historias de rock & roll

¿Las actitudes o la música?

2012-02-07T09:52:00.001-08:00

Hoy, mientras dedicaba mi rato, más o menos diario, a la lectura de prensa musical, ojeaba un artículo en el que se mencionaba que, para la escena musical actual, lo más importante son las actitudes, la forma de actuar, el ser consecuente con lo que se predica, y con tanta vehemencia como puede proporcionar la significación del concepto, se me encendió un chip, que debía tener oculto en el cerebro, que me hizo reflexionar.

Todos o casi todos a quienes conozco, tan fanáticos del rock and roll como yo, empezamos con esto de la música en los años de pubertad y de adolescencia. Presos de la consciencia que proporciona el desmadre hormonal de esos años, eramos fácilmente influenciables y repetíamos en playback los comportamientos rebeldes de nuestros mitos musicales. ¿Quién no quedó prendado con los contoneos y ademánes de Elvis en Hound Dog?

Con el paso de los años uno crece y las perspectivas cambian, las hormonas se relajan y las actitudes quedan en un segundo plano, dando más importancia al mensaje que está tras la canción quizás, al grado de compromiso de quien recita su letra ante el micrófono.

¿Pero para un amante de la música que es lo importante?¿Las actitudes o la música? Definitivamente y por lo que a mi me concierne, creo que lo más importante ante todo es la música, el sonido pulsante de esos cuatro acordes tocados frenéticamente, proveedores de la emoción necesaria para descargar adrenalina y rejuvenecer nuestras carnes.

Si las actitudes de los músicos fueran importantes para influir a escuchar una banda u otra, entonces hubiese dejado de escuchar a Lynyrd Skynyrd, por ser unos reconocidos defensores del voto al Partido Republicano, o a Ted Nugent por ser miembro destacable, junto a Chartlon Heston, de la RIA americana; actitudes o comportamientos a las que, dicho de paso, no soy muy afín; incluso sin haber nacido en los E.E.U.U.

Sin querer hablar por los demás, creo que el público que, hoy por hoy, el rock and roll algutina y en torno al que éste se mueve, no es fácilmente influenciable, y que no responde a actitudes o comportamiento de los músicos, sino a las sensaciones que produce disfrutar de un rato de música, cuanto más extenso mejor.

Pressure & Time.

2012-02-05T11:42:00.000-08:00

Últimamente estoy evitando ponerme delante del ordenador, porque estoy intentando dejar el vicio de fumar. Tento asociado, junto a otros hábitos, encender la pantalla a encender el cigarrillo y es por lo que estoy un poco ausente tanto con las entradas como con los comentarios en otras bitácoras.

Dicho esto, hoy voy a hablar de un disco que he 'pillao' junto a otros pocos, de los que quizás escriba algo más adelante, que me está dejando deliciosamente noqueado. Se trata de Presure & Time, segundo álbum de la banda californiana Rival Sons.

Con Jay Buchanan a las voces, Scott Holiday a la guitarra, Robin Everhart al bajo y Michael Miley a las percusiones, este disco destila aromas del mejor hard rock setentero, ejecutado con una potencia que empuja a bajar el potenciometro del sonido para evitar causar molestias a quienes puedan encontrase en derredor. Rock fibroso y visceral, aglutinante de las esencias de clásicos como Led Zeppelin, en el se adivinan otros cauces por los que transcurre este torrente sónico. Aunque, como digo, la omnipresencia Page & Plant pueda quedar evidente en cada corte, algo se hacen notar otros sonidos más tardios como los del glam rockero de los Grand Funk Railroad, de lo que dan amplia muestra tanto el tema que abre el álbum All Over the Road o el que le sigue Young Love.

Pressure and Time cuenta con un riff de guitarra y un falsete vocal, que bien podrían encontrarse dentro del marco sónico de los Purple de Glen Hudges, y aunque Only One marca el interludio baladistico para poner un poco de calma, Get Mine vuelve a poner las cosas en su sitio.

Hard rock de primera magnitud ejecutado con frescura, que nada tiene que envidiar al que sirven otras bandas de primera línea en el estilo, como los Black Country Communion de Hudges y Bonamassa; por una banda que, junto a con los anteriores y otros, como Wolfmother o The Answer, son punta de lanza del revival que hoy por hoy se esta haciendo, con buen criterio, del estilo.

Si no habéis escuchado el álbum AQUÍ hay una muestra. Que lo disfrutéis.

Rock and roll onomástico.

2012-02-02T07:47:00.000-08:00

Quién diría que con el paso del tiempo sería un amante del rock and roll de tamaña magnitud. Aunque la tradición familiar hace, después de contar en la linea familiar paterna con unos cuantos músicos profesionales, poco han quedado de esos genes en mi, salvo el 'magreo' de mi guitarra y mi afición por escuchar y coleccionar discos.

Quizás también tuvieran que ver las primeras notas que pasaron por mis oídos nada más ver la luz, además de las voces de mi madre y de la matrona, en un día de hace muchos años, en las radios de por ende el universo sonaban algunos temas, que después de pasar tantas veces por mis oídos reconozco como parte de la extensa banda sonora de mi vida.

Hoy día de mi taitantos cumpleaños quería recordar aquellas canciones que tanto han calado y que seguramente estarán incrustados en mi mapa genético:

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¡Qué viejo soy... !

Live At Massey Hall 1971.

2012-01-29T12:26:00.000-08:00

En 1970, Neil Young, terminaba de publicar, ignorante de su futura repercusión, una colección de canciones que, observando con perspectiva la historia del rock and roll, hoy día consideramos clave en el universo de bandas y álbumes : After The Gold Rush. El verano de ese mismo año se estrenaba Diario de una esposa desesperada de Frank Perry en el que Carry Snodgress interpretaba el papel de una esposa desesperada en un matrimonio roto por la falta de amor. Young quedó prendado de la película y de su principal protagonista, tras su visionado, y como resultado, guitarra, papel y lápiz en mano, se entregó en la composición de un conjunto de canciones como loa al amor del que había quedado impregnado.

En febrero de 1971, justamente un año antes de que se produjera, junto a los Stray Gators, la puesta de largo de ese conjunto de temas que había compuesto, viajó a su Canadá natal, para compartir, con quienes habían visto sus primeras luces al nacer, el éxito de su floreciente carrera, las canciones en las que se sustentaba y aquellas que pocos meses después verían la luz pública reunidas en un álbum que se convertiría en el crisol de su carrera musical: Harvest.

El día 19 de febrero de 1971, acompañado exclusivamente por su guitarra y piano, se presentó para dos conciertos en el Massey Hall de Toronto y ante un público entregado, escribió una de las piezas que aglutinan las esencias de After The Gold Rush y de Harvest: Massey Hall 1971.

Aunque hemos tenido que esperar unos años, hasta el año 2007, para disfrutar de este conjunto de canciones, fruto del rescate de obras fantásticas que reposan en los baules de Neil Young, con cuya recuperación esperemos seguir disfrutando en el futuro, para mi se han convertido en un refugio especial, en un engranaje que me empuja a ponerme en marcha, en su soporte de ánimo para las malas ocasiones.

El álbum discurre con los temas clásicos de la época dorada 1970-1972, impregnados de un intimismo especial que solo es capaz de imprimir Neil Young, que cristaliza en el que para mi es el tema central, la Suite: A Man Needs A Maid/Heart Of Gold, oda al amor exacerbado por su primera esposa Carry Snodgress. Un conjunto de canciones que abarcan desde su periodo con Crosby, Still y Nash, Carry On y Ohio, de los Crazy Horse, que todavía contaban en sus filas con Danny Whitten, como Cowgirl in the Sand y clásicos atemporales como The Needle And The Damage Done o esbozos acústicos de temas que verían la luz en álbumes posteriores como See The Sky About the Rain.

