I Dandy Warhols sono uno di quei gruppi figli dell’era della hit parade e di quell’hype vecchio stile che era fatto di tormentoni ed evanescenti meteore. Musica undeground che fa capolino nel panorama mainstream quanto basta per regalare un paio di sussulti e poi accettare il proprio destino. Lo stile goliardico, anacronistico e spiccatamente fuori da ogni genere e decade hanno fatto si che la band arrivasse a pubblicare ben sette album in studio prima dell’ultimo “This Machine”.

Figli del loro tempo, ma non vittime dell’effetto meteora, o Dandy Warhols preferiscono non adeguarsi ad uno standard, regalando un ventaglio di richiami e generi che va dal grunge dei Pearl Jam e Soundgarden (“Sad Vacation”, “Slide”) ad un synth pop condito di riverberi ed echi, seguendo senza vergogna l’onda del new wave che ha contagiato il panorama indipendente (“The Autumn Carnival”, “Alternative power to the people”). L’aspetto eclettico e autoironico è quello che rende questo album davvero interessante; se ormai abbiamo iTunes pieno di neo-post punk, un po’ di sano brit pop a là Blur non guasta mai (“Enjoy Yourself”). Via libera ai falsetti, al rock più elettrico e graffiante ( “SETI vs wow! Signal”, “I am free”) e ad accenni nu-jazz e garage blues (“16 tons”), per poi sorprendere con il pezzone space rock imbastito di synth che ci riporta ai tempi di “Dark Side of the Moon”.

In tanta varietà i passi falsi sono inevitabili (vedi “Rest your head” e l’accoppiata contralto/rivebero che proprio non acchiappa), ma la band riesce sempre a cavarsela in un oscillare tra alti e bassi che strizza l’occhio tanto alle mode della nuova decade quanto a quelle di quindici anni fa. Con “This Machine” i Dandy Warhols ritornano più goliardici che mai regalando una personale visuale di quello che è stato, è e forse sarà la musica che hanno vissuto in questi ultimi vent’anni. Prendere o lasciare.

This Machine
[ The End Records/ Beat The World - 2012 ]
Similar Artist: Blur, Kaiser Chiefs
Rating:

Se fossero il cocktail evocato dal nome, gli Alabama Shakes (Brittany Howard voce e chitarra, Heath Fogg chitarra, Zac Cockrell basso, Steve Johnson batteria) sarebbero uno di quelli vecchio stile, dal gusto retrò e un po’ letterario come la fine mistura di black, funk e soul, blues e southern rock che compone la loro musica. Una miscela radicata con decisione negli anni sessanta, quelli delle Big Band e della Joplin: revival verrebbe da chiamarla, ma con un dinamismo che è tutto 2.0.

Per averne conferma basta ascoltare “Be Mine”, dove la voce della Howard sembra uscita dritta dritta da un disco Motown e ricorda il groove della prima Tina Turner, poi il sound alla Marvin Gaye di “Hang Loose”, “I Ain’t The Same” e “I Found You”, l’intensità tutta jopliniana di “You Ain’t Alone”, “Boys And Girls” e “Heartbreaker”, il funky sospeso a metà tra James Brown e Audra Mae & The Almighty Sound di “Rise To The Sun” e “Goin’To The Party”. Senza dimenticare ovviamente la trascinante traccia d’apertura “Hold On” e “On Your Way” che chiude questo esordio, affiancando un arrangiamento tenace e sbarazzino a un testo che profuma di gospel.

Di questi ragazzi, fino a qualche tempo fa illustri sconosciuti, si sono innamorati in tanti e in fretta: dai Drive By Truckers (che gli hanno chiesto di aprire alcuni concerti quasi a scatola chiusa) a Adele, da Robert Plant a David Byrne a Russel Crowe, per finire con un certo Jack White che ha voluto pubblicare un loro singolo su vinile con la sua Third Man Records prima, per poi decidere di portarseli in tour. L’hype e la curiosità che circondano l’uscita di “Boys And Girls” però sono pienamente giustificate: è un disco solidissimo e suonato con una personalità e un calore non comuni. Spontaneo, vivace ma con i piedi ben piantati per terra. MTV e le radio li hanno già adottati, le premesse per un futuro radioso ci sono tutte. Gli Alabama Shakes insomma, rischiano di essere ben più che una fugace meteora presto dimenticata. Da tenere d’occhio.

