Ho visto un libro...

Turista per caso

noreply@blogger.com (charlie citrine) — Tue, 28 Jun 2011 21:11:00 +0000

Titolo: Turista per caso
Titolo originale: The Accidental Tourist
Autore: Anne Tyler
Anno: 1985

Il libro…

Non nascondo di essermi accostato ad Anne Tyler con una certa diffidenza. Mi ero messo in testa che fosse una scrittrice “per sole donne”, quelle che ti raccontano storie di principi azzurri lasciati scappare, di rimpianti per una gioventù mai vissuta fino in fondo, di estati sonnacchiose e di rapporti problematici con la propria madre.

La locandina del film

Bene, non so da dove venisse questo strano pregiudizio, so solamente che sono sempre stato alla larga dai suoi romanzi. Quando, in libreria, mi capitavano fra le mani mi bastava dare uno sguardo alla copertina per riporli sullo scaffale. Una diffidenza che è continuata fino a qualche settimana fa quando, rivedendo per l’ennesima volta – ma non è mai abbastanza – William Hurt e Kathleen Turner in Brivido caldo di Lawrence Kasdan mi è venuta in mente Turista per caso, altra pellicola del talentuoso regista americano, anch’essa con la Turner e Hurt come protagonisti. L’associazione con il libro della Tyler è stata immediata così come l’idea di poterne parlare nel blog. Bisognava, dunque, farsi forza e iniziare la lettura.

Mentre mi preparavo allo sbadiglio e a commenti del tipo “ma come fanno a pubblicare certa roba!”, Anne Tyler mi ha sorpreso, avendo la meglio sulla mia prevenzione.

Ho, pertanto, dovuto ammettere che mi sbagliavo di grosso e promettere a me stesso – come accade ogni volta – che in futuro non mi sarei più fatto guidare da quegli stramaledetti preconcetti.

Ma veniamo alla storia. Baltimora, anni Ottanta. Il protagonista Macon Leary (un uomo, dunque, non una donna!… così ho realizzato sin da subito che del lavoro della Tyler non avevo proprio capito nulla) è un borghese di mezza età abitudinario, metodico e riservatissimo – fino a rasentare la misantropia – oltre che incredibilmente prevedibile e un po’ noioso. Una terribile e recente tragedia lo ha – se possibile – reso ancora più schivo e lontano dal resto dell’umanità. Macon si guadagna da vivere come scrittore di fortunatissime guide di viaggio per persone che a viaggiare sono costrette come gli agenti di commercio, i rappresentanti, gli uomini di affari. Obiettivo di queste pubblicazioni è indicare al “turista per caso” o “per necessità” i posti dove ritrovare i luoghi familiari, le sicurezze dell’abitudine, in maniera da limitare al massimo il senso di lontananza da casa e da evitare il più grave inconveniente dello spostamento, ovvero l’imbattersi in qualcosa di nuovo. Tuttavia, la sua esistenza pianificata, sempre più povera di affetti, è improvvisamente esposta alla forza dirompente di un “ciclone” di donna che irromperà nel suo quotidiano, sconvolgendolo.

La Tyler è straordinaria nel costruire una storia umanissima e intima in cui è bello ritrovarsi e in cui ci si sente tirati in causa. E tutto partendo dalle piccole cose e dalla descrizione dei gesti e degli affetti più quotidiani e semplici. Altrettanto brava a bilanciare dolore e ironia, disillusione e speranza.

…dal libro al film…

Confermo la mia predilezione per Kasdan, regista che amo. La sua abilità nell’entrare nelle pieghe della storia (e non a caso è anche un valente sceneggiatore) si rivela dal modo in cui ricostruisce le situazioni, le ambientazioni, i dialoghi fino alla maniera con cui dirige gli attori e li fa muovere sul set. È un cinema di grande precisione, attento ai dettagli (una mano, una tazza sul tavolo, la scatola dei cereali sopra il frigorifero etc.) e concentrato sugli interpreti, valorizzati da inquadrature mai scontate (un’espressione, un sorriso, un movimento del corpo). Un cinema fatto di “cose” e di “persone”, di “spazi piccoli”, di battute azzeccate e credibili.

Un cinema anni Ottanta che – e forse cadrò nella trappola della nostalgia canaglia… - purtroppo non c’è più, spazzato via dalla frettolosità dei prodotti targati anni Novanta e dal gigantismo di quelli dei Duemila (ovvio che quando applico queste categorie non penso ai generi avventura/fantascienza/colossal, ma alle pellicole drammatiche o alle commedie, più o meno agrodolci, che si giravano in quel periodo).

Inoltre, la pellicola si avvale di tre stupendi interpreti. Partiamo da Kathleen Turner, regina di quel decennio, bellissima e raffinata, sensuale ma gelida, pericolosa e al contempo carica di ironia (una femme fatale che, tuttavia, riesce a prendere e a prendersi in giro… Il gioiello del Nilo docet). È lei l’antagonista per eccellenza, la donna di cui è sempre meglio non fidarsi ma dalla quale si è irrimediabilmente attratti (da bambino ne ero segretamente innamorato… ma forse lo sono ancora oggi). Qui è perfetta nel ruolo della ex moglie di Macon.

Poi c’è William Hurt, che per la capacità espressiva e la bravura nell’essere “conduttore” di sentimenti e stati d’animo potrebbe essere l’antitesi degli holliwoodiani “facce da sfinge” Tom Cruise, Nicholas Cage o, in tempi più recenti, Ben Affleck e per certi versi (e so che sarò criticato) Matt Damon. Non per insistere, ma negli anni Ottanta sceglievano gente come lui per fare film di successo. Gente vera, reale, che al posto di volti di cera aveva facce in cui le persone normali potevano ritrovarsi mentre, seduti al cinema, sgranocchiavano pop corn. Così, tanto per rendersi conto del calibro del personaggio, dal 1981 al 1990, Hurt è stato protagonista di film come Brivido caldo (1981), Il grande freddo (1983), Gorky Park (1983), Il bacio della donna ragno (1985), Figli di un dio minore (1986), Dentro la notizia (1987) e Ti amerò... fino ad ammazzarti (1990).

Infine Geena Davis. La futura Thelma interpreta la scoppiettante e un po’ pazza Muriel, magrissima e iperattiva donna che scombinerà la vita di Macon. A suo agio con vestiti e accessori kitsch, unghie lunghe e il suo sorriso a 36 denti. Strameritato Oscar per la miglior attrice non protagonista.

Recuperate sia il libro che il film!!

CHARLIE CITRINE

Dati film:
Titolo: Turista per caso
Titolo originale: The Accidental Tourist
Regista: Lawrence Kasdan
Sceneggiatura: Frank Galati, Lawrence Kasdan (romanzo: Anne Tyler)
Interpreti:
·         William Hurt (Macon Leary)
·         Geena Davis (Muriel Pritchett)
·         Kathleen Turner (Sarah Leary)
·         Bill Pullman (Julian)
·         Amy Wright (Rose Leary)
Anno: 1989
Paese: Stati Uniti
Colore: colore
Durata: 121 minuti
Genere: drammatico
Internet Movie Data base

Il nostro agente all'Avana

noreply@blogger.com (charlie citrine) — Tue, 21 Jun 2011 20:58:00 +0000

Titolo: Il nostro agente all’Avana
Titolo originale: Our Man in Havana
Autore: Graham Greene
Anno: 1958

Il libro…

Le spie tutte di un pezzo, con la scriminatura dei capelli di lato e ben marcata, la mascella volitiva e l’occhio languido mi hanno – e da molto tempo – annoiato. Così come mi ha stancato la celebrazione dei servizi segreti di tutto il mondo, così superefficienti e infallibili, punto di raccolta di ogni diavoleria tecnologica. Volendo esagerare posso dire di essermi stufato anche delle bambolone supersexi o delle sophisticated ladies che immancabilmente cadono ai piedi dello 007 di turno. Ecco perché parlo volentieri di quegli scrittori e registi che hanno trasferito su carta e su pellicola romanzi e film che ironizzano su spionaggio e controspionaggio, demolendone quell’aura di invincibilità, mettendone a nudo i meccanismi più grotteschi e involontariamente comici che stanno dietro.

Come accade nel libro-film oggetto di questo post, ovvero Il nostro agente all'Avana di Graham Greene. Una storia non unica. Qualche settimana fa Wayne, dalle colonne del blog si è occupato de Il sarto di Panama di Le Carrè, “figlio minore” di questo strafamoso romanzo. Mi vengono, inoltre, in mente altre due pellicole che si prendono gioco dell’argomento spionistico – con i suoi riti e i suoi protagonisti stereotipati –, ovvero Spie come noi di John Landis (1985) e Burning after Reading (2008), delizioso film dei fratelli Cohen. Sfruttare una di queste lunghe serate estive per vederseli in sequenza…

Ma chi è questo agente con base all’Avana? Andiamo per gradi. Ci troviamo a Cuba, nel 1958, in piena Guerra Fredda. L’isola caraibica è scossa da una guerrilla interna fra i rivoluzionari (castristi, anche se Castro non viene mai citato) e le forze governative (quelle del dittatore Fulgencio Batista). Cuba è un territorio strategicamente rilevante e così al suo interno si muovono spie provenienti da ogni parte, tutte attivissime nel tramare, controllare, sabotare e riferire.

All'Avana, però, vive anche Mr. Wormold, un inglese di mezza età, modesto rappresentante di una ditta di aspirapolvere. Gli affari non vanno molto bene e la giovane figlia Milly spende più di quando dovrebbe; Wormold avrebbe bisogno di qualcosa che possa rimpinguare le sue scarse entrate e magari permettergli di tornare in Europa. Il destino si presenta sotto forma di un compassato connazionale che dice di essere un agente del controspionaggio. Il suo compito è reclutare agenti sul campo che siano in grado di raccogliere informazioni confidenziali.

Senza che quasi se ne renda conto – e possa rifiutarsi di obbedire – il tranquillo negoziante di elettrodomestici diventa uno 007 al servizio di sua Maestà. Non deve far altro che dare informazioni. E non importa se queste non sono vere o, addirittura, non sono nemmeno verosimili. L’importante è far arrivare a Londra dispacci e rapporti cifrati dove si rivelano segreti inesistenti (il disegno di alcune parti di un aspirapolvere diventa uno spaventoso armamento costruito nel bel mezzo della foresta...). Tuttavia non tutto fila liscio: con i lauti compensi sotto forma di rimborsi spesa arrivano anche i guai. Verità e finzione si mischiano, così come l’effetto delle bugie che, a poco a poco, si rflette anche sulla vita reale. Ecco che - nel giro di poco - il mite e autoironico Wormold si trova invischiato in un gioco pericoloso, più grande di lui…

Insomma, a metà strada tra e la spietatezza dei killer (con la famosa “licenza di uccidere”) e l’ottusità dei peggiori burocrati (le procedure da seguire, i rapporti da redigere, le gerarchie da rispettare) le spie si muovono per il mondo, arroganti e stolide, convinte di poter cambiare il corso delle cose, di averne in mano il destino. E Greene, da acuto osservatore qual è, sa come tirarne fuori una bella storia. Ancora attuale (purtroppo).

…dal libro al film…

Alec Guinness in una scena del film

Sul film poco da dire, nel senso che ricalca molto da vicino il libro. Ne è una sorta di precisa e piacevole versione illustrata (non è un caso che dello screenplay si sia occupato lo stesso Greene). Il regista Carol Reed fa, dunque, un onesto lavoro trasponendo su pellicola quello che già era stato messo su carta. Lo scarto, a mio parere, lo dà la presenza di Alec Guinness. Un attore straordinario, in grado di rimanere se stesso (con la sua “inglesità” ben appiccata addosso) pur interpretando personaggi diversi, dall’ottuso colonnello de Il ponte sul fiume Kwai, al Ben Obi-Wan Kenobi in Guerre Stellari fino al nostro agente per finta. Un mito, per davvero.

CHARLIE CITRINE

Dati film:

Titolo: Il nostro agente all’Avana
Titolo originale: Our Man in Havana
Regista: Carol Reed
Sceneggiatura: Graham Greene (romanzo: Graham Greene)
Interpreti:
·         Alec Guinnes (Jim Wormold)
·         Burl Ives (Dr. Hasselbacher)
·         Jo Morlow (Milly Wormold)
·         Maureen O’Hara (Beatrice Severn)
·         Ernie Kovacs (Capitano Segura)
Anno: 1959
Paese: Gran Bretagna
Colore: B/N
Durata: 111 minuti
Genere: Spionaggio/Commedia
Internet Movie Data base

L'ultimo (doppio) sogno di Kubrick

noreply@blogger.com (charlie citrine) — Tue, 14 Jun 2011 05:59:00 +0000

Titolo: Doppio sogno
Titolo originale: Traumnovelle
Autore: Arthur Schnitzler
Anno: 1925

Il libro…

Discorso ozioso da serata estiva (nonostante le recenti piogge). Qualche giorno fa un’amica mi ha chiesto se – a parer mio – sognare di fare l’amore con qualcun altro che non sia il proprio compagno sia da considerare: a) alla stregua di un vero e proprio tradimento e b) l’anticamera di un disagio nascosto, dell’inadeguatezza della propria relazione di coppia. A lei era appena capitato e non nascondeva un certo senso di colpa.

Cercando di evitare “marzullate” sui sogni (tipo: “la vita è un sogno o i sogni aiutano a vivere meglio…”), ho risposto che no, non è né uno né l’altro poiché l’abisso che si apre ogni qual volta si sogna è talmente grande, profondo e spaventoso che cercarne i confini è pura follia… Avevo, però, suggerito di non liberarsi la coscienza con il proprio compagno: una volta raccontato e portato fuori dal suo ambito naturale (cioè il subconscio) il sogno perde di significato, si trasforma e diventa qualcosa di banale, qualcosa che potrebbe anche essere frainteso.

La suggestione, tuttavia, non è caduta nel vuoto. Stuzzicato, ho cercato un confronto con un doppio (è proprio il caso di dirlo!) prodotto culturale letteralmente “divorato” alcuni anni fa: Doppio sogno, romanzo breve dell’austriaco Arthur Schnitzler, e Eyes Wide Shut, ultimo film di Stanley Kubrick.

Inizio la (ri)lettura ed eccomi proiettato nel bel mezzo dell’intimità di una giovane coppia borghese, che dietro alla crosta superficiale fatta di tranquillità e certezze di una relazione felice, nasconde turbamenti e pulsioni contraddittorie.

Il teatro in cui l’azione si svolge è di quelli che affascinano: la Vienna degli anni Venti. A quell’epoca, in quella città si aggiravano – o avevano smesso da poco di aggirarsi… – personaggi come Gustave Klimt, Egon Schiele, Robert Musil, Sigmund Freud e “il nostro” Arthur Schnitzler. Una colta, giovane e frizzante borghesia agitava un po’ le acque ferme di una nazione divenuta Repubblica dopo non so quanti secoli di impero. Il Decadentismo viennese (chiamato così per spregio) dava dei buonissimi frutti.

Ma torniamo a Doppio sogno. Durante 48 ore molto agitate (tempo in cui si sviluppa il racconto) i due coniugi Fridolin e Albertine, ognuno sulla propria pelle, proveranno quanto complessi e poco univoci siano i sentimenti che tengono uniti le coppie e che – come fiumi sotterranei – scorrono attraverso le relazioni, anche quelle apparentemente più riuscite.

Un “doppio sogno” li coinvolge e li trascina in un gorgo di emozioni. C’è quello reale ma dai contorni talmente inquietanti, pericolosi e misteriosi da sembrare quasi immaginario vissuto dal marito. E c’è quello davvero sognato della moglie Albertine che, invece, rimane classicamente confinato in quella zona proibita popolata dai desideri più reconditi e inconfessabili. Fridolin, a spasso nella notte, è perso in una villa dove si consumano riti orgiastici estremi, Albertine, nel chiuso della sua camera da letto, è abbandonata a sogni hardcore con sconosciuti.

Nel sonno, quando la mente non è più vigile, le situazioni si ingarbugliano; tutto ciò che durante la veglia si escluderebbe di fare o dire, diventa allora possibile e plausibile. Durante il sogno i valori considerati imprescindibili e sui quali i protagonisti fondano la propria esistenza, quali la fedeltà, il rispetto reciproco e l’affetto, vengono dimenticati, accantonati. E hanno libero sfogo l’aggressività, i desideri insoddisfatti, le pulsioni a lungo represse, una sessualità finalmente disinibita.

Entrambi permettono al sogno di entrare nella vita reale, lasciandosi andare a reciproche confessioni che – ne sono convinto – rischiano di generare più confusione, fraintendimenti e danni del silenzio.

Arthur Schnitzler

Le ultime battute del racconto mi danno (modestamente…) ragione:

- “E nessun sogno” disse egli con un leggero sospiro “è interamente sogno”.

Albertine prese la testa del marito fra le mani e l’attirò affettuosamente a sé. “Ma ora ci siamo sevgliati…” disse “per lungo tempo”.

Per sempre voleva aggiungere Fridolin, ma prima ancora che pronunciasse quelle parole, lei gli pose un dito sulle labbra e sussurrò come fra sé: “Non si può ipotecare il futuro”.

Tutta materia per il caro vecchio Freud.

…dal libro al film…

Cosa dire del film di Kubrick, dell’”ultimo capolavoro” del maestro? Bah… litri d’inchiostro versato e tanti pareri discordanti. E degli attori? Della coppia di Hollywood Tom Cruise e Nicole Kidman (lei davvero stupenda)? Bah… gli aneddoti sulle riprese hanno riempito le pagine di gossip per molti (troppi) mesi. Dal mio punto di vista la cosiddetta “chimica” fra i due non si è prodotta. Inoltre, una New York anni Novanta ricostruita in studio ha sostituito la vivace Vienna degli anni Venti.

Si alternano alcuni momenti molto efficaci e angoscianti (la ricerca della prostituta) ad altri un po’ meno riusciti (gli inserti di sogno della Kidman). Un po’ estetizzanti le scene di sesso nella villa, mentre inquietante è quella del “processo” che i monaci mascherati intentano nei riguardi di uno spaventato Cruise.

Al di là dei “se” e dei “ma” rimane un’ottima pellicola. Da vedere (magari dopo aver letto il libro).

CHARLIE CITRINE

Dati film:

Titolo: Eyes Wide Shut
Titolo originale: Eyes Wide Shut
Regista: Stanley Kubrick
Sceneggiatura: Stanley Kubrick e Frederic Raphael (romanzo: Arthur Schnitzler)
Interpreti:
·         Tom Cruise (William Harford)
·         Nicole Kidman (Alice Harford)
·         Sidney Pollack (Victor Ziegler)
·         Todd Field (Nick Nightingale)
Anno: 1999
Paese: Stati Uniti/Gran Bretagna
Colore: colore
Durata: 159 minuti
Genere: drammatico

Blade Runner e i sogni elettrici degli androidi

noreply@blogger.com (charlie citrine) — Sun, 05 Jun 2011 17:46:00 +0000

Titolo: Ma gli androidi sognano pecore elettriche?
Titolo originale: Do Androids Dreams of Electric Sheep?
Autore: Philip K. Dick
Anno: 1968

Il libro…

Locandina del film

Metto le mani avanti e inizio ammettendo che la mia preparazione sul genere “fantascienza” rasenta lo zero. E ciò vale sia per l’ambito cinematografico sia – e soprattutto – per quanto riguarda la letteratura. Mi riferisco, in special modo, ai sottogeneri chiamati convenzionalmente space opera (quello dei viaggi interplanetari, delle astronavi, delle guerre fra galassie etc.) e hard science fiction (quello che può piacere ai nerd occhialuti, futuri fisici, ingegneri o matematici).

