Hoochie Koo

Os 50 melhores logos de todos os tempos.

noreply@blogger.com (Janderson Dias) — Fri, 11 May 2012 01:49:00 +0000

O site paste magazine publicou uma lista com os 50 melhores logos de bandas de todos os tempos (na opinião deles é claro), entre eles ícones clássicos como Rolling Stones e Kiss, e também bandas relativamente novas como Mastodon e Strokes. A lista completa pode ser conferida aqui.

Overkill - The Electric Age (2012)

noreply@blogger.com (Janderson Dias) — Thu, 10 May 2012 00:10:00 +0000

Aperte o play antes de ler:

Aumente o volume e prepare o seu pescoço, o Overkill voltou quebrando tudo. Pra quem não conhece, a banda surgiu no início dos anos oitenta nos Estados Unidos, fazendo um thrash metal com visíveis influências da new wave of british heavy metal.

Não seria de todo um espanto encontrar algum leitor desavisado que nunca tenha ouvido falar da banda, embora eles tenham feito um sucesso razoável nos anos oitenta, hoje em dia ao se falar de thrash norte americano a primeira coisa que vem a cabeça é o famigerado Big Four (Metallica, Slayer, Megadeth, Anthrax). Eu colocaria o Overkill no lugar do Anthrax ou Megadeth nesse quarteto facilmente, mas essa é só minha opinião, e como bem diria o filósofo aleatório: "opinião é igual bunda, cada um tem a sua, dá quem quer, alguns conseguem vender".

Enfim, basta saber que o Overkill é daquele tipo de banda que nunca muda sua sonoridade, e que, por alguma magia desconhecida consegue fazer essa fórmula dar certo sempre (ou quase sempre). Com The Electric Age não foi diferente, porradaria thrash do começo ao fim. Aliás, foi diferente sim, fazia tempo que eu não ouvia um disco da banda com riffs de guitarra tão inspirados, isso, somado ao vocal inesgotável e aparentemente imutável de Bobby Ellsworth remetem o ouvinte mais experiente do grupo a clássicos como The Years of Decay (1989) e Horroscope (1991).

Eu não sou um grande conhecedor do estilo, mas arrisco a dizer que esse será o melhor álbum de thrash metal do ano, pelo menos pra mim.

Requisitos necessários para curtir o disco:

Gostar de thrash metal oitentista
...mesmo quando ele tem uma produção polida e limpinha
Não ser hipster
Ser adepto do AC/DC way of art (sempre o mesmo, sempre bom)

* Não recomendado para pessoas com ultra sensibilidade na região cervical.

Type O Negative: Comentário de Josh Silver sobre Peter Steele no facebook da banda.

noreply@blogger.com (Janderson Dias) — Thu, 05 Jan 2012 00:10:00 +0000

Se Peter Steele estivesse vivo hoje estaria completando 50 anos, mas infelizmente ele nos deixou em 2010 vítima de uma parada cardiaca. O tecladista da banda, Josh Silver, publicou uma declaração no facebook da banda hoje, segue a tradução:

Eu sempre quis esperar você para desfrutar os frutos do nosso trabalho e o fato de você ter nos deixado abruptamente ainda não parece ser real. Agora que a raiva se desvaneceu a tristeza é esmagasdora. Eu sinto muito que você não esteja aqui e gostaria de poder chamá-lo para esse dia como eu fiz por tantos anos.

2011: Melhores do Ano

noreply@blogger.com (Janderson Dias) — Sun, 18 Dec 2011 22:38:00 +0000

Mais uma vez o ano está chegando ao fim, e é comum ver sites especializados em música soltando sua listas de melhores do ano nessa época, sejam álbuns, videoclipes ou shows. Fiz um apanhado de algumas dessas listas e reuni aqui pra vocês:

ROLLING STONE

Os dez principais shows que você não viu no Brasil em 2011:

10. My Morning Jacket

09. Modest Mouse

08. Wilco

07. The Vaccines

06. Foo Fighters

05. Jay-Z & Kanye West

04. Arctic Monkeys

03. Lady Gaga

02. Arcade Fire

01. Adele

Lista comentada

PITCHFORK

Melhores álbuns:

10. The Weeknd - House of Baloons

09. Real State - Days

08. Drake - Take Care

07. tUnE-yArDs - w h o kill

06. Oneohtrix Point Never - Replica

05. Girls - Father, Son, Holy Ghost

04. PJ Harvey - Let England Shake

03. M83 - Hurry Up, We're Dreaming

02. Destroyer - Kaputt

01. Bon Iver - Bon Iver

Top 50

Melhores videoclipes:

Battles - My Machines [ft. Gary Numan]

Beyoncé - Countdown

Bill Callahan - America!

Fleet Foxes - The Shrine/ An Argument

Likke Li - Sadness is A Blessing

Lista completa.

Mais:
As piores capas de 2011
Top 40: Álbuns de metal
Top 100: Músicas de 2011

NOISECREEP

Top 10 álbuns de metal progressivo (por Jeff Wagner):

3 - The Ghost You Gave To Me
Fair To Midland - Arrows & Anchors
Dredg - Chuckles and Mr. Squeezy
Opeth - Heritage
Arch/Matheos - Sympathetic Resonance
Hammers of Misfortune - 17th Street
Leprous - Bilateral
Solstafir - Svartir Sandar
Cynic - Carbon-Based Anatomy
Steven Wilsom - Grace for Drowning

Lista com comentários

Melhores álbuns de metal de 2011:

11. Insomnium - One For Sorrow

10. Vektor - Outer Isolation

09. Times of Grace - The Hymn of Broken Man

08. August Burns Red - Leveller

07. Ulcerate - The Destroyers of All

06. Mastodon - The Hunter

05. Trap Them - Darker Handcraft

04. The Devil's Blood - The Thousandfold Epicentre

03. Junius - Reports From the Threshold of Death

02. Krallice - Diotima

01. Craft - Void

Lista com comentários

[Resenha] Judas Priest - Painkiller (1991)

noreply@blogger.com (Janderson Dias) — Fri, 16 Dec 2011 19:28:00 +0000

Heavy Metal

Inglaterra

No início dos anos 90 o Judas Priest já havia conquistado seu lugar no olimpo dos deuses do rock. Os anos 70 e 80 lhes renderam um legado único, por meio de seu heavy metal clássico imortalizado na voz de Rob Halford. Tendo isso em vista, nada mais apropriado para um novo álbum de sucesso do que manter a antiga formula, certo? Bom, talvez isso sirva para algumas bandas como o AC/DC, mas não para o Judas.

Quem prestou atenção aos acordes de Ram it Down, já conseguia distinguir uma fúria incandescente nas guitarras de Glenn Tipton e K.K. Downing, diferente de seu antecessor, o quase pop (para a época) Turbo.

Quebrando a lei, e deixando de lado a máxima futebolística de "em time que está ganhando, não se mexe", a banda surge com aquele, que na humilde opinião do resenhista que vos fala, é o melhor álbum do Judas Priest, e também um dos melhores lançamentos do Metal após os anos 90, o visceral Painkiller.

Agora, meu caro leitor, você me pergunta: "Afinal, o que há de tão diferente em Painkiller?". Obviamente todos vocês já sabem (e se não sabe, trate de sentir vergonha de si mesmo e ir correndo ouvir essa obra prima), mas para os mais desavisados, vai uma pequena explicação. Imagine que o heavy metal do Judas até então era uma barra de aço maciço. Eu não sei por experiência própria(felizmente), mas imagino que um golpe com uma barra dessas deve doer um bocado. Muito bem, o que o Judas Priest fez? Lapidou essa barra até ela se tornar uma espada afiada, ok, antes causáva-mos hematomas, agora podemos decepar cabeças.

É mais ou menos essa a sensação que se tem ao ouvir o álbum da primeira vez, antes o Priest era a trilha sonora perfeita para pegar a estrada montado em uma Harley Davidson vestindo roupas de couro com uma loira gostosa na garupa (que poderia ser tanto a criatura do sexo feminino como a refrescante bebida extraída da cevada). Muito bem, ainda podemos fazer isso ouvindo Painkiller, com o adendo de também fazê-lo indo à uma batalha de morte certa sem o menor fio de medo nos olhos.

O TRACKLIST:

Painkiller

Mais rápido que uma bala

A potente metralhadora disparada das baquetas de Scott Travis anuncia

Um grito apavorante

A alavancada gritante faz o chamado para os riffs das guitarras

Enfurecido e cheio de raiva

ele é metade homem, metade máquina

Halford ascende em agudos surpreendentemente afiados e afinados

Cavalgando o Monstro de Metal

Respirando fogo e fumaça

Ian Hill fortalece a base da maquinaria

Eles anunciam a chegada do salvador

Ele é o Painkiller!

Hell Patrol

Como fogo selvagem

Vêm urrando

Um redemoinho infernal

Botando fogo na estrada

Certamente, o verso não mente, é bem provável que esta música possua o riff mais infernal do Judas Priest, com a cozinha (baixo/ bateria) triturando ossos impiedosamente.

Motoqueiros noturnos
Negociantes da morte
Aqueles que trazem a tempestade
Rachando o solo

All Guns Blazing

Torcendo, o ato de estrangular
Não haverá piedade
Sentindo os tendões rompendo
Despedaçados e fraquejados

O aviso é feito, se você chegou inteiro até aqui, prepare-se para o que está por vir.

Leather Rebell

Correndo selvagemente e livre
Ninguém ousa se levantar perante mim
Esse é meu destino
Governar as horas mais negras

Sim, aqui é onde chegamos o mais próximo possível de um "clássico do Judas". É hora de vestir o casaco de couro e sair ás ruas, mas não se esqueça de escolher a motocicleta mais potente que encontrar.