Boys And Girls
[ Rough Trade - 2012 ]
Similar Artist: Tina Turner, Marvin Gaye, James Brown, Audra Mae & the Almighty Sound
Rating:

Indietro tutta. Il futuro mette paura, non si vuole nominarlo, non si deve. Da un bel pezzo non si sente parlare di futuro e va bene. Ultimamente pure il presente non sembra troppo amato, non si vive nemmeno più alla giornata; si sopravvive rimpiangendo il passato. Pure quello che non si è vissuto, soprattutto quello.

Ecco spiegato in poche parole “You Are The Reason For My Troubles”. Se volete posso essere solo un filo più tecnico: rock’n'roll dei Sessanta, scelta “sorprendente” di utilizzare tecniche di registrazione analogiche (nell’armadio ho un quintale di dischi così), pubblicazione esclusivamente in vinile e riferimenti, sempre gli stessi, come Stones, Kinks e Dylan. Per carità non si possono discutere le scelte stilistiche di un gruppo che, al quarto disco, ha raggiunto una certa maturità e prodotto discrete cose. Liberissimi di fare come meglio si crede però la retorica del tornare alla origini per reinventarle risparmiatemela, vi prego. Allo stesso tempo si può discutere la resa finale di un album che sembra un revival di atmosfere anacronistiche, un mondo che non esiste più appiccicato all’oggi. In questo disco appaiono datati anche i titoli, i testi,  per cui più che di fronte all’ennesima declinazione della “retromania”, qui siamo di fronte ad una decalcomania. Bisogna però essere onesti fino in fondo e dire che il disco è ben suonato e piuttosto godibile se usato come sottofondo, senza stare a dargli troppo peso. Una sufficienza di quelle che a scuola (dato il periodo) salvavano l’anno ma che non regalavano alcuna gioia.

You Are The Reason For My Troubles
[ Outside Inside - 2012 ]
Similar Artist: Black Lips, Kinks, Rolling Stones
Rating:

Gli A Rainy Day In Bergen sono tre ragazzi provenienti da Salerno e il loro sogno – apprendo da un’intervista – è quello di riuscire a “rappresentare all’estero il rock made in Italy ed essere rispettati ed apprezzati in modo totalmente svincolato dall’origine italiana”. 

I Nostri cercano di intraprendere la loro conquista del mondo addirittura da Bergen (Norvegia), città notoriamente piovosa. Da qui il titolo e il mood dell’intera opera, un grigio talvolta addolcito e talvolta inacidito da sferzate di piano, basso e synth (nella formazione non c’è un chitarrista).
”Con il nome della band e dell’album” -raccontano- “volevamo evocare tante cose: in primis l’atmosfera dolcemente dark di alcune nostre sonorità, che ha talvolta evocato la sensazione di una giornata uggiosa; l’europeismo della nostra generazione, ammirevole verso gli hotspot di civiltà europei contrapposti alla realtà difficile della nostra terra d’origine; la nostra assonanza con i trend musicali nord-europei; la scena americana anni ‘90 che ci ha svezzati al rock e che ha posto le basi, a nostro avviso, su cui il rock contemporaneo si posa. Ed ecco che è balzata alla mente Bergen: piccola città di mare, simile alla nostra, ma appartenente alla realtà nord-europea e dunque socialmente e climaticamente molto diversa, spesso piovosa, una controparte europea di quella Seattle che ha battezzato la corrente del rock anni ‘90.”



Tuttavia i riferimenti, più che alla Seattle scene, paiono essere a Muse e Placebo (il cantato alla Matt Bellamy in “Struggling for Breath”, quello alla Brian Molko nella prima parte di “Worried About Everything”, la sezione ritmica e l’epica di “Grey Haze”, i ghirigori pianistici di “A Thousand Universes”) e -perchè no?- Subsonica (“Gotta Enjoy” con il suo acid pop-rock costruito su accordi sghembi). In mezzo a tanta irruenza non manca la ballatona (“My Way To”). 

”Not Beyond Tomorrow” chiude un disco claustrofobico e allo stesso tempo a cielo aperto, a tratti amarissimo e quasi nichilista, a tratti melodico e consolante. Canzoni che ti cadono in testa come goccioloni di pioggia: alcuni palesemente inquinati, altri dolciastri. 
Mezza stelletta in più sulla fiducia.


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Too Many Late Nights
[ Audioglobe - 2012 ]
Similar Artist: Placebo, Subsonica, Muse, i goccioloni di pioggia che ti cadono in fronte camminando non sufficientemente distante dai balconi

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Nuova puntata delle nostre outside sessions, ’serenate acustiche’ portate a spasso per le strade del Rione più antico di Roma.

