La sua è una continua lotta tra oscurità e luce, la sua vita passata è stata uno sfacelo, e nella musica ha trovato il riscatto negli Anni Novanta diventandone pioniere e re incontrastato col suo magnetico trip-hop che era balance tra i Massive Attack e i Portishead, poi il distacco e gli innumerevoli projects solisti o con altre modulazioni, ma sempre e comunque nei borderline delle notti buie sfondate, del colore nero della profondità per antonomasia, si considera un eroe sopravvissuto a droghe e eccessi, ma continua a sfornare dischi memorabili, piaccia o non piaccia, memorabili.

Il folletto dandy Tricky torna sui passi sonici di sempre con il nuovissimo “False Idols”, disco di distacco dalle espressioni progressive e sperimentali che lo avevano portato a derive, inciampi e sbucciate di tono e che ne avevano annebbiato leggermente la personalità, e torna tra le braccia maledette del suo Bristol Sound che tanto a dato e che ha espresso le volontà e le bizzarrie di chi nella notte cerca amore, conforto e perdizione; regno di samplers. beat, echi, nicotina blu e fraseggi campionati di Chet Baker, rallenty e un cleaner immacolato impressionante, e con lui la voce divina di Francesca Belmonte a piegare gli ascolti e portare il tocco tricolore nell’amalgama totale “Nothing’s changed”, “Bonnie & Clyde”, “Does it”.

Il divertente contrasto tra il suo estro spettacolare e l’esemplare scolasticità erudita, porta Tricky a scaldare leggermente territori cosparsi di folktronica o altri prettamente funky, ma poi “Tribal drums” e “I’m ready” ci riportano nelle delicate e forti sporcature che hanno – fino a prova contraria – il meraviglioso senso dell’invenzione. Si, si riporta indietro e non guarda più l’avanti questo angelo maledetto, ma il suo è un legame profondo, preferisce suonare la notte del suo mondo primario per rendergli allo stesso tempo il giusto tributo come fosse una nuova vita, una divina pena da (ri)scontare.
E se questa è una maledizione, che sia la benvenuta.

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False Idols
[ K7! - 2013 ]
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Esistono molte teorie sullo svolgersi della storia, c’è chi parla di cicli (i “corsi e ricorsi” di Giambattista Vico) e chi invece vede il susseguirsi degli anni come un progresso, una linea che avanza nel tempo. Personalmente ho sempre apprezzato assai la tesi delle tre età del pittore e storico dell’arte Giorgio Vasari, ma non siamo qui a disquisire di filosofia della storia; credo però che i sostenitori della visione circolare possano trovare, in musica, buoni riscontri. Specialmente nel mondo del rock è palese il ritornare di certi suoni e fenomeni, mentre l’elettronica tende spesso a svilupparsi orizzontalmente. Fa eccezione la house, che vive periodicamente dei ritorni alle origini, in cui, oltre le derive commerciali e gli affondi deep o acid, si riscoprono le origini nerissime e la passione per un sound insieme elegante ed irresistibile.

C’era stato qualche indizio che si stesse avvicinando uno di quei momenti (in territorio wonky Monolithium e Steven Smirney sembravano filirtare con l’house, la passione di Skream è più che dichiarata e il singolo “1991” di Urulu era ben più che un indizio), ma la conferma arriva proprio dall’Italia con Broke One, producer coccolato dalle più prestigiose riviste internazionali e cresciuto in quella meravigliosa fucina di talenti che è la Red Bull Music Academy.
Il nuovo ep, intitolato “Waiting Lines”, esce per l’olandese Bmkltsch Records e conta soltanto tre tracce, una più perfetta dell’altra: si parte con la grinta soul più cassa dritta dell’iniziale “You’ll Be Mine” e si prosegue con una “Polar Opposites” maggiormente ambientale e stratificata, ma altrettanto esemplare e potente. Chiude il lavoro “Gravity”: magnifico affondo black, implacabile nel climax e suadente nelle atmosfere.

