La danse et la maison Van Cleef & Arpels se résume par l’histoire d’une passion.  Dès 1912, Louis Arpels avait pour habitude en sortant le soir des bureaux de la place Vendôme de se rendre à l’Opéra Garnier pour se délecter d’un Ballet, de cette passion naîtra un clip « Danseuse espagnole » en 1941 et une rencontre en 1961 entre George Balanchine et  Claude Arplels. De cette rencontre naitra le ballet Jewels en 1967. Ode à la féminité, le ballet sera dédié à trois pierres d’exception :  l’émeraude avec Fauré, le rubis avec Stravinski et le diamant avec Tchaïkovski.

Benjamin Millepied : danseur étoile, chorégraphe, fondateur de la compagnie L.A. Dance Project,  futur directeur de la Danse à l’Opéra de Paris, à compter du 15 octobre 2014, en succession de Brigitte Lefèvre, est passionné par l’oeuvre et le rythme de George Balanchine.

En collaboration avec la maison de Haute Joaillerie Van Cleef & Arpels, Benjamin Millepied a créé Reflections,  premier volet d’une trilogie intitulée Gems, plus qu’un ballet  c’est une création mondiale qui témoigne de sa démarche très collaborative avec les danseurs, et d’une attention extrême aux arts visuels. Il a fait appel à la plasticienne américaine Barbara Kruger pour le décor et les costumes. « C’est la première pièce qui porte vraiment l’empreinte du L.A.Dance Project »

Le L.A. Dance Project est composé de 7 danseurs :

• Aaron Carr
• Charlie Hodges
• Julia Eichten
• Morgan Lugo
• Nathan B. Makolandra
• Rachelle Rafailedes
• Amanda Wells

Voici la retranscription de la conférence de presse :

« J’ai beaucoup dansé sur Balanchine, il a imaginé un très grand ballet autour des pierres précieuses, il a mis en scène 3 ballets avec 3 compositeurs différents. C’est une histoire franco américaine qui a commencé dans les années 40 avec Claude Arpels qui était un grand amateur de ballet et qui soutenait le MET. On cherche à retrouver dans les pièces de façon allégorique le mouvement de la légèreté et de l’élégance [...]  les couleurs, la lumière, le lieu, les villes, la musique, choses qui sont réinterprétées à la fois dans les pièces de joaillerie et la pièce JEWELS en elle-même [...] le Ballet RUBY : est plus charnel, plus de tension, partition jazz, beaucoup d’énergie à l’américaine, très NY, les pas sont rapides, c’est jouissif à danser. [...] Avec Reflections, le 1er volet du ballet, c’est enthousiasmant et sexy de commencer par RUBY, inspirant pour débuter et recréer  l’atmosphère que ça évoquait, très instinctif, avec précision, une musique très US [...] la collaboration avec Barbara Kruger fut très fluide. [...] J’ai été très influencé par Balanchine qui interprétait un ballet très simplement grâce à une musique [...]  Pour Balanchine « un chorégraphe c’est comme être un artisan, un joaillier, un horloger » [...]  La visite des ateliers fut un moment très émouvant, j’étais très touché par les artisans qui font ces gestes faits mille fois, avec certains à côté de photos de leurs prédécesseurs. [...] Chorégraphe de ballet c’est un savoir-faire qui se passe de génération en génération. [...] Le parallèle est total [...] C’est une combinaison entre savoir-faire tradition et esthétisme, apprentissage, expertise, chaque création de Van Cleef est liée à une allégorie de la danse : des pièces figuratives comme la broche, on sent le mouvement, la légèreté, la finesse et l’élégance qui sont les maîtres mots. Ils sont réalistes en terme de mouvements pour que ce soit fidèles au figures de danse, classique ou contemporaine, la pièce de joaillerie est vouée à être éternelle et non pas figée. [...] Dans mon ballet j’évoque les relations humaines, les émotions , j’ai exploré des choses différentes, utilisé ce que chaque danseur amène à la compagnie. L.A. Dance project : c’est la réunion de talents artistiques, c’est proposer des idées très différentes, le registre est moins formel.  »

L.A. Dance Project au Théâtre du Chatelet du 23/05 au 25/05

REFLECTIONS (création mondiale)
Chorégraphie – Benjamin Millepied en collaboration avec Julia Eichten, Charlie Hodges, Morgan Lugo, Nathan Makolandra, Amanda Wells
Musique originale – David Lang
Piano – Andrew Zolinsky
Concept visuel – Barbara Kruger
Lumières – Roderick Murray

Dance and Van Cleef & Arpels is summed up by the story of a passion. By 1912, Louis Arpels had the habit of going out, in the evening, of the offices of the Place Vendome to go to the Opera Garnier to revel a Ballet, the passion born of a « Spanish Dancer » clip in 1941 and dating 1961 between George Balanchine and Claude Arplels. From this meeting will be born Jewels in 1967. Ode to femininity, the ballet will be dedicated to three exceptional stones: emerald with Fauré, Stravinsky with rubies and diamonds with Tchaikovsky.

Benjamin Millepied: dancer, choreographer, founder of the company LA Dance Project, future director of the Dance at the Paris Opera, as of October 15, 2014, in succession to Brigitte Lefèvre, is passionate about the work and the pace George Balanchine.

In collaboration with  Van Cleef & Arpels, Benjamin Millepied has created Reflections, the first part of a trilogy entitled Gems, more than ballet is a world premiere reflecting his very collaborative process with the dancers, and extreme attention to visual arts. He appealed to the American visual artist Barbara Kruger for the set and costumes. « This is the first piece that really bears the stamp of LA Dance Project »

The LA Dance Project consists of seven dancers:

Aaron Carr
Charlie Hodges
Julia Eichten
Morgan Lugo
Nathan B. Makolandra
Rachelle Rafailedes
Amanda Wells

Here is the transcript of the press conference:

« I danced a lot of Balanchine, he imagined a great ballet around precious stones, he has directed three ballets with three different composers A Franco American history that began in the 40s with Claude Arpels who was a great amateur ballet and supported the MET. were trying to find room in an allegorical manner the movement of lightness and elegance [...] colors, light, location, cities, music, things which are reinterpreted in both pieces of jewelry and JEWELS room itself [...] Ballet RUBY is more carnal, more tension, partition jazz, a lot of energy to the U.S., very NY , are not fast, it is enjoyable to dance. [...] With Reflections, the first part of the ballet is exciting and sexy to start with RUBY, inspiring start and recreate the atmosphere it evoked, very instinctive, with precision, very music U.S. [...] working with Barbara Kruger was very fluid. [...] I was very influenced by Balanchine ballet who played a very simply through music [.. .] For Balanchine « a choreographer is like being an artisan jeweler, watchmaker » [...] The tour of the workshops was a very emotional moment, I was very touched by the craftsmen who made these gestures miles time, with some pictures next to their predecessors. [...] Choreographer ballet is a skill that is passed from generation to generation. [...] The parallel is complete [...] C is a combination of tradition and know-how aesthetics, learning, expertise each creation Van Cleef is linked to an allegory of the dance figurative pieces as the spindle, you can feel the movement, lightness, finesse and elegance are the watchwords. They are realistic in terms of movements either loyal to figures dance, classical and contemporary, the piece of jewelry is bound to be eternal and not frozen. [...] In my ballet j ‘evokes human relationships, emotions, I explored various things used that each dancer brings to the company LA Dance Project:. it is the meeting of artistic talent is offer very different ideas, the register is less formal. « 

LA Dance Project at the Theatre du Chatelet on 23/05 to 25/05

REFLECTIONS (world premiere)
Choreography – Benjamin Millepied in collaboration with Julia Eichten, Charlie Hodges, Morgan Lugo, Nathan Makolandra, Amanda Wells
Original Music – David Lang
Piano – Andrew Zolinsky
Visual concept – Barbara Kruger
Lights – Roderick Murray

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Le New York City Ballet vide ses placards, une première dans l’histoire de la danse, cette information nous a électrisés tant elle est capitale !

Peu d’entre vous le savent, mais nous sommes des passionnés de danse classique, notre bibliothèque regorge d’ouvrage sur le sujet, sur les costumes, de l’étude en passant par les immersions photographiques de Gérard Uféras, les travaux de notre ami James Bort …

Depuis sa création en 1948 par George Balanchine, le New York City Ballet a vu les plus grands danseurs du monde entier fouler ses planches.

