id-metamorph

TECH IT EASY COLLECTION: ZPS_STUDIO a SLOW DESIGN...intanto ARCHICHEF -Atto II

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 20 May 2011 16:00:00 +0000

Venerdì 11 marzo negli spazi di SLOW DESIGN é stata presentata EASY TECH COLLECTION, progetto che porta la firma di ZPSTUDIO. La linea di complementi di arredo, già accolta con entusiasmo al Salone di Milano, al Design Week di Torino, al London Design Festival e alla Stockholm Furniture Fair, si apre per la prima volta al pubblico di Firenze.

Era il 1962, quando Thomas Kuhn in La Struttura delle rivoluzioni scientifiche, pose di fronte agli scienziati di tutto il mondo, un'idea, responsabile futura di un vero e proprio ribaltamento del concetto di progresso.

L'errore, l'insieme dei risultati in-accettabili delle ricerche scientifiche, messe al bando dalla scienza ufficiale, “i decimali dopo la virgola”, la conferma alle teorie pilastro della nostra visione del mondo, diventa con Kuhn la categoria, soggetto positivo delle grandi rivoluzioni scientifiche.

Che il lato più geniale del “nuovo” nasca spesso grazie ad un processo di casuale serendipity, o addirittura per errore?

Gli architetti Matteo Zetti ed Eva Parigi, menti di ZPStudio ci coinvolgono attraverso la gestazione di Easy Tech Collection all'interno di un moto creativo sperimentale, in cui il design dell'oggetto OFF diventa protagonista estetico, capace di unire artigianalità del progetto a sostenibilità del funzionale sotto il paradigma delle 3F di Castiglioni: FORM FOLLOWS FUN.

Easy Tech, nasce come insieme di prototipi, idee non catalogate dell'attività dello studio nel corso del tempo, non inseribili, però, all'interno di un ciclo industriale di produzione seriale.

Possono tubi e raccordi in PVC normalmente utilizzati per l'idraulica, diventare colorati punti luce, dal nome semanticamente ambivalente, come Visitors: richiamo alla famosa serie tv cult anni '80, fantascienza da un lato, e gioco di parole sulla forma di lampada-visita, occhio osservatore che diffonde luce, dall’altro?

E' pensabile che fogli di PVC, tagliati in forme circolari, animino la cucina come colorati set di tovaglie lavabili?

Oggetti senza futuro fino a quando Parigi e Zetti non decidono di dare inizio ad una auto-produzione, raffinando i modelli iniziali, per arrivare al sorprendente risultato di una curiosa collezione di object per la casa e complementi di arredo.

La linea di oggetti é concepita come insieme di azioni di smart design, dove l'estetica non deve necessariamente seguire la funzionalità.

Parole chiave: riassemblaggio e post-produzione attraverso la re-interpretazione di materiali e oggetti, tratti dalla quotidianità del vivere.

Strumenti utilizzati: manualità che lavora su elementi già esistenti.

Nasce lo slanciato design di EASY POT, vaso componibile o da viaggio, costituito da un unico foglio di PVC dai colori pop, ripiegabile, con chiusura mediante bottoni automatici.

Sua declinazione, le comode tazzine, in versione smarties' colors, porta bicchieri in plastica: fazzoletti in PET, piegati a triangolo, facilmente maneggevoli.

L'originale illuminazione dalle trasparenze di OLOTURIA, lampada tentacolare da soffitto, o mono-tubolare da tavolo, creata con rete per imballaggi in polietilene bianco riciclabile al 100%.

...E ancora KORI, centro tavola o portafrutta, assolo per tubo dalla brillantezza del silicone, avvolto a spirale, legata secondo l'antica arte degli artigiani dei cesti in paglia.

La ricerca di ZPStudio approfondisce la tematica della sostenibilità, mediante il trasferimento della destinazione d’uso di materiali già esistenti. Non solo riciclo, ma creatività estetica che abbatte i costi di produzione, utilizzando ciò che già esiste, plasmato a nuova forma.

La connotazione tech degli oggetti della collezione spiega molto del background degli architetti, che si auto-definiscono “absolute beginners” e che trovano fonte di ispirazione in esempi autorevoli, quali il movimento neo-avanguardistico dei Radicals anni ’70 (Superstudio ed Archigram) e il design giapponese dal taglio netto e definito, sintesi di pienezza semantica contenuta nell’auto-referenzialità della forma.

Esiste nelle opere dello studio un chiaro riferimento alla grafica, ma essi stessi spiegano come sia importante oggi arrivare alla consapevolezza che il design non possa più essere definito “altro”rispetto alle definizioni di arte e architettura.

La dimostrazione della visione che connota il progetto nella sua accezione di Gesamtkunstwerk, viene sottolineata dalla realizzazione di ZPStudio della seconda serata di ARCHICHEF, organizzata sabato 12 marzo per FUORITaste da TOWANT e ARCHIVIOPERSONALE.

Gli architetti si apprestano infatti alla mise en scene culinaria, di una cena dal forte impatto grafico: CMYK, il titolo. Sinestesia di gusto e colori.

L’interessante ricerca di Parigi e Zetti, abbraccia, dunque molteplici aspetti del design, nel superamento della categoria ontologica dell’oggetto, definito nella ricchezza del suo significato, includendo l’azione come elemento dinamico, alla base della sua connotazione.

SLOW Design, galleria, spazio espositivo, ideato dall’omonima agenzia di Nathalie & Roberto di Filitto, risponde esattamente a questi canoni, ponendosi come “luogo d’interazione”, aperto alla sperimentazione e al dialogo tra gli oggetti esposti, lo spazio circostante e l’osservatore: ermeneutica della percezione da cui derivano infiniti racconti.

DESIGN, POESIA E STORY TALES…

http://www.arkidesignblog.it

“VEGETABLE SKIN” Collection – la nuova frontiera dell’illuminazione e del complemento di arredo

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 23 Apr 2011 17:00:00 +0000

Food and design, binomio infallibile, che attraverso l’idea, nata dalla collaborazione tra Vega Donati di Altremani e l’Architetto Alessandro Moradei , si fonde in un unico paradigma: le cento declinazioni del design “attraverso” il vegetale.

Skin! Pelle, il confine autoreferenziale del ns. corpo. La trincea osmotica che segna l’inizio e la fine dell’identità. Tessuto sensoriale e dinamico, luogo “immaginario” e di passaggio di esperienze conoscitive ed emozionali.

Vegetable: ciò che afferisce al mondo vegetale. Vita silente e colorata. Fotosintesi.

Provando a tracciare un filo conduttore semantico è inevitabile non accorgersi come pelle-osmosi, vegetale-fotosintesi conducano alla stessa premessa: la LUCE.

L’intuizione di Vega e Alessandro si delinea sul delicato e raffinato piano della sperimentazione del light design, che trova in Italia precedenti autorevoli.

L’idea, all’apparenza semplice, di Vegetable Skin associa il design della forma all’utilizzo di materiali innovativi, quali i fogli vegetali. Lo sviluppo del progetto non puo’ che aprirsi alla duplice esigenza di progettualità e produzione non seriale, all’interno della riflessione luce-uomo-spazio.

Firenze, all’interno dell’Atelier Altremani, comodamente seduta su una sedia-office, rivestita di erba del Trentino, ascolto Vega ripercorrere le tappe della genesi del progetto.

Mi spiega che Altremani è una giovane impresa, basata sulla cartotecnica e che si regge sul saldo pilastro del concetto di “recupero”. Da un lato, inteso come produzione artigianale di accessori di cartotecnica e complementi di arredo, realizzati attraverso il riciclo del materiale di scarto della filiera industriale e agricola. Dall’altro nel senso più complesso di recupero sociale, come luogo di ri-qualificazione e re-inserimento di persone svantaggiate dal lato psichico e/o motorio, nel mondo lavorativo, come con estrema delicatezza tiene a sottolineare Barbara Grassi, responsabile commerciale.

La sensibilità di Vega per l’ascolto e la didattica, l’attitudine al testare con mano la qualità dei risultati ottenuti nei prodotti Altremani, maturata con l’esperienza e la curiosità, la cura artigianale per i particolari, sono stati determinanti per arrivare alla conclusione che non esiste forma migliore di “re-cycling”, come di recupero sociale, che quello realizzato grazie all'ausilio della tenacia e della creatività.

Mi porta nel laboratorio dove si stagliano le vecchie presse dell'officina cartotecnica e poi mi indica una vasca: “Vedi, questa distesa di ciuffi di erba proviene dal Trentino Alto Adige, é di prima qualità, doveva servire ad una SPA a fini di cura e relax”.

Passeggiando tra le tante sperimentazioni ed i collaboratori, indaffarati a selezionare la materia prima, arriviamo alla zona dove si testano nuove idee. Resto affascinata da un paniere purpureo di rape rosse dalle venature del legno.

Nasce l'infinita ricerca di Vega sugli accostamenti di vegetali, sezioni di ortaggi e tuberi, spicchi di frutta, l’attenta osservazione della loro resa cromatica e del disegno, spesso già tracciato dalla loro struttura interna.

Poi le procedure di raccolta del materiale, sempre di seconda scelta, destinato al macero; lo studio sulle procedure di essiccazione per assicurarne qualità e durevolezza nel tempo.

Una volta effettuata la scelta del frutto o dell’ortaggio protagonista, inizia la delicata fase del taglio e del collage attraverso dei collanti di resine di sintesi vegetale. Il tutto viene poi pressato per dar luogo a interessanti paper di diversi spessori e cromie, pronti per il loro utilizzo.

Moradei, partecipe di questa attività di ricerca, studia le forme più adatte al dinamismo delle trame, ottenute con i collage. La luce, i suoi riflessi filtrati e trasformati al passaggio attraverso le diverse texture. La scelta del foglio vegetale più adatto al modello di lampada o di complemento per l'arredo da realizzare. L'analisi del disegno, della relativa struttura e della sua resa estetica, non tralasciando mai l'aspetto della contestualizzazione nello spazio circostante, con cui gli oggetti devono riuscire a dialogare.

Le linee, dai pendenti da soffitto, retrò, quasi Jugendstijl, alla scelta di variazioni sul tema del quadrato nelle forme anni '70, allo sviluppo della poesia di lanterne dai tagli triangolari, affascinante richiamo mediorientale.

Per la categoria complementi di arredo, interessanti le realizzazioni di cornici, separé da terra, o accessori come i centro tavola.

Nasce Vegetable Skin!

La scelta di un oggetto della collezione apre interessanti scenari, sia per la personalizzazione della casa, che per la realizzazione di innovative soluzioni di interior design per l'abitare, come per temporanee Inszenierungen, legate al catering.

Ne é un esempio, dopo l'esposizione a Vintage Selection 2011, l'allestimento realizzato da Vegetable Skin per la manifestazione “Taste n.6, in viaggio con il gusto” all'interno dello spazio della Ex- Stazione Leopolda, dedicato al Ministero delle Politiche Agricole e Forestali.