Metal Meltdown

Algo está chamando
Na noite Loucura elétrica
Rugidos à vista

Solo de guitarra alucinado marca a introdução

O calor está aumentando
Queimando rápido

dedilhado cada vez mais veloz

Quente e diabólica
Sinta a explosão

O ruído ensurdecedor se levanta, a parede de guitarras distorcidas ataca com fúria, o vocal anuncia a proximidade com o inferno, o calor aumenta, o metal se funde.

Night Crawler

O santuário está no sul
Orações sussurradas, um último recurso
Voltando pra casa em seus gritos distorcidos
O terror atacou
Eles sabem que foram capturados
Diretamente do inferno

Aqui vemos o Judas Priest explorando seu caráter mais narrativo, com uma composição que casa perfeitamente com a atmosfera da música.

Between the Hammer and the Anvil

Alerta de tempestade

Riffs se arrastam

Mas não há o que temer

O lado mais melodioso da banda mostra as caras, com uma canção muito bem trabalhada.

A Touch of Evil

Durante a noite
Venha até mim
Você sabe que eu quero o seu
Toque do mal
Durante a noite
Por favor me liberte
Eu não posso resistir ao toque do mal

One Shot at Glory

Deixe-me ouvir o grito de guerra
Chamando no vento
Deixe-me ver as bandeiras estendidas
Antes que a tempestade comece

É chegada a hora do último hino de guerra, no melhor estilo fim de show, tal como as clássicas "Living After Midnight" e "You've Got Another Thing Comin'", o Priest se despede em grande estilo, até que a próxima espada seja forjada...

Rob Halford - Vocal
Ian Hill - Baixo
K.K. Downing - Guitarra
Glenn Tipton - Guitarra
Scott Travis - Bateria

Grandes capas, grandes histórias (parte 4)

noreply@blogger.com (Janderson Dias) — Fri, 16 Dec 2011 18:54:00 +0000

Como dito na última postagem da série, hoje eu lhes mostrarei 3 capas no mínimo curiosas, são elas:

XTC – GO 2 (1978)

Autor: Storm Thorgerson

Essa capa representa o punk como nenhuma outra (sim, até mais que Never mind the bollocks e London Calling). É a prova registrada de que uma idéia vale mais do que qualquer virtuosismo. A ironia disso tudo é que a banda havia chamado para produzir a capa de seu novo álbum ninguém menos que Storm Thorgenson. Sim, o consagrado criador das capas do Pink Floyd (que é o tipo de música totalmente oposta ao punk). Porém, em meio à reunião para decidir como seria a capa, eles decidiram fazer algo que fosse totalmente o contrário de uma capa comercial, e é ai que todo o talento de Thorgenson em artes visuais é deixado de lado e entra em cena a mais pura ideologia punk. Em um papel em branco, foi escrito o que eles entendiam por uma capa comercial, e dali para a capa, com uma formatação intencionalmente tosca. O resultado é essa sacada genial, que além de funcionar como uma “não-capa”, mostra uma crítica explicita à industria musical.

Tradução:

"Esta é uma Capa de Disco. Esse texto é o DESIGN por cima da capa. O DESIGN é para ajudar na VENDA do disco. Nós esperamos atrair sua atenção para incentivá-lo a pegá-lo. Quando você pegar o disco, provavelmente será persuadido a escutar as músicas - no caso, banda XTC do disco Go 2. Então nós queremos que você o COMPRE. A idéia é que sua compra dará mais dinheiro para a gravadora Virgin, o empresário Ian Reid e também a banda. É claro que será um grande PRAZER. Um bom DESIGN de capa é o que mais atrai compradores. Esse texto está tentando atrai-lo mais do que uma boa foto. E foi feito pra você LER. Isso se chama enganar a VÍTIMA e você é a VÍTIMA. Mas se você tem a cabeça boa, PARE DE LER AGORA! Porque tudo que queremos é que você continue lendo. Mas isso é uma INTERPRETAÇÃO DUPLA, porque se você parar, estará fazendo o que falamos para fazer, e se você continuar lendo, fará o que queríamos o tempo todo. E quanto mais você lê, mais está caindo no que todos os bons designs comerciais fazem. São TRUQUES e esse TRUQUE é pior quando falamos que é um TRUQUE que tenta te ENGANAR e se você ler mais estará se ENGANANDO mais, mas você não saberia mais nada se não lesse até aqui. Pelo menos estamos dizendo sinceramente ao invés de simplesmente seduzi-lo com uma arte bonita que não diz nada pra você. Estamos esclarecendo as coisas porque esse disco é um PRODUTO e os PRODUTOS devem ser consumidos e você é um consumidor e esse é um PRODUTO bom. Nós poderíamos ter escrito o nome numa fonte especial, como se estivesse pra fora aparecendo antes mesmo de você ler, e provavelmente você iria comprá-lo do mesmo jeito. O que estamos sugerindo é que você é BURRO se não comprar esse disco por causa da sua capa. Isso tudo é pra mostrar que provavelmente você gostará desse texto - que é o design do disco - e daqui pro conteúdo do disco. Mas só estamos falando contra aquelas. Um bom design de capa pode ser considerado o começo para a compra do disco, mas isso realmente não acontece mais, porque VOCÊ sabe que isso é apenas o design de uma capa. E isso é uma CAPA DE DISCO."

Blind Faith - Blind Faith (1969)

Autor: Bob Seidemann

Esse é um daqueles casos em que a capa acaba por ganhar mais notoriedade do que o próprio disco. A cena da inocente garotinha nua de 11 anos segurando uma aeronave de caráter fálico e futurista só não causou maior polêmica devido aos grandes acontecimentos da época (foi nesse mesmo ano que o homem pisou pela primeira vez na lua, e a revolução sexual encontrava-se em seu ápice). Ainda assim, os idealizadores do projeto (Eric Clapton e o vocalista do Traffic, Steve Winwood) enfrentaram problemas para que a gravadora aceitasse a capa. No entanto, Clapton ameaçou não gravar o disco se a foto não fosse aceita, e como o selo estava apostando todas suas fichas no grupo, acabaram por ceder, mas apenas na Europa. A edição norte americana do disco trazia apenas uma inocente foto da banda na capa.

The Velvet Underground e Nico - The Velvet Underground e Nico (1967)

Autor: Andy Warhol

Apontado por muitos (inclusive pelo próprio Lou Reed) como o disco mais importante da história do rock, o debut do velvet underground traz uma embalagem não menos digna. Criação do excêntrico gênio da peruca prateada, a capa do álbum tem um apelo muito mais icônico do que visual. Usando de sua pop art, Andy Warhol criou um símbolo simples e de fácil assimilação, que caiu como uma luva para definir o som da banda. Nada mais que uma banana, mas uma banana com muito significado. As primeiras cópias do disco traziam em seu encarte uma banana “descascável”, que revelava em seu interior uma insinuante polpa cor carne. Havia ali um aviso sobre o teor sexual de algumas músicas, mas mais do que isso, pode-se dizer que a capa também funciona como uma antecipação do que se sente ao ouvir o disco. Ao descascar a banana, ninguém imaginava ver uma fruta rosa lá dentro, assim como ninguém nos anos 60 esperava colocar um LP de rock na agulha e ouvir o som visceral e desconcertante do Velvet.

É isso por enquanto, e até a próxima!.

Parcerias "inusitadas" no mundo do rock.

noreply@blogger.com (Janderson Dias) — Wed, 07 Dec 2011 02:39:00 +0000

Desde os anos 60 que o rock n' roll já não é exatamente um estilo musical puro, muitos músicos a procura de novas sonoridades acabam trazendo para o estilo alguns elementos de gêneros diferentes, foi assim com o Deep Purple e a música clássica, com o King Crimson e o jazz, com o Jethro Tull e o folk, dentre inúmeros outros. No entanto, ainda hoje a união de bandas de rock com artistas de outros estilo causa alguma estranheza em alguns ouvintes, algumas dessas parcerias acabam dando terrivelmente errado, já outras resultam em preciosas obras de arte, hoje eu listarei aqui no Hoochie Koo alguns exemplos de ambos os casos, cabe a você decidir qual pertence a qual.

Sepultura e Zé Ramalho - A Dança das Borboletas

Angra e Milton Nascimento - Late Redemption

Nick Cave e Kylie Minogue - Death Is Not The End

RUN-DMC e Aerosmith - Walk This Way

Anthrax e Public Enemy - Bring the Noise

Alice Cooper e Kesha - What Baby Wants

Rihanna e Slash - Rockstar

The Beastie Boys e Kerry King - No Sleep Till Brooklyn

Thom Yorke e Bjork - I've Seen it All

Peter Gabriel e Kate Bush - Don't Give Up

[Resenha] Negură Bunget - OM (2006)

noreply@blogger.com (Janderson Dias) — Mon, 05 Dec 2011 20:18:00 +0000

Atmospheric Black Metal

Romenia

Negură Bunget é uma névoa negra vindo das profundidades de uma floresta escura e densa. O nome tenta representar de alguma forma a atmosfera, tanto musical quanto espiritual que nós queremos criar através da nossa música. É também de uma natureza esotérica, constante para as partes inefáveis de nossa ideologia. As duas palavras também fazem parte do substrato Trácio do idioma Romeno (o mais antigo, contendo cerca de 90 palavras), uma vez que o interesse na nossa história e espiritualidade local é algo de crucial importância e significado para nós como banda.

Foi o que respondeu Negru, baterista e membro fundador da Negura Bunget, quando perguntando sobre a etimologia do nome da banda. "Uma névoa negra vindo das profundidades de uma floresta escura e densa", de fato, não haveria nome mais adequado para descrever o som presente em OM, quarto álbum de estúdio dos romenos.

Sempre achei o black metal um estilo musical um tanto ridículo, a filosofia deturpada e o apelo visual mal produzido das bandas norueguesas do início dos anos 90 ainda gera risos quando me deparo com algum videoclipe no youtube.

