Ideias de Jeca-tatu

13 vidas – O resgate

2026-11-02T15:11:00.000-03:00

Tailândia. No dia 23 de junho de 2018 de 12 meninos entre 11 e 16 anos resolveram entrar numa caverna para comemorar a vitória numa partida de futebol. O técnico os acompanhou. Quando já estavam adiantados na caverna, começou a chover forte e, na tentativa de fugir do alagamento, eles foram entrando cada vez mais no local, até chegarem o ponto de ficarem totalmente isolados.

Uma equipe de resgate incluindo mergulhadores especializados de diversos países se envolveu na tentativa de resgate. Os garotos e o treinador tinham se refugiado num local a quilômetros da entrada e a operação de salvamento, mesmo para mergulhadores treinados era extremamente difícil. A água era turva, quase impossível de ver (alguns mergulhadores diziam que era como café frio). Além disso, alguns trechos eram tão estreitos que os mergulhadores tinham que tirar os tubos de oxigênio para conseguirem passar. A viagem inteira, quase o tempo todo dentro da água, durava de seis a oito horas.

O local era um labirinto tão difícil que os garotos só foram encontrados nove dias depois. A travessia era tão árdua que um dos mergulhadores morreu na tentativa de chegar aos garotos. Como resgatar crianças que nunca tinham mergulhado na vida, ainda mais nessas condições? Para piorar, uma chuva ainda mais forte está vindo, o que pode tornar impossível o resgate.

É esse desafio que Ron Howard mostra no filme 13 vidas, recente lançamento do Amazon Prime Vídeo. Diretor de clássicos como Cocoon e Uma mente brilhante, Howard é competente até mesmo quando dirige filmes meramente comerciais, como O código Da Vinci. E aqui ele encontra uma história que reúne todos os elementos para um bom filme. A história real já é repleta de suspense, algo muito bem aproveitado pelo diretor, assim como o elemento humano, outra grande especialidade de Howard. O filme consegue explorar muito bem o quanto parecia impossível o resgate e como era ousada a estratégia usada para o mesmo. Ajuda muito a escolha inteligente do diretor de fazer imagens focadas, dando uma impressão de claustrofobia. O diretor também inclui mapas que ajudam o expectador a entender o desafio.

Tudo é muito bem aproveitado: a apreensão dos parentes das vítimas, as dúvidas dos mergulhadores, o trabalho dos centenas de voluntários, que ajudaram a tirar água da caverna.

Talvez por isso 13 vidas não tenha momentos marcantes. Todos os momentos são marcantes. É um filme linear, que mantém o interesse do expectador durante todos o tempo de 2 horas e 27 minutos.

Em tempo: um momento curioso do filme é quando os garotos são finalmente descobertos e esses dizem que conseguiram sobreviver graças às lições de meditação dadas pelo treinador. Noventa e cinco por cento da Tailândia professa o budismo.

Artigo sobre a revista Herói

2026-11-02T12:30:00.000-03:00

Meu artigo A revista Herói e o jornalismo infanto-juvenil apresentado no 42o Congresso Intercom de Ciências da Comunicação já está disponível nos anais do evento. Para acessar, clique aqui.

Memórias de um Arqueiro Verde

2026-11-02T11:47:00.000-03:00

Entre as histórias mais célebres do Arqueiro Verde está a minissérie escrita por Mike W. Barr e desenhada por Trevor Von Edden.

Na trama, Oliver Queen é convidado para a leitura de um testamento e descobre que se tornou o herdeiro de uma multinacional. A mulher que deixou a herança, Abby Horton, foi a mentora do personagem e tudo indica que ela foi assassinada e caberá ao herói descobrir quem é o culpado e qual foi a motivação.

A missérie reconta a origem do herói.

Um dos atrativos da série é recontar a origem do personagem, no estilo que seria feito anos depois em série como Batman ano um. Nessa versão, Oliver Queen é um playboy preocupado apenas com diversão que, jogado no mar por piratas, aprende a sobreviver com o uso de flechas até se tornar um expert nesse tipo de arma.

Como essa é uma história de super heróis, temos também vilões, como o conde Vertigo e o Capitão Chibata. Mas o atrativo do roteiro realmente é a trama policial bem elaborada, com um bom plot twist final.

O desenho de Trevor Von Eden se destaca.

Apesar do bom roteiro, o que realmente chama a atenção é o desenho de Trevor Von Edden, cujo maior destaque são as Splash page impressionantes, como aquela em que o Arqueiro e Canário estão descendo de paraquedas no meio da artilharia inimiga. Aliás, o roteirista pecou por não dar mais destaque para a Canário. Trevor desenha ela com perfeição.

Não bastasse a virtuose no desenho, Trevor também se destaca pela diagramação inovadora com quadros divididos meio para criar ideia de sequência ou várias imagens num mesmo quadro. O ápice dessa experimentação é a cena desenhada como uma página de jornal.

A diagramação era inovadora.

No Brasil essa história foi publicada pela editora Abril em Superamigos e foi uma das que mais chamaram a atenção dos leitores à época. Até hoje não entendi porque a Panini não republicou.

Esquadrão Atari – Traidor

2026-11-02T11:43:00.000-03:00

Desde que Blackjack voltou da aparente morte nas mãos do Destruidor Negro, Martin Champion desconfiou de que ele fosse na verdade um espião do vilão.

Isso acabou se revelando verdade no número 11 da série Esquadrão Atari.

A capa já revela essa verdade, numa daquelas cenas impressionantes que só Garcia-Lopez conseguia fazer: Dart está caída no chão, a calça rasgada pelo que parece ser um tiro. Ela olha para cima, assustada e levanta a mão esquerda para se defender. Acima dela, Blackjack sorri e aponta a arma futurista.

Blackjack está a serviço do Destruidor.

Já no interior, vemos Blackjack acordando no meio da madrugada e acessando o computador da nave para fazer uma ligação para o vilão. “Como estão meus amigos do Esquadrão Atari?”, pergunta o Destruidor. “Espero que Martion Champion e seu filho gozem de boa saúde! Não quero que nada aconteça a eles... ainda!”.

O plano do Destruidor é levar o grupo ao local onde está instalada a bomba de antimátiera que irá destruir todo um universo como forma de se vingar de Champion.

Blackjack seria capaz de matar sua amada?

Para isso, Blackjack trava os controles da nave, fazendo com que ela se direcione exatamente para o local onde o vilão quer. Nesse meio tempo, a traição de Blackjack é descoberta e a imagem da capa se reproduz na HQ: Dart caída, seu namorado apontando a arma para ela, pronto para mata-la.

Toda essa sequência é uma mostra de como a dupla Gerry Conway e Garcia-Lopez estava sintonizada. O roteiro eleva o suspense ao seu máximo e o desenho destaca ainda isso.

A esposa de Martin Champion morre no parto e ele passa a acreditar que a culpa é do bebê.

Essa mesma edição traz a explicação da relação conflituosa entre Martin Champion e seu filho.

