Il Negoziante

[Ascolti] Editors - The Wheight of Your Love

2013-06-16T12:20:00.003+02:00

Sorprende (ma non troppo) sapere che An End as a Start programmatico (involontariamente) secondo album della band di Birmingham sia datato 2007.
E che quindi risalgano a soli cinque o sei anni fa i bagni di folla, meritati, per una band che aveva saputo, trascinata dalla voce di Tom Smith, dare alle stampe due album pieni di rock epico, di grande intensità e raccogliendo giustamente il merito di guidare, con pochi altri, una generazione che a inizio millennio aveva dato nuova luce alle chitarre.
Cosa sia successo poi, è cosa nota: gli Arctic Monkeys proseguono un percorso loro ormai distante dagli esordio, i Bloc Party si sono recentemente sciolti nuovamente, gli Interpol vivono in un limbo, di altre band minori si sono perse proprio le tracce.

Invece, gli Editors sono ancora qui, anche se dopo In This Light on This Evening, le attese erano poche.
Insomma, si, diciamolo: dopo quel pessimo terzo disco, quattro anni di distanza, la perdita di un membro (Chris Urbanowicz, chitarrista) e in un anno che ha già vissuto parecchie uscite importanti (James Blake, Vampire Weekend, The National, il tornado Daft Punk) l'interesse era a zero.

Ma per le glorie passate un ascolto (anzi più d'uno) lo abbiamo dedicato a questo The Wheight of your Love.
Così, diciamolo subito: meglio, molto meglio.
Un disco che ritorna al sound degli esordi, che si muove in direzioni varie , che riporta la voce sempre inconfondibile di Smith in prima linea e che, pur senza esaltare, si fa amare con discrezione.
Direzioni diverse si diceva: i Joy Division riemergono esplicitamente in A Ton of Love, che pure è un ottimo pezzo e segue Sugar, facendo con soddisfazione riemerge le chitarre.
Più controverse le ballate, perchè pur se ben riuscita What is This Thing Called Love è più un brano pop radiofonico che un pezzo degli Editors, va molto meglio con The Phone Book (in odore di folk) e Nothing, con una più che discreta orchestrazione alle spalle della quasi sola voce di Smith.

Il resto dei brani è un pelo meno interessante ma mai meno che apprezzabile, riconsegnandoci dunque una band nuovamente padrona del proprio suono, probabilmente si, fuori dal radar dell'hype ma ancora in grado di scrivere un pugno di belle canzoni.

[Ascolti] Noah And The Whale - Heart of Nowhere

2013-06-12T22:22:00.000+02:00

Tutto sta nelle aspettative.
A volte diamo un'immagine, una iconografia scelta per una band (per moda, stato d'animo, contesto storico) e se poi vi sono cambi di direzione, rimaniamo spiazzati, inizialmente delusi.
Così, partiamo in maniera chiara e programmatica: per chi ricordasse lo splendido inizio di The First Day of Spring, dal secondo album della band, per chi ancora ricordasse il quintetto inglese come una versione malinconica, emozionante, degli Arcade Fire, per chi associasse autunno, pioggia, intensità, ecco, quella band attualmente è in un'altra direzione.

D'altra parte, se l'inizio della carriera della band capitanata da Charlie Fink riguardava l'amore con la cantautrice Laura Marling (nel primo disco) e la rottura tra gli stessi (nel secondo) già due anni fa c'era stato il terzo disco, che iniziava con una Life is Life e un altro brano Lifegoeson.
Insomma, gli struggimenti sono finiti.

E ora Noah And the Whale vuol dire: band pop.
Solare. Divertente, divertita, che ha voglia di estate.
Radiofonica, eccome, anche.
Non dobbiamo quindi fermarci ad un "manca quell'intensità di un tempo" perchè non c'è nessuna voglia di quelle sensazioni, in chi ha scritto i brani.
Si canticchia parecchio, si viaggia con amici e non, si partecipa ad una festa, ci si guarda intorno con un certo occhio agli anni ottanta (non una novità in questo periodo storico).
E ci si deve porre una sola domanda: ci sono i brani?
Ci sono, eccome.
Basta dimenticare le aspettative, indossare gli occhiali da sole e godersi la titletrack, con sontuosi violini a dare il ritmo (e la preziosa collaborazione di Anna Calvi), una Lifetime a seguirne lo schema, una There Will Come a Time, con il suo
There will come a time / Where you will need your friends tonight / There will come a time / Where you will need someone tonight che rimane in mente all'istante.

Non un disco indimenticabile, certo.
Anzi, probabilmente un episodio minore di una più che discreta discografia, ma un disco piacevole, ben scritto, capace di dare belle sensazioni mentre si va al mare questa estate (se vogliamo inserirci in modalità clichè).
E quindi, va bene, in fondo, va bene anche così, Noah And The Whale.

[Serie Tv] Game Of Thrones - Stagione 3, Episodio 9, The Rains Of Castamere

2013-06-08T17:32:00.001+02:00

Se c'è una cosa che ha segnato questa settimana televisiva (per il popolo di Internet, quello che segue in originale con i sottotitoli, a poche ore dalla messa in onda) (e no, non siamo in pochi) è stata questa puntata.
Stagione 3, Episodio 9, Game of Thrones.
Scontato il sottotesto: non proseguire se devi ancora vederla.

In caso opposto, invece, la grande questione è giusto dibatterla.
Perchè, si, è vero, quest'anno (anche più dell'anno scorso, ovvia conseguenza di una apertura sempre maggiore alla trama) Game of Thrones era stato un monolite di storie, frammenti, narrazione, con picchi e momenti più normali, ma senza avere sconvolto le nostre esistenze.

Otto milioni di visite per un video caricato cinque giorni fa, capace di mostrare come sia stato possibile sconvolgere, per un attimo, le certezze televisive che ognuno di noi ha.
O almeno, preparati lo siamo, perchè ci sono rari casi in cui "succedono cose che non dovrebbero", nella serialità di questi anni.
Ma sono cose che fanno sempre male.
Intanto, non era la puntata finale: lo shock te lo aspetti al termine di una stagione, non quando ancora davanti c'è qualcosa da vedere.
Ma Homeland, ad esempio, quest'anno ci ha mostrato che non è necessario piegare una trama ai tempi di messa in onda, si può semplicemente correre, non indugiare, sorprendere, mettere ansia.
Insomma, il fatto sconvolgente può succedere in ogni punto della stagione.
Ma che un intero ramo narrativo, un segmento di storia, una sequenza di personaggi che conosciamo da tre anni venga brutalmente eliminata, senza pietà, con crudeltà vista poche volte in televisione (si, ricordava i massacri di Spartacus, ma lì era tutto volutamente sopra le righe), beh è caso raro.

Quel "non può essere che stia succedendo" come era capitato, in alcune occasioni con Lost.
Ad esempio: quando Benjamin Linus, chiuso nella sua casetta, si trova di fronte al ricatto di arrendersi o vedrà la figlia morire, beh, noi sappiamo (sapevamo, credevamo) che la questione si può risolvere in molti modi: un personaggio che entra a sorpresa, un dialogo convincente, l'ostaggio che si libera.
Queste sono le regole televisive, perchè non si uccide a sangue freddo una giovane ragazze, parte della trama, in questi casi di ricatto.
Lo pensa pure Benjamin, che gioca di astuzie verbali, e poi di colpo vede sua figlia morire a terra, così.
E tu dici, oddio, cos'è appena successo.

Lo stesso che hanno detto i telespettatori di Game Of Thrones, si, lenta, estenuante, prolissa opera che in chiave televisiva a volte lascia interdetti per puntate che fanno avanzare i pedoni di pochi passi in un grande scenario e poi a volte, ti sconvolge, osa, con coraggio, forte di materiale letterario di qualità dietro e di un grande progetto visivo.
Fa quello che non si deve fare e per questo si fissa nel cuore, una volta di più, lasciandoci con faccia sgomenta.

[Ascolti] Tricky - False Idols

2013-06-06T16:04:00.001+02:00

Tricky dice che questo è il suo miglior album di sempre.
Ha lasciato una casa discografica, la Domino, per farsene una sua, prodursi e produrre chi gli piace.
Dice che gli ultimi due album, a dire il vero più che discreti, a risentirli, non lo convincono, frutto di un rapporto di lavoro privo della necessaria libertà artistica che lui vuole e pretende.
Insomma, Tricky ci dice che qui, punto e ora, si riparte da False Idols.

