HISTORIAS DE UNA CANCION

MAMUNIA / PAUL McCARTNEY & WINGS

noreply@blogger.com (Jimmy_Jazz) — Tue, 07 Feb 2012 15:35:02 PST

"Mamunia" es una canción de Paul McCartney & Wings, que fue publicada dentro del aclamado disco, grabado en su mayor parte en Nigeria, "Band On The Run", que vió la luz publica en Diciembre de 1973.
Considerado por la fanaticada y los especialistas como el disco emblema de los Wings, que ahora actuaban como trio tras sufrir la salida de su guitarrista y baterista. Este trabajo musical destaca por un tracklist sólido, donde el conjunto variado de estilos musicales hace que cada pieza sea una obra destacada o un single seguro. Es que en este disco Paul, Linda y Denny Laine sacaron a la mesa todo su talento musical en cada canción y en cada nota, y mas encima decidieron emprender un místico viaje por Nigeria, en busca de nuevas inspiraciones y sacarse la "mufa" que traía su estadía en Londres. En su estadia en Lagos al trio les pasó de todo, y eso quedó para la historia de la banda.

Pero hablemos de una de las canciones mas delicadas dentro del extenso repertorio de este LP. Hablamos de la delicada y esperanzadora "Mamunia", que surge del nombre de un hospedaje ubicado en el centro de Lagos, Nigeria y que traducido del árabe significa "Refugio seguro".Esta palabra le llamó la atención a Paul, quien tenía en carpeta una canción que hablaba sobre la lluvia, tras observar y sentir unos buenos chubascos durante una visita a Túnez a inicios de 1973.
Tras volver a Los Angeles luego de esas vacaciones, Paul escribió unos versos sobre ese momento mágico de sentir la lluvia sobre la piel y lo comparaba en sus escritos como un momento de renacimiento y renovación del espiritu para todo ser humano que quiera volver a sentir vida y entregar amor.

En ella, Paul también le hace un guiño a su compañero en The Beatles y amigo del alma, John Lennon con la frase "ain't bad, don't complain" (que quiere decir: "No es malo, no te quejes"). De hecho esto tiene que ver con una frase incluída en una pieza musical que publicaron en su etapa Fab-Four en el año 1966 llamada "Rain" y que fue escrita por John. Recordemos que por esa epoca la amistad de John y Paul estaba por los suelos, e incluso habían llegado a tratarse mal en una guerra de canciones con mensajes claros y fuertes que hicieron historia. A pesar de esos duros momentos, McCartney siempre mantuvo una admiración y las ganas de volver a ver y compartir recuerdos con su amigo del alma, pero aún tenían que limar muchas cosas para que eso se diera.

Quizás en "Mamunia" Paul quería hacer realidad ese sueño de volver a compartir con sus amigos de antaño y dejar de lado tantas polémicas marcadas por el dinero y metáforas dolorosas hasta el hueso. Con ese mensaje de renovar el espiritu y echar a andar buenas vibras ante las dificultades que trae a veces la vida, el músico buscaba la luz al final de ese serpenteante camino, como una solución para reconstruir sus historias.

Como si todo ya estuviera tejido, "Mamunia" fue grabada una noche de Agosto de 1973 bajo una fuerte tormenta que pasaba sobre Lagos. Mientras las gotas golpeaban el techo del estudio EMI con una violencia impactante, Paul y sus secuaces le daban forma a esta balada a base de guitarras y teclados. Además, se cuenta que uno de los asistentes que estaba trabajando en esas lejanas tierras con la banda, fue el encargado de la percusión tocando un bombo. Lamentablemente ese músico pasó a estar en el anonimato ya que no fue acreditado en el disco.

En un principio, Paul habia dejado en claro que esta canción debía ser el lado B de la rockera "Jet", y asi ocurrió a finales de Enero de 1974. Pero cuando recien llevaba una semana en las disqueras el single, McCartney decidió reemplazar a "Mamunia" por la blusera y lennoniana "Let Me Roll It". La razón del cambio se debía a que Paul le tenía mas fé a la balada y creía que sería justo lanzarla como cara A en los singles posteriores. Aquello nunca se llegó a dar, y la canción simplemente se mantuvo en el disco y llegó a ser catalogada por algunos periodistas "serios" como "relleno". De hecho, y con las ganas de lanzarla como single, hasta se preparó un videoclip animado con la canción, el cuál fue dirigido por Jim Quick y fue publicado en Julio de 1974 pero no tuvo mucho éxito en los medios y quedó en el olvido hasta que una reedición del "Band On The Run", ahora en formato DVD, la trajo nueamente sobre la mesa.
Que la disfruuten!!

ONE LOVE (PEOPLE GET READY) / BOB MARLEY & THE WAILERS

noreply@blogger.com (Jimmy_Jazz) — Mon, 06 Feb 2012 07:38:18 PST

"One Love/People Get Ready" es una canción de la banda de reggae Bob Marley & The Wailers que fue publicada en el año 1977 dentro del aclamado Lp Exodus, considerado por los especialistas como el trabajo musical mas importante de esta emblematica banda que hizo mundial la cultura de Jamaica.

Editado en un periodo donde la sensación política era una bomba que estaba punto de explotar en esas tierras del Reggae, resulta extraño que en vez de ser un disco cargado de matéforas rebles y crítica al sistema, por parte de esto próceres, sea una selección fina y delicada de piezas pacifistas inundadas de amor y esperanza hacia el mundo y sus ciudadanos.

Una de esas piezas destacables de ese gran disco es la famosa "One Love", escrita por Robert Nesta "Bob" Marley, que data del año 1965 cuando a ritmo de Ska los primeros Wailers la editaron en su disco debut titulado The Wailing Wailers.
Pero la canción tomó nueva forma en Diciembre de 1976, epoca en que Jamaica estaba dividida por las elecciones presidenciales que traía a la palestra de la re-elección a Michael Manley, candidato que había ganado las elecciones en 1972 y que fue apoyado abiertamente por Marley en su propaganda política de ese entonces. Pero en esta oportunidad, y tras tener la experiencia de como ser y hacer de Primer Ministro de la nación, Manley se encontró con un Bob mas popular e influyente entre la gente de su tierra que en esos días de 1972 y que ya no estaba "ni ahí" con las banderas políticas y simplemente se rendía a lo musical en medio de esa tormenta que traían los discursos y propuestas de los partidos People's National Party (que apoyaba Manley) y el Jamaican Labour Party que estaba liderado por "el visionario" Edward Seaga.

Pero el momento político de Jamaica empezó a tornarse tormentoso con el paso de las semanas entre ambos bandos políticos hasta llegar a la violencia. Y fue ahí fue donde Marley, quien ya se había manifestado fuera de la línea política de su país, salió al ataque con sus ideales pacifistas y de esperanza desde su morada ubicada en Hope Road donde estaba escribiendo las letras del proximo disco de los Wailers. Una de las canciones que tenía casi lusta era una nueva versión de "One Love", pero que en esta oportunidad estaba marcada por un mensaje y sentimiento muy similar a himnos pacifistas tan aclamados como la mundialmente conocida "Imagine" de John Lennon o "Give Me Love (Give Me Peace On Earth)" de George Harrison.

La historia cuenta que Marley escribió la canción tirado en su cama e inspirado en una pintura de su fiel amigo, el pintor Roman Selvaggio , y a la vez mirando en la televisión todo el caos político que sacudía a su tierra, su querida y amada Jamaica. En ella, Marley nos habla que la unica solución para evitar las guerras y los conflictos de ideales es la unidad, y en ella encontraremos la paz y la convivencia sana como verdaderos hermanos.
Otra fuente de inspiración para la nueva versión de esta "rola" fue la clásica pieza de Curtis Mayfield "People Get Ready" popularizada por los Impressions y de la cuál saca algunas frases e ideas con el fin de lograr el resultado final: Un regalo para el mundo.

Pero la canción tuvo su segunda "patita" de fama en el año 1984, a tres años de la repentina muerte de Bob Marley, cuando fue seleccionada para promocionar el famoso compilado Legend, el cuál recorría las mejores obras musicales de este emblemático músicos junto a su banda. En esa ocasión se hizo un videoclip protagonizado por un niño britpanico llamado Jesse Lawrence (quien hoy es un aclamado productor y director de Cine) y que recorre las calles de Inglaterra mientras se muestran fotos y videos de Marley.
Además, dicho video clip cuenta con llamativos invitados, donde destaca Paul McCartney, las Bananarama, los componentes de la banda Musical Youth, y Suggs junto a Chas Smash ambos integrantes de la mítica banda Madness... Obviamente fue un hit.

Y hoy que el mundo celebra un nuevo cumpleaños del gran Bob Marley (cumpliría hoy 67 años), dueño de un catalogo musical y una influencia social muy alabada por los que buscan la paz y un mundo mejor, no queriamos quedar fuera de los elogios y los homenajes a este gran músico jamaiquino que nos dejó un legado y un mensaje para reflexionar día a día...
Que la disfruuuuten!

FLY, ROBIN, FLY / SILVER CONVENTION

noreply@blogger.com (Jimmy_Jazz) — Fri, 03 Feb 2012 07:08:15 PST

"Fly, Robin, Fly" es una canción del grupo de música Disco alemán Silver Convention que fue publicada en Octubre del año 1975 promocionando su aclamado disco debut Save Me.

Esta banda tuvo su origen en el año 1974 en Munich cuando, con el fin de experimentar nuevos sonidos en plena Onda Disco, los productores y compositores Sylvester Levay y Michael Kunze decidieron emprender un proyecto musical innovador y que hiciera furor en las pistas de baile. Una vez que tuvieron el éxito deseado en el plano local, los productores quisieron ir mas allá y para ello decidieron reclutar a tres cantantes para que hicieran parte de la propuesta en vivo y en directo y así hacer mas fuerte la promoción, ya que habian empezado simplemente como un grupo de estudio y con cantantes rentadas por el sello. Así fue como aparecieron en escena Linda Thompson (cuyo verdadero nombre era Linda Überlherr), Penny McLean (que en el plano real se llamaba Gertrude Wirschinger) y Ramona Wulf (que se llamaba realmente Ramona Kraft). Con esa nueva formación Silver Convention las tenía todas para ganar...

Una mañana, cuando iba caminando rumbo al estudio de grabación donde estaban grabando el "Save Me", Sylvester Levay tuvo un repentino sonido mental que le hizo de inmediato volar la cabeza. No era nada grave eso sí, puesto que simplemente era un pegajoso y comercial riff que empezó a "tararear" de imediato para ir a enseñarle a su colega que lo esperaba con todo listo en la sala de ensayo.
Una vez que lo escuchó Michael Kunze, este de inmediato pescó una guitarra y lo empezó a arreglar hasta llegar a una base musical muy interesante para la propuesta de la banda y para ser grabada en el disco. De manera casi innata, Kunze empezó a cantar una llamativa frase que además iba muy ligada al ritmo: "Run, Rabbit, Run". Pero el músico no estaba hablando de un inocente, corredor y tierno conejo, sino que se había inspirado en el auto que recién había adquirido con el dinero de la banda: Un Volkswagen Rabbit. En una entrevista años después, Kunze declararía:"Yo quería titular a esta canción como "Run, Rabbit, Run'... pero lo deseché al rato porque tenía relación con mi Volkswagen Rabbit, al cuál no quería criticar".

De esa manera, el primer y casi único problema para empezar a grabar la canción era el título de la "rola". Además, al día siguiente, cuando ya estaban rendidos a grabarla como "Run, Rabbit, Run" llegó Kunze desesperado para que pararan la grabación ya que le habían informado que existía una canción militar, muy usada en las Fuerzas Armadas de su país, que llevaba por título "Run, Rabbit" y que eso podía traer problemas al single ya que la gente podía confundir o mas de algún periodista llevaría las temáticas a la palestra de la especulación.
Faltaba solo media hora para que las tres cantantes empezaran a grabar, y en una cosa de segundos llegó a sus manos una nueva e improvisada frase para la canción: "Fly, Robin, Fly ". De esa manera se le dió rienda suelta al hit...

Debido a que las tres chicas no tenían ni la mas mínica idea idea de pronunciar ni menos de hablar inglés. De hecho fue muy costoso que pudieran pronunciar aunque sea de mala manera algunas palabras fáciles o memorizar textos simples. Por ello, los dos productores se limitaron a tener mas problemas y decidieron que simplemente cantaran dos frases: la ya comentada "Fly, Robin, fly" (que sólo repetían 3 veces) y "Up, up to the sky!" para finalizar. Esas dos frases le fueron muy fáciles de pronunciar para las cantantes, que de inmediato empezaron a tomar un curso de ingles intensivo para que el proyecto musical siguiera en vida.

Pero lo simple de su letras, y mezclado con una base musical muy apta para el baile fueron la mejor combinación para ser un hit en los Estados Unidos donde la canción llegó al primer puesto del Billboard Hot 100 el 25 de Noviembre de 1975, y se mantuvo en esa posición por 3 semanasquedando como el primer grupo alemán en llegar al primer puesto en los charts estadounidenses. Además, y como era de esperar, "Fly, Robin, Fly" la rompió en los cjarts de disco/dance donde llegó al primer puesto en las listas.
Tampoco hay que dejar de lado que esta canción ganó en 1975 un premio Grammy por Mejor interpretación R & B Instrumental.

Que la disfruuuuu....!!