Numa sequência extramemente dramática, vemos o nascimento da criança. A mulher é envolva por uma luz e grita: “Oh, meu Deus... ele está me matando! Martin, é ele... é ele!”.

Champion a partir daí passa a acreditar que o filho de alguma forma matou a mãe, mas ele entendeu mal a mensagem: o verdadeiro assassino é o Destruidor Negro, que todos pensavam estar morto e estava ali iniciando sua jornada de vingança.

Mama Guga

2026-11-02T10:32:00.000-03:00

Fernando Canto é um dos grandes nomes da literatura amapaense. Mais conhecido por suas letras de música – ele foi um dos fundadores do grupo Pilão, que marcou época na MPA, ele também é um contista inspirado, como mostra o livro recém-lançado pela Paka-Tatu, Mama Guga.

O livro traz contos intimistas e emocionantes, como O retrato azul, narrado como um filho falando ao pai: “Agora estou aqui, engolindo este silêncio, sem saber o que dizer para você (...) Agora estamos nós dois sem saber o que fazer... Você aí sentando nesta rede com os olhos brilhosos de lágrimas, olhando fixo o quadro que lhe demos de presente de aniversário”. Além de criativa, a abordagem permite um aprofamento no personagem que talvez não fosse possível de outra maneira.

Há contos que oscilam entre o causo urbano, o humor e o drama, como em “A seringa contaminada de Bambo, o zagueiro do futlama”, no qual um homem com HIV ameaça picar pessoas com uma seringa.

Mas os melhores contos são aqueles em que Fernando Canto se utiliza da mitologia local, entremeando-a muitas vezes de fatos históricos e narrativas cotidianas. Exemplo disso é “As mulheres-peixe do meu garimpo”, sobre um garimpeiro que se enamora de sereias encontradas em uma gruta. Mas são sereais amazônicas, com cor local e sexualidade aflorada: “Tinham a cor dourada e eram largas. Suas barbatanas eram vermelhas, umas gracinhas. Nem de longe pareciam com as sereias que eu tinha visto em revistas. Brincavam com as águas e sorriram quando me viram. Me chamaram pra bem perto delas, e aí pude conhecer o verdadeiro sabor do prazer sexual”.

Desses, o melhor é “A cidade encantada sob a pedra”.

A história se passa em uma cidade fictícia (meio que uma mistura de Macapá e Mazagão), mas mágica, em que seres encantados saem do fundo do rio para defender os negros entre eles o pretinho Chibante, que distribui para a criança bombons trazidos em seu chapéu de casco de tartaruga.

Na história, dois irmãos descem à cidade encantada em busca de um suposto tesouro. O interessante do conto é a forma como o autor mescla fatos históricos, personagens mitológicos e ladrões de marabaixo para construir sua narrativa.

Para quem não é da região, os ladrões são músicas cantadas nas rodas de marabaixo, geralmente sobre fatos ocorridos na comunidade.

Há duas versões sobre o nome. Na primeira delas, os versos são chamados ladrões porque um “rouba” a música do outro, continuando o verso. Na outra, porque a letra “rouba” fatos das vida pessoal das pessoas, tornando-as públicas através da música. Fernando Canto adota essa última explicação e constrói todo o conto a partir de ladrões, entremeando-os à narrativa em prosa. A narrativa é fluída, quase como um causo narrado a um visitante e fantasia, história e ladrões vão se misturando naturalmente.

O conto é um delicioso causo e, ao mesmo tempo, uma curiosa experiência estética.

É de se destacar o ótimo trabalho editorial da Pakatatu no livro, a começar pela bela capa com ilustração de Maciste Costa. O papel polém e a difamação simples, limpa, mas eficiente fazem com que a leitura do livro se torne leve e agradável.

Álbum de figurinhas Marvel 80 anos

2026-11-02T07:33:00.000-03:00

Este ano a Marvel completa 80 anos. Para comemorar, a Panini lançou um álbum de figurinhas que é, desde já, item de colecionador.

Álbuns de figurinhas de quadrinhos não são novidade. Da Marvel muito menos. Lembro de pelo menos dois. Mas a maioria era apenas ilustrações, a maioria contemporâneas, de personagens da editora. O diferencial deste é que ele é praticamente um documento histórico. Embora de maneira bastante sucinta, os textos contam a história da editora, desde Marvel Comics número 1, que trouxe Namor e Tocha Humana, os primeiros heróis da editora, até os dias atuais, passando por fases pouco conhecidas da editora pelos leitores atuais, como quando a editora se especializou em histórias de terror, monstros, faroeste e até românticas.

Uma das atrações é a reprodução das capas originais.

A grande atração aqui são as reproduções das capas originais em figurinhas com borda metalizada.

Ao final há uma história em quadrinhos com quadros que precisam ser completados com figurinhas com o Capitão América, uma escolha mais do que acertada, já que o personagem foi um dos primeiros sucessos da Marvel e continua relevante até os dias atuais. É um pequeno conto sobre uma garota que ajuda o Capitão e precisa de sua ajuda para convencer sua mãe sobre os rumos de sua vida. Infelizmente a HQ não é creditada.

Ah, o álbum traz também cards desenhados por gente do calibre de Alex Ross e Mike Deodato Jr.

É uma boa oportunidade para apresentar a história da Marvel para as novas gerações. Eu comprei para montar com meu neto.

Fundo do baú - Além da imaginação

2026-11-01T20:59:00.001-03:00

"Há uma quinta dimensão além daquelas conhecidas pelo Homem. É uma dimensão tão vasta quanto o espaço e tão desprovida de tempo quanto o infinito. É o espaço intermediário entre a luz e a sombra, entre a ciência e a superstição; e se encontra entre o abismo dos temores do Homem e o cume dos seus conhecimentos. É a dimensão da fantasia. Uma região Além da Imaginação." Essa era a narrativa inicial de todos os episódios de Além da Imaginação, série criada por Rod Serling entre 1959 e 1964 em preto e branco, para o canal CBS nos EUA.

Uma curiosidade é que a série era apresentada pelo seu criador, que sempre aparecia no início dos episódios. Em cinco anos foram dezenas de episódios memoráveis, como o do homem que vê um gremlin na asa de um avião ou os policiais que precisam descobrir um marciano entre os fregueses de um restaurante de beira da estrada. Serling foi roteirista do primeiro filme do Planeta dos Macacos e foi ele que sugeriu o final, baseado em um dos episódios, atirei uma flecha no ar. Um dos meus prediletos é tempo suficiente, de 1959, em que o caixa de um banco não tem tempo para ler, um exemplo perfeito de ironia do destino.

O seriado ganhou uma nova versão na década de 1980 e fez muito sucesso no Brasil, sendo exibido pela Rede Globo.

Tropa Alfa – As coisas nem sempre são o que parecem

2026-11-01T12:30:00.000-03:00

Seguindo a lógica de dedicar cada um dos primeiros números da Tropa Alfa a um herói, John Byrne colocou o Sasquatch como protagonista dos números 9 e 10.