Até que um dia eu ouvi o Filosofem, álbum do Burzum de 1996. Ali estava algo único, a distorção diluída das guitarras em meio a cordas sintetizadas criavam uma atmosfera densa e ao mesmo tempo quase etérea, foi quando eu descobri que o black metal pode ser algo muito interessante quando prioriza o lado atmosférico.

E se você se impressionou com o Filosofem tanto quanto eu, certamente irá se impressionar ainda mais com OM. Ao contrário do Burzum, o Negura Bunget possui uma musicalidade impecável, a maneira como as composições se organizam em camadas sonoras que geram peso e melodia, tudo ao mesmo tempo, torna a audição uma confusão prazerosa. É possível notar isso já na segunda música, depois da introdução atmosférica em meio a urros viscerais,Tesarul de lumini mostra uma guitarra base com timbre caustico característico do estilo, ponteado pelos riffs melódicos da segunda guitarra que inicia em meio a uma bateria pulsante e rápida e se encerra sobre o sintetizador ascendente em notas cada vez mais altas e prolongadas.

Primul Om é praticamente uma oração, a voz termina de recitar a letra e da espaço a um coral de "Oms" em clima de música "dark ambient". A riqueza de detalhes sonoros impressiona e causa total imersão na obra, aconselho ouvir com fones de ouvido e com os olhos fechados.

Cunoaşterea tăcută continua o disco com uma porradaria drone que toma ares progressivos na metade do caminho. Hupogrammos Disciple's tira o gutural de cena e acompanha o riff de guitarra com um canto quase gregoriano. O disco segue com Inarborat, por um momento achei que havia um saxofone solando notas graves, mas aparentemente se trata de uma corneta típica da Romenia, o que junto a percussão tribal dá um ar de folk para a música.

Dedesuptul trás um daqueles momentos em que a saturação é tamanha que fica praticamente impossível saber quantas guitarras foram gravadas na versão de estúdio dá música, mas a composição não se deixa levar pela mesmice habitual do black emtal e logo toma outros rumos com ritmo mais cadenciado.

Novamente uma percussão tribal, dessa vez acompanhada por uma cama de cordas em notas agudas e outra em pulsantes notas graves, não há vocal dessa vez.

De piatră segue em um estilo mais tradicional, lembrando até um pouco o Darkthrone no início, mas logo se desprende e encontra ritmos diferentes. A próxima música, Cel din urmă vis,

segue uma linha mais sinfônica, em alguns momentos lembrando um pouco o Dimmu Borgir, em outros o Dead Can Dance.

Hora soarelui anda pelos caminhos obscuros do folk metal com solos de flauta misturados a um coro de vozes masculinas. Al doilea om fecha o disco em meios a "Ohms" e tambores.

Para quem gosta de black metal atmosférico, ou simplesmente de uma musicalidade mais densa, OM é uma pérola do estilo e definitivamente merece ser ouvido.

Tracklist:

1 Ceasuri rele 3:07
2 Ţesarul de lumini 12:48
3 Primul om 4:22
4 Cunoaşterea tăcută 7:11
5 Înarborat 6:22
6 Dedesuptul 6:39
7 Norilor 3:00
8 De piatră 5:36
9 Cel din urmă vis 10:03
10 Hora soarelui 5:55
11 Al doilea om 2:03

Hupogrammos Disciple's [Edmond Karban] - vocals, guitar, bass, keyboards

Negru [Gabriel Mafa] - drums, percussion

Sol Faur Spurcatu - guitar, bass, keyboards

Grandes capas, grandes histórias (parte 3)

noreply@blogger.com (Janderson Dias) — Fri, 02 Dec 2011 19:54:00 +0000

No último artigo eu falei um pouco mais sobre 3 artistas renomados na área de design de capas e mostrei algumas de suas obras mais interessantes. Mas afinou de contas, como esse costume de fazer capas customizadas começou? É sobre isso que eu vou falar hoje.

Até a década de trinta, os vinis vinham embalados em simples envelopes de papelão, que tinham como única finalidade a proteção do disco. No entanto, em 1939, um jovem de apenas 23 anos teve uma idéia revolucionária. Esse jovem se chamava Alex Steinweiss, e sua idéia mudou a forma de se produzir e consumir música.

Alex achava tais embalagens inapropriadas para guardar obras musicais muitas vezes tão emocionantes, um simples pedaço de papelão com algumas letras impressas era algo muito frio, e não refletia a grandiosidade das composições em seu interior.

Foi assim que surgiu a idéia de imprimir nas capas imagens que representassem o conteúdo musical do disco, e foi assim também que Steinweiss se tornou o primeiro diretor de arte de uma gravadora, a Columbia Records.

Apesar de pouco se ouvir falar de Alex hoje em dia, sua idéia visionária fez com que as representações gráficas se tornassem algo indispensável na produção de álbuns musicais, e abriu caminho para inúmeros outros artistas, o que o torna sem sombra de dúvidas o designer de maior importância para o cover design.

Além de toda a importância comercial e artística das capas para a música, algumas delas escondem curiosidades no mínimo interessantes, seja na hora de sua produção, ou seja pela arte em si, e é sobre esse aspecto que falarei aqui na próxima postagem, começando por três artes que se destacam por motivos distintos, sendo eles respectivamente a criatividade, a obscenidade inusitada, e a representação perfeita da obra. Até a próxima!

Rolling Stone divulga lista com os 100 maiores guitarristas de todos os tempos.

noreply@blogger.com (Janderson Dias) — Thu, 24 Nov 2011 10:27:00 +0000

O site da Rolling Stone divulgou uma lista com os 100 maiores guitarristas de todos os tempos. A lista é resultado de um consenso feito com a opinião de guitarristas famosos de diversos estilos, entre eles Ritchie Blackmore (Deep Purple), Don Felder (The Eagles), Kirk Hammet (Metallica), Warren Haynes (The Allman Brothers), Robby Krieger (The Doors), Alex Lifeson (Rush), Brian May (Queen), Eddie Van Hale e Dave Mustaine (Megadeth).

Destaco aqui alguns dos escolhidos, a lista completa pode ser vista no site da Rolling Stone cujo link está no final desse post.

Lindsey Buckingham (Fleetwood Mac)

Eu realmente nunca ouvi Fleetwood Mac o suficiente, não por falta de interesse, mas a frase do guitarrista que está na lista me fez colocá-lo aqui em destaque: "A técnica clássica não é aceitável, você faz o que você puder para conseguir o que você quer".

Thurston Moore (Sonic Youth)

Um guitarrista pouco lembrado nesse tipo de lista, que normalmente preza mais guitarristas extremamente técnicos, no entanto, quando se fala em experimentalismos e timbres inovadores, não há como não citar Thurston moore.

Dimebag Darrel (Pantera)

Poucos guitarristas desenvolveram uma técnica tão agressiva como Dimebag. Transitando entre os grooves mais graves e os harmônicos mais agudos, Darrel conseguiu chegar onde nenhum guitarrista de thrash metal havia chegado antes, infelizmente seus amplificadores se desligaram bem antes do que gostaríamos.

Eddie Hazel (Funkadelic)

Sem palavras por aqui, apenas pare por um instante e ouça, se isso não é a definição de "feeling", eu não sei mais o que poderia ser.

Robby Krieger (The Doors)

Quem pensa que o Doors foi apenas a banda de Jim Morrison não poderia estar mais enganado, se apenas um dos músicos ali houvesse deixado a banda antes do primeiro disco, a história poderia ser completamente outra, e Rob krieger é um exemplo disso, enquanto a maioria dos guitarristas da época tinham suas raízes plantadas no blues, Rob vinha de uma formação em jazz e flamenco.

"Não ter um baixista na banda me fez tocar mais notas graves para preencher o fundo, não ter um guitarrista base também me fez tocar de forma diferente. Eu sempre senti como se fosse três músicos ao mesmo tempo."

Robert Johnsom

Seu modo de tocar define o blues originário no delta do Mississipi, tudo que você precisa saber sobre rock n' roll está ali, entre slides e riffs sobre o ritmo tradicional do blues.

Jack White (The White Stripes)

Falei bastante sobre ele aqui já.

Ritchie Blackmore (Deep Purple)

Blackmore está muito além do emblemático riff de Smoke On the Water. Precursor dos guitarristas "neo clássicos", ele estipulou um padrão quando o assunto é guitarristas de heavy metal, o que infelizmente resultou em uma infinidade de guitarristas interessados mais em "fritar" as cordas do que realmente criar melodias de qualidade. No entanto muitos guitarristas excelentes citam Blackmore como inspiração também.

Jonny Greenwood (Radiohead)

Talvez a única aproximação de Jonny Greenwood com os guitarristas de blues seja o uso de um arco de violino, que era exatamente a única coisa que Jimmy Page tinha de "non-blues". Sua telecaster surrada passou ao longo do tempo de um timbre entre o grunge e o pop para um experimentalismo eletrônico executado de forma magistral.

Johnny Ramone (Ramones)

1...2...3...4... Lá, ré, mi, lá, ré, mi, lá, ré, mi...again and again and again. Ai você diz "eu poderia ter feito isso". Pois é, ele fez antes de todo mundo.

Tony Iommi (Black Sabbath)

O mago dos riffs com trítono e da afinação baixa. Iommi, com seus dedos de aço (literalmente), praticamente criou um gênero musical.

Angus Young (AC/DC)

"Ele tem o diabo nos dedos e o blues em sua alma", disse Brian Johnson no último show do AC/DC no Brasil. E de fato, o que ouvimos sair daquela famosa SG cor de menta nada mais é do que blues amplificado. Deve-se dizer que o blues nunca foi tão alegre.

David Gilmour (Pink Floyd)

Grande parte do sucesso do Pink Floyd se deve as composições de David Gilmour. Sua técnica e conhecimento musical aliados a uma sensibilidade fora do comum nos revelaram solos inesquecíveis vindos do timbre cristalino de sua stratocaster.