Non che non mi sia emozionato con i primi episodi di Guerre Stellari, addormentato con Tron e annoiato mortalmente con 2001 Odissea nello spazio, ma non sono mai andato troppo oltre. Mi sono, poi, tenuto alla larga dai vari Star Trek, dalle minacce extraterrestri, dai portali aperti su altre galassie, dagli incontri del terzo tipo e dai viaggi interplanetari. Infine, mancano all’appello sugli scaffali di casa mia i romanzi di Isaac Asimov e di Arthur C. Clarke...

Ben più grave, però, l’assenza di Philip K. Dick che con i filoni sopra citati in realtà c’entra poco. A colmare questa lacuna ci ha pensato – qualche settimana fa – un caro amico. Stanco di farmi citazioni che non potevo capire e disperato dopo l'ennesimo riferimento caduto nel vuoto, mi ha fatto avere Ma gli androidi sognano pecore elettriche?, invitandomi a leggerlo e poi a farci un post (credo anche come verifica dell’avvenuta lettura…). Io gli ho dato la mia parola e così eccomi qua a provarci. Dico “a provarci” perché non sono sicuro di saper maneggiare la materia. Innanzitutto, perché Dick è un autore di culto con una schiera di fanatici ammiratori pronti a sostenerlo e a difenderne la memoria (il mio amico in primis). Cultori che ne hanno divorato e interiorizzato così bene l’opera omnia da ricordarne ogni passaggio. Secondo, perché proprio a questa opera di Dick è associato un film altrettanto famoso, anch’esso oggetto di venerazione degli amanti del genere. Dunque, doppio rischio di andare incontro agli anatemi di questi “custodi della tradizione”.

La storia è senza dubbio avvincente. Il pianeta Terra è semidistrutto e reso quasi invivibile dopo anni di guerre distruttrici e quella che fu la civiltà umana giace in gran parte sepolta sotto una coltre di polvere (“la palta”). Quasi tutte le specie animali e vegetali si sono estinte, salvo la presenza di rari esemplari, ormai divenuti oggetti di lusso per gli ultimi ricchi. La maggior parte degli esseri umani è emigrata in altri pianeti e nelle vecchie città ormai in decadenza abitano poche persone. Oltre agli uomini esistono gli androidi macchine supersofisticate dalle sembianze umane. Prodotti da potenti industrie multinazionali, gli androidi possono essere liberamente commercializzati negli altri pianeti, ma non sulla Terra. Compito del protagonista Rick Deckard, agente della polizia di San Francisco, è quello di cercare e eliminare i droidi. Il suo è un lavoro faticoso, sporco e molto rischioso. La vita su questa nuova Terra post-bellica corrotta e rovinata non è per niente facile: Deckard non deve solamente guardarsi le spalle dalle trappole che i droidi, sempre più “umani”, gli tendono, ma anche da una stanchezza intima e da un’infelicità latente che pervadono ogni aspetto della sua esistenza. Cosa gli rimane? Un mondo cupo e senza speranze dove esistono surrogati di felicità passate, una pseudo religione che dà false speranze, l’accompagnamento ossessivo dei monologhi di un comico trasmessi 24 ore su 24 dai mass media, delle città polverose e in disfacimento, la sua sempre più ambigua attrazione fisica per i droidi e i crescenti dubbi morali sulla loro eliminazione, il sogno proibito di guadagnare tanto per potersi finalmente comprare un animale vero, al posto della pecora elettrica che tiene sulla terrazza di casa. Infine, il forte sospetto che in nessuna parte nell’universo – anche nelle colonie dove gli umani in fuga dalla Terra hanno trovato scampo – ci sia un posto dove le cose vadano meglio.

Romanzo davvero molto affascinante, anche se a tratti – e lo dico a voce bassa – non così avvincente come mi sarei aspettato: specie nei punti dove avviene la cattura e il ritiro dei droidi manca un po’ di suspense, un po’ di pathos (tutto avviene troppo in fretta). Non mancano, per fortuna, una buona dose di ironia e la capacità di non prendersi troppo sul serio.

Riuscitissima la figura del poliziotto. Cinico, sarcastico, solitario, dalla vita privata disordinata ma umanissimo nelle sue debolezze, un personaggio a metà strada fra il detective anni Trenta-Quaranta (alla Sam Spade, per capirci) e il poliziotto cane sciolto, caparbio quanto imprevedibile. Mentre leggevo il romanzo, più che a Harrison Ford (che interpreterà Deckard nella versione cinematografica) mi è venuto in mente Mickey Rourke del film L’anno del Dragone di Michael Cimino.

…dal libro al film…

Alcuni criticano Ridley Scott (come del resto fanno con De Palma) perché a veri capolavori alterna film “solamente” buoni o discreti. Come se fosse facile azzeccare ogni volta la pellicola giusta! Al di là del fatto che anche i film meno “speciali” di Scott sono comunque sopra la norma (e questo vale anche per De Palma) vanno, invece, apprezzati sia la capacità del regista britannico di girare molto (non si risparmia) sia il coraggio di provare storie e generi sempre diversi (fantascienza, gangster movie, storico, guerra, fantasy, poliziesco etc.). Per chi avesse voglia di passare un paio di buone serate, consiglio di (ri-)guardare Alien (1979), Black Rain (1989) e Legend (1985) titoli di Scott di qualche anno anteriori/posteriori alla pellicola in oggetto e magari trovare le analogie...

Rutger Hauer - Roy Batty in una scena del film

Tornando a Blade Runner. Ciò che non si discute è come tutto sia stato ricreato alla perfezione. Los Angeles (e non San Francisco come nel romanzo) è una metropoli senza confini, sovrappopolata e iperurbanizzata. È una città del futuro e come tale è immaginata a strati, sviluppata soprattutto in altezza (come non pensare a Metropolis di Fritz Lang?!). In basso è caotica, sporca, buia, piovosa, multietnica; lì ci stanno i poveri con i loro modesti commerci (sembra di essere in una rappresentazione stereotipata di qualche megalopoli asiatica). In alto abitano i ricchi, con i loro palazzi esclusivi da dove vedono sorgere e tramontare il sole (la suggestiva sala della Tyrrell Corp. sembra un tempio egizio). Effetti speciali ottimi per l’epoca che resistono ancora oggi e che non fanno pensare ai fondali di cartapesta. Un grande contributo lo dà la musica originale firmata da un maestro come Vangelis.

Ottimi gli interpreti. Harrison Ford è l’uomo giusto al posto giusto (e con la faccia giusta). Quale attore ha avuto l’occasione di diventare, nel giro di un decennio, Ian Solo, Deckard e Indiana Jones? Bravissimo mister occhi di ghiaccio Rutger Hauer. Chi meglio di lui poteva fare l’androide? Il monologo finale è famossimo e da brivido.
Unico neo, il titolo: Blade Runner è forse cinematograficamente più spendibile, ma rispetto a quello del romanzo infinitamente meno evocativo…

CHARLIE CITRINE

Dati film:

Titolo: Blade Runner
Titolo originale: Blade Runner
Regista: Ridley Scott
Sceneggiatura: Hampton Fancher e David Webb Peoples (romanzo: Philip K. Dick)
Interpreti:
·         Harrison Ford (Rick Deckard)
·         Rutger Hauer (Roy Batty)
·         Sean Young (Rachael)
·         Daryl Hannah (Pris)
Anno: 1982
Paese: Stati Uniti, Hong Kong
Colore: Colore
Durata: 117 minuti
Genere: Fantascienza/Thriller
Internet Movie Data base

Il sarto di Panama

noreply@blogger.com (charlie citrine) — Sun, 29 May 2011 18:17:00 +0000

Titolo: Il Sarto di Panama
Titolo originale: The Tailor of Panama
Autore: John Le Carré
Anno: 1996

Il libro…

John Le Carré conosce la materia perché ha davvero servito il Foreign Office britannico prima di diventare un celebre scrittore. Nel 1996, dopo alcuni anni di crisi di creatività (coincisi con la caduta del Muro di Berlino…) è tornato al successo con questo romanzo che pur trattando sempre di spionaggio, lo fa in maniera poco ortodossa, almeno per i canoni del genere spy. Insomma, niente agenti superefficienti alla James Bond, ma piuttosto tipi sfuggenti alla Andy Osnard (giudicando dalle rivelazioni di Wikileaks viene però da pensare che lo scacchiere internazionale sia gestito a livello di intelligence più da personaggi che assomigliano agli Osnard de Il Sarto di Panama che agli 007 di Ian Fleming).

Il bello è che non è solo una spy story, genere che vi confesso non mi ha mai intrigato molto: è soprattutto la storia di un uomo, il sarto inglese Harry Pendel, la cui impeccabile esistenza un bel giorno si rivela non essere proprio così candida e piuttosto rasenta una perfezione irreale oppure… totalmente fasulla: “Harry Pendel amava la moglie e i figli con una dedizione che possono comprendere soltanto coloro che non hanno mai avuto una famiglia, che non hanno mai saputo che cosa significhi rispettare un padre onesto, voler bene a una madre felice o accettarli come naturale ricompensa per il solo fatto di essere nati”.

Ma chi nell’ambiguo paradiso di Panama in fondo non nasconde qualcosa del suo passato? Harry sembra non aver trovato altro che il suo posto, un mini-Stato facile a sfaldarsi, dove i dittatori si susseguono, la corruzione continua e gli interessi per la gestione del Canale sono sempre sotto gli occhi di tutte le potenze mondiali in cerca di un nuovo ordine alla fine della Guerra Fredda (e prima dell’ 11 settembre).

Chi dice la verità in un Paese corrotto o non sopravvive o ha il volto sfregiato di Marta, l’amante mai consumata di Harry; oppure ha i tratti dell’amico Mikie, ormai alcolizzato per dimenticare la prigione riservata agli oppositori del deposto Noriega.

La menzogna aiuta a vivere o distrugge le vite? A volte anche il mondo è in cerca di bugie vendibili e convenienti e quando l’agente segreto Andy Osnard pretende da Harry, ricattandolo, di ottenere informazioni sulla sua clientela di alto bordo che arriva fino al presidente, Pendel comincia a fare la cosa che sa fare meglio, oltre a confezionare splendidi completi: mentire per coprire le sue menzogne e utilizzando frammenti del mondo reale ne costruisce uno immaginario, su misura per il suo cliente, nientemeno che la cara vecchia Inghilterra, delegata nelle mani del navigato agente Osnard.

Pochi di voi si saranno trovati invischiati in vicende di spionaggio internazionale ma chi non si è mai trovato in una situazione simile nella vita? Intendo in quella di poter mischiare l’essere e l’apparire e – ad un certo punto – vedere il baratro, sentire che ci si può cadere dentro in un attimo, fino a perdersi. Fortunatamente più spesso ci spaventiamo, come quando guardiamo Pirandello a teatro, giuriamo a noi stessi di essere sinceri con la vita e non solo con noi stessi. Perché quando le fandonie diventano la “verità”, inevitabilmente, ci si espone al rischio di seri guai, come accade in questa avvincente storia dove le menzogne di un singolo si trasformano in quelle del mondo intero. E da farsa tutto può trasformarsi in tragedia.

Eppure la finzione è anche opera d’arte: “Ogni cosa al mondo diventa vera, se te la inventi con forza sufficiente e vuoi bene alla persona alla quale è destinata”: certo se Pendel credesse davvero a questa giustificazione allora sarebbe diventato un artista (Le Carré stesso?).

Che differenza c’è tra un artista e un bugiardo? Ecco un altro tema sotteso: forse si tratta di saper ascoltare le persone a noi vicine e care (le relazioni che ci rendono vivi e veri) anche quando queste sono dei falliti, ormai vinti dalla vita, impossibili da redimere appiccicando loro addosso un abito di eroismo. Questo differenzia la politica dall’arte: ascoltare anche le verità scomode degli altri piuttosto che imporre una propria verità da dare alle stampe per la gloria della nazione o la serenità famigliare.

Questo libro non aiuta di certo a fugare i dubbi, che sono certo avranno sfiorato la mente di ciascuno di voi alla notizia dell’ uccisione di Osama Bin Laden, nascosto in un covo poco distante da una caserma di militari Pachistani oppure anche all’ arresto del presidente dell’FMI a New York, D. Strauss-Kahn, uno degli uomini più ricchi del mondo per violenza su una cameriera d’albergo: sono convinto che l’uno sia un pazzo e l’altro un maniaco ma non vi nego che il dubbio del “trappolone” mi abbia sfiorato, forse proprio perché suggeritomi da Harry Pendel.

…dal libro al film…

Jamie Lee Curtis e Pierce Brosnam
in una scena del film

In definitiva il film mi ha convinto ma questa convinzione non è arrivata subito. È ben orchestrato perché sa render più snello il racconto senza perderne di significato complessivo. Certo abbandona i temi riflessivi affidati ai pensieri di Harry o di Andy o della voce narrante nel libro e questa perdita può farci propendere per un giudizio negativo ma in fondo questa eliminazione rende il tutto più fruibile col mezzo cinematografico.

La cosa che all’inizio mi ha lasciato un po’ perplesso è l’aria da soap opera che avvolge dialoghi e fotografia. Sembrava una scelta sbagliata e denigratoria nei confronti del romanzo oppure dovuta a ristrettezze economiche del budget (soprattutto quando inquadrano, per gli spostamenti aerei, un modellino di boeing che in realtà è fermo mentre il cielo di cartapesta dietro si muove…). Poi osservando Pierce Brosnan, che un po’ la “faccia da telenovela” l’ha sempre, ho capito che era stata una scelta meditata fin dal casting: questa storia, sembra dirci il regista, è davvero tutta una soap opera – noiosa o piacevole che sia – con la sua dose di superfluo e con un bel po’ di battute scontate. Forse ne vogliamo fuggire, tuttavia la convincente Jamie Lee Curtis e l’azzeccato Goffrey Rush nelle vesti del sarto Pendel sono bravi a farci intravedere quegli squarci di realtà in una storia di finzioni.

WAYNE

Dati film:

Titolo: The Tailor of Panama
Regista: John Boorman
Scenegiatura: Andrew Davies (romanzo: John Le Carré)
Interpreti:

Pierce Brosnan (Andrew Osnard)
Jamie Lee Curtis (Louisa Pendel)
Goffrey Rush (Harry Pendel)

Anno: 2001

Paese: USA, Irlanda
Colore: Colore
Durata: 109 min
Genere: Thriller
Internet Movie Data base

Misery

noreply@blogger.com (charlie citrine) — Mon, 16 May 2011 20:42:00 +0000

Titolo: Misery
Titolo originale: Misery
Autore: Stephen King
Anno: 1987

Il libro...

Kathy Bates - Annie Wilkies in una scena del film

Parto con due domande che apparentemente hanno poco a che fare l'una con l’altra. La prima: non vi è mai capitato di desiderare di poter leggere il seguito di un romanzo che, invece, seguito non ha mai avuto? Insomma del tipo “ma alla fine Renzo Tramaglino avrà divorziato da quella noiosa e forse frigida piattola di Lucia Mondella per una tipa più sciolta o l’avrà sopportata fino alla fine dei suoi giorni?”. La seconda domanda: è possibile che un libro possa letteralmente salvare o allungare una vita?

In un caso il desiderio si può scontrare con oggettive difficoltà di fattibilità, specialmente se l’autore è già passato a miglior vita e quindi, non è più convincibile da un assegno a sei zeri di un magnate dell’industria culturale, pronto a sganciargli un sostanzioso anticipo per narrare la vecchiaia di qualche eroe di cui aveva raccontato con successo la gioventù.

Nell’altro caso, l’azione del raccontare (ovvero dell’occupare il proprio tempo e quello altrui con parole) può, in effetti, trasformarsi in una maniera per dilazionare e allontanare il verificarsi di qualche fatto funesto. E questo è già accaduto in passato, a partire da Le Mille e una notte (con l’ingegnosa Sherazade che, per salvarsi dal re-marito crudele che uccide ogni prima notte di nozze le sue spose, gli racconta storie che finiscono sempre il mattino dopo, salvandosi così la vita) fino allo spot Telecom di qualche anno fa con protagonista Massimo Lopez (il famoso condannato a morte che chiede di fare l’ultima lunghissima chiamata… colpo di genio dell’Agenzia Armando Testa. Da recuperare su YouTube).

Ecco, tutto questo sproloquio per dire che in Misery, King ha affrontato sia una che l’altra questione. Il tutto all’interno di un romanzo (forse uno dei migliori del “Re”) dove – in modo davvero efficace – si dimostra quanto la scrittura e i libri siano parte, addirittura si mischino, della nostra vita quotidiana e non siano solamente un semplice accessorio o un puro passatempo.

Paul Sheldon è un romanziere di successo, famoso soprattutto per aver inventato e sfruttato il personaggio di Misery, eroina romantica, protagonista dei suoi libri. Mentre rientra a casa in auto, con il nuovo manoscritto appena terminato appoggiato sul sedile del passeggero, Sheldon perde il controllo della sua autovettura e si schianta in una zona impervia tra le montagne innevate del Colorado. Si risveglia giorni dopo in una stanza che non conosce in balia delle cure di una donna, Annie Wilkies, sua salvatrice, ma anche sua fanatica ammiratrice. La donna un ex-infermiera con la mania della lettura è infuriata con Sheldon per aver fatto morire, nel suo ultimo libro, il personaggio di Misery. Per questa ragione è pronta a tutto per costringere lo scrittore a inventare una storia tutta per lei, dove la sua beniamina tornerà a vivere…

Moderna Sherazade, il segregato Sheldon ha come unico obiettivo quello di sopravvivere alle sevizie che la psicopatica Annie, ammiratrice schizoide e infermiera da incubo, gli infligge.

Ma i temi del romanzo vanno oltre il potere della scrittura.

King indaga anche il prepotente istinto di sopravvivenza e di adattamento che si sviluppa nell’uomo, soprattutto quando si ritrova in situazioni estremamente scomode e dolorose. Sheldon vuole vivere, vuole scappare da quella casa maledetta e tornare alla sua solita esistenza. Ma per riuscirci deve resistere e resistere significa non solamente essere costretto a superare, giorno dopo giorno, il tremendo dolore fisico e psicologico che Annie gli procura. Per venirne fuori è necessario alzare la soglia della sofferenza e nel contempo venire a patti con la mente malata della sua carceriera.

Un altro elemento è quello dell’insaziabile voracità dell’ammiratore nei confronti della star e/o dell’artista (Annie si presenta a un ancora interdetto Paul con la poco rassicurante frase: “Sono la tua ammiratrice numero uno!”).

Il fan è avido, invadente, poco disponibile ai cambiamenti e intellettualmente poco curioso ad esplorare nuovi ambiti. Il fan è un terribile conservatore che prende in ostaggio il proprio idolo costringendolo a rifare – con qualche piccola modifica – sempre la stessa cosa. Non perdona nessun allontanamento dalla tradizione, arrivando a soffocare la creatività dell’artista di turno, preferendo ascoltare, vedere o leggere continue varianti di quello che gli è piaciuto una volta.