ASK ME WHY / THE BEATLES

noreply@blogger.com (Jimmy_Jazz) — Thu, 02 Feb 2012 06:54:13 PST

"Ask Me Why" es una canción de la banda británica The Beatles, que fue lanzada como single el 11 de Enero (para el Reino Unido) y el 25 de Febrero de 1963 en el lado B del emblemático primer super-hit "Please Please Me". Además esta canción forma parte del histórico disco debut, el comentado Please Please Me, que fue lanzado al mercado un 22 de Marzo de 1963.

En dicho LP, la banda hace una mezcla entre covers de sus artistas favoritos y canciones propias, esto fue a pedido de su productor George Martin, con el fin de captar éxito de alguna u otra forma. De esta manera empezaba el largo y serpenteante camino de la banda mas famosa e influyente en la historia del Rock y del Pop.

Una de las canciones firmadas por la aclamada dupla Lennon / McCartney es la dulce balada "Ask Me Why", que fue escrita en la primavera de 1962. Si bien muchos medios de comunicación han señalado que esta fue la primera canción que John y Paul escribieron juntos, y en la misma mesa tirandose ideas y rimas, en 1997, en su biografía Many Years From Now , el bajista dejaría las cosas en su lugar con una sorpresiva declaración: "La idea original fue de John, y un día nos sentamos y la escribimos en conjunto, aunque la mayor parte la hizo él". De esa manera queda claro que fue John quien escribió en gran porcentaje la letra y la música de esta canción, mientras que Paul hizo uno que otro aporte pero dejando en claro que estaba en territorio privado.

De hecho, la estructura musical está muy inspirada en las canciones de Smokey Robinson and the Miracles, que era uno de los artistas favoritos de John, y que era fuente de inspiración constante para sus primeras creaciones (sobre esto, en una entrevista del año 1969 y tras ser consultado por sus canciones favoritas, Lennon dejó en claro que era una de The Miracles llamada "I've Been Good To You"). Un buen ejemplo de esta fuerte inspiración en la banda del "Rey de la Motown", es que la aplaudida introducción de guitarra de "Ask me Why" tenía su origen en la pieza " What's So Good About Goodbye", que había sido lanzada por esa agrupación en el año 1961.

La historia cuenta que "Ask me Why" formó parte de la histórica primera sesión de la banda con el sello Parlophone el 6 de junio de 1962 cuando aún tenían como baterísta al rebelde Pete Best. La canción fue grabada por The Beatles bajo la producción de Ron Richards y George Martin y con Norman Smith de ingeniero de grabación y Chris Neal como 2º ingeniero. Lamentablemente, a las pocas semanas de haber grabado ese demo, la EMI decidió destruir esas cintas para dar lugar a otros artistas pensando que estos cuatro chicos de Liverpool simplemente iban a durar una temporada en los charts.
Pero el 26 de noviembre de 1962, y con Ringo Starr como nuevo baterísta, la banda decidió volver a grabar esta pieza romántica con el fin de que sea el lado B de la canción "Please, Please me", y en esa misma sesión también intentaron grabar otra canción Lennon- McCartney llamada "Tip of My Tongue". Finalmente, y tras escuchar ambas piezas musicales, Martin quedó muy a gusto con la balada "Ask Me Why" para que acompañara en su viaje por las radios a la canción ya mencionada, mientras que a la otra canción simplemente se la dejó para que fuera interpretada por un cantante de Liverpool llamado Tommy Quickly.

De esa manera aparecía en escena una canción que contaba con arrglos musicales delicados y con uno que otro toque de Jazz en el fondo de guitarras. Con un juego vocal impecable, esta canción dejaba en claro que The Beatles no era una simple banda de covers, sino que eran talentosos qe querían cambiar la historia del recatado rock and roll de ese entonces.
Queee laaa..... !!!

ALONG COMES MARY / THE ASSOCIATION

noreply@blogger.com (Jimmy_Jazz) — Wed, 01 Feb 2012 05:55:49 PST

"Along Comes Mary" es una canción de la banda estadounidense The Association,que fue publicada en el año 1966 y además fue incluida en su aclamado LP And Then... Along Comes the Association, trabajo musical que marcó el debut de esta banda en la escena musical y que quedó como una de las obras esenciales del Pop sesentero.

Armonías brillantes y juegos vocales de alta calidad, dignas del Pop psicodélico de mitad de los 60's, eran el cartel de presentación de este sexteto californiano integrado por Gary Alexander en voz, Terry Kirkman en teclados, Russ Giguere y Jim Yester en guitarras, y Brian Cole en bajo y voz. En un comienzo la tarea no se le hizo tan fácil a la banda, ya que encontrar un contrato con un sello se hizo una cosa difícil y mas de algun episodio de tristeza hubo. Hasta que en 1966 Valiant Records les dió la oportunidad de promocionar su músic, y tras un par de singles que tuvieron un mediano éxito vinieron las buenas cosechas.

El primer gran éxito de la banda vino con la llamativa y oscura "Along Comes Mary", que fue escrita por el famoso compositor Tandyn Almer, quin sería protagonista esencial de la escena musical sesentera con sus aportes musicales de alto grado para varias bandas y slistas. Además es conocida su amistad con Brian Wilson, el genio de The Beach Boys, con quien hizo d elas suyas en los 70's y entre sus juegos experimentales salió la canción "Sail On Sailor."

Una vez que la banda tenía la canción en sus manos, vino el proceso de interpretarla y hacer los arreglos correspondientes para que de una vez por todas lograran entrar a buenos puestos en los charts. Aquí tomó vital importancia Bones Howe, el productor encargado de esa sesión de grabación quien hizo que la banda tomara todas sus ordenes si es que querían ser exitosos.
Para ello, Howe empezó con extensas sesiones de grabación y tomó precauciones en aquellas que tomaban parte de la noche, debido a que los integrantes de la banda, y en especial el bajista Brian Cole, ya mostraban abusos de drogas y alcohol. Eso echaría a perder el feeling de la banda en los años posteriores...

La idea de Howe, era aprovechar bien las sesiones de grabación, y relajar a la banda a medida que iban trabajando y así podía sacar "jugo" de sus talentos e ideas a la hora de empezar a ensayar y arreglar acordes. Eso sí, al igual que lo que pasaba con otras bandas en los 60's, gran parte de la sección instrumental de la canción fue grabada por músicos de sesión, debido a que tanta improvisación en el estudio (en gran parte porque Howe amaba el Jazz) hizo que los dueños del sello apuraran el tranco para que la banda sacara sí o sí un single a fin de año.
El resultado final fue una canción brillante, dueña de unos arreglos musicales dignos de poner en un cuadro.

Una vez que la lanzaron como single, también apareció la polémica y esta vino de parte de las drogas. Es cierto, en los 60's había drogaen todas partes y es la frase que muchos rockeros siempre repiten. Por ello, muchos empezaron a darle apodos a las sustancias o porros que consumían detrás de los escenarios. Por ejemplo, la marihuana se le conocía como la " Mary Jane" en el vocablo juvenil, y al salir esta canción con "Mary" en el título no faltaron los curiosos que empezaron a especular que la canción estaba dedicada a la cannabis e incluso algunos aparecieron con qe había mensajes dedicados al LSD, la droga de moda en esos años.
Solo el autor y los que la interpretaron saben que queire decir esta canción, pero jamás rompen el hielo...

Un clásico de los 60's... Qie la disfruuuten!

BO DIDDLEY / BO DIDDLEY

noreply@blogger.com (Jimmy_Jazz) — Sun, 29 Jan 2012 07:39:05 PST

"Bo Diddley" es una canción del emblemático cantautor y guitarrista estadounidense Bo Diddley, que fue publicada en Abril del año 1955.

Oriundo de McComb, en el estado de Mississippi, y cuyo nombre verdadero era Ellas Bates, este aplaudido músico empezó a mostrar su talento musical desde que era muy pequeño, cuando sus padres lo inscribieron en una clase de violín en una Iglesia Baptista . Pero fue en los años 30 cuando por razones familiares se mudó a Chicago en que se dió cuenta que la música docta no iba con él y que los sonidos del Blues le calzaban perfecto. Por ello, y tras su fanatismo por la voz y el talento en las seis cuerdas de John Lee Hooker es que decide pedir una guitarra para la Navidad. Y así fue no más, ya que su hermana le hizo el tan preciado regalo.
Desde ese momento tomó el apodo de Bo Diddley (inspirado en el Diddley Bow, un instrumento de cuerda muy usado por los músicos negros) y empezó a probar suerte con sus propias composiciones, hasta que fue reclutado por el sello Chess Records y empezó a hacer historia, a tal punto que la prensa lo llamó "The Originator", por sus grandes aportes a la arquitectura armónica del rock and roll.

No hay dudas en que su canción mas reconocida es aquella que lleva simplemente su nombre. Dueña de una estructura musical sacada del "Hambone", una variedad de danza muy usada por la gente de raza negra (en especial por los esclavos llegados del África) y que fue descrita como una "forma artística de golpeo de los muslos", Diddley hizo que su guitarra sonara siempre como un nstrumento de percusión, o como el latido de un corazón salvaje. Ahí estaba la receta de sus hits. A partir de eso, y de haber tomado ciertos acordes de una vieja pieza del folk llamada "Mockingbird", el guitarrista escribió esta canción y la tituló como "Uncle John".

Una vez que le enseñó la canción a los dueños de Chess Records, en Febrero de 1955, estos simplemente la rechazaron por encontrarla poco comercial, y con un pasaje directo al fracaso en las listas.De hecho, esos productores rechazaron la canción simplemente por su letra, ya que la encontraron "demasiado sucia para los auditores blancos y los conservadores".
Pero esto en ves que deprimir al músico le hizo sacar nuevas fuerzas creativas y en tan sólo una semana llegó nuevamente a los Universal Recording Studios, ubicados en Chicago, nuevcamente con su criticada canción pero con una letra renovada y titulada simplemente como "Bo Diddley", lo cuál llamó de inmediato la atención de los productores.

Una vez que le dieron el "sí", el 2 de Marzo de 1955 Diddley grabaría su canción con los emblemáticos músicos de sesión que tenía el sello.
Pero el músico también se dió un lujo en este, que sería su primer single oficial de su carrera como solista, e invitó a su viejo amigo Jerome Green para que tocara las maracas y apoyara en los coros. Además, juntos hicieron el llamativo efecto de sonido de la percusión utilizando varias cajas de resonancia que estaban puestas alrededor del estudion y que llamaron la atención de los demás músicos.

Una vez que la publicaron, la canción empezó a sonar de inmediato en las radios, y ya el 30 de Abril contaba con dos versiones instrumentales, y ademas la revista Billboard informaba que las ventas del disco eran millonarias y que de seguro sería uno de los más vendidos del año (y lo logró!).
Pero la canción no sólo sería un éxito en 1955, sino que también marcaría la cancha con el paso de los años para otros artistas, en especial el riff de guitarra que a sido utilizado por diversos artistas y en canciones muy famosas. Por ejemplo podemos mencionar a "Not Fade Away" de Buddy Holly, "Cannonball" de Duane Eddy, "Hey Little Girl" de Dee Clark, "I Want Candy" de Strangeloves, y la popular "Faith" de George Michael.

Las seis cuerdas de Diddley traspasaron las generaciones, y su música es parte fundamental para la historia del rock and roll. Por eso, todas las estrellas del rock de verdad han tomado influencias de este gran personaje, que supo dela fama y también del fracaso y que además experimentaba sonidos en el estudio, algo que después sería influencia pura para otros artistas que querían ir contra la ola de la moda musical comercial.
Que la disfruten!

DEAR YOKO / JOHN LENNON

noreply@blogger.com (Jimmy_Jazz) — Fri, 27 Jan 2012 08:40:25 PST

"Dear Yoko" es una canción del músico inglés John Lennon que forma parte del repertorio de su aclamado disco "Double Fantasy", publicado un 17 de Noviembre de 1980. Este sería el último trabajo en vida del ex-Beatle, ya que a casi un mes de su lanzamiento al mercado con "bombos y platillos" fue asesinado y enviado repentinamente al panteón de la leyenda, dejando una pena enorme en el mundo musical y también político-social.

Tras estar un largo periodo fuera del ambiente musical para dedicarse ciento por ciento a su familia, Lennon vuelve a las radios con este LP que contiene canciones memorables y un aire mas renovado para comenzar la nueva década. En "Double Fantasy" encontramos piezas notables, con un sonido moderno pero con esa poesía llena de honestidad y amor que sólo Lennon nos podía regalar. Un disco altamente recomendado, a pesar de tener que soportar los cánticos sedantes de Yoko Ono.

Sobre esta ultima, la esposa del cantante, es que hablaremos hoy, ya que en el disco se encuentra una canción que va dedicada al amor por el cuál el músico lo dejó todo, incluso a Los Beatles.
"Dear Yoko" es casi una despedida sin sentido o un tributo cordial en su cinta original, pero con el paso de los meses y años tomó mucha fuerza su mensaje simple y claro: Era la canción que ten+ia que estar, puesto que era el momento del Lennon con el corazón al desnudo y dejándonos en claro que a pesar de todo lo que decían los medios amaba a esa mujer con todo su ser.

En plena promoción del disco, Lennon mencionaba que "Dear Yoko" simplemente"lo dice todo. Es una pista agradable y está dedicada a mi esposa. En lugar de decir "Dear Sandra", como lo hacen otros artistas que escriben sobre una mujer real o ficticia, yo escribí sobre mi esposa". Es que el músico en cada disco dejaba una huella dedicada a su mujer, como tambien lo hizo con sus hijos y con sus padres. Era su honestidad brutal lo que hacía de Lennon un genio de lo cotidiano.