Jimmy Page (Led Zeppelin)

Page dispensa comentários, seus riffs e solos falam por si só, talvez seja o guitarrista que melhor soube utilizar a influência do blues.

Lista completa dos 100 guitarristas: http://www.rollingstone.com/music/lists/100-greatest-guitarists-20111123

Linha do tempo [1967]

noreply@blogger.com (Janderson Dias) — Mon, 21 Nov 2011 14:02:00 +0000

Olá, hoje iremos voltar para o ano de 1967, onde sobriedade era uma questão de ponto de vista. Pois bem, segure firme o novelo que lhe conecta a realidade porque está na hora de conhecer o ano mais produtivo do rock psicodélico, e porque não, da música como um todo.

Em um ano com acontecimentos que vão do nascimento de Kurt Cobain à execução de Chê Guevara , enquanto o homem dava os seus primeiros passos em direção à Lua e os Estados Unidos mandavam soldados para morrer no Vietnã, o movimento hippie surgia com força total, pregando a sexualidade livre e o uso de drogas como forma de se conectar com a natureza.

Por fim, muitos músicos da época começaram a aderir ao modo de vida hippie, estes viram nas drogas uma forma de expandir a sua criatividade. Bom, se o uso de drogas expandiu ou não a criatividade desse pessoal eu não sei dizer, mas que eles conseguiram traduzir os efeitos mentais do ácido para a música e que isso resultou em obras geniais é inegável.

01. Pink Floyd - The Piper At The Gates Of Dawn

Esse é provavelmente o álbum mais pesado e, porque não dizer, barulhento do Pink Floyd. Ao dar o play em Astronomy Domine esteja pronto para entrar em um vórtice sonoro que muitas vezes se confunde entre sonho e realidade. Aqui Syd Barret se mostra dono de um timbre vocal único, com entonações que muitas vezes beiram o etéreo. Mesmo sendo o primeiro álbum da banda, já é perceptível o uso de instrumentações diversas que iam muito além do simples rock n' roll, além do notável conhecimento musical dos integrantes.

02. Jefferson Airplane - Surrealistic Pillow

O Jefferson Airplaine por incrível que pareça não é uma banda tão conhecida hoje em dia, mas foi um dos principais nomes do rock psicodélico nos anos 60. Misturando elementos folk norte americanos, blues e a voz doce e poderosa da cantora Grace Slick, eles conseguiram criar um estilo único. Além de todas essas influências musicais, muito do som da banda se originou das composições regadas a LSD, como é o caso de um dos grandes hits do grupo presentes nesse álbum, White Rabbit.

03. Nico - Chelsea Girl

Heis o item mais intimista do post de hoje, porém não menos magistral. Após sua participação no primeiro álbum do Velvet Underground, a cantora Nico fixou residência em Nova York para gravar o seu primeiro álbum solo. Acompanhada por músicos como Tim Hardin, Jackson Browne e Leonard Cohen, Nico interpreta composições de seus colegas do Velvet Underground, Lou Reed, John Cale e Sterling Morrison, além de uma canção do Bob Dylan. A interpretação de nico junto a sonoridade "chamber folk" sem nenhuma percussão são de uma beleza melancólica difícil de explicar em palavras. Ótima escolha para um dia chuvoso.

04. The Velvet Undergroun & Nico - The Velvet Undergroun & Nico

E por falar em Nico...Um dos álbuns que influenciou várias gerações do rock e continua influenciando, senhoras e senhores, o "álbum da banana". O Velvet Underground foi um projeto de Andy Warhol que acabou ganhando vida própria, o impacto das composições presentes aqui é tão grande que se torna difícil imaginar como esse disco passou quase despercebido na época em que foi lançado. Falando de coisas como sadomasoquismo, homossexualidade e uso de drogas (no caso a heroína, não o popular LSD) e com experimentalismos que iam das linhas vocais de Lou Reed, atípicas para a época, até a estranha afinação de John Cale, que em algumas músicas usava sua viola com todas as cordas afinadas na mesma nota, o Velvet Underground logo foi resgatado por músicos como David Bowie, e hoje em dia o disco é tido por muitos como o mais importante da história do rock.

05. The Doors - Strange Days

Depois de conseguir um certo sucesso com seu primeiro álbum, o The Doors lança ainda no mesmo ano "Strange Days". Saíndo um pouco da veia blues, esse é o álbum mais piscodélico da banda. Da introdução alucinógena da faixa título até a apocalíptica When the Music Is Over, percebe-se uma intimidade maior com o estúdio. O álbum todo é circundado por um clima soturno, embora haja algumas canções mais animadas, como Love Me Two Times, o que de forma alguma é algo ruim, uma vez que combina perfeitamente com a poesia psicodélica de Jim Morrison.

É isso, boa viagem e até o próximo ponto na linha do tempo.

[HK Recomenda] Cangaço - Death metal do sertão

noreply@blogger.com (Janderson Dias) — Sun, 20 Nov 2011 19:35:00 +0000

Há um bom tempo não vejo (ouço) algo que realmente me chame atenção no metal nacional, até que essa semana estava vendo o vídeo onde Edu Falaschi se pronuncia no anuncio oficial do Wacken em São Luiz, e vi nos videos relacionados do youtube essa banda de nome Cangaço.

Me interessei pelo nome e resolvi descobrir do que se tratava, foi ai que ouvi o single "Sete Orelhas". O que ouvi a seguir me surpreendeu de várias maneiras, primeiro o estranhamento com o fato da banda cantar em português, no entanto, por incrível que pareça nesse caso a sonoridade da língua funcionou perfeitamente com os guturais. A letra parece remeter à uma violência típica do cangaço, a vingança e a crueldade retratadas em uma visceralidade poética que em muito me agradou, apesar de em muitos momentos ser difícil de compreender o que se está sendo dito na música, uma desvantagem nesse tipo de vocal, por outro lado a agressividade do "death growl" traduz a intencionalidade da letra muito bem.

Quando a covardia gangrena uma família

espadas se enterram no coração

o grito por vingança então habita

as sete orelhas num cordão

Qual foi minha surpresa ao perceber que a banda já era bem mais conhecida do que parecia. Apesar de formada em 2009, os caras já conseguiram se apresentar no Wacken em 2010, à exemplo dos mineiros do Tuatha de Dannan. Esse ano eles lançaram seu primeiro EP, intitulado "Positivo", com 5 músicas, sendo que apenas uma delas é cantada em inglês.

É perceptível uma grande influência de bandas clássicas do death metal, como o Morbid Angel e o próprio Death, por outro lado o Cangaço inova ao mesclar peso e técnica à ritmos regionais nordestinos, com passagens que remetem à obra de Luiz Gonzaga, como o solo de Positivo e o final de Al Rasif. Também é visível o virtuosismo do trio nas músicas, com composições de uma complexidade que beira o metal progressivo, algo bem distante da brutalidade unidirecional e muitas vezes monótona que se tornou característica do estilo.

Logo se vê que o Cangaço é uma das poucas bandas de metal atualmente no Brasil que se preocupa em trazer algo realmente novo para a cena, ao que parece eles tem um grande futuro pela frente, quem sabe não estamos diante de um dos futuros representantes do metal brasileiro no mundo, ao lado de nomes já consagrados como Sepultura, Angra e Krisiun.

É possível ouvir o EP na íntegra no myspace da banda: http://www.myspace.com/cangacometal

Jack White - O último dos "blueseiros"

noreply@blogger.com (Janderson Dias) — Sun, 13 Nov 2011 16:10:00 +0000

O ano é 1999, o grunge já havia saído de cena e muitos pregavam novamente a morte do rock n' roll enquanto outros pregavam o fim do mundo. Bom, todos sabemos que não aconteceu nem uma coisa nem outra, mas havia um jovem em Detroit que parecia compartilhar da mesma opinião de nosso mestre Raul Seixas: "O rock acabou mesmo em 59". Esse jovem era John Anthony Gillis, que no mesmo ano de 99 adotaria o pseudônimo de Jack White e lançaria junto com sua "irmã" Meg White o primeiro álbum do White Stripes.

O que ouvimos no debut da banda é uma sonoridade crua e suja, é como se Robert Johnson tivesse conhecido uma guitarra elétrica antes de morrer, o rock de garagem calcado no blues é levado de forma minimalista, apenas guitarra bateria e voz, no entanto, ao final do álbum você até já se esqueceu que se trata de uma dupla, a guitarra de Jack White preenche todos os espaços, sua maneira visceral de tocar e cantar transmite uma energia surpreendente, quem diria que ás vésperas do século XXI ouviríamos exatamente o mesmo tipo de música feita nas fazendas dos EUA nos anos 40 e acharíamos isso novo?

Pois é, pra quem achava que o rock estava morrendo, Jack White provou o contrário e relembrou a todos de onde vem a alma do verdadeiro rock n' roll.

O vídeo acima mostra um trecho do documentário "It Might Get Loud", onde Jack fala de quando escutou Son House pela primeira vez e de como isso mudou sua percepção sobre a música. Como ele mesmo diz no documentário um pouco depois, todo o visual lúdico que cercava o White Stripes não passava de um apelo visual pra desviar a atenção do que a banda realmente era, uma tentativa de soar de uma forma tão genuína e simples quanto a música de Son House, e, ao menos no que se refere a minha opinião, eles conseguiram.

E conseguiram muito mais, o White Stripes lançou 6 álbuns de estúdio, onde Jack White arrumou espaço para diversos experimentalismos mesmo sem perder a sua alma blueseira e a sonoridade vintage característica, a banda ainda lançou o ótimo álbum ao vivo "Under Great White Northern Lights".

Jack pode ser um homem minimalista, mas sonha alto, e talvez seja por isso que em fevereiro desse ano ele anunciou sua saída do White Stripes e o término da banda para se dedicar à outros projetos.

