”Diamond Dogs” fu uno dei dischi più belli e controversi mai prodotti da David Bowie. Inizialmente pensato come un concept su uno dei romanzi più amati da David, “1984” di George Orwell, fu poi realizzato come una sorta di incubo sonoro a metà strada tra “Freaks” di Browning e “Nova Express” di Burroughs. Ambientato in una città immaginaria, “Hunger City”, completamente in rovina e con grattacieli spogli alle cui sommità alcuni umanoidi, i cani diamante guidati da “Halloween Jack”, un tipo tosto che vive sui tetti di Manhattan Chase, tengono sotto scacco la città. Gli esseri umani sono incapaci di agire e sono alla ricerca disperata di sesso promiscuo e droghe facili, per annientare la volontà ed anelare ad una sorta di orgasmo artificiale, proprio come i personaggi che popolano i romanzi di Burroughs. Qui Bowie infatti utilizza per la prima volta la tecnica del cut-up cara allo scrittore americano per colorare testi pieni di angoscia, sofferenza e alienazione.

La canzone che apre il disco, “Future Legend” descrive alla perfezione lo scenario apocalittico in cui è ambientato il disco, con quel synth lugubre introdotto da un ululato che sembra un guaìto di sofferenza e la voce salmodiante di Bowie che ci presenta la desolazione e la miseria del mondo.
Questo non è Rock ‘n’ Roll! Questo è Genocidio! Urla David allargando la prospettiva di suicidio rock ‘n’ roll inaugurata da Ziggy Stardust ed estendendola a tutta l’umanità, mentre un poderoso riff garage alla Stones ci porta alla ‘title track’ ed all’epopea di “Halloween Jack” e dei cani diamante.

E’ un disco difficile, che rispecchia lo stile di vita di David Bowie dell’epoca, sempre più risucchiato dal vortice della cocaina ed intrappolato dai fantasmi della celebrità. L’incedere marziale di basso, batteria e sax di “Sweet Thing”, la furia rock di “Candidate” e la ripresa rassegnata del tema iniziale di “Sweet Thing” con “Sweet Thing (reprise)” possono essere considerate il vertice del disco e rendono alla perfezione l’alienazione drogata di David Bowie. Musicalmente “Diamond Dogs” è un ibrido tra la decadenza hard rock di “The Man Who Sold the World”, i feticci glam di “Ziggy Stardust”, il garage rock degli Stones e il ‘Philly Sound’, ovvero la soul music che si tramuta in disco.

Se “Rebel Rebel”, con quel suo riff essenziale e caracollante può essere quasi una continuazione di “Brown Sugar” di Jagger e soci, 1984 tradisce una parentela stretta con il tema di “Shaft” di Isaac Hayes. “Rock n’ Roll With Me” è invece una canzone romantica alla Bill Withers con la quale Bowie cerca una via d’uscita, la necessità di una vita stabile alla riscoperta delle sue radici, recise dal troppo girovagare.
Ma è troppo tardi: l’incubo di “We Are the Dead”, la frase disperata che Winston e Julia pronunciano un attimo prima che la psico – polizia li catturi, non lascia speranze: il lugubre tappeto di synth e la chitarra fuzz suonata dallo stesso David, suonano come un rintocco a morto delle campane. L’epitaffio prog di moog e mellotron di “Big Brother” chiude il disco con la coda strumentale di “Chant of the Ever Circling Skeletal Familiy” dove l’urlo Brother viene spezzato in bro, bro, bro… con un effetto di disco che salta, chiaro omaggio al “Sgt. Pepper” dei Beatles.

David precipiterà sempre più giù, per poi risorgere come un’araba fenice che vola nei cieli plumbei di una Berlino Est al suono dei Kraftwerk , dei Can e dei Neu!
Ma questa è un’altra storia.

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Vittorio Rosa “Il Ristretto” è un personaggio atipico nel panorama musicale italiano. È un performer, più che cantante, e propone uno show concettuale basato su una sua teoria ‘del restringimento del cerbello’ cioè l’attitudine del cervello a vedere e volere il Bello.
Un’attitudine che, spesso, però, può esserci ma di cui inconsapevolmente non ne siamo coscienti e allora “Il Ristretto” può venirci in aiuto indirizzandoci sulla retta via.
Lo show riprende la struttura del cd “Poste e Telegrafi” ma, in più, è corredato di frequenti siparietti comici in cui il Ristretto divulga la sua teoria tra il serio e il faceto.

