IL MIO MONDO DELLA LETTURA

“Pigmalione” di George Bernard Shaw

2024-06-25T10:54:00.058+01:00

George Bernard Shaw

opera

Pigmalione” (“Pygmalion”) è un’opera teatrale scritta da George Bernard Shaw nel 1912 e messa in scena a Londra solo nel 1914. Quest’opera è famosa per aver dato origine a una famoso musical con Julie Andrews nel 1956 e un film con Audrey Hepburn nel 1964.

Cos’è “Pygmalion”

Eliza Doolittle è una fioraia di strada che attira l’attenzione di Mr Higgins, docente di fonetica. Quando lei si presenta da lui e gli commissiona di insegnarle a parlare correttamente per permetterle di trovare un lavoro migliore, lui coglie l’occasione per un esperimento sociale: in sei mesi farà di lei una duchessa. Come il Pigmalione del mito, Mr Higgins è convinto di trasformare una statua in una persona vera.In effetti così avviene, dal punto di vista linguistico: Eliza è perfetta nei modi e nella pronuncia, eppure inizia ad assomigliare a un automa. E siccome un automa non è, si sente meno sottomessa e inizia a chiedersi quale sia il suo posto nella vita di Mr Higgins e soprattutto nella propria.

Punti di forza

La fruizione migliore di quest’opera teatrale è naturalmente in lingua originale, perché assistiamo all’evoluzione della protagonista tramite la sua padronanza della lingua e soprattutto della fonetica. I personaggi sono contraddistinti dal loro modo di parlare. La vicenda si sviluppa in toni tragicomici, perché Mr Higgins, che è tanto sicuro di sé fino alla boria, si dimostra rude e miope, granitico nella divisione dei ruoli e delle classi sociali. Questa sua personalità non gli permette nessun cambiamento e nessun miglioramento.

“La differenza tra una signora e una fioraia non è in come si comporta, ma in come viene trattata”.

Il tema centrale è il rapporto uomo-donna dal punto di vista sociale e domestico. Nel 1912 siamo in pieno movimento suffragette: in Gran Bretagna le donne otterranno il diritto di voto solo nel 1928.Mr Higgins gestisce Eliza come un esperimento; è indicativo che, nel vantarsi dei suoi ultimi progressi, parli di lei in terza persona come se non ci fosse. Ora che Eliza si sente meno inferiore perché ha più strumenti culturali ha anche il coraggio di esprimere la sua opinione e anzi di prendere una decisione: questo coglie di sorpresa il granitico mentore, che continua a ritenerla inferiore e a trattarla come tale. Ed è formativo per noi che guardiamo.

Però, però, però…

Il linguaggio usato è del primo Novecento e molto colloquiale; chi si dovesse avventurare nell’ascolto o nella lettura dell’opera in inglese deve tenerne conto. Ciò non toglie che, anche se nella migliore trasposizione in italiano dovessero perdersi alcuni aspetti linguistici, il messaggio sociale arriverebbe forte e chiaro.L’opera teatrale “Pygmalion” può essere considerata l’evoluzione moderna del vittoriano “Casa di bambola”, dove si rifletteva sul diritto della donna a pensare a sé stessa e a non sacrificarsi per la famiglia. In “Pygmalion” la prospettiva è più ampia: non viene esclusa la possibilità che Eliza ottenga il lavoro (e quindi l’autonomia) che l’ha spinta a cercare un’educazione migliore, però ci si aspetta ancora che la donna porga le pantofole all’uomo che rincasa dal lavoro.

Cristina Mosca

Secondo il mito raccontato da Ovidio (I secolo) nelle Metamorfosi, Pigmalione era un artista cipriota (in altre versioni il re di Cipro), che scolpì un nudo femminile talmente affascinante da innamorarsene. Dopo aver dormito diverse notti accanto alla sua opera, Pigmalione si recò al tempio della dea Afrodite chiedendo che trasformasse la scultura in fanciulla. Afrodite acconsentì e Pigmalione poté sposare l’ex statua.

MITO MODERNO

Il racconto mitologico fu poi ripreso dal drammaturgo irlandese George Bernard Shaw, che nella commedia Pygmalion (1913) racconta la storia di un professore di dizione che decide, per scommessa con un amico, di insegnare le buone maniere a una giovane fioraia, al fine di trasformarla in una raffinata signora dell’alta società. Dalla commedia fu tratto il musical My Fair Lady (1956), con Julie Andrews nel ruolo della fioraia e Rex Harrison in quello del professore. Seguito nel 1964 dall’omonimo film con Audrey Hepburn.

FILM: MY FAIR LADY

My fair lady film del 1964, diretto da George Cukor con Audrey Hepburn, Rex Harrison e Stanley Holloway.

Il soggetto è tratto dall'opera del commediografo George Bernard Shaw del 1913 dal titolo Pigmalione (ispirato all'omonimo mito narrato nelle Metamorfosi di Ovidio, che narrava la storia dello scultore che si era innamorato a tal punto della statua che aveva creato che ottenne dagli Dei che si trasformasse in una donna, di nome Galatea).

Nel 1938 era stato realizzato un film dal titolo Pygmalion con Leslie Howard (Ashley di Via col vento, se non avete letto il post sul mio film preferito lo trovate qui) che veste i panni di Mr. Higgins e che vinse l'Oscar come Miglior sceneggiatura.

Da questa commedia nel 1956 viene tratto un Musical per Broadway scritto da Alan Jay Lerner con protagonisti Rex Harrison, Stanley Holloway e Julie Andrews.

Londra nell'età Edoardiana

Pettinature, acconciature, cappelli e moda in Età Edoardiana (1901-1910)

L'Età edoardiana nel Regno Unito è il periodo che coincide con il regno di Edoardo VII , (1901 - 1910). La morte della Regina Vittoria il 22 gennaio 1901 e la successione al trono del figlio primogenito, Edoardo, segnò l'inizio di un nuovo secolo e la fine dell'Età vittoriana. Mentre Vittoria rifuggiva la società, Edoardo fu il leader di un'élite alla moda che stabilì uno stile influenzato dall'arte e dalle mode dell'Europa continentale - forse a causa della passione del Re per i viaggi. L'età fu contrassegnata da importanti mutamenti in politica mentre settori della società che erano stati largamente esclusi dall'esercizio del potere in passato, come gli operai comuni e le donne, divennero sempre più politicizzati. L'età edoardiana viene spesso estesa oltre la morte di Edoardo avvenuta nel 1910, per includere gli anni fino all'affondamento del Titanic nel 1912, fino all'inizio della Prima guerra mondiale nel 1914, o fino alla fine della stessa guerra, nel 1918

fuori dal teatro Covent Garden una giovane ragazza di nome Eliza Doolittle, dai modi un po' irruenti e dall'accento sgraziato, vende mazzi di violette ai passanti

---- . Alle sue spalle un uomo prende appunti sentendola parlare e dopo aver chiarito di non essere un poliziotto si scopre essere il professor Higgins, uno dei massimi esperti di fonetica e glottologia, che riconosce la provenienza di ciascuno dei presenti semplicemente ascoltandone l'inflessione linguistica.

professor Higgins

Lì incontra il Colonnello Pickering, anch'esso grande conoscitore delle lingue, che doveva appunto incontrarsi con lui. Higgins sostiene di essere in grado grazie alle sue conoscenze e tecniche, di trasformare in 6 mesi la fioraia Eliza in una dama raffinata, giusto in tempo per farla partecipare all'annuale Ballo dell'Ambasciata, così i due gentiluomini fanno questa scommessa e il colonnello si offre di finanziare l'intera operazione, dalle lezioni al guardaroba per la ragazza. Eliza decide di accettare perchè le viene prospettato che se imparerà a parlare e comportarsi come una signora potrà avere un negozio tutto per sè e non vendere più i fiori per strada. Dopo giornate intere passate a ripetere sempre gli stessi estenuanti esercizi, la nuova creatura plasmata dal professore Pigmalione è pronta a fare il suo debutto. Ma Eliza è cambiata profondamente ed entra in crisi.

Locandina film

Jack Warner assiste ad uno spettacolo del musical a Broadway al termine del quale riesce ad aggiudicarsi i diritti cinematografici per la cifra capogiro di 5,5 milioni di dollari (in tutto questo film costerà 17 milioni di dollari).

Quando Lerner inizia a scrivere la sceneggiatura, ha in testa un solo attore come Higgins, lo stesso che ha già vestito i suoi panni nel musical di Broadway, Rex Harrison. Sebbene all'inizio propongano il ruolo a Cary Grant (che rifiuta dicendo che se non avessero dato la parte a Rex Harrison non avrebbe più lavorato con la Warner) e Peter O'Toole (la cui richiesta di salario però era troppo esosa), decisero di andare sul sicuro e scelsero Harrison, che aveva appena smesso i panni di Giulio Cesare nell'imponente produzione di Cleopatra di Mankiewicz con Elizabeth Taylor e Richard Burton. Reginald Carey Harrison che si era distinto sia a teatro che nel cinema, era caratterizzato da uno humour sottile ed un portamento da perfetto gentlemen inglese.

Per la parte di Eliza Jack Warner pensa all'unica attrice perfetta per questo ruolo da Cenerentola, nella trasformazione da ragazza di strada a dama raffinata, Audrey Hepburn. La Hepburn era diventata una star internazionale nel 1953 con il film Vacanze Romane di William Wyler nel quale il ruolo della Principessa Anna le valse subito un Oscar; nel 1954 e nel 1957 era stata la protagonista di due film di Billy Wilder Sabrina con Humphrey Bogart e William Holden e Arianna con Gary Cooper e Maurice Chevalier; era stata in film più impegnativi come Guerra e Pace di King Vidor Ma il ruolo per il quale ancora oggi è più famosa è senza dubbio quello di Holly Golightly in Colazione da Tiffany del 1961 diretto da Blake Edwards tratto dal romanzo di Truman Capote. Quando Audrey viene scelta per interpretare Eliza Doolittle si trova all'apice del suo fascino. Rex Harrison all'inizio rimane deluso perchè sperava di lavorare di nuovo con Julie Andrews e in un'intervista dichiara "Eliza Doolittle deve sentirsi a disagio in una sala da ballo europea, come fa quella cavolo di Audrey che non ha mai passato un giorno della sua vita fuori dalle sale di ballo dell'Europa?", salvo poi anni dopo l'uscita del film quando gli veniva chiesto chi fosse la sua partner preferita rispondeva sempre Audrey Hepburn in My fair lady.

A supportare l'impresa del professor Higgins c'è il colonnello Pickering interpretato da un altro attore inglese, Wilfrid Hyde-White; per il giovane Freddy innamorato di Eliza viene scelto Jeremy Brett che veniva dalla compagnia shakespeariana di Laurence Olivier, mentre la madre del professore è l'inglese Gladys Cooper, che aveva all'attivo più di 40 film

COSTUMI:

il compito di realizzare l'intero guardaroba di Eliza e delle decine di personaggi e centinaia di comparse, viene affidato al costumista e fotografo Cecil Beaton.

Beaton realizza 1.086 abiti con un budget di 500.000 dollari. E' stata una delle più imponenti produzioni nella storia del cinema per le centinaia di comparse che necessitavano di costumi, trucco e parrucco: è stato dedicato uno studio intero al reparto guardaroba e trucco, per le 2000 donne e i 1500 uomini servirono 17 addette al guardaroba, 26 truccatori e 35 parrucchieri. Vennero preparate decine di parrucche acconciate, nonchè baffi e barbe finte per gli uomini.

SET

La sola realizzazione dei set è costata 1 milione di dollari dell'intero budget, e ha "invaso" quasi tutti i 26 studi della Warner Bros. Il film infatti è girato a Londra ma in una sua versione fittizia ricreata interamente a Hollywood dall'Art director Gene Allen. In origine la scena in cui il padre di Eliza gira diversi pub doveva essere girata in veri pub londinesi, ma alla fine optarono per usare un pub costruito appositamente che fu solamente cambiato nei colori e nell'arredamento varie volte per dare l'idea che fossero locali diversi.
La libreria del Prof. Higgins è stata creata basandosi su una libreria molto simile che si trova al Castello di Groussay nella cittadina di Montfort-l’Amaury (50 km da Parigi)

quanto riguarda la creazione degli interni non si badò a spese pur di confezionare un quadro sontuoso e ricco di dettagli senza precedenti. L'arredamento e gli elementi decorativi della casa del prof. Higgins furono accuratamente scelti: i tappeti orientali furono tinti per adattarsi meglio al technicolor; la carta da parati, i paralumi e gli elementi d'arredo della casa della sig.ra Higgins furono creati appositamente o importati da Londra. La gabbia dell'uccellino di Higgins era un pezzo rarissimo prestato da un collezionista, il cui valore era di 1.250 dollari, così come era di valore inestimabile il servizio d'argento da tè che compare nella scena all'ippodromo.

La ricostruzione del teatro Covent Garden e quello vero a Londra; l'interno della casa del prof. Higgins, la strada dove Freddy si dichiara a Eliza e il salotto della signora Higgins.

Le riprese sono iniziate il 13 Agosto e si sono concluse il 18 Dicembre del 1963.

Audrey sul set con George Cukor e il suo yorkshire terrier Assam of Assam

Audrey sul set con Cukor ed Harrison

MUSICA

essendo tratto da un musical, la parte melodica è fondamentale per il film. Audrey Hepburn era convinta che avrebbe cantato lei le canzoni di Eliza e sebbene all'inizio le assegnarono un vocal coach e lei perfezionò la sua voce già intonata (che il pubblico aveva già sentito in Colazione da Tiffany quando canta Moon River), alla fine preferirono farla doppiare dalla soprano Marni Nixon (che aveva già doppiato Deborah Kerr nel '56 in Il re ed io e l'anno seguente in Un amore splendido e Natalie Wood in West Side Story nel 1961). Alla Hepburn fu consentito di girare alcune scene in cui canta delle canzoni, come "Wouldn't be loverly" (che però fu scartata, provocando una reazione della Hepburn che lasciò stizzista il set, ma che il giorno dopo chiese scusa a tutti per il suo "orribile comportamento) e "I Could have danced all night", che furono comunque conservate

Harrison non era un cantante professionista, ma aveva imparato a controllare i toni della sua voce, a parlare usando le note musicali, ed è per questo che le sue canzoni sono sostanzialmente parlate. Sincrono A Harrison viene spiegato che le canzoni devono ridoppiate in una seconda fase (chiamata Sincrono), ma lui si rifiuta di farlo dicendo che non sarebbe mai stato in grado di cantare una canzone due volte nello stesso modo. Pertanto i tecnici della Warner Bros mettono per la prima volta un microfono senza fili nascosto sotto la cravatta, in modo da registrare le canzoni dal vivo, mentre tutti gli altri attori sono stati doppiati. Le canzoni più belle sono: "Wouldn't It Be Loverly?", "The Rain in Spain" , "I Could Have Danced All Night", "On the Street Where You Live" e "I've Grown Accustomed to Her Face"

La Warner Bros per lanciare il film intraprese una campagna massiccia pubblicitaria, realizzando sia giochi per bambini come bambole, set per il trucco, album e poster, ma anche accessori per gli adulti come parure di gioielli, abiti e cappelli come quelli di Eliza e del prof. Higgins.

il 21 ottobre del '64 a New York e il 28 ottobre a Los Angeles, fu molto elegante (le donne si presentarono quasi tutte in abito lungo).

RICONOSCIMENTI

Alla cerimonia degli Oscar del 1965 My fair lady si presenta con ben 12 nomination, vincendo 8 statuette Miglior Film, Miglior Regia a George Cukor, Miglior attore protagonista a Rex Harrison (che dedicò il premio alle sue due ladies Audrey Hepburn e Julie Andreew), Migliore fotografia, Migliore scenografia a Gene Allen, Cecil Beaton e George James Hopkins, Migliori costumi a Cecil Beaton, Miglior sonoro e Miglior colonna sonora.

Audrey Hepburn non era stata candidata come Miglior Attrice, mentre invece Julie Andrews quell'anno ebbe la sua rivincita e ottenne l'Oscar per Mary Poppins. Come ho detto anche qui nel post su Mary Poppins, nel discorso di accettazione la Andrews ringraziò colui che avendo realizzato uno splendido film aveva reso possibile tutto quello, facendo credere stesse parlando di Walt Disney che l'aveva diretta, ma poi aggiunse a sopresa che si trattava di Jack Warner e il film era My fair lady, perchè se l'avesse scelta non avrebbe mai potuto girare Mary Poppins e quindi vincere il premio.

Il film ha vinto anche 3 Golden Globe, Miglior film commedia, Migliore regia a George Cukor e Miglior attore in un film commedia Rex Harrison; 1 BAFTA per il Miglior film a George Cukor e 3 David di Donatello: Miglior produttore straniero a Jack L. Warner, Miglior attore straniero a Rex Harrison e Miglior attrice straniera a Audrey Hepburn.

La notte degli Oscar: a sinistra Jack Warner, Audrey Hepburn, Rex Harrison e George Cukor; Audrey con Julie Andrews vincitrice dell'Oscar come Migliore attrice

QUOTES:

Prof. Higgins: E' pressochè irresistibile. E' così squisitamente infima. Così orribilmente sudicia.
Eliza: Non sono sudicia! Mi sono lavata la faccia e le mani prima di venire!

Prof. Higgins: Il segreto non sta nell’usare le cattive maniere, o le buone maniere, o un particolare tipo di maniere, ma nell’usare le stesse maniere con tutti i propri simili.

Prof. Higgins: Credi sia possibile avere un buon carattere con le donne?
Colonnello Pickering: Credo proprio di sì.
Prof. Higgins: Io no. Non appena una donna fa amicizia con me, diventa gelosa, esigente, sospettosa e maledettamente seccante. Appena io faccio amicizia con una donna, divento egoista e tiranno. Eccomi qua, un vecchio scapolo incallito ben deciso a restarlo.

Prof. Higgins: E come sapeva che sua figlia si trova qui?
Alfred Doolittle: Glielo dirò, se mi lascia parlare. Desidero dirglielo. Voglio dirglielo. Sono ansioso di dirglielo.
Prof. Higgins: Quest'uomo ha il dono innato della retorica. Osserva il ritmo di queste espressioni. "Desidero dirglielo, voglio dirglielo, sono ansioso di dirglielo". È il sangue gallese che è in lui.

Eliza: Io vendevo fiori, non il mio corpo. Ora che avete fatto di me una lady non sono adatta a vender altro.

Eliza: La differenza tra una dama e una fioraia non sta nel come si comportano ma nel come vengono trattate.

Cronache di poveri amanti di Pratolini lungo romanzo corale

2023-05-10T17:50:00.000+01:00

...pubblicato nel 1946 e ambientato negli anni della prepotente e turbolenta ascesa del fascismo in una striminzita viuzza fiorentina lunga non più di cinquanta metri dove il sole fatica a trovare posto per l’estrema vicinanza delle case ai due lati della strada, tanto attigue che i cornacchiai (gli abitanti di Via del Corno) riescono persino a sentire il trillo della sveglia dei dirimpettai e financo i loro sussurri. La via è animata dalle voci, dai profumi e dai lezzi, dai mestieri artigianali, dagli amori travolgenti eppure innocenti, puri, spesso trasversali dei suoi abitanti ma soprattutto dai pettegolezzi che dividono e allo stesso tempo uniscono.

microcosmo di umanità derelitta eppur vivace, ebbra di emozioni, impegnata nella dura, faticosa lotta per la vita e per l’amore, nell’arduo impegno politico. Viene dipinta sontuosamente dalla mirabile penna dello scrittore toscano che, senza tralasciare l’arte della sottile ironia, descrive con la stessa efficacia sia i turbamenti emotivi dei personaggi, ai quali ci si affeziona fin dal principio, sia l’impennata del fascismo che le tradizioni popolari.

Il romanzo di Vasco Pratolini “Cronache di poveri amanti” è un ritratto dell’Italia degli anni Venti e via del Corno, a Firenze, è un misero teatrino di strada che riassume un pezzo di storia d’Italia, dopo la sbornia rivoluzionaria del biennio rosso 1919-1920.