C’è, infine, la follia che porta alla degenerazione dell’animo umano (ma anche animale, come accade in romanzi come Cujo, per esempio) e che spinge a comportamenti estremamente malvagi. Annie è, per questa ragione, uno fra i “cattivi” più insopportabili e sgradevoli della storia della fiction mondiale. In assenza di mostri, vampiri o presenze dell’oltretomba, ciò che fa paura in quest’opera di King è l’imprevedibile crudeltà che muove le azioni e i pensieri della donna. È impossibile trovare un criterio logico: bisogna valutare volta per volta e pregare che il mostro dentro di lei non si risvegli e non chieda una vittima per saziare la propria sete… (anche Jack Torrence in Shining mostrava caratteristiche analoghe). Annie mette a disagio noi che dall’altra parte delle pagine c’immaginiamo cosa sia costretto a subire e – a suo malgrado – a sopportare Sheldon.

Romanzo superbo.

…dal libro al film…

Sul film dirò poco. E non perché sia stata una delusione o perché abbia tradito lo spirito del libro, anzi. La pellicola del bravo Bob Reiner ricostruisce bene le atmosfere del romanzo e non si dimentica la suspense che lo pervade. Il regista aveva già collaborato con King all’epoca del pregevole Stand by Me – Ricordo di un estate del 1986, film tratto da una storia contenuta in Stagioni Diverse, antologia di racconti che il “Re” ha pubblicato nel 1982.

Ugualmente fanno il loro dovere gli attori James Caan e Kathy Bates. A dire il vero, la Bates (che per questa interpretazione ottenne un Oscar) dà un’ottima prova impersonando nel migliore dei modi la brutta pazzoide Annie Wilkies.

Complessivamente, quindi, si tratta di un buon film, ben confezionato, curato e che non fa torto al libro eppure… eppure rispetto al romanzo rimane secondario, opzionale. Quello che intendo dire è che se dovessi scegliere a quale forma espressiva dare la precedenza, beh non avrei alcun dubbio a indicare il romanzo.

Niente di male nel gustarsi il film di Reiner, piuttosto il vero delitto sarebbe limitarsi a questo senza leggere il libro!

CHARLIE CITRINE

Dati film

Titolo: Misery non deve morire

Titolo originale: Misery

Regista: Rob Reiner

Sceneggiatura: William Goldman (romanzo: Stephen King)

Interpreti:

· Kathy Bates (Annie Wilkies)

· James Caan (Paul Sheldon)

· Lauren Bacall (Marcia Sindell)

Anno: 1990

Paese: USA

Colore: Colore

Durata: 107 minuti

Genere: Thriller

Internet Movie Data base

Un estratto dal romanzo (Sperling Paperback, 1991, pp. 3-4):

“[…] Con il passar del tempo, s’accorse che c’erano periodi di non-dolore e che questi periodi avevano una cadenza ciclica. E per la prima volta da quando era bambino era emerso dal buio totale che aveva anticipato la nebbia, formulò un pensiero separato dall’incomprensibile situazione in cui si trovava. Era il pensiero di un pilone spezzato che sporgeva dalla sabbia a Revere Beach. Suo padre e sua madre lo avevano condotto spesso a Revere Beach da bambino e lui pretendeva sempre che stendessero la coperta in un punto da dove potesse tenere un occhio su quel pilone, che a lui sembrava come l’unica zanna di un mostro sepolto. Gli piaceva sedersi a osservare l’acqua salire a coprire lo spuntone. Poi, ore più tardi, dopo che erano stati consumati i sandwich e le patate in insalata, dopo che erano state spillate anche le ultime gocce di Kool-Aid dal grosso thermos di suo padre, appena prima che mamma dichiarasse che era il momento di sbaraccare per tornare a casa, la cima di quel pilone marcio faceva di nuovo capolino un balenare istantaneo dapprincipio, nel riflusso delle onde poi sempre di più. Ora che avanzi e rifiuti erano stati gettati nel grosso bidone con la scritta TENETE PULITA LA VOSTRA SPIAGGIA e i giocattoli di Paulie erano stati raccolti

(‘Paulie è il mio nome è così che mi chiamo e questa sera la mamma mi metterà il Baby Oil della Johnson sulle scottature’ pensò dentro il cirrocumulo in cui viveva ora)

e la coperta ripiegata, il pilone era quasi completamente ricomparso, con il suo legno nerastro e viscido circondato da grappoli di schiuma. Era la marea, aveva cercato di spiegargli suo padre, ma lui aveva sempre saputo che era il pilone. La marea andava e veniva; il pilone restava. Solo che certe volte non lo si vedeva. Senza pilone, non c’era nemmeno la marea”.

Un post, due proposte

noreply@blogger.com (charlie citrine) — Tue, 03 May 2011 20:57:00 +0000

Come direbbero i più scarsi venditori di pentole e spazzole: "questa volta voglio proprio rovinarmi!". Ecco perché in questo post propongo non uno, ma ben due libri che sono diventati film. Anticipo già che - per entrambi - il mio personalissimo “mi piace” va alle versioni cinematografiche.

1. Il vecchio e il mare

Il primo libro-film è Il vecchio e il mare, dal romanzo breve del buon vecchio Ernest Hemingway. La storia è tanto nota quanto semplice: Santiago, un anziano, povero e malconcio pescatore di un’isola caraibica (probabilmente Cuba) non riesce a catturare nulla da numerose settimane. Sfiduciato e senza più speranze, esce un’ultima volta per mare, sebbene sia convinto che la mala sorte lo perseguiti e che anche quella volta le reti rimarranno desolatamente vuote. Ma il destino cambia, materializzandosi sotto forma di un enorme pesce – un marlin – con il quale ingaggia una battaglia fisica e psicologica lunga diversi giorni. Lasciandosi trascinare e strattonando, dando filo e tirandolo, riesce finalmente a stancare il bestione che ha abboccato all’amo. Sembra fatta, ma il ritorno verso la costa, al villaggio, riserverà altre sorprese al navigato pescatore.

Racconto bello e struggente (è sempre Hemingway, mica uno scribacchino qualsiasi) ma forse sopravvalutato e che frutterà al genio di Oak Park un Pulitzer (in ritardo, considerando altri e veri capolavori come Fiesta, Addio alle armi e Per chi suona la campana). Un anno dopo, nel 1954, sarà giustamente insignito del Nobel.

Spencer Tracy

Ma veniamo al film. Perché è meglio del libro? Risposta secca: perché c’è Spencer Tracy nel ruolo del povero pescatore Santiago. È un piacere vederlo muoversi con fatica sulla barchetta da pesca alle prese con reti, vele e quel maledetto marlin che non ne vuole proprio sapere di farsi catturare. È un piacere, poi, osservare la sua faccia segnata dal tempo che, dietro a un’espressione apparentemente burbera, nasconde una grande voglia di autoironia, di scetticismo, di presa in giro. Tracy è perfetto proprio perché riesce a interpretare un personaggio tragico e dolente, evitando però l’insidia di cadere in toni ridicolmente epici, del tipo “Lotta dell’Uomo contro la Natura” (con le prime lettere volutamente maiuscole…).

D’effetto poi la resa, nonostante tutto sia stato ricostruito in studio, dalla barca a vela al mare in tempesta fino al grosso marlin; si rimane ugualmente affascinati e inchiodati alla poltrona: non c’è effetto speciale che tenga. Suggestiva la fotografia.

Dati libro:

Titolo: Il vecchio e il mare
Titolo originale: The Old Man and the Sea
Autore: Ernest Hemingway
Anno: 1953

Dati film:
Regista: John Sturges
Sceneggiatura: Peter Viertel (romanzo: Ernest Hemingway)
Interpreti:
· Spencer Tracy (Santiago)
Anno: 1958
Paese: USA
Colore: Colore
Durata: 86 minuti
Genere: Drammatico
Internet Movie Data base

2. Giungla d'asfalto

Rimaniamo negli anni Cinquanta anche con il secondo libro-film. Questa volta però niente lotte titatiniche fra uomo-natura e niente allegorie che nascondono significati metafisici sul destino di ognuno di noi, ma la quotidiana e ordinaria violenza delle metropoli moderne. Il crimine dilaga nelle “giungle d’asfalto” del dopoguerra, popolate da tipi loschi, gangster spietati e un sottobosco di individui che fa dell’illegalità il proprio stile di vita. Ad arginare il marcio che avanza solamente pochi tutori dell’ordine che cercano di fare del loro meglio per mantenere un equilibrio tra lecito e illecito.

William R. Burnett. onesto artigiano della macchina da scrivere, ci racconta il colpo del secolo: una rapina da un milione di dollari a una gioielleria organizzata meticolosamente da una squadra di professionisti, ognuno esperto nel suo “campo” e tutti in grado di agire con freddezza anche nelle situazioni di forte stress. Ogni passaggio è studiato nel dettaglio: movimenti sincronizzati, attenzione ai minimi particolari, ottimizzazione del tempo. Ma anche la persona più abile a prevenire le situazioni pericolose, a evitare gli incidenti deve – prima o poi nella vita - scontrarsi con l’imponderabile. E allora tutta l’organizzazione, anche quella in apparenza più solida, si trasforma in un castello di carte a cui viene acceso di fronte un ventilatore… tutto crolla.

Una gangster story ben scritta e godibile che è stata trasformata in un grande film da John Huston. Sapiente uso della macchina da presa, inquadrature mai banali, la capacità di sfruttare tutte le potenzialità del bianco e nero e la bravura di dirigere tanti attori caratteristi, qui spremuti per farne uscire il meglio da ognuno. Per non parlare dell’esperienza nel saper tenere sotto controllo i tempi, soprattutto in una storia poliziesca che basa una buona fetta del successo proprio sul ritmo. Il senso della tragedia è rispettato: il crimine non solamente non paga ma una maledizione sembra colpire i partecipanti alla rapina.

Recita anche una giovane Marilyn Monroe.

Dati libro:

Titolo: Giungla d’asfalto
Titolo originale: The Asphalt Jungle
Autore: William R. Burnett
Anno: 1949

Dati film:

Regista: John Huston
Sceneggiatura: Ben Maddow, John Huston (romanzo: William R. Burnett)
Interpreti:
·         Sterling Hayden (Dix Handley)
·         Sam Jaffe (Doc Erwin Riedenschneider)
·         Louis Calherm (Alonzo D. Emmerich)
·         Marilyn Monroe (Angela Phinlay)
Anno: 1950
Paese: USA
Colore: Bianco e Nero
Durata: 112 minuti
Genere: Drammatico/poliziesco
Internet Movie Data base

CHARLIE CITRINE

Alta fedeltà

noreply@blogger.com (charlie citrine) — Tue, 26 Apr 2011 19:35:00 +0000

Titolo: Alta Fedeltà
Titolo originale: High Fidelity
Autore: Nick Hornby
Anno: 1995

Il libro…

Copertina edizione inglese

Dopo About a Boy – Un ragazzo torno a occuparmi di Nick Hornby, garanzia di abilità e di qualità narrativa. In sua compagnia si passano buoni momenti, ci si lascia andare a qualche sonora risata, spesso si sorride e moltissime altre volte ci si trova a esclamare “Cacchio, ha proprio ragione!”, soprattutto quando descrive sensazioni e situazioni tanto simili a quelle che anche a noi è capitato di vivere o provare. Ma c’è anche spazio per pensieri agrodolci e profondi su quel fatidico momento – che presto o tardi arriva – chiamato eufemisticamente "età della ragione". Senza dubbio Hornby non ci tedia con riflessioni sociologiche d’accatto sul declino della società, sull’assenza di valori delle nuove generazioni o sulle disparità fra classi, né ci rovescia addosso il suo moralismo o le sue frustrazioni.

Al massimo ci invita a considerare alcuni aspetti della nostra società, della maniera con cui si sviluppano le relazioni sociali e delle modalità con cui l’uomo medio tenda ad affrontare o ad evitare i problemi che gli si parano davanti. Ci parla degli anni Novanta, quelli dell’individualismo, del ritiro alla vita privata, della maturità costantemente rinviata, quelli del disimpegno (evviva!) e della non appartenenza forzata ad alcun gruppo.

Rob Fleming è un “ragazzo” di trentacinque anni che abita in un piccolo appartamento situato in quartiere a nord di Londra. È proprietario del “Championship Vinyl”, un negozio di dischi che resiste soprattutto grazie alla passione di chi ci lavora e non di certo per i magri guadagni che realizza. La sua è sempre stata un’esistenza tranquilla, senza particolari scossoni. Una vita fatta da piccoli e grandi interessi, innaffiata da buona musica quotidiana, da rituali bevute al pub con gli amici chiacchierando di dischi, film o programmi tv e a volte intervallata da incontri con ragazze più o meno attraenti. Una vita che Rob vorrebbe prolungare immutata all’infinito.

Ma siccome l’infinito non esiste, le cose, ora, stanno cambiando e in peggio. Rob è ormai prossimo a quel maledetto bivio - ignorato o sottovalutato per lungo tempo - che costringe a scegliere tra il continuare una vita spensierata in stile post-adolescenziale e, invece, imboccare la strada di un’esistenza matura e consapevole dei propri doveri. La decisione “sul cosa farò da grande” non può più essere rinviata, nonostante Rob continui a puntare i piedi per terra, cercando di rallentarne l’avvicinamento.

Il libro inizia proprio qualche giorno dopo la rottura con la sua ragazza, Laura, stanca dei suoi “forse” e delle sue esitazioni.

Il problema di Rob non è legato al semplice rifiuto a invecchiare (almeno finché si riesce a portare un giubbotto di pelle o a rimanere vagamente informati sulle ultime novità musicali). Piuttosto la questione riguarda l’accorgersi che si è ormai fuori tempo massimo per seguitare a fingere che gli anni non passano e che, superati i trenta, non è più consentito (pena cadere nel patetico) credere nei sogni di quando si aveva vent’anni.

Si tratta di qualcosa di più profondo, come una paura delle situazioni definitive che non di una forma della sindrome di Peter Pan: ciò che atterrisce Rob non è tanto raggiungere la vita adulta, ma è la dolorosa consapevolezza di non poter più limitarsi a soddisfare solo le proprie esigenze ma di dover pensare anche a quelle degli altri (quella della sua compagna, per esempio), in un oscillamento costante tra un egoismo un po’ infantile e un richiamo a una condotta più responsabile. Inoltre, è sconfortato al pensiero di doversi rassegnare alla banalità e alla ripetitività che – nella stragrande maggioranza dei casi – la vita adulta porta con sé; un’esistenza spesso uguale a quella dei propri amici, vicini di casa o genitori: matrimonio, acquisto di una casa con mutuo, nascita dei figli, un’attività mediamente monotona, tempo libero speso guardando la tv, andando al cinema o al centro commerciale.

Tutto ciò lo scopriamo dalla viva voce di Rob, che in una specie di confessione molto sincera e dai toni altrettanto divertenti e scanzonati, ci porta a conoscere il suo mondo, interiore ed esteriore, così pieno di contraddizioni, paure, sentimenti incompiuti, amici bislacchi e incontri particolari. Il tutto è talmente vero che ci si immedesima, provando istintivamente simpatia. Carattere distintivo del suo modo di raccontarsi è quello di stilare classifiche: partendo da quella delle separazioni più importanti, passando per quella dei 5 miglior dischi, libri o film americani, e arrivando fino a quelle dei lavori da sogno o delle musiche che si vorrebbero suonate al proprio funerale.

Elementi come dialoghi convincenti, la precisa descrizione di situazioni e sensazioni “reali”, e soprattutto una quantità enorme di riferimenti alla cultura pop e dei consumi rendono il libro di Hornby uno di quelli che ti ricordi anche mesi dopo averlo letto. Insomma, lo rendono "tuo".

…dal libro al film…

Stephen Frears confeziona una pellicola gradevole che si lascia guardare. Rob è interpretato da John Cusack (non proprio mister simpatia…), in questo frangente ben calato nel personaggio. Guarda in macchina e rivolgendosi agli spettatori spiattella alcuni monologhi sulla falsariga di quelli del libro.

Bravo Jack Black nella parte di Barry, l’insopportabile e invadente amico-commesso del negozio di dischi di Rob (un ruolo che calza a pennello a Black…).

Al contrario, oscura e senza un vero perché la scelta di ambientare la storia a Chicago anziché a Londra, come se immedesimarsi con una vicenda che ha luogo nella capitale inglese fosse troppo complicato per un cittadino americano… misteri holliwoodiani.

Un consiglio da amico: leggetevi il libro.

CHARLIE CITRINE

Dati film:

Titolo: Alta Fedeltà

Titolo originale: High Fidelity
Regista: Stephen Frears
Sceneggiatura: D.V. De Vincentis, Steve Pink, John Cusack, Scott Rosenberg (romanzo: Nick Hornby)
Interpreti:
·         John Cusack (Rob)
·         Jack Black (Barry)
·         Iben Hjejle(Laura)
·         Todd Louiso (Dick)
Anno: 2000
Paese: USA, Gran Bretagna
Colore: Colore
Durata: 113 minuti
Genere: Commedia/sentimentale
Internet Movie Data base

Piccola novità: al posto del solito filmato, un estratto dal libro (Guanda Editore, 1996, pp. 179-180):

Copertina edizioni Guanda

"Guardo le coppie che entrano in negozio, e le coppie che vedo nei pub, e sul bus e al di là dalle finestre. Alcune, quelle che parlano e si toccano e ridono e fanno un sacco di domande sono, ovviamente, coppie recenti, e non contano: come la maggior parte della gente, anch’io funziono bene quando la coppia è nuova. Per questo mi interessano solo le coppie più stabili, più quiete, quelle che hanno cominciato ad avanzare nella vita schiena a schiena, o fianco a fianco, anziché faccia a faccia. Non gli si legge molto, sulle facce, davvero. Non c’è una gran differenza fra costoro e quelli che non sono in coppia; provate a classificare le persone che incrociate per strada secondo le quattro categorie esistenziali – felicemente accoppiati, infelicemente accoppiati, single e disperati – e vi accorgerete che è impossibile. O piuttosto, un tentativo si può fare, ma niente ti dice se ci hai azzeccato o no. Mi sembra assurdo. È la cosa più importante della vita, e non riesci a capire se la gente ce l’ha o no. Chiaramente c’è qualcosa che non va, no? Chiaramente quelli che sono felici dovrebbero apparire tali, in ogni momento, indipendentemente da quanti soldi hanno in tasca o da quanto scomode siano le scarpe che portano o da quanto poco li lasci dormire il loro bebè; e quelli che non se la passano troppo male, ma ancora non hanno trovato l’anima gemella, dovrebbero apparire, non so, felici ma inquieti, un po’ come Billy Crystal in Harry ti presento Sally;e quelli che sono disperati, dovrebbero portare qualcosa, magari un nastro giallo, che gli permetta di essere identificati da altri egualmente disperati. Quando non sarò più così disperato, quando avrò sistemato tutta questa faccenda, prometto fin d’ora che non mi lamenterò più di come va il negozio, o della mancanza di anima della moderna musica pop, o della scarsità di imbottitura dei panini del bar qui davanti (1 sterlina e 60 per un panino con insalata, maionese e bacon, e nessuno di noi che abbia mai trovato più di quattro pezzettini di bacon a panino) o di qualsiasi altra cosa. Sorriderò tutto il tempo, radioso e beato, per il puro e semplice sollievo".

La solitudine dei numeri primi

noreply@blogger.com (charlie citrine) — Tue, 19 Apr 2011 20:06:00 +0000

Titolo: La solitudine dei numeri primi
Autore: Paolo Giordano
Anno: 2008

Il libro…

Copertina - Mondadori

Oh, finalmente un binomio libro-film che non vale la pena né di leggere né di vedere! Per quanto valore abbiano i miei suggerimenti, per la prima volta dalla nascita del blog sono certo di non consigliare a nessuno di utilizzare il proprio tempo perdendosi nelle esistenze tribolatissime dei due "numeri primi" tanto menzionati e celebrati negli ultimi anni. Per la serie: se potete statene alla larga...

