Indie For BUNNIES

Lotus a Mantova

ifb — Tue, 07 Sep 2010 10:11:49 +0000

Mantova 8-11 settembre Lotus rassegna musicale che vedrà esibirsi DID, Stylophonic, Criminal Jokers.

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Frightened Rabbit in tour

ifb — Tue, 07 Sep 2010 09:42:40 +0000

La band scozzese arriva in Italia per presentare l’ultimo album. A novembre: Milano (12 @ Salumeria Della Musica), Bologna (13 @ Covo).

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Band Of Horses in Italia

ifb — Tue, 07 Sep 2010 09:26:48 +0000

Unica data nel nostro paese per i Band Of Horses. Appuntamento per l’ 11 febbraio 2011, Bologna @ Estragon.

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ARCADE FIRE – Live @ Arena Parco Nord – I–Day (Bologna, 02/09/2010)

Federico "Accento Svedese" — Tue, 07 Sep 2010 09:01:25 +0000

Un festival che si tiene di giovedì, nel bel mezzo della settimana in cui una buona fetta di italiani tornano al lavoro dalle ferie (sempre che un lavoro lo abbiano ancora). Un festival in cui il gruppo di punta è stato annunciato con mesi e mesi di anticipo e poi son stati messi in vendita i biglietti senza che si sapesse quali fossero le altre band di scena, tanto alla gente bastava che il gruppo di punta fosse quello. Un festival costruito intorno ad una band come gli Arcade Fire, gente pronta a fare il botto e a diventare i nuovi Muse – anzi no, i nuovi U2. L’ultima occasione per vedere gli Arcade Fire in un contesto del genere, un’occasione da non lasciarsi scappare per nulla al mondo perché d’ora in avanti la band canadese potremmo vederla solo in palazzetti dello sport (o addirittura stadi se l’esibizione si tiene nella stagione primavera-estate) con biglietti del costo minimo di 45 euro.

Ed allora si va in ricordo di quando l’I-Day Festival si chiamava ancora Independent Days Festival, e ci si perdono JoyCut e Death At The Chapel perché il lavoro nobilita l’uomo, lo rende simile ad una bestia e gli fa pure perdere concerti su concerti, e poi perché dai tempi in cui si andava all’Independent e si stava tutto il giorno sulla collinetta dell’Arena Parco Nord salvo poi scendere quando suonavano i propri gruppi di culto è passata moltissima acqua sotto i miei ponti. Si entra dentro che iniziano a suonare i Fanfarlo (niente male il loro incontro-scontro tra Talking Heads, Smiths e Patrick Wolf, suonano come una versione barocca dei Clap Your Hands Say Yeah e con un minutaggio inferiore a disposizione avrebbero addirittura potuto dar vita ad una esibizione memorabile e non solamente buona ma un tantino noiosa sul finire) e poi proseguono i Modest Mouse (grande delusione della giornata: una band stanca e scazzata, penalizzata da problemi tecnici ma pur sempre una band stanca e scazzata. Due anni fa sembravano avere il mondo in mano, qualcosa poi non è andato per il verso giusto ed ora è subentrata la disillusione, e noi ne paghiamo le conseguenze con esibizioni come quella di Bologna), e poi – per la gioia del pubblico pagante accorso lì solo per loro – gli Arcade Fire.

Accolti da un boato, gli Arcade Fire hanno iniziato subito a darci dentro. E che classe! Che tiro! Che eleganza! Canzoni che sembrano fatte apposta per essere suonate dal vivo e cantate dal pubblico, gente che ama la propria musica, ci crede e sa suonare benissimo, nessuna sbavatura, nessun intoppo per un’ora e mezza che i presenti ricorderanno per parecchio tempo (mentre gli assenti malediranno di essere stati assenti ingiustificati). La voce di Win Butler è in grado di emozionare, Régine canta, suona la batteria e fa di tutto, la band gira che è una meraviglia e nulla sembra poterla fermare perché questa qua è gente che ha un obiettivo e sa come raggiungerlo. I brani da “The Suburbs” superano pienamente la prova live ma il meglio vien proprio dal materiale più vecchio e rodato: “Neighborhood #1” è da brividi, con “No Cars Go” si canta e si ritorna ai tempi in cui si era più giovani di tre anni, con “Keep The Car Running” si ritorna ai tempi nostri e ci si rende conto che gli Arcade Fire faranno il botto perché sono intelligenti e sanno mettersi in gioco, e meritano tutto ciò che stanno raccogliendo e – presumo – raccoglieranno. E poi la doppietta “Rebellion (Lies)” e “Neighborhood #3”, che ti riporta al periodo in cui la gente iniziava a scoprirli e ad appassionarsi alla loro musica, che non era ancora moda come è adesso ma dimostrava di avere tutte le potenzialità per poterlo diventare, come è giusto che sia.

In definitiva, gli Arcade Fire piacciono così tanto perché ricordano tante cose note (Bruce Springsteeen, Cure, Joy Division, U2) eppure riescono nel miracolo di suonare diversi e personali vitali ed attuali. Hanno il mondo in mano, ora sta a loro sfruttare l’opportunità oppure bruciarsi in una sola vampata.

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ARCADE FIRE – Live @ Piazza Castello (Ferrara 11/07/2007)

LOLLAPALOOZA ‘10 – DAY ONE @ Grant Park, Chicago (USA, 06/08/2010)

Claudia Durastanti — Tue, 07 Sep 2010 08:36:27 +0000

LINE UP – 06/08/2010:
SOUTH STAGE: BALKAN BEAT BOX, RAPHAEL SAADIQ, DEVO, HOT CHIP, LADY GAGA
BUDWEISER STAGE: WAVVES, MAVIS STAPLES, THE NEW PORNOGRAPHERS, THE BLACK KEYS, THE STROKES
PLAYSTATION STAGE: B.O.B.:, LOS AMIGOS INVISIBLES, DRIVE-BY TRUCKSER, DIRTY PROJECTORS, JIMMY CLIFF
ADIDAS STAGE: JAVELIN, THE WALKMEN, THE BIG PINK, MATT & KIM, CHROMEO
THE GROVE: FOXY SHAZAM, THE CONSTELLATIONS, AMERICAN BANG, CYMBALS EAT GUITARS, FUCK BUTTONS, JAMIE LIDELL
PERRY’S STAGE: LDJS REMIX, BBU, ANCIENT ASTRONAUTS, ANA SIA, PEANUT BUTTER WOLF, KIDS IN THE HALL, J. COLE, CASPA, EROL ALKAN, TIGA, 2MANYDJS
BMI STAGE: THESE UNITED STATES, THE ETTES, JUKEBOX THE GHOST, MY DEAR DISCO, SEMI PRECIOUS WEAPONS, NEON TREES
KIDZAPALOOZA STAGE: THE HAPPINESS CLUB, SCHOOL OF ROCK, THE CANDY BAND, TIM AND THE SPACE CADETS, ROCKNOCEROS, ED KOWALCZYCK, RECESS MONKEY

INTRO & INFO

Festival alternativi che diventano corporate e musica corporate spacciata per alternativa.
Tra questi due momenti si inscrive la storia passata, presente e probabilmente futura del Lollapalooza.

Il suo fautore e mattatore, un Perry Farrel (ex Jane’s Addiction) che nelle interviste televisive appare sempre meno istrionico e sempre più soggiogato dalle retoriche della seduzione muscolare e biologica dei nuovi hipster americani (che sono fascinosamente asettici e militarizzati. La loro nuova eroina è la Vitamin Water, l’unico credo la birra organica) non sembra soffrire dei nuovi vestiti che hanno cucito addosso alla sua creatura.

Nato nel 1991, il Lollapalooza si impone come il festival alternativo per eccellenza. Itinerante, spazia in diverse venues americane e canadesi e riflette un impianto senza pretese, ponendosi in maniera trasversale rispetto a quella X Generation che ne costitutisce l’orizzonte di riferimento, come si evince anche dal convincente saggio di Micheal Azerrad sull’underground americano, quando le band potevano essere davvero la tua vita e c’era un circuito fertile di fanzine, college radio ed etichette indipendenti. Il festival si interrompe nel 1997, anche a causa di una perdita di vitalità dell’alternative che finirà per smarrire i legami con le sue radici e la sua etimologia e sarà semplicemente un genere in mezzo a tutti gli altri.