Anche in questo caso scegliamo ‘rubiamo’ la scenografia ad uno dei punti più famosi e suggestivi di quartiere Monti. La nostra location diventa infatti la scalinata della basilica di San Pietro In Vincoli, celebre chiesa che custodisce il Mosè di Michelangelo .

Nostro ospite lo scozzese Gordon McIntyre leader e autore dei Ballboy senza ombra di dubbio ‘best kept secret’ della scena musicale indie pop d’oltre manica.

Questa è la sua “Disney’s Ice Parade”:

I video sono interamente realizzati dalla squadra di videomaker di Unplugged In Monti:

Director: MARTINA BOLSEC
Camera: MICHAEL RIGANTI
Editor: EMILIANA SANTORO
Graphic Designer: LUCA MORELLO

Link:

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La band shoegaze di San Francisco Permanent Collection pubblicherà il prossimo 7 agosto il nuovo LP “Newly Wed Nearly Dead”.

Il primo singolo “It’s Alright” è in free-download

Ascolta e scarica l’MP3 :

Permanent Collection – It’s Alright

Sono pronti a sfornare un nuovo album i Cursive, tra le band più rappresentative della scena indie statunitense degli anni Novanta e primi Duemila.

La formazione del Nebraska ha stampato il nuovo lavoro il 21 febbraio del 2012 con il titolo “I am Gemini” per l’etichetta Saddle Creek di Omaha, loro città d’origine nella quale è stato registrato questo nuovo lavoro, che si avvale della produzione di Matt Bayles (Mastodon, Isis). Il concept del disco è incentrato sulla storia surreale di Cassius e Polloch, due fratelli gemelli separati alla nascita, uno buono ed uno cattivo, che si ritrovano inaspettatamente in una casa, circondati da angeli, diavoli e strambi personaggi di ogni tipo. “I am Gemini”, settimo album della loro carriera, giunge a due anni di distanza dal precedente lavoro “Mama, I’m Swollen”: in questo periodo diversi componenti della band hanno seguito progetti paralleli, come il frontman Tim Kasher (autore di un album solista) ed il bassista Matt Maginn, al lavoro con i concittadini Bright Eyes di Conor Oberst.

I Cursive si sono formati nel 1995, dando alle stampe il loro primo album “Such Blinding Stars For Starving Eyes” due anni dopo, diventando in breve tempo uno dei pilastri della scena indipendente Americana, precursori del successo dell’emo-rock insieme a band del calibro di Death Cab For Cutie e Get Up Kids.

IndieForBunnies vi regala 2 biglietti per il concerto del 19 maggio al Twiggy di Varese.

Aggiudicarsi il premio in palio e’ facile, scrivi tra i commenti: VOGLIO I CURSIVE !!!

Il fortunato vincitori verrà estratto tra i commenti.
Vi ricordiamo quindi di indicare nel campo “Mail (che non verrà pubblicata)” il vostro indirizzo di posta elettronica.
In caso di vittoria verrete ricontattati via mail.

Ecco le info sulle 2 date italiane:

Venerdì 18 Maggio 2012
** ATTENZIONE NUOVA LOCATION PER IL CONCERTO!!!** LIVORNO – THE CAGE THEATRE
Via del Vecchio Lazzeretto 20 – Livorno
Apertura porte Ore: 21.00 – Inizio Concerti Ore: 22.00
prezzo del biglietto: 15 euro + diritti di Prevendita
Prevendita: www.ticketone.it

Sabato 19 Maggio 2012
Varese – Twiggy
Via Carlo De Cristoforis, 5, Varese
Apertura porte Ore: 21.00 – Inizio Concerti Ore: 22.00
prezzo del biglietto: 12 euro
Biglietti disponibili sono in cassa

L’organizzatore declina ogni responsabilità in caso di acquisto di biglietti fuori dai circuiti di biglietteria autorizzati non presenti nei nostri comunicati ufficiali.

www.vivoconcerti.com

I The Killers saranno nella colonna sonora di “Dark Shadows” nuovo film della coppia Tim Burton/Johnny Deep. La band di Las Vegas si confronta con “Go All The Way” cover dei Raspberries.

La canzone è in streaming su youtube:

In bilico tra pop e derivazioni psichedeliche il video che accompagna “Second Rate Teen”, il primo singolo tratto da “Donors”, ultimo lavoro dei Daisy Chains, è dolce ed inquietante allo stesso tempo. Carico di ambivalenze e riferimenti, vede una ragazza sola sussurrare le parole della canzone in una sorta di post-party lisergico di cui non è dato sapere.