Se questo è quello che ci aspetta nella club-culture del futuro noi siam già pronti a ballare e Broke One è il perfetto sacerdote di una musica che pesca nelle origini ma suona avveniristica e contemporaneamente classica.

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Waiting Lines EP
[ Bmkltsch Records - 2013]
Similar Artist: Monolithium, Urulu, Silicone Soul, Steven Smirney
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C’è ancora chi, nel nuovo millennio, mantiene viva la cara vecchia arte dell’improvvisazione. In un epoca di minutaggi contati, mixaggi veloci, musica mordi e fuggi, suono mp3compresso e via discorrendo c’è ancora chi i dischi li fa alla vecchia maniera. Isolandosi in uno studio delle Catskill Mountains (il Potterville International Sound Studio), mollando gli ormeggi e lasciando via libera alla creatività più sfrenata. Senza limiti di tempo, spazio. Senza preoccuparsi se quello che ne viene fuori sia incasellabile o meno in uno dei tanti generi iper-specifici che affollano le migliaia di siti e magazine iper-specializzati.

“Black Aces” è l’esordio degli Slobber Pup, però i quattro non sono certo degli sconosciuti. Dietro a organo e tastiere siede Jamie Saft (New Zion Trio, Metallic Taste Of Blood, Electric Masada), al basso elettrico Trevor Dunn (Mr Bungle, The Melvins, Fantomas, Tomahawk, Electric Masada), l’icona del free jazz Joe Morris alla chitarra elettrica e Balazs Pandi (Merzbow, Metallic Taste Of Blood, Obake) alla batteria. Un dream team compatto e ben affiatato, che cesella abilmente cinque canzoni tra musica microtonale, metal, jazz, sperimentazione noise, con un tocco di prog (in “Suffrage”). Tecnicamente ineccepibile, capace di restare sempre in equilibrio tra le diverse influenze come un acrobata che cammina sul filo, sospeso ad altezze vertiginose. Un’arte imparata da John Zorn, con cui Saft e Dunn hanno collaborato in passato. Come quell’equilibrista sprezzante del pericolo, gli Slobber Pup mantengono spesso alta la tensione ma sanno anche quando è il momento di rilassarsi e godersi il panorama (e farlo apprezzare anche a chi ascolta). Suonano con un’incredibile apertura mentale, che diventa visionaria quando si mettono in testa di contaminare stili musicali profondamente differenti tra loro.

“Black Aces” è un disco che richiede un ascolto attento e paziente (non solo perché “Accuser” dura ventisette minuti e “Taint Of Satan” tredici). Ma vale assolutamente la pena di passare un’ora, una mattina, un pomeriggio, una serata in compagnia di Jamie, Trevor, Joe e Balazs. Di seguirli nel loro percorso tutto strumentale da un capo all’altro di quel filo che tendono e sospendono in posti sempre diversi, tra rumore e follia, di immaginarli lassù col cuore in gola come accade in ogni sport estremo che si rispetti. Pensando, senza volerglielo augurare: ora cadono, ora sbagliano, fanno un passo falso, dopotutto stanno improvvisando diamine. Invece arrivano sempre dall’altra parte sani e salvi e alla fine scatta l’applauso. Di ammirazione. Come succede ogni volta.

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Black Aces
[ Rare Noise Records/Goodfellas - 2013 ]
Similar Artist: Tony Williams Lifetime, Liquid Tension Experiment, Metallic Taste Of Blood, 3rd Ear Experience, Last Exit, Dream Theater, Painkiller, John Cage, Can, Electric Masada, Merzbow, Glenn Branca
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The wisdom teeth are out, what you’re on about?

