La seconda edizione del Felice Film Festival si è conclusa nel migliore dei modi possibili. Più di 400 persone hanno affollato gli spazi del festival nelle sue cinque giornate di eventi e proiezioni (tra la sede dei meravigliosi pirati del Chuormo, le poltrone del cinema Greenwich e gli spazi di Interno9) e l’affluenza e l’interesse per questo tipo di progetto è la prova ufficiale che pensare un cinema diverso è possibile. Un cinema davvero indipendente, davvero “dal basso”, davvero mosso da passione, amore e rispetto reciproco. Un cinema davvero felice, nel senso più puro del termine.

Qui di seguito, i vincitori delle varie sezioni del Felice Film Festival 2026:

Experimental:
“Flâneurs” di Ivano Lollo (Miglior Film Experimental)
“Night Blooms” di Giulia Di Maggio e Giovanni Di Giandomenico (Menzione Speciale Experimental)
“In the quiet of longing” di Iris Cecilia Auguste, Beatriz Moreira, Giulia Miceli (Premio del pubblico Experimental)

Documentary:
“How many lovers can you fit inside a house?” di Maya Sfakianaki (Miglior Film Documentary)
“Asparagus Dead, Cherries Red” di Nina Moog, Elisabeth Wilke (Menzione Speciale Documentary)
“Milano Infetta” di Tommaso Cohen (Premio del pubblico Documentary)

Animation:
“Asceso” di Jacopo Iebba (Miglior Film Animation, Premio Distribuzione Red Couch Pictures)
“On Weary Wings Go By” di Anu-Laura Tuttelberg (Menzione Speciale Animation)
“Everblind” di Camillo Sancisi (Premio del pubblico Animation)

Fiction:
“Closed Oyster Can’t Speak” di Leonard Rääf (Miglior Film Fiction)
“Una faccia da cinema” di Alberto Salvucci (Menzione speciale Fiction)
“Erant” di Enrico Granzotto (Premio del Pubblico Fiction)
“Pour ce que ça vaut” di Francesco Maccarone (Premio Chuormo)

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Se c’è una cosa davvero affascinante del graphic design è la capacità di bilanciare e combinare lettere e immagini, disegni e parole, movimenti e pensieri. Lo sa bene Wonnu Joke, graphic designer coreano che con le sue illustrazioni riesce, in modo chiaro e mai banale, a veicolare messaggi incredibilmente semplici ma altrettanto efficaci.

Le parole, per Wonnu Joke, sono parte integrante dell’illustrazione e diventano funzionali al racconto e all’esperienza, cambiano forma a secondo delle esigenze e si trasformano facilmente in veicolo chiaro, pulito – ma mai scontato.

Per Wonnu Joke le immagini devono essere dirette, i messaggi facilmente raggiungibili, i contenuti mai particolarmente strutturati. Ed è forse qui che si nasconde gran parte del suo successo.

Trovate le sue opere qui e qui. E se volete comprare le sue stampe potete farlo su DROOL.

Via.

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Se non avete mai sentito parlare di Chuormo allora è da qui che dovreste cominciare.

Il Chuormo è un collettivo cinematografico, una produzione indipendente (sul serio) che scrive, produce e distribuisce i suoi lavori autonomamente. Sotto una bandiera pirata, come sostengono loro – e fanno bene a specificarlo. La loro sede fisica è nel cuore di Testaccio a Roma, ma la loro anima pulsa per tutta la città e non solo.

Lo scorso anno, Chuormo ha lanciato la prima edizione del Felice Film Festival. Il claim dice tutto: Festival di Cinema felice – ma vedremo anche film tristi. Perché si può essere felici anche tra le lacrime, in fondo. Purché si sia liberi di farlo.

Quest’anno, il Felice Film Festival torna a tappezzare la città dei suoi smiley, dal 20 al 24 Maggio 2026, con una programmazione variegata e super interessante, dedicata ai cortometraggi e suddivisa in quattro categorie: Documentari, Animazione, Fiction e Sperimentale.