Falando em projetos, voltemos um pouco no tempo, em 2005 Jack White se juntou a Brendan Benson, Jack Lawrence e Patrick Keeler e formou o The Raconteurs. O primeiro álbum da banda (Broken Boy Soldiers, 2006) trazia uma sonoridade bem setentista, com muitos riffs de guitarra, intercalados com arranjos de violão e teclados que lembravam muito o rock psicodélico da época, como é o caso de Intimate Secretary. Pra quem achava que o saudosismo de Jack só funcionava no White Stripes, o Raconteurs prova o contrário já nesse primeiro disco, com músicas pesadas e melodiosas como Steady As She Goes e Broken Boy Soldier, ou ainda nas baladas Together e na Zeppeliana Blue Veins.

Em 2008 a banda volta com o sensacional "Consoler of the Lonely", mantendo a mesma linha do álbum anterior, mas dessa vez com um entrosamento muito maior, as guitarras de Brendan e Jack parecem dançar juntas, Jack Lawrence está impecável no baixo, já Patrick mantém a sua bateria setentista firme e forte.

Em 2009 Jack White fundou a gravadora "Third Man Records", onde resgata artistas antigos ou mesmo novos artistas que buscam uma sonoridade mais antiga. Um dos últimos frutos do selo Third Man foi o ótimo álbum da rainha do rockabilly Wanda Jackson, mas esse vale uma resenha especifica.

No entanto, o grande acontecimento do lançamento da gravadora foi mesmo a estréia do novo projeto de Jack White, o super grupo Dead Weather. Jack teria perdido a voz em um show do Raconteurs em Memphis, foi então que a banda chamou Alisson Mosshart para cantar algumas das músicas. Após o show, Jack pediu se ela não gostaria de gravar uma música com ele e Lawrence. Bom, eles encontraram Dear Fertita do Queens of the Stone Age no estúdio, que acabou se juntando a banda e gravando mais de uma música com eles aquela noite.

Tudo isso resultou no álbum Horehoud, com Jack White mostrando porque a bateria foi seu primeiro instrumento e Alissa Mosshart transbordando atitude em performances incendiárias. Há tempos não via uma banda nova com tanta energia em cima do palco, é rock n' roll do começo ao fim com uma sonoridade que a todo momento flerta com o experimentalismo mas sempre mantendo sua relação estável com o saudosismo, algo que Jack White faz como ninguém. A banda ainda lançou em 2010 "Sea of Cowards", álbum que exige um pouco mais de dedicação do que o anterior para ser digerido, mas é tão bom quanto.

Por fim, ficamos aqui a esperar que Jack White nos brinde novamente com mais um fruto de sua mente criativa e sua alma de blues man, e enquanto houver alguém vivo que ainda se lembre de onde o rock n' roll nasceu, ele dificilmente morrerá, boa semana a todos.

Linha do tempo [1987]

noreply@blogger.com (Janderson Dias) — Wed, 09 Nov 2011 07:43:00 +0000

Hoje inicio mais uma série de postagens aqui no HK, dessa vez com intuito de indicar grandes álbuns da história da música, desde os anos 50 até os dias de hoje.

Em cada postagem do linha do tempo eu falarei sobre um ano diferente, em ordem aleatória, sendo que para cada ano eu indicarei 5 álbuns os quais na minha opinião foram os mais importantes.

Lembrando que as listas refletem apenas a minha opinião, e eu obviamente não escutei todos os discos lançados, então obviamente algum álbum que você goste ficará de fora. O objetivo do Linha do tempo é mais indicar álbuns que você talvez não tenha ouvido do que apontar quais foram os melhores daquele ano. Sinta-se livre para comentar e acrescentar outros nomes a lista.

Bom, pra começar vamos ao ano de 1987, época em que o rock n' roll "farofa" e o metal ainda reinavam soberanos.

01. Anthrax - "Among the Living"

Em seu terceiro álbum, o Anthrax já demonstrava um thrash metal bem diferente daquele som sujo e rápido que iniciou o estilo no início dos anos 80. No entanto, não pense que irá ouvir canções de ninar aqui, apesar do vocal mais limpo e melódico as incríveis bases de guitarra junto ao poderoso combo de bateria e baixo garantem a porradaria do começo ao fim. Definitivamente um item imprescindível para a coleção de qualquer amante do estilo.

02. Titãs - "Jesus não tem dentes no país dos banguelas"

Pois é, pra quem não sabe o Titãs já fez rock n' roll, e do bom. Seria difícil imaginar um álbum tão bom após o clássico "Cabeça dinossauro", mas eles conseguiram. A fúria e os temas politizados do punk com elementos de ska, claramente influenciados pelo The Clash, se uniam com a irreverência new wave do início da carreira da banda. Uma das pérolas do nosso rock oitentista, que infelizmente muito rockeiro não conhece.

03. The Smiths - "Strangeways, Here We Come"

Último álbum de estúdio da curta discografia do Smiths, depois de investir bastante em uma sonoridade mais acústica e menos obscura no impecável "The Queen Is Dead", a banda se distancia ainda mais do post-punk dos dois primeiros álbuns, flertando com uma sonoridade mais etérea e inserindo alguns elementos psicodélicos a mistura. O resultado não poderia ser melhor, poucas bandas terminaram sua carreira com um trabalho tão bom.

04. Guns N' Roses - "Appetite for Destruction"

Não sou exatamente um fã do GNR, mas não há como fazer uma lista desse tipo sem citar o primeiro trabalho dos caras. A banda é uma das grandes responsáveis por popularizar o rock n' roll, e grande parte disso se deve a hits desse álbum, como Sweet Child O' Mine, Welcome to the Jungle e Paradise City. O trabalho de um bando de garotos sujos que só queriam fazer barulho e curtir a vida não poderia ser exposto de forma mais sincera, uma pena que isso se perdeu anos depois e a guerra de egos acabou levando ao "fim" da banda.

05. Helloween - "Keeper of the Seven Keys (part I)"

A entrada de Michael Kiske em 86 deu novos rumos para a banda e resultou em um clássico do power metal. Mesclando de forma magistral peso e melodia, o Helloween conseguiu um resultado único que até hoje é referência para diversas bandas do estilo.

Grandes capas, grandes histórias (parte 1)

noreply@blogger.com (Janderson Dias) — Sun, 06 Nov 2011 23:06:00 +0000

Apesar de ter se tornado uma tarefa cada vez menos corriqueira devido à comodidade que a internet oferece, uma das coisas mais prazerosas que um amante da música pode fazer é visitar uma loja de discos. “Folhear” as prateleiras com uma atenção arqueológica em busca de algo que o agrade.

Ainda há aqueles que, como eu, não buscam apenas um título, mas encaram toda aquela cidade de caixinhas transparentes como uma verdadeira exposição de arte. Todo um caleidoscópio de cores e formas que vão se revelando a cada encarte que se passa, indo dos desenhos mais belos e instigantes, as mais esdrúxulas e questionáveis figuras. Para esses não basta virar o disco e ver o tracklist, é preciso saborear cada detalhe da arte de capa antes de escolher qual levar.

The Beatles - Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band

Mas mesmo para aqueles que não se preocupam tanto com o aspecto visual dos álbuns, as capas exercem uma influência significativa na hora da compra, mesmo que inconscientemente. Quem nunca teve vontade de comprar um disco apenas pela capa? Porém, mais do que um apelo de marketing, os graciosos “envelopes” que envolvem o conteúdo do disco são uma expressão artística tão grande quanto à própria música, muitas vezes até se sobressaindo perante essa.

É fato que o design de capas perdeu muito de seu glamour devido a substituição dos LPs pelos CDs, e esse é um dos fatores para os antigos bolachões estarem voltando ao mercado com grande força (e mais caros do que nunca, diga-se de passagem), mas mesmo com uma área drasticamente reduzida, as capas ainda tem seu charme. Claro que hoje em dia se encontra facilmente qualquer arte em resoluções escandalosas com apenas alguns cliques, mas não há nada que substitua a sensação de segurar um encarte nas mãos e saborear todos os seus detalhes, que muitas vezes “saltam” do papel e ganham caráter físico.

ELP - Brain Salad Surgery (1973)

São muitos os artistas que em um determinado momento de sua carreira viram na música um ambiente fértil para expor suas criações, sejam eles desenhistas, pintores ou fotógrafos. Alguns nomes já consagrados no campo do design gráfico já emprestaram seus pincéis para a música, como é o caso de H.R. Giger, responsável pelo design do filme Alien, que foi o responsável pela arte de “Brain Salad Surgery”, quinto álbum do trio progressivo Emerson Lake and Palmer.

Contudo existem aqueles que se tornaram reconhecidos principalmente por sua contribuição no campo das artes de capa, como é o caso de Storm Thorgerson, Derek Riggs e Roger Dean, os quais falarei a respeito semana que vem, na próxima postagem da série "Grandes capas, grandes histórias".

[Resenha] Hawkwind - Space Ritual (1973)

noreply@blogger.com (Janderson Dias) — Sat, 05 Nov 2011 23:43:00 +0000

No final dos anos sessenta o rock n’ roll estava no auge de sua psicodelia, bandas como Deep Purple, Blue Cheer e Pink Floyd incendiavam o palco com suas apresentações inebriantes. No entanto, ninguém levou o termo “psicodelismo” tão a sério quanto os britânicos do Hawkwind.

Os três primeiros LPs do Hawkwind deixam claro sua proposta: ser uma banda psicodélicamente espacial, e levar seus ouvintes extáticos à uma viagem sonora através dos confins do universo. Em Doremi Fasol Latido, a banda, algumas vezes com colaboração do escritor de ficção científica Michael Moorcock, cria uma elaborada mitologia sobre a história do universo. E é assim, com o uso de letras espaciais e uma sonoridade alucinógena, que o Hawkwind sobe ao palco em 1972, para se apresentar em Londres e Liverpool.

