Dopo la recente pubblicazione del loro nuovo disco “True North”, i Bad Religion tornano in Italia per 2 date:

- 18 Giugno all’Alcatraz di Milano (acquista)
- 19 Giugno all’Estragon di Bologna (acquista)

Due appuntamenti imperdibili per tutti gli appassionati del punk e dell’hardcore, nonché la dimostrazione “live” del successo che vede BAD RELIGION un punto di riferimento del genere da oltre 30 anni.

Ad aprire i due concerti ci saranno inoltre Anti-Flag e The Manges.

Impatto Sonoro in collaborazione con Live Nation vi regala un biglietto per la data di BOLOGNA

Verrà estratto UN vincitore tra i partecipanti al contest.
Partecipare è semplice: clicca sull’icona qui sotto per copiare automaticamente il testo, poi incollalo nei commenti e premi il pulsante “commenta” per pubblicarlo. Il commento che riceverà più “mi piace” vincerà un biglietto per questa data. In caso di pari merito ci baseremo sull’ordine stabilito dal programma.
L’estrazione verrà effettuata sabato 1 giugno alle ore 12.00.

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2013 - Autoproduzione - rock/alternative/elettronica

Midnight Faces è il duo composto da Philip Stancil e Matthew Warn, onesti mestieranti a cui non difettano certo tecnica ed esperienza (per descrivere il curriculum musicale di entrambi non basterebbe lo spazio di questa recensione).
In attesa del debutto su lunga distanza (“Fornication” previsto per la prossima estate) i Midnight Faces ci rilasciano un assaggio di quello che sarà il sound su cui si poggeranno le basi della loro futura proposta: cinque tracce potenti e ben curate che si incuneano in territori rock dai contorni morbidi ed assai melodici (“Fell This Way” e “Now I’m Done” lasciano ben sperare).
I Midnight Faces riescono a creare una certa attesa per l’uscita del loro futuro album, se non altro per la loro indiscutibile abilità nel creare trame melodiche degne di interesse.

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Psychofagist, nati per infastidire vivi per continuare a farlo. L’uomo è uomo o l’uomo è merda? E le avanguardie cosa diamine sono? Parliamo di tutto ciò e del loro nuovo disco in uscita chiamato “Songs Of Faint And Distortion” (clicca qui per la nostra recensione) con Marcello Sarino, loro disumanizzatore di basso e voci.

Fate i bravi cari Psychofagist e allungate un vostro biglietto da visita ai gentili lettori di Impatto Sonoro.
Nome: Psychofagist
Luogo e data di nascita: Novara, attorno a fine 2001
Occupazione: creare e riprodurre musica che infastidisca chiunque
Orientamento sessuale: castrazione, lobotomia e onanismo
Dalla prima uscita discografica di rilievo, datata 2003, abbiam sfornato: 3 album, 4 ep e 5 split e/o collaborazioni con altri mostri.

Ho visto, frugando tra i cavi del cyberspazio, che avete appena concluso un bel mini tour con i Viscera///, come è stato questo giretto per l’Italia?
Alti e bassi, forse un pelo al di sotto di quanto ci saremmo attesi. In Italia sembra che il nome giri, qualche venue per concerti sembrerebbe ancora attiva e viva e qualcuno che suona ancora vi bazzica, ma il pubblico resta davvero l’incognita più oscura. Non mi sbilancio più su giudizi o anamnesi, speriamo in tempi migliori…. e non tirate in ballo la crisi che siamo il gruppo discount della galassia!!!!

Ed è quindi giunto il momento di parlare del terzo album “Songs Of Faint And Distortion” e partiamo dal principio: il titolo, pura goliardia del disco “Songs of faith and devotion” Depeche Mode o ben altro?
No, zero goliardia. Sentivamo questo fosse l’album nostro più spirituale, più intimista, più radicato al passato e, conseguentemente, più evoluto e proiettato a un orizzonte sterminato. Lo stesso titolo dei Depeche Mode è un omaggio a certa musica nera di inizio secolo. Debolezza e Distorsione sono quantomai nostri elementi ponderanti.

Su “Il secondo tragico” avevate tra le fila Luca Mai degli Zu, in questo lavoro invece vi siete avvalsi della collaborazione dei noisemakers cechi Napalmed, perchè loro e come è avvenuta la fusione delle vostre due entità? Come avete lavorato sul materiale dell’album?
E’ avvenuta con un semplice “Siamo entrambi degli zozzi abusatori di disastri sonori, perché non concentrare i nostri sforzi e dare alle stampe il Rosemary’s Baby dello squilibrio mentale?” La risposta loro è stata: “Aggiudicato, eccovi 60 gigabyte di nostre registrazioni, suoni e performances, attendiamo le vostre per scarnificarle e farcirle di onde quadre”.

Vien dunque naturale chiedersi quale sarà la vostra prossima collaborazione.
Charles Manson. O forse Marilyn Manson… mi piacerebbe coverizzare “The Dope Show”, grande pezzo. A quel punto ci meriteremmo di subire un’esecuzione di tipo ‘Helter Skelter’ in pubblico nella piazza centrale di Novara.

Testi e titoli dei brani sono sempre allucinati e particolari, a cosa si ispira la parte lirica della vostra creatura?
Arte, cinema, letteratura, vita reale, vita desiderata. L’assurdo e il non-sense. La fantasia di un mondo infinito, universale, e al contrario, i morbi e le debolezze di noi insignificanti spugne di sangue e muco dotati di quel non-so-cosa che in biologia ci distingue dagli esseri inanimati. Amo molto JL Borges….

Parecchi anni fa durante un vostro concerto in un centro sociale appena iniziaste a suonare un amico che era con me esclamò inorridito “questi cazzo di jazzisti”, mentre io comprai il vostro primo album. Il mio amico non sapeva quanto avesse ragione a quanto pare. Quanto è influente il jazz, in tutte le sue difformità, nelle vostre composizioni? Ed è sempre così che reagisce la gente ad un primo ascolto dei vostri concerti?
Se qualcuno dovesse venirmi a chiedere cosa sia il Jazz, personalmente non glielo saprei nemmeno spiegare! Lo ascoltiamo, ne ascoltiamo parecchio e il nostro buon chitarrista ne è abbastanza devoto. Ma lo ritengo un genere di per sé morto a fine anni 50 con interessantissimi excursus post-mortem nei decenni successivi, quando divenuto meno talebano e ben contaminato grazie a una limitata schiera di avanguardisti. La gente pensa che se uno sa suonare un accordo di ‘sesta-bemolle-settima-più’ ripetendolo in schemi ritmici dispari, automaticamente è uno che studia jazz. Io non ho mai studiato jazz come non ho mai studiato industrial come non ho mai studiato brutaldeathmetal, eppure spesso ci imbattiamo in certe etichette. L’unica prova del nove che potrei richiedere sarebbe quella di farci suonare all’Umbria Jazz e vedere le facce schifate di chi mormora “questi cazzo di metallari”. Ignoranti gli uni, ignoranti gli altri.

L’Italia, musicalmente e artisticamente parlando ma se volete estendiamo la domanda a tutto il resto, è davvero arrivata ad un punto morto?
Non credo. L’underground è vivo e vitale, con piccoli numeri, con sforzi megalitici che sortiscono risultati miserrimi, ma vivo. Non mi metto a dissertare sui trend, sulle logiche di fondo dell’underground, sulle nicchie delle nicchie delle sotto-culture. Ciò che mi spaventa è il livello medio/mainstream: insomma, tutto ciò al di sopra dell’underground è la vera rovina del nostro Paese, il marcio del sistema, motore dell’imbruttimento e del processo di volgarizzazione della nostra società. Un tempo la Rai ci regalava i concerti delle Orme con l’orchestra di Sanremo, oggi La Prova del Cuoco con ospite Michele Misseri alle prese con la ribollita. E questo ha per forza scalabilità e infiltrazione anche nel sottobosco. Non esiste nulla di nulla di nulla nel mondo ‘commerciale’ che mi faccia esser fiero di essere italiano. Una sera di recente sulle TV francesi in prima serata avevo beccato un live di Mark Lanegan. Varrà qualcosa? Io penso di sì.

Avete girato molto in Europa, come viene affrontata la vostra proposta all’estero?
Viene affrontata con curiosità, che è la chiave della cultura (rifacendomi a quanto precedentemente detto). Per quanto possiamo essere ostici e incomprensibili, offriamo uno spettacolo che almeno una volta nella vita vale la pena assistere. C’è chi ne esce sbalordito, chi indifferente, chi con le ossa rotte, chi con qualcosa di negativo da scrivere su un blog, ma è giusto così. Non si tratta di rivendicare il proprio “quarto d’ora di celebrità”, quanto più sostenere la causa di tre mongoloidi che credono davvero nell’apertura delle menti, delle arti, dei generi, delle esperienze estreme. Ergo: schiere di organizzatori non attratti dai loghi delle toppe più diffuse che si sbattono e che prendono per le orecchie uno per uno i propri compagni di merenda dicendo “vieni a sentire il concerto di tre mongoloidi che credono davvero nell’apertura delle menti, delle arti, dei generi, delle esperienze estreme”.

Quant’è importante la filosofia del Do It Yourself nel 2013?
Per noi è ormai l’unica soluzione disponibile. Ci adattiamo giorno dopo giorno al ruolo di tour manager, promoter, produttore discografico, agente, commerciale, autista, meccanico, rivenditore e spacciatore! Siamo avidi e viscidi, dobbiamo tenere tutto quanto sotto controllo…

Qual è il concetto di avanguardia e sperimentazione per voi Psychofagist?
Considerato che le vere e sconvolgenti avanguardie musicali sono ormai vecchie di almeno 60 anni e che la sperimentazione è piuttosto complicata in una line-up standard e classica come la nostra, noi Psychofagist facciamo nostre queste tendenze semplicemente cercando nelle piccole cose, nelle micro-mescolanze, nell’alternare generi e sound più disparati, nel ricerare un suono non facilmente plagiabile. Chiamiamola innovazione incrementale, chiamiamolo crossover, chiamiamola sotto-nicchia: è già qualcosa di utile per fare uscire la testa da questa melma chiamata volgarmente ‘musica’.

Finora vi siete spinti molto oltre la soglia del rumore e del concetto tradizionale di genere, quale aspetto della musica non avete ancora scandagliato e sentite il bisogno di inserire in un prossimo lavoro?
Bella riflessione: da amante di certi filoni, sono abbastanza soddisfatto (ma mai sazio!) di aver percorso con nonchalance in questi anni, e in modo mai esclusivo e/o esaustivo, i solchi del jazz-core, del noise-industrial, della rumoristica, del progressive, del brutaldeath, de “la new wave italiana e il jazz punk inglese”. Il mio cruccio permane nella logica dei suoni, di sperimentare in quel filone, sdoganando il classico sound da power-trio hardcore/metal.

In chiusura: che status avete scelto come preferito, uomo o merda?
Che domande. Merda. L’ho tatuato sotto il tricipite. La merda è ciò che ti fa andare avanti, è un circolo continuo mai vizioso. Ne mangi (in senso figurato), ne espelli (in senso ampio, extra-fisiologico) e procedi guardando il mondo dal basso, rendendoti conto che sebbene tua sia minuscolo e fetido, l’universo è a portata di mano. L’uomo è un essere mediocre, spregevole, unto e vorace. Hai presente il Cavaliere Inesistente di Calvino che ripulisce il campo di battaglia pensando come i cumuli di corpi che si disgregano non facciano tanto meno ribrezzo del carnaio del genere umano vivente? Ecco, noi vogliamo esorcizzare quel ribrezzo.

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2013 - Memorial Records - death/grind/metal

Così avanti nella decostruzione sonica da polverizzare un sistema nervoso inadatto in poche manciate di secondi. O minuti. Nel silenzio, nella sporcizia, nella chirurgia del nulla o nella brutalità dell’essenza della macchina gli Psychofagist, in combutta coi noise-makers cechi Napalmed, creano, modellano e partoriscono con gravità traslucida “Songs Of Faint And Distortion”.

Al netto delle etichette affibiate loro negli anni, oltre le modalità di commistione musicale questo disco è una polveriera cosmica di destrutturazione del sistema (fallito e fallimentare) “musica”, è il naturale suono dell’oggi in completa antitesi con esso. Nel suo estremo essere e nella sua tremenda coerenza con il passato segna una tacca in più nel suono grindifero della band novarese e acuisce la parte contraria della velocità infinita traducendola in fermo-immagine di violenza sensoriale insensata. “Songs Of Faint and Distortion” potrebbe essere un piano sequenza di Yasujiro Ozu al cui interno si svolge un’orgia di meccanismi provenienti da “Tetsuo The Iron Man”, nei suoi debilitanti trenta minuti scarsi di immersione psico-elettronica dove il trio si diverte a martoriare la debolezza dell’immobilismo elettrico della forma in onda quadra dei Napalmed, come una sola entità informale, e in innesti asfissianti, in cui l’incastro delle chitarre in apertura sul nulla siderale viene inchiodato da sezioni (a)ritmiche che sono degenerazioni diseguali di matrici hardcore/grindadeliche passate e annegate nel fango, momenti di monolitici accordi che diventano spesse cortine plumbee e la non-voce disumanizza il disumanizzabile (e il lavoro è più semplice del dovuto) con l’acida intelligenza di testi al nonsenso evoluto e avviluppato attorno a droni (o ripetizioni di particelle sonore) circolari e spigolosi fino allo sfinimento, tra sfuriate lobotomizzanti e incursioni in silenzi industriali ossidati, incuneato tra storture del tempo e disgregazioni di generi morti verso qualcosa di diverso.

In breve: l’aleph dell’avanguardia estrema.

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Direttamente dal nuovo album “Pit-A-Pat”, prossima uscita il prossimo mese su Dreamingorilla Records, ecco qui sotto “The Circus Never Stops”, nuovo pezzo dei Madame Blague, formazione ligure nata nel 2009 dall’incontro fra Andrea Carattino (percussionista di conservatorio), Emmanuele Venturino (bassista e cantante) e i due chitarristi/cantanti Edoardo Chiesa e Andrea Greco.
A presentarcelo le parole dello stesso Enrico Venturino: Un ritmo di batteria quadrato che rompe il silenzio, un riff istintivo alla chitarra e, a ruota, tutti gli altri strumenti. E’ così che è nata “The Circus Never Stops”: eravamo in sala prove e, dopo aver delineato “a pelle” l’idea di partenza, ognuno di noi ha poi portato le proprie idee: chi l’intro, chi il ponte in 6/8, chi si è occupato del groove e chi, ancora, dei cori. In fin dei conti i Madame Blague sono questo, una buona dose di studio sopra uno scheletro di puro istinto.
Il testo in sé costituisce una critica alla massificazione che porta l’individuo ad adeguarsi a percorsi mentali etero-indotti e a rassegnarsi ad uno status quo che lo aliena. La metafora del circo mi rendo conto che sia già stata utilizzata infinite volte nel mondo della musica, ma mi ha permesso di usare delle figure grottesche (il clown, l’uomo cannone, il direttore del circo) per provare a lanciare dei messaggi: il clown è chi nasconde le proprie frustrazioni dietro ad un sorriso (ma ciò lo logora nel tempo), l’uomo cannone è chi si convince che l’unico modo per superare il proprio malessere sia fuggire, mentre il direttore del circo pone l’ascoltatore davanti ad una scelta, essere leone o essere spettatore?
Insomma, la domanda che vuole porre la canzone è questa: scegliere la via della sofferenza ma che porta all’onore di essere “in piedi” (only lions stand tall) scrivendo da sè la propria storia (write your plot) oppure accettare passivamente quello che viene imposto dal contesto sociale in cui si vive adeguandosi ad obbedire (do you prefer to obey?).
Buon ascolto!

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2013 - Hell Yeah Recs - elettronica/ambient

Dal turbinio di innumerevoli produzioni firmate da side project et similia, dopo quasi due anni dall’incisione, affiora Another, secondo lavoro di Crimea X.

Nato dal connubio di Jukka Reverberi (Giardini di Mirò) e Dj Rocca (già Maffia Soundsystem) il duo si riconsegna al pubblico con lo stesso nome dalla grande portata storica, con collaborazioni internazionali e un collante scandinavo che poi si chiama in realtà Bjørn Torske.
Se il mezzo è quello di tirare fuori dall’armadio un po’ di quelle cose che erano state dimenticate negli ultimi anni lo scopo sembra, invece, creare un disco che trasudi un’identità legata a criteri musicali mitteleuropei e che trasmetta la sensazione di esser stato registrato in un’atmosfera italicamente easy.
La prima caratteristica potrebbe sembrare a tanti – purtroppo – un freno per il sound stesso anche se, oggettivamente e con un ascolto accurato, non pare rappresentare un limite.
Si parla di un lavoro che punta i piedi su un terreno battuto in passato e, per questo, portatore sano di pregiudizi legati a canoni verosimilmente considerati superati da una porzione di potenziali astanti.
Il target di ascoltatori risulta di difficile individuazione, non perché in uno scenario negativo l’album non possa piacere, anzi: entrando nel dettaglio, i vari spunti d’influenza risultano così vari da poter virtualmente allargare il pubblico in modo esponenziale in qualsiasi direzione (basta ascoltare I Feel Russian e il singolo Yev per capire subito di cosa stiamo parlando).
Insomma, Another sembra quasi dare l’ispirazione per un trattato che tratti di “chi ascolta cosa”.
In realtà la questione nasce perché i beat da nebulose viola e galassie in sincro, gli anacronismi cosmici da disco (Floordance Track) sconfinano nel sound da new wave britannica della prima ora (Haunted Love), arrivano alla morbidezza lounge, ai synth dagli effetti da scifi fino ad un kraut indeciso su dove stare tra le due sponde del muro di Berlino.

Tutto ciò fa di Another un lavoro peculiare quanto contraddittorio: molto democratico è, allo stesso tempo, benvoluto dai più coraggiosi che decidono di fare coming out, dimenticare i propri preconcetti uscendo dall’armadio insieme agli accordi di tastiera che tanto piacevano 20 anni fa.

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Tastierista e fondatore dei Doors (all’anagrafe The Doors) insieme al chitarrista Robbie Krieger, al batterista John Densmore e al front-man Jim Morrison. Manzarek si è spento ieri all’età di 74 anni, presso una clinica tedesca nella città di Rosenheim (il numero della stanza non lo sappiamo, purtroppo), dopo aver lottato fino alla fine contro un cancro al dotto biliare. Manzarek, Krieger, Densmore e Morrison avevano fondato i Doors nel 1965 sull’onda della cultura psichedelica e new age che stava investendo la west-coast e più in generale il triangolo tra le città Los Angeles, San Francisco e una zona non meglio precisata tra lo Yosemite Park e la Death Valley. Sei album ed un successo stratosferico a livello di vendite e di apprezzamento della critica. Successo dovuto soprattutto all’aura quasi magica di Jim Morrison che, tuttavia, ne siamo quasi certi, senza le basi del Farfisa di Manzarek avrebbe fatto la fine del peggior Dan Arrow. Caro Ray, ti sia lieve la terra. Pregheremo per te affinché tu non debba avere a che fare con “l’aura magica” di Morrison anche da quelle parti lì, dove ti trovi adesso.

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2013 - Sub Pop - remix

Oltre alla nuova uscita discografica “Les Revenants” (colonna sonora dell’omonima serie tv francese), la band scozzese dà alle stampe anche un disco di remix.

L’idea è quella classica: prendere un disco, in questo caso “Hardcore will never die, but you will”, e far rielaborare a vari artisti della scena elettronica i pezzi presenti.
Come accade nei dischi di remix, anche in questo caso il risultato è a volte altalenante: non tutti i contributi presenti infatti riescono appieno nell’intento di dare un nuovo volto ai brani, anche se la qualità rimane ben al di sopra della media.
Si parte subito alla grande con la rilettura di “George Square Thatcher Death Party” a cura di Justin Broadrick (Godflesh, Jesu, Final) che, mantenendo intatto il suo fascino, si veste di una nuova pelle dal sapore electro-shoegaze tipica degli ultimi Jesu.
“Rano Pano” a cura di Klad Hest invece risulta un po’ troppo forzata nel suo incedere epilettico e frenetico, a metà tra un’elettronica dal sapore vintage e ritmi jungle; meglio invece la versione di Tim Hecker che rimane in linea con il suo ambient-noise rarefatto.
Mentre “Letters To The Metro” viene rielaborata in maniera magistrale da Zombi in un pezzo elettro che deve molto a Claudio Simonetti e alla musica cosmica degli anni ’70, la rivisitazione di “Mexican Grand Prix” a cura di RM Hubbert trasforma il brano in un delicato acquerello acustico.
Molto più acida dell’originale invece la versione di “San Pedro” a cura di The Soft Moon che, insieme a “How To Be a Werewolf” di Xander Harris, mischia l’elettronica al rock e al punk.
Vocoder e delay elettronici dal sapore elettropop travestono “White Noise” in un curioso e surreale episodio a cura di Cylob e con la meravigliosa e sognante ambient di “Too Raging To Cheers” (Umberto remix) raggiungiamo uno dei picchi della raccolta.
Nell’ ultimo brano, “La Mort Blanche”, Robert Hampson (per chi non lo sapesse chitarrista degli immensi Loop) unisce due brani (White Noise e Death Rays) per dar vita ad un sapiente cut’n paste di quasi quattordici minuti in cui suggestioni ambientali metropolitane si mescolano agli echi dei due brani risultando probabilmente l’episodio piu bello e coraggioso.

Poco da dire quindi su questa raccolta, se siete fan della band scozzese l’acquisto e quasi obbligato, per gli altri consiglio di dare almeno un’ascolto.

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Direttamente dal nuovo album “Che Aria Tira”, ecco il nuovo video de Il Parto Delle Nuvole Pesanti, “Crotone”.
Il video, che vede la partecipazione straordinaria di Fabrizio Moro, racconta la situazione di devastazione ambientale in cui vive il Sud sospeso tra la Magnagrecia, l’Unità d’Italia e i drammi dell’industrializzazione selvaggia.
Il clip trae ispirazione da diverse pellicole, da La vita è bella di Benigni e La stanza del figlio di Moretti passando per Amarcord di Fellini e Il Vangelo secondo Matteo di Pasolini” (alcune scene sono state girate sulla spiaggia di Ostia dove fu ritrovato il suo cadavere).
Salvatore De Siena, regista, in collaborazione con Arturo Lavorato e Felice D’agostino, ha dichiarato “Non vogliamo che emergano messaggi univoci e giudizi affrettati ma semmai i contrasti e le contraddizioni della Calabria, del Sud, dell’Italia, che stimolino una riflessione sulla situazione di degrado generale che stiamo vivendo. Purtroppo il Sud è stato lasciato in uno stato di abbandono dopo l’Unità d’Italia. Però niente lacrime al vento, né rassegnazione. Non ci arrendiamo! E partiamo per un nuovo viaggio lanciando in orbita le nostre utopie di cambiamento.
Alla fine ci dovrà pur essere una resurrezione…”
Girato tra la Calabria (Crotone, Strongoli, Amantea), e il Lazio (Roma, Ostia), il video entra nel cuore di tanti simboli: la colonna di Capocolonna del Tempio di Hera Lacinia, la fabbrica abbandonata, l’amianto e i rifiuti tossici, il mare, la casa non finita e “l’infinito calabro”, la terra bruciata, le tradizioni, la chiesetta, le case con i quadri di santi, madonne e crocifissi, la divisa dei Borboni, le persone che s’incontrano, mangiano, cantano e ballano, la bara con lo scheletro e le donne con i bambini che piangono il morto e poi brindano alla sua rinascita.
Lo trovate qui sotto, buona visione!

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2013 - Cooking Vinyl - Folk/rock/songwriter

“Tooth & Nail”: combattere, con le unghie e con i denti. Non stupisce minimamente un tale riferimento nel titolo del nuovo album di Billy Bragg, cantautore militante e working-class hero dell’era Thatcher, abituato a coltivare contemporaneamente socialismo e musica, in una maniera molto pragmatica e sostenibile, che fa molto british.

Superato con slancio il mezzo secolo, Bragg non ha certo intenzione di appendere al chiodo quella chitarra e quel microfono che per tanto tempo sono stati suoi inseparabili compagni nell’esprimere ideali e spirito genuinamente egualitari e libertari.
Il nuovo album del musicista di Barking, complice la sua esperienza trentennale, è un vero e proprio compendio del folk-rock militante, che rievoca tanto i vari Guthrie e Cash, quanto le tipiche atmosfere di Ken Loach e Mike Leigh.
La sua voce avvolgente è in grado di accompagnare l’ascoltatore in modo brillante ma confortevole, lungo i solchi di una buona dozzina di brani, che alternano sapientemente leggerezze pop (No One Knows Nothing Anymore), reminiscenze blues (Handyman Blues) e veraci paesaggi country (Chasing Rainbows), con tutta la sicurezza e compattezza di chi non ha davvero niente più da dimostrare.

Facile dunque lasciarsi intrattenere e trasportare da “Tooth & Nail”, lavoro prodotto da Billy Bragg assieme a collaboratori d’alto profilo come Joe Henry e Greg Leisz, sempre sotto il segno della maturità e della coerenza artistica e culturale. Vi sembra poco?

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