C’è qualcosa di dolce dentro le canzoni dei canadesi Shimmering Stars. Sarà che l’ho ascoltato mentre leggevo Blanckets, la graphic novel capolavoro di Craig Thompson, ma le sensazioni suscitate sono forti. Pop rock in stile anni ’60 e attitudine a bassa fedeltà, melodie lievi e armonie corali.

Chitarre scintillanti che riempiono le particelle d’aria, freschezza pop solo sfiorata da una lontana malinconia. Un album luminoso ed elegante.

DANGEROUS!
Teenage Rampage

[ Epitaph - 2011 ]

Genere: punk-rock
Similar Artists: The Hives, Jet, Kaiser Chiefs
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Band australiana che esordisce su Epitaph records con un una mezz’ora di furia rock’n’roll che profuma tanto di Hives e affini.

Non solo distorsioni, ma un approccio alla forma canzone in qualche modo orecchiabile, seppur a fedeltà molto basse e sommersa da distorsioni. Un disco non del tutto primitivo, con un proprio stile e una coerenza di fondo, anche nella durata, ottimale per questo tipo di produzioni.

Ascolta Movers N Shakers

WAKEY!WAKEY!
Almost Everything I Wish I’d Said The Last Time I Saw You

[ Family - 2011 ]

Genere: pop
Similar Artists: Death Cab For Cutie, Dashboard Confessional, Ben Folds Five
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Michel Grubbs interpreta un barista nella serie tv “One Three Hill”, praticamente il ruolo che svolgeva nella vita di tutti i giorni. In qualche modo è riuscito a dare alle stampe questo innocuo dischetto, aiutato da qualche passaggio televisivo delle sue canzoni.

Niente di stravolgente, anzi, la scrittura fa spesso cilecca e la banalità è dietro l’angolo seppur ben nascosta da una piacevolezza di fondo. Una mezza bocciatura per un disco che, se non avesse potuto sfruttare la visibilità televisiva, probabilmente non avrebbe mai visto la luce.

Ascolta Almost Everything I Wish I’d Said The Last Time I Saw You

KISSES FROM MARS
Birth Of A new Childhood

[ Disco Dada - 2011 ]

Genere: post-rock
Similar Artists: Explosion In The Sky, Mono, Mogwai
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Cosa c’è di nuovo da dire in ambito post-rock? Niente. I Kisses From Mars, band di Ravenna, quel “niente” lo ribadiscono ancora una volta ma lo fanno bene. Post-rock che quando alza i toni sembra più convincente di quando l’adrenalina cala e le atmosfere più liquide prendono il sopravvento.

Disco ben suonato che segue la scia dei più noti Explosion In The Sky. Niente male, anche se già sentito migliaia di volte.

HYDE & BEAST
Slow Down

[ Tail Feather - 2011 ]

Genere: pop-rock
Similar Artists: The Beatles, The Coral, Supergrass
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Progetto di due batteristi, Dave Hyde dei Futurheads e Neil “Beast” Bassett dei Golden Virgins, “Slow Down” si offre all’ascoltatore come un bel disco in vecchio stile. Un po’ (molto) Beatles, con qualche spruzzata, sempre d’effetto vintage, a stelle e strisce. Non un semplice esercizio di stile, piuttosto un compendio di buona scrittura, gusto melodico e antiquariato pop-rock.

Capace di distinguersi nella miriade di piccole uscite mensili del sovraffollato panorama musicale attuale.

NO JOY
Ghost Blonde

[ Mexican Summer - 2011 ]

Genere: shoegaze, alt-pop
Similar Artists: Deerhunter, My Bloody Valentine, Beach House
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Devo superare le mie reticenze in ambiente shoegaze a bassa fedeltà per parlare di questo disco. Troppi, davvero troppi gli album che abusano di questa formula. Almeno le (sì, sono due fanciulle) No Joy lo fanno bene, con quel pizzico di genuinità di fondo che evita di confinare il disco nel novero dei copia e incolla in bella calligrafia.

Magari farà anche la gioia di qualche irriducibile del “guardarsi le scarpe” nelle nuove generazioni pop-rock.

Mettere in fila i propri vuoti e dare un senso alle tante cose che sfuggono di mano è un esercizio faticoso. Riavvolgere i fili intrecciati delle tante idee intrappolate in una bolla di resina toglie il fiato. Giungere al momento in cui il giorno si curva è un’impresa titanica. Quotidianamente. E’ altrettanto difficile trovare un senso nell’ennesimo disco di Joseph Arthur, per giunta doppio, non molti mesi dopo “The Graduation Ceremony”, collezione di ballate autunnali fiorite in piena primavera. La curiosità si specchia e diventa una figura stanca, ma il tasto “download” resta comunque una tentazione. E così sia: “Redemption City”, ventiquattro tracce in totale divise in due parti.