Na história, Langkowski é chamado para investigar leituras estranhas na estação de raios cósmicos do Monte Logan. Estranhamente as leituras pareciam indicar um ritmo biológico. Quando os cientistas montam uma antena de captação, o Coisa surge no local.

Parece o Coisa, mas é o Super-Skrull.

No final, claro, não era de fato o membro do Quarteto Fantástico, mas um vilão que emulava seus poderes, o Super-Skrull, o que garante todo o porradal obrigatório de uma história em quadrinhos de super-heróis.

O surgimento do Super-Skrull parece unicamente uma desculpa para arranjar um adeversário à altura do Sasquatch (Byrne chega a agradecer a um amigo por ter sugerido o confronto).

Há algo de irracional no herói peludo?

Apesar da narrativa muito bem fluída e elegante de Byrne, o volume peca por falta de profundidade. O único aspecto realmente interessante é que, quando o cientista se transforma no monstro, ele está com o braço quebrado, e isso faz com que Sasquatch surja com uma ferocidade inesperada e irracional, o que deixa para o leitor a percepção de que em algum momento esse lado irracional poderá tomar conta do personagem. Mas isso fica muito mais como promessa. Byrne joga com bons conceitos, mas raramente parece disposto a levá-los ao seu máximo criativo.

Guerras Secretas – A batalha dos quatro exércitos

2026-11-01T11:42:00.000-03:00

O número 5 da série Guerras Secretas inicia com o grupo de heróis refugiado em uma aldeia governada por uma belíssima curandeira. Lembro que quando li pela primeira vez, aos meus 15 anos, eu me perguntei: De onde saiu essa vila? De fato, se o planeta onde acontece o conflito foi criado do nada por Beyonder, como já poderia ter uma vila, com uma cultura formada e inclusive liderança? Lá na frente Shooter diz que o planeta foi formado por partes de outros planetas, o que mostra que o roteirista não tinha muito apreço pelas leis da física.

A grande ameaça da edição é Galactus, que sai de sua letargia e chama sua nave. O que ele estaria pretendendo? Qual o seu objetivo? Consumir o planeta?

Os heróis se refugiam numa aldeia governada por uma curandeira. Shooter tirava personagens da cartola.

Um momento interessante da edição é a conversa de Encantor com Doutor Destino. Ela quer convencê-lo a desistir de atacar os heróis e chega a propor curar as cicatrizes com que o vilão esconda o rosto sob uma máscara, mas ele recusa ao que ela se ajoelha: “Destino, por favor, eu te imploro!”.

Encantor se humilhando? Quem é você e o que você fez com a deusa nórdica?

Essa sequência é um ótimo exemplo de como Jim Shooter não estava minimamente preocupado em fazer com que a história de vida e a personalidade dos personagens governasse seu comportamento. Uma deusa como Encantor se humilhnado e implorando de joelhos? Essa definitivamente não é a personagem criada por Stan Lee e Jack Kirby. É possível imaginar que ela estivesse evitando entrar em conflito com Thor, pelo qual ela está apaixonada, mas nesse momento da trama, ela acreditava que Thor foi morto por Ultron. Então é simplesmente um comportamento inexplicável e em total desacordo com a personagem.

A morte de Stalin

2026-11-01T11:28:00.000-03:00

Em 1953, o líder da União Soviética, Joseph Stalin, morreu inesperadamente, o que levou a uma luta por sua sucessão. É sobre esse momento histórico que o filme A morte de Stalin, dirigido por Armando Iannucci e disponibilizado no Brasil pela Amazon Vídeo, se debruça.

O filme é baseado numa história em quadrinhos de Fabien Nury e Thierry Robin e mostra com bastante liberdade poética os momentos anteriores à morte do ditador, os bastidores da morte e a sucessão. Poderia ser um filme histórico, mas é, acima de tudo, uma grande comédia ácida. Aliás, se você não gosta desse tipo de comédia, passe longe do filme.

O clima de terror criado por stalin serve para alguns dos momentos mais engraçados do filme, com a reunião de ministros que termina com um deles dizendo que o que acabou de sair está na lista (de pessoas que irão morrer ou serem enviadas para a Sibéria). Em vários momentos cenas singelas, quase caseiras, têm, em segundo plano, alguém sendo morto ou preso.

A história inicia com o diretor da rádio recebendo um pedido de gravação da apresentação músical que acabou de encerrar. O jeito é gravar tudo de novo, o mais rápido possível para não provocar a ira do ditador.

Quando está ouvindo a gravação, Stalin tem um mal súbito e chegamos a um dos melhores momentos, quando os membros do comitê central chegam e começam a discutir o que fazer.

Não é possível chamar um bom médico, pois todos os bons médicos ou foram mortos ou mandados para a Sibéria. Também pode não ser uma boa chamar médicos ruins, pois isso pode custar a vida de quem chamou. Durante toda essa longa discussão, Stalin permanece lá, caído no chão.

Quando fica claro que o ditador morreu, começam as conspirações – e nesse jogo, quem perde, morre. Uma palavra errada pode representar a morte de alguém.

Há se destacar o elenco primoroso, cuja atuação é boa parte do sucesso do humor estranho da película.

Nesse sentido, destaque para Jeffrey Tambor, como Malenkov, o indeciso presidente do comitê central, que não sabe o que fazer em meio às conspirações. E Michael Pain, como Molotov, o ministro que continua fiel a Stalin mesmo depois de sua morte e tem opiniões muito fortes e decididas... que mudam a cada minuto. Um dos melhores momentos da dupla é uma reunião de ministros, logo após a morte do ditador, em que Malenkov faz uma proposta e coloca em votação, interrompida por um discurso de Molotov: Malenkov muda seu voto a cada frase do colega, incapaz de decidir se ele é favorável ou contrário à proposta.