Il romanzo d’esordio di Paolo Giordano è davvero poca cosa (alcuni lo chiamano “caso letterario”…). Una storia strappalacrime, zeppa di stereotipi, assolutamente artificiale e che, per reggersi in piedi per tutte le oltre 300 pagine, si basa su un lungo e un po’ furbetto ricatto emotivo.

Prima di proseguire eccovi la trama che per comodità e pigrizia copio e incollo servendomi di quanto scritto sul sito di Mondadori alla pagina dedicata al libro di Giordano.

Alice ha sette anni e odia la scuola di sci, ma suo padre la obbliga ad andarci. È una mattina di nebbia fitta, lei ha freddo e il latte della colazione le pesa sullo stomaco. In cima alla seggiovia si separa dai compagni e, nascosta nella nebbia, se la fa addosso. Per la vergogna decide di scendere a valle da sola, ma finisce fuori pista, spezzandosi una gamba. Resta sola, incapace di muoversi, al fondo di un canalone innevato, a domandarsi se i lupi ci sono anche in inverno.
Mattia è un ragazzino intelligente con una gemella ritardata, Michela. La presenza costante della sorella umilia Mattia di fronte ai suoi coetanei. Per questo, la prima volta che un compagno di classe li invita entrambi alla sua festa, Mattia decide di lasciare Michela nel parco, con la promessa che tornerà presto da lei.

Questi due episodi iniziali, con le loro conseguenze irreversibili, saranno il marchio impresso a fuoco nelle vite di Alice e di Mattia, adolescenti, giovani e infine adulti. Le loro esistenze, così profondamente segnate, si incroceranno e i due protagonisti si scopriranno strettamente uniti eppure invincibilmente divisi. Come quei numeri speciali, che i matematici chiamano primi gemelli: due numeri primi separati da un solo numero pari, vicini ma mai abbastanza per toccarsi davvero.

Partiamo dai protagonisti, i famosi "numeri primi". Sono due cliché viventi, concentrato ambulante di sfighe esistenziali. In loro si raccoglie tutto quanto di deprimente può capitare a un essere umano durante le difficili età dell’infanza e dell’adolescenza: problematiche con il cibo, solitudine e incomprensioni, vessazioni da parte dei compagni bulli, genitori vuoti e aridi di sentimenti, incapacità nel rapportarsi con l’altro sesso, amici freak e al limite della schizofrenia, nessun interesse, onanismo mentale, bruttezza fisica. Insomma, di tutto di più. Questa concentrazione di negatività stereotipate li rende inevitabilmente piatti, privi di carattere e troppo sfortunati per essere veri. Non uno scatto, non un cambio di ritmo, non una mossa inaspettata. Così prevedibili da essere irreali, finti, di cartapesta dall’inizio alla fine della storia. Questa staticità e questa bidimensionalità portano noi lettori – che li seguiamo riga dopo riga, pagina dopo pagina – a non provare alcuna emozione. Non scatta nessuna empatia: né odio, né pietà, né sofferenza, né amore. Non si parteggia e non si fa il tifo contro. Semmai, dopo l’ennesima svolta prevista si comincia a provare una certa irritazione per la vuota e sciocca ostinazione di Alice e Matteo (non bisogna essere dei veggenti per sapere che cosa diranno, faranno o sceglieranno durante la storia).

Il fatto che la vicenda non sia ambientata in una specifica città (chi è attento, però, capisce che si tratta di Torino) e che non ci siano veri appigli sulla realtà (questi due ragazzi appaiono sospesi in un limbo atemporale) sono elementi che non aiutano a entrare in sintonia con le loro sofferenze, se non a un livello puramente superficiale.

Non a caso risulta fastidioso il ricorso a situazioni emotivamente al limite del ricatto. Parlo di quelle cose tristi e pietose che mettono il magone in chi le sente (una bambina scomparsa, un incidente invalidante, l’umiliazione quotidiana etc). Si tratta di storie struggenti e patetiche che hanno come unico scopo quello di sobillare le corde più sensibili, anche di quelle persone dalla scorza più dura e cinica (me, per esempio). Ma che non vanno oltre a questo obiettivo.

Anche lo stile ne risente, risultando piuttosto monotono e raramente in grado di graffiare o colpire. Dialoghi volutamente (?) poveri e vagamente surreali.

Un plauso, invece, al titolo, davvero bello, di quelli che ti rimangono in mente (e non sto facendo dell'ironia).

Incredibilmente celebrato e carico di premi (Strega e Campiello opera prima) il libro è stato tradotto in oltre 30 lingue…

“Nostra signora” Wikipedia, addirittura, lo colloca nel sottogenere di “romanzo di formazione”!!

…dal libro al film…

La pellicola avrebbe potuto migliorare la storia, valorizzarne gli aspetti più interessanti e meritevoli e invece... perde l'occasione per farlo.

Alba Rohrwacher

Non so a quanti possa interessare quello che sto per dire, ma negli ultimi anni mi era capitato solamente un’altra volta di interrompere la visione di un film per manifesta noia o irritazione. Mi è capitato di addormentarmi, ma per il sonno esistono valide giustificazioni. Per esempio, può essere il normale risultato di una giornata di lavoro particolarmente dura; inoltre, il dormire sprofondati sul sofà non è affatto misura di un prodotto cinematografico scadente (anzi, succede di addormentarsi anche davanti a capolavori indiscussi). Dicevo che negli ultimi anni mi è capitato di interrompere una “proiezione” solamente con il film oggetto del post e con la riduzione cinematografica de Le particelle elementari di Houellebecq (romanzo superbo, pellicola inguardabile… ne parlerò prima o poi).

Tornando al film di Saverio Costanzo pare di trovarsi di fronte a un prodotto a metà strada tra una fiction povera di mezzi e certe produzioni horror italiane anni Ottanta, tipo imitazione depotenziata di un film di Dario Argento (ma se si guarda il trailer vengono in mente anche i video di Maccio Capatonda...).
In più, a complicare le cose, ci pensa la scelta del regista di narrare la vicenda passando di continuo dai flashback ai flashforward, ingarbugliando una storia che già di per sé non si fa proprio amare…

Degli attori, brava a prescindere (ma io sono di parte, avendo un debole per lei) Alba Rohrwacher nel ruolo di Alice da adulta.

CHARLIE CITRINE

Dati film:

Titolo: La solitudine dei numeri primi

Regista: Saverio Costanzo
Sceneggiatura: Saverio Costanzo (romanzo: Paolo Giordano)
Interpreti:
·         Alba Rohrwacher (Alice)
·         Luca Marinelli (Matteo)
·         Isabella Rossellini (Adele)
·         Maurizio Donadoni (Umberto Balossino)
Anno: 2010
Paese: Italia, Francia, Germania
Colore: Colore
Durata: 118 minuti
Genere: Drammatico
Internet Movie Data base

Il Nome della Rosa

noreply@blogger.com (wayne) — Sun, 10 Apr 2011 18:52:00 +0000

Titolo originale: Il nome della rosa

Autore: Umberto Eco

Anno: 1980

Il libro…

Copertina - Bompiani

Quale altro libro oltre alla Bibbia inizia con le parole: “In principio era il Verbo e il Verbo era presso Dio, e il Verbo era Dio” ?

Ebbene, anche “Il nome della Rosa” parte così. Dentro quest’ incipit si trova la chiave di lettura dei temi di questo celebre romanzo dove Eco forte di una minuziosa ricerca storica rende una narrazione in grado di rivelarci lo spirito del tempo medioevale e metterci di fronte a profonde tematiche filosofiche sulla natura umana e sulla conoscenza. Le pretese del libro che inizia con cotanta similitudine sono esaudite.

Con la finzione di riportare le memorie di Adso da Melk, ritrovate in un manoscritto (di manzoniana e borgesiana memoria) ci introduce nel Nome della Rosa, la cui trama basata su un impianto di genere giallo investigativo ( genere strausato e perciò ancor più difficile da maneggiare) narra i sette giorni trascorsi da Guglielmo da Baskerville, dotto francescano ed ex inquisitore e dal suo allievo, il novizio Adso, in un’abbazia benedettina dell’ Italia settentrionale nell’anno 1327.

Guglielmo è stato incaricato di organizzarvi un incontro tra la delegazione dell’Ordine Francescano e quella del Papa, allora dislocato ad Avignone e non a Roma, prima che lo scontro tra le tesi pauperistiche (quelle che volevano una Chiesa povera e priva di beni materiali) portate avanti dai francescani e quelle del potere temporale sostenute dal papato si acuiscano a tal punto da portare a una definitiva esclusione dall’ortodossia cattolica dei seguaci di San Francesco con conseguente persecuzione della Santa Inquisizione, già operante in Europa con il ferro e il fuoco contro tutte quelle frange di eretici che mettevano in discussione l’ autorità della fede cattolica.

Eco non parla mai di Lutero che verrà due secoli dopo, ma le tesi francescane qui narrate trovano già la sponda dell’ imperatore tedesco Ludovico il Bavaro che, tra l’altro, offrirà rifugi a molti eretici perseguitati dal papato. Insomma, non è un caso se sarà proprio la Germania a dare i natali alla Riforma Protestante.

Intanto, una serie di omicidi inspiegati di alcuni monaci rischia di offuscare la sede e il risultato dell’incontro tra le delegazioni. L'Abate priore del convento è preoccupato che la colpa possa ricadere su di lui, e confida nelle capacità inquisitorie di Guglielmo affinché faccia luce sui tragici omicidi, cui i monaci - tra l'altro - attribuiscono misteriose cause Apocalittiche con segnali della venuta dell’ Anticristo presenti sulla scena del crimine. Frate Guglielmo, invece, si limita a cercare puramente delle tracce.

(Per ricollegarmi al post de La Strada di McCarthy, direi che come si vede ogni epoca ha le sue paure apocalittiche e noi non siamo esclusi.)

La pensa così anche il grande inquisitore in arrivo, Bernardo Gui, incaricato della sicurezza della delegazione papale. Al suo arrivo, avvisato dei crimini, indagherà sui tristi accadimenti cercando di far luce su un mistero che si fa sempre più fitto. A questo punto Frate Guglielmo continuerà le indagini senza però aver più l’autorità di farlo, completamente a suo rischio.

Dietro questa ricerca del colpevole, nell’Abbazia si mostra quella che per secoli è stata davvero la sfida intellettuale tra i filosofi realisti e quelli nominalisti. Una disputa che si è protratta nei secoli e che ha toccato i filosofi empiristi inglesi dell’Ottocento da una parte e quelli Hegeliani dall’ altra, con strascichi - addirittura - fino all’ esistenzialismo del XX secolo. Ma volendo andare all’indietro si arriva anche ai presocratici, a Platone e ad Aristotele. Quest’ultimo tra l’ altro sarà fondamentale nello sviluppo della vicenda qui narrata.

Non sono temi da poco. Ecco perché Il nome della Rosa è ritenuto tra i libri italiani più importanti fra quelli scritti da autori contemporanei.

Il romanzo si conclude con un distico latino: "Stat rosa pristina nomine, nomina nuda tenemus" (ovvero: la rosa primigenia esiste in quanto nome, possediamo i semplici nomi).

Il nome "rosa" è conseguente all’essenza della rosa stessa o ne è parte integrante ?

Oppure torniamo di nuovo all’ incipit, ricordate? “Il Verbo era presso Dio, e il Verbo era Dio” è, in fondo, la frase più sibillina del mondo: lascia spazio all’ interpretazione sia dei realisti che dei nominalisti.

Eco non spiega mai esplicitamente nel libro il motivo del titolo, ma la mia impressione è che risieda proprio qui, in questi dilemmi.

E’ su questa base, infatti, che si possono scovare anche i colpevoli dei crimini. Costoro possono essere addirittura diversi a seconda dell’atteggiamento adottato dagli inquisitori. Il primo approccio, quello realista o filosofico empirista di frate Guglielmo (che ha studiato a Oxford) sostiene che solo guardando i segni, le prove che la natura (che opera per conto di Dio) ci fornisce e senza voler aggiungere altro di nostro, potremo arrivare alla Verità per de-duzione appunto. Nessuno è depositario di verità incontestabili o non risibili, perché la verità, la rivelazione e la gioia appartengono a Dio e risiedono nel creato (la natura) che è opera Sua e di cui noi possiamo partecipare con atteggiamento non antagonista ma di attenta osservazione. Il Male in fondo sta nell’ uomo che non vede la bellezza del creato (tanto osannato da San Francesco) e la Rivelazione dalla natura delle cose.

Il secondo atteggiamento, opposto al primo, è quello nominalista , proprio di chi vuole vedere prima della natura l’esistenza di un disegno ritenuto divino, soprastante e lontano dalla realtà fisica come un qualcosa di razionale (erroneamente ritenuto spirituale) che proviene invece dalla mente stessa di chi lo ha creato (in questo caso, sia da quella del dotto inquisitore Bernardo Gui che da quelle dei frati ignoranti e impauriti dalla venuta dell'Apocalisse).

E come più volte mostrato durante la narrazione, frate Guglielmo ritiene che il Maligno si riveli dapprima prima nelle menti di chi lo vuol vedere, cioè proprio l'atteggiamento tipico dei nominalisti. Questo modo di pensare porta in sé una contorsione tanto perversa quanto diabolica, laddove i giustizieri della fede risultano essere più malvagi degli eretici che condannano perche lo fanno sulla base delle loro convinzioni umane ed erronee e non seguendo l’umile ricerca delle cose accadute realmente.

L’Inquisizione, braccio armato della Chiesa detentrice del dogma, della Verità, già designa i giusti e gli ingiusti ben prima di guardare le prove, i segni della realtà, contro ogni metodo scientifico. E una volta stabilito a priori - magari anche inconsciamente - chi deve essere l’eretico e chi il santo, procede alla ricerca di qualsiasi fatto visibile che sia solo da corredo e non da fondamento a una tesi di giudizio già decisa.

Questi segni del maligno si troveranno arbitrariamente e senza difficoltà nella natura, non più rivelatrice di nulla, ma fonte fisica e rigogliosa di peccato e di colpa.

Non andiamo lontano: ancora oggi c’è chi pensa che un terremoto come quello “apocalittico” in Giappone è stato causato da un “castigo divino”, non fa altro che cadere nell’ errore nominalista che avversa la natura e lo sguardo scientifico che noi possiamo volgere su di essa, e si atteggia a moderno Inquisitore, fuori tempo massimo.

Certo è che se la verità sta nella conoscenza , l’immensa labirintica Biblioteca dell’Abbazia ha qualcosa a che fare con i misteri delittuosi che si perpetrano tra i confratelli.

Il personaggio di Guglielmo da Baskerville ricorda palesemente il filosofo francescano inglese Guglielmo di Occam, maestro del metodo deduttivo celebre per la famosa teoria del “Rasoio di Occam” che davvero entrò nell'ordine francescano in giovane età, studiò all'Università di Oxford fra il 1307 e il 1318, intraprendendo l'insegnamento in seguito.

Accusato di eresia, subì un processo da parte dell'Inquisizione ad Avignone nel 1324, a seguito del quale cinquantuno sue enunciazioni teologiche vennero condannate dal pontefice Giovanni XXII. Fu successivamente assolto, anche se troppo tardi (alla sua morte...).

Si può ritenere che il modo di pensare di un empirista sia solo quello di un laico, invece Occam era un francescano, un uomo di fede che credeva nella bontà della natura.

Inoltre, il paese di provenienza di Guglielmo richiama alla memoria Il mastino dei Baskerville di Conan Doyle, e quindi Sherlock Holmes. Allo stesso modo Adso ricorda Watson, l’aiutante di Holmes anche nell’assonanza dei nomi. Il semiologo Eco non si smentisce qui e là lungo il testo.

…dal libro al film…

Sean Connery e Christian Slater nel film

Il film esce nel 1986, sei anni dopo il libro, diretto da Jean-Jacques Annaud. La fotografia e il cast ne hanno fatto un prodotto godibile.

Ricordiamo tra tutti Sean Connery nel ruolo di Guglielmo, un giovanissimo Christian Slater nei panni di Adso da Melk e Murray Abraham nelle vesti di Bernardo Gui.

Dopo 5 anni di preparazione il film venne girato in 4 mesi fra Cinecittà, il Monastero di Eberbach in Germania (l'Abbazia del film) e la suggestiva Rocca Calascio con le splendide colline d’ Abruzzo che rendono l’idea di come dovesse l’ Italia preindustriale.

"Annaud ha deciso", dice Eco, "di definire nei titoli di testa il suo film come un palinsesto dal Nome della rosa. Un palinsesto è un manoscritto che conteneva un testo originale e che è stato grattato per scrivervi sopra un altro testo. Si tratta dunque di due testi diversi".

La differenza principale rispetto all'originale sta nella rimozione delle discussioni teoriche, ritenute troppo complesse per poter essere riportate al cinema. Questo limite risulta però fatale.

La visione della storia è troppo riduttiva, semplice, meno inserita in un contesto culturale necessariamente complesso come nel libro, dove la soluzione del giallo e le chiavi interpretative sono sapientemente nascoste proprio nelle lunghe digressioni storico-filosofiche e qui invece resistono solo come divagazioni

Purtroppo ne risentono proprio i significati dell’opera: nella pellicola insomma tutto si riduce ad un bel giallo in una bella ambientazione storica ancor oggi resistente al tempo forse anche perche mostra un medioevo esagerando alcuni caratteri dell’epoca per avvicinarsi a come pensiamo davvero che fosse. Molto è affidato alla bravura di Sean Connery (frate Guglielmo) nelle indagini a sfondo noir, con autopsie degne di CSI e deduzioni al pari del dottor Walter Bishop del serial Fringe .

I personaggi sono troppo delineati e i cattivi addirittura puniti come il pubblico si aspetta che sia; anche il Bene e il Male, nell’opera di Eco volutamente enigmatici e difficili da districare, qui sono troppo divisi.

Un plauso va alla scena erotica dove Adso-Slater scopre l’amore grazie a una giovane e selvaggia contadina, molto più realistica di tante azioni di sesso spinto di molti film, che troppo spesso risultano o troppo patinate o troppo volgari proprio perché il regista non ha saputo ben dosare, come invece sa fare Annaud, il difficile equilibrio di una scena di nudo.

Del tutto arbitraria è l'associazione tra l'ignoto nome della ragazza e il nome della rosa, come se solo questo fosse la metafora ultima dell'intera vicenda; infine, viene privilegiata la storia d’amore rispetto a un opera in cui l’amore è solo uno dei piani esplorati.

WAYNE

Dati film:

Titolo: Il nome della rosa

Titolo originale: Der Name der Rose

Regista: Jean-Jaques Annaud

Sceneggiatura: Andrew Birkin (romanzo: Umberto Eco)

Interpreti:

Sean Connery (Guglielmo di Baskerville)
Christian Slater (Adso di Melk)
Murray Abraham (Bernardo Gui)
Ron Perlman (Salvatore)

Anno: 1986

Paese: Italia, Francia, Germania

Colore: Colore

Durata: 130 minuti

Genere: Giallo/Storico

Internet Movie Data base

Un tram che si chiama desiderio

noreply@blogger.com (charlie citrine) — Mon, 04 Apr 2011 21:05:00 +0000

Titolo: Un tram che si chiama Desiderio

Titolo originale: A Streetcar Named Desire

Autore: Tennessee Williams

Anno: 1947

Il libro…

Vivien Leigh e Marlon Brando in una scena del film

Una volta sbarcata a New Orleans, Blanche Dubois sale su un tram chiamato – per l’appunto – “Desiderio” per raggiungere l’appartamento dove la sorella Stella si è trasferita dopo essersi sposata.