Il libro, scritto nel 1947, racconta le vicende di “povera gente” che vive dietro Palazzo Vecchio, dall’inizio degli anni Venti al 1926. “Povera gente” che si muove nella storia drammatica (e magmatica) dell’Italia del primo dopoguerra, che ha visto i grandi scioperi operai, l’occupazione delle fabbriche, la nascita dei fasci di combattimento e la reazione fascista (e statale) contro la classe operaia e contadina «che voleva fare come in Russia».

Le Cronache di poveri amanti di Vasco Pratolini,

poeta della Firenze popolare

temi centrali sono i tipici del neorealismo: antifascismo, la vita della classe popolare e il ritorno all’umanità. La cosa che pero distingue Cronache è il modo di narrare. Pratolini non si concentra a raccontare la storia dello sviluppo di un personaggio nel ventennio nero. A Pratolini non serve un protagonista perché sa narrare su i grandi temi della sua generazione attraverso la creazione di un microcosmo: la Via del Corno negli anni ’20 delle Camicie Nere.

Firenze – via del Corno

Cronache tematizza i problemi, le gioie, le sofferenze degli abitanti di via del Corno, di questa viuzza che è il vero protagonista di Cronache.

"Via del Corno esisteva prima che Dante nascesse, e prende nome non da quello che credete, ma da un “messere” appunto, che possedeva tutte le sue case. […]

E’ lunga cinquanta metri e larga cinque; è senza marciapiedi. Confina ai due capi con via dei Leoni e via del Parlascio, chiusa come tra due fondali: un’isola, un’oasi nella foresta, esclusa dal traffico e dalle curiosità. Occorre abitarvi, o averci degli interessi particolari, per incontrarla.

E’, tuttavia, a pochi metri da Palazzo Vecchio, che la sotterra sotto la sua mole. Il piano stradale è lastricato e leggermente concavo: lo scolo avviene attraverso dei tombini situati al centro. Nei giorni di pioggia la strada è divisa in due da un torrentello: i bambini, tornato il sereno, vi fanno gare di canottaggio con sugheri, bucce e barchette di carta da quaderno. […]"

Pratolini avrebbe potuto scegliere un linguaggio pieno di compassione verso i poveri che sarebbe stato la possibilità più facile. Tanti scrittori e registri hanno scelto questo linguaggio negli ultimi anni, eppure Pratolini non lo fa. Preferisce mescolare il cinismo e la brutalità della povertà con uno stilo ironico, umoristico. L’ironia di Pratolini riesca a dare ai suoi “poveri amanti” una certa dignità e offre al lettore una lettura più facile e anche più emozionante. Non sentiamo solo le sofferenze dei “poveri amanti” ma anche le loro risate. L’umorismo della descrizione di via del Corno e del destino dei suoi abitanti è uno dei punti più forti e dimostra le capacità enormi del poeta Pratolini. È quest’umorismo che secondo me manca spesso a Moravia e a Pavese e altri neorealisti. Cronache generalmente è raccontato in un modo molto calmo, direi quasi lento, che salta da casa a casa, da finestra a finestra. I primi capitoli ricordano molto allo stile di Verga pero poi nella scena che è chiamata “Notte dell’Apocalisse“, si trova un cambiamento. Questo capitolo è raccontato molto più veloce e assomiglia assai a un film americano.

Fa da sfondo alla vicenda una via popolare di Firenze, via del Corno, la stessa in cui l'autore passò alcuni anni della sua giovinezza. Attraverso la memoria il narratore si sente parte integrante delle storie che racconta, e testimone diretto degli avvenimenti. Il libro è un'«amorosa fatica» tributata a personaggi dimenticati dalla grande storia, "vinti" che celano dietro la loro esistenza, apparentemente piatta e sempre uguale, una carica vitale degna dei più grandi eroi. La loro storia è un'«umile epicità» e per questo viene rappresentata coralmente, attraverso una struttura aperta agli intrecci tra i protagonisti, all'equilibrio tra gli eventi, alle gioie e ai dolori che si sovrappongono creando una tensione continua. Le vicende private dei vari personaggi vanno a intrecciarsi con i drammatici eventi che segnarono, nel biennio 1925-26, la storia d'Italia: l'inasprirsi del regime fascista e la sua intolleranza a ogni forma di dissenso. La "cronaca" è riportata attraverso una precisa scelta temporale, il presente storico, che dà alla vicenda il senso dell'eternità, della continuità, inframmezzato da occasionali passati prossimi (che hanno la funzione di permettere brevi flashback), e da rari imperfetti.

Il testo è diviso in tre parti: la prima ripartita in nove capitoli, la seconda in sei e la terza in dieci. La prima parte è una sorta di presentazione dei vari personaggi, la seconda contiene le loro trasformazioni, la rottura degli equilibri, e la terza infine compie, attraverso una maggiore consapevolezza, il ritorno rassegnato all'eterna armonia e inamovibilità del mondo popolare. Questi elementi sono presenti lungo tutto il percorso narrativo, proprio in virtù della polifonia che lo caratterizza. Di questa strada buia e sporca, via del Corno, è difficile dire quale sia la figura di maggior spicco. Ognuna può raccontare di sé una storia di dolore, sia che si perda sulle scale di un bordello, come la giovane Elisa, sia che viva appartata come la «Signora», una vecchia e temuta donna che dal suo letto domina e controlla tutti gli avvenimenti della strada.

«Per la prima volta Pratolini esclude sé dal racconto, taglia fuori il pronome io. Momento sempre importante nella vita di un narratore che nacque poetico; perché quel primo e Poetico io gli era pur misura e freno alle cose», scrisse Pietro Pancrazi, che proseguiva notando nel suo stile «un eccesso di abbandono o languore o corrività».

Con questo romanzo, tradotto in varie lingue, Pratolini ha imposto il proprio nome all'attenzione della critica e dei lettori. Nel 1954 Carlo Lizzani ha diretto un film ispirato al libro, con lo stesso titolo, interpretato da Marcello Mastroianni, Antonella Lualdi, Cosetta Greco, sceneggiato da Sergio Amidei, Giuseppe Dagnino, Massimo Micia e dallo stesso regista. Malgrado i problemi di censura, il film ha vinto nello stesso anno il premio speciale della giuria al Festival di Cannes.

LE MODELLE DI MICHELANGELO MERISI

2023-04-26T10:41:00.001+01:00

LE DONNE DI CARAVAGGIO

A sinistra) Caravaggio, Madonna di Loreto, Roma, Basilica di Sant'Agostino.

(Al centro) Riposo durante la Fuga in Egitto, Roma, Galleria Doria Pamphilj.

(A destra) Giuditta che taglia la testa a Oloferne,

Roma, Gallerie Nazionali d'Arte Antica di Roma, Palazzo Barberini

Alle donne di Caravaggio sono stati dedicati studi, libri e romanzi. Non finisce di stupire il fatto che l’artista – per ritrarre le sue Vergini e le sue sante - abbia impiegato come modelle alcune cortigiane note nella Roma a cavallo tra il XVI e il XVII secolo.

Una scelta che già a quel tempo aveva destato non poco scandalo, e più di un rifiuto da parte dei committenti di lavori già portati a termine dall’artista. cosi si legge su Arte.it.

pittura realistica quella di Michelangelo Merisi, improntata alla resa del “vero”, e questo spiega il necessario ricorso alle modelle.

Di alcune di loro conosciamo i nomi, che compaiono nei documenti dell’epoca e nelle biografie del pittore. Alcune erano donne che i bandi papali escludevano dalla vita sociale o confinavano in alcuni quartieri, e comparivano sugli altari delle più importanti chiese della città prestando il volto alla Vergine nel Riposo dalla fuga in Egitto, alla Madonna dei Pellegrini, alla Giuditta che uccide Oloferne. Una scelta provocatoria che doveva risultare assai intollerabile per gran parte della gerarchia ecclesiastica romana, di una Roma controriformata peraltro.

A tutte le “Donne di Caravaggio” è stato dedicato l'omonimo volume di Francesca Santucci, in cui trovano spazio anche quelle ancora non rintracciate nei dipinti, ma citate dalle fonti, come ad esempio Monica Calvi detta Menicuccia, che frequentava personaggi d'altro lignaggio come il cardinale d'Este.

Donne nobili e plebee, benefattrici e di malaffare, composte e rissose, sobrie e dissolute, di potere o sfortunate, queste le donne "reali" importanti nella vita di Caravaggio. Altre figure femminili, fra mito, storia, leggenda e religione, ugualmente importanti, ritroviamo nella vita del celeberrimus pictor, quelle che nutrirono il suo immaginario e gli ispirarono la composizione dei capolavori che, ancora oggi, lasciano stupefatti i nostri occhi.

Il romanzo “Lena, che è donna di Caravaggio” di Alessandra Masu, invece, ruota tutto intorno alla figura di Maddalena Antognetti e alla vita nel rione Campo Marzio, tra taverne, osterie e odore di pittura.

MADDALENA ANTOGNETTI, LA DONNA DI MICHELANGELO

«In nome dell'altissimo Dio e gloriosa Vergine Maria e di tutti li Santi della corte del Cielo che ce fanno la grazia di vivere bene et honestamente in questo mondo. Questo sarà un libro de memoria delle cose che sono occorse a me, Lena, scritto nell'anno 1610, adì diciotto di luglio».

Così inizia il diario di Lena, la modella delle più belle e famose Madonne caravaggesche. È la vigilia del 18 luglio 1610 e Lena aspetta da un momento all'altro il ritorno di Michelangelo da Caravaggio. Lena è stata la sua donna e modella preferita finché l'artista non ha dovuto lasciare Roma per aver commesso un omicidio, nel maggio del 1606. Ma l'esilio del pittore e la loro separazione stanno, forse, per finire. In una notte e una mattina di veglia scandite dalle ore canoniche, Lena

furono molto vicine a Caravaggio e attraverso l’analisi delle loro apparizioni nei dipinti è possibile collocarle in ordine cronologico all’interno della biografia del pittore.

descritta in alcune cronache come "donna di Michelangelo": compare negli ultimi quadri romani. Proviene da una famiglia di cortigiane: sua sorella Amabilia era una prostituta bellissima e un documento la mostra di notte su un cavallo, con le chiome sciolte, mentre torna a casa dopo una notte passata con il bargello del Campidoglio

Madonna dei Pellegrini, 1606, olio su tela, 260 cm × 150 cm, Roma, Chiesa di Sant'Agostino

la Madonna vestita da popolana con Gesù in braccio e due pellegrini. Oltre al riconoscibile volto di Lena, col suo bimbo, fecero scalpore i piedi nudi e gonfi,in primissimo piano, dei pellegrini. Il Baglioni racconta che, per questo, non appena il quadro fu messo sull'altare:

"ne fu fatto dai preti e da' popolani estremo schiamazzo".

Altro scandalo fu il modo in cui era stravolto il racconto biblico. Secondo la leggenda, infatti, la casa di Maria venne portata in volo a Loreto dagli angeli (fatto che non risulta nel quadro), la casa inoltre è cadente, con l'intonaco scrostato e i mattoni a vista. Qualcuno pensa che il Caravaggio volesse ribadire l'adesione alla povertà assoluta della Sacra Famiglia, che la Chiesa dovrebbe osservare .

Lena, giovanissima era stata amante prima del «giovane morbido», cardinale Montalto poi di monsignor Melchiorre Crescenzi e del cardinal Peretti, nipote di Sisto V. Faceva parte di un gruppo di prostitute d’alto bordo con Fillide Melandroni, Menica Calvi e Tella Brunori.

Fare di Lena la "Madonna dei Pellegrini" era una mossa rischiosa, qualcosa di ben diverso dal ritrarre Anna Bianchini o Fillide Melandroni nei panni della Maddalena per una collezione privata. La giovane, infatti, era un volto conosciutissimo in città. Il concilio di Trento aveva specificamente bandito “tutte le lascivie di una sfacciata bellezza nelle figure” e un volto noto, soprattutto quello di una prostituta, costituiva un pericolo, specie quando si avevano molti nemici .

Madonna dei palafrenieri (o della serpe), 1604, olio su tela, 292 cm × 211 cm, Roma, Galleria Borghese.

Il quadro mostra Maria ed il Bambino mentre schiacciano il serpente del peccato originale, alla presenza di Anna. L'opera era destinata all'altare maggiore della chiesa di Sant'Anna dei Palafrenieri presso San Pietro in Vaticano. Il dipinto però rimase nella chiesa meno di un mese, venne rifiutato dai committenti, perché fece scandalo il Bambino, troppo cresciuto per essere ritratto completamente nudo, la scollatura abbondante della Madonna e il fatto che in lei si riconoscesse facilmente Lena, nota donna di malaffare.

Il quadro venne prima trasferito nella chiesa della Confraternita di S.Anna, poi venduta per cento scudi al cardinale Borghese.
Ancora una volta autorità che pubblicamente condannavano i suoi lavori, si affrettavano poi ad acquistarli (sotto costo) per le loro collezioni private.

Maria Maddalena in estasi, 1606, olio su tela, 106,5 × 91 cm, Roma, collezione privata.

Di quest'opera esistono almeno otto copie (fu uno tra i dipinti più copiati di Caravaggio).Si pensa che il pittore si sia ispirato al volto di Lena per raffigurare la Maddalena.Questa versione conservata nella collezione privata di Roma, presentata nel Caravaggio di John Gash nel 2003, sembra essere la più vicina all'originale.Un'altra variante, altrettanto fedele all'originale, è conservata nel Musèe des Beaux-Arts di Marsiglia.

Lena morì ancora prima di Caravaggio L'anno dopo la fuga dell'artista da Roma, tornò a vivere con la madre e la sorella in via dei Greci, dove spirò nel 1610. Aveva solo ventotto' anni.

"La ragazza di Bube" il romanzo di Cassola che ci insegna ad amare

2023-04-05T12:39:00.005+01:00

Carlo Cassola

La ragazza di Bube è un romanzo scritto da Carlo Cassola tra il 1958 e il 1959 in cui sono illustrati, attraverso la storia di due ragazzi innamorati, anche i problemi politici e sociali del dopoguerra. Il romanzo vince il Premio Strega nel 1960, anno in cui è pubblicato da Einaudi. Tre anni più tardi viene realizzato anche un adattamento cinematografico per la regia di Luigi Comencini e ha come interpreti Claudia Cardinale e George Chakiris.

...romanzo d’amore e di formazione, connubio di fortezza e volontà

momento di massima ispirazione per l' autore

cosi si legge su libreriamo

Ciò che non ci uccide, ci rende più forti!

....premio letterario ”Strega” nel 1960, ”La ragazza di Bube” è un romanzo a carattere sentimentale, ambientato in Toscana nei difficili anni successivi alla Resistenza tra il 1944 e il 1948. Centro della vicenda è la storia d’amore tra Arturo Cappellini, meglio conosciuto come Bube, un ragazzo impulsivo e baldanzoso nella sua voglia di far giustizia e la forte ma allo stesso tempo vulnerabile Mara Castellucci.

A far da cornice al loro amore tormentato saranno le vicende politiche e giudiziarie che relegano il giovane Bube in Francia e quindi lontano da Mara. Ho letto questo libro più volte e sempre vi ritrovo nuovi elementi su cui soffermarsi; ciò che colpisce maggiormente l’attenzione del lettore, secondo me, è, al di là della vicenda in sé, lo stile con cui l’autore si presenta al lettore, semplice e scorrevole, il quale si adatta perfettamente ai personaggi, lo stile immediato, ci cala direttamente nel mondo dei personaggi; attraverso questa tecnica il lettore diventa parte della storia, riesce ad immedesimarsi nei personaggi e ad entrare nel loro animo, cresce con loro, prova le stesse emozioni.

Oltre che un romanzo d’amore, si può dire che si tratta in parte di un romanzo di formazione, in quanto nella vicenda ecco la crescita morale e psicologica della protagonista femminile, che da sedicenne impulsiva, diventa una donna matura con valori e princìpi.

Questo è un consiglio a tutti gli appassionati di lettura di non farsi sfuggire questo romanzo anche per le tematiche e il messaggio che l’ autore ha voluto lasciarci: la Fedeltà, in tutte le sue sfumature; si può cogliere già dal titolo: ‘Io sono la ragazza di Bube’, il cuore di Mara appartiene a Bube e a nessun altro; così come la fedeltà del padre di Mara al partito comunista o la fedeltà di Bube al suo ruolo di partigiano. Il messaggio che sicuramente il libro vuole trasmettere è il significato della vita, come mix di gioia e dolore, ed è proprio esso che deve spronarci a non arrendersi, ma ad avere la forza di continuare a lottare per noi stessi. Inoltre è anche un invito ad amare, perché l’amore è l’ unica forza in grado di darci conforto in momenti difficili.

Questo era l’amore: qualcosa che riscaldava il cuore e distruggeva le membra.”

CONSIGLI DI LETTURE..

2023-01-15T11:00:00.002+00:00

RIPRENDO UN INTERESSANTE POST DA ATHENAE NOCTUA

cosi scrive e posta su facebook

«La mia prima patria sono stati i libri»

Segnalibri #6

giugno 20, 2022

I Segnalibri di oggi hanno come denominatore comune il mondo classico: entrambi i libri di cui vi parlo sono delle rivisitazioni di materia mitologica ormai diventata di massa e rappresentano strumenti diversi per rileggerla. Il primo si è imposto per una rilettura al termine di un anno di lezioni di epica, mentre cercavo di mettere insieme delle proposte di lettura estive per i miei studenti; il secondo è un libriccino intorno al quale giravo da tempo e che, una volta avutolo per le mani, ho letto e subito riletto.

Iniziamo con Omero, Iliade di Alessandro Baricco (Feltrinelli), un esperimento di estrazione e ricucitura di brani del poema di Achille pensato per la pubblica lettura, per la quale l'intera opera sarebbe stata troppo impegnativa. Baricco confeziona una sorta di antologia della guerra di Troia, ammodernando alcuni brani a partire dalla traduzione di Maria Grazia Ciani, modificando la prospettiva narrativa con l'alternanza di voci di guerrieri, donne e testimoni degli eventi che parlano in prima persona e integrando il racconto con poche sequenze originali. L'idea è quella di umanizzare il racconto, di renderlo più vicino alla sensibilità contemporanea con l'accentuazione dei sentimenti, dei pensieri e delle azioni umane e l'estromissione degli dei, sulla base dell'osservazione che spesso sono comunque i gesti umani ad amplificare e concretizzare un intervento divino. La struttura tiene, con qualche piccola sbavatura (la focalizzazione talvolta scivola in aspetti che sono propri dell'onnisciente Omero), sicché il lettore si trova fra le mani uno strumento adatto ad approcciare il testo omerico senza il terrore della mole del racconto omerico. Certo, non si tratta di un'alternativa, perché l'intervento di selezione e adattamento non si può sostituire alla complessità dell'Iliade, ma può funzionare come occasione di avvicinamento o di rilettura. Insomma, il libro di Baricco è e non ha la pretesa d'essere altro che un prodotto di massa, e da questo forse nascono le obiezioni dei detrattori, che spesso stanno in agguato quando ci si permette di toccare e ammodernare la materia classica.

