I Film di K-Factor

Justice League

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 20 Nov 2017 14:44:00 +0100

Si raccoglie ciò che si semina. O, almeno, spesso è così. E lo è nel caso di Justice League, ultimo arrivo in casa DC e prima risposta ufficiale agli Avengers marvelliani. Il neo gruppo di super eroi raggruppati da Bruce Wayne, arriva dopo gli eventi tragici di Batman Vs Superman, con la morte del kriptoniano e il senso di colpa che non abbandona la mente del multimiliardario di Gotham. Una squadra, quindi, fondata sul debito nei confronti del sacrificio di Kal-El e sulla promessa fatta davanti al suo feretro. La genesi del team, benchè presenti i normali iniziali dinieghi che avvengono tra personalità così forti e monocentriche, non attraversa la classica e prevedibile fase di scontro che prelude alla definitiva fiducia nel proprio compagno, come avviene nei due capitoli degli Avengers. Ci sono divergenze e discussioni, ma l’iter di formazione e lavoro di squadra è subito presente. C’è un giovane Flash, ancora titubante delle sue qualità che cresce con la consapevolezza del suo potenziale nel gruppo, ci sono Batman e Wonder Woman che devono lottare con il peso del loro passato e delle scelte fatte che considerano errori. C’è un misterioso Aquaman, che sicuramene troverà maggiore spazio per il suo background nella pellicola a lui dedicata, ma che rivela già una ribellione interna nei confronti delle imposizioni e delle responsabilità del suo ruolo sotto i mari. C’è poi un Cyborg, forse il più inaspettato tra i super presenti, che non riesce a trovare un senso al suo esistere, alla sua non vita, fino a che la sua strada non s’incrocerà con il gruppo. Sullo sfondo, ruotano quei personaggi a margine del mondo DC ma che risultano perfetti grazie alle caratterizzazioni dei loto alter ego attori: dal perfetto Jeremy Irons/Alfred, padre, amico, fratello, collega di un Bruce Wayne sempre più afflitto; Amy Adams/Lois Lane distrutta e incapace di rialzarsi dopo la scomparsa dell’amato Kent; J.K.Simmons/Gordon che, nonostante la poca presenza in scena, già ci presenta come sarà il futuro commissario di Gotham. C’è tempo anche per un Lex Luthor rinato e dall’inconfondibile look, nel quale l’istrionico Jesse Eisenberg si cala ormai con naturale immedesimazione.

Ma ciò che colpisce veramente di questo Justice League è che c’è una storia e non un pretesto per unire i super eroi in questione e farli crescere, evolvere nella continuity iniziata con i film precedenti. Vi è un’idea precisa su come proseguire e incastrare tutti gli eventi in modo da dare respiro alla saga intera del mondo DC, a prescindere dal solito cattivone mangia-mondi. E il collante di tutto questo è Superman, presente o meno che sia. La sua figura, ciò che rappresenta e ciò che smuove diventa il fulcro del film. A differenza dei coloratissimi film Marvel dove il team up è un modo per mettere in vetrina tutti gli eroi “del catalogo” (vedi su tutti Captain America: Civil War), qui si prova a creare un mondo con un’anima. Senza rinunciare alle risate, grazie al Flash di Ezra Miller, perfetto con e senza maschera, e nemmeno alla serietà e al dolore presenti nello sguardo laconico di Wayne (continuo ad essere un forte sostenitore del Batman di Ben Affleck). La doppia gestazione del film, dapprima affidata a Zack Snyder e successivamente, a causa di un problema personale del regista, completata da Joss Whedon, non ha intaccato il lavoro complessivo del film, aggiungendo, forse, una maggiore attenzione ai dettagli, vista l’esperienza di entrambi con i film del genere supereroistico. Ottimo anche il lavoro di Danny Elfman alle musiche che offre un perfetto mix dei famosi motivi legati ad ogni personaggio nel momento in ognuno di loro è in scena.

Justice League si rivela una gradita sorpresa nell’infinito mondo dei super eroi in pellicola, regalando un film ben strutturato e meno prevedibile dei suoi cugini di casa Marvel, senza perdere l’occasione di mostrarsi chiassoso e imponente nei momenti giusti, ma ricordandosi di offrire il giusto spazio alla storia che lega tutto il mondo DC.

Thor: Ragnarok

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 16 Nov 2017 17:53:00 +0100

Per chiudere la trilogia legata al dio del tuono, prima dell’avvento delle guerre dell’infinito che sconvolgeranno (o almeno così promettono) l’universo Marvel, Disney e Marvel Studios decidono di lanciarsi senza freni sulla strada dell’action comico in stile anni 90. Ogni aspetto del mondo asgardiano e supereroistico viene portato all’esagerazione, canzonato e contemporaneamente esaltato dalle immagini frenetiche dirette da Taika Waititi. Fin dalle prime battute capiamo che di fronte ci troveremo un Thor/Chris Hemsworth dalla battuta pronta e con un sense of humor più vicino a quello di un mortale che a quello di un dio. Ma d’altra parte l’universo di carta della casa delle idee è più legato ad un’atmosfera di questo tipo che alla tetra visione di Nolan e del suo cavaliere oscuro.

E quindi bando alle ciance, alle implicazioni morali, ai disagi dell’eroe e spazio alla risata, ai doppi sensi, a “Immigrant song” sparata a tuono (per l’appunto) durante gli epici scontri in cui ruotare un martello non è più una necessità. In questo mix colorato e chiassoso, il figlio di Odino viene rivoltato non solo nell’animo ma anche nell’outfit: via il potente martello, taglio netto ai capelli e mantello rosso stracciato e non fieramente svolazzante. Perché la forza è interiore e non esteriore? Perché il martello è solo un mezzo e non il fulcro del potere? Sì, forse, ma in verità non siamo qui a mostrarvi due ore di scontri con pretesti metaforici, bensì per intrattenervi.

Il disagio di Bruce Banner quando scopre di aver passato due anni all’interno di Hulk è solo un pretesto per potergli ritagliare il ruolo di spalla comica al fianco del biondo asgardiano. Alchimia che, nonostante alcune forzature, funziona egregiamente sia in versione umana che non dello scienziato. Anche perchè lo scontro tra il gigante verde e il dio del tuono è l’unica cosa che conta ai fino dello show. "Thor:Ragnarok" è tutto qui, un grande lungo e sgangherato show. Ma è proprio questo il suo bello. Trascinare gli spettatori in due ore di divertimento dove i momenti in cui riflettere sono pochi e servono solo per traghettarci alla sequenza delirante successiva. Con buona pace di molti non sense o domande che possiamo porci nei confronti dei personaggi e delle loro scelte. C’è poco tempo per pensare. Anche Cate Blanchett, nei panni di Hela, emerge più per la sua parte di cinica comicità che per la (retorica) cattiveria espressa.

Per non parlare della bella Valchiria SR-142, che entra in scena ubriaca e barcollante e del sempre più indispensabile Loki di Tom Hiddleston, ingannevole ma orgoglioso fratellastro del Re di Asgard. Ma il premio miglior gigioneggio va di certo a Jeff Goldblum nei panni del Gran Maestro!

Tiaka Waititi confeziona un fumettone in pellicola, nello stile di quegli albi con team up da diverse testate, che si leggono tutto d’un fiato sotto ma che spesso, pur divertendoci, non lasciano molto nella nostra esperienza di lettori/spettatori.

IT

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 26 Oct 2017 09:37:00 +0200

It, il romanzo di Stephen King, è stato per me il cosiddetto romanzo di formazione. Non Salinger, non Kerouac e nemmeno il Signore degli Anelli. E del suo autore, di cui ho divorato quasi ogni cosa scritta, è stata l’opera che ho riletto più volte. Ecco perché è difficile essere imparziale nello scrivere la recensione del suo adattamento cinematografico. Soprattutto perché Andrés Muschetti è stato molto furbo. E bravo. Furbo perché ha scelto di portare in sala solo la parte ambientata nella Derry degli anni 80, senza menzionare le vicende future. Questo gli permette di sfruttare tutta la vena aurifera della nostalgia, portata al suo apice dal recente Stranger Things, del quale ne arruola anche un componente. Furbo perché sa che i più esigenti spettatori con cui dovrà confrontarsi saranno gli amanti del libro, delusi dalla versione anni 90 con il bravissimo Tim Curry, che ancora attendono una degna pellicola dell’opera del re.

Quindi decide di ammiccare con quei colpi sicuri che certamente non li lascerà indifferenti, come la bicicletta Silver di Bill e il suo urlo “Vai Silver!” o la poesia di Ben per Beverly. Ma è anche bravo, molto bravo. Ricostruisce una Derry che porta lo spettatore direttamente tra le pagine di King. Ne ricrea la perfetta atmosfera malsana, disturbante. Di una città marcia nelle sue fondamenta, dove gli adulti sono parte integrante del male e dell’indifferenza. E’ bravo perché il gruppo dei perdenti è ben assortito, affiatato come ci si aspetta. Purtroppo non ne approfondisce le divergenze, su tutte quella fra Bill e Stan, vera controparte logica del capo gruppo. Ne accenna la titubanza, ma interpretandola più come paura che come incapacità di credere in IT. Tuttavia, una delle peculiarità del Re è proprio quella di sprofondare il lettore nella testa dei suoi personaggi, guidarli nei meandri delle loro passioni e dei loro sentimenti. Farlo al cinema, in quasi due ore di pellicola, è praticamente impossibile. Qualcosa per strada si perdere per forza. Muschetti decide che quel “qualcosa” dev’essere tutta la forte simbologia che si cela dietro le pagine del romanzo, a fronte di un film che scivola velocemente alla sua conclusione, senza intoppi e forzature.

Riesce a cogliere quel momento del passaggio dall’adolescenza all’età adulta che permea l’opera da cui è tratto: i perdenti si liberano, o almeno credono di farlo, delle loro paure per poter combattere il malefico clown e, così facendo, abbandonano l’innocenza per entrare nel mondo adulto. Ma, come detto prima, la scelta è quella di accennare questi temi favorendo l’impianto scenico e di pura azione. Furbo e bravo. Perché “IT”, alla fine dei conti, è un bel film, realizzato con cura nonostante il budget non fosse altissimo. E’ un horror per famiglie, dove il livello di sangue e spavento resta sempre sotto la media del genere. Vi sono ottimi attori: Sophia Lillis bravissima, una Beverly Marsh semplicemente perfetta, Bill Skarsgård di mestiere e inquietante al punto giusto. Si passano due ore a Derry, Maine, città presente solo nella mente dell’unico Re letterario.

Nell’anno mirabilis per Stephen King, durante il quale stiamo vivendo una produzione seriale e cinematografica delle sue opere come mai prima d’ora, IT si ritaglia di sicuro uno spazio nel cuore degli amanti dell’opera originale, nonostante quella sensazione d’incompletezza che galleggia nell’aria come un palloncino rosso sangue.

Barry Seal

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 28 Sep 2017 11:37:00 +0200

Il sogno americano è stato spesso al centro della materia cinematografica. Rappresentato tramite lo sport, il lavoro, l’amore o la politica, significava la strada da percorrere con orgoglio e coraggio perché era possibile. L’America era metafora del sogno realizzato. Con il passare degli anni e con il mondo del cinema che cambiava pelle, diventando sempre più audace cercando di mostrare ciò che in verità c’era dietro a quel sogno, tale metafora è diventata una facciata per nascondere la cruda realtà. Capolavori come “Un uomo da marcipiede”, “Taxi Driver”, il primo “Rambo” o l’ironico “Mash” tramite diverse strade narrative ci portano ad una visione disincantata di quel mondo tutto successo che sembravano essere gli USA.

Barry Seal narra la storia di un geniale pilota di linea che, sfruttando le opportunità che la vita gli pone dinnanzi e un certo sprezzo del pericolo, cavalca l’onda del sogno americano (“Ditemi se non è il miglior paese al mondo!”) ma dal lato illegale, venendo a contatto con criminali spietati, forze dell’ordine corrotte, politici e agenti CIA dalla dubbia moralità. E’ talmente sporco, quel sogno, che i ruoli spesso si confondono, si scambiano. I “buoni” e i “cattivi” si ritrovano sullo stesso piano e a quel punto il protagonista, un incallito truffatore, non è altro che un uomo capace di cogliere frutti da entrambi gli alberi del peccato. Ogni azione di Barry Seal è figlia di una spinta da parte di qualche potere più forte che ne vuole sfruttare le innate capacità. La sua è una vera e propria carriera nel mondo dell’illegalità.