Moradei: “Loro presentano sempre dei progetti speciali per la diffusione dei prodotti agricoli italiani: quest’anno portano degustazioni di pinzimonio e per l’occasione faremo dei pannelli di carote per allestire lo spazio. Inoltre metteremo delle lampade di varie essenze sempre collegate ai loro prodotti.”

Questo non puo' che essere il risultato di un progetto animato da passione e dedizione.

Prossima tappa Miami o New York? Vega e Alessandro non ci nascondono l’entusiasmo a far conoscere il vero made in Italy all’estero, sperando che un giorno anche in Italia si guardi ai prodotti italiani con lo stesso sguardo di compiacimento, con cui si osservano le idee provenienti da altri paesi.

Matrice onirica, sostenibilità, scandite dal timbro unico e particolare di un design vivo: Vegetable Skin.

CP COMPANY DI ENZO FUSCO: SPORTSWEAR A PITTI. BACK TO THE FUTURE.

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 29 Mar 2011 09:04:00 +0000

CP COMPANY ed Enzo Fusco: grande attesa per la nuova collezione primavera-estate 2012.

L’azienda e lo stilista, prestigioso ritorno per la moda UOMO Sportswear nel 2010 saranno ancora presenti sulle passerelle di Pitti?

Quali saranno le tendenze sperimentali che Enzo Fusco farà indossare ai suoi capi CP?

Un po’ di storia regala forte suspence…

CP COMPANY scelse nel giugno 2010 la vetrina di Pitti, come location per il lancio della nuova collezione, firmata Enzo Fusco per la primavera-estate 2011.

CP Company acquisita nel febbraio dello stesso anno dalla FGF Industry dello stilista-imprenditore italiano Fusco, si è presentata a Firenze con tutte le caratteristiche per tornare ad essere leader dello sportswear.

L'anteprima della collection tenutasi all'interno della suggestiva Sala Ottagonale della Fortezza da Basso di Firenze per Pitti UOMO n.78: forte contrasto di echi medievali della scenografia e graffianti accenti contemporanei degli abiti presentati.

Pitti Immagine Uomo, si è da anni guadagnata, infatti, l’immagine di passerella, che privilegia innovazione e attitudine avant-garde.

La passione di Enzo Fusco per la sperimentazione dei materials e delle linee non fanno mistero
del motivo che sono stati dietro all'incorporazione del marchio.

Un nuovo inizio partito dalle origini di CP Company, facendone un valore.

Lo stile sportivo, che infrange il confine e prende forma in un casual concettuale, rilanciato attraverso un work in progress sperimentale.

Il riferimento che sottende una grande attenzione alla cura dell'elemento sartoriale, base, quasi “artigianale” di una tradizione di filiera tipica del made in Italy, adattata al domain sportivo.

Sguardo rivolto al futuro attraverso lo sviluppo di nuove texture, privilegiando l'abbinamento di materiali di qualità, che spaziano dal naturale alla fibra tech di sintesi.

I capi outdoor, work e militare che assumono un taste irripetibile, grazie allo studio materico e ai trattamenti dei tessuti, diventando veri e propri “pezzi unici”lontani dalla serialità.

La collezione si è mossa su tre fondamentali linee guida, ognuna rappresentante un particolare MOOD:

-TECH: Il lino lavorato con il nylon e assume un particolare aspetto tecnico. L'utilizzo di

una innovativa tecnica di resinatura, riporta alle vecchie cerate da marinaio.

- COLORE: Il nylon sottoposto ad un trattamento metamerico, conferisce al tessuto un effetto di colore in mutamento continuo. Inserti di cotone e di altri materiali aggiungono effetti, che donano in maniera armonica, profondità di colore, matericità e brillantezze diverse.

- REAL: La canapa è tinta mediante un trattamento che lascia il colore in superficie e dona al capo un aspetto brinato, quasi consumato dal salmastro.

Focus sullo stile marina: un interessante lavaggio conferisce al tessuto un aspetto increspato, come prosciugato dall'esposizione al sole.

I modelli, i tessuti, curati sin nel minimo dettaglio sono stati testimoni di una collezione, costellata di innovativi pezzi unici, che ammicca ai capi vintage.

La definizione di capi unici di CP Company per Enzo Fusco verso quali territori ci condurrà
quest’anno?

http://www.prismanews.net/

FUORIdiTASTE part 1 Re-make-it: quadri?No! Vassoi MarioLucaGIUSTI…FORSE!

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 18 Mar 2011 18:00:00 +0000

Fuori di Taste’ special event, per TASTE N.6, la manifestazione fiorentina che conduce in viaggio tra i sapori e la qualità del gusto del made in Italy. ARCHIVIOPERSONALE, Alessandro Moradei e The Creatures Factory presentano nella sera dell’11 marzo Re-make-it!, exhibition party, presso la coworking&design gallery 22A/22+Societé Anonyme di Firenze.

Il progetto Re-make-it! ha chiamato 30 giovani tra artisti, designer, graffitisti, grafici e fumettisti per la rivisitazione di 30 vassoi della collezione MARIOLUCAGIUSTI.

Gli eleganti vassoi “Della Robbia”, modello grande in bianco latte, forniti dalla MARIOLUCAGIUSTI, hanno rappresentato la “carta bianca” delle diverse personalizzazioni: ogni vassoio/opera è stato associato ad un titolo, un verbo legato alle azioni del cucinare, come spiega entusiasta, Francesca Pazzagli di ARCHIVIOPERSONALE.

Le lucenti trasparenze dei GIUSTI’tray si sono evolute nelle più diverse forme, a volte scegliendo di restare art work in 2d, dall’esplosivo e colorato disegno pop, o dal bianco e nero delle strisce fumettistiche.

Altri artisti hanno privilegiato la scultura applicata al product design nell’accezione della Eat Art di Daniel Spoerri, (memori di opere come Le petit déjeuner de Kichka -1961), penetrando lo spazio attraverso rivisitazioni fetish in black di morbidi aculei di spazzola, mediante una pentola con spaghetti incollata al vassoio, o dotando il vassoio (ormai alzata) di piedi con chiaro richiamo ad un certo dadaismo duchampiano.

A volte domina il total white con l’applicazione di un packaging di nastri ingessati, per ASSAPORARE, citazione indotta dei Cretti di Burri.

Non poteva mancare l’indagine intorno all’accezione fashion: pittura noir e piumaggio a evocare i cappelli hand-made di Cocò per una originale versione del simbolo del Chianti Gallo Nero.

Happy-hour piacevolmente movimentato dai catering dell’Antica Macelleria Falorni, con assaggi di salumi toscani in panieri di carta gialla e dai calici di vino rosso del wine-bar Consorzio Chianti Classico Gallo Nero, installato per l’occasione in una nicchia dell’officina 22A/22.

Elegante location factory-style, dove le vibranti linee industrial degli interni si legano alla creatività, alla sperimentazione, punto d’incontro tra arte e design, dove le tradizioni del gusto si fanno fonte d’ispirazione.

Le opere, presenti a Taste nei giorni a seguire, hanno invaso un’intera parete della Stazione Leopolda per essere battute all’asta nella serata di domenica con l’importante intento di unire l’ironia dell’evento, all’idea di aiuto nel sociale.

Il ricavato delle vendite è stato devoluto, infatti, a The Heart of Children Onlus, associazione per la cura delle cardiopatie dei bambini nel mondo.

Come i migliori talent scout convengono…Segnaliamo gli artisti partecipanti:

Luca Antònio Alves-Giovane Chef Artigiano/Marco Annunziata-Photographer/Duccio Ardovini-Architect/Suzanne Beautyman-Jewerly Designer/Tommaso Bencistà Falorni-www.TOXICTOY.it/Gaetano Bigi-Illustrator/Lorenzo Brini-pittore/Tommaso Chini-Artist/Giacomo D’Adanna-Artist/Iacco D’Autunno-Povero Artista Disoccupato/Giovanni De Gara-Artist/Alfredo Futuro-Artist/Monica Fossi Giannozzi-Collage Maker/Evelina Floris-Designer/Genchi Gap-Artist/Luisa Girola-Giovane Donna/Alessandro Gori-GRAPHIC Designer/Ruggero Lupo Mengoni- Photographer-Video Artist/Francesco Migliorini Designer/Andrea Mizzau –Jewerly Designer/Alessandro Romagnoli-Flower Designer/Lorenzo Stralanchi- Graphic Designer/Francesco Stralanchi-Graphic Designer/SuperDuper Hats Hats Designer/Ivana Surdic-Designer/The Synchro Embroidery Sports Club-Designers/Rocco Toscani-Photographer/

Fuoriditaste part 2 Archichef é : Uncprogetti in Pie(S)tanze. 6 golosi atti per Pièce a 4 mani!

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 18 Mar 2011 16:00:00 +0000

Firenze, 11-14 marzo, é di scena Fuoritaste, il calendario degli eventi OFF della Sesta Edizione di Taste, manifestazione in viaggio con le diversità del gusto. UNCprogetti, studio di architettura, protagonista della 1° serata di Archichef, venerdì 11 marzo, ci invita alla mise en espace della cena PIE(S)TANZE. Location d'eccezione, le trasparenze minimal design dell'associazione GANZO, che si fa teatro del living-dinner in 6 atti, magistralmente preparato dagli architetti, che ci conducono lungo l'immaginario percorso di un appartamento cittadino: un piatto per ogni stanza.

Varchiamo l'INGRESSO e troviamo un appetitoso “attaccapanni di salumi e pattine delicate” ad accoglierci, una sorta di tributo all'ergonomicità del product design, in chiave plastico-appendiabiti, retrò e richiudibile, di grissini salva-spazio. I padroni di casa per una sera, ci portano subito in CUCINA, quasi a volerci mostrare la qualità dei prodotti che prediligono e ci meritiamo una bella “zuppa al fresco di frigorifero e schiuma al bergamotto”.

A questo punto non abbiamo più dubbi: un lampante “LA”colorato di verde é stato suonato, con un delicato contrasto di sapore bianco al bergamotto...CROMOTERAPIA vellutata accarezza lo sguardo ed il palato. In SOGGIORNO ci accomodiamo con gli squisiti “PACCHERI in poltrona”, sapientemente conditi con un sughetto di pomodoro, semplice quanto squisito, adagiato su una vaschetta di pastella.Per interrompere il piacevole colloquio, ci affacciamo in GIARDINO, sgranocchiando i colori arancio e verdi delle crudité rinfrescanti da un cestello di carta bianca.