Il Lollapalooza torna nel 2003, quando fanno il loro ingresso le corporation, com’era già accaduto per Woodstock ‘94 e ‘99 (quest’anno Budweiser, Sony Playstation e soprattutto American Apparel, che a giudicare dall’abbigliamento in circolazione è definitivamente riuscita a colonizzare l’immaginario estetico della nazione indipendente). Il messaggio è che il baraccone deve andare avanti, anche a prezzo di qualche concessione. Non c’è più il rischio che il festival salti per mancata vendita di biglietti, e in fondo quel carrozzone piace, c’è l’esaltazione dei grandi numeri, i fuochi d’artificio, perché no. C’è perfino il Kidzapalooza, dove infanti privi di facoltà di scelta di fanno tatuare finti teschi sulle braccia a beneficio degli album Facebook dei loro genitori.

Lungi dal sentirsi tradito e privato di una sua originale intuizione, Perry Farrel torna al Lollapalooza 2010 ed esulta sotto i tendoni dei biergarten ripetendo che è tutto bellissimo, giovane, esaltante e luminoso. Si dice entusiasta dei ventisette cambi di scena previsti da Lady Gaga e non risponde alle domande sull’eventuale incoerenza della partecipazione di quest’ultima al festival perché nessuno gliela fa, questa domanda. In quel momento sento distintamente il suono dei poster dei Jane’s Addiction che vengono staccati dalle pareti di qualche fan della prima ora. Uno di loro, in albergo, quando ci racconta la storia del Lolla sembra rassegnato. Ci è venuto lo stesso, ci sono i Soundgarden (la buona notizia, a chi interessasse, è che a quanto pare Chris Cornell si è ricordato di essere un cantante).
Le statistiche in rete preannunciavano un netto calo di partecipazione a causa del fenomeno Gaga, ma le defezioni alla fine sono state irrilevanti, a dimostrazione che, come accade in questo paese all’indomani delle elezioni, i proclami di buona coscienza vengono sempre smentiti dai fatti. Degli anatemi lanciati dagli indie snob non è rimasta traccia, e la macchina del Lollapalooza non è stata intaccata.

Lo scenario del festival, in tutto questo, rasenta la perfezione: il gigantesco Grant Park è circondato da quei grattacieli che sono il manifesto di Chicago e tra i diversi palchi si aprono giardini e fontane che danno un tocco europeo al tutto. Il movimento delle masse oscilla tra il palco degli headliner (Lady Gaga, Green Day e Soundgarden) e quello della Budweiser al capo opposto, dove nelle tre sere suoneranno The Strokes, Phoenix e Arcade Fire. Uno split antropologico che più radicale non poteva essere: nei tre giorni di Lolla, infatti, si è registrata una nettissima contrapposizione tra spirito popolare e spirito elitario. Partiti dell’amore, performance da stadio e nostalgia retroattiva contro il fighettismo degli Strokes, l’approccio estetizzante dei Phoenix e il purismo musicale degli Arcade Fire. Da un lato, transgender, freaks, Mtv e grunge disadattati, dall’altro ninfe anoressiche e Pitchfork addicted.

Alla fine l’aspetto più rilevante del Lollapalooza 2010, oltre a qualche live che potrebbe avere davvero la pretesa di fare la storia, è la possibilità di registrare lo stato di salute della (contro)cultura di un paese, della sua capacità di divertirsi e di conservare suo malgrado bacini di creatività. Sugli intrattenimenti psicotropi collaterali vanno fatte poi della valutazioni: della violenza alcolica e sciatta ben nota ai frequentatori di festival nostrani nessuna traccia, malgrado i controlli all’ingresso fossero ridicoli (si poteva far entrare mezzo prodotto interno lordo colombiano in cocaina che la security non avrebbe protestato). Dicono che whisky e droghe white trash circolassero in abbondanza dalle parti dei Wolfmother, ma nel complesso gli ottantamila partecipanti del Lolla sono apparse come persone più interessate alla musica che ad altro, compatte e fin troppo pacifiche.

LOLLAPALOOZA ‘10 – DAY ONE

L’anacronismo e la ferita di Gaga nella percezione collettiva dei giusti sono tali che quando i Devo suonano “Mongoloid” (in una collocazione infelicissima, di primo pomeriggio quando tutti stanno ancora ritirando il braccialetto di ingresso) sembra quasi di essere il posto sbagliato, dato che tutti attorno sembrano aspettare solo lei, ed è uno straniamento decisamente positivo. Malgrado l’età che avanza, i Devo non danno l’impressione di essere dei rincitrulliti che stanno lì solo per soldi e dei loro bizzarri trasferimenti conservano qualche accento senza scadere nel ridicolo. Della loro prestazione musicale, senza neanche dirlo, va salvato tutto.

Per il resto la giornata offe la successione The Big Pink, che a distanza di tempo suonano sempre di più senza infamia senza lode, a dimostrazione dell’importanza del fattore tempo nel valutare una band, i The Walkmen (tra le band più chiacchierate e apprezzate della manifestazione) e Wavves, che dopo il flop al Primavera Sound è odiato e altrettanto amato dalla critica americana. Non si fa in tempo a seguire i Fuck Buttons, che suonano nell’area Spinning at Perry’s deputata altrimenti alle ordalie di selvaggi fissati con la dance noti per praticare il cosiddetto fist pumpin’ con i pugni tesi all’aria in piena aurea Jersey Shore. Nel tardo pomeriggio suonano The Black Keys (da seguire. Preparatissimi e intensi), in attesa del Gaga Horror Show.

L’ipocrisia intellettuale di tirare in ballo Andy Warhol e il gruppo Fluxus per giustificare la propria presenza dinanzi alla performer la risparmierei. Il motivo per cui il live in questione ha registrato tutta quella partecipazione, a parte gli stalker e i fan che lei si ostina a chiamare affettuosamente little monsters, è una brutale curiosità. Che le sue hit, per quanto eurodance, fanno ballare le masse. E’ il lato oscuro della forza, ma esiste e nella sua primordialità è estremamente seduttivo, anticipa qualsiasi ragionamento, qualsiasi connessione neuronale cosciente. I testi sono imbarazzanti, i riferimenti costruiti e osceni, ma Gaga è preparata. Fa tutto quello che è possibile in due ore: travestimenti, esplosioni di sangue e lanci pirotecnici, quasi diverte (tant’è che Julian Casablancas, dalla parte opposta del parco a un certo punto ha sollevato la testa e ha esclamato: Fireworks uh? Shit. Tra l’altro il live degli Strokes è stato stranamente sottotono, sembrava di essere sia moralmente che tecnicamente lontani da “This Is It”, ma non credo si possa addossare la colpa alla concorrenza). Poi commette l’errore della serata: si mette a piangere.

Il personaggio Gaga dev’essere autoironico, altrimenti tutto quello che lo sorregge crolla miseramente. Non deve compiere l’errore di prendersi troppo sul serio, come l’ha accusata non a torto Joanna Newsom. A un certo punto si è messa blaterare: Ci rifiutavano, ma ce l’abbiamo fatta. Sono qui per difendere tutti voi, tutti voi mostri, neanche se il pubblico per uno strano incantesimo si fosse trasformato in una successione di Elephant Man che potessero giustificare questo delirio. E alla frase Due cose odio sopra tutte le altre, il denaro in me e la verità sopra di me tutta la buona volontà è andata a farsi benedire e il carrozzone Gaga è crollato.