Dal dark anni ‘80 di “Elastico” si passa a “Mestruazioni cerebrali” e a “Senza Cerbello”, il suo pezzo forte, la cui melodia da carillon fa presa sul pubblico in sala.
Il Ristretto interagisce con la platea, li introduce piano piano nel suo mondo fatto di neologismi e concetti apparentemente banali ma che, in realtà, esaminano la società attuale con fermezza e intelligenza facendo ricorso spesso all’arma dell’ironia e della sagacia. Nella sua musica c’è spazio sia per John Coltrane, che cita nel finale di “Sanghe r’è Brigante”, che per il downtempo e questa diversità di generi viene elaborata e inglobata in un’esperienza artistica, al limite tra musica e performance teatrale, che è, a mio avviso, assolutamente originale e inusuale in Italia.
Giunto ormai a più di 300 date in tutta Italia (con una comparsata a Parigi alla Festa Della Musica), Vittorio Rosa ha l’ironia di Rino Gaetano e un senso dello show tutto patafisico, quasi vaudevilliano ma che va oltre il semplice intrattenimento.

Il pubblico accorre, si diverte, richiede a gran voce bis e acquista i gadget della spirale cosmica all’uscita dopo aver bevuto un buon bicchiere di vino biologico ‘per restringersi’ offerto dal ‘Ristretto‘. Si respira un’atmosfera familiare, allegra, cordiale, che sempre più spesso manca nei concerti e in teatro ma che Vittorio Rosa sa ricreare, da buon lucano, alla perfezione.
Anche per questo motivo se il suo show capita dalle vostre parti, vi consiglio assolutamente di non perderlo correndo il rischio, però, di potervi restringere radicalmente. Vedere per credere.

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L’enfant prodige statunitense, incredibilmente sexy, Joanna Newsom si è data da fare e ha buttato giù una mole non indifferente di lavoro.
Già conosciuta per l’ottimo “Ys”, torna con “Have One On Me”. Dal puro sbilanciamento delle strutture musicale delle partiture classiche tipico dei lavori precedenti, qui si viene a creare ad hoc una efficace storpiatura battute assestate e infiocchettate però su criteri stilistici più vicini al pezzo con apertura e chiusura definite. L’open-track “Soft As Chalk” ricorda terribilmente i Dresden Dolls, con una psycho cabaret sobrio e d’effetto. Forse è improprio parlare di open track, poiché il disco è diviso in 3mini Ep (mini si fa per dire, data la durata dei pezzi, che è il doppio di quella a cui siamo abituati da questo target musicale).

L’opera ha tutte le carte per essere un percorso piacevole in un paradiso multiforme di note tremolanti e non scontate. “Easy” è un arrangiamento vicino al gusto Tori Amos, ma la voce di Joanna è riconoscibile e sottolinea il giusto distacco. Man mano che si procede nel sentiero della Newsom, il maggior espediente per far posare la sua delicata voce sui pezzi è l’intenso uso dell’arpa, suonato quasi come un acustica in un disco di Van Morrison.

Il folk è marcato come mai. Il format della voce è il gemello siamese di Fiona Apple.
E’ fuori luogo indicare su quali tracce è più simile a Joni Mitchell o Kate Bush.
La cosa utile è parlare delle tracce in cui è simile ad una cantautrice formata, ovvero: “Esme”. Mi ha lasciato senza fiato per il gusto estremo del ritardo nel vibrare nelle sue stesse intenzioni, nella privazione che sottende al piacere, nella distensione naturale delle corde vocali su quelle dell’arpa, su quelle del cuore della ragazza di cui stiamo parlando. Una contorsione musicale che deriva dai veri movimenti dell’anima, e non da un tecnicismo scimmiottante la buona tradizione che la precede su questo viale di terriccio.
Il blues fa capolino ogni tanto, ma nel mood, mai nella cadenza.
“‘81″ è bellissima, lucida, degna di un climax in un serial americano, pregna di celtic coniugato a ritmo da powerballad introspettiva.
Discendendo di traccia in traccia, la voce si fa sempre meno timida, ma la seconda parte del disco è pressoché identica alla prima. Il livello non si abbassa, ma non si alza nemmeno.