Bofonchio tra me e me di ricordare che “E' già il tempo della potatura?!”. Si é fatto tardi, l'ospitalità di UNCprogetti non manca di proporci di restare a dormire a PIE(S)TANZE. Ci fanno vedere la CAMERA DA LETTO già pronta: nient'altro che un'amabile “tartare di manzo su letto di verdura al profumo di lenzuola”, una gustosa esperienza dai sapori densi e genuini, ben distinguibili tra loro. Non per far complimenti, ma insistiamo nel non poter restare per la notte, ma loro incalzano: - Guardate IL BAGNO! C'é già una “gustosa saponetta di cioccolato in tinozza di passito con dolce spazzolino”ad attendervi!...delizia di cacao che si scioglie languidamente al contatto con il palato.

Alla fine accettiamo di restare ancora un po', sorseggiando un brandy di fronte al CAMINO. Un “sogno al Profumo di camino”, direi. In realtà ci portano una grappa dal brillante color giallo, una PEPITA allo zafferano, da sorseggiare con gusto, lasciandosi inebriare dalle essenze di spezie e tabacco bruciate, ancora imprigionate nel bicchiere. Ci congediamo con un piccolo vassoio in legno chiaro, limited edition, regalo di UNCprogetti in ricordo della serata, firmato Chiara Gorni, Lucia Di Blasi, Angelo Milano, Iacopo Frassanito.

L'accostamento tra design d'interni e gusto realizzato ad arte da UNCprogetti, si colloca come interessante esperimento sensoriale a spiegare il tratto distintivo, che associa e differenzia il mero progetto a-personale al concetto di abitare. Quest'ultimo non puo' prescindere da quell'insieme di sensazioni che parlano un linguaggio familiare, che ci portano a dire “ci sentiamo a casa” e che organizzano le categorie estetiche, in base al vivere e alla vivibilità. L'abilità dell'architetto oggi non puo' prescindere dalla personalità di chi abita gli spazi, in seconda battuta arrivano concetti, quali, funzionalità, ergonomia, dialogo tra pieni e vuoti e utilizzo del colore.

UNCprogetti é riuscito magistralmente nel catturare il niveau indicibile del progetto attraverso una semplice figura retorica. Lo studio, fondato nel 2008 individua nel dinamismo creativo, infatti, uno dei suoi tratti distintivi: la continua ricerca del giusto mix tra soluzione formale innovativa e rispetto delle antiche regole del costruire in doppia scala (micro/macro).

Plauso a UNCprogetti e agli organizzatori TOWANT-contemporary events e Archivio Personale, che hanno brillantemente organizzato per Fuoritaste il progetto ARCHICHEF- link tra architettura e cucina: 3 DINNER X 3 STUDI DI ARCHITETTURA.

Le agenzie di comunicazione che rappresentano il trait d'union tra i due mondi, si sono avvalse nella cornice di TASTE, di prodotti di alta qualità culinaria di noti produttori italiani, presentati come ingredienti base della cena. TOWANT, lavora da sempre nell'organizzazione di eventi, che cercano e trovano il nesso tra il mondo dell'architettura e la sua matrice di socialità, di cui é famosa la rassegna ARCHITECTS/PARTY, aperitivi negli studi di architettura italiani. ARCHIVIO PERSONALE, è un giovane progetto di comunicazione che indaga intorno alle potenzialità prodotte dalla commistione di arte, design mediante l'ideazione di set-design e happening, che spesso vedono come protagonista il mondo del cibo. Installazioni ed eventi, aspetti sinergici che nei lavori di ARCHIVIOPERSONALE si fondono a creare fantasiose narrazioni.

SINESTESIA del progetto. POESIA del GUSTO di ABITARE.

http://www.arkidesignblog.it

TASTE N.6 In viaggio con il gusto

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 14 Mar 2011 00:00:00 +0000

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 10 Mar 2011 01:02:00 +0000

SUSPENSE. SCULTURE SOSPESE A UN FILO.

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 04 Mar 2011 16:46:00 +0000

FIRENZE – Al Centro di Cultura Contemporanea EX3 sabato 19 febbraio, si é inaugurata la mostra “SUSPENSE, sculture sospese”. (19/02-08/05)

"Era mattino presto e il un mare era calmo al largo del Guatemala, quando sopra il mio giaciglio - una corda arrotolata - vidi l'inizio di una fiammeggiante alba da una parte e la luna che pareva una moneta d'argento dall'altra."

Così appuntò Calder durante il tragitto da New York a San Francisco, ignaro ancora che la frase sarebbe divenuta la definizione delle sue opere d'arte, denominate “mobiles”.

L'esposizione curata da Lorenzo Giusti e Arabella Natalini é un'indagine intorno al concetto di “sospensione” in scultura, coprendo un arco temporale circoscrivibile tra il 2000 ed il 2010 con opere di artisti diversi per età e provenienza.

Calder, l'artista considerato il padre fondatore della scultura sospesa, fu il primo ad aprire il dibattito sull’identità di oggetti scultorei, che si ponevano in completa antitesi rispetto alle caratteristiche, generalmente considerate appartenenti alla scultura.
Fu Duchamp a dare una delle prime definizioni all’autore dei mobiles, quando ammirando un´opera astratta composta di forme piane che si univano tramite fil di ferro ne constatò la sua estrema leggerezza, tale che perfino il più debole soffio d’aria la mettesse in movimento.

Oggetti tridimensionali elevati da terra, che si pongono in aperto contrasto con l’idea di pesantezza e stabilità tipiche della materia plasmata in scultura. L’abbandono del piedistallo, pratica sviluppata nel corso delle sperimentazioni degli anni ’60-’70, in antitesi alla scelta del Brancusi di definirlo elemento intrinseco dell’opera stessa.

Tale rivoluzione condusse all’introduzione di nuovi canoni espressivi per l’oggetto scultoreo, come leggerezza, mutevolezza, instabilità, inconsistenza.

Caratteristiche che innescano una relazione inscindibile con la società attuale, i cui tratti distintivi sono rintracciabili nella sua “liquidità”, come sostiene Bauman, generatrice di disgregazioni, insicurezze, indeterminazioni.

Gli oggetti scultorei sospesi inducono per definizione alla provocazione semantica, essendo “antigravitazionali”, ma stabili, connotandosi per la loro precaria fragilità visti i materiali utilizzati, ma estremamente plastici.
Sono oggetti “aperti”relazionali, dotati di un particolare rapporto con lo spazio che circoscrivono e ridisegnano, invitando al dialogo emozionale attraverso il dualismo di pieni-vuoti.

La matrice di leggerezza ne descrive una peculiarità rispetto alla categoria del tempo, instilla nella percezione del pubblico la relatività della loro entità, riferibile al qui e ora e determinata dalla contingenza. L’espressione semantica voluta diventa dipendente dal rapporto che si crea con l’ambiente, in cui l’opera è creata: linee e volumetrie che si librano in relazione alla luce, al luogo e al momento. L’opera non esiste a prescindere da esse e con esse prende vita.

Qui nasce la domanda se sia più corretto parlare di installazione che di scultura…categorizzazione superabile, qualora considerassimo le due determinazioni come dimensioni, reciprocamente, l’una dell’altra.

L’esposizione offre molteplici declinazioni di “sospesi”.
I delicati mobiles di Beth Campbell(Usa, 1971), schizzi astratti nella loro matericità filamentosa, fatta di cavi di acciaio, interagenti con le tre dimensioni, quasi circuiti mentali biomorfi.
Garden di Claire Morgan (Irlanda, 1980), introduce una costellazione di elementi vegetali, inseriti meticolosamente in geometrie lineari, determinanti un’unità complessa.

Sculture, come trame di corde o cavi per Tobias Rehberger (Germania, 1966), con The Great Disarray Swindle.
Enità biomorfiche in lycra, imbottite di materiale organico per Ernesto Neto (Brasile, 1964), che descrivono fermi immagine di gocce che si staccano dal soffitto, a simbolo del movimento vitale continuo, che catarticamente riporta all’ancestrale idea di sacco amniotico.
Pae White (Usa, 1963) e Hector Zamora (Messico, 1973), insiemi di sculture a costituire un unicum.
In Cloud Clusters, gabbie metalliche, inaspettatamente colorate a contrasto sono ancorate al soffitto per la White.

Il secondo con Synclastic/Anticlastic, gioco dell’ambivalenza tra artefatto ed organico delle forme individuate, realizzato attraverso gruppi di monoliti in cemento, attaccati al soffitto a livelli diversi: pesantezza o levità?

Molti gli altri importanti artisti, che arricchiscono l’esposizione SUSPENCE, attraverso la rappresentazione delle loro provocatorie opere anti-gravitazionali come Alexandra Bircken (Germania, 1967), Daniela De Lorenzo (Italia, 1959), Franco Menicagli (Italia, 1968), Jorge Pardo (Cuba, 1963), Cornelia Parker (Regno Unito, 1959), Tobias Putrih (Slovenia, 1972), Tomas Saraceno (Argentina, 1973), Bojan Šarčević (Bosnia 1974), Hans Schabus (Austria, 1970), Luca Trevisani (Italia, 1979),

Continuando, quindi, ad interrogarci sulla particolare ontologia di tali espressioni scultoree, le parole di Sartre espresse per l’arte di Calder, possono correre in aiuto:

"I mobile non significano niente altro che se stessi; essi "sono", ecco tutto; essi sono degli assoluti…Del mare Valéry usava dire che ricomincia di nuovo, sempre nuovo. Un oggetto di Calder è come il mare. È come un motivo di jazz, unico ed effimero, come il cielo, come l'alba; se vi è sfuggito, vi è sfuggito per sempre."
Da Calder, nel catalogo della mostra "Calder", galleria dell'Obelisco, Roma dal 14 marzo 1956.

EX3 - Centro per l’Arte Contemporanea
Viale Giannotti 81/83/85 - 50126 Firenze
Orario di apertura: dal mercoledì alla domenica, dalle 11.00 alle 19.00 - venerdì fino alle 22
Chiuso il lunedì e il martedì
Per informazioni: Centre's reception: +39.055.6288966 - Offices: +39.055.6287091
http://www.ex3.it/ - info@ex3.it

DEAPHOTO presenta: LEGGERE IL TERRITORIO. Il Progetto fotografico come Analisi del paesaggio urbano contemporaneo. Sandro Bini+Davide Virdis, menti del Workshop si raccontano…

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 03 Mar 2011 16:11:00 +0000

Sono aperte le iscrizioni al workshop LEGGERE IL TERRITORIO: IL PROGETTO FOTOGRAFICO COME ANALISI DEL PAESAGGIO URBANO CONTEMPORANEO, a cura del fotografo Davide Virdis e Deaphoto, che si terrà il 12 ed il 26 marzo a Firenze.

Registrare i cambiamenti del contesto metropolitano attraverso la propria macchina fotografica, proiettare la propria sensibilità a cogliere le geometrie architettoniche di palazzi, osservare angoli di strade apparentemente privi di rilevanza, che risultano, invece, elementi significanti nel contesto.