Essas apresentações acabaram resultando no álbum mais bem conceituado da banda, o Space Ritual. Lançado originalmente em 1973 e relançado em CD em 1992 pela gravadora americana One Way. Não é a toa que o disco leva esse nome, de fato, os shows do Hawkwind mais pareciam um ritual do que uma apresentação. O figurino, as luzes, filmes projetados sobre a banda, poetas recitando seus textos, tudo era feito de forma a inserir os presentes em uma espécie de realidade paralela, uma viagem mental por um universo de luzes e sons distorcidos.

A alucinação começa com Earth Calling, um zunido fraco que aos poucos vai crescendo e tomando a forma de um emaranhado de sons estranhos. A chamada foi feita, agora chegou a hora de partir, afinal nós nascemos para isto.

“We were born to go

We’re never turning back

We were born to go

And leave a burning track”

Born to Go pega o rastro do zunido e entra com a forte base do baixo e da guitarra, marcados pelo ritmo acelerado da bateria. A nave sobe aos céus.

Na sequência temos Down Trough the Night. Destaque para a melodia do baixo e o vocal de Lemmy Kilmister, sim, o mesmo Lemmy que fundaria anos depois o Motörhead, porém sem o vocal rouco característico e muito mais “chapado”. Aliás, se tem algo que os caras do Hawkwind faziam além de levar seus fãs a viagens espaciais imaginárias era viajar por conta própria a bordo de todo tipo de substância alucinógena, o que acabava por tornar o show da banda ainda mais “psicodélico”.

Lord of Light narra a possível criação do universo, e mostra o que a banda tem de melhor, que é conseguir unir toda uma orgia de sons espaciais e transformá-los em um som pesado e agradável.

“O espaço é infinito, ele é escuro

[...]

Ele não fala, ele não acorda

Não sonha

Não sabe, ele não teme

Não ama, não odeia

[...]

Espaço é a falta de tempo e de matéria”

Essa é Black Corridor, que serve como introdução para Space is Deep. O destaque aqui fica por conta da bela letra, que aborda a ambição do homem diante do universo.

Vocês devem ter percebido aqui que o álbum apresenta certa cronologia entre as músicas. E essa é mais uma das atrações do show do Hawkwind, talvez o primeiro conceitual que se tem notícia.

Pausa para meditação espacial. Eletronic No. 1 o leva ainda mais fundo nas dimensões do espaço. Orgone Accumulator chega a tempo de trazê-lo um pouco para a superfície da realidade, mas bem pouco mesmo. Percebemos aqui uma forte influência do blues, aliás, poderia até ser um blues, se não fossem os efeitos sonoros sintetizados, orgânicos e psicodélicos por trás de tudo.

Já cansou das derivações da palavra psicodélico? Calma que tem mais. Uma coisa não muito comum em bandas de rock são dançarinos. Bem, o Hawkwind tinha uma dançarina. Até ai tudo bem, mas para uma banda psicodélicamente espacial como essa não basta ter uma dançarina, ela tem que dançar totalmente nua. Sim, por um bom tempo o Hawkwind contou com a participação ilustre de uma fã que subia ao palco toda noite para dançar sem uma única peça de roupa.

Show da banda antes de emplacarem o hit que possibilitaria as extravagâncias da turnê de Space Ritual

Voltando ao que interessa, a próxima música é Upside Down. Aqui temos um riff de guitarra simplesmente extraordinário, que funciona tão bem quanto riffs famosos como Smoke on the Whater e Paranoid. Aproveite, essa é uma das poucas oportunidades do disco em que você pode bater cabeça ao invés de permanecer em transe.

10 Seconds of Forever, é hora de voltar às reflexões estelares, mas por pouco tempo. Logo em seguida temos a longuíssima e pesada Brainstorm. 7 by 7 trás um ritmo um pouco mais cadenciado, com passagens lentas intercaladas com trechos mais pesados.

“In case of Sonic Attack on your district, follow these rules…”

Sonick Attack é um manual divertido de como escapar de um ataque sônico. Para isso eu aconselharia ouvir este disco em um volume seguro…

Time We Left this World Today é o que poderia ser chamado de “música refrão”, com um baixo muito agressivo e algum instrumento de sopro espacial não idetificado por trás de tudo.

Se você chegou até esse ponto sem desintegrar-se, e com todos os componentes auriculares intactos, devo informar para que aborte a viagem imediatamente. Poeira planetária voa pelos ares, a nave psicodélica do Hawkwind implode em agressividade. É a imponência de Master of the Universe, a canção mais pesada do disco, com uma base de guitarra ensurdecedora, a bateria sendo violentamente surrada, e o sintetizador ascendendo em gritos cósmicos.

A viagem está chegando ao seu destino, “bem vindos ao futuro”, saúda a voz da despedida. Os presentes são submetidos a um último vórtice sonoro, a psicodelia chega ao fim. Mas os viajantes do espaço querem mais, e a banda finaliza com a não menos psicodélica You Shouldn’t Do That.

Tracklist

CD 1

01 – Earth Calling
02 – Born to Go
03 – Down Through the Night
04 – The Awakening
05 – Lord of Light
06 – Black Corridor
07 – Space Is Deep
08 – Electronic No. 1
09 – Orgone Accumulator
10 – Upside Down
11 – 10 Seconds of Forever
12 – Brainstorm

CD 2

01 – 7 by 7
02 – Sonic Attack
03 – Time We Left This World Today
04 – Master of the Universe
05 – Welcome to the Future
06 – You Shouldn’t Do That

[HK Recomenda] Blood Ceremony

noreply@blogger.com (Janderson Dias) — Sat, 05 Nov 2011 00:42:00 +0000

Banda: Blood Ceremony

País: Canadá

Estilo: Traditional Doom Metal/ Heavy Metal/ Rock Psicodélico

Orgão hammond, flauta transversal, fuzz, estou falando de alguma banda dos anos 60/ 70, certo? Errado, a banda que venho lhes recomendar hoje se formou em 2006 e lançou o seu segundo álbum de estúdio apenas esse ano. Mas não me surpreenderia saber que eles são mais uma banda perdida nessa época áurea do rock e que veio se tornar conhecida apenas agora, como é o caso do Lucifer Was. Não conhece o Lucifer Was? Bom, fica pra uma outra hora...

Blood Ceremony (2008)

Pegue 100 gramas de Deep Purple, 300 gramas de Jethro Tull e adicione Black Sabbath a gosto, misture todos os ingredientes em um liquidificador industrial e pronto, você tem o Blood Ceremony. Aliás, o BC ainda tem uma coisa que essas 3 bandas não tem, uma mulher no vocal, e é isso que torna o som da banda tão único, apesar de usar de referências tão óbvias.

Na época em que vivemos, onde é mais original quem consegue reciclar melhor o passado, tenho visto que os anos 70 em especial tem sido massivamente referenciado pelas bandas de rock atuais. Há um lado ruim nisso, e é algo que gera uma discussão da qual não vou me aprofundar aqui, mas o lado bom é que muitas bandas tem deixado o seu senso artístico falar mais alto ao invés de se renderem totalmente as facilidades da tecnologia. Podemos citar como exemplo o Foo Fighters, que gravou seu último álbum todo em fitas de rolo.

Living With the Ancients (2011)

Ok, onde eu estava mesmo...ah sim, o Blood Ceremony. Devo dizer, há muito tempo não escutava um disco de rock n roll que mesclasse tão bem o peso com a melodia, e falo tando do debut da banda quanto do novo álbum Living With The Acients. Em um momento você tem uma introdução de órgão digna de bandas de rock progressivo e já na sequência a porrada do trio baixo, bateria e guitarra,
com uma pegada que não deixa nada a desejar para o Black Sabbath em sua formação original. Até ai talvez não seja nada que você já não tenha ouvido, embora eu particularmente já ficaria satisfeito com isso, mas é ai que entra Alia O' Brien com sua voz harmoniosa e sua flauta. Oh, a flauta, não é algo que se possa descrever, ouça e tire suas próprias conclusões:

Gostou? Ficou calminho? Então ouça as duas porradas abaixo pra animar e corra atrás da discografia da banda porquê ela é curta e vale muito a pena.

Discografia:

2008 - Blood Ceremony
2011 - Living With The Ancients

Dica - Redes sociais musicais.

noreply@blogger.com (Janderson Dias) — Wed, 02 Nov 2011 01:14:00 +0000

Pode-se dizer que hoje em dia o que movimenta a internet são as redes sociais, praticamente todos os sites estão interligados com o facebook por meio de comentários e o famoso botão "like", ou ainda conectados ao twitter e google + entre outros.

Tais redes sociais ocupam funções das mais diversas, desde compartilhar quantas vezes você foi ao banheiro hoje, até informar sobre a situação política na Líbia. Fato é que, desde que essas redes mais genéricas tornaram-se famosas, surgiu uma avalanche de redes sociais especializadas, com temas como literatura, cinema, seriados de TV, e é claro, música.

Pois é dessa última que eu vim aqui falar hoje, afinal, esta é a temática do HK. Lhes apresento 3 redes sociais que tem a música como foco:

http://www.lastfm.com.br

O Last.fm talvez seja o site mais famoso quando o assunto são redes sociais sobre música. Nele você baixa um plugin que pega as músicas que você está ouvindo nos eu winamp, wmp, ou qualquer outro player e mostra na página do seu perfil no site, e mais do que isso, as músicas que você ouve ficam registradas e você aidna tem estatísticas de quais artistas você mais ouviu durante a semana, quais as músicas mais ouvidas no mês, etc, além de poder adicionar amigos, participar de grupos e mais uma série de atividades.