Da una cittadina del "vecchio", tranquillo e tradizionalista sud al Quartiere Francese, cuore pulsante di New Orleans, la città più peccaminosa ed equivoca degli Stati Uniti. Un bel salto per la fragile Blanche, donna di mezza età, con qualche nevrosi di troppo, in fuga da una vita tremendamente infelice e dai molti lati oscuri, con segreti imbarazzanti che verranno man mano a galla durante la permanenza a casa della sorella.

Di indole raffinata, sessualmente repressa e dalle mille insicurezze che le derivano da un’esistenza fatta di apparenze da difendere e rispettabilità da tenere in piedi a tutti i costi, Blanche è totalmente fuori posto nel povero appartamento di Stella. È fuori luogo quanto i suoi vestiti costosi, le sue buone maniere, la sua conversazione affettata, il suo comportarsi in punta di forchetta. Di certo la cerchia di persone che frequenta la sorella non è fatta per i profumi, il tè delle cinque e la conversazione sul tempo atmosferico. Abituata agli agi e ai privilegi della classe bianca proprietaria terriera del sud, Blanche si scontra con la realtà della working class sporca, rude e violenta, spesso composta da quegli immigrati nuovi arrivati in America. Ne rappresenta appieno la carica brutale il marito di Stella, tale Stanley Kowalski, un operaio di origini polacche. Aggressivo, passionale, malvagio ma anche forte e bello, Kowalski non ha rispetto per nulla. Lo stesso rapporto con la moglie Stella – fatto di grandi slanci passionali e di altrettanto violenti litigi – risente dell’indole ribelle e imprevedibile del giovane operaio. Kowalski si lascia andare ai suoi istinti, non modera il suo temperamento così come non tiene a freno la lingua e le mani sia quando si tratta di risolvere le questioni pubbliche che quelle private.

La convivenza fra i tre non sarà – c’era da scommetterci – per nulla agevole, nemmeno quando Blanche tenta di ambientarsi, frequentando il timido e imbranato Mitch, compagno di poker di Stanley.

È chiaro fin dall'inizio che il compiersi della tragedia è solamente questione di tempo.

…dal libro al film…

L’urlo “Hey Stellaaaaaaaaaaaaa!” (vedere filmato qui sotto riprodotto) di un ubriaco e disperato Marlon Brando alias Stanley Kowalski è una di quelle scene che fanno la storia del cinema.

Locandina teatrale

Brando era già stato Stanley Kowalski a teatro, nella prima rappresentazione dell’opera di Tennessee Williams, a Broadway, dicembre 1947. E anche allora il regista era Elia Kazan, prima prova di un’accoppiata vincente che lavorerà in due altre pellicole del calibro di Viva Zapata! (1952) e Fronte del porto (1954).

Impossibile non notare come, pur passando i decenni, Brando rimanga uno dei grandissimi del cinema. Davvero pochi (e chi, poi?) quelli che sono riusciti a riempire lo schermo, a segnare anche con poche battute, con uno sguardo, con un semplice movimento un intero film. Non è questo il luogo né il momento per tessere le sue lodi (ci vorrebbero molti post….). Tuttavia, basti pensare ad Apocalypse Now per capire quanto fosse carismatico: l’attesa crescente della sua comparsa (nei panni del mitico colonnello Kurtz) segna una pellicola di quasi due ore e mezza.

Analogo discorso per la tormentata interpretazione di Ultimo Tango a Parigi fino al sublime Don Vito Corleone de Il Padrino… (e continuerei solamente per il piacere che suscita ricordare questi capolavori).

In Un tram chiamato desiderio è giovane, al top della forma attoriale (miglior discepolo dell’Actor Studio newyorkese) e fisica. Nel giro di poco si trasforma in una vera icona, star moderna così lontana dai “belli” hollywoodiani dell’anteguerra (alla Clarke Gable, per capirci).

Sprezzante, ribelle, arrogante, sicuro di sé, Brando viveva e recitava senza risparmiarsi.

Ad aiutarlo in questa fatica ci sono una perfetta Vivien Leigh, algida e svampita nei panni della petulante e nevrotica Blanche e Karl Malden, “caratterista” di altissimo livello e dal volto inconfondibile come il suo enorme naso. Stella Kowalski è interpretata da Kim Hunter.

Pellicola stupenda e intensa che – nonostante gli anni – non perde un grammo della sua forza. Lascia stupiti.

CHARLIE CITRINE

Dati film:

Titolo: Un tram che si chiama Desiderio

Titolo originale: A Streetcar Named Desire

Regista: Elia Kazan

Sceneggiatura: Oscar Saul (dramma: Tennessee Williams)

Interpreti:

· Marlon Brando (Stanley Kowalski)

· Vivien Leigh (Blanche Dubois)

· Kim Hunter (Stella Kowalski)

· Karl Malden (Mitch)

Anno: 1951

Paese: Stati Uniti

Colore: b/n

Durata: 122 minuti

Genere: drammatico
Internet Movie Data base

Dalia Nera - Black Dahlia

noreply@blogger.com (charlie citrine) — Sat, 26 Mar 2011 16:08:00 +0000

Titolo: Dalia Nera

Titolo originale: Black Dahlia

Autore: James Ellroy

Anno: 1987

Il libro…

Edizione americana

Nel gennaio del 1947, in un lotto di terreno non ancora edificato della città di Los Angeles, venne trovata una giovane donna priva di vita; il suo corpo era letteralmente tagliato in due e orrendamente mutilato.

La vittima si chiamava Elizabeth Short, una poco più che ventenne giunta in California in cerca di fortuna dopo aver lasciato una piccola cittadina industriale nei dintorni di Boston. Dalle informazioni che poliziotti e giornalisti avevano raccolto sul suo conto emergeva il ritratto di una ragazza piuttosto disinibita che non esitava a passare da un uomo all’altro, specie se stretto in una divisa da soldato decorata da qualche medaglia o se legato in qualche modo al luccicante mondo del cinema.

L’efferatezza con cui era stato commesso il crimine e il contorno pruriginoso ed equivoco che circondava la povera vittima avevano suscitato l’interesse morboso dei media, del loro pubblico e, quindi di riflesso, del distretto di polizia. Davanti a una storia così succulenta piena di ninfomania, perversione, disinibizione e sangue i giornali popolari ci andarono a nozze. Quando poi scoprirono che Elizabeth aveva l’abitudine di vestirsi di nero, passando da un locale all’altro sul Sunset Strip, il personaggio da prima pagina era bello che pronto. La creazione del nomignolo Dalia Nera non era che la variazione del titolo di una pellicola di successo dell’epoca, Blue Dahlia.

Nel pool di investigatori preposti a scoprire chi aveva compiuto quello scempio c’era anche Dwight "Bucky" Bleichert, ex pugile con alle spalle un’onorevole carriera come peso medio, solitario, pessimista e disilluso da tutto, nonostante non avesse da molto superato i 30 anni di età. Da semplice agente in divisa era passato alla prestigiosa Squadra Omicidi grazie soprattutto alla buona parola di Lee Blanchard, anch’egli ex pugile, generoso ma molto irruente poliziotto in piena ascesa carrieristica. Lee era legato sentimentalmente all’intrigante Kay Lake, una donna che Bucky aveva imparato a conoscere durante le assidue frequentazioni alla casa del “socio” di lavoro.

Per i due poliziotti però, non era tempo di un’esistenza serena e libera dalle preoccupazioni: le indagini sulla morte della Dalia diventavano un’ossessione, assorbendo ogni loro energia sia fisica che nervosa. Più si procedeva, più le cose si complicavano, più ci si imbatteva in persone corrotte e più risultava complicato tornare indietro, quando il nome Elizabeth Short non significava nulla.

Partendo da un reale e famosissimo caso di omicidio ancora irrisolto, James Ellroy costruisce un romanzo formidabile che si presta a più livelli di lettura. Innanzitutto, ripaga le attese di coloro che amano il genere giallo-noir. Siamo, infatti, di fronte a una storia di ottima fattura, con una trama investigativa complessa e coinvolgente, ricca di colpi di scena, di momenti di tensione e di un po’ di sangue.

Ugualmente, Ellroy è in grado di venire incontro ai gusti di coloro che, oltre a una storia avvincente e alla descrizione dei processi investigativi – spesso meccanici e ripetitivi – vogliono avere qualcosa in più. Lo scrittore losangelino li accontenta inventando personaggi interessanti, con un loro spessore e per questo lontani dai ridicoli cliché che infestano molti romanzi gialli. Lee, Kay, Madeleine e sopratutto Bucky mostrano di avere sentimenti, passioni e ossessioni – una loro “vera” vita – che vanno al di là del ruolo che le indagini gli hanno assegnato.

Personaggi così credibili devono muoversi, per forza in un ambiente altrettanto ricco di suggestioni, come lo era la Los Angeles della seconda metà degli anni Quaranta, quando la famosissima scritta sulle colline era ancora “Hollywoodland” (le ultime quattro lettere saranno rimosse solamente due anni più tardi, nel 1949). Una città disordinata e già incredibilmente estesa pur essendo ancora giovane. A quell’epoca, in certe sue zone di periferia l’asfalto e le case terminavano bruscamente, lasciando spazio al nulla di campi ancora incolti. Una città incosciente e molto amorale popolata da ragazze di provincia pronte a ogni bassezza pur di una particina in un film e con il sottobosco di finti pezzi grossi del cinema rapidi ad approfittarne. Una città dove si poteva crescere in fretta, piena di politicanti ambiziosi, di costruttori dal passato oscuro bravi nel fare soldi a palate fabbricando sulle colline circostanti, di poliziotti corrotti e violenti e di miserabili delinquenti senza scrupoli. Una città di confine con l’altra America, quella latina e di lingua spagnola.

…dal libro al film…

Non nascondo che per un amante – quale sono – del cinema di Brian De Palma è davvero difficile ammettere che la trasposizione su grande schermo di Black Dahlia non rientri tra le pellicole più emozionanti degli ultimi anni...

Brian De Palma

E mai come in questo caso si potrebbe usare a proposito l’espressione “riduzione cinematografica”. Una “riduzione”, purtroppo, da intendersi nella sua accezione (negativa) di mancanza di una parte con relativo impoverimento del tutto. Quindi “riduzione” della trama di un romanzo difficilmente riassumibile in maniera comprensibile in 2 ore di pellicola. Riduzione della ricchezza psicologica dei protagonisti della vicenda, qui appena abbozzati. Riduzione delle emozioni che la storia suscita durante la lettura: scompaiono quasi completamente la disperazione, il fatalismo, la spinta all’autodistruzione e i pensieri ossessivi che guidano le esistenze dei vari personaggi dopo la morte della Dalia. Non penso di sbagliarmi se affermo che chi non ha letto il libro faccia un’enorme fatica a entrare nella storia.

Tuttavia, la pellicola è da guardare. Ciò che la salva è proprio la bravura formale di De Palma, la sua straordinaria abilità nel saper usare la macchina da presa, nel suo modo maniacale di curare i dettagli (aiutato dalle scenografie perfette di Dante Ferretti), di ricreare situazioni e di dirigere gli attori. Con la sua classe e il suo senso estetico sviluppatissimo copre e supplisce alle magagne di una narrazione troppo semplificata.

Sensualissima Hilary Swank nei panni della Dark Lady Madeleine, bravo Josh Harnet in quelli del poliziotto pessimista Bucky Bleichert mentre fuori parte Scarlett Johanson, qui bambolotta bionda un po’ lagnosa nel ruolo di Kay (che nel libro, invece, appariva come una donna che sapeva il fatto suo…).

CHARLIE CITRINE

Dati film:

Titolo: The Black Dahlia – Dalia Nera

Titolo originale: The Black Dahlia

Regista: Brian De Palma

Sceneggiatura: Josh Friedman (romanzo: James Ellroy)

Interpreti:

· Josh Hartnett (Dwight “Bucky” Bleichert)

· Scarlett Johansson (Kay Lake)

· Hilary Swank (Madeleine Linscott)

· Aaron Eckhart (Lee Blanchard)

Anno: 2006

Paese: Stati Uniti, Germania, Francia

Colore: colore

Durata: 121 minuti

Genere: noir/drammatico

Internet Movie Data base

The Road

noreply@blogger.com (charlie citrine) — Sat, 19 Mar 2011 13:57:00 +0000

Titolo: La strada

Titolo originale: The Road

Autore: Cormac McCarthy

Anno: 2006

Il libro…

Edizione americana

Dal mio punto di vista, gli avvenimenti tragici che hanno colpito il Giappone (terremoto, conseguente tsunami e pericolo radiattivo) sono coincisi con la lettura di un libro “post-apocalittico” come The Road, di quel maestro di scrittura che è Cormac McCarthy.

Ciclicamente l’Apocalisse (con la “a” maiuscola o minuscola, scegliete voi) torna ad interessare gli esseri umani, ad essere al centro di riflessioni filosofico-religiose, a diventare oggetto delle trame di libri o di film e soggetto di opere d’arte. E il pensiero dell’Apocalisse porta con sé quello del post, del “cosa ci aspetta dopo” e di cosa rimarrà passata la catastrofe.

Spesso la colpa degli sconvolgimenti apocalittici è stata attribuita all’uomo, alla sua malvagità, alla sua sete di potere, al suo folle desiderio di manipolare la Natura e alle storture di uno sviluppo incontrollato e di un iper-tecnologismo senza freni (dal Diluvio Universale passando per le guerre atomiche fino agli esperimenti scientifici più rischiosi che innescano reazioni a catena). A volte è stata data alla Natura stessa, che da benevola si trasforma in “matrigna”, pronta a sterminare ogni forma di vita presente sulla faccia della Terra (con la diffusione di pandemie letali, con eruzioni vulcaniche spaventose, con terremoti e maremoti devastanti e meteoriti che centrano in pieno il nostro Pianeta). Infine capita che la minaccia venga da fuori, con l’invasione di altre forme di vita particolarmente aggressive (civiltà aliene distruttrici)...

Ma veniamo a questo romanzo. In un pianeta Terra privo di qualsiasi forma di vita naturale o animale, un padre e un figlio si trascinano lungo le strade ricoperte di cenere. Il loro obiettivo è arrivare sulla costa dove sperano di trovare condizioni di vita migliori e magari un’embrionale forma di società civile composta da persone che – come loro – desiderino tornare a vivere insieme in armonia. Il mondo come lo conosciamo noi oggi è finito alcuni anni prima, in seguito a un evento traumatico non del tutto svelato nella trama. Da quel giorno fatidico tutto è morto: niente più animali, niente più pesci o uccelli, niente più alberi, prati, fiori o campi coltivati. Solamente freddo, pioggia, incendi e un sole troppo debole per riuscire a scaldare quello che rimane sulla crosta terrestre e per poter perforare con i suoi raggi la spessa e grigia cortina di fumo che avvolge l’atmosfera. Le città sono deserte, con case, palazzi, centri commerciali abbandonati, saccheggiati, devastati dal fuoco o dalla mano di chi è arrivato dopo. In molti punti sono presenti cadaveri carbonizzati.

Padre e figlio arrancano spingendo – molto post-modernamente – un carrello del supermercato riempito con poche e miserabili cose quali coperte sudicie, scarpe sformate, un telo di plastica come riparo dalle intemperie e le scarsissime provviste che sono riusciti a trovare lungo il cammino. Come due derelitti senzatetto viaggiano sporchi e inzuppati fino al midollo di acqua piovana e fango, soffrono la fame e dormono sul terreno duro e gelato con l’unico confort del piccolo fuocherello che riescono ad accendere prima di sdraiarsi. La strada che li porterà in riva all’oceano è lunga, faticosa e piena di insidie. Il rischio viene dai pochi sopravvissuti riuniti in bande pronti a rapinare e a uccidere i viandanti che si avventurano per le strade deserte. La catastrofe ha sovvertito e spazzato via anche le più elementari leggi morali e ora l’unica ancora in vigore è quella di sopravvivenza: violenze, omicidi e cannibalismo sono all’ordine del giorno.

Padre e figlio – di cui non sapremo mai i nomi –si difendono con una pistola nel cui tamburo sono rimasti solamente due proiettili e con l’intelligenza di chi sa stare all’erta perché conosce i pericoli. Si fanno coraggio a vicenda e in quel mare di desolazione e disperazione cercano di rimanere il più possibili “umani”. La loro voglia di sopravvivere non può diventare ragione per sopraffare il prossimo. Lo sa il padre ma ne è convinto soprattutto il bambino che non perde occasione per chiedere al genitore conferma di due cose: se loro “sono ancora i buoni” e se è vero che “portano il fuoco” nel cuore.

In un ambiente ostile, dove i giorni lividi e le notti buie si susseguono tutti spaventosamente uguali, padre e figlio non perdono la speranza. Non che coltivino particolari illusioni su quello che troveranno lungo la costa, ma qualcosa – un barlume anche fioco – li spinge a continuare a camminare anche quando le gambe si piegano per la fatica e la fame, a resistere quando non serve nemmeno fasciarsi i piedi con borse di plastica e quando, al minimo rumore, bisogna nascondersi come animali impauriti. Il reciproco amore è ciò che dà loro il coraggio di spingere, metro dopo metro, il carrello pieno di stracci.

Romanzo stupendo, angosciante, intenso. Coinvolge talmente tanto che è difficile richiuderlo una volta che lo si è iniziato a leggere. Con il suo stile asciutto ma penetrante con zero retorica e molta profondità rapisce e ci porta nel cuore delle cose narrate.

Tocca temi al tempo stesso tanto universali quanto intimi che è davvero impossibile non rimanerne colpiti. Anche chi vuole vivere giorno per giorno senza farsi domande sul futuro – immediato o remoto che sia – non potrà, almeno per un istante, pensare al significato del nostro stare sulla terra, al tempo che ci è concesso, all’imprevedibilità di situazioni che non possiamo controllare (il terremoto o altre catastrofi), alla durata del mondo, alle ragioni che ci spingono a continuare a resistere nonostante il dolore.

Premio Pulitzer per la narrativa nel 2007.

…dal libro al film…

Viggo Mortensen e Kodi Smith-McPhee
in una scena del film

Sul film c’è poco da dire e non perché sia un prodotto modesto, anzi. La pellicola di John Hillcoat segue molto da vicino il romanzo di McCarthy, lo rispetta, limitandosi a mettere in immagini le parole dello scrittore americano. L’insieme funziona, le atmosfere sono ben ricreate con i paesaggi desolati e spenti e gli episodi più crudi presenti nel libro vengono trattati senza censure, ma anche senza indulgere troppo su particolari macabri (niente gusto splatter, per fortuna). Viggo Mortensen – sempre più convincente – è bravo e credibile nel ruolo del padre protettivo e tenace. Ben calibrato anche l’inserimento dei brevi flashback, con scene prese dal passato remoto (il mondo com’era prima) e da quello più prossimo (con il mondo già cambiato) quando il viaggio verso il mare non era ancora iniziato e la madre-moglie dei due uomini era ancora presente.

Da vedere, ma soprattutto da leggere.