Un disco especial del que no dejo de disfrutar con cada audición y que, para mi, forma junto a After the Gold Rush y Harvest, una trilogía esencial en la amplia discografía de Neil Young.

Ironwood.

2012-01-25T16:05:00.000-08:00

En la entrada anterior hablaba acerca de una banda que tiene mucho que decir dentro del panorama del southern rock actual, Hogjaw, que hoy, ya cuenta con su tercer álbum en el mercado, Sons of Western Skies, junto a Devil in Details (2008) y Ironwood (2010), del que voy a hacer mi reseña particular, aunque ya hayan pasado casi dos años de su publicación, del que llevo disfrutando hace un par de meses.

Esta banda de Arizona, integrada por Elvis DD al bajo, Jenboat Jones a la guitarra y voces, Kreg Self a la guitarra solista y Kwall a la batería, destila un rock and roll de riffs potentes con voces empañadas por la esencia del arena rock de los setenta, en el que se evidencian las influencias de clásicos como Lynyrd Skynyrd, y en el que las guitarras desgranan un boogie rock, del que es piedra angular el Flirtin' With Disaster de Molly Hatchet, dejando evidencia la ejecución de los temas, que recogen el testigo del hard rock actual; de la diferencia generacional con los clásicos.

Este disco es contenedor de un sonido tosco, rudo y sudoroso pero bien pulido, en el que la potencia es el alma mater de casi todos los temas. La evidencia de la influencia del estilo de Ronnie Van Zant y cía. se encuentra en temas con Two Guns, Black Top o County Line, mientras en el resto de los temas se dejan notar los modos y maneras de concepción-ejecución del rock actual, en los que los sonidos conducen a épocas menos doradas, quizás, del southern de mediados y finales de los 70, en la que bandas como los Outlaws enarbolaban la bandera de la confederación, cristalizada en temas como Rollin' Thunder o Three Fifty Seven, por mencionar alguno.

Un buen disco, que viene a enriquecer el panorama del southern actual y a demostrar el buen hacer de las nuevas bandas que se mueven en una dinámica semejante, más cañera, como Zach Williams and Reformation o Blackberry Smoke; que tan buenos momentos han de deparar a los amates del sonido.

A la espera de poder disfrutar de su último trabajo y por si alguien no ha escuchado Ironwood todavía, se puede hacer en este enlace. Espero que os guste.

Y un video del tema County Line:

'Sons' of southern rock.

2012-01-22T01:47:00.000-08:00

De entre las nuevas promesas del southern rock actual hay un par de bandas que hacen las delicias de los que gustan de la música con acento sureño, entre los que me encuentro, y que acaban o están a 'puntito de caramelo' de publicar un nuevo álbum: The Vegabonds y Hogjaw.

La banda capitaneada por Alex Cannon y Daniel Allen, The Vegabonds, acaba de publicar su segunda entrega bajo el nombre 'Southern Sons', que ya se puede pedir en la página oficial de la banda o descargar desde Amazon o el iTunes Store, y del que nos obsequian, también desde su página, con la descarga gratuita del tema Georgia Fire, que dicho de paso suena genial, en la linea del southern melódico de su anterior trabajo 'Dear Revolutión'. De momento, a no ser que nos decidamos por la descarga de los temas, tendremos que conformarnos con una escucha de unos pocos segundos de cada uno de los temas que lo componen. A continuación dejo un montaje que he preparado para que podáis escuchar Georgia Fire:

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Dentro de poco tiempo les tendremos por aquí para disfrutar de su música y quizás para 'pillar' éste álbum, si nos hemos podido resistir hasta ese momento.

Southern sons:

Carnival Man.
Georgia Fire.
American Eyes.
Alongside Mr. Hyde.
City With A Passion.
Since You Been Free.
Roof Top Surfin'.
Concious Fog.
The Heist (Get Yourself in Line).
Resolution.
Joy We've Found.

La otra banda, que acaba de publicar nuevo álbum, que se publica el próximo día 24 de este mes y del que se pueden escuchar desde su web, los temas Hells y Road of Fools; bajo el titulo 'Sons Of Westerns Skies' son Hogjaw. Con este trabajo, por los temas que he escuchado, nos siguen obsequiando con ese sonido tan potente y directo, típico del arena rock setentero. Aunque también les tendremos pronto por la 'piel de toro' todavía tardaran un poco más que The Vegabonds en visitarnos. Todavía les debo una entrada por su fantástico trabajo anterior 'Ironwood', del que he venido disfrutando estos últimos meses.

Aquí las fechas:

24.04.2012 Burgos -TBA.
25.04.2012 Leon - El Gran Café
26.04.2012 Liérganes - Los Picos
27.04.2012 Lleida - Stones
28.04.2012 Bilbao -Sala Azkena
29.04.2012 Gijon - Monkey Club
30.04.2012 Valladolid - Porta Caeli
01.05.2012 Cadiz - Sala Supersonic
02.05.2012 Estepona - Louie Louie Bar
03.05.2012 Madrid - Gruta 77
04.05.2012 Elda - Sala Texola
05.05.2012 Barcelona - Razzmattazz 3

Aquí el vídeo de presentación del nuevo trabajo:

Brighter Days.

2012-01-20T12:38:00.000-08:00

Siguiendo un poco con el soul de la anterior entrada, estos días he estado escuchando un álbum, que ponían por las nubes unas cuantas reseñas que había leído en Internet y en prensa, y después de saborearlo durante este tiempo he de reconocer que, para mi, lo que he leído se ajusta a la realidad.

Siguiendo las esencias del southern soul, desde Jacksonville (Florida), esa ciudad sureña que tanto nos ha hecho y nos hace disfrutar a los amantes del sonido sureño, por la calidad de los músicos que ha visto nacer, y continuando con el legado cultural de la música negra cristalizado en el blues, el soul y el jazz, y tras el camino abierto en el género, por bandas como Wet Willie o músicos de la talla de Elvin Bishop, viene pegando fuerte J.J. Grey con un magnífico directo, grabado en el Variety Playhouse de Atlanta (Georgia), que lleva por título 'Brighter Days'.

No es que Grey se estrene como músico como ésta grabación, pues ésta hace el número cinco de su discografía hasta la fecha, bajo el nombre de Mofro (Blackwater, Loochloosa, Country Gheto, Orange Blossoms y Georgia Warehouse), y que funciona a modo de compilación en vivo de los anteriores trabajos en estudio. Este músico que maneja a su antojo guitarra, armónica y teclados, canta con una voz cautivadora, que posee todos los matices de las mejores 'gargantas de color'. Utilizando como base el soul blanco, hace acopio de las restantes influencias nativas y de las que, como buen paisano, hayan podido dejar bandas del southern rock como Lynyrd Skynyrd, que se evidencian en temas como Orange Blossoms o Lochloosa, aunque los temás más cálidos y que más me hacen disfrutar de este disco Brighter Days y Country Ghetto.

El disco contiene regalo adicional del concierto en DVD, con tres temas extras del mismo concierto Hide & Seek, Slow, Hot & Sweaty y King Hummingbird y con entrevistas a amigos, como Derek Trucks, o el propio J.J. Grey, que pretenden ilustrar acerca del que hacer profesional del músico de Florida.