Realmente um ótimo lugar para os fãs de música se encontrarem.

http://rateyourmusic.com/

Esse é pra quem realmente consome muita música e é também o meu preferido, no site além de poder criar seu perfil, adicionar amigos, participar de discussões em fóruns, etc, você ainda pode adicionar ao seu perfil os discos que você ouviu, dando notas que vão de 0.5 à 5 para cada um, além de adicionar tags, criar listas variadas e ficar sabendo quando os seus artistas favoritos irão lançar álbum novo por meio de um gadget no seu perfil.

O site ainda conta com a opção de catalogar filmes, o único problema é que apesar de existir a opção em português, a maior parte do conteúdo de reviews e comentários feitos pelos usuários são em inglês, mas não chega a ser um problema se você tiver um mínimo conhecimento no idioma, além do mais existem muitos usuários brasileiros por lá também.

http://blip.fm

Quanto a esse não posso falar muita coisa pois usei por pouco tempo, mas parece ser uma espécie de twitter musical, ao invés de dizer o que está fazendo, você diz o que está ouvindo e faz um comentário sobre a música, enquanto ouve a música pelo próprio site.

Além disso, aparentemente você pode criar playlist e conseguir achievements, como por exemplo por conseguir uma certa quantidade de replies de outros "DJs"

É isso, espero que aproveitem as dicas, e até a próxima.

Halloween e 10 clipes assustadores.

noreply@blogger.com (Janderson Dias) — Tue, 01 Nov 2011 00:09:00 +0000

Hoje é dia 31 de outubro, dia de halloween, mais conhecido pelos brasileiros e portugueses como dia das bruxas, e que ao contrário do que pode-se imaginar, inicialmente não tinha nada a ver com bruxas ou motivos macabros.

Na verdade o halloween se originou como uma celebração pagã que marcava o fim do verão e tinha por objetivo o culto aos mortos. Mais tarde a igreja católica estipulou o dia 1º de novembro como sendo a festa de "Todos os Santos", sendo que a celebração na passagem do dia 31 para o dia primeiro se chamava "Vigília de Todos os Santos", no inglês "All Hallow's Eve", termo que se modificou com o tempo até se tornar Halloween.

Atualmente, a festa tem se desvirtuado bastante do que era a principio, carregando um caráter de ocultismo influenciado pelos filmes de terror e pela cultura pop em geral. No caso da música, principalmente no rock o tema acabou se tornando recorrente.

Tendo isso em vista, decidi fazer uma lista com 10 clipes assustadores na minha opinião, ou mesmo aqueles que tenham o terror como temática, aproveite e feliz halloween!

01. Iron Maiden - The Number of the Beast

Provavelmente a música mais polêmica do Iron Maidem, com uma letra que fala do número 666, citado na bíblia como "o número da besta", o clipe é repleto de referências a filmes clássicos de terror.

Esse álbum da banda é rodeado de lendas, sendo que a mais famosa delas gira em torno do produtor do Iron na época, Martin Birch. Dizem os integrantes que Martin teria sofrido um pequeno acidente de carro, quando ele foi buscar o automóvel na oficina o valor do conserto na nota fiscal era exatamente 666 libras. Martin Birch disse que não quis pagar o valor, ao invés disso pagou 670. Lenda ou estratégia de marketing, o fato é que The Number of the Beast é um dos clipes mais assustadores do rock.

02. Aphex Twin - Come To Daddy

Esse é o caso de vídeo que seria engraçado, tamanha a bizarrice, se não fosse muito bem executado. No entanto o diretor Chris Cunningham faz um trabalho incrível, que aliado a música atmosférica de Aphex Twin transforma esse num dos clipes mais assustadores já vistos.

O vídeo é praticamente um filme de terror psicológico, que apela para o medo do desconhecido, com efeitos visuais que mudam sua reação de um "WTF?" pra um "Putaquepariu que cagaço" em questão de segundos. Veja em tela cheia e com luz apagada.

03. Cradle of Filth - From the Cradle To Eslave

Se você achou o clipe anterior bizarro, o que me diz de anões deformados? Gigante mongol sem os membros? Gostosas sádicas, mutilação, canibalismo? No clipe abaixo você encontra tudo isso e muito mais, regado a sangue e com o black metal gótico assustador do COF pra acompanhar.

AVISO: Video não recomendado para menores de 18 anos.

04. Marilyn Manson - Sweet Dreams

O Marilyn Manson por si só já é algo digno de pesadelos, só alguém que mistura uma sex simbol dos anos 50 com um assassino no nome poderia transformar o synth pop oitentista da banda Eurythmics em algo assustador.

Foi o que ele fez com Sweet Dreams, além de criar um dos riffs mais famosos dos anos 90, conseguiu uma atmosfera pra filme de terror nenhum botar defeito, e que acabou virando trilha sonora do excelente clipe dirigido por Dean Karr.

05. Black Sabbath - Black Sabbath

Vendo hoje em dia, talvez o clipe não pareça tão assustador assim, mas devemos lembrar que essa música foi lançada em 1970, época em que o movimento hippie ainda estava no auge, quase tudo no rock era paz, amor, flores e drogas. Heis então que surge o Black Sabbath, com Tony Iommi usando uma afinação bem mais baixa do que o comum na época tocando um riff em trítono (intervalo musical taxado como demoníaco na idade média) e Ozzy Osbourne narrando a vinda do diabo à terra e gritando desesperado "por favor Deus me ajude!".

Pois é, não tem LSD que faça você não querer dormir com a luz acesa, e é por isso que o Black Sabbath merece estar nessa lista.

06. Rob Zombie - Living Dead Girl

Como todos devem saber, Rob Zombie é um aficionado por filmes de terror, basta ver que o nome de sua banda anterior veio de um clássico do Bela Lugosi, White Zombie. Essa paixão acabou levando-o mais tarde para o cinema como diretor de filmes como A Casa dos 1000 Corpos, o reboot de Halloween e até uma participação como diretor auxiliar em Grindhouse.

No entanto, antes disso ele já se aventurava com seus próprios videos clipes, foi dai que surgiu o Living Dead Girl, claramente baseado nos clássicos de terror dos anos 20.

07. Misfits - Scream

Como bem nos ensinou A Volta dos Mortos Vivos, mais assustador que um zumbi, só um zumbi punk. Agora imagine que você está internado em um hospital e de repente esse hospital é invadido por 4 zumbis punks do tamanho de armários.

Esse é o Misfits, ícone do horror punk, se zumbificando no hospital mais próximo.

Dê o play e Run for your brains!

08. Daft Punk - The Prime Time Of Your Life

Particularmente, esse é um dos meus clipes favoritos pois contém uma crítica visível a busca das pessoas por alcançar um padrão de beleza que não existe.

No mais, o fato de se tratar de uma garotinha, e o choque causado pela visceralidade das imagens torna o vídeo perturbador.

09. The Horrors - Sheena Is A Parasite

Um vídeo que leva o nome da música ao pé da letra. Os olhares assustados dos integrantes da banda só deixam a coisa ainda mais surreal, veja e ~~não~~ entenda.

10. Fever Ray - If I Had A Heart

Esse clipe assusta por não mostrar realmente o que aconteceu. O vídeo mostra diversas pessoas de um vilarejo mortas enquanto membros de uma tribo levam duas crianças de barco. Pode-se presumir que os tribais tenham matado aquelas pessoas e estejam sequestrando as crianças, ou eles estão salvando as crianças de algo ou alguma coisa que matou as pessoas.

Resta a você assistir e fazer sua própria interpretação.

[HK Recomenda] Andromeda - uma constelação progressiva

noreply@blogger.com (Janderson Dias) — Thu, 27 Oct 2011 03:16:00 +0000

Andromeda

País: Suécia

Estilo: Metal Progressivo

Há muito, muito tempo atrás em uma galáxia distante...na verdade, a galáxia é a nossa querida via láctea mesmo e o tempo nem tão distante assim, mais precisamente o ano de 1999.

Enquanto alguns estavam apreensivos com a possibilidade do fim do mundo prevista por Nostradamus, outros formavam uma banda de metal progressivo na Suécia e a nomeavam de Andromeda. Pois então, chegou 2001, o mundo não acabou, ninguém viu nenhum bebê gigante no espaço, e o Andromeda lançou seu primeiro disco, intitulado "Extension of the Wish". O álbum foi primeiramente gravado com o vocalista Lawrence Mackrory, no entanto, Lawrence deixou a banda e foi substituído por David Fremberg. Uma segunda versão do álbum foi lançada, mantendo as faixas originais de todos instrumentos, mas desta vez com os vocais de Fremberg.

Em um meio como o metal, onde grande parte das bandas que compartilham o mesmo sub gênero tendem a soar iguais e repetitivas, o Andromeda se destaca no metal progressivo por dar uma grande enfase aos teclados, e embora possa ser comparado em alguns momentos ao Dream Theater tem uma sonoridade bem particular. Também não lhe falta o virtuosismo característico do estilo, Thomas Lejon conduz a bateria de forma técnica e impecável e Johan Reinholdz merece atenção especial, com riffs de guitarra que acompanham a melodia do teclado, e solos extremamente rápidos mas em nenhum momento enjoativos. O baixo de Linus Abrahamson faz seu papel junto a bateria, e o faz muito bem.

A banda ainda conta com mais 3 álbuns de estúdio e um DVD ao vivo, sendo que um álbum novo intitulado "Manifest Tyranny" está previsto para novembro deste ano.