“Good Intensions Company” è urn rise piacevole, ma si dilunga un po’ troppo.
La terza parte del disco è sensibilmente più amarostica delle precedenti.
I toni si alzano con brevi innesti di musica popolare nordica, ma si spengono subito al tramonto delle sillabe della Newsom. “Occident” commuove. “Does not Suffice” spaventa come un temporale.
L’opera è bella ma può stancare. Ben allacciata alla tradizione riesce comunque a non essere pedissequa. Ma se non ascoltata nello stato d’animo giusto, risulta non solo poco apprezzabile, ma del tutto accantonabile da un ascoltatore non disposto a venirle incontro.

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Have One On Me
[ Drag City - 2010 ]
Similar Artist: Dresden Dolls, Tori Amos, Blackmore’s Nights
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• Recensione “YS”

Ascoltando questo trio inglese si ha subito l’impressione che il ‘tessuto spazio-tempo’, come lo avrebbe chiamato il leggendario Doc di zemeckiana memoria, si sia piegato in due, collegando gli anni ‘80 e il 2000 in un istante. Il punto d’incontro, precisamente, sarebbe la stretta di mano tra Ian Curtis e lo stuolo di seguaci di prima data con il garage rock più recente (White Stripes?) imbellettato anche con un po’ di elettronica.

Ce lo dice subito chiaro e tondo la traccia d’apertura, “Magnetic Warrior” e la sua diretta consecutiva in tracklist, quasi in unica striscia vincente, “Shark’s Tooth”, ballabile frammezzo tra gli Wire, i Franz Ferdinand e gli Arctic Monkeys (si va beh, anche a tanti altri), con lo sguardo comunque (molto) più rivolto agli anni ‘80 che alle ultime band dell’ondata new wave. C’è poco da ridere, perché questi fanno sul serio. “Chunk” si danza con movimenti lenti e neanche troppo aggraziati, sarà il beat minimale o i dozzinali sintetizzatori che fanno comunque la loro porca figura, anche per la resa catchy del brano stesso, che ne guadagna anche sulla durata apparentemente esagerata. No, non lo è. E’ forse un dato di fatto che la Domino è una casa discografica troppo monotematica, ma l’ultimo disco delle ’scimmie artiche’ risuona di nuovo quando ascolti “Bite It & Believe It”: per l’ultima volta, finalmente.

In “Hunt You Down” stiamo ascoltando i Babyshambles più devoti a Curtis post-suicidio, ma non è questo l’apice del disco. Quando i Joy Division più frenetici hanno già lasciato spazio alle incursioni garage di Captain Beefheart, degli Who e degli Wire (garage come Meg e Jack lo hanno portato in essere), ci sentiamo effettivamente vicino ai due White. E’ il caso del punkettone, anche un po’ Ramones volendo, di “Wild Strawberries”, un hit da concerto, o del ‘brano-doppio’ “6.1 You Have A Right To A Mountain Life/6.2 One Up On Yourself”, con i suoi echi di pesante brit-pop svezzato a colpi di depressione cronica alla New Order, Clash decaduti o post-punk tipo Gang of Four o roba simile. Paragoni a parte, questa accozzaglia funziona davvero. Chi l’avrebbe mai detto? C’è chi, come me, si è dichiarato più volte stanco di sentire gente che idolatra Ian Curtis a tal punto da volerne imitare le gesta (solo musicalmente, per fortuna), un po’ come facevano in molti con Cobain, ma anche stavolta c’è chi ha saputo dimostrare che ne vale davvero la pena, perché questo disco punterà di nuovo i riflettori contro Domino e le sue uscite sempre a passo coi tempi.

Lunga vita agli ABO e a band come queste. Che il garage sia con voi, aspettando che Jack White la faccia finita di fare milioni di progetti paralleli e si dedichi di più alle strisce. Con buona pace del povero Morgan.