La narrazione è, infatti, suddivisa in capitoli che sembrano quasi un curriculum vitae del protagonista, raccontati in prima persona come ad un colloquio di lavoro. Doug Liman ci stordisce con il dinamismo visivo delle peripezie di Barry, al quale affida il faccione piacione di Tom Cruise, perfetto per ruoli di questo tipo, che sembrano cuciti su misura per lui. Capace di non far odiare un truffatore e, alla fine, di farci tifare per lui, in mezzo a tutte quelle figure posticce e false con cui si trova a contatto. Ottima scelta anche del resto del cast, su cui spicca Domhnall Gleeson, ormai faccia nota e splendido caratterista moderno.

Un film divertente, vivace, che lascia lo spettatore attento senza annoiarlo. Forse Gary Spinelli e Liman avrebbero potuto osare di più sul finale, aumentando il lato drammatico della vicenda o spingendo di più sui problemi (molto attuali) di una popolazione statunitense che si ciba di belle immagini, falso perbenismo senza riuscire a vedere lo sporco che gli passa davanti agli occhi ogni giorno.

Ma non è forse il miglior paese del mondo?

Dunkirk

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 8 Sep 2017 16:22:00 +0200

Togliamo subito ogni dubbio, Dunkirk è il miglior film di Nolan e, molto probabilmente, sarà il miglior film della stagione cinematografica in arrivo. Sembra un azzardo, ma non lo è. Dunkirk è un respiro liberatorio dopo essere stati sott’acqua per tanto tempo. Dunkirk è quella luce che vedi alla fine di un lunghissimo tunnel, è il momento in cui la raggiungi. Questo film è speranza per il cinema.

La strenua lotta alla sopravvivenza dei 400 mila soldati stipati sulla spiaggia francese, con quella costante ripetizione, avanti e indietro, che sembra volerli relegare lì per sempre, è la difficile risalita di un uomo verso la sua sopravvivenza. E’ Batman che deve risanare il suo corpo e scalare la parete invalicabile della sua prigione nel terzo capitolo della trilogia di Nolan. E’ un respiro angosciato dei polmoni, il su e giù del diaframma che cerca aria per riempirli.

Costretti a ripetere la fuga da un luogo che li tiene ancorati al triste destino. Ma invece del demone Caronte, a prenderli, a salvarli, saranno, come in un sogno (Inception?), gli stessi inglesi rimasti sulle sponde amiche (“E’ Dover?” “no, ma è comunque casa”) che al contrario di ciò che si aspettano gli ignari soldati, li tratteranno da eroi (“Grazie!” “E per cosa, siamo solo sopravvissuti” “E ti sembra poco?”). Nessuna vittoria, solo una sconfitta limitata. Come sempre accade nel cinema di Nolan. Non serve glorificare la guerra e i suoi soldati, l’uomo è al centro del messaggio, l’uomo è quello che riporta le ferite e quello che deve convivere con le sue scelte. Nessun eroe, ma devozione e responsabilità per la causa comune, dal comandante della marina che resta sul molo all’aviatore senza carburante. Cupi e grigi come lo era il suo Batman.

Il ritmico ticchettio di Hans Zimmer, con una magistrale colonna sonora, la tensione negli occhi di Tom Hardy, ancora una volta per Nolan con indosso una maschera per tutto il film dimostrando che il suo sguardo basta e avanza per reputarlo uno fra i migliori attori in circolazione, lo stoico Kenneth

Branagh e il doloroso Cillian Murphy, tutti ingranaggi di un meccanismo perfetto e senza sbavature. La scelta della ripresa in 65mm, per chi ha potuto vederlo su pellicola in large format 70mm (in Italia solo presso Arcadia Melzo), offre un’esperienza visiva unica e coinvolgente, portando lo spettatore ad immergersi negli ambienti grazie a quell’effetto “reale” che solo questo formato riesce ad offrire.

Tutto questo Nolan lo mette in scena con una perfezione maniacale, dall’epica visiva ai costumi, dai suoni così reali alle intricate tempistiche cronologiche delle scene. Il regista inglese nuota ormai sicuro nel mare del tempo narrativo, tra una linea temporale e l’altra. E’ il burattinaio esperto che ci guida tra le sue storie intrecciate, fino a mostrarci, con nostro stupore, il momento catartico in cui s’incontrano, chiudendo un cerchio perfetto. Il talento dimostrato in Dunkirk è il nuovo punto di arrivo e di partenza del cinema mondiale. Si è alzata l’asticella dell’eccellenza come non succedeva da anni. Siamo decisamente dalle parti di Kubrick, laddove la settima arte coniuga il miglior intrattenimento con la perfezione stilistica, tecnica e di profonda analisi umana. Nolan è ufficialmente nell’olimpo. Nolan è cinema.

Atomica Bionda

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 24 Aug 2017 11:23:00 +0200

Un bravo regista è colui che riesce ad inchiodarti alla poltrona del cinema fin dalle prime immagini, creando un mix perfetto tra musica, scenografia e personaggi accattivanti. Un bravo regista è colui che, scelto un genere, ne diventa un massimo esperto, capace di spingersi in scelte artistiche che non lo snaturino ma, al contrario, ne amplifichino la potenza visiva. Un bravo regista è colui che cresce di film con film, riuscendo a non ripetersi, creando sempre qualcosa che abbia il suo stile, ma offrendo un’opera sostanzialmente diversa. David Leitch è un bravo regista. E Atomica Bionda è un bel film.

Charlize Theron, al completo servizio di sua maestà e del suo regista, si cala in una Berlino a due passi dalla caduta del muro ma ancora zeppo di spie e sotterfugi, inganni e “persone che ti sparano alle spalle”. Al suo fianco, ma solo per modo di dire, un enigmatico James McAvoy, agente inglese di stanza nella capitale tedesca. Tutto è, come nelle migliori spy story, confuso e ingarbugliato fino alle ultime battute finali. Di contorno un’ambientazione curatissima, dai frequenti cambi di look della protagonista, alle strade berlinesi fredde e anonime che nascondono locali anticonformisti simili a dei mini rave party. Le zone di confine tra est e ovest, capaci di ricreare quella sensazione di guerra fredda tipica di un cinema europeo anni 90, figlio di un’assurda storia cittadina, come quella vissuta da Berlino.

Tutto gira perfettamente, le musiche (colonna sonora da urlo), gli attori, le sequenze d’azione. Leitch aveva già dimostrato di saper gestire al meglio quest’ultime, con “V per Vendetta” prima e con “John Wick” dopo, ma qui si supera con scelte di regia estremamente funzionali al momento action: dai lunghi piano sequenza durante le “botte da orbi” sulle scale dell’albergo nella Berlino Est, alla camera interna all’auto durante l’inseguimento/fuga di Lorraine e l’agente stasi pentito.

Cherlize Theron si dimostra ancora una volta un’attrice formidabile, credibile sia nel fisico che nelle movenze come spia infallibile e coriacea. Le ore e i giorni di allenamento con otto trainer diversi, la scelta di non avere controfigure e le sessioni di combattimento con l’amico e collega Keanu Reeves le permettono di mettere in scena un personaggio reale, fatto di carne e sangue, come la storia che racconta lo richiede. Spesso si premiamo le performance di attori grazie alla loro mimica, alla capacità di esprimere emozioni, in questo caso l’attrice merita un lungo applauso per la dedizione con cui ha sacrificato corpo e spirito nell’interpretare questo personaggio.

A completare questo lavoro, James McAvoy, spalla perfetta e, se ancora ce ne fosse bisogno, capace di dimostrarsi versatile ad ogni ruolo e in ogni contesto visivo lo si metta. Un “infiltrato” filmico ineccepibile. Il resto del notevole cast, ci offre, tra gli altri, John Goodman e Tobey Jones entrambi caratteristi eccezionali, ai quali basta poco spazio per delineare un carattere o per ingannarci alla luce del sole.

Un film, quindi, di notevole impatto visivo e d’intrattenimento assicurato, ma dallo sviluppo mai banale e molto curato registicamente. Ed ora attendiamo il Deadpool 2 di Leitch con molta speranza.

The War - Il pianeta delle scimmie

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 27 Jul 2017 16:26:00 +0200

“Voi uomini l'avete distrutta! Maledetti, maledetti per l'eternità, tutti!” urlava al termine de “Il pianeta delle scimmie”, davanti ai resti della statua della Libertà, un disperato Charlton Heston, scoprendo che il pianeta alieno su cui era precipitato in realtà era la sua amata Terra. Con la conclusione della trilogia iniziata nel 2011 con “L’alba del pianeta delle scimmie” ora sappia anche come l’umanità l’ha distrutta.

In verità, nel primo film del ’68, s’ipotizzava un disastro nucleare che avesse estinto la razza umana e favorito l’evoluzione dei primati. Nelle origini narrate dal film iniziale di Rupert Wyatt, un potente farmaco per la lotta all’alzheimer, sfuggito al controllo umano, è la miccia che fa scatenare la rivolta delle scimmie, guidate da Cesare. Ma la follia e la cattiveria umana, restano la causa principale della sua autodistruzione. In “The War – il pianeta delle scimmie”, assistiamo al definitivo passaggio di testimone del raziocinio e di tutte quelle emozioni che ci rendono umani. Se nei film precedenti l’uomo e la scimmia erano in egual misura divisa fra “buoni e cattivi”, con il secondo capitolo a fare da completo parallelismo, in quello conclusivo siamo di fronte alla perdita totale di umanità da parte dell’uomo a favore della crescita emotiva e sociale delle scimmie. La privazione della parola, dovuta al virus che affligge gli umani tanto da farli impazzire, è la metafora della sconfitta umana dinnanzi alla natura che, nel finale, chiude definitivamente ogni discorso di sopravvivenza. Solo una labile speranza per l’uomo è rappresentata dalla purezza e l’innocenza negli occhi della piccola “Nova”, immagine di quel poco che resta da salvare di quei “Maledetti uomini”.

Il film di Matt Reeves è un lungo percorso al fianco del carismatico Cesare, durante il quale il protagonista accecato dalla rabbia e dalla sete di vendetta, comprende i suoi errori e come un novello Mosè dovrà liberare il suo popolo dalla schiavitù per condurlo alla terra promessa. Un luogo dove poter ricominciare a vivere in pace. Il regista riesce a non annoiare lo spettatore nonostante le quasi due ore e mezza di proiezione, creando un giusto equilibrio fra i momenti d’azione e quelli di coinvolgimento emotivo. Non cerca di distrarci con facili ed abusati arzigogoli scenici, ma regala emozioni forti tramite le relazioni e gli sguardi dei suoi personaggi.

Difficilmente una trilogia è riuscita a regalare un’iperbole crescente di questa portata, regalandoci un trittico di film durante i quali è stato sviluppato un concetto narrativo coerente e in linea con il seme piantato nel primo capitolo. La trasformazione di Cesare, del suo gruppo e della razza umana segue un percorso sociologico portato all’ affermazione dei primati sull’ uomo come una naturale evoluzione della specie, un darwinismo al contrario o, meglio, un ciclo che si ripete all’ opposto. Come se gli umani avessero sprecato la loro occasione per migliorarsi e la natura avesse deciso di riaffermare come specie suprema le scimmie.

Maledetti, tutti, per l'eternità!

I consigli del giovedì

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 7 Apr 2016 17:12:00 +0200

Scusandomi per l’assenza delle settimane precedenti, torno caricato a pallettoni e nos con I consigli del giovedi !!

