Esce oggi il video di “Un mare”, il nuovo singolo dei Numero6 tratto dall’album “Dio c’è” (Urtovox records/Audioglobe, 2013).

La canzone vede la partecipazione alla voce di Colapesce, che ha preso parte anche alle riprese del clip.
Il video è stato girato in provincia di Siracusa dal collettivo di film-makers “Tunafishbanda” capitanato dal regista siciliano Gabriele Galanti, che così ne descrive la nascita:

Guardare indietro, ritornare, ricordare, non fa male. Così la canzone dei Numero6. Ma se i ricordi sono viaggi, la nostalgia può diventare un brutto trip, e ci saranno giorni in cui ricordare qualcosa sarà spiazzante come uscir di casa per andare in spiaggia e ritrovarsi sperduti e mezzi nudi nell’intrico d’un bosco sconosciuto. Un bosco da cui dobbiamo uscire, prima o poi, se vogliamo ritrovarlo, Un mare.
Tunafishbanda, artigianato visivo, idee da asporto & musica in comodato d’uso, si è tuffata nel singolo dei Numero6, nelle voci di Michele Bitossi e Colapesce. Ne è nato un video, con protagonista Giulio Tomasi. Questo video.

Dietro al nome Vuoto Apparente si nasconde Riccardo Piazza, cantautore siciliano.

Il suo primo lavoro “Storyteller” esce a fine Maggio per la Seahorse Recordings. Sette brani che rappresentano l’amore per il teatro canzone e un messaggio per la nuova musica cantautoriale. Proprio in quest’ambito artistico si muove Vuoto Apparente, guardando magari non solo al cantautorato classico, ma anche a realtà italiane più attuali.

Lo stesso cantautore descrive così il suo debutto: “Storyteller” è un crocevia di più strade, una ricerca che non è ancora finita, uno dei sensi possibili. Sette brani che ricordano le sventure, le disgrazie e le grazie di una completa, o quasi, guarigione dei sensi. C’è la grande America del primo novecento e la storia d’amore da fazzoletto alla mano per il saluto dal porto, l’importanza del parlare chiaro e del non parlare proprio e poi anche una analisi dello stato delle cose, chi non è preda degli eventi?
Dentro a questo piccolo compendio della filosofia del divenire, gli arrangiamenti delle canzoni sono semplici ma curati. Si è ricercato un sound diretto, trasognato in alcuni brani, scorbutico e prepotente in altri. E’ un inizio, è un sasso lanciato in uno stagno.

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Bei tempi quelli dei La’s e degli Stone Roses. Degli Happy Mondays e dei Charlantans. Dei Suede e dei Pulp. Della Madchester drogata e del Britpop spaccone. Della faida tra Oasis e Blur che di fatto mise i paletti della nascita e della fine del Britpop. Bei tempi dicevamo, grandi gruppi. Ma se guardassimo dallo specchietto retrovisore vedremmo che ci siamo lasciati qualcosa, qualcuno, alle nostre spalle. Sì, perché nel 1987, prima di tutto e tutti vedeva la luce “Sonic Flower Groove” e i Primal Scream di Bobby Gillespie cominciavano a muovere i loro primi passi, portando in dono quello che sarebbe stato il suono che avrebbe di fatto contraddistinto gran parte dei ‘90, e che avrebbe quindi influenzato gran parte dei gruppi sopracitati.
Parlare dei Primal Scream come degli eterni dimenticati dal giro dei gruppi Brit che conta(va)no, forse è un po’ troppo, fatto sta però che gli scozzesi hanno sempre preferito muoverei nella penombra, scansandosi dalla luce dei riflettori e cercando di mantenere un profilo basso.