E dunque questo 2013 segna anche il ritorno di quei gran mattacchioni preppy dei Vampire Weekend. O forse dovremmo chiamarli ex mattacchioni (sempre preppy sono…)? L’arrivederci di “Contra” era stata la rarefatta e tutt’altro che festaiola titletrack, e proprio da quelle rarefazioni prende vita anche “Modern Vampires Of The City”, nella mongolfiera sospesa sul mare di “Obvious Bicycle” a metà tra una “We No Who U R” di Nick Cave and The Bad Seeds e una “The Birds” dei Coldplay, seppur con vuoti d’aria che la fanno sobbalzare quel tanto che basta a provocare una leggera vertigine. Malinconie e speranze, velata tristezza e leggerezza.

Prima la copertina in bianco e nero e poi una delle due anteprime dateci in pasto, “Step”, avevano fatto capire che con tutta probabilità i tempi dei festini da fine anno al college erano ormai alle spalle e che i denti del giudizio son caduti (ecco, il dente ce lo togliamo noi ora e pronunciamo l’odiosa parola “maturità”?). Insomma, a parte l’altro assaggio, l’ottimo ibrido tra indie e rockabilly senza dimenticare il marchio di fabbrica afro-like “Diane Young”, nella terza fatica dei newyorkesi non c’è quasi traccia di scazzo in stile “Holiday” o “Cousins”. A sugellare la bontà di tali affermazioni ci ha pensato lo stesso Ezra Koenig, il quale ha dichiarato che l’album sarebbe stato influenzato, tra le altre cose, da jazz e musica classica. È proprio così?

È proprio così. Sebbene sarebbe da strapazzi e intellettualoidi da quattro soldi dire che “Modern Vampires…” sia un lavoro costruito su imponenti architetture contrabbasso-sassofono (anche se a dir la verità un sassofono fa davvero capolino) e suite per piano, ottoni e fiati, un fondo di verità nelle parole del Koenig c’è. L’impressione che si ha del buon Ezra è quella non più del cantante leggermente alticcio (ma sempre con la camicia ben abbottonata) al party di fine anno di cui sopra, ma quella – che so – di un professore o addirittura rettore di un’università che scruta la fumosa City dell’artwork, dietro la finestra del suo studio, pipa in bocca, occhiali tondi, gilet, qualche ruga e un accenno di pizzetto. Mi viene facile immaginarmelo così nella succitata “Obvious Bicycle”, in “Hanna Hunt”, nel mini-mantra finale “Young Lion” (i brani in cui l’impronta delle dita è ben visibile sui tasti impolverati di un pianoforte) e nella lievemente straniante “Hudson”.

Non che Paul Simon sia stato dimenticato del tutto, attenzione: il suo santino è in bella vista in “Finger Back”, reminiscenza del primo omonimo disco dei Nostri, e “Worship You”. Però a colpire di “Modern Vampires…” è, appunto, il moderno (che poi sarebbe il classico): il nuovo approccio non più teen ma adulto sia nell’aspetto strumentale, spesso orchestrale (e addirittura sottilmente epico in “Unbelievers”, con quegli accordi pianistici crescenti che fanno tanto “Crown Of Love” degli Arcade Fire) sia in quello lirico (ci son disseminati svariati accenni alla religione e la stessa voce di Koenig è spesso e volentieri più “grave”, riflessiva e a tratti da crooner). Per dire, anche le stesse “Finger Back” e “Worship You” vivono di una misura, di un’accortezza nel non eccedere, di un’ariosità di fondo di quelle che basta tanto così in più per ritrovarti in una casbah di Tunisi durante il mercato settimanale.

I Vampiri moderni, quindi, innanzitutto moderni non sono; sono meno diurni e più notturni, senza per questo rinnegare i vecchi tempi (il miglior riassunto delle sonorità del disco lo si può ascoltare in “Ya Hey”). Dei Vampiri più quieti, che alla loro formula hanno aggiunto una interessantissima e godibilissima componente retrò-retrò senza perdere nulla (anzi direi proprio guadagnando ulteriormente) in quella leggerezza che ti consente di ascoltare un album enne volte e apprezzarne pian piano minuscole sfumature diverse.