La protagonista diventa la canzone, ammiccante, senza trucco, timida ma anche doppia, travagliata e candida. I movimenti vengono scanditi dal noise inquietante degli echi delle chitarre a cavallo tra tormento interiore e abbandono dei sensi.

I Daisy Chains sono:
Carlo PIantaritmiche (chitarra, voce)
Davide Tassetti (chitarra, basso)
Dario Frettoli (chitarra, basso, voce)
Gigi Santoro (batteria)

Girato e diretto a Bergamo nell’aprile 2012 da Theodore Gustafson
Concept: Theodore Gustafson e Carlo Piantaritmiche
Starring: Francesca Cisani

Non tutto passa, non tutto deve passare così in fretta. Come quei rari amori che vincono il tempo, che vanno controcorrente, come una speranza che incontra finalmente un cielo e un sentiero amico, “Bloom”, quarto album della premiata ditta formata dalla organista Victoria Legrand e dal menestrello-arrangiatore Alex Scally a.k.a. i Beach House, giunge nelle nostre orecchie e nelle nostre vite per rinnovare la magia che era custodita nello zuccheroso “Teen Dream”, mostrandoci un duo ancora in formissima, ancora emozionato e capace di emozionare.

La Casa sulla Spiaggia amplia così il proprio spettro cromatico senza rivoluzionare del tutto il proprio sound ma rendendolo più arioso e un po’ meno introverso e inserendo delle ritmiche dal timbro un po’ meno spartano. Ma non si tratta di aprirsi al mondo dei Desti. Si tratta di vivere ogni momento di questo piccolo-grande-piccolissimo mondo onirico parallelo fatto di minuti sussulti gioiosi, malinconie pastellose e quieti vortici di ricordi sgranati senza più nascondersi tra le pieghe vellutate di esso ma solcandole e modellandole con maggiore consapevolezza. Non più interpreti, filtri e specchi di sogni, ma artefici, domatori, “coltivatori” di essi.

E i semi diventano presto gigli traboccanti di vita e di innocenza, ma anche tremanti di fronte alla coscienza della caducità delle cose e alla possibilità della perdita della purezza, davanti agli occhi della nostalgia che si perdono tra i viluppi che germogliano con movenze sontuose del singolo di lancio “Myth” o i ghirigori fluorescenti di “Lazuli”, che diventano fuochi d’artificio accecanti a sfidare avvolgenti e struggenti firmamenti cobalto in coda, con la Legrand che incontra se stessa in un meraviglioso intreccio di linee vocali che si spinge oltre il concetto di “celestiale” per sfociare in una solenne spiritualità in realtà trafitta da una velata, sottile malinconia.

L’effetto-ripetitività a volte pare essere incombente ma viene sempre evitato con grande classe e un con un cuore davvero immenso, che rendono i carillon fatati di “Troublemaker” (brano che possiede il ritornello più bello e intenso del disco) e “Wishes” qualcosa di sempre avvincente e “diverso” ad ogni nuovo ascolto.

Solo più ascolti e più tempo ci diranno che posizione merita questo “Bloom” nella discografia dei Beach House. Intanto i Beach House sono riusciti più che mai nell’intento di unire levità, innocenza e vera dolcezza a una sontuosità e una malinconia che non appartengono probabilmente a questa Era.

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Bloom
[ Sub Pop - 2012 ]
Similar Artist: Cocteau Twins, Blonde Redhead
Rating:

Ascolta “Myth”

È complicato l’universo di Julia Holter. Lei è californiana, eppure la sua musica ricorda i vicoli innevati e gelidi dell’est Europa. Il respiro di un giradischi filtrato dalle mura di un vecchio palazzo. La pioggia battente sui vetri umidi di una finestra. Le suggestioni, però, sono pericolose. A ventisette anni e al secondo album (il primo, “Tragedy”, uscito appena lo scorso anno) a Julia Holter non riesce difficile essere allo stesso tempo colta e seducente.

Colta perché dietro le dieci tracce di “Ekstasis” si nascondono, pericolosi, fantasmi neoclassici e world music. Seducente perché tutto questo non è un modo snob e tracotante di mostrarsi al mondo, bensì il pretesto per partorire dieci brani pop di un’eleganza sconcertante. Che sia “Moni Mon Amie”, allora, l’esempio illuminante. O ancora l’electro-pop di “In The Same Room”. C’è solo da scegliere. L’universo vaporoso ed estatico di ”Ekstasis” non si camuffa dietro formule e nozioni ma esplode spiritualità e suggestioni fuori dal tempo senza pedanteria. Rievoca Nico ed i suoi vocalizzi (“Marienbad”) riuscendo, pure, a non compromettersi. Diventa melodia liquida e sognante nell’ambient di “Boy In The Moon”.