Sandro Bini, mente e docente di Deaphoto spiega che il coinvolgimento espresso da anni dalla sua scuola per la fotografia del paesaggio, è un atto di “interesse di tipo umanistico e sociale. Imparare a valutare visivamente, fotograficamente il nostro paesaggio significa, cercare di capire quali sono le dinamiche delle trasformazioni in atto e le dinamiche culturali, economiche e sociali, di chi lo abita”.

Il workshop si pone, infatti, l’obiettivo di riflettere e mettere in pratica l’approccio metodologico con cui rapportarsi al luogo dell’indagine, talvolta singola architettura, altre, porzione di tessuto urbano.

Particolare rilievo è dato allo studio del punto di vista del fotografo, che, inconsapevole ed istintuale se non educato, viene “fatto emergere”, al fine di massimizzare le potenzialità creative rivolte all’object e alla costruzione del racconto finale.

Davide Virdis, curatore del seminario, architetto e fotografo, sottolinea quanto la consapevolizzazione del point of view del fotografo sia il passo necessario che determina, poi, la professionalità dell’approccio.

L’esperienza di Virdis mette in risalto quest’aspetto, sentito e vissuto come ricerca personale, come affermano le sue parole, raccontando la propria esperienza: “a tre esami dalla laurea decisi di chiudere il mio percorso di studi, coinvolgendo la fotografia con la quale, fino ad allora, avevo un rapporto esclusivamente passionale. Decisi di proporre, quindi, una tesi che approfondisse il rapporto tra questo linguaggio e la rappresentazione dello spazio.

In quel periodo, in Francia si realizzava il progetto della Datar, a Milano Achille Sacconi e Roberta Valtorta conducevano la realizzazione dell'Archivio dello spazio: si parlava tanto di "progettualità della fotografia, ma non avevo ancora chiaro come il lavoro del fotografo potesse entrare attivamente nel percorso progettuale.

Ammiravo il lavoro di Basilico, mi affascinavano le immagini del gruppo di fotografi che gravitavano intorno a Luigi Ghirri, ma vedevo sempre il loro lavoro come qualcosa di autoreferenziale, e quindi "significativo" in quanto tale!

Volevo però capire se veramente esisteva una strada che potesse definire la dimensione dell'architetto-fotografo: avere cioè con la fotografia un rapporto creativo, fondato sulla soggettività dell'autore, tale da definire la sua ricerca artistica, ma che trovasse le motivazioni del suo essere, all'interno di un vero percorso progettuale.

.......ancora adesso il mio lavoro lo potrei definire come una continua ricerca di questa dimensione progettuale: in che maniera e con che ruolo la fotografia può veramente interagire con il percorso di comprensione del territorio che dovrebbe precedere ogni processo di pianificazione, sviluppo, evoluzione dello stesso?"

Due giorni di workshop, in cui vengono forniti gli strumenti per la ricostruzione fotografica del paesaggio urbano:
il 12 marzo dedicato all’analisi e alla storia della fotografia di genere dalle sue origini ad oggi, ai metodi di costruzione di progetto fotografico con la disamina di alcuni esemplari di progetto del docente. Qui viene effettuata la scelta dei temi di esercitazione e costruzione dei progetti dei partecipanti, che poi svilupperanno in totale autonomia.

Il 26 marzo, la giornata sarà incentrata sulla revisione dei singoli lavori e sull’editing dei progetti, selezionando il materiale fotografico prodotto per giungere alla definizione del portfolio finale degli studenti, a cui verrà consegnato come credit, un attestato di frequenza.

Una selezione dei lavori realizzati durante il workshop saranno pubblicati su una Galleria Immagini dedicata del sito Deaphoto.

Addentrandoci nel capire che cosa significhi esattamente “fotografia del paesaggio urbano”, occorre dirimere alcuni luoghi comuni, che deviano spesso verso una lettura superficiale.

E’ per questo motivo e senza voler arrivare ad una “definizione di genere” costrittiva, che mi domando come un tipo di fotografia, incentrato sull’analisi del paesaggio urbano non rischi di diventare talvolta, una mera ricostruzione documentale dei luoghi, in un senso rigorosamente positivista.

Sandro Bini suggerisce come “questo genere di fotografia può essere alla stesso tempo documentativa e interpretativa. La parzialità e la frammentarietà della visione fotografica evidenzia sempre una relazione aperta: quella del fotografo con l'oggetto della sua analisi e quella del fruitore dell'immagine con lo spazio rappresentato. Il fotografo di Territorio, se adeguatamente preparato, si configura come un autore sempre in dialogo con gli altri "saperi" (geografia, urbanistica, architettura, filosofia, arte) che lavora con metodologie in genere rigorose, ma capaci di dare una lettura critica dello spazio.”

Anche Davide Virdis si oppone allo stereotipo positivista, sottolineando con vigore la caratteristica qualitativa dello sguardo di ognuno di noi “…la qualità della vita dipende fondamentalmente dalla percezione che noi abbiamo di ciò che ci circonda, del mondo in cui viviamo.
Fotografare un territorio vuole dire confrontarsi intimamente con esso per cercare di capirlo.”

Citando Robert Adams potremmo dire che “ogni fotografia deve essere il risultato di una questione personale tra l'autore e il paesaggio fotografato, altrimenti il risultato non potrebbe che essere banale, privo di quella emozionalità capace di arricchire la percezione diretta di quel luogo, generata, oltre che dalla vista, dalla coralità di tutti e 5 i sensi.”

Per Virdis è possibile parlare di fotografia documentale, quando la fotografia per rappresentare una situazione, si prefigge di dare delle risposte univoche sui soggetti riprodotti, assumendo una funzione dimostrativa, secondo un canone interpretativo pre-stabilito.

“…Forse, invece, la progettualità sta proprio nel confrontarsi, nel dichiarare il proprio punto di vista e con esso indurre all'approfondimento, contribuire alla comprensione dei fenomeni che rappresentano le dinamiche di un territorio.Ogni immagine deve essere una provocazione, deve obbligare l'osservatore a prendere una posizione, a costruire il "suo" punto di vista!”

Reportages di luoghi ed elementi architettonici ci suggeriscono la ricerca della dimensione invisibile, propria della dimensione artistica. Il fotografare, ciò che sta dietro alla visione ottica, traccia le linee guida della percezione dell’individuo, assumendo lo status di indagine sull’essere umano.

Esistono delle similitudini con l’attività ed il concept delle sequenze di immagini, perseguiti dal National Geographic?

Secondo l’ attenta osservazione del fotografo S. Bini, quella del NG tende a connotarsi come “…una fotografia più umanistica, che di lettura del paesaggio, di taglio più antropologico-sociale, che di analisi territoriale.”
Il ruolo dell’ESOTICO sta in primo piano e fa “della figura umana il suo campo di azione privilegiato, mentre la fotografia di analisi territoriale si occupa sopratutto del paesaggio urbano e antropizzato, spesso in assenza della figura umana. Una fotografia ben confezionata e altamente professionale, quella del NG, ma dal taglio decisamente più spettacolare e popolare, in cui anche i criteri estetici e formali, come l’utilizzo marcato del colore in fase di post-produzione, si adeguano a tale modello culturale.”

La lettura fotografica del paesaggio si connota, dunque, come l’esplorazione “dei non-luoghi attraverso i luoghi” del territorio, icone o archetipi dell’esistere umano. Che rapporto c’è tra realtà e immaginario?

Virdis ci induce ad immaginare la situazione di “…lavorare con il banco ottico”ciò “vuole dire considerare ogni immagine come il risultato di un atto meditativo. Il tempo dello scatto ha infatti un "preliminare" che può durare da pochi minuti a diversi quarti d'ora.”

L’atto creativo, il momento del sogno “è quella tensione che mette in gioco la tua stessa individualità, che ti permette di non cadere nell'esercizio di stile, nell'atto formale e compositivo fine a se stesso.”

In definitiva dove risiede la matrice onirica e sognante?

“.. semplicemente nel suo "mistero", in quello che le fotografia non dice espressamente ed in maniera diretta, ovvero nel libero spazio interpretativo, che è in grado di offrire al suo fruitore, e questo al di là del genere e del soggetto della ricerca” (S. Bini)

Sede del Workshop: Centro Giovani Gavinuppia Via G. Bretagna, 48 Firenze

Informazioni e Prescrizioni: tel. 055 0517721 – cell. 338 8572459

www.deaphoto.it – deaphoto@tin.

Happytech - macchine dal volto umano

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 02 Mar 2011 23:56:00 +0000

Inaugurata a Bologna il 03 febbraio, grande protagonista di Artefier a 2011, Happytech- macchine dal volto umano,

é visitabile dal 22 febbraio al 31 marzo presso

la Triennale Bovisa di Milano.

L'esposizione, che mette a confronto due realtà spesso considerate agli antipodi, quali ARTE e SCIENZA, risulta essere in ultima istanza un progetto relazionale e aperto che s'interroga sul rapporto di quest'ultima con l'essere umano.

Realizzata dalla Fondazione Marino Golinelli in partnership con la Triennale di Milano, a cura di Giovanni Carrada, Cristiana Perrella ed in collaborazione con Silvia Evangelisti, propone un'esplorazione dei paradossi che dividono ed uniscono il rapporto uomo-tecnologia.

Partendo dall'assioma che sia la cultura a nutrire il pianeta, la mostra ha come primo obiettivo la formazione, l'educazione e lo sviluppo di una cultura creativa nei giovani.

Nella società odierna la scienza é considerata metodo, oggettività, pertanto appartenente alla sfera della razionalità.

Fa da contraltare l'espressione della sensorialità e dell'emozionalità, realizzate dalla dimensione della creatività artistica. E' sconosciuto ai più, che tale categorizzazione derivi soltanto da una recente separazione.

Prima del '700, in luoghi in cui era nata la scienza moderna, ma non ancora avvenuta la suddivisione di essa in scienze specialistiche, non esisteva scienziato, che non potesse occuparsi di materie “umanistiche”.

Esisteva, dunque, un mondo in cui il pensiero primo della scienza, come dell'artista, era rivolto all'umano ed al suo sviluppo. Le diverse discipline a cui si attingeva per arrivare a tal fine, non erano altro che punti di vista o strumenti diversi per accedere allo stesso supremo valore.

E la tecnologia? Oggi é la rappresentazione dei risultati degli studi scientifici. E' la risposta pratica alla risoluzione dei problemi dell'uomo. Non crediamo che il rapporto uomo-tecnologia sia per questo pacifico. Esiste, comunque, una sorta di diffidenza di fronte a nuove scoperte “utili”, un'ansia ingenerata forse dal lato più profondo ed irrazionale dell'umano, che continua a farsi sentire, anche se celato. Il perché risiede, forse, in una non-accettazione del progresso, anche se “utile”, poiché dietro ogni problema risolto, sta la tensione per la nascita di un nuovo inaspettato ostacolo, causato dalla soluzione al primo.