Chi scrive è rimasto vittima, ai primi ascolti, di una nera delusione (roba probabilmente di contingente affezione ad altre sonorità), ma che si è domandato se in realtà si trattasse di album semplicemente insipido o subdolo. Ebbene, i molteplici successivi giri hanno cantato (e cantano tuttora) a gran voce che si tratta di un album subdolo. Molto subdolo. Di quelli che a un certo punto ti riesce difficile farne a meno.
Bravissimi.

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Modern Vampires Of The City
[ XL - 2013 ]
Similar Artist: Paul Simon meets Bach
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Praticamente da Bon Jovi a Bon Iver. Il pregio di un film come “The place beyond the pines” è che riesce a passare da un momento all’altro della storia, da una generazione a quella successiva, e da Bruce Springsteen a Bon Iver, con una grazia che io davvero non riesco a ricordare in molti film – e mi fa usare la parola saga familiare, senza la noia del termine. Se le colpe dei padri ricadono sui figli, possiamo dirlo anche senza dover ricorrere alla tragedia greca, alla Bibbia o ai bisbigli altamente spirituali di “Tree of life” – il cuore tanto te lo spezza lo stesso, lasciandoti praticamente esanime, sprofondato nella tua poltrona del cinema, perché così non pensavi che potesse andare, non può succedere anche questo (no spoiler, ma se non lo avete visto dovete recuperare).

La radura in mezzo al bosco (“the place beyond the pines”) fuori Schenectady è il luogo in cui i nodi vengono al pettine, è una zona infestata da spiriti di nativi americani o forse solo dal senso di colpa per tutto quello che (non) abbiamo fatto. E la colonna sonora curata da Mike Patton (al terzo lavoro con il cinema, dopo “High Voltage” e “La solitudine dei numeri primi”, dove il suo contributo è l’unica cosa che voglio ricordare di quel film) è appunto così, haunting e infestata, dove non si capisce se si stia ascoltando un coro di voci bianche e una registrazione di fantasmi indiani, se la colpa sia quella cristiana o dei sacrileghi bianchi. È il suono di una città che muore, dove non c’è più nessuna speranza, né lavoro né compassione, e che muore travolgendo tutti: non lo riesci a notare, ma tutto crolla, tutti crollano. C’è qualcosa che ancora stiamo scontando, di padre in figlio – e un battesimo non terrà nessuno al sicuro, non illuderti; eppure è tutto molto più umano di così, è una tragedia che tocca solo gli attori presenti.

Un’epica minore con un’altezza spirituale e straziante che passa da suoni più elettronici, alle chitarre (white trash in agguato, chiedete alla Mendez in hot pants di jeans al luna park), organi da messa e sirene della polizia, fino quello che sembra un cuore che si ferma in “Handsome Luke”. Le prime 12 tracce sono curate da Mike Patton:brevi e diverse tra loro, si scoprono sorprendentemente coerenti; come si riconosce la mano unica che le ha create così si riconoscono i profili di Schenectady, gli alberi della radura.
In “Blue Valentine” la canzone della coppia Williams-Gosling era “You and me” dei Penny&The Quarters, qua abbiamo qualcosa di simile, con “Please stay” dei Crying Shames: stessa tenerezza un po’ stucchevole, da diner o da primo ballo al matrimonio, quando tutto sembra ancora da decidere.

La seconda parte del disco, da “Please stay”, contiene tracce non composte per il film: dal “Miserere mei” a Ennio Morricone: temi e situazioni simili a quelli che già si trovano in Patton, religione e peccato, conversione e pentimento, fino alla grande catarsi di “The Wolves” di Bon Iver che farebbe commuovere anche le pietre, ammettiamolo (L’uso improprio – questa volta no – delle sue canzoni mi creerà sempre problemi).
Fuori dal disco, ma presenti nel film troviamo tra gli altri anche Bruce Springsteen (“Dancing in the dark”), i Suicide (“Che”) e Messy Marv, ed è un peccato: sono queste le canzoni che scandiscono bene il passaggio del tempo e delle epoche, dato per tocchi, ma impeccabile.
Se un giorno mi venissero a spiegare “The place beyond the pines” tirando in ballo tragedia greca e grandi peccatori cristiani, non batterei ciglio, ma questa storia è ancora più umana, meno epica, ma quindi più grande. E questa è un’ottima colonna sonora per un ottimo film.