Eccoli quindi oggi, a ventisei anni dall’esordio sopracitato, ventidue dal loro capolavoro “Screamadelica”, a cinque dall’ultimo “Beautiful Future”, tornare con un disco che far passare in osservato sarebbe un’eresia. Con “More Light” i Primal Scream tornano in pista e lo fanno con un disco arrogante e ambizioso al punto giusto. Tredici tracce che shakerano gli oltre vent’anni di gloriosa carriera, per lo più contrassegnati da una continua ricerca di un suono fresco e proiettato all’avanti ma attendo a mantenere un punto di contatto con il passato. Ci riuscirono con “XTRMNTR” e in parte con l’ultimo “Beautiful Future”, mentre mancarono l’obiettivo con “Riot City Blues” e ci andarono vicini con “Vanishing Point”. E con “More Light”? Beh, non è facile da dirsi, soprattutto per il fatto che il nuovo lavoro di Gillespie&co. è ciò che può esserci di più distante da quelle che sono le esigenze di un pubblico ormai lasciatosi andare all’ascolto facile e fugace. E in questo senso può essere spiegata la traccia di apertura, “2013″, che con i suoi nove minuti e un avvio che lascia di stucco (la costante presenza di fiati non se l’aspettava nessuno, o quasi) comincia subito la selezione degli ascoltatori pazienti e ‘meticolosi’. E chi avrà deciso di abbandonare la nave dopo gli altrettanti sette minuti della sussurrata “River of Pain”, beh lasciatemelo dire, non c’ha capito proprio un bel niente e soprattutto non sa cosa di li a poco si sarebbe perso. “Culturecide” di Bowiana memoria e la possente “Hit Void” accendono la lunga miccia, che attraversando la fluttuante “Tenement Kid” e il baldanzoso jazz-soul di “Goodbye Johnny” si avvicina al grande botto con il blues di “Eliminator Blues” e l’anfetaminicità di “Turn Each Other Inside Out”. La ballata “Walking With The Beast” ci concede un momento di relax prima dell’esplosione definitiva che culmina con l’inno in cui si respira aria di Stones, il singolo “It’s Alright, It’s OK”.

L’esplosione, un tripudio di colori liquefatti o meglio ’screamadelici’, dimostra come Bobby non abbia ancora dovuto fare i conti con alcuna crisi di mezza età, e che arrivato a quasi trent’anni di carriera è ancora in grado di partorire album d’avanguardia, rischiosi, in grado di spettinare qualsiasi gruppetto di bulletti albionici che rubando ora dai 60’s ora dai 90’s del Britpop che fu c’hanno costruito, e ci costruiranno, intere carriere. Dell’arrivismo possiamo farne anche a meno. Grazie di avercelo ricordato Bobby.

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More Light
[ Ignition - 2013 ]
Similar Artist: Rolling Stones, Primal Scream
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Anni fa, se non ricordo male era il momento in cui la dubstep stava iniziando a contagiare anche le italiche lande, discutevo con un caro amico sulla durata dei vari fenomeni elettronici e sulla loro capacità di sopravvivere al tempo: saltò fuori che lui non poteva neppure sentir nominare i Kraftwerk, unanimemente riconosciuti tra i padri fondatori della musica elettronica; eppure per lui erano invecchiati terribilmente male e le loro produzioni avevano pagato un prezzo troppo alto allo scorrere del tempo.
Recentemente invece parlavo con una collega di questo sito riguardo l’attualità di certa musica, di come essa sia fruibile in un determinato periodo storico e di come, col passare degli anni, per quanto rimanga un ascolto piacevole spesso perda la forza che la caratterizzava, quella capacità di descrivere i giorni in cui è uscita.
Questa seconda riflessione mi trova decisamente più d’accordo, anche se le eccezioni son talmente numerose che sospetto non esista neppure una regola; mentre nel primo caso non ero e non sono affatto convinto: tutt’ora sono molti gli album e gli artisti (Grimes e Daft Punk sono i primi a venirmi in mente) non soltanto debitori nei confronti dei quattro tedeschi.

Questa lunga introduzione per giungere infine all’oggetto di questa recensione: è uscito il nuovo disco di Karl Bartos, polistrumentista che ha militato nei Kraftwerk per ben quindici anni, fino all’addio nel 1990.
Già al primo ascolto “Off the Record” mostra i segni del tempo: Karl propone, ancora una volta, la ricetta che ha fatto la fortuna dei Kraftwerk, specialmente negli anni ottanta: manca la visionarietà e il gusto cosmico che contraddistinse la prima produzione, ma la classe e la maestria sono le stesse degli anni della grande fama.
Si parte con la massiccia “Atomium” e si giunge infine alle velleità sperimentali di “Vox Humana” e “Rhythmus”; nel mezzo apocrifi Kraftwerk (“Nachtfahrt”), meraviglie di pop digitale (“International Velvet”, “The Tuning of the Word”), impennate electro (“Without a Trace of Emotion”), qualche caduta di stile (“Musica Ex Machina”) e tanta tanta monotonia.

Il ritorno di Karl Bartos si ricollega dunque alle riflessioni poste in apertura di articolo: anche se “Off the Records” è un album tutt’altro che brutto, realizzato con classe e competenza, questo synth-pop appare oramai fuori tempo massimo e dunque fortemente innocuo

Ascolto consigliato soltanto ai fan più intransigenti e anacronistici.