Il secondo testo è La morte della Pizia di Friedrich Dürrenmatt (Adelphi), un brevissimo racconto-gioiello: raffinato, prezioso, profondo, ha una complessità inversamente proporzionale alla sua massa. Il libro è imperniato sul mito più noto dell'antichità, cioè quello di Edipo; Dürrenmatt immagina la Pizia Pannychis XI che, stufa di pronunciare oracoli, offre una profezia tanto assurda quanto frettolosa per togliersi di torno l'ennesimo pellegrino in cerca di risposte. Quest'uomo, proveniente da Corinto, è Edipo e Pannychis è talmente certa che nessuno possa ammazzare il proprio padre e poi unirsi alla propria madre che, non appena il visitatore se ne va, ella rimuove anche solo il ricordo di avergli parlato. Anni dopo, Tiresia commissiona al sacerdota di Apollo un responso sulla peste a Tebe da affidare al suo cliente Creonte: esso dovrà annunciare che l'epidemia avrà fine quando sarà scoperto l'assassino di Laio. Pannychis, ormai in punto di morte, ha un colloquio con i fantasmi di Edipo, Giocasta, della Sfinge e dello stesso Tiresia, che ricostruiscono per lei una vicenda poliedrica, ambigua, così contorta e radicata nelle pieghe del mito e del suo non detto che la Pizia si rende conto che non solo il suo responso improvvisato era vero, ma che potrebbe essersi realizzato in molteplici modi, che le vittime forse non sono poi così innocenti rispetto allo sviluppo paradossale degli eventi e che, al tempo stesso, lo sono tutte e lo è lei stessa. A partire del dramma di Sofocle, ancora oggi considerata la tragedia per la profondità della visione del Fato e dell'azione umana che la caratterizza, Dürrenmatt costruisce una novella avvincente, capace di scardinare il mito e di ricostruirlo al tempo stesso diverso da se stesso e del tutto coerente con se stesso. Ma il più grande pregio di questo volumetto da leggere, rileggere, eviscerare e ricomporre è la sua capacità di intessere un dialogo, attraverso la Pizia e Tiresia, sulle due grandi visioni del mondo: quella di un immenso caos dominato da leggi imperscrutabili da una parte e quella di un campo sterminato in cui possano compiersi dei grandi progetti, tirannici o utopici. Un dialogo che non può trovare soluzione, perché, come annuncia Tiresia, Edipo «resterà un tema che pone a noi enigmatici quesiti».
Qualcuno potrà avere delle riserve sulla soluzione di Baricco, ma l'eccezionalità di questo secondo testo è innegabile. Consiglio anche il radiodramma diretto da Nicola Alberto Orofino entro il ciclo Sinestesie - Radio estensioni teatrali.

C.M.

INOLTRE.....

Libri da leggere ora, a gennaio 2023

Il periodo natalizio è trascorso relativamente bene sul fronte dell’afflusso nelle sale cinematografiche, in netta ripresa rispetto alle fallimentari stagioni degli ultimi anni, ed è anche per dare il nostro modesto contributo alla causa che questo mese di gennaio 2023 segnaliamo ben due uscite legate al mondo del cinema. Del resto non è un segreto che dietro a qualunque film o telefilm c’è pur sempre una storia scritta, e spesso si tratta di un romanzo o di un racconto…

LIBRI DA LEGGERE NEL 2023: I NOSTRI CONSIGLI

Consigli di lettura: i classici

A Silvia------la poesia di Leopardi...l’inizio di una nuova stagione poetica

2022-07-11T09:02:00.005+01:00

una delle poesie più belle e note di Giacomo Leopardi. E’ uno dei grandi idilli, fa parte del terzo tempo della lirica leopardiana (1828-1830).

   Il poeta Giacomo Leopardi moriva a Napoli il 14 giugno del 1837. Da quel giorno di fine primavera a oggi sono passati quasi 200 anni, ma la forza della sua poesia non si è mai indebolita e continua a toccare le corde più profonde dei nostri cuori, come in questi celebri versi. Amato da generazioni di studenti, Leopardi ha fatto breccia nel cuore di giovani e adulti, grazie alla sua capacità straordinaria di parlare della vita, delle inquietudini dell’animo, di cogliere gli aspetti più reconditi della realtà.
Noi lo ricordiamo il 14 giugno , nell’anniversario della sua nascita, con uno degli incipit più famosi della letteratura mondiale, i primi versi della lirica “A Silvia“, il canto d’amore che  Leopardi rivolge a Teresa Fattorini, figlia del cocchiere di casa Leopardi. Composta tra il 19 e il 20 aprile del 1828, la poesia “A Silvia” parla della distruzione delle speranze e delle illusioni giovanili.   Silvia aveva 16 anni,  quando morì. Silvia, in realtà sarebbe lo pseudonimo  di Teresa Fattorini, la figlia del cocchiere di casa Leopardi, che morì nel 1818 per tisi polmonare. Non sappiamo se Giacomo fosse innamorato di Teresa, ma dai versi che le dedica sembra proprio che fosse così. Lei popolana, lui nobile; lei spensierata e semplice, lui sempre chino sui libri, nella sua biblioteca. Ma ad accomunarli la stessa esuberanza e la stessa identica voglia di vivere e di felicità. Felicità spezzata dalla morte prematura di Silvia, che a soli 16 anni abbandona il mondo terrestre, diventando uno degli emblemi della sofferenza che costella la poetica leopardiana.

“A Silvia” (a Selva/natura)  per Leopardi l’inizio di una nuova stagione poetica, tra il 1828 e il 1830 canto, composto a Pisa nel 1828,una confessione del poeta. E’ costruito come un dialogo con Silvia. Il canto si divide in due parti: la prima parte ha carattere rievocativo, incentrato sulla poetica della memoria, la seconda parte ha carattere riflessivo.

Nella prima parte, Leopardi domanda a Silvia se, dopo tanti anni, ricorda ancora i giorni felici nei quali si affacciava alla giovinezza. Quando anche il poeta aveva nel cuore la fiducia nella vita e, come Silvia, aveva pensieri piacevoli, speranze e belli gli apparivano il fato e la vita. Tuttavia questo è destinato a finire per colpa della natura, che promette negli anni della giovinezza e dell’adolescenza, ma poi non mantiene ciò che ha promesso. Nella seconda parte il poeta fa un paragone tra il destino della ragazza e il suo. Silvia moriva senza veder fiorire la sua giovinezza, senza poter parlare di amore con le compagne e senza godere delle lodi della propria bellezza. Con la sua morte, tramontava anche la speranza di felicità di Leopardi. A lui, infatti, come a Silvia, i fati negarono le gioie della giovinezza, dove sogni e speranze dovrebbero diventare realtà.  Svaniti dunque i sogni con l’apparire della realtà dolorosa, non resta altro che la morte per liberarci dalla miseria e dalle amarezze della vita
PARTICOLARITA'
Silvia è un nome di pastorella, tratto forse dall’Aminta di T. Tasso;  per la cui morte precoce il poeta aveva registrato negli “Appunti e ricordi”: “Odi anacreontiche composte da me alla ringhiera sentendo i carri andanti al magazzino e cenare allegramente dal cocchiere intanto che la figlia stava male. Storia di Teresa da me poco conosciuta e interesse ch’io ne prendeva come di tutti i morti giovani in quello aspettar la morte per me”. 
Le prime due strofe rappresentano l’età delle speranze in Silvia adolescente ma fin dall’inizio si avvertono connotazioni funebri (fuggitivo ha spesso nei “Canti” anche il significato di vicino alla morte e in questo senso anche il pensosa del v. 5 ha un suo suggerimento). La più gran parte dei canti pisano-recanatesi si fondano sulla situazione psicologica del ritorno del poeta a un paese, a una famiglia –non dobbiamo mai dimenticarlo- amati e al tempo stesso violentemente disamati. Il 25 febbraio 1828 Leopardi aveva scritto alla sorella Paolina e le aveva confessato “che in materia d’immaginazioni, mi pare di esser tornato al mio buon tempo antico”; e poco dopo, il 2 maggio, ancora le aveva confidato “dopo due anni, ho fatto dei versi quest’aprile; ma versi veramente all’antica, e con quel mio cuore d’una volta”. L’intonazione colloquiale di questo dialogo immaginario richiama subito il tema del ricordo, della memoria di un tempo che sembrava felice, e non a caso viene usato, dopo il rimembri iniziale (dettato dall’improvvisa felicità del ricordo), il tempo verbale dell’imperfetto (splendea, salivi), che non colloca l’azione in un tempo preciso ma la lascia nel vago; e giustamente Contini ha sottolineato l’effetto fonosimbolico di splendea, “in quanto l’iato che la desinenza in –ea contiene a fin di verso fissa la durata della contemplazione”. E’ la parola “ancora” (v. 1) che misura subito la lontananza nel tempo, sono passati dieci anni dalla morte della fanciulla. L’imperfetto indica continuità nel passato, spiega perciò la durata indefinita dei sogni giovanili, è il tempo della memoria e dell’illusione. Da subito, infine, compaiono quei binomi lessicali diventati celebri –dice la critica- per “una capacità evocativa prodotta dalla dolcezza del suono e dal valore vagamente contrastivo del rispettivi significati: ridenti e fuggitivi, lieta e pensosa”. Su questo passaggio il filtro letterario è davvero invadente (v. Petrarca, “che gentil cor udia pensoso et lieto”, Rime, CCCXXXII, 16; e Tasso, “lieta e pensosa vinse”, madrigale Incontra Amor, v. 3). Non c’è corrispondenza amorosa tra Giacomo e la fanciulla, come appare chiaramente da questo passo: “una giovane dai sedici ai diciotto anni ha nel suo viso, ne’ suoi moti, nelle sue voci, salti, ecc., un non so che di divino, che niente può agguagliare. Qualunque sia il suo carattere, il suo gusto; allegra o malinconica, capricciosa o grave, vivace o modesta; quel fiore purissimo, intatto, freschissimo di gioventù, quella speranza vergine, incolume che gli si legge nel viso e negli atti, o che voi nel guardarla concepite in lei e per lei; quell’aria d’innocenza, d’ignoranza completa del male, delle sventure, de’ patimenti; quel fiore insomma, quel primissimo fior della vita; tutte queste cose, anche senza innamorarvi, anche senza interessarvi, fanno in voi un’impressione così viva, così profonda, così ineffabile, che voi non vi saziate di guardar quel viso” (Zibaldone, 30 giugno1828, p. 4310-11). Silvia è un’immagine vagheggiata, un’immagine del cuore e del ricordo. La critica poi non si stanca mai di sorprenderci: fate attenzione alle ben undici allitterazioni con dentro il fonema “t” in questi primi versi (tempo, tua, vita, mortale, beltà, tuoi, ridenti, fuggitivi, lieta, limitare, gioventù); esse suggerirebbero una specie di disseminazione fonetica del pronome “tu”, quasi prolungando come in un’eco l’invocazione iniziale, col verbo salivi (v. 6) che contiene, dissimulato in forma di anagramma, il nome Silvia ( così la lunga e affettuosa interrogazione si apre e si chiude con questo nome).

LE OTTO MONTAGNE DI PAOLO COGNETTI...DAL ROMANZO AL FILM

2022-05-27T09:28:00.001+01:00

IL ROMANZO "Le otto montagne” di Paolo Cognetti

vincitore Premio Strega nel 2017

Questa storia Paolo Cognetti l’ha sempre avuta dentro di sé, qualcosa che è cresciuto con lui e che lo ha accompagnato anche nel corso delle sue precedenti pubblicazioni. Ricordiamo Il ragazzo selvatico - Quaderno di montagna in cui i temi della solitudine sui monti, della vita lontano dalla città e della libertà come scelta consapevole e a volte dolorosa diventano un meraviglioso inno alla natura e alle sue incredibili bellezze---

Cognetti sapeva di voler scrivere una storia su un padre e un figlio e su un’amicizia tra uomini oltre che una storia al profumo di larici e abeti, con torrenti, colorata dalle nevi perenni e sincera come la vita.

Un poetico universo di aspettative disilluse nei vecchi e nei giovani, in chi resta e in chi va per ritornare. Un padre pieno di rancore che ama i suoi monti in maniera assoluta, un uomo che cerca di trasmettere al figlio lo stesso amore, la stessa passione per il gusto della salita, la frenesia della vetta e un figlio che di quella dedizione non sa che farsene. Pietro è un solitario e capisce suo padre sempre meno, lo segue di malavoglia, ha altri interessi, legge Mark Twain e Hemingway, percepisce un’attrazione particolare verso quei luoghi che lo calamitano e spesso lo respingono. L’incontro con Bruno giunge provvidenziale per spezzare quella specie di primaria avversione verso la montagna, con Bruno Pietro scopre le arrampicate, e negli inverni più duri anche il piacere di salire su vette altissime. Bruno chiave di volta di un processo di conoscenza che riporta Pietro, ormai adulto, a capire la parte bambina che aveva lasciato indietro.

...diventa un film

al Festival di Cannes 2022, una storia d’amicizia...

....lunga una vita che inizia dall’infanzia dei due protagonisti per arrivare fino alla maturità.

film diretto da Felix van Groeningen, Charlotte Vandermeersch . Nonostante perda intensità nell’ultima parte, il film ha la capacità di restituire la malinconia delle cime, delle rocce, degli sterpi e delle foglie.....

film di immagini accorte questo di Felix Van Groeningen e Charlotte Vandermeersch, attente alla terra, in un formato che fa pensare alle vecchie diapositive, o che nella cura della luce ricorda i bei versi sulle montagne della giovane Antonia Pozzi.

ANTONIA POZZI

FESTIVAL DI CANNES...PRESENTAZIONE

Felix van Groeningen, Charlotte Vandermeersch

... è in concorso nella selezione ufficiale al Festival di Cannes interpretato da Luca Marinelli e Alessandro Borghi.

amicizia nata tra due bambini che, divenuti uomini, cercano di prendere le distanze dalla strada intrapresa dai loro padri ma, per le vicissitudini e le scelte che si trovano ad affrontare, finiscono sempre per tornare sulla via di casa.

Interessante la analisi , con tanti TEMI -

L’AMICIZIA
IL PADRE
LA NATURA
RITORNO ALL’ESSENZIALE
IL MONDO CHE SCOMPARE
viaggio di scoperta interiore, Come scalare una montagna, ripercorrere le tappe di una profonda amicizia, esperienza intensa di conoscenza che i PROTAGONISTI porteranno sempre nel loro bagaglio emotivo. A sceneggiare e dirigere due registi di origine belga, Felix Van Groeningen e Charlotte Vandermeersch.
L’andamento del film oscilla tra quel che conosciamo e quel che ci stupisce, lo riconosciamo come una storia nostra ma è raccontata con un linguaggio diverso. Il grosso ovviamente sarà svolto nella fase matura e racconterà di come tutti, anche il montanaro stesso, viene cambiato dalla dipendenza dalla montagna, un posto che non solo attira ma condiziona l’amicizia dei due, la agevola e la cementifica, cambia le loro vite con un piglio umano irresistibile

Al centro del mondo c’è la montagna più alta, il Sumeru, circondata da otto mari e otto montagne», dice Pietro appena tornato dal Nepal all’amico Bruno che dalle sue montagne in Val d’Aosta non si è mai mosso in vita sua. Disegna su un foglio un tondo a spicchi con dentro un circolino più piccolo. Poi dice: «La domanda è: Chi ha imparato di più? Chi ha visitato le otto montagne o chi ha raggiunto la vetta del Sumeru?».

Su GQ un puntuale recensione da tenere presente....

A Le otto montagne e ai suoi protagonisti (Alessandro Borghi e Luca Marinelli) si vuole subito un gran bene

2022-05-20T11:31:00.000+01:00

da Ulisse - il piacere della scoperta - Fans

Antonietta Iaconeta

PLATONE AVEVA RAGIONE

…
Il grande filosofo Platone, una delle menti più grandi della storia umana, sul finire della sua carriera venne deriso dai suoi contemporanei a causa di uno scritto che stava componendo. La delusione fu così grande che egli decise di non completare il secondo dei tre racconti sull’argomento, e di non iniziare nemmeno a scrivere il terzo (doveva essere, infatti, una trilogia). Perché i Greci, un popolo abituato ad ascoltare storie di ogni genere, e spesso a crederci, derisero nientemeno che il grande Platone?
…
Ebbene, nel dialogo “Timeo” e nel dialogo parziale “Crizia” (rimasto incompiuto), Platone racconta che alcuni “misteriosi sacerdoti egiziani” della città di Sais, raccontarono al celebre statista ateniese Solone (638 a.C. – 558 a.C.) una storia. Platone (428 a.C. – 348 a.C.), circa 200 anni dopo, ricevette per vie traverse questa storia, e l’ha usata come una delle fonti da cui ricavare il suo racconto. E fin qui nulla di strano.
…
In questo racconto Platone dice molte cose. Tra l’altro, racconta l’esistenza di una “Grande Isola” vicino alle “Colonne D’Ercole”. Lui la chiama “Atlantide” o “Terra di Atlante”. I greci del suo tempo sapevano che oltre 40 anni prima di Platone, il celebre storico Erodoto (484 a.C. – 430 a.C.), nelle sue “Storie” chiamò con il nome “Atlante” la catena montuosa dell’odierno Marocco. Tra l’altro, ancora oggi conserva quel nome: Monti dell’Atlante. Per un greco di quel tempo, il nome “Atlantide” o “Terra di Atlante” indicava una terra che si trovava evidentemente ai piedi del monte Atlante. Ma tutti sapevano che non c’era nessuna “grande isola” ai piedi dell’Atlante.
…
Nel suo racconto, citando i “misteriosi sacerdoti egizi”, Platone affermava che quell’isola esisteva 9.000 anni prima di Solone, quindi 11.500 anni fa. E qui scoppiarono le risate. Per la gente di quel tempo, 9.000 anni prima di Solone il mondo non esisteva nemmeno (per esempio, la tradizione ebraico-cristiana pone la nascita del mondo al 4.000 a.C. circa). Per circa 2.000 anni la gente ha riso di questa affermazione di Platone. Non trovando nessuna “Grande Isola” vicino al monte Atlante, diversi scrittori la hanno “piazzata” un po' ovunque: chi in Sardegna, chi in Irlanda, chi a Cuba, chi in Indonesia. Onesti tentativi di risolvere il “rebus”.
…
Ma “la Terra di Atlante” è sempre rimasta lì, dove aveva detto Platone. Infatti, pochi anni fa, un piccolo, minuscolo oggetto di metallo, il satellite giapponese PALSAR, ha reso giustizia al celebre filosofo greco. Chiunque siano stati i “misteriosi sacerdoti egiziani” che avevano raccontato a Solone (e tramite lui a Platone) che vicino ai monti di Atlante, nella Terra di Atlante (o Atlantide) esisteva una grandissima isola, avevano ragione. L’articolo della rivista “Nature”, del 10 Novembre 2015, intitolato “African humid periods triggered the reactivation of a large river system in Western Sahara”, a prima firma di C. Skonieczny, parla “di un grande sistema fluviale nel Sahara occidentale, che trae le sue sorgenti dagli altopiani dell'Hoggar e dalle montagne dell'Atlante meridionale in Algeria. Questa cosiddetta valle del fiume Tamanrasett è stata descritta come un possibile vasto e antico sistema idrografico”. L’articolo continua scendendo nei dettagli dal punto di vista geologico. Per farla breve, il PALSAR ha scoperto un mega-fiume gigantesco, oggi inaridito, che partiva proprio dai monti di Atlante e tagliava tutto l’angolo a Nord-Ovest dell’Africa, sfociando nella odierna Mauritania.
…

La “valle del fiume” del Tamanrasett ha una ampiezza di 90 km circa. La foce di questo mega-fiume, oggi situata sotto il mare, era larga 400 km. Era un “mostro” paragonabile al Rio delle Amazzoni, un fiume così grande che in diversi punti è indistinguibile dal mare. Questo vuol dire che questo fiume poteva raggiungere una ampiezza simile da costa a costa. Immaginate un osservatore a livello del terreno. Come avrebbe fatto a capire che si trattava di un fiume, oppure di un mare, se la costa opposta era a 90 km di distanza? Ad eccezione della salinità delle acque (ma non sappiamo se questo aspetto fosse compreso), nulla avrebbe permesso a quell’osservatore di capire se si trattasse di un fiume o di un mare. Tanto per dire, è una distanza superiore allo stretto di Messina e allo Stretto di Gibilterra messi insieme.

…

guardando la regione dall’alto, si comprende che quando scorreva il mega-fiume Tamanrasett, durante “l´Ultimo Periodo Umido Africano”, (tra 14.500 e 7.000 anni fa circa, con strascichi fino a 5.500 anni fa), tranne che per un piccolissimo pezzettino a Nord-Est, la “Terra di Atlante”, o “Atlantide”, o territori a Sud del Monte Atlante, era davvero un´isola. A Nord era circondata dal Mar Mediterraneo. Ad Ovest era circondata dall’Oceano Atlantico. A Sud era circondata dal mega-fiume Tamanrasett. Ad Est era quasi completamente circondata dallo stesso fiume, tranne un pezzetto costituito dalla catena montuosa di Atlante. Si può davvero chiamarla “isola”? Nel senso greco “Sì”.