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Coconut
[ Domino - 2010 ]
Similar Artist: Wire, Gang Of Four, Joy Division, The White Stripes
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• Recensione “DERDANG DERDANG”

Diciassette anni son passati dall’esplosivo debutto del Clan newyorchese e ancora la creatura di RZA e soci fa parlare di sé: il Wu-Tang è sempre stato simbolo di qualità e attitudine commerciale non comuni; l’originale e imponente strategia di marketing hanno sempre contraddistinto la vita del collettivo, la capacità di assaltare il music-biz e di non far mai calare l’attenzione hanno sempre significato tanto nel progetto complessivo. Nei momenti di silenzio tra un disco e l’altro abbiamo assistito alle uscite soliste dei vari componenti, in maniera tale che chart e ascoltatori difficilmente riuscissero a liberarsi dalla presenza del Clan. È quindi mossa prevedibile e coerente l’uscita di una retrospettiva che propone inediti e rielaborazioni, curata dalle mani attente e diligenti dell’affiliato DJ Mathematics (presente anche con un buon pezzo tutto suo, “Da Way We Were”): un’uscita che per altri avrebbe significato soltanto l’inutile raschiare sul fondo del barile, per il gruppo che ci ha regalato artisti del calibro di Ghostface Killah è invece un tributo al proprio stile e ai fan.

Soprattutto ai fan: se infatti questi rimarranno ovviamente soddisfatti di “Return Of The Wu”, ascoltatori occasionali faranno meglio a buttarsi innanzitutto sui dischi ufficiali.

Nelle quindici tracce del disco si trovano tutti i motivi che hanno reso grande il Wu-Tang: un funk smontato e rimontato tra aggressività, tenebre e incombente psichedelia; il rimare vario e (quasi) sempre eccellente di mc ormai entrati nella storia; le innumerevoli derive che hanno da tempo dimostrato il talento dei nostri (per esempio il pop-soul dell’ultimo “8 Diagrams”).

Ma avrete capito che non tutto è oro quel che luccica: trattandosi perlopiù di scarti dai lavori precedenti la qualità media non è altissima, eppure polvere e incertezze non nascondono comunque il talento che si esprime principalmente nei momenti più classici dell’album (“Rush” e “Iron God Chamber”da sole giustificano tutta l’operazione). Una scaletta meno ingombrante avrebbe sicuramente evitato momenti di stanca (“Strawberries & Cream”, nonostante un Ghostface sempre ottimo, rappresenta il peggior ammiccamento possibile a certo commerciale r’n'b), ma l’ennesimo tassello di una carriera enorme riesce a farsi ascoltare con piacere. Se poi, come si vocifera, l’attesa per il vero ritorno del Clan non dovrebbe prolungarsi eccessivamente, non potremmo rallegrarci maggiormente.

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Return Of The Wu
[ Gold Dust - 2010 ]
Similar Artist: Madvillain, Redman, Mos Def, OutKast
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WU-TANG CLAN su IndieForBunnies:

• Recensione “8 DIAGRAMS”

Dietro il figlio di Dave si cela la figura magnetica di Benjamin Darvill, ex-membro dei Crash Test Dummies, una delle formazioni appartenenti all’elite alternative degli Anni Novanta. Dopo essersi messo in proprio, il musicista nordamericano ha inanellato ben tre album in passato e si ripresenta a distanza di due anni con l’ultimo lavoro mantenendosi sulla falsariga delle proposte precedenti senza fare sfraceli.

Registrato e mixato nello studio di Chicago del mitico Steve Albini, “Shake A Bone” esibisce una fetta di caos controllato, un universo sonoro generato dal connubio lo-fi blues e funk dove a far la parte del leone è l’armonica, quasi a voler dimostrare l’esistenza di mondi sonori paralleli non dominati dalle corde. Le incursioni pop dovrebbero fare da collante alle dodici tracce in scaletta, finendo invece col rendere l’intera proposta troppo formualica, senza mai un guizzo o un’intuizione necessari ad elevare un livello qualitativo mai degno di nota.

Crocevia di (poco) pop, soul, blues e jazz, l’ultima fatica discografica di Darvill si lascia ascoltare con relativo piacere senza tuttavia riuscire ad imprimere quell’impressione necessaria per mantenere elevata l’attenzione dell’ascoltatore. Insomma un’altra non proprio necessaria aggiunta alla voce ‘dischi mediocri’.