A Julia Holter il talento non manca. Ascoltare tutt’intero “Ekstasis” vuol dire lasciarsi andare e cancellarsi perché altrimenti rischia di diventare tutto più complicato. Così come abbiamo amato il pop viscerale di Joanna Newsom possiamo lasciarci persuadere, senza particolari congetture, da quello della giovane californiana. Pop raffinato e mai raffazzonato. È complicato l’universo di Julia Holter, allora, ma entrarci può significare non poterne fare a meno. Promesso.

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Ekstasis
[ Rvng - 2012 ]
Similar Artist: Grimes, Soap & Skin (tutto molto vagamente)
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Dimenticatevi quasi del tutto di Nick Drake, dimenticatevi delle soffici ballate notturne al sapor di “luna rosa” che componevano il mosaico musicale di Black Eyed Dog apprezzato nelle precedenti prove di studio. Il cambiamento era necessario, onde evitare di emulare se stesso e dimostrare a tutti che non si vive sempre delle stesse, seppur nobili influenze. Quello che era in tutto e per tutto un progetto solista adesso veste gli abiti più elaborati del trio; alla voce di Fabio Perrinello si aggiungono Alessandro Falzone alle percussioni e Anna Balestrieri alla voce, chitarre e piano. “Too Many Late Nights” sputa fuori dieci brani in stile blues rock a tinte scure, spiazzando chi aveva incrociato sul proprio cammino i due dischi precedenti. Allo stesso tempo la nuova scintilla non tarda ad accendersi quando, sin dai primissimi respiri di “When I Was Married To You” è chiaro che ci si trova al cospetto di un signor disco.

Il fuoco di un blues primitivo incendia la maggior parte degli episodi in scaletta, mentre lievi reminiscenze del Nick Drake di “Pink Moon” vivono solo di riflesso. Il lavoro sulla componente percussiva, spesso in primo piano, richiamano in mente Nick Cave, mentre le atmosfere ubriache e notturne li avvicinano concettualmente a Tom Waits. Certo, paragoni forti, ma sono soprattuto paramentri necessari a spiegare meglio quello che vive nei solchi del disco. Un album che non vive di mera forma, puntando soprattutto sulla sostanza di brani profondi e lirici, distillando in poco più di trentacinque minuti un liquore denso di emozioni e suggestioni antiche. Caldo come le più incendiarie notti d’estate ed elegante come la più bella delle danzatrici del ventre, il nuovo lavoro di, anzi DEI Black Eyed Dog è tra le più interessanti novità di questo 2012.

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Too Many Late Nights
[ 300A - 2012 ]
Similar Artist: Nick Drake, Tom Waits, Nick Cave
Rating:

Chiariamo subito una cosa: se alcune canzoni di questo disco ricordano da vicino quelle degli ultimi lavori di Paolo Benvegnù, la motivazione è semplice. Come lui stesso ama specificare sempre, “sarebbe più corretto parlare DEI Paolo Benvegnù, perché si tratta di una band che prende il nome dal cantante e autore dei testi –anche se nell’ultimo disco ci sono tre pezzi scritti insieme da me ed Andrea, uno di Andrea, uno di Guglielmo”. Esatto. Proprio l’Andrea Franchi che di solito suona la batteria (e che in studio è anche tastierista, chitarrista, cori e produttore artistico), ha finalmente deciso di alzarsi in piedi dallo sgabello e fare quattro passi avanti, davanti al microfono. Ragion per cui le correspondances in particolare tra “Hermann” e “Lei o Contro di Lei” -è innegabile- esistono. A partire dal titolo stesso: Lei in inglese può dirsi anche Her, e “contro di lei”, inteso come “contrario, opposto a lei”… potrebbe essere l’uomo (Man). Sarà stata una scelta inconsapevole o meno, fatto sta che rimaneggiando il titolo come fosse un gioco enigmistico mi è uscito fuori “Hermann”. I più attenti ne ricorderanno la traccia di chiusura, “L’Invasore”, scritta e cantata dallo stesso Franchi, che ritroviamo in “Lei o Contro di Lei” con una base di chitarra acustica, spogliata degli archi e rivestita con delicatezza di chitarra elettrica. Gli estimatori dei Paolo Benvegnù respireranno aria di casa ascoltando “Lei o Contro di Lei”, il che ha due valenze, la prima è quella più intuitiva, l’altra risiede nel fatto che alcune delle registrazioni sono state fatte effettivamente dentro le quattro mura domestiche. Una pallina di plastica che rimbalza e un bimbo che chiede: “Ti stai divertendo?” aprono “Il Bene Componibile”. La risposta, basta conoscere i bambini che in quanto ad empatia hanno molto da insegnarci (o da ricordarci), è insita nella domanda. Se un bambino ti chiede “Sei triste?” è perché di fatto ti legge la tristezza negli occhi e nei movimenti. Quello che il piccolo vede nell’adulto impegnato a registrare il suo disco sono entusiasmo e passione, che vengono racchiusi in un verbo più congeniale alla sua età: divertendo.