E' difficile dire se abbia ragione (qualunque cantante descrive il nuovo album sempre come punto di arrivo di una carriera, anche quando non lo è molto chiaramente) però è indubbia l'ispirazione e la classe di un album tra l'altro lungo, quindici brani in scaletta, e pieno di buoni pezzi.
Difficile anche che, in caso Tricky, il TripHop e tutto quel che ne consegue non piacciano a chi legge, questo disco possa cambiare le carte in tavola.

Però, accidenti se suona bene questo disco dove peraltro il nostro cantante di Bristol ci mette molta passione e poca voce, lasciando quasi totalmente il campo alla nuova musa, Francesca Belmonte.
Così, False Idols, pieno di accenni minimali di un trip hop (una sigla, in fondo, solo una sigla) sensuale (come un tempo, più di un tempo) occasionali esperimenti (la ruvida Does It, la sospesa tra rock e soul Parenthesis) e parecchi brani da aggiungere alla carriera di Tricky alla voce "miglior brani".
Con una menzione in particolare per un altro brano atipico, Chinese Interlude, dolce arpeggio, che si configura tra le migliori ballate mai scritte dal nostro.

In definitiva, difficile dire se sia il migliore album di Tricky (se non, almeno, per la portata rivoluzionaria della prima parte di carriera) ma un ottimo album, fresco, ben scritto e capace di farsi ascoltare con piacere, beh, quello si.

[Live Report] Chromatics + Glass Candy @ Bronson, Ravenna

2013-06-04T14:19:00.000+02:00

Se ci si trova, in buon numero, il 3 di Giugno, in un locale al chiuso (il Bronson di Ravenna) ringraziando quasi che il clima non sia ancora del tutto estivo, è merito dei Chromatics, band di Portland, Oregon, che dopo una lunga gavetta esplodono nel giro di due anni, tra il 2011 ed il 2012, ovvero tra l'uscita di Drive, film acclamato e in cui i nostri scrivono Tick of the Clock e l'uscita di Kill For Love, lungo album in cui il quartetto trova definitivamente la propria formula.
Non è da sottovalutare la questione film: probabilmente per un bel pò (per sempre?) i Chromatics entrano da padroni in una estetica musicale che riporta a quella visiva: una guida notturna, le luci di una città, una velocità importante ma nemmeno troppo esagerata, una contemplazione in qualche modo.

La prima sopresa è quella della scaletta: prima i Chromatics, poi i Glass Candy, con un apparente inversione delle classiche regole del live, ma con una certa logica che ci viene riferita da alcune conoscenze: ha più senso (ed è stato richiesto dalle band) che aprano per tipologia di suono i Chromatics e poi venga lasciato libero sfogo all'elettro-party di Glass Candy.
Così, passate non da molto le dieci e mezza, ecco il gruppo sul palco: il microfono è vuoto su Tick of The Clock che apre strumentalmente il live, e poi via, con Lady e Kill for Love, dopo l'entrata di Ruth, la cantante.
E così, in pochi brani, impariamo con soddisfazione quello che sarà il leitmotiv del concerto: niente lungaggini, attese, è un tutto e subito, a ritmo leggermente più veloce che su disco.
Soprattutto, se su disco (parliamo di Kill for Love) si avverte nella seconda parte un certo dilungamento, il difetto sparisce in un live ritmato, intenso e divertente, che con sorpresa (sovvertimento delle regole atto secondo) piazza molti dei brani forti e verosimilmente più attesi nella prima parte della scaletta.
E siamo quindi solo al brano sette quando parte la lunga sessione di These Street Will Never Look The Same, con alla voce Adam Miller, che ci consegna la band al meglio, tra evoluzioni sintetiche, un'ottima parte di batteria e un brano che pensi sempre potrebbe pure durare di più.

Bella anche la pausa semiacustica tra la fine della prima parte e il primo bis, con la doppia cover, Into The Black (Neil Young) e quella dello storico brano Blue Moon, con la sola Ruth sul palco.
Si finisce un'oretta circa dopo il primo brano, con una Looking for Love, brano in origine di 17 minuti contenuto in una raccolta (After Dark 2) che va a chiudere un concerto più che convincente, senza se e senza ma.

Giudizio più incerto su Glass Candy: l'elettro pop di Ida No ha indubbia presenze scenica, radunando un discreto pubblico sotto il palco, ma sia ben chiaro, deve piacere: urletti, mossettine, basi sintetiche, tendenza ad una trash-elettronica che se piace, fa sorridere e divertire, altrimenti non desta particolare attenzione.
Chi scrive è della seconda idea, ma siamo nel campo del soggettivo.

In conclusione un augurio: che la crescita dei Chromatics non sia finita, perchè ci sono tutte le potenzialità per altre grandi cose.

Setlist

Tick of the Clock
Lady
Kill for Love
Night Drive
Cherry
Back From the Grave
These Streets Will Never Look the Same
I Want Your Love
Running Up That Hill (Kate Bush cover)
Into the Black (Neil Young cover)

Encore:

Blue Moon
The River
In the City
Looking for Love

Encore 2:

Hands in the Dark (Unplanned Encore)

[Ascolti] Daft Punk - Random Access Memory

2013-05-27T18:34:00.000+02:00

Fossi in una webzine o addirittura in una rivista musicale, avrei parecchia paura di scrivere di questo disco.
Raro è stato l'hype creatosi nei mesi per questo disco, con anticipazioni, teaser, spezzetti, il caso di Get Lucky anticipata per un minuto scarso ad un festival e rimontato ad arte da un dj Italiano, spacciato per versione estesa, e poi ancora i video con le collaborazioni, interviste, il solito anonimato e un'attenzione della stampa non solo musicale ma anche generalista per quello che in fondo è solo il quarto lavoro su disco (in sedici anni!) del duo francese.
Un'attesa forse superiore ad un disco dei Radiohead, per dire di una band con un seguito in fondo messianico.

E non è immaginabile pensare alla reazione se dovessero uscire date live: probabili scene di follia morale.
E cosa sono i Daft Punk oggi?
Sono ciò che più avvicina le culture portandole al ballo, unendo appassionati di elettronica a quelli rock, a popolo mainstream, unendo suggestioni sonore e visive.
Come sia successo questo è frutto di pezzi esagerati (vedi Homework, primo disco capace di suonare fresco pure oggi) così come di brillanti idee estemporanee o collage di felice ispirazioni (Harder, Faster, Better, Stronger).

Ma in fondo c'è un percorso nella musica dei due parigini: l'elettronica nel primo disco, il pop più solare e le suggestioni ottanta di Discovery, la sperimentazione e la ritmica di Human After All.
Ecco, Random Access Memory è, contrariamente al titolo, un programmatico viaggio negli anni settanta.

Ed è, innanzittutto, un disco suonato, un disco caldo, un disco da strumenti veri, voci, storie.
Un disco epico, che vive di momenti alterni, di grandi vette, forse un pò troppo lungo, di qualche eccesso.
Ma innanzitutto: i punti forti.
Ci sono diciotto minuti circa tra il brano cinque, sei e sette: Instant Crush, che si gioca di Julian Casablancas in un irresistibile tappeto ritmico che non lascia spazio a gente lontano dal centro della pista, Lose Yourself To Dance che potrebbe durare anche un'ora, un puro funky con Pharrell a fare da mattatore (se non sarà singolo, sarà un crimine, perchè questi si, sono i brani da ballare d'estate) e poi Touch, che non si sa da dove sia uscita, capace di ergersi in un lungo percorso musicale che potrebbe essere la colonna sonora di un decennio.
E se consideriamo che subito dopo arriva nientemeno che Get Lucky, ruffiana, paracula, quasi offensiva nel suo essere perfetta, ora e subito: la impari in 30 secondi, non ce la scorderemo per mesi, si intuisce che nel cuore del disco c'è tanto Groove, tanto funky, un senso del ritmo di eleganza quasi inedita per un gruppo che ci aveva abituato a ben altra potenza musicale e che riesce benissimo a entrare in un altro decennio musicale senza sembrare vecchio.