…
Tutti conosciamo cosa è il Peloponneso, una delle zone più importanti della Grecia. Ebbene, il Peloponneso ha esattamente la stessa conformazione geografica della “Terra di Atlante”. È una “quasi isola”, attaccata alla terraferma da un piccolo istmo. Cosa vuol dire il termine Peloponneso? Questa parola deriva dal greco Πέλοπος νῆσος (Pelopos Nesos), vale a dire “Isola di Pelope”. Questa è una prova non confutabile che per i greci dei tempi antichi, una “quasi isola” come il Peloponneso poteva essere considerata un νῆσος, o “isola”. Nulla di strano quindi se Solone, e dopo di lui Platone, chiamarono la “quasi isola” del Monte Atlante, o Atlantide, con νῆσος, o “Nesos”, il termine che noi traduciamo con isola nel senso moderno del termine.

…

Quella era davvero l’Isola di Atlantide? Quella “quasi isola” non può essere considerata “Atlantide” se non supera “l’esame dei cerchi”. Cosa vogliamo dire? Nel suo racconto Platone dice che nelle vicinanze dell’Isola di Atlantide si trovavano 2 strutture uniche nel loro genere. Secondo il racconto, una di queste strutture geologiche naturali era stata creata direttamente da Poseidone, e quindi la chiamiamo “Isola di Poseidone”. Si trattava di una montagnetta centrale, attorno alla quale c’erano 3 anelli di mare e 2 di terra, perfettamente concentrici. Non viene detto nulla riguardo alla sua grandezza. Viene detto che era “sacra”, inaccessibile e disabitata.

ATLANTIDE

…
La seconda struttura, su cui gli umani edificarono una città, la possiamo chiamare “Isola della Metropoli”. Era una struttura geologica naturale che ricalcava molto da vicino la precedente, ma in questo caso vengono date le sue misure. C’era un’isola centrale pianeggiante ampia circa 900 metri, seguita da 3 cerchi di mare e 2 di terra, perfettamente concentrici. Il totale dell’ampiezza era circa 5 chilometri. Attorno a questa struttura geologica naturale (in cui risiedeva il re e la nobiltà) si estendeva la città vera e propria di Atlantide.
…
Quante possibilità ci sono di trovare vicino al percorso dell’antico fiume Tamanrasett non una, ma due strutture geologiche naturali formate da cerchi concentrici, una delle quali deve essere ampia 5 chilometri, e avere una specie di isola centrale ampia 900 metri? Direte: “Nessuna!”. Ebbene, come viene detto nel libro “Atlantide 2021 – Il continente ritrovato”, ancora una volta grazie ai satelliti, queste due strutture sono state scoperte proprio lungo il percorso del fiume Tamanrasett.
…
La prima struttura geologica naturale viene chiamata “Cupola di Semsiyat”. Si trova sull'altopiano di Chinguetti, nel deserto della Mauritania, a 21° 0' Nord di latitudine e 11° 05' Ovest di longitudine. Le sue misure sono esattamente quelle indicate da Platone per l’Isola della Metropoli. La sua ampiezza massima è esattamente di 5 chilometri. Al centro si trova una formazione ampia esattamente 900 – 100 metri, quanto era “l’isola centrale” della Metropoli di Atlantide. Si intravede anche un secondo cerchio interno, esattamente della misura descritta da Platone. La seconda struttura si chiama “Struttura di Richat”, e si trova a circa 20 chilometri di distanza. È ampia circa 40 km, ed è composta da una zona centrale dalla quale partono una serie di “cerchi di roccia”. Ci sono i chiari resti che indicano che una volta quello era un lago da cui affioravano dei “cerchi di terra”. È la rappresentazione perfetta “dell’Isola di Poseidone” descritta da Platone.
…
Oggi i satelliti hanno mappato tutta la superficie terrestre. Non esistono altre strutture simili sulla Terra che abbiano quelle misure o quelle caratteristiche. Sono “uniche”. Quindi, finché non verrà scoperto nulla di simile in giro per il mondo, in base a tutte le prove fornite dalla più moderna tecnologia, possiamo dire di aver davvero trovato la terra di cui parlava Platone: Atlantide.
…

Quindi i “misteriosi sacerdoti egiziani” non avevano mentito a Solone, e di conseguenza a Platone, quando gli dissero che ai piedi del monte Atlante, circa 11.500 anni fa, si trovava “una Grande Isola”. Ma questo fa sorgere altre importantissime domande: come lo sapevano? Quale civiltà era a conoscenza di fatti accaduti tra 14.500 e 7.000 anni fa? Questa zona dell’Africa è mai affondata? E che relazione ha “Atlantide” con Nan Madol e il “Continente sommerso” di Sundaland e Sahuland, recentemente scoperto dai ricercatori? Dove sono andati a finire tutti quanti? Il libro “Atlantide 2021 – Il continente ritrovato” risponde a queste domande, basandosi sempre ed esclusivamente su lavori di celebri scienziati, pubblicati su autorevoli riviste come “Science” e simili.

…
il libro qui:
ATLANTIDE 2021 – IL CONTINENTE RITROVATO
https://www.amazon.it/dp/B08TVX2J59

Un romanzo originale... porta con te un libro

2021-02-20T08:22:00.001+00:00

Donnafugata di Costanza Di Quattro Baldini+Castoldi

Donnafugata luogo, a due passi da Ragusa, tra carrubi secolari, muri a secco
campagna . Donnafugata , l'Ottocento, dominazione borbonica, moti di fierezza popolare e alba della dignità operaia. Donnafugata casato, tra i più antichi di Ibla, terra che in quei giorni incarna gioie, patimenti e futuro. Protagonista barone Corrado Arezzo De Spucches, quasi suo diario privato: da quando scappava bambino da don Gaudenzio ; agli anni in cui, ragazzo, compie gli studi a Palermo e lì fa sua la voglia di rivoluzione; a quelli in cui, marito, padre e poi nonno, vive e invecchia «circondato dalle fimmini», amandole tutte teneramente e sopravvivendogli con il cuore spaccato. Prefazione di Giuseppina Torregrossa.

"Se vuoi davvero non deludere questo vecchio che si avvia verso il tramonto, sii felice."Sono Si entra nella vita di Corrado spiando la sua vita saltando dalla sua vecchiaia, alla sua fanciullezza, alla sua giovinezza, conoscendone la famiglia, gli amici, la servitù.
Corrado è il Barone di Donnafugata, proprietario dell'omonimo castello, uomo realmente esistito, avo dell'autrice. Un uomo forte, determinato ma anche di gran che arriva al lettore grazie al suo essere un marito devoto, un padre disponibile, un bambino caritatevole, un amico sincero.
Un padre con cui confidarsi per una figlia segnata da un matrimonio fortemente voluto ma difficile, un capo capace di mettere in primo piano il bene della propria filiera e dei suoi sottoposti prima del denaro; un amico con cui condividere una bella bevuta ma anche confidenze, dubbi; un marito da cui farsi stringere la mano, con cui dormire accoccolati, capace di vedere oltre, di non limitarsi ad essere l'uomo di casa; un nonno presente, a volte impegnativo, ma sempre disponibile e capace di dire e fare la cosa giusta; un barone che non fa pesare al prossimo il suo ruolo e capace di chiedersi perchè una ragazza che lavora per lui non lo guardi mai negli occhi. Non si limita mai all'apparenza Corrado, sa sempre guardare un po' più in là, capire un po' di più, arrivare - con la capacità dell'ascolto - dove altri non arriverebbero.
Il suo rapporto con Micheluzzo, quel bambino affamato cui donò pane e latte, e che divenne il suo migliore amico, prima, e il suo braccio destro, dopo, è un rapporto unico, profondo, capace di andare oltre alle differenze sociali, e capace di affascinare il lettore per tutto lo scorrere delle pagine.
L'ambientazione è quella siciliana del 1800, di Donnafugata ma anche di Ragusa Ibla , dove il barone ha una dimora importante in cui si reca spesso con la famiglia. Entrambe le dimore sono raccontate facendocene vivere gli avvenimenti in quei luoghi e permettendoci di assistere alle vicende di vita che vi si svolgono nascite, malattie, incontri d'amicizia, litigi di famiglia, attraverso una narrazione capace di far emergere il protagonista in ogni suo particolare, perchè visti attraverso gli occhi degli altri, di quelli che lo amano, che hanno bisogno di lui, che credono in lui.
È un protagonista di quelli che difficilmente si dimenticano, insostituibili. stile scorrevole, arricchito in alcuni punti da vocaboli in dialetto molto comprensibili che creano l'atmosfera dei luoghi
La narrazione in terza persona.
viaggio lungo una vita, quella vera, quella che a volte dà e a volte toglie.

I SEGRETI DEL PARTENONE...

2021-02-13T08:51:00.001+00:00

Alcuni dei segreti del Partenone.

1. La sezione aurea

Il tempio, con il suo ingresso principale, è rivolto ad est. La sua lunghezza interna è di 100 piedi attici, cioè 30,80 metri. Le proporzioni stupefacenti sono espresse in questi numeri. L'attico che è 0,30803 metri o altrimenti 1 / 2Φ, dove Φ = 1,61803 esprime la Sezione Aurea. Il numero aureo Φ o comunque il numero 1.618 si trova spesso in natura, nelle proporzioni del nostro viso, del nostro corpo, nei fiori e nelle piante, nell'arte, negli organismi viventi, nelle conchiglie, negli alveari e molti altri. Molti, anche in la struttura dell'universo e le orbite dei pianeti. La Sezione Aurea, quindi, è una delle più grandi regole per esprimere il Bello. Il Bello è sempre soggetto a queste regole, motivo per cui la scienza dell'Estetica definisce e insegna chiaramente e correttamente che esiste oggettivamente il Bello, che tende sempre al numero aureo Φ, (1,618). E più le proporzioni sono vicine al numero 1.618, più bella è la creazione.

2. Simmetrie matematiche

L'ultima distanza sinistra e destra tra le colonne (lato est) è inferiore alle altre uguali tra loro. All'interno del Partenone, invece, in ciascuna delle sue proporzioni, incontreremo qualcos'altro: la sequenza di Fibonacci. Ovvero, la sequenza in cui ogni numero è uguale alla somma dei due precedenti: 1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, 34, 55, 89, 144, ecc. (ogni numero è uguale alla somma dei due precedenti). Inoltre, il rapporto tra due numeri consecutivi nella sequenza tende alla cosiddetta Sezione aurea, o Sezione aurea, o Numero F.Inoltre, all'interno del Partenone, c'è ovviamente il numero π = 3,1416, che è anche espresso dalla relazione 2Φ2 / 10 = 0,5236 metri. Le sei barre ci danno π = 3,1416, e se assumiamo che tutto questo fosse noto, cosa direste se dicessimo che in questo edificio perfetto troveremo anche il numero di Neperi e = 2,72, che è approssimativamente uguale a Φ2 = 2,61802 ; Questi tre numeri sono contenuti in tutta la natura, esistono in tutta la Creazione e niente può funzionare senza di loro. L'enigma, tuttavia, è grande: i creatori del tempio conoscevano questi numeri e le relazioni tra loro e come sono riusciti a includerli in modo così dettagliato e preciso in un edificio?

3. La luce

Il Partenone non ha finestre ed è un enigma tra gli archeologi come fosse illuminato l'interno della navata. Si sostiene che la luce entrasse da una grande porta spalancata, anche se questo è piuttosto dubbio, perché quando era chiusa, la suora e gli altri servi non potevano attraversarla. L'opinione che hanno usato torce non sembra essere corretta, in quanto non sono stati trovati segni di fuliggine. L'opinione generale è che ci fosse un'apertura nel tetto, chiamata "opaion", da cui entrava molta luce. Se il tetto non fosse stato distrutto dal missile Morosini nel 1669, tutte queste domande avrebbero avuto risposta.

4. Lo spazio speciale

Questo antico tempio non è definito dallo spazio circostante, ma al contrario il tempio è quello che definisce lo spazio con un proprio aspetto esterno. Sembra spuntare dalla terra come se fosse nato dalla roccia su cui calpesta, o come se fosse una meravigliosa estensione del terreno sassoso. Questo perché le colonne dell'occasione sono così "vive" da dare ritmo e movimento all'architettura. Il modo e le distanze delle colonne creano una speciale "personalità" delle ombre, che danno allo spettatore l'impressione che si stiano muovendo, o che stiano camminando. Il tetto del tempio dà anche la sensazione che, nonostante il suo enorme peso, poggi leggermente su tutto l'edificio.

5. Non ci sono linee rette ma curve

Nella sua costruzione architettonica, il Partenone non ha una linea retta. Al contrario, ci sono curve impercettibili e persino invisibili, che danno l'impressione che il pilastro es. è dritto e completamente piatto. La curva delle trabeazioni è simile. Ciò è accaduto perché Iktinos ha previsto e preso in considerazione la naturale imperfezione dell'occhio umano. Così ha creato l'illusione per lo spettatore che guarda il Partenone da una certa angolazione, che il tempio si alzi in aria. Le colonne sono note per avere un rigonfiamento (chiamato "intensità") circa a metà dell'altezza della colonna. Quello che non si sa è che gli assi delle colonne, come la trabeazione con la modanatura, hanno una leggera inclinazione verso l'interno, compresa tra 0,9 e 8,6 cm. Questa inclinazione significa che se estendiamo mentalmente gli assi verso l'alto, si uniranno a una certa altezza formando una piramide mentale. Il punto sopra la piattaforma, dove si incontrano le estensioni laterali mentali dei colonnati del Partenone, è di circa 1.852 metri. Questo, misurato, è stato trovato per creare un volume, che è circa la metà della Grande Piramide di Cheope a Giza, in Egitto.

6. Terremoto

Un altro segreto, tuttavia, custodito dai suoi architetti, è la sismicità dell'edificio. Per venticinque secoli il Partenone, dalla sua creazione non è caduto, non ha subito alcun danno, non ha crepe. Ciò è dovuto in parte alla sua costruzione piramidale, ma il Partenone in realtà non "calpesta" direttamente sul suolo della roccia nuda, ma su ciottoli costruiti, che sono saldamente legati e costruiti sulla roccia formando in questo modo un livello.

7. Paradossi non scientifici

1. Durante il giorno e quando c'è il sole, tutte le stagioni dell'anno, le ombre incidenti che si creano intorno al tempio, mostrano alcune parti specifiche del pianeta. Per quali segni indicano e cosa significano, viene indagato da esperti e non esperti. I punti di vista sono tanti e non convergono.

2. Se qualcuno si trova ai piedi dell'Acropoli, in via Epimenidou e volge lo sguardo verso l'alto, vedrà una persona che viene cancellata sulla roccia. Da un certo punto di vista si presenta una testa maschile, in cui risaltano le sopracciglia, gli occhi, il naso e la bocca. La faccia sembra che stia dormendo. Un gioco della natura o volutamente scavato nella roccia? Tuttavia, nella letteratura greca antica non ci sono nemmeno indicazioni di qualcosa di simile che sia stato scolpito da mano umana in questo punto della roccia sacra. Anche Pausania non fa alcun riferimento. Sullo stesso lato ci sono altre dodici figure, che non sono così evidenti, ma con un'attenta osservazione "emergeranno" dalla roccia.

3. Molti osservatori hanno riscontrato che sopra l'Acropoli e l'area più ampia del bacino di Atene, durante l'inverno, le nuvole nere e "pesanti" compaiono molto raramente, come in altre aree intorno al bacino e nel resto dell'Attica. Soprattutto in primavera e in estate, il cielo sopra l'Acropoli è cristallino. Infatti gli antichi ateniesi, quando volevano fare una previsione meteorologica, non guardavano mai il cielo sopra il tempio, ma volgevano lo sguardo su Acharnes, Parnitha e in un punto preciso, la vetta chiamata Arma. Arma fungeva da servizio meteorologico, perché se le nuvole cadevano lì, era prevista pioggia abbondante, o se questa parte del cielo era blu, estate. Inoltre, l'invocazione a Zeus per la pioggia è stata fatta solo con lo sguardo rivolto alla cima di Parnitha Arma, e non all'Acropoli. "Uguale, uguale, amico Zeus, contro il topo degli Ateniesi e dei campi ..." (Pioggia, pioggia, amico Zeus, sui campi degli Ateniesi e nella pianura).

4. All'interno del Partenone, il tempio della dea Atena segue l'asse Est-Ovest. Così, l'ultimo giorno della festa panatenaica (nel giorno del compleanno della dea Atena, il 28 di Ekatombaion - 25 luglio) si è verificato un evento scioccante: poco prima dell'alba, Sirio, la stella brillante della costellazione di Cino, è salito e letteralmente inondato dalla sua luce la statua d'avorio della dea.

Kalispèra Magno Greci. ( E. P)

Arte con il Cellini....

2021-02-13T08:23:00.001+00:00

Il #13febbraio del 1571, moriva #BenvenutoCellini, considerato uno dei maestri del #Manierismo. Lo ricordiamo con il suo capolavoro più conosciuto, 'Perseo con la testa di Medusa'.

Commissionata da Cosimo I de'Medici, la statua che attualmente si trova in #PiazzadellaSignoria a #Firenze, fu realizzata tra il 1545 e il 1554. Durante il #Rinascimento ci furono diversi tentativi di fusione di grandi statue in bronzo in un solo getto. Il Perseo è il più celebre di questi esperimenti ed è costituito da appena tre pezzi.

Ma la statua ha anche un significato politico: un "taglio" dato da Cosimo I alle esperienze repubblicane, rappresentate dalla testa di #Medusa. Una curiosità? Si dice che il retro dell'elmo indossato da Perseo sia un autoritratto di Cellini.

POISSANT E LA CASA SUL LAGO... ROMANZO SULLE RELAZIONI FAMIGLIARI

2021-02-12T08:40:00.000+00:00

La casa sul lago primo romanzo di David James Poissant, autore della raccolta di racconti Il paradiso degli animali.

lo scrittore riprende la stessa tematica principale riscontrabile nell'antologia: famiglia e rapporti interpersonali dei membri che la compongono.
In La casa sul lago ecco la famiglia Starling, padre (Richard), madre (Lisa), due figli maschi (Michael e Thad) e i loro rispettivi compagni (Diane e Jake). I sei membri della famiglia sono rappresentati dall'esterno e dall'interno, con capitoli basati alternatamente in ognuno dei loro punti di vista.

Sono individui legati tra loro da emozioni, obblighi semplicissimi da immaginare in quanto caratteristici delle relazioni umane, anche se al loro interno, come nella vita reale, vi è un mondo molto più ampio di quanto gli altri possano percepire. E questo è il neccanismo principale di Poissant: evidenziare una famiglia nel suo complesso e nello specifico di ogni individuo. Ci mostra quanto ci si riesca a conoscere e, al contempo, non ci si conosca affatto, persino tra persone legate tra loro da decenni. Se ne comprende meglio in....

Gli manca suo fratello e come andavano le cose quando erano ragazzi, l'infanzia beata in cui si coprivano le spalle a vicenda e la certezza che uno sarebbe saltato nel fuoco per l'altro, che avrebbe affrontato ostacoli, squali, pagliacci che impugnano una sega elettrica. A che età si perde per sempre quel tipo di amore?

La casa sul lago, titolo e ambientazione, è il collante di tutte le scene all'interno del libro. È spesso vista come una metafora di ciò che avviene tra i componenti e, leggendo opinioni diverse inerenti, si comprende anche la personalità e, soorattutti, lo stato d'animo di ogni personaggio. Come in questo passaggio...

Sai cosa significa innamorarsi, non di una persona ma di un posto? Del pendio della collina, del cigolio del molo. Del sole e della brezza. Di una V di oche riflessa sulla superficie di un lago. Lisa lo sa.

