

De finales de los 70 son dos obras, Picture for women y The destroyed room (1979) que aluden directamente tanto al concepto como al cromatismo de trabajos de los citados pintores, interpretando un diagnóstico comparativo para nuestra Modernidad, personificada en la mujer que juega a mirar y ser vista y en el escaparate que muestra, en lugar de la ilusión, una alegoría al fracaso del individuo contemporáneo.

Mimic (1982)

Durante la década de los 80, Jeff Wall se inspiró en los accidentes y las casualidades callejeras recreados minuciosamente y observados desde una cámara de gran formato que le permite registrar gran cantidad de detalles. Una famosa imagen de este período es Mimic (1982), una fotografía casi cinematográfica tomada en el estilo documental de la fotografía de calle de Robert Frank o Garry Winogrand, en lo que parece un suburbio de una ciudad norteamericana, y que refleja el momento justo en el que se revela la tensión social entre miembros de diferentes razas.

Esta narrativa cinematográfica se mantendrá cmo una constante a lo largo de toda su trayectoria, generando a veces complejísimas escenografías en obras como A ventriloquist at a birthday party in October 1947 (1990) o After 'Invisible Man' by Ralph Elison, the Prologue (1999-2000).

Los 90 fueron un perídoo en que a través d ela exploración de las nuevas tecnologías digitales, documenta escenas encontradas por azar, jugando con la idea de la representación pictórica y la abstracción, revelando a la vez la "poética de lo cotidiano".

The Storyteller (1991)

Destaca de este período The Storyteller (1991), un trabajo realizado au plein air a modo del Déjeuner sur l'herbe de Manet, que habla de las tradiciones orales canadienses y como éstas han sido erosionadas por la vida moderna, en una recreación perfecta que reinterpreta la escena pastoral clásica. A través de espacios psicológicos como el de The Storyteller, Jeff Wall consigue generar una serie de complejas dualidades conceptuales que ponen en escena elementos fundamentales de la crisis existencial contemporánea. Son de este período obras como An Octopus (1990), Diagonal Composition (1993) o Sunflower (1995).

Fue también en esta década en la que Jeff Wall empezó a trabajar con fotografía en Blanco y Negro, un medio asociado tradicionalmente al estudio documental. Las escenografías continuan siendo recreaciones hechas por actores, epro consiguen una apariencia casual, en una investigación sobre el complejo concepto de la autenticidad en la fotografía.

A partir de los inicios del siglo XIX, Wall comienza a trabajar con paralelismos históricos, jugando siempre con al relación ficción - realidad. A través de las constantes alusiones a sus referentes pictóricos, y mostrando un elaborado criterio artístico, Jeff Wall nos muestra, de una manera distina a como lo hace el japonés Yasumasa Morimura, su propio punto de vista de la Historia del Arte.

Las fotografías de gran formato en blanco y negro y las inmensas transparencias retroiluminadas de Wall nos dejan con una extraña sensación, consiguen prolongar el tiempo en una seductora confusión. "Las imágenes más interesantes son aquellas en las que lo que se ve se las arregla para sugerir lo que se excluye". Y esto es precisamente lo que sucede en la White Cube Gallery londinense, con la fotografia Ivan Sayers, costume historian, lectures at the University Women's club, Vancouver, 7 December 2009 (2009), que con mi amiga Laura empezamos a elaborar una hsitoria, casi un cuento de fantasmas, de un modo completamente inesperado.

Ivan Sayers, Costume historian, letures at the University
Women's club, Vancouver, 7 December 2009 (2009)