Discografia:

2001 - Extension of the Wish

2003 - II=I

2006 - Chimera

2007 - Playing Off the Board (DVD)

2008 - The Immunity Zone

2011 - Manifest Tyranny (21 de novembro)

Rock in Rio - Shows na íntegra (parte 2)

noreply@blogger.com (Janderson Dias) — Sun, 02 Oct 2011 18:30:00 +0000

Assista aos shows completos do segundo e último fim de semana do festival:

29/09

Joss Stone

Legião Urbana e OSB

Ke$ha

Jamiroquai

Stevie Wonder

30/09

Marcelo D2

Jota Quest

Lenny Kravitz

Shakira

01/10

Maná

Maroon 5

Coldplay

02/10

Os Mutantes

Detonautas

Pitty

Evanescence

System of A Down

Guns N' Roses

Rock in Rio - Shows na íntegra (parte 1)

noreply@blogger.com (Janderson Dias) — Sun, 02 Oct 2011 17:42:00 +0000

Assista aos shows completos do primeiro fim de semana do rock in rio:

23/09

Abertura + Titãs e Paralamas do Sucesso

Claudia Leitte

Katy Perry

Elton John

Rihanna

24/09

Stone Sour

Capital Inicial

Snow Patrol

Red Hot Chili Peppers

25/09

Glória

Angra & Tarja Turunen

Sepultura & Tambours du Bronx (a partir de 15:20)

Motorhead

Slipknot

Metallica

[HK Recomenda] Electric Wizard - Peso e psicodelia

noreply@blogger.com (Janderson Dias) — Sun, 02 Oct 2011 03:14:00 +0000

Electric Wizard

País: Reino Unido

Estilo: Stoner Metal/ Doom Metal

É praticamente consenso que o heavy metal surgiu de fato em 1970 com o primeiro álbum do Black Sabbath. O peso e a distorção encontrados em bandas anteriores como o Blue Cheer, os primeiros discos do Led Zeppelin e até mesmo os Beatles com sua Helter Skelter se encontraram com o trítono de Tony Iommy e com a interpretação diabólica das letras igualmente assustadoras de Ozzy Osbourne. Desde então, o metal tem se tornado um dos estilos musicais com mais ramificações, desde o sincretismo com o punk que gerou o thrash metal, até a união com a música erudita e folclórica.

Acontece que em meio a esse número sem fim de bandas buscando por novas sonoridades sem perder o peso, algumas decidiram apenas beber direto da fonte, é o caso de bandas como o Pentagram e o Witchfinder General, que traziam os riffs sinistros de Iommy e a temática de ocultismo do Sabbath para um contexto ainda mais denso. Pode-se dizer que surgia ai o doom metal.

Ok, mas o que tudo isso tem a ver com a banda que dá nome a postagem? Bom, ai está uma banda que bebeu muito da fonte sabática, mas conseguiu ir muito além disso.

Em 1995 a banda lançou seu primeiro álbum, que era totalmente focado no doom metal tradicional, com os graves pulsantes do baixo e riffs de guitarra muito pesados. No entanto foi em 1997 com Come My Fanatics... que o Electric Wizard chamou realmente a atenção. A começar pelo timbre corrosivo das guitarras cheias de fuzz¹ e do baixo abusando do flanger². Já em Return Trip, primeira faixa do disco, o ouvinte é recebido por uma parede sonora de distorção sendo martelada pelos graves do baixo e rabiscada por riffs agudos e muitas vezes manipulados por wah³. Temos aqui muito mais do que o vislumbre "inocente" de um filme de terror causado pelo Black Sabbath nos anos 70. O Wizard nos transporta em uma viagem lisérgica pelo inferno, sem passagem e sem cerimônia.

A referência das bandas de rock psicodélico dos anos 60 pode não ser tão clara por conta do peso, mas elas certamente estão presentes no som da banda. Som que é construído sobre a base do stoner metal, estilo que surgiu entre o fim dos anos 80 e início dos 90 com bandas como Kyuss e Sleep, inclusive cabe ai um comparativo, enquanto o rock psicodélico dos anos 60 buscava uma sonoridade que traduzisse os efeitos do LSD, o stoner levou esse nome por abordar constantemente a cannabis em suas composições (obviamente o uso da planta não parava por ai).

Em 2000 o Electric Wizard lançou Dopethrone, considerado por muitos o melhor trabalho da banda (no meu caso, prefiro o álbum anterior). Aqui se tornam mais visíveis os efeitos vocais que se transformariam em uma característica dali para frente. Dopethrone trás o baixo para a linha de frente, muitas vezes se sobrepondo à guitarra, como é o caso da excelente Funeralópolis, que apesar dos seus 8 minutos e 44 segundos ainda é uma das músicas mais curtas do disco que conta com 3 faixas com mais de 10 minutos, além da faixa título com quase 21 minutos de duração, apesar disso, o álbum em nenhum momento se torna monótono.

Dois anos depois é lançado Let Us Prey, que leva a banda por caminhos diferentes, com músicas mais rápidas como We, the Undead. Em 2004, após a substituição de alguns membros, o Wizard lança seu quinto álbum de estúdio denominado We Live.

Tentando recuperar uma sonoridade mais "vintage", a banda usa equipamentos dos anos 70 em 2007 para gravar o aclamado Witchcult Today, que trazia de volta a sonoridade mais arrastada de Come My Fanatics e Dopethrone, dessa vez com uma maturidade musical muito maior e demonstrando um clima mais soturno e intimista.

Finalmente em 2010 o Electric Wizard se entrega ao seu lado mais psicodélico e lança Black Masses, mas sem deixar de lado sua sonoridade característica.

Deixo então a indicação, se você é fã de black sabbath e gosta de música psicodélica como eu, certamente irá gostar do Electric Wizard.

Discografia:

1995 - Electric Wizard
1997 - Come My Fanatics...
2000 - Dopethrone
2002 - Let Us Prey
2004 - We live!
2007 - Witchcult Today
2010 - Black Masses

¹ Fuzz - Tipo de pedal de distorção, usado muito por Jimi Hendrix

² Flanger - Pedal de modulação que causa um efeito semelhante ao som da turbina de um avião em voo

³ Wah - pedal que atenua algumas frequências conforme manipulado. O nome é uma onomatopeia para o som característico que ele produz

[Resenha] Red Fang - Murder the Mountains (2011)

noreply@blogger.com (Janderson Dias) — Wed, 28 Sep 2011 07:01:00 +0000

Stoner Rock/ Stoner Metal

Estados Unidos

Fundada em 2005 em Oregon nos Estados Unidos, o Red Fang é uma das poucas bandas de hoje em dia que consegue transpirar o rock n' roll na sua forma mais primitiva. Com integrantes que mais parecem fãs barbudos de monsters truck, a banda lançou seu segundo álbum esse ano.

Murder the Mountains. Não poderia existir título mais adequado para esse disco, a imagem que vem a cabeça ao se ouvir é mesmo a de montanhas inteiras sendo dinamitadas. Riffs graves de guitarra com bases secas e agressivas unidos ao groove infernal causado pelo baixo transformam auto-falantes em pulsantes máquinas de destruição. Pra quem não conhece o estilo, eu acabei de definir o stoner rock/ metal.

O álbum abre com Malverde e com uma porrada de graves na sua cara, seguido pelo riff agudo de guitarra abrindo espaço para o gutural embriagado de Bryan Giles, que é acompanhado por uma levada de bateria forte e rápida. Aliás, a bateria faz toda a diferença nesse álbum, seja marcando o tempo violentamente no tradicional bumbo-prato/ caixa-prato, ou atacando viradas mais complexas.

A segunda faixa é o single Wires, talvez a melhor música do disco e com certeza a que tem o melhor clipe do ano. O vídeo mostra os integrantes da banda recebendo o cheque da gravadora com a quantia fornecida para a realização do clipe, quantia essa que é gasta da maneira mais improvável. Ideia genial, e ao mesmo tempo tão simples que nos faz imaginar: como ninguém pensou nisso antes?

Por falar em clipe, vale citar o igualmente genial Prehistoric Dog do álbum anterior, que traz referências a Senhor dos Anéis e Monty Python em meio a latas de cerveja e um evento de RPG live action.

Hank is Dead continua a porradaria com o coro de Bryan Giles e Aaron Beam, agora com um vocal mais limpo e harmônico. Dirt Wizard trás de volta a rouquidão e coloca ainda mais peso sobre a montanha. Throw up segue nessa linha, com a guitarra martelando um riff sobre uma linha de baixo que justifica o nome do instrumento.

Se você conhece bandas como Kyuss, Sleep, ou até o Electric Wizard dos primeiros discos, vai identificar algum elemento dessas em algum momento desse álbum, no entanto eu diria que é em Into the Eye e The Undertow onde a influência do stoner metal clássico é mais visível, principalmente nessa última.

O álbum fecha com Human Herd, que é algo entre o stoner rock e o grunge, mostrando um lado diferente do vocal.

Metallica e Lou Reed - Primeiro single de Lulu

noreply@blogger.com (Janderson Dias) — Mon, 26 Sep 2011 07:34:00 +0000

Finalmente foi liberado na íntegra o primeiro single do álbum Lulu, resultado da união de Lou Reed com o Metallica.

Muita gente deve ter torcido o nariz quando soube dessa reunião, gente que ou é fã "true" do Lou Reed ou do Metallica. Desagrado que se mostra presente nos comentários e "dislikes" do vídeo no youtube. Uma pena, pois há algo realmente interessante aqui. A interpretação soturna de Reed unida ao peso do Metallica traz uma composição unidirecional e minimalista, algo bem diferente do thrash metal rápido e técnico de clássicos da banda de Seattle, como Ride the Lighning e Master of Puppets, daí talvez a não aprovação dos fãs do Metallica.

Eu sou fã do Metallica desde os meus 14, 15 anos de idade, e fui conhecer e me tornar fã do Velvet Underground (pra quem não sabe, banda fundada por Lou Reed nos anos 60, e uma das bandas mais importantes da história do rock) muito tempo depois. Devido a isso, Lulu tem sido um dos lançamentos mais aguardados por mim, e The View é exatamente o que eu esperava, algo intimista e pesado que me deu ainda mais vontade de conhecer esse próximo filho rejeitado e incompreendido de duas entidades do rock. É esperar pra ouvir, e como diria James Hetfield: "Open mind for a diferent view".