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Shake A Bone
[ Kartel - 2010 ]
Similar Artist: Alabama 3, Jon Spencer, Buddy Guy
Rating:

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• Recensione “03″

Ormai ci hanno abituato: ogni anno pari esce un loro disco.
Se il primo “Coming On Strong” nel 2004 è passato quasi inosservato, malgrado fosse molto valido, il secondo nel 2006 dal titolo “The Warning” li ha consacrati alla critica internazionale. Due anni dopo “Made In The Dark” delude un po’ le aspettative e quindi molti erano gli interrogativi prima dell’ascolto di questa quarta pubblicazione.

Il formato originale della band, fatto da 4 tastiere e una batteria, rende la ricerca del suono originale uno stile di vita. Forse questo è proprio il punto di partenza, la maturazione armonica delle tastiere attorno alle quali si sviluppa il sound divenuto adulto ad accattivante, grazie all’enorme lavoro di Joe Goddard e Alexis Taylor che di fatto sono le menti pensanti del combo.
Ed ecco che il disco suona funky, soul, house e techtronic. E piace davvero.
Si inizia con “Thieves In The Night”, i ladri nella notte, una traccia molto d’impatto e destinata, forse, ad un pubblico vasto. Ma il sound tradizionale degli Hot Chip emerge nella successiva “Hand Me Down Your Love”, riportandoci al pluridecorato “The Warning”. Una ballata cadenzatissima, dal ritmo incessante.

“I Feel Better” segna più di altri brani la virata danzereccia del gruppo dalle innumerevoli tastiere sincronizzate. Lo stesso dicasi per “We Have Love”, che sembra una “People Are People” degli anni duemiladieci.
Un capitolo a parte è l’impalpabile “Alley Cats” che ancora non riesco a classificare: un sound tipo The XX con tanto di finti violini ed effetti evanescenti.
Il disco segna sicuramente la maturazione artistica della band ma paga un prezzo molto alto all’originalità, forse nel tentativo di accontentare tutti i palati o forse più gente possibile.
Ma chi ama i Depeche Mode magari odia i Pet Shop Boys. E quindi alla fine si rimane mediamente delusi. Non sempre maturare significa crescere.

SVILUPPABILE.

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One Life Stand
[ Parlophone/EMI - 2010 ]
Similar Artist: LCD Soundsystem, Pet Shop Boys, Four Tet, The XX
Rating:

HOT CHIP su IndieForBunnies:

• Recensione “MADE IN THE DARK”

Può la copia risultare più brillante dell’originale? Certo, capita. Basti pensare ai Gene, dove a tratti sembrava di risentire gli Smiths, o “Turn On The Bright Lights” degli Interpol o a “Is This It” degli Strokes… e si potrebbe andare avanti quasi all’infinito. I Serena Maneesh rientrano in questo campo.

L’avere una stella polare è una necessità oramai per qualunque band si affacci sulla scena musicale odierna (per la solita storia del “come faccio ad inventarmi qualcosa di nuovo? Tutto è già stato suonato, tutto già è stato sentito), ma nel caso del quintetto norvegese è diventato un segno distintivo oramai troppo forte. Ascoltando la seconda opera dei Serena Maneesh, “S-M 2 Abyss In B Minor”, ai My Bloody Valentine (cui si rifacevano in maniera semi-calligrafica nel loro debutto, anteponendo a questo tributo agli MBV dei gran bei pezzi con un tiro notevole) si aggiungono al rooster delle influenze dei cinque i Primal Scream da “Vanishing Point” e l’intero movimento kraut anni ’70, in una maniera così forte che, usando un gioco di parole, il disco risulta suo malgrado troppo di maniera.

Registrato in una caverna nei dintorni di Oslo il disco, prodotto da Nick Terry (Klaxons e, appunto, Primal Scream) e Renè Tinner (appunto “#2: Can”), sin dall’incipit di “Aysha Abyss “mostra i suoi tratti distintivi: maggiore libertà sonora dei cinque ma ripescaggio a mani basse (involontario, sicuramente) a repertori del passato. In poche parole sembra di risentire “MBV Arkestra” dei Primals. A seguire “I Just Want To See Your Face”, dove la voce di Hilma Nikolaisen ricorda in maniera pedissequa (e certo colpe non ne ha, ed è anche un gran bel sentire a dirla tutta)quella della Butcher nei My Bloody Valentine. La migliore del lotto comunque, c’è da dirlo. “Melody For Jaana” potrebbe essere la “Don’t Come Down” (pezzo magnifico contenuto nel debutto) di “S-M 2”, ci si avvicina ma non raccoglie le stesse emozioni. Per il resto si raccolgono buone intuizioni, ma in generale un senso di non saper ancora che strada precisa prendere, o meglio: manca la personalità che poi è quella che, malgrado l’hype che ti può circondare, ti pone un gradino sopra gli altri.