Victor: La storia segreta del Dottor Frankenstein

Dopo poche settimane dall’uscita del Frankenstein di Bernard Rose, esce l’ennesima versione del mostro collage, anche se questa volta, il punto di vista è lasciato al fido Igor. Guidato dalla sete di conoscenza e dalle scoperte sempre più importanti in campo scientifico, un giovane dottor Frankenstein, si addentrerà in un campo che divide gli uomini e Dio. Solo l’amicizia e la caparbietà del suo assistente lo potranno salvare dalla cieca ambizione e dalle conseguenze delle sue azioni. Inedita coppia d’attori, James McAvoy e Daniel Radcliffe, diretti da Paul McGuigan, in un film dal sapore action e (finto) horror, che cerca di dare smalto ad una storia (ab)usata più volte da sembrare quasi una serie TV. La speranza è che vi riescano. Per chi ha ancora non si è stancato del buon vecchio Frankenstein e dei vari “pezzi” che lo compongono!

Veloce come il vento

Tratto da una storia vera, quella della giovane pilota Giulia De Martino e di suo fratello Loris. Una storia di motori, droghe e famiglia a tutta velocità, portata sul grande schermo da Matteo Rovere. Voci di chi l’ha visto in anteprima parlano di un grande Stefano Accorsi, tornato ai fasti che lo lanciarono come grande attore, dal Jack Frusciante o al Freccia tossico filosofo di Ligabue. Di sicuro il trailer invoglia molto la visione e segue un filone che sotto sotto si sta facendo finalmente strada: un nuovo cinema italiano, fatto di regie coraggiose, grintose e capaci di mostrare buone storie e belle pellicole. Siamo forse difronte ad un nuovo movimento che può rilanciare un cinema spesso troppo bistrattato o legato a ghetti culturali che non ne permettono l’ascesa che merita. Staremo a vedere. Di sicuro troverete presto la recensione su questo blog. Consigliato a tutti, nella speranza che possa davvero essere un film che…corre!

Mister Chocolat

Rafael Padilla, alias Chocolat, è stato il primo artista nero della Francia a calcare un palco come prim’attore. La sua storia, incredibile e favolosa, viene narrata nel nuovo film di Roschdy Zem, con l’aiuto e il fisico di Omar Sy, indimenticabile protagonista di “Quasi Amici”. La sua presenza nel film è già una piccola garanzia, basta guardare il trailer qui sotto per capire il perché. La storia di Padilla aspettava solo di essere raccontata, sembra quasi inventata. Ci troviamo di nuovo davanti a dissidi razziali, rabbie represse e ignoranza di massa. Film come questi devono meritare più spazio nelle sale anche solo per il messaggio che cercano di tramandare. E perché nella giornata di tutti noi, in qualsiasi modo sia andata, un sorriso coinvolgente come quello di Sy è quasi necessario. Per coloro che hanno voglia di ridere e commuoversi contemporaneamente, guardando un bel film.

Grimsby – Attenti a quell’altro

Due fratelli, separati alla nascita, uno è una spia/killer dell’ MI6, l’altro..beh l’altro è Sacha Baron Cohen. Torna l’irriverente padre di Borat con l’ennesima commedia fuori dagli schemi, volgare e, questa volta, molto pirotecnica. La comicità dell’attore, regista e sceneggiatore inglese è spesso capace di dividere i giudizi degli spettatori e dei critici. Questa volta lo affianca un duro fatto e finito come Mark Strong, che verrà messo a dura prova dal folle fratello. Non mancheranno i momenti imbarazzanti. Dietro la macchina da presa, Luis Leterrier, regista di Now You Can See Me e il non proprio indimenticabile, Scontro fra titani. Speriamo che l’esagitato Sacha Baron Cohen non ecceda troppo nella banalità comica, perché l’accoppiata con Strong può essere capace di creare una buona alchimia. Per una serata di puro svago senza dover per forza pensare…alla trama!

Heidi

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 7 Apr 2016 16:28:00 +0200

Heidi è, probabilmente, una tra le vicende più conosciute di sempre, capace di appassionare diverse generazioni. Di sicuro questa longevità è data dai temi sempre attuali che ne percorrono il sotto testo narrativo: la natura che vince sull’industrializzazione e il progresso della città, l’amicizia oltre ogni differenza sociale e la capacità di affrontare con semplice positività la vita e le sue difficoltà. Il cartone animato degli anni 80, che annoverava Miyazaki tra i suoi disegnatori, veleggiava su tali basi, costruendo una storia molto simile al romanzo originale di Johanna Spyri, attenuandone però i toni cupi e dando più spazio a diversi personaggi, come l’amico Peter. Il film di Alain Gsponer sceglie di seguire la strada intrapresa dalla serie animata, lasciandosi alle spalle qualsiasi possibile legame con eventi tragici, le perdite dei genitori da parte della piccola Heidi o le tragedie sofferte dal dottor Classen sono solamente accennate se non totalmente eliminate. Lo scopo è quello di narrare ne più ne meno la vicenda della piccola svizzera, capace di sciogliere i cuori più gelidi, come quello del ruvido e solitario nonno, con un semplice sorriso. E in questo, la scelta della giovane Anuk Steffen è perfetta: ragazzina dal viso vivace e con un sorriso coinvolgente, riesce a dare al personaggio di Heidi quella naturale affinità che evita di far pesare un film non propriamente dinamico e, spesso, un po’ prevedibile. Certo, la storia è nota ed arcinota, ma il vero errore del regista è quello di creare un riassunto di quella storia, concentrato in meno di due ore, senza personali varianti alla linearità del plot originale. Una gioia per chi è stato amante della serie e non aspettava altro che una versione cinematografica, ma sicuramente un limite per chi cerca qualcosa di più. Peccato per il poco tempo concesso a Bruno Ganz che interpreta i panni del nonno di Heidi, sempre un piacere vederlo in qualsiasi parte, con qualsiasi vestito e con qualsiasi barba possibile. Stupendi i paesaggi svizzeri, cornice ideale delle lunghe camminate al pascolo di Heidi e Peter, che non hanno bisogno di effetti speciali per darci l’idea che lì, così in alto, tutto sia più buono e salutare.

Un film, quindi, per una serata senza pensieri ne grandi aspettative, da godersi così come lo scorrere placido di un ruscello di montagna, sotto il sole caldo dell’estate.

Batman v Superman: Dawn of Justice

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 25 Mar 2016 11:13:00 +0100

Diciamolo subito, non è il film de « Il ritorno del cavaliere oscuro » di Miller. E nemmeno il Doomsday de “La morte di Superman”, ci troverete. Quindi se vi aspettate questo, evitate di continuare a leggere e di entrare in sala per questa pellicola. Se invece volete vedervi un bel film, fate entrambe le cose. Snyder firma, forse, il suo miglior lavoro e lo fa presentandoci un duello dal sentore mitologico, classico. Dove degli dei o semi tali, si scontrano, entrambi caparbi nelle loro ragioni, entrambi mossi da ideali inconfutabili, ma giostrati e manipolati dal male che solo una mente totalmente umana può concepire. Laddove gli uomini fattisi Dio si sfidano per un bene supremo, il cancro dell’umanità si rivela la cattiveria e l’arroganza pura del nostro popolo terreno. Superman, luce e faro di chi ha perso ogni speranza, raffigurato come mai nei film precedenti simile ad un cristo che cammina tra noi mortali, dimostra che la sua mente non è priva di dubbi e il corpo d’acciaio viene contrapposto alla caducità dell’anima. Batman, vecchio e stanco, che si prepara a quella che potrà essere la sua ultima impresa, un novello Ettore pronto a sfidare l’imbattibile Achille.

Zack Snyder torna alle origini del mito fumettistico, ma con un sapore moderno dettato da quella capacità di sbagliare che anche questi super-uomini scoprono di avere. Di sanguinare, di cadere, di scendere in un baratro difficile da risalire. Il regista di Watchman sa benissimo come mostrarci le loro fragilità, lo aiutano una fotografia ed un montaggio semplicemente perfetti uniti ad una colonna sonora sorprendente. Ma la chicca del film sta nel riuscire a piantare le basi del futuro prossimo della DC comics in pellicola, inserendo non solo Wonder Woman, ma i primi germogli della futura Justice League con eleganza e senza dover aspettare la fine dei titoli di coda, in pieno Marvel style. Ben Affleck, criticatissimo nel web senza nessun apparente motivo se non quello del pregiudizio, ci offre un Batman cupo e distrutto come forse nessuno mai prima di lui. Vince la sua personale sfida a tutto e tutti, portando sullo schermo un Bruce Wayne più reale di quelli visti in precedenza, dandogli quel tocco di malinconia che ben si addice al clima decadente di Gotham e di tutto il film. Henry Cavill mantiene il personaggio visto in “L’uomo d’acciaio”, un Kyptoniano che vive il suo ruolo di semidio con dolore ma capace di sovrapporre le sue responsabilità verso il suo mondo alle più normali necessità del cuore, perché capisce che quel “suo mondo” è il suo cuore. Infine un nuovo Lex Luthor, interpretato da Jesse Eisenberg, forse un po’ troppo sopra le righe, come recitazione, creando un misto tra il folle miliardario criminale, dalla parlantina colta e sagace, con un joker senza trucco. Alla fine il risultato è piacevole e non stona nel comparto globale.

Nei titoli di coda si legge un ringraziamento a Frank Miller e altri grandi autori passati tra le pagine DC. Snyder omaggia il “maestro” con alcune battute prese paro paro dalle sue pagine ed un paio di inquadrature/citazione. Ma è tutto qui il suo legame con il volume sopracitato. Ed è giusto così. Perché questo è un altro mondo, questo è il SUO mondo. L’universo DC ha sferrato un colpo molto forte nella battaglia al botteghino con la casa di Stan Lee, la Marvel. Siamo usciti dalla trilogia libera di Nolan, indipendente visione di un regista che aveva altro in mente e meno responsabilità di continuity. Snyder centra l’obiettivo e lo fa con un film bello e coinvolgente.

Nella guerra fra Titani, vince il piccolo uomo dietro la macchina da presa.

I consigli del giovedì…al venerdì !

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 18 Mar 2016 18:26:00 +0100

Con un giorno di ritardo, ecco i consigli del blog per il we!Senza perdere altro tempo…partiamo!

Brooklyn

Divisa tra Irlanda e America, la storia di Eilis scritta da Nick Horby, autore di capolavori letterari come Febbre a 90 o Alta Fedeltà. Da un paesino dell’isola verde al caos di Brooklyn, tra amori e doveri famigliari, la giovane esule dovrà fare una scelta che deciderà il corso della sua vita. Dopo aver commosso i festival di Torino, New York e Toronto, sbarca (è proprio il caso di dirlo) nelle nostre sale il film candidato a tre premi oscar, uno dei quali vede coinvolta la giovane protagonista Saoirse Ronan, ammirata nel bellissimo “Amabili resti” e in “Gran Budapest Hotel”. Melò sulla carta, ma con Horby alla scrittura ci si può aspettare di tutto. Dirige John Crowley. Per chi cerca una storia dal sapore classico, dove non sempre l’amore sia scontato che vinca.

Truth

Sulla scia del successo de “Il caso Spotlight”, un altro film di stampo giornalistico e tratto da una storia realmente accaduta. Si parla di Bush e del caso creato dal servizio di 60 Minutes in cui s’indagava sull’allora presidente americano e di un episodio di trascuratezza quando era pilota della guardia nazionale dell’aeronautica del Texas. Caso che a poche ore si capovolse contro i giornalisti e l’emittente. Robert Redford, che ormai vanta diversi ruoli da giornalista navigato, insieme a Cate Balnchett, danno volto ai protagonisti di questo thiller, spalleggiati da Topher Grace e Dennis Quaid. Diretti all’esordio da James Vanderbilt, apprezzato sceneggiatore di Zodiac. Quello che ci si aspetta è di vedere un buon film che racconti quanto sia caro, in America e non solo, il prezzo della verità per chi svolge uno dei lavori più scomodi del mondo. A chi ama le storie di lotta al potere con la forza delle notizie. E chi accetta che spesso si perdano queste impari battaglie.