Consideriamo poi ingresso e uscita del disco: Give Life Back To Music, suonatissima, con le voci robotizzate dei Daft Punk ad introdurre il disco e poi Contact, che sembrano i Pink Floyd travestiti da Daft Punk, in un arcobaleno di suoni, tastiere impazzite, batteria a premere incessantemente, in un crescendo che sembra non finire mai (e che dal vivo sarà sintomo di degenerazione).
Se di tredici tracce ne abbiamo nominate sei (senza dimenticare Giorgio By Moroder, omaggio al leggendario produttore italiano, qui voce, protagonista e narratore di sè stesso) è perchè, si, è vero, il resto del disco convince ma senza esaltare.
Qualche filastrocca lenta (Doin't Right) meglio di qualche brano evitabile (Within, Motherboard) per un disco che, certo, poteva rinunciare a qualche brano (visti i 74minuti di minutaggio).

E quindi il giudizio finale?
Positivo, senza se e senza ma
Perchè ci sono momenti di assoluta bellezza, c'è un disco che sarà capace di piacere a praticamente ogni generazione, che ci riunirà sotto un percorso che questa volta si è fatto più sensuale, ancheggiante, delicato, furbo quanto si vuole, ma se si vuole andare a valutare quanti brani rimarranno indimenticabili tra qualche anno, beh, ad essere onesti, anche questa volta ce n'è un numero decisamente superiore alla media.

[Ascolti] !!! - Thr!!!er

2013-05-23T21:51:00.004+02:00

Che potesse, in qualche modo, essere un disco di svolta, lo si capiva dalla presentazione, che pure in musica è niente (quanti bei dischi dalle brutte copertine e viceversa) ma se in qualche modo testimonia intenti e ispirazione, allora Thr!!!er, dalla splendida foto in cover fino al felissimo titolo, gioco di parole a chiaro riferimento più che a Michael Jackson e al suo disco più venduto, al disco di maggiore accesso alle masse e alle vendite, è un pò il punto di arrivo della band di Sacramento, California.

Band che dopo lo scossone in line up che aveva dato vita al precedente (discreto) Strange Wheater, Isn't It? si pone un obiettivo semplice con questo disco: groove, ritmo.
Una band che su disco aveva dato sempre alla luce episodi altalenanti, con due-tre ottimi pezzi e il resto intorno alla sufficiente, mentre dal vivo si è giustamente costruita un seguito fedelissimo per le strepitose performance capaci di trasformare ogni live in festa, questo erano i !!! finora.
Thr!!!er è invece saldo, coeso, ritmico, rinuncia a qualsiasi lento (i battiti medi vanno insomma da veloce a velocissimo) e se non è magari un disco indimenticabile è perchè in fondo alla band manca quel qualcosa di geniale.
Ma se parliamo di mestiere, passione, ritmo, ci siamo. Ci siamo eccome.
Un riscaldamento iniziale e poi si inizia, con il funk rock (non so se possa essere un termine giusto, ma rende l'idea) a spadroneggiare.
Così si ancheggia in Get That Rhytmn Right, che è già una ovviamente allungabile live fino a dilatarsi per minuti e minuti, si è un pò anni ottanta in One Girl/One Boy, si scivola negli anni novanta tra rock e elettronica in Fine Fine Fine, e poi nei duemila da spiaggia in Slyd.
In quattro tracce, tutto questo. E si prosegue bene fino in fondo, per un disco che finisce con Station (Meet Me At) che potrebbe pure essere un singolo, per un disco che saggiamente si compone di sole nove tracce, di giusto minutaggio e compattezza.
Insomma: i Chk Chk Chk si sono impegnati a produrre il loro migliore disco, finalmente costante e piacevole per tutta la sua giusta durata.
Ci farà parecchio compagnia nei prossimi mesi.

[Serie Tv] The Big C

2013-05-22T09:32:00.002+02:00

E', curiosamente, la seconda volta quest'anno che mi trovo a scrivere di morte, in una serie tv.
E' curiosamente la seconda volta che si tratta di una serie giunge ad una chiusura dichiarata in anticipo, dove sai (all'incirca) pure cosa succederà.
Se la prima occasione era stata con Spartacus e si trattava dunque di storia, di tempi antichi, di eroismo, qui parliamo invece di The Big C.
C come Catherine, interpretata sontuosamente da Laura Linney (Golden Globe nel 2011), nostra protagonista e C come Cancro, malattia che invade la trama della serie sin da subito.
Di questo parla The Big C: del percorso di una persona che si trova ad affrontare un tumore, del tentativo di curarsi, dell'assenza del rimedio, della sua morte.
La forza della serie è quella di riuscire a vestirsi in qualche modo da Dramedy: riesce a farci sorridere, di tanto in tanto, come Benigni nella Vita è Bella.
Supera, senza farsene problemi, i tabù dei detti e non detti, in una sceneggiatura efficacissima che porta in scena una protagonista sfrontata, tanto smarrita nel suo percorso di malattia quanto decisa ad affrontarlo, sviscerarlo, gettarlo in pasto alla sua quotidianità.
Catherine, in questi quattro anni che stanno per concludersi attraversa tutte le fasi: il rifiuto, l'evasione, la speranza, il dolore.
Si allontana dal marito per non ferirlo, si avvicina al figlio, per non avere rimorsi, la vediamo circondata da personaggi ben scritti e recitati: l'indimenticabile vicina Marlene, lo strepitoso fratello Sean (anticonformista all'eccesso) la giovane Andrea capace di diventare qualcosa di vicino ad una figlia adottiva.
Raccontare di una Cathy che, in questo momento (a due puntate dalla fine) si sta preoccupando di trovare una futura compagna al marito (perchè sei un buon marito) può sembrare inspiegabile, ma ci sta nell'economia della vicenda.
Una storia di un grande percorso personale, di vita, di mille direzione diverse, di confusione, di emozionanti momenti (la chiusura della prima stagione, senza rivelare niente, è di una tenerezza sconcertante), una storia che non indugia in retorica, in facili musiche tristi, no,è capace di ergersi sopra una protagonista che affronta con (quasi) assurda serietà e preparazione le fasi di un lungo addio ai propri cari e alla vita.
Una serie sulla morte capace di essere viva, enormemente viva, con rarissimi finali di ritmo e un finale che sembra in grado di mantenere ogni qualità mostrata finora.
Meglio scriverne ora, dunque, che non dopo, perchè come la malattia sai che ti colpisce e pure fa male, sarà complicato vedere una fine già scritta ma sicuramente straziante eppure dolce, eppure bella, a suo modo, come il ragazzo di American Beauty affascinato dallo sguardo di chi muore, sguardo in cui scorgeva la vita stessa.

[Ascolti] The National - Trouble Will Find Me

2013-05-21T14:20:00.000+02:00

Arrivati al sesto album, i National sono tra le band più importanti e influenti del rock.
Travalicando i sentieri della nicchia indie (evento successo intorno tra Alligator e Boxer), arrivati ad un pubblico ormai delle grandi occasioni (con High Violet) e finiti in eventi di ogni tipo (organizzatori di un Atp Festival, brani in colonne sonore, performance artistiche, progetti paralleli), l'arrivo di Trouble Will Find Me è tutt'altro che pomposo.
Insomma, non è il disco dei Daft Punk, con l'Hype che ruota da mesi (presto ne parliamo).
E' "solo" un altro disco dei National.
Che non sposta di un millimetro il giudizio su una carriera già straordinaria.
Perchè è di un altro grande album, che si parla, e la recensione potrebbe pure finire qui. Solo, un pelo più minimale, rilassato, con una batteria che se in Boxer era assoluta protagonista qui in qualche caso si accontenta di stare al fianco, con un ritmo che se mai era stato elevato qui è ancora più rilassato. Trouble Will Find Me è un disco da primavera o autunno, in particolare per una giornata di Marzo o Settembre, vento fresco, nubi che girano, un timido sole e tanto silenzio intorno.
Si stagliano in particolare Demons, primo singolo e che ci riconsegna per un attimo tutta l'epicità della proposta musicale dei National, le due quasi acustiche Fireproof e I Need My Girl, giocate quasi sulla sola voce di un Matt Berninger forse mai intenso alla voce come in questo disco.
E se non c'è nessun brano fuori posto (io lo dico da tempo, i National ormai non sanno scrivere un pezzo brutto) cosa si vuole aggiungere?
Solo altri complimenti per una band che non firma il suo capolavoro ma ci consegna altri tredici brani vicini alla perfezione.