.. la vicenda si svolge in un weekend del 2018 (e infatti il testo si divide in quattro parti: venerdì, sabato, domenica mattina e domenica sera) e i sei membri della famiglia trascorrono insieme i loro ultimi giorni nella casa sul lago, che sta per essere venduta.

inizialmente introspettivo i primi capitoli introducono i sei personaggi mostrando solamente una traccia dei loro pensieri e che faranno comprendere il quadro generale. Il libro inizia con una scena imprevedibile e che, per la sua portata emotiva, farà scaturire forti reazioni. Anche se il romanzo non ha la propria forza nella spettacolarità dell'intreccio , il lettore sarà portato a leggere velocemente il tutto, perché gli elementi vengono dosati da Poissant con maestria: aggiungendo sempre abbastanza temi tanto da indurre curiosità. Così con l'alternarsi dei capitoli, lasciamo un personaggio in un momento in cui non avremmo voluto abbandonarlo. Il ritmo di lettura piuttosto veloce.

Per quindici anni erano stati così felici. Felici quanto basta. Appagati, perlomeno, prima che Diane rovinasse tutto. «Le persone cambiano» aveva detto. Michael non ne era sicuro. Diane era cambiata o l'aveva ingannato? Era questo che voleva da sempre?

Ogni punto di vista, in terza persona, è onnisciente e non mostra solo le azioni svolte ma anche i pensieri più reconditi del protagonista di ogni capitolo. personaggi realistici e difficili da amare incondizionatamente; ognuno di loro può essere giudicato per qualcosa che fa o nasconde e, anche se conosciamo la motivazione dietro ogni loro scelta, sarà probabile che alcuni di loro, se non tutti, facciano arrabbiare il lettore. Allo stesso tempo, sarà difficile poter non tifare per loro: sin dall'inizio il desiderio prevalente sarà il lieto fine (sul quale, ovviamente, non vi svelo nulla).

Proprio grazie alle loro diverse personalità, ambizioni e caratteristiche troverete all'interno delle quasi trecentocinquanta pagine di La casa sul lago, un'incredibile varietà di tematiche: alcolismo, dipendenza in generale, rapporti di ogni genere, lavoro, conflitti intergenerazionali, religione, aborto, arte e molto di più. Ogni argomento è introdotto e approfondito sufficientemente sia per conoscere l'opinione del protagonista del momento, sia per indurci a riflettere sulla nostra. Anche qui, la varietà, la credibilità e la forza dei temi, porteranno il lettore ad immedesimarsi e a provare forti emozioni al riguardo. L'atmosfera, dunque, è facilmente recepita.

«Pensi che la felicità sia ottenere quello che vuoi» dice Michael. «Qualunque cosa vuoi, quanta ne vuoi, quando vuoi». Gli trema la voce. «E se non fosse vera felicità? E se la vera felicità fosse dire 'Fanculo a cosa vuoi tu, e rimanere insieme, anche quando è dura, anche quando non sei più quello di una volta?

All'interno del libro vengono citate opere varie, quali ad esempio il film Cast away, Frankenstein e X-Men, che daranno un tocco di modernità, contestualizzando ancora di più la vicenda.

Ultimi, ma non per importanza, l'ottimo lavoro di traduzione di Gioia Guerzoni e la sua nota del traduttore (presente in ogni libro edito NN Editore tradotto) in cui ci viene raccontata sia l'esperienza di traduzione (avvenuta durante il lockdown) e della sua personale interpretazione del testo.

Ma soprattutto, e questo mi ha affascinata davvero, si sente in questo romanzo la solitudine estrema – "la distanza tra loro è una galassia nera come l'inchiostro" – di ciascun membro della famiglia, che spesso, pur non essendo mai solo, si comporta come se lo fosse. Non dice, finge, nasconde, decide senza chiedere.

In conclusione, ho trovato in La casa sul lago tutto ciò che cercavo.
Capita spesso, con un autore abituato ad un tipo di narrazione, di trovarlo maggiormente inadatto verso una nuova mai affrontata ma questo non è il caso di Poissant che, all'interno del testo, è riuscito ad inserire esattamente ciò che si trova nei suoi racconti, con l'unica differenza che, in questo caso, i personaggi sono tutti legati tra loro e vengono approfonditi per più pagine, cosa di cui il lettore difficilmente si potrà dispiacere.

È un romanzo che va letto i cerca di interiorità: per quanto non manchino gli eventi importanti, anch'essi propri della vita di tutti i giorni, non è tanto ciò che succede a colpire ma lo fa la verosimiglianza dei personaggi, delle loro relazioni ed emozioni e, anche, dei loro dialoghi che dicono e non dicono, al contempo, ciò che vorremmo.

Se il destino è guidato dai pensieri, dalle parole, il minimo che Diane può fare, almeno oggi, è stare zitta. Quindi lascia che suo marito le tenga la mano. Sorride. E ci sono molte, moltissime cose che non dice.

Per questi motivi lo consiglio, trovo che sia perfetto letto in una situazione di calma (anche solo apparente), ancora meglio se circondati dalla propria famiglia.

CITAZIONI

Lake Christopher non è fatto per le feste, non è una baia rumorosa. Chi ci abita da tempo ha lavorato sodo per conservarlo così, dopo essere sopravvissuti a decenni di sviluppo edilizio e a due tentativi, uno statale e uno di una grossa società, di espropriazione per pubblica utilità.

Michael dovrebbe essere in acqua a nuotare, ma nella testa gli sembra di avere i pipistrelli. Rimanere sobri vuol dire avere ali che sbattono nel cranio, sonar negli occhi. Ha bisogno di vodka, subito, ma stamattina quando si è svegliato il succo d'arancia era finito e non sarebbe mai riuscito a infilare degli alcolici in barca senza farsi vedere. La sua famiglia può sopportare un sacco di cose, ma non la vodka prima di mezzogiorno.

Sua moglie non è grassa, ma non è più come la ragazza sulla barca. Vorrebbe tanto che lo fosse e sa che questo desiderio potrebbe farlo rientrare nella categoria dei maschilisti. Non vuole diventare come quelli che vogliono la moglie giovane e in forma. Ma non volere qualcosa non diminuisce il desiderio. Gli manca la giovinezza, sua e di sua moglie.

Quegli occhi. Ama quel ragazzo. Jake gli ha spaccato il cuore a martellate centinaia di volte, ma è lui che gliel'ha permesso. Puoi incolpare il martello solo fino a un certo punto, poi la colpa è tua se non ti sei scansato.

I suoi colleghi d'università troverebbero questa procedura scomoda, pericolosa, ma sono anni che lui lo fa. È una cosa del North Carolina e Richard la capisce. Questa è la sua gente. È nato nel Sud, sarà sempre del Sud. Nessuna cattedra, nessun dottorato può cambiarlo.

Non è pedante. È una donna di fede, ma del tipo progressista, vivace, "Dio è amore", non la versione che si scandalizza per le parolacce o pensa che si possa bruciare all'inferno. Ma la casa sul lago è sacra. In questo si può dire che sia quasi ecclesiastica. C'è un tempo per maledire e un tempo per trattenersi. Un luogo per la rabbia e uno per la pace. Per lei, questa casa è sempre stata un luogo per la pace.

Tutto rimane taciuto: nessuna offesa, nessun bisogno di dire la verità. Meglio fingere, fare pace, andare avanti. Meglio vivere e morire con i segreti che ogni famiglia mantiene.

SINOSSI UFFICIALE

Come molte famiglie americane, gli Starling vivono ai quattro lati del paese, ma d’estate si ritrovano nell’amata casa sul lago, in North Carolina. I genitori, Lisa e Richard, stanno per andare in pensione dopo una lunga carriera alla Cornell University, e vogliono vendere la casa per pensare al loro futuro. Questa decisione spiazza i due figli, Michael, commesso in un negozio, e Thad, aspirante poeta. Insieme alla moglie Diane e al fidanzato Jake, i due fratelli raggiungono i genitori per l’ultimo weekend nel luogo del cuore della loro infanzia. Ma quando un bambino annega davanti agli occhi di Michael, che tenta con tutte le forze di salvarlo, ogni personaggio si trova costretto a esplorare l’abisso delle proprie paure e debolezze. In soli tre giorni, segreti, dipendenze, infedeltà e rancori erompono e stravolgono gli equilibri degli Starling.Dopo Il paradiso degli animali, David James Poissant torna con un romanzo sull’America di oggi, e con uno sguardo lucido e compassionevole osserva una famiglia capace di ferire ma anche di perdonare senza riserve. La casa sul lago non racconta l’amore come una materia cristallizzata e immutabile, ma come un sentimento che si trasforma nel tempo, impetuoso e imprevedibile, a cui affidarsi senza opporre resistenza.Questo libro è per chi riconosce d’istinto un nodo ben fatto, per chi guarda la luna scalare il cielo, una notte dopo l’altra, per chi vorrebbe raccontare il futuro in anticipo, e per chi ha capito che un lungo amore non è una danza verso vite divise, ma un pianeta raro che resiste al tempo solo se chi lo abita sa dire la verità.

14 ottobre Todi in festa per San Fortunato

2020-10-12T07:24:00.001+01:00

Todi è pronta a festeggiare e rendere omaggio al Santo patrono Fortunato, grazie all’Associazione ARCUS TUDER che, con la collaborazione di Todiguide, organizzerà la tradizionale Disfida di San Fortunato, alla quale parteciperanno compagnie di arcieri in foggia storica provenienti da tutta Italia, e la seconda edizione del PALIO DELL’AQUILA che vedrà sfidarsi gli arcieri dell’Arcus Tuder suddivisi in 6 squadre, ognuna abbinata ad uno dei 6 antichi quartieri medievali del centro storico: Colle, Valle, Nidola, Santa Prassede, San Silvestro e Santa Maria. Il vincitore conquisterà il Palio di San Fortunato, uno stendardo

IVoltoni Comunali e Piazza del Popolo ospiteranno la Mostra-Mercato TIPICO TODI, con oltre 30 stand di prodotti tipici locali, artigianato, hobbistica e collezionismo. Inoltre il pomeriggio laboratori di abiti medievali e accessori, scuola di danza medievale, giochi di una volta, spettacolo teatrale “Alla scoperta di san Fortunato”, visite guidate, falconieri e giocolieri. Tutto dedicato ai piccoli tuderti che in un giorno di festa potranno godere liberamente della loro bella città!

la Parata dei Tamburini che si svolgerà per le vie del centro : in prima fila ci saranno i nostri TAMBURINI E SBANDIERATORI ARCUS TUDER, nuovissimo gruppo formato da giovani tuderti impegnati a far rivivere l’antica tradizione dei musici medievali.
L’evento avrà la sua conclusione con il grande Corteo Storico al quale parteciperanno gruppi di figuranti provenienti anche da fuori regione.

Interpretare Caravaggio...

2020-10-01T05:58:00.001+01:00

MARTA E MADDALENA: I PRECEDENTI

«Ciò che più interessa al pittore è rendere la lucentezza della seta della manica rossa, ispirata ai ritratti giovanili di Tiziano», riferisce poi Mina Gregori. E tra le immagini muliebri del pittore veneziano quella più MARTA E MADDALENA: I PRECEDENTI

Se tra le fonti iconografiche del Caravaggio, per l’impostazione delle figure, può annoverarsi la tavola del Luini raffigurante Modestia e Vanità, di proprietà del Cardinal Del Monte, per l’idea del computo digitale non può escludersi la suggestione del Cristo tra i dottori (Londra, National Gallery), oggi attribuito al Luini ma all’epoca assegnato a Leonardo. «Ciò che più interessa al pittore è rendere la lucentezza della seta della manica rossa, ispirata ai ritratti giovanili di Tiziano», riferisce poi #MinaGregori. E tra le immagini muliebri del pittore veneziano quella più immediatamente accostabile alla figura della Maddalena, per la serica resa dell’ampio panneggio rosso, è certamente la Salomè con la testa del Battista (Roma, Galleria Doria-Pamphilj), proveniente dalla collezione di Lucrezia d’Este, giunta a Roma con le altre opere del lascito testamentario in favore del cardinal Pietro alla fine del 1598.

[fonte: Laura Testa, in Caravaggio nel IV Centenario della Cappella Contarelli. Atti del convegno]

⏩ Caravaggio pictor praestantissimus

.... pittore praetantissimus nella Vocazione di San Matteo

2020-10-01T05:20:00.001+01:00

LA VOCAZIONE DI SAN MATTEO

PER ALTEZZA E CARICA RIVOLUZIONARIA, PUÒ ESSERE PARAGONATO AGLI AFFRESCHI DI GIOTTO AD ASSISI O AL MASACCIO DELLA CAPPELLA BRANCACCI.

Sul lato destro della sua cappella, Cointrel volle «un quadro nel quale sia depinto San Matteo dentro un magazeno, o ver salone ad uso di gabella con diverse robbe che convengono a tal officio, come un banco come usano i gabellieri con i libri e danari in atto di aver riscosso qualche somma o come meglio parerà, dal qual banco San Matteo, vestito secondo che parà convenirsi a quell’arte, si levi con desiderio per venire a Nostro Signore che passando lungo la strada con i suoi discepoli lo chiama all’apostolato. E nell’atto di San Matteo si ha da dimostrare l’artificio del pittore».

Caravaggio tradusse queste indicazioni in uno dei brani piú indimenticabili della storia dell’arte occidentale, un testo che, per altezza e carica rivoluzionaria, può essere paragonato agli affreschi di Giotto ad Assisi o al Masaccio della cappella Brancacci. Il banco dei gabellieri è una tavolata di giocatori: gli stessi modelli, gli stessi abiti contemporanei, lo stesso taglio a mezze figure che fino a quel momento gli erano serviti a far quadri di bari e buone venture, permettono ora a Caravaggio di rappresentare il pubblicano del Vangelo con una credibilità e un’attualità inaudite. Intorno a questa ben nota tranche de vie, solo buio: buio sotto al tavolo (dove le gambe trasformano le mezze figure in personaggi da quadro di chiesa), buio sopra le teste, in una specie di grande e desolato scantinato che (alla maniera di quanto era avvenuto con la Maddalena) ritrae molto semplicemente lo studio dell’artista. La porta in cima alle scale è rimasta aperta, ed è da li che entra il fascio di luce che accompagna l’ingresso dei due soli personaggi in abiti antichi: un goffo e intabarrato San Pietro che quasi nasconde il Cristo, il quale alza la mano in un silenzio eterno, graffiato solo dai granelli di polvere che - sembra di vederli - salgono e scendono nella luce.

[fonte: #TomasoMontanari. Il Barocco]

Caravaggio pictor praestantissimus

CARAVAGGIO

2020-09-30T08:20:00.001+01:00

INDAGARE Sul PERCHÉ PIACE CARAVAGGIO

DAL WEB…

►Caravaggio non aveva bisogno di una cattedrale, gli bastava la vastità del suo immaginario e il suo genio per esprimere la sua fede, il suo tormento, la sua realtà. Dipingeva per scavare e rendere eterno un attimo, anzi l'attimo prima che la scena rappresentata accadesse, obbligandoci a ricercare e decifrare il garbo dei dettagli. Ogni sua opera è una immagine come una poesia intensa. C'è qualcosa di sacro nella sua pittura. E' una sorta di magia, di incanto che non riesco a trovare in altri pittori. E mi fa stare bene l’emozione e la meraviglia che mi danno le sue opere (@Giuseppe De Biasi)

►I coloro caldi. Le forme. La sua straordinaria capacità di utilizzare i chiari, la luce, le ombre per creare immagini che magicamente nascono dallo sfondo scuro. Senza aggiungere altro...se non linee di luce!! (@Maria Foiadelli)

►E’ una sensazione "a pelle" (@Monica Garavini)

►Tra i tanti motivi, perché la sua tecnica pittorica è complessa come una scultura (@Manuela Spinelli)

►Nuovo e Vero (@Gianna Salu)

►Perché ha reso sontuoso l'ordinario! (@Anna Stefanini)

►L’oscurità nelle sue opere (@Lucia Di Leo)

►Giochi di luce ed ombre. Le ali nere degli angeli (@Consuelo Ballarino)

►I corpi , l'effetto fotografico fatto di luci e ombre, è la scomparsa quasi totale a ciò che non serviva a definire la scena (@Michele Picardi)

►E’ il più "Grande"di tutti, insieme all'altro Michelangelo. I due Michelangeli (@Michelangelo Capicotto)

►Perché le sue opere sono vive intense. Trasmettono emozione, drammaticità (@Nicoletta Caropreso)

►Molto reale, fotografico. Intenso (@Rita Amanna)

►Per tutto.... per la sua tecnica.... per la sua luce.... per utilizzare prostitute come modelle, a quei tempi poi.... per utilizzare lui stesso come modello.... per la sua vita romanzesca.... perché dopo di lui lo spartiacque, la pittura sarà diversa (@Gennaro Mocerino)

►Perché mi colpisce la sua originale tecnica in cui si vede la genialità nella cura del dettaglio, ma soprattutto i suoi quadri mi parlano e trasmettono la sua profonda spiritualità, che mi ha tanto arricchito quanto sorpreso (@Stanislav Košč)

►Di Caravaggio adoro la verità umana, la vita che pulsa nelle sue figure umane, la passione vera e mai enfatica che si traduce nei gesti e nella mimica facciale dei suoi personaggi, e infine quella luce che disegna le forme, facendole emergere dall'oscurità indistinta e infondendo in esse la vita. Mi emoziona inoltre la sua capacità di raccontare il divino innestato nel quotidiano dell'esistenza umana, al di là della retorica altisonante della tradizione (@Gianna Torsello)

►Io rimango incantato davanti alle sue opere... Non riesco a spiegarmelo... Le riconosco subito... Le sue opere mi catturano!!! (@Luigi Paolillo)

►Perché sono un fotografo (@Roberto De Martino).

►Perché rimango incantata e stupefatta davanti ad una sua opera.... da come usa il gioco di luce è come se i personaggi uscissero dal buio… mi affascina la sua tecnica e riconoscerei un Caravaggio tra mille opere d'arte (@Sara Bianchi)

►Perché nelle sue opere la luce sontuosa dialoga con l'ombra più intensa, senza grigi e senza compromessi, non è per gli ignavi... (@Manuela Pancaldi)

►Perché divide la storia dell'arte nettamente in due: prima di Caravaggio e dopo di Caravaggio (@Dario Di Nunno)

►Lui il genio della luce e del buio...Non posso immaginare nulla di più perfetto (@Patrizia Angeli)

►Perché sa cogliere ogni minima sfumatura di colore nei ritratti che fa, non trascurando alcun particolare, alcuna ombra o luce. Ogni pennellata è mirata, precisa, non casuale. (@Graziella Antonella Scarsi)

►Amo Caravaggio perché lontano dagli stereotipi e dagli schemi dell'epoca.... Caravaggio è la realtà vissuta il suo modo di dipingere mi trafigge mandandomi in estasi... Rocco Marilea Loparco

►Perché le sue opere ti fanno vedere cose che avrei tralasciato sicuramente, invece Lui le esalta alla perfezione (@Taccori Angela)

►È dirompente! (@Serafino Di Cesare)

►Perché c'è contrasto etico tra quelli che dipingeva è quello che faceva. Pur frequentando luoghi e persone religiose non si è assoggettato alle loro regole e questo paradosso lo ha tradotto in arte. (@Elena Bizzozero)

►Perché osservando le sue opere, ti porta al divino e poi oltre, ti mostra l'elemento umano e vero. (@Nicole Acuña)

►Per come faceva risaltare il gioco di luci nei suoi quadri ...e i suoi colori (@Rox Montalegni)

►Il suo modo di dipingere i volti e i corpi da farli sembrare reali,i suoi colori,i suoi chiaroscuri..e perché attraverso le sue pennellate si può capire chi era Caravaggio (@Flavia Caruso)

►Mi colpisce la tensione del collo con uno sguardo di apparente rassegnazione ma che rassegnazione non è . E poi trovo davvero particolare il modo in cui è annodato il lenzuolo bianco (@Giuseppe Petrosino)

►pittura viva. Vvi si vede la sua anima,il suo pensiero e gli intenti che si prefigge di trasmettere con la sua opera. nel buio e nella luce esplode tutto il suo fascino, che incanta e ti trasporta. sono le sue tele opere che parlano ad ognuno (@Angelo Piselli)

►Gli squarci di luce (@Adriana Cleofe Gobbi)

►Per l'atrocità. Il conflitto interno ad ogni personaggio L'intreccio dei corpi nella luce e nell'ombra (@Antonio Adiletta)

►Caravaggio è stato e rimarrà sempre il genio assoluto nella sua epoca.....unico e sublime (@Castle Motta)

►Da appassionato di fotografia lo vedo come il primo inarrivabile fotografo ( scrittore con la luce ) della storia. Assolutamente moderno, se si toglie il mezzo usato. Realista e antiagiografico (@Michele Piccinno)

►Per il suo grande genio pittorico....tutte le sue opere sono così vere che guardandole, pare che i personaggi che le animano siano persone vere, in carne e ossa, che si muovono davanti a te! (@Marina Mody Panella)

►Perché ti mostra la tragica realtà dell’uomo senza nascondere la verità. Grazie per questa pagina!