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Lost On Purpose – A Knight At The Crossroads

Giovanni "giov" Venditti — Tue, 07 Sep 2010 06:00:33 +0000

Home is a place we forgot long ago…

Il viaggio fine a se stesso.
Il viaggio per capire.
Quante volte avete letto queste parole e sognato destinazioni non precise? Perdersi, decidendo che va bene così. Perdersi, avendo deciso di non volersi più ritrovare. “A Knight At The Crossroads” dei Lost On Purpose (nome dietro al quale si cela principalmente Will VanderWyden) è per stessa ammissione di William un disco perfetto per quando si guida in strade di campagna o per quando decidete di bere qualcosa da soli. Acustico, lo-fi, scarno e diretto.

Mi ricorda vagamente gli episodi più felici dei Page France (“How To Close”) o la vena intimista dei Fleet Foxes (“No More”). Già dai primissimi secondi di “Outside L.A.” sembra di essere in uno dei migliori brani di Bright Eyes: quella voce così normale, fragile e quel folk senza troppi giri di parole, che racconta di cose vissute e di sogni da voler realizzare. Brani come “You Will Overcome” stanno lì, vicini alle parole scritte da Zachary Cale o Elliott Smith, vicini al vostro cuore quando osservate la pioggia in silenzio dalla finestra.

Questo è il sesto album di VanderWyden e la copertina ritrae un cavaliere medievale, perso in mezzo ai campi, così come queste canzoni, senza tempo. Senza spazio. Piccole stelle acustiche che riescono ad arrivare ovunque.

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A Knight At The Crossroads
[ The Chemistry Club - 2010 ]
Similar Artist:Elliott Smith, Sufjan Stevens, Gravenhurst
Rating:

1. Outside L.A.
2. Love Is Not Enough
3. Tombs
4. How To Close
5. No More
6. You Will Overcome
7. The Highlight
8. Australia

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Tornano i Kings Of Leon

ifb — Mon, 06 Sep 2010 10:20:12 +0000

La RCA annuncia che sarà “Radioactive” il primo singolo estratto da “Come Around Sundown” (in uscita il 19/10) nuovo disco dei Kings Of Leon.

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Torna Squarepusher

ifb — Mon, 06 Sep 2010 09:55:19 +0000

Squarepusher realizza il nuovo “d’Emonstrator” dietro il moniker Shobaleader One. L’etichetta sarà come sempre la Warp.

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dEUS in Italia

ifb — Mon, 06 Sep 2010 09:49:03 +0000

Giov. 9 settembre a Modena unica data italiana ad ingresso gratuito per la band belga.

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LA ROUTE DU ROCK ‘10 – DAY THREE @ Saint Malo (Francia, 15/08/2010)

Anita Richelli — Mon, 06 Sep 2010 09:29:30 +0000

LINE UP – 13/10/2010:
MAIN STAGE “LE FORT DE SAINT-PERE”: THUS:OWLS, SERENA MANEESH, ARCHIE BRONSON OUTFIT, THE RAPTURE, THE NATIONAL, THE FLAMING LIPS
STAGE “THE BEACH”: KARAOCAKE, ETHEL, CLAPPING MUSIC DJ SET

La domenica mattina il cielo è ancora grigio ma almeno la pioggia è assente. Temerari, decidiamo di spingerci ancora una volta sulla costa, pregustandoci un grazioso concerto in spiaggia. Purtroppo l’illusione dura appena qualche ora e, di nuovo, ci ritroviamo bagnati. Ma poco importa, dato che tutti i concerti e djset pomeridiani sono stati nuovamente spostati del Palais du Grand Large. Per un paio d’ore, a far da sottofondo a questo strano miscuglio di vestitini a pois eleganti e stivali infangati, si susseguono i djset di Ethel, dj parigina che offre una selezione assai pregevole, anche se non molto originale, e quello più interessante, tra electro, folk e jazz, a cura dell’etichetta francese Clapping Music, chiamata a introdurre il concerto di uno dei sui gruppi, i Karaocake, dolcissimo trio, anch’esso proveniente da Parigi, molto vicino all’indie-pop elettronico delle Au Revoir Simone.

Il palco principale ospita invece Archie Bronson Outfit, non molto interessanti e anche un po’ grotteschi, avvolti in questi saii dalle fantasie imbarazzanti. Non convince neanche Serena Maneesh. Nonostante dichiarino di ispirarsi a band come My Bloody Valentine e rock psichedelico anni ’60, sembra che cerchino di atteggiarsi più come un gruppo hard rock. Fortunatamente, nella seconda parte della serata, le cose cambiano completamente. Il concerto dei National è uno dei momenti più alti del festival, ed è un peccato che duri solamente un’ora. I brani dei tre album vengono perfettamente dosati, e quelli di “High Violet” risaltano particolarmente. Matt Berninger è elegantissimo sia nel modo di vestire, con il suo completo scuro, sia nel modo di cantare, con la sua voce profonda e l’asta del microfono tenuta in obliquo. E spesso sembra incerto, sempre sul punto di rovinare a terra stravolto dall’alcol (di bottiglie e bicchieri, durante il concerto, ne abbiamo visti parecchi) e da una tristezza non grande ma profonda, avvolgente e inevitabile. L’atmosfera che riescono a creare è davvero meravigliosa e l’unico problema è dover cambiare in fretta e furia atteggiamento in vista del concerto seguente.

Forse per alleviarci questo ‘trauma’ i Flaming Lips cominciano ben cinque minuti dopo il previsto, il che è una cosa abbastanza inusuale visto che gli orari, indicati sul programma con estrema precisione, vengono sempre rigorosamente rispettati. Ciò mi è sempre sembrato straordinario, abituata a concerti che cominciano abitualmente con almeno un’ora di ritardo rispetto all’orario indicato. Ma in questo caso il ritardo è scusato, anche perché palesemente attribuibile all’imponente strumentazione che viene montata sul palco. Non si tratta solamente di strumenti, ma anche di macchine spara-coriandoli e giganteschi schermi fatti ad arco. Tutto è rigorosamente arancione, compresi una serie di personaggi ai lati del palco il cui unico compito è ballare per tutta la durata del concerto. Ci sarebbe molto da raccontare sul concerto dei Flaming Lips, trattandosi di un vero e proprio show, ma probabilmente è qualcosa a cui vale solamente la pena assistere. L’unica perplessità è se, alla fine del concerto, abbia avuto più peso la scenografia dell’aspetto musicale. Ma probabilmente questa pomposa esplosione di gioia appartiene a tutta una loro visione della musica. E se pensiamo che all’inizio i componenti della band erano usciti da una vagina luminescente, con fare trionfante, sembra che loro stessi vogliano ingigantire questo aspetto all’eccesso, fino prenderne implicitamente le distanze.

Poco importa alla fine: quella che abbiamo vissuto è un’esperienza unica e unificante e, coperti di coriandoli decidiamo di tornacene alle nostre tende e di concludere il nostro festival con queste immagini festose e colorate.

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LA ROUTE DU ROCK Website

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Blitzen Trapper – Destroyer Of The Void

Enrico "Sachiel" Amendola — Mon, 06 Sep 2010 09:13:22 +0000

Nella moda il vintage vince sempre. E per vintage si intende qualche accessorio che richiama fortemente gli anni 60/70: occhialoni da sole omologabili anche come casco da moto, pantalone a zampa di elefante, colori lisergici e polaroid sfocate. In quanto a creatività quelli erano anni ruggenti, soprattutto a confronto con gli anni ’80 in cui facevano da padrone imbarazzanti spalline per le ragazze e pettinature degne dei peggiori cotton fioc in commercio. Musicalmente il discorso è analogo, con l’unica differenza che molta wave migliore circolava proprio nei terribili anni dei paninari e della Milano da bere.

I Blitzen Trapper sono la band vintage per eccellenza; basti come manifesto la title-track posta in apertura: una mini suite che inizia come un pezzo dei Pink Floyd barrettiani e poi trasfigura in un solido rock blues corale che sfuma in spigolosità rock degne dei migliori epigoni del primo Dylan.

“Destroyer Of The Void” non è un disco a presa rapida in cui le canzoni scivolano sul concetto di melodia, seppur trasversale, giocando con cambi di timbriche e toni in corpo unico vario e sempre coerente. Si respira una forte atmosfera americana di frontiera, evidenziata nell’uso abbondante dell’armonica a bocca e da arrangiamenti blues più o meno stratificati. Evidente lo stato di ottima forma della band di Portland, giunta alla consacrazione con un album maturo ed avvolgente, magari non rivoluzionario per quanto ‘vintage’ e citazionista, ma sicuramente un bel sentire anche per le orecchie più smaliziati.

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Destroyer Of The Void
[ Sub Pop - 2010 ]
Similar Artist: Fleet Foxes, Bob Dylan, Neil Young, Wilco
Rating:

1.Destroyer of the Void
2. Laughing Lover
3.Below The Hurricane
4. The Man Who Would Speak True
5. Love and Hate
6. Heaven and Earth
7. Dragon’s Song
8. The Tree
9. Evening Star
10. Lover Leave Me Drowning
11. The Tailor
12. Sadie

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Red Sparowes – The Fear Is Excruciating, But Therein Lies The Answer

Alessandro "AleBon" Bonetti — Mon, 06 Sep 2010 09:02:24 +0000

I Red Sparows si sono guadagnati un posto di riguardo nella galassia post-rock grazie al debutto “At The Soundless Dawn”, album che mescolava con sapienza atmosfere ambient e rigurgiti post-metal. A distanza di qualche anno si sono confermati con l’epico “Every Red Heart Shines…”, disco che trae ispirazione dall’uccisione dei passeri nella Cina Maoista e conseguente carestia per l’invasione delle locuste (prede naturali dei passeri). Ora ritornano a calcare il palcoscenico internazionale con la terza opera sulla lunga distanza, un lavoro che non dispiace ma che di fatto è almeno un gradino al di sotto delle fatiche precedenti.

Per una formazione che si è distinta in passato per una forte propensione letteraria salta subito agli occhi la decisione (discutibile peraltro) di abolire quei titoli chilometrici che caratterizzavano nel bene e nel male i loro lavori. Un altro fattore che inficia non poco il risultato finale è la partenza di Josh Graham (già attivo con gli A Storm Of Light e Battle Of Mice), la cui chitarra aveva contribuito in maniera evidente all’architettura sonora delle opere precedenti. Ora invece tutti quei dettagli e fraseggi che ornavano con eleganza i brani sono stati accantonati per far posto ad una visione musicale più fluida e meno frastagliata ma che al tempo stesso si conforma allo standard post-rock attuale. Certo l’arsenale strumentale a disposizione è ancora di tutto rispetto, ma la sensazione di ascoltare un’opera incompiuta è piuttosto forte: transizioni sonore illuminano traiettorie che altrimenti faticano a trovare sbocchi degni di nota. Tutto ciò è evidente in una delle tracce migliori, “Giving Birth to Imagined Saviors”: il dialogo iniziale tra basso e chitarra acquisisce ulteriore peso specifico grazie a riverbero e lievi echi distorsivi ma perde energia potenziale con il passare dei minuti, abbandonandosi alla deriva nel finale. La conclusiva “As Each End Looms and Subsides” invece non resiste alla tentazione di esplodere alla distanza, donando un alone quasi apocalittico agli oltre sette minuti di durata.

Il quintetto di Los Angeles ha cesellato un’opera solida nelle sue parti constituenti ma che non riesce ad infiammare l’animo dell’ascoltatore. Insomma tanta qualità da cui attingere ma poco cuore per rendere ottimo un album che non riesce ad elevarsi oltre la mera sufficienza.

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The Fear is Excruciating, But Therein Lies the Answer
[ Sargent House - 2010 ]
Similar Artist: Pelican, GY!BE, Isis
Rating:

1. Truths Arise
2. In Illusions of Order
3. A Hail of Bombs
4. Giving Birth to Imagined Saviors
5. A Swarm
6. In Every Mind
7. A Mutiny
8. As Each End Looms and Subsides

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The Lonesome Southern Comfort Company – Charles The Bold

Giovanni "giov" Venditti — Mon, 06 Sep 2010 08:24:09 +0000

Esci da quel bianco e sembra tutto così reale.
Dentro il gelato all’amarena mi pare di vedere qualcosa ed è il presente ed è fermo esattamente dove dovrebbe essere. Mi guardo le mani, le vene sono gonfie e in bocca ho ancora il sapore ferroso del sangue. Osservo intorno e vado spedito verso casa, rincorso da pasticche di vitamina E, circondato da anziani che arrancano in bici e dal rumore lontano delle macchine che sfrecciano veloci.
Lasciare libero il passaggio, divieto d’accesso, nuvole con sfumature chiare perché è più che tramonto.
Altro.

Occhi stanchissimi che contrastano a fatica una pioggia leggera di fine estate e tutto il carico di grigio che si porta dietro. Dunque ci siamo: ancora una volta in loop dove non si può trovare luce, in bilico dove tutto è fragile, dove tutto sembra messo in un certo modo per farti piangere, pensare, ricordare e pensare ancora, fino a che non perdi i sensi sul pavimento ed entri in un altro loop, stavolta dalle pareti più soffici. Ancora una volta, dove siete già stati e dove anche gli edifici sembrano essere stati masticati e poi sputati a caso sulla strada deserta… .
Questa cittadina è orribile. Cammino e penso a un personaggio storico del 1400.
Lasciare liberi i pensieri e nuvole con sfumature scure perché è più che subconscio.
Nient’altro.

Welcome to Nowhere… .
O forse siamo in Svizzera.

Polvere ovunque e qualcuno che dorme su una sedia a dondolo col viso coperto da un cappello da cowboy, rovinato sui bordi.
Tutto rigorosamente in bianco e nero.
Vedete tutto filtrato da due soli colori. Contrasto netto: una città fantasma in cui perdersi e cercare dietro gli angoli quello che avete perso.
Secondo giro di Whiskey.
Non avete la compagnia di nessuno ma, ‘fanculo, meglio così… .

Il primo bicchiere era andato giù una meraviglia e vi aveva aiutato a dimenticare il mondo, il cielo che gli sta sopra e gli angeli che credevate gli volassero in mezzo. Tutto d’un fiato, giù, alla faccia dell’amministrazione Bush, lui e la sua personale guerra del cazzo in cui si sono infangati pure gli occhi di increduli spettatori davanti al telegiornale.
Beviamone un altro, con la consapevolezza che quei violini non potranno salvare ma solo alleggerire il peso della vita. scrivevo esattamente nell’ottobre del 2008.

Nell’autunno del 2008 ero in bilico tra pochi posti noiosi, mille pensieri inutili, qualche faccia amica. Qualche mese dopo era stato il turno di mille posti nuovi, pochi pensieri davvero utili e decine di facce sfumate, confuse dall’alcol e poi ancora unghie che graffiavano via tracce del passato e bocche che continuavano a mordere, tanto che mi sembrava di essere ingoiato da me stesso e dai mille percorsi della vita.
E oggi?

Oggi non so, sembra tutto cambiato, ma in questo momento cammino dentro tinte scure, dentro un suono tanto scarno quanto affascinante.
Bene così.
Se adesso mi scuoti la testa potrebbe venir fuori la melodia di questo liquore.
Oggi scrivo che questa musica non porta speranza ma ti scava lentamente.

Fai qualcosa di straordinario. La gente potrebbe imitarlo disse Albert Schweitzer; beh cazzo a me non viene niente in mente al momento, quindi mi lascio ferire piano dal folk, in una notte come tante.
Scusate ma proprio non mi viene altro.
Lasciare cadere le braccia giù e camminare di notte con quella voce che raschia lo stomaco e poi guardare giù in basso perché sapete già che quello che osserverete di fronte a voi non vi piacerà, semplicemente perché non vi è mai piaciuto e certe cose non cambiano.
Il fatto che la vita non cambi a volte può rincuorare.
Droga facile la realtà.
Sputate per terra tra le occhiate di sdegno dei fantasmi che vi circondano e ripassate quel riff a memoria. Mandate giù un altro bicchiere perché le fiamme hanno bisogno di benzina.

La concezione di rock si sposta spesso.
Rock è qualcosa di bello e ribelle ma può stare benissimo anche in abiti country. Questa atmosfera è rock e potete buttarci dentro tutto quello che non vi piace perché quel fuoco brucerà indistintamente qualsiasi cosa.

Quanto a me direi che per stanotte basta così: mi faccio il segno della croce ed entro di nuovo in questa nebbia, certo che nessuno mi farà del male.
Lasciare libero il passaggio, divieto d’accesso, ma a quest’ora vi sembra di leggere altro.

Welcome to Nowhere.
(da qualche parte in Svizzera)
Ancora una volta.

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Charles The Bold
[ On The Camper - 2010 ]
Similar Artist: Zachary Cale, The Velvet Underground, I Am Kloot, pensieri neri fatti in solitudine
Rating:

1. Bixby Creek Bridge
2. Death At Nancy
3. Train Song
4. La Somme
5. Tom, Dad & Mom
6. Happy Birthday John
7. Horrible Town
8. Love Song
9. Sappony Church Part.2
10. 1929-2009
11. Sonona County
12. City On A Lake
13. Mazda
14. Pikers And Vests
15. Dime

The Lonesome Southern Comfort Company – Charles The Bold pubblicato su Indie For BUNNIES

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Deluded By Lesbians – The Revolution Of Species

Emanuele "Brizz" Brizzante — Mon, 06 Sep 2010 08:00:38 +0000

Da qualche anno sulla scena indipendente italiana si è affacciata una formazione alquanto particolare, perlomeno eccentrica, eclettica e sopra le righe, che con due EP e svariate esibizioni dal vivo che li ha portati anche a vincere un contest allo Sziget Festival, hanno già fatto parlare molto di sé. Arriva però solo ora il primo full-length, prodotto da Luca della celebre band italiana Serpenti, che dà quel giusto tocco di garage rock al sound dei Deluded by Lesbians, il cui scopo con questo disco, citandoli, è sembrare intelligenti pur non essendolo veramente.

Effettivamente il contenuto del disco non è banale come alcuni si potrebbero aspettare dall’ennesima rock band alternativa italiana, pur senza nessuna innovazione che possa considerarsi storicamente tale. E’ un dato di fatto che l’Italia pulluli di realtà molto importanti ed interessanti, ma anche di gruppi che pensano che fare musica sia uno scherzo. E i risultati si vedono. i Deluded by Lesbians vogliono fare (o fingere di fare) musica seria scherzando, un gioco che li ha portati a creare un disco veramente valido, a metà tra hard rock, pop smodato e vagamente radiofonico, qualche joke nei testi e nei titoli, stoner di stampo vintage e infine un po’ di punk rock, che non guasta mai. L’arrangiamento dei brani è notevole, come dimostrano ad esempio “Ringo Starr” e “Nobody Knows”, quest’ultima vagamente californiana nel portamento della chitarra e nelle ritmiche, forse tra i pezzi più spensierati di questo album.

La ‘rivoluzione’ della specie è abbastanza complessa da inquadrare sotto un’unica etichetta, ed ecco infatti che basta ascoltare “Pompei” e, in sequenza, “C’mon Get In” per rendersi conto che gli elementi che influenzano la band sono tanti, creando una tavola variopinta e fatta dei più squisiti e luminosi toni, impennate di chitarra che ricordano, senza esagerare, i primi Weezer e i Queens of the Stone Age (o i fratelli maggiori Melvins, come alcuni momenti di “Bird Watching” attestano), e un apporto alla batteria e al basso che conferisce un assetto granitico al tutto nonostante una costruzione leggera, priva di pomposi esibizionismi e tecnicismi di sorta, per dare quell’aria semplice e a suo modo piena, potente e graffiante, allo stesso tempo.

Il disco è notevole e fa sentire tutta la voglia di suonare, di divertirsi e di far divertire, di questi ragazzi. Si focalizza sui brani, tutti composti molto bene e tutti decisamente catchy, con la benedizione di un cantato che converte in sproloqui originali anche le più stereotipate ciarlerìe hard rock, forse per evidenziare come anche utilizzando le solite caratteristiche abusate da chiunque si può costruire qualcosa di nuovo e non assomigliare agli AC/DC (e soprattutto senza una grande tecnica). Il secondo disco sarà la conferma, quasi certamente, di una band partita col piede giusto. Consigliato.

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The Revolution Of Species
[ New Model - 2010 ]
Similar Artist: Weezer, Queens of The Stone Age, the Offspring, Melvins
Rating:

1. The Origin of Delusion
2. She Do Wanna
3. Ringo Starr
4. Don’t Laugh For Me Argentina
5. Nobody Knows
6. Pompei
7. C’mon Get In
8. Crystal Balls
9. Bird Watching
10. Love is Blind
11. Revolution/Primary Needs
12. We Don’t Care
13. United States of Delusion

Deluded By Lesbians – The Revolution Of Species pubblicato su Indie For BUNNIES

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Interview with DRIVE LIKE MARIA

Maria "berenix" Boni — Fri, 03 Sep 2010 14:31:09 +0000

Intervista con DRIVE LIKE MARIA – ITALIAN VERSION

Drive Like Maria is a trio of indie rocker from Belgium. What’s cool in this band, is the presence of a female guitarist, Nitzan Hoffmann.

We’re not talking about another stupid girl trapped in mini dresses and high stiletto heels just for selling out more records, heading for the form, ignoring substance: Nitzan really believes in Rock. ‘Cause for going on stage and playing guitar all you need is a t-shirt, a pair of jeans and sneakers… only if you’re damned talented, of course!!!

Here’s the interview to the 24 years old girl who’s opened gigs for AC/DC, ZZ Top and Motorhead. Enjoy!

Nitzan, what’s the origin and the meaning of your band’s name?
It’s an American saying that refers to Mario Andretti’s (the Nascar driver) sister Maria Andretti, one of the first female Nascar drivers. It’s said that she wasn’t someone you’d want to run in to on the road because of her fast and reckless driving. That saying is : If you want to get there in time, you’d better drive like Maria Andretti”.

Tell us about “Elmwood”, your debut album!
We produced and recorded our debut album “Elmwood” ourselves in our studio in Belgium. It was a long process because we were doing shows in the meantime and trying to figure out how Drive like Maria should sound on an album. There are two songs on the album with Janis Ian (who you might know from songs like “At Seventeen”, “Stars”, “Fly too High”) on vocals an also backing vocals. We really wanted to have a typical 70’s voice for “Die a Little More”, and Bjorn thought of Janis Ian right away! We sent her an e-mail to ask if she might be interested, which she was, and she ended up singing on another song “Sure Enough” as well. For the mixing of “Elmwood” we flew to Dallas to work with John Congleton (Black Mountain, The Polyphonic Spree, The Thermals, The Paper Chase). The first time we heard about John was when we were listening to the album “In the Future” by Black Mountain, it sounded so good that we immediately looked up who mixed it and sent him an e-mail to ask if he wanted to mix our album as well, which he did, and he lifted the sound of our album beyond anything we might have hoped for! All the songs on our debut album “Elmwood” were written by singer/drummer/guitarist Bjorn Awouters.

How did DLM form?
Drive like Maria was formed in a backwards way: where most bands first decide on who’s in the band, then start writing songs maybe record a demo/EP or album en then sometimes compete in competitions to try to get a little bit of attention for themselves…. We pretty much did everything the other way around. I was in the studio with Bjorn working on his solo album, when we heard about this band competition which was to take place in a very nice venue in Amsterdam. So we signed up, asked a friend of Bjorn’s to join in on bass, rehearsed twice and headed to Amsterdam for what would be our first live show under the name of Drive like Maria. And we won! The following week we were flown out to London for the world final of the competition where we reached second place, the prize we won was a show in Mexico City a few months later… the rest is history..

What people can see at your live shows, is an explosive mixture among you and your band mates, Bjorn and Robin
For us every live show is different. We try to not only interact between the three, sometimes four of us. But also with the audience. I think being on stage is for all three of us one of the things that we love doing most and we give energy to each other by reflecting that and energy to the audience as well. And the energy from the audience reflects back to us… Like a spiral.

Do you remember the first time you’ve realized that the guitar would be your “girlfriend”? How your love for rock and roll was born?
Well I was always into music. I started playing a little bit of keys when I was younger and moved on to play the drums when I was 14 or so. My brother played guitar in a band at that time and I just thought that was really cool so I started to play a bit of guitar myself and started to play in bands at school. Around the time that I finished high school I met Bjorn and that’s when I really started to love playing guitar. I guess it was something in the way that he plays drums (and guitar) that made it easy and fun for me to try out new stuff and jam out together.

As a female guitarist in a guy’s band, you’re definitely a rare pearl! You’ve got a good stage’s command, and it’s obvious that many male guitarist envy your style! But, if you were a boy, which male guitarist (contemporary or legendary) would you like to be and why?
Well… I guess I wouldn’t want to actually be any male guitarist … hahaha!!! But I would definitely love to have a bit more of Jimmy Pages skills… when he plays it just sounds so good! He has such an amazing sound and great riffs!

Drive Like Maria supported AC/DC, ZZ Top and Motorhead… can you tell us the about the most magical, freaky, sick moments of such a great experience? Did you meet Angus or Lemmy?
Well those days were all just a bit blurry I guess.. and all of them where very special! Though I personally enjoyed opening for ZZ Top most. When we started our show the venue (Forest National in Bruxelles) was full and dark and after our first song the crowd just exploded, it was very magical! We didn’t get to meet any of the guys of either three bands before or after the show. But we were at a party in Austin during SXSW a few months ago and somehow we ended up hanging out and talking to Lemmy and Mikkey Dee. Supporting AC/DC was just unreal, such a big crowd! I’d never seen AC/DC live, I’ve seen and heard a lot of live dvd’s and cd’s and they really still are an amazing live band!

Leave a message for Indie For Bunnies readers!
Keep rockin’!

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VIDEO:
“I’m On A Train” from the album “Elmwood”

Interview with DRIVE LIKE MARIA pubblicato su Indie For BUNNIES

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Intervista con DRIVE LIKE MARIA

Maria "berenix" Boni — Fri, 03 Sep 2010 14:18:17 +0000

Interview with DRIVE LIKE MARIA – ENGLISH VERSION

I Drive Like Maria sono un trio di indie rocker originari del Belgio. La particolarità di questa band è la presenza, in una formazione maschile, di Nitzan Hoffmann alla chitarra elettrica.

E non stiamo parlando di una di quelle tante ragazze del music business che per far incrementare le vendite dei propri dischi si presentano on stage in abiti succinti e tacco dodici, puntando più alla forma che alla sostanza: Nitzan è una che nel Rock crede fermamente. Perché per salire sul palco e suonare la chitarra come si deve, bastano una t-shirt qualsiasi, un paio di jeans e delle sneakers… ma solo se hai talento da vendere. Come lei.

Ecco l’intervista a questa ventiquattrenne che con la sua band ha aperto i concerti di mostri sacri quali AC/DC, ZZ Top, e Motorhead!

Nitzan, qual è l’origine del nome della tua band, Drive Like Maria?
Deriva da un modo di dire riferito alla sorella di Mario Andretti, Maria. Andretti è un pilota automobilistico, e la sorella è stata una delle prime donne a partecipare ad una gara Nascar. Si dice di lei che non fosse proprio il tipo con cui saliresti tranquillo in auto, per via del suo stile di guida spericolato. Quel detto è: Se vuoi arrivare puntuale, guida come Maria Andretti.

Parlaci di “Elmwood”, il vostro lavoro d’esordio!
”Elmwood” è stato registrato e prodotto nel nostro studio in Belgio. È stato un lavoro a lungo termine, in quanto non abbiamo deciso di fare una sessione continua di registrazioni chiudendoci in studio per un determinato periodo di tempo, ma tra una registrazione e l’altra eravamo in giro per concerti, e al contempo eravamo alla ricerca di una definita ‘identità sonora’ per un album in studio. Volevamo che “Elmwood” suonasse come un disco degli anni settanta, e per la canzone “Die A Little More” cercavamo una voce che rimandasse a quei tempi. Bjorn ha subito pensato a Janis Ian, songwriter americana, e non ha esitato un attimo ad inviarle una e-mail con la proposta di collaborazione, che la Ian ha accettato con piacere! “Elmwood” non è stato mixato in Belgio ma a Dallas da John Congleton, produttore di “In the Future” dei Black Mountain. È stato ascoltando questo album che abbiamo capito che era lui l’uomo che faceva per noi, e alla fine Elmwood suona proprio come desideravamo! Tutte le canzoni sono state scritte da Bjorn Awouters, chitarrista, cantante nonchè voce dei Drive.

Come nascono i DLM?
I Drive si sono formati in un certo senso in maniera opposta a come di solito nascono le altre band. Se di norma si crea dapprima una formazione, poi se registrano i vari demo, e lo step successivo è iniziare a partecipare alle varie manifestazioni musicali e ai concorsi per acquistare visibilità, noi abbiamo fatto tutto al contriario: io e Bjorn eravamo in studio a lavorare sul suo progetto solista, quando ci è giunta voce di un concorso per gruppi musicali che avrebbe avuto luogo ad Amsterdam. Ci siamo iscritti dopo aver chiesto ad un amico di Bjorn di unirsi a noi come bassista, abbiamo provato soltanto due volte e siamo andati ad Amsterdam per suonare la prima volta sotto il nome di Drive Like Maria… e abbiamo vinto quel concorso! La settimana successiva siamo volati a Londra per la finale mondiale di quella competition, ma siamo arrivati secondi, il che ci ha permesso di suonare a Città del Messico (era il secondo premio). Il resto è storia.

Chi partecipa ad un vostro concerto si rende conto del mix esplosivo che riuscite ad ottenere con la vostra musica, e l’intesa tra te, Bjorn e Robin ne è il l’ingrediente fondamentale…
Per noi ogni concerto è differente dall’altro. È vero, c’è una grande intesa tra noi della band, ma cerchiamo anche di crearla con il nostro pubblico. Stare sul palco è per noi tre una delle cose che più amiamo fare, c’è uno scambio d’energia tra noi che si riflette sul pubblico, e l’energia del pubblico si riflette su di noi… come una spirale.

Ricordi il giorno in cui hai realizzato che la chitarra sarebbe diventata il grande amore della tua vita? Come è nata la tua passione per il Rock?
La musica mi è sempre piaciuta. Da piccola suonavo un po’ le tastiere, poi verso i quattordici anni sono passata alla batteria. Mio fratello suonava la chitarra in una band, e considerandola una cosa abbastanza forte ho iniziato anch’io da autodidatta, facendo parte di band della mia scuola. Solo dopo il liceo, conoscendo Bjorn, ho amato seriamente fare musica. C’è qualcosa nel suo modo di suonare, che è davvero coinvolgente per me, che mi rende davvero semplice e naturale suonare e comporre nuova musica.

Una chitarrista donna in una band di ragazzi fa di te una perla rara! Hai una buona padronanza del palco, e susciti l’invidia di alcuni tuoi colleghi maschi. Ma… se tu fossi nata maschio, qual chitarrista avresti voluto essere?
Veramente… ora come ora non vorrei affatto essere un maschio, hahaha!!! Ma mi piacerebbe tanto avere le capacità tecniche di Jimmy Page dei Led Zeppelin, amo il suo modo di fare musica, amo i suoi riff, amo il suo sound!

I Drive Like Maria hanno aperto concerti per AC/DC, Motorhead e ZZ Top. Quali sono stati i momenti più fantastici di quei giorni? Hai incontrato Angus Young o Lemmy?
Quei giorni sono stati davvero frenetici e molto speciali! Quando abbiamo inziato il concerto a Bruxelles nel Parco Nazionale, era buio e il pubblico ha creato un boato pazzesco, quasi un’esplosione… è stato magico! Non abbiamo incontrato nessuno dei membri delle band per cui abbiamo aperto nè prima, nè durante gli show, ma ad una festa ad Austin durante il SXSW (South by Southwest, manifestazione annuale di musica, n.d.A.) qualche mese fa, abbiamo incontrato di persona Lemmy e Mikkey Dee.

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VIDEO:
“I’m On A Train” dall’album “Elmwood”

Intervista con DRIVE LIKE MARIA pubblicato su Indie For BUNNIES

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Royksopp – Senior

Marco DAlessandro — Fri, 03 Sep 2010 09:31:21 +0000

L ‘annuncio risale all’uscita del suo predecessore, “Junior”: il duo di Tromsø, fresco di promozione del terzo album, avrebbe pubblicato un quarto imminente lavoro, opposto sin dal titolo alle atmosfere dance e ambiziosamente pop del precursore. Un’opera introversa, pacata e vagamente misteriosa con cui, hanno sperato in molti, ricalcare le orme di “Melody A.M.”, perla irripetuta della coppia norvegese.

A un primo ascolto del disco appare chiaro come la speranza di rievocare le atmosfere dell’esordio venga rapidamente a mancare, seppur nutrita da episodi inaspettatamente piacevoli e vaghe rimembranze del debutto.
Sin dalla prima traccia, “…And The Forest Began To Sing”, tripudio sintetico marcato dall’ispirazione naturalistica tanto in voga ultimamente (Fever Ray e iamamiwhoami insegnano) appare evidente il cambio di marcia rispetto a “Junior”, evidenza che vacilla al partire del secondo brano, “Tricky Two”, che altro non è che la prosecuzione dello strumentale di “Tricky Tricky” aggiornato e rivisto a favore di “Senior”. Se l’evoluzione può piacere per il suo variare saltellante da un rave a un chillout di Kraftwerkiana memoria (il pacato fluire finale porta alla mente le composizioni del quartetto di Dusseldorf a cavallo tra gli anni ’70 e ’80) la mancanza degli acuti spigolosi di Karin Dreijer Andersson pesa come un macigno. La cinguettante “The Alcoholic”, figlia illegittima di “Melody A.M.” e “Senior Living”, malinconicamente elegante, che riporta alla mente le Vergini Suicide degli AIR, seguono a bacchetta il concept dell’album, mentre l’impensata “The Drug”, primo singolo estratto, segna un episodio innovativo per i Röyksopp: 6 minuti di delizia minimal di scuola berlinese, caso più unico che raro per il duo, fin dai primi anni d’attività portabandiera insieme a pochi altri colleghi dell’orgoglio elettronico scandinavo.

>Dall’insipido lounge di “Forsaken Cowboy” in poi il disco non segna punte rilevanti; “The Fear” e il suo tentativo di simulazione french-touch, il chillout di “Coming Home” e “A Long, Long Way”, onirica chiusura à la Röyksopp non aggiungono nulla a quanto già detto, rischiando invece di appesantire inutilmente l’ascolto.

Nel complesso “Senior” risulta un album dalla sufficienza assicurata, forse anche qualcosa di più, ma che limita le proprie capacità e che non regge il confronto coi precedenti lavori. Un album che rischia di essere ulteriormente screditato in quanto ‘colpevole’ di essere un lavoro di transizione, ancora acerbo e troppo variegato per essere apprezzato nella sua totalità.

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Senior
[ EMI - 2010 ]
Similar Artist: AIR, Darkel, The Knife
Rating:

1. …And The Forest Began To Sing
2. Tricky Two
3. The Alcoholic
4. Senior Living
5. The Drug
6. Forsaken Cowboy
7. The Fear
8. Coming Home
9. A Long, Long Way

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Teenage Fanclub – Shadows

Matteo "matteb83" Benni — Fri, 03 Sep 2010 09:14:06 +0000

C’è stato un momento, da qualche parte nella prima metà degli anni ‘90, in cui i Teenage Fanclub si sono ritrovati davanti a un bivio. Da un lato c’era il vortice di successo e clamore del nuovo rock alternativo: arrivava dall’America e in un attimo aveva conquistato anche l’Europa, su fino a Glasgow, città natale del quartetto scozzese. Kurt Cobain in una delle sue sparate li aveva definiti ‘the best band in the world’, e come sempre non aveva sbagliato di molto. Concerti insieme ai Nirvana, allora. Capelli lunghi, copertine e interviste. Quel tipo di vita e di fama. Dall’altro lato la stessa strada che li aveva condotti fino a lì proseguiva serena, dolce e senza ostacoli come una bella melodia in arrivo dagli anni ‘60. Per qualche tempo i Teenage Fanclub sono rimasti affacciati verso la prospettiva del grande pubblico e della celebrità. Hanno attraversato la stagione d’oro del brit pop con un disco, “Grand Prix”, semplicemente perfetto. Tanto che anche quello spaccone di Liam Gallagher aveva dovuto riprendere le parole di Cobain declassando il quartetto di Glasgow a ’second best band in the world’. La prima, nei sogni della sua mente distorta, sarebbero dovuti essere gli Oasis. Ovviamente sbagliava.

Ma i Teenage Fanclub non sono mai andati oltre quel punto. Non hanno mai fatto il passo decisivo, quello che gli mancava per raggiungere il successo. Il successo grande, di massa. E oggi c’è da essergliene grati. Perché così facendo possiamo ritrovarci tra le mani un disco come “Shadows”. E a vent’anni dalla pubblicazione dell’esordio “A Catholic Education”, i quattro scozzesi non mostrano alcun segno di stanchezza o cedimento. Si presentano anzi con la solidità e la concretezza di chi sa bene cosa sta facendo, di chi sa prendersi tutto il tempo necessario per fare le cose a modo. Si presentano, allo stesso tempo, con la modestia un po’ schiva dell’artigiano dietro cui si nasconde un artista. Non un passaggio fuori posto, non una melodia sbagliata. Non una canzone che non sia perfetta.

Il cuore della band, come sempre, risiede nel tridente di autori-cantanti Gerard Love, Norman Blake e Raymond McGinley. La scaletta dell’album lo riflette in modo matematico, con una successione equilibrata di quattro triplette Love-Blake-McGinley che dona al disco dinamismo e stabilità. Solo i Teenage Fanclub sono in grado di prendere un giro d’accordi da terza lezione di chitarra e trasformarlo in un singolo luccicante, disperato e incantevole come “Baby Lee”. Solo i Teenage Fanclub riescono a segnare un cambio armonico e di tempo con qualche semplice pennata di chitarra acustica come nel finale di “The Fall”. Soltanto i Teenage Fanclub possono dire cose come Well, the Rolling Stones wrote a song for me (“When I Still Have Thee”) o Dark clouds are following you / But they’ll drift away / I watched the night turning into a day (“Dark Clouds”) e restare perfettamente credibili. Trucchi da manuale della perfetta canzone indie pop, che la band scozzese maneggia con una sicurezza, una maestria e una serenità ineguagliabili. Come una ricetta semplice da cui esce un piatto squisito, oppure un gioco di prestigio che contiui a rivedere senza riuscire ad afferrarne il segreto: ciò che resta ogni volta è l’incanto del risultato.

I Teenage Fanclub hanno scelto di seguire la loro strada ed è stata la scelta migliore per tutti. Per noi, incantati da ogni nuova canzone. E per loro, che lontano da clamori e celebrità, lontano anche dal music business (il disco esce per la loro etichetta, PeMa), hanno trovato la dimensione ideale. Una vita che si rispecchia nella natura (“Live With The Season”), che guarda con dolcezza al passato (“The Back Of My Mind”, “The Past”), sempre capace di dare speranza (“Sweet Days Waiting”). Wake me when the conflict is over / I aim for a peaceful life / Shake me when this madness is no more / I favour a peaceful life, canta Gerard Love in “Shock And Awe”. E anche se le nostre vite non sono semplici e ideali come quelle disegnate dalla band scozzese, ascoltare “Shadows” ci fa sentire proprio così, anche solo per un poco.