[Visioni] Il Grande Gatsby

2013-05-19T03:43:00.002+02:00

Il cinema è un media particolare.
Ne riunisce molti, quasi tutti: il suono, l'immagine, la scrittura. C'è l'elemento umano.
Insomma, è un complesso equilibrio artistico, che riunisce ritmo, fantasia visiva, capacità attoriali e umane quanto, se serve, tecnologia.
Bar Luhrmann, atipico regista di scarsa prolificità, cinque film in ventuno anni, questo concetto lo ha ben chiaro.
Si immerge dunque, dopo i successi di Romeo + Giulietta e Moulin Rouge (soprattutto) e il meno applaudito Australia, nella rilettura de Il Grande Gatsby, l'opera più famosa di Fitzgerald.
Si immerge, in particolare, nella New York degli anni venti e lo fa con entusiasmo: la prima parte del film è visivamente straordinaria, quanto forse eccessiva.
Gatsby, interpretato da un enorme Leonardo di Caprio, è l'uomo misterioso della grande mela, che accoglie tutti i weekend la città nella sua villa per le feste più incredibili che si ricordino.
E in queste feste c'è tanto talento quanto, si diceva, un eccesso di autocompiacimento: il ritmo della telecamera è vertiginoso, i colori sfarzanti, le musiche leggermente fuori luogo.
Ma l'eccesso si perdona se, per tornare all'incipit, c'è anche l'elemento umano.
E così minuto dopo minuto, esce la storia.
Gatsby affascina e in qualche modo, seduce Nick Arraway, nostro protagonista (Tobey Maguire) e voce narrante, con sfarzo e soprattutto modi da gentiluomo.
Non lo seduce, ovviamente, in senso fisico quanto per mentalità.
Il grande Gatsby è infatti una storia di amore e speranza, in fondo.
Amore per Daisy, di cui si scopre man mano l'antico ma smodato sentimento che Gatsby prova da sempre.
E una storia, forse di illusione e tragedia, sul cui proseguimento tacciamo per amore della sceneggiatura, ma che nella seconda parte convince e affascina, con il sapore di un film di qualche decennio fa, capace di dimenticare (o di rendere meno esposti) i virtuosismi e la tecnica.
E se sorprende meno, affascina di più, facendo pensare una volta di più a quando Di Caprio stia diventando un attore fuori scala, a quanto il libro, uscito nel 1925, fosse premonitore e a quanto bene il cinema, arte bistrattata in questi anni, possa ancora emozionare anche solo nel raccontare, quella che in fondo è una splendida quanto tragica storia d'amore e speranza.
(Caldamente) Consigliato.

[Giornalismo] Internazionale festeggia mille numeri

2013-05-13T22:01:00.002+02:00

Da ormai svariati anni la mia lettura preferita, rituale, d'obbligo e di gran piacere è Internazionale.
Rivista piuttosto conosciuta, ormai, ma vale la pena di spenderci un post.
Non fosse altro per un bell'augurio: Internazionale raggiunge infatti il numero mille.
Che non sono pochi, per una rivista che affonda le proprie radici in un'epoca lontana, lontanissima, il 1993.
Che possono sembrare pochi, vent'anni, ma non c'era l'Euro, non c'era stata Mani Pulite, Berlusconi non aveva ancora manifestato la propria intenzione di scendere in politica, i Radiohead pubblicavano il primo singolo (Creep) e i celebratissimi Daft Punk, che stanno muovendo l'attenzione di mezzo mondo con il prossimo disco, si formavano proprio in quei mesi, pronti per dare alle stampe i primi materiali.

In quel 93, ispirandosi ad una rivista francese di analoga concezione, nasce Internazionale: un giornale non giornale.
Perchè Internazionale non è un settimanale di sport, politica, musica o quant'altro: è tutto questo messo assieme.
Di più, è una rivista che si occupa di tradurre e organizzare il meglio della stampa di tutto il mondo.
Così, attualità, politica, scienza, sport, letture, fumetti, recensioni di libri, film e dischi, viaggi, tutto quello che può essere pensabile può finire nella rivista, con il criterio base della qualità e dell'interesse.
Così, capita di leggere di Italia ma come ne scrivono all'estero (in maniera spesso meno faziosa della stampa interna, per ovvi motivi) e poi di leggere semplicemente "ciò che succede nel mondo".
Tre euro alla settimana per un centinaio abbondante di pagine che raramente deludono e quasi sempre affascinano, facendo scoprire, in un certo senso, il buono e il cattivo dell'uomo e di questo mondo.
Non solo una rivista, poi: Internazionale è anche un Festival, orgogliosamente ospitato qui a Ferrara, per una tre giorni di workshop, conferenze, dibattiti, incontri, con giornalisti di tutto il mondo, lasciando ogni anno la sensazione che il meglio sia qui, che le persone più interessate e quelle con più cultura o vicende personali siano qui, per le strade della città e dove non si chieda molto più che sapere cosa succede là fuori, intorno a noi.

Quindi auguri e ai prossimi mille numeri, caro Internazionale.

[Ascolti] Vampire Weekend - Modern Vampires Of the City

2013-05-08T22:27:00.002+02:00

Anche se un primo, distratto ascolto, poteva fare pensare, nel (lontano?) 2008 che i Vampire Weekend potessero nascere e morire come meteora, di quei gruppi da un paio di singoli e poco più, era ben chiara l'evidenza di avere davanti un quartetto di fuoriclasse.
Difficile riuscire a dispensare così tanto talento melodico e un suono istantaneamente riconoscibile, fresco e capace di dare vita ad alcuni dei brani migliori degli ultimi anni.
Per i dubbiosi, c'è poi stato Contra, anno 2010, seguito perfetto, leggermente più raffinato, altrettanto piacevole (di più, bellissimo).
L'unico dubbio, per i Vampire Weekend poteva essere quello dell'evoluzione.
Ed eccoci dunque al fatidico terzo album, in realtà il vero varco della discografia di ogni band (il secondo disco non è il più difficile, se come spesso accade, si affianca all'esordio).

Partiamo dal fondo: il disco è bello, stimolante, riuscitissimo.
Vero, sembra mancare il singolone (in realtà ci sono ottimi pezzi anche in ottica di singoli ma sicuramente manca una A-Punk, che d'altra parte non si scrive tutti i giorni).
Ma c'è un lavoro di fino, non indifferente, in questo discorso.
Un lavoro che serve a portare i Vampire Weekend da gioiosa band capace di unire il rock alle ritmiche africane a band più rilassata, riflessiva, quasi notturna.
Ad ampliare gli orizzonti: ci sono più suoni, più tastiere, voci che per la prima volta vengono effettate (Ya Hey) costruzioni dal minutaggio maggiore che in passato (giusto per curiosità, 34 minuti il primo disco, 36 il secondo, 42 questo).
Ci sono episodi che brillano di luce propria: Step, già sentita tra i primi estratti, è una di quelle intuizioni che rendono il quartetto capace di ergersi dalla massa; Finger Back (un pò la Cousins di questo disco) che si fa subito seguire da Worship You, per un abbastanza sorprendente accelerazione ritmica a fine disco.
Ma anche la splendida ballata ad aprire il disco Obvious Bycicle conquista man mano (il tempo di sorprendersi per un brano che un'altra band avrebbe messo come ultima traccia).
Queste sono le prime impressioni perchè Modern Vampires Of The City sembra guadagnare punti e sfumature ad ogni ascolto, candidandosi tra le migliori uscite dell'anno e soprattutto (mica poco) a garantire una ulteriore conferma per i Vampire Weekend, che passano definitivamente da bella novità a solida certezza.

[Musica] L'estate Live

2013-05-06T23:07:00.001+02:00

La programmazione estiva dovrebbe ormai in gran parte essere stata presentata e verosimilmente, specie a livello di big, non manca molto.
E veniamo subito al dunque: c'è crisi, signori.
Se il concerto al chiuso va discretamente, il festival, le grande date, le programmazioni di qualità o quantità sembrano quest'anno avere subito un enorme calo.
D'altra parte, se i cachet costano, non c'è grossa tradizione alle spalle (tranne belle eccezioni) e la gente spende meno, chi si arrischia centinaia di migliaia di euro per organizzare eventi dove magari rientra la metà o meno?.
Detto questo, solo un concetto: se viene a meno la cultura, non ne perde solo l'appassionato.
Ne perde il turismo, il livello intellettuale in generale, la felicità delle persone.
Mica poco.

In giallo le novità rispetto all'ultima volta.