La corte

Dalla Francia, arriva questo film d’amore travagliato e non corrisposto. Xavier, giudice inflessibile e anche un po’ bastardo, si ritrova davanti, nella giuria popolare presente ad una sua udienza, la donna per cui aveva perso la testa anni prima e l’unica che abbia mai amato. Ma non sempre l’amore trova un doppio senso di marcia. Fabrice Luchini e Sidse Babett Knudsen ci conducono in questo ballo tra giustizia e amore, equilibrio e passione, attraverso una pellicola vincitrice del premio come miglior sceneggiatura e quello per miglior attore al 72esimo Festival di Venezia. Quasi tutto ambientato in un aula di tribunale, tra processi umani e legali intricati, ma narrati con leggerezza da Christian Vincent. Sicuramente la chicca della settimana, perché spesso il cosiddetto “cinema d’autore” meriterebbe maggiore spazio tra le programmazioni nei nostri cinema. Consigliato a tutti!

Frankenstein

Si chiude con un classicone rimodernato: Frankenstein. Ambientato ai giorni nostri, nella città degli angeli e tutto dal punto di vista del “mostro”, interpretato da Xavier Samuel. Inutile qui scrivere la trama, che da Mery Shelley prende tutto o quasi. Nel cast anche il Danny Huston strepitoso Walter di Fringe e la sempre bella Carrie-Anne Moss (nei cuori di tutti ancora Trinity). Cosa ci si potrebbe aspettare da questa ennesima versione del mostro risorto dall’arcinoto scienziato visionario? Di sicuro che la scelta registica permetterà di vedere come tale creatura vede il mondo che lo circonda e se la nuova società sarà un posto migliore dove potersi integrare, tra reietti ed emarginati come lui. Le speranze che questo film di Bernard Rose possa lasciare un segno rispetto ai suoi molti fallimentari predecessori è fievole, ma il bello del cinema risiede anche in queste ipotetiche sorprese. Per coloro che hanno voglia di una serata più leggera rispetto ai precedenti titoli citati e che credono che la presenza di Huston giustifichi il prezzo del biglietto.

Buona visione da K-Factor!

I consigli del giovedì

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 10 Mar 2016 18:54:00 +0100

Nuova settimana e nuove uscite !Ecco i preziosi consigli di visione per le vostre serata al cinema.

Ave, Cesare!

A tre anni dal loro bellissimo “A proposito di Davis”, tornano i fratelli Coen, con una commedia corale in piena linea con il loro stile ammirato ai tempi de “Il Grande Lebowsky”. Cast ricco per narrare la storia di Eddie Mannix, factotum dello studio Capitol Pictures alle prese con divi egocentrici, perfidi produttori e il rapimento di una delle star di punta dell’imminente film in produzione. Epopea meta-cinematografica, incastri tra realtà e finzione conditi dalla comicità tipica dei due fratelli registi e sceneggiatori. Josh Brolin, Ralph Finnes, George Clooney, Channing Tatum, Scarlett Johansson tra i tanti nomi presenti nella pellicola. E’ dal 2008, dai tempi di “Burn After Reading” che Joel ed Ethan non producono una commedia pura, quindi l’attesa per questo film è sicuramente alta. Personalmente non sono mai rimasto deluso dai loro lavori, sempre capaci di approfondire le sfaccettature dell’animo umano, mascherando questa ricerca con sagacia e satira all’apparenza superficiale, ma in realtà mai banale. Per chiunque abbia voglia di una serata divertente di grande cinema e scrittura.

The Divergent Series: Allegiant

Terzo capitolo della saga “The Divergent”, terza avventura per Tris, Quattro, Christina, Peter, Tori e Caleb. Si allarga il mondo dei protagonisti che escono dalle mura di Chicago, ormai in piena guerra civile. Al di là della recinzione dovranno sopravvivere al deserto tossico Fringe, fuggendo dai loro inseguitori. S’imbatteranno nel Dipartimento di Sanità Genetica, ma non tutto, ovviamente, sarà come sembra. Ennesima saga cinematografica tratta da un best seller prettamente per un pubblico teen, distante dalla pacchianeria e dalla banalità di Twilight, ma inferiore al più adulto Hunger Games, Divergent mixa discretamente l’azione e l’impegno politico/sociale con le emozioni adolescenziali dei suoi protagonisti. I precedenti film si lasciavano guardare senza infamia ne lode, probabilmente Robert Schwentke manterrà la linea iniziata con “Insurgent” , svolgendo il compito affidatogli per portare a conclusione, nel 2017, la saga. Shailene Woodley e Theo James i protagonisti assoluti di questo young adult distopico, affiancati ancora da Naomi Watts ma senza Kate Winslet, algida villain dei precedenti capitoli. Agli amanti della saga e per chi la sta seguendo senza aspettarsi nulla di più di quello già visto fare a Katniss Everdeen.

Weekend

Un locale come tanti, un incontro casuale e una notte di passione. Russell e Glen si risvegliano uno accanto all’altro la mattina dopo e quella che sembrava un’avventura singola, diventa un week end di confronti, rivelazioni, confidenze tra i due. E qualcosa di diverso nasce fra di loro. Andrew Haigh, dopo il sorprendente “45 anni”, affronta una storia completamente diversa, per età e contesto. Questo “Weekend” non racconta, però, un amore omosessuale con fini sociali o politici, semplicemente narra di una storia d’amore, nata per caso e cresciuta con forza. Tom Cullen e Chris New a dare volto e anima ai due protagonisti. Delicato, dal richiamo classico, questo film girato con budget bassissimo porterà sicure lacrime in sala da parte dei più sensibili. Dedicato a chi ama il cinema sentimentale, coinvolgente e passionale, con un tocco di stile barocco.

Spero vi siano stati utili i consigli del giovedi e come sempre, buona visione!

Pellicole con la gonna

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 8 Mar 2016 19:40:00 +0100

Cercando di rendere omaggio al mondo femminile, sperando non ci si ricordi di farlo solo l’8 marzo, ecco un piccolo elenco di cinque registe dallo sguardo differente, ma capaci di una forza visiva dotata di profondità e analisi, che molti colleghi uomini possono solo ammirare. Nonostante le difficoltà di uno star system maschilista, le loro carriere dimostrano che il gentil sesso non esiste..

Lina Wertmuller

Geniale, meravigliosa, cinica, anarchica. Lina Wertmuller rappresenta uno dei punti più alti del cinema italiano. Con le sue commedie amare, fotografie spietate di una società povera destinata alla mediocrità imposta dal potere, ha dimostrato un impegno sociale e politico come pochi autori del bel paese. Romana di nascita e apprendista con Fellini, la Wertmuller è stata la prima donna ad essere candidata all’oscar per la miglior regia, nel 1977, con “Pasqualino settebellezze”. Insieme a Giancarlo Giannini firma un sodalizio che resterà indelebile nella storia del cinema nostrano, inanellando capolavori che andrebbero proiettati nelle scuole di sceneggiatura. Indimenticabile la coppia Giannini-Melato e il film “Travolti da un insolito destino nell’azzurro mare d’agosto”, dove la lotta tra le classi sociali inverte i suoi fattori più volte, ottenendo sempre lo stesso, triste, risultato finale. Sintesi di un cinema impegnato e capace di una satira che, negli anni, è andata svilendosi in cinepanettoni con vacanze esotiche dalle fiacche battute senza contenuto.

Kathryn Bigelow

Nel 2010, durante la notte degli Oscar, Barbara Streisand consegna l’oscar per la miglior regia alla prima ed unica donna a riceverlo: Kathryn Bigelow. La regista statunitense rappresenta il caso estremo dell’indifferenza di hollywood nei confronti del girl power. Vince con un film che narra le vicende degli artificieri dell’esercito americano in Iraq e della loro difficile condizione. Ma in verità aveva già vinto moralmente nei confronti dell’academy anni prima con quel capolavoro di azione e testosterone che era Point Break. Viene definita una regista “con le palle”, per la sua linea action e per i personaggi dal forte carattere, sempre immersi in vicende più grandi di loro. Probabilmente avrebbe bissato il succeso anche con Zero Dark Thirty nel 2013, se non fosse stato troppo progressista premiarla due volte. Tra la sua filmografia, segnalo il forse meno noto K-19, con Harrison Ford e Liam Neeson. Film di onore e carattere, girato in un mondo dove in tanti han fallito, soffocati dalla claustrofobia degli abissi.

Sofia Coppola

Il film che mi ha completamente sconvolto, tanto da dovermelo vedere diverse volte di seguito, è stato Lost in traslation. Figlia di cotanto padre, Sofia sceglie però una strada diversa, fatta di tempi dilatati come i dilemmi dei suoi personaggi, spesso molto silenziosi e schivi nei confronti del prossimo. Ovviamente con l’unica eccezione per Marie Antoinette, dove mescola pop e vintage in un quadro in continuo movimento. In bacheca ha già potuto mettere in bella mostra un oscar, un golden globe e un leone d’oro. Anche lei, come molte colleghe, nonostante il nome, ha dovuto farsi strada tra le stanze dorate delle produzioni che contano, anche se la critica l’accolse molto bene fin dal primo lungometraggio, Il giardino delle vergini suicide. I suoi personaggi femminili, sono figure trascinanti, filmocentriche, ma che nascondono una profonda malinconia. Forse, più di molte altre registe, è Sofia Coppola quella che riesce ad esprimere meglio la condizione della donna nella società odierna e lo fa con eleganza, con diretta dolcezza. Ha curato anche la regia del recente A very Murray Christmas filmtv/show televisivo, primo esperimento di Netflix.

Jane Campion

Quentin Tarantino scrisse una lettera a Jane Campion per ringraziarla e complimentarsi con lei per “Bright Star”, definendolo il suo film migliore e la storia d’amore più reale presentata su schermo. Se si trattasse di un esordiente avremmo di sicuro la frase del folle regista presente sui cartelloni del film in questione, ma la Campion non è certo di primo pelo e tra gli altri premi, può annoverare un oscar per la sceneggiatura e una palma d’oro. Nonostante la lunga attività, nella sua filmografia non vi sono tantissimi titoli in elenco, ma ciò non diminuisce la sua genialità. Tagliente e lucida nel mettere in scena sia storie contemporanee che in costume. Dallo stile molto personale e che si avvicina tanto ai maestri del cinema europeo, ma mantenendo quella maestosità che solo le grandi produzioni d’oltre oceano riescono ad ottenere. Spesso bistrattata dalla critica maschile, Jane Campion ci offre donne spigolose, misteriose e non sempre piacevoli alle menti più puritane o incapaci di andare nel profondo dell’anima. Ma è anche capace di mostrarci momento di totale e completo abbandono alla tenerezza e ai gesti più semplici. Oltre al già citato Bright Star, si consiglia assolutamente Lezioni di Piano e Ritratto di Signora. Da riscoprire sicuramente per chi non la conosce.

Shrin Neshat

Più fotografa e video-artista che regista, Shrin Neshat ha varcato la soglia del mondo del cinema con un film, Donne senza uomini, vincitore nel 2009 del leone d’argento alla mostra del cinema di Venezia. Da sempre impegnata nella ricerca dell’evoluzione sociale della cultura islamica, con un’attenzione alla difficile condizione della donna, non con fini politici o di critica, ma mantenendo uno sguardo di rispetto per ogni tipo di tradizione. Nei suoi lavori come fotografa ha sempre mostrato la condizione di sottomissione di coloro che subiscono la violenza e il terrorismo. Entra nella playlist per l’impegno artistico, sociale e culturale che dovrebbe emergere meglio agli occhi del grande pubblico, per poter insegnare che i punti di vista sono tanti e che, prima di criticarli o demonizzarli, i popoli van compresi.

"Per tutte le violenze consumate su di Lei,

per tutte le umiliazioni che ha subìto,

per il suo corpo che avete sfruttato,

per la sua intelligenza che avete calpestato,

per l’ignoranza in cui l’avete lasciata,

per la libertà che le avete negato,

per la bocca che le avete tappato,

per le ali che le avete tagliato,

per tutto questo:

in piedi Signori,

davanti a una Donna!"

William Shakespeare

Non si sevizia un..film originale!

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sat, 5 Mar 2016 13:19:00 +0100

Con l’uscita del trailer del nuovo Ghostbusters, che ha scatenato ridde di commenti online, vorrei provare a fare una lista con possibili aspettative, dei prossimi film in uscita o solo annunciati, classificabili nelle temutissime definizione di reboot, sequel e prequel.