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The Place Beyond The Pines OST
[ Milan - 2013 ]
Similar Artist: Mike Patton, Bon Iver, Arvo Part
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Dopo aver concluso il tour quest’inverno con i Bud Spencer Blues Explosion, Adriano Viterbini si è messo di buona lena a lavorare sul suo debutto solista. L’ha chiamato “Gold Foil” e ad ascoltarlo di sfuggita sembrerebbe una scatola di cioccolatini con dentro tutto l’amore per l’America dei Fahey e dei Basho e per il Texas dei “blind” Willie Johnson.

A patrocinare l’operazione è la Bomba Dischi, label romana di nuova costituzione che da poco ci ha stupiti con i Sadside project.

Questa dozzina di brani di Viterbini sono prima di tutto omaggi. Un omaggio personale alle proprie capacità tecniche e di sintesi artistica, un omaggio ai grandi bluesman, un omaggio alla storia della musica popolare, dalle work songs agli spirituals. L’inizio è dei migliori per l’occasione, sicchè in immaculate conception sembra quasi che tra i quartieri popolari romani di Adriano e il delta del Mississipi ci sia una distanza irrisoria unita da un bottleneck rudimentale. Ci sono due cover d’eccezione come “Kensington blues”, un omaggio a Jack Rose, recentemente scomparso e “Vigilante Man” di Woody Guthrie, rese quasi pedisseque, forse proprio perchè poco altro ci sarebbe da dire rispetto a quello che già è stato fatto dagli autori originali. In blue man e nel medley di stella south emergono le storie dello sfruttamento nella cintura del cotone e nella scalanatura degli accordi come nella ritmica sembra che riviva la cecità proprio di Willie Johnson con quelle strutture antifonali e quell’Africa che diventa necessariamente America. New revolution of the innocences è un pianto della chitarra sotto un cielo che preannuncia rovesci, effetto reso dal buchla di Cortini dei NIN, che ricorda, tanto per restare in tema, il flusso di coscienza di Dagar.

Lago Vestapol è l’ispirazione ricevuta dai great koonaklasters, dal primitivismo americano a cavallo tra i ‘60 e i ‘70 che ha dato la stura al resto del rock occidentale. Ad occhio nudo questo goldfoil potrebbe sembrare un lavoro pleonastico, privo di variazioni o dialettica come spesso accade per operazioni di genere, ma il suo è un excursus non privo di colori personali che toccano il simbolismo come l’ortodossia. Tra il tributo e il divertissemant, tra tecnica e cuore, abilità e indubbia personalità, Viterbini si muove a passi lenti, confortati da maestri indiscussi e con sulle spalle tutto un pezzo di storia afroamericana trasudante voci, lotte, sangue e sudore difficile da scrostare.

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Gold Foil
[ Bomba - 2013 ]
Similar Artist: Jack rose, John Fahey, Bud spencer blues explosion, “blind” Willie Johnson
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Il nuovo disco dei Crocodiles si intitolerà “Crimes Of Passion” e sarà pubblicato il prossimo 20 agosto negli States via Frenchkiss Records, il giorno prima in Europa via Zoo Music.

Il singolo che anticipa l’album è “Cockroach” da qualche giorno in ascolto esclusivo su Stereogum.

• ASCOLTA “COCKROACH” VIA STEREOGUM

Questa la tracklist di “Crime Of Passion”

1. I Like It In The Dark
2. Marquis De Sade
3. Cockroach
4. Heavy Metal Clouds
5. Teardrop Guitar
6. She Splits Me Up
7. Me and My Machine Gun
8. Gimme Some Annihilation
9. Virgin
10. Un Chant D’Amour

La band inoltre annuncia il tour europeo che toccherà anche il nostro paese.