“Lei o Contro di Lei” è proprio un disco entusiasta e appassionato. L’entusiasmo trabocca dall’atto di fare musica (un entusiasmo ben canalizzato s’intende) ed è interessante la scelta di impiegare molteplici strumenti a fiato quali tuba, sassofono, clarinetto e flicorno, che vanno a donare maggiore densità al suono ed un’impostazione orchestrale a tutto il disco,  rimandando alla formula di certe canzoni italiane degli anni ’60 di Mina o Tenco (“Uno Come Te”). La passione la si legge nei testi, non soltanto nei temi trattati ma anche nella loro composizione. Un’amicizia destinata a durare nel tempo e nello spazio si trasforma in una traversata oceanica in lotta contro i pirati (“Le Previsioni Meteo”) e l’amore può essere espresso solo in seguito ad una buona condotta dell’altro, diventando esso stesso una “sommatoria di amori” consequenziali al “comportarsi bene” (“Il bene componibile”).

E anche qui. Si parla di Andrea Franchi, ma dietro questo nome troviamo il Collettivo Pupazi. I Pupazi sono: Marco S. Cecchi, Filippo Brilli, Matteo Bianchini, Marco Burroni.

E Andrea è il cantante e autore dei testi.

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Lei O Contro di Lei
[ La Pioggia Dischi - 2012 ]
Similar Artist: Paolo Benvegnù, Marco Parente
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In questi giorni esce via Modular Recordings “Beard, Wives, Denim” quarto disco dei Pond.

La band per celebrare questa nuova uscita regala in free downloand “Tears Of A Clown” cover di Smokey Robinson.

Gli ICEAGE sono una giovane band danese composta da Elias Bender Ronnenfelt, Jakob Tvilling Pless, Johan Surrballe Wieth e Dan Kjaer Nielsen, attivi dal 2008 e appena arrivati al disco d’esordio, ’New Brigade’, pubblicato dalla Abeano records (giovane e attenta sussidiaria della XL recordings, label di the Horrors, Radiohead, XX, M.I.A., e molti altri) e registrato in soli quattro giorni.

La Abeano records non pubblica molte cose, ma gli Iceage era impossibile farseli scappare per il loro sound freddo e spigoloso quanto catchy e originale. I danesi Iceage suonano un post punk apocalittico infarcito di potenza hardcore, e una poetica in forte debito con i Joy Division di Ian Curtis. L’esordio dei quattro di Copenaghen, tutti intorno ai venti anni, conta dodici brani ed una durata di soli 24 minuti, punk al fumicotone. Dai Joy Division ai Bauhaus, fino all’anarchia dell’hardcore americano i quattro di Copenaghen hanno creato un sound anomalo e interessante, basato su bordate di basso, reef di chitarra ipertrofici e un cantato recitato e urlato. Gli ICEAGE sono riusciti nell’intento di rendere l’estetica e l’attitudine dell’indie in una direzione heavy metal, tanto che non mancano le foto in cui i membri del gruppo indossano magliette e toppe di potenti band scandinave come i Mayhem.

La stampa sta impazzendo per gli Iceage, il loro sound potente, la giovane età e l’estetica oscura adottata, e subito si sono mossi i paragoni con l’esordio degli inglesi The Horrors e degli americani Fucked Up, con cui hanno suonato durante il tour americano. Forte impatto sul web stanno avendo le foto dei loro numerosi tatuaggi e l’amore per le atmosfere oscure, e non ultimo il logo runico della band che riprende l’estetica tipica della scena gotica europea.

Gli Iceage hanno già una carriera live di tutto rispetto che conta tour su e giù per l’Europa, e negli USA, dove hanno suonato ovunque tra Los Angelese e New York. Un live degli Iceage è istinto primordiale puro, punk rock devastante e distruttivo.

IndieForBunnies vi regala 2 biglietti per l’attesa data di Roma, dove gli Iceage si esibiranno al Traffic di Via Prenestina 738

Aggiudicarsi il premio in palio e’ facile, scrivi tra i commenti: VOGLIO ICEAGE !!!