D’improvviso non c’è più niente da riordinare, nessun filo da sciogliere e nessun cadavere da esporre come monito per i propri nemici interiori. E’ tutto chiarissimo, abbiamo tra le mani un gran disco inaspettato. Il Nostro si riappropria di una dimensione più completa, non disdegnando incursioni atmosferiche in ballate elettriche, cupe e dark. La malinconia folk è semplicemente accennata in un lavoro di cesello sugli arrangiamenti, ricchi, trasversali eppure alla portata di tutti. La paura di ritrovarsi tra scarti di una produzione ricca, che non raggiunge più le vette di un tempo in favore di una dispersione di intenti un po’ ingenua era forte. Mentre di freccie al proprio arco Joseph Arthur dimostra di averner ancora tante, seminando songwriting di qualità per tutta la durata del disco saltando a piè pari il pericolo “riempitivo”.

Brani come “I Miss The Zoo”, “I Am The Mississippi”, oppure la suggestiva canzone fiume “Surrender To The Storm” non avrebbero sfigurato in “Come To Where I’m From”. Tagliano in due, feriscono in profondità, eppure non fanno sanguinare. Sono quelle ferite necessarie che scuotono le giornate, che rimediano al caos e alle assenze che ci urlano nelle orecchie. Subdolo Joseph Arthur, ce l’hai fatta a tradimento questa volta. Ci hai costritti a camminare sul ciglio di mille precipizi e poi, tra un vuoto e l’altro ci hai fatto costruire ponti con queste splendide canzoni. E’ un esercizio necessario e ci fa sentire meglio.

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Redemption City
[ autoprodotto - 2012 ]
Similar Artist: Ed Harcourt, Ryan Adams, Joe Purdy
Rating:

Ascolta “Visit Us”

Una delle app più quotate di questo 2012 è Instagram. Per chi non la conoscesse, Instagram permette di scattare foto, applicare filtri, un rudimentale bokeh e condividere sui diversi social network. Ora vi chiederete giustamente: cosa centra Instagram con il debutto di questa band australiana, i Boy & Bear? Il folk rock  dagli accenni psichedelici anni 60 mi ricorda una istantanea di Instagram, scattata in un enorme prato, dove Dave Hosking canta accompagnato da chitarra, bonghi, cembalo e coretti vari.

L’album utilizza una formula ben collaudata di folk rock vagamente country, in cui il gioco di voci ha un ruolo preponderante, accompagnate da strumenti classici e un qualche synth  alla Local Natives (vedi ‘Milk & Sticks’). Si alternano brani acustici, dalle riminescenze in stile Dave Matthews Band e Mumford & Sons (“Lordy May”, “House and Farm”) a bonghi, cembali e sonorità indie rock (“The Village”). Non manca un folk più grezzo e marcato in brani che spiegano come la band sia entrata nelle grazie di Laura Marling (“Golden Jubilee”, “Feeding Line”). Ottima la ballata “My Only One”, giocata prevalentemente su voci, violino, chitarra (che regala in un aspettato finale) e la lirica “Beach”, delicata, quasi orchestrale.  L’album affascina sia dal fronte prettamente musicale, con una produzione particolarmente pulita e lineare, sia per i testi intimi, che senza tante pretese si avvicinano ad una realtà personale e quotidiana Oh I remember sitting back on my balcony / I was’a listening to the Rolling Stones / See I was waiting for my dad to come home from work.

Un album ottimo per gli amanti del folk, consigliato a chiunque cerchi la perfetta colonna sonora per una mezz’ora di pace assoluta in attesa degli assolati pomeriggi di primavera.

Moonfire
[ Universal - 2011 ]
Similar Artist: Dave Matthews Band, Local Natives
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Ascolta “Feeding Line”

Risulta semplice accostarsi a questo album, il lavoro da sophomore della band del New Jersey, perché è in sé semplice, leggero e vagamente naif. Non è una cattiva cosa che sto dicendo riguardo ai Big Troubles, anzi trovo che questo porsi delicatamente sulla scena indie della East Coast sia esattamente in controtendenza rispetto a quanto stavo ascoltando ultimamente: qui non c’è urgenza di sfogarsi, di lagnarsi del mondo che rotola, non c’è la saccenza dell’esperto di sostanze reduce da anni sulla cresta dell’onda, non c’è il disagio giovanile, il disagio delle periferie e nemmeno il disagio della provincia che fanno tanto figo oggi. Qui non c’è del disagio o ribellione, c’è un gruppo (mediamente) bravo che suona e sembra farlo divertendosi.