A Settembre infatti i Crocodiles tornano in Italia per cinque concerti:
il 10 Settembre al Circolo Magnolia di Milano, l’11 al Blah Blah di Torino, il 12 al Blackout di Roma, il 13 al Loop di Padova, e il 14 all’Hana Bi di Marina di Ravenna (Ravenna).

I Gigahearts da Torino pubblicano un disco autoprodotto di grande qualità e fascino. Tra new wave e rock d’autore in stile Afterhours, disegnano paesaggi cupi e spigolosi venati di psichedelia. Ambientazioni sintetiche e allo stesso tempo calde come la più “viva” delle materie fanno ritornare alla mente i suoni che nella seconda metà degli anni ’90 imperversavano nel panorama rock italiano.

A volte si procede più a ritroso nella new wave dei primissimi ’80, senza che si possa avvertire troppo il cambio stilistico a discapito della coesione che non viene mai a mancare. Una gran bella prova di personalità che meriterebbe sicuramente un risalto maggiore rispetto a tante produzioni nostrane più inflazionate.

WES TIREY
I Stood Among Trees

[ autoprodotto - 2013 ]

Genere: folk
Similar Artists: Josh Ritter, Ryan Adams, David Pajo
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Wes Tirey dimostra che non c’è bisogno di inventarsi nulla o di assecondare le mode del momento per fare un bel disco. “I Stood Among Trees” è un Ep di cinque tracce per poco più di 25’ di durata, costruito di sola voce e chitarra acustica. Una semplicità disarmante che funziona a meraviglia nel costruire una manciata di piccole ed intime confessioni personali.

Ce ne sono tantissimi di dischi del genere in circolazione, ma non tutti riescono ad accarezzare la pelle dell’ascoltatore con la grazia necessaria. Dategli una possibilità, la merita.

NIGHT BEDS
Country Sleep

[ Dead Oceans - 2013 ]

Genere: alt country, pop
Similar Artists: Fleet Foxes, Ryan Adams, Band Of Horses
Rating:

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Uno dei dischi più emozionanti e romantici ascoltati in questi mesi. I Night Beds, progetto del ventitreenne Winston Yellen fa centro al primo colpo. Un esordio di folk- pop a stelle e strisce che prende esempio dai Fleet Foxes e li trasforma in qualcosa di più intimo.

Si aggiunge anche un po’ di Ryan Adams e un po’ di elegante intimismo. Il risultato è un lavoro umido di malinconia. Quella buona, che non fa male e addolcisce anche il più indurito dei cuori.

BLACK EYED DOG
Early Morning Dyslexia

[ 800A - 2013 ]

Genere: blues rock
Similar Artists: Nick Cave, Tom Waits, The Niro
Rating:

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Continua il processo di trasformazione dei Black Eyed Dog che, da progetto solista devoto al folk d’autore à la Nick Drake, si è ramificato in trio blues rock dalle tinte scure. Cinque tracce molto sensuali e cariche di pathos che confermano una precisa scelta stilistica e ne ribadiscono la qualità.

Nick Drake è solo un ricordo, ora si guarda all’ultimo Nick Drake e perché no, anche a casa nostra, dove echi di Davide “The Niro” Combusti sono più di una semplice suggestione.

ALESSI’S ARK
The Still Life

[ Bella Union - 2013 ]

Genere: folk-pop
Similar Artists: Beth Orton, Laura Marling, Emmy The Great
Rating:

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Disco leggero, innocente ed innocuo quello di Alessi’s Ark. Disegna paesaggi folk pop attraverso composizioni brevi, di rado sopra i tre minuti di durata. Niente di epocale, sicuramente qualcosa che difficilmente ci resterà dopo il volgere di questa primavera.