La historia cuenta que Lennon empezó a grabar "Dear Yoko " en su casa ubicada en Long Island, durante la primavera del año 1980 y la dejó registrada en una cámara de video, la cuál hoy en día es un objeto de colección. Después, en Junio de 1980, cuando estaba de vacaciones en la Bermudas, Lennon la volvió a grabar de manera acústica.
Una vez que la tenía casi lista para empezar a depurarla, Lennon no estaba tan seguro de algunos arreglos para la parte final. Por ello, corrió a la tienda de discos mas cercana y una vez que escuchó varios discos y uno que otro single de moda, el ex-Beatle se quedó con uno de la banda norteamericana Shirley & Company donde aparecía su super-hit titulado "Shame Shame Shame", el cuál inspiró varias pártes de la canción en su etapa final. Además, en la parte vocal, Lennon le hace un pequeño pero digno homenaje al maestro Buddy Holly, su ídolo de infancia.
Sobre esos detalles, el productor Jack Douglas, que trabajó con John en el Double Fantasy declaraba en una entrevista: "Esta canción tenía aires a los 50's, y John era bueno en esos ritmos. Siempre la encontré una canción ligera, y además es la más divertida dentro del repertorio".

El 14 de Agosto de 1980, fue el día en que Lennon entró a los estudios de Hit Factory a grabar esta canción. La sesión fue extensa, en cuanto a las horas, y tomó seis tomas.
Al momento de grabarla, Lennon y el guitarrista Earl Slick llegaron tarde al estudio y con una resaca de aquellas a causa de una noche de juega olímpica. "Fue la única vez que hice algo así antes de entrar a trabajar. Estaba fuera de control y, por supuesto, lo hice en un disco de Lennon" declararía el guitarrista años después al recordar esa mítica sesión donde el dolor de cabeza y el mal humor hizo de las suyas.

Debido a que Earl con el paso de las horas se iba quedando dormido, y decidió abandonar las grabaciones para ir a reposar "la caña". El productor Douglas decidió darle el papel protagónico al otro guitarrista, cuyo nombre era Hugh McCracken, quien incluso era un "capo" en la armónica y su especialidad era la guitarra slide. La participación activa de este nuevo integrante del staff de Lennon fue muy importante en esta canción, en especial por su interpretación de la arm+onica donde grabó cuatro tomas diferentes dándole un efecto sonoro muy llamativo,el cuál es la base de la canción.

Una vez que laparte instrumental estaba lista y ya grabada, fue la hora en que apareció para grabar la parte vocal. Esto ocurrió un 22 de Septiembre, el mismo día en que el músico y su esposa firmaron un suculento contrato con Geffen Records, que sería la encargada de publicar este esperado LP de uno de los artisyas mas influyentes de todos los tiempos, dueño de una leyenda enorme y reconocida por todo el planeta. Es John Lennon, es el poder de la canción...
Que la disfruuuuuuten!

BENNIE AND THE JETS / ELTON JOHN

noreply@blogger.com (Jimmy_Jazz) — Tue, 24 Jan 2012 09:18:39 PST

"Bennie and the Jets" es una canción del cantautor británico Elton John, que fue publicada como single un 4 de Febrero de 1974, y está incluída en el LP Goodbye Yellow Brick Road, considerado por la crítica como su mejor trabajo musical .

Lanzado como un disco doble, este trabajo musical de Elton John fue completamente grabado en Jamaica, dejando con las ganas a Los Rolling Stones quienes tenian en un principio esa alocada idea pero por razones técnicas y políticas no pudieron terminar su proyecto en esas tierras, dejando así a este aclamado músico inglés.
El resultado final fue un disco brillante, donde cada canción es un pasaje de calidad y que tenía un conjunto de singles bien potentes que darían que hablar dentro d ela industria musical de los 70's.

Dentro de su aclamado repertorio, una de las que se robaba la película era la "popera" "Bennie and the Jets", escrita por el cantante y su compañero Bernie Taupin como una sátira a la escena músical de los 70's, en especial sobre el comentado "Glam Rock" y sus camaleónicas puestas en el escenario. Influenciado por las obras de David Bowie y Gary Glitter, Elton John se metió de lleno en ese mundo musical nuevo y bastante criticado por esos años. Pero la "facha" del cantautor iba por el lado del juego sexual, donde usaba coloridas y deformadas ropas de mujer combinada con un aspecto salvaje y llamativas gafas de sol, que lo hacía ver bastante extraño.

La historia de esta canción empieza en Francia, cuando Elton y Taupin estaban en los Strawberry Studios escribiendo material para este nuevo LP. En una ocasión, Elton empezó a hacer un efecto vocal tartamudeando "BBB-Bennie ...". Fue en esa ocasión en que Taupin tomó la idea la trabajó en un contexto futurista, con aires robóticos y a Ciencia Ficción.
" Bennie And The Jets era casi Orwelliana , de aspecto futurista. En un principio se suponía que iba a hablar sobre una banda femenina de autómatas que tocaba rock and roll" señalaría Elton en la revista Esquire.

Una vez que terminaron la canción, Elton decidió viajar a jamaica con su banda de apoyo para atrapar la mística del lugar y hacer historia con su nuevo LP que estaba preparando. De esa manera, el músico empezó a trabajar y a grabar la canciónes, siendo una de las primeras canciones en ser trabajadas la extraña "Bennie and The Jets".
Al escuchar la canción, uno de los primeros en saltar de su asiento y pedir explicaciones fue el guitarrista Davey Johnstone, quien declararía años mas tarde que "era una de las canciones mas extrañas que había trabajado". Asi como Davey, los demás músicos de sesión también se extrañaron con estos acordes.

Otro de los detalles musicales mas caracteristicos de esta pieza es el falsete usado por Elton, el cuál estaba inspirado en el estilo del cantante Frankie Valli. Es que John era un fanático a rabiar de este cantante norteamericano, en especial de su etapa con los Four Seasons, ya que fue la música con que el cantautor creció e incluso fue uno de sus primeros concierto donde asistió de jóven. Uno de los que aplaudió de pie ese detalle fue el productor Gus Dudgeon, quien quedó muy a gusto con la canción, y tan extraña no la sentía.

Dudgeon tuvo un pepel fudamental en los toques finales a la canción, ya que suya fue la idea de dalr un toque "en vivo" a la canción incluyéndole en el periodo de mezclas un efecto de aplausos y chiflidos que fue sacado de un audio en vivo de un concierto que dió Elton John en Royal Festival Hall y otro que dió en Vancouver, ambos en el año 1972.

En un principio Elton no le tenía mucha fe a la canción, e incluso, al no creer que odría tener éxito, decidió no publicarla como single en el Reino Unido, dejando el espacio para la hermosa balada "Candle in the Wind" (que fue un éxito rotundo, y con varios records a la espalda, y con esta canción en el lado B). Pero la empresa discográfica decidió promocionar el disco con "Bennie and the Jets", y realmente fue una gran sorpresa para el cantante, quien simplemente cruzó los dedos para lograr evitar un desastre comercial, aunque igual había protestado para darle oportunidad a esta "rola". Pero un 13 de Abril de 1974 Elton John se cayó de espalda puesto que no podía creer que su canción había llegado a la cima del Billboard Hot 100.

No hay dudas, esta es una de la canciones mas reconocidas en la carrera de este genio de la música británica, dueño deun talento a la hora de componer que saca aplusos eternos.
Que la disfruten!

BONUS TRACK: ESPECIAL HDC "THE BEATLES"

noreply@blogger.com (Jimmy_Jazz) — Tue, 24 Jan 2012 05:31:33 PST

Con motivo de los 3 años del Blog, y con el fin de ir recopilando las mejores entradas, hemos decidido lanzar el primer ejemplar de la Revista digital HDC, y qué mejor que empezar con un análisis de 19 canciones de The Beatles, las cuales fueron cuidadosamente elegidas por el comité de expertos (?).

Open publication - Free publishing - More beatles

La puedes descargar, en formato PDF, aqui.

Que la disfruten!

EVERY NIGHT / PAUL McCARTNEY

noreply@blogger.com (Jimmy_Jazz) — Sat, 21 Jan 2012 14:59:53 PST

"Every Night" es una canción del músico británico Paul McCartney, que fue publicada un 17 de Abril de 1970 en "McCartney", su primer disco oficial como solista después d ela dolorosa ruptura de The Beatles. Mencionamos como "dolorosa" a esa separación de la banda ya que no sólo dejó triste a la fanaticada sino que también marcó la carrera musical de sus cuatro integrantes, y en especial a Paul que se había llevado la peor parte de la torta millonaria y las acusaciones de ser el protagonista de esa tragedia con que se despedían los 60's.

Un disco llamativo, con escasez de producción avanzada, con tintes acústicos y con una clara melancolía en cada una de sus piezas es el resumen del repertorio. Pero, a pesar de esos detalles, el resultado final es una joya que sólo un Beatle podía hacer, ya que sacar oro de un pozo de barro era un acto de magia que pocos músicos podían hacer. Y este LP es un claro ejemplo.

Una de las canciones que compone ese disco es "Every Night", quizás una delas piezas que más destaca por su composición y su estilo rockanrolero.
La historia de esta canción empieza a inicios del año 1969, cuando aún The Beatles estaba en pie. Como en esa época las relaciones entre los integrantes estaba día a día por los suelos, Paul, y su esposa Linda, decidieron tomar unas vacaciones en Grecia con el fin de escapar de ese infierno musical que era ensayar con sus demás compañeros. Fue durante esos días en que Paul escribió algunos versos y capturó los acordes de lo que después sería esta grandiosa pieza musical.

Un vez que tocó suelo británico, Paul partió de inmediato al estudio de grabación de Apple donde sus demás compañeros seguían echando leña a la máquina de canciones en las míticas sesiones "Get Back", que estaban destinadas a que la banda tomara nuevamenteel rumbo y volviera a los escenarios con su faceta mas rockanrolera.
Así fue como un 21 de Enero, Paul intentó grabar parte de esta canción que aún no tenía título oficial. En esa ocasión, Paul la interpretó a pura guitarra acústica y a todo pulmón, aunque con una letra aún en construcción.
Luego, el 24 de Enero, y tras trabajar con sus demás compañeros en "Dig A Pony" (de John) , McCartney decidió volver a grabar esta canción que estaba preparando junto a su buen amigo Lennon, quien lo acompañó en la guitarra slide, la cuál interpretó de una manera horrible. Al parecer la "onda" de antaño ya estaba perdida...

Finalmente, la canción pasó a segundo plano dentro del extenso repertorio que tenían los Beatles antes de su fin, y Paul la dejó en carpeta para algún proyecto a futuro.
Pasaron las semanas, los meses y The Beatles como banda ya no existían, y la gente lo sintió mucho, la prensa igual aunque tenía pasto para sus páginas de "copuchas" y de los cuatro jinetes sólo hubo uno que sintió más fuerte la caída: Paul McCartney.
"Imaginate que tus tres mejores amigos, de un rato para otro, estén en contra tuya. Por eso, y lo admito, me caí a la botella, me caí a las drogas. Fue un periodo muy díficil para mí" comentaría en el año 2007 un renovado Paul a las revista Q. Es que el músico sin The Beatles no sabía que hacer, puesto que la sombra de su pasado era muy gigante como para empezar de cero una vez mas. Por ello, y tras caer en un cuadro depresivo y casi en la banca rota, y aparte de eso vinieron los abusos de drogas y alcohol, el músico tuvo que caer en los brazos de Linda, la mujer que tenía a su lado y con quien pudo pasar sus penas alejado del mundo del espectáculo.

Con ella a su lado, Paul empezó a tomar gusto por la vida famliar, por el campo y por una amplia cantidad de cosas que antes quizás no le daba tanta importancia por ser un poderoso Beatle. Esos buenos momentos, hicieorn que las ganas de pescar nuevamente la guitarra afloraran nuevamente y que la música tomara nuevamente su rumbo en sus manos y pensamientos creativos. De esa forma renacía entre las cenizas Paul, y todo gracias a que Linda se había convertido en una influencia enorme para su vida.

Con una mezcladora de 4 pistas que había adquirido tras la ruptura de su banda, Paul empezó a grabar y grabar canciones, y entre esas estaba "Every Night", una canción que había arreglado detalle a detalle ,tras tenerla en carpeta desde 1969, y que ahora era un homenaje al amor por Linda y su agradecimiento por mantenerlo de pie aún en las horas mas oscuras.

Un 22 de Febrero de 1970, McCartney llegó a los estudios Abbey Road y de inmediato grabó dos temazos: " Maybe I'm Amazed" y "Every Night". Esta ultima pieza, fue la que llevó mas tiempo para la producción, y la cuál tuvo de cabeza al músico ya que recien el 24 de Febrero estaba lista para ser incluída en el disco. Pero valió la pena....
Para la fanatica de Paul, "Every Night" es considerada una de las piezas mas notables dentro de su giratoria carrera como solista y con los Wings. La canción cuenta s¿con una delicada melodíaque la lleva a ser aplaudida hasta estos días y que dejaba en claro, que pese a que la leyenda Beatle es enorme, por separado cada unode sus integrantes seguían derrochando mágica y talento a la hora de escribir canciones...
Que la disfruten!

GAMES PEOPLE PLAY / JOE SOUTH

noreply@blogger.com (Jimmy_Jazz) — Thu, 19 Jan 2012 10:01:55 PST

"Games People Play" es una canción del cantautor y guitarrista estadounidense Joe South, que fue lanzada como single en Diciembre del año 1968 y que arraso en las listas de ventas y los charts de todo el mundo con su atrativa propuesta lírica y musical.