(@Livia Di Luzio)

►Tanta luce, tanta ombra (@Caterina Proietti)

►Alcuni suoi capolavori ci osservano dal passato,sembrando selfie fatti con l'iphone (@Stefano Zinnia)

►Perché è fuori dagli schemi, realista,nudo e crudo,gioca con la luce,possiede il controllo delle ombre , degli sguardi e degli attimi suggestivi delle sue opere. Credo siano tutti ottimi motivi per affermare che sia il migliore.... non credete? (@Pietro Pastore)

►Il suo modo di dipingere i volti , i corpi così reali. (@Marcella Buratti)

►è reale e fedele a se stesso - si esprime senza scendere a compromessi - ogni emozione e' viva - magnetico ti cattura fino alla commozione (@Maria Grazia Milano)

►Vero, verace, arrabbiato, folle potente, grande tecnico, innovativo, oltre ogni schema (@Elena Barbara Bianco)

►Perché ha rivoluzionato l'uso del colore (@Mara Marino)

►La luce risalta i corpi e diventa protagonista (@Antonio Giordano)

►I coloro caldi. Le forme. La sua straordinaria capacità di utilizzare i chiari , la luce, le ombre per creare immagini che magicamente nascono dallo sfondo scuro. Senza aggiungere altro...se non linee di luce!! Solo lui può dire tanto con un dipinto. Geniale....lo adoro (@Maria Foiadelli)

►Caravaggio è (fra l'altro) l'evidentissima prova che azzera il trito ritrito luogo comune: massimo risultato col minimo sforzo. Chi non percepisce il sudore sangue e sperma che vibra in ogni minimo dettaglio, non ha occhi ma solo una vista (@Paolo Drovandi)

►Magico! (@Cristiana Esposito)

.... WATH ELSE? IMMAGINI ER RAMMENTARE

2020-09-15T06:15:00.001+01:00

SETTEMBRE... tornare alle origini.... casa dell'infanzia.

LO STUDIOLO DI NONNO FRANCESCO

IL SEGRETO IN UN MAZZO DI CHIAVI.....

OLTRE......

IL SALOTTO BUONO.....

OLTRE....

TORRE E FERITOIA....

MAGGIO 2020 il blog si rimette in moto...

2020-05-21T12:49:00.006+01:00

MAGGIO 2020 si torna pian piano alla normalità

riprendo le fila del blog che curo

su consigli di lettura

ma puoi visitare anche...

LEGGERE PER…PER LEGGERE

LEGGERE …ALLENA LA MENTE

DAL BLOG IL SALOTTO IRRIVERENTE voglio trattare di un insieme di racconti che ci informano sul mito con la caratteristica che essi sono scritti da donne!

Titolo: Le Nuove Eroidi
Autrici: Ilaria Bernardini, Caterina Bonvicini, Teresa Ciabatti, Antonella Lattanzi, Michela Murgia, Valeria Parrella, Veronica Raimo, Chiara Valerio
Casa Editrice: HarperCollins Italia (ottobre 2019)

Circa duemila anni fa Ovidio scrive delle lettere poetiche in versi assai originali: “Eroidi”, in cui le eroine del mito si rivolgono ai propri mariti e compagni, capovolgendo il punto di vista maschile riguardo alle storie narrate. Nel 2019 otto scrittrici italiane nate negli anni Settanta, riscrivono Ovidio e si avventurano sul terreno del gioco riproponendo in modo creativo alcuni miti. Antonella Lattanzi, Valeria Parrella, Ilaria Bernardini, Veronica Raimo, Chiara Valerio, Caterina Bonvicini, Michela Murgia e Teresa Ciabatti sono le protagoniste di un'antologia di racconti che riporta in auge miti e letteratura dell’Antica Grecia ripercorrendo le vicende di grandi eroine tragiche, dalle imprescindibili alle meno note

Ne Il Libraio leggiamo:"Otto donne della tradizione classica per otto autrici italiane contemporanee. Questa la formula alla base de Le Nuove Eroidi (HarperCollins Italia), antologia di racconti che riporta in auge miti e letteratura dell’Antica Grecia ripercorrendo le vicende di grandi eroine tragiche, dalle imprescindibili alle meno note, in una lettura tutta femminile di storie sempre attuali.

Antonella Lattanzi, Valeria Parrella, Ilaria Bernardini, Veronica Raimo, Chiara Valerio, Caterina Bonvicini, Michela Murgia e Teresa Ciabatti sono le protagoniste di un'antologia di racconti

Antonella Lattanzi – Fedra e il dramma della regina folle d’amore per il figliastro, riproposto nella forma di una lettera testamentaria indirizzata ai figli. “Verità” e “libertà” sono le parole chiave di questa confessione spassionata, in cui crimine e aberrazione non riescono a sopprimere l’anelito alla vita e l’invito ad “amare con furore”.

Valeria Parrella – Didone - Pagine che sono allo stesso tempo un monologo, una lettera, un’invettiva, con cui Parrella offre alla regina abbandonata la possibilità di riscattare il suo infausto destino riformulando in linguaggio attuale ma non meno spietato il disprezzo per la vigliaccheria che Enea nasconde dietro la “ragion di stato

Ilaria Bernardini Ero - La vicenda di Ero, sacerdotessa oscurata da altri miti più famosi del suo, il cui amore Leandro attraversa ogni notte un tratto del Mediterraneo solo per incontrarla, si fa fonte di ispirazione per la storia tragica e commovente di una coppia di migranti, dolorosamente ripercorsa da esitazioni e speranze della partenza alla desolazione di un epilogo fin troppo familiare

Veronica Raimo Laodamia- La tragedia di Laodamia è fatta di ossessioni frustrate e tentativi vani di riempire un vuoto incolmabile, quello del marito morto in territorio troiano e rimpiazzato da una statua di bronzo; nella cronaca puntuale dei giorni successivi alla sua morte, il combattente diventa qui un reporter di guerra e il suo simulacro, nell’era del sexting, le foto di una chat clandestina.

Chiara Valerio - Deianira - Caso unico in tutta la raccolta, il resoconto della maledizione del centauro Nesso passa qui in mano alla serva Eubea, che ripercorre con flashback il matrimonio tra la padrona e Ercole e diventa lei stessa vittima in prima persona della tragedia generata dai suoi strascichi nefasti.

Caterina Bonvicini - Penelope - Come Ero, anche il personaggio ben noto della moglie di Ulisse rievoca inevitabilmente il mare (e le sue vittime). Bonvicini ne fa il volto femminile di Lorenzo Leonetti, in missione nel 2018 come cuoco di bordo per Open Arms (Ong catalana).

Michela Murgia - Elena - In un lungo monologo indirizzato a un Paride che dorme al suo fianco prima della battaglia, Michela Murgia racconta l’insospettabile tragedia interiore della più bella tra le donne, vittima di un primato indesiderato che ha il sapore di una condanna.

Teresa Ciabatti - Medea - Con l’audacia narrativa che la contraddistingue, Teresa Ciabatti converte la figura della madre degenere per antonomasia, capace di uccidere i suoi stessi figli per vendetta, in quella di una donna disposta a tutto pur di salvaguardare le sue creature, fin nelle scelte di vita più estreme.

Da Il sole 24 ore traiamo questo commento:" È chiaro che ogni scrittrice ha scelto come misurarsi con Ovidio, se emularlo, riscriverlo provocatoriamente, prenderne le distanze o considerarlo come un'ispirazione iniziale. Paradossalmente, i racconti più convincenti sono quelli che si sono allontanati di più dal noto predecessore, bagnando la vicenda di presente: Ilaria Bernardini, Antonella Lattanzi e Caterina Bonvicini hanno portato storie molto forti, pari nell'intensità a quelle di Ovidio. Forse dopo aver letto questa raccolta ai lettori verrà il desiderio di riaprire il capolavoro latino: in tal caso, ben vengano le Nuove Eroidi tra le opere più vendute

e su Scenario Tutti i colori del Mito al femminile. ‘Le nuove eroidi’:" Le lettere delle Nuove eroidi di oggi raccontano il nostro mondo fatto di guerre, di emigrazione, di guerre, di femminicidi, di maternità complesse, di adulteri, di gelosie, di tradimenti.

Hanno reinterpretato il mito, modernizzandolo. "

Mentre su Solo libri :" Le eroine che scrivevano le epistole nelle Heroides di Publio Ovidio Nasone erano ben 21 e ciascuna mostrava il proprio dolore e struggimento al compagno, marito o amante lontano. Le lettere del poeta latino sono tutte scritte in distici elegiaci e soprattutto sono tutte legate dal lamento di donne che sono state abbandonate, tradite e ingannate dall’uomo che più amavano.

Nulla di questo troverete nella versione Le nuove Eroidi, perché qui le donne sono sì tradite, abbandonate e ingannate, ma mai sopraffatte dai propri sentimenti. Nella loro vita le eroine di queste scrittrici hanno fatto delle scelte molto coraggiose.

Le eroine che "escono dalle penne di queste scrittrici cambiano il mito e diventano loro le protagoniste della narrazione, artefici del loro destino, mentre i loro compagni devono attenderle, accettare le loro decisioni e ascoltare le loro versioni. Un racconto dopo l’altro vediamo le nostre eroine prendere voce e raccontarsi, grazie alle penne di otto grandi scrittrici, mostrandoci una nuova versione delle loro storie.Le nuove Eroidi è un libro bello, pieno di emozioni, pieno di femminilità e di grandi storie che finalmente hanno trovato uno spazio per essere narrate, mettendo per un attimo da parte l’immagine della principessa indifesa da salvare.

In Letteratitudine news il critico afferma:" L’avvincente antologia riprende così il titolo delle Eroidi di Ovidio, in cui con una sensibilità che non esclude le tragedie quotidiane dell’Occidente riesce a imporsi come interpretazione efficace e ragionata di dinamiche dalle quali nessuno potrà mai sottrarsi. La varietà di toni e registri delle otto intellettuali, tanto quanto le diverse prospettive da loro adottate di volta in volta, impreziosisce ancora di più la raccolta, permettendole di infrangere tabù e di rammentare a chi legge che la volgarità va di pari passo con la bellezza, che le brutture del mondo si mescolano ai miracoli, e che la distinzione tra bene e male non sempre è netta come si potrebbe supporre.
Un esperimento narrativo ben riuscito, quindi, che spicca per forza evocativa e per creatività tra le più recenti uscite in libreria."

Su Cultura al femminile simpatica e originale la recensione di Sara Cancellara:" Così Publio Ovidio Nasone soppiantò Catullo e fine della storia. Autunno 2019. Succede qualcosa, qualcosa di bello, vagando per librerie mi succede spesso. Oggi più del solito. Mi basta dare un’occhiata al titolo e sento che Le nuove Eroidi mi travolgerà come un torrente in piena.Decido di leggere un racconto al giorno, piano, lentamente perché quello che mi affascina di più di questo testo, oltre la lettura, è capire come si possa rielaborare ai nostri giorni la mitologia.Ancorarsi al passato senza stravolgere nulla o cedere al linguaggio moderno in tutta la sua forza e brutalità?

Il sito Centodieci nell'articolo FONDARE NEL MITO LA CONTEMPORANEITÀ, ci indirizza:"Prima ancora di scriverli, i miti, si tramandavano a voce. Perché sono nati, allora? Per dare un senso a ciò che accadeva, per comunicare e trasmettere una morale e un senso comune delle cose, in modo che si potesse condividere non soltanto una città o un periodo della storia dell’uomo, ma anche un senso civico, un modo di vedere e interpretare il reale. Perché di questo si fonda il vivere comune, da sempre. Sin dall’Antica Grecia questo principio era già talmente chiaro che filosofi, uomini della politica e sacerdoti condividevano un sentire comune che ha poi dato vita alla prima forma repubblicana della storia dell’uomo, quella ateniese, ma anche a un forte sistema valoriale che spesso sfociava e si mescolava con il sacro.

I miti erano la stessa cosa. Raccontavano di persone comuni ma allo stesso tempo l’intervento divino era costante, pervasivo. Si parlava di Achille come di un semidio, lo stesso che poi era attore principale dell’Iliade e che piangeva l’amico Patroclo. Si parlava di Penelope e di Didone come forse vissute davvero ma allo stesso tempo erano al centro di fiabe, miti, tragedie.
Alla base di tutto, e del motivo per cui ancora oggi i miti rimangono strettamente ancorati alla nostra tradizione, seppur soltanto storica e letteraria, è che mantengono un forte legame con la morale, con il senso civico e con il modo che abbiamo di fondare ancora oggi la civiltà occidentale. Nonostante questo, perché non attualizzarne il racconto? Perché non prendere alcune delle protagoniste di alcune delle donne più iconiche del mito greco e ambientarle ai giorni nostri?questa nuova antologia – “Le Nuove Eroidi” edito HarperCollins – racconta le protagoniste dei miti di più di duemila anni fa attualizzandole e dimostrando che il dramma, la forza d’animo, la resilienza, il carattere di “genere” , è ancora al centro della morale e della costruzione della società contemporanea."

Contaminazioni caffè letterari

2020-05-02T13:43:00.001+01:00

CONDIVIDERE LETTURE USANDO VARII MEZZI TECNOLOGICI

Roby Facchinetti - Rinascerò, Rinascerai

2020-04-04T10:18:00.001+01:00

RICOMINCIO DA UN FILM...YESTERDAY dal blog Letture senza tempo

2020-03-06T09:22:00.000+00:00

RICOMINCIO DA UN FILM...

Yesterday

di Danny Boyle

Genere: commedia, musicale, sentimentale
Titolo originale: Yesterday
Paese/Anno: Cina, GB, Russia | 2019
Regia: Danny Boyle
Sceneggiatura: Richard Curtis
Fotografia: Christopher Ross
Montaggio:

Jon Harris

Interpreti: Alexander Arnold, Camille Chen, Ed Sheeran, Ellise Chappell, Harry Michell, Himesh Patel, Jaimie Kollmer, James Corden, Joel Fry, Justin Edwards, Karl Theobald, Karma Sood, Kate McKinnon, Lamorne Morris, Lily James, Meera Syal, Michael Kiwanuka, Robert Carlyle, Sanjeev Bhaskar, Sarah Lancashire, Sophia Di Martino

Colonna sonora: Daniel Pemberton
Produzione: Decibel Films, Etalon Film, Perfect World Pictures, Working Title Films
Distribuzione: Universal Pictures
Durata: 116'

Data di uscita: 26/09/2019

il nuovo film di Danny Boyle, basato sulla sceneggiatura di Richard Curtis

Cosa accadrebbe se fossi l'unica persona che ricorda l'esistenza dei Beatles? Ad esempio, succederebbe che potresti presentare come tue le canzoni di John Lennon e Paul McCartney: è lo spunto narrativo che nutre 'Yesterday', film romantico e canterino

Jack Malik è un musicista di scarso successo. In lui crede solo Ellie, manager, amica e forse qualcosa in più, benché inespresso. Finché una sera, dopo che ha deciso di smettere con la musica e cercare un lavoro più regolare, Jack ha un incidente e perde coscienza durante un blackout planetario. Quando si sveglia, scopre che il mondo è stato privato delle canzoni dei Beatles e che lui è rimasto il solo a ricordarle.

Dopo successi di critica e pubblico come il citato The Millionaire o l’intramontabile Trainspotting, cosa poteva pescare ancora dal proprio cappello di regista Danny Boyle? La risposta è Yesterday. Il regista coglie al volo l’idea “geniale” dello sceneggiatore Richard Curtis per confezionare un film che si prende gioco dello spettatore, illudendolo che il vero protagonista del film sia qualcosa che appartiene a ieri, ovvero i mitici Beatles. Che mondo sarebbe senza i Beatles? Ma che mondo sarebbe anche senza le sigarette, la Coca Cola o Harry Potter? Probabilmente un mondo che andrebbe avanti comunque.

Boyle intrattiene molto bene lo spettatore, facendolo ridere di gusto (grazie sempre alla sceneggiatura) ma cade sul finale che è romantico e scontato oltre ogni immaginazione. Il protagonista ricorda eccessivamente (e sinceramente non si capisce neanche il motivo di questa scelta) Dev Patel in The Millionaire, seppur la sua vena ironica sia lodevole, mentre la vera “rivelazione” è Lily James: perfetta per la parte, si distingue sullo schermo e rende sopportabile anche il finale tutto caramelle.

OMAGGIO AI BEATLES

La grande force du film réside dans la simplicité de ses personnages et de ses acteurs. Un employé de supermarché et une institutrice, deux amoureux de pop music, qui essaient de faire vivre leur passion dans le fin fond de l'Angleterre. Interprétés par Himesh Patel (son premier rôle au cinéma) et Lily James (Mamma Mia! Here We Go Again), le duo marche formidablement bien. Dans son ensemble, le film bénéficie d'un casting réjouissant (Ed Sheeran, James Corden, Joel Fry) et Himesh Patel s'avère être un très bon interprète des Beatles.

Leggiamo su Quilnan rivista cinematografica: …. quel che viene a mancare in Yesterday è il senso stesso del film: debole come storia d’amore, quasi che fosse obbligatorio attaccarla con lo scotch, privo di idee come gioco surreale, semplicistico come attacco all’industria e alle sue ottusità. Resterebbe l’amoroso gioco con le canzoni dei Beatles, e il loro ruolo fondamentale nell’immaginario collettivo

Mentre in Diari di pensieri persi:...Yesterday è un commovente omaggio ai Beatles ma, soprattutto, è una commedia romantica divertente, un genere troppo trascurato negli ultimi anni e di cui il cinema sentiva la mancanza. Curtis, già autore di cult quali Quattro matrimoni e un funerale, Notting Hill e Love Actually, parte da una struttura narrativa collaudata – il protagonista sentimentalmente impacciato, il gruppo di amici ciarlieri, il compagno d’avventura stravagante – per costruire una trama dal ritmo perfetto, capace di mescolare risate ed emozioni. Pregevole anche la scelta e l’uso delle canzoni dei Fab Four, usate per arricchire la sceneggiatura e non solo come semplice colonna sonora.

PER CONCLUDERE.....

Di fronte ad una sceneggiatura di Richard Curtis, scrive Badtaste, la cosa più scontata e sicura da fare è mettersi da parte. È quello che è avvenuto con tutti i suoi più grandi successi (Bridget Jones, Notting Hill, Quattro Matrimoni e Un Funerale e che lui stesso ha fatto quando ha diretto Questione di Tempo o Love Actually), ma chiaramente non può accadere quando sulla sedia da regia sta seduto Danny Boyle, che della mano pesante ha fatto un’arte, del ritocco dell’immagine del montaggio visibile e creativo ha fatto un dovere e che anche nel film più controllato che abbia girato (Jobs) è riuscito a lavorare di scenografia in modi clamorosi. L’incontro dei due è un sollucchero cinefilo e commerciale.