Ghostbusters 2015

Ebbene partiamo proprio dal più imminente. E’ forse necessario citare gli originali? Direi di sì’, perché ciò che sfugge ai più, è che queste operazioni commerciali hanno in primis lo scopo di creare una nuova generazione di fans, sulle orme di chi li ha preceduti e per anni ha raccontato loro le emozioni provate con i film originali visti al cinema che han creato veri e propri miti. Ghostbusters I e II, narrano le avventure di quattro improbabili acchiappafantasmi, scienziati prima di tutto, dapprima etichettati come ciarlatani, ma che pian piano conquisteranno il loro riscatto mediatico. I film, uno del 1984 e l’altro dell’89, entrambi diretti da Ivan Reitman, avevano come protagonisti principali: Bill Murray, Dan Aykroyd, Harold Ramis e Ernie Hudson. Si trattava di uno dei tanti figli cinematografici di quella fucina di talenti che era il Saturday Night Live. Se non avete mai visto nessuno dei due film, andate subito, tipo ora, a recuperarli per evitare di perdervi uno dei momenti migliori della commedia americana. Uscirà quest’anno il remake/reboot tutto al femminile, temutissimo, chiacchierato, criticato da tutti o quasi gli amanti dell’originale. Credo di potermi annoverare fra di loro, ma benchè abbia i miei dubbi sull’operazione, credo che il trailer (che vi metto qui sotto) uscito il 3 marzo per la prima volta, non sia affatto male e che sia veramente presto per denigrarlo. La scelta di un cast tutto al femminile non è affatto errata, dato che era praticamente impossibile sostituire il quartetto originale nei cuori degli appassionati. Solo Bill Murray vale una dozzina di attuali attori comici. Quindi invertire l’ordine delle cose non è male, come punto di partenza, incrociare i flussi sì. Attendiamo fiduciosi, per ora l’alchimia delle protagoniste sembra ben combinata.

Blade Runner 2

Ebbene, se non bastasse l’azzardo tentato da Ridley Scott nel rimettere mano al capolavoro Alien, con il discutibile Prometheus e i suoi futuri seguiti, ora è ufficialmente iniziata la produzione per il sequel di Blade Runner. Vera e propria icona della fantascienza in pellicola, l’originale risale all’anno 1982. Rick Deckard, poliziotto fuori servizio, accetta l’incarico di dare la caccia ad un gruppo di replicanti che, dopo una fuga, si nascondono a Los Angeles, capitanati da Roy Batty. Anche qui evito di approfondire la trama dato che credo esistano forse tre o quattro persone al mondo a non averlo mai visto. Basta citare…Ho visto cose che voi umani potete solo immaginare..Se parliamo di mito e di fans, qui siamo ai livelli di uno stadio pieno durante la partita della propria nazionale. Harrison Ford confermato nel cast al fianco del giovane Ryan Gosling. Basterà a fare di questo sequel una nuova pietra miliare del cinema di genere? Dietro la macchina da presa ci sarà il bravo Denis Villeneuve. Scopriremo se odiarli tutti in blocco il 18 gennaio 2018. Il futuro è qui.

Predator

“Ma sei un mostro schifoso!” con questa semplice frase Arnold Schwarzenegger definiva l’alieno cacciatore vedendolo senza maschera, nell’ormai mitica pellicola dell’87. Un action movie horror/fantascientifico, dove l’adrenalina e il testosterone la facevano da padrone. A nessuno importava chi o cosa fosse la minaccia, da dove venisse o perché fosse così presa dalla caccia all’uomo. John Mc Tiernan costruì un film che si calava perfettamente nel genere caro agli spettatori degli anni 80/90, dove l’azione e la presenza di personaggi tutto muscoli e battuta pronta non necessitavano di trame elaborate o esistenzialiste. Diversi i seguiti e una specie di reboot nel 2010 con Adrien Brody, ma che non ebbe il successo sperato. Ora al timone verrà messo Shane Black, autore tra gli altri di Arma Letale, Iron Man 3 e L’ultimo dei boyscout, ma soprattutto interprete di Hawkins nel primo film. Cronologicamente sarebbe il sesto film della saga, contando anche i vs Alien, ma molti in rete già lo incensano come il vero sequel di Predator. Anche in questo caso il carico di responsabilità è alto e le aspettative alle stelle. Speriamo che il regista non si faccia “inghiottire” dalla foresta come lo storico mercenario che interpretava.

Beetlejuice 2

Da diversi anni, Tim Burton, sta inanellando lavori di mediocre qualità, perdendo molto lo smalto di un tempo. Beetlejuice, film dell’88, è di sicuro tra i suoi parti migliori, nato in un periodo prolifico e creativamente elevato. Lo spiritello porcello, evocabile pronunciandone tre volte il nome, interpretato dall’allora attore feticcio di Burton, Michael Keaton, era un concentrato di volgarità e comicità che lasciò il segno nella mente di molti spettatori. Le voci di un seguito circolano da diverso tempo e lo scorso anno, sia Keaton che Winona Ryder, hanno lanciato diversi indizi sulla veridicità di quelle voci. Il primo, dicendo che gli piacerebbe girare un seguito ma solo se il regista restasse Burton, la seconda, ad agosto scorso, intervistata in un talk show, ammise che sarebbe tornata a lavorare in una pellicola con il seguito di Beetlejuice. Per ora Tim Burton è occupato con la post produzione de “La casa per bambini speciali di Miss Peregrine”, che vedremo verso la fine di settembre. Tutti noi ci si augura che prenda in mano il seguito dello spiritello irriverente confermando al mondo di essere ancora il regista geniale di un tempo e sfruttando anche la voglia di un cast che ha amato molto il suo film originale. Quindi per aiutarlo non dobbiamo far altro che dire..Beetlejuice Beetlejuice Beetlejui..

Die Hard Year One

Arrivato un po’ spompato al quinto capitolo in terra russa, l’agente John McClane necessita di un restyling non indifferente. Dal primo episodio della saga, risalente al 1988, di anni ne son passati e benchè il buon Bruce Willis sia ancora una faccia da cazzotti e canottiera sporca di sangue dopo cinque minuti di film, ringiovanire la serie è una necessità commerciale non indifferente. Sembra però, che Len Wiseman, a capo del progetto, abbia in testa qualcosa di diverso dal solito reboot. A confermarlo anche le parole dell’attore che da anni presta il volto al franchising. L’idea principale è quella di presentare un giovane McClane, quindi non ancora famoso per le prodezze al Nakatomi Plaza, ma incrociando il racconto nel passato con una vicenda odierna che vedrà ancora lo stesso Willis nella parte dell’agente indistruttibile. Quindi una sorta di reboot/sequel in modo da poter coinvolgere i fans storici e crearne di nuovi. Probabilmente l’operazione tentata con Die Hard – un buon giorno per morire, non ha portato i suoi frutti, il figlio di John a fianco del padre è poca cosa e non crea il giusto appeal. Attendiamo buone nuove. Hippie ya ye!

Deadpool

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 3 Mar 2016 23:53:00 +0100

Per ogni compagnia che si rispetti, tra i giochi dei ruoli, non può mancare quello del buffone. Quell’amico che ha sempre la battuta pronta e la faccia sorridente. Magari un po’ scurrile, volgare e bruttino. Di solito sublima le sue frustrazioni e la sua rabbia attraverso l’imbecillità e lo spirito. Bene, ora prendetelo, dategli un po’ di cose super, forza, rigenerazione, agilità, alta soglia del dolore e abilità nell’uccidere, sfiguratelo, shakerate e buttatelo nel mondo Marvel. Il risultato? Deadpool!

L’antieroe logorroico di rosso vestito, all’anagrafe Wade Wilson, ex militare cacciato con disonore dall’esercito, approda finalmente al cinema e lo fa con un film che rompe letteralmente ogni regola. Grazie al Cavaliere oscuro di carta firmato Frank Miller o dalle rivisitazioni degli eroi più classici ad opera di Alan Moore, il mondo fatato dei supereroi ha iniziato ad affrontare le vere tematiche di una vita vissuta al limite, della legge e della salute mentale. Sul grande schermo Nolan ha proseguito questo percorso, preceduto anche dagli X-men di Singer, dando il via ad una serie di film in cui i patemi dell’anima degli alter ego non incappucciati o mascherati, avevano il sopravvento sull’azione, diventando il centro dell’indagine registica nei meandri della mente più che nelle scazzottate contro il villain di turno. Regole, paletti, politically correct in ogni pellicola ormai essenziali per la stesura di un plot degno di essere prodotto. Deadpool li prende e li infila nelle carni delle sue vittime

sproloquiando delle loro madri o insultandoli con battute di certo non ripetibili nella stanza d’addestramento del dottor X. Si ride, sempre, per tutta la durata del film. E con quel “tutta” intendo proprio dai titoli iniziali alle ormai classiche scene post finale. Ogni qual volta sembri arrivare il momento commozione o moralmente importante, il caro Wade prontamente la interrompe inquinandola con parolacce e gestacci dal chiaro significato. Ed è uno spasso.

Qualsiasi analisi profonda o di significati nascosti sarebbe inutile in questa recensione. Deadpool va visto perché è puro divertimento, un gioco al quale siamo invitati a partecipare senza tentennamenti, ricami o perbenismi. E’ la parte nascosta che vorremmo emergesse durante ogni film Marvel o DC, quell’irriverenza che chiediamo a qualsiasi super eroe ma che non abbiamo il coraggio di dire ad alta voce. Non cerca di essere il migliore in quello che fa, cerca di essere l’unico in quello che fa. E ci riesce.

E’ evidente il divertimento che si cela dietro i protagonisti e il resto della troupe nel girare un film libero di uscire da ogni schema conosciuto e di creare nuovi possibili scenari per il futuro dei comics su pellicola. Mentre scrivo ho già voglia di rivederlo!

Ho amato la trilogia di Batman di Nolan, non fraintendetemi, ma è bello potersi sedere in sala e godersi quasi due ore d’ignoranza senza freni. E poi c’è l’unicorno bianco.

Cica, cica!

I consigli del giovedì

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 3 Mar 2016 00:32:00 +0100

Puntuale come la pioggia quando dite « facciamo una bella passeggiata », ecco il piccolo gruppetto di film consigliati per questo week end in arrivo!

Legend

Brian Helgeland, sceneggiatore premio oscar per “L.A. Confidential”, ci porta nelle strade londinesi per raccontare la storia dei gemelli Kray, gangster in ascesa nella malavita della città inglese negli anni ’60. Lotte di potere, omicidi e una bella donna saranno gli ostacoli lungo la loro strada per la conquista del territorio. La vera attesa, per questo film, è la doppia interpretazione di Tom Hardy, chiamato a dar vita ad entrambi i protagonisti, diversi nell’aspetto e nel carattere. Il trailer mostra già un lavoro attoriale notevole e la speranza è che possa essere sorretto da un film all’altezza. Nel cast, fiore in mezzo a tante spine, Emily Browning, ammirata in Sucker Punch e Shangri-la Suite. Consigliato a chi ama Tom Hardy, che è sempre un buon motivo per entrare in sale.

Regali da uno sconosciuto – The Gift

Tralasciando l’inutile ed errato titolo italiano, The Gift potrebbe essere la sorpresa nascosta di questa settimana. A seguito di un incontro casuale, Simon e Robyn, entrano in un vortice di tensione generato da Gordo, inizialmente cordiale e amichevole, che si rivelerà avere ben altre intenzioni. Ma qualcosa si nasconde nel passato dei protagonisti. Jason Bateman, Rebecca Hall e Joel Edgerton sono gli interpreti di una storia dal sapore hitchcockiano, dove niente è come sembra e nessuno è in realtà come appare. Dietro la macchina da presa, all’esordio, lo stesso Edgerton. Regia che gli è già valsa la candidatura della Directors Guild of America come miglior regista esordiente. Critica e pubblico lo hanno amato oltre oceano. Vedremo come reagiranno gli spettatori italiani. Per coloro che amano la tensione ammantata di mistero.