Oriundo de Atlanta, Joseph Alfred Souter (nombre vedadero del artista) empezó su carrera musical en el año 1958 con moderados hits y además empezaba a escribir canciones para que fueran interpretadas por el maestro del rockabilly Gene Vincent ( una de las mas destacadas fue "I Might Have Known") y a raíz de ese potente trabajo fue reclutado por un empresario musical de su tierra natal quien lo contrató como guitarrista de sesión y con esa "pega" llegó a tocar en varios hits de aclamados artistas. Por ejemplo South fue el encargado de las guitarra en "Chain of Fools" de Aretha Franklin, en "The Sound of Silence" de Simon & Garfunkel y además fue parte de la banda de sesión utilizada por Bob Dylan en su aclamado LP Blonde on Blonde. A partir de esas nuevas experiencias, el guitarrista decidió retomar la composición y empezar una revitalizada carrera como solista que tuvo buenos frutos.

Una de las piezas musicales que le dió la eternidad musical a este aclamado músico fue "Games People Play", una notable canción insporada en la temática del famoso libro del mismo título publicado en el año 1964 por el famoso psiquiatra Eric Berne. En esa obra, el médico habla de manera muy directa sobre la psicología de las relaciones humanas, desenfundando a través de simples juegos varias tácticas y maniobras inconscientes que aparecen y conducen nuestra vida.
Bajo esa panorámica humana, Joe South escribió sobre la poca felicidad del vivir que tienen los seres humanos, quienes viven pensando de manera extrema y negativa ante los problemas que aparecen en el diario vivir. Por ello, South usa su canción a modo de protesta contra la desigualdad social, la hipocrecía, el odio entre humanos y la intolerancia en el plano social, con mensajes claros y sin tanta metáfora rebuscada.

Musicalmente la canción toma un rumbo notable, y mas encima retoma fuerzas cuando sale a la luz publica que todos los instrumentos fueron tocados por Joe South y sin ninguna ayuda externa. Es que el músico en ese entonces tenía un idea experimental donde todo lo que hacía tenía que tener el espiritu natural de la creación activa, por ello decidió ser él y sólo él la fuerza de entonación para sus obras.
Cabe señalar, eso sí, que gran parte de la melodía fue tomada de un viejo clásico de la música Cajún llamado "'Tit Galop Vierta Mamou", que fue interpretado con mucho éxito en el año 1965 por The Balfa Brothers y que posteriormente tuvo muchas versiones. Pero en su canción, South cambia ese solo de violín por una distorsionada guitarra sitar Danalectro.
Por esos años, donde la temática de la psicodelia hacía de las suyas, la marca registrada de todo hit era partir con un desolado solo de guitarra o juegos de cuerdas y South no quizo quedarse atrás y en esta canción se dió el lujo de empezar de esa manera su creación.

Ese manto musical formado por la guitarra sitar y el conjunto de violines es uno de los momentos mas notables de y brillantes dentro de la canción, y deja en claro que el trabajo de producción fue hecho con pinzas y cuidando cada detalle que aparecía en el camino. Luego aparece un teclado a escena junto a un grupo vocal que transita por toda la "rola" y la cosa se pone de alta calidad, demostrando que en esos años el Pop tambien era sinónimo de calidad y profesionalismo al máximo, algo que hoy en día se ha perdido pese a tener mucha tecnología en las manos como para hacer cantar hasta a un perro.

Una vez que la canción tocó los estantes de las disqueras, de inmediato se sintió aroma a hit (?). Ya a mediados de Enero de 1969 la canción entraba al Billboard Hot 100 y en pocas semanas escalaba hasta el lugar #12. Semanas después Joe South era grito y plata en el Reino Unido, donde esta canción llegó al puesto #6, dejando muy en claro que la calidad musical daba buenos dividendos.
Pero su momento mas alto de esta pieza fue a inicios del año 1970, cuando Joe South ganó el premio Grammy a "la canción del año". Con ese galardón la canción entraba al rincón de los hits eternos, y por ello es que hasta el día de hoy las radios aún la ponen en su parrilla musicales como intentando llevar al oyente a un paseo por los recuerdos de juventud y por los sonidos clásicos que tanta falta hacen hoy en día.
Que la disfruuuten!

TIE A YELLOW RIBBON ROUND THE OLE OAK TREE / DAWN & TONY ORLANDO

noreply@blogger.com (Jimmy_Jazz) — Tue, 17 Jan 2012 06:01:30 PST

"Tie a Yellow Ribbon Round the Ole Oak Tree" es una canción de la banda Dawn & Tony Orlando, que fue lanzada como single en Marzo del año 1973 y que se convirtió en su hit que dió la vuelta al mundo, y con el cuál hasta el día de hoy se mantienen eternos.

Oriundos de Nueva York, esta banda nace de un simple encuentro con la casualidad marcada por fracasos musicales del pasado. Es que Tony Orlando, quien había comenzao su carrra musical en el año 1961, tuvo un éxito moderado en las listas, hasta que en 1969 decidió retirarse de la música debido a que no llegaba entrar a los charts y su sello ya lo tenía hasta el cuello con tantos fracasos.
Pero un año después, tras tener ciertos lios con su anterior casa disquera, el cantante vuelve a la batalla musicales pero esta vez con el sello Bell Records y esconde su identidad bajo el nombre de una inestable banda llamada Dawn (en honor a la hija de uno de ls productores de ese sello) y de esa manera recluta a dos cantante llamadas Telma Hopkins y Joyce Vincent Wilson, quienes seria su apoyo vocal y las caras visibles de este gran proyecto que le devolvió el gusto por la música y por la fama que tanto quería saborear.

Pero la historia de esta canción, y quizás su pieza musical mas recordada de esta banda, empieza por el año 1971 y tiene como autores a la famosa dupla de compositores formada por Irwin Levine y L. Russell Brown.
La idea de la canción nace de una historia real, la cuál tenía como protagonista a un convicto que recibe su paso a la libertad tras pasar un extenso periodo tras las rejas. Según Levine y Brown, la canción tomo forma tras leer esa historia en un articulo del New York Post, y obviamente ellos tomaron trozoz de esa historia real y la mezclaron con otra de fantasía, para hacer mas comercial a la canción.

El articulo que describen los compositores fue publicado en dicho periódico en octubre de 1971, y estaba firmada por el columnista Pete Hamill bajo el título: "Going Home". En esas páginas, el autor señalaba sobre un suceso que marcó las vidas de un grupo de estudiantes universitarios que iban de gira de estudios a disfrutar de las playas en Fort Lauderdale, y que en la carretera se hacen amigos de un ex-convicto que estaba mirando atentamente un viejo y gran roble que tenía en su tronco un pañuelo amarillo. La simbología urbana de ese pañuelo quería decir que en ese lugar había una familia esperando con los brazos abiertos a ese ser querido que estaba luchando en la guerra o estaba preso en algun lugar de Estados Unidos. Por ello, ese personaje miraba con mucha atención esa señal, ya que quizás él no era el único que estaba fuera de casa por razones que estaban fuera de lo normal.
Esta bonita tradición prevenía de un viejo cuento muy popular en esas tierras, publicado en 1959, que hablaba de una pareja de enamorados que tiene que separarse porque él fue llamado al ejército y ella, bajo su encanto de mujer enamorada, le promete que lo esperará con un pañuelo
amarillo fuera de casa, en señal de esperanza y confianza.

Hasta ahí todo parece normal, y la canción toma un rumbo humanitario, ycon una historia realmente hermosa en su trama interior. Pero Levine y Brown también fueron pillos, y tras ver que en Agosto de 1972 Hammil re-editaba ese artículo y mas encima había sido de utilidad para que un canal de televisión hiciera una serie basada en esa historia del convicto, ambos compositores decidieron correr a inscribir bajo su nombre la canción "Tie a Yellow Ribbon Round the Ole Oak Tree", que tenía la temática muy parecida a esos dos proyectos anteriores.

Una vez que decidieron ceder la pieza a Tony Orlando, este ni tonto ni perezoso hizo los arreglos musicales pertinentes y decidió grabarla como el siguiente single que les mantendría la racha de estar en los puestos de avanzada en los charts de ambos lados del Atlántico.
Y así fue, ya que en Abril de 1973 "Tie a Yellow Ribbon Round the Ole Oak Tree" llegaba sólo por unos días de diferencia a la cima del Billboard Hot 100 y del UK Singles charts y se mantuvieron casi 4 semanas en esa posición. Además, la canción fue todo un éxito en Australia, donde estuvo 7 semanas en el primer puesto de sus rankings (desde Mayo a Julio!) y sonaba hasta en "la sopa".

Tras observar como la canción era un hit monmental y además estaba basada sin tapujos en la historia que había relatado en aquellá columna, Hammil no se quedó de brazos cruzados y en Mayo de 1973 demandó a los compositores de la canción por plagio, justo el día en que los noticiario informaban que la canción ya había vendido 3 millones de copias.
En su defensa, Levine y Brown mencionaron al periodista que jamás tomaron ideas de su artículo titulado "Going Home" (!) y que simplemente la escribieron tras conversar con muchos ex-soldados quienes d¿le señalaron esa tradición del pañuelo amarillo atado al roble. Obviamente esa excusa no le sirvió a los compositores, quines después buscaron otro fundamento para explicar la temática de su canción y esta decía que tomaron cierta influencia tras ver la cinta She Wore A Yellow Ribbon, de 1949 y con John Wayne como protagonista. Si bien ese detalle era mas creíble, lo cierto es que la demanda fue y ambos compositores tuvieron que pagar, ya que era muy notorio el parecido de las temáticas, y además habían admitido conocer esa famosa columna de Hammil.
Y mientras eso ocurría en los Estados Unidos, en Nueva Zelanda la canción llegaba al puesto #1 y encantaba con su dulce historia que mezclaba esperanza y amor a chorros.
Que la disfruten!

YOU'VE GOT TO HIDE YOUR LOVE AWAY / THE BEATLES

noreply@blogger.com (Jimmy_Jazz) — Sat, 14 Jan 2012 11:20:33 PST

"You've Got to Hide Your Love Away" es una canción de la banda británica The Beatles que fue publicada un 6 de Agosto de 1965 dentro del disco Help! (que también era la banda sonora de la película del mismo nombre).

Para muchos fanáticos de esta banda inglesa, en "Help!" se manifiesta un interesante avance musical para la banda, el cuál tomaría altas revoluciones en el disco siguientes, pero ya en este LP el mensaje estaba más que claro: Los plásticos "Yeah, Yeah" ya no existían, y los Beatles se mostraban más maduros y con influencias musicales muy actuales, como por ejemplo el fanatismo por Bob Dylan.
Sea como sea la trama de la cinta, la banda sonora incluida en este disco es maravillosa, con los cuatro jinetes del rock en su estado puro, dejando de lado los covers y con ganas de experimentar nuevos sonidos y melodías en sus propias creaciones. Ese es un plus importante para el disco, ya que en especial el lado A de este, su quinto trabajo musical, debe ser de los inicios más potentes de un LP en la historia del rock.

Uno de los puntos más altos del disco está en una melancólica tonada acústica compuesta por John Lennon y titulada "You've Got to Hide Your Love Away" . En ella se puede notar de manera fría y calculada que la influencia de Bob Dylan atraía en especial al líder de la banda, que jamás ocultó su fanatismo por este poeta del blues y del rock. Eso sí, mientras Lennon dejaba de lado su alma rockera para dar pasos a misteriosas baladas acústicas con sabor a Folk, al otro lado del "charco", Dylan tiraba su guitarra de "palo" detrás de los escenarios y enchufaba la guitarra eléctrica para actualizar sus sonidos junto a una banda de apoyo y eso le trajo mas que un polémica con sus fans... Pero eso es otra historia.

Pero si viajamos al año 1971, y nos vamos a las páginas de la Rolling Stone, donde se le hacía una interesante entrevista a un renovado John Lennon podemos dar cuenta que la canción era además una rebeldía hacía la industria del Pop de esos años, donde todo era básico y las emocioes se dejaban de lado para dar paso a la fama, los charts y el dinero.

Tal como ya lo venía experimentando en algunas piezas musicales, en esta canción Lennon manifestaba una honestidad a ratos brutal dentro de la lírica. Años después, en una entrevista con Playboy, el músico mencionaría: ""You've Got to Hide Your Love Away" es de mi período "Dylan". Es una de esas piezas que hablan sobre lo triste que te sientes con frases como 'Here I stand, head in hand...' No sé exactamente como y cuando empezó esta idea, pero era algo para reclamar que en realidad soy un perdedor y además ocultó un amor. Pero en vez de proyectar mis emociones, prefiero eso de tratar de expresar lo que sentía en ese momento, algo muy parecido a lo que había hecho en los libros".
Además el músico agrega un sincero homenaje a su ídolo, indicando que " fue con la obra de Dylan que tomé en cuenta que mas allá de discutir o dar explicaciones sobre un tema, simplemente tenías que escuchar sus obras Claro, es que él tenía la actitud del compositor profesional para escribir canciones pop; y que a su vez, lo unía con un cierto estilo de canto para cada single".