Mentre Everyeye puntualizza che È forte il british humor ma strettamente (e strenuamente) correlato alle dinamiche del gruppo di Liverpool, di cui Jack tenta con insistenza di imitarne il percorso creativo e visitando luoghi a loro cari, come Penny Lane, Abbey Road o Strawberry Field, ma si fa chiaro il discorso di impossibilità di emulare completamente i Quattro di Liverpool, in quanto il protagonista è solista e foriero di un diverso talento musicale. Leggera, praticamente spensierata e senza pretese elevate (se non quella di ricordare la musica che fu, seminale, importante), Yesterday è una commedia che vive soprattutto di momenti e confronti,

Prendiamo un caffè col Gattopardo,... 2018, a sessant’anni dalla pubblicazione postuma della prima edizione de Il Gattopardo di Giuseppe Tomasi di Lampedusa

2018-08-04T11:12:00.000+01:00

UN CAFFE' COL GATTOPARDO

Nell’anno in cui Palermo è Capitale italiana della Cultura ed a sessant’anni dalla pubblicazione de Il Gattopardo, sembra opportuno ricordare un grande interprete del passaggio d’epoca del proprio tempo, come lo era stato il protagonista del romanzo alle soglie dell’Unità d’Italia. Insieme a varie iniziative dell’Università degli Studi o altre istituzioni amministrative e culturali, potrebbe essere considerata la realizzazione di una scultura dinamica a grandezza naturale dell’ autore, intento a scrivere il romanzo ad uno dei tavolini del Bar Mazzara, altro luogo legato alla memoria dei palermitani.

Ai suoi tavolini fu scritto Il Gattopardo

Nasce così il personaggio di don Fabrizio Corbera, principe di Salina, il protagonista del best-seller che Tomasi compose senza sosta dal 1954 all’anno della sua morte, spesso seduto ai tavoli di una famosa pasticceria di Palermo, il Bar Mazzara di via Magliocco, non lontano dal Teatro Massimo.

Il caffè come memoria storica

.... compie 105 anni, la pasticceria Mazzara. Apre, sotto la sede della redazione del giornale “L'Ora”, il quotidiano voluto dalla famiglia Florio nel 1900, nel Palazzo Villarosa, la Latteria Mazzara che in un secondo momento si chiamerà Casa della Panna o Cream Room e, infine, nel dopoguerra Pasticceria Mazzara.Nel cuore antico e pulsante della città di Palermo, nel “salotto buono” di Palermo, simbolo di una nobiltà e di una borghesia strettamente legata a privilegi e abitudini di una lentezza del vivere data dall'agiatezza, la pasticceria di via Generale Magliocco, a due passi dal Teatro Massimo, diviene meta di habitué che a qualunque ora del giorno, sino a tarda notte possono gustare le prelibatezze preparate da pasticceri sopraffini.

Appassionati di teatro, melomani, “tiratardi”, poeti, scrittori, artisti in generale sono gli assidui frequentatori di quello che è diventato un punto cardine di riferimento di appassionati di dolci prelibatezze e di turisti in cerca di ristoro e di delizie per il palato.Da sempre meta preferita di artisti, politici, personaggi del jet set internazionale, è sopratutto famosa perché il principe scrittore Giuseppe Tomasi di Lampedusa era solito, tutte le mattine, recarvisi, sedere a un tavolino a lui riservato nella sala da tè, leggere i giornali e scrivere. Il suo “Gattopardo” fu in gran parte stilato su quel tavolo, accanto a una tazza di caffè e una bibita. Una lapide ancora oggi lo ricorda.

Anche Leonardo Sciascia vi faceva colazione e durante le riprese del film “Il Gattopardo”, tratto dal romanzo di Tomasi di Lampedusa, tra una pausa e l'altra, il regista Luchino Visconti vi andava a consumare i gustosissimi dolci. Alberto Moravia, Salvatore Quasimodo, Renato Guttuso, Federico Fellini. Insomma, poteva vantare una clientela di alto livello culturale!

Interessante

La tazzina di caffè fra storia e indicazioni

BUONE IDEE CON L’AROMA DEL CAFFE'

A Palermo la cultura dei Caffè si afferma fin dai primi dell’Ottocento, spostandosi lungo tre assi: i Quattro Canti, la Via Libertà e il lungomare alle porte della città. Sorgevano lungo le direttrici del commercio, degli affari e della politica, per intercettare i flussi di clientela e gli scambi sociali. All’epoca il Corso Vittorio Emanuele, la Via Maqueda e il Foro Italico erano il cuore pulsante della vita cittadina. I Caffè erano anche luoghi di appuntamento, incontri, contrattazioni, bureau di notizie, officine di idee, redazioni improvvisate di riviste letterarie

Caffé letterario...dalla sceneggiatura al film...Il sorpasso

2017-07-31T17:37:00.216+01:00

Il giorno di Ferragosto, Bruno Cortona (Vittorio Gassman), spregiudicato marpione quarantenne, conosce casualmente Roberto Mariani (Jean-Louis Trintignan), impacciato studente di giurisprudenza di famiglia modesta, e lo trascina in un viaggio in auto lungo la riviera laziale e toscana. Il viaggio nell’Italia vacanziera dei primi anni Sessanta diventa un’importante esperienza di vita per Roberto, ma l’ennesimo sorpasso spericolato conduce a un tragico epilogo.

Il sorpasso è un capolavoro. Risi raggiunge con questo film l’apice della propria carriera e le vette più alte della cinematografia italiana. Maestro della commedia all’italiana, il regista riesce a mantenere il brio e la leggerezza di questo filone, pur impegnandosi in un’analisi sociologica talmente tagliente da far rabbrividire. C’è tanta carne al fuoco nel film: molti simboli, molte metafore, molti piani interpretativi. Vi propongo qui i due più ovvi. Per prima cosa, Il sorpasso è una finestra sull’Italia del boom economico e della dolce vita, che balla sulle note di Guarda come dondolo e Pinne, fucile ed occhiali. Spensierata, felice, speranzosa. E soprattutto incosciente. Così come Roberto si lascia sedurre da uno stile di vita brillante, gran parte d’Italia, diventata acritica dal benessere, è attratta dal successo fittizio degli spacconi come Bruno. Chi muore, però, è Roberto: chi soccombe, quindi, è l’Italia onesta ma imprudente. A noi figli di un’Italia in crisi economica ed etica, la visione di Risi sulla cecità di quella generazione non può che sembrare profetica.

ROMA A FERRAGOSTO...FONTANA DI TREVI

Altro grande tema del film il contrasto fra Bruno e Roberto. Bruno è granitico nel suo essere vacuo, eccessivo e piacione. L’atteggiamento di Roberto di fronte a una personalità così distante dalla propria, invece, cambia nel corso del film e oscilla fra il rifiuto e l’attrazione. La sua moralità lo mette costantemente in guardia sulle insidie di Bruno. Perciò, nel momento in cui egli accetta ciò che Bruno rappresenta, dicendogli “Ho passato con te i due giorni più belli della mia vita”, perde. Non solo la propria identità, ma anche la vita. Bruno, al contrario, non matura: lo vediamo nello sguardo stupito ma affatto colpevole con cui osserva l’auto che precipita lungo la scogliera. Il sorpasso ha il taglio di un romanzo di formazione, racchiuso in un road movie ante litteram. A questo film si ispirò peraltro Dennis Hopper per il suo Easy Rider.

Cosa aggiungere? Il sorpasso è un film essenziale sulla natura umana; guardarlo vuol dire capire qualcosa sulla storia del proprio Paese. Ma si potrebbe guardarlo anche solo per la bellezza della sceneggiatura, per il leggendario clacson della Lancia Aurelia, per sorridere delle hit estive anni ’60 o per il rimpianto Vittorio Gassman. Nostalgia?

I dialoghi. Un esempio dal film "Il sorpasso"

ci offrono subito il valore degli sceneggiatori. I dialoghi sono la voce dei personaggi, l'ambientazione è importante, ma in realtà sono le parole, le frasi dei personaggi che ci colpiscono di più. Dialoghi efficaci fanno la differenza. Sono l'impatto che ci resta di più nella mente. Non sono le cose più semplici da scrivere, ma i dialoghi devono essere concisi e precisi. Non è chiacchierare come facciamo noi ogni giorno, soprattutto nei cortometraggi i dialoghi devono essere brillanti e coinvolgenti, colpire per spiegare. Ed i dialoghi devono portare avanti la storia.

esempio che segue.

Il sorpasso

Sceneggiatura di Dino Risi, Ettore Scola e Ruggero Maccari
Regia di Dino Risi (1962)

Inizio del film
Roma - Ferragosto

Bruno: Ehi lei, dica un po'!
Aho, ma che fa, scappa?
Senta, qui è tutto chiuso. Che ci ha il telefono?

Roberto: Sì.

Bruno: Me lo fa un piacere?

Roberto: Sì, certo.

Bruno: Mi fa il 13 26 62 4? Chiede di Marcella. Grazie, eh. Le dica che arrivo subito, aspetti che così passiamo a prendere gli altri. Se lo ricorda il numero? E' facile, no? 13 raddoppia 26 inverte 62 e ci ammolla il 4.

Roberto: 13 26 62 4, chiedo di Marcella, le dico che arriva... Chi arriva? Non ha neanche detto il suo nome. Senta...

Bruno: Ha già chiamato?

Roberto: No... pensavo che... se vuole salire su, così chiama lei stesso.

Bruno: Buona idea. Che interno è?

Roberto: 4.

Bruno: Arrivo. Senta, gli dia un po' un'occhiata alla macchina, che qui a Ferragosto con tutta 'sta gente in giro... Che ha detto? Interno 4? Vengo volando. "Con le pinne, il fucile e gli occhiali..." Arrivo!

Roberto: Forse era meglio se telefonavo io. Non so neanche chi è. Non lo conosco. Magari con la scusa... Ma no.

Bruno: Ma che, non funziona il campanello?

Roberto: Sì sì.

Bruno: Scusi tanto eh, ma è mezz'ora che giro, è tutto chiuso e Roma sembra un cimitero. Permette? Bruno Cortona.

Roberto: Roberto Mariani.

Bruno: Guardi che l'ho sporcata. So' tutto zozzo. Faccio in un momento eh, abbia pazienza. Studente, eh? "La risoluzione di un atto per eccessiva onerosità", ma che roba è? "Procedura civile". Ahi, un bel mattone! Che fa, studia legge?

Roberto: Sì, sono al quarto anno.

Bruno: Chi è 'sta cicciona?

Roberto: E' ... mia mamma.

Bruno: Ah perbacco, bella donna! Ma guarda 'sta burina è già uscita. Porco Giuda! 'sti cornuti! L'appuntamento era alle undici, a mezzogiorno già so' andati via. Se lo sapevo restavo a Amalfi invece de famme [di farmi] 'sta scarpinata. Due ore e mezzo di macchina.

Roberto: Da Amalfi a qui due ore e mezza?.

Bruno: Eh sì, mi so' fermato 10 minuti per cambiare le candele. Guardi come so' ridotto, faccio schifo, mannaggia! Uh scusi, ho sporcato.

Roberto: Sì...

Bruno: Diceva qualcosa?

Roberto: Io? Sì. Se vuole darsi una lavatina.

Bruno: Ah magari, grazie.
Una sigaretta non ce l'ha?

Roberto: No, io non fumo.

Bruno: Male!

Roberto: Guardi, il bagno sta...

Bruno: Non si preoccupi, lo trovo da me. Sicché lei non fuma, eh?

Roberto: No.

Bruno: Stia attento, le può far male, sa? Accidenti che bel bagnetto! Che è? Vietri?

Roberto: "La nullità di un atto processuale..."

Bruno: "Guarda come dondolo... con il twist". "Con le gambe ad angolo... ballo il twist".

Roberto: Ah, lo devo avvertire di non toccare la mensola.

Bruno: Porco...!

Roberto: L'ha toccata.

Bruno: Ho rotto la mensolina.

Roberto: No no, non si preoccupi.

Bruno: Sono veramente sorry. Mi dispiace, ma stava proprio appiccicata con lo sputo! Che c'è?

Roberto: Ma lì c'è qualcuno.

Bruno: Embe'?

Roberto: No, è la portiera. Siccome sapevo che erano partiti...

Bruno: Che so', amici suoi?

Roberto: No no li conosco così di vista.

Bruno: Ah, abita solo qua?

Roberto: Sì, sì, i miei genitori stanno a Rieti.

Bruno: Orca miseria, quando vedo la città deserta così, con le strade vuote, i negozi chiusi, io m'avvilisco. Lei no?

Roberto: Be' no, per studiare è meglio.

Bruno: Ah sì, per studiare sì. Be', le ho fatto perdere tempo, eh?

Roberto: No.

Bruno: E' ora che me ne vado. Mi sa che mi tocca passa' Ferragosto con mamma. Grazie di tutto e...

Roberto: Arrivederla.

Bruno: ... buona procedura!

Roberto: Arrivederla.

Bruno: Non studi troppo. Senta un po', ma lei che fa? Sta tutto il giorno chiuso in casa a studiare?

Roberto: Sì, ho gli esami a settembre e sono ancora indietro.

Bruno: Va be', ma oggi è Ferragosto. Mamma dice che il lavoro nei giorni festivi non rende.

Roberto: Dev'essere vero, io non ho combinato niente oggi, quasi...

Bruno: Per colpa mia. Quindi lasci almeno che le offra un aperitivo, sempre che troviamo un bar aperto naturalmente. Andiamo, forza...

Roberto: No... non posso... non insista...

Bruno: Ma come non può! Per carità!

Roberto: Le chiavi!

Bruno: Eccole, le ho prese io. Stavano attaccate allo stipite della porta. Dai cammina! Lo sai chi ho visto a Amalfi? Jacqueline Kennedy. Forza!

Bruno: "Con le pinne, il fucile e gli occhiali..."
Non guardare, che è senso vietato!
Mai fermarsi! Se non te la contestano a voce la contravvenzione non è valida. Aho, studi procedura, ma che avvocato sei?
Ribellati schiavo: sciogli i cani, nato per servire!

L’incontro tra quelli che diventano due amici occasionali, uno studente universitario e un quarantenne immaturo, si trasforma fin da subito in un autentico cult di cui il cinema italiano può vantarsi.

Due personaggi contrastanti ma complementari

Il contrasto tra la sfacciataggine di Bruno e la sobria introspezione di Roberto si può dire che sia la chiave di lettura del film. I protagonisti de Il Sorpasso rappresentano due poli opposti attratti per un attimo dal fluire degli eventi, in definitiva è il contrasto tra strepito e silenzio, tra mondanità e intimità, tra apparire ed essere. Bruno Cortona è il simpatico italiano conquistatore che vive di espedienti, ma non si nega nulla, egoista, esibizionista, fondamentalmente irresponsabile. Si tratta di un soggetto emblematico dell’Italia del miracolo economico: alla gran presunzione di sé fa da contraltare l’effettiva capacità di affermazione e di successo. Nonostante sia l’opposto di Bruno, è grazie a lui che Roberto scopre che, al di là della società palese, che richiede l’adattamento a determinate norme sociali, si nasconde una società aggressiva, amorale, senza spessore storico o sentimentale, senza progettualità collettiva, senza futuro, una società che tollera e incoraggia alcune forme di trasgressione sociale mentre è fortemente critica verso ogni forma di comportamento definito “plebeo”.

Il ritratto sincero di una società volta al dio denaro

Con Il Sorpasso, Dino Risi insieme ad Ettore Scola e Ruggero Maccari ha regalato al cinema italiano una vera e propria fonte storica, un ritratto puro e semplice della realtà italiana degli anni ’60, della decadenza consumistica che invase il Paese per la prima volta. Durante il film sono tanti i personaggi e le situazioni che simboleggiano il clima italiano in quel periodo: i giovani delle città e delle campagne, la crisi della famiglia, un nuovo senso del tempo e delle distanze, nuove modalità di gestione del tempo libero, tracce evidenti della crescita del livello medio di istruzione. L’Italia canzonettara, palazzinara, rombante, in generale più ricca, è la vera protagonista dei diversi episodi che si susseguono nel film ma, guardando oltre, si insinuano le prime inquietudini, si registrano i primi segnali d’allarme, rappresentati da un finale doloroso e inaspettato.

capolavoro del cinema italiano

Tre motivi per vedere il film:

Perché si ride, si piange e si riflette
Per godere di una delle interpretazioni più belle del giovane Vittorio Gassman
Per soffermarsi e carpire i diversi riferimenti alla storia italiana dell’epoca

“OGNUNO DI NOI HA UN RICORDO SBAGLIATO DELL’INFANZIA. SAI PERCHÉ DICIAMO SEMPRE CHE ERA L’ETÀ PIÙ BELLA? PERCHÉ IN REALTÀ NON CE LO RICORDIAMO PIÙ COM’ERA!”

È su Bruno che sono costruite le battute più irridenti, perfettamente incastonate nella psicologia del personaggio:

A me Modugno mi piace sempre, questo “Uomo in frac” me fa impazzi’, perché pare ‘na cosa de niente e invece c’è tutto: la solitudine, l’incomunicabilità, poi quell’altra cosa, quella che va di moda oggi… la… l’alienazione, come nei film di Antonioni. Hai visto “L’eclisse”? Io c’ho dormito, ‘na bella pennichella…

Il titolo del film Il sorpasso incarna la sfrontatezza dello spericolato Bruno, un truffaldino squattrinato che vive di espedienti, e chiede strada, anche nelle carreggiate più strette, con il suo roboante clacson. Non soltanto si procede contromano, ma è tutta la figura di Bruno costruita a rovescio, un uomo che non si è costruito nulla, incapace di crescere e non si accorge che una ragazzina con la parrucca inseguita sulla spiaggia è sua figlia. Il sorpasso si inserisce come metafora di un Paese attratto dalle opportunità di ricchezza, ma che non è disponibile a sacrificarsi per raggiungerla, con un evidente fastidio di tutto ciò che suona a regola. L’Italia nel 1962 si trova in pieno boom economico, una fase di espansione che porterà anche a un cambiamento antropologico delle persone. Proprio in quell’anno, il ministro del Bilancio, il repubblicano Giorgio La Malfa, stende un’interessante Nota aggiuntiva al bilancio dello Stato nella quale constata la latitanza dello Stato dinanzi allo squilibrato sviluppo del Paese richiamando la necessità della programmazione economica. Una volontà politica minoritaria, lo spirito della maggioranza lo incarna prosaicamente Bruno quando, nel finale, dice al suo compagno: “Bravo, come piace a me. Senza programmi”.

Sono anche gli anni ruggenti del cinema italiano che sopravanza nelle quote di mercato la cinematografia statunitense. Ci sono autori che hanno molto da dire e i nostri migliori cineasti (Dino Risi, Mario Monicelli, Pietro Germi), attraverso la commedia, riescono a raccontare le pieghe profonde della società mantenendo un’apprezzabile fluidità narrativa che conferisce una gradevolezza, quasi senza tempo, a queste opere suggellando anche il successo internazionale di un genere che verrà chiamato commedia all’italiana. Il sorpasso rientra fra questi classici perché il contorno umano che anima il viaggio è costruito su diversi e reali profili sociali: la strafottenza dell’industriale, l’uomo maturo che compra l’amore di una giovane ragazza, l’egoismo nella latitanza di scrupoli etici e l’immancabile patina di perbenismo da mettere in sintonia con la nuova ricchezza. Sembra quasi che ci si possa soltanto divertire: “Bruno, ho passato con te i due giorni più belli della mia vita”. La corsa sfrenata prosegue, tra derapate e accelerazioni fino ai 160 orari finché, nell’impossibile sorpasso di un altro autista scorretto, si profila la tragedia.

DOPO UNA LUNGA PAUSA...DI RIFLESSIONE..., UNDICESIMA ASSEGNAZIONE DEL GUFETTO PORTAFORTUNA A QUEI BLOG CHE HANNO SUSCITATO IN ME INTERESSE...SENSAZIONI..