La vente est incroyable, historique, les danseurs Kovroski Maria, Ana Sophia Scheller, et Wendy Whelan, … se séparent de leurs pointes, de leurs costumes, des bijoux. Vous trouverez également de vieux livres de cours de danse, des programmes, des photographies rares, des affiches !

Tout se passe sur le site de One Kings Lane, il va falloir être vif car les sold out sont déjà nombreux, avis aux passionnés !

The New York City Ballet empty its closets, for the first in the history of dance, this information has electrified us so it is crucial!

Few of you know, but we are passionate about ballet, our library is full of work on this subject, costumes, study, photographic dips by Gerard Uféras, work of our friend James Bort …

Since its creation in 1948 by George Balanchine, New York City Ballet has seen the greatest dancers of the world tread its boards.

The sale is incredible, dancers Kovroski Maria, Ana Sophia Scheller, and Wendy Whelan, … separate from their peaks, their costumes, jewelry. You can also find old books dance classes, programs, rare photographs, posters!

Everything happens on the site One Kings Lane, we have to be strong because many have already sold out, go go go !

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Iriarte Iriarte est une marque de sacs conçus et faits à la main à Barcelone. Imaginés et créés par la talentueuse Carolina, ces sacs mixte à l’esprit vintage sont réalisés avec de très belles matières naturelles, les finitions sont parfaites et les ajouts de pièces de cuivre (fermoirs, etc.) rendent le produit absolument à tomber ! Ils sont réalisés avec beaucoup de minutie et nous rappellent les formes des sacs d’antan de nos grands-mères que l’on aime tant chiner dans les greniers et brocantes.

La marque Iriarte Iriarte se compose de 3 collections pour femmes et/ou hommes : In my garden, Farewell et Truant. A partir de 170€, ces belles pièces de cuir montées de façon traditionnelle combinent un style contemporain et résolument d’un classique indémodable. Et cela ne fait qu’ajouter au charme de la marque, la créatrice est adorable ! Une magnifique rencontre comme nous aimons tant les vivre et surtout vous les rapporter ici…

Iriarte Iriarte is a brand of bags designed and handmade in Barcelona. Created by Carolina, these mixed bags in vintage style are made with beautiful natural materials, finishes and are perfect additions copper coins (clasps, etc..) Make the product absolutely super! They are made with great attention to detail and remind us of the old forms of bags our grandmothers that we love so much.

The Iriarte Iriarte brand consists of 3 collections for women and / or men: In my garden, Farewell, Truant. From € 170, these beautiful pieces of leather mounted traditionally combine a resolutely contemporary and timeless style. And this only adds to the charm of the brand, the designer is adorable! A magnificent encounter as we love both live and especially you report here …

N’hésitez pas à vous rendre sur le site pour en savoir plus, et les livraisons du e-shop se font partout dans le monde : www.iriarteiriartestore.com

Do not hesitate to visit the site for more information and deliveries eshop are everywhere: www.iriarteiriartestore.com

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Lors de notre séjour à Venise, à l’occasion de l’ouverture de la nouvelle boutique Louis Vuitton, nous avons eu le privilège de nous rendre à la Manufacture de Fiesso d’Artico (à quelques kilomètres de la Cité des Doges) pour admirer l’écrin où les collections de la Maison sont confectionnées depuis une dizaine d’années pour le monde entier.

Inaugurée en 2001, la Manufacture fait écho aux deux autres célèbres usines Louis Vuitton, celle d’Asnières sur Seine qui donne le jour à la maroquinerie et aux bagages, et celle de Genève pour l’horlogerie. Fiesso d’Artico, implantée  en Vénétie, est d’une logique parfaite puisqu’elle se trouve au coeur du savoir-faire de l’artisanat pour le cuir et le soulier inégalé depuis 7 siècles. Les artisans qui y travaillent sont donc de la région et ils transmettent leur savoir traditionnel (parfois en voie de disparition comme le point norvégien ou l’art de la patine) aux plus jeunes.

La Manufacture Fiesso d’Artico est un équilibre parfait entre l’artisanat d’excellence et les technologies innovantes : les équipements de pointe coexistent avec les piqûres à la main, la technologie sert le travail et le geste de l’artisan. Ainsi on surprend très souvent les dialogues nourris et riches entre les stylistes et les artisans, pour le confort du client et une qualité hors paire. Ensemble ils imaginent, créent, produisent et transmettent.

Avec Fiesso d’Artico, Louis Vuitton signe le Manifeste d’une tradition dynamique en perpétuel devenir, alliant avec brio le stylisme, la formation, la technologie de pointe et l’art.

A Fiesso d’Artico, tous les modèles de chaussures (pour Hommes et pour Femmes) imaginés par Marc Jacobs et son équipe sont fabriqués pour les magasins du monde entier : des plus élégants (finis à la main avec une patine ou un vernis par exemple) aux plus sportifs, ainsi que les collections spéciales (comme Kusama), les inconditionnels mocassins et le Made-to-Order (chez l’Homme).

L’association du savoir-faire et de la technologie dont nous parlions ci-dessus est primordiale pour la Maison Vuitton car la qualité et la précision de chaque détail de chaque chaussure est ce qu’il y a de plus important. Les souliers subissent donc des contrôles de qualité à chaque étape de leur parcours : test des matières (notamment exotiques pour voir comment elles vont vivre et vieillir), des talons (pour qu’ils ne cassent pas et soient confortables), des pièces métalliques (dans une chambre climatique pour voir la réaction au climat, risque d’allergie…)

Les gestes sont précis, les étapes bien définies (et parfois surprenantes), avec dans les grandes lignes  : découpes du cuir, pré-forme donnée aux modèles, collage de la semelle, assemblage de la »tige » sur le « pied modèle », une machine positionne le clou pour fixer la semelle, l’étiquette est posée à la main, la semelle est « repassée » pour parfaire l’intérieur… certains modèles passent au « make-up » pour la finalisation : patine, vieillissement façon Vintage (vu sur le dernier défilé Femme) peinture de la semelle, pose des détails. Chaque élément de la chaussures (rivets, semelles…) est fait par un artisan de la région puis assemblé dans la Manufacture Fiesso d’Artico.

Chez l’Homme, certaines précautions sont prises. Notamment pour les modèles en velours, que l’artisan nous a décrit comme « étant aussi fragile qu’une femme« …

Et le travail le plus minutieux réside dans la partie Demi-mesure : un service d’exception que la Maison Louis Vuitton propose à ses clients Hommes. 3500 combinaisons possible avec 3 largeurs, 64 peaux, 1 isolation avec du liège, 3 styles différents de base : Ducalle, Fenice, Rialto. Pour ce service haut de gamme, proposé dans 7 boutiques dans le monde (Tokyo, Milan, Shanghai, Sydney, Miami, Londres et Munich), il faut compter de 12 à 16 semaines d’attente, et les prix varient de 1700 à 8500€.

Anecdotes : chaque chaussure de la paire doit être faite en même temps, chez l’homme et la femme, pour qu’elles aillent ensemble à la perfection ! Le stock (ou caverne d’Ali Baba) où toutes les chaussures sont stockées… s’appellent NEVER FULL !

Pour information, la Manufacture sera ouverte au public lors des Journées Particulières les 15 et 16 juin prochain.

Un grand merci à l’équipe Louis Vuitton pour ces moments de ravissement…

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L’Ecole Van Cleef & Arpels nous a ouvert ses portes le temps d’un shooting et d’une leçon de Haute Joaillerie. Parfaitement installé au 19 place Vendôme (au sein d’un hôtel particulier du XVIIIe siècle, que François Crozat fit construire pour sa fille), la directrice (Marie Vallanet-Delhom) nous accueille comme un jour de rentrée, sourire aux lèvres, désireuses de remplir nos petites têtes des souvenirs d’une expérience inoubliable.

The Ecole Van Cleef & Arpels has opened its doors for a shooting and a lesson in Haute Joaillerie. Perfectly located at 19 Place Vendôme (in a mansion of the eighteenth century, which Francois Crozat built for his daughter), the director (Marie-Vallanet Delhom) welcomes us like our first school day, smiling, eager to fill our little heads memories of an unforgettable experience.