W. Brian Arthur, pioniere della teoria della complessità spiega che “In quanto esseri umani, noi non siamo in sintonia con ciò in cui speriamo, che é la tecnologia, ma con qualcosa di diverso. Nel profondo del nostro essere, noi siamo in sintonia con la natura, con il nostro ambiente e la nostra condizione originari. Abbiamo una familiarità con la natura e una fiducia che ci vengono da tre milioni di anni in cui lì ci siamo sentiti a casa.”

Che il problema del nostro tempo risieda nel vedere nella tecnologia, il futuro che arriva troppo in fretta con possibili conseguenze impreviste? Lo sviluppo tecnologico é ormai un destino inevitabile e per accettarlo, a volte anche contro la nostra natura, occorre sviluppare un rapporto di conoscenza e consapevolizzazione del nuovo: una cultura tecnologica.

C'é chi sostiene che la chiave per questa rinnovata comprensione sia incastonata nel significato originario della parola tecnologia, la cui etimologia mette in mostra i due concetti di “logos”, parola e “tecnhe”, arte.

Ecco che il cerchio si chiude intorno alla necessità di trovare una comunicazione tecnologica, per distendere la tensione tra uomo-macchina.

L'arte puo' riuscire ad infondere fiducia nell'essere umano, da essa catturato nel suo lato più intimo e pulsante e creare uno sguardo positivo e di aperta naturalezza nell'accogliere il progresso scientifico? Forse! Il fenomeno artistico puo' mettere in evidenza il trait d'union con la scienza, che non é altro che la caratteristica della creatività ed iniziare grazie ad esso il processo inverso di riunificazione della frammentarietà delle conoscenze e delle verità.

All'interno di questa complessa cornice si sviluppa la mostra Happytech, le cui macchine felici, ci vogliono esortare ad un rapporto più disinvolto con la tecnologia, partendo dalla consapevolezza di un disagio, superabile solo cogliendo entrambi gli estremi dell'evidente dualismo delle reazioni, dinanzi all'immaginario tecnologico.

C'é chi sostiene che l'arte deriva dalla tecnologia, sviluppandosi la prima, grazie al progresso della seconda.

Esistono fondamentalmente due visioni che si dividono la scena: l'interpretazione “ottimistica”e “fiduciosa” di Nam June Paik, uno dei padri fondatori della video-arte che con Global Groove, video-installazione realizzata con John Godfrey, attraverso la ricerca della bellezza formale sfumata da una vena utopistica nella sperimentazione linguistica, sostiene un'arte che, grazie all'ausilio delle nuove tecnologie, giunga direttamente al fruitore e che tale “immediatezza” possa essere strumento per una ridefinizione dell'ambiente socio-culturale.

Opposta, invece, é l'interpretazione artistica “apocalittica”, che nutre il sospetto in una tecnologia “disumanizzante”, tesa all'appiattimento culturale, come denunciato dall'altro padre fondatore della video-arte, come Wolf Vostell.

La selezione di artisti, invitati a partecipare alla mostra, é stata effettuata, cercando di coprire le diverse sfaccettature del binomio uomo-tecnologia.

Bill Viola con The Innocents, cerca di oltrepassare il mezzo tecnologico per descrivere l'angoscioso status di essere umano, attraverso i suoi “quadri in movimento”.

Proiezioni avanguardistiche su oggetti sferici e bambole di pezza per Tony Ousler, la vita iniettata in oggetti inanimati con i suoi effetti spiazzanti.

Artisti che affrontano la tematica dell'uomo di fronte agli effetti devastanti o di miglioramento offerti dalla tecnologia: arte monito come nel caso di Armin Linke e il dibattito sul nucleare o Rainer Ganhal e le possibilità di miglioramento dello stile di vita.

Thomas Kirchhoff si confronta con la capacità di comunicare e registrare la memoria di una società, calandoci in atmosfere retrò, da film su pellicola in b/n, rendendo protagoniste dei suoi quadri fermo immagine, tecnologie desuete, come telefoni in bachelite o grandi microfoni vintage '60.

Tony Cragg guarda al technologic world in Aeroplane con l'idea di emancipazione, di creare dagli scarti dello stesso, nuove entità.

Per la sezione Visionari, impossibile non citare i lavori di Bruno Munari, “Macchina aritmica” e di Piero Fogliatti, “Macchina che respira”, artisti di diversa ascendenza e generazione esortano attraverso i loro lavori a pensare alle macchine, come dotate di un'intrinseca vitalità organica.

Essere umano spinto al limite epidermico e mentale con Thomas Ruff, in Cassini31, utopia di realizzare ancora ciò che non ci é possibile.

Tentativo, quest'ultimo portato alle sue estreme conseguenze dall'opera Aujourd'hui, in cui Pipillotti Rist, mette in scena un potenziamento della visione solo immaginata, desiderio di fuga e di riappriopriarsi di una natura sauvage e primigenia.

Con Tom Sachs, l'ironia irrompe nel tecnhologic core con Extravehicular Mobility Unit (EMU) display Florida.

Happytech conduce l'essere umano, dunque, su un percorso circolare, in cui ARTE, SCIENZA e TECNOLOGIA appaiono diverse declinazioni di un unicum. Un viaggio all'interno del profondo bisogno umano di cultura, dunque, di conoscere se stesso.

Il cinema con il cappello. Borsalino e altre storie: tant de chapeau al fil rouge della narrativa contemporanea.

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 27 Feb 2011 01:54:00 +0000

Milano. Si é inaugurata il 18 gennaio alla Triennale e prosegue sino al 20 marzo, la mostra, Il cinema con il cappello. Borsalino e altre storie.

Omaggio al cappello in pieno Fashion Week milanese.

Il legame inscindibile, spesso inosservato, tra cappello e cinema, che procedono nella storia accomunati da un centenario da festeggiare a braccetto, é il focus analizzato dall'esposizione, fortemente voluta da Elisa Fulco, curatrice e Presidente della Fondazione Borsalino, che si é avvalsa per la ricostruzione, di Gianni Canova, critico cinematografico.

Borsalino, cappello maschile in feltro, che ancora oggi porta il nome del suo creatore, Giuseppe Borsalino, accompagna un secolo animato da personaggi afferenti a diverse aree della società e li individua, caratterizzandoli in tutte le loro sfaccettature attraverso evoluzioni di stile, magistralmente riprese dall'occhio indomito, accattivante o dissacrante del cinema.

Con le parole degli organizzatori “La mostra termina laddove ha inizio, con un'emblematica carrellata dei Borsalino più famosi nella storia del cinema.”

Jacques Deray elesse il borsalino a simbolo del gusto anni '30, immancabile nei due film cult di Jean Paul Belmondo e Alain Delon in Borsalino (1970) e Borsalino & Co.(1974).

La nouvelle vague francese con Fino all'ultimo respiro di Jean Luc Godard, Humphrey Bogart in Casablanca, per estendere poi la ricerca alla capacità narrativa del cappello, includendo diversi modelli ritratti dal cinema.

Come sarebbe stato Charlie Chaplin senza la sua bombetta, o Orson Welles privato del copricapo a mantenere lo stesso impeto carismatico in Citizen Kane.

Il Dr. Zivago senza il colbacco, James Dean senza il borsalino dalla tesa rialzata nel Gigante, a simbolo dei latifondisti, ex-pionieri americani e della loro battaglia per la terra.

Come avrebbe fatto John Carpenter a descrivere le Avventure di un uomo invisibile?

Senza il suo cappello Indiana Jones avrebbe potuto terminare prima le sue roccambolesche esplorazioni? Rocky, privato del suo basco non sarebbe riuscito a dimostrare la fatica dei suoi allenamenti con la stessa intensità, o Johnny Depp, eroe retrò dei nostri giorni, come avrebbe fatto ad essere abbastanza dandy nelle movenze del capitano Jack Sparrow, de I Pirati dei Caraibi, o avrebbe perso irrimediabilmente in drammaticità nel ruolo di gangster, in Nemico Pubblico?

Domande che rimandano all'incredibile capacità di caratterizzazione del personaggio dell'accessorio cappello, che prescinde dal ritratto dello status sociale dell'individuo, ma che invece é profondamente connesso con la personalità del personaggio-protagonista delle storie del cinema. Caratterizzazione finemente elaborata dall'antenato storico del cinema, il teatro, attraverso lo sviluppo del concetto di empatia e costruzione del personaggio, che vede in Stanislavskij, il suo teorico.

La riflessione indotta dalla mostra, apre gli occhi sul mondo reale e quotidiano e ci ricorda come l'accessorio possa fortemente concorrere all'espressione della personalità anche oggi nella vita quotidiana. Se negli anni '30 il cappello era un must, accessorio d'obbligo, dettato da regole di buon gusto e apprezzabilità, talvolta un conformismo, diventa oggi, icona d'ispirazione per rappresentare una nota di carattere. Scelta, dunque, per auto-definirsi, fatta da chi lo indossa e s'inventa regista di se stesso in una sorta di cultura pop dello stile.

A sottolineare l'attualità del tema, la Fondazione Borsalino, in collaborazione con il Centro Sperimentale di Cinematografia e MYmovies, ha bandito il concorso "Al cinema con il cappello", riservato ai giovani filmaker under 35 per la realizzazione di un cortometraggio inedito della durata massima di 5 minuti, collegato ad alcuni temi della Mostra (cappello e comicità, cappello ed erotismo, cappello e identità). Attendiamo il verdetto della giuria a votare la migliore interpretazione cinematografica del cappello dei giorni nostri.

Non ci resta che dire: Chapeau!

Il cinema con il cappello. Borsalino e altre storie.

Milano

Triennale, Viale Alemagna, 6

18 gennaio - 20 marzo 2011

Orari: martedì-domenica 10.30-20.30; giovedì e venerdì 10-23; lunedì chiuso

Ingresso gratuito

http://www.prismanews.net/

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 27 Feb 2011 01:48:00 +0000

I colori del mondo. National Geographic Italia

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 27 Feb 2011 01:32:00 +0000

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 27 Feb 2011 01:10:00 +0000

TALENTI EMERGENTI 2011-ARTE...I GIOVANI PRENDONO LA PAROLA

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 27 Feb 2011 01:08:00 +0000

Firenze e il CCCS la Strozzina hanno inaugurato il 19 febbraio la mostra TALENTI EMERGENTI 2011, visibile sino al 01 maggio presso gli spazi dedicati di Palazzo Strozzi.

Dopo il successo della 1° edizione del 2009, torna l'esposizione dedicata a i nuovi volti dell'arte contemporanea, con lo scopo mal celato di farsi biennale rappresentativa degli artisti, che esprimono la voce del nuovo e che, loro malgrado, costituiscono da sempre la categoria che soffre la maggiori difficoltà, nel trovare spazi espositivi in ambito nazionale.

Il progetto costituito da un premio e da una mostra, vive nel precipuo intento di offrire ai giovani artisti l'opportunità di far conoscere il proprio lavoro e di avvicinare il mondo dell'arte alle tematiche, predilette dallo sguardo esploratore delle nuove generazioni.