Ahora, sobre la temática en sí de la letra, existen muchas especulaciones en torno a ella. Una que suena fuerte, aunque no existen datos verdaderos y fiables, era que Lennon le había escrito esta pieza al manager de la banda, Brian Epstein.
Era conocido en el rubro musical que Brian era homosexual, y que sufría mucho tras no ser aceptado en su familia que era de una talla conservadora. También, muchos investigadores de la leyenda Beatle declaran que el manager sentía cierta atracción por John, y era con él con quien se llevaba más bien. De hecho en un momento dado, específicamente en Abril de 1963, y tras una extensa gira por Europa, John y Brian deciden pasar unas merecidas vacaciones en Barcelona, España.

Una vez que ambos tocaron el suelo de Liverpool, la prensa empezó a especular que la pareja había compartido una experiencia sexual. De hecho, uno de los que asegura esta teoría del viaje a España es Hunter Davies, biógrafo oficial de la banda, quien afirmaría en el año 2006 que "si bien John no era homosexual, hay que recalcar que podía llegar a ser tan tonto como para intentar cualquier cosa por primera vez".

Lo único cierto en todo esto es que lo que ocurrió en ese viaje a España simplemente ambos se lo llevaron a la tumba y no queda nada más que discutir y sacar conclusiones de fantasía. Aunque también existe otra teoría sobre la letra de la canción, y está dada en un caso opuesto, ya que hay ciertos biógrafos que reclaman que esta canción simplemente habla sobre la infidelidad a su mujer de ese entonces, marcada por una reflexión de los excesos quien tiene toda estrella del rock.

En lo que respecta al trabajo en estudio en sí, hay que señalar que "You've Got to Hide Your Love Away" empezó a ser grabada un 18 de Febrero de 1965 en los estudios Abbey Road. En esa ocasión la banda grabó nueve tomas (en una de ellas se corta repentinamente la interpretación debido a que Lennon rompe un vaso), de las cuales seleccionaron sólo dos.

Un detalle importante a considerar de esta pieza musical es que fue la primera canción, desde “Love Me do”, donde los Beatles utilizan un músico invitado. Si en “Love Me Do” la batería estuvo a cargo de Alan White, en esta pieza se invitó al flautista y arreglista musical Johnnie Scott, quien incluyó el fantastico momento de la flauta en la parte final de la pieza.
“Me dijeron más o menos lo que querían, todo tenía que estar en el tiempo de ¾, y la mejor manera de satisfacer sus necesidades fue a tocar una flauta tenor y luego una flauta alto, utilizando la técnica del doblaje. Recuerdo estar grabando frente a los cuatro en el estudio. Me acuerdo de la sonrisa de Ringo, quien regresaba de su luna de miel” mencionaría Johnnie Scott, en una entrevista con el periodista Mark Lewisohn.

Una canción notable, de las que marcaron el cambio musical de la banda y de los 60’s, el cuál dejó a muchas bandas en el olvido, especialmente aquellas que aún creían en el melódico Yeah, yeah…
Que la disfruten!!!!

YOU'VE GOT YOUR TROUBLES / THE FORTUNES

noreply@blogger.com (Jimmy_Jazz) — Fri, 13 Jan 2012 05:45:47 PST

"You've Got Your Troubles" es una canción de la banda británica The Fortunes que fue publicada en Julio de 1965, y que catapultó a la fama a esta agrupación "beat" de Birmingham.

La historia de esta banda empieza en 1963, cuando el sello Decca los reclutó tras una larga sesión de audición (tal como leen, el mismísimo sello que por tener la diea de que las bandas con guitarras eran poco comerciales rechazó meses antes a The Beatles, y que ya en esos días se daba cabezazos contra la pared por su fatal decisión).
Fundada bajo el nombre de The Cliftones por el bajista y cantante Rod Allen y el guitarrista Glen Dale, estaba además estaba comformada por Barry Pritchard en guitarras, David Carr en teclados y Andy Brown en batería, y juntos lograron llevar a cabo un sonido Pop ligero pero eficaz que fue escuchado mas allá del territorio británico, siendo figuras principales en lo que se conoció como la "invasión británica" al mercado musical estadounidense a medidados de los 60's.

Otro detalle musical que jugaba a su favor le daba a la banda era tener de aliados a la pareja de compositores formada por Roger Greenaway y Roger Cook , ambos se convertirían en expertos en la elaboración de joyas Pop dentro de la escena musical britanica y con un curriculum lleno de elogios y premios.
Una de las primeras canciones que escribieron juntos esta aclamada dupla fue "You've Got Your Troubles", una canción con hecha en Birmingham pero que tenía aires musicales a Liverpool, en especial al fenómeno del "Mersey Beat", del cuál compartian detalles en común. Y estaba mas que claro, en ese entonces la batuta la llevaba The Beatles y detrás de ellos se unían muchas bandas británicas imitando fielmente el estilo (esas duraron un par de años) y otras llevándolo mas allá, e incluso experimentando nuevas técnicas e influencias varias (como es el caso de Fortunes).

Sobre las influencias musicales y los secretos de esta canción, el señor Roger Cook mencionó en el libro 1000 UK #1 Hits ( de Jon Kutner y Spencer Leigh, y altamente recomendado!) que "no hay músico en Inglaterra que no haya aprendido o imitado algo de The Beatles. Pero me gustaría creer que fueron ellos los que tomaron algunos trucos de nosotros. Recuerdo que Roger Greenaway y yo escribímos la melodía, con la idea en la mente de sacar algo que no haya sido escuchado en años anteriores. Lamentablemente, pocas semanas después aparecieron los Beatles con "Help!" y eso nos jugó muy en contra".

Sin embargo, la canción contiene detalles musicales notables, como el incluír una sección de bronces entre medio, y un juego vocal de alta calidad, que deja al oyente muy sorprendido y le dá un toque especial a la pieza.
Esos detalle hicieorn que la canción llegara a la casilla #2 del UK Singles charts y que además empezaran a sonar fuerte en los Estados Unidos, donde escalaron hasta la casilla #7, siendo una gran sorpresa para los agentes británicos, quienes vieron con buenos ojos el andar de este quinteto.

En esa época, muchas bandas británicas estaban muy aliadas a las radios piratas, la cuales le ofrecian mejores garantias de reproducir sus singles y además formaban parte de la onda Mod, donde el sector juvenil se concetraba de mejor manera.
"You've Got Your Troubles" fue enviada por The Fortunes a una emisora pirata llamada Radio City, cuyo operario era el señor Tom Edwards, quienes empezaron a tocar la pieza con un mensaje oculto detrás, el cuál sólo entendían los radioescuchas: Contenía una señal de socorro, que indicaba que la estación radial necesitaba de manera urgente ayuda para seguir en el aire.

Este sería su primer hit mundial, y ademas con esta canción pudieron mantenerse en las pistas comerciales hasta 1967 cuando deciden romper con Decca e irse a United Artist, donde empezaron con un tibio debut y terminaron perdidos en aguna parte d elos charts, debido a que la música Pop iba cambiando, y su estilo melódico simplemente iba en decrecimiento.
En los 70's, y tras varios cambios en su formación la banda firma con Capitol, y tras tres singles exitosos se les pierde la huellla, aunque siguen girando por el mundo demostrando que los 60's nunca mueren.
En fin, una canción retro para empezar el día de buena forma, y recordar que los 60's fueron la base fndamenta para el rock y el Pop, donde las influencias casi se hacen infinitas.
Que la disfruten!

DECEMBER, 1963 (OH, WHAT A NIGHT) / THE FOUR SEASONS

noreply@blogger.com (Jimmy_Jazz) — Thu, 12 Jan 2012 09:08:56 PST

"December, 1963 (Oh, What a Night)" es una canción de la banda estadounidense The Four Seasons, que fue lanzada como single en Diciembre del año 1975 promocionando su LP Who Loves You. Este trabajo musical traía de vuelta a esta mítica agrupación de Nueva Jersey que hizo de las suyas en los 60's gracias al talento musical de los aclamados compositores Robert Gaudio y Bob Crewe.

Para este disco, lanzado en Noviembre de 1975, la banda tuvo una leve alteración de sus componentes originales, por ello la versión "1975" de los Four Seasons entraba a la cancha con John Paiva en guitarra, Don Ciccone en bajo, Lee Shapiro en teclados y Gerry Polci en batería, dejando en voz principal al talentoso Frankie Valli, dueño de un fino falsete, el cuál muy caracteristico para la historia de la banda.

Esta canción fue escrita por Bob Gaudio, quien había sido tecladista de los FS pero dado su impulsivo trabajo musical se dedicaría de mejor forma a la composición de melodías para su banda y otras mas. Pero la "rola" tan original no era, ya que tomaba ciertos acordes de un cántico muy coreado en la epoca final de la polémica "Prohibición" que cayó sobre Estados Unidos en 1920 y que declaraba de ilegal vender bebidas alcohólicas a todo público. Ese canto llevaba por título "December 5th, 1933".

Obviamente, la temática de la rola no iba a ir por el lado de exigir la libertad de las bebidas alcoholicas y para ello Frankie Valli decidió trabajar la letra con la compositora, y novia de Gaudio, Judy Parker.
De hecho se cuenta que Valli, con su fiel pelaje de detallista impulsivo, casi se cae de espalda con la versión demo y que le mandó de vuelta las cintas a Gaudio con una lista de los pasajes melódicos que tenía que depura, o sino no sería un hit como ya tenían pronosticado. Finalmente terminó como una canción de amor, pero de esas que llaman a la nostalgia, donde la historia da vueltas en un muchacho que no puede olvidar a su primer (y quizás único) amor.

Eso sí, algunas frases de la pieza musical tiene ciertas insinuaciones sexuales, las cuales fueron muy revisadas por los productores de las radioemisoras de caracter conservador, antes de ser lanzada al mercado. Tiempo después, sería el mismísimo Frankie Valli quien contaría la verdad de la trama de la letra, y no tuvo tapujos en decir que "December, 1963 (Oh, What a Night)" trataba sobre " la pérdida de la virginidad", en donde ese hombre recordaba su debut en las pistas del amor. En esa misma entrevista el cantante también menciona que la temática tiene cierta relación con el éxito de The Shirelles llamado "Will You Love Me Tomorrow".

Una vez que la lanzaron como single, la canción empezó a tomar fuerza en las radios, y ya el 21 de Febrero de 1976 legaba el primer galardón: Llegó al primer puesto del UK Singles Chart. Pero eso no era todo, ya que no tuvieron que ni esperar ni un mes (específicamente fue el 13 de marzo) para enterarse que la canción también lideraba el Billboard Hot 100, quedando esta pieza musical como el quinto y ultimo "number one" de esta emblemática banda que supo adaptar sus acordes a los cambios culturales de dos décadas muy especiales.
Que la disfruuuten!

THE TIDE IS HIGH / BLONDIE

noreply@blogger.com (Jimmy_Jazz) — Mon, 09 Jan 2012 16:32:58 PST

"The Tide Is High" de la banda New Wave estadounidense Blondie, que fue lanzada como single en marzo de 1981 y que está incluída en Autoamerican, su quinto y llamativo LP de estudio, musicalmente hablando, publicado en Noviembre de 1980.
Para la fanaticada de este mítico grupo neoyorkino, comandado por la bella y talentosa Deborah Harry en voz, el cambio de década golpeó fuerte en la banda y su potente estilo musical de guitarras afiladas y locura Punk se vió en un fuerte cambio con la salida al mercado de "Autoamerican", que dejaba un rato el rock para dar un fuerte paseo por la música Reggae y el Rap, dos estilos que se estaban tomando los diales de las radios en ese entonces.

La historia cuenta que por esos días de 1980 en que la banda preparaba el material de su nuevo disco en los United Western Studios, en Hollywood, Debbie Harry y el guitarrista Chris Stein se hicieron fanáticos a rabiar de la banda británica de Ska The Specials, y tanto fue su gusto por esos sonidos urbanos que incluso pensaron en hacer un cover de alguna pieza de esa banda, pero finalmente por problemas con el sello y por las pocas ganas que pusieron los demás integrantes d ela banda decidieorn dejar todo en un simple proyecto en el olvido.
Pero el camino ya estaba marcado, y el gusto de experimentar nuevos sonidos ya era un buen deporte musical para Blondie.

Harry y Stein quedaron tan agusto con los sonidos jamaiquinos, que decidieron empezar a investigar sore ese estilo musical y a conseguir discos emblemáticos de ese maravilloso género musical de la Isla. Entre esos discos que fueron comprando y recopilando dentro de las giras por el Reino Unido, encontraron un single que tenía como año de publicación 1967 y que estaba a nombre de la banda jamaiquina The Paragons, donde estaba incluída una interesante pieza llamada "The Tide Is High", la cuál dejó impresionados a los dos miembros de Blondie.
Oriundos de Kingston, este experimentado trio musical formado por Garth "Tyrone" Evans, Junior Menz y John Holt encontró la fama musical gracias a esta canción.
Escrita por Holt durante su infancia, y bajo la producción del maestro Duke Reid, esta pieza musical causó furoro por toda la isla y gran aprte de centroamérica, en especial por un distorsionado violín que dá inicio a la rola y que fue interpretado por el popular músico "White Rum" Raymond.

Si Blondie andaba en busca de un buen cover, aquí tenían una buena canción para hacer historia y modificar bajo sus acordes tan particulares.
Una vez que los demás integrantes de la banda dieron el sí a la canción, Harry decidió mantener los toques de Jamaica, y para ello reclutó a tres percusionistas que se "peinaban" en ese estilo musical. Sobre ese efecto sonoro de la percusión, el guitarrista Chris Stein comentó que eran "8 pistas donde esos tipos tocaron sobre la cubierta de un piano".