Depuis 1906, date de la fondation de la maison de Haute Joaillerie, Van Cleef & Arpels (initialement Alfred Van Cleef & Salomon Arpels Sarl née de l’association d’Alfred Van Cleef avec son oncle Salomon Arpels en 1896)  incarne le savoir-faire à la française, la délicatesse et la féminité.  Fort de ses succès légendaires, le collier zip en 1939, la bague « boule » en rubis de 1935, du clip fée « Spirit of Beauty » de 1955 ou de toute la collection « Alhambra« , pensée dans les années 1970 …  La fierté de la maison est sans conteste le « Serti Mystérieux« . Élaboré en 1933, il permet de créer un pavage de pierres sans en laisser deviner l’assemblage, une technique demandant l’intervention minutieuse du tailleur.

Since 1906, date of birth of the house of Fine Jewelry, Van Cleef & Arpels (originally Alfred Van Cleef & Arpels Salomon Sarl born from the association of Alfred Van Cleef with his uncle Salomon Arpels in 1896) embodies  the French expertise, the delicacy and femininity. With its legendary success, the zip collar in 1939, the ring « ball » ruby 1935 clip fairy « Spirit of Beauty » in 1955 or the whole « Alhambra » collection, thinking in the 70′s … The pride of the house is undoubtedly the « Mystery Setting ». Developed in 1933, to create a paving stone without leaving guess assembly, a technique requiring the careful intervention tailor.

L’Ecole, crée en 2011 et ouverte en février 2012, lève le voile sur le monde de la Haute Joaillerie. L’initiative est inédite, altruiste, éducative, passionnante, … irrésistible. Répondant à un désir de curiosité, la Maison de Haute Joaillerie a décidé d’ouvrir les portes d’un univers jusqu’alors secret, réservé à une poignée d’initiés et de professionnels. Construit autour de 7 modules de 4 heures :

• Les Bijoux Talismans
• Histoires et Inspirations
• Parures, Symboles et Pouvoir
• Lire les Pierres
• Jeux de bijoux
• Apprécier le geste et l’oeuvre collective
• Accéder à la création Van Cleef & Arpels
• Entrer dans l’Univers Van Cleef & Arpels

le parcours vous transporte, que dis-je vous élève !

Nous avons eu l’opportunité de découvrir le monde très secret de la création d’un bijoux, depuis le dessin jusqu’au polissage. Un moment incroyable, des rencontres enrichissantes, 4 heures à boire les paroles de Victoria, Maxime et Blaise, nos mains d’or !

Confortablement installés dans le salon d’Or, un salon dont les murs sont recouverts d’une tapisserie faite d’or et de cuir gaufré,  nous débutons notre parcours par un rapide retour historique, nous rappelant l’origine de l’art de vivre à la Française. La joaillerie française depuis toujours est une référence unique au monde, les gestes séculaires des ouvriers des Maisons sont issus des racines d’une culture, d’un savoir-faire transgénérationnel. Mais tout ceci se situe bien au delà du savoir-faire, il s’agit du savoir-vivre.

La transmission de ce savoir se fait sur la durée, l’apprentis reste assis de long mois, voire des années entre deux mains d’or jusqu’à ce qu’ils estiment que l’heure est venue pour lui de devenir une main d’or.

Je trouve enfin la réponse à cette question qui me brûle les lèvres : quelles sont les étapes nécessaires à l’élaboration d’un bijou ? Tout part d’un dessin, ou des archives, l’idée est soumise au Service Pierre, puis au Service Recherche et Développement qui étudie la faisabilité, c’est au Comité de Création de valider les précédentes étapes. Chaque pierre est choisie individuellement dans le respects des 4 C : Cut - Carat - Clarity - Color.

The school, founded in 2011 and opened in February 2012, lifts the veil on the world of Haute Joaillerie. The initiative is unique, altruistic, educational, exciting, … irresistible. Responding to the desire of curiosity, the House of Haute Joaillerie decided to open the doors of a hitherto secret world, reserved for a handful of insiders and professionals. Built around seven modules of 4 hours:

Talismans Jewelry
Stories and Inspirations
Sets, Symbols and Power
Read Stones
Jewelry sets
Appreciate the gesture and the collective work
Access to the creation Van Cleef & Arpels
Entering the Universe Van Cleef & Arpels

The journey takes you, rises you!

We had the opportunity to discover the secretive world of the creation of jewelry, from design to polishing. An incredible time, enriching encounters, 4:00 to drink the words of Victoria, and Maxime Blaise, our golden hands!

Comfortably seated in the living room « Or » show whose walls are covered with a tapestry made ​​of gold and embossed leather, we begin our journey with a quick historical overview, reminding us of the origin of the art of the French living. French jewelry has always been a unique reference to the world, secular movements of workers houses are from the roots of a culture, know-how transgenerational. But this is well beyond the know-how, it is the etiquette.

The transmission of this knowledge is the duration, apprentices sit long months or years between two « Mains d’Or » until they feel that the time has come for him to become a « Mains d’Or ».

I finally found the answer to this question that I am dying, what are the steps needed to develop a jewel ? It all begins with a drawing, or archives, the idea is submitted to the Service Pierre and the Research and Development department, which is investigating the feasibility, it is the Creation Committee who validates the previous steps. Each stone is individually selected in the respects of the 4Cs: Cut – Carat – Clarity – Color.

Du dessin naît une ébauche en volume selon la technique de  la fonte à cire perdue, héritée des égyptiens.

S’en suit une succession d’étape allant du sertissage au polissage.

Loin de n’être qu’un cours, nous avons mis en pratique sous le regard bien veillant des ouvriers des ateliers la Maison VC&A : Maxime et Blaise. Les Mains D’Or, portent excellemment leur appellation. Leurs gestes sont précis, doux, délicats malgré la dureté des matériaux. Les mouvements ressemblent à une douce chorégraphie de Benjamin Millepied (que nous rencontrerons mardi pour son spectacle  »Reflections » au Théâtre du Châtelet).

From the drawing  was born a blank volume according to the technique of « fonte à cire perdue » , inherited from the Egyptians.

There followed a succession of steps up crimping polishing.

Far from being a course, we put into practice under the kindly protection of workers in the workshops of VC&A: Maxime and Blaise. Mains D’Or, are excellently their name. Their movements are precise, soft, delicate, despite the hardness of materials. Movements resemble a fresh choreography by Benjamin Millepied (we meet on Tuesday for his show « Reflections » at the Théâtre du Châtelet).

 Pour reprendre une expression du photographe James Bort, vous poussez les portes de l’Ecole VC&A pour assouvir ce délicieux besoin de « regarder par le trou de la serrure« 

To quote a phrase from photographer James Bort, you enter the doors of the Ecole VC &A to satisfy this delicious need to « look through the keyhole » …

J’espère que vous avez pris autant de plaisir à nous lire que nous à partager ce moment incroyable.

I hope you liked our words as far as we like to share with you this amazing moment. 

Il ne vous reste plus qu’à vous inscrire pour faire de votre rêve une réalité. 

You can now make your dream come true 

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L’évènement est de taille, le groupe LVMH ouvre pour la seconde fois les portes de ses plus grandes maisons au public. La première édition a eu lieu les 15 et 16 octobre 2011, et a soulevé les foules ! Les fameux pass sont partis en quelques minutes, et les 100 000 visiteurs reçus étaient enchantés par leurs visites de l’une des 25 maisons du groupe LVMH.

C’est donc avec grand bonheur que nous vous annonçons la seconde édition des Journées Particulièresqui se déroulera les 15 et 16 juin prochain. 2 jours pendant lesquels 100 000 hommes et femmes qui travaillent dans les plus grandes maisons du groupe LVMH vont vous accueillir pour vous faire découvrir leur savoir-faire : horlogers, couturières, dames de table, bottiers, maîtres de chai, joailliers, malletiers, remueurs, premières d’atelier, chefs cuisiniers…

This is a significant event, the LVMH group opened for the second time the doors of its larger homes to the public. The first edition was held on October the 15th and the 16th, 2011  and raised the crowds ! The famous « pass » were « sold out »  in a few minutes, and received 100,000 visitors were delighted by their visits to one of the 25 houses of the LVMH group.