Os escravos da górgona

2026-11-01T09:41:00.000-03:00

Os escravos da górgona foi um dos livros que me influenciaram a escrever O Uivo da górgona (pelo menos foi a maior inspiração para o título ao ampliar o conceito de górgona para eventos que essencialmente mudam o ser humano para pior). Esse livrinho, originalmente denominado Os 100 dias da Górgona, foi escrito por Curtis Garland (pseudônio do espanhol Juan Gallardo) e publicado pela Cedibra em 1976 na forma de livro de bolso. Eu li provavelmente em 1984 ou 85 (comprei num sebo).
A história é fantasiosa: uma luz encobre o planeta terra. Quem a vê passa por transformações. O protagonista é um homem que sofreu acidente com ácido e está com os olhos enfaixados e por isso não se transforma. Ao acordar e tirar as faixas, ele descobre que todos estão paralisados, recobertos por uma película azulada.
Talvez seja coincidência, mas esse início me faz lembrar ao menos três obras. O homem que acorda num hospital após um apocalipse remete diretamente a Walking Dead e Extermínio. E pessoas sobrevivendo num mundo em que todas as outras foram paralisadas lembra muito o romance Blecaute, de Marcelo Rubens Paiva. Tpdas essas obras são posteriores, o que pode significar que alguém talvez também tenha lido esse livro de bolso. Ou talvez ele só tocasse em temas universais do imaginário terror e FC.
O protagonista percorre a cidade e, milagrosamente, encontra a namorada e descobre que ela não se transformou - Londres inteira estava na rua no dia de verão e por alguma razão ela estava trancada no porão, de modo que não viu o clarão.
O casal passa as 128 páginas do livro se livrando de perigos. Primeiro são os homens petrificados, que ganham vida, depois as crianças, que se tornam verdadeiros psicopatas, e, finalmente, gosmas espaciais que sugam as memórias da pessoa e se transformam nela.
Antes que perguntem: não, o livro não é bom. Há vários deus ex machina, desde o padre cego que encontram e que sabe contar tudo que eles não sabem até a própria sobrevivência da namorada do herói, quando todos os outros se transformaram. Ah, sim, e enquanto fogem do perigo, a moça só consegue pensar em se casar!
E os diálogos, ah, os diálogos! Talvez para lembrar o leitor quem estava falando - ou simplesmente para deixar os diálogos mais melosos, os protagonistas repetiam o nome um do outro a cada fala:
- Ewa, minha querida. Agora estamos sós diante de um mundo diferente, hostil e estranho. É preciso lutar com muita coragem e determinação... está disposta?
- Todd, ao seu lado eu sou capaz de tudo!
Mas, aos meus treze anos, eu prestava pouca atenção aos problemas de roteiro ou diálogos forçados. Na verdade, eu muitas vezes reescrevia a história em minha cabeça.
E, como disse, essa foi, provavelmente, a gênese de O uivo da Górgona.
Em outras palavras: mesmo livros ruins podem ser uma boa influência.

MAD 25 - Alice no país das armadilhas

2026-11-01T08:52:00.000-03:00

Na época da MAD 25 já fazia algum tempo que eu não colaborava com a revista e andava bastante ocupado. Mas o editor Raphael Fernandes me fez um convite irrecusável: escrever uma história para o grande Roger Cruz, famoso pela sua fase nos X-men. Tratava-se de uma sátira do filme Alice no país das maravilhas, que ainda ia estrear estrear. Eu resolvi fazer uma proposta diferente: ao invés de ser a Alice do filme, seria uma Alice no país das armadilhas). A pobre e inocente Alice cai em um bueiro e vai parar em um país muito diferente do Brasil - repleto de malandros e políticos corruptos. Eu conhecia o traço de Roger Cruz e sabia que o cara era fera, mas não imaginava que ele iria se adaptar tão bem ao gênero humor. A pobre Alice cai em todos os golpes possíveis. Eu pensei na história como sendo um livro infantil e ele conseguiu pegar perfeitamente o espírito da HQ ao fazer um requadro pouco convencional.

Hipocondríacos

2026-11-01T08:04:00.000-03:00

A moça irrompeu, esbaforida, pela porta, enquanto a enfermeira terminava de aplicar o soro.
    - Ei, não pode entrar agora!
    - Rafael, Rafael! Você está bem? Vim correndo quando soube que você estava doente.
    - Por favor, ainda não é o horário de visitas. Como a senhora conseguiu entrar? - perguntou a enfermeira, puxando a moça para fora.
    - Não, não me afaste do meu Rafael! Por favor, me diga: ele está bem?
    Nisso o doente se mexeu no leito, murmurando:
    - Beatriz? Você está aí?
    Foi o bastante. A mulher se desvencilhou dos braços da enfermeira e se jogou aos pés da cama.
    - Rafael, Rafael, você ainda está vivo?
    - Beatriz, você está aí? Eu não consigo vê-la...
    - Mas ele só está... - interveio a enfermeira.
    - Santo Deus, o que fizeram com o meu amado?! Você consegue me ouvir, querido?
    - Beatriz? É você mesmo? Agora que vou morrer, quero que saiba que te amo...
    - Oh, Rafael! Eu também te amo. Do fundo do meu coração...
    - Beatriz, por favor, me dê um último beijo.
    Houve um minuto de silêncio, ao fim do qual Beatriz pulou sobre ele, num último e ardoroso beijo de amor. A enfermeira tentou impedi-la, mas era impossível até mesmo saber quem era quem no meio dos aparelhos, seringas e tubos.
    - Querida, você sabe o quanto eu amo você. - garantiu ele, depois que se desgrudaram. Não chore por mim. Também quero que você arranje outro homem. Não perca sua juventude por mim...
    - Não, não me diga isso, meu amor, você vai sobreviver... E eu jamais terei outro homem...
    Ficaram em silêncio. Beatriz enxugava as lágrimas com um lenço.
    - Querida, agora que estou morrendo, acho que deveria saber de uma coisa. Lembra-se de Ana?
    - A Ana?
    - Sim, aquela estudava com você quando nos conhecemos...
    - Rafael, você não...
    - Eu tive um caso com ela.
    - Não, não acredito... não é possível!
    Ficou repetindo isso, balançando a cabeça em negativa, a enfermeira parada num canto, os olhos arregalados, sem saber o que fazer....
    - Beatriz... agora que estou morrendo, não faz mais sentido esconder meu caso com Maria...
    - A minha melhor amiga? Desgraçada!
    - Calma, foi coisa pequena: durou só dois anos...
    - Dois anos? Seu safado! Cretino!
    - Cretino, eu? Pensa que não sei do Paulo?
    Beatriz ficou estática.
    - Paulo?
    - Pensa que não sei? Tenho até fotos...
    - Seu cretino! - gritou a mulher e pulou no pescoço dele.
    - Gasp, gasp - fez o doente, envolvendo com as mãos o pescoço de Beatriz, que caiu no chão, sob ele.
    Rolaram pelo chão do hospital até perderem as forças e só então caíram nos braços um do outro, jurando:
    - Beatriz, eu te amo.
    - Também te amo, Rafael.
    A enfermeira ficou alguns instantes estarrecida, depois saiu do quarto, murmurando consigo:
    - Esses hipocondríacos... e era só uma infecção intestinal.

Supremo - Imagine Isso...

2026-11-01T07:33:00.001-03:00

Uma das características mais marcantes da revista Justice League of America sob a edição de Julius Schwartz eram as capas chamativas e, por vezes, surreais. Frequentemente, essas capas eram concebidas antes mesmo do roteiro, desafiando os escritores a criarem tramas que justificassem aquelas imagens absurdas. Alan Moore explora com maestria essa metalinguagem em Supremo #48.

Na trama moldura, Supremo reúne o grupo anteriormente conhecido como Aliados para resgatar as almas do Professor Meia-Noite e de sua ajudante, Sombria. Enquanto os heróis viajam, eles relembram aventuras passadas, o que serve de pretexto para a introdução de capas fictícias de "edições antigas", enquanto o diálogo de fundo sintetiza a história.