Tre saranno, invece, le sedi dove poter seguire le proiezioni e gli eventi collaterali del festival:

Greenwich Multisala | Via Bodoni 59 (Roma)
Interno 9 | Viale Bruno Buozzi 102 (Roma)
Chuormo | Piazza S. Maria Liberatrice 36b (Roma)

Sabato 23 Maggio 2026 dalle ore 19, il Tram Depot di via Marmorata 13 (Roma) ospiterà il Felice Party.

Sul loro sito ufficiale trovate tutte le info utili sia per scoprire che realtà incredibile si cela dietro Chuormo, sia per rimanere aggiornati sulle giornate del Festival.

Chuormo APS

Felice Film Festival | Instagram

Chuormo | Instagram

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Ci sono mille modi per raccontare un film: lo si fa attraverso news, recensioni, commenti, trailer. Le locandine, però, sono forse il mezzo più affascinante per mettere in scena – in modo sia letterale che figurato – la magia del cinema. Dentro, in fondo, c’è tutto: gli elementi principali di un film, il messaggio principale veicolato dall’idea dell’autore, la rappresentazione ideale o reale dei suoi protagonisti – non necessariamente in carne ed ossa.

E in un tempo in cui le locandine sono ormai principalmente fotografiche, artisti come SDV (nome d’arte di Simone Del Vecchio) decidono di tornare alle origini, immaginando prima e disegnando poi le locandine più belle della storia del cinema.

Il 24 Aprile non prendete impegni: a Roma, al Pigneto, va in scena il cinema come non lo avete mai visto. Le locandine dipinte a mano da SDV dei film che hanno fatto la storia saranno esposte da Spazio Cosmo Venerdì 24 Aprile – e saranno esposte per tutto il mese di Maggio.

Se siete a Roma e vi va, siete invitati al Vernissage di una mostra che celebra il legame indissolubile tra cinema e illustrazione. Un viaggio tra colori saturi, geometrie iconiche e reinterpretazioni uniche.

Venerdì 24 Aprile
Via Giovanni de Agostini 25 – Spazio Cosmo
Ore 19:00

In programma:
Inaugurazione ufficiale della mostra.
Incontro esclusivo con l’artista SDV.
Aperitivo di benvenuto.

Per ammirare l’arte di SDV c’è il suo profilo Instagram.
A questo sito, invece, potete acquistare i suoi prodotti.

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Gli amanti dei colori non possono perdersi questa nuova uscita: MONACELLI PRESS, casa editrice specializzata nella cura di volumi dedicati al mondo delle arti visive, ha lanciato in pre-order Rainbow Dreams: Color and Light in Contemporary Art, una raccolta di opere d’arte legata al colore in ogni sua forma, con più di 200 artisti contemporanei a riempirne le pagine.

Dai motivi floreali di Takashi Murakami fino ai famosissimi polka dots di Yayoi Kusama, Rainbow Dreams è un viaggio incredibile – e in certi casi anche psichedelico – nello spettro cromatico, sfumatura dopo sfumatura.

Il lettore scoprirà, una pagina alla volta, in quanti modi si può declinare il colore e in quanti materiali è possibile raccontare l’arte, dai dipinti su tela fino alle sculture monumentali, passando per le installazioni al led.

Tutto è possibile nel mondo dei colori – anche l’impossibile.

Puoi pre-ordinarlo su Phaidon Shop oppure su HHV.

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Aprile, dolce dormire. O forse no? E se su internet spopolano quasi solo le top dieci dei film appena usciti e da non perdere (o le top cinque dei film del passato impossibili da – non – recuperare), ecco tre film da vedere sulle piattaforme di streaming – rigorosamente in ordine sparso.

We’re All Going to the World’s Fair (2021, di Jane Flannery Schoenbrun)

E pensare che i creepypasta erano un fenomeno bistrattato di quella faccia dell’internet che molti faticano, ancora oggi, a guardare senza giudizio.

Eppure We’re All Going to the World’s Fair parla proprio di questo: in che modo la solitudine adolescenziale (e non solo) spinge le persone a compiere gesti più o meno estremi per mettere a tacere la voce interiore del dolore e dell’inadeguatezza.

Forse non è una domanda – magari è solo una constatazione.