2014-11-08T10:56:00.002+00:00

RIPRENDO, DOPO UNA LUNGA PAUSA, LA MIA INIZIATIVA DI ASSEGNARE IL GUFETTO PORTAFORTUNA A QUEI BLOG CHE HANNO SUSCITATO IN ME INTERESSE...SENSAZIONI...ECC ECC

IN QUESTO FINE SETTIMANA, SARA' UN MODO SIMPATICO PER FESTEGGIARE IL COMPLEANNO

DI QUESTO BLOG

( DA QUI PUOI TORNARE ALLA HOME PAGE)

ORA , PRIMA DI DESIGNARE I BLOG A CUI ASSEGNO IL GUFETTO PORTAFORTUNA

...DELLE SEMPLICI REGOLE:

1- OGNI CURATORE DI BLOG PRENDERA' L' IMMAGINE E LA PORRA' SUL PROPRIO BLOG

2- AD OGNI BLOGGER CHE SI ATTERRA' ALL'INDICAZIONE SOPRA CITATA, INVIERO' PER POSTA (PREVIO INVIO INDIRIZZO /RECAPITO CHE MI INVIERETE COME MESSAGGIO PRIVATO SU FACEBOOK QUI IL LINK DELLA PAGINA RELATIVA AL BLOG), UN SEGNALIBRO PLASTIFICATO, IDEATO DA ME, I MODELLI DA SCEGLIERE SONO IN FONDO ALLA PAGINA

PER IL BLOG Un baule pieno di gente

"La letteratura, come tutta l'arte, è la dimostrazione che la vita non basta. "

...PER IL BLOG -Papers - Scartoffie letterarie , curato da Candia, una semplice ragazza appassionata di letteratura.... , nel tempo libero, tra le mille cose, adora prendere un libro (o anche il kindle - lo ammette, si sta evolvendo) ed immergersi tra le sue pagine.

PER IL BLOG dillo alla luna CURATO DA Marcella Andreini (QUI IL SUO RIFERIMENTO FACEBOOK) , ricco di spunti

PER IL BLOG ARTEGGIANDO S'IMPARA ... L’arte, tanto affascinante e creativa quanto sfuggente e imprevedibile...

PER IL BLOG BACINI DI FARFALLA

VITA GIORNALIERA DI UNA GIOVANE MAMMA DI ORIGINE SPAGNOLA

I SEGNA-LIBRO DA ME IDEATI E CHE INVIERO' ...

SEGNALIBRO 1


SEGNALIBRO 2

SEGNALIBRO 3

SEGNALIBRO 4

SEGNALIBRO 5

SEGNALIBRO 6

SEGNALIBRO 7

SEGNALIBRO 8

UN VENERDI' DEL LIBRO CHE, CON IL GIRO D'ITALIA LETTERARIO, FA TAPPA IN UMBRIA, LA MIA REGIONE DI ORIGINE

2014-11-07T14:52:00.000+00:00

VENERDI' DEL LIBRO - GIRO D'ITALIA LETTERARIO - COLLAGE

UN VENERDI' DEL LIBRO CHE, CON IL GIRO D'ITALIA LETTERARIO, FA TAPPA IN UMBRIA,

LA MIA REGIONE DI ORIGINE

Per un fine settimana si può programmare una gita tra il verde visitando anche la località Giro di Vento, presso Otricoli in provincia di Terni, (l'antica Ocricolum, adagiata su una collina dominante la Valle del Tevere e sulla sinistra della via Flaminia) dove è ambientato l'omonimo libro di De Carlo, edito da Bompiani nel 2004.


IL ROMANZO CHE HO LETTO

VI PRESENTO L' UMBRIA,

CUORE VERDE DELL'ITALIA...

"...il continuo rincorrersi di colline che digradano in vallate ampie, offre alla vista un paesaggio tipico con piccole città, raggruppamenti di case, poste sui pendii dei colli, suggestioni da presepio..."in The Voyage of Italy di Richard Lassels

....la mania per il Grand Tour e l’espressione stessa, sembra abbiano fatto la loro comparsa proprio sulla guida di Richard Lassels, edita nel 1670, anche se il successo del libro di Thomas Coryat Coryat’s, Crudities, è spesso considerato come l’inizio della mania per i Viaggi in Italia ed in Europa.

UMBRIA - META DEL GRAN TOUR

Il Grand Tour, dunque, era un lungo viaggio nell’Europa continentale effettuato dai ricchi giovani dell’aristocrazia europea a partire dal XVII secolo e destinato a perfezionare il loro sapere. Questo viaggio poteva durare da pochi mesi fino a svariati anni. La destinazione finale era comunemente l’Italia. Durante il XIX secolo, la maggior parte dei giovani europei istruiti fece il Grand Tour. Più tardi, divenne alla moda anche per le giovani donne. Un viaggio in Italia con la zia nubile in qualità di chaperon faceva parte della formazione della signora d’alto ceto.

Thomas Coryat Coryat’s, Crudities

Verso la fine del Settecento ogni uomo di cultura europeo che si rispettasse doveva aver compiuto almeno un viaggio in Italia, paese ricco di testimonianze del passato classico, di paesaggi bucolici e sempre vivacizzato da feste, spettacoli teatrali e musicali. L’Umbria, terra di transito quasi obbligata lungo la strada che conduce a Roma, ha sempre rivestito un ruolo centrale in tutti gli itinerari. Ciò giova indiscutibilmente anche alla sua fama nel corso del Grand Tour: il pittoresco ed il sublime, alla cui ricerca si mettevano i viaggiatori, sono due aspetti di una certa estetica del paesaggio sicuramente presenti in Umbria.

Tutt’intorno, fiumi, ruscelli torrenti, tra montagne verdissime percorse da sentieri antichi che conducono in piccoli borghi medievali arroccati su colline coltivate a oliveti e vigneti. E, a pochi chilometri, i siti archeologici umbri, romani ed etruschi, da Carsulae a Ocriculum, fino alle necropoli di Orvieto e ai ricchi musei di Amelia e di Terni; le rocche e i castelli del narnese, del ternano e dell’orvietano, le mirabili chiese romaniche e gotiche, gli eremi francescani, le atmosfere suggestive dei tanti borghi medievali come Stroncone, Narni e San Gemini. Tutto racchiuso in un territorio unico, lontano dai luoghi comuni. La campagna e il paesaggio agricolo, gli specchi d’acqua come quelli del lago di Piediluco e di Corbara, la natura splendida come quella delle aree protette dell’oasi di Alviano o quella suggestiva della Valnerina; infine i mille colori ed i profumi, i valori semplici di una volta, le testimonianze storiche, artistiche e culturali, uno scenario rigenerante

E proprio l'Umbria era ammirata per il territorio essenzialmente montuoso e collinare, nell'Appennino Umbro-Marchigiano, a confine con le Marche, dove si trovano i Monti Sibillini con il Monte Vettore, la cima più elevata.

Se attraversiamo il territorio, nella parte centrale, occupata dalle colline intervallate da conche e valli, ecco il verde panorama ondulato con la Valle Tiberina, percorsa dal fiume Tevere, la più lunga anche se la Valle Umbra è il “cuore” della regione in quanto vi si trovano i centri abitati più conosciuti come Perugia, Assisi, Gubbio e Spoleto. Infine il Fiume Nera, affluente del Tevere, che nel ricevere le acque del Fiume Velino, provenienti da un altopiano, con un salto di 160 metri forma la famosa Cascata delle Marmore a Terni dallo spettacolo suggestivo, ed a ovest di Perugia, il Lago Trasimeno, il più esteso dell'Italia centrale.

Generazione De Carlo...

...c’è che l’altra sera ho finito di leggere Giro di Vento, acquistato in edizione economica.

Questo romanzo - secondo le indicazioni temporali del GdL GIRO D'ITALIA LETTERARIO- , rientrava come testo di lettura in tempi pù ristretti,ma ne tratto ora poiché ne ho una visione più ampia e completa.

La storia non è male, al di là delle caratterizzazioni dei personaggi un po’ stereotipate, tutto stretto in una vicenda abbastanza avvincente con una solida unità di tempo e luogo.

PERCHE' GENERAZIONE DE CARLO...

...la sua generazione è cresciuta con lui, ritrovandosi nei suoi romanzi, tutti diventati bestseller. Eppure non scrive narrativa di genere e non è mai ricorso all' espediente della trama gialla per attrarre i lettori. È il caso De Carlo, un' anomalia italiana da centomila copie a titolo. Ne ha pubblicati tredici, uno dei quali, Due di Due, è un longseller, che da diciassette anni i ragazzi si passano di mano. Ogni volta, dal 1981, quando a 29 anni ha esordito con Treno di panna, la sua esistenza è diventata materiale narrativo. Il suo tredicesimo romanzo, IL LIBRO IN QUESTIONE, è il primo a non veder protagonista un suo alter ego; anche se i quattro professionisti che danno vita al libro potrebbero benissimo essere suoi ex compagni di liceo, dei potenziali De Carlo arricchiti e nevrotici, che vivono dei simboli del denaro e parlano con il linguaggio delle loro carriere. Questa volta l' autore si è divertito a portare nella storia un personaggio reale, l' amico percussionista Arup Kanti Das.

Nel testo, è l' indiano che occupa assieme ad altri una cascina umbra messa in vendita, nei pressi di Otricoli, poichè la località Giro di vento è realmente in Umbria. Ma ciò non ha nulla a che fare con l' autobiografia. Giro di vento nasce da un' avversione, ed il motore del libro è il disagio di De Carlo, sorto quando, dopo lunghi soggiorni all' estero, si è ritrovato ad abitare un' Italia che non gli piaceva. Ecco allora inventarsi Luisa, Enrico, Margherita e Arturo, ossia la direttrice editoriale, l' architetto, la starlette televisiva e l' arredatore che partono un venerdì da Milano, destinazione Umbria.

Vanno a comprare un antico casolare per trascorrere i weekend insieme, come ai bei tempi. Alla guida della monovolume che scende verso la campagna sta Alessio, agente immobiliare di "lucrose" speranze. L' ironia dei quattro sul suo "rampantismo" diventa invidia in Umbria quando, nei pressi della proprietà in vendita, la macchina finisce in un fosso e si rompe. I cellulari non prendono, fa freddo, è notte e piove. I cinque "amici" devono trovarsi un rifugio. È il primo atto di un tranquillo weekend che comincia a girar storto e diventa di paura non appena trovano un tetto. Illuminati dalla penombra delle luci a olio, scoprono di trovarsi nella loro futura casa e di essere ospiti sgraditi della piccola comunità di autarchici che l' ha occupata.

Giro di vento è un romanzo strutturato, sembra quasi scritto per il cinema e capitolo dopo capitolo si nota una progressione di colpi di scena, che minano gradualmente le sicurezze dei protagonisti. Ciascuno degli ex ragazzi di città inizia in certo modo a sentirsi fuori posto riguardo alle proprie scelte, a come vive, a chi è, a com' è diventato. Le inquietudini personali si ampliano in un continuo rimpallo tra azioni e reazioni. La diffidenza è una costante delle relazioni tra i due gruppi, gli integrati e i ribelli, che da estranei si confrontano nel romanzo. A fine weekend, il destino di ciascun componente dei cinque amici arrivati in Umbria, sarà largamente influenzato dal suo grado di apertura agli «estranei».

Ma il romanzo è anche un libro «visivo»: il narratore fotografa il mondo rimettendolo in gioco sulla pagina. Anche i pochi cenni psicologici sono risolti in immagini (d'altronde uno degli interessi di De Carlo è proprio la fotografia). Lo sguardo dell'autore è spietato per la molteplicità dei particolari riportati, la descrizione minuziosa delle sensazioni in campo. Per dirla con Calvino, c' è «una particolare acutezza dello sguardo che afferra e registra un enorme numero di particolari e sfumature (...) ingigantiti come attraverso una lente d' un teleobbiettivo». Lo scriveva nell' introduzione a Treno di panna, il libro con cui De Carlo esordì nell' 81.

LO STILE

Giro di vento è il romanzo più vicino a quel primo, che ebbe tante critiche lusinghiere anticipando di qualche anno la stagione del minimalismo americano. Ma in quel momento quel che importava era altro: infatti con De Carlo, Tondelli, Palandri ecco una generazione di scrittori pronta a riferirsi alla vita prima che alla tradizione letteraria. In sostanza una narrativa basata sull' individualità emotiva dell' autore: al centro la realtà come luogo di identificazione. E' qui il segreto del lungo successo editoriale, e lo scrittore, che con Giro di vento ha voltato le spalle all' autobiografismo, ha modificato il modo di strutturare il romanzo oltre a cambiare editore (passando a Bompiani), è tornato ai giorni dei suoi esordi per trovare le parole, e «lo sguardo» necessario a de-scrivere la sua svolta.

13 Novembre 2004 - 10 ANNI FA, UNA PRESENTAZIONE INUSUALE ...

...quella del libro - Giro di vento - di cui l' autore, Andrea De Carlo, ostinatamente e garbatamente, si rifiuta di parlare, ma suona la chitarra acustica: niente presentatori (vecchia istituzione fuori moda), sostituiti da due musicisti, affascinanti per la loro grazia casual- esotica, ed il mistero dei loro strumenti... E poi la presentazione in un teatro quello della Cometa, non in una libreria.

È stata squisitamente snob anche la scelta del teatro, creato nei primi Anni Cinquanta, utilizzando le scuderie del suo palazzo all'Ara Coeli, dalla contessaAnna Laetitia Pecci Blunt, nipote del papa Leone XIII° e soprattutto mecenate delle arti fin dagli Anni Trenta.

Alle nove, teatro pieno, molte coppie alternative, qualche amichevole ex fidanzata dell'Autore, (Eleonora Giorgi, l'attrice e regista che ha ispirato ad Andrea De Carlo più di un romanzo, arrivata alla fine del Concerto tra parole e musica), si spengono i telefonini e si abbassano le luci, sul palcoscenico, arredato come un loft povero, campeggiano le due chitarre acustiche dell'Autore, ed altri indecifrabili fantasiosi strumenti musicali: bellissimo il grande corno in mogano rosso, di cui si scoprirà in seguito l'origine e la storia... Nella penombra un corpo maschile snodato, si alza da un divano malconcio, come svegliandosi dal sonno, e si avvia, in casacca judo e zuccotto in testa verso il corno rosso… Si apre una porticina e sbuca De Carlo, ancora ricciuto come ai tempi del suo esordio da ragazzo, 'Treno di panna', il romanzo 'benedetto' da Italo Calvino, ma più magro e ancora più on the road, con i jeans neri debitamente stinti e una maglietta. Si presenta, introduce il musicista australiano Phil Drummy, che stupirà gestendo, nel corso del concerto, almeno sei strumenti (l' impropriamente 'corno' è una tromba aborigena, e questa, spiega Phil, si chiama Idikin: è il nome dello spirito di un guerriero che si annida nel cavo dei grandi alberi, e pretende una musica cerimoniale).

L'Autore va ad aprire la porticina, e presenta al pubblico rapito un giovane bengalese in tunica di leggera seta arancione, volto magnetico, i capelli nerazzurri, le mani prodigiose che scandiranno per tutto il tempo una musica ipnotica, battendo sulla coppia di tamburi benaglesi: i tabla.

Poi un altro giovane musicista, Arup, come uno dei personaggi di Giro di vento...

Signorilmente, Andrea De Carlo, non ha neppure accennato, al suo libro, e figurarsi parlare di trama e di personaggi! Ha invece sottolineato come Giro di vento sia stato stampato, per sua scelta, su carta riciclata e sbiancata senza l'uso del cloro. Ha chiamato in palcoscenico anche il responsabile romano di Greenpeace, Sergio Baffoni: «Il pianeta - ha ricordato l'ambientalista - consuma 300 milioni di tonnellate di carte all'anno, il consumo individuale, nei Paesi sviluppati, è stimato in 200 chilogrammi annuali». Ho smesso di prendere appunti sul mio bloc-notes, sentendomi corresponsabile del disastro. Bisognerà, di nuovo, come ai tempi di Socrate, affidarsi alla memoria.

OGGI...

... si divide tra la casa sui Navigli a Milano e la campagna vicino a Urbino («non è così selvaggia come quell' angolo di Umbria in cui arrivano i miei personaggi, però a volte anche lì possono saltare le linee telefoniche o andar via la luce»). Da tempo si dedica alla musica, esegue sue composizioni alla chitarra. Ha inciso un disco ed è in uscita un altro, insieme a un libro -da Bompiani- che è una specie di diario fotografico sui luoghi di Giro di vento. Tiene concerti quando partecipa a Festival letterari, insieme ad un musicista indiano, del Bengala: si chiama Arup, come uno dei personaggi del romanzo. «Non avevo mai trascinato un personaggio reale in un mio libro, ora l' ho fatto. E Arup si è divertito molto all' idea».

...MA

... Andrea De Carlo ha vissuto, lo scorso anno, il superamento, anche mediatico, della sua esperienza come giurato nel programma televisivo "Masterpiece”

Mi sono chiesta in che modo la sua esperienza televisiva in Masterpiece, abbia cambiato il suo lavoro di scrittore. Certamente l’esperienza in sé ha avuto degli aspetti allucinanti, fra cui quello principale di cadere, da costruttore di storie, in una storia scritta da altri, che può essere un incubo. Dall’altra, però, uno la televisione o la conosce guardandola o magari andando ospite in un programma. Ma viverla da dietro le quinte ti fa scoprire anche dei meccanismi complessi e interessanti ed inoltre c’è l’effetto che la televisione ha. Una volta che esiste questa dimensione pubblica in video si diventa oggetto di tutto questo, smentendo in parte l'assunto di Giro di vento....

Infatti l'autore ha iniziato la sua carriera in un periodo precedente ad internet. Ora viviamo in un’epoca in cui i social network invadono costantemente la comunicazione. Quindi uno scrittore abituato a comunicare attraverso un libro e magari qualche incontro con i lettori, improvvisamente si trova catapultato in una scarnificazione costante del proprio lavoro attraverso i social. E certamente l'autore può affermare:

”Sono molto contraddittorio rispetto a questo. Da un lato internet per me è importantissimo, non credo che potrei farne a meno ormai mentre scrivo. C’è tutta una parte di ricerca, che mi ha condotto ad esplorare nei campi più diversi per scrivere i romanzi più recenti. È un aiuto incredibile, ti dà la possibilità di accedere a moltissime fonti, di fare confronti, ma dall’altro mi fa paura la moltiplicazione di io che c’è nei cosiddetti social network. Io tutt’ora non ho una pagina facebook e non ho un profilo twitter. Poi però succede che se non ce l’hai c’è qualcuno che ne usa uno a tuo nome, per cui anche lì è una storia complicata e interessante perché in continua evoluzione. Fra l’altro, non incidentalmente, scrivendo una storia ambientata oggi, nella contemporaneità assoluta, è difficile immaginare personaggi che non abbiano a che fare con questi mezzi. Fanno ormai inevitabilmente parte di un romanzo contemporaneo.”

Credo che sia forte l' impatto per ogni autore, nel momento in cui non è più sua la storia che ha scritto, ma se ne impossessano i lettori, oltre ad essere un momento molto bello, emotivamente intenso. Quando il libro viaggia per conto suo, diventa di chi lo legge, in un certo senso non è più di chi lo ha scritto. È passato attraverso l'autore ma poi diventa una storia di chi la legge.

E' giusto che ogni scrittore provi per nulla un senso di possesso o di nostalgia rispetto a quando era una storia solo sua, però ovviamente sarà curioso, vorrà constatare come un lettore o una lettrice interpretano il romanzo, che tipo di lettura ne fanno. Credo che questa sia la fase di scoperta più avvincente per lo scrittore.

IN SOSTANZA...

Giro di vento: chi mai avrebbe voluto vivere nel Medioevo?

“Se non è troppo disturbo dovremmo fare una chiamata dal vostro telefono, per far venire un carro-attrezzi o un taxi dal paese” [....] L'indiano muove le labbra: dice “Non abbiamo telefono”. “No?” dice Enrico [....] “Allora non è che ci potreste acccompagnare in macchina fino al paese?” [....] L'indiano muove appena la testa; dice “Non abbiamo macchine [....] Non abbiamo nessun tipo di motore”. “Siamo contro i motori” dice la donna con il bambino. “Ah, ecco” dice Arturo. Alessio rivolto a nessuno in particolare dice “Siamo finiti nel Medioevo, siamo finiti”