Low
11 Maggio - Bologna, Teatro Antoniano

My Bloody Valentine
27 Maggio - Bologna, Estragon
29 Maggio - Roma, Orion

Liars
27 Maggio - Roma, Circolo degli Artisti
28 Maggio - Verona, Interzona
29 Maggio - Torino, Molodiciotto

Adam Green
29 Maggio, Sestri Levante, Teatro Arena Conchiglia
30 Maggio, Sesto San Giovanni, Carroponte

Grizzly Bear
28 Maggio - Milano, Alcatraz

Chromatics
3 Giugno - Ravenna, Bronson

The National
30 Giugno - Roma, Auditorium Parco della Musica
1 Luglio - Milano, Ippodromo del Galoppo

Johnny Marr
2 Luglio - Bologna, Bolognetti On The Rocks

Glen Hansard
6 Luglio - Sesto San Giovanni, Carroponte
7 Luglio - Bologna, Bolognetti On The Rocks

Cat Power
7 Luglio - Sesto San Giovanni, Carroponte
8 Luglio - Roma, Auditorium Parco della Musica

Tame Impala
9 Luglio - Ravenna, Rocca Brancaleone
10 Luglio - Milano, Circolo Magnolia
13 Agosto - Sestri Levante, Ex Convento Baia del Silenzio

Artic Monkeys
10 Luglio - Roma, Ippodromo Capannelle (Con Vaccines, Miles Kane)
11 Luglio - Ferrara, Piazza Castello (Con Miles Kane)

Mark Lanegan
15 Luglio - Bollate (MI), Villa Arconati

Atoms For Peace
16 Luglio - Roma, Ippodromo Capanelle
17 Luglio - Milano, Ippodromo Del Galoppo

Toy
23 Luglio - Milano, Circolo Magnolia
25 Luglio - Bologna, Bolognetti On The Rocks

Sigur Ros
26 Luglio - Ferrara Sotto le Stelle
28 Luglio - Roma, Ippodromo Capanelle

Blur
28 Luglio - Milano, Ippodromo del Galoppo
29 Luglio - Roma, Ippodromo Capannelle

A Perfect Day Festival (Villafranca di Verona)
30 Agosto: Primal Scream - Jake Bugg - Merchandise
1 Settembre: The XX - Editors

[Ascolti] Phoenix - Bankrupt!

2013-05-04T00:45:00.001+02:00

Ci sono studenti che, con una media costante sul sette, hanno la giornata di gloria e portano a casa un nove o un nove e mezzo, che fa felici tutti, lui, amici e famiglia.
Perchè non sono i primi della classe, nè i peggiori, sono onesti studenti che si impegnano e magari quella volta fanno tutto bene e sfoderano il colpaccio.
Così è, a parere di chi scrive, per i Phoenix che dopo una buona carriera nel 2009 hanno avuto, verosimilmente, un'epifania creativa che li ha portati a dare alla luce Wolfgang Amadeus Phoenix, ispiratissimo album di pop elettronico, capace di alcuni singoli ispiratissimi e un ottimo livello generale.
Un grande disco, nulla da dire.
Meritati quindi gli onori, il successo, l'attesa per il seguito e il fiducioso posizionamento in alto (a volte altissimo) nelle scalette dei festival di questa estate.

Purtroppo (di cuore) lo studente che da sempre veleggia sul 7, difficilmente ripete l'exploit.
Anzi, magari appagato dal gran voto, cerca di ripetere (ma senza ansia creativa, senza il sudore sulla fronte, senza quell'epifania) il risultato precedente.
Così il nostro quartetto francese prova di proseguire il discorso ma già il primo estratto, Entertaiment, ad aprire il disco, mostra lievemente la corda: se infatti sembra un altro brano del precedente disco, si impantana, in alcuni punti, in un poco brillante arrangiamento, con vaghi accenni orientali che non fanno decollare il brano.
Ma soprattutto i brani successivi, impalpabili iniziano a lasciare la sensazione di un disco si, piacevole (Trying To Be Cool, ad esempio) ma facilmente destinato ad essere lasciato da parte.
La traccia che dà il titolo al disco, poi, brano più ambizioso del disco (sette minuti) non decolla mai (e pure sembra di minuto in minuto avere le carte per farlo) e lascia la sensazione che manchi qualcosa.

Manca la magia, insomma, in questo Bankrupt! che pure non mancherà di accompagnare le serate estive e di verosimilmente dare una discreta resa live.
Ma siamo lontani dai fasti del disco precedente e questo è un bel peccato.

[Serie Tv] Spartacus

2013-04-28T22:52:00.000+02:00

Solitamente, spettacolarità ed emozione non vanno d'accordo.
E' un dogma, non sempre magari rispettato, ma si divide generalmente (e in maniera certo superficiale) tra l'effetto scenico, la magnificenza grafica e la sceneggiatura, il recitato.
Insomma, il ponte che può dividere Fast&Furious o Iron Man da The Artist o, per dire di un grande film di pochi mesi fa, Moonrise Kingdom.

Ecco, se uno, girando per qualche motivo in tv (Cielo, ore 01.00) o (meglio) vedesse in lingua originale una puntata di Spartacus, penserebbe: "che tamarrata".
Queste esatte parole, nulla di più.
Perchè Spartacus, una delle prime grosse produzioni di Starz, canale privato americano (Boss, Camelot Torchwood, altre serie abbastanza celebri del canali) è in poche parole violento, esplicito, esagerato, grottesco.
Sangue, ne scorre. Nudi, all'ordine del giorno. Linguaggio scurrile, da vendere. Epicità: strabocca.

Eppure, quattro anni dopo il suo inizio, pochi giorni dopo la sua fine, Spartacus merita di essere ricordata come una delle migliori, più intense, emozionanti serie televisive degli ultimi anni.
Basta un elemento a spiegarne l'efficacia: la trama è gia scritta e conosciuta a chiunque, tutti sanno che l'eroe morirà alla fine, eppure, chi non ha pianto o almeno vissuto col cuore in gola la fine?
Merito di una sceneggiatura (e di un gruppo di attori) capace di dare vita ad epica storia capace di attraversare trasversalmente l'amore, la vendetta e soprattutto la libertà.
Morte innanzittuto: impossibile dimenticare che il primo Spartaco, quello della prima stagione, un indimenticabile Andy Whitfield è morto davvero.
Colpito da una terribile malattia, ci ha lasciato in dote tredici puntate dove lo schiavo si vede privare della libertà e della moglie, Sura e gettato nelle arene dei Gladiatori, dove in uno spettacolare arco narrativo si compie la maturazione verso ciò che muove la ribellione di Spartaco: il desiderio di libertà, l'odio contro la Repubblica romana, la vendetta per la morte della propria amata.
Spartaco diviene una leggenda nell'arena e guida la rivolta di un gruppo di gladiatori, in un'epica puntata finale color rosso, lasciandoci negli occhi un attore che non recita Spartaco: è Spartaco.
Purtroppo, come detto, si ammala, il canale televisivo, con grande umanità, lo attende alla guarigione impostando una ministagione di poco precedente agli eventi narrati nella prima stagione (dove conosceremo Gannicus).
Attesa vana: Whitfield muore.
Il suo posto lo prende Liam McIntyre, inizialmente in grosso debito (fisico e attoriale) ma man mano sempre più convinto e convincente nel ruolo.
Inutile spiegare il resto della trama: ben conosciuta è la ribellione, le disfatte dell'Impero Romano contro una ribellione guidata da uno schiavo forte quanto carismatico e intelligente, fino alla morte per mano di Marco Crasso, aiutato da un giovane Giulio Cesare.

Più facile spiegare l'estetica, visivamente vicina a 300, fatta di colori saturi, rallenty, telecamere che non si allontano, nè in battaglia nè fuori sui particolari forti.
Impossibile, invece, spiegare come possano divenire famigliari i personaggi, non solo il protagonista ma anche quelli attorno, da Crisso, amico-nemico a Gannicus, sorta di compagno di guerra mai veramente impegnato nella causa ma sempre fedele, un indimenticato Enomao a forgiare, nelle prime puntate, il carattere dei futuri Gladiatori, fino anche ad un disumano quanto pieno di carisma Crasso, unico a riuscire a placare e fermare Spartaco nella sua guerra.
Una bellissima scrittura, una trama incapace di rallentare, un ritmo dal veloce al velocissimo, un casting ben riuscito (tranne forse di Naevia) per una serie che va vista, questo è chiaro.
Perchè non c'è un motivo particolare per cui Spartacus funziona: funziona tutto e più avanza più convince, ci regala umanità dove si vede violenza, ci regala amore (etero, omo e solo sessuale, senza distinzioni) dove c'è vendetta e ribellione, ci mostra libertà d'animo in un mondo di schiavitù.
Lo fa con coraggio, con creatività e con ritmo.
E finisce in maniera epica, piena d'onore e senza lasciare alcun amaro in bocca.
E di quante serie lo possiamo dire, tutto questo?