Senza fronzoli, nè pretese, il primo lungometraggio di Jane Flannery Schoenbrun (già regista di I Saw the TV Glow, uscito nel 2024, con vibes molto simili a questo film, ma un approccio decisamente più maturo) è disponibile su MUBI Italia.

Late Night with the Devil (2024, di Colin & Cameron Cairnes)

Questo è un territorio già battuto ed esplorato nel cinema horror: un found footage di un programma televisivo fa riemergere una storia cupa e inquietante, fatta di demoni (reali o presunti – o interiori) e di misteriose possessioni avvenute durante una diretta TV. Cosa è vero e cosa non lo è non sta a noi decidere – e forse non è neppure importante – ma quel che è certo è che tenere lo sguardo su ciò che accade sullo schermo è davvero complicato.

Con lo sguardo apparentemente spento di chi si porta appresso un drammatico presagio di morte, il conduttore televisivo (interpretato qui da uno degli attori più interessanti della sua generazione, David Dastmalchian) accompagna lo spettatore, e forse anche se stesso, negli abissi più profondi della paura. E’ su Netflix, ma non guardatelo al buio.

Cherry (2021, di Anthony & Joe Russo)

Complesso, complicato, profondamente vero. Cherry è apparentemente diverso dai soliti film dei fratelli Russo (la premiata ditta – ahimè- dei supereroi al cinema), ma in realtà porta sulla superficie qualcosa che era già piuttosto evidente nella loro ricerca linguistica: provare a elevare un genere spesso visivo e poco strutturato, andando a fondo di una profondità certamente presente – ma quasi mai davvero tangibile.

Cherry, in fondo, è proprio questo: un film che parla di coraggio, eroismo e patriottismo (per certi versi), ma anche un film che parla di paura e vulnerabilità, di amore che sfida ogni cosa e dipendenza da qualcosa che poteva ucciderti ma ti teneva in vita.

Prodotto e distribuito da Apple+ nel 2021, Cherry è tutt’ora disponibile nel catalogo dei film originali della piattaforma. Anche in Italia.

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Dodicesimo album in studio di Kanye West, BULLY (stilizzato in giapponese come ブリー) ha avuto una gestazione lunghissima e diversi ritardi sulla tabella di marcia – come solo Kanye West sa complicare le cose.

L’attesa, tuttavia, è stata ampiamente ripagata dalle tracce presenti sul disco, che vantano collaborazioni come CeeLo Green e Travis Scott – ma soprattutto l’incredibile progetto fotografico di Daidō Moriyama, che vede come protagonista il figlio di Kanye West, Saint. Il nome del disco, infatti, è ispirato a fatti realmente accaduti, in un periodo in cui il piccolo Saint era spesso oggetto di schermo e bullismo da parte dei suoi coetanei – soprattutto a scuola.

Ispirata a un fotogramma tratto da un cortometraggio sperimentale chiamato Ori, diretto da Shûji Terayama nel 1964, la copertina di BULLY di Kanye West ha un riferimento culturale ben preciso: il rituale giapponese dell’ohaguro, in cui le donne erano solite tingersi i denti di nero come rito di passaggio dalla giovinezza all’età adulta. Il grill usato per lo scatto, invece, è di Omar Alvarado, gioielliere e designer per Don Rosé.

Moriyama parte dalla sua tradizione, dunque, per dare vita a qualcosa di moderno e potentissimo, avvalendosi della sua stessa cifra stilistica, fatta di grana, contrasti, sfocature e un’estetica quasi giornalistica.

Il graphic designer Shane Ramos ha realizzato per questo progetto delle artwork pazzesche: alcune le trovate qui sotto.

Lo hai già ascoltato? Qual è la tua canzone preferita?

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In una notte come tante del 2019, su 4chan, un utente posta una fotografia di uno spazio vuoto, circondato da pareti gialle, moquette e luci al neon. Nessun messaggio, nessun contesto, niente di niente. Insieme alla foto appare una didascalia:

If you’re not careful and you noclip out of reality in the wrong areas, you’ll end up in the Backrooms.