Sono genuinamente normali, di quelli che potresti ritrovare in una puntata di “Dawson’s Creek”, o di “O.C.” o di cosa stanno trasmettono di questi tempi, potrebbero essere la band sana ed affidabile che fa da punto di riferimento nei momenti buoni che la teenager ascolta nella propria stanza sognando d’essere invitata al ballo (The city’s breeze always feels so quiet/
Show me where it hurts/As we watch the world burn) e quella confortante dei momenti cattivi, che la teenager ascolta nella propria stanza stramaledendo di non essere invitata al ballo (Love is in the air/but I don’t care/’Cause I don’t want to love anymore), ma allo stesso modo il gruppetto che il fratello grande in fondo in fondo non disprezza, non lo dice, ma che ascolta in macchina. Sono come i Silversun Pickups, meno rock, o come i Dashboard Confessional, più maturi, tanto per collocarli in un ideale mondo di accostamenti e corrispondenze.

Tuttavia rispetto al loro primo album “Worry”, hanno fatto un grossissimo salto in avanti rispetto al rock-pop adolescenziale, e questo grazie soprattutto al fatto che la Slumberland Record ha affiancato loro Mitch Easter (R.E.M. – Pavement…), mica uno qualsiasi, che li ha sgrezzati, indirizzati, composti e pettinati per poi lanciarli con quel qualcosa in più che li rende certamente più completi. Le melodie sono chiuse, armonizzate, gli strumenti non corrono più da soli ma con un senso s’incastrano, creando ritornelli semplici ma accattivanti. C’è del Dinosaur Jr buttato qua e là (“Time Bomb”), ma ci sono soprattutto passaggi chitarrosi che strizzano l’occhio anche ad un brit pop senza tempo (“She Smiles for Pictures”), scanzonato e amichevole.

Non sarà una pietra miliare della storia della musica, questo mai, ma chi ha il coraggio onestamente di bocciare questa commedia romantica?

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Romantic Comedy
[ Slumberland - 2011 ]
Similar Artist: Silversun Pickups, Dashboard Confessional
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Ascolta “Misery”

“When in doubt, choose Music” è il titolo della seconda compilation di sola musica indipendente italiana targata Fusoradio. Nasce grazie al rinnovato impegno de Gli IndiePatici: la prima trasmissione di Fusoradio interamente dedicata alla musica indipendente italiana, arrivata alla sua seconda stagione (nei primi 3 mesi ha già raccolto, tra dirette e podcast, circa 7mila ascoltatori).

Si tratta in realtà di una raccolta, divisa in due lati. Due come le anime musicali che abbiamo voluto rappresentare e promuovere: una rock (Lato A) e l’altra elettronica (Lato B). Sonorità che secondo noi si adattavano alla stagione invernale, interpretate da band e artisti che a nostro modo di vedere sono ottimi portabandiera della musica italiana di qualità. Come sempre la compilation è scaricabile gratuitamente. Tutti i brani sono pubblicati sotto licenza Creative Commons: questo significa che chiunque ha il diritto di usufruirne e soprattutto diffondere a sua volta, con due soli limiti: che lo faccia gratuitamente (come noi) e che citi la fonte.

[ Fonte FusoRadio ]

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Lunedì 20 febbraio, su etichetta Lucky Dog (label della band), esce “The Something Rain” nuovo disco dei Tindersticks.

Ecco come è già stato accolto il nuovo lavoro:

(The Something Rain) showcases a band who seem to have rediscovered new ways of putting together their already impressive constituent parts – Uncut 4/5

(The Something Rain is) experimental and intriguing, always retaining a sense of Tindersticks wonderful uniqueness – The Fly 3.5/5

A mind-blowing poetic masterpiece – Rolling Stone 5/5

Per chi non lo avesse ancora ascoltato in regalo il primo estratto “Frozen”

Ascolta e scarica l’MP3 [ via Tindersticks.co.uk ] :

Tindersticks – Frozen

Figura quasi mitologica e insieme pressoché sconosciuta al di fuori dei patrii confini, notissimo per le sue amanti e certe scandalose composizioni (la celebre “Je T’Aime… Moi Non Plus” e l’ambigua “Les Sucettes” affidata all’innocente e ignara France Gall), altrettanto musicalmente sottovalutato dalle nostre parti (nonostante dagli anni ‘90 fino ad oggi siano stati continuamente ristampati i suoi album e sia stato oggetto di omaggi da parte dei più vari gruppi e musicisti), Serge Gainsbourg è probabilmente il più famoso cantautore francese del secondo dopoguerra, ma qualsiasi definizione è riduttiva di fronte al suo genio.