Si queréis disfrutar de esta máquina de soul y showman que es J.J. Grey y de su fantástica banda de acompañamiento Mofro, no tenéis más que hacer clic AQUÍ. Que disfrutéis del fin de semana.

To Bonnie from Delaney.

2012-01-18T09:14:00.000-08:00

Como quien hoy día sigue hipervínculos, que enlazan unas páginas con otras, siguiendo la pista desde el 'Eric Clapton' de 1970, pasando por la primera antología de Gregg Allman, en la que figura el fantástico Living on The Open Road, llegué a este álbum que, tanto como sus creadores, permanecen en segundo plano en la historia del rock and roll de los setenta: To Bonnie from Delaney.

Pese a la relativamente corta vida de la banda, su trabajo, su forma de expresarse musicalmente ha influenciado notablemente a grandes del rock and roll como Eric Clapton y ha colocado a su alrededor a grandes instrumentistas como Dave Mason, Jim Gordon, Bobby Whitlock, el propio Clapton, Leon Russel, Duane Allman, Sneaky Pete y un largo sinfín, construyendo su espacio particular en la historia de rock.

To Bonnie from Delaney, es claro ejemplo de ello, una colección de doce temas que destilan efluvios de rock & soul, en los que Bonnie Bramlett luce su característico tono vocal desgarrado, sustentado por una fantástica sección ritmica, de la que forman parte, además de su pareja musical y sentimental en la época Delaney Bramlett, grandes intérpretes bien conocidos por todos, como Little Richard al piano, quién cede para el álbum el tema 'Miss Ann'; Duane Allman, guitarra en tres fundamentales del álbum, como el medley Come in my Kitchen/Mama, He Treats Your Daughter Mean , Soul Shake y el fantástico, que antes cité, Living on The Open Road, en los que participó en su etapa como músico de sesión para Atlantic Records; el pedal steel guitar de los Burrito Brothers Sneaky Pete Kleinov, el pianista reconvertido en percusionista Jim Gordon, el saxofonista King Kurtis y el teclista y compositor Bobby Whitlock, entre otros.

Aunque Delaney and Bonnie no gocen a menudo del reconocimiento como figuras señeras dentro del mundo del soul, su trabajo a lo largo de su trayectoria, plasmado en cinco estudios y un directo, deja evidencia de su calidad como interpretes y de como, caminando por la senda abierta por Otis Redding o Areta Franklin, consiguieron dar una vuelta de tuerca en el universo musical del género.

Aquí dejo una lista de reproducción del álbum, por si alguien quiere darle una escucha.

Alcohol, sexo y rock and roll: Bon Scott.

2012-01-17T07:40:00.000-08:00

Quedé prendado del potente rock and roll de AC/DC cuando solo tenia 15 añitos. Los pontentes riffs con sabor a blues, la puesta en escena de la banda, dónde Angus Young atacaba frenéticamente las cuerdas de su Gibson SG mientras seretorcia tumbado en el suelo, la imagen de rebeldía de la que se nutre la adolescencia, quizás fueron los detonantes del love at first feel que me cautivo; aunque siempre fue, y lo sigue siendo, un elemento imprescindible de admiración, el deje callejero y la imagen adusta de su frontman: Bon Scott.

Para mi, y quizás esto pueda generar polémica, Bon Scott fue un elemento fundamental de la AC/DC, su presencia no solo era palpable en la puesta en escena de la banda, sino que era importante y pieza clave en las composiciones, en la evolución de la banda, cuya obra cumbre es el álbum Highway to Hell, con permiso de Back in Black, uno de los álbumes más importantes e influyentes en la historia del heavy rock, referente para muchas bandas posteriores, en el que, aun habiendo sido grabado después de su muerte, se deja sentir su presencia.

Estos días he estado leyendo Bon Scott. Camino del infierno: vida y muerte de la primera voz de AC/DC, de Clinton Walker, con el que he podido profundizar algo más en los aspectos biográficos de su figura. Documentado en las propias cartas que Bon Scott escribió durante su vida como intérprete de rock and roll y con las conversaciones del autor del libro con parientes, amigos y parejas sentimentales del mítico cantante, describe ampliamente aspectos que nos llevan desde su niñez en Escocia, la emigración de la familia a Escocia y por su trayectoria musical hasta muerte.

La lectura es amena, pese a la cantidad de datos y fechas que suministra, reflejando la realidad del rock and roll en Australia durante la década de los setenta; el paso de Bon por las primeras bandas escolares y su acercamiento al mundo profesional a través de los Valentines o Fraternity, banda de la que fue batería y, posteriormente, vocalista hasta su unión a la banda de los hermanos Young; a quienes el libro describe como como un núcleo cerrado, de personajes huraños y desconfiados, tratando al personaje fundamental, Ronald Beldford Scott, como una persona, cortés y amable, atormentada por la soledad personal que produce la vida como músico de rock y cómo, ésta, le conduce a la autodestrucción.

Un buen libro para desconocedores a fondo, como yo, de los aspectos más tórridos de la historia de AC/DC, y de aquellos que llevaron a encumbrar a una banda hasta el lugar dónde hoy día merecidamente se encuentra.

Dejo este video, con un Bon desconocidísimo...

I and Love and You.

2012-01-14T10:34:00.000-08:00

No se si es porque aún soy presa de la fascinación que me produjo el concierto que pude contemplar, in situ, en el pasado Azkena, pero creo que los Avett Brothers son una de las bandas norteamericanas actuales mejor dotadas para la composición de bellísimos temas, haciendo uso de su esencia musical nativa. La entrega que muestran en el directo provocan en el espectador, o por lo menos en mi caso, la sensación de encontrarse ante una banda que conserva intacta la ilusión original de hacer buena música.

No hay más que escuchar I and Love and You para corroborar la calidad de esta banda, el buen saber hacer como instrumentistas y compositores de Scott y Seth Avett, quienes a través del recorrido de este álbum dan muestra de la sus facultades y del poder para transmitir sentimientos a través de la música, con un conjunto de canciones de infinita sensibilidad, comparables a la que estamos acostumbrados de clásicos con los Flying Burrito o los Byrds

Sonido de lujo y producción exquisita, como seguro conoceréis, de manos de Rick Rubin, que hace oro todo lo que toca, pues sabe extraer el máximo de cada músico o banda, como se evidencia en el trabajo que aporta a este disco. Cada tema engancha a la primera escucha, tanto por el sonido como por la belleza de los textos. El amor, la comprensión, la confianza son el motor significativo, mientras pianos, guitarras y banjos crean las texturas perfectas en la que éstos se desenvuelven.

Me sería difícil prescindir de alguno de los temas, pues a medida que el álbum avanza no decae la calidad en ningún instante, aunque para puedo destacar The Tousand Words, el que da titulo al álbum I and Love and You, o el que viene a romper un poco con el contexto general y con el que vibre en el directo Rick Drum Heart. Un disco mayusculo, del que estoy seguro en el futuro se hablará como hoy hablamos de Sweetheart Of The Rodeo o The Gilded Palace Of Sin. Simplemente fantástico.

Mi próxima parada por los Avett Live, Volume 3, del que he leido muy buenas referencias.

Si queréis disfrutar un rato, no hay más que hacer clic aquí para escuchar I and Love and You.

Get Yer Ya-Ya's Out.