Un proposito quello, da cui parte il progetto della Strozzina che porta in sé un'implicita critica, verso probabilmente il mercato dell'arte, dei critici e degli organizzatori, molto spesso ripiegati in soliloqui auto-compiacenti di mostre per nomi, ormai affermati, che non possono che assicurare successo di pubblico.

Sedici gli artisti selezionati da un comitato, composto da quattro affermati curatori italiani: Luca Massimo Barbero (MACRO, Roma), Chiara Bertola (HangarBicocca, Milano), Andrea Bruciati (Galleria Civica d'Arte Contemporanea, Monfalcone) e Giacinto Di Pietrantonio (GAMeC, Bergamo).

I giovani artisti, considerati tra i migliori talenti dello scenario artistico italiano rappresentano una varietà di approcci di ricerca, misurandosi in discipline diversificate come il disegno, la fotografia, il video, l'installazione.

Il vincitore del premio Talenti Emergenti 2011, è Luigi Presicce, eletto il 18 febbraio in occasione dell'inaugurazione della mostra e giudicato, invece, da un prestigiosa giuria internazionale sulla base di criteri di coerenza, maturità e originalità, con fondamentale riguardo al grado di innovazione commisurato all'impatto sociale della forma e del percorso concettuale.

Luigi Presicce, con La benedizione dei pavoni (2010), performance for two children , mette in rilievo l'irrequietezza di una ricerca spasmodica, messa in scacco dall'ironia dell'esistenza, tesa tra la naiveté dell'infanzia con il suo bisogno di certezze e la serialità folkloristica di alcune determinazioni clericali, che non soddisfano la spiritualità pura.

Performer, fotografo, plasma tali mezzi al fine di creare vere e proprie Inszenierung del celato dramma sottostante.

Il premio prevede la realizzazione di una monografia dell'autore da Silvana editoriale.

"La giuria ha trovato le sue performance appassionanti, enigmatiche, che lasciano un segno; con allusioni ai simboli dell'arte italiana e riferimenti ai rituali massonici e religiosi. L'impegno fisico delle performance insieme con la forza della presenza umana sono messi in primo piano;ma si percepisce qualcosa in più... Scenari che sembrano appropriarsi dell'intimità e dello stile delle miniature e dei quadri devozionali di santi e martiri. La presenza dell'artista, misteriosa e imponente, rafforza l'elemento contemporaneo, conservando però reminescenze storiche.

Queste azioni all'interno delle performance ci rendono allo stesso tempo protagonisti e testimoni di riti che non possiamo decifrare del tutto e che collocano l'Arte nel campo di quel tipo di contemplazione prima riservata alle esperienze religiose."

Qualcuno disse che in questo mondo potranno essere troppi i laureati, i tecnici, ma non saranno mai abbastanza LE IDEE.

Oggi, partendo dal non luogo, in cui volente o nolente, esiste una carenza di contenuti, traiamo spunto per una domanda: “ e se i contenuti ci fossero, fossero lì pronti per essere valutati, ma non trovassero lo spazio per essere conosciuti?”

Questo si distingue dal voler associare il termine INNOVAZIONE con la determinazione dell'“essere giovane”. E' palese, comunque, che le menti più giovani dovrebbero essere facilitate, vivendo nel moto di costruzione della propria struttura mentale ed ideologica, nell'atto di affermazione della propria singola identità, ad offrire spunti nuovi di riflessione sul mondo, che potranno un giorno, forse, divenire nuove categorie di approccio all'individuo.

L'adulto é chiamato, dunque, ad una responsabilità: aprire le porte, per permettere almeno, che probabili nuovi contenuti vengano valutati. La loro qualità sarà giudicata a posteriori.

Negare ciò, significa privare la società della sua potenziale voglia di progredire.

E' qui, che il tentativo messo in piedi da CCCS, ha un valore inestimabile, a prescindere delle opere e dai vincitori e risulta strettamente connesso con la natura della sua mission, volta a creare un approccio life long learning di piattaforma, che aspira alla facilità dell'accesso alle informazioni e a cogliere al tempo stesso le tendenze artistiche che abbiano una forte ripercussione culturale in sede locale, come uno sguardo rivolto al quadro nazionale ed internazionale.

Una serie di lectures organizzate da La Strozzina accompagneranno la mostra per approfondire il mondo del contemporaneo all'interno della stessa arte.

TOUCH!NeoZone cloudnine. Pitti Immagine é al Fashion Week di Milano.

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 24 Feb 2011 09:29:00 +0000

Dal 25 al 27 febbraio Firenze con Pitti Immagine é a Milano con Touch! NeoZone Cluodnine...ed é subito follia al Fashion Week, record di richieste di partecipazione.

I Saloni di Pitti espongono per un lungo week end ben 170 collezioni, dedicate alla moda donna di ricerca autunno/inverno 2011/2012, affermandosi come brand must nel suggerire innovazione e nuovi talenti.

Indirizzo? Via Tortona.

Sede della “manifestazione nella manifestazione”sono gli spazi DESIGN del NHOW Hotel di Via Tortona 35, in cui si svolgono Touch! e neoZone, e lo storico Padiglione Visconti di Via Tortona 58, in cui viene presentato cloudnine.

Firenze vuole gettare un ponte nella direzione della modernità della ricerca, facendo parte del progetto Milano Fashion City, come sottolineato dalle parole dell'a.d. di Pitti Immagine, Raffaello Napoleone, che sottolinea il ruolo fondamentale dei Saloni, per presentare collezioni e prodotti innovativi ad una platea di buyer qualificata e internazionale, come quella che arriva a Milano per la moda donna.
La manifestazione si connota, dunque, come tappa complementare di Pitti W, per un progetto a 360 gradi che inizia con Firenze, ospitando aziende in grado di presentarsi, già ad inizio anno, ai buyer internazionali, che si muovono con sempre maggior anticipo, e si conclude a fine febbraio con Touch! neoZone e cloudnine: tre saloni ognuno con una precisa identità di prodotto e di stile, selezione di collezioni dal respiro internazionale che puntano a qualità, ricerca ed innovazione.

Tre nomi per un unico progetto, tre diverse identità, che rappresentano l'eterogenea dimensione della donna di oggi:
l'eleganza nello stile, l'eclettismo delle linee e nell'accostamento dei tessuti é per la donna di carattere che sceglie TOUCH! Chic e ricercatezza vestono la femminilità che prende a braccetto lo sportswear luxury per neoZone. Il tutto accompagnato da cloudnine, il pianeta dell'accessorio, in cui la parola sperimentazione si accosta e definisce, spesso a contrasto, gli abiti, donando loro personalità.

Fondamentale e alla base del progetto di Pitti Immagine, che sbarca a Milano, é l'attento lavoro di scouting e selezione dei marchi, volto a scegliere aziende con un unico, minimo comune denominatore sotteso alle caratteristiche di design, immagine e qualità. Occhio di riguardo per i neodesigners, che esprimono forti potenzialità di crescita, visibili attraverso capsule collection, a cui pertanto vengono riservati spazi dedicati, o piccole vetrine, da osservare, passeggiando tra gli stand.

Il concept di Pitti, supportato da FieraDigitale, in Via Tortona porta a compimento un nuovo punto del progetto nella direzione della fruibilità della moda nella direzione dell'innovazione, il suo nome é e-Pitti: piattaforma di fiera on-line, speciale selezione dei brand presenti ai saloni donna di Milano pubblicato sul sito www.e-pitti.com come campagna lancio degli showroom online, attivati nelle prossime edizioni estive di Pitti W e di Touch! neoZone e cloudnine.

Non possono mancare gli eventi speciali, tra cui:

The Green Closet, che esplora il concetto di fashion sustainibility all'interno dell'esclusiva selezione di collezioni “eco” made in Uk. Gran Bretagna, protagonista di una moda che scandaglia le novità delle ricerche ecologiche, con una forte connotazione di lifestyle dal regno della Union Jack.

All'inaugurazione nel pomeriggio di venerdì 25, partecipa il console britannico Laurence Bristow-Smith, che offrendo a stampa e buyer, té ecologico .lose, ricorda l'impegno del Consolato Generale Britannico e di UK Trade &Investment il sostegno e la promozione di projects che tendano ad evolvere l'economia nella direzione della tutela ambientale.

Sabato 26 l'appuntamento è all'interno della lounge-zone dell'Hotel NHOW Hotel, in cui si tiene la presentazione del nuovo volume della Collana Mode: Una Nuova Moda Italiana.

Il libro, a cura di Maria Luisa Frisa, approfondisce il ruolo e la tendenza dettata dai fashion designer della new wave italiana. Pitti Discovery con Marsilio editore danno la parola all'autrice, che persegue un'indagine profonda intorno alla sentita questione dell'esistenza o meno, oggi, di uno stile italiano e se, nel mondo globale di oggi, abbia senso rintracciare una matrice identitaria e nazionale a connotare un carattere che possa creare valore aggiunto all'interno di un mercato sempre più esigente e che diventa immediatamente vetrina sul mondo.

Frisa sottolinea, delineando le strade perseguite da una serie di autori, oggi affermati, riusciti nella realizzazione dei loro progetti di stile, utlizzando percorsi alternativi alle logiche del sistema moda.

Alla luce dei tanti progetti in corso, presentati, e dell'eclettismo del Fashion Week 2011, Vi lasciamo con una domanda aperta:

Esiste dunque una moda italiana oggi?

Intanto godetevi la compagnia dei protagonisti della fashion kermesse di Firenze a Milano. Eccone alcuni nomi:

Abdeh, Avec Moderation, Bafy, Barbara Boner, BB Washed, Claudio Cutuli Adamantis, Clementine, Clotilde, Cora De Adamich, Del Cima, Dori Csengeri, Dozen, Dr. Martin’s Equipage, Erfurt Luxury Accessories, Gaston Liberto, Gedebe’, Guy Rover, Hanky Panky, Heavy Project, Henrietta Ludgate, Herno, Ineke Otte Design, Ines et Marechal, Ioannis, Lika, Lovely Loli, Jeffrey Campbell, Julien Chambon, Kartell, Leigh&Luca New York, Leitmotiv, Les Petites, Ma’ry’ya, Marimekko, Moon Boot, Napsugar Design, Objets de Desir, Pam & Arch London, Pantofola d’Oro 1886, Richly Trend, Royah, Sendra, Superduper, Swedish Hasbeens, Treasures Design, Unravel 19022010, Veronica Bettini Mood e Will.

http://www.prismanews.net/

A.N.G.E.L.O. Vintage. Il sogno, la ricerca, il futuro.

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 13 Feb 2011 17:48:00 +0000

Intervista con Angelo Caroli: mente e passione del Vintage.

A pochi giorni dalla chiusura dal Vintage Selection n.17, tenutosi a fine gennaio alla Stazione Leopolda di Firenze, il ricordo lampante va all’intervista con Angelo Caroli, guru della nascita del Vintage in Italia.