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S-M 2: Abyss In B Minor
[ 4AD - 2010 ]
Similar Artist: My Bloody Valentine, Primal Scream, Can
Rating:

La Rune Grammofon é garanzia di qualità. D’altronde se nel suo roster ci sono i Moha!, i Motorpsycho e negli anni ha sfornato almeno una mezza dozzina di capolavori, uno parte orgogliosamente prevenuto e sa già che, male che va, porterà a spasso la sua mente per un’oretta e non si sarà pentito del tempo trascorso.
I Fire! non mi smentiscono e, mentre solitario accarezzo i miei preconcetti prima di riporli nell’attesa di nuove occasioni, la band svedese mi schiude la mente al suono di una musica informe (quindi perfetta!) a metà tra una psichedelia dall’attitudine drone e un jazz sporco e lacero di sanguinose derive ipnotiche. La composizione del quartetto tradisce un’impostazione classicamente moderna (sassofoni assortiti, contrabbasso, chitarre, percussioni, elettroniche, sregolatezza) ma non tragga in inganno il ricorso a mezzi dalla storia familiare: il convivio di suoni generato nei tre quarti d’ora di “You Liked Me Five Minutes Ago” é un impianto ostico ma sublime nel suo incedere ingenuo tra frammenti di krautrock, reminiscenze dei Can e geometrie che rivendicano uno spazio tra brani che, al contrario, fanno finta che esse non esistano proseguendo dritti per la propria strada.

I Fire! Sono un supergruppo. Anche qui: non imbrogli il fatto che ci siano pezzi sparsi del colpevolmente sottovalutato Peter Brötzmann’s Chicago Tentet, dei The Thing, Tape o dello Sten Sandell Trio. Sarà per la presenza di Mats Gustafsson (epica la sua collaborazione con Jim O’Rourke e Thurstoon Moore) o per il sax baritono che squarcia lo spazio tra basso e batteria su “If I Took Your Hand” ma l’album in questione non passa inosservato e i quasi 20 minuti di “But Sometimes I Am” (su cui troneggia la splendida voce di Mariam Wallentin) dimostrano come si possa approcciare la psichedelia dal jazz (ok, l’hanno fatto qualche anno fa i Soft Machine ma era ora che qualcuno rinverdisse le fila) senza per questo perdere un’oncia del carattere e dell’ispirazione.

E’ una progressione spontanea, genuina che manovra le tessiture del sax di Gustafsson il quale fa quasi fatica a contenere la sua proverbiale aggressività quando non é, invece, dinanzi ad uno splendido Fender Rhodes dal suono acido, tellurico, vibrante che sembra domarlo convertendolo ad un suono passionale, dinamico.

Un’opera gigantesca nell’intenzione che ha l’enorme merito di rimanere coerente pur variando in continuazione stile e attitudine. Sorprende come la versatilità dei Fire! sia conseguenza di un certo focus intellettuale che non impedisce loro di spostare i propri limiti filtrando gli sforzi attraverso il gusto e poco altro. Mentre la drammaticità quasi teatrale dei suoni sintetizza al meglio la foga e la sublime dirompenza creativa.

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You Liked Me Five Minutes Ago
[ Rune Grammofon - 2009 ]
Similar Artist: Can, Soft Machine, Magma
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Lou Bond non può essere considerato alla stessa stregua degli altri artisti che popolano il Music Business, sia quelli presenti che quelli futuri.
Così recitano le note di copertina dell’unico, rarissimo disco omonimo del 1974, targato We Produce, sussidiaria etichetta della gloriosa Stax. E c’è da credergli; non fosse che, con la dovuta eccezione di pochissimi appassionati di musica ed addetti ai lavori, nessuno più ricordava chi fosse Lou Bond. Eppure questo cantore nero, dalla voce di velluto, autore di testi poetici, sognanti, talvolta taglienti ed abrasivi, contro ogni tipo di guerra, o subdolo controllo dell’informazione e delle menti umane, aveva colpito nel profondo nientemeno che i Boss della Chess, che decisero di scritturarlo per alcuni singoli, purtroppo finiti nel dimenticatoio, a far polvere sugli scaffali della suddetta casa di produzione.

Ma, fortunatamente, c’è chi ancora ama la musica e l’emozione pura, come la favolosa etichetta Light in The Attic, che, dopo Sixto Rodriguez, restituisce a Lou Bond la tanto agognata visibilità, ristampando quel tesoro sommerso del lontano 1974, un felicissimo crocevia tra soul di marca Stax, Folk e Pop alla Bacharach, coadiuvato dalla Memphis Symphony Orchestra.
“Lucky Me” è pura poesia urbana, pregna di nostalgia e toccanti preziosismi acustici degni del migliore Bert Sommer (avrei potuto citare Tim Buckley, ma chi non lo conosce? Un motivo in più per recuperare un altro misconosciuto, ma geniale folksinger), mentre “Why Must Our Eyes Be Turned Backwards” distilla parole al vetriolo all’indirizzo dell’imperialismo religioso, cantate con un falsetto sognante alla Jackie Wilson, con un accompagnamento orchestrale che sembra esser stato preso a prestito da Isaac Hayes o dal Marvin Gaye di “What’s Goin’ on”.
Ma il vero uppercut sonoro risiede nei dieci, intensi, minuti di “To the Establishment” (già campionata da artisti come Prodigy ed Outkast), una toccante ballad guidata da un basso che avanza felino, fino ad inerpicarsi su su, fino ad un’apoteosi di fiati ed Orchestra, mentre Lou Bond canta estatico, come se Arthur Lee si riunisse a Terry Callier per una continuazione della vibrante “Dancing Girl”, toccante dedica al leggendario Charlie Parker, di appena un anno prima.

La splendida rilettura del classico di Carly Simon “That’s the Way I’ve Always Heard it Should Be” e la sfacciata “Come on Snob”, che ammonisce i benpensanti a “non mettersi sdegnosamente col naso all’insù per respirare un’aria diversa, perché quest’ultima è inquinata”, un po’ Nick Drake, un po’ Sixto Rodriguez, ci riconsegnano un vero e proprio gioiello, che ha dovuto aspettare ben trentasei anni per avere il giusto riconoscimento, come avviene con le più grandi opere d’arte. Direi che l’attesa sia stata ampiamente ripagata.

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Lou Bond
[ Light In The Attic - 2010 ]
Originally Released: 1974
Similar Artist: Rodriguez, Isaac Hayes, Nick Drake, Jackie Wilson, Terry Callier
Rating:

Dopo il grande successo ottenuto in tutta Europa con il suo album di debutto “Rest Now, Weary Head! You Will Get Well Soon”, torna in Italia Konstantin Gropper con il progetto Get Well Soon.
Presenterà il nuovo disco “Vexations” in uscita a gennaio per City Slang. Un lavoro straordinario, ricco di citazioni letterarie e filosofiche, un album carico di significato e denso di emozioni che farà di nuovo centro.

Accompagnato sul palco da una band di 7 elementi sarà in tour in Italia per 3 appuntamenti da non perdere: Ravenna (30/03/2010 @ Bronson), Milano (31/03/2010 @ La Casa 139), Torino (01/04/2010 @ Spazio 211)

IndieForBunnies in collaborazione con Comcerto, organizzatore dell’evento, vi regala 1 biglietto per ogni data in programma.

Aggiudicarsi questo premio e’ facile, lasciate un commento a questo articolo indicandoci il titolo dell’ultimo disco che avete ascoltato prima di partecipare a questo contest.

Come sempre i fortunati vincitori verrano individuati tra i commenti.
Vi ricordiamo quindi di indicare nel campo “Mail (che non verrà pubblicata)” il vostro indirizzo di posta elettronica.
In caso di vittoria verrete ricontattati via mail.

Il contest terminerà domenica 28 marzo.

SPECIFICATE LA DATA PER LA QUALE PARTECIPATE!!!

LA DATA:
GET WELL SOON

30/03/2010 @ Bronson - Ravenna
31/03/2010 @ La Casa 139 - Milano
01/04/2010 @ Spazio 211 - Torino

Link:

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