2012-01-11T07:26:00.000-08:00

Quizás sea el detonante de mi entrada temprana en el mundo del rock and roll, el sencillo extraido de éste álbum, contenedor de los temas Little Queenie y Jumpin' Jack Flash, que en compañía de un amigo y junto a el If You Want Blood (You've Got It) de AC/DC, reproduciamos una y otra vez en su modesto tocadiscos, pero de lo que si estoy seguro es de que este par de temas me llevó a entrar de lleno en el mundo de los Rolling Stones, convirtiendo a Get Yer Ya-Ya's Out en una de mis primeras adquisiciones musicales, convirtiendose en el primer vinilo de mi colección.

A medida que han pasado los años la exploración en el mundo estoniano me ha llevado a poseer casi la totalidad de sus grabaciones en estudio y en directo de la banda, y este disco que, además de ser eslabon intermedio entrela época americana y la británica, es el que me ha llevado ha urgar en el pasado de los Stones y disfrutar de los Decca Years, periodo que particularmente más me hace disfrutar.

Despues de tantas y tantas reseñas echas en la historia de este álbum, tanto por la crítica como por los degustadores del buen rock and roll, quizás se puedan verter pocos atributos más para ensalzar la calidad de esta grabación, que para mi, después de más de cuarenta años de su publicación sigue sonando tan fresca como en el momento que vió la luz.

Disfrutando cada tema con el máximo deleite, el que más me hace vibrar es el fantástico slow blues que contiene la versión del tema de Robert Johnson Love in Vain, dónde las guitarras de Keith Richards y Mick Taylor susurran las notas necesarias para que Jagger efectue acompasadamente su narración vocal. Aunque la potencia de Jumpin' Jack Flash y la presteza de las versiones de Chuck Berry Carol y Little Queenie, vengan a poner el punto más marchoso del álbum, la puesta en escena del demoniaco Sympathy for The Devil se convierte en otro de mis temas estrellas, no solo del disco, sino de la discografia de sus satánicas majestades.

Una obra maestra que, al pincharla, hace rejuvenecer tanto al rock and roll como a quien lo escucha. Muchas veces apelamos a la falta de innovación musical en el mundo de la música actual, pero aunque la innovación fuese lo común en la actualidad pocas cosas que se digan podrían superar lo que se dijo en este álbum.

Stones forever!

Revelator.

2012-01-08T09:05:00.000-08:00

Antes de todo y después de permanecer unos días fuera de onda, saludaros a todos y desearos 'feliz año' desde esta, mi modesta morada. Seguro que me he perdido muchas cosas interesantes, por lo que trataré de hacer retrospectiva de esta semana para ponerme al día, pero estos días he aprovechado para recargar las 'pilas' y hacer acopio de esos compendios de sensaciones y emociones concentradas, que son los discos.

Después de hurgar en estanterías y reunir un montón de canciones, he elegido para empezar el año, blogisticamente hablando, éste álbum del que tantas reseñas elogiosas he leído, a las que me uno con esta entrada. Desde luego la química entre Susan Tedeschi y Derek Trucks no es solo en lo personal, sino también en lo musical, por las buenas vibraciones que transmiten todos y cada uno de los temas. Derek no ha encontrado únicamente su media naranja en lo sentimental, sino en lo musical también; la voz de Susan es confortante, cálida y relajante, transmite 'alma' en cada matiz, es el complemento perfecto para la susurrante guitarra de Derek, que aquí se la escucha sonar como en sus mejores momentos con los Allman Brothers.

La máquina de soul se desata desde los primeros acordes de 'Come See About it', dejando espacio para que la voz de Tedeschi se exprese con todos sus colores y nos recoga en instantes intimistas como los de 'Until You Remember'. El trabajo de Derek a la slide es brillante, en momentos sensacional como en 'Ball and Chain' o 'These Walls', donde funciona en conjunción perfecta con los sonidos indues del sarod. No se porqué, quizás sea por el potencial sonoro de los temas o la sinergia vocal e instrumental que poseen, pero éste álbum me ha hecho recordar un poco el trabajo de Delaney & Bonnie Bramlett, y en concreto el temas como 'Livin On The Open Road' o 'Come on my kitchen', en el que Derek y Susan desempeñan el rol que les corresponde dentro de sus registros individuales como músicos.

Poco más me queda que decir, además de mostrar mi sana envidia por quienes, el pasado año, pudisteis disfrutar de la presentación en vivo de este trabajo, salvo que como 'Revelator' demuestra, todo lo que rodea la 'escuela' de los Allman Brothers' tiene garantía de calidad.

The White Album.

2011-12-26T13:05:00.000-08:00

No se puede decir que los Beatles susciten en mi admiración a raudales, aunque ello no impide que les reconozca como una de las bandas responsables, junto a otros hitos de la cultura popular, como Elvis, de la puesta de largo del rock and roll. Quizás sea por el repelus que siempre me ha producido la 'mercadotecnica', siendo los de Liverpool uno de sus productos más recurrentes. Me vienen a la memoria aquellos recopilatorios 'mareantes', de todos sus éxitos que circulan por el universo con montones de nombres distintos, con el único objetivo de calar en las masas para hacer dinero fácil.

Hasta la fecha, después de treinta y tantos años de escuchar música, el único álbum 'auténtico' que habría escuchado es su primer 'The Beatles', pero el otro día ojeando cosas en una 'gran superficie' vi la nueva edición de 'The White Album' y, quizás, los remordimientos se apoderaron de mi y me decidí, eso sí por un exiguo precio, a hacerme con él, y bingo: se hizo la magia.

Nada que ver con refritos de éxitos y cosas parecidas, los Beatles en estado puro y yo diría que en su mejor época, aunque sea un poco aventurado decirlo, pues opiniones habrá para todos los gustos. 30 canciones, muchas de las cuales no había escuchado.

El disco uno abre con 'Back in the U.S.S.R' exhalando rock and roll por todos los poros al más clásico estilo americano, pero no son ni 'Ob-La-Di, Ob-la-da' ni 'Dear Providence' los que me ponen los pelos de punta, sino el fantástico tema de mi querido George Harrison que figura en séptima posición 'While my Guitar Gently Weeps'. Siempre he pensado que Harrison desempeñaba en la banda un papel secundario que no le correspondía, como demostró su eclosión creativa tras la ruptura del corset Beatle, con álbumes de fantástico cuño como 'All Things Must Pass'. Al tema en cuestión no le falta nada, incluso cuenta con la aportación guitarrística de su amigo 'Slowhand'. 'Blackbird' es una tema entrañablemente delicioso pese a su simpleza, que solo es superada por el sentimiento que Lennon pone cantando a su madre 'Julia'.

El disco dos quizás sea más dinámico que el primero, desde 'Birthday' pasando por 'Yer Blues' hasta llegar a 'Everybody's Got Something to Hide Except Me and My Monkey', que hace un guiño a sus coetáneos y 'mediáticos ribales' The Rolling Stones. El desquiciado 'Helter Skelter' quizás sea el corte más potente, aunque de esta segunda pieza, el que hace mis delicias es sin duda 'Revolutión I' que abre con un riff bluesero genial.

En fin un doble que no había catado, pero que me ha dejado bueníssssimo sabor de boca. Buena pieza para regalar los oídos en estas fiestas y, también, para regalar al 'cuñao' que te marea tanto la cabeza cuando te subes en su coche y te pincha lo último de Michael Bolton; aunque seguro este álbum da más juego en las manos de un rockero un poco curtido.

Felices Fiestas!!!

2011-12-23T11:23:00.000-08:00

Estos días, en los que las fechas festivas se agolpan en el calendario y en las que, cada cual a su manera, celebraremos la Navidad, son propicias para hacer balance de las experiencias vividas, de las sensaciones que nos han dejado los acontecimientos de los que hemos sido testigos. El inicio del año 2012 se acerca y comienzan a dibujarse en nuestra mente los deseos, las intenciones y los buenos propósitos para el año venidero.