[Musica] Un Inedito per gli XX

2013-04-27T07:39:00.001+02:00

Forse tra qualche anno ci si ricorderà degli Xx come di una meteora.
Fatto sta che il pugno di canzoni e progetti collaterali usciti finora racconta di una band perfettamente inserita in un suono ben definito, di un idea musicale chiara e soprattutto di un talento di livello assoluto.
Ulteriore dimostrazione? Together, inedito inserito nella colonna sonora di Il Grande Gatsby, film di imminente uscita.
Un brano che si avvale, nel finale, anche di una non consueta (per gli XX) orchestrazione, chissà che non possa essere un'idea per il futuro.
Nel frattempo, godiamoci questo ennesimo bel regalo.

[Ascolti] Iron & Wine - Ghost And Ghost

2013-04-23T23:43:00.002+02:00

Sei album in undici anni di carriera non sono tantissimi, ma nemmeno poi un numero così misero.
Eppure la lunga pausa (4 anni abbondanti) che aveva fatto passare il nostro Samuel Beam dal capolavoro The Sheperd's Dog a quel Kiss Each Other Clean che aveva convinto si, ma non tutti, fa pensare che questo Ghost And Ghost sia arrivato con una certa velocità rispetto al solito.
Un disco, quello precedente, che restituiva l'immagine di un cantautore nato e divenuto famoso per un approccio tradizionale, fatto di sofisticate ballate voce e chitarra (e poco più) e pronto a diventare grande, allargando la strumentazione di parecchi livelli.
Fughiamo quindi il primo dubbio: la traccia è segnata, la direzione è quella.
E lo diciamo con una certa soddisfazione: ci sono strumenti, chitarre, fiati, ritmica, orchestrazioni in questo Ghost And Ghost.
E i pezzi?
Ci sono tutti e c'è una certa novità, per quanto sia una sfumatura: la sensazione è che Beam sia molto più felice e rilassato di un tempo.
Così, se Kiss Each Other Clean si manteneva intenso e dolente, qui partiamo subito con un uno due da viaggio in macchina, sole e una leggera brezza: The Desert Babbler, poi è un puro pop anni sessanta, luci e cori.
Poi Joy, uno di quelle ballate che sono il pane quotidiano di Iron & Wine (facile immaginarne un bel momento live).
Ma non è finita qui: violini allegri circumnavigano Grace For Saint And Ramblers e poi saltiamo appena un pò avanti nel disco, traccia sette, Singers And The Endless Song, dove piano piano esce una ritmica blues irresistibile, che fa, invece, immaginare un lungo strumentale jazz in versione live.
Si prosegue senza strappi fino a Lovers Revolution, primo estratto del disco, maggiormente complesso nella sua scrittura e che fa quasi chiudere (c'è spazio per la lenta Baby Center Stage) un disco che, a fine bilancio, non scende mai di scrittura.
Un disco che non annoia, rilassa, regala bei momenti e mantiene intatta quella qualità nello scrivere canzoni che di tanto in tanto sembrano speciali, dei piccoli classici istantanei.
Insomma: un altro centro.

[Visioni] The Session

2013-04-22T11:49:00.000+02:00

The Session è un film più coraggioso di quello che sembra.
Uscito con il consueto ritardo italiano (in autunno negli Stati Uniti, in tempo per far cadere candidature a Oscar e Golden Globe per i protagonisti) tratta della storia (vera) di Mark O'Brien, costretto sin da bambino a vivere in un polmone d'acciaio per gran parte delle ore della sua giornata, potendo uscire solo 3/4 ore al giorno e con la necessità di assistenza totale, in ogni attività, muovendo solo la testa.
Lo incontriamo adulto, Mark, ben interpretato da John Awkes, alle prese con il desiderio che muoverà la vicenda: la sessualità.
E quindi si, si parla di sessualità di un corpo che non può muoversi (ma ha sensibilità) e lo si fa esplicitamente, ma senza deviare nei facili errori a cui la storia poteva portare: niente di grottesco, niente di comico, nulla di scabroso.
Più scientifico, in tutto il percorso che porta Brian a conoscere Cheryl, terapista sessuale (Helen Hunt) con cui affronta un percorso che non manca di scuotere, a livello emozionale, entrambi i protagonisti.

E il coraggio di cui si parlava non è in alcuni nudi, nei termini, nella sfacciataggine di Mark ma è nel suo riuscire a rendere realistica la malattia, la condizione del protagonista, giocando tra l'esplicito e l'implicito ma sempre senza farne una macchietta, uno scherzo.
Mark ha dignità, piena e totale e desideri propri di adolescenza e età adulta (sesso e amore, che si incrociano pur partendo ben divisi).
E compie un viaggio, accompagnato da un credibile (almeno dopo averne dimenticato la parte in Shameless) William Macy, prete e poi amico (o forse più amico che prete) che accompagna il viaggio anche a livello spirituale.

Tratto da una vera autobiografia e dagli incontri con la vera terapista dell'epoca, il film scivola leggero, non cade in retorica, melodramma, condensa le vicende (anzi, finisce in maniera veloce, quasi troppo) e riesce sicuramente a colpire.
Viene da dire "forse mancava qualcosa" ma sarebbe un'inutile critica: mancava molto, alla vera persona della storia, quasi tutto, ma a vedere la trama, sicuramente non la voglia di vivere.
E se una storia riesce a raccontarcela, non è cosa da poco.

[Ascolti] Still Corners - Strange Pleasures

2013-04-17T19:20:00.002+02:00

Non è passato tanto dal primo, più che interessante, disco degli Still Corners, duo londinese passato subito in scuderia Sub Pop con quell'esordio, datato fine 2011, che si muoveva lungo coordinate tra dream pop e new wave.
Non si può dire che fu un successone, nè parlare di troppo hype eppure se ne parlò, di quel disco.
Se ne sta, a parere di chi scrive, parlando molto meno ora che il gruppo ritorna in un periodo forse troppo pieno di uscite importanti che stanno monopolizzando le webzine (James Blake, Iron & Wine, The National e si, certo, i Daft Punk).
Un peccato perchè se è vero che il secondo disco è sempre il più difficile, il duo formato da Greg Hughes e Tessa Murray fa capire di non avere timori referenziali con la prima splendida traccia, The Trip, che si lancia in uno strumentale di un minuto e mezzo prima di fare partire la voce e prosegue in maniera egregia, tra chitarre, una voce soffusa e perfetti incastri melodici.
E non è un fuoco fatuo: difficile dire gli episodi migliori di un disco incantevole, forse le venature anni ottanta di Fireflies, l'elettro pop di Berlin Lovers o quella Beatcity che ricorda non poco le sonorità di un grande disco dell'anno passato, quello dei Chromatics.
Così, qualunque sia il riscontro di pubblico e stampa, zitti zitti gli Still Corners scrivono un secondo disco più bello del primo e verosimilmente uno dei migliori nelle future classifiche di fine anno.
Complimenti.

[Anticipazioni] I primi due brani del nuovo The National

2013-04-12T20:00:00.000+02:00

Non c'è molto da aggiungere all'ascolto: arrivati al sesto album dopo l'esplosione di pubblico avvenuta, chissà perchè, con High Violet (che già il resto della carriera discografica dei nostri era oggetto di culto) i National si preparano ad uscire a fine maggio con Trouble Will Find Me.
Io, da qualche anno, li considero "la band che non sa scrivere un brano brutto" perchè, fatico a spiegarmelo, il gruppo capitanato da Matt Berninger ha ormai preso una tale consapevolezza del proprio suono e una chiarezza melodica invidiabile più o meno da qualunque gruppo, fatto che sta che sarà la voce, la batteria sempre di primo livello o certi ritornelli killer, ma è praticamente impossibile trovare un brano che non sia almeno ispirato, almeno bello, spesso poi molto più che interessante.
E tutto si conferma in questi due primi brani usciti dal disco: Demons, singolo di lancio, vicino a Bloodbuzz Ohio (che aveva lanciato il precedente) che fa ricordare perchè amiamo così tanto questa band e da ieri anche "Don't Swallow The Cap" che invece ha il sapore (ma forse è una sensazione personale) di Alligator.