Comodamente seduti allo stand di A.N.G.E.L.O., Caroli si racconta.

L’avventura nacque verso la fine degli anni ’70, quando appena diciassettenne e alla ricerca di esprimersi attraverso uno stile personale inizia a frugare negli armadi di casa. Da qui l’idea di diffondere negli amici il concetto di personalizzare il proprio look, indossando abiti “non attuali”, accostati in maniera particolare, con solo un piccolo budget a disposizione.

Fu un successo!

L’ingegno di Angelo lo portò ben presto a procurare gli abiti su commissione, ricercando capi e accessori in buone condizioni, anche se usati, con un occhio di riguardo per le griffe.

Accanto al continuo e rigoroso scandagliare antiquari, mercatini dell’usato e guardaroba, l’attenzione fu rivolta alla procedura di pulitura, sterilizzazione e stiratura: gli abiti dovevano essere rigorosamente di alta qualità e il capo fornito “come nuovo”.

Ma allora, chiedo, cosa distingue il vintage di A.N.G.E.L.O.?

Prima esistevano soltanto i negozi dell’usato, dove era possibile trovare merce a poco prezzo, ma non selezionata. Se all’estero era già possibile negli anni ’90 trovare negozi-bazar che vendevano vestiti a peso, a Berlino come a Londra, difficile era comprendere la reale qualità di ciò che veniva acquistato. L’unica alternativa proposta erano catene come Humana, con un esplicito intento umanitario.

Prima di tutto, quindi, era necessaria la capacità di scegliere per decidere cosa fosse interessante e cosa no. Operazione che comporta lo sviluppo di una profonda conoscenza degli stili, delle caratteristiche che hanno reso celebri le case di moda e un occhio allenato ad osservare i particolari sartoriali.

Che cosa è A.N.G.E.L.O. store OGGI?

Caroli sorride di fronte alla naiveté della domanda e partendo dalla conclusione, afferma:

“…è tante cose…”, è un negozio a tre piani a Lugo di Ravenna, da cui il nome di A.N.G.E.L.O. Vintage Palace e si connota come una vera e propria boutique, contando più di 80000 abiti.

“Ma è soprattutto la PASSIONE tradotta in PROGETTO come working in progress”, sottolineando il carattere di dinamismo che sottende ad esso.

Nel corso degli anni, infatti, lo sguardo da collezionista ha dato luogo ad un ricco magazzino, oggi denominato ARCHIVIO, in cui sono raccolti rarità, modelli particolari, classificati in base al genere ed alle diverse epoche: da un esemplare storico di jeans Levi’s Mod.501Dx del ’38 alla collezione di Festa a Palazzo, galleria di abiti firmati Chanel, Christian Dior, Emilio Pucci e Pierre Cardin, per citarne solo alcuni.

E’ proprio l’ARCHIVIO, i cui capi non sono in vendita,che ha generato la possibilità di realizzare nuove attività.

Importante è la collaborazione continua con Università e Istituti di Moda, prestando a noleggio modelli come esemplari da studiare nelle linee, nel materiale e nelle tecniche sartoriali, o partecipando a lezioni formative.

Molte le mostre realizzate in collaborazione con enti del turismo e storici tra cui, quella sugli abiti del Ventennio Fascista al Museo della Città di Rimini nel 2007, curata insieme al presidente del Corso di Laurea di Specializzazione in Sistemi e Comunicazione della Moda.

Eventi improntati a raccontare attraverso il costume, l’identità storica e culturale di un paese o di suoi particolari periodi.

Interessante l’attenzione rivolta ad A.N.G.E.L.O. dai costumisti del cinema del teatro, sempre indaffarati nel ricercare il look dei protagonisti, calati in ricostruzioni ambientali di difficile preparazione altrimenti.

Uno degli ultimi costumisti che si è avvalso della consulenza di Caroli è stato proprio Roberto Chiocchi, il costumista di Vallanzasca. Gli Angeli del Male, per una fine ricostruzione degli anni ’70 tutta italiana.

Qual è il rapporto tra la moda ed il vintage, dunque?

Il vintage di A.N.G.E.L.O. non si connota soltanto di elementi artistici e creativi, visto che il presente è fatto di una clientela eterogenea, di un pubblico giovane, quanto di professionisti della moda, che hanno precise esigenze.

Il mondo della moda è cambiato negli ultimi decenni, i tempi sempre più ristretti nella fase produttiva, impongono agli addetti ai lavori di accorciare gli step necessari per giungere al prodotto finito per le nuove collezioni.

In questi casi interviene l’esempio dei modelli del passato, non solo come ispirazione stilistica, ma anche come prototipi da portare al modellista per decidere tagli e particolari.

Improvvisamente allunga il braccio e mi dice: “Guarda! Potresti dirmi qual è la distanza dell’ultimo bottone di questa giacca dalla fine della manica?...sono esattamente 6cm”.

La risposta spiega tutto.

La mia domanda a questo punto non puo’ che provocare un dubbio: ispirandosi al passato non c’è il rischio di un livellamento della moda verso ciò che già è stato creato? In altri ambiti si è decretato la MORTE dell’ARTE, o affermato che in musica è già stato fatto tutto perché abbattuto ogni confine esitente. Sta succedendo lo stesso alla moda?

“Sì, il rischio c’é…”ma in ogni caso si tratterebbe di un livellamento colto, vista la grandezza e lo spessore degli autori dei modelli presi ad esempio. Sicuramente la tendenza ad imparare dal passato puo’ aiutare anche a creare abiti che vanno oltre il periodo di riferimento presente, che a loro volta saranno ammirati come cult nel futuro. Se la ricerca e la progettazione è condotta con qualità, l’originalità non puo’ venir meno.

Un particolare interessante deriva da una caratteristica intrinseca della moda: la sua abilità nel rispecchiare le abitudini delle persone e quindi le loro esigenze. La moda detterà tendenze che aderiscono al pubblico, fino

a quando sarà capace di prevedere i mutamenti e gli stili di vita, prima che si concretizzino su larga scala.

Poi esiste la ricerca sui materiali e sulle linee.

Caroli a questo punto getta lo sguardo sugli scaffali di un armadio presente in mostra, dove ci sono molti esempi di pantalone- uomo militare.

“Tu non sai quanti stilisti vengono a cercare questi modelli di pantalone: l’interesse va alle tasche posteriori, al taglio di quelle laterali, al materiale per valutarne la resistenza e qualità termica” . Si tratta di ricerca, che si nutre di infinite sinergie.

Dove si orientano le ricerche di A.N.G.E.L.O. al momento?

Caroli ammette di studiare attualmente stilisti del periodo fine anni ’80 inizi ’90, come PacoRabane, ma non fa segreto di rimanere comunque fedele al periodo per lui più appassionante, perché ricco di innovazioni: gli anni ’60.

Il futuro?

Sta nel far girare gli abiti.

Quello che Caroli chiama “uno splendido gioco di ricerca stilistica e curiosità” non é altro che riuscire a coinvolgere le persone che decidono di mettere capi e accessori delle Maison più prestigiose e non in conto vendita, creando un openspace di scambio, che permetta di rinnovare il proprio guardaroba con le novità proposte da altri.

Il vestire vintage é pertanto uno Style of life che assicura la possibilità di indossare sempre CAPI UNICI, di alta qualità, ma restando fashion designer del proprio look, attenti, cioé, alla novità,ma mai subordinati alle tendenze del momento dettate dal mercato, che possono non appartenerci.

Cambia così la prospettiva: dalla tendenza consumistica all'acquisto compulsivo, accumulando senza limite, al concetto del comprare scegliendo che cosa, come e soprattutto di quando.

Si fonda così un mercato sostenibile, che utilizza il recycling come chiave di lettura di un nuovo modo di vivere, che colloca la persona al 1° posto.

Inversione del paradigma per una vita con personalità, scegliendo l'unicità.

Sostenibilità, RICICLARE…quindi far girare l’economia, non accumulando ma ri-utilizzando.

Abiti-costumi, abiti che raccontano: vintage come stile di vita. Vintage un SOGNO che parla di FUTURO.

Marina Abramovic: anteprima italiana di Seven Easy Pieces

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 09 Feb 2011 01:23:00 +0000

Dopo un'attesa durata anni, finalmente torna a Bologna la regina internazionale della performance.
Marina Abramovic presenta ad ArteFiera 2011 in anteprima assoluta per l'Italia il suo ultimo film Seven Easy Pieces.

L'evento, a cura di Renato Barilli, patrocinato da UNIBOCultura, Università degli Studi di Bologna ed ArteFiera Art First si svolge all'interno dell'Aula Magna di Santa Lucia e prevede un incontro/ intervista con l'artista.

Il film, per la durata di 95 minuti, tiene incollati gli spettatori che attoniti, vivono l'angosciante tensione, espressa inequivocabilmente dall'autrice.

Sette film in uno. I primi cinque video sono l'efficace reinterpretazione di Abramovic delle celebri performance storiche realizzate negli anni '60 e '70 da Vito Acconci, Joseph Beuys, Valie Export, Gina Pane e Bruce Nauman, per concludersi con due dei più importanti visual extended clip della stessa.

Fu il Guggenheim Museum di New York ad invitare l'artista per una serie di performance, che racchiudessero il core della recente storia del genere artistico. Da qui film per la regia della film maker Barbette Mangolte, che fu presentato tra il 9 ed il 15 novembre 2005 al Guggenheim, successivamente premiato al Festival del Cinema di Berlino nel 2007 e che continua a riscuotere i pareri favorevoli della critica e del pubblico ai più importanti festival in Israele Polonia, Australia, Canada, Giappone.

Qual'é la ricerca di Abramovic attraverso l'utilizzo della performance art?

E' possibile parlare di un'indagine del confine, con cui ogni essere umano é costretto a confrontarsi, vivendo? Il limite del corpo, messo a dura prova in situazioni estreme di resistenza, quasi a testare il punto di risveglio dall'indifferenza di chi ha subito e disilluso muove, bramando il contatto emotivo con il sé, viatico terreno per riflessioni superiori.

La sensualità irriverente, il nudo provocatorio, pornografico se seriale, dolcezza nel disgusto mediante l'atonalità espressiva, a tratti brechtiana.

In fondo, la rappresentazione dell'eterna lotta, del viscerale dualismo tra vita e morte.

Il legame della performer con Bologna risale all'estate del 1977, quando alla Galleria di Arte Moderna, si tenne la Prima Settimana Internazionale della Performance e l'artista fu protagonista insieme al suo allora compagno Ulay di una performance che consisteva nel porsi nudi all'ingresso della galleria, impedendo il passaggio dei visitatori. L'imbarazzo nell'obbligato passaggio e le sue mille sfaccettature nelle reazioni delle persone filmate e proiettate in contemporanea sull'atrio: il paradosso del luogo comune che si ripresenta comunque a contatto con la verità della forma umana smascherata?