No voy a hacer ninguna lista clasificación de los álbumes que más me han gustado, pues se me antoja una tarea difícil, pues resulta complicado abstraerme dejando aparte las variables que intervienen en ello (la época del año, el estado anímico...) para hacer una relación numérica, pues de un día a otro las sensaciones cambian. Aunque este año he disfrutado de grandes shows y de buenas grabaciones, de lo que más he disfrutado es de poder compartir experiencias, de intercambiar sensaciones, opiniones con una comunidad de bloggers que hasta mediados de 2011 desconocía y que ha abierto ante mi nuevos horizontes musicales, proporcionándome nuevos nombres o viejos artistas desconocidos con los que disfrutar día a día.

Por ello quiero agradeceros a todos vosotros que con vuestro trabajo en la red, movidos por el deseo altruista de trasmitir las sensaciones que el rock and roll produce en todos nosotros, y, sin hacer para nada una clasificación ordinal, especialmente a aquellos a quien habitualmente sigo: Paulamule, Rockland, Manel, Benet, Evander, Karlan, Blutarski, Tsi-na-pah, Gonzalo, Ofersan, Mr. Sabbath, Jordi, Rock'n'roll outlaw, Luther, Tyla... y a todos aquellos que anonimamente o no, habeis participado compartiendo las impresiones y los sentimientos que provoca este 'animal' llamado rock and roll.

Solo me queda queda desear salud para todos y que el próximo año sigamos compartiendo emociones, sentimientos y experiencias.

Felices Fiestas!!!

'The Gregg Allman Tour'.

2011-12-20T13:12:00.000-08:00

Últimamente he leído algunas entradas que hacen referencia a la esta época del año a la que nos vamos acercando, que tratan de como los sonidos evocan y abocan a la Navidad. Para mi la Navidad, supongo que como para muchos otros, no es la mejor época del año que digamos, pues los sentimientos positivos se difuminan con recuerdos tristes. La medicina que cura 'mi corazón', además de la cercanía a los seres queridos, es la música y para momentos de esta naturaleza suelo tirar de un disco, en el que la música viaja desde pasajes dinámicos a momentos intimistas, que me inhibe del mal rollo y hace soportable el martirio de las reuniones; The Gregg Allman Tour.

Publicado en 1974, bajo la producción del propio Gregg y, del encargado de producción del mítico sello Capricorn Records, Johnny Sandlin, contiene extractos de los shows en vivo realizados en el Carnegie Hall de Nueva York y en el Teatro Capitol de New Yersey, de la gira de presentación de su primer álbum en solitario 'Laid Back'; es una delicia en todos los sentidos.

Acompañado por un plantel de primera categoría, se deja sentir la presencia de las guitarras y voces tanto de Charles Scott Boyer como de Tommy Talton, almas mater de Cowboy, entre cuyas filas se encuentran nombres tan notables como los de Chuck Leavell o Randall Bramblelt; banda que pone las texturas de fondo necesarias con una instrumentación de acompañamiento que, aún creando una ambientación musical distinta, evita que se eche en falta a la sección ritmica de los Allman Brothers.

Con una selección de canciones exquisita que contiene, como no podía ser de otro modo tratandose de un álbum en directo y en solitario de Gregg Allman, clásicos de los 'Hermanos' como 'Stand Back' o 'Dreams', junto a otros temas de propio cuño de Gregg, como 'Don`t Mess Up a Good Thing', 'Queen of Hearts' o 'Will the Circle Be Unbroken', que sin dejar de lado al southern, exhalan un soul que vivifica el espiritu. Mi favorita aventajada del álbum es, sin duda, la fantástica 'Oncoming Traffic', en la que la melodía intimista del piano está aderezada de manera especial por la voz pastosa tan caracteristica de Gregg, cuya sobriedad se realza con los acordes de una maravillosa sección de cuerda. El sonido, al más puro estilo 'honky tonk', de los pianos, el gemido de las slides y los pasajes acústicos, se conjugan de manera extraordinaria en este álbum y conducen desde la añoranza al más puro optimismo.

Quizás me ciegue la pasión que siento por la música de los Allman Brothers, pero he de decir que este disco es especial para mi y que ocupa un lugar similar al que ocupan los demás de la primera formación de la banda, que al igual que éste, despues de escucharlos durante más de treinta años, me siguen maravillando.

Aquí dejo una lista de reproducción por si alguien se despistó y todavía no ha escuchado 'The Gregg Allman Tour'.

Captain Beefheart. Trout Mask Replica.

2011-12-17T00:56:00.000-08:00

Hace ya un año que Don Vliet nos dejó y aunque muchos tengamos siempre presentes sus canciones, no hay forma mejor para recordarle públicamente que hablando de un álbum, de cuya concepción es artífice y que, seguramente sin pretenderlo, se ha convertido en una de las piezas indiscutibles del rock alternativo de todos los tiempos: Trout Mask Replica.

Don Vliet, o mejor dicho Captain Beefheart, caminó a pie firme, frente a la incomprensión a la que generalmente se ha encontrado sometida su obra, por la senda del blues, utilizando la aridez de su voz de más de cuatro octavas para narrar poéticamente con los textos de sus canciones su modo particular de entender la vida y la música.

'Trout Mask Replica' quizás sea un álbum dificil de escuchar, al que sería fácil renunciar al primer intento. Los doce compases se difuminan en un marasmo de acordes y frases de guitarra sincopadas, en percusiones que parecen no seguir ningún patrón, dónde la voz describe escenas de la vida, poseídas por el influjo de los astros y la fragilidad de la condición humana. Se puede decir sin lugar a dudas que este álbum es para el rock and roll, lo que es la obra de Picaso o Dalí al arte pictórico.

En 'Moonlight on Vermont' el blues anárquico deja constancia del influjo que produce la luna sobre la población de una gran ciudad; 'Dachau Blues' narra las atrocidades nazis en el campo de concentración ubicado en la Baviera Alemana, mientras que 'Bill's Corse' deja muestra de la fragilidad animal del ser humano. Tema a tema y acorde a acorde, con su concepción particular, Don Vliet narra historias árduas en las que, como observador de una naturaleza humana con la que propiamente se identifica, describe el lado más oscuro del hombre.

De las extrañas slides y los patrones rítmicos son responsables a la guitarra Bill Harkleroad (Zoot Horn Rollo) y Jeff Cottón (Antennae Jimmy Semens), del bajo anárquico Mark Boston (Rockette Morton) y de las percusiones asimétircas John French (Drumbo), interpretando cada uno de ellos a la perfección, dentro de la Magic Band, el papel que el patrón Vliet les ha asignado, construyendo el universo sonoro necesario y propicio para que Beefheart haga una descripción aterradora del universo, según su propia visión.

Un disco inigualable dónde el concepto se apodera de la música e imprescindible para entender el fenómeno que, hoy, todos conocemos como 'rock alternativo'.

Aquí se puede escuchar una lista de reproducción del álbum que he preparado para quien guste de probar a degustarlo.

'Flirteando con el desastre'.

2011-12-14T08:13:00.000-08:00

El otro día, catando los primeros acordes la canción que abre un disco de una banda más o menos actual, de la cual no voy a hablar ahora, porque merece una entrada para ella sola, me vino a la memoria el vinilo, que llevo escuchando unos treinta años y que, pese a que seguro no ha pasado desapercibido para muchos, suele encontrarse en una segunda dimensión dentro de los clásicos del southern rock de todos tiempos. Y este disco no es otro que 'Flirtin' with Disaster'.