It is with great pleasure that we announce the second edition of the Special Day to be held on June the 15th and the 16th. Two days during which 100,000 men and women working in larger homes of LVMH will welcome you and show you their expertise: watchmakers, tailors, waitress, shoemakers, cellar masters, jewelers, trunk makers, stirrers , first of workshop, chefs …

40 maisons parmi les plus grands noms du luxe, des spiritueux à la joaillerie, en passant par l’horlogerie, la mode ou encore les parfums : Dior, Berluti, Fendi, Guerlain, Vuitton, Le Bon Marché, Moët Hennessy, le Jardin d’Acclimatation, Chaumet, Veuve Cliquot… des ateliers aux maisons de famille, la balade vous transportera au coeur des valeurs du groupe LVMH.

Pour accompagner au mieux votre découverte, un parcours vous a été spécialement conçu pour l’occasion : visites guidées, démonstrations de savoir-faire, conférences d’experts, projections privées ou ateliers interactifs …

Vous pourrez vous inscrire aujourd’hui, mercredi 15 mai, à partir de 12h sur le site pour profiter de coupe-file pour les 2 jours d’événements les 15 et 16 juin 2013. Pour choisir où vous rendre les jours J, parmi les sites en France, en Suisse, en Italie, en Espagne et au Royaume-Uni,  filez voir la liste sur le site !

Toutes les infos et les inscriptions sur : www.lesjourneesparticulieres.fr

40 houses among the biggest names in the luxury and to high jewelery, to watches, fashion or perfume like Dior, Berluti, Fendi, Guerlain, Vuitton, Le Bon Marché, Moët Hennessy, the zoological garden, Chaumet, Veuve Cliquot … from the workshops to the family houses, the ride will transport you to the heart of the values ​​of the LVMH group.

In order to better assist your discovery, a journey you have been specially designed for the occasion: guided tours, demonstrations of skills, expert lectures, private screenings and interactive workshops …

You can register today, Wednesday, May the 15th, from 12am on the website to enjoy queuing for two days of events on June, the 15th and the 16th, 2013. To decide where to make your D-day  among sites in France, Switzerland, Italy, Spain and the United Kingdom, go to see the list on the website !

All information and registration at: www.lesjourneesparticulieres.fr

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Nous parlons peu de beauté ici, mais quand nous découvrons un nouveau concept, comme il y a quelques mois la fabuleuse rencontre avec Corpus Délit, nous n’hésitons pas à vous en faire part ici ! Aujourd’hui nous nous penchons donc sur la marque Paperself. Lancée en 2009 par le designer Londres Chunwei Liao, Paperself réunit des artistes, des designers et des fabricants du monde entier.

Le but de Paperself est l’exploration innovatrice de papier pour la conception de produits contemporains dans le respect du développement durable. Depuis l’époque de l’Égypte ancienne le papier a permis au monde entier de communiquer : il a rapproché les continents, instruit des millions de personnes à travers les siècles, fourni une toile pour la création, l’expérimentation et la réalisation d’idées.

Avec Paperself, l’équipe de créatifs donne naissance chaque jour à des produits hors du commun, des meubles élégants, des articles ménagers ludiques ou encore des produits liés à la beauté. Ces derniers ont retenu notre attention, nous faisant ainsi découvrir une autre facette du « faux-cil ». Un travail minutieux et inédit dans le monde de la beauté, avec des artifices aussi beaux que rigolos.

Toujours à la recherche de nouveaux talents, Paperself regarde vers l’avenir au-delà des traditions pour faire découvrir le papier différemment et à travers de nouveaux yeux…. Le début d’une révolution !

Toutes les oeuvres réalisées ainsi que l’équipe au grand complet sur : www.paperself.com

We speak little bit beauty here, but when we discover a new concept as a few months ago with the fabulous encounter Corpus Insider, we do not hesitate to share it with you here! Today we focus on the brand so Paperself. Launched in 2009 by London designer Chunwei Liao, Paperself brings together artists, designers and manufacturers worldwide.

The goal is Paperself innovative exploration of paper for contemporary product design in respect of sustainable development. Since the time of ancient Egypt the paper has to communicate to the world: he brought the continents, educated millions of people through the centuries, provided a canvas for creation, experimentation and realization of ideas.

Paperself with the creative team gives birth every day products unusual, elegant furniture, housewares entertaining or products related to beauty. They have our attention, we thus discover another facet of « false eyelash ». A meticulous and unique in the world of beauty, with fireworks as beautiful as funny.

Always looking for new talent, Paperself looks to the future beyond the traditions to discover the paper differently and through new eyes …. The beginning of a revolution!

All works carried out and the whole team on: www.paperself.com

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Quand nous ne sommes pas à l’affut de jeunes créateurs, de nouvelles tendances, il est sûr que vous pouvez nous trouver dans un musée. Férus d’Art contemporain, Mylène et moi n’avons pu résister à l’appel de l’art cinétique.

L’exposition DYNAMO présente a travers un long, très long, parcours regroupant plus de deux cents œuvres, un siècle de lumière et de mouvement dans l’art. « Sur près de 4000m2, l’exposition montre comment, de Calder à Kapoor, de nombreux artistes ont traité les notions de vision, d’espace, de lumière et de mouvement dans leurs œuvres, en réalisant souvent des installations dans lesquelles le visiteur est partie prenante : les atmosphères chromatiques et changeantes d’Ann Veronica Janssens, les miroirs kaléidoscopiques de Jeppe Hein ou les réalisations in situ de Felice Varini. »

Mais bien plus que la plus grande réunion d’oeuvres contemporaines, DYNAMO place le visiteur au coeur de l’Art, il devient spectateur-acteur. Dès les premières oeuvres, votre corps est mis à contribution. D’aucuns diront que l’art contemporain reste insaisissable, voire incompréhensible, mais une chose est sûre vous ne sortirez pas indemne de cette expérience.

Le voyage sensoriel de DYNAMO commence pour une lumineuse entrée en matière de François Morellet (à qui nous vouons un culte), s’en suit le labyrinthe rotatif de Jeppe Hein, composé de miroirs et de plateformes tournantes, d’une pièce adjacente retentit de sourds claquement mêlés à une lumière plus que vive, Carsten Höller nous amène à la frontière de l’épilepsie avec son mur composé de plusieurs centaines d’ampoules clignotant à un rythme effréné. Sans oublier les trois sculptures concaves d’Anish Kapoor …

Le ton est donné !

When we are not on the lookout for young designers, new trends, it is sure that you can find us in a museum. Enthusiasts of Contemporary Art, Mylene and I could not resist the call of kinetic art.

The presents exhibition DYNAMO through a long, long journey of more than two hundred works, a century of light and movement in art. « Out of nearly 4000m2, the exhibition shows how Calder to Kapoor, many artists have treated the concepts of vision, space, light and movement in their works, often providing facilities in which the visitor is involved:. atmosphere and changing the color of Ann Veronica Janssens, kaleidoscopic mirrors Jeppe Hein or achievements in situ Felice Varini « 

But more than the largest gathering of contemporary works, DYNAMO puts visitors in the heart of the Art, he became a spectator-actor. From the early works, your body is put to use. Some would argue that contemporary art remains elusive, even incomprehensible, but one thing is for sure you will not put this experience.

The sensory journey begins DYNAMO for light entry for François Morellet (to whom we dedicate worship) ensues the rotating labyrinth by Jeppe Hein, consisting of mirrors and rotating platforms, an adjacent room rang deaf slam mixed with more than a bright light, Carsten Höller brings us to the border of epilepsy with its wall composed of hundreds of flashing bulbs at a breakneck pace. Not to mention the three concave sculpture by Anish Kapoor …

Here we are !

Serge Lemoine, Matthieu Poirier, Domitille d’Orgeval,Marianne Le Pommeré (les commissaires) et Véronique Dollfus, à qui nous devons la scénographie, ont créé de loin la plus époustouflante exposition que le Grand Palais ait eu l’honneur d’accueillir.

Dan Falvin et ses tubes fluorescents de couleur verte aux vertus apaisantes nous permet une première pause, salvatrice pour notre rétine …

A notre grand désarroi, la pièces embrumée de Ann Véronica Janssens était fermée le soir de notre visite, la confusion des sens nous avait déjà été présentée par l’oeuvre d’Olafur Eliasson et  Céleste Boursier-Mougenot à l’Espace Culturel Louis Vuitton en 2009.