A capas reproduziam a estética da Liga da Justiça clássica.

A primeira capa apresenta o embate contra Florax, o Dominador, uma planta senciente que colonizou cidades com seu perfume hipnotizante. O vilão foi neutralizado pelo Caçador Espacial, cuja fisiologia única o tornava imune ao aroma, permitindo que o destruísse com um herbicida. A arte de Rick Veitch (que emulava com perfeição o traço da Era de Prata) reproduz todos os maneirismos da época: o título em moldura, as fontes clássicas e o rodapé listando os heróis presentes — uma tática de marketing de Schwartz para fisgar os leitores nas bancas.

Glory reclama de ser presa: ecos da origem bondagista da Mulher Maravilha.

A capa mais intrínseca à trama principal mostra os heróis em grilões, puxando uma carroça de pedra sob o chicote do Escravizador de Almas. Aqui, Moore insere uma referência jocosa e ácida à origem "bondagista" da Mulher-Maravilha (criada por William Moulton Marston). A personagem Glory comenta com ironia: “Eu não gostava desse negócio de escravidão, sabe? Parece que entre os anos 40 e 60 eu acabava amarrada mês sim, mês não”.

Crítica aos encontros dos Aliados: o que era novidade virou fórmula.

Moore também utiliza esses diálogos para criticar o esgotamento de fórmulas editoriais, como os encontros anuais entre grupos de épocas ou dimensões diferentes:

“Na primeira vez foi legal, mas depois nos encontrávamos todos os anos... ou eram duplicatas malignas, ou aliados de mundos paralelos. No fim, só sabíamos quem era quem por pequenas diferenças nos uniformes!”

O desenhista Mark Pajarillo evita desenhar cenários, essenciais para a HQ.

Se as inserções de Rick Veitch são um deleite de saudosismo e sátira, a arte da trama principal é decepcionante. Enquanto o roteiro de Moore mergulha em conceitos densos do subconsciente — elementos que ele refinaria anos depois em Promethea —, o trabalho de Mark Pajarillo é visualmente pífio.

Seguindo os vícios do estúdio de Rob Liefeld, Pajarillo negligencia os cenários (essenciais para entender a história), substituindo-os por fundos confusos e hachuras excessivas que desorientam a leitura. É o paradoxo máximo da fase Image de Moore: um roteiro de um gênio da literatura gráfica preso em uma estética que priorizava músculos e poses em detrimento da narrativa visual e da profundidade de campo.

Livro discute a cultura pop

2026-11-01T07:33:00.000-03:00

Cultura pop, comunicação e linguagem é uma antologia organizada por Ivan Carlo Andrade de Oliveira (Gian Danton) e Rafael Senra. Divididos em artigos e ensaios, os textos abordam os mais diversos temas dentro do leque da cultura pop.

No âmbito dos quadrinhos, começamos com uma análise da adaptação da história de Conan "A torre do elefante", passando pelo conceito de Gynoid no mangá "Hyper future vision", e até uma interpretação da jornada do herói a partir da saga "Estação das brumas" em Sandman. No campo da música, temos uma abordagem semiótica da capa do álbum "Artpop" da cantora Lady Gaga, e, na interface entre literatura e outras mídias, uma análise de adaptações da obra "The Witcher".

Para completar o livro, os ensaios tratam de representações da Grande Depressão em dois quadrinhos, além das obras de Chris Ware e, para concluir, uma reflexão sobre o papel de Jim Shooter no comando da editora Marvel Comics.

Para baixar, clique aqui.

De leitor a personagem: minha estreia em Tentáculos!

2026-10-31T18:02:44.471-03:00

Eu virei personagem de quadrinhos! O quadrinista Antonio Lima colocou o Ciberpajé e a mim como personagens da sua série Tentáculos. O que era apenas uma homenagem tornou-se um experimento criativo único: na próxima edição da revista, nós viraremos protagonistas e cada um vai escrever a sua própria versão da história, visitando um mundo alienígena. É uma honra enorme não só ser homenageado por esse grande artista, mas também participar desse divertido expereimento. A edição já está sendo desenhada e será lançada em breve!

Os novos “anarquistas”

2026-10-31T17:30:00.000-03:00

Quando eu participava do movimento anarquista em Belém, nos anos 1990, uma das discussões mais recorrentes era sobre a necessidade de auto-disciplina. Uma sociedade em que todos fossem auto-disciplinados não precisaria de disciplina imposta. O princípio básico dessa ideia era de que não se deve fazer nada que provoque dano ao outro. Se todos agem assim, qual a necessidade de uma autoridade dizendo o que as pessoas devem ou não fazer?

Há aspectos óbvios dessa visão: se o princípio básico é não fazer o mal ao outro, então eu não posso matar o outro. Mas esse princípio se estende a todos os outros aspectos da vida. Eu não jogo lixo na rua, por exemplo, pois sei que isso provoca enchentes que irão prejudicar outras pessoas (e talvez até a mim mesmo). Como Belém tinha pouquíssimas lixeiras, era comum, por exemplo, guardarmos embalagens na mochila até encontrarmos uma lixeira onde pudéssemos descartá-las.

Eu não bebo e dirijo porque sei que fazer isso coloca a vida de outras pessoas em risco. Eu tomo vacina porque sei que assim estou protegendo, além de mim mesmo, pessoas que não podem tomar vacina.

No Japão, uma sociedade em que as pessoas são acostumadas à auto-disciplina, se uma pessoa fica gripada, ela imediatamente coloca máscara para não infectar outras pessoas. Isso é a preocupação de não provocar o mau ao outro. Claro que numa situação de pandemia de uma doença respiratória, isso é ainda mais importante. Afinal, eu posso estar com sintomas leves ou até assintomático, e transmitir a doença para alguém que poderá morrer. É o princípio básico: eu devo evitar ao máximo provocar o mal a outra pessoa.

Mas nos últimos tempos tem surgido um novo tipo de “anarquismo”, totalmente desvinculado dos libertários históricos, que coloca a liberdade individual acima de tudo.

São pessoas, por exemplo, que defendem que o uso de máscara não seja obrigatório – porque elas querem andar sem máscara em plena pandemia. Defendem que vacinação não seja obrigatória – porque elas não querem tomar vacina em plena pandemia. Defendem que não existam limites de velocidade nas ruas e estradas – porque elas querem andar com seus carros à velocidade máxima possível, colocando a vida de outras pessoas em risco. Querem que o uso de cinto de segurança não seja obrigatório – porque querem passear por aí (em velocidade máxima) com todos dentro do carro sem cinto de segurança, incluindo crianças. Querem que não haja a proibição de consumo de bebidas álcoolicas para quem vai dirigir – porque querem beber e dirigir.

Enfim, são pessoas que acreditam que as necessidades e desejos individuais estão acima do bem coletivo.