Molly Hatchet, se puede decir que es una banda que se encuentra en la segunda generación de bandas americanas de southern rock, junto a otras notables como Outlaws, James Gang o Blackfoot, que, cohabitaron temporalmente con las bandas surgidas del hard rock floreciente de mediados de los setenta, siguiendo la senda trazada por los Allman Brothers o Lynyrd Skynyrd y escribieron pasajes notables y de referencia para los amantes del rock and roll, entre los cuales sin duda se encuentra este disco.

La banda de Jacksonvile, Florida, capiteneada por Dave Holland y Dave Hlubek, comenzó su andadura discográfica tras a firma de contrato con CBS, cuyo principal artífice fue el manager de la época de los 38 Special, Pat Armstrong, a quien encarecidamente le fue encargada su representación por los mismos; con este 'Flirtin' with Disaster', en cuyo trabajo previo de producción participó activamente Ronnie Van Zant.

Pocos calificativos pueden añadirse a este disco y más siendo un clásico del género como lo es, pero abundando un poco en sus cualidades sonoras, sin duda, puedo decir que es un álbum honesto y directo, que goza de un sonido espectacular, en el que el boogie se mezcla con el rock and roll verbigracia del interludio constante de guitarras rítmicas y solistas. 'Whiskey Man', 'Jukin' City', 'Flirtin' with Disaster' ..., incluida la versión del tema de Bobby Womack, adoptado por The Rolling Stones, 'It's All Over Now', forman un conjunto de temas que, abanderando las esencias del sonido sureño, me siguen llenando tanto como el primer día que posé la aguja del tocadiscos sobre él.

No es de extrañar que en discos de nuevo cuño, a medio bandas actuales, se recreen las esencias del sonido de los primeros Molly Hatchet, pues el paso del tiempo solo ha hecho que su música sea aún más imperecedera.

Let the good times roll...!!!

'Steady As She Goes'.

2011-12-12T12:23:00.000-08:00

Siempre es gratificante comprobar que los clásicos siguen sintiendo interés por sorprendernos, expresándose musicalmente a través de discos de nuevo cuño, y ver que con ello que el 'pablellón' que en su día dejaron tan alto, sigue en su sitio. Este es el caso del nuevo trabajo discográfico de Jack Casady y Jorma Kaukonen, quienes junto a Barry Mitterhoff y Skoota Warner conforman la nueva encarnación de Hot Tuna.

Con las facilidades que proporcionó en su día el estudio de grabación que en Woodstock regenta Levon Helm, bajo la producción de Larry Campbell, quien participa activamente también en este trabajo detrás de distintos instrumentos, y con una exquisita presentación gráfica de Kevin Morgan, que incluye calcomanía y todo, nos obsequian con este 'Steady As She Goes' que hace las delicias de quienes siempre hemos disfrutado con su música.

Aunque el referente de fondo en este disco siguen siendo los sonidos de la música popular norteamericana, de la que Casady y Kaukonen tiraron tras su excisión de Jefferson Airplane, el 'atún caliente' se presenta con ecos de ragtime y de blues, en el que los sonidos acústicos se mezclan con guitarras eléctricas, que nos deleitan con pasajes llenos de rhythm adn blues y rock an roll, marcando un punto de inflexión con el sonido arquetípico al que nos tienen acostumbrados sus trabajos precedentes, del que es único nexo en este disco el tema que lo cierra 'Vicksburg Stomp'.

'Angel of Darkness' es el primer esbozo de la renovada concepción con la que Jack Casady y Jourma Kaukonen afrontan el presente, mediante este nuevo eslabón en su carrera discográfica, después de haber pasado veinte años desde la publicación de su último trabajo; R&B puro que llena desde el primer acorde. 'Children of Zion' sienta sus bases en las cenizas del ragtime tradicional, entrelazando melodías acústicas con guitarras electricas. 'A Little Faster' recrea, sin complejos, el sonido de los Jefferson Airplane, que acrecienta similitudes gracias a las voces de fondo de Teresa Williams, quién hace las veces de Grace Slick para la ocasión. Los sonidos más funk se apoderan del blues que sirve de base a 'Mourning Interrupted', en el que la guitarra de Kaukonen luce con un brillo especial.

En fin, un trabajo discreto pero a la vez revitalizante, que desde la primera escucha empuja a 'pincharlo' una y otra vez en el reproductor, que hará el deleite de quienes gustan de saborear la música de Casady y Kaukonen en cualquiera de sus encarnaciones; que esperemos no sea otro 'punto y seguido' que nos obligue a esperar veinte años más.

El 'status quo' del negocio musical.

2011-12-10T00:50:00.001-08:00

El otro día escuchaba una entrevista a Manolo García, en la que decía que el negocio musical había cambiado manifiestamente, que la música ha dejado de producir para los músicos los pingües beneficios del pasado y que hoy día quién persevera en la actividad lo hace exclusivamente por amor a la música.

Por mi parte, no puedo estar más de acuerdo con tales afirmaciones, pues siguiendo las evoluciones de este negocio durante tanto tiempo, he podido comprobar como las cosas han cambiado para mal, tanto parar la industria discográfica, que ha dejado de hacer esas recaudaciones multimillonarias del pasado y, más aún, para los músicos, quienes deben poner muchas veces en juego su pecunio personal para seguir adelante. Y no creo que en esto tenga que ver ninguna crisis, más que la que está abocado el show bussiness, más que por motivos económicos, por la evolución de los tiempos y de la tecnología.

Se pueden contar con los dedos quienes hoy llenan grandes estadios y hacen ventas millonarias, quizás clásicos como Springsteen, AC/DC, U2 ... continuan sujetos al viejo esquema de la industria, vendiendo miles de entradas para sus conciertos y miles de discos; mientras los nuevos valores se han de conformar con cifras mucho más modestas.

Las grandes multinacionales encuentran su sustento en 'viejos valores' como los citados, con la venta, muchas veces a través de la reedicion, de sus fondos de catálogo, de los que forman parte aquellos músicos y bandas conocidos por todos, que hicieron durante los 60's, 70's, 80's e incluso los 90`s, que el rock and roll tuviese la significación que hoy día tiene.

Las bandas actuales vivan quizás un periodo más crítico, no menos creativo aunque algo menos original en la concepción de nuevas ideas, pero lo que está claro es que se sustentan con métodos de difusión que podrían parecer irrisorios si los mirasemos desde treinta años atrás. Hoy día es muy habitual ver como tanto músicos como bandas utilizan su pecunio personal e incluso recurren a la financiación de sus propios fans, para realizar giras que les ayuden a promocionar y vender los álbumes que acaban de publicar, prodigándose por pequeñas salas y festivales, en los a duras penas logran dejar satisfechas las inversiones realizadas.

Los macroconciertos son para tres, los espectáculos músicales de gran aforo hoy día están representados por los festivales que florecen por todo el mundo, que con una planificación distinta a la de 'antaño' programan un montón de bandas para un día, reduciendo la duración de los shows individuales, para que los costes permitan obtener algún beneficio o, al menos, poder seguir trabajando en beneficio de la difusión de la música.

El negocio musical está en crisis y no será por la carencia de ideas o la falta de valores; el paso del tiempo le está sentando mal a la industria, quizás por que no está tratando de encontrar el método que equilibre la balanza y que permita seguir disfrutando de la música por ende los tiempos.

J.J. Cale Live.