CHARLIE CITRINE

Dati film:

Titolo: The Road

Titolo originale: The Road

Regista: John Hillcoat

Sceneggiatura: Joe Penhall (romanzo:Cormac McCarthy)

Interpreti:

· Viggo Mortensen (padre)

· Kodi Smith-McPhee (figlio)

· Charlize Theron (madre)

· Robert Duvall (vecchio)

Anno: 2009

Paese: Stati Uniti

Colore: Colore

Durata: 111 minuti

Genere: Drammatico

Internet Movie Data base

I Love Shopping

noreply@blogger.com (wayne) — Fri, 11 Mar 2011 21:48:00 +0000

Titolo: I Love Shopping

Titolo originale: The Secret Dreamworld of a Shopaholic (Confessions of a Shopaholic negli USA)
Autore: Sophie Kinsella
Anno: 2000

Il libro…

The Secret Dreamworld of a Shopaholic (Confessions of a Shopaholic negli Stati Uniti) tradotto intelligentemente in I Love Shopping è il primo romanzo di una lunga saga scritto da Madeline Wickham con lo pseudonimo di Sophie Kinsella. Si tratta di una delle più celebri opere della cosiddetta letteratura chick lit.

La cover della
edizione italiana- Mondadori

Rebecca Bloomwood vive in un appartamento nella ricca Fulham, quartiere alla moda di Londra, grazie alla sua benestante coinquilina e inseparabile amica Suze.

Dopo essersi laureata in economia, Becky è diventata una giornalista finanziaria per la rivista “Far Fortuna Risparmiando” (“Successful Savings”); questa occupazione, tuttavia, la annoia.

È carina, non priva di inventiva e ha un’irresistibile passione: lo shopping che la spinge a comprare senza freni di tutto, dagli abiti di griffe famose agli accessori, ai cosmetici, ai dolci, alla biancheria, agli inutili articoli per la casa, eccetera.

Per lei comprare è “come svegliarsi al mattino e rendersi conto che è sabato. È come i momenti migliori del sesso”. Esce di casa per andare al lavoro e si sente mancare se non può acquistare l’ennesimo golfino.

Se Suze arriva a chiudere un occhio sulla sua insolvenza nel pagarle l’affitto mensile, lo stesso non possono fare le Banche. Il debito considerevole sulle carte di credito non fa sconti e un piacere può trasformarsi in una terribile dipendenza con tutti i guai che si porta dietro.

Beky, però, ha di buono che non tradisce mai la sua sincerità e i suoi sentimenti, anche a costo di mettere a repentaglio la sua vita sentimentale, la sua carriera e il suo quanto mai indispensabile stipendio pur di salvare le persone che ama e le giuste cause.

Forse questo la potrà redimere: sapere che nella vita esiste qualcosa che non è in vendita.

Il romanzo vola sul filo della commedia, la trama può considerarsi banale come lo è spesso la nostra vita: il realismo, dunque, non manca. La voglia di svago fa sfogliare le pagine in modo veloce e piacevole.

Il libro è condito con quella leggerezza che amo tanto nelle donne quando entrano in un negozio e sanno che questo significa anche un po’ sognare.
Indipendentemente dal fatto di comprare qualcosa – come fa compulsivamente Beky – il desiderio si può esaudire anche solo provando qualcosa che spesso, una volta a casa, è già dimenticata perché di fatto superflua e perché quel che contava davvero era stare nel negozio.

Quante donne (e non solo) si sono riconosciute in queste situazioni? Per questo I Love Shopping ha venduto un sacco di copie nel mondo: nessuna ragazza ha potuto fare a meno di leggerlo (anche quelle che negano).

…dal libro al film…

Il film non gioca sul piano dell’identificazione con il pubblico e cade nel più facile dei rischi: banalizzare la storia peggiorando il tutto in un inevitabile “spottone” pubblicitario pieno di luci e colori. Prodotto solo per fare cassetta.

Locandina del film lingua inglese

P.J. Hogan e soci credendo di fare piccoli ritocchi in realtà stravolgono la trama e i personaggi: siamo a New York e non a Londra, Luc Brandon è troppo buono rispetto al libro e non è trattata la figura di Tarquin, il fratello di Suze, aristocratico scozzese dandy e sfigato, improponibile in versione statunitense ma indispensabile per dar complessità al personaggio di Rebecca.

In definitiva tutto è molto “pornografico”: gli abiti scintillanti sono cose che nessuno indosserebbe e le recitazioni potrebbero anche essere buone ma risultano false ed esagerate: Alicia Billington (Leslie Bibbs) rivale di Beky poi sembra davvero una pornostar.

Rebecca appare per lo più come una scema superficiale senza fascino e la maggior parte del pubblico femminile secondo me fatica a riconoscersi in lei come era, invece, possibile fare con il personaggio del libro.

Isla Fisher (la Beky del film) è, infatti, tutta un insieme di gridolini, saltelli, smorfie e carinerie.

In definitiva, “Shopaholic” è solo da leggere.

WAYNE

Dati film:

Titolo: I love shopping
Titolo originale: Confessions of a Shopaholic
Regista: P.J. Hogan
Sceneggiatura: Tracey Jackson, Tim Firth, Kayla Alpert (romanzo: Sophie Kinsella) Interpreti:

· Isla Fisher (Rebecca Bloomwood)

· Krysten Ritter (Suze)

· Hugh Dancy (Luke Brandon)

Anno: 2009
Paese: USA

Colore: Colore
Durata: 104 minuti

Genere: Commedia/Romantico

Internet Movie Data base

Pop Porno, Godard e...

noreply@blogger.com (charlie citrine) — Sun, 06 Mar 2011 23:33:00 +0000

Ancora un post dedicato all’intreccio tra musica-video, libri e cinema.

Il Genio

Questa volta ci fermiamo in Italia con un duo di artisti salentino-milanesi che di nome fa Il Genio. La canzone in questione si intitola Pop Porno ed è stata un vero e proprio tormentone tra la fine del 2008 e l’inizio del 2009 (aggiungiamo subito un bel tormentone, non avendo nulla a che vedere con roba del tipo Waka Waka di questa estate o, peggio, Chiwawa di qualche anno fa). Usando la descrizione presa pari pari da Wikipedia (io non avrei saputo dire meglio) Pop Porno è definito “un brano raffinato che recupera le atmosfere della musica anni Sessanta, dello Shibuya kei e dell'easy listening internazionale”… Senza dubbio, un esperimento molto piacevole e reso ancora più interessante dal video che ne accompagnava la messa in onda.

E il clip è un vero intrico di rimandi e citazioni. Roba da malditesta. Come prima cosa si ricostruisce una scena di uno dei film rappresentativi della Nouvelle Vague, il Vivre sa vie (1962) di Jean Luc Godard. Alessandra Contini, voce de Il Genio, fa il verso ad Anna Karina, maliziosa protagonista della pellicola di Godard. Come la bellissima musa del maestro francese, la cantante improvvisa un balletto attorno a un tavolo da biliardo dove un ragazzo dall’aria indifferente tenta di fare qualche tiro (nel video interpretato dall’altra metà del gruppo, Gianluca De Rubertis).

Il gioco degli specchi continua. Non contenti della prima citazione ne infilano un’altra, sempre godariana: nel mezzo del brano i due accennano dei passi di quello che sembra proprio un ballo di gruppo, molto – tanto – simile a quello presente in A bande à part (1964) altro celebre film del francese (con la Karina sempre come attrice protagonista).

Ma non è finita qui. C’è ancora da scoprire qualcosa. Per esempio che la pettinatura e le movenze della cantante ricordano molto da vicino quelle di Uma Thurman in Pulp Fiction, quando lei e Travolta si cimentano nel famoso contest di ballo…

E tutto ciò non è per nulla casuale. Il cerchio si chiude se si pensa che Quentin Tarantino è un grande estimatore di Godard (anch’egli amante dei B-movie) e che in onore del cineasta francese ha chiamato la sua casa di produzione proprio A bande à part…

Quando dicevo che è “roba da malditesta” non scherzavo, dunque. Il regista di questa riuscita operazione è Stefano Mordini.

L’unica cosa che posso consigliarvi è guardarvi i video che linko di seguito…

CHARLIE CITRINE

Blur e Arancia Meccanica

noreply@blogger.com (charlie citrine) — Wed, 02 Mar 2011 22:04:00 +0000

Malcom McDowell nei panni di Alex DeLarge - nel film

Un bel bicchiere di "latte più" al Korova Milk Bar, fra abbacinanti luci bianche, manichini di donne nude al posto dei tavolini e in sottofondo il ricordo dell'ultraviolenza estetizzante di Alex e dei suoi amici drughi.

I Blur (it's so 90's!) si rifanno ad Arancia Meccanica, lo straricordato, stracitato e precursore film di Stanley Kubrick del 1972.

Damon Albarn e soci sono all'apice del successo quando, nel 1995, registrano il video di The Universal; a dirigerli è Jonathan Glazer, sperimentato e talentuoso regista di clip (fra gli artisti con i quali ha lavorato troviamo Jamiroquai, Massive Attack, Radiohead...), qui bravo a ricreare l'atmosfera asettica e molto inquietante del famoso locale dove i degenerati protagonisti con occhio nero, tute bianche e ghigno perverso iniziavano le loro serate bevendo latte "rinforzato con qualche droguccia mezcalina" prima di passare alle violenze gratuite e alle crudeltà a cui si lasciavano frequentemente andare.

Com'è noto, tutto nasce dall'omonimo romanzo del 1962 dello scrittore inglese Anthony Burgess...
CHARLIE CITRINE

Trainspotting

noreply@blogger.com (charlie citrine) — Wed, 23 Feb 2011 22:47:00 +0000

Titolo: Trainspotting

Titolo originale: Trainspotting

Autore: Irvine Welsh

Anno: 1993

Il libro…

“La società s'inventa una logica assurda e complicata, per liquidare quelli che si comportano in un modo diverso dagli altri. Ma se, supponiamo, e io lo so benissimo come stanno le cose, so che morirò giovane, sono nel pieno possesso delle mie facoltà eccetera, eccetera, e decido di usarla lo stesso, l'eroina? Non me lo lasciano fare. Non mi lasciano perché lo vedono come un segno del loro fallimento, il fatto che tu scelga semplicemente di rifiutare quello che loro hanno da offrirti. Scegli noi. Scegli la vita. Scegli il mutuo da pagare, la lavatrice, la macchina; scegli di startene seduto su un divano a guardare i giochini alla televisione, a distruggerti il cervello e l'anima, a riempirti la pancia di porcherie che ti avvelenano. Scegli di marcire in un ospizio, cacandoti e pisciandoti sotto, cazzo, per la gioia di quegli stronzi egoisti e fottuti che hai messo al mondo. Scegli la vita. Beh, io invece scelgo di non sceglierla, la vita. E se quei coglioni non sanno come prenderla, una cosa del genere, beh, cazzo, il problema è loro, non mio”.

La locandina

Questa frase non apre il libro come, invece, accade per il film di Danny Boyle, dando forma a una delle più coinvolgenti e incalzanti scene iniziali della storia del cinema (ne riparleremo dopo). Questa frase arriva a metà del libro e ne diventa una sorta di bilancio, di riflessione a inframmezzare catastrofi e rinascite.

Trainspotting è la storia delle vite sgangherate di alcuni ragazzi dei dintorni di Edimburgo tra la fine degli Ottanta e l’inizio dei Novanta. Mark Renton, Spud, Frank Begbie, Sick Boy e Tommy. Sono loro stessi a raccontare, in prima persona e ognuno con il proprio stile distintivo, le vicissitudini quotidiane di esistenze al limite: le droghe pesanti, la dipendenza da alcool, il fallimento nelle relazioni interpersonali, l’esclusione dal mondo del lavoro, la piccola criminalità, l’AIDS, la morte.

Tra i narratori spicca, per spazio concesso, Mark Renton, venticinquenne o giù di lì, figlio della classe lavoratrice povera scozzese, ex studente universitario e ora eroinomane che entra ed esce dalla dipendenza. È attraverso la narrazione di Renton che conosciamo gli altri suoi amici e il ricco sottobosco di illegalità, miseria economica e umana, noia e stordimento che caratterizza le vite dei membri del gruppo. Oltre a Mark c’è Spud, ladruncolo e tossico, di indole buona ma stupido, con il cervello ormai compromesso dalle troppe anfetamine prese. C’è Sick Boy, elegantone (si crede meglio di un altro scozzese, Sean Connery), maniaco del sesso e persona decisamente sfuggente e infida: non esita a sfruttare la sua capacità di far colpo sulle donne per trarre vantaggio. Come Mark anche Sick Boy oscilla fra eroina e disintossicazione. Poi c’è Frank Begbie, un violento e incontrollabile piscopatico alcoolizzato, un attaccabrighe che terrorizza gli altri avventori dei pub, che cerca la rissa ad oltranza, che tiranneggia i suoi amici e che maltratta senza ritegno la propria compagna. Infine, c’è Tommy, bravo ragazzo con la tendenza ad alzare un po’ il gomito; dopo esser stato mollato dalla tipa, però, sprofonda nella più nera depressione e da lì il passo verso l’eroina è fin troppo breve.

Intorno ad essi ruotano altre figure: piccoli spacciatori, poveri tossici, avanzi di galera, ragazze madri senza punti di riferimento, assistenti sociali che tentano di capire e redimere, giovani rassegnati, malati allo stadio terminale e genitori imbottiti nel corpo e nella mente da cibi troppo ricchi di colesterolo e da insulsi programmi televisivi.

La loro vita è fatta di giornate passate al pub a bere pinte di birra cattiva (“piscia”) e a scolarsi bottiglie di liquori, di serate umide e fredde, di risse che finiscono a bicchierate in faccia, di partite di calcio viste alla tv, di relazioni instabili e per lo più segnate da violenze e da tradimenti. Chi poi ha a che fare con l’eroina può aggiungere la snervante attesa fra un buco e l’altro, i dolori che procura l’astinenza, la ricerca di soldi per la dose, il totale disinteresse per tutto ciò che non abbia a che fare con un cucchiaino, un accendino, una siringa e un po’ di polvere da sciogliere.

Il quadro che ne esce è – come si può facilmente immaginare – piuttosto tragico e desolante specie quando Welsh indugia sui particolari dei sintomi dovuti alla “rota” (la crisi di astinenza), quando descrive il totale abbruttimento a cui arrivano i tossici (per esempio il loro essere completamente privi di un minimo senso dell’igiene) e quando mostra con crudezza quali possono essere le conseguenze di quegli atti, ovvero malattie e morte. D’altronde questi ultimi due elementi sono presenti – a volte in primo piano a volte solamente sullo sfondo – in tutte le storie raccontate.

Tuttavia, Trainspotting non è un libro didascalico e nemmeno una storiella moraleggiante sulla pericolosità delle droghe e dell’abuso di alcool. Ecco perché al di là delle brutture, l'atmosfera del romanzo non è poi così cupa e triste. Sono diversi i momenti frizzanti, divertenti e leggeri. Anche nella discesa agli inferi c’è spazio per la vitalità, per dei sentimenti umani (l’amicizia), per la simpatia. Come quella che, spesso, si prova per Mark, Spud o Sick Boy. Nel contempo, non è così raro ritrovarsi a provare attaccamento alle loro esistenze sconclusionate e a cercare una giustificazione al loro improbabile modo di vivere. Nella foga della lettura, non è così raro che si arrivi a pensare – anche solo per qualche secondo – che, forse, un po' di ragione quei disadattati ce l'hanno…

Esordio folgorante per Irvine Welsh. Si tratta di un grande libro, innovativo nella forma, nei contenuti e anche nel linguaggio (davvero incredibile per crudezza e volgarità).

…dal libro al film…

La probabilità di fallire e di trarne un filmaccio banale o esagerato era altissima. Invece, si è di fronte a un film dove tutto funziona: bella storia, regia geniale, bravi attori, colonna sonora azzeccatissima, battute che ti rimangono appiccicate in testa e scene cult. Un amalgama che non riesce così spesso.

Mark "Rents" Renton - Ewan McGregor

Gran merito va alle intuizioni e alla capacità di metterle su pellicola di Danny Boyle. Visionario e ispirato, riesce a trasformare alcune descrizioni per stomaci forti presenti nel libro di Welsh in veri e propri colpi di genio impossibili da dimenticare: dall’immersione di Mark nella tazza del water, alla sua scomparsa dentro il tappeto rosso durante il “viaggio” dopo l’overdose, fino agli incubi spaventosi che si susseguono quando il protagonista cerca di superare la crisi di astinenza.

Il successo è sicuramente aiutato dalle performance di un gruppo di interpreti in forma strepitosa. Innanzitutto Ewan McGregor, perfetto e credibile travestito da tossico. In secondo luogo Robert Carlyle. Il futuro disoccupato-spogliarellista in Full Monty entra talmente bene nei panni dello psicotico e iracondo Frank Begbie che il suo personaggio risulta davvero antipatico e insopportabile (si spera sempre che incontri qualcuno in grado di fargliela pagare!). O Ewen Bremner nella parte dello sfigatissimo e stordito Spud.

Coinvolgente la scelta delle musiche. Ci sono Iggy Pop (citato a più riprese nel romanzo), Lou Reed, Pulp, Blur, Brian Eno… che cosa si può aggiungere?

Tornando, invece, alla già citata scena iniziale, invito a guardare i due filmati qua di seguito riprodotti. Il primo è l’inizio trascinante di Trainspotting (con la musica martellante di Lust for Life). Il secondo è l’intro di Piccoli omicidi fra amici (1994), interessantissimo film d’esordio dello stesso Boyle. Trovate analogie fra i due?

CHARLIE CITRINE

Dati film:

Titolo: Trainspotting

Titolo originale: Trainspotting

Regista: Danny Boyle

Sceneggiatura: John Hodge (romanzo: Irvine Welsh)

Interpreti:

· Ewan McGregor (Mark Renton)

· Ewen Bremner (Spud)

· Robert Carlyle (Begbie)

· Jonny Lee Miller (Sick Boy)

Anno: 1996

Paese: Gran Bretagna

Colore: Colore

Durata: 94 minuti

Genere: Drammatico
Internet Movie Data base

Gomorra

noreply@blogger.com (wayne) — Wed, 16 Feb 2011 20:19:00 +0000

Titolo: Gomorra. Viaggio nell'impero economico e nel sogno di dominio della camorra

Autore: Roberto Saviano

Anno: 2006

Il Libro…

Ha venduto oltre 2 milioni e 250 mila copie solo in Italia e ben 10 milioni nel mondo, tradotto in 52 paesi, il New York Times lo ha inserito tra i dieci libri più importanti del 2007. Roberto Saviano ha ricevuto 10 premi nazionali nel solo biennio 2006-2007, tra cui il Viareggio – Opera Prima.

Questo successo planetario ha portato con sè purtroppo anche polemiche e minacce dirette all’autore costretto da allora a vivere sotto scorta, vista quanto è viva e dolente la piaga che ha toccato con Gomorra. Alcuni politici e giornalisti hanno, inoltre, discreditato il suo lavoro, per il quale rischia la vita.

Come dopo l’assassinio dei giudici Falcone e Borsellino la percezione e la conoscenza della mafia sono cambiate per tutti e per sempre, la stessa cosa è accaduta grazie a quest' opera di Saviano sul cosiddetto “Sistema” della Camorra. La protezione di Stato si è resa necessaria: in qualche modo Gomorra ha fatto più male alla Camorra di tutti i 30 super-latitanti arrestati recentemente.

Non si può proprio parlare di fiction questa volta, ma piuttosto di una scrittura lucida e aderente alla realtà delle cose, con un uso combattivo della parola, quella di chi non ci sta e vuole battersi contro un sistema criminale.