Vasarely nous transporte dans un monde où les lignes s’entremêlent, où votre vue vous perd, votre cerveau vous ment.

Nous avons succombé aux cercles colorés de Julio le Parc, et que dire de ses habiles jeux de lumière …

« D’une manière générale, par mes expériences, j’ai cherché à provoquer un comportement différent du spectateur (…) pour trouver avec le public les moyens de combattre la passivité, la dépendance ou le conditionnement idéologique, en développant les capacités de réflexion, de comparaison, d’analyse, de création, d’action. » 

Julio Le Parc

Illusion, contorsion, domination, sublimation … sont autant de mots qui vous accompagneront de salle en salle dans ce parcours au coeur de l’art cinétique, qui, ne l’oublions pas, fête ses 100 ans.

Le travail de chacun des 150 artistes présentés, est mû par le ludique et l’audacieux, l’engagement physique du visiteur, le trouble visuel qui sont des préoccupations capitales pour de nombreux d’entre eux.

Nos oeuvres préférées sont sans nul doute celles de Stephen Antonakos, Jesus Rafael Soto et Xavier Veilhan, dont le mobile violet noir tourne tel une ombre pesante dans l’escalier monumental du Grand Palais

Dynamo, au Grand Palais jusqu’au 22 juillet. Place Clémenceau, Paris VIIIe. Tous les jours. Tarifs : de 9 à 13 euros. Rens. :www.grandpalais.fr

Serge Lemoine, Matthew Poirier, Domitilla Orgeval, Marianne The Pommeré (Commissioners) and Véronique Dollfus, to whom we owe the scenography created by far the most amazing show that the Grand Palais has had the honor of hosting.

With Dan Falvin and fluorescent green tubing with soothing we can first break, saving our retina …

To our dismay, the misty parts of Ann Veronica Janssens was closed on the evening of our visit, the confusion of the senses had already been made by the work of Olafur Eliasson and Céleste Boursier-Mougenot at the Espace Culturel Louis Vuitton 2009.

Vasarely transports us into a world where the lines intertwine, where you lose your sight, your brain is lying to you.

We succumbed to the colored circles Julio Park, and what about his skillful play of light …

« Generally, in my experience, I tried to bring a different behavior of the viewer (…) to find with the public the means to fight passivity, dependency or ideological conditioning, developing capabilities reflection, comparison, analysis, creation, action. « 

Julio Le Parc

Illusion, contortion, domination, sublimation … are all words that will accompany you from room to room in this course in the heart of kinetic art, which, lest we forget, is celebrating its 100 years.

The work of each of the 150 artists featured, is moved by the playful and bold, physical engagement of the visitor, the visual disturbances that are crucial concerns for many of them.

Our favorite works are undoubtedly those of Stephen Antonakos, Jesus Rafael Soto and Veilhan which turns purple black mobile as a heavy shadow on the grand staircase of the Grand Palais

Dynamo at the Grand Palais until 22 July. Place Clemenceau, Paris VIII. Everyday. Prices: from 9 to 13 euros. Rens. : www.grandpalais.fr

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Vous n’avez pas pu louper aujourd’hui les différents comptes-rendus des médias sur les personnalités présentes hier soir au gala du Metropolitan Museum of Art donné en l’honneur de l’exposition qui ouvrira ses portes dans quelques jours, Punk : Chaos to Couture.

L’idée est brillante, les stars se bousculaient au portillon, plus élégantes les unes que les autres (même si elles étaient loin d’avoir toutes joué le jeu du dress code Punk de la soirée) pour honorer le monde de la mode qui, sous le joug de Anna Wintour et Riccardo Tisci, se penche sur ce phénomène qu’est le mouvement Punk.

Résolument incontournable depuis des décennies chez certains créateurs, la mode Punk a vu le jour dans les années 70 et elle continue d’influencer la mode aujourd’hui. D’après le directeur général du MET Thomas P. Campbell,  »Le mouvement Punk est un mélange de références et a été alimenté par les développements artistiques tels que le dadaisme et le postmodernisme« . Et d’après Andrew Bolton, du Costume Institute, « Depuis ses origines, le mouvement Punk a eu une influence incendiaire sur la mode. (…) Les créateurs continuent de s’approprier le vocabulaire esthétique du punk pour capturer au mieux son esprit de rébellion juvénile et sa force. »

You don’t have to miss today’s various reports on media about last night’s gala at the Metropolitan Museum of Art in honor of the exhibition which will open its doors in a few days, Punk : Chaos to Couture.

The idea is brilliant, there was a lot of famous stars, one more beautiful than the others (although some don’t have respect the Punk’s dress code for the event) to honor the world of fashion, as the eyes of Anna Wintour and Riccardo Tisci, examines this Punk’s phenomenon.

Punk is not dead ! For decades Punk is an inevitable transition for fashion designers, the Punk fashion was born in the 70′s and continues to influence fashion today. According to the CEO of MET Thomas P. Campbell,“Punk’s signature mixing of references was fueled by artistic developments such as Dada and postmodernism ». And for Andrew Bolton from the Costume Institute, “Since its origins, punk has had an incendiary influence on fashion. Although punk’s democracy stands in opposition to fashion’s autocracy, designers continue to appropriate punk’s aesthetic vocabulary to capture its youthful rebelliousness and aggressive forcefulness.”

L’exposition, rendue possible grâce à la générosité du site Moda Operandi et du groupe Condé Nast, va donc retracer l’histoire de ce mouvement Punk dans la mode à travers une centaine de modèles Femmes et Hommes présentés sur 2 étages du musée. Des premiers modèles créées dans les années 70 aux plus récents, de la Haute Couture au prêt à porter, tous les symboles seront représentés tels que les épingles de sûreté ou les lames de rasoir… Sept galeries se succèdent et vont retracer les plus grandes périodes artistiques de cette époque, à l’aide de clips vidéos et bandes sons notamment.

Au total plus d’une trentaine de créateurs et marques seront ainsi mis en avant. Un seul absent et pas des moindres. Celui qu’on appelle depuis toujours « l’enfant terrible de la mode », celui qui est défini comme « punk sentimental » dans la biographie que Elisabeth Gouslan lui a consacré, n’est pas de la partie. Et pourtant les créateurs français ne sont pas en reste dans cette expo : Karl Lagerfeld, Martin Margiela (qui débuta comme assistant de ce créateur chez Hermès)…

The exhibition, which’s made possible with the generosity of the website Moda Operandi and Condé Nast publications, will therefore retraces the history of the Punk’s movement in fashion through a hundred men and women models presented on two floors of the museum. The first models created in the 70′s to the more recent, from Haute Couture to the ready to wear, all symbols will be represented such as safety pins or razor blades … Seven galleries succeed and will trace the greatest artistic periods of this time, using video clips and sound tracks.

More than thirty designers and brands will be there. One is not here and not least. He has always been called « l’enfant terrible de la mode », The one who has been defined as « emotional punk » in the biography Elisabeth Gouslan, is not in this exhibition. Yet the French creators are not left behind in this exhibition : Karl Lagerfeld, Martin Margiela …

Jean Paul Gaultier, lui, a travaillé tout au long de sa carrière sur ce mouvement Punk. Celui-là même qu’il a remis en avant pas plus tard que lors de sa collection Haute Couture du Printemps/été 2011 avec un French Cancan bougrement dépoussiéré. L’une des salles de l’exposition qui lui est actuellement dédiée au musée Kunsthal à Rotterdam porte même le nom « Punk »… Alors cette initiative du MET et de ses généreux donateurs est peut-être honorable et répond à un phénomène de mode incontournable, mais il faudrait nous expliquer pourquoi ce grand nom de la mode qu’est Monsieur Gaultier n’a pas l’honneur d’apparaitre ni dans l’exposition ni même sur le tapis rouge alors qu’il est l’un des premiers noms qui viendrait aux lèvres de férus de mode si on leur demandait d’associer le nom d’un créateur au mouvement Punk. Un élément de réponse peut-être ?!

Jean Paul Gaultier worked throughout his career on the Punk’s movement. The same one that gave forth no later than at its Haute Couture Collection Spring / Summer 2011 with a French Cancan damn dust. One of the rooms of the exhibition which is currently dedicated to him at the Kunsthal in Rotterdam even called « Punk » … So this initiative of MET and his generous donors may be honorable and responds to an essential phenomenon of fashion world, but it would explain why the big name fashion og Mr. Gaultier didn’t honor to appear in the show or on the red carpet as he is one of the first names that come from the lips of fashion-conscious if they were asked to associate the name of a creator to Punk’s movement. Part of the answer may be ?