Partito dalla chanson più tradizionale, invaghitosi del jazz e giunto persino a sperimentare con i ritmi in levare del reggae, gli echi e i riverberi del dub, Gainsbourg firma la sua opera più nota nel 1971: il concept album “Histoire de Melody Nelson”.
Vizioso ed ammiccante già dalla famosa cover che ci mostra una Jane Birkin seminuda e sbarazzina, il disco è un monumento all’amore e al sesso senza restrizione alcuna, è il trionfo della passione che coinvolse Serge e Jane (all’epoca in attesa dell’unica figlia, l’attrice e cantante Charlotte), ma è anche tragica riflessione sulla fugacità del tempo: guidando la propria Rolls Royce per le vie di Parigi il protagonista urta la giovanissima Melody che passava in bicicletta, da questo inaspettato incontro-scontro e dalla conseguente, innocua, caduta che lascia intravedere le fresche grazie della giovane inglese nasce una rispettiva fascinazione che culminerà, torbida e focosa, nella stanza 404 di un decadente hotel che è insieme metafora di quell’amore destinato a naufragare e del personaggio (anche dell’uomo?) Gainsbourg, romantico viveur che si getta morboso sulle candide e turgide forme dell’adolescente Melody.

Storia semplice, ma conturbante; soprattutto se annegata nel lascivo torpore funk che caratterizza buona parte dell’opera. Un tappeto nerissimo e sudato, infatti, si stende sotto il malizioso sussurrare di Gainsbourg nella lunga introduzione di “Melody” (sentite poi la versione alternativa di nove minuti abbondanti contenuta nel secondo cd, spaziale), capace di mixare l’Africa più nera, psichedelia liquida e tossica e i lussureggianti archi diretti da Jean Claude Vannier. Le stesse torbide atmosfere di lisergica sensualità tornano nella suite che chiude l’album e nel brano (“L’Hôtel Particulier”) dedicato all’attenta cronaca ambientale della camera in cui i due amanti si recano per consumare il proibito e atteso convegno carnale, mentre quest’ultimo è affidato alle risatine (etiliche? estatiche?) di Jane Birkin sopra un furente blues-rock.

Nel mezzo l’indimenticabile pop opaco della famosissima “Ballade de Melody Nelson”, un valzer irriverente e l’elegia di “Ah! Melody” per completare uno degli album più influenti e importanti del rock francese ed europeo e molto di più: opera lucida e affascinante, dal sapore europeo e ottocentesco ma dal sound dannatamente nero e avanguardista, ricca di suggestioni e semplicemente irresistibile anche a quarant’anni dall’uscita.

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Histoire de Melody Nelson
[ Philips/Mercury - 1971 ]
Similar Artist: Sly & The Family Stone, Lou Reed, Fabrizio De André
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Confusion will be my epitaph King Crimson

Londra, prima metà degli anni settanta. Il Circus inglese è completamente immerso nei rapporti di potere/forza nati in seguito alla Guerra Fredda. ‘Control’ (John Hurt) è l’ex capo dimissionario responsabile del fallimento di una recente missione in Ungheria. Sempre meno convinto della casualità di quell’incidente, inizia a diffondere ai vertici dell’intelligence la voce che nel board anglosassone si nasconda una spia russa. Tra i quattro si distingue la figura di ‘Smiley’ (Gary Oldman), il quale dopo esser stato costretto alla pensione in seguito alla partenza di ‘Control’, viene incaricato da un ufficiale governativo a indagare sulla faccenda. Con il prezioso aiuto di Peter Guillam (Benedict Cumberbatch), ‘Smiley’ scala a tentoni una montagna criptica e mutante fatta di cartelle incomplete e missioni cariche di zone grigie. A non convincerlo è in particolare l’operazione strega, piano d’azione che si rivelerà poi direttamente collegato con la tana della talpa sovietica.

Lo svedese Tomas Alfrendson, regista praticamente alle prime armi se non si considera ‘Lasciami entrare’ e qualche lungometraggio non uscito dai suoi confini nazionali, ci presenta una pellicola certosina, caratterizzata dalla minuziosa ricostruzione spazio temporale. L’atmosfera, il vestiario e l’espressione degli 007 della Londra anni settanta vengono riportati in vita con stile di dedizione coadiuvando regia, fotografia e musica in un trittico inscindibile. La vera pecca è che questo trittico gioca per tutta la durata del film a fare l’elitista, rifiutandosi con fermezza di allargare il podio al quarto concorrente in gara: la sceneggiatura. Il romanzo di Le Carré appare così svalutato e rilegato in secondo piano, un errore gravissimo per un quadro che aveva la pretesa di definirsi thriller. Le scene si susseguono, i flashback aumentano ma lo spettatore continua a non capire niente. Improvvisamente alla fine tutto torna, si capisce chi è la talpa; ma è troppo tardi, una valanga di storie e particolari sono ormai andati perduti.