Um ótimo exemplo dessa visão é a volta do sarampo. A doença estava erradicada no Brasil desde 1992. Como grupos resolveram reinvidicar o direito de não tomar vacina e não vacinar seus filhos, a doença voltou com tudo. E quem está morrendo são crianças, principalmente aquelas que ainda não estão em idade para vacinar. Mas são mortes suportáveis para aqueles que defendem a liberdade acima de tudo.

A morte te dá parabéns e o roteiro em loop

2026-10-31T17:20:00.000-03:00

O roteiro em looping é uma das estruturas narrativas mais interessantes.

Difícil descobrir quando foi inventado, mas há registro de tramas que vão e voltam desde a década de 1930, com uma história do Sombra, publicada em pulp fiction, em que um cientista à beira da morte revive continuamente o dia 31 de dezembro a fim se vingar do homem que o prejudicou. No filme britânico Dead of Night (1945), um arquiteto acorda com uma ligação. É um convite para verificar algumas reformas em uma casa, chegando lá encontra vários convidados e revela que viu a todos em um sonho recorrente ao mesmo tempo em que começa a antecipar acontecimentos. A trama se desenrola até o final dramático e novamente começa com o arquiteto acordando e recebendo a ligação.

Mas o recurso ficou realmente famoso com o filme Feitiço do tempo, de 1993 (roteiro de Danny Rubin e Harold Ramis, direção de Harold Ramis), com Bill Murray como protagonista que fica preso no dia da marmota, revivendo eternamente as mesmas 24 horas.

Mas muitos outros aproveitaram essa estrutura, que já apareceu em Simpsons, Arquivo X e no filme alemão Corra Lola, corra!
A mais nova incursão nessa estrutura narrativa é o filme A morte te dá parabéns, dirigido por Christopher Landon (de atividade paranormal) com roteiro do escritor de quadrinhos Scott Lobdell.
Na história Tree (Jessica Rothe) é uma patricinha convencida e arrogante, que trata mal e desdenha de todos que conhece e acaba sendo morta. Ela acorda no mesmo dia e acaba sendo morta novamente e isso várias vezes.
O grande desafio do roteiro em looping é manter o interesse do expectador, que corre o risco de se entediar com a redundância das repetições de trama. O segredo está em repetir a trama básica, mas ir introduzindo modificações que tornam a história interessante. E, ao mesmo tempo, criar marcações que mostrem desde o início que o dia está se repetindo. Ou seja: Tree irá acordar no quarto de um menino desconhecido, pede um remédio para dor de cabeça, sai, vê um casal ser molhado por regador automático, um carro disparar o alarme e um aluno desmaiar. E, ao final do dia, é morta. O que acontece no recheio desses dois extremos é o ambiente em que o roteirista trabalha as mudanças e aprofunda a personagem.
Embora tenha uma pegada de filme teen (o que talvez desagrade alguns), A morte te dá parabéns consegue manejar bem esses elementos entregando, inclusive uma virada final que fecha as pontas soltas e faz o expectador pensar: “nossa, era óbvio!”
Enfim, um filme que se segura pelo roteiro, algo raro nos dias atuais.

Perry Rhodan – Ameaça a Vênus

2026-10-31T14:52:00.000-03:00

Ameaça a Vênus é o 20º livro da série Perry Rhodan e narra os acontecimentos posteriores ao encontro de Perry Rhodan com o planeta Peregrino, que lhe concedeu o dom da imortalidade relativa. Ao voltar à Terra, Rhodan descobre que, enquanto estava no planeta, o tempo se passou de forma diferente. O que para eles eram um mês, na terra havia se passado mais de quatro anos. Nesse período, as outras potências tinham se mobilizado e o planeta estava de novo às vésperas de um conflito nuclear. Para piorar, o bloco oriental (a forma como a série chamava a União Soviética), envia centenas de foguetes para Vênus na tentativa de tomar a base da Terceira Potência lá.

O livro conta a forma como o herói lida com a invasão.

A diferença de tecnologia entre a frota do bloco oriental e da terceira potência (que conta com tecnologia arcônida) é tão grande que o tom na maior parte da obra é de humor involuntário.

A capa original alemã.

Ao invés de simplesmente bombardear os invasores, Rhodan resolve simplesmente passar com a nave no meio do acampamento. Como é explicado no próprio volume, a nave estava a uma velocidade de 15 km por segundo. A velocidade é tão grande que o ar não tem tempo de desviar da Stardust III. A compressão é tão intensa que as moléculas ficam ionizadas e emitem radiação. Ao mesmo tempo, há uma elevação rápida da temperatura.

Como resultado, o acampamento fica arrasado e os sobreviventes surdos. Daí vem uma das cenas que mais me chamaram a atenção à época: para se comunicar com seus subordinados, o Coronel Tomisenkow colocava a testa contra a testa do outro e falava. Os sons eram transmitidos através da vibração dos ossos do crânio! Confesso que esse tipo de informação inusitada era uma das coisas que me faziam apreciar a série.

Voltando à trama, a vida do coronel e dos sobreviventes não é nada fácil. Enquanto as tropas de Rhodan parecem caminhar tranquilamente por Vênus, as tropas russas sofrem todo tipo de ataque: lagartos alados (o pterodátilo que aparece na capa), tempestades monstruosas, formigas, ursos, aranhas gigantes, tapetes brilhantes que devoram quem se aventura a entrar em lagos... vênus parece um trem do terror em forma de planeta.

Talvez o escritor Kurt Mahr tenha percebido que pesou muito na mão e resolveu introduzir um elogio ao coronel russo: “Quase duzentos quilômetros percorridos a pé na selva de Vênus, e isso com uma pistola automática”, diz Derringhouse. “Esse homem é de tirar o chapéu”, conclui Rhodan.

Sargento Rock e a Companhia Moleza

2026-10-31T14:34:00.000-03:00

Quando surgiu, na revista G.I. Combat, o Sargento Rock chamou a atenção o suficiente para que os editores da DC Comics decidissem transformar ele num personagem recorrente.

Aparentemente a equipe original (o desenhista Joe Kubert e o roteirista Robert Kanigher) não estava disponível, de modo que quem ficou responsável por essa primeira história da série, publicada em Our Army of War 81, foram Bob Hanney no roteiro e Ross Andru no desenho.

Na história, intitulada “Rock e a companhia Moleza”, Hanney ignora completamente a HQ de origem do personagem enquanto, ao mesmo tempo, imita Kanigher.

Na história original, o sargento Rock era um ex-lutador que nunca permanecia caído por pior que fosse a situação. Isso foi representado naquela primeira história pela expressão: “Vamos... lute!”.

O sargento enfrenta um capitão de ferro nazista.

Na trama criada por Hanney, Rock enfrenta um militar nazista apelidado de Capitão de Ferro. “O Capitão Nazista era um homenzarrão... mais alto que seus maiores soldados”, dizia o texto.

Acontece que ele está enfrentando Rock, uma rocha inabalável, que aguenta qualquer tipo de ataque.