Su versión de "The Tide is High" era una obra Pop de alta claidad, e incluso Harry la definía como una canción " poco cínica". es que en ella, la dulce y apasionada voz de Debbie navega en un manto musical muy innovador, donde el reggae y el ska toman un sonido muy distintivo.
Por ello, los resultados del single en las listas fueron tan exitosos: Llegó al primer puesto del Billboard Hot 100, lo mismo pasó en el UK singles chart, mientras que en Australia y Alemania llegó a la casilla #4 y #5 respectivamente. Como se pueden ercatar estmaos frente a un hit de alta sproporciones para esta mítica banda.

Pero eso no es todo, ya que fue tanto el impacto de este single, que otros músicos también sintieron mucho interés sobre esta "rola" y uno de ellos fue el gran John Lennon. Esto se supo gracias a una entrevista que en el 2006 le hizo la Rolling Stone a Sean Lennon, hijo del Beatle, donde dijo: "Mi padre tenía un viejo Wurlitzer en la sala de estar de nuestra casa ubicada en Long Island donde escuchabamos mucho a Elvis y The Everly Brothers. Pero recuerdo una tarde en que lo sorprendí escuchando 'The Tide Is High "de Blondie, que en ese tiempo estaba sonando constantemente en las radios. Por eso, cada vez que escucho esa canción, veo a mi padre, sin afeitar, con el pelo recogido en un moño, bailando de aquí para allá , con unos pantalones cortos gastados y conmigo a sus pies, haciendo mi mejor esfuerzo para coordinar los pasos de baile "

Que la disfruten!

MERCY, MERCY ME (THE ECOLOGY) / MARVIN GAYE

noreply@blogger.com (Jimmy_Jazz) — Sun, 08 Jan 2012 07:43:16 PST

"Mercy Mercy Me (The Ecology)" es una canción del músico y cantante estadounidense Marvin Gaye que fue lanzada como single un 10 de Junio del año 1971 promocinando su joya musical llamada "What's Going On", uno de su Lp's mas famosos y que mejroes críticas se llevó por parte de la prensa que la dejó cmo uno de los trabajos discográficos escenciales para la historia del Soul.

Considerado una figura esencial para el Soul, y uno de los protagonistas de la historia musical del sello Motown, Marvin empezó como baterista de sesión por los inicios de los 60's y terminó como una leyenda de esa casa discográfica y de la música estadounidense, que lamentablemente tuvo un triste final al ser asesinado de dos disparos a quema-ropa por su propio padre en plena discusión familiar. Pero su leyenda se hace eterna, y en discos como "What's Going On" (1971), un trabajo conceptual que lo alejaba de su carisma de baladista romántico y que contiene serios tintes políticos, pacifistas (manifiesta su odio a la Guerra de Vietnam) y crítica social (sobre el racismo, y el poco cuidado del medio ambiente) y que casi fue censurado por su sello, lo dejaron en la palestra de los personanajes mas valientes dentro de la escena musical de esos duros años.

Tal como mencionamos, este trabajo musical de Gaye era una bomba poética que incluía mucha critica a la sociedad, y en especial al actuar del ser humano frente a su contexto. Por ello, es que dentro de su magnífico repertorio musical encontramos una canción que habla y reflexiona sobre el cuidado del medio ambiente, y la obligación que debiera tener el hombre para cuidar su contexto.
Para adentrarnos en la historia de esta maravillosa canción, es necesario saber en qué andaba pensando Gaye por esos días, y la respuesta la dió recien en el año 1976 cuando en una entrevista radial el músico reconoció que por esos años andaba en una búsqueda espiritual y que todo tenía que estar relacionado sonidos. "Empecé a estudiar las obras de Don Juan y de Carlos Castaneda. Mi idea de vida es dar y recibir amor, como si fuera un impecable guerrero, y eso no tiene ninguna relación con cosas tan desechables como el vino, las mujeres, la ropa y los diamantes, y todas esas cosas que nos gustaría tener. Decidí perderle el gusto a esas cosas y simplemente estar interesado en adquirir nuevos conocimientos y el poder capturar toda la energia que la Tierra nos regala. Todo esto es fácil, solo debes poner tiempo y esfuerzo, nada más" diría Marvin Gaye en esa mítica entrevista.

Por ese entonces, el artista pasaba por momentos muy duros, y una de las causas principales causas fue la repentina muerte de su amiga y colega Tammi Terrell, que lod ejó muy descolocado, e incluso pensó en retirarse del plano musical por una fuerte depresión que esto le había llevado.
Debido a eso, Marvin empezó a buscar un nuevo destino espiritual, y de ello vino la inspiración para este disco. Por ello, se tomó un breve descanso del mundo del espectáculo y se metió de lleno en los libros con el fin de entender el por qué de muchas cosas que pasaban en el mundo.
Para ello, su filosofía de vida era buscar el poder que tenían las cosas simples, y todo lo que nos rodeaba, ya que esas cosas nos transmitían energía y buenas sensaciones. "El poder está aquí, está en las rocas, está en el aire, en los animales. Hay hombres inteligentes que deberían tomar esas fuerzas y esos elementos para entender las maravillas de esto y los misterios. Me gustaría ser un hombre poderoso, y me gustaría usar todo ese poder de una manera buena" mencionaría el cantante en esos años en que el disco ya era alabado por la prensa.

De esa manera Gaye escribe "Mercy Mercy Me (The Ecology)", que sería uno de los himnos al medio ambiente, con una clara propuesta espiritual.
Musicalmente la pieza es una joya Soul con Gaye al piano y en voces, con arreglos de cuerdas hechos por Paul Riser y con la sólida interpretación musical a cargo de The Funk Brothers, la histórica banda de sesión de la Motown. Juntos le dieron vida a la sincera "Mercy Mercy Me (The Ecology)" que contenía rigurosos tintes pegadizos ligados al Pop, un saxofón con aroma a Jazz (interpretado por el famoso Wild Bill Moore) y con una estructurada interpretación vocal notable donde la improvisación juega un papel fundamental), siendo uno de los puntos altos de esta joya que no contiene coro.

Pese a que Gordy, el dueño de la Motown, había declarado que "Mercy Mercy Me (The Ecology)" no tenía na esctructura comercial y que de seguro sería un fracaso musical para el artista, las cifras reales dijeron otra cosa: Llegó a la casilla #4 on Billboard un 14 de Agosto de 1971 y se mantuvo una semana en ese puesto llegando a ser un exito de proporciones altas para este gran artista.

Una canción para reflexionar, en días de calentamiento Global y tanta locura económica en el mundo...
Que la disfruuuten!

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BABY LOVE / THE SUPREMES

noreply@blogger.com (Jimmy_Jazz) — Fri, 06 Jan 2012 08:22:49 PST

"Baby Love" es una canción del grupo estadounidense de Pop y Soul The Supremes, que fue lanzada como single un 17 de Septiembre de 1964 y que está incluída en el LP "Where Did Our Love Go", segundo trabajo de estudio de este famoso trio femenino.

Integrado por Diana Ross, Florence Ballard y Mary Wilson, este conjunto vocal causó gran sorpresa a mediados de los 60's por su interesante repertorio, experimentaciones varias y una el carisma dentro del escenario, en especial el talento de Ross como interprete. Estas tres chicas se conviertieron en una de las joyitas del sello Motown, la máquina discográfica liderada por el Berry Gordy que fue de vtal importancia para el Pop ya que promocionó de buena forma la música negra por todo el mundo con verdaderos clásicos musicales.

Si había algo que caracterizaba muy bien a la Motowon era la calidad de sus compositores, que en la mayoria de los casos demostraba su talento tomandose del brazo de lo comercial y poniendo un cierto grado de influencias notables de otros estilos mas lejanos. Uno de los equipos de compositores mas codiciados en el mercado era el quee staba formado por Lamont Dozier y los hermanos Brian y Edward Holland, quienes simplemente firmaban sus creaciones con la sigla "H-D-H", que era su sello distintivo y que los hacía notar de inmediato.

A mediados de 1964, The Supremes preparaba su segundo ataque musical con el fin de que esta vez sí o sí entraran a pelear puestos en los charts. Tras un pálido comienzo en los charts, donde Berry Gordy se las dió de compositor y productor a la vez, los ánimos se fueron muy abajo, y el proyecto "Supremes" tenía que ser nuevemante retocado.
Para este segundo tiempo, Gordy dejó de lado su lado de compositor y decidió que las canciones fueran hechas por el trío H-D-H, quienes no se mostraron muy a gusto con la idea ya que estaban hasta la "coronilla" con otras bandas y lo unico que querían era aunque sea un momento de relajo. Y no estamos exagerando, ya que en esas fechas los tres compositores eran casi tratados como esclavos por el jefe, quien les enviaba todo artista que apareciera en la puerta del sello, y a veces tenían que escribir dos o tres canciones al día y en cuestión de semanas tenerlas listas para ser publicadas. Por ello, en un principio trabajar con The Supremes no era algo que les cayera bien, y las protestas no esperaron mucho...

Una vez que le encontraron el camino musical al grupo, la terna de compositores empezó a crearles el material musical, y eso no fue una tarea ta fácil. Uno de los primeros en tomar la batuta musical fue Lamont Dozier quien llamó a Edward a una sala desocupada donde escribieron una letra que hablaba sobre un amor adolescente, aunque en un tono bastante inocente, e incluso cursi, pero eran los 60's. Tras tener la idea básica de la letra, Dozier corrió donde Brian, quien se econtraba frente a un piano ideando una melodía que encajara matemáticamente en el estilo que estaban buscando para la banda. En cuestión de horas Brian y Lamont tenían lista la canción, que tenía ciertos acordes muy parecidos al primer single que la terna de compositores le había creado a la banda: La llamativa "Where Did Our Love Go" .

Una vez que tenían ya casi lista la pieza, en la primera semana de Agosto de 1964, los compositores decidieron llamar a la famosa banda de sesión, que trabajaba para el sello, llamada The Funk Brothers quienes se hicieron a cargo de la parte instrumental de la rola.
Una vez que tenían depurada la pieza con los músicos de sesión, fue la hora de llamar a la cancha a las Supremes, quienes llegarond e inmediato a grabar e incluso llevaron algunas ideas para adornar la pieza. Por ejemplo, Ballard y Wilson idearon unas llamativas improvisaciones vocales para acompañar la voz principal, que estaba a cargo de Ross.
Antes de grabarla de manera formal, todo registro Motown tenía que pasar por el control de calidad impuesto por Gordy. Por eso, una vez que la canción le fue enviada a su oficina, el jefe del sello empezó a analizarla de manera comercial y la encontró algo monótona y poco viable para llegar a la cima d elos charts. Por ello, Gordy decidió que la banda volviera al estudio y le agregara un nuevo intro a la pieza musical utilizando esas improvisaciones vocales desde un inicio. Ese detalle marcó a la canción...

Finalmente The Supremes y compañia grabaron "Baby Love" un 13 de Agosto de 1964, y en Septiembre ya estaba en las disqueras. Pero recien el 31 de octubre de ese año la canción logró llegar al primer puesto del Billboard Hot 100, donde estuvo cuatro semanas estacada en ese lugar y con buenas críticas por arte d ela prensa.
Pero eso no era todo, ya que en el Reino Unido la canción fue un furor en ventas, y llegó al primer lugar de UK Singles charts, convirtiendo a las Supremes en el primer grupo femenino estadounidense en lograr ese acto.

A partir de ese momento el emblema de la Motown eran estas tres chicas que habían firmado un contrato por allá en el año 1961 cuando aún no tenían muy claro que estilo musical interpretarían.
Con el paso de los años cederían mas protagonismo a su compañera Diana Ross, y tras 12 hits que llegaron al primer puesto de los charts estadounidenses dejarían un legado musical muy importante para los 60's .
Que la disfruuuuten!

LOVIN' YOU / MINNIE RIPERTON

noreply@blogger.com (Jimmy_Jazz) — Thu, 05 Jan 2012 10:22:31 PST

"Lovin' You" es una canción de la cantante estadounidense Minnie Riperton, que fue publicada el 13 de Enero del año 1975 y además está incluída en el LP Perfect Angel, que es considerado por los especialistas como el disco mas escencial de la corta pero fructífera carrera musical de esta talentosa cantante dueña de una voz muy especial, donde destacaba su efecto "silbído".

La historia musical de Minnie empieza desde su infancia en su natal Chicago, cuando tras probar suerte en el ballet clásico encuentra su verdadera vocación en el coro de su colegio, donde de inmediato empezó a destacar sobre el resto.
Años después, específicamente en 1961 y con tan sólo 16 años, su sorprendente voz la lleva a firmar su primer contrato como profesional del canto para formar parte de una banda femenina llamada "The Gems", donde obtiene un mediano éxito con algunos singles, pero también deja un legado importante en ese paso por el Pop: Demostró que su potencia vocal llegaba hasta las cinco octavas. Esa característica la hizo merecedora de muchas beunas críticas. Pero sus ganas de llegar a triunfar en la escena musical no paraban, y asi fue como en 1968 llega a ser la voz principal de la banda "The Rotary Connection", que mezclaba el Soul con los efectos psicodélicos, regalando un repertorio muy notable e interesante para la crítica. Al año siguiente, Minnie se casa con el productor de la banda, el señor Richard Rudolph, y ambos deciden emprender, de forma paralela al trabajo de la banda, una carrera en solitario para la cantante, que empezó en 1970 con la edición de su primer LP titulado Come to my garden, el cupal tuvo ua buena recepción y fue el pilar fundamental para lograr algo grande.