Solo che predispone meglio l’umore dell’ascoltatore e a volte basta. Se le radio commerciali passassero più spesso proposte del genere vivremmo forse in un mondo leggermente migliore, anche se quasi nessuno noterebbe la differenza.

TOMAKIN
Epopea Di Uno Qualunque

[ The Prisoner - 2013 ]

Genere: pop-rock
Similar Artists: Bluvertigo, Stars, Tre Allegri ragazzi Morti
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Il maggior pregio di questi disco dei Tomakin sono i testi, capaci di descrivere quello che il titolo stesso dell’album esprime. Attraverso un pop rock con contorni sintetici ritraggono figure emblematiche del nostro presente: i fashion blogger oppure i motociclisti della domenica e più in generale le persone che in qualche modo siamo anche noi stessi durante quest’epoca di grande incertezza.

Lo fa con spirito critico ed un pizzico di sarcasmo, ma senza eccedere. Un buon lavoro nei contenuti abbastanza canonico nella forma.

Secondo album per la band di Sunderland, Frankie & The Heartstrings, “The Days Run Away” segue il successo dell’album di debutto “Hunger” e sarà pubblicato per la loro etichetta Pop Sex via Wichita/ Pias il 4 giugno 2013

“The Days Run Away” è stato registrato nel corso del 2012 a Newcastle e a Londra con il co-fondatore degli Suede e produttore Bernard Butler.

Inizialmente la band ha collaborato con Butler al singolo “Everybody Looks Better (In The Right Light)” pubblicandolo nel novembre 2011, questa apprezzata partnership ha portato i Frankie & The Heartstrings a registrare il loro nuovo album con Butler e il primo frutto delle session di registrazione ‘I Still Follow You’ è uscito l’ottobre scorso in versione download. All’album collaborano anche la vocalist Sarah Hall dei Lets Buy Happiness e agli arrangiamenti il connazionale Peter Brewis dei Field Music.

Ad anticipare il video del primo singolo “Nothing Our Way”

Già anticipato da due singoli (l’ultimo “Wave”) “Cave Rave”, che verrà pubblicato su Zirkulo/Different il 28 Maggio 2013, segna il ritorno dei Crystal Fighters.

Questo secondo, atteso, disco è ora in full streaming grazie a HypeMachine:

Brixton, non uno dei posti più invitanti di Londra. Fuori dalla metropolitana una piazza con una stazione di polizia e una agenzia di pompe funebri. Una fila di persone arrivate da altre parti della città attraversa l’incrocio e si dirige alla O2 academy, una zuccheriera bianca che in memoria di non so quali fasti passati si ritrova ad ospitare concerti rock, gente che non si preoccupa certo per un po’ di intonaco cadente e un atrio non più luccicante. This way please, ladies and gents and something in between sbraita l’addetto alla security, ma non credo quello di stasera sia il pubblico più metrosexual che gli sia capitato di vedere: a dieci anni dall’uscita del loro unico, memorabile album, il concerto dei Postal Service è più un affare per nostalgici, coppie di trentenni che associano quella musica all’inizio della loro relazione, oppure onesti appassionati che forse ancora oggi metterebbero quel disco in una ipotetica top 20 o più probabilmente top 50; roba da Alta Fedeltà insomma, difficilmente da disco della vita.

Dopo quaranta minuti di inutile sofferenza a nome Stealing Sheep, trio britannico al femminile che fa venire più volte la tentazione di abbandonare il prezioso posto nelle prime file, è il momento: accolti da un boato Ben Gibbard e Jimmy Tamborello entrano sul palco accompagnati da due donne: Jenny Lewis (già nei Rilo Kiley) e Laura Burhenn (Bright Eyes, ora Mynabirds). L’equivoco sulla presunta asessualità della serata finisce esattamente qui: Jenny e Laura sono entrambe (s)vestite in mise che non sfigurerebbero in un film soft-core, Ben e Jimmy non sono nel frattempo diventati lo stereotipo del macho ma perfettamente azzimati e in eleