Mais la musique ce n’est pas du travail !!
1000 excuses, bien sur, c’est vrai. Mais je n’ai pas trouvé d’autre titre pour  cet article !

Chacun sa méthode bien sur !

Ce qui est certain c’est qu’il faut avoir une méthode d’apprentissage car jouer souvent, tous les jours même ne suffit pas pour progresser.
Vous n’êtes pas persuadé ?

Pourquoi une méthode d’apprentissage est-elle nécessaire ?

Je vous propose un simple exemple qui n’a pas pour objet de vous persuader, mais plutôt de vous amener à réfléchir au sujet.

Je suis certain que, comme moi,  vous tapez souvent sur le clavier de votre ordinateur, tous les jours peut être.
Tapez vous pour autant aussi vite qu’un dactylo ? surement pas
Car il ne suffit pas de pratiquer tous les jours pour devenir un expert.

Et pourtant vous pourriez multiplier par 2 ou 3 votre vitesse de frappe juste en apprenant à taper. Et cela vous prendrait juste quelques semaines avec quelques minutes chaque jour (*).
Tout le monde pourrait le faire.
Et surtout vu le temps passé sur nos claviers, le temps « perdu » à apprendre est facilement rentabilisé.

Alors pourquoi peu de gens s’y mettent ils? C’est ce qu’on appelle le facteur de criticité 

On  se contente en effet de ce qu’on a : j’arrive à taper, cela me suffit et il n’est donc pas critique pour moi d’apprendre à le faire plus vite.
=> aucune motivation pour la phase d’apprentissage

Donc la question est : y a t-il pour vous facteur de criticité ?
En d’autres terme, êtes vous prêt(e) à passer du temps pour progresser ?
Ou bien ce que vous faites actuellement vous suffit-il ?

(*) Pour ma part j’ai fait les exercices sur ce site gratuit

Méthode pour l’analyse

Pour les lecteurs anciens, peut être vous rappelez vous avoir déjà lu les 5 étapes que je vous proposais pour analyser un nouveau morceau.
Ces 5 étapes sont

1. écouter
2. contexte rythmique
3. structure
4. mélodie
5. harmonie

Vous pouvez (re) lire l’article en CLIQUANT ICI

Vous comprendrez facilement je pense que pour jouer un nouveau morceau, je pratique quelque chose d’assez proche.
Je commence toujours par les 5 phases de l’analyse MEME si je n’ai pas la partition et que j’apprends d’oreille.

Dans ce cas, j’insiste sur la phase « écouter » qui doit me permettre de faire les 4 autres étapes d’oreille.
En tout cas j’arrive à réaliser à peu près les 4 premières étapes avec l’oreille.
Mais pour moi la 5eme étape concernant l’harmonie reste très difficile sans la partition… je dois m’entraîner !

Méthode pour jouer

Allons y donc et comme promis dans le titre de l’article, je vais illustrer sur le nouveau morceau que je joue en ce moment « So Danço Samba »

Je mets en fin d’article les éléments d’analyse du morceau pour attaquer tout de suite la partie « jouer »

Le rythme

Pour jouer je mets toujours un fond sonore avec un logiciel.
Celui que j’utilise maintenant le plus souvent, car il est bien pratique, est IReal Pro, dont je vous ai déjà parlé.

Nous sommes ici sur un rythme de Bossa Nova assez rapide et ce morceau est donc souvent joué en battant à la blanche (C barré)

Au début cependant (et ceci est toujours vrai pour moi) je bats à la noire pour bien sentir la pulsation qui fait « avancer ». Ce n’est que lorsque j’aurai progressé sur le morceau que je commencerai à le battre à la blanche, en ayant toujours en moi le moteur rythmique à la noire !!

Jouer la ligne de basse

C’est le premier exercice que je vais faire : exprimer le temps avec la basse.
Je vais donc jouer une ligne de basse, ce qui me permettra aussi de mémoriser la grille avec la « mélodie grave »

Choix du rythme :  je joue d’abord simplement en blanche, puis en noire, puis ensuite sur des rythmes qui expriment la bossa nova, par exemple pour une mesure à 4 temps on peut commencer par le rythme  ♩.♪ ♩.♪
puis se rapprocher du rythme de la bossa (voir en fin de l’article la base rythmique de la bossa)

Choix des notes :

• je commence par le plus simple : les fondamentales (en blanche !)
  Mais attention, il ne s’agit pas de jouer de simples blanches … mais bien de les investir pour « sentir » le temps
• puis je joue [Fondamental / quinte] :
  une seule fois par mesure si je joue seulement des blanches, deux fois par mesures si je joue des noires
• puis en noires [Fondamental/quinte – Fondamental tierce]
  C’est ce que j’expliquais dans un précédent article « s’imprégner de la grille au violon » (lire la 2eme partie de l’article)
• etc …
• ensuite je peux essayer de construire une ligne de basse …
  mais ce n’est pas l’objectif ici : je cherche juste à apprendre la grille et les enchainements d’accords pour bien les entendre ensuite lorsque je jouerai le thème ou une impro.

Je fais tout cela pour la partie A du morceau (les 8 premières mesures) , puis pour le B, puis j’enchaine AABA

Ma vocation à ce moment est d’être l’instrument qui accompagne, qui donne le rythme. C’est donc gagné lorsque je sens que « ça tourne ». C’est rarement du premier coup
Je ressens cette sensation de manière plus forte lorsqu’on joue à deux (l’un la basse, l’autre la mélodie) car il se passe une alchimie entre les deux musiciens dès qu’on est bien ensemble … Ca commence à swinguer !

Jouer la mélodie

Passons donc à la mélodie … c’est ce qu’on aime non ?
Je cherche à jouer cette mélodie en conservant le plus possible dans mon jeu d’archet la même sensation que lorsque je jouais la ligne de basse : sensation profonde d’être ancré, et pas « posé » pas dessus.

Petit truc pour bien sentir les syncopes ♪ ♩♪  dans le morceau   : il faut arriver à sentir le temps qui n’est pas joué!

Pour cela, dans un premier temps, je ne joue pas une noire, mais deux croches (de la même note).
Exemple sur [si – la – sol ]  je vais jouer [si – la – la – sol ].
Je le fais d’abord en chantant et au lieu de chanter : [si – la –  –  sol] , je chante [si – la – a – sol]
et ensuite lorsque je joue, j’essaie d’avoir la même sensation avec mon archet.

Un secret  que je ne fais pas assez systématiquement, mais j’en suis conscient et je me soigne :

Il est indispensable de bien poser la dernière note de chaque phrase, de l’investir : posé et relâché.
Laisser « résonner » le silence qui suit la finale.

Au fait pour ces 2 premiers exercices, je trouve très efficace le fait de tout faire en chantant avant de prendre mon violon.
Essayez, c’est très efficace !

Pratique improvisée

Oui, oui, on y a arrive ! Voilà les quelques étapes que je suis :

• improviser autour d’une note choisie, que je vais faire résonner par rapport à la fondamentale de l’accord
• improviser avec la technique des « Inner lines » ou « lignes intérieures »
  je choisis une note comme précédemement.
  si elle fait partie de l’accord, je la garde pour la jouer
  si elle ne fait pas partie de l’accord, je prend la note de l’accord la plus proche d’elle.

exemple sur la première ligne de « SO Danço Sama »
Les accords sont C7M, F7 , D7
Si je veux tourner autour de La je vais jouer
– Sol sur C7M
– La  que A7+5
– LA sur D7
etc …

• alterner : 4 mesures impro, 4 mesures jouer la mélodie
  ou bien 4 mesures impro, 4 mesures ligne de basse

Mon erreur à ne pas reproduire

La plus grosse erreur que j’ai faite pendant longtemps était de vouloir suivre systématiquement les accords de la grille en improvisant.

J’en entend beaucoup qui vont dire : mais on est obligé !

Oui … et non !

Car en fait, vous savez qu’on peut harmoniser un morceau de différentes manières.
Pour commencer à être libre dans mon impro, si je mets trop de contraintes (comme par exemple suivre les accords de chaque mesure) alors je n’y arrive pas.
Du coup, je n’arrive pas à « construire » et même si je joue des notes correctes, ce que je joue n’a pas de sens.

Donc ce que je fais : je repère juste le endroits ou il y peut y avoir modulation – et bien sûr j’en tiens compte.
Mais c’est tout : je rajouterai les aspects harmoniques par la suite lorsque je possèderai bien le morceau rythmiquement et que je souhaiterai faire sonner des notes particulières. Mais c’est bien une phase ultérieure.

Car pour qu’un morceau tourne, le plus important me semble être, dans l’ordre :

• la base rythmique
• la sensation horizontale avec mélodie : on peut juste broder autour pour commencer à improviser
• la sensation verticale avec l’harmonie

Analyse du morceau

• écouter

Et bien ça à chacun de le faire, en donnant priorité bien sûr aux versions originales comme celle ci-dessous

• contexte rythmique
  On est dans les années 1950 et le rythme de la bossa apporte du nouveau, issu du mélange de la Samba et du jazz.
  Il faut bien entendre ce rythme On le distingue très bien dans ce fichier mp3 que vous pourrez utiliser comme backing track

• structure
  On a une simple structure de type AABA avec chaque partie en 8 mesures
• mélodie
  On est dans une tonalité de Do Majeur dans le A, et dans le B on passe en FA M au début pour revenir.
  Ce que je remarque dans la mélodie est
  – la répétition du même motif dans les 2 premières mesures, mais le motif se décale
  – ce même motif est repris dans la reprise du A à la fin, mais légèrement modifié .. et pas décalé !
  – dans la A, tout est construit sur des phrases de 4 mesures, la 4ème étant une mesure de respiration qui laisse sonner …
  – le B est tout en syncope.
  
• harmonie
  Pas grand chose à dire puisqu’on a une descente de quinte (A7 – D7 – G7 – CM) avec juste après le D7 un accord intercale, Dm7, qui est le 2eme degre de CM

Et même si on joue d’oreille, voilà la partition pour ceux qui veulent !

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La pratique de l’improvisation requiert de la rapidité. Il n’est donc pas possible de « réfléchir » et les notes doivent « tomber sous les doigts ».
La pratique des gammes permet d’acquérir certains de ces automatismes.
Fédéric TARI nous montre comment il pratique les gammes pour développer des sensations utiles à l’improvisateur.

Introduction

Beaucoup de violonistes ont appris leur instrument par la musique classique, et ont pratiqué de nombreux exercices qui sont liés. Qui ne se souvient pas de des célèbres Schradieck, Sevcick, …??

Lorsque j’ai abordé les musiques improvisées, je me suis aperçu que la technique ainsi acquise était profitable, mais qu’elle ne me donnait pas une image suffisamment claire de ce que je jouait.

J’ai découvert dans la méthode « Cordes et Ames’  de D. Lockwood ce qu’il appelle les schémas de doigts, qui rappellent les tablatures des guitaristes.
J’avais décris dans un précédent article comment je m’en suis servi pour mémoriser les modes.

Nous allons voir dans cet article que ces schémas de doigts peuvent être d’une grande utilité pour le travail systématique des gammes.

Pour ma part, je ne trouve pas très ludique de « travailler » des gammes
Je pratique donc en fonction des morceaux que je prépare et je change ainsi régulièrement de tonalités.

Les explications que vous livre ici Frédéric TARI, que je remercie, est une approche systématique qu’il a explicité dans le cadre de cours qu’il donne à l’Institut Musical de Formation Professionnelle (IMFP) de Salon de Provence.

Première partie : notions préalables

Pour réaliser un travail systématique, il est nécessaire de poser les bases du vocabulaire que nous allons utiliser. C’est l’objet de cette première partie.

Je résume ci-dessous ce que vous trouverez dans les vidéos de l’article.

Les gammes de référence

La gamme de référence dans notre système occidental est la gamme majeure,

La particularité de cette gamme majeure est que les 2 tétracordes qui la composent ont les mêmes intervalles entre les notes (1t – 1t – 1/2t) , et qu’ils sont séparés d’une quinte.

gamme de  LA MAJEUR

Comme le violon est accordé en quinte, il sera très facile de repérer ces 2 tétracordes de manière symétrique par la position de nos doigts sur le manche du violon.

NB :
Toutes les notions abordées ici sont illustrées sur la gamme majeure, mais les notions peuvent être utilisées de la même manière avec les gammes mineures

Le principe des schémas de doigts

La gamme de  LA MAJEUR ci dessus peut être représentée sur le manche du violon suivant le schéma ci dessous.

• de manière verticale les 4 cordes du violon.
• des petits points qui représentent l’emplacement possible des doigts (de 1/2 ton en 1/2 ton)
• sur la colonne de gauche le numéro du doigt utilisé
  1 = index, 2=majeur, 3=annulaire, 4 = petit doigt
  + et – indiquent les extensions vers l’avant ou vers l’arrière
• les ronds larges sont les doigts que je vais appuyer sur les cordes
• Le I indique que nous sommes en 1re position

On arrive ainsi à se faire une image très claire de la gamme majeure qui commence par un premier doigt.
Elle est symétrique sur les 2 tétracordes qui sont sur les 2 cordes voisines : Sol et Ré

Ce type de schéma peut être systématisé.
Pour cela, on va convenir d’une notation particulière qui fait référence aux numéros indiqués sur la colonne de gauche du schéma ci-dessus .

• On appelle position de base la position d’un doigt qui est sur un chiffre. On le dessine en rouge.
• Si le doigt fait une extension avant ou arrière, Frédéric appelle cela une position de travail. On le représente alors en bleu.

Voilà la notation utilisée

Schémas de doigts : les 4 configurations de la gamme majeure

On peut jouer une gamme (majeure ou non) en commençant comme dans l’exemple ci dessus de La Majeur par le 1er doigt ; il est également possible de commencer par le 2e, 3e ou 4e doigt.

On obtient ainsi 4 configurations de doigts offrant la facilité d’être jouées dans une même position sans avoir à démancher. C’est là un des intérêts de cette approche.

Je les représente dans l’ordre suivant

Configuration n°3 : commence par le 3e doigt, avec 4 notes en position « de base »

Configuration N°4 : commence par le 4e doigt, 3 notes en position de base, 1 note en position de travail

Configuration N°1 : commence par le 1er doigt, 2 notes en position de base, 2 notes en position de travail

Configuration N°2 : commence par le 2e doigt, 1 note en position de base, 3 notes en position de travail

Nous allons dans la 2e partie comprendre pourquoi ces notions sont intéressantes et surtout apprendre comment les utiliser !!

Deuxième partie : pratique en 1re position

Maintenant que nous connaissons le principe des schémas de doigts et les 4 configurations de la gamme majeure, l’intérêt est de les pratiquer afin que les sensations s’ancrent dans notre corps.

Pour cela Frédéric nous propose 2 approches

Pratiquer une même configuration dans toutes les positions

On peut prendre l’exemple de la configuration 1.

• Sur la corde de Sol, nous jouerons en 1re position la gamme de LA M
• Puis en 2e position, la gamme de Sib M  (nb : la 2eme position est 1/2 ton au dessus de la 1ere)
• Ensuite en 3e position la gamme de Do M
• Et pour terminer en 4e position la gamme de Ré M

Rq : Si on continue en 5e position, on retombe sur les mêmes doigtés qu’en première position sur la corde de Ré

L’exercice consiste à

• Pratiquer une même configuration dans toutes les positions, cela sur les 4 cordes
• Puis refaire la même chose avec chacune des 3 autres configurations

Normalement, après une pratique régulière, les sensations des schémas de doigts de la main gauche deviendront vite une habitude : on se sent alors « chez soi » avec chacune des configurations.

Pratiquer les 4 configurations dans une même position

Dans le paragraphe précédent, nous avions pris une configuration et changions de position.
Nous allons ici faire l’inverse :

• On choisit une position et on joue les 4 configurations

Rq : Frédéric nous explique que les 4 configurations jouées dans une même position (donc sans jamais démancher) ne suffisent pas à obtenir la totalité des gammes majeures possibles (les 12 tonalités majeures) : pour jouer une des gammes qui n’apparait pas spontanément, il suffit simplement de jouer une des 4 configurations après avoir démanché d’1/2 ton (le plus souvent en montant) pour se retrouver dans la position ou demi-position supérieure (ou inférieure). Ce principe est détaillé dans la 3ème partie

• Puis on réalise cela dans les 4 positions

La encore, cet exercice nous amène à être à l’aise, à être « chez soi », dans toutes les parties du manche de notre violon.
C’est important car en formation classique, on insiste beaucoup sur les positions 1, 3 et 5 mais assez peu sur les positions 2 et 4.
Ici, l’idée est de pouvoir changer facilement et d’être aussi à l’aise partout sur la manche.

Troisième partie : pratique dans les 4 positions, 12 tonalités

S’entrainer sur une configuration dans toutes les positions,

Frédéric nous propose de choisir une configuration et de la jouer partout sur le manche de notre violon : cela permet d’ancrer nos sensations et que ce schéma de doigts devienne pour nous un « réflexe ».

• Choisir une configuration, par exemple la configuration1, et la jouer sur les cordes de Sol et Ré dans les 4 positions ; puis faire de même sur les cordes voisines.
• Pratiquer ensuite avec les autres configurations

Jouer les 12 tonalités dans une même position

On remarque qu’en pratiquant l’exercice ci-dessus, on ne joue pas toutes les tonalités car on en « saute » plusieurs.
Frédéric nous propose un exercice qui, en passant d’une configuration à une autre, permet de balayer les 12 tonalités en restant sur 2 positions voisines (on ne peut pas rester strictement dans la même position).

• Choisir la 1re position et jouer toutes les tonalités en changeant de configuration et en passant de le 1re à la 2e position
• Faire de même en commençant par la 2e, 3e puis 4e position

Intérêt de cette approche

Le système nous permet d’apprendre

• à jouer une gamme dans une tonalité donnée dans n’importe quelle position
• à jouer n’importe quelle tonalité dans une position donnée.

La pratique permet d’avoir tout cela à disposition dans nos sensations corporelles, et donc d’y puiser sans réfléchir, lors d’une improvisation.

Exemple d’utilisation

La vidéo ci dessous nous montre (à 11’30 ») un exemple d’application sur un blues : on répète la même phrase en la transposant, simplement en changeant de position et en gardant la même configuration de doigts.

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Je vais aborder ici un sujet dont j’ai très rarement entendu parler … voire même jamais.
Je remercie Frédéric TARI qui m’a appris cette méthode très enrichissante pour développer mon jeu d’improvisateur.
Elle est très accessible techniquement, car cela n’exige aucune “virtuosité” instrumentale, même si les musiciens avancés pourront élaborer – au moins rythmiquement – des phrases complexes.
Elle demande par contre  une connaissance minimum des accords. Et ce qui est intéressant, elle permet de comprendre “à l’oreille” de nombreux concepts théoriques.

L’approche que je vais présenter ici est inspirée de ce que les compositeurs et arrangeurs nomment “les lignes intérieures” – Inners lines en anglais

DEFINITION

La principe des « lignes intérieures » (« inner lignes » en anglais) est une technique de composition ou d’arrangement musical permettant d’écrire de façon homogène les différentes voix d’un chœur ou les parties instrumentales d’un pupitre (cordes, cuivres, etc.) jouant une succession d’accords (riffs ou nappes harmoniques en notes longues, par exemple).

Dans cette technique, on s’efforce de maintenir chacune des voies dans sa « ligne » sans qu’aucune ne se croise. Pour cela, on applique à chaque voie le plus petit mouvement de note possible d’un accord à l’autre :
– soit on conserve la note d’origine inchangée,
– soit on la monte ou on la descend d’un intervalle de seconde mineure (1/2 ton) ou de seconde majeure (1 ton) à chaque fois que cela est possible.

Le résultat est une superposition de voies parallèles présentant chacune des mouvements minimums : une sorte de « mille feuilles harmonique » traversé par des lignes mélodiques parallèles dont la combinaison fait entendre l’harmonie des accords.

Nous allons donc voire maintenant l’application de ce principe à l’improvisation en l’illustrant sur les deux cas de figure pré cités :
1- lorsqu’on conserve inchangée la note d’origine => j’appelle cela la note traversante
2- lorsqu’on module la note en la montant ou la descendant d’une seconde mineure ou majeure.

L’exemple donné ci-dessous est illustré avec le morceau « les Valseuses » de S. Grappelli.
Pour ceux qui voudraient plus de détails sur ce morceau, je vous invite à relire article « 3 clefs pour jouer du violon jazz« 

1- Approche de la note traversante

Dans un premier temps je repère une note qui est présente dans tous les accords de la grille qui harmonise mon morceau.
Puis j’improvise en faisant “tourner la grille” autour de cette note pivot.

Dans la vidéo ci dessous Frédéric a pris la note “la”.

Voici les conseils pour choisir cette note traversante :

exemple 1 sur la succession de 2 accords qui ont au moins une note commune
G7 (sol – si – ré – fa) – C7 (do- mi- sol – sib)
Je peux choisir la note sol qui est présente dans les 2 accords

exemple 2 sur la succession de 2 accords qui n’ont pas une note commune
S’il n’y a pas de note présente dans tous les accords, j’en choisis une présente dans la superstructure. Elle fait donc partie de la gamme associée.
Nous verrons plus loin qu’il est nécessaire que cette note soit à un ton au dessus d’une note de l’accord

G7 (sol – si – ré – fa) – C7 (do- mi- sol – sib) – D7 (ré – fa# – la – do)
– Je peux choisir le ré : il est dans les accords de G7 et D7, et c’est la 9eme de C7, un ton au dessus du do
– Je ne peux pas choisir le sol : il est bien dans les accords de G7 et C7, c’est la quarte de l’accord de D7 mais il est seulement 1/2 ton au-dessus de fa#

Ecouter le rôle de la note

Avec une note traversante, je vais commencer par ne jouer que cette note pendant que les accords changent.
Ce qui va être important ici est de concentrer mon attention pour entendre comment je perçois cette note suivant les accords de l’accompagnement qui changent : elle peut être la fondamentale, la quinte, la 13eme, ….
Puis je pourrai « tourner » autour de cette note, en y revenant régulièrement, et sans jamais trop m’en éloigner.

Dans un premier temps écoutons ce que cela donne au violon

Afin d’approfondir et de comprendre ce qui se passe, et de vraiment l' »entendre », je vous propose de laisser votre violon de coté et d’écouter Frédéric qui nous explique comment nous pouvons aborder cela à l’oreille.

2- Moduler sur une note non traversante

Vous avez sans doute compris qu’une note qui traverserai tous les accords est à priori assez rare !
Donc ce que nous allons faire est de moduler cette note en fonction de l’accord que nous rencontrons.
Pour cela, nous allons jouer simplement jouer la note la plus proche de manière à faire le moins de “chemin” possible. Et revenir ensuite à notre note à l’accord suivant si cela est possible.

Nous allons ainsi, d’accord en accord, tracer avec notre note une ligne la plus « plate » possible.

Frédéric nous montre un exemple sur la note « mi » .

3- application pratique

Au delà de l’intérêt pédagogique, et de la formation de notre oreille, cette approche est d’un grand intérêt lorsqu’on improvise.

En effet, très souvent lorsqu’on improvise en s’inspirant des accords de la grille (voir l’article « s’inspirer des accords pour improviser« ) on oublie la dimension horizontale (donc mélodique) en privilégiant une approche verticale des accords.

Notre approche des lignes intérieures est justement intéressante car elle amène à penser  « horizontalement ».
Je pratique cela sur des cadences classiques (par ex II-V-I) et cela m’apporte beaucoup de sérennité.

A vous de jouer !

photos en tête de de article : courbe dominante de Kandisky;

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• Comment accompagner mon enfant qui débute la musique ?
• Peut on commencer avec lui l’improvisation dès le démarrage de son instrument ?
• Et si oui comment ?
• Et quel rôle  puis je tenir  en tant que parent musicien ?

C’est là un sujet qui m’intéresse beaucoup, car j’ai 2 enfants dont une fille de 10 ans qui joue de la musique.

Si vous êtes parents et que vos enfants ont commencé la musique depuis moins de 3 ou  4 ans, alors cet article est fait pour vous !

RAPPEL

Peut être vous souvenez vous de 2 articles que j’ai déjà écrit sur le sujet, je vous les rappelle :

• Le premier article était issu d’une thèse sur la manière d’enseigner l’improvisation dans les 3 premières années d’enseignement du violon. cela s’adresse particulièrement aux enseignants mais en tant que parent, j’avais trouvé cela très intéressant aussi.
  Une thèse est un sujet ardu, et je vous en donnais la synthèse que vous pourrez retrouver en CLIQUANT ICI
• Le deuxième article vous faisait découvrir le BLOG de la musicienne et pédagogue Céline DULAC.
  Son BLOG est dédié aux parents qui s’impliquent dans le développement musical de leur enfant.
  Vous pourrez (re) lire l’article en CLIQUANT LA

NOUVEAUTE

Céline DULAC m’a récemment montré la formation en ligne qu’elle a mise en place sur le sujet, issue de son expérience, de ses années de blogging et des multiples rencontres qu’elle a faite avec de nombreux  pédagoques.
Très intéressé, j’ai découvert avec étonnement le résultat de son travail qui est assez unique : je n’ai jamais jusqu’à présent trouvé autant de conseils pratiques et donc concrets ainsi regroupés !

Comme j’ai trouvé cela très intéressant, j’ai proposé à Céline de l’interviewer pour notre BLOG « Improviser-au-violon ». Vous trouverez la vidéo de l’interview en fin de cet article.

CONTENU

Avant que vous ne regardiez la vidéo, je vous indique brièvement ce qui m’a particulièrement attiré dans sa formation, qui compte 8 modules  :

• le module sur « les jeux musicaux »
  – ce sont des expériences à mener avec son l’enfant pour l’inciter à explorer son instrument, c’est ce qu’on pourrait appeler « donner le goût d’improviser »
  – on découvre aussi différents exercices d’impro présentés sous forme de jeux pour s’amuser avec son enfant.
  Il y a de très bonnes idées, et j’ai découvert certains jeux que je suis en train d’explorer avec ma fille flutiste de 10 ans!
• un module sur les routines et les pratiques quotidiennes – ici routine signifie « bonnes habitudes »
• un module sur les approches pédagogiques innovantes
• et d’autres nombreux conseils issus d’une démarche de la pédagogie positive

Si donc vous avec un ou des enfants qui sont en éveil musical et jusqu’à 3 – 4 années de pratique musicale, n’hésitez pas à aller explorer ce que propose Céline DULAC.
Vous pouvez lire le détail de la présentation de sa formation en CLIQUANT ICI

Vous trouverez ci dessous la vidéo de l’interview

Et pour les lecteurs du BLOG « Improviser au violon« , Céline vous propose gentiment une réduction de 10% en utilisant le code promotion musive10.

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La méthode d’improvisation à partir des accords de la grille est certainement la plus enseignée.
Elle est exigeante techniquement, car elle nécessite une très bonne connaissance des accords, des gammes, des modes…

Cet article fat partie d’une série de 3 articles qui résument 3 manières d’aborder l’improvisation (il en existe bien d’autres !)

• Vous avez lu le premier qui abordait la broderie ( à relire ICI) .
• Le deuxième article (celui-ci) aborde l’improvisation harmonique, c’est à dire à partir des accords de la grille
• Le suivant abordera les lignes intérieures (sujet rarement abordé … surprise !)

Introduction

Pour ce qui concerne ce deuxième article, j’avais déjà écrit plusieurs articles sur ce même sujet qui consiste à improviser en s’inspirant des accords qui harmonisent la mélodie. Je ne vais pas les reprendre car vous pouvez les relire  :

• Improvisation harmonique ou mélodique au violon ? ARTICLE ICI
• Quelle note jouer pour improviser ?? ARTICLE LA

J’ai cependant tenu à compléter avec le présent article car si j’avais bien expliqué (me semble t il !!) les ressorts de l’improvisation sur une grille, la manière de choisir les notes etc …. il manquait une illustration claire.

Et Frédéric a accepté de jouer le jeu. Merci à lui !
Ce qui est intéressant, c’est de pouvoir comparer la différence entre les 3 types d’improvisation.

Le point faible de cette approche
En écoutant la vidéo ci dessous, on comprend facilement que …. l’auditeur n’entend plus la mélodie qui a inspiré la grille, et on perd donc en grande partie la richesse que peut nous apporter la grille comme source d’inspiration.

Le point fort de cette approche
Par contre, et ce qui est important, c’est que l’improvisation sur les accords de la grille fait partie intégrante, à mon avis, du travail qu’il faut réaliser pour être « imprégné » de la grille, de l’enchainement des accords etc ..
Rien de tel que de s’obliger à réaliser cet exercice pour maitriser la grille et l’enchainement des accords aussi bien que votre bassiste !!

Il sera toujours temps après de revenir à un « mélange » entre improvisation inspirée de la mélodie et celle inspirée par la grille.

Les exercices que je réalise

En premier
Je procéde à une improvisation inspirée
a- des notes des accords (le plus simple)
b- puis des notes des gammes liées (par exemple Majeure, mineure, pentatonique, blues, diminuée, altérée, …)
c- enfin en ajoutant des note de passage

En deuxième
Un exercice qui m’aide beaucoup consiste à alterner impro et mélodie comme suit :
– je joue la mélodie sur une ou plusieurs mesures
– j’enchaine ensuite en improvisant sur la grille quelques mesures
– puis je reviens  à la mélodie
– etc …

Mon idée est d’être capable lors d’une improvisation de revenir en permanence à la mélodie qui est la source d’inspiration première.
C’est ce qu’on appelle d’ailleurs en improvisation « faire une citation » ….ici une citation de la mélodie du morceau.

Exemple

Dans la vidéo ci-dessous, Frédéric prend la grille du thème des Valseuses de S. Grappelli et nous montre ce que peut donner une improvisation qui serait basée uniquement sur les accords de la grille.

nb : 2 petites erreurs se sont glissées dans la grille de la vidéo : j’ai oublié les – de deux accords
      – le [B] débute par un accord de G–7
– la 4ème mesure du dernier [A] comporte un accord de E–7

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et n’hésitez pas non plus à utiliser les commentaires ci-dessous pour compléter ou donner votre avis

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La broderie est une manière très intéressante pour aborder l’improvisation.
Elle est également très agréable à entendre pour les auditeurs.

C’est donc une pratique à (re)mettre à l’honneur dans notre pratique de musicien !

L’approche de l’improvisation dont j’ai le plus entendu parlé est celle qui consiste à utiliser les accords de l’harmonie et qui sont regroupés dans ce qu’on appelle « la grille ». C’est ce que j’illustrais dans le dernier article « quelle note jouer pour improviser« .

On oublie trop souvent que la première source de notre inspiration – et qui a inspiré aussi la personne qui a harmonisé – est la mélodie.

La broderie autour de la mélodie est une pratique d’improvisation qui a été très utilisée par Stephane Grappelli, un des plus grands violoniste de jazz.
J’ai l’impression qu’elle est assez peu citée et enseignée, ce qui me semble dommage car j’ai un grand plaisir à « broder » lorsque je joue.
Voyons comment cela marche :

La broderie : principes

Lorsque j’aborde un morceau, avant même de commencer à improviser, je commence par bien m’imprégner de la mélodie.
Un des premiers exercices que je fais pour m’assurer que je l’ai bien « dans la peau » est de jouer avec un accompagnement (même artificiel !) , de m’arrêter alors que l’accompagnement continue, et de reprendre quelques secondes (ou dizaines de secondes) plus tard là ou l’accompagnement a continué.
Évidemment, au début il suffit de chantonner la mélodie pour bien me rattraper.
Mais après, par exemple, je parle à quelqu’un d’extérieur, puis j’essaie de me repérer pour reprendre. Cela n’est pas toujours évident au début !

Ensuite, une fois que je pense maîtriser suffisamment cette mélodie, j’ai envie de m’en échapper un peu et de « tourner autour ».

Pour cela, je m’amuse à

1- Décaler rythmiquement les notes : vers l’avant, vers l’arrière, en changeant la durée
C’est un exercice qui n’est pas aussi évident qu’il en a l’air, car le risque est de se décaler.
Il est donc important de garder de bons repères.
Pour ma part depuis que j’utilise la méthode O Passo, que je vous ai déjà exposée dans le BLOG, tout est facilité!

2- Enlever des notes
Cela n’est pas toujours évident, car on a plus tendance à rajouter qu’à enlever ! C’est un bon exercice

3- Remplacer une ou des notes
Il faut arriver à le faire avec mesure pour ne pas trop s’éloigner de la mélodie qui nous inspire.

4- Tourner autour des notes
En rajoutant de petits motifs mélodiques et rythmiques
C’est d’ailleurs de là je pense que vient l’expression « broder »

Par la suite, je trouve un grand plaisir, lorsque j’improvise, de retourner de temps à autre à la mélodie et de border autour avant de m’en éloigner.

Comme je l’écrivais ci-dessus, et pour conclure cet article, n’oublions pas que

la mélodie est la première source d’inspiration de l’improvisateur !

Illustrations

Frédéric illustre sur la vidéo ci dessous comment broder, en reprenant la thème « les Valseuses » de S. Grappelli
Vous pouvez retrouver la partition en bas de l’article précédent du BLOG.

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Ce titre est inspiré de quelques questions que j’ai reçues de violonistes lecteurs du BLOG.
« Lorsque j’ai une grille sous les yeux, je ne sais pas quelle note jouer ! »
Quelle note va bien sonner, quelle note faut-il éviter ?

La théorie répond bien à cette question, mais je vais essayer ici d’expliquer comment je pratique

Remarque préalable

En fait on peut jouer n’importe quelle note !
On n’a finalement que 12 choix dans notre système occidental, et si on a l’impression de se « tromper », la note  juste 1/2 ton à côté sera surement bonne !

Je suis bien conscient que ce propos n’aide pas beaucoup l’improvisateur qui se lance. Et pourtant c’est vrai !.

Il a toutefois le mérite de rassurer : aucune note n’est intrinsèquement « mauvaise » puisqu’une note jouée peut être une note sur laquelle j’insiste ou au contraire, si elle ne me plait pas, être une simple note de passage qui va conduire sur une autre que je préfère.

Il est vrai cependant que certaines notes « sonneront » toujours bien et d’autres seront plus difficiles à assumer.
Et pour commencer, lorsqu’on on n’ose pas trop se lancer, il est effectivement réconfortant de jouer une note qui « sonne » bien.

Passons aux choses concrètes

Lorsque j’arrive sur un accord, mon objectif est donc de savoir quelles notes de la gamme je peux utiliser.
Je vais appeler ces notes le « panier de notes » dans lequel je pourrai puiser pour construire mon impro.
Pour cela je peux m’aider des point suivants :

Jouer les notes de l’accord lui même.

Par exemple si je lis E⁷, je dois connaitre les notes qui composent cet accord soit  [Mi – Sol# – Si – Ré]
Si je joue une de ces quatre notes, je suis sûr de ne pas être « à coté ».
Peut être que cela sonnera un peu « plat », en fonction d’ailleurs de ce que joueront les autres musiciens du groupe, mais en tout cas il n’y aura pas d' »erreur » à proprement parler.

C’est d’ailleurs la base pour maitriser une grille d’accord : enchainer les accords de la grille en arpégeant

• les 3 notes [fondamentale – tierce – quinte]
• ou les 4 si ce sont des accords de 7ème  [fondamentale – tierce- quinte – septième].

N’oublions pas que

• la fondamentale est celle qui doit toujours résonner dans ma tête : d’où l’importance lorsque je travaille le morceau de commencer toujours par la jouer.
• la tierce et la septième donnent la « couleur » de l’accord

Maintenant, comme j’ai 4 notes, il me reste à déterminer les 3 autres notes de la gamme qui ne sont pas dans l’accord. Voici plusieurs pistes pour le faire

La tonalité sur laquelle je joue.

Je peux choisir les notes manquantes en me référant à la tonalité du morceau, ou plutôt, si le morceau comporte des changements de tonalité, à la tonalité du passage auquel appartient l’accord.

Pour cela il est nécessaire de faire une analyse du morceau (voir l’article 5 étapes pour analyser un morceau)

Dans l’exemple ci dessus avec mon accord E⁷, si j’étais sur une tonalité de La Majeur, alors je peux compléter de la manière suivante [Mi-Fa#-Sol#-La-Si-Do#-Ré]

Le style de musique.

Par exemple sur un blues, on pourra très souvent garder la même gamme de référence pendant tout le morceau que ce soit la gamme pentatonique ou la gamme blues (Majeure ou mineure suivant les cas).

Autre exemple : sur du jazz manouch, sur un accord 7, on entend souvent jouer la 9èmeb (9eme=seconde) à la place de la fondamentale.
Ce qui fait qu’un accord 7 devient un accord diminué et cela donne une couleur très reconnaissable.
ex : au lieu de E⁷ [Mi – Sol# – Si – Ré], je peux jouer [Fa – Sol# – Si – Ré] soit Fa^7dim

Voici dans la video suivante un exemple de cet accord (la video est en anglais !)

Ecoutez à 1’50 »  cet accord diminué

La mélodie

Je peux aussi m’insirer des notes utilisées dans la mélodie : cela me donne une indication sur le choix qu’a fait le compositeur.
Je ne suis pas obligé de suivre ce choix, mais c’est une bonne piste !

Tiens une appli qui peut aider

Et bien oui j’ai découvert cela il y a peu.Je vous avais parlé de IReal Pro dans un précédent article.
J’ai découvert une fonctionnalité qui va nous aider :

Si vous appuyez avec votre doigt sur un accord pendant que le morceau joue, et bien vous avez la gamme utilisée par le logiciel qui s’affiche.

Pour terminer : comment je fais en pratique

Pendant longtemps, j’ai essayé d’avoir une approche « verticale » c’est à dire qu’en arrivant sur un accord, j’essayais de définir mon « panier de notes » et je puisais dedans pour jouer.
Et bien cela donne … quelque chose de pas terrible : les notes sont « justes » mais l’impro n’est pas agréable car en faisant cela, je ne construisais pas de progression mélodique de mon impro.
C’est à dire que je n’arrivais pas à faire des phrases, à donner une évolution, une intensité dramatique à mon impro. Cela sonnait « plat ». Chaque accord était cloisonné par rapport au précédent.

J’ai évoqué ce sujet dans l’article « improvisation harmonique ou mélodique » et eu lieu de répéter, je vous propose de lire ou relire cet article.

Donc aujourd’hui, j’ai plus tendance à

• repérer les groupes d’accords qui sont sur une même tonalité
• je note les « accidents », c’est à dire les notes qui ne sont pas dans la gamme de base

Par exemple si j’ai la suite d’accord [GΔ, E⁷ , Am7, D7, GΔ]
je suis en Sol Majeur car
– GΔ est le degré I
– Am7 est le IIeme degré
– D7 est le 5eme degré
=> donc je joue sur la gamme de SOl Majeur [Sol-la-si-do-ré-mi-fa#]
mais je remarque que sur le 2ème accord E⁷ j’ai un Sol#
Et là soit je veux mettre en relief le Sol# et je le joue, soit au contraire je glisse sur cette particularité à cet endoit et je ne joue pas de sol# (ni de sol) !

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Je vous ai montré dans l’article précédent comment j’ai travaillé le rythme de la bossa en chantant, puis avec mon violon.
Et bien maintenant, il s’agit de mettre cela en oeuvre pour jouer la mélodie, puis des improvisations !

Je  vais continuer à l’illustrer avec « So Danço samba« , mais j’utilise la même manière de faire avec d’autres Bossa que je joue

• The girl from Ipanemna
• Black Orpheus (voir l‘analyse de ce morceau ici)
• Blue Bossa
• Desafinado
• How Insensitive,
• – …

Jouer la mélodie

Comme souvent avant de prendre le violon, je chante !
Car si on arrive à chanter (en place, avec de l’intention), on a fait le principal du point de vu musical : la suite est une question de technique instrumentale.

Alors allons y :
1- Je chante la mélodie en frappant avec mes mains les temps

2- Je chante la mélodie en frappant avec mes mains la clave de la Bossa que nous avons vu précédemment. J’utilise la ligne du bas en 2/4 car en fait je frappe à la blanche en C

3- En enfin pour finir je joue au violon – pour bien sentir le rythme, je mets un accompagnemenbt rythmique avec un Backing track.
En pratique sur la vidéo en bas de l’article, je joue en utilisant l’application IReal Pro.

Pratique improvisée

Sur ces morceaux, le plus important me semble t-il est d’être à l’aise avec le rythme.

Aussi pour m’entrainer,  je joue en utilisant la technique des lignes intérieures (Inner line). C’est à dire que je choisis une note et que je « tourne » autour »  (on verra cela dans un prochain article).

Et j’utilise des rythmes issus de ce que nous avons joué précédemment par exemple :

Il ne faut bien sur pas enchainer ces rythmes sans s’arrêter !
On a en effet remarqué que la mélodie est contitué de phrases de
[2 x 2 mesures]

Donc je vais reproduire au début le même schéma, et laisser respirer par exemple =

• 2 mesures impro + 2 mesures de silence
• 4 mesures impro + 4 mesures de la mélodie

Ensuite je joue en alternant mélodie, impro, ligne de basse etc …

• la mélodie sur le premier A, une impro sur le 2eme A
• la mélodie sur les 4 premières mesures du B, une impro sur les 4 suivantes
• etc …

Pour finir je vous propose deux manière d’aborder le jeu qui a mon sens apportent beaucoup et qu’il faut donc réaliser très consciemment :

A-  Lorsque je joue une syncope, je dois bien sentir le temps sur lequel elle tombe, c’est à dire celui qui n’est pas joué. Pour travailler cela, je pratique en 3 étapes :

1- je joue uniquement des croches

2- je joue en ghost note

3- je joue la syncope en gardant la même sensation

B –  finir les phrases relâché
Ca ce n’est pas évident mais cela apporte beaucoup au style. Il s’agit à chaque note longue de fin de phrase de bien « poser » la note et de la « relâcher » (laisser filer) et de laisse sonner le silence .
Ce n’est pas sur moi qu’il faut prendre exemple pour cela, mais déjà d’en être conscient, cela me permet d’aller dans la bonne direction !

Pour terminer je vous fait profiter d’une video que j’ai trouvé sur le site de Chritian Howes, ce violoniste américain, qui a condensé en quelques minutes des conseils très intéressants pour jouer la Bossa au violon.
C’est en anglais mais on comprend bien.
Il me conforte en ce sens ou la première chose qu’il fait est de nous montrer les rythmes … avec ses mains

Sa démarche est d’utiliser un looper pour établir la rythmique, puis à jouer par dessus.

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J’adore écouter des bossa. Pas vous ?
Ce sont des musiques très reposantes ; syncopées, mélodiques et douces.

Par contre, en jouer est autre choses !
Lorsque j’ai essayé au début, cela ne rendait pas du tout.
Alors j’ai pris des conseils, et je vous en donne ici les résultats.

A vos archets !!

Un peu d’histoire sur la bossa

La Bossa Nova est une musique d’origine brésilienne ayant émergée dans les années 1950.

Son nom vient de bossa : avoir la « bosse », c’est à dire avoir une aptitude ou une vocation ( comme on connait la « bosse des maths! ») et nova pour « nouvelle ».
C’est en effet un nouveau style de musique qui arrive sur la scéne brésilienne ; il provient du rejet de la musique populaire traditionnelle brésilienne par certains musiciens de Rio de Janeiro.

Jusque dans les années 1950, la culture musicale au sein de la classe ouvrière brésilienne était composée principalement de sambas et pour la classe moyenne de ballades connues sous le nom de samba-canção, similaires aux boléros latino-américains.

Le style bossa nova est inventé par un groupe comprenant le compositeur Antônio Carlos Jobim, le chanteur João Gilberto, de Normando Santos, du poète Vinícius de Moraes et d’autres …. Cette musique prend son essor au Brésil lors de la sortie du disque (1959) Chega de Saudade

La Bossa nova s’étend hors du Brésil avec l’album de João Gilberto et du saxophoniste Stan Getz (1ère video ci dessous) avec notamment les titres
A Garota de Ipanema, Corcovado, Desafinado, Só danço samba, O grande amor et Vivo sonhando.

Si la bossa nova a été fortement influencée par le jazz, Jobim s’est toujours considéré de tradition classique.
Certains standards tels que   A garota de Ipanema, Insensatez…, suggèrent directement Debussy ou Chopin.

Parmi les grands standards, citons également Estate de Joao Gilberto qui est sorti dans le style Bossa Nova en 1977.

Comment aborder ce style au violon

Le principe est très simple : comme tous les autres morceaux !

C’est à dire en premier avec le rythme.
Car comme je le dis toujours, le violon ne doit pas « se poser » sur une section rythmiques, il doit bien en être un élement et faire corps lui aussi à tout moment avec cette dernière.

Alors décortiquons un peu les spécificités de ce rythme.

Analyse du rythme de base de la la Bossa

Le Web regorge d’articles sur le sujet, pour les pianistes, guitaristes, percussionnistes, etc ..

Il existe de très nombreuses variantes de ce rythme, retenons que l’important, pour exprimer ce rythme particulier est, entre autre

• d’alterner les notes sur les temps et les notes en syncopes,
• de laisser « résonner »  les notes,
• de varier les rythme utilisés
• …

IMPORTANT : La bossa s’exprime sur un cycle de 2 mesures

Voilà une manière très courante d’écrire ce rythme en partition.

Nb : pour ceux qui connaissent la clave de la Salsa, c’est un rythme assez proche, seule la dernière note est décalée :

clave salsa

Je vais commenter ci-dessous ce rythme à partir de son écriture en 4/4.

Tout d’abord, si on devait l’écrire sans notion de durée de notes mais juste pour comprendre le placement rythmique, il peut être intéressant de l’écrire de la manière suivante :

Rythme Bossa en croches

Exercice
Je frappe ce rythme avec mes mains jusqu’à le savoir par coeur. Pour cela je mets au début un métronome et je choisis un tempo modéré, que j’accélére ensuite progressivement.

bossa – 2 figures identiques

Pour bien le « sentir » il m’a été utile de remarquer que la même formule rythmique des 3 premiers temps est jouée deux fois. La 2ème fois elle est décalée : elle commence sur le 2ème temps de la 2ème mesure.
Ces 2 formules sont séparées par deux temps .

Backing track Bossa – 92 bpm – écoutez bien on distingue le « tack » qui est celui du rythme noté dans les 2 mesures ci-dessus

Bossa frappé dans les mains – 92 bpm – je prononce les temps et je frappe les rythmes dans mes mains : c’est un très bon exercice pour conscientiser la place des notes par rapport au temps.
(conscientiser = rendre conscient – c’est très différent de juste le savoir)

On peut l’écrire aussi avec des  Ghosts notes (cf mon article sur le sujet) .
Cette écriture en écourtant les notes ne respecte pas le style de la Bossa, mais c’est pour moi une étape essentielle et importante pour arriver à bien placer l’impact des notes. Surtout lorsque je le ferai avec l’archet : celui ci joue toute les croches et kjaccentue celles qui ne sont pas barrées.

rythme Bossa avec des ghosts notes

Rythme bossa avec l’archet qui joue les ghost notes

J’aime bien aussi, pour ceux qui ont suivi la formation « maitriser le rythme avec O Passo » (dont je fais partie), l’écrire avec la notation de cette méthode O PASSO qui est très parlante. C’est l’idéal pour frapper le rythme avec les mains.
rappel : on met entre parenthèse (3) les temps qu’on ne joue pas

rythme bossa OPasso

Bien sûr il existe d’autres variantes, les guitaristes et les pianistes par exemple jouent volontiers celle là.
Vous en avez une démonstration sur CETTE VIDEO

rythme bossa guitare

Remarquons qu’on peut simpllfier cette écriture de la manière suivante (le reste est une affaire de choix de notes graves et aigues).
Je l’utiliserai lorsque je jouerai avec mon violon : les notes graves seront pour moi la fondamentale de l’accord.

rythme bossa guitare simplifié

Comment travailler ce rythme

Je vais vous expliquer comment je le travaille, ce n’est donc pas une « théorie » mais plutôt mon expérience pratique.

Je commence par le travailler sans l’instrument

Je vous ai proposé un backing track ci dessus.
Vous pouvez aussi en trouver sur internet, par exemple CELUI CI.
Ecoutez bien le placement rythmique : toutes les croches sont jouées mais celles qui font partie du rythme que je vous ai montré en premier ci dessus sont accentuées.

Exercice
Je m’entraine à mettre un backing track et à simplement frapper dans mes mains avec le rythme de la bossa. Evidemment sans avoir sous les yeux le rythme écrit !!
Cela doit « rentrer » dans la peau …

Ensuite avec l’instrument

On peut tout d’abord  jouer une seule note, et ensuite suivre une grille en jouant juste les fondamentales.
Dans tous les cas et comme précédemment l’idéal est de le faire avec un fond rythmique.

Pour ma part j’utilise IReal Pro mais on peut utiliser des Backing track comme celui que je vous ai montré ci dessus, ça marche très bien.

Sur la grille

J’utilise ici celle du morceau « So danço Samba », mais vous pouvez le faire sur celle de votre bossa préférée !