Se non stai attento e fai noclip fuori dalla realtà nelle zone sbagliate, finirai nelle Backrooms. Laddove per noclip intenderemo il comando che permette ai videogiocatori di rendere le pareti attraversabili, mentre le Backrooms sono un luogo misterioso in cui si rischia di finire se si sceglie di seguire il proprio istinto.

La pagina originale da qui tutto è partito dovrebbe essere questa.

In poco tempo, la foto diventa virale e si trasforma in creepypasta, un racconto horror ispirato ai copypasta, leggende metropolitane virtuali che passano di mano in mano – e di tastiera in tastiera – grazie alle elucubrazioni fantasiose degli utenti online. Da quel momento, le Backrooms diventano un non luogo (in)definito – ma anche infinito – dove si finisce per sbaglio e involontariamente, scivolando pericolosamente al di fuori della realtà.

Due anni dopo, nel 2021, Kane Parsons (youtuber di appena 16 anni, noto anche come Kane Pixels) parte da quella foto per dare vita a qualcosa di completamente nuovo. Per farlo, chiede aiuto a Blender, un software 3D gratuito che permette agli utenti online di creare autonomamente progetti 3D – talvolta anche di ottima fattura.

Kane Pixels aveva già sentito parlare di queste Backrooms qualche anno prima: nel 2022, quindi, pubblica su YouTube un video di circa 9 minuti, The Backrooms (found footage), in cui un gruppo di ragazzi scoprono per puro caso un complesso di spazi liminali e inquietanti apparentemente abbandonati.

Oggi, il video di Kane Pixels conta più di 73 milioni di visualizzazioni.

Nonostante la sua giovanissima età, Kane Pixels si accorge del potenziale del suo progetto e decide di trasformarlo in una vera e propria saga, che ruota attorno ad Asynch, un istituto di ricerca alla base della scoperta di queste Backrooms, che a cavallo tra gli anni Ottanta e Novanta comincia a studiarne il fenomeno. Nel giro di poco tempo, la serie di Backrooms fa il giro del mondo e diventa un vero e proprio culto: l’estetica volutamente analogica – e found footage, appunto – ideata da Kane Pixels è un tuffo nel subconscio, in cui raffiorano ricordi traumatici e la memoria gioca scherzi spiacevoli.

Dopo la pubblicazione del primo video, Kane Pixels riceve diverse proposte economiche per trasformare il suo progetto in un vero e proprio film. Un anno dopo, nel 2023, la A24 ne annuncia l’adattamento cinematografico, in collaborazione con 21 Laps, Chernin Entertainment e Atomic Monster – e con James Wan e Shawn Levy come produttori esecutivi. All’età di 20 anni, Kane Pixels diventa il regista più giovane ad aver mai collaborato con A24.

In uscita il 27 Maggio 2026 in Italia (negli USA arriverà due giorni dopo), Backrooms seguirà le vicende di un ospedale psichiatrico, i cui dipendenti si mettono alla ricerca di un paziente scomparso, rinvenendo loro malgrado un mondo parallelo nascosto, fatto di mura giallognole, pavimenti di moquette e ronzii fastidiosi e inquietanti.

Se non vi bastasse, vi lasciamo qui un altro found footage realizzato da Kane Pixels – così, giusto per impostare meglio il mood e darvi una buona ragione per non dormire stanotte.

Viviamo tempi bui, ma altrettanto incredibili: tempi in cui anche un ragazzino adolescente con un account su Blender può diventare un regista di successo e realizzare un film prodotto e distribuito da una delle case di produzione cinematografiche più interessanti degli ultimi tempi.

Il trailer di Backrooms lo trovate qui:

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Chi avrebbe mai immaginato Poltrona Frau e Shepard Fairey nella stessa frase? Figurarsi, poi, sulla stessa sedia. Eppure è questo uno dei progetti più interessanti presenti alla prossima Milano Fashion Week: Archibald “Delicate Balance” Limited Edition, una rivisitazione artistica e creativa di una delle poltrone più iconiche del design italiano – e di Poltrona Frau, appunto.