In attesa del disco completo, con la consapevolezza che difficilmente sbaglierà bersaglio, la richiesta è solo una: cari National, continuate così, nulla di più.
Siete già indimenticabili.

[Serie Tv] The Walking Dead - Stagione 3

2013-04-11T18:08:00.003+02:00

The Walking Dead è il fenomeno televisivo più importante degli ultimi anni, diciamo dal dopo Lost.
Lo è, ovviamente, a livello di ascolti, che definire record è a dire poco e con una crescita di pubblico che ha rari eguali (normalmente si assiste ad una stabilizzazione e un lieve declino anno dopo anno, qui il trend di crescita sembra non finire ancora).
Seguito anche in Italia su Sky con tempi ragionevoli (mi pare di avere capito con la versione originale sottotitolata il giorno successivo all'uscita della puntata) e inspiegabilmente assente sulle tv generaliste, per l'ennesima dimostrazione di una televisione immatura, questa terza stagione ha ulteriormente allungato il numero di puntate: sei quelle della prima, sperimentale stagione, tredici la seconda, sedici la terza.

Troppe.
Questo è il primo pensiero a bocce ferme: troppe.
Così anche quest'anno, assistiamo ad una serie che funziona a tratti, a strappi.
Perchè, intendiamoci, a volte sa colpire al cuore: la capacità della serie (e prima ancora del fumetto) è quello di ragionare sull'umanità spogliata delle proprie regole.
La moralità, insomma, è il tema dominante: in un mondo senza leggi, concetti come famiglia, gruppo, fiducia sono arbitrari, personalizzati, scelti in base alla propria situazione e alla condizione di necessità di sopravvivenza.
Così, ecco una una stagione dominata da due temi fondamentali, lo scontro tra i due gruppi (i nostri protagonisti, alla prigione, e la cittadina di Woodbury) e la leadership.
Partiamo da quest'ultima: bene (o male, a seconda della fiducia in un mondo migliore) la glacialità imposta ad un Rick finalmente meno buonista, più cinico: è lui a gridare nel ponte tra le due stagioni "this is not a democracy anymore"e come tale sceglie di accettare o meno persone dall'esterno, di sacrificare qualcuno, di eliminare il processo democratico.
Lo fa, però, con l'interesse del gruppo in mente.
Diverso invece è il Governatore, a capo della fortificata cittadina di Woodbury, personaggio che passa in poche puntate dal carismatico e potente all'inquietante, scivolando in spirali di violenza, follia e in una moralità, sviscerata nell'ultima puntata "in questo mondo o uccidi o muori. Oppure muori e uccidi" che segna la sua disumanizzazione: ancora vivo, dopo avere follemente ucciso il suo gruppo, il Governatore vaga come un errante, affamato di sangue, senza uno scopo, divenendo, in un certo senso, uno di loro.
Cosa ci aspetta nel suo futuro non si sa.

Sicuramente c'è molto da scrivere, invece, nel futuro di Carl: da infelice bambino diventa uomo (suo il vero cambio di prospettativa della stagione, felicemente intuito da Glen Mazzarra) si spoglia della giovinezza e nell'ultima puntata uccide a sangue freddo un ragazzo ormai disarmato: quanto possa rimanere dell'umanità in un mondo dove ogni istante potrebbe essere l'ultimo è difficile da dire.
E difficile è anche spiegarlo ad un bambino (giovane uomo?) che ha dovuto uccidere la madre incinta, mortalmente morsa, per salvare il futuro fratellino.

Ecco i grandi momenti, i momenti intensi di Walking Dead segnano chi guarda: ce ne sono anche in questa stagione, però tutto ancora non esplode, si accontenta, in particolare nel lento finale di stagione che ci prepara per svariate puntate allo scontro tra le due fazioni e finisce poi nell'anticlimax, abbozzando un finale che non è un finale, non rasserena nè inquieta e non lascia quella sensazione di voler dire "ok e adesso???" che, per esempio, sapeva fare magistralmente Lost nelle conclusioni tra una stagione e l'altra.

Sicuramente il futuro (economico e televisivo) della serie è al sicuro: la speranza è che, visto il nuovo, ennesimo cambio alla direzione della sceneggiatura (ora affidata a Scott Gimple) si possa assistere allo sbocciare finale di una serie che può permettersi tutto, a livello di tematiche ed invece troppo spesso inducia, attende, si accontenta.
Ed è un peccato.

[Visioni] Un Giorno Devi Andare - Giorgio Diritti

2013-04-08T22:31:00.002+02:00

Punto primo, respirare un film italiano che sappia essere internazionale è sempre bello.
Perchè, certo, la commedia guarda quasi sempre al popolo che la scrive (in altre parole l'umorismo Italiano è tale come quello francese o americano lo sono, per quanto comprensibili e divertenti da altre nazioni) ma è raro trovare un film italiano che sappia essere storia, che non parli insomma (ogni riferimento alle fiction italiane è puramente voluto) di provincia, di dialetti, di paesini, di santi, di carabinieri, che non sia macchietta di chi scrive sapendo che chi guarda si vuol riconoscere e ridere (o piangere) di sè.

Giorgio Diritti, al terzo film dopo Il Vento Fa Il Suo Giro (2005) e il premiato L'uomo Che Verrà (2009) si allontana dall'Italia sin da subito, ambientando la vicenda di Augusta, donna che perde il figlio e viene abbandonata per questo (forse) dal marito, in Brasile.
Se il tema del viaggio come percorso personale, di crescita o dopo un evento, è uno dei temi più classici di ogni scrittura, la scelta vincente di Diritti è quella di non giudicare.
Nemmeno di raccontare troppo, in fondo.
Conosciamo Augusta in barca, a fianco di una suora, in una meravigliosa prima parte di grande impatto visivo (la natura Brasiliana aiuta non poco), la seguiamo in una cittadina, dentro una piccola comunità e concludiamo in una ultima parte dove Augusta è sola, su un'isola, dove si rifugia.
Dei tanti temi accarezzati (la religione, la povertà, il capitalismo, il confronto tra la vita vissuta da chi possiede e da chi cerca di sopravvivere, l'amore, l'amicizia, la violenza) nessuna vive di un giudizio.
E questo fa vincere il film: troppo facile sarebbe stato scivolare nei pantani della retorica, sia in un senso che nell'altro, troppo facile ad esempio sarebbe stato voler fare intendere che la rinascita può avvenire dalla semplicità e dalla povertà chi non avendo niente condivide tutto o troppo facile sarebbe stato fare una critica alla nostra società.

Invece no: minuto dopo minuto, scena dopo scena, con leggeri accenni di una Augusta che pare trasportata dagli eventi come la barca sul fiume, conosciamo personaggi, situazioni, luoghi, intrecci e poi passiamo avanti.

E poi, d'un tratto il film finisce, aperto, senza voler arrivare a dirci "ecco, questo è il senso della vita".
Ben recitato, opportunamente (alleluja) sottotitolato in tutti i personaggi Brasiliani che sentiamo quindi nella loro lingua, evitando maldestri doppiaggi, il film scorre piacevole, a tratti emoziona, lascia qualcosa.
E se non è quindi, magari, un capolavoro, è pur sempre, di sicuro, un ottimo film.
Consigliato.

[Ascolti]: James Blake - Overgrown

2013-04-06T18:04:00.000+02:00

Nella prima, omonima, canzone del suo secondo disco James Blake, ragazzo prodigio capace di conquistare critica e pubblico con il primo disco, canta "i don't wanna be a star / but a stone on the shore" (non voglio essere una stella / ma una pietra sulla costa).
Scrive, in altre parole di voler essere uno dei tanti.
Impossibile, James, impossibile: tu una star lo sei già.
Non nel senso mediatico, quello chi lo sa, ma dal punto di vista musicale, Overgrown è, insieme, una conferma ed un progresso.