2011-12-08T07:46:00.000-08:00

Continuando un poco con el 'swamp rock' del que tanto disfruté el pasado viernes y presa del grato recuerdo que, en otras manos, me dejó 'Sensitive Kind', he recuperado de los 'archivos' al gran J.J. Cale, para volver a saborear la música de manos de su autor.

Descubrí, seguro que como muchos otros, al 'mago' de Oklahoma City a primeros de los ochenta, a través de los créditos del álbum 'Just One Night' de Eric Clapton, en el que por aquellos tiempos estaba enfrascado y del que extraía sus 'jugos' a base de reproducirlo una y otra vez en mi cassette mono, y utilizando la fórmula, que en parte se está perdiendo hoy día, de tirar del hilo que sobresale de la madeja. Han pasado mucho años de eso y hoy día tengo el placer de seguir disfrutando de su música como el primer día.

Cale ha sido y sigue siendo un músico discreto, que siempre ha gustado de dejar su actividad musical en un segundo plano, para disfrutar de una vida sencilla y familiar, trabajando en la manufactura de sus propias guitarras y grabando canciones en estudio, más o menos, regularmente para disfrute de sus fans, prodigándose poco en el directo. La austeridad personal se plasma inigualablemente en sus canciones, retazos de sensibilidad, en la que las frases de guitarra te extraen y te sumen en la calma a que induce su voz.

La colección de canciones que he elegido para ello es el directo 'J.J. Cale Live, que está dedicado a quien tan bien supo recoger la esencia de este fantástico músico, disco a disco, en las tareas de producción, Audie Ashworth; que vió la luz en el año 2001 como compendio de los conciertos que Cale dio por Europa y América desde el año 1990 hasta 1996, y que a la vez, también es un conglomerado de sus temas más conocidos.

Nada resta que decir de lo que ya se ha dicho, de temas como 'After Midnight', 'Call Me The Breeze', 'Sensitive Kind', 'Cocaine' o 'River Boat Song', pero además de todos los atributos que cada uno podamos añadir a las mismas, cabe decir que este disco en particular goza de un sonido fantástico y de un plantel de acompañantes de primera magnitud, entre los que nos encontramos, además de a su segunda esposa Christine Lakeland, quién hace sus pinitos vocales en 'Money Talks', a grandes 'gregarios' del rock and roll como Jim Karstein, Spooner Oldham, Tim Drummond y, su inseparable, Bill Raffensperger.

Buena forma de hacer una visualización rápida de su extensa discografía, la cual no es tan solo un referente de buenas sensaciones para quienes disfrutamos del rock and roll de todos los tiempos, sino que, también, lo ha sido y lo es, para grandes de la música como Eric Clapton o Ronnie Van Zant, quienes de la magia de la música de Cale han extraído fantásticas versiones.

Roll on...!!!

Swamp Cabbage. La Cueva del Jazz en Vivo. Zamora.

2011-12-05T08:07:00.000-08:00

Después de varias semanas de programación de bandas de blues, con buena afluencia de público, este fin de semana prometía, pues el menú musical se tornaba suculento para quienes disfrutamos con los sonidos 'del sur' y atónito ante la escasa afluencia, treinta personas como mucho contado el staff, he visto un concierto con el que he disfrutado como un 'enano'.

Swamp Cabbage se presentaba en esta pequeña ciudad, en la Cueva del Jazz en Vivo, para dejarnos saborear la esencia de un 'swamp rock' que recoge las influencias de la tradición musical norteamericana y que conjuga el country, el blues, el godspel e, incluso, el jazz para construir un sonido en el que el ragtime más rural es el protagonista. El finger pickin style con el que Walter Parks acaricia su Guild, define el estilo musical de esta banda que profundiza en las raices de la cultura popular sureña y que, aludiendo a los mitos populares, da protagonismo a los valores religiosos.

Swamp Cabbage son un trio de Jacksonville (Florida), capitaneado por Walter Parks a la guitarra, mano derecha desde el año 2001 de una leyenda viva del rock and roll, Ritchie Havens; acompañado al bajo por Jim Devito y a la percusión por Jagoda, que el viernes pasado, disfrutando tanto como los demás con el concierto y pese a las adversidades, dió muestras de profesionalidad y buen hacer.

El repertorio del show estuvo nutrido por temas de los dos discos de estudio que tienen en su haber hasta la fecha ('Honk' -2006- y 'Squeal' -2009-), entre los que brillaron 'Jesus Tone', 'Dixieland', 'Tallahassee', 'The Lid' o 'New Voodoo Boogaloo y en el que hubo tiempo hasta para alguna versión, como la del clásico de J.J. Cale 'Sensitive Kind'. El trabajo a la percusión de Jagoda, no se si con la ayuda de los 4 o 5 mojitos que cayeron, fue fantástico, mientras que Jim Devito desde una postura más discreta, tejió con su bajo Guild el patrón rítmico necesario.

Swamp Cabbage, dentro de su gira por nuestro país, tienen previsto grabar un especial para el espacio 'Los Conciertos de Radio 3' de Televisión Española, el próximo día 13 de diciembre (al que habrá que estar atento), así como, seguir con su calendario de conciertos, que recalará en las siguientes plazas:

Miercoles 7, León - Purple Weekend.
Jueves, 8, Plasencia - Sala Impacto.
Viernes, 9, Valladolid - Wild Thing.
Sabado, 10, Ferrol - Super 8.
Domingo, 11, Ponteareas - Regueifa.
Martes, 13, Palencia - Lemon Society.
Miercoles, 14, Burgos - El Vagón.
Jueves, 15, Madrid - Fender Club.
Viernes, 16, Estepona - Sala Louie Louie.
Sabado, 17, Orihuela - Sala Jazz.
Domingo, 18, Segovia - Beat Club.

Página Web Oficial:
Swamp Cabbage.
Walter Parks.

Si quedó curiosidad por adentrarse un poquito más en la música de Swamp Cabbage, aquí se pueden escuchar los temas de su álbum 'Squeal'.

Mil letras para una canción.

2011-12-02T11:05:00.000-08:00

'Louie Louie' de los Kignsmen, es una de las progresiones de acordes mayores (Mi-La-Si) más conocida por los amantes del rock and roll y, también, una de las más versionadas a lo largo de la historia. Aunque en cada una de ellas se respeta siempre la estructura básica, en cada interpretación se encuentran matices diferentes. Es como un una burbuja sónica de látex que se adapta perfectamente a todos los moldes y contenidos.

La progresión armónica es la misma siempre, aunque el ritmo o la entonación varíen, pero las letras difieren totalmente de una versión a otra, dependiendo de quién la interprete; pudiéndonos encontrar en sus contenidos desde el sensiblerío más 'puro y duro', hasta el más 'destroyer', adaptándose, en cada caso a las mil maravillas, a la idiosincrasia de la banda que la saca a relucir.

Las bandas punk han encontrado un gran potencial en este tema y con la fuerza brutal que caracteriza al estilo, se han creado fantásticas versiones por bandas como Mc5, The Clash, Black Flag..., de las que personalmente me quedo, con la 'políticamente correcta' que Iggy Pop publicó en 'American Caesar', en la que narra a modo de noticiario los acontecimientos políticos de la época:

En parámetros y en un contexto bien distintos, nos encontramos con la versión particular que los Beach Boys hicieron del tema, allá por 1964, dónde si bien los contenidos líricos se respetan al pie de la 'letra', las texturas nos conducen a la música de la juventud americana de los años cincuenta (en los que fue concebida la original) personificada por el 'doo-woop'. Entrañable:

Otra de las versiones por las que guardo especial aprecio es por la versión de los Mothers Of Invention, que no es más que el clásico 'Plastic People' de lo más ecléctico, metido en la coraza del tema de los Kingsmen:

Un tema con mil caras y mil letras, del que seguro podréis apuntar otras muchas versiones, cuyo sabor y significado serán bien distintos en cada caso.