Até aí tudo bem, o problema é que ao invés de resgatar a experiência como boxeador, Hanney resolve arranjar uma outra profissão para Rock: “Eu trabalhava com fundição de aço. Você tem que ser forte para trabalhar com aço incandescente o dia inteiro!”, explica o sargento. E fica repetindo isso da mesma forma que na história original o personagem repetia o bordão Vamos.. lute: “Aço incandescente é pior!”, diz ele durante um ataque de morteiros. Hanney provavelmente usa essa metáfora pelo fato do capitão ser chamado um capitão de ferro.

O roteirista muda a origem do personagem.

Acontece que enquanto a metáfora original fazia sentido (um lutador que nunca é nocauteado torna-se um sargento que nunca é derrotado por pior que seja a sitação), a nova metáfora não faz. Afinal, em que sentido uma pessoa trabalhar com fundição de aço faria com que ela nunca fosse derrotada numa guerra?

Além disso, há sequências sem sentido. À certa altura o Capitão de Ferro manda bombardear a trincheria na qual está o sargento está. Um dos soldados diz: “Sargento, se eu estivesse armando minha arma teria sido atingido como os outros”. Como assim? Ele precisaria sair da trincheira para colocar munição na arma?

Além disso, o roteirista desperdiça a oportunidade de apresentar os integrantes da companhia moleza.

No número seguinte de Our Army at War Kanigher voltaria para mostrar como se faz.

A arte saudosista de Norman Rocwell

2026-10-31T08:35:00.001-03:00

Norman Rocwell foi o mais popular ilustrador norte-americano, em especial por causa das capas que fez para a revista The Saturday Evening Post durante mais de quatro décadas. Seus temas refletiam assuntos da época, como os direitos civis para os negros e a II Guerra Mundial, mas se destacavam principalmente pelos temas saudosistas. Em contraste com uma América que se industrializava e se tornava, aos poucos, a maior potência econômica do mundo, as imagens de Rocwell refletiam a pureza de outros tempos e a inocência das crianças. Quando morreu, milhares de pessoas compareceram ao seu funeral e sua casa foi transformada em museu, deixada exatamente como estava no dia de sua morte. Conheça o trabalho desse grande ilustrador e mergulhe em uma viagem repleta de saudosismo.

Quase famosos

2026-10-31T08:05:00.000-03:00

Um fenômeno comum nas bandas de rock eram as pessoas que acompanhavam as bandas em turnês, em especial garotas, fãs das bandas. Elas são o foco do filme Quase famosos, dirigido por Cameron Crowe e lançado em 2000.

A película acompanha a jornada de um garoto de 15 anos contratado pela Rolling Stones para fazer a cobertura de uma banda (a fictícia Stillwater) durante a turnês do grupo. Ele precisa lidar com várias situações, como a mãe superprotetora, a relação com os membros da banda, a descoberta da sexualidade e a paixão por uma das band girls, chamada de Penny Lane.

Esse mote parece pouco verossímil, afinal que revista contrataria um garoto de 15 anos para acompanhar uma turnê de um astros do rock? Mas isso de fato aconteceu com o diretor. Cameron Crowe tinha 15 anos quando começou a escrever para a Rolling Stones e de fato acompanhou a turnês de uma banda da qual era fã, a Led Zepellin.

O filme, então, ganha uma aura autobiográfica. Mas, por outro lado, isso parece ter deixado o diretor em uma situação confortável, fazendo com que a direção fosse comportada e pouco inovadora. Confesso que esperava algo muito mais revolucionário e dinâmico de um filme sobre uma turnê de uma banda de rock.

Há alguns ótimos momentos, como a viagem de avião em que todos acreditam que irão morrer e começam a contar confidências, e o filme no geral não decepciona, apesar de esteticamente comportado.

O roteiro parece ser a grande força por trás dessa obra. A relação do jovem jornalista com um dos vocalistas da banda e com a garota Penny Lane é muito bem desenvolvida, formando um curioso triângulo amoroso.

Homem-Aranha 2099 – O Início

2026-10-31T07:32:00.000-03:00

Em 1992, a Marvel Comics resolveu lançar uma vertente ousada de seus personagens situando-os em um futuro sombrio, corporativo e tecnológico. Como carro-chefe dessa nova linha editorial, foi escolhido o herói mais popular da casa: o Homem-Aranha. Para o roteiro, a editora escalou Peter David, que vinha de uma aclamada fase à frente do Hulk e já havia assinado histórias marcantes do aracnídeo. Para os desenhos, o escolhido foi Rick Leonardi, muito conhecido dos leitores brasileiros pela cultuada minissérie Manto e Adaga. Na arte-final, a produção contava com Al Williamson, um dos grandes nomes históricos da lendária EC Comics.

A sequência inicial ambienta a história...

Ou seja, tratava-se de um verdadeiro time dos sonhos que não decepcionou, como fica evidente logo na primeira história do título. A HQ já se inicia com uma sequência eletrizante na qual essa nova versão do herói é perseguida de forma implacável por autoridades em patrulhas aéreas. No mesmo cenário, garotos flutuam em um veículo civil sobre os arranha-céus da cidade. Um deles teme que sejam capturados, enquanto o outro retruca com deboche: “Os voadores nunca vêm tão alto. Eles não gostam dos ventos transversais. São um bando de covardes”. De repente, um dos jovens aponta para o horizonte e questiona: “Que pau é aquilo?”.

A imagem abre então em uma página dupla espetacular, com o protagonista em primeiro plano, sendo caçado por policiais em motos voadoras, sob os olhares atônitos e a admiração dos adolescentes.

... e mostra o personagem de forma espetacular.

Um dos oficiais esbraveja na direção dos jovens: “Vocês aí, pirralhos no Sussurro 3000... deixem esta área imediatamente! Todos os veículos desse tipo são proibidos no centro da cidade! Seu registro foi anotado! Voltem para casa imediatamente, onde seu veículo será confiscado!”.

O trio de autores consegue, em apenas três páginas de introdução, criar uma imagem de forte impacto plástico, ambientar com precisão o novo universo (estabelecendo que carros e motos flutuantes são elementos corriqueiros daquela sociedade), caracterizar o vigilante como alguém caçado pelo sistema e, ao mesmo tempo, determinar que se trata de um futuro distópico.

Um recado na agenda informa o leitor que o protagonista é viciado em uma droga.

Seguem-se mais quatro páginas de pura ação, nas quais o herói usa sua agilidade para driblar e subjugar os perseguidores, até que a narrativa finalmente nos conduz à identidade secreta por trás da máscara. Neste ponto, Peter David exibe novamente sua maestria narrativa. Em vez de recorrer ao clichê de interromper o ritmo para contar a origem do personagem por meio de um texto estático, ele cria um contexto orgânico. O herói desta realidade alternativa chama-se Miguel O’Hara, um jovem e brilhante cientista. Ao retornar ao seu apartamento após a caçada policial, um holograma doméstico em formato de uma bela mulher o recepciona e passa a reproduzir os recados recebidos. É a mensagem gravada de sua namorada que serve de gatilho para o flashback que detalha a origem do personagem.