La street art politicamente impegnata si fa megafono, dunque, per raccontare e reimmaginare la tradizione italiana, in cui il design torna alla sua primaria natura, quella di portare l’uomo al centro della stanza, mettendolo in relazione al suio ambiente.

Il rapporto tra uomo e natura, qui, assume una connotazione particolare: la Archibald Armchair di Jean-Marie Massaud è ancora oggi, quasi 20 anni dopo la sua creazione, uno degli accessori di design più interessanti e apprezzati del catalogo di Poltrona Frau. Grazie al genio di Shepard Fairey, le sue linee prendono vita e virano in una direzione tutta nuova: il titolo scelto da Fairey, Delicate Balance, diventa omen nomen e simbolo esplicito del delicato rapporto che si intreccia tra uomo e natura.

Figure allegoriche, fiori e uccelli si intrecciano in una grafica stratificata – tipica della poetica di Shepard Fairey – che abbraccia totalmente la sedia, mentre al centro della composizione c’è una figura femminile che somiglia a Madre Natura.

Il legame con la natura si fa ancora più forte ed esplicito, grazie alla collaborazione con Treedom, la piattaforma che da anni si impegna a piantare alberi sotto forma di regalo, nella speranza di sostenere le comunità agricole in giro pe ril mondo. Per ogni vendita della Archibald Armchair in limited edition, Treedom pianterà due alberi di caffè nella regione di Huehuetenango, in Guatemala.

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C’è un momento preciso della nostra vita in cui siamo più vulnerabili, più esposti a critiche, giudizie e bullismi e in cui rischiamo di perderci completamente di vista. La pre-adolescenza, che corrisponde generalmente alle scuole medie italiane, sono una fase molto delicata della crescita di ognuno, in cui i ragazzi (in fondo ancora bambini, ma grandi abbastanza per comprendere la differenza tra bene e male) si dividono in due coalizioni perfette di bulli e bullizzati, di vittime e carnefici. In molti casi, quei ruoli possono diventare interscambiabili.

L’esordio al lungometraggio di Charlie Polinger, The Plague (2025), parte da questo assunto fondamentale per raccontare una storia molto più intima e profonda, che nasce dalle camerate di un campo scuola estivo e si diffonde a macchia d’olio proprio come una peste bubbonica. Una malattia nascosta, visibile o meno poco importa, ma ugualmente pericolosa e figlia di una cultura che opprime, ingabbia, giudica, distrugge – senza pietà.

Nel film di Polinger, tratto da un suo cortometraggio del 2018, The Sauna, la peste è una palese metafora sociale, in cui lo spettatore non è mai portato a chiedersi se la malattia di uno dei protagonisti sia reale o presunta (non è necessario saperlo). La pubertà, l’età dello sviluppo, il momento più delicato della crescita di un individuo, è in fondo la vera piaga di questo film, con tutte le sue tossicità e tutte le fragilità del caso.

L’escalation di crudeltà e bullismo che avvolge la pellicola hanno un retrogusto amaro che somiglia pericolosamente alla realtà: il film ha sicuramente una forte accezione metaforica, ma allo stesso tempo è un quadro perfettamente lucido della gioventù. Quello che inquieta e forse disturba è che il film è ambientato nei primi anni del 2000, ma è una storia che potrebbe essere raccontata negli anni Ottanta o nel 2026 – e avrebbe ugualmente lo stesso impatto emotivo e sociale.

La mascolinità tossica tipica del cameratismo da trasferta, la pressione sociale che richiede un’aderenza quasi perfetta e impeccabile a dettami sociali specifici, il corpo che diventa manifesto e strumento, da un lato di vergogna e dall’altro di violenza, sono il fondamento di questo racconto, al punto che lo stesso Polinger ha dichiarato di voler “catturare un terrore sociale e una vulnerabilità del corpo in un modo difficilmente visibile nei film con protagonisti maschili”. Non è un caso, quindi, che le sue fonti di ispirazione principali siano stati film come The Shining o Full Metal Jacket.

Non un semplice film sul bullismo, quindi, The Plague è un piccolo – ma preziosissimo – trattato sul voyeurismo di chi osserva inerme una violenza perpetrata e sull’impotenza di chi subisce o perpetra un dolore.

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