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Shadows
[ PeMa - 2010 ]
Similar Artist: Big Star, The Byrds, The Pastels, Orange Juice
Rating:

1. Sometimes I Don’t Need To Believe In Anything
2. Baby Lee
3. The Fall
4. Into The City
5. Dark Clouds
6. The Past
7. Shock And Awe
8. When I Still Have Thee
9. Live With The Seasons
10. Sweet Days Waiting
11. The Back Of My Mind
12. Today Never Ends

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Pelle Carlberg – In A Nutshell

Brant Bjork – Gods & Goddesses

Alex Franquelli — Fri, 03 Sep 2010 08:42:11 +0000

C’è un leader silenzioso, un uomo divertito dal suo status di ‘pezzo di culto’, di espansione tangibile di un genere, il desert rock, che ingoia cloni e copie in grande stile oggi come forse mai prima. Brant Bjork sorride di gusto del suo passato e si presuppone che lo faccia con rispetto e benevolenza. Non bastasse aver creato i santissimi Kyuss, nella sua vita ha trovato tempo per produrre il primo album dei Fu Manchu e farne il batterista sui 5 dischi seguenti, dare vita ai sottovalutati Mondo Generator e intraprendere una carriera solista coi Brant Bjork and The Bros - oggi Brant Bjork e basta.
Il rock di “Gods & Goddesses” è ovviamente senza compromessi, privo di quelle imbellettate che farciscono i pur ottimi sottogeneri derivati dallo stoner: varianti impazzite del drone, dello shoegaze, del punk e financo dello sludge.

Non si venga a parlare di progressione o studio quando al centro della discussione è lo stile degli album solisti di Brant Bjork perché si rischia di rimanere giustamente delusi.
Il blues dei Kyuss (così come quello dei suoi derivati Unida e Queens Of The Stone Age) scorre copioso tra le righe di un’allegoria di suoni bassi e grossi come un funk sottinteso, una cenere bollente sopra cui si muove, con infinita grazia, una vibrazione dai contorni sfocati da una psichedelia asciutta ma costante, presente, viva.
La produzione di Ethan Allen (Tricky, Gram Rabbit, Luscious Jackson e The 88) poco aggiunge al rombo beffardo della chitarra di Brandon Henderson o alla profondità della batteria dell’italianissimo Giampaolo Farnedi limitandosi, come è giusto che sia, a limare e tenere insieme un album che, va detto, ha delle dinamiche basilari, quasi pop, entro le quali far muovere arrangiamenti semplici, diretti e poco inclini a barocchismi.

Vengono alla mente i magnifici Yawning Man di Billy Cordell (qui al basso) e le meccaniche spaziali dei Monster Magnet, le visioni dei Farflung e l’attitudine semi-punk degli Hermano o il senso della melodia dei Truckfighters. Ma poi ci si rende conto che se quel giorno di fine anni ’80 a Palm Desert, Brant e un gruppo di amici fossero andati al cinema anziché sudare in sala prove, oggi non staremmo parlando dei gruppi appena citati ma continueremmo a cercare il deserto nella psichedelia. Ed è quasi sicuro che ad offrircela tra nuvole e sogni non sarebbe di certo la musica.

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Gods & Goddesses
[ Cargo - 2010 ]
Similar Artist: Kyuss, Jimi Hendrix, Farflung, Yawning Man
Rating:

1. Dirty Bird
2. The Future Rock (We Got It)
3. Radio Mecca
4. Little World
5. Blowin’ Up Shop
6. Good Time Bonnie
7. Porto
8. Somewhere Some Woman

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LA ROUTE DU ROCK ‘10 – DAY TWO @ Saint Malo (Francia, 14/08/2010)

Anita Richelli — Thu, 02 Sep 2010 09:24:49 +0000

LINE UP – 13/10/2010:
MAIN STAGE “LE FORT DE SAINT-PERE”: MAGNETIC FRIENDS, THE HUNDRED IN THE HANDS, WE HAVE BAND, MARTINA TOPLEY BIRD, FOALS, TWO DOOR CINEMA CLUB, MASSIVE ATTACK
LE PALAIS DU GRAND LARGE : CONFÉRENCE DE CHRISTOPHE BRAULT, DM STITH, HOPE SANDOVAL & THE WARM INVENTIONS
STAGE “THE BEACH”: HAVALINA RECORDS DJ SET, ETHEL, LONESOME FRENCH COWBOY
L’ESCALIER CLUB: TIM SWEENEY & TIM GOLDSWORTHY

Il secondo giorno, il sole che venerdì ci aveva fatto ben sperare è coperto da nuvole e pioggia intensa: tipico clima bretone.

Dopo un paio d’ore di vana attesa decidiamo di rifugiarci nel Palais du Grand Large, dove è prevista una conferenza. La Route du Rock infatti si compone di altri eventi, oltre ai concerti, sempre collegati alla sfera musicale. Sabato è il turno di Christophe Brault, giornalista musicale che ha il piacere di tirare le fila di 20 anni di Route du Rock, inframmezzando il tutto con ascolti e commenti divertenti anche se, dato l’ostacolo linguistico, riusciamo percepire la loro ilarità solo dalle risate generali. I nomi elencati sono però di facile comprensione e formano un elenco impressionante. Di tutte le band più importanti del panorama indipendente, nessuna sembra mancare all’appello, tra Sonic Youth, Yo La Tengo, Belle & Sabastian. My Bloody Valentine e tutti gli altri.

Sulla via del ritorno l’afflusso di gente è notevolmente superiore a quello del giorno prima. È sabato, è ferragosto e il programma prevede una delle band di maggior richiamo.
Ha piovuto abbondantemente tutto il giorno e l’area davanti al palco è una distesa di fango e pozzanghere. Questo però ci fa apprezzare due altre qualità di questo festival, o più in generale del pubblico francese.
Primo: in qualunque altro festival a mischiarsi col fango troveremmo quintali di lattine, bicchieri e bottiglie. Qui no, c’è puro fango. E in generale tutta l’area del festival è pulitissima. L’idea che hanno avuto gli organizzatori è semplice quanto geniale (e andrebbe replicata non solo durante i festival): prima di avere le bevande è necessario acquistare il bicchiere. Costa appena un euro ed è anche grazioso. Risultato: nessun bicchiere da nessuna parte (e anche quando qualcuno lo perde non rimane per terra che per pochi minuti, poiché nel restituirlo alla cassa si ha indietro l’euro speso).
Secondo: normalmente durante i concerti le prime file sono occupate dagli spettatori più esaltati e violenti. Anche qui non si fa eccezione, ma il tasso di esaltazione e violenza è molto più basso. In poche parole non si rimane mai schiacciati e pressati, è assai facile liberarsi di energumeni che ti coprono la visuale e soprattutto, come in questo caso, quando davanti a te c’è un’enorme e schifosissima distesa di fango nessuno ti ci butterà dentro. Anche quando il gruppo è così famoso e c’è così tanta gente venuta a sentirlo.

A me, lo ammetto, quello che è il concerto più importante non interessa poi tanto. Ma lo seguo lo stesso con curiosità, anche se un po’ in disparte. L’impressione che ne ho, però, non è delle migliori.
I Massive Attack eseguono un live ineccepibile dal punto di vista tecnico ma un po’ povero dal punto di vista emozionale. Inoltre, alle spalle del gruppo, su uno schermo si susseguono messaggi dal contenuto un po’ datato e che paiono messi lì gratuitamente. È la solita solfa fatta di critica alle multinazionali e messaggi umanitari, indubbiamente condivisibili, ma che non fanno altro che scatenare applausi completamente scollegati dalle canzoni. Nonostante l’importanza della band si è trattato di un live prescindibile.

Per me la serata si divide tra i Foals, apprezzati moltissimo, in strana tensione tra gruppi come i Battles e la ben conosciuta miriade di gruppi inglesi, ballabili senza essere celebrali, e i Two Door Cinema Club, che riescono a scatenare danze tra tutto il pubblico nonostante All Star e ballerine varie (ma anche una nuova stirpe di stivali di gomma) siano incastonate in cinque centimetri di fango.

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LA ROUTE DU ROCK ‘10 – DAY TWO @ Saint Malo (Francia, 14/08/2010) pubblicato su Indie For BUNNIES

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