Tras hacer una breve pero exitosa promoción al disco par aluego continuar el trabajo con la banda, en 1974 los Riperton y su esposo decidieron ir en busca de influencias musicales a Los Ángeles, en donde conocieron nada más ni nada menos que al gran Stevie Wonder, quien invitó a Minnie a participar como corista en dos piezas de su disco Fulfillingness' First Finale. La cantante puso su voz en las canciones "Creepin'" y "It Ain't No Use", y de paso logró que el músico le "devolviera la mano" aceptando la idea de co-producir su segunda placa que estaba preparando pero que ya en ese entonces tenía título: Perfect angel.

En ese disco que ya estaban preparando, había una balada escrita por Riperton y Richard Rudolph llamada simplemente "Lovin' You", la cuál era usada como canción de cuna para hacer dormir a su pequeña hija llamada Maya (si señores, la que hoy es comediante en el programa Saturday Night Live ). De hecho en la parte final de la canción se puede escuchar a Minnie cantar "Ma-ah-aha aha--ah-ya."

Musicalmente esta canción destaca por su simplicidad, que era una de las caracteristicas mas aplaudidas de todo el repertorio de Minnie Riperton. Y en esta balada su amor de madre, bajo una hermosa capa musical cubierta por un piano eléctrico y unos suaves acordes de guitarra acústica hacen de la canción una joya de alto impacto.
De hecho, y para mantener la magia con que apareció la canción, a la hora de grabar la canción Minnie decidió llevar a su hija al estudio y cantarle directamente a ella, con el fin de captar todas esas sensaciones, mientras Stevie Wonder apoyaba en la producción y además incluía su voz en los coros. Ese era el secreto de "Lovin 'You" .

Pero como simepre, tenía que aparecer un problema. Es que semanas antes de lanzar el disco, Riperton recibió una carta del sello Tamla Motown que le anunciaba que el señor Stevie Wonder no podía aparecer en los créditos, debido a que él participaba activamente en el trabajo de ese sello y eso traeria problemas contractuales donde incluso podían llegar a tribunales. Por ello, Wonder decidió usar un apodo en los créditos del disco y del single que saldría pronto. Su nombre ficticio era "Black Bull Productions", que estaba inspirado en el signo zodiacal del cantante (es taurino).

El 5 de Abril de 1975 fue un día muy especial para la cantante, ya que fue la fecha en que "Lovin' You" llegó a la cima del Billboard Hot 100 (donde estuvo por cuatro semanas), siendo la canción que la elevó al éxito absoluto. Semanas después las buenas noticias llegaban desde el reino Unido, donde la dulce balada llegó al segundo casillero del UK Singles Charts. Y asi fue apareciendo la canción en varios paises y cupando los primeros puestos en venta, mientras que las radios hacían su tarea de reproducirla en su parrilla programática.

La canción llamó de inmediato la atención de los medios, quienes siempre que entrevistaban a la cantante trataban de sacar pistas sobre los efectos sonoros que rodean a la canción, en especial por ese pájaro que canta alegremente en el fondo durante casi toda la canción. Tantas veces le preguntaban sobre ese detalle, que en una de esas entrevistas Minnie respondió que simplemente esa ave salió por error, ya que solamante figuraba en la versión demo pero que quedó en la cinta original de manera casual, y además racalcó que no usaron ningun "plumífero", sino que fue hecho con su propia voz, ya que además tenía un talento especial para imitar varios sonidos.

En fin, les dejamos una de las canciones mas famosas de los 70's y de la carrera de Riperton, quien lamentablemente un 12 de Julio de 1979 dejó de existir a causa de una fuerte lucha contra un cáncer de mamas, que finalmente la dejó como una de las leyendas del Soul.
Que la disfruten!

WATERFALLS / PAUL McCARTNEY

noreply@blogger.com (Jimmy_Jazz) — Tue, 03 Jan 2012 18:31:22 PST

"Waterfalls" es una canción del músico británico Paul McCartney que fue lanzada como single un 13 de Junio del año 1980 y fue incluída en su disco McCartney II, trabajo musical que traía nuevamente al ex-Beatle como solista tras tomar la dura decisión de romper con los Wings.

"McCartney II" viene a ser el tercer disco firmado solamente por Paul, y es un disco muy raro debido a que parte del repertorio musical está formado solo por improvisaciones en el estudio de grabación que hizo de manera casera tras descubrir las ventajas del sintetizador a la hora de componer. A pesar de ello, las canciones mas elaboradas tomaron muchas buena scríticas, y eso hizo que el disco tomara muchas fuerzas y fuera reconocido con buenas ventas a pesar de ser catalogado friamente como "experimental" por la prensa.

La historia cuenta que a mediados de Junio del año 1979, McCartney tenía varias pistas grabadas y listas para ser depuradas en el estudio. Entre esas piezas se encontraba una delicada balada llamada "I Need Love" que fue escrita durante las sesiones de grabación del disco "Back To The Egg", que fue la ultima placa comercial en la vida de los Wings.

Para revitalizar las sesiones de grabación y tras grabar ocho canciones instrumentales, un aburrido Paul decidió empezar a trabajar nuevamente esta canción y empezó por cambiarle de inmediato el título, ya que la encontraba muy común y corriente esa frase. Asi fue como pasó a ser titulada como "Waterfalls". " Se me vino a la cabeza esas imágenes de cascadas y hermosos lagos que uno veía en los afiches turísticos de América. Por eso se llama así" declaró el ex-Beatle en una entrevista.
Pero "Waterfalls" tambien era el nombre con que bautizó a una cabaña que compró por una alta suma de libras en Junio de 1974 a los alrededores de Rye, en Sussex, donde tenía varias hectáreas con cultivos de hortalizas y una gran variedad de animales pastando.

El segundo paso era cambiar la temática de la letra, y un aplicado como Paul se tomó tan en seio la cosa que empezo de inmediato a idear prosas, pero el resultado final siempre era de mal gusto para el autor. Si bien no le tenía fé a la letra original de la balada, Paul tuvo que adaptar solo frases de ella, ya que sus ideas estaban bloqueadas y los nuevos escritos simplemente los decribiría años mas tarde como "letras intestinales, puros vómitos". Finalmente tuvo que dejar la parte lírica original dela canción, con uno que otro arreglo.

Asi fue como la primera semana de Julio de 1979 Paul decidió grabar esta canción simplemente usando un piano eléctrico para compañar su impecable interpretación. Posteriormente, y muy al estilo George Martin, el músico compuso un arreglo orquestal usando un sintetizador, con el fin de adornar su balada con aroma a campo y a dia soleado.

Que fue registrado inicialmente con voz y piano eléctrico, y una parte de cuerdas sintetizador era overdubbed posteriormente. El arreglo simple reflejo de la naturaleza conteplative de letra de la canción, aunque McCartney revela más adelante que él sentía que underproduced. Citó Cataratas, junto con todas las noches desde el álbum de McCartney, como una de las canciones que se fueron remake que volver a examinar los de su pasado. "Con un sintetizador logré el efecto de un cuarteto de cuerdas imaginandome a una orquesta que estaba tocando de manera alocada sobre los Alpes Suizos. ¡Y funcionó!" declararía Paul sonre el resultado final de su canción, que lo traía nuevamente a su pasado Beatle, donde se licenció con nota máxima de baladista profesional en la industria del Pop de verdad.

Con una letra que demuestra una visión del amor de una persona madura y con muchas caídas en la vida, esta balada quedpo como una de las canciones mas aplaudidas dentro de la carrera solista de este musico inglés. Macca describía la temática de esta balada como "esas cosas que ocurren cuando pasas la barrera de los 30 años".

Un viernes 14 de junio de 1980, y bajo el sello Parlophone, era publicada sólo para el Reino Unido el single que incluía a esta canción y que llegó a la novena posición de los charts. Para el resto del mundo, la canción fue publicada recién el 22 de julio, pero no tuvo el mismo éxito que en sus tierras natales, ya que, por ejemplo, en Estados Unidos la canción no alcanzó ni a entrar en el Billbaord Hot 100.
Pese a todo, esta balada con el tiempo fue tomando fuerzas y quedó como una pieza clásica dentro del repertorio de este extraordinario músico inglés que es considerado uno d elos genios de la música popular del Siglo XX

Quela disfruten!!!!

GOING UP THE COUNTRY / CANNED HEAT

noreply@blogger.com (Jimmy_Jazz) — Mon, 02 Jan 2012 10:05:29 PST

"Going Up the Country" es una canción de la banda norteamericana de Blues-rock Canned Heat, que fue lanzada como single en Septiembre del año 1968 y que además fue incluída en el disco "Living The Blues", un interesante disco doble lanzado por la banda en Noviembre de 1968 y que contaba con la participación de personajes del blues y del buen rock como John Mayall, Joe Sample o Dr. John.

Amantes del buen blues, notables coleccionistas de vinilos de música negra e historiadores de la pre-historia del rock, Alan Wilson (guitarra, armónica y voz) y Bob Hite (armónica y voces) decidiern emprender rumbo en el camino musical en el año 1965 cuando se les unieron el guitarrista Henry Vestine, que había sido integrante de The Mothers of Invention, la banda de Frank Zappa, luego apareció Larry Taylor en el bajo (quien también había sido integrante de los Monkees) y el baterísta Frank Cook, quien después le cedería su puesto a un talentoso percusionista mexicano llamado Adolfo "Fito" de la Parra. Juntos formaron "Canned Heat", que provenía del titulo de una pieza musical que data de 1928 y que pertenecía al famoso blusero Tommy Johnson.

Inspirado en un viejo blues llamado "Bull Doze Blues", del aclamado músico Henry Thomas, el señor Alan Wilson (quien era el compositor principal de la banda) dió vida a punta de guitarra acustica a una pieza musical que causaría furor en la primavera Hippie, ya que hablaba del amor a la naturaleza y la libertad de vivir en un mundo simple y unido.
Con el fin de incluírle una llamativa parte de flauta (que era la copia de la versión original nada más), Wilson se puso en contacto con el multi-instrumentista Jim Horn, quien tenía un curriculum musical muy extenso, en especial por su papel de saxofonista donde incluía delicados trabajos en piezas musicales de los Rolling Stones, Paul McCartney y hasta con The Beach Boys.

La canción fue todo un hit en los Estado Unidos, ya que llegó al puesto #11 del Billboard Hot 100 y un año después volvería a retomar fuerzas en los charts tras ser incluída en la banda sonora del histórico espectaculo musical de Woodstock, donde la banda tocó un sábado 16 de Agosto logrando sacar buenos comentarios, y además logró dejar un himno para el evento, tras interpretar de buena manera su ya clásica "Going Up the Country" (con un solo de guitarra de 10 puntos).
La historia cuenta que la banda llegó a ese escenario sin ningun ensayo en el cuerpo, ya que estaban preparando su nuevo material en el estudio de grabación cuando les llegó la invitación a participar de este evento. Sobre ese momento, Bob Hite mencionó en una entrevista de 1974 que "solamente teníamos un par de días para ensayar, asi que pescamos nuestros equipos y nos fuimos a la carretera y luego a tocar, lo cuál ya era increíble. Nuestra actuación en Woodstock fue sólida, aunque hubo un par de canciones que no sonaron tan bien y una de ellas fue 'Going Up The Country' ".

En fin, una canción notable, que fue parte de la banda sonora del mundo Hippie y su primavera de flores multicolores para cmabiar el mundo y hacerlo girar de otra postura, más humana y ma sligada a lo simple.
Una canción memorable!
Que la disfruten!

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I'VE GOT A FEELING / THE BEATLES

noreply@blogger.com (Jimmy_Jazz) — Sun, 01 Jan 2012 14:09:40 PST

"I've Got a Feeling" es una canción de la banda británica The Beatles, que fue publicada dentro del polémico disco Let It Be (lanzado en mayo de 1970).

En este disco, y como forma de lograr lubricar nuevamente las relaciones personales entre los integrantes, el grupo decide volver a lo básico, es decir, retomar los acordes del blues y del rock and roll con el fin de retomar la magia perdida con el paso de los años a causa de temas internos y también externos. Por ello, este desordenado disco cuenta con una sobre-producción en manos de Phil Spector, quien hizo lo que pudo con esasviejas cintas que The Beatles había dejado como registro de sesiones entre 1968 y 1970, las cuáles serían el soundtrack de la cinta-documental del mismo nombre.

En medio de toda esa tormenta, los dos cerebros de la banda, Paul y John, habían retomado sus fuerzas creativas y habían decidido volver a trabajar juntos cad auna de las canciones, con el fin de mostrar unidad y de dejar muy en claro que la banda no estaba en sus tiempos finales. La ultima vez que estos dos músicos habían unido fuerzas creativa sen una canción fue en la creación de la "rola" "Baby You're A Rich Man".
Por ello, y a finales del año 1968 Lennon y McCartney empezaron a crear material de manera activa en la casa del bajista, ubicada en Cavendish Avenue, en Londres.

Gran parte de la canción fue escrita por Paul McCartney, quien ya tenía una idea bordada y que estaba inspirada en el gran amor que le tenía a Linda Eastman, mujer que le cambió la vida y con quien se casaría recién en marzo de 1969. Por ello, esta rockera pieza iba con dedicación especial hacía su futura esposa.
Por otro lado, y en un contraste muy llamativo, Lennon no la estaba pasando muy bien, debido a que pasaba por un momento muy delicado tras la dura separación legal con Cynthia, su primera esposa, y que llevó a que fuera separado de su hijo Julian. Además, en esos días el músico estaba naufragando en un mar de heroína y su fuerte adicción ya lo tenía algo podrido y cansado. Pero eso no era todo, ya que su nuevapareja, la polémica Yoko Ono, había sufrido la pérdida de su embarazo a causa del stress de haber sido arrestados por poseción de marihuana en un sorprendente rastreo que ya se había "echado" a las rejas a varias estrellas de rock.
Por eso, es que a la positiva letra de McCartney en "I've Got a Feeling" se le incluye frases de una canción escrita por Lennon durante las grabaciones del album Blanco, llamada "Everybody Had a Hard Year", que era un constraste natural a lo que hablaba el inocente Macca, y que estaba inspirada en esos duros momentos que estaba pasando por esas fechas .

Tal como lo hicieron en varias ocasiones, en especial en la obra magna lamada "A Day In The Life", ambos talentosos compositores unieron sus ideas, sus acordes y formaron una canción de alta calidad, y de una potencia musical muy notable, que la tiene como una de las canciones mas aplaudidas de esa etapa Beatle.

Un 22 de Enero del año 1969, y en las duras y cansadoras sesiones de grabación que se llevaron a cabo en los Twickenham Film Studios, The Beatles graban "I've Got A Feeling" con un invitado de lujo para apaciguar las aguas: Billy Preston en teclados (quien posteriormente grabaría esta canción con Harrsion y Clapton en guitarras).
Al otro día, la banda retomó la canción y la volvió a grabar, pero esta vez de manera definitiva y lista para ser interpetada en vivo. Pero Paul y John aun no estaban ciento por ciento a gusto con la canción, y decidieron volver a retocar algunos detalles entre el 27 y 28 de Enero, pero finalmente fue retocada el día 30 de ese mes en el famoso concierto que dió la banda en la azotea de los estudios Apple. En esa ocasión la banda tocó dos veces la canción, siendo elegida la primera versión para ser incluída en el film "Let it Be" y posteriormente en el disco.

Esta fue la historia de este poderoso blues creado por dos de los compositores mas importantes de la música popular del Siglo XX, y que dejaron una huella eterna con canciones eternas y de una influencia espectacular.
Que tenga un buen inicio del 2012... Un abrazo a todos.
Que la disfruuuten!

CHAU 2011 , BIENVENIDO 2012

noreply@blogger.com (Jimmy_Jazz) — Sat, 31 Dec 2011 06:58:52 PST

A cada uno de nuestros lectores diarios y a aquellos que recien se unen a este blog les deseamos un feliz año 2012.
Que sea un año cargado gasta las venas de éxito, alegrías y de paz en nuestro tan manoseado mundo.

Esperamos que 2012 sea un año especial, y que todos esos fanáticos a rabias de los Mayas y del popular fin del mundo simplemente se vayan un rato con su mala onda a la punta del cerro y nos dejen pasarla bien en esta noche...

Asi que amigos a celebrar con sus seres queridos y a brindar por los buenos momentos del año que se va y a reflexionar en aquellos que fueron malos para sacar enseñanza y no caer en los errores.

Un abrazo de gol a cada uno de ustedes. Feliz 2012 y que esté cargado de buen rock!

GREEN TAMBOURINE / THE LEMON PIPERS

noreply@blogger.com (Jimmy_Jazz) — Sat, 31 Dec 2011 06:49:04 PST

"Green Tambourine" es una canción de la banda psicodélica The Lemon Pipers, que fue lanzada como single en Diciembre del año 1967, y además está incluída en su disco debut, titulado tambien "Green Tambourine", y que vió la luz pubica en Febrero de 1968.

Oriundos de Nueva York, esta potente banda estaba formada por el guitarrista Bill Bartlett, el también guitarista y a la vez vocalista Ivan Browne,el tecladista R.G. Nave, el baterísta Bill Albaugh y el bajista Steve Walmsley. A pesar de que solo duraron 3 años en la escena musical, esta banda logró cosechar buenas criticas y dejar un puñado de canciones inmortales para esa gloriosa época, siendo una banda escencial para el tan comentado Pop Psicodélico.

Esta canción, que es considerada pieza fundamental para la psicodelia, fue escrita por el compositor, poeta y psicoterapeuta Shelley Pinz junto al productor Paul Leka, quien trabajaba para la banda.
La historia cuenta, que la idea de esta canción surge una tarde de 1967 cuando Pinz estaba relajado en una plaza leyendo el periodico y derrepente llegó a un reportaje de un veterano músicos inglés que recorría las calles de Londres cantando a costa del dinero que le entragara la gente. Este hombre siempre estaba cantando con una pandereta, y al aprecer mal no le iba en cuanto a ganancias, y por ello en la letra se usa el color "verde" como descriptor, ya que era el color de los billetes.

La parte musical quedó en manos de Paul Leka, quien ya tenía una nutrida carrera como propductor y compositor, la cuál tenía como punto fuerte el haber escrito la pieza "Na Na Hey Hey Kiss Him Goodbye" que sería todo un clásico en las voces del grupo "Steam". Por ello, los Lemon Pipers depositaron toda su confianza en este talentoso músico, que de seguro le daría alguna canción que la rompería en los charts. Y eso estaba por suceder.

El resultado final fue una pieza musical muy notable, y llena de tintes armónicos que la hace una pieza de culto, y de alta influencia para otras bandas que andaban por ahí cerca.
Con un intro marcado por violines distorcionados, piano a contratiempo y un curioso sitar que se sumerge bajo una producción muy ingeniosa que colocó diversos efectos sonoros para que sea etiquetado de inmediato como pilar psicodélico. Obviamente, no tenía que faltar un pandero en la secuencia musical, sí el pandero verde (como el submarino amarillo de los Beatles), que hace su aparición al final de cada verso y acompaña la voz distorcionada, la cuál tiene una mínima diferencia entre la versión "mono" y la versión "stereo".
Todos esos detalle hicieron que la canción sea una pieza notable, y obviamente les sería muy díficil para la banda repetir esta fórmula, ya que la crítica era muy fina, y siempre gustaba que la banda se dedicara a la experimentación total y no a la repetición de un hit.

Publicada a finales de 1967 (que año!), esta canción llegó a la cima del Billboard Hot 100 un 3 de Febrero de 1968 y se mantuvo una semana en ese puesto( siendo el primer hit hecho en Budda Records en llegar a esa posición). Además, en sus tierras se hicieron merecedores de un disco de Oro tras vender un millón de copias de su single. Como leen, la canción fue todo un suceso, a pesar d eque la crítica en un principio trató muy mal a la banda tras declararlos unos "vendidos" y de ser aprovechadores dela fama del rock psicodélico, pero eso poco le importó a los agentes cercanos al grupo.
Lamentablemente, y pese a lanzar mas singles, los Lemon Pipers no lograron superar esa barrera impuesta por su mega-hit, y terminaron concenados al olvido de los charts por un buen tiempo hasta decir adiós, y dejar el paso a la leyenda.
Que la disfruuuuteeeeeeeeeeeeeeeeeen! y feliz 2012

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NOBODY TOLD ME / JOHN LENNON

noreply@blogger.com (Jimmy_Jazz) — Fri, 30 Dec 2011 14:48:39 PST

"Nobody Told Me" es una canción del famoso músico británico John Lennon y fue lanzada como single un 23 de Enero del año 1984 promocionando el comentado disco póstumo "Milk and Honey".

Tras la muerte de Lennon, un 8 de Diciembre de 1980 y en manos de un descerebrado, y como homenaje a su trayectoria musical y en especial a su fanaticada, Yoko Ono decide entregar las cintas a la discográfica que contenían varias grabaciones "demo" que había dejado John en sus ultimos 2 meses de vida. Este material musical, donde la mayoria había sido grabado en las sesiones del Double Fantasy, tenía como objetivo formar parte de un disco que se grabaría en 1983, con el fin de volver con todo a las pistas musicales tras un breve receso dedicado a la familia y a la desintoxicación.

Una de esas canciones que aparece en el disco es "Nobody Told Me", que en un principio iba a ser cedida a su amigo Ringo Starr para que formara parte del tracklist de su disco Stop and Smell the Roses (1980), pero tras la muerte de John la idea simplemente quedó en nada, y los derechos de autor jugaron un papel importante.
Pero la historia de esta canción recien empieza en el año 1976, y tras su reconciliación con Yoko Ono, cuando Lennon grabó en uno de sus estudios caseros que tenía en el Dakota una canción llamada "Everybody's Talkin', Nobody's Talkin'", donde el músico estaba en el piano y bajo una llamativa caja de ritmos. esta canción ya sería el 80% de la pista que hoy conocemos y que aparecería en el Milk and Honey. Eso sí tuvieron que pasar casi 4 años para que la canción volviera a ser interpretada y arreglada.

Semanas antes de entrar a grabar el disco Double Fantasy, Lennon volvió a sacar a la palestra a esta canción, y le incluyó una pista de guitarra a su nueva "rola" y pus algunos detalles vocales para adornarla más. Lo más llamativo de esa versión es que ahora contenía como coro la frase "nobody told me", lo cuál la hacía mas especial y la cuál marcaría para la eternidad a esta canción.

De esa manera, y cuando ya tenía terminada la canción, Lennon decidió trabajar más la letra para luego llamar a Ringo con el fin de que la escuchara y si le gustaba se la llevara para incluírla en el disco que estaba preparando, tras dos proyectos musicales de muy baja calidad que había lanzado sin verguenza al mercado años antes.

La mítica sesión de grabación de la canción, donde Ringo participó como oyente, se llevó a cabo un 7 de Agosto de 1980 en los Hit Factory de Nueva York. En esa ocasión Lennon grabó 10 tmas de la canción, quedando seleccionada la última pieza ( y que fue la que usó Yoko en la versión del disco Milk & Honey), y la cuál se puede escuchar en el compilado "John Lennon Anthology" publicado en 1998.

Otro detalle interesante es la parte lírica. Aquí es donde Lennon nos vuelve a sorprender con frases que tienen varias historias en su pasado oscuro. Por ejemplo, la frase "Little yellow idol to the north of Katmandu" es una adaptación de una frase que aparece en el famoso poema The Green Eye of the Yellow God cuyo autor es el emblemático actor y poeta británico J. Milton Hayes.
Otra frase que causó misterio fue "there's a UFO over New York and I ain't too surprised", que estaba ligada a un episodio donde el músico tuvo un encuentro cercano del tercer tipo en Agosto del año 1974. En su libro "Loving John", la secretaria personal de la familia Lennon y que también fue pareja de Lennon durante el "Lost Weekend", la también japonesa May Pang relata detalles sobre ese suceso: "Nosotros acabábamos de pedir algunas pizzas y ya que era una tarde de mucho calor, entonces decidimos salir a la terraza". No había ninguna ventana que nos permitiera ver más allá de la calle, entonces John salio caminando afuera para sentir esa brisa fresca que venía del río. Recuerdo que justo estaba dentro del dormitorio vistiéndome cuando John comenzó a gritar para que saliera hacia la terraza. Le grité que ya iba pero me siguió llamando para que saliera de inmediato. Entonces, salí a la terraza, mis ojos vieron un objeto grande, circular y que venía hacia nosotros (1). Pang agrega sin tapujos que
el objeto tenía forma de cono con amplio radio basal y que no tenía para nada forma de avión o de helicoptero.
La pareja quedó muy asustada con el suceso, y miraron fijamente el OVNI que se posaba sobre sus cabezas . "Cuando estuvo un poco más cerca, podíamos distinguir una fila o círculo de luces blancas que se ubicaban en todo el borde de la nave, y estas destellaban una intensa luz intermitente. Había tantas de estas luces que eran deslumbrantes para la mente. Tenía el tamaño de un avión Lear Jet y estaba tan cercano que si le hubiéramos lanzado algo probablemente le habríamos golpeado fácilmente" agregaría Pang en su libro.
Lennon, que era un fanpatico de la British UFO Magazine (1), quedó muy impactado con el suceso pero a la vez decidió hablar sin tapujos de esto, y en esta canción dejó una frase que data de ese encuentro. Ademas, por eso es que en su disco "Walls & Bridge" se puede leer la enigmática frase: "On the 23rd August 1974 at 9 o'clock I saw a U.F.O. - J.L.". Pero volvamos a pisar tierra firme...

Cabe señalar que tras la muerte del músico, Ringo no tuvo ni las ganas ni mucho menos el ánimo de grabar la canción que le había cedido su amigo meses antes de la tragedia. De hecho, el mismísimo baterísta ha mencionado que fue tanta su impresión por ese acontecimiento que no se hallaba capaz de grabar la pista, pues ya el escuchar la voz de Lennon en la cinta "demo" lo hacia llorar frente al microfono. Además, una insegura Yoko decidió suspender todo homenaje musical, y guardar todo lo que fuera firmado por su esposo con el fin de ser ella la única en tener ese material y publicarlo bajo los derechos de autor que ambos protegían.

Finalmente la canción fue lanzada como single en Enero de 1984 (donde el lado B contenía la canción " O'Sanity" en voz de Yoko, quien no se separaba de su difunto esposo ni en los isngles póstumos).
Este sería el último single de John lennon en entrar a los primeros lugares del Billboard Hot 100 (llegó al puesto #5) y además llegó a la sexta posición del UK Singles charts.
Lennon era la leyenda.... Que la disfruten!

Fuente: (1) Extracto sacado de http://www.soloseneluniverso.com.ar/John_Lennon.html

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