Nonostante non intervennero censure ai due artisti venne ritirato il passaporto e questo fu l'inizio di un legame di Abramovic con Bologna, che non puo' non ricordarla nel carattere più estremo della sua arte.

Alla Galleria G7 si ricorda la performance della coppia, in cui legati insieme per i capelli, provavano per ore la durezza di resistere fisicamente e psichicamente: paradiso ed inferno del legame affettivo e carnale?
L'artista presente di persona alla proiezione in Aula Magna commenta le Seven Pieces, ricordando il tentativo di riprodurre la tendenza della cultura contemporanea da un lato a sublimare il vissuto sempre più frenetico, ad attimo fuggente, volontà di elevarlo a magico istante e rituale, e dall'altro nelle sue manifestazioni più basse e corporali riconoscere un'aura sacra. Fondamentale per Marina é la presenza del pubblico che rende la performance reale, unica ed irripetibile date le possibili interazioni dello studio messo in scena ed il contesto.

Dopo un breve periodo di riflessione dopo la separazione dal suo compagno di vita, ritorna al successo con la consacrazione del Leone d'Oro di Venezia nel 2007 per Balkan Baroque: lei, in cima ad un cumulo di ossa, indaffarata a raschiarle con la carta vetrata nel tentativo di purificarle. Performance per esorcizzare le stragi, che dilaniavano il suo paese.

I Balcani, infinita ispirazione e nel contempo ossessione del paese natale, la portano a lavorare, avvicinandosi ai miti ancestrali coltivati fin dall’infanzia, di maschi che copulano con la terra, o di donne che tentano di farsi fecondare dalla pioggia, mentre lei stessa non ha esitato a presentarsi abbracciata a uno scheletro, simbolo della sua volontà di affrontare in ogni occasione i rischi più minacciosi, vita e morte congiunte in un unico vincolo.

Puo' essere giudicato blasfemo il gusto, messo in scena da Abramovic?

Forse, ma é proprio nel disappunto viscerale che s'instaura la reazione più profonda.

A questo proposito pare naturale la domanda di uno spettatore, che chiede all'artista se avesse mai pensato di rappresentare il culmine della vita per l'arte con l'esecuzione della sua morte.

Marina Abramovic non esita e ribadisce con forza che lei ama profondamente la vita e che é grazie a questo suo legame forte con essa, che non evita di ricordare l'opposto, confrontandocisi metaforicamente per sublimarne la pienezza.

L'arte che cerca di realizzare non si confronta altro che con spazio/ tempo e pubblico, queste le strutture portanti che reggono il dualismo dei contenuti. Esistono solo due categorie per l'arte: essa puo' essere giudicata bella o brutta... tutto il resto é mancanza di bergsoniana ironia.

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 08 Feb 2011 09:05:00 +0000

ALTAROMA - Fernanda Gattinoni: Moda e stelle ai tempi della Hollywood sul Tevere. Il cinema è in passerella.

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 08 Feb 2011 00:19:00 +0000

Evento di apertura di ALTAROMA, piattaforma romana per l’alta moda donna, è stata l’inaugurazione, il 28 gennaio scorso, della mostra Fernanda Gattinoni: Moda e stelle ai tempi della Hollywood sul Tevere, a celebrare la moda e una delle sue massime autrici italiane, come filo di congiunzione tra cinema, arte sublimate a simbolo di storia della cultura contemporanea.
La Maison Gattinoni presenta 24 abiti del suo Archivio Storico, appartenuti a 5 grandi star del cinema, per raccontare il periodo d’oro della casa di moda: protagonista della Dolce Vita, Hollywood a Roma.
La ricostruzione è a cura di Sofia Gnoli, presentata in anteprima presso i Saloni dell’Istituto Italiano di Cultura di Parigi, si trasferisce, ampliata nella sua sede capitolina.

L’esposizione, che proseguirà sino al 10 marzo 2011, è stata, infatti, allestita all’interno della prestigiosa cornice del Museo Boncompagni Ludovisi, promossa dal Ministero per i Beni e le Attività Culturali e dalla Galleria Nazionale d’Arte Moderna, con il patrocinio della Provincia di Roma, dell’Assessorato alla Cultura del Comune di Roma e di AltaRoma.

Le creazioni di Gattinoni, eleganza con charme, delicatezza che valorizza l’essere donna e lo impreziosisce, vengono esposti e narrati attraverso le figure delle attrici, che li hanno interpretati e per cui sono stati creati.

Si parte con gli abiti del guardaroba privato e di scena di Europa ’51, la pellicola di Rossellini per cui la regale Ingrid Bergman vinse il Nastro d’Argento e Fiore di Cactus del ’69.

Per Lana Turner, gli abiti drappeggiati a sottolineare la figura minuta e accattivante, nel film “La Fiamma e la Carne”del 1953, girato a Cinecittà, e che segna il sodalizio tra l’attrice e l’atelier, di cui continuò ad essere affezionata cliente.

I capi unici di Casanova (1958) per la sensualità di Kim Novak.

Una saletta è riservata interamente a “Nannarella” e alla micro-collezione di “petites robes noires”, appartenuti appunto ad Anna Magnani, esistenzialista pro-tempore, eroina del neorealismo cinematografico italiano, di cui si racconta l’aneddoto per cui i suoi piccoli abiti neri, tubini corti e chemisier, essenziali nel taglio moderno, venivano ordinati serialmente dall’attrice, che li indossava senza pretese alcuni giorni e poi li regalava all’amica Merlini.

E’ il 1956 e Guerra e Pace vede un’interprete d’eccezione nel ruolo di Natasha: Audrey Hepburn. Stile impero, in georgette avorio, raffinata bellezza e l'alta sartorialità valsero a Fernanda Gattinoni la nomination agli Oscar per i costumi.

Si dice dell'attrice che "… quando indossava i capi li impreziosiva come gioielli", e pare infatti che dagli abiti realizzati per il film, dall’atelier Gattinoni non si sarebbe più staccata, pur rimanendo testimonial di Givenchy.

La proiezione di documentari storici sulla Maison e spezzoni di film come Europa 51 (1952), Guerra e Pace (1956), Siamo Donne (1956) Fiore di cactus (1969), Lo Specchio della vita (1957) accompagna l’esposizione.

La retrospettiva testimonia, dunque, la nascita negli anni ’40 del nome dell’Alta Moda italiana e la sua affermazione in tutto il mondo, come icona di eccellenza e gusto attraverso l’atelier di Fernanda Gattinoni e i volti che accompagna con i suoi abiti, come first lady, da Evita Peron a Claire Boothe Luce e star del cinema come Anouk Aimée, Ingrid Bergman, Lucia Bosé, Bette Davis, Marlene Dietrich, Rossella Falk, Audrey Hepburn, Gina Lollobrigida, Anna Magnani, Kim Novak, Lana Turner e Monica Vitti.

Buona passeggiata dunque, attraverso questo lungometraggio tangibile, rivivendo un importante momento della storia culturale e del costume del secondo '900.

AltreMani al Vintage Selection n.17 è Vegetable Skin: la luce cambia pelle!

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 06 Feb 2011 22:27:00 +0000

Da Vintage Selection n.17 part 2 29-30 genn

Firenze. Girovagando per la mostra Vintage Selection, che si è tenuta dal 26 al 30 gennaio alla Stazione Leopolda, improvvisamente ci troviamo attratti da una singolare installazione:

due sedie da ufficio, vuote, su cui pendono due lampade appese in cascata interamente coperte di erba.

Si tratta di un richiamo ad una performance teatrale dal sapore kafkiano?

Sistemate in un angolo, sembra ci invitino ad oltrepassare la soglia, non indugiamo oltre ed entriamo nella ROOM retrostante, lasciandoci trasportare dai colorati strali che provengono dall’interno.

Benvenuti nel Paese delle Meraviglie di Vegetable Skin, ultima creazione in casa Altremani in collaborazione con l’architetto Alessandro Moradei, già collaboratore di Pitti Immagine.

Una stanza rettangolare percorsa in tutta la sua lunghezza da un plastico del mondo in un bianco latte riflettente.

Simbolo, questo che sottintende l’apertura del design di Altremani alle contaminazioni culturali e il coinvolgimento nel sociale, che ne contraddistingue il concept.

Alziamo di poco lo sguardo: tante lampade scendono dal soffitto, fissate a varie altezze e soprattutto in diversi colori e forme, creano una soffusa e variegata atmosfera.

Lampade, a sospensione da soffitto o da tavolo, dalle forme a tulipano rovesciato, a tronco di cono, cilindriche, dal taglio semplice e netto che riecheggia la stilizzazione del primo Bauhaus, ancora memore dello Jugendstijl tedesco.

Talvolta invece, il disegno riesamina gli anni '70 in relazione ai lampadari di più ampie dimensioni, che a cappello o tubolare allargato dalle fasce strette si abbinano bene, montati bassi e a filo lungo su tavoli circolari ad angolo. Altre volte, richiama le linee di ascendenza medio-orientale, o elementi etnici africani con superfici tese che sembrano unite da cuciture a mano in abat-jour a vela.

Ma perché Vegetable Skin allora?

Qui si apre il lato sperimentale del progetto omonimo: nessuna di queste fonti di illuminazione é composta da più di un foglio lamellare, a costituire una vera e propria pelle, montata sulla struttura illuminante.

Non solo: il materiale utilizzato rende omaggio al concetto più puro di sostenibilità, realizzato riciclando materiali di scarto.

Per questa collezione é stata ideato uno studio sulle tante possibilità della carta.

Sono stati realizzati dei fogli ornamentali sottilissimi con sezioni di ortaggi e frutti, come zucchine, melanzane, limoni, inseriti a collage simmetrici su piastre, pressati ed induriti con l'utilizzo di collanti come resine vegetali, che ne garantiscono qualità di resistenza al calore e non infiammabilità.

La sorpresa deriva dal colore emanato al passaggio della luce bianca, che proietta sulle pareti delle stanze, disegni astratti in movimento e colorati, specchio della fibra e del colore della “carta”impiegata.

Il risultato ottenuto dalla ricerca di Altremani é un prodotto di qualità dal design moderno e assolutamente eco-compatibile.

Luce, che si fa timbro di sensazioni calde e soffuse per l'ambiente da arredare. Altremani declina in maniera eco-sostenibile la semantica delle antiche lanterne orientali in pergamena: semplicemente carta.

ALTAROMA MODA e ARTE

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 31 Jan 2011 09:15:00 +0000

Vintage Selection 17...girando tra gli stand...esposizione da vivere

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 31 Jan 2011 00:26:00 +0000

Vintage Selection n.17 Happy Hour+Mostra Trussardi Fondazione

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 27 Jan 2011 09:44:00 +0000

vintage selection n.17 2011

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 26 Jan 2011 17:18:00 +0000