Se il primo disco iniziava con la programmatica Unluck, questo inizia, appunto con Overgrown e ci dice già molto (ma non tutto): imparato il mestiere, Blake dismette quasi totalmente l'effettistica sulla voce e scrive un disco frammentato quanto compatto, intimo quanto esplorativo, riuscito quanto spiazzante.
Si contamina di hip hop, di pop, di elettronica e riesce a declinare tutto (o quasi) nel modo migliore.
Così, si è vero ci sono un paio di passaggi non indimenticabili (il featuring con Rza, non del tutto a fuoco).
Ma, diamine, cosa non è la parte centrale del disco?
Dlm, voce e piano, delicata introduzione.
Poi due bombe ritmiche, Digital Lion, dubstep anno 2013 che si chiude in una coda ritmica che sembra Feral dei Radiohead e poi Voyeur che accelera il tutto, qui si vuole ballare, cassa piena e atmosfere sognanti.
E quanto sei qui a chiederti come sei arrivato a questi battiti per minuto, ecco To The Last, dove Blake si trasveste da Thom Yorke, offre una prestazione musicale enorme e si lascia sorreggere il brano da un paio di felici quanto fugaci intuizioni: quanto finisce ti chiedi se non poteva durare ancora un pò.

E poi: Retrograde.
Volutamente ancora non nominata, brano capolavoro che chiude la questione su Blake "autore-famoso-per-una-cover", dove il giovane inglese si autocampiona (ce la ricordiamo, eccome, al concerto londinese), inizia a cantarci su e intorno al minuto e trentasette lascia perdere queste tastiere che innalzano tutto e non si fermano più, finchè un minuto abbondante dopo tornano dove erano venute e ti accorgi di cominciare a respirare di nuovo.

Insomma: Overgrown è una conferma, un grande disco, un passo avanti e in realtà un'ulteriore gettito di semi in più direzioni per questo ragazzo classe 88 che si pone già ora, senza se e senza ma, tra i grandi autori di questo decennio e forse non solo.

[Report Live]: Adam Green & Binki Shapiro @ Covo (Bologna)

2013-04-01T12:05:00.000+02:00

Adam Green ormai ci passa spesso per Bologna.
Facile ricordarlo in una caldissima esibizione in un caldo Luglio, qualche anno fa e altrettanto facile ricordarlo tra la gente del Covo dopo un live, parecchio alticcio con ragazze varie in spalla, balli e pochi vestiti addosso.
E il pubblico non manca nemmeno sabato al Covo per la presentazione del nuovo lavoro del cantante americano con la sua nuova compagna di avventure, Binki Shapiro, bionda già ex musa e voce dei Little Joy, piccolo progetto che coinvolge anche il buon Moretti degli Strokes.
E del pubblico soprattutto si nota una piccola fazione che definire scatenata è dir poco, tanto da meravigliare anche una sempre più sciolta Binki.
Tanto che si finirà cantare un'improbabile canzoncina di compleanno ad un ragazzo festeggiato in sala.

E del concerto cosa dire?
Diviso fondamentalmente in due parti, metà scaletta per l'elegantissimo album che i due hanno scritto insieme, album che è un piccolo gioiellino di cantautorato, che sembra provenire direttamente da qualche decennio fa e metà per la produzione solista di Adam dove ci si ricorda perchè lo si aveva in mente come un personaggio più che fuori: balletti improbabili, stage diving, salti l'atmosfera si scalda, si sorride, si balla.
Forse più contenuto che in passato, ne esce comunque un concerto solido, fatto di bei pezzi ben cantati e suonati (con il resto del gruppo si arriva a sei persone sul piccolo palco del locale bolognese) e un'atmosfera di insolita euforia, grazie, per l'appunto ad un pubblico incontenibile.
Bene così, sei sempre ben voluto Adam Green.

P.s: Due righe anche per Keiran Leonard, ottimo cantautore voce e chitarra in apertura, davvero una mezzora semplice quanto intensa e piacevole. Da scoprire.

[Letture] Un Anno di Kindle

2013-03-29T23:05:00.002+01:00

Ha compiuto un anno, il mio Kindle.
Prima che arrivasse a casa, fine Marzo dello scorso anno, ci avevo pensato per mesi.
Probabilmente, sin dall'autunno, da quando cioè Amazon, da poco approdata (alleluja e grazie) sul suolo italiano apriva il suo store di Ebook e soprattutto, iniziava a vendere il Kindle.
Ne avevo letto, studiato, l'avevo poi infine osservato dal vivo in un Euronics vicino a casa.
Se tu che leggi sei ancora un diffidente sulla lettura digitale, tranquillo ero come te.
L'odore della carta, la piacevolezza dello sfogliare, l'oggetto libro (che era nato così 500 anni fa, stampato su carta e tale era rimasto, a dimostrazione della perfezione iniziale) pensa pure a tutto ciò che ti viene in mente: ci ho pensato pure io.
Però costava poco (ora costa pure meno, ne parleremo) e mi attirava.
Così, un giorno, l'ho ordinato.

Un anno dopo, per fare un bilancio posso dire questo: di tutte le cianfrusaglie e rivoluzioni digitali, l'oggetto Kindle è quello che credo abbia più migliorato la mia esistenza.
Leggo di più, leggo meglio, spendo meno, questa è la prima conclusione.

A fronte di uno scenario digitale che era partito con una disponibilità di 15-20 mila titoli e ora ne supera i 45mila, anche il lettore ebook è, in qualche modo, già perfetto a suo modo.
Semplice, essenziale, veloce, duraturo.
Questo è il Kindle 4, non touch, il modello base.
Tasti ai lati per andare avanti/indietro, un tasto di accensione/standby e una interfaccia semplice quanto gradevole che consiste semplicemente in cartelle (organizzabili) con i propri libri.
Per il resto, lo schermo: non è questione di leggere come su carta.
Ci si legge pure meglio.
Per quei due che non lo sapessero, lo schermo dei lettori Ebook è un e-ink, particolare tecnologia che non ha illuminazione, ma solo palline di inchiostro che si muovono al cambio pagina.
Significa che non esiste fastidio nel guardare lo schermo (come nei monitor del pc) e che, elemento non indifferente, la batteria consuma energia solo al cambio pagina e questo ci porta ad un mese di carica: se leggere abbastanza, perchè altrimenti potrebbe durare pure di più.
E quali sono i vantaggi dal libro?

il peso: niente più tomi pesanti, scomodi da tenere con una mano o borse che pesano sulla spalla per uno o più libri. Ce ne stanno almeno mille.
il Wi-Fi, che elimina fili o altro, è possibile comprare dal Kindle o (più pratico) dal sito Amazon, un click singolo e alla prima accensione, dopo 3 secondi di caricamento, ecco il libro sul Kindle
il dizionario integrato, che vuol dire ad esempio, che se uno si avventura in una lettura in lingua inglese, ad esempio, che basta essere col cursore sulla parola dubbia per avere la spiegazione
la disponibilità 24/h della libreria, in qualunque luogo, con la possibilità anche mentre siete in un lago di comprare il libro con cellulare, fare un hotspot col cellulare ed iniziare a leggere il libro.
la possibilità (si sta parlando di Amazon e di Kindle) di mandare una mail ad un indirizzo @kindle che l'azienda ti dà e trovarsi il bel documento pronto da leggere sul sito.
la possibilità di avere una app Kindle su smartphone, tablet o pc e leggere ovunque, in caso di necessità o voglia, partendo dallo stesso punto, il proprio libro.

Infine, elemento non indifferente è il prezzo. Vero, si può fare di più (l'iva al 4% per i libri e al 21% per gli Ebook non aiuta) ma la sostanza è che la maggior parte dei libri costa in libreria tra i 10 e 20 euro, in digitale tra i 5 e dieci.

Di più, ogni giorno un libro (a volte più) è in offerta a 1 o 2 euro.

Fatto sta che, ho appena fatto due conti e nel 2012 ho acquistato 35 libri, spendendo 96.61 euro.

Cifra che si commenta da sola.

E non vuol dire avere letto robaccia: per parlare di nomi conosciuti ho letto l'ultimo di Micheal Chricton, il best seller Vita da Pi, la Solitudine dei Numeri Primi, l'ultimo di Paolo Sorrentino, 1984 di Murakami.

Più che tante altre cose che certo, non avrei comprato alla Feltrinelli, ma si, da casa per un euro, volentieri.

E così, il lettore sottoscritto, già discreto lettore da 10-15 libri all'anno, ne ha letti una quarantina, spendendo meglio.

Se poi, si ha voglia di aggiungere qualche euro in più, ora esiste anche il Kindle PaperWhite, che integra una luce (da sopra, non da sotto) che elimina l'unico "problema" del Kindle Base: necessita di una luce, perchè proprio come un libro, senza luce non si vede.

Quindi, si, promosso e anzi, a saperlo prima.