Voilà la première partie A de ce morceau :

Et la partie B

Le morceau a la strucutre AABA

1- premier exercice que je vais faire : exprimer le temps sur les accords en jouant une ligne de basse.

Cela  me permettra en même temps de mémoriser la grille en jouant une « mélodie grave »

Choix du rythme :

• je commence par le plus simple : les fondamentales (en blanche !), soit 2 fois la même note dans chaque mesure. Attention, il ne s’agit pas de jouer de simples blanches … mais bien de les investir pour « sentir » le temps
  Puis je joue toujours en blanches en enchainant [Fondamental / quinte]
  puis je joue en noires donc je répète deux fois le motif dans chaque mesure

• puis en noires en enchainant   [Fondamental / quinte / Fondamental / tierce]
  C’est ce que j’expliquais dans un précédent article « s’imprégner de la grille au violon » (lire la 2eme partie de l’article)
• je peux aussi construire une ligne de basse mais je ne le montre pas ici car ce n’est pas notre objectif.
  Secondairement j’apprends aussi la grille et les enchainements d’accords pour bien les entendre ensuite lorsque je jouerai le thème ou une impro.

Je fais tout cela pour la partie A du morceau (les 8 premières mesures) , puis pour le B, et ensuite j’enchaine AABA

2- Ensuite sur des rythmes qui expriment la bossa nova,

Je vous donne quelques rythmes que je joue sur la grille.

rythmes simples bossa

Voici une exemple audio pour le rythme  :

bossa exercice rythme violon 132bpm

On entend très clairement qu’à certains moments je suis décalé… mais je reviens !
C’est à force de faire des exercices rythmiques que j’arrive petit à petit à être « dedans » plus souvent.

Vous pouvez constater que ces rythmes sont construits sur une mesure qui se répète.
Alors pour varier il est intéressant de faire la 1ere mesure d’un rythme, puis la 2nde d’un autre rythme.

Et enfin d’aborder des systèmes sur 2 mesures, comme les deux que nous avons vu précédemment
ou comme celui là :

rythme sur 2 mesures bossa

Je fais tout cela pour la partie A du morceau (les 8 premières mesures) , puis pour le B, puis j’enchaine AABA

Vous avez compris que dans toute cela, ma vocation est d’être un instrument de la section rythmique, qui accompagne, qui donne le rythme.

C’est donc gagné lorsque je sens que « ça tourne ».
Mais c’est rarement du premier coup

Je ressens cette sensation de manière encore plus forte lorsqu’on joue à deux (l’un la basse, l’autre la mélodie) car il se passe une alchimie entre les deux musiciens dès qu’on est bien ensemble et je ressens très bien le rôle de la section rythmique que je joue.

Improviser sur une Bossa, ce sera pour un autre article !
N’allons pas trop vite, i faut d’abord bien s’imprégner de la rythmique !

Dernier conseil : Ecoutez, écoutez,  et écoutez encore. En tendant l’oreille pour essayer de reconnaitre la rythmique.

Vous aimez ?
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Nous avons tous entendu jouer des violonistes au swing incroyable.
Mais comment font-ils donc?

Ce ne sont pas les notes qu’ils jouent qui donnent à leur musique ce caractère dansant et entrainant : certains morceaux sont très simples.

Et pourtant lorsque j’essaie de jouer les mêmes notes qu’eux, la musique que je restitute avec mon violon n’a plus ce caractère léger, facile et si caractéristique du swing.

Alors ?

Alors j’ai demandé à mon ami violoniste Fédéric TARI s’il acceptait de nous expliquer et de nous montrer les secrets qu’ont ces musiciens.

Frédéric s’est plié avec au jeu avec beaucoup d’intérêt, et dans cette video, il nous indique les 3 clefs qui sont indispensables d’après lui pour acquérir un son « jazz » au violon.

Ecoutez bien !!

Resume

Dans cette vidéo , Frédérec TARI nous explique, nous montre et nous invite à tester 3 clefs pour avoir un son jazz lorsque nous jouons du violon.

Il nous livre son expérience d’artiste et d’improvisateur en illustrant ses propos sur le thème d’un morceau connu.

Il s’agit du morceau « Ballade » qui a été composé par Stéphane Grappelli pour la réalisation du film culte « les Valseuses » en 1974.
Il illustre ses conseils sur la partie A du thème – qui à la forme AABA –  mais ils sont bien sûr valables pour tout le morceau.

1ere clef : ECOUTER

Et oui, la première recommandation qui nous est faite est de poser notre violon et de chercher différentes interprétations du morceau que nous souhaitons jouer.

L’idée est de les écouter mille et une fois afin de s’imprégner totalement du morceau.
Cela signifie en premier lieu que nous devons faire fonctionner nos oreilles (et non pas nos yeux en lisant une partition !) puis de mettre notre corps en action : danser et chanter le morceau,
être capable également lorsque l’accompagnement joue de nous arrêter et de reprendre le morceau au bon endroit.

Frédéric nous propose pour cet exercice d’écouter 2 versions du thème « Ballade »

La version de Stephane Grappelli, le compositeur

Cette version est tirée de l’album « les Valseuses »
Elle est jouée sur un tempo lent de ballade …

La version de Didider Lockwood

Cette deuxième version est tirée de l’album « Tribute to Stephane Grappelli »
Elle est jouée sur un tempo medium swing.

2eme clef : faire chanter son violon

Et Oui!
Comme nous avons juste avant déjà chanté la mélodie, nous allons maintenant confier ce rôle à notre instrument.

Et pour ce faire la recommandation principale est : LEGERETE de l’ARCHET !!

Frédéric nous montre ce qu’il qualifie de légèreté de l’archet et surtout comment essayer de la « sentir » à travers quelques exercices simples.

La gageure est d’arriver à investir du poids dans notre archet avec … un archet léger !!

3eme clef : faire danser avec son violon en habitant chaque temps

Bien souvent le violon est considéré comme un instrument « soliste » qui viendrait se poser sur une section rythmique en place.

L’idée ici est au contraire d’aborder le morceau en faisant corps avec la section rythmique.
Avant de jouer des rythmes compliqués, il est essentiel de commencer par bien jouer et investir le temps. Des noires donc.

Cela ne parait à priori pas difficile techniquement, mais lorsque les temps sont bien en place, la musique « tourne »  enfin !

… A vous de jouer ….

Je remercie Frédéric TARI pour sa contribution au BLOG « improviser au violon ».
Si j’ai des retours positifs – n’hésitez pas à me faire signe ou à laisser un message dans les commentaires – je lui proposerai de participer à d’autres vidéos !

Pour s’entrainer

Pour les violonistes qui aimeraient jouer et s’entrainer sur ce morceau, Frédéric nous a gentiment préparé du matériel, à savoir les fichiers des accompagnements en différents formats
– MGU pour ceux ceux qui ont le logiciel Band in a Box
– iReal Pro pour ceux qui utilisent ce petit outil
– mp3 pour les autres.

Vous pouvez télécharger ces fichiers en laissant simplement votre mail  ci-dessous

En savoir plus sur le violoniste Frédéric TARI

Accéder aux articles du BLOG  :  son parcours musical   &   son activité d’enseignement

Son site internet : frederictari.com

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