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Off The Record
[ Virgin - 2013]
Similar Artist: Kraftwerk, David Bowie, John Foxx, Daft Punk, Tosca
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All’indomani di una lunga coda post-”High Violet” a base di brani prestati a colonne sonore di film, serie tv e videogiochi, più l’organizzazione dell’ATP festival l’anno scorso ed alcune esibizioni speciali tipo la performance trasmessa via web con Bob Weir dei Grateful Dead o quella surreale eseguita al museo Moma di New York con la canzone “Sorrow” tratta dal penultimo album suonata per sei ore di seguito! (senza menzionare i vari impegni da produttore di uno dei due gemelli “axe-man” Aaron Dessner) i National tornano a illuminare di una flebile luce sgualcita le notti di New York e i passi e le stanze di tutti gli umani sintonizzati su quelle stesse frequenze “grigie” che li hanno resi celebri.

Il successo anche dal punto di vista dei numeri del precedente album non ha scalfito la classe e l’urgenza espressiva di Berninger e soci. Il cantante, abbandonate da un paio d’anni le bionde alla nicotina nel taschino della memoria, sfoggia un timbro mai così pulito e fragili linee vocali di bellezza mai così cristallina, anche se alcuni probabilmente preferiranno il Matt più sporco di qualche anno fa.

Allargando la visuale, pensando a tutto l’album e al lavoro di tutti i membri, rimane quell’impressione, come nel recente passato, di un tentativo di ammodernamento e crescita che fa pensare ad un movimento “laterale”, nel senso che non vi sono grandi rivoluzioni del sound della band, ma si rinviene un’attitudine che mira sempre di più alla cura del piccolo dettaglio e al contempo alla pulitura delle strutture, con la scrematura degli orpelli ingombranti a favore di azzeccate scelte di stampo ancora più minimalista, che però in realtà nascondono, probabilmente, un enorme labor limae. Le chitarre sono sovente meno “grinzose”, svelando spazi sonori in parte inediti, come se sipari rugosi si fossero aperti su brillanti vallate notturne, oasi di sobria desolazione nascoste nel cuore di ideali città fantasma, immerse in scenari di malinconia urbana che mal cela un’aura quasi letteraria, che riconduce a all’apparenza dimesse che esplodono quietamente nei testi mai così in un certo senso cantautoriali e tutto sommato mai così intellegibili, incastrati in simulacri di confessioni irrisolte.

Ordunque i National, pur riconoscibilissimi, danno l’idea di aver creato qualcosa di nuovamente necessario, un ulteriore capitolo senza il quale forse non li avremmo mai davvero compresi fino in fondo. Sono canzoni che hanno tutta l’aria di essere rimaste intrappolate nel tempo, da tempo. Come se fossero sempre esistite. Più che mai catartiche, grazie soprattutto a certi finali di splendore epico che fanno accrescere quella sensazione sempre più pulsante di trovarsi di fronte a un insospettato vero e proprio passo in avanti, cosa che non è del tutto chiara durante i primi ascolti. Ma un album dei National è sempre un ‘grower’. Un amico che conosci da sempre ma che ti cresce dentro piano piano, fino ad innamorarti perdutamente di lui e, come dire… dimenticare te stesso per trovare un amore che era perduto… e ritrovare te stesso.

Così “Heavenfaced” (picco emotivo dell’album, grazie ad un raffinato tappeto sonoro dall’afflato quasi orchestrale) svela il suo volto struggentemente celestiale solo negli istanti finali, mentre “This is The Last Time” si rivela inno esistenziale dopo essere partita come una malinconica confessione vespertina, come fa la ben più wave-oriented e ritmata “Sea Of Love” con la sua orizzontale detonazione conclusiva a base di chitarre ascensionali e linee vocali che gridano al vento e a cieli crudelmente luminosi tra il trionfo e la disperazione, appoggiate su un rigidissimo ma avvincente schema di batteria. Tutto il disco comunque si attesta su livelli altissimi, dall’iniziale, accorata “I Should Live In Salt”, alla martellante-con-dolcezza “Don’t Swallow The Cap”, fino alle ballad una più maledetta, triste, tenera e bella dell’altra “Slipped”, “Pink Rabbits” e “Hard To Find” (rifulgente di un fioco splendore che neanche la vecchia “About Today”, ed è tutto dire…).

Persino episodi apparentemente minori come “Graceless” (una sorta di “Apartment Story” un po’ più lesta ed ipnotica) e la già nota “I Need My Girl” crescono inesorabilmente play dopo play, risultando come altri preziosi tasselli che contribuiscono a comporre un’opera -non ce lo saremmo aspettato dopo tre album giganteschi consecutivi- di nuovo incantevole.

L’ennesima prova di generosità di una band figlia di un tempo arido ed avido.

Trouble Will Find Me
[ 4Ad - 2013 ]
Similar Artist: Tindersticks, Interpol, Nick Cave & The Bad Seeds, Leonard Cohen, The Walkmen
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“Kiss Land” è il primo estratto dal nuovo disco di Abel Tesfaye ovvero The Weeknd.

Ora possiamo ammetterlo, la svolta da crooner di Iggy poteva essere un gioco divertente come può essere quello di vestirsi da donna una volta tanto a carnevale. Un gioco, anche se ben confezionato. Iniziava a far male l’idea che quello che questi tempi avari ci lasciavano dell’iguana erano canzoni i di pura forma e scarsa sostanza. E’ pur vero che nella lunga carriera del Nostro il lascito sarebbe stato ben diverso, se pensiamo a capolavori senza tempo di furia rock’n’roll come “Raw Power”, ma c’era bisogno di un ritorno alle origini anche se, giocoforza, privi dell’ingenuità e della carica deitempi andati. A dispetto di quanto detto nel 2009, in cui si dichiarava l’esperienza degli Stooges conclusa per sempre dopo la morte di Ron Asheton, torna la storica ragione sociale con James Williamson, che non suonava con lui dal 1973 dai tempi proprio di “Raw Power”.

“Ready To Die”, a dispetto dell’anagrafe dei componenti della band, è un disco che potrebbe mettere in riga una buona parte delle band di ventenni che bazzicano i territori rock. Non certo un capolavoro, ma un album di rock’n’roll nudo e crudo, asciutto e compatto, soprattutto credibile. Il tempo passa per tutti e le rughe non si avvertono solo sui visi vissuti di questo gruppo di sodali del 4/4, ma non basta a scalfirne il mestiere o la genuinità di una scelta che correva il rischio di poter somigliare ad una resa tout court. Iggy è vivo e lotta insieme a noi? Sì e no, nel senso che quello che abbiamo è l’ennesimo disco che percorre le stesse strade ormai consumate dai passi, ma costruito e suonato con gli attributi. C’era bisogno di questi 37’ di musica? No, c’era bisogno che qualcosa ci prendesse a schiaffi e ci ricordasse chi e che cosa erano Iggy And The Stooges. “Ready To Die” è esattamente tutto questo, niente di più o di meno. Un bel risveglio dopo un periodo di sonno sin troppo tranquillo.

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Ready To Die
[ Fat Possum - 2013 ]
Similar Artist: Iggy And The Stooges e basta
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Tutti lo vogliono, tutti lo cercano, tanti vogliono lavorare con lui ma ancora pochi lo ascoltano. Questione di tempi e prospettive: l’hip hop oggi in Italia va fortissimo (più nella vendita di cappellini che di dischi) ma Dargen D’amico non è Club Dogo. Eppure era compagno di classe di Gué Pequeno al classicissimo liceo Parini di Milano e proprio con i membri dei Dogo ha iniziato ai tempi di Sacre Scuole. Oggi il trio delle meraviglie gioca a Pes, conta il cash,guarda il Milan in zona v.i.p. e fa strage di cervelli freschi. Dargen si è costruito una buona credibilità, una bella etichetta, il cash più che altro lo canta ma le prospettive di crescita sono rosee. Come le lenti della terza serie di Bodyglasses, gli occhiali da sole che il nostro disegna e distribuisce con “Vivere aiuta a non morire”, disco uscito da qualche giorno e che è stato presentato in giro per l’Italia in alienanti centri commerciali, luoghi che adoro e odorano di vita buttata. C’è sempre almeno una ragazzina che piange, abbracciando il proprio idolo, anche quando l’idolo in questione non ha esattamente il fisico adatto.

Però ha una gran testa e buona lingua, un italiano chiaro e forte figlio di ottime letture e altrettanto ascolti. Dargen D’amico si definisce cantautorap, dichiara tutto il suo amore per Lucio Dalla ed Enzo Jannacci e con questo lavoro mette su disco gli insegnamenti mai troppo ascoltati delle “Lezioni americane” di Italo Calvino. “Vivere aiuta non morire” è un elogio alla leggerezza, pieno di divertimento sia nella musica, mai così ballabile, che nei testi. Le parole di DD creano calembour a non finire, scherzano ma non dimenticano mai di fornire la prospettiva della vita del proprio autore. Nascono così pezzi come “Bocciofili” (hit of the summer), “Il ginocchio” ma pure “Il presidente” o “Con te”, frutto della collaborazione per certi versi sbalorditiva con i Perturbazione. Eppure niente stride in un lavoro come questo, perché specchio perfetto del suo autore, essere umano affascinante, rapper interessante perché del rapper rifugge la cosa più spiacevole: il cliché.

“Vivere aiuta a non morire” è disco molto diverso dal monolite “Di vizi di forma virtù” ma anche dal più sperimentale “Musica senza musicisti”, richiamato solo in “VV” (altro gran pezzo). Ha tutti i presupposti per deludere gli oltranzisti e accalappiare gli stupidi con bocce e cubi, proprio per questo lo trovo un disco splendido. Dalla vita non si esce vivi, ma aiuta.

Vivere Aiuta A Non Morire
[ Giada Mesi - 2013 ]
Similar Artist: Mecna, Andrea Nardinocchi, Two Fingerz, Max Pezzali
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I Saturday Looks Good To Me fanno parte di quel ristretto gruppo di band che hanno ridefinito i canoni dell’ indie pop negli anni zero. Album dopo album si sono avventurati in territori inconsueti, giocando con suoni alla Phil Spector e sporcandosi spesso e volentieri le mani col soul di Detroit. Esploratori senza paura, guidati dall’estro di un Fred Thomas che ha sempre dichiarato apertamente di considerare i SLGTM un progetto di cui doveva essere il leader incontrastato. Principale autore e compositore circondato da collaboratori sempre diversi ma comunque validissimi. Solo che a un certo punto Thomas, impegnato a gestire un’etichetta discografica (la Life Like Tapes), a sfornare album solisti come se piovesse e in innumerevoli progetti paralleli, pareva aver perso interesse per la sua creatura. Sembrava insomma che i SLGTM fossero una storia finita. Poi, su suggerimento di un amico saggio, Fred ci ha ripensato. Ha afferrato una manciata di canzoni e dato vita a una nuova incarnazione del gruppo. E a un nuovo disco.

Questa è la storia dietro le quinte di “One Kiss Ends It All”, un album elegante in cui Thomas si affida ancora una volta a voci femminili, quelle di una vecchia conoscenza come Betty Barnes, di Carol Catherine e Amber Fellows, per raccontare l’amore che se ne và (“Break In”, “Are You Kissing Anyone”). Perché, prendendo in prestito le parole di “New City”: “Once the feelings runs out, then the feelings runs out” e non c’è nulla da fare. I SLGTM versione 2013 sono decisamente più vicini ai sentimenti espressi in “All Your Summer Songs” e “Every Night” che alla sperimentazione di dischi come “Cold Colors” e “Fill Up The Room” (anche se a sperimentare non rinunciano, in “Negative Space”). Immersi fino al collo nella spensieratezza da spiaggia d’inizio settembre che traspare in “Sunglasses”, “Empty Beach” e “Invisible Friend”. Una sensazione dolce e malinconica, velata dalla triste consapevolezza che accompagna i momenti che finiscono. Simile all’emozione provata nei lunghi pomeriggi post adolescenziali quando si devono prendere decisioni importanti ma meglio non pensarci, non ora, più tardi. Anche Zio Fred è cresciuto insomma, però non del tutto. Nascosto tra le note di sassofono di “Polar Bear”, barricato dietro gli archi di “Johnny”e “The Everpresent New Times Condition” c’è sempre il ragazzino romantico dal cuore spezzato di un tempo. Chissà, forse è per questo che l’onirica “Space Children” si chiude con una speranzosa, piccola coda. Tre parole: “I Love You, I Love You” ripetute meccanicamente, con passione, quasi fossero un mantra per scacciare cattivi pensieri e delusioni.

“One Kiss Ends It All” non è una postilla a una storia già archiviata e anche se lo fosse sarebbe un’aggiunta importante, non trascurabile, la classica nota a piè di pagina che un’assistente universitario mediamente bastardo invariabilmente chiede. Uno sviluppo inatteso e forse per questo ancora più piacevole. Trentanove minuti e dodici secondi di gran classe e di forte impatto emotivo che fanno esclamare ancora una volta, ad alta voce, quanto è bello il sabato. E quando arriva inaspettato, è ancora più bello.

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One Kiss Ends It All
[ Polyvynil - 2013 ]
Similar Artist: Neutral Milk Hotel, Best Coast, Fred Thomas
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Due anni fa il loro carattere stilistico aveva fatto smussare l’interesse – dapprima ostico nei loro confronti – di una buona parte dell’opinione (musicale) underground internazionale, era piaciuto il loro sghembo e trasognato modus operandi come ricetta sonora “a spirale” per palati sfiziati all’astruso, in quel ginepraio di accordi e contro-accordi che tratteggiavano un funk strapazzato fino al collo, propagato a centrifuga tra art-rock, jazz-punky e un intero mix contaminato che sarebbe piaciuto alla buon’anima di Zappa o a Captain Beefheart se fossero ancora in vita, ma che in vita a letteralmente estasiato Les Claypool dei Primus, totalmente preso in botta.

Gli Hot Head Show – il cui fronte man è nientemeno che Jordan Copeland (rampollo di Stewart Copeland), imprescindibilmente di chi si sia innamorato del loro “passo” portano avanti il secondo step discografico “Perfect” ben oltre le palizzate della contaminazione dada, suggestionano come in un frullatore impazzito una elaborazione psichedelica quanto “malata” dove tutto suona tutto ed il suono è tutto di suono, praticamente anarchia amplificata che se da una parte fa gioire alla creatività piena, dall’altra confonde e fa venire mal di testa cronici, si salva solo che è stato svezzato con il latte acidognolo delle intemperie appunto Zappiane, il che è tutto un dire di plusvalore, altrochè!

Contorsionismi, ipotenuse sgangherate, quadrophonie sbilenche e tratteggi free-jazz sono le postazioni mentali di questo fulminante (fulminato?) trio che in una manciata di minuti fa provare un giro del mood in ottanta nano-secondi, una diabolica perseveranza attitudinale a sbracare ogni forma canzone in un “tecnicamente atmosfera” che rapisce e diventa amante sodale per chiunque odia lo stare in riga, in fila composta nella realtà delle cose; dunque funkadelica al quadrato, la tribalità vocale della titletrack, lo ska da fiatone “Bang now”, la botta live che “Some money” distribuisce a go-go, il focus trip-hop che si infuoca ed esplode “Bangfish” o quel merlettino acustico folk che odora di fieno appena tagliato “Little Kitty”, sono alcuni dettagli di questo coma vigile che a fine corsa – dopo tante smorfie dubbiose – si va di corsa a ri(spararcelo) negli orecchi oramai a “rota persa”.

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Perfect
[ RBL - 2013 ]
Similar Artist: Quando la nevrosi sciorina move-it
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Il 18 giugno esce via Slumberland Records “Sob Story” nuovo LP degli Spectrals.

La title-track in streaming qui:

“Sob Story” Tracklisting

01. Let Me Cave In
02. A Heartbeat Behind
03. Karaoke
04. Sob Story
05. Milky Way
06. Friend Zone
07. Limousine
08. Something To Cry About
09. Blue Whatever
10. Keep Your Magic Out Of My House
11. Gentle
12. In A Bad Way

“Right Thoughts, Right Words, Right Action”, è il quarto album dei Franz Ferdinand e uscirà per Domino il 27 agosto 2013.

E’ un disco esuberante che segue l’uscita di “Tonight” del 2009 e che sembra far ritrovare alla band quella fantasia, vitalità e divertimento che sono il loro marchio distintivo e che possiamo sentire nell’ormai “classico” disco d’esordio Franz Ferdinand.

Registrato nell’ultimo anno negli studi scozzesi di Alex Kapranos e nei McCarthy Sausage Studios a Londra, il nuovo album ci dimostra quanto i Franz siano una delle band più uniche e avventurose del panorama anglosassone. Basti pensare ai loro dieci anni di successi in classifica nel mondo pur mantenendo un’attitudine audace e provocatoria. Il loro è un rifiuto delle convenzioni e del grigiume che accompagna spesso le band che raggiungono quel livello di attenzione.

Kapranos ci racconta così questo disco: E’ l’incontro tra Intelletto e Anima, suonato da un gruppo di cazzoni. Sappiamo cosa intende ma allo stesso tempo i testi sembrano aver acquisito una poetica maggiore.
Le dieci canzoni che compongono “Right Thoughts, Right Words, Right Action” rappresentano in qualche modo gli elementi che hanno spinto il gruppo a passare dall’incestuoso mondo della Glasgow Art School ad essere quello che sono oggi. Parliamo di testi quasi pittorici, cori martellanti (quelli che rimangono in testa la notte), visione estetica precisa e capacità di miscelare sensibilità artistica e potenza pop spingendo sempre più avanti il confine.

Lo spettro di influenze e contaminazioni che si trovano in questo disco è enorme. Se questo è inconfondibilmente un disco dei Franz Ferdinand lo è soprattutto in virtù del suo eclettismo sonoro e del songwriting affascinante e senza tempo

A meno di un mese dall’uscita del loro attesissimo nuovo album “Desire Lines” (registrato a Portland, Stati Uniti con il produttore Tucker Martine), i Camera Obscura hanno reso disponibile un’altra canzone, “Fifth In Line To The Throne”.

Dopo il singolo “Do It Again”, “Fifth In Line To The Throne” vede il quintetto di Glasgow alle prese con una vera e propria ballata

Spiega Tracyanne Campbell “Fifth In Line To The Throne” è una canzone che parla di qualcuno che vive un rapporto apparentemente perfetto, ma c’è un lato oscuro in esso. Volevamo suonare minacciosi e dare i brividi a chi ascolta.

Esce il prossimo 27 agosto su Polyvinyl il nuovo disco dei Dodos.

“Carrier” è anticipato dal singolo “Confidence”:

Carrier Track Listing

1. Transformer
2. Substance
3. Confidence
4. Stranger
5. Relief
6. Holidays
7. Family
8. The Current
9. Destroyer
10. Death
11. The Ocean

Qualche giorno fa in Francia ha debuttato “L’ecume des jours” (“Moon Indigo”), l’ultimo film di Michael Gondry dedicato al romanzo omonimo di Vian. In attesa che il film esca in Italia, ripercorriamo la bibliografia dell’autore.

I romanzi di Vian sono un’osmosi tra musica e scrittura; le dita dello scrittore battono i tasti con prestezza e ritmo e le sue pagine si frammentano in una sequenza di diapositive. Gli accordi della quotidianità (gli amori, le ossessioni, le vendette, le convenzioni) entrano nelle lettere e nelle spaziature come nei punti e nelle virgole. E’ tutto da leggere con le orecchie e sentire con gli occhi.

Prima di accennare ai romanzi di Vian a cui sono più affezionata– “L’erba rossa”, “Lo strappacuore”, “Sputerò sulle vostre tombe” – e di confermare il mio amore per “La schiuma dei giorni”, credo possa essere utile accompagnare chi conosce poco Vian con la suspension of disbelief di Samuel Taylor Coleridge: venne accettato, che i miei cimenti dovevano indirizzarsi a persone e personaggi supernaturali, o almeno romantici, ed anche a trasferire dalla nostra intima natura un interesse umano e una parvenza di verità sufficiente a procurare per queste ombre dell’immaginazione quella volontaria sospensione dell’incredulità momentanea, che costituisce la fede poetica.

L’HERBEROUGE

1950
In Italia: L’Erba Rossa, tr. di Giulia Colace, Marcos y Marcos 1999

Sa, sono stato appena appena toccato dal catechismo… non potevo credere educato come sono stato educato. Era una formalità per avere un orologio d’oro e non avere ostacoli al matrimonio. «Chi l’ha forzata a sposarsi in chiesa?» disse l’Abate Griglia. «E’ divertente per gli amici» disse Wolf. E’ un vestito per la donna… oh, come mi secca tutto ciò… non m’interessa. Non mi ha mai interessato.

Tramite inaspettati e convulsi paradossi, e con un sarcasmo distruttivo, Vian racconta tutto ciò che di convenzionale e ovvio distrugge il lettore e i quattro personaggi del romanzo: Wolf, il suo aiutante Zaffir Lazzuli, e le rispettive compagne Lil e Follaprile. Tutto si smuove nell’area del “Quadrato”, costituito da un viale di mattoni e dall’erba rossa dove lavorano i quattro. Si sfugge al tempo, all’abitudine e al costume, in una natura artificiosa alla De Chirico eppure credibile nelle sue pietre dai colori vivaci e nelle sue macchie di luce che si spengono a seconda dei movimenti del suolo.

ARRACHE-COEUR

1953
In Italia: Lo strappacuore, tr. di Augusto Donaudy, Rizzoli 1965; Lo strappacuore, tr. di Gianni Turchetta, Marcos y Marcos 2003; Mondadori 2005

Qui Vian descrive l’asprezza della vita: l’amore materno di Clementina che ingabbia i tremelli (gemelli) Noél e Joél, una società senza scrupolo in cui si mettono all’asta i vecchi e il castigo di una fede in un Dio, che elargisce favori a pagamento.

Il tutto filtrato da una natura prorompente, che rende inestimabili tutti i suoi disgraziati figli, incastonandoli e incastrandoli nelle sue radici.

J’IRAICRACHERSURVOSTOMBER

1946
In Italia: Sputerò sulle vostre tombe, tr. di Stefano Del Re, Savelli 1979; Interno Giallo 1992; Marcos y Marcos 1998; Mondadori 2006

Per “Sputerò sulle vostre tombe”, Vian adotta il suo alter ego più duro e crudele Vernon Sullivan, autore nero censurato in America a causa del razzismo (sarà Vernon Sullivan anche per altri tre brevi romanzi “Les morts ont tous la même peau” – “Tutti i morti hanno la stessa pelle”, “Et on tuera tous les affreux” – “E uccideremo tutti i racchioni” – e “Elles se rendent pas compte” – “Esse non si rendono conto”).

Per questo Vian nero, “Sputerò sulle vostre tombe” è l’atto d’accusa nei confronti del perbenismo americano, delle discriminazioni e delle violenze che i neri americani erano costretti a subire da parte dei bianchi.
Così in pochi giorni, nell’estate del 1946, Vian pubblicò “Sputerò sulle vostre tombe” sulla vicenda di Lee Anderson, negro dalla pelle bianca che, per vendicare la morte del fratello, si fa prima ammettere all’interno di una cerchia borghesotta di bianchi e poi progetta di sedurre le bellissime e algide sorelle Asquith.

L’ÉCUME DES JOURS

1947
In Italia: La schiuma dei giorni, trad. Gianni Turchetta, Marcos y Marcos 1992

Io vorrei essere innamorato» disse Colin. «Tu vorresti essere innamorato. Egli vorrebbe idem (essere innamorato). Noi, voi, vorreste esserlo. Essi pure vorrebbero innaorarsi…».

Munito di fede nella poesia e nell’amore, il lettore vigila sulla storia di Colin e Chloè e si accorge che non è finzione: ciò che sembra irreale e fiabesco non è altro che un disegno bello con sentimento o uno brutto senza sentimento.
Colin, ricco ed annoiato, vive con il cuoco Nicolas e alcuni topi e ama trascorrere gran parte del suo tempo con l’amico Chick, fan morboso del filosofo Jean Sol Partre. La sua vita comune e ordinaria trova una svolta nell’amore perfetto e meraviglioso di Chloè.

Il protagonista e il suo mondo vengono sopraffatti dall’incontro di Chloè e dalla sua improvvisa e rarissima malattia: una ninfea cresce e divora i polmoni dell’amata. Il fiore fatale, che toglie il respiro anche a tutto ciò che circonda Chloè, può essere soggiogato solo dall’effluvio di altri fiori.
Per recuperarli, Colin si abbandona (perdendo poi tutto) a lavori sempre più deprimenti: dalla fabbrica di armi in cui i fucili si nutrono di uomini, al servizio informativo che annuncia le disgrazie con un giorno di anticipo.
La malattia mette in pericolo l’amore fra i due e il mondo intorno condivide il dolore di un sentimento teso a svanire: gli amici invecchiano e Chick crolla nel morboso culto per Partre, la stanza nuziale si restringe e si avvilisce.

La morte di Chloè è un incendio che non risparmia ciò che resta del giorno, né i libri, né l’arte.
Farsi troppe domande su questo libro non serve a nulla, a ben vedere la trama depurata dal realismo magico, non presenta spunti di particolare originalità. Beh, questo è quello che scriverebbe un soggetto cresciuto con il mito della produttività (produci figlio mio, rendi, trasformati in un’unità di produzione) o un soggetto annientato dalle vicende troppo brutali della quotidianità, sopraffatto dal cinismo.

Con La schiuma dei giorni Vian inventa l’amore. L’amore è l’impossibile che governa anche le leggi della natura, è il sale nel contenitore, è la musica di New Orleans e di Duke Ellington, è il bicchiere non mezzo pieno, ma totalmente pieno.
“La schiuma dei giorni” è la trama perfetta di un film di Truffaut; con Vian non a caso ho ripescato Antoine e Christine di “Baci rubati”, che fanno colazione in cucina, a casa di lei, dopo aver finalmente fatto l’amore e dormito insieme. Lei gli insegna come spalmare il burro su due fette biscottate sovrapposte in modo da non romperle, lui le chiede di sposarla scrivendoglielo su un taccuino. Lei legge e poi prende la penna e risponde, ripassandogli il taccuino. Lui le fa indossare un cavatappi nell’anulare sinistro e poi si mettono a ridere, timidi e goffi.
Vedremo se Gondry riuscirà a restituirci la stessa sospensione dell’incredulità in cui gli altri due francesi erano maestri.