All’uscita dalla sala i commenti sono estremamente dicotomici: genio o follia. Il problema in questo caso non è scegliere. Chi lo aveva apprezzato capirà, dopo aver mangiato un boccone, che d’illuminante c’era veramente poco e che l’occhio era stato invece banalmente sedotto da una cornice di spettacolarizzazione: si erano battute le mani ma non si era compreso nulla.

Nuovo video per i We Have Band.

Diretto da Alex Turvey il video è un chiaro omaggio a “The Holy Mountain” di Alejandro Jodorowsky.

Dopo il grande successo del concerto milanese del 23 novembre Annie Clark, la giovanissima cantautrice americana che si cela sotto il nom-de-stage ST VINCENT, arriva in Italia per tre concerti per presentare il nuovo album “Strange Mercy”, osannato dalla critica internazionale, uscito in Italia per la prestigiosa 4AD/Self.

Dopo aver collaborato nel 2009 per “Actor”, Annie Clark torna a lavorare con il produttore John Congleton per registrare l’album negli Elmwood Studios a Dallas, la sua città natale in Texas. Le undici nuove tracce fondono il celebrale al viscerale, i suoi eleganti arrangiamenti melodici a forti pugni emozionali.

La virtuosità di Annie è oramai universalemente riconosciuta e, in “Strange Mercy”, St. Vincent trova il modo di ridefinire l’idea del guitar hero, utilizzando lo strumento nello stesso modo in cui un pittore puntinista potrebbe impugnare un pennello. Senza contare i riff giudiziosamente collocati e i bagliori strumentali, ognuno distinto e unico, sempre coerenti tra loro. In “Cruel”, St. Vincent provoca esplosioni simili a una sezione di fiati r&b, “Cheerleader” bolle con le sue chitarre profonde mentre “Surgeon” gira su se stessa all’infinito. Durante tutto ciò, la voce di Annie Clark danza in mezzo ad una tempesta di note.

“Strange Mercy” però non è un album interamente solista, anzi, Annie Clark ospita, tra gli altri, il vincitore di Grammy Award Bobby Sparks (mini Moog, clarinetto, arpa, wurlitzer), MacKenzie Smith dei Midlake alla batteria e Daniel Hart al violino. All’album hanno contribuito anche il tastierista e direttore d’orchestra Brian LeBarton, Evan Smith ai fiati e Phil Palazzolo.

IndieForBunnies in collaborazione con DNA vi regala 1 biglietto per la data di Milano del 24 febbraio 2012.

Aggiudicarsi il premio in palio e’ facile, scrivi tra i commenti a questo articolo il motivo per il quale dovremmo premiare proprio te con un ingresso omaggio per il concerto di ST VINCENT del 24 febbraio al Tunnel di Milano.

TI RICORDIAMO CHE IL CONTEST VALE PER LA SOLA DATA DI MILANO

Il fortunato vincitore verrà estratto tra i commenti.
Vi ricordiamo quindi di indicare nel campo “Mail (che non verrà pubblicata)” il vostro indirizzo di posta elettronica.
In caso di vittoria verrete ricontattati via mail.

Ecco tutte le date italiane di ST VINCENT:

22 febbraio 2012 – Roma – Lanificio 159
23 fabbraio 2012 – Bologna – Locomotiv Club

24 febbraio 2012 – Milano – Tunnel

LINK:

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I desideri possono correre veloci come pattini a rotelle, ma spesso si rischia di scivolare. Da Lisbona a Roma non esiste luogo dove essere al sicuro perché non c’è bianco in cui non si nasconde oscurità.

Questa è la poetica bifronte di Simone Salvatori. Emerge prepotente nella trasposizione canora del film “Odete”. La pellicola del portoghese Joao Pedro Rodrigues, cineasta sospeso lungo quella frontiera tra albore e tenebra mostrata dai maestri Jarman e Fassbinder, è anche l’ispirazione per il videoclip firmato da Paola Rotasso per il terzo singolo tratto dall’album “Rotten Roma Casino”.

La regista emergente riesce a montare ritmo e melodia e a mettere in scena il legame di Spiritual Front con la morte e l’erotismo, con il lato buio dell’animo umano. Nel bianco e nero si muovono personaggi negati ad amare.

Una splendida Beatrice Brancazi travestita da Simone Salvatori sembra condannata a desiderare sperando che ci sia quello che non c’è. Lungo quel fronte spirituale dove non c’è spleen da copertina e non ci sono tranquillanti. Non è prevista nessuna profezia taumaturgica per il dolore. Non esistono anime salve. I sogni sono destinati ad abortire nel vaudeville dell’ordinario quotidiano che soffoca il respiro.

Con lucidità attendete il vostro assassino, voi stessi o i vostri fantasmi. Guardate nello specchio, inserite la modalità schermo intero e chiedetevi se davvero l’amore è più forte della morte.

regia
Paola Rotasso

con
Beatrice Brancazi
Giovanni Izzo
Simone Salvatori

produzione
Ilaria Braghese
Adriana Ciampi

fotografia
Davide Manca
Marta Ronzone
Giuseppe Basile
montaggio
Paola Rotasso

foto di scena
Enrica De Nicola
Ilaria Braghese

assistente alla regia
Adriana Ciampi

trucco
Elena De Nicola

La Stop Records presenta “Everyday is a D-Day” lo split che coinvolge i Girless & the Orphan con i Verily So.

4 canzoni, una inedita, una cover e le vicendevoli cover dei due. Il tutto è un atto d’amore/odio, verso il mondo, verso il prossimo.

Il disco è in free download sul sito della Stop Records.

Everyday Is a D-Day (Girless & The Orphan + Verily So split cd) by Girless & The Orphan

Il disco d’esordio di Drake, “Thank Me Later” (che è stato anche remixato dai producer spagnoli Cookin’ Soul), nel 2010, fu anticipato da un hype spaventoso, dovuto anche alla sua affiliazione con la crew di Lil’ Wayne, la Young Money. Hype che ha permesso al cantante canadese di vendere più  di 400.000 mila nella settimana d’esordio, risultato esagerato sia per le condizioni comatose del mercato discografico, sia per il suo status di esordiente.
Come è logico, l’attesa per il suo secondo disco era altissima. Previsto originariamente per ottobre e pubblicato a novembre, “Take Care” sicuramente bisserà il successo del suo predecessore, ma a mio avviso segna una discesa a livello qualitativo. Giudicato in maniera positiva dalla stampa di settore americana, risente innanzitutto di una eccessiva lunghezza del prodotto (17 tracce più un interludio da 2 minuti e mezzo).

Intendiamoci, il disco non è brutto in toto: qualitativamente curato, musicalmente non dozzinale, senza troppi di quei beat un tanto al chilo come troppo spesso accade quando si parla di prodotti della Young Money (tradizione della scuola musicale da cui Lil’ Wayne proviene, ovvero la No Limits di Master P e la Cash Money di Birdman, sul cui rapporto con Wayne ci sarebbe da discutere a lungo – ma non divaghiamo), ma sufficiente ricercato per gli standard da cui proviene il lavoro, anche se troppo spesso povero di spunti validi. Drake come interprete non è male, e il modo in cui usa la voce all’interno del contesto funziona.

Il primo problema, come detto prima, è l’eccessiva lunghezza del tutto, che significa ripetitività e una certa monotonia, e quando si azzarda la carta di qualcosa lontana dagli standard del classico r’n’b americano si sente una debolezza di fondo che non aiuta l’ascolto, cercando di riprendere quello stile che ha reso famoso The Weeknd, senza però riuscire ad andare a segno. A questo, si aggiunge il fatto che Drake come liricista non è eccelso, anzi è piuttosto semplice nella scrittura e nelle rime (che non è detto sia un male).

Gli ospiti del disco sono ovviamente i suoi compari di crew, quindi Nicki Minaj (che continuo a reputare una brutta copia di Lil’ Kim virata south e 2011), Lil’ Wayne, Birdman, poi troviamo Rihanna su “Take Care”, prodotta da Jamie XX e che è praticamente al 90% il remix di “I’ll Take Care Of You” di Gil Scott-Heron, lo stesso The Weeknd su “Crew Love”, Andre 3000 e Rick Ross.

Non eccelso sui pezzi più prettamente rap, principalmente, a mio parere, a causa di un liricismo come detto debole, quando si tratta di parlare al cuore dell’ascoltatore il disco riprende quota, grazie soprattutto al buon utilizzo della voce, ricevendo anche un buon aiuto dalle produzioni di Noah “40” Shebib, che si occupa della quasi totalità delle musiche dell’album.

In definitiva, Drake Graham prova a realizzare quello che per Kanye West è stato “My Beautiful Dark Twisted Fantasy”, senza riuscirci. Ecco, è questo il punto: Drake non brilla per personalità, anche se probabilmente le potenzialità ci sono: “Marvins Room”, per dire, è un esempio di quello che potrebbe, ma non fa. Il ragazzo ha bisogno di applicarsi, crescere nel songwriting e provare a distaccarsi in maniera più consapevole dal’urban da classifica americano.

Per ora, rimandato. Ci vediamo al prossimo appello.

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Take Care
[ Young Money - 2011]
Similar Artist: Lil’ Wayne, l’ultimo disco di Kanye, The Weeknd, la versione 2k dei crooner
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Ascoltando il disco d’esordio degli Are You Real? (italianissima band di vicino Venezia, il nome e i testi in inglese non ingannino) si capiscono molte cose. Ai quattro (Andrea Liuzza voce, chitarra, tastiere, percussioni; Nicolò Polesello chitarra; Giorgio Michieletto basso; Davide Venier batteria) non piace essere definiti “indie” (né indie pop, né indie rock, nessuna delle declinazioni del termine) e in effetti l’etichetta va loro stretta e non solo per le “batterie post- rock” e “chitarre acustiche” di cui parla la press release.

“Songs Of Innocence” (titolo “rubato” a quel William Blake ritratto anche in copertina e simpaticamente indicato come produttore del lavoro) è un album pieno di sfumature. Ci sono composizioni dal tono sperimentale come la strumentale “Birds”, “Star Child Apocalypse” e “The Great Fire” che rasentano quasi lo spoken word, mentre la sognante “Dream Dream Dream”, “Humans” e “Fairytale” sono molto più vicine al cantautorato classico. A colpire è però soprattutto l’urgenza delle arrabbiate “I Miss You Forever” e “The End Of The World” (un pugno allo stomaco che non ti aspetti, vista l’atmosfera malinconica delle altre tracce) e “The Last Song”, storia di una fuga intravista, a lungo sperata e forse, alla fine, portata a termine.

Oltre al già citato Blake, gli Are You Real? hanno dichiarato di ispirarsi al fantasioso e surreale regista Terry Gilliam. Il nome l’hanno scelto pensando a “La Leggenda del Re Pescatore” e l’influenza di quelle storie e quei mondi si sente chiaramente nella loro musica per sognatori, gente che viaggia con la testa forse tra le nuvole ma i piedi saldamente piantati per terra.

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Songs Of Innocence
[ Face Like A Frog - 2012]
Similar Artist: Frightened Rabbit, Army Navy
Rating:

Ascolta 2 tracce da “Songs Of Innocence”

Attesissimo alla prima prova su lunga distanza, dopo gli innumerevoli e promettenti ep che lo hanno portato nel 2010 ad accasarsi presso la gloriosa Warp, etichetta inglese cardine di molta elettronica presente e passata: il giovane producer scozzese esordisce con “Glass Swords”, album che in breve tempo raccoglie plausi e lodi sperticate. Acclamato come nuovissimo ed ennesimo pilastro della galassia UK-step, nei quaranta minuti abbondanti di “Glass Swords” convivono le istanze più oltranziste del suono future-bass (Mount Kimbie, Ikonika, Actress), paccottiglie electro-eighties lucidate per l’occasione, un’estetica molto detroit-techno, la passione acid di alcun delle menti più lucide della Warp stessa (Luke Vibert, Richard D. James) e l’immancabile collante glitch-hop.

Se l’apertura del disco è sapientemente affidata ai synth spaziali della titletrack e al muscoloso funk-step di “Flash Back”, ben presto si rivelano certi difetti che appesantiscono l’ascolto e ridimensionano nettamente il valore dell’opera: già la successiva “Surph” affoga le ottime geometrie techno nel chipmunk più dozzinale e imbarazzante. È proprio l’abbondanza di vocine pitchate (oltre all’eccesso di influenze non metabolizzate) a pregiudicare complessivamente l’album: dove queste spariscono (il luminoso slap di “Hover Traps”, gli assalti irresistibili di “Death Mountain” e “After Light”) si può apprezzare pienamente l’attento lavoro sulla filigrana del sound, la vera grandiosità della visione di Russell Whyte, altrimenti anche pezzi eccezionali (come una “City Star” dall’incedere minaccioso ed industriale) suonano terribilmente artefatti e stancanti.

Giunti a termine del disco si ha purtroppo la conferma di una grande occasione mancata: Rustie è giovane e ha tutto il tempo dalla sua parte, la prossima volta deve solo selezionare meglio i materiali con cui costruire il proprio sound.

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Glass Swords
[ Warp - 2011]
Similar Artist: Luke Vibert, Aphex Twin, Actress, Mount Kimbie, Dâm-Funk, Ikonika, Manuele Atzeni
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Ascolta “Ultra Thizz”

Oggi, 7 febbraio, esce il terzo album in studio dei Calibro 35: l’atteso disco americano contiene dieci pezzi nuovi e due rivisitazioni che siglano il definitivo smarcamento del collettivo italiano dal concetto di colonna sonora.
Un disco potente ed immaginifico che verrà portato dal vivo con concerti sempre più esplosivi a partire da Febbraio 2012.

“Ogni Riferimento A Persone Esistite O A Fatti Realmente Accaduti E’ Puramente Casuale” è stato concepito in soli 5 giorni negli studi Brooklyn Recording e Mission Sound, luoghi culto in cui hanno inciso campioni come Arctic Monkeys ed Animal Collective, oltre ad un’istituzione del downtown jazz newyorkese come Marc Ribot. L’elemento cardine del disco è nella scrittura di getto, testimonianza di una fluidità compositiva ed esecutiva da fare invidia alle più acclamate compagini internazionali.

Enrico Gabrielli (fiati, tastiere e voce), Massimo Martellotta (chitarra elettrica e voce), Luca Cavina (basso) e Fabio Rondanini (batteria e percussioni) per l’abile regia di Tommaso Colliva (già dietro al mixer con Twilight Singers, Dente, Afterhours e Muse) affrontano così nuove teorie e pratiche dell’improvvisazione ritmica, mettendo l’accento su una scrittura mai così agile e smarcata dall’idea di commento sonoro. Rimane certo il gusto cinematico con i suoi riferimenti testuali, ma la band che ci prende per la gola è oggi a suo agio con nomenclature inedite, sfoggiando una diversità sostanziale di brano in brano.

“Massacro all’Alba” sembra cogliere le variazioni sul tema di un afro-beat psichedelico tanto caro ai sodali di Brooklyn Budos Band, mentre “Pioggia e Cemento” cela affinità con grandi compositori francofoni come Jean Claude-Vannier e Francis Lai, aprendo nuove prospettive e filiazioni. Quasi un carattere globale quello che avvolge i Calibro 35 in quella Gotham City che assieme alle sue ombre conserva i volti e le storie degli immigrati di mezzo mondo. E sotto questo auspicio nasce anche “New Dehli Deli”, che tradisce il gusto per la contaminazione occidentale dell’ardito Ananda Shankar. Se “Arrivederci e Grazie” stende al tappeto con quel suo clavinet aggressivo – difficile non immaginare scorribande sulle strade di San Francisco a questo punto – gli arrangiamenti corposi de “La banda del BBQ” ed “Il Pacco” fanno pensare al crossover di casa Motown, quando le chitarre lancinanti erano quelle di Phil Upchurch e dello scorpio Dennis Coffey. I fiati su questi due brani, sono di Paolo Raineri (tromba) e Francesco Bucci (trombone), arrangiati da Massimo Martellotta.

IndieForBunnies per celebrare questo atteso ritorno vi regala 1 copia CD del nuovo disco dei Calibro 35 “Ogni Riferimento A Persone Esistite O A Fatti Realmente Accaduti E’ Puramente Casuale”

Vincere il premio in palio e’, come sempre, molto facile.
Per aggiudicarsi una copia del disco vogliamo sapere che cosa vi viene in mente ascoltando la musica dei Calibro 35. Può essere qualsiasi cosa: altri artisti o band musicali, film e libri, reali o inventai, scenari e situazioni, esperienze personali ect…

Il fortunato vincitore verra’ individuato tra i commenti.

In caso di vittoria verrete ricontattati via mail.

Vi ricordiamo inoltre che i Calibro 35 da domani, 8 febbraio, saranno in tour lungo tutta la penisola:

CALIBRO 35 IN TOUR
8 febbraio: showcase Milano @ Fnac
9 febbraio: Modena @ Off
10 febbraio: Pavia @ Spazio Musica
11 febbraio: Torino showcase ore 17 @ Fnac + Live @ Hiroshima Mon Amour
17 febbraio: Verona @ Interzona
18 febbraio: Bologna @ TPO
25 febbraio: Livorno @ Cage Theatre
1 marzo: Roma @ Lanificio 159
3 marzo: Perugia @ Urban
9 marzo: Milano @ Magnolia
10 marzo: Firenze @ Flog
17 marzo: Pordenone @ Deposito Giordani
23 marzo: Palermo @ Candelai
24 marzo: Catania @ Mercati Generali
29 marzo: Eboli (SA) @ C20
30 marzo: Conversano (BA) @ Casa delle Arti
31 marzo: Lecce @ Officine Cantelmo

Link:

• CALIBRO 35 Website

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Vinci il nuovo CD dei CALIBRO 35 pubblicato su Indie For BUNNIES

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