Ma al pari di tutte le grandi opere narrative, Gomorra non si può liquidare con la stessa freddezza che si riserverebbe a un saggio scientifico. Certo la sua è un’analisi ben documentata, ma ciò non basta a spiegarne il successo.

Proprio come nei grandi romanzi, la parola è viva e reale perchè a darle forza sono gli occhi dell’autore, un ragazzo napoletano (Saviano è del 1979 e nel 2006 aveva 27 anni) che decide di scrivere mosso dal dolore di vedere la sua terra devastata dalla camorra che comanda tutto.
Vuole essere testimone e come un nuovo Pasolini cerca una parola che possa aggredire la realtà:

“Ci ho riflettuto a lungo e mi sono convinto che la parola letteraria proprio perché svincolata da obiettivi, da sentenze di tribunale, può mostrare le budella del potere, può raggiungere un nucleo di significato molto semplice, che è poi quello dei tragici greci: verità e potere non coincidono mai”

Con queste motivazioni ci racconta i morti, le faide, le tangenti, la corruzione dei politici di turno, la contraffazione, lo spaccio internazionale di cocaina, di armi, lo smaltimento di rifiuti tossici dalle industrie del Settentrione, il riciclaggio di denaro sporco nell’ edilizia in Italia, in Spagna e nel mercato finanziario. Tutto questo rende la Camorra l’unico sistema socio-economico imperante della Campania, che decide non solo della vita e della morte delle persone, ma anche del modo in cui esse devono vivere. Se ci si ribella si paga con la vita, se invece ci si piega il "Sistema" provvederà per ciascuno finché gli sarà utile.

Lo scandalo di Gomorra è che tutto ciò - nonostante sia drammaticamente contemporaneo (basta aprire i giornali di oggi) - continui a sembrarci impossibile e lontano quando, invece, ha ormai assunto una dimensione nazionale e sovranazionale, perdendo ogni carattere regionale e contadino. Una voce fondamentale dell’intero Pil nazionale che può mettere le mani su appalti importanti in ogni città d’Italia.

…dal libro al film…

Il film funziona sotto tutti i punti di vista.

Funziona innanzitutto perché non copia le orme di un libro di così ampia notorietà ma ne affronta il tema proprio spostando il punto di vista e prendendo quello opposto, quello di chi nel "Sistema" è dentro e ci vive per scelta o per obbligo. Rimane, tuttavia, la voglia del regista di non staccare la cinepresa dalla realtà, fin dove essa può arrivare (una cosa che ricorda la stessa ostinazione di Saviano).

La locandina del film

Lo scandalo criminale è narrato in una lingua poco comprensibile ai più, i dialoghi sono infatti in napoletano stretto e le colonne sonore provengono dal mondo parallelo dei cantanti neomelodici partenopei. I sottotitoli potrebbero essere necessari ma è meglio non utilizzarli. Non ne viene intaccata la comprensione e grazie alla potenza delle immagini aumenta lo sgomento di vedere un film che sembra girato in terra straniera e che, invece, è il ritratto di un’ Italia dei giorni nostri, di quella parte ignorante, povera , abbandonata a sé stessa e violenta che con il "Sistema" trova uno sbocco internazionale.

Le storie dei ragazzini dai visi caratteristici raccontano non solo dei soldi come motore per qualsiasi violenza, ma della Camorra come unica scelta di vita possibile, la sola a dare una vera e propria formazione pedagogica; in assenza di alternative possibili (qui nelle immagini si capisce cosa significa la troppo utilizzata frase “mancanza dello Stato”) ognuno può acquisire un posto nella società, un lavoro, la fiducia in sé stesso e diventare un uomo.

Allora, può iniziare una spirale perversa in cui già da bambini si è convinti che l'unico modo di morire come un uomo vero sia quello di morire ammazzati, oppure finire latitanti o in carcere.

Magnifica la fotografia del film, forse la cifra più talentuosa del regista Matteo Garrone che alterna due momenti fondamentali. Da un lato ci rimanda senza manierismo alla tradizione del neorealismo italiano arricchito dai colori di una terra ancora bellissima e dalla gioia dei mostruosi labirintici neo-caseggiati di ringhiera con i panni stesi e da dove si cala di tutto con le tradizionali corde, non solo il paniere ma anche divani e statue di santi. Dall’ altro tenta di farci vedere le “zone d’ombra”, quelle dove è difficile capire cosa stia davvero succedendo fino in fondo all’inquadratura, quelle che nascondono un barlume di verità da indagare.

Il film Gomorra ha vinto al Festival di Cannes 2008 il Premio della Critica, agli European Film Award 2008 i Premi come miglior film, miglior regia, migliore fotografia, migliore sceneggiatura, è stato invece escluso ( a torto! Voi cosa ne pensate? ) negli Stati Uniti dalle nomination agli Oscar 2009 come miglior film straniero.

WAYNE

Dati film:
Titolo: Gomorra
Regista: Matteo Garrone
Sceneggiatura: Matteo Braucci, Matteo Garrone et al. (romanzo: Roberto Saviano)
Interpreti:

· Toni Servillo (Franco)

· Salvatore Abruzzese (Totò)

· Ciro Petrone (Ciro)

Anno: 2008

Paese: Italia

Colore: colore

Durata: 137 minuti

Genere: drammatico

Internet Movie Data base

Le piace Brahms?

noreply@blogger.com (charlie citrine) — Tue, 08 Feb 2011 20:45:00 +0000

Titolo: Le piace Brahms?

Titolo originale: Aimez-vous Brahms?

Autore: Françoise Sagan

Anno: 1959

Il libro…

Fino a qualche decennio fa, una donna di 39anni senza un marito era considerata una zitella. Se poi viveva sola e aveva un “amico” (e non un fidanzato ufficiale) addirittura era vista come una poco di buono. Così almeno accadeva in gran parte del mondo, ma non nella frizzante, anticonformista ed emancipata Parigi degli anni Cinquanta-Sessanta dove Paule era considerata quella che oggi si definirebbe “una single”.

Donna indipendente, arredatrice in carriera, senza figli, Paule frequenta da diversi anni Roger, imprenditore nel settore dell’autotrasporto e vero maschio sicuro di sé. Il rapporto procede sui binari del disimpegno: serate a teatro, al cinema, cene in ristoranti alla moda e divertimenti al night (all’epoca si chiamavano così i locali…). Si tratta di una relazione dal fiato corto, che non lascia presagire alcuna trasformazione in qualcosa di più solido e duraturo. Anzi, Roger è uno di quegli uomini molto sensibili al fascino femminile. Uno di quelli che non disdegna, ogni tanto, qualche variazione al tema, con scappatelle con ragazze più giovani. E a Paule comincia a pesare la situazione, con quel corollario di bugie e prese in giro che ogni tradimento si porta dietro. Non sappiamo se percepisca il ticchettio dell’invisibile orologio biologico o se sogni un matrimonio in pompa magna, sicuramente però non è felice di questa sua condizione di continua instabilità emotiva.

In questo quadro, s’inserisce il terzo elemento, Simon. È un ragazzo di 25anni, figlio di una ricca americana a cui Paule deve arredare casa. Simon è stralunato, sensibile, scarsamente interessato al lavoro e alla carriera, molto sognatore e un po’ ossessivo. Aggiungiamo che prova una particolare attrazione per le donne mature e Paule, ancora bella, diviene l’oggetto della sua passione. Inutile negare che lei si senta lusingata dalle attenzioni del giovane. Tutto sembra facile ma la felicità non sembra trovarsi nemmeno lì, nelle complicazioni geometriche del triangolo amoroso…

Per sminuirne il talento, si parlava della Sagan come della rappresentante di un esistenzialismo “all’acqua di rose”. In realtà, la scrittrice parigina – anticonformista, di successo e dalla vita spericolata – sapeva come raccontare le storie, come ricreare le emozioni. In questo caso, siamo di fronte al senso di infinita insoddisfazione e tristezza che regna nella vita di Paule, al vuoto che le lasciano queste relazioni interrotte, frammentate, mai definitive o destinate all’infelicità sin dall’inizio.

Avanti anni luce rispetto ai tempi, la Sagan racconta di relazioni amorose molto moderne, fra persone libere e indipendenti, dove il contesto sociale e famigliare non interferisce per nulla nelle dinamiche di coppia (da questo punto di vista molto poco italico, specie dell’Italia degli anni Cinquanta e Sessanta, così familista e dove i problemi si discutevano e risolvevano a tavola, insieme a nonni, zii e cugini).

Infine, la Sagan solletica la mia passione per i bei titoli (quelli che ti rimangono in testa perché incisivi e attraenti). Bravissima a sceglierli per le sue opere. Ne cito altri tre oltre all’azzeccatissimo Le piace Brahms? (Aimez-vous Brahms?), ovvero: Un po’ di sole nell’acqua gelida (Un peu de soleil dans l’eau froide), Un certo sorriso (Un certain sourire) e l’insuperabile Buongiorno tristezza (Bonjour tristesse) .

Da riscoprire.

…dal libro al film…

Preso in mano da produttori hollywoodiani senza grazia e incapaci di valorizzarne le sfumature, il romanzo si trasforma in una pellicola piuttosto scialba, molto sentimentale e a tratti di una superficialità disarmante. Oltre che di una lunghezza eccessiva.

Locandina edizione americana

Il regista Anatole Litvak non sa cogliere le sfumature e appiattisce tutto l’appiattibile. La dolorosa tristezza che aleggia intorno a Paule, insoddisfatta e infelice per la propria condizione di donna che capisce di aver ormai perduto gli anni migliori della propria esistenza, è banalizzata in un racconto fintamente scandalistico su un rapporto tra una donna più vecchia e un ragazzo più giovane (un’anticipazione del toy boy tanto di moda in questi anni, vedi Demi Moore o Madonna?).

Il tutto si regge in piedi solamente grazie alla presenza e alle capacità degli attori di stare in scena. Innanzitutto, quella di Yves Montand, degno rappresentante del maschio adulto e seduttore dal sorriso accattivante. Ugualmente lo “psicopatico” Anthony Perkins, qui nei panni di Philip (il Simon del libro), giovane stralunato, un po’ inquietante e amante ossessivo con una passione (edipica) per le donne più grandi di lui. Infine, Ingrid Bergman, giusta per età, ma forse troppo rigida e controllata rispetto all’immagine che mi sono costruito pensando alla Paule del romanzo. Se il film fosse stato girato alla fine degli anni Sessanta e non all’inizio, io avrei visto bene l’impiego di un’attrice all’epoca molto in voga come Anouk Aimée (quella di Un homme, une femme di Claude Lelouche, per intenderci)…

Charlie Citrine

Dati film

Titolo: Le piace Brahms?

Titolo originale: Goodbye Again

Regista: Anatole Litvak

Sceneggiatura: Samuel A. Taylor (romanzo: Françoise Sagan)

Interpreti:

· Ingrid Bergman (Paule Tessier)

· Yves Montand (Roger Demarest)

· Anthony Perkins (Philip Van der Besh)

· Jessie Royce Landis (Mrs. Van der Besh)

Anno: 1961

Paese: USA/Francia

Colore: B/N

Durata: 120 minuti

Genere: Drammatico
Internet Movie Data base

La versione di Barney

noreply@blogger.com (charlie citrine) — Wed, 02 Feb 2011 21:39:00 +0000

Titolo: La versione di Barney

Titolo originale: Barney’s Version

Autore: Mordecai Richler

Anno: 1997

Il libro…

Copertina dell'edizione
americana

Barney Panofsky già sessantenne, a capo della sua casa di produzione – la Totally Unnecessary Productions – di serial televisivi di terza categoria, si trova costretto a scrivere un’autobiografia difensiva, in parte smemorata, per rispondere all’accusa di omicidio mossagli dal pamphlet di Terry McIver Il tempo e le Febbri. Dà così la sua versione dei fatti accaduti prima e dopo la morte dell’amico fraterno “Boogie”, artistoide ed eroinomane, avvenuta nella sua casa di campagna fuori Montreal. Barney è già stato assolto dalla giustizia in quanto il corpo non è mai stato trovato e non ci sono mai state prove evidenti, ma sia McIver che il sergente O’Hearne – che ha condotto le indagini più lunghe della sua vita – non hanno mai creduto alla sua innocenza.

Su questa ossatura si sviluppa il racconto con numerosi episodi che reggono a sé stanti sul filo conduttore della vita dissoluta di Barney Panofsky, divisa in tre parti, ciascuna per le tre mogli che ha avuto, ma con molti spostamenti sul piano temporale.

La prima moglie è la pittrice di futura fama Clara Charnofsky, che Barney giovane conosce nel periodo bohemien di Parigi, in cui frequenta un gruppo di artisti spiantati, tra cui Boogie.

Barney accetterà sempre che gli artisti a cui si lega possano tradirne la fiducia come ha fatto Clara, perché non si sente un artista come loro, al massimo può essere quello che presta i soldi o l’editore delle future opere mai terminate di Boogie.

Pur essendo un personaggio molto colto, innamorato dell’arte, è inconsapevole di valere. La sua “Versione”, però, è ricca di citazioni tra le righe, è un vero e proprio capolavoro. Quello che il lettore sta leggendo smentisce il complesso di inferiorità che egli vive per tutta la vita.

Già qui alcuni lettori amano Barney per la sua tragicità, perché vorrebbero comunicargli quanto in realtà vale il suo modo di essere autentico.

Un tradimento mette fine anche al suo secondo matrimonio. Si vuole al più presto liberare della logorroica neo-Seconda Signora Panofsky, una ricca ereditiera dalle buone maniere ma vuota nella sostanza, sposata senza troppa convinzione, probabilmente solo per il vano tentativo di trasformarsi da ribelle anticonformista in “un ebreo per bene”. Scopre prestissimo che è l’ultima cosa che potrebbe diventare e fin dal primo giorno di nozze cerca un pretesto legale per il divorzio. Già al banchetto (mai momento fu meno appropriato) si innamora all’istante della sua futura terza moglie, Miriam.

Quest’ultima è l’amore della sua vita e la madre dei suoi tre figli, Michael, Samuel e la prediletta Kate, l’unica che gli starà vicino quando acciaccato e abbandonato rimpiangerà di non aver saputo tenere vicino a sé Miriam, quando a un primo accenno di crisi tardo-matrimoniale si è lasciato andare ad una scappatella dovuta tutt’ al più al suo alcolismo irrefrenabile.

Questo bestseller da 300.000 copie vendute in Italia per alcuni lettori è una sorta di guida filosofica e metro di paragone per l’esistenza, per altri un compendio dissacratore all’insegna dell’umorismo yddish, in cui solo il padre Izzy Panofsky supera il figlio, pur restando anche un giallo esistenziale in cui il lettore è il primo ad amare, odiare e giudicare, come in un vero tribunale (voi da che parte state, colpevolisti o innocentisti?) un uomo complesso, pieno di vizi e difetti come Barney.

Si è perennemente spinti a dubitare di Barney fino alla fine (non è da tutti scrivere libri che svelino il mistero letteralmente all’ultima riga e, anche qui, onore a M. Richler) , vuoi per le accuse mossegli, vuoi perché è cinico e fa cose deprecabili, vuoi per l’Alzheimer che lo rende inaffidabile, vuoi per il figlio Michael che riordinando la “Versione” prima che il lettore la legga, la riempie con puntigliose note a piè di pagina che fanno da contrappunto alla confusione di Barney e suscitano un ennesimo elemento di sospetto contro di lui, quello di un figlio proprio mentre sta redigendo le memorie difensive del padre.

…dal libro al film…

Stando così le cose, non era certo facile fare un film che si deve inevitabilmente confrontare con un colosso di successo narrativo contemporaneo, a differenza dei classici di tempi andati. Per questo viene affrontato con quel timore reverenziale che mantiene la storia pressoché inalterata prosciugandola dai troppi episodi indipendenti che costellano il libro .

Paul Giamatti e Dustin Hoffman in una scena del film

In sala, tra il pubblico, spesso le persone si domandano chi ha già letto il libro. Questione non retorica perché sottende una certa paura di aver buttato via i soldi del biglietto (a proposito, è capitato anche a voi?).

Invece, proprio chi ha già letto la “Versione” si deve ricredere durante la visione del film.

La pellicola è riuscita perché trova una sua dimensione autonoma non tanto quando il regista Richard J. Lewis sceglie di discostarsi dalla trama con il dubbio spostamento degli avvenimenti dalla Parigi postbellica e intellettuale alla Roma della dolce Vita che poco c’entra, ma quando punta ad elementi di forza emotiva che solo la recitazione può trasmettere.

Allora, anche chi ha già letto e osannato il libro sta attaccato allo schermo grazie alla forza interpretativa dell’antidivo Paul Giamatti nei panni di Barney – e qui sfodera un’occasione forse da Oscar (…si accettano scommesse) e alla certezza di un Dustin Hoffman nelle vesti del padre ex poliziotto, Izzy Panofsky.

Oltre a mantenere un umorismo yiddish, comunque molto più addolcito, nel film appaiono elementi come la debolezza di un uomo di fronte all’amore o alla malattia che rende dementi (Giamatti è bravissimo anche a fare il malato di Alzheimer) che nel libro non raggiungono questi livelli di profondità. Barney qui è un uomo che pur con tutto il suo cinismo ci fa commuovere (alcuni fino alle lacrime), lo sentiamo vicino ancora una volta ed in modo diverso dal libro proprio quando tradisce Miriam e capisce di aver tradito sé stesso, l’autenticità del suo amore.

WAYNE

Dati film:

Titolo: La versione di Barney

Titolo originale: Barney’s Version

Regista: Richard J. Lewis

Sceneggiatura: Michael Konyves (romanzo: Mordecai Richler)

Interpreti:

· Paul Giamatti (Barney Panofsky)

· Dustin Hoffmann (Izzy Panofsky)

· Scott Speedman (Boogie)

· Rosamund Pike (Miriam)

· Rachelle Lefevre (Clara)

Anno: 2010

Paese: Italia, Canada

Colore: colore

Durata: 132 minuti

Genere: drammatico

Internet Movie Data base

...e la famiglia si allarga...

noreply@blogger.com (charlie citrine) — Tue, 01 Feb 2011 21:18:00 +0000

La famiglia di Ho visto un libro... si allarga per far spazio al "fratello" Wayne. Forze fresche e un nuovo punto di vista per continuare a discutere di libri che sono divenuti film.
Iniziamo da domani con un bel balzo nell'attualità più stringente e con la nostra versione di una "Versione" oggi piuttosto di moda...

Charlie Citrine & Wayne

Kiss Me, una band texana e François Truffaut

noreply@blogger.com (charlie citrine) — Thu, 27 Jan 2011 21:38:00 +0000

(Ormai) solita deviazione cinematografico-musicale con un video che cita un grandissimo film. Il gruppo è quello dei texani Sixpence None the Richer, abbastanza famosi alla fine dei Novanta, soprattutto per la canzone Kiss Me, oggetto del post. Hanno fatto bingo quando questo orecchiabilissimo pezzo - che ci ha tormentato per qualche mese su radio e tv - è stato inserito nel teen drama Dawson's Creek. Beati loro...

Il film a cui hanno pensato nel loro video è uno dei classici della cinematografia: Jules et Jim di François Truffaut del 1962. Tutto è appositamente molto parigino, molto pittoresco, molto cliché, come in una gigantesca cartolina. Pur esagerando nelle citazioni, rimane ugualmente piacevole da guardare: nessuno, infatti, si prende sul serio (una cosa rara e sempre apprezzabile...). A partire dalle simpatiche smorfie della cantante Leigh Nash.