Il fortunato vincitori verrà estratto tra i commenti.
Vi ricordiamo quindi di indicare nel campo “Mail (che non verrà pubblicata)” il vostro indirizzo di posta elettronica.
In caso di vittoria verrete ricontattati via mail.

Ecco le info sulla data:

Lunedì 21 Maggio 2012
Roma – Traffic

Via Prenestina 738

• COME ARRIVARE AL TRAFFIC

LINKS:

• TRAFFIC Website

Si può imputare tutto ai Silversun Pickups, ma non di non essere capaci di creare una spasmodica attesa per ogni uscita discografica. “Neck Of The Woods”, prodotto nientedimeno che da Jacknife Lee, è stato anticipato da sparute interviste ammantate di mistero. Brian Aubert sembrava divertirsi un mondo a confondere le carte e le idee, confessando che il nuovo lavoro presentava inquietanti somiglianze con un film horror mai girato (musicalmente parlando, non solo per la cupa copertina e perché è stato registrato in mezzo alla foresta citata nel titolo) ma era anche dannatamente sexy.

Forse ha ragione, forse il miglior paragone non è da cercare nel mondo delle sette note ma in quello cinematografico- televisivo. Ascoltando “Neck Of The Woods” vengono in mente toni e atmosfere di “Fringe”, serie culto creata da J.J. Abrams. Stessa tensione da pelle d’oca sempre presente, stessa trama intricata e piena di geniali colpi di scena. Un disco complesso ma anche maledettamente radio friendly, pieno di arrangiamenti schizofrenici e nervosi (“Skin Graph” in primis), che accontenterà sia gli ammiratori più esigenti (che possono divertirsi con la batteria e le tastiere stregate, tra anni ottanta e new wave, di “Busy Bees” e “Out Of Breath”) che quelli in cerca di hook cantabili (la rockeggiante “Mean Spirits”, “The Pit”, “Gun Shy Sunshine”). Complessivamente più dark dei precedenti, questo lo si era già capito ascoltando il singolo apripista “Bloody Mary (Nerve Endings)”, con le sue lyrics amarcord (“If we grew up together / You will find it’s not the same), impressione poi confermata dai toni oscuri di “Make Believe” e “Simmer”. Unico collegamento con il passato, le angeliche armonizzazioni vocali di “Here We Are (Chancer)” e “Dots And Dashes (Enough Already)” che trasportano in quella dimensione quasi fiabesca che i fan conoscono bene, però la sensazione che il mostro possa far capolino da sotto il letto in qualunque momento non scompare mai veramente.

Un album insolito e inaspettato anche per un gruppo come i Pickups, allergici a ripetersi e far per due volte la stessa cosa, uno di quei dischi che creano dipendenza anche dopo pochi ascolti. E rischiano di non lasciare la tua playlist per un bel po’.

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Neck Of The Woods
[ Dangerbid - 2011 ]
Similar Artist: Silversun Pickups
Rating:

Ascolta “Neck Of The Woods”

“The Clearing” è l’album di una rinascita. Rinascita come nel ciclo delle stagioni piuttosto che mistica resurrezione. Celebra nuova vita, quanto una primavera del Midwest, dopo la quasi letale malattia di Beth Tacular, dopo la rottura e la ricomposizione di una coppia che nella vita come in musica si è resa consapevole di essere inseperabile e ha eretto nella semplicità dei boschi della North Carolina il proprio castello di legno e chiodi, immortalando la propria storia in un folk autentico, pulito, scaldato da accordi tenui come un nuovo sole nordamericano. Canta un ciclo vitale con la semplicità e la forza consueta che i Bowerbirds hanno impresso ai loro precedenti album, consolidandola in strumentazioni più articolate e consistenti che si lasciano alle spalle il sappore dell’auto-produzione senza perdere in intensità grazie anche al lavoro di Brian Joseph, già ingegnere del suono di Bon Iver.

Gli unidici brani che compongono il disco sbattono la porta in faccia al cinismo e al grigiore urbano per addentrarsi in un universo di foreste, bacche, solchi nel terreno e piccole gioie domestiche. Come i tizzoni ardenti cantati in “Walk the Furrows” –sicuramente uno dei brani meglio riusciti del disco e probabilmente dell’intera produzione del duo- rinfocola in ognuno di noi la consapevolezza che sotto le ceneri del quotidiano (keep the fire smouldering/no you are not shy)  vivono emozioni capaci di accomunare tutti, indistintamente. Non è un caso che “We tuck the Darkness in” apra il disco con l’inciso tutto muore/evertyhing falls to death dando la misura di un percorso narrativo fatto di  consapevolezza e positività come nel testo di “This Year” (on and on goes the long winter/my eyes are now fixed to the stars/ we’ve been there before and I am fairly sure we’ ll find a clearing in the forest of our hearts). La linea vocale eterea di “In the Yard” apre al crescendo di “Stitch the Hem” in cui Moore ripete There’s a hope that we have what we need per proseguire in un’accelerazione emotiva e chiudersi con “We hurry on” sulla  rassicurante promessa: you are not alone.

“The Clearing” è nel suo insieme un meraviglioso inno all’amore come forza rigeneratrice, come fonte di belleza e conforto. I Bowerbirds dimostrano al terzo disco di poter incarnare l’anima più pura di un genere, il folk, che si impone nella sua monolitica semplicità e per l’universalità del linguaggio. Perchè le loro stagioni sono anche le nostre.

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The Clearing
[ Dead Oceans - 2012 ]
Similar Artist: Beirut, Andrew Bird, Atrick Watson, The Tallest Man on Earth
Rating:

Dove sono finiti i De La Soul? Sono morti nel 1991 per autoproclamazione con l’album, il loro terzo, “De La Soul is dead” !

I De La Soul sono quelli che nel 1989, con il loro primo album “3 Feet High and Rising”, hanno inventato l’Hip-Hop Psichedelico, sono quelli che hanno dato inizio alla Daisy Age che in contrapposizione, all’epoca, al Rap violento della Costa Est di New York e della Costa Ovest di Los Angeles, parlavano di autocoscienza, rappresentavano l’ecclettismo più sfrenato e creativo, diffondevano positività ed allegria.
Muoiono, come detto, per loro stessa ammissione insieme a tutto il movimento che avevano creato, dopo pochi anni con rime più dure e suoni più aspri e da allora, nonostante abbiano pubblicato altro anche di buona fattura, si sono mischiati e confusi nella folla di neri incazzati diventati poi miliardari grazie all’Hip-Hop.

Questo disco è firmato da due dei tre De La Soul, Posdnous (ovvero Plug One) e Trugoy (ovvero Plug Two o anche Dave), prodotto da due produttori francesi, Chokolate e Khalid, ed è un concept album che racconta l’ascesa al successo di un gruppo Rap di fantasia.
Il Rap Old-School di questo disco è tutto buono e ben fatto: rispetta i canoni essenziali del genere o rimane costretto nei ben noti cliché del genere, dipende dai punti di vista.

“The Work” e “Tennis” sembrano essere molto influenzati dalla produzione iniziale di Eminem purtroppo non quanto Eminem sia stato influenzato dalla produzione iniziale dei De La Soul, e questo non è un bene per nessuno.
“Small Disaster” ha tutte le caratteristiche del Gangsta-Rap di South-Central L.A., segno dell’adeguamento ad uno stile che ha contato molto di più della Daisy Age.
Anche “The Top Chefs” sembra pensato e prodotto sulla Costa Ovest degli Stati Uniti.
“The Book of Life” è un gran bel Rhythm and Blues con tutti gli elementi necessari al posto giusto.
“Pop Life” è veramente un buon pezzo di genere dove i nostri due profughi di un’era ritrovano molte delle loro distintive caratteristiche, sia musicali che liriche, ricreando quell’atmosfera che aveva così tanto caratterizzato quel gioioso periodo del quale erano stati gli iniziatori.
Il resto non rimarrà scolpito nelle pietre della Storia della Musica.

Proprio perché è un racconto, lo sforzo sembra essere concentrato più sulla sceneggiatura che sulla Musica. Il disco è pieno di skits, scenette introduttive quasi per ogni traccia, e i brani sono sempre sottomessi al racconto il cui senso si comprende solo ascoltando l’album dall’inizio alla fine.
Piuttosto che caratterizzare un racconto con la Musica, colorando gli episodi con l’aiuto della Musica, è evidente che la Musica è a totale servizio del racconto, è evidente che viene prima il racconto, la costruzione della storia, la progressione degli eventi e poi, come una vera e propria colonna sonora destinata ad avere significato solo se strettamente legata al racconto, la Musica.
Ci sono perfino i titoli di testa e i titoli di coda che scorrono, cantati/parlati, sul motivo conduttore della storia.
E’ vero : De La Soul “is Dead” nel 1991.

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Escapism
[ Duck Down - 2012 ]
Similar Artist: Dr.Dre, Eminem
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