Um recado da namorada é o gancho para o flasblack.

Miguel trabalhava nos laboratórios de aprimoramento genético da poderosa megacorporação Alchemax. Após uma das cobaias humanas sofrer uma mutação grotesca e falecer, O’Hara decide formalmente abandonar o projeto. Para impedir a demissão do cientista e mantê-lo sob controle, o inescrupuloso dono da empresa o sabota, oferecendo-lhe um vinho batizado com uma droga sintética chamada Êxtase — uma substância altamente viciante cuja produção e distribuição são monopólio exclusivo da própria Alchemax. Desesperado para se livrar da dependência química forçada, Miguel invade os laboratórios e submete-se ao maquinário de recombinação genética que ele mesmo criara, abastecido com seu código biológico original e seguro. Contudo, um cientista rival altera os parâmetros do sistema na tentativa de assassiná-lo, misturando o DNA de Miguel com o código genético de uma aranha. O protagonista não apenas sobrevive ao atentado como emerge da cabine dotado de habilidades aracnídeas ampliadas.

Nessa realidade, Miguel O´Hara é um garoto prodiígio que pretende criar um novo Homem-Aranha.

O título Homem-Aranha 2099 mostrou-se revolucionário e disruptivo em diversos aspectos, destacando-se principalmente por abordar temas melindrosos e densos na época, como o narcotráfico corporativo e até mesmo a violência doméstica — retratada no momento em que Miguel, sob a terrível crise de abstinência e o efeito da droga, reage de forma agressiva contra a própria namorada. Essa coragem temática, aliada à excelência da equipe criativa, garantiu à revista o posto de publicação mais longeva e bem-sucedida de toda a linha Marvel 2099.

Comandos em ação

2026-10-30T20:58:00.001-03:00

As origens do desenho Comando em ação remontam ao ano de 1964, quando a Hasbro lançou um boneco articulado de um soldado, que fez grande sucesso com os garotos durante muito tempo – foi provavelmente o primeiro, senão o primeiro boneco destinado a esse público (antes só existiam bonecas para meninas).

Na década de 1970, a impopularidade da Guerra do Vietnã fez com que a Hasbro pensasse em um universo mais fantástico e ficcional, para distanciar o personagem das guerras reais. Nesse mesmo período a crise do Petróleo fez com que o preço do plástico se tornasse proibitivo para bonecos maiores. Assim, a empresa lançou uma linha de bonecos menores e contratou a Marvel para produzir histórias em quadrinhos com os personagens.

O escolhido para escrever a revista foi Larry Hama, que tinha sido militar e tinha uma ideia sobre um grupo de elite comandado por Nick Fury que combateria terroristas da Hidra. Só foi adaptar o projeto, mudando Hidra para Cobra (ideia de Archie Goodwin) e criar os novos personagens. Assim surgiu G.I. Joe: A Real American Hero. A revista fez um enorme sucesso, chegando a mais de 150 números.

A proposta era lançar também um desenho animado, que ficou sob responsabilidade da Marvel e da Sunbow, uma subsidiária da Sony.

Conhecido no Brasil como Comandos em Ação, o desenho contava com um time misto de personagens carismáticos lutando contra uma organização terrorista composta de vilões extravagantes, a começar pelo próprio líder, Cobra, um homem que jamais tirava a máscara, aparentemente por ter um rosto deformado, ou Destro (conseguem pensar num nome melhor para um vilão?), um homem com pele metálica.

O desenho conseguia superar as limitações, como a proibição de exibição de violência real (o que certamente era um problema num desenho desse tipo) com criatividade e bom humor, produzido episódios que conquistaram a garotada.

Um exemplo disso é o episódio “Luz, câmera, ação”, escrito por Buzz Dixon (que também chegou a escrever algumas histórias do gibi). Na trama, um estúdio está produzindo um filme sobre G.I. Joe, mas o diretor quer dar realismo para as cenas, de modo que chamam alguns dos combatentes do grupo para atuarem nas cenas. Ocorre que os produtores estão usando equipamentos do Comando Cobra confiscados, entre eles um avião que tem um mecanismo que permitira a localização do quartel general do vilão.

Assim, vários personagens do grupo Cobra se infiltram no filme, fazendo-se passar por atores com objetivo de recuperar o avião, o que gera uma verdadeira “comédia de erros”, já que os G.I. Joe não sabem que estão combatendo os verdadeiros vilões.

Em meio à muita pancadaria e tiroteios (nos quais ninguém nunca sai machucado), há cenas de humor, como quando um ataque real dos cobras é festejado pelo diretor como uma ótima cena de ação para seu filme para logo depois descobrir que todas as suas câmeras foram destruídas durante o ataque.

No total, a série teve quase 150 episódios, fora os filmes.

Minha fama de mau

2026-10-30T14:51:00.000-03:00

Minha fama de mau é o nome de uma das músicas mais emblemáticas de Erasmo Carlos. É também o título da cinebiografia do cantor, dirigida por Lui Farias, disponível na Netflix.

O início já deixa claro o tom do filme. Alguns amigos vão roubar canos de metal de uma casa abandonada e são pegos pela polícia. Quando estão sendo revistados, se deparam com uma festa onde jovens dançam ao som de rock. A sequência eletrizante inclui desde música da época até desenhos dos personagens. No grupo estavam dois nomes fundamentais para a música brasileira: Erasmo Carlos e Tim Maia.

Além de desenhos, o filme inclui a quebra da quarta parede, com o próprio Erasmo aparecendo diante das câmeras para comentar ou apresentar fatos de sua vida – o que aqui, só contribui para o clima geral de euforia da jovem guarda. Como é uma narrativa do próprio Erasmo, há uma condencedência óbvia. Tudo é visto como maravilhoso, como as lembranças de alguém que viveu seus momentos mais felizes no ritmo do iê-iê-iê.

Há momentos curiosos, como a relação conflituosa e ao mesmo tempo harmoniosa com Tim Maia, que lhe ensina os três acordes com os quais ele compõe a maioria dos seus sucessos, ou quando ele vê a oportunidade de substituir Carlos Imperial na rádio e usa o espaço para fazer propaganda... de Erasmo Carlos.

A narrativa também inclui inserts do programa de rádio Mexericos da Candinha e uma entrevista em um programa de TV na qual nitidamente os entrevistadores são avessos à jovem guarda.

Chay Suede tem uma boa atuação como Erasmo, mas eu destacaria Gabriel Leone, que faz um Roberto Carlos muito mais simpático do que Roberto Carlos jamais foi. Como essa é uma narrativa feita pelo melhor amigo de Roberto, faz todo o sentido. Não é por acaso que o filme termine exatamente com a reconciliação dos dois após o ocaso da jovem guarda.

Embora seja um bom final, ele acaba deixando de fora uma das fases mais efervecentes do protagonista, a década de 1970.

Minha fama de mau pode não ser um retrato realista da jovem guarda, mas certamente é um filme divertido, com boas cenas musicais.