¡Buen fin de semana!

American Folk Blues Festival.

2011-11-30T07:53:00.001-08:00

El otro día leyendo un post que Paulamule dedicaba a los grandes álbumes de blues y a la clasificación que grandes de la guitarra hacían de los que más le gustaban, vi como Jimmie Vaughan, el el cuarto puesto, citaba el Amercian Folk Blues Festival de 1963, lo que me llevó a recuperar ese disco, que hacía un tiempo no escuchaba.

'American Folk and Blues Festival 1963', que en nuestro país fue publicado como 'Blues Giants In Concert' por el sello Nuevos Medios en el año 1992 (del que hay más ediciones bajo nombres distintos) es un álbum con letras mayúsculas, en el que los artificios brillan por su ausencia y en el que se puede escuchar juntos a clásicos del blues, por todos conocidos, como Menphis Slim, Willie Dixon, Muddy Waters, Sonny Boy Williamson, Otis Spann, Lonnie Johnson, Victoria Spivey y Big Joe Williams, que posee un sonido impresionante, cuyo máximo exponente es el blues tradicional.

El álbum está enmarcado dentro de la gira que los citados bluesmen emprendieron desde 1963 hasta 1966, bajo el nombre que da titulo al mismo, y se corresponde con el concierto celebrado en Bremens Glocke (Alemania) el día 13 de octubre de 1963.

No sabría que atributos darle a este disco, un sonido impresionante como digo, no ese típico sonido a añejo que podemos encontrarnos en grabaciones de esa época, y con un brillo especial, tanto en las voces como en los instrumentos. Magnifica interpretación de clásicos como 'Blues Everywhere', 'Captain Captain', 'Your Love For Me Is True' o 'Going Down Slow', en los que se siente, como si viendoles en vivo se estuviese, la pulsación rítmica del contrabajo de Willie Dixon, los acordes al piano de Otis Span, la harmónica de Sonny Boy Williamson, la guitarra de Muddy Waters o la voz de Victoria Spivey.

No hay ningún tema objeto de desperdicio, como cabría esperar, de entre los cuales siento una admiración exquisita por 'C.C. Rider', intepretado a la guitarra y voz por Lonnie Johnson, y por 'T.B. Blues', interpretado a la voz y piano por Victoria Spivey de manera magistral, y al que considero como el máximo exponente de interpretación femenina del blues.

Un álbum recomendable tanto para los amantes del blues, como para aquellos que empiezan a adentrarse en su territorio, necesario para entender la esencia y la evolución del estilo a través de los tiempos.

Las aportaciones del 'directo'.

2011-11-27T02:04:00.001-08:00

El mejor modo de extraer todos los matices de la música es para mí, sin duda, asistir a un concierto. La puesta en escena, la capacidad instrumental y/o vocal de los músicos, la ausencia de 'trucos de producción', e incluso, el ambiente proporcionan una sensación que, aunque lo intentemos, es dificil de extraer de la 'fría' escucha de música enlatada.

Me gusta asistir a conciertos, independientemente de que conozca poco, mucho o nada a las bandas que voy a ver; quizás por las pocas oportunidades que se brindan por aquí para hacerlo. Hay veces que me sorprenden y deleitan, y otras, en las que aun disfrutando como buen musicomano que soy, se me hacen largas y tediosas, pero nunca considero que he tirado el dinero a la 'basura'. No quiero decir con esto que se me pueda sorprender viendo un 'bolo' de presentación del último disco de Chenoa, pues hay ciertos nombres que, sin conocerlos a fondo, no me confunden y cuando decido a ver alguna banda o solista nuevo para mi, el dinerito que suelo poner en juego es más bien poco, siempre teniendo en cuenta que el estilo musical esté dentro de mis preferencias.

Llegados a este punto, me gustaría suscitar algunas cuestiones, para saber un poco lo que piensan los demás de está cuestión.

¿Es necesario para asistir a un concierto conocer toda o parte de la discografía de una banda?¿Está el disfrute más asegurado de esta forma?¿Asistir a un concierto es una forma de conocer nuevos valores y ampliar horizontes musicales?

Hasta ahora si hiciese un balance de lo que he visto, a nivel de satisfacción obtenida, éste sería sin duda positivo, aunque la mayor parte de las veces no ha sido asistiendo a un bolo en concreto. Así he descubierto a grandes bandas que por otros médios se me escapaban, The Brew, The Steepwater Band, The Avett Brothers..., que a lo mejor habría desechado con la simple escucha de uno sus discos.

Creo que el 'vivo' proporciona una dimensión totalmente distinta a la música y que asistir a un concierto es una de las formas de hacer una apuesta de futuro para la continuidad del negocio músical, que tantas satisfacciones me aporta, lo que me impulsa a seguir aplicando mi fórmula particular.

'Bracing for Impact'.

2011-11-25T15:07:00.000-08:00

No es que no supiese a la fecha de hoy que Mrs. Young hiciese sus pinitos musicales, pues me consta que desde el año 2000 más o menos e intermitentemente participa activamente, haciendo los coros en los shows que Neil Young dispensa 'for over the world', y de lo que quedó constancia en el fantástico álbum 'Road Rock' (2000) del músico canadiense; pero acabo de enterarme que acaba de publicar nuevo álbum y que va por el tercero.

Las oportunidades que he tenido de hacer en la red hasta ahora han sido más bien escasas, pero puedo decir que 'Bracing for Impact' tiene alma propia, aunque, en mi parquedad, esperase encontrar la simiente de Neil Young a lo largo de cada una de las once canciones que lo componen; mientras que el único referente a la música de éste, es el tema de su cuño 'Dog House', en el que sopla la harmónica. Como digo son once temas que desprenden aromas de soul, blues y country, en los que se puede disfrutar de la voz 'negra' de Pegi; de los cuales ocho son de su puño y letra, salvo el que ya he mencionado, 'I Don`t Want to Talk About It' de Danny Whitten y 'Number 9 Train' del vocalista y guitarrista de los Larks, Tarheel Slim.

The Survivors, banda de lujo por la que se deja acompañar, está integrada por nombres que tenemos ya asociados a la carrera musical de Neil Young, como Spooner Oldman, a los teclados, Rick Rosas, al bajo, al que conocemos por su participación, en la misma tarea, en la última gira de Crosby, Stills, Nash & Young y en álbumes de estudio como 'Prairie Wind', y Kelvin Holl, que ha hecho sus pinitos a la guitarra en trabajos de músicos tan notables como Little Richard o Gregg Allman.

Las sensaciones son buenas a primera vista, pero esperaremos a tener oportunidad de darle una escucha más tranquila, aunque puedo asegurar que con lo poco que he oído éste álbum va a dar que decir tanto entre los mitómanos, como yo, como entre quienes gustan de disfrutar de la música de calidad.

Tracks:

Flatline Mama (P. Young)
Med Line (P. Young)
Trouble In a Bottle (P. Young)
No Heart Beat Sounds (P. Young)
I Don't Want To Talk About It (D. Whitten)
Lie (P. Young)
Number 9 Train (Tarheel Slim)
Daddy Married Satan (P. Young)
Doghouse (N. Young)
Gonna Walk Away (P. Young)
Song For a Baby Girl (P. Young)

Web oficial: Pegi Young.