Jack White sta per pubblicare un nuovo album intitolato “Frozen Charlotte”, disponibile in preordine sul negozio online ufficiale della Third Man Records.

Anziché rilasciare un annuncio ufficiale sul suo settimo album da solista, White ha semplicemente aggiornato il suo negozio online con la versione in vinile di “Frozen Charlotte”. La data di uscita dell’album è fissata per il 10 luglio e comprende 13 brani, tra cui i recenti singoli “G.O.D. and the Broken Ribs”, “Derecho Demonico” e la recentissima “Dollar Bill”. La copertina presenta un’opera originale di White.

La descrizione del disco dico: “Frozen Charlotte – il settimo album in studio di Jack White mostra il membro della Rock and Roll Hall of Fame al suo meglio; supportato da una band incredibile (Patrick Keeler alla batteria, Dominic Davis al basso, Bobby Emmett alle tastiere) che è in forma smagliante dopo un tour di esibizioni acclamate universalmente.
Invece di riposarsi sugli allori, si sono messi subito al lavoro in studio e hanno registrato quello che è diventato Frozen Charlotte. Registrato nel Third Man Studio di White a Nashville, questo album mostra Jack che porta avanti la stessa energia chiassosa, grezza e frenetica del suo acclamato album del 2024, No Name.
Con 13 tracce dal feeling e dal tono distinti, Frozen Charlotte è un intenso pugno rock and roll con un sottofondo blues sempre presente…il tutto perfettamente a suo agio con i fan di lunga data, lasciando al contempo una porta aperta e invitante ai nuovi arrivati.“

Tracklist:

1. G.O.D. and the Broken Ribs
2. Derecho Demonico
3. There’s Nobody There
4. Raising the Grain
5. You’ll Never Fix Me
6. Nobody Knows
7. Dollar Bill
8. I Can’t Believe What I’m Hearing
9. Thick as Thieves
10. All Alone Again
11. She’s in a Frenzy
12. Making Contact
13. Neighbors Blues

Ricordiamo che Jack White sarà in concerto in Italia con due date esclusive per il suo tour estivo, segnando il suo debutto assoluto nel Paese in veste di solista.I concerti si terranno nelle seguenti località:

Venerdì 19 giugno 2026: Lido di Camaiore (LU), Parco BussolaDomani – Serata inaugurale del festival La Prima Estate.

Domenica 21 giugno 2026: Lignano Sabbiadoro (UD), Arena Alpe Adria.

Dopo i tour a supporto del disco precedente e numerose apparizioni ai festival estivi, il gruppo originario di Caldicot è tornato subito a scrivere nuova musica e il risultato sono i diciotto pezzi finiti su “Every Single Muscle”.

La press-release spiega che mentre “Very Human Features” ha fatto un ottimo lavoro nel mettere in evidenza le cose quotidiane e sottolinearne l’assurdità, in “Every Single Muscle” The Bug Club guardano più da vicino loro stessi. Non tanto in modo introspettivo, però. Più piuttosto come un alieno potrebbe esaminare un esemplare prigioniero su una barella intergalattica. I film horror hanno il loro sottogenere “body”, ora anche gli album garage rock hanno il loro. In un senso completamente nuovo del termine, la forma e la condizione umana vengono stimolate e ispezionate da ogni angolazione nel corso del disco.

Appena quarantuno minuti e quindi brani molto corti, ma senza perdere nulla sotto il piano della qualità come dimostra il recente singolo “A Good Day For Dying” che, se inizialmente mostra quella simpatica pigrizia di pavementiana memoria, poi sa esplodere con un coro garage-rock spettacolare e fragoroso che difficilmente si cancella dalla mente.

Ma gli spunti di questo lavoro sono davvero numerosi a cominciare, per esempio, da “Cut To Black”, dove domina il falsetto di Sam Wilmett e allo stesso tempo troviamo una voglia pop dall’atmosfera strana e inquietante (sebbene non manchino anche interessanti riff chitarristici): tutto ciò ci ricorda ben da vicino i mitici Sparks.

Nel centro di questo LP, invece, troviamo “Shiny And Wet”, che riporta i Bug Club al loro amore iniziale, quello per il blues, che fin dalla nascita della band è stato il loro genere di riferimento: schitarrate e una potente scarica di adrenalina caratterizzano questo brano.

La title-track “Every Single Muscle” poi ha una esplosiva carica punk, mentre il principale singolo “Watching The Omnibus” è un’altra botta di energia garage-punk, intensa quanto divertente.

In “Your (If You Want Me)” i gallesi, invece, sembrano più riflessivi e perfino romantici, senza dimenticarsi di regalare qualche emozione a chi ascolta.

Un altro passo nella loro continua crescita per questi due ragazzi di Caldicot che sanno scrivere un disco interessante, frizzante e variegato e, mentre le loro influenze rimangono chiare, non tralasciano di mettere in luce anche la loro sempre preziosa sensibilità melodica.

Se nei vecchi negozi di dischi questo gli ha sempre garantito un vantaggio innegabile, assicurando ai loro lavori un posto in primissima fila negli espositori, la situazione si è fatta decisamente più complessa nell’era degli algoritmi e delle piattaforme streaming. Provare a digitare semplicemente A nella barra di ricerca di Spotify per credere: se non si conoscono già titoli specifici della band del Suffolk, è praticamente impossibile che appaiano tra i primi risultati.

Ma la band guidata da Jason Perry è nata più di trent’anni fa, in un’epoca di molto precedente all’avvento del digitale, quando problemi del genere non potevano nemmeno essere concepiti. Da allora sono passate ere geologiche; tante quante ne sono trascorse da quello che, per più di vent’anni, è rimasto il loro ultimo album in studio (“Teen Dance Ordinance” del 2005).

Oggi, a due decenni di distanza da quel capitolo, gli A tornano a produrre nuova musica con “Prang”: un buon disco di alternative rock, melodico ed energico al punto giusto. Come da tradizione per la band inglese, l’album si propone di unire idealmente i mondi musicali di stampo UK e USA: vi si ritrova il britpop più grintoso e muscolare dei Feeder, tutto chitarre e ritornelli orecchiabilissimi, ma anche il pop-punk californiano, insieme a qualche rimasuglio di quell’alt/rap metal che dominava le classifiche nei primi anni 2000.

Un lavoro che sembra sbucare fuori direttamente da un’altra epoca storica. Lontana, anzi lontanissima, e non necessariamente migliore di quella moderna. È un disco che non offre particolari sussulti ma che, di certo, non lesina canzoni di ottima qualità. Tra le canzoni più significative spiccano “Hello Sunshine”, “Bring On The Likes”, la malinconica “Shit Summer” e la selvaggia “Techno Viking”, un pezzo che si spinge fino a sfiorare  la forza d’impatto dell’hardcore.

Un album sorprendentemente ricco, dinamico e colorato per una formazione rimasta in silenzio così a lungo, degna colonna sonora per l’estate alle porte.

Ben Gibbard e i suoi Death Cab For Cutie sono stati ospiti di Raina Douris per la World Cafe di NPR Music, ‘intervista + live session’ in quel di Filadelfia.

Riptides
Interview pt 1
I Built You A Tower (a)
Interview pt 2
Punching The Flowers
Interview pt 3
Stone Over Water

Il gruppo di Indianapolis Wishy pubblicherà il nuovo album “Nature’s Pill” il 2 ottobre.

La band si è recentemente riunita a Los Angeles con il coproduttore Ben Lumsdaine, riprendendo la collaborazione che aveva dato forza e vigore al loro acclamato album di debutto.

In vista dell’uscita, il nuovo singolo “Lovesick” è il primo assaggio che lascia intravedere un album dalle clamorose potenzialità melodiche. Qui si torna agli anni ’90 (campo da gioco preferito della band), con il taglio di una formazione impossibile da dimenticare come i Jejune di Boston, emo ma con l’occhio allo shoegaze e così ci sembrano i travolgenti Wishy che non smettono di esaltarci.

La cantante Nina Pitchkites dice:

“Non c’è molto altro da aggiungere sul desiderio nel 2026, ma eccolo qui comunque. Kevin ed io siamo persone stupidamente romantiche a cui piace il twee pop, quindi quella combinazione da sola era la ricetta per una canzone sfacciata da ‘protagonista’. Ci siamo davvero lasciati andare con i testi troppo zelanti qui perché 1) possiamo farlo, 2) possiamo fare quello che vogliamo e 3) è divertente ? yay!”

Tracklist:

1. All The Rage
2. Covergirl
3. Sensational
4. Shift
5. You’re Not Serious
6. Mona Lisa
7. Lovesick
8. Freak 99
9. Headscratcher
10. Blitz
11. Kiss Kiss Kiss
12. Party World

Ogni brano appare, appunto, come un frammento di un sogno condiviso. Le melodie, a volte, si fanno più morbide e avvolgenti, i paesaggi sonori acquistano profondità e sfumature inedite, mentre improvvise accelerazioni, talvolta rabbiose e urlate, interrompono istantaneamente l’incanto. Non sono semplici esplosioni di energia: sono richiami alla vigilanza. Sono il promemoria che nessuna conquista è definitiva, che ogni passo compiuto verso la pace, la giustizia o l’equità resta, costantemente, minacciato da forze retrograde il cui unico scopo è il controllo. Non importa quale sia il prezzo da pagare. Non importa se questo desiderio di dominio conduce a un mondo devastato, trasfigurato, ridotto in macerie o svuotato della propria umanità. Per chi esercita il potere, l’essenziale è continuare a possederlo. Ed è proprio contro questa pulsione distruttiva che “Fantasia” sembra ergersi come un atto di resistenza immaginativa, onirica e lisergica.

L’album diventa così un accumulo di stati d’animo, tensioni e visioni. È il tentativo di spezzare l’immobilismo del presente, di spostare l’asse del mondo e trasformare ciò che oggi appare soltanto come il sogno, l’intuizione o l’utopia in qualcosa di tangibile, praticabile e reale. Le sue architetture sonore si muovono continuamente tra passaggi metallici e abrasivi, improvvise impennate ritmiche, aperture epiche che richiamano la grande tradizione delle ballate rock e momenti più sulfurei, incandescenti, nei quali il suono sembra liquefarsi e rinascere. Ma il cuore più profondo di “Fantasia” si trova forse altrove. Si trova nelle terre del sogno.

In un’epoca che considera l’immaginazione una fuga e il pragmatismo una virtù assoluta, gli Slift sembrano ricordarci che il sogno è sempre stato il primo territorio della trasformazione. Nessun cambiamento reale nasce dalla semplice accettazione dell’esistente. Ogni rivoluzione, ogni conquista sociale, ogni forma di emancipazione è stata prima immaginata da qualcuno. Prima di diventare realtà è stata una visione, un’illusione, un’idea apparentemente impossibile. Le terre del sogno non sono, dunque, un rifugio dalla realtà, ma il laboratorio segreto in cui la realtà stessa viene reinventata. Sono luoghi nei quali paure, fobie, ossessioni e tormenti possono, finalmente, mostrarsi senza maschere, rivelando, al tempo stesso, la loro controparte più preziosa: una forza creativa inesauribile. È da quelle regioni remote e insondabili che nascono la musica, le immagini, il cinema, la letteratura, la poesia, la fantasia e tutte le forme di bellezza capaci di opporsi alla brutalità del mondo.

“Fantasia” non cerca di reprimere quelle ombre interiori. Le accoglie, le attraversa e le trasforma in energia. Perché proprio là dove si nascondono le nostre inquietudini risiede anche la possibilità della rinascita. E gli Slift sembrano aver compreso che, se esiste ancora una speranza per un mondo sempre più dominato dal controllo, dalla paura e dalla devastazione, essa passa, inevitabilmente, attraverso la capacità di immaginare altro. Portare le terre del sogno sulla Terra: è questa la vera missione di “Fantasia”. Un disco che non si limita a essere ascoltato, ma invita a guardare oltre l’orizzonte del presente, ricordandoci che l’immaginazione non è l’opposto della realtà. È il primo passo necessario per cambiarla.

Posso dire di non avere molte informazioni su questi Dirtyspangles, ma mi sono imbattuto in loro quasi per caso e la loro dolcezza mi ha immediatamente colpito.

“Stormclouds”, per la sua gentilezza, per quel tocco chitarristico ma nello stesso tempo magicamente sognante, ma sopratutto per la voce di Sarah Eaglestone, mi ha fatto venire in mente alcune cose dei miei amati Night Flowers, ma in una versione ancora più onirica. Impossibile non notare che al master c’è il buon Simon Scott e beh, non può che essere fonte di pregio. Occhi aperti su questi ragazzi.

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I Real Numbers di Minneapolis tornano con un nuovo album, “Was It Always This Way”, atteso il 14 agosto. Dieci brani pieni di aspettative ed esuberanza, come ci dicono le note stampa, che mescolano speranza e disperazione, futuro e passato, traendo ispirazione dal meglio dell’indiepop britannico. Pur riprendendo decisamente da dove si era interrotto il loro EP del 2021 “Brighter Then”, questa volta l’enfasi è posta su chitarre multistrato pensate per completare i brani malinconici e nostalgici con uno splendore scintillante. Sarah Records, prima Creation Records ed Elefant Records sono i punti di riferimento del sound e il singolo “Never Never Again” ce lo sta a dimostrare in modo struggente.

Eli Hansen in questo giro di giostra pop è affiancato da una formazione per lo più nuova che include Andrew Jansen (basso), Sophie Durbin (tastiere/voce), Fez Felzan (batteria) e Jeff Cornell (chitarra). Questa formazione si è consolidata nel 2023 e si è messa subito al lavoro per registrare i demo dei nuovi brani, pubblicando una prima versione di “Don’t Look Away” sulla compilation LP “227″ della Prefect Records.

Entro l’estate del ’24 la band era tornata alla Softcult per registrare la prima serie di brani che avrebbero composto “Was It Always This Way”, continuando fino all’estate del 2026, perfezionando e rifinendo i brani in modo da richiamare alla nostra mente eroi come Field Mice e St Christopher, oltre a colleghi del pop perfetto come Ducks Ltd, Chime School e The Umbrellas.

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Registrato in non più di una settimana, “For Love of Grace & the Hereafter” raccoglie 12 canzoni che rendono plastica l’urgenza dei primi momenti di una formazione di una nuova band, come se quei magici mood dentro la sala di registrazione fossero lo spazio in pulsione di tutto quello che un gruppo di giovani musicisti possa sognare; lasciate momentaneamente le istanze poetiche e dannate dei precedenti album, Elias Bender Rønnenfelt e soci si gettano con un piglio frizzante dentro rinnovate linee melodiche con un’attitudine post punk sempre netta, però non così come la intendiamo in questo revival dai ritmi sincopati, è piuttosto come una rimasticazione grezza di stilemi rock fin qui solamente abbozzati, come dei Clash di seconda generazione alle prese con quanto di meglio anche della tradizione americana post 80 sia stato modellato nel tempo.

Partendo con una “Ember” diretta emanazione di “The Mercy Seat” tanto per non scontentare il vate massimo, l’album prosegue con un inarrestabile rimbalzo fra romanticismo e sfuriate punk, che poi vanno ad intersecarsi con standard USA, addirittura con coretti alla Springsteen in un paio di casi. Ci sono cose che riprendono l’Iggy Pop periodo “Lust for Life”, e da come si deduce fin qui, è un gioco a rincorrere cosa ricorda una canzone dopo l’altra, tipo i Libertines migliori in diversi casi, come pure i Replacements.

Ma l’album non dà tregua, è compatto, vibrante e diretto, Rønnenfelt canta che è una meraviglia, più melodico che mai e al solito assoluto protagonista di tutti i brani con la sua singolare capacità interpretativa qui ad altissimo livello contagioso e meno ingombrante che in passato, con voce sempre di un livello più alto del resto dei suoni, con chitarre taglienti e mai stancanti dove gli assoli vengono negati e la sezione ritmica rimane mai doma.

Insomma, “For Love of Grace & the Hereafter” è semplicemente un gran bell’album, atemporale, potrebbe essere uscito 20, 30 anni fa, rimane il frutto di una band matura che mette a fuoco, in modo apparentemente non calcolato, tutta l’esperienza acquisita e mai del tutto riconosciuta, ad un gruppo che dell’hype attuale del post punk di questi anni ha goduto molto poco rispetto alle sue produzioni; sarà l’origine poco usuale e la loro evidente ritrosia ad immischiarsi col music business, sarà che sono troppo romantici e quindi difficili da prendere, sarà, ma qui c’è classe da vendere e spirito rock come non se ne trova in giro da parecchio.

Che poi essere romantici, dichiararlo e pensare ad una copertina così, è chiaro, segna la strada, ma fa pensare ad un fottuto futuro migliore, basta crederci.

Non sarà il chiacchieratissimo Primavera Sound, ma il Beaches Brew è uno di quegli eventi da tenersi stretto stretto.

Da più di dieci anni, alle porte della stagione estiva, una “tre giorni”, che tra mare, buon cibo e relax, porta all’abituale Hana-Bi di Marina di Ravenna, fantasmagorica musica da tutto il mondo.

Una ricerca spasmodica di band e solisti in rampa di lancio o giù di lì e, rileggendo le vecchie line up, ci sarebbe da sgranare gli occhi, artisti enormi, che in tenera età discografica sono passati dal Beaches Brew, dai War on drugs, a Cate le Bon, dai King Gizzard, a Weyes Blood, Ty Segal o le stesse Lambrini Girls con solo una manciata di singoli in cassaforte, e mille altri. Se non è lungimiranza questa.

Festival che si svolge all’Hana-bi appunto, abituale lido estivo del Bronson di Ravenna, che dopo una lunga stagione indoor, si trasferisce in riva al mare.

DAY 1

Fuori programma e vero primo act della giornata e’ Marte che apre, di fatto, il festival, una performance per batteria e elettronica e istallazione, Bonito dietro le pelli e Simone Carmagnoli alla parte teatrale, ottimo warm up.

Subito dopo su quello che sarà il “Roof Stage”, l’abituale palco utilizzato dall’Hana bi per tutta l’estate, perché qui i concerti continuano anche dopo il festival, il primo nome in cartellone, Julian Mayorga, eccentrico folletto colombiano, tra ritmi incalzanti e tanta ironia, concerto per basi e chitarra elettrica e tutto il folclore possibile per una one man band, impossibile stare fermi, divertente.

Si rimane sullo stesso palco con Los Sara Fontan subito dopo, direttamente dalla Spagna, l’incrocio tra la classicità del violino e un certo approccio tradizionale, al ritmo e l’elettronica, l’incontro tra Sara Fontan e Edit Pou, cavalcate elettro, sperimentazione, avanguardia e melodie aristocratiche.

Fulu Miziki inaugura ufficialmente il Beach stage, un ensemble pittoresco dalla repubblica democratica del Congo, concerto divertente e coloratissimo.

Si ritorna al “Roof Stage” per uno dei concerti più attesi dal sottoscritto, quello del giovane collettivo del Midwest a moniker Good Flying Birds, alle prese con un indie folk fatto di filastrocche oblique e ben scritte, dove la melodia regna sovrana, musica d’altri tempi direbbe qualcuno.

Nella dimensione live emerge più un’attitudine punk, diretta, senza fronzoli, non tutto è perfetto, anzi regna un po’ di caos, ma il talento c’è e pure un repertorio già significativo, da “I will find” a “Always me (Gidget)”, a “Wallet”, probabilmente ne sentiremo parlare.

Chiude il primo giorno, Joshua Idehen, recentemente passato anche da Milano, poeta nigeriano, inglese di nascita, ma di stanza in Svezia, nuovamente in Italia per presentare il suo reale debutto sulla lunga distanza uscito in questi primi sei mesi di discografia. “I Know you’re hurting, everyone is hurting, everyone is trying, you’ve got to try this”.

Spoken word su basi elettro, tra house e beat raffinati, si presenta in solitaria in compagnia di un sodale d.j.

Performance che si basa su un talento indiscusso, una certa fisicità coreografica tra abili balli e oratoria nel saper coinvolgere un pubblico attento.