Room

Pensate di vivere in un buco di tre metri per tre, senza possibilità d’uscita, un letto un lavandino e una cucina a farvi da mondo. Insieme a voi vostro figlio di 5 anni che non ha mai visto ciò che sta all’esterno e non sa nemmeno che esiste. Questo il presupposto di Room, drammatico film di Lenny Abrahamson, presentato alla Festa del cinema dello scorso anno a Roma e candidato a 4 premi oscar. Uno di questi lo ha stretto fra le proprie mani la bravissima protagonista, Brie Larson, interprete di Ma’, madre amorevole e disperata, che cerca di creare una vita al figlio, laddove sembra un’impresa impossibile. Film sicuramente dal peso specifico notevole e che non mancherà di commuovere. Per chiunque abbia voglia di cinema che resta nei pensieri anche dopo l’uscita dalla sala.

Suffragette

Arriva ufficialmente nelle sale il film che ha aperto il festival di Torino e che racconta la genesi per il diritto di voto inseguito dal primo movimento femminista della storia. Clandestine, lavoratrici e madri, donne della medio borghesia, capiscono ben presto che la protesta pacifica non porterà a nulla ed adotteranno vie più dirette per combattere uno stato che non vuole ascoltarle. Retto da interpreti solide come Carey Mulligan, Helena Bonham Carter e Meryl Streep, il film di Sarah Gravon mira a raccontare una storia di riscatto femminista ma con mezzi e temi dal sapore maschile. Per chi voglia approfondire un periodo storico fondamentale sia per l’emancipazione femminile che per la crescita sociale di ogni stato che possa pensare a dei diritti civili uguali per tutti.

Anche per questa settimana è tutto! Buona visione!

Piccolo Grande uomo Leo

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 1 Mar 2016 18:48:00 +0100

Ammettiamolo, dopo mesi passati a condividere gif e immagini strafottenti nei confronti del mancato oscar a Leonardo DiCaprio, lunedì mattina, dopo aver scoperto che finalmente l’academy si era accorta di lui, abbiamo tutti un po’ sorriso compiaciuti, quasi orgogliosi, manco si trattasse di un nostro conoscente. Certo la rete non si è sprecata in cattiverie, ma nel contempo è stata anche quella che ha restituito all’attore statunitense un grande riconoscimento mediatico, attraverso tweet e post di congratulazioni. Al di là della consueta psicosi da social, dove in molti si sentono in dovere di citare frasi decontestualizzate dello scrittore o dell’attore scomparso per dimostrare una falsa cultura da bacio perugina, credo che il caso del buon Leo sia da ricondurre ad un analisi più sociologica. E’ innegabile che la sua carriera abbia ormai attraversato tre diverse generazioni e, a differenza di molte meteore dello star system, sia la personificazione dell’affermazione “lo abbiamo visto crescere”. Dallo storico Titanic, dove un giovane ragazzino semi sconosciuto al mondo iniziava il suo infinito percorso cinematografico, quel suo “crescere” non è stato solo un concetto anagrafico, ma legato ad una qualità di recitazione sempre più curata e migliorata.

Già allora, grazie al film di Cameron, che diede il via all’apprezzamento mediatico del giovane attore adolescente che aveva tappezzato la propria cameretta con i poster del Jack irlandese presente nella pellicola, le videoteche e le emittenti tv (allora tutte o quasi in chiaro) iniziarono a distribuire e trasmettere i precedenti film della sua acerba carriera, permettendo a molti di stimarne le interpretazioni che andavano al di là della sola “bella presenza”. Se si pensa che in quel periodo avesse all’attivo già ben 9 film con una candidatura all’oscar per “Buon compleanno Mr Grape”, diverse apparizioni in serie tv e 23 episodi di Genitori in blue jeans, non si poteva certo considerarlo una nuova scoperta. Perciò quel ragazzino la gavetta se l’era già fatta e Titanic non è stato altro che il grande salto mediatico. Anche il bellissimo Romeo+Giulietta di Baz Luhrmann, venne rivalutato dal grande pubblico grazie alla risonanza del film di James Cameron, per tornare in molte sale lo stesso anno sfruttando la presenza di DiCaprio nel cast.

Quindi Leo, come dicevamo, stava crescendo a vista d’occhio, attraverso ruoli non sempre associati a grandi film, ma che gli permisero di scrollarsi di dosso l’idea del bello prima che bravo, aprendo gli occhi anche ai più scettici. La definitiva consacrazione nel 2002, con due film simbolo della sua carriera, diretti da due mostri sacri di Hollywood: Martin Scorsese e Steven Spielberg. Il primo, con “Gangs of New York”, inizia un sodalizio artisticamente proficuo e sceglie DiCaprio come nuovo alter ego sullo schermo, erede non dichiarato di quel Robert De Niro con cui ha creato pagine essenziali della storia del cinema; con il Re Mida hollywoodiano, invece, un ruolo destinato a restare negli annali in “Prova a prendermi”, dove la sfida tra il giovane truffatore Abbagnale e l’agente dell’FBI che lo insegue, si traduce in una sfida attoriale tra Leonardo e Tom Hanks, senza un reale vincitore. Due film diversi, due interpretazioni agli opposti e DiCaprio che entra nei cuori di tutti gli amanti del cinema.

A 5 anni circa da quel Titanic, il pubblico aveva imparato ad amarlo e a rispettarne il talento. Ma l’oscar ancora latitava. Nel frattempo l’attore, tra una modella e l’altra, si butta a capofitto nella salvaguardia ambientale, cercando di sfruttare la sua immagine per sensibilizzare l’opinione pubblica. Anche questo impegno, vissuto sinceramente dal divo, aiuta a migliorarne l’immagine riuscendo a dare molta più risonanza delle conquiste femminili che spesso tendono a creare più interesse sui vari tabloid. Negli ultimi anni, le collaborazioni con grandi registi aumentano e oltre al già citato Scorsese, si aggiungono Ridley Scott, Sam Mendes, Nolan, Eastwood e Tarantino. Tutte interpretazioni magistrali, tutti ruoli papabili per l’oscar. Per citarne uno in particolare, il perfido latifondista Calvin Candie di Django. Maschera di pura cattiveria, cinismo e crudeltà razziale che meritava sicuramente un riconoscimento, anche solo per la distanza dai ruoli decisamente più positivi nei quali siamo abituati a vederlo. Ma anche il Jordan Belfort di "The Wolf of Wall Street", che sembrava potesse essere la sua carta vincente, due anni fa, per salire sul palco del Dolby Theatre di Los Angeles.

And the winner is Leonardo DiCaprio. Chissà quante volte ha sognato di sentirlo dire nella notte più ambita, nella serata dal maggior riconoscimento per un attore americano. E domenica è successo, finalmente, grazie anche ad un grande regista (sì, sono tra i sostenitori di Inarritu nonostante il suo chiaro autocompiacimento, resta un regista immenso, ma questa è un’altra storia), capace di proporgli una parte fisica come poche nella sua carriera. Come se, figurativamente, quell’oscar dovesse guadagnarselo con lacrime e sangue.
In sala, con lui come su quella nave che gli ha portato il successo mondiale, Kate Winslet, amica che i più vorrebbero amante, con la quale ha la non-relazione di Hollywood più bella di sempre.

Tra le sue lacrime, una liberazione che, insieme a lei, i fan o i semplici amanti del cinema hanno provato. Perché DiCaprio è cresciuto con molti di noi e con molti di noi invecchierà.

Ti fidi di me? Si Leo e continueremo a farlo.

Lo chiamavano Jeeg Robot

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 26 Feb 2016 16:16:00 +0100

Capita spesso di entrare in sala per vedersi un film dalle aspettative molto alte, fomentato dai commenti che leggi in rete o da campagne pubblicitarie sempre più efficaci, ma poi di uscirne deluso e con un senso di fregatura nel cuore. Raramente l’esito è quello atteso, ancora meno succede che quelle aspettative vengano superate. Fortunatamente, “Lo chiamavano Jeeg Robot”, fa parte di quest’ultima categoria. Come avevo scritto qui ieri, l’opera prima di Gabriele Mainetti, era stata preceduta da una positiva accoglienza alla Festa del Cinema di Roma e sui social si potevano già leggerne le lodi di molti addetti ai lavori e non solo: come per “il ragazzo invisibile”, la commistione tra fumetto e cinema si è ripetuta e da questa settimana era possibile acquistare in edicola il fumetto tratto dal film, con addirittura 4 cover create da altrettanti autori molto amati nel mondo dei comics tricolore (Zerocalcare, Giacomo Bevilacqua, Roberto Recchioni e Leo Ortolani). Sedendomi sulla poltrona del piccolo cinema in cui sono andato a vederlo, mi chiedevo se tutta questa premessa mediatica mi potesse condizionare negativamente, aumentando un senso critico negativo. Non so dirvi se è stato così perché dopo pochi minuti mi ero già scordato di tutto e correvo insieme a Claudio Santamaria per le vie di Roma.

Il film è un raro gioiello. Da proteggere e mostrare al mondo. E’ l’esempio che il nostro cinema può e deve credere in progetti rischiosi, in azzardi, per dare il meglio. E’ una storia con personaggi veri, di quella Roma periferica, fatta di case popolari e di stenti. Composta da signor nessuno che ogni giorno devono trovare il modo per sopravvivere, non sempre legalmente. Siamo lontani dalla patinata vita del centro e dalle atmosfere de “La grande bellezza”. Ci troviamo in appartamenti fatiscenti dentro palazzi dove nessuno vuole sapere cosa succede al vicino. Dove il coraggio, spesso, non basta. Ma fortunatamente Mainetti quel coraggio lo ha avuto e insieme alla sceneggiatura di Nicola Guaglianone, lo mette in una pellicola capace di commuovere, divertire e stupire con picchi di crudeltà degni del miglior Tarantino. Mai un momento di calo nelle quasi due ore di proiezione.

Il duello a distanza tra gli antagonisti si avvicina al culmine attraverso due interpretazioni totalmente opposte, da una parte lo schivo e scorbutico Enzo/Claudio Santamaria, ingrassato di oltre 20 chili per il ruolo, appassionato di film porno e divoratore seriale di budini, che non vuole rapporti con nessuno e odia tutti ; dall’altra il joker nostrano di Luca Marinelli, lo Zingaro, che canta Anna Oxa e la Bertè, immenso nel dar vita ad un personaggio difficile, borderline, animato da un’insana follia, spinto dalla bramosia di apparire.

Il bisogno di essere qualcuno, vissuto diversamente dai due protagonisti, è la chiave della loro differenza. L’eroe non eroe, che diventa famoso in rete per un furto dai metodi sovrannaturali, cerca l’anonimato, non la luce della ribalta e non si rende nemmeno conto del mito che sta diventando tra la gente. Il delinquente, il “cattivo”, che vuole svoltare, andarsene “da stobbuco de merda” e farsi rispettare da tutti tramite la paura; impazzisce letteralmente nel vedere il rivale crescere in popolarità e, non appena ne ha l’occasione, si mette in cerca di notorietà attraverso la violenza pubblicata sul web. Tra di loro, Alessia, interpretata dalla bravissima Ilenia Pastorelli, vittima di una vita bastarda che trova nel cartone animato di Jeeg Robot d’acciaio una via di fuga, una scappatoia per la salvezza. La sua storia con Enzo è quella di due bambini nel corpo di adulti, impacciati, goffi. Ma è anche fatta di concreta tenerezza, diversa dalle tipiche relazioni da fumetto, sicuramente più vera. Ed è anche questa la forza del film, essere vero. Perché non siamo ad hollywood, ma a Roma, anzi a Tor Bella Monaca, dove si corre, tanto, per scappare dalle “guardie” e da sé stessi. Luoghi che grazie alla fotografia di Michele D’Attanasio, assomigliano ai protagonisti che li vivono, anonimi, freddi e difficili da vivere.

Corri ragazzo laggiù, corri tra lampi di blu, corri in aiuto di tutta la gente e dell’umanità. E come Hiroshi Shiba, all’inizio titubante nei confronti delle proprie capacità e schivo alle responsabilità, anche Enzo inizierà a correre ed essere l’eroe di cui il cinema italiano ha tanto bisogno.

I consigli del giovedì

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 25 Feb 2016 23:42:00 +0100

Titoli dalla difficile scelta, questo week end, che « costringeranno » molti di noi a dover andare in sala per diverse sere. Beh, di certo non sarà un sacrificio.

Lo chiamavano Jeeg Robot

Dopo tanta attesa, preceduto da un passaggio trionfale alla Festa del Cinema di Roma, il super eroe proveniente dalla capitale approda nelle sale ufficialmente e lo fa con un seguito di commenti e recensioni che lo incensano a salvatore della patria. Opera prima di Gabriele Mainetti, ci narra le vicissitudini di un signor nessuno che si ritrova capace di guarire dai fori di proiettile, sfondare muri a pugni e piegare caloriferi senza sforzi. La svolta arriverà dal rapporto con la problematica Alessia, invaghita del robottone giapponese Jeeg, che vede nell’uomo l’eroe che lui nega di essere. Claudio Santamaria, Luca Marinelli e Ilenia Pastorelli sono i protagonisti di questo film italiano che potrebbe continuare e migliorare il percorso iniziato da Gabriele Salvatores con “il Ragazzo invisibile”. Le speranze sono tante e le aspettative molto alte. Per chi ama i super eroi ma anche il grande cinema italiano, spesso troppo poco considerato nei paragoni con quello oltreoceano.

Good Kill

Torna la coppia regista/attore di “Gattaca”, Andrew Niccol ed Ethan Hawke. Basterebbe questo per stimolare la visione di “Good Kill”, film che si basa sulla storia di un giovane padre di famiglia, pilota aereo per la marina, che si ritrova a governare droni impiegati in Iraq. I dubbi morali si faranno strada molto velocemente nella testa del maggiore Tommy Egan, combattuto tra la fedeltà per il proprio paese e la scintilla di umanità che ancora è presente in lui. Visto il tema trattato , molte sono state le polemiche dopo la visione a Venezia e, soprattutto, negli Stati Uniti, falcidiandone la distribuzione. Speriamo vivamente che non avvenga anche in terra nostrana, dato l’interesse che suscita ogni lavoro del regista sceneggiatore americano, mai banale e capace di portare il suo cinema ad alti livelli. Per chi lo ha apprezzato per film come il già citato Gattaca, Lord of War, S1mone e The Truman Show.

Anomalisa

Forse il nome di Charlie Kaufman a molti può non voler dire nulla. Ma se iniziamo a citare “Essere John Malkovich”, “Il ladro di orchidee” e soprattutto “Se mi lasci ti cancello” (ogni volta che scrivo o solamente penso al titolo italiano provo un brivido di disprezzo..) sicuramente qualcosa di più vi torna in mente. Candidato all’oscar come miglior film d’animazione, forse categoria un po’ riduttiva per quest’opera decisamente diversa dai rispettivi avversari per la statuetta dorata, Anomalisa ci racconta la vita di Michael Stone, ordinaria e metodica, sconvolta dall’incontro con Lisa che mette in dubbio tutte le sue certezze di padre e marito, portandolo a cogliere un nuovo senso della vita. L’ennesimo viaggio di Kaufman nei labirinti della mente, questa volta è in stop motion, azzardo geniale del folle regista che ha voluto con sé le voci di Jennifer Jason Leigh e David Thewlis per dare vita ad un film che sicuramente lascerà il segno. Per chi pensa che non esista solo la Pixar e per chi ha amato Eternal Sunshine of a Spotless Mind.

Tre grandi film per tre grandi serate di cinema. Attendo vostri commenti e..buona visione!

I consigli del giovedì

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 18 Feb 2016 23:04:00 +0100

Questo nuovo week end di cinema si annuncia ricco di succulente novità e di film molto attesi!Ecco alcuni consigli per le vostre scelte!

DEADPOOL

Si parte con il botto, si parte con il logorroico e sboccato eroe di casa Marvel, Deadpool. Preceduto da una campagna a dir poco geniale e da diversi “trucchi” mediatici studiati a tavolino direttamente dal suo interprete, Ryan Reynolds, aiutato dal regista Tim Miller, finalmente eccolo nelle nostre sale. La storia è quella di Wade Wilson, trasformato suo malgrado in un essere dotato di un fattore rigenerante di wolveriana memoria, capace di acrobazie che lo rendono un killer molto richiesto. Ma il senso dell’umorismo cinico e volgare, è la sua qualità naturale e la più apprezzata. Un antieroe come, forse, non s’è mai visto nel panorama dei comics, che dovrà dare la caccia alla sua peggior nemesi. Ovviamente di mezzo c’è anche una donna per rendere tutto più appetibile. E’ di sicuro uno dei blockbuster più attesi e promette di non deludere le aspettative che ha creato in questi mesi. Consigliato a chiunque abbia voglia di divertirsi senza chiedersi se da grandi poteri derivino per forza grandi responsabilità!

Il caso Spotlight

Newsweek lo definisce “di gran lunga il miglior film della stagione”. Candidato a 6 premi oscar, il film narra le vicende dietro alle indagini giornalistiche svolte dal Boston Globe per svelare le coperture sistematiche della chiesa nei confronti dei sacerdoti della città, colpevoli di abusi sessuali nei confronti di minori. L'inchiesta valse un premio Pulitzer agli stessi giornalisti. Di sicuro un film dal forte impatto, sociale e morale, che nei suoi trailer ricorda molto quel capolavoro che fu “Tutti gli uomini del presidente”. Solo il cast merita il prezzo del biglietto: Rachel McAdams, Mark Ruffalo,Michael Keaton, Stanley Tucci, Liev Schreiber e Billy Crudup solo per citarne qualcuno. A dirigerli Thomas McCarty, che forse i più ricorderanno per “L’ospite inatteso” e “Mosse vincenti” (che vi consiglio di recuperare se in questo momento vi state chiedendo, ma che film sono?). A chi consigliarlo? A chiunque abbia voglia di un cinema capace di emozionare e coinvolgere, porre domande e provare a dare risposte.

Tha Danish Girl

L’artista Gerda Wegener dipinge un quadro del marito Einar in abiti femminili. Da quel momento l’animo dell’uomo muta e prende coscienza del proprio desiderio di continuare a mantenere quei panni, fino a diventare un’icona femminista e a tentare il primo intervento per cambio di sesso. Arriva anche in Italia il film che ha commosso il lido di Venezia e candidato a 4 premi oscar. E, quasi fosse un segno del destino, arriva proprio quando il belpaese è acceso da discussioni quotidiane su unioni civili e stepchild. Certo, la questione è ben diversa, ma forse non troppo. Sicuramente avrà una risonanza maggiore e date le intense interpretazioni di Eddie Redmayne e Alicia Vikander, non sarà un male. La speranza è che il bravissimo attore londinese possa trovare un'opera migliore del precedente “La teoria del tutto” per dimostraci le sue doti da grande attore. Film dalla lacrima facile, quindi, ma anche carico di forti emozioni a sfondo sociale. Per chi pensa che ognuno abbia il diritto di vivere la vita nei panni che più desidera.

Zootropolis

Chiunque di voi abbia visto il trailer che da un po’ gira in rete (e che trovate anche in questo articolo), non potrà fare a meno di sorridere pensando allo sketch dei bradipi. Ed è probabilmente quello il mood del nuovo film d’animazione Disney, dove la società è composta da ogni tipo di animale presente nel globo, ma con abitudini e stili di vita da umani. Il giochetto non è nuovo, certo, ma la speranza è che un film del genere, uscito di certo in un periodo inaspettato, lontano da festività che potessero aiutarlo a riempire le sale di piccoli spettatori, riesca a coinvolgere “grandi e piccini” con la storia di una volenterosa ma minuta coniglietta poliziotta, spinta a risolvere un caso per riscattare la sua immagine con i colleghi. Il cast, in questo caso, è solo “vocale” e per l’edizione italiana troviamo in lista Paolo Ruffini, Frank Matano, Teresa Mannino, Lopez, Gullotta e Abatantuono. Per una serata in famiglia ma anche tra amici amanti di film Disney dal sicuro appeal e dalla morale facile.

Spero di avervi dato qualche utile dritta per la scelta dei posti in sale e, come sempre, buona visione.

I consigli del giovedì

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 11 Feb 2016 17:05:00 +0100

Come ogni settimana, il giovedì è giorno di uscite cinematografiche. Non sempre queste si rivelano all’altezza delle aspettative e molto spesso si rischia di perdere qualche buon film a causa di una scarsa informazione mediatica o di pessime scelte di traduzione dei titoli, che non permettono di riconoscere un’opera di cui si era sentito parlare magari in qualche video di presentazione alla première fuori dai confini italici, ma con tutt’altro nome. Proverò, quindi, d’ora in poi, a fornire qualche consiglio di visione settimanale prima del week end in arrivo.

L'ultima parola: La vera storia di Dalton Trumbo

La vera storia di Dalton Trumbo, geniale sceneggiatore nell’America degli anni 40, che deve lottare contro false accuse di filo comunismo, arrivando a nascondere il proprio nome e a scrivere per opere a basso costo per non attirare l’attenzione della stampa e del governo. Un film atteso sia per la performance di Bryan Cranston, il Walter White di Breaking Bad, candidato al Golden Globe e agli oscar 2016 per questo ruolo, sia per l’importanza del momento storico/artistico in cui è ambientata la vicenda, una macchia nera nella storia di Hollywood e, a maggior ragione, dell’accademy. Una storia di denuncia e di libertà artistica che forse, ora più che mai, rischia di essere dimenticata.

The End of the Tour

Altro biopic, in questo caso basato sullo scrittore americano David Foster Wallace, autore travagliato e straordinario. Il film è la storia dei 5 giorni passati con il giornalista David Lipsky durante un reading tour del suo romanzo. Quello che ci aspetta è un’opera di profonda analisi sullo stato umano, attraverso il confronto di due personaggi diversi fra loro e alla ricerca di risposte che, forse, non troveranno. Non certo un film leggero ma sicuramente intenso e coraggioso, a partire dalla scelta dell’attore che interpreta DFW, quel Jason Segel di “How Meet your mother” e di molte altre commedie, al primo vero ruolo drammatico della sua carriera. Consigliato a tutti coloro che hanno amato Salinger, Kerouac e quella letteratura americana che merita un posto nella libreria di ognuno di noi.

Zoolander 2

Chiudiamo con qualcosa di più leggero ma di certo dal grande impatto mediatico. Tornano Derek ed Hansel in una nuova avventura di pura ignoranza contro il fantastico Mugatu/Farrell, questa volta aiutati dalla splendida Penélope Cruz. Servono forse altri dettagli? Inutile dare altri stralci di un plot che sicuramente non sarà il punto forte del film, ma come resistere alla magnum più famosa del mondo? Preceduto da una campagna virale nata sulle passerelle più famose del mondo, sono sicuro che il film incasserà in ogni dove al botteghino. Ovviamente chi scrive non vorrà perdersi l’ennesima performance di Ben Stiller, attore/autore che in questo ruolo ha già regalato tantissime risate.

Che altro aggiungere se non..Buona visione!

The Hateful Eight

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 2 Feb 2016 16:38:00 +0100

Nel 1992, un giovane cineasta americano, presentò il suo primo lungometraggio al Sundance Film Festival, lasciando tutti sbigottiti e scioccati dalla sua potenza dialettica e narrativa contornata da una cruda violenza visiva. Il film si chiamava “Le Iene” e quel giovane regista era, ovviamente, Quentin Tarantino. Oggi, nel 2016, esce il suo ottavo film, il secondo dichiaratamente western (i precedenti lo erano negli intenti e non nelle ambientazioni) e di cose ne sono cambiate nel suo cinema. O forse, semplicemente cresciute.

The Hateful Eight rappresenta l’evoluzione massima di quella capacità di scrittura che rende questo regista uno tra i migliori ancora in attività. Forse IL migliore. La sceneggiatura alla base del suo ennesimo capolavoro, è una mirabile costruzione di un dramma abitato da personaggi delineati con maestria attraverso dialoghi ricchi di quei particolari che sembrano fini a se stessi, ma che lentamente donano i contorni precisi dei loro caratteri, delle loro storie, del loro essere. Nessuno, come il prolifico artista del Tennessee, è capace di tenerti incollato allo schermo per così tanto tempo solo con dei monologhi o dei battibecchi infarciti d’insulti razziali e imprecazioni in puro stile texano. A differenza dei film precedenti, in questo THE, Tarantino dimostra la sua maturità cinematografica, creando un’atmosfera quasi da teatro, racchiudendo i propri “piccoli indiani” (Agatha Christie avrebbe sicuramente apprezzato la prima parte del film) in un emporio/palcoscenico dove, nonostante il freddo della tempesta esterna, potessero cuocersi a puntino, fino all’esplosione finale. Questa crescita, la si nota nella capacità di mantenere la pazienza narrativa per poter disporre tutti i pezzi del suo personale domino con calma, farli apprezzare allo spettatore e goderne lui stesso, prima di far cadere il primo che, a ripetizione, trascinerà con sé tutti gli altri. Questa sceneggiatura meravigliosa, viene poi accompagnata da una scelta stilistica di regia improntata sul tanto dichiarato 70mm, che permette a Tarantino di giocare con i contrasti e le ombre, mettendole al servizio della sua scrittura e dei suoi personaggi. La luce che a volte illumina i volti di un dialogo faccia a faccia, che ricorda l’occhio di bue di un teatro, oppure le tenebre che nascondono le espressioni silenziose dei personaggi più enigmatici, seguono il volere del loro creatore lasciando nei nostri occhi e nei nostri pensieri dubbi sul loro ruolo all’interno della vicenda, fino alla spiegazione finale. Ed è in quel momento, quando la pazienza richiesta per questa partita a scacchi con la tensione ha avuto il suo tempo, che tutta la violenza tarantiniana emerge in un sol colpo, arrivando a toccare momenti da horror gore ma sempre con la capacità artistica che contraddistingue ogni spruzzo di sangue presente nel suo cinema. Compreso quel gioco citazionistico al quale sfida lo spettatore, complice come lui di amare tutti i generi del cinema. A chiudere un quadro perfetto, la cornice musicale di Ennio Morricone, tornato al cinema western dopo quasi 40 anni e che non solo non delude le aspettative, ma dimostra che l'età non conta nulla quando ami ciò che fai e sei costantemente ispirato dalla passione artistica.

E’ dunque il film migliore di Quentin Tarantino? Non lo so, non m’interessa saperlo, perché ormai la bellezza del suo cinema è talmente elevata che inutili paragoni la andrebbero a banalizzare. Di sicuro l’anno cinematografico (per quanto riguarda le uscite in casa nostra) si apre con il botto e nonostante i grandi titoli in uscita, sarà difficile fare qualcosa di meglio.

Perché la porta del cinema è sempre da aprire a calci e chiudere per bene, altrimenti non sai cosa possa entrare. Perché la porta del cinema è una gran troia!

p.s. un ringraziamento speciale va alla Sala Energia del cinema Arcadia di Melzo, che da ormai moltissimi anni permette ad un bambino cresciuto a pane e cinema di godersi ogni film nel formato e nella totalità artistica voluta dal suo regista. Grazie!

Point Break

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 28 Jan 2016 12:15:00 +0100

Nel 2015, il nuovo segreto del cinema di successo mainstream è stato quello del remake/reboot/sequel con astuzia : giocare con le nuove generazioni, sfornando film che conservino lo spirito dell’originale, infarcendolo di richiami per gli aficionados e creando qualcosa di nuovo per gli spettatori più giovani. Da Mad Max a Star Wars, passando per Jurassic World e Terminator, finendo con Creed, il percorso è stato più o meno lo stesso. E il successo di critica e pubblico ne ha confermato la giusta scelta stilistica e registica.

Point Break si scontrava con un altro mostro sacro del passato, un film quasi perfetto di Kathryn Bigalow che lanciava definitivamente nello star system il compianto Patrick Swayze e Keanu Reeves, fatto di machismo, senso di fratellanza e confronto fra opposti che arrivano al loro punto di rottura dato dalla barriera della legge. Nessuno poteva credere che la versione 2016 potesse raggiungere l’apice del suo originale, ma la speranza di divertirsi al cinema nell’era in cui tutto è possibile visivamente rappresentava la vera forza motrice che poteva spingere la gente in sala. Purtroppo la realtà è un’altra. Il film di Ericson Core è scialbo, banale, basato su una trama alla quale manca il senso di molte scene e il collante di tutte le altre. Ha l’aspirazione di essere un modello new age di filosofica visione, ma si rivela un’accozzaglia di frasi sconnesse che sembrano prese a caso da un libro di Fabio Volo, la smemoranda del liceo e i baci perugina. Cade spesso nel ridicolo e nell’autoironia involontaria (“Un’idea può essere forte” “Mai quanto una baleninera norvegese” parlando del guru ecoterrorista a cui s’ispirano i neo criminali, ucciso mentre cercava di difendere delle balene). Vuol citare il senso di famiglia alla Fast & Furious ma non ha un grammo del significato di “gruppo” che si trova nella saga del buon Vin. Beh, ma come scrivevi all’inizio, lo sei andato a vedere per godere delle scene d’azione. Ah sì, giusto, quelle. Il primo momento di adrenalina l’ho provato verso l’ultimo quarto d’ora quando, non sapendo ancora quanto potesse durare quel travaglio visivo che chiamano film, iniziavo a sentire un bisogno sempre più urgente di andare in bagno, arrovellandomi se uscire prima della fine rischiando di perdermi forse l’unica vera chicca del film. Non è arrivata nemmeno quella e la mia vescica ha poi chiesto il suo pegno. In un mondo che vive di youtube, facebook e milioni di altri social dov’è facile gustarsi imprese sportive estreme, il lavoro che regista e co. potevano fare nel realizzare meglio quella parte fondamentale del loro film di certo doveva essere più curato. La vera pecca è il montaggio che uccide le gesta dei protagonisti e, soprattutto, degli stunt coinvolti per realizzarle. Mai un momento di suspance. Mai un’incertezza sull’esito del volo con la tuta alare, dell’arrampicata estrema o della discesa in snowboard dalla cima di una montagna. Nulla!

Recuperate “Don’t crack under pressure”, il bellissimo docu film di Thierry Donard, per capire cosa intendo e per gustarvi una sequenza infinita di spettacolari e incredibili sfide alla natura, compiute da amanti degli sport estremi, tanto esaltati in questo inutile Point Break ma poi, alla fine dei conti, il vero rischio lo corre lo spettatore in sala, annoiandosi a morte.

The Revenant

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 19 Jan 2016 17:03:00 +0100

Avevamo lasciato Inarritu nelle stanze strette e complesse del teatro mente del bellissimo Birdman, lo ritroviamo nelle maestose e infinite distese d’America, immerso in luoghi inospitali e freddi, circondato dalla natura più terribile e ostica. Natura, qui in maiuscolo perché è lei la vera protagonista di questo Revenant. Selvaggia e forte, che non teme nessuno, abbatte chiunque le si pari dinnanzi. In mezzo, animali, a 2 o a 4 zampe non conta, sempre animali. Capaci di parlare lingue diverse o solamente grugniti e urla di dolore. Non fa differenza. Il regista la pone fin da subito al di sopra di tutto e di tutti, al di sopra degli sguardi folli e carichi di avidità di Tom Hardy (magnifico interprete), al di sopra del dolore straziante di DiCaprio, dolore per le ferite ma soprattutto dolore per la perdita di un figlio unico vero motivo di vita. Ma forse nemmeno questo è vero, dato che la vendetta, insulsa e inutile, come gli ricorda il suo detestato nemico, lo tiene più in vita di quanto possa fare qualsiasi altra cosa. Un viaggio verso una prevedibile conclusione, ma anche qui la natura sopra la trama, la storia più che lineare, strumento utilizzato da Inarritu per mostrarci la forza di tutto ciò che non possiamo controllare, lo scorrere inevitabile delle acque fredde di un fiume o l’inverno che rende tutto bianco ed uniforme. Sempre animali, si diceva, che si scontrano per sopravvivere, si aiutano per non restare soli, si uccidono senza motivi. Per quasi tutto il film il personaggio di Glass/DiCaprio, dal passato tormentato e in cerca di una sorta di redenzione, non ha dialoghi, battute ridotte a cenni, visioni oniriche. Rinasce dalla terra, quasi fosse un parto della madre terra stessa, si trascina prima di camminare, come un neonato incapace di mettere un piede dopo l’altro. Metafora, forse un po’ troppo esplicita, ma di sicuro impatto visivo/narrativo di una ricerca primordiale dell’essere umano, che solo dopo aver pagato i debiti con la vita precedente, attraverso la morte, ha il permesso della Natura di compiere il suo cammino. Ma sarà un cammino dall’esito puramente istintivo, dettato da una sete di vendetta non più umana e simile alla furia di quell’orso che lo ha attaccato per difendere i propri cuccioli. Un cerchio che si chiude, ancora, sulla legge del territorio, su quella superiorità di ciò che ci circonda a dispetto di tutto ciò che pensiamo, arrogantemente, di sapere e di credere di essere.

Per quante volte si riesca (si rischia) a vivere.

Interstellar

noreply@blogger.com (Anonymous) — Wed, 12 Nov 2014 19:51:00 +0100

Michael Caine, in The Prestige, ci avvisava “Ora state cercando il segreto ma non lo troverete, perché in realtà non state davvero guardando. Voi non volete saperlo. Voi volete essere ingannati » E che cos’è il cinema se non una speranza di essere nuovamente ingannati, o meglio, ammaliati per tutto il tempo in cui si resta in sala ? Se scopri il trucco di un mago, il trucco stesso perde il suo fascino. Con Nolan, il gioco tra regista e spettatore per capire chi prima scopre o inganna l’altro, ha sempre caratterizzato la narrazione dei suoi film, diventando il meccanismo cardine per portarci al termine di ogni pellicola con il fiato sospeso. Con Interstellar, non è necessario. O meglio, non è ciò che conta. Qui il trucco c’è, si vede e poco importa. Perché è solo il modo per distrarci, per farci viaggiare, il pretesto per portarci all’unica cosa che conta al regista: l’amore, come atto di fede, come unica scintilla della speranza umana, come l’inizio e la fine di ogni cosa, di ogni cammino. E allora qui, il prestigio, diventa un viaggio che parte dalle terre agricole dell’America del sud, in un imprecisato futuro, dove è morta prima la tenacia dell’uomo a fronte di una rassegnazione totale, poi la terra stessa. Un mondo dove a scuola le imprese spaziali passate diventano uno spauracchio, perché non “servono più ingegneri, ma agricoltori”. La tecnologia è accantonata, illusione di un futuro che non è arrivato. E non stupisce che non appena la si ritrovi, sia amica e mai ostacolo al percorso (i robot con il sense of humor impostabile, ma che hanno di default la diffidenza e al tempo stesso l’obbedienza verso l’uomo). Un viaggio, dicevamo, che prosegue su due linee temporali, su mondi in cui un’ora di tempo equivale a sette anni sulla Terra, sempre più un luogo inospitale, dove si sopravvive ma non si vive. Ma alla fine si torna sempre li, al campetto da baseball, alla stanza della figlia dolorosamente abbandonata seguendo una percorso circolare, come la rotazione della navicella usata o come la sfera del warmhole. Nolan entra senza paure nel campo della fantascienza di Kubrick e non gira un nuovo 2001 (inarrivabile), ma ne coglie il senso, il genere e crea un film che non si limita alle citazioni, ma ne adotta il linguaggio, i tempi e i suoni. Potrei soffermarmi su molti altri aspetti, dalla recitazione di tutto il cast (permettetemi un piccolo godimento nel vedere insieme John Lithgow e Michael Caine anche se per pochi minuti) agli splendidi colori e alla purezza di una visione in 70mm. Ma quello che conta è che Interstellar è un film che senza “svelarsi” ti resta dentro prima ancora che tu te ne accorga, nonostante le quasi 3 ore di proiezione (ma di cui non si sente il peso nemmeno per un minuto). Il prestigio è compiuto

Perché voi volete essere ingannati.