Tornerò a parlare di Jules et Jim in un prossimo post (non è una minaccia).

Il curioso caso di Benjamin Button

noreply@blogger.com (charlie citrine) — Sat, 22 Jan 2011 18:24:00 +0000

Titolo: Il curioso caso di Benjamin Button

Titolo originale: The Curious Case of Benjamin Button

Autore: Francis Scott Fitzgerald

Anno: 1922

Il libro…

La locandina del film - Warner Bros.

È davvero singolare il caso di Benjamin Button di Baltimora, bambino nato vecchio nel 1860 e vecchio morto neonato settanta anni più tardi. Nel mezzo una vita stupefacente. Lo stesso stupore misto a diffidenza che coglie medici, infermiere e genitori quando si trovano di fronte a quello strano fenomeno. Senza dubbio deve aver fatto una certa impressione il vederlo incastrato nella culla della nursery, con le gambe secche a penzoloni, la schiena incurvata, la barba e i capelli grigi. Il piccolo Benjamin non è che un “bebé di 14 lustri”, già in grado di parlare e di camminare, seppur a fatica, considerando il suo fisico indebolito…

Anche per Benjamin il tempo passa, ma a differenza di quello che accade al resto delle creature su questa terra, lo fa a ritroso, costringendolo a percorrere in senso inverso tutte le tappe della vita, in un continuo e inarrestabile processo di ringiovanimento.

La sua è un’esistenza curiosa, ma non sfortunata. Geniale negli affari e ben inserito in società, Benjamin vive soddisfazioni e delusioni, momenti felici e sventure come tutti gli altri uomini. A volte è solamente una questione di tempi differenti. Rifiutato dall’università di Yale in gioventù per il suo aspetto troppo vecchio, prende la propria rivincita in vecchiaia quando il fisico finalmente ringiovanito glielo permette. Ne più ne meno del resto dell’umanità anche Benjamin viene poco considerato ed emarginato nella vecchiaia, comandato e controllato nell'infanzia, mentre si sente pienamente realizzato e padrone del proprio destino nell’età adulta. L’unica differenza è che a lui tutto ciò arriverà in ordine contrario.

Questa short story fa parte dell’antologia Racconti dell’età del jazz, pubblicata nel 1922 da Fitzgerald. Tirandomela un po’ la definirei un divertissement, una specie di cazzeggio letterario dell’allora giovane scrittore americano. Niente di serio, dunque, ma una storiella piacevole piena di ironia e tanta leggerezza. Ci si aspetta drammi esistenziali, pensieri profondi, riflessioni sul tempo e sulla vita triste degli “errori della natura” e, invece, ci si trova di fronte a scenette piuttosto divertenti, quasi comiche. Da giovane, l’acciaccato e annoiato Benjamin, per far contento suo padre rompe i vetri, finge di essere un monello vivace, si tinge i capelli, si veste con i calzoncini corti. Da vecchio, il sempre più giovane protagonista è costretto dal figlio a appiccicarsi baffi posticci e a chiamarlo “zio” per evitare degli imbarazzi davanti agli altri…

…dal libro al film…

Brad Pitt invecchiato in una scena del film

Della storia di Fitzgerald, David Fincher utilizza solamente l’idea di fondo del bambino nato vecchio che al posto di invecchiare ringiovanisce. Tutto il resto non c’entra nulla. La struttura e l’ambientazione, gli accadimenti, l’atmosfera che si respira nella pellicola rispetto a quella del libro sono completamente differenti.

Innanzitutto, la storia, che qui è costruita come un lungo flashback: la figlia di un’anziana donna in punto di morte scopre la verità sulla vita di sua madre rileggendone il diario. Tutto ciò mentre, all’esterno, l’uragano Kathrina sta raggiungendo la città di New Orleans. Secondariamente, la vicenda non è ambientata nell’Ottocento, ma percorre una buona fetta di Novecento. Terzo elemento di distinzione, la famiglia di Benjamin; nel film suo padre, disperato alla vista di quel bambino tanto particolare, lo abbandona sulle scale di un ospizio per anziani. Quarto, l’atmosfera farsesca e un po’ comica del racconto cede il passo a qualcosa di decisamente più serio, sentito, profondo.

Nelle oltre due ore di durata della pellicola c’immergiamo nell’esistenza di Benjamin Button, ne seguiamo i passi nel mondo (la vita all’ospizio, i viaggi per mare e in Oriente, l’esperienza in guerra) e soprattutto ne conosciamo gli amori. O meglio l’amore per una donna, Daisy. I due si incontrano quando lei, bambina, va a trovare la nonna alloggiata all’ospizio dove vive anche Benjamin (vecchio d’aspetto ma non d’età, essendo quasi coetaneo della ragazzina). Fanno amicizia, giocano insieme, insomma s’intendono sin da subito. E da quel momento in poi le loro vite cominceranno a intrecciarsi, in un continuo perdersi e ritrovarsi.

Il tempo, però non gioca dalla loro parte e l’intenso legame che li unisce deve fare i conti con il “curioso” destino di Benjamin. Sanno che potranno essere felici solamente per un periodo limitato, quello della maturità, quando entrambi potranno godere appieno l’uno dell’altra prima che le loro esistenze riprendano a correre, ma in direzioni opposte: una verso la naturale vecchiaia e l’altra verso una stranissima giovinezza.

Gran bel film capace di farci partecipare e sentire “affetto” per la sorte dei personaggi. Si tratta, inoltre, di una struggente e profonda riflessione sul tempo e sulle circostanze. Osservando il caso di Benjamin e di Daisy, ci si accorge che per essere felici non è sufficiente incontrare le persone giuste, ma che è fondamentale imbatterci in esse al momento giusto. Accade che le cose belle, spesso, arrivino troppo presto o troppo tardi, in frangenti più o meno sbagliati, quando le nostre esistenze hanno preso direzioni ben chiare o quando tutto è già deciso e non si può più tornare indietro. Senza una certa sincronia, la felicità diviene ancora più fugace e imprendibile di quanto già non lo sia.

Bravo Brad Pitt (truccato da ottuagenario e ringiovanito al digitale, facendo ripensare alla sua apparizione in Thelma&Louise…) e strepitosa e sempre più affascinante Cate Blanchett (sia nella parte della giovane che in quella della donna matura).

Dati film:

Titolo: Il curioso caso di Benjamin Button

Titolo originale: The Curious Case of Benjamin Button

Regista: David Fincher

Sceneggiatura: Eric Roth, Robin Swicord (romanzo: Francis Scott Fitzgerald)

Interpreti:

· Brad Pitt (Benjamin Button)

· Cate Blanchett (Daisy)

· Tilda Swinton (Elizabeth Abbott)

· Julia Ormond (Caroline Button)

· Jason Flemyng (Thomas Button)

Anno: 2008

Paese: USA

Colore: Colore

Durata: 166 minuti

Genere:Drammatico

Internet Movie Data base

I fiumi di porpora

noreply@blogger.com (charlie citrine) — Fri, 14 Jan 2011 23:42:00 +0000

Titolo: I fiumi di porpora

Titolo originale: Les Rivières pourpres

Autore: Jean-Christophe Grangé

Anno: 1998

Il libro…

La tranquilla cittadina universitaria di Guernon, paesino montano vicino a Grenoble, viene sconvolta dal brutale omicidio del giovane Rémy Caillois, bibliotecario dell’ateneo. L’inquietante originalità del crimine sta nella messa in scena realizzata dall’assassino, che non si è limitato a uccidere la propria vittima, ma si è accanito su di lei, seviziandola, tagliandole entrambe le mani, cavandole gli occhi e poi piazzando il cadavere in un crepaccio, incastrato fra le rocce in posizione fetale.

Intanto, a distanza di un centinaio di chilometri, nell’altrettanto pacifica località di Sarzac, una tomba e degli archivi della locale scuola elementare sono violati da sconosciuti. Sembra che i ladri si siano limitati a prendere alcune foto e le pagine dei registri scolastici relativi all'anno 1982.

A indagare su questi due episodi criminali, diversi per posizione geografica e gravità, sono i poliziotti Pierre Niémans e Karim Abdouf. Il primo è un superpoliziotto, tanto famoso e celebrato quanto detestato e osteggiato. Il suo fiuto e la sua abilità sono pari alla sua incapacità di dominarsi e frenare gli accessi di rabbia che ne hanno condizionato la carriera. Il caso di Guernon è probabilmente l’ultimo della vita professionale di Niémans: a Parigi tutti vogliono la sua testa dopo che - durante un servizio d'ordine allo stadio - si è accanito su un hooligan inglese con una furia mai vista, riducendolo in fin di vita.

Il secondo, invece, è un giovane poliziotto dalle grandi capacità ma – come Niémans – dal carattere spigoloso e difficile. È un beur, ovvero il figlio di immigrati magrebini, cresciuto nella banlieue parigina di Nanterre, dove prima di arruolarsi in polizia ha campato come piccolo delinquente e ladro d’auto. Adrenalinico e amante dell’azione nelle strade, è spedito nell’oscura provincia, fra le montagne, dopo essersi rifiutato di entrare nell’antiterrorismo.

Modi spicci, una buona dose di violenza e grande caparbietà sono i tratti che accomunano i due uomini. Entrambi i poliziotti quando fiutano un indizio non mollano la presa fino a che non hanno ottenuto tutte le spiegazioni. Il ricongiungimento delle due piste che autonomamente seguono, li porta a conoscersi e a incontrarsi all’ombra degli edifici che formano il complesso universitario di Guernon. Ed è proprio all’interno di quella comunità chiusa dove si favorisce e si coltiva l’elite intellettuale e fisica del futuro che si nascondono quegli oscuri segreti in grado di spiegare l’orrendo delitto di Caillois.

Sono convinto che se Jean-Christophe Grangé si fosse chiamato Christopher Grange (all’inglese) ora sarebbe al top delle classifiche, tra gli scrittori più venduti della terra. Da francese, invece, la vita si fa un po’ più dura. Non che questo abbia impedito all’autore parigino di vendere (tanto) e di farsi conoscere dal grande pubblico, ma è molto probabile che ne abbia limitato la diffusione, soprattutto in rapporto a quanto meriterebbe. Troppo “americano” nel modo di concepire il romanzo e nel modo di scrivere per essere completamente accettato dall’intellectaulité un po’ puzzona che risiede sia in Francia sia, in generale, nell’Europa continentale.

Io, invece, lo ammiro e il mio giudizio non può che essere positivo, oltre che di parte. Infatti, pur non essendo un divoratore di best seller, considero Grangé un grande inventore/raccontatore di storie. D’altra parte, ha dalla sua tre caratteristiche fondamentali come:

1) una grande inventiva

2) la bravura nel costruire, intrecciare e portare avanti più storie contemporaneamente

3) una più che discreta abilità nel maneggiare le parole (sa anche quando è il momento di piazzare qualche banalità).

È a conoscenza di come si “fa” un romanzo e quali ingredienti ci vogliono per catturare l’attenzione del lettore, per “impedirgli” di spegnere la luce a un ora decente, la sera… costringendolo a stare sveglio per leggere “come va a finire”. Questo, almeno, avviene per romanzi quali Il volo delle cicogne, Il concilio di pietra, L’impero dei lupi.

Quest’ultimo e I fiumi di porpora sono perfetti esempi della sua maniera di lavorare: trama complessa, avvincente e affascinante. Grangé, però, non si perde nei tanti elementi messi in gioco. Sa come tirare le fila e come rendere ogni cosa detta utile allo svelamento del mistero costruito durante la narrazione. Tutto ciò senza che la complessità dell’intreccio si trasformi in un peso e in un freno alla scorrevolezza. Anzi, direi che è piuttosto un valore aggiunto che ci ripaga dell’attenzione accordata durante la lettura.

…dal libro al film…

Vincent Cassel e Jean Reno in una scena del film

Ed è proprio l’appena citata complessità dell’intreccio, il fattore che ha maggiormente pesato sulla piena riuscita della trasposizione cinematografica di Mathieu Kassovitz. Nonostante alla sceneggiatura abbia partecipato lo stesso Grangé (accreditato nei titoli di testa), il film, riducendo e modificando troppo la trama del libro, finisce con lo svilire tutta la vicenda narrata. Sembra di essere di fronte a un bigino mal scritto. Il lavoro certosino di raccolta delle prove e avvicinamento lento e ben studiato alla verità che si trova nel romanzo, è completamente stravolto nel film. I passaggi sono troppo bruschi e sembrano tagliati con l’accetta, le scoperte dei due poliziotti inspiegabili, il finale - con lo svelamento dell’inquietante verità che si nasconde nell’università di Guernon - troppo pasticciato. Gli stessi personaggi, punto di forza del romanzo, sono piuttosto incolore e spenti (addirittura nel film, il beur-poliziotto Abdouf cambia nome e perde i suoi tratti da arabo).

Non bastano nemmeno due bravi attori come Jean Reno e Vincent Cassel a risollevare il destino di un prodotto che per funzionare avrebbe dovuto essere diviso in puntate. Una mini-serie curata e con a disposizione mezzi finanziari adeguati avrebbe reso più giustizia all’originale su carta. Peccato (leggetevi il libro, se volete).

Dati film:

Titolo: I fiumi di porpora

Titolo originale: Les Rivières pourpres

Regista: Mathieu Kassovitz

Sceneggiatura: Mathieu Kassovitz, Jean-Christophe Grangé (romanzo: Jean-Christophe Grangé)

Interpreti:

· Jean Reno (Pierre Niémans)

· Vincent Cassel (Max Kerkerian)

· Nadia Farès (Fanny Ferreira)

· Jean-Pierre Cassel (dr. Bernard Chernezé)

Anno: 2000

Paese: Francia

Colore: Colore

Durata: 106 minuti

Genere: Thriller

Internet Movie Data base

Colazione da Tiffany

noreply@blogger.com (charlie citrine) — Fri, 07 Jan 2011 09:09:00 +0000

Titolo: Colazione da Tiffany

Titolo originale: Breakfast at Tiffany’s

Autore: Truman Capote

Anno: 1958

Il libro…

La locandina del film (Paramount)

Sembra che Truman Capote considerasse Holly Golightly uno dei suoi personaggi preferiti, a cui si diceva più affezionato. Non stento a crederlo. È, in effetti, difficile non provare qualcosa (dalla genuina simpatia fino al profondo fastidio, tutto è lecito) per questa strana creatura, protagonista del breve romanzo dello scrittore americano.

Tutta la storia ruota intorno a Holly. Ragazza copertina della New York degli anni Quaranta, è un’assidua frequentatrice della mondanità e di quel sottobosco popolato da belle ragazze un po’ ingenue, da attrici e modelle fallite, da accompagnatrici (escort?) furbe, da amanti mantenute, da scapoloni impenitenti, da industriali in libera uscita dalla moglie, da scrittori squattrinati e da diplomatici stranieri che per qualche ragione si trovano a passare dalla Grande Mela.

Nonostante si trovi a suo agio in quel mondo, risulta chiaro che Holly è una spanna superiore a tutti gli altri. Oltre alla freschezza, alla giovane età e alla bellezza, ciò che la rende speciale è racchiuso nel suo modo di essere. E, per la precisione, sta nei suoi capricci, nella sua intelligenza istintiva, nel suo carattere impossibile e lunatico (“le paturnie”), nella sua apparente e disarmante superficialità, nel suo cinismo. Sta anche nella sua carica sessuale, nella sua disinibizione (il parlare delle “lesbiche” e dei suoi rapporti al limite della bisessualità) e, nel medesimo tempo, nel suo ingenuo candore.

Possiede quello che si chiama fascino, classe innata, capacità di attirare le persone e, specialmente, gli uomini che, per lei, farebbero follie. E Holly non si tira indietro e non fa mistero di voler sfruttare queste sue doti per condurre una vita migliore, agiata, da signora privilegiata.

Se ne innamorerà – a suo modo – il narratore della storia, l’immancabile scrittore in erba, vicino di appartamento della rumorosissima Holly. “Fred”, come le piace chiamarlo, diventerà suo amico intimo, imparerà a conoscerla, ne subirà l’incanto. Scoprirà che l’esistenza di Holly è sì spensierata, ma solamente fino a un certo punto. Che esistono risvolti inaspettati e nascosti, come sono le sue umilissime origine, l’affetto sconfinato per il fratello e tutta la sua non sempre facile vita prima dell’arrivo a New York, con le follie della vita notturna e le visite da Tiffany.

Holly è più forte delle prove che il destino – in complicità con la sua condotta sregolata – le riserva e che lei, in genere, supera con una buona dose di incoscienza. Spinta da uno spirito un po’ nomade e solitario, è totalmente allergica all’abitudine e alla routine, del tutto incapace di mettere radici in un posto. Pronta a reinventarsi e a passare da una situazione all’altra, la sua non è altro che la continua ricerca di una collocazione nel mondo (che forse non vorrà mai trovare sul serio).

Truman Capote e il suo modo di narrare, freschissimo e divertente, erano talmente avanti già negli anni Cinquanta che molti autori di oggi – che si giudicano rivoluzionari – fanno la figura di vere e proprie salme imbalsamate.

La sua scrittura spaventosamente scorrevole, graffiante, secca, godibile e sorprendente gli consente di scrivere quello che gli pare. Anche di Holly e della sua vita scombiccherata.

Per cui l’unico invito che posso fare è (se non l’avete già fatto) di leggervi anche il libro, non limitandovi alla visione del film.

…dal libro al film…

Il film, quello, è strafamoso e ricordato soprattutto per l’interpretazione che Audrey Hepburn fa di Holly Golightly. Talmente nota da diventare icona, una sorta di Che Guevara al femminile. Come è capitato al rivoluzionario latinoamericano anche il volto di Holly-Hepburn ormai infesta qualsiasi prodotto e accessorio, dalle magliette alle borse, dalle cartoline alle tendine per la doccia, fino ai coperchi per scatole e rivestimenti per poltrone. Una figura di culto, un’icona del pop che oggi pericolosamente si avvicina – ahimè – a un’icona del kitsch. Non c’è ristorante, lounge bar, negozio di vestiti alla moda che non conservi un poster o un’immagine di lei mentre indossa il tubino nero e nella mano tiene la lunga sigaretta.

Truman Capote

E pensare che Capote avrebbe preferito vedere Marilyn Monroe nei panni di Holly…

La pellicola è molto ben girata dal maestro della commedia Blake Edwards. Ogni sua parte funziona alla meraviglia e scorre senza intoppi. Gli ingredienti ci sono tutti: una bella storia d’amore, un personaggio accattivante, un’attrice splendida come la Hepburn, un belloccio come George Peppard (il futuro e “mitico” Hannibal Smith dell’A-Team…), un personaggio caricaturale come il divertente Mr. Yunioshi (interpretato da Mickey Rooney) e una colonna sonora che ci si ricorda per tutta la vita (Moon River cantata dalla stessa Hepburn). Quello che manca è la metà oscura del libro. I punti e i personaggi più trasgressivi e problematici del romanzo sono stati limati o tagliati, così come è stato ricostruito l’happy ending.

Dati film

Titolo: Colazione da Tiffany

Titolo originale: Breakfast at Tiffany’s

Regista: Blake Edwards

Sceneggiatura: George Axelrod (romanzo: Truman Capote)

Interpreti:

· Audrey Hepburn (Holly Golightly)

· George Peppard (Paul “Fred” Varjak)

· Mickey Rooney (Mr. Yunioshi)

· Alan Reed (Sally Tomato)

Anno: 1961

Paese: USA

Colore: colore

Durata: 115 minuti

Genere: commedia

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