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L’histoire du Palais de Tokyo est intimement liée à celle de la mode. Souvent le témoin silencieux des plus beaux défilés, son coeur oscille toujours entre Art contemporain et Mode.  Cette exposition, N°5 Culture Chanel a été confiée à Jean-Louis Froment (spécialiste de l’art contemporain, créateur du CAPC de Bordeaux), commissaire des précédents volets de CULTURE CHANEL qui se sont tenus à Moscou (Musée d’Etat des Beaux-Arts Pouchkine), Shanghai (Museum of Contemporary Art), Pékin (National Art Museum of China), et Canton (Opera House).

Cette exposition à point nommé vient compléter notre dossier sur l’histoire de la mode

Construite sur un jeu subtil de correspondances, Jean-Louis Froment explique que l’exposition : « décrypte le parfum N°5 en rendant visibles les liens qui le rattachent à son époque et aux courants d’avant-garde qui la traversent [...] Oeuvres d’art, photographies, films, archives et objets exposés rendent compte des multiples inspirations qui ont nourri l’univers et l’imaginaire de Mademoiselle Chanel« 

Coco Chanel, femme du monde, femme de son époque, s’émancipe et cotoie les plus grands de son siècle : Picasso, Picabia, Man Ray, Brancusi, …

Devenu emblème, talisman, pierre angulaire de la Maison Chanel, le jus de ce mythique flacon  fut créé par Ernest Beaux, créateur de parfums français que Gabrielle Chanel avait rencontré à Grasse en 1920. De leur rencontre naquit   »un parfum de femme à odeur de femme », dixit Coco. N°5 doit sa reconnaissance à un subtil équilibre entre ses notes d’ylang-ylang, de jasmin et de bergamote, 3 notes qui se dégagent parmi les 80 composants qui le constituent.

 Lancé le 5 mai 1921, la maison de la rue Cambon lui rend hommage en débutant son exposition ce 5 mai, 92 ans jour pour jour après sa naissance. Pourquoi N°5 : simplement par superstition !

Plus qu’un parfum, Chanel N°5 incarne une époque, une liberté, un entre-deux guerres où l’espoir a son étendard. Traversant les décennies, le jus garda sa puissance fantasmagorique de la force érotique de la femme. N°5 ne se définit par aucun temps, il est simplement.

Le design du flacon eu cinq formes différentes : celle, initiale, de 1921, puis de 1930, 1950, 1970 et 1986.

Réussite pourtant aujourd’hui inexpliquée, qui ne tient peut être qu’au symbolisme de l’aura de l’élégance à la française.

Le parfum était plébiscité par les G.I., qui avant de rentrer aux Etats-Unis faisaient la queue devant la célèbre boutique de la rue Cambon à Paris pour rapporter un exemplaire à leur épouse … ceci expliquerait il cela ?

Longtemps indétrônable, caracolant en tête des ventes France de parfum, le mythe s’effondre à 2011, dépassé par J’adore de Dior.

 L’exposition N°5 CULTURE CHANEL est imaginée par Jean-Louis Froment avec la participation de Irma Boom, Piet Oudolf, Laurent Burgisser et Jérôme Schlomoff.

Site de l’exposition : www.5-culturechanel.com , www.palaisdetokyo.com

Du 5 mai au 5 juin 2013.

L’exposition N°5 Culture Chanel  sera gratuite.

The history of the Palais de Tokyo is closely linked to fashion. Often the silent witness of the most beautiful fashion show, its heart always oscillates between Contemporary Art and Fashion. This exhibition was entrusted to Jean-Louis Froment (specialist in contemporary art, creator of CAPC in Bordeaux), Commissioner of previous parts of the Exhibition « CULTURE CHANEL »  which were held in Moscow (State Museum of Fine Arts Pushkin) Shanghai (Museum of Contemporary Art), Beijing (National Art Museum of China) and Guangzhou (Opera House).

Built on a subtle play of correspondences, Jean-Louis Froment explains that the exhibition « decrypts the No. 5 perfume making visible the links that relate to his time and avant-garde currents through the [.. .] art, photographs, films, archives and exhibits works reflect the many inspirations that fueled the world’s imagination and Mademoiselle Chanel « 

Coco Chanel, lady of the world, woman of her time, emancipated herself and mixes with the greatest artists of her century: Picasso, Picabia, Man Ray, Brancusi, …

Became a symbol, a talisman, the cornerstone of the Chanel house, this mythical juice was created by Ernest Beaux, Gabrielle Chanel met him in Grasse in 1920. Of their meeting was born a « woman’s perfume smelling like a woman », says Coco.

No. 5 is the recognition of a subtile balance between its ylang-ylang notes, jasmine and bergamot, 3 notes emerge among the 80 components that constitute it.
 Launched in May 5, 1921, the house of the rue Cambon paid tribute to him starting this exhibition this May 5, 92 years to the day after his birth. Why No. 5: this is just superstition !

More than a perfume, Chanel No. 5 represents a time, a freedom, an interwar where hope has its standard. Through the decades, the juice kept his spooky power of erotic power of women.

No. 5 is no longer defined by any time, it is, simply.

The design of the bottle had five different forms: initial, 1921, then 1930, 1950, 1970 and 1986.

Yet unexplained success today, can not be that symbolism is the aura of the French elegance.

The perfume was praised by the G.Is. , which before returning to the United States lined up at the famous shop in the rue Cambon in Paris to bring a copy for their wives … this would explain that ?

Long invincible, prancing top-selling perfume  in France the myth collapses in 2011, overtaken by J’adore Dior.

The CULTURE CHANEL N ° 5  exhibition is designed by Jean-Louis Froment with the participation of Irma Boom, Piet Oudolf, and Jerome Lawrence Burgisser Schlomoff.

Exhibition website: www.5-culturechanel.com, www.palaisdetokyo.com
From 5 May to 5 June 2013.

The exhibition Culture Chanel No. 5 is free.

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Dans quelques mois nous serons à la Semaine de la Mode et du Design de Montréal, une occasion pour vous parler de ces créateurs canadiens talentueux, tel Denis Gagnon.

Denis Gagnon est l’un des designers canadiens les plus importants de sa génération. En 1988, Denis Gagnon intègre le Collège LaSalle. Son diplôme en poche, il perfectionnera ses techniques en œuvrant dans la confection de costumes de théâtre. En 1993, il quitte le Canada pour Casablanca afin d’y enseigner le moulage. À son retour, en 1995, le créateur retourne à la confection de costumes pour des troupes de théâtre diverses. Les années passent et le designer Yso le convainc de travailler à ses côtés en 1999.

Son sens stylistique avant- gardiste très prisé dans le domaine de la mode le mène à lancer sa carrière solo en 2000. En 2004, Denis Gagnon devient l’un des fournisseurs de Holt Renfrew, à raison de deux collections par année. C’est cette même année que l’entreprise Denis Gagnon inc. voit le jour. Denis Gagnon, aux vues de son succès et des critiques positives, dépasse ses limites plastiques afin de créer des sculptures mouvantes toujours plus innovantes.

Une pause se fait sentir, Denis Gagnon se retire pour se concentrer sur ses créations artistiques. Il fait son retour au printemps 2008 avec la présentation de son défilé éponyme « Denise Back » à la fonderie Darling en présence du Tout-Montréal mode et branché. L’année 2010 marque les dix ans de carrière du designer et Fashion Television lui rend hommage lors de la 19e édition de la Semaine de mode de Montréal.

Le 18 octobre 2010, Denis Gagnon est devenu le premier designer canadien à faire son entrée au Musée des beaux-arts de Montréal pour y présenter sa plus récente collection Couture lors d’un défilé. Ainsi nait l’exposition « Denis Gagnon s’expose« , que lui consacre le Musée du 19 octobre 2010 au 13 février 2011. Les projets s’accumulent au cours de l’année 2011, entre autres une collaboration avec la maison de cosmétiques Lancôme, pour laquelle il est amené à créer une collection de maquillage à son nom.

Son défilé Printemps/Été 2012, « Denise au Jardin » défraie une nouvelle fois la chronique. Au début de l’année 2012, Denis Gagnon lance sa collection Automne/Hiver 2012-2013, s’ouvrant au dressing masculin. En septembre 2012, il présente sa collection Printemps/Été 2013 dans le cadre de la Semaine de la Mode de Montréal.

Jouant la carte de l’excentricité et de l’acceptation Denis Gagnon accessoirise les hommes de hauts talons, l’ambiguïté des genre est pleinement assumée. Denis Gagnon rend également hommage à sa mère avec un tissu imprimé d’un portrait de celle qui lui a donné le jour.

Denis Gagnon aime travailler les matières, les coupes et jouer avec les volumes. Il se joue des contraintes pour définir une nouvelle silhouette. Clairement contemporain, son identité est marquée par un caractère fort ne laissant pas oublier son côté artistique et son gout certain pour les sculptures.

Toute l’équipe d’IN&OUT est tombée sous le charme de Denis Gagnon.

In a few months we will be at the Fashion Week and Design in Montreal, an opportunity to talk about these talented Canadian artists as Denis Gagnon.

Denis Gagnon is one of the largest Canadian designers of his generation. In 1988, Denis Gagnon joined LaSalle College. After graduation, he perfected his techniques involved in making theater costumes. In 1993, he left Canada to Casablanca to teach molding. Upon his return in 1995, the creator returns to the making of costumes for various theater troupes. The years pass and the designer Yso convinces him to work with him in 1999.

His avant-garde stylistic direction very popular in the fashion field leads him to launch his solo career in 2000. In 2004, Denis Gagnon is a supplier of Holt Renfrew, with two collections per year. That same year the company Denis Gagnon inc. born. Denis Gagnon, considerating his success and positive reviews,  goes through his plastic limits to create ever more innovative mobile sculptures.

Denis Gagnon retired to focus on his artistic creations. He made his return in the spring of 2008 with the presentation of his eponymous fashion show « Denise Back » at the Foundry « Darling »  in the presence of the almighty fashionable and trendy Montreal . The year 2010 marks the ten-year career of the designer and Fashion Television honors him at the 19th edition of Montreal Fashion Week.

October 18, 2010, Denis Gagnon became the first Canadian designer to make his start at the Museum of Fine Arts in Montreal, and to present his latest couture collection at a fashion show. Thus was born the exhibition « Denis Gagnon Shows », that the Museum dedicated to him on 19 October 2010 to 13 February 2011. Projects accumulate during the year 2011, including a collaboration with the Lancome cosmetics House, for which he is required to create a makeup collection in his own name.

His Spring / Summer 2012 show  »Denise in the Garden » makes again the headlines. At the beginning of 2012, Denis Gagnon launches his Autumn / Winter 2012-2013 collection, opening the masculine dressing. In September 2012, he presented his Spring / Summer 2013 as part of the Fashion Week in Montreal.

Playing with the eccentricity card and notion of acceptance Denis Gagnon accessorizes men with high heels, the kind of ambiguity is fully accepted. Denis Gagnon also pays tribute to his mother with a print of a portrait of the woman who gave birth to him.

Denis Gagnon enjoys working materials, cuts and plays with the volumes. He plays with constraints to define a new silhouette. Clearly contemporary, his identity is marked by a strong character leaving remember his artistic side and his taste for sculptures.

All IN & OUT’s  team  fell in love with Denis Gagnon.

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Notre court séjour à Venise pour l’ouverture de la boutique Louis Vuitton fut l’occasion de shooter la collection printemps été 2013 de notre marque de denim préférée : G-Star Raw. Depuis quelques années maintenant nous suivons de près chaque collection, le travail de Pierre Morrisset (Designer) et Shubhankar Ray (Global Brand Director) ne cesse de nous montrer à quel point l’absence d’héritage n’est rien quand le talent suit.

Tous les magazines en parlent aujourd’hui, le denim est de retour ! Toutes les marques sortent leur it-pièce : Miu Miu sa redingote, Louis Vuitton sa jupe culotte, Chanel son sac « Boy » en jean …

Nous voyons d’un bon oeil le retour du jean dans notre dressing, la veste restant l’élément incontournable. Celle-ci s’est d’ailleurs vue doucement glissée vers une autre utilité. Elle n’est plus là pour recouvrir, protéger, réchauffer, elle devient cette chemise épaisse qui se glisse sous un blazer, un trench. La veste en denim se transforme, sa fonction également.

G-Star Raw, depuis sa création ne cesse d’innover, de montrer son côté Raw (brute). La sortie de sa ligne Red Listing affirme un peu plus le positionnement de la marque créée en 1989.

Nous songions depuis longtemps à faire un look total denim, un hommage à la marque. Venise, le soleil, l’excuse parfaite.

Veste Denim : Raw Essential Arc Jacket, en sergé doux gaucher, avec surpiqûres entièrement doubles, manches 3D, empiècement à chevrons, ceinture avec sangle et finition taches de peinture. Édition limitée. Prix : 269,90 €

Caban : Marc Newson for G-Star Raw, Caban classique de coupe boxy, revisité en toile rigide blue duck et doté de zips plaqués signés Newson. Prix : 249,90 €

Jeans : 3301 Low Tapered Red Listing, modèle unique customisé pendant l’atelier The Art Of Tailoring des Galeries Lafayettes. Prix : 159,90 €

Our short stay in Venice for the opening of the Louis Vuitton store was an opportunity to shoot the spring summer 2013 collection of our favorite denim brand G-Star Raw. For some years now we monitor each collection, the work of Pierre Morisset (Designer) and Shubhankar Ray (Global Brand Director) continues to show us how the lack of inheritance is nothing when the talent follows.

All fashion magazines are talking about denim today, denim is back ! All brands out their it-room: the coat Miu Miu, Louis Vuitton and its divided skirt, the Chanel denim bag « Boy » …

We think it’s a good thing to see the come back of denim in our dressing, jacket remains the essential element. The denim jacket has also slowly crept to another utility. It is not there to cover, protect, warm, it becomes this thick shirt that fits under a blazer, a trench. The denim jacket is about to change, its function as well.

G-Star Raw, since its inception continues to innovate, to show its Raw side. The output of the Red Line Listing says a little more about the positioning of the brand, created in 1989.

We thought for a long time to make a total denim look, a tribute to the brand. Venice, the sun, the perfect excuse.

Denim Jacket: Raw Essential Arc Jacket, soft twill left, with fully double stitching, 3D sleeves, yoke herringbone webbing belt and finish with paint stains. Limited edition. Price: € 269.90

Caban: Marc Newson for G-Star Raw, Caban classic boxy cut, revisited rigid blue duck canvas and features plated zips signed Newson. Price: € 249.90

Jeans: 3301 Low Tapered Red Top, unique model customized for the workshop The Art Of Tailoring the Galeries Lafayette. Prix : 159,90 €

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Vous savez à quel point nous avons une grande affection pour la maison Louis Vuitton : son Histoire, ses collaborations, ses collections, ses sacs iconiques et ses visages… Alors lorsqu’on nous a proposé de nous joindre au voyage pour l’inauguration de la nouvelle boutique Louis Vuitton à Venise, nous avons préparé la valise avec empressement ! Suivez-nous…

« Venise a toujours occupé une place à part pour la Maison. Cité lacustre à la croisée de l’Orient et l’Occident, elle est le symbole même du voyage et de l’ouverture sur l’ailleurs. A travers cette Maison, nous voulons rendre hommage aux Vénitiens et aux amoureux de la Cité en leur proposant nos plus belles créations, mais aussi un lieu d’art et de culture qui leur est entièrement dédié. » Michael Burke, Président de Louis Vuitton.

On ne peut s’empêcher, en se baladant dans les rues de Venise, de remarquer que le palais des Doges est composé de fleurs quadrilobées et de se demander si George Vuitton n’aurait pas ainsi été inspiré pour la création de son fameux Monogram… Une question qui restera en suspend ! Ce qui est certain, c’est que la Maison Louis Vuitton a toujours été attachée aux valeurs du voyage, de l’art, et que la Cité des Doges en est un parfait accomplissement. Elle a accueilli en son sein les plus grands voyageurs férus d’art, notamment Peggy Guggenheim dont on peut aujourd’hui visiter le musée d’art contemporain éponyme, et livre ses rues et son jardin chaque année à la Biennale d’art et d’architecture.

A l’image de cette Histoire entre Vuitton et cette superbe ville, une malle courrier datant de 1885 et portant les étiquettes d’une dizaine d’hôtels de la ville, sera exposée à l’entrée du magasin vénitien. Ce nouvel écrin de la Maison Louis Vuitton, installé au 1345 de la Calle San Marco dans l’ancien palais du Cinéma Teatro San Marco, constitue à la fois un projet architectural, créatif, artisanal et culturel. Cet établissement, construit en 1908, a vu défiler les plus grandes stars du septième art, de Clark Gable à Greta Garbo, notamment grâce à la création en 1932 du plus ancien festival cinématographique, la Mostra. Des signatures qui restent ancrées sur la façade de la toute nouvelle Maison Vuitton, avec les hauts reliefs du sculpteur Napoleone Martinuzzi, intégrant une bobine de film et les Lions de Venise de la Mostra. Une « enseigne » surprenante mais très importante pour la Maison car elle certifie d’une véritable Histoire et cela rentre dans sa logique de mécénat, qu’elle entretient depuis de nombreuses années à l’attention de la Cité des Doges.

A quelques pas de la légendaire place Saint Marc, la boutique Louis Vuitton de Venise a été réalisée avec la collaboration de l’architecte Peter Marino, nous livrant un grand hall ouvert sur tous les étages, avec un jeu d’ombres et de lumières, des boiseries sombres comme comptoirs, au mur une patine ivoire… Une modernité très traditionnelle, toute en contraste ! L’Histoire de la Maison Vuitton, celle de la Cité des Doges, tout est réuni pour en faire un lieu où la mode et l’art ne font qu’un.

Tout le savoir-faire de la maison Louis Vuitton est présenté : un espace voyage, accessoires (bijoux, foulards, etc.), la maroquinerie et petite maroquinerie pour Femmes et pour Hommes (notamment les pièces fluo que nous avions découvertes lors du défilé), le prêt à porter et les souliers également pour Femmes et pour Hommes… Et sont proposés : un salon privé, un espace de démonstration (merci à Anne-Marie de l’Ardèche, employée depuis 27ans, pour sa gentillesse!) où régulièrement les clients pourront profiter d’animation telle que « l’art de faire sa valise »… mais l’un de notre espace favori est incontestablement l’espace culturel. Une librairie cosy, sur un étage entier, où il fait bon de s’installer pour lire, entouré de photos du « Teatro la Fenice di Venizia » de Candida Höfer, et du lustre « Fragments » en cristal de Murano recyclé, imaginé par les frères Campana. Des livres autour de Venise, du voyage et de l’art, bien entendu, mais une ouverture d’esprit bien plus grande avec aussi des ouvrages rares sur le monde du tatouage par exemple. Et pour parfaire cet étage, un espace d’exposition proposera régulièrement des évènements artistiques. Cet espace est le premier en Italie et le sixième dans le monde… Une perle, tout comme cette ville magnifique !

Voici quelques photos de la soirée d’inauguration où nous avons eu le plaisir de côtoyer Anna Dello Russo, Dianna Agron, Clémence Poésy, et de nombreux journalistes et blogueurs du monde entier (Caterina, Bip Ling, Alessandra…)

Nous vous raconterons très bientôt dans un autre article le rallye surnommé « LV Shoeting » que nous avons fait dans les rues de Venise pour découvrir la prochaine collection de souliers pour Hommes et pour Femmes… Et nous vous ferons visiter la manufacture où ces merveilles sont réalisées !

Nous en profitons pour vous faire découvrir deux vidéos, l’une pour fêter cette joyeuse inauguration à Venise :

et la seconde est consacrée au plaisir et à l’art du voyage que Louis Vuitton véhicule, tout simplement :

Un grand merci à la Maison Louis Vuitton et ses équipes pour ce superbe voyage avec une fine équipe !

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Nous vous l’annoncions il y a quelques mois, ce 28e Festival International de Mode de Hyères 2013 promettait d’être pointu. Avec plus de 355 candidats en lice et seulement 10 finalistes, le jury, composé de Felipe Oliveira Baptista(D.A de Lacoste), Liesbeth Abbenes (photographe), Delphine Roche (Rédac-chef de NUMERO), Maurice Scheltens (photographe), Imran Amed (Redac-chef de Business of Fashion), Barbara Coutinho (Direction du Museum of Design & Fashion, Lisbonne), Mark Holgate(Directeur des News mode du Vogue US) et de Paula Reed (Fashion director, Harvey Nichols, London), a enfin délivré le nom des vainqueurs :

We announced a few months ago, the 28th International Festival of Fashion in Hyeres in 2013 promised to be sharp. With more than 355 candidates and only 10 finalists, the jury composed by Felipe Oliveira Baptista (DA Lacoste), Liesbeth Abbenes (photographer), Delphine Roche (Rédac head NUMBER), Maurice Scheltens (photographer), Imran Amed (Redac head Business of Fashion), Barbara Coutinho (Directorate of Museum of Design & Fashion, Lisbon), Mark Holgate (Director of U.S. Vogue fashion news) and Paula Reed (Fashion director, Harvey Nichols, London), had finally issued on behalf of the winners:

GRAND PRIX DU JURY PREMIÈRE VISION : Satu MAARANEN / THE PREMIÈRE VISION JURY GRAND PRIZE : Satu MAARANEN

PRIX CHLOÉ : Camille KUNZ / THE CHLOÉ PRIZE : Camille KUNZ

PRIX DU PUBLIC DE LA VILLE D’HYÈRES : Shanshan RUAN /  THE PUBLIC PRIZE OF THE CITY OF HYÈRES : Shanshan RUAN

PRIX DU PUBLIC DU PALAIS DE TOKYO : Yvonne POEI-YIE KKOW / THE PUBLIC PRIZE OF PALAIS DE TOKYO : Yvonne POEI-YIE KKOW

Nous suivrons dans les mois qui viennent le parcours des heureux vainqueurs de cette 28e édition.

We will be watchful in the following months the career of the 28th edition’s winners  

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Certains jours, la vie se transforme en conte de fée. Le téléphone vibre, un message privé via Twitter de Lauren Bastide, co-redac chef du Daily ELLE et une journaliste mode au talent incontestable… qui souhaite préparer un sujet sur le tatouage. Etant fan du projet que j’ai lancé il y a 9 mois ( The Tattoorialist ), une nuit d’insomnie Lauren eu l’idée de réunir deux thèmes qui nous sont chers : la mode et le tatouage. Elle m’a donc contacté en tant que consultant sur le projet, et je l’ai aidée à choisir 5 jolies filles tatouées. Le projet étant secret, rien n’a pu filtrer durant les 10 longs jours d’attente.

Le ELLE nous montre, grâce aux bons mots de Lauren, le tatouage féminin autrement, plus authentique et humain, dénué de cette sensualité dégoulinante qui pullule dans les magazines spécialisés. Ce dossier spécial met en avant Ladychips, Lucy Heff, Fanny Maurer, Stéphanie Lambert et Wilhelmina, cinq filles tatouées shootées par le talentueux Frederic Auerbach.

Je ne vous en dis pas plus si ce n’est de courir acheter le dernier numéro du ELLE, de suivre les tribulations de l’excellent Daily ELLE et bien sûr de visiter The Tattoorialist …

Some days, life becomes a fairy tale. The phone vibrates, a personal message on Twitter from Lauren Bastide, co-chief editor of the DailyELLE fashion journalist and undeniable talent … who wants to make a topic on the tattoo. Being a fan of the project that I started 9 months ago (The Tattoorialist), a sleepless night Lauren had the idea to combine two themes that are dear to us : fashion and tattoo. So she contacted me as a consultant on her project, to help her  in the choice of five beautiful tattooed girls . The project was secret, nothing could filter for 10 long days of waiting.

ELLE mag shows us, through the good words of Lauren, the tattoo differently more authentic and « human », devoid of the dripping sensuality abounds in specialized magazines. This special issue highlights Ladychips, Lucy Heff, Fanny Maurer, Stephanie Lambert and Wilhelmina five tattooed girls shot by the talented Frederic Auerbach.

I do not tell you more because you MUST buy the latest issue of  ELLE, follow the tribulations of the great DailyELLE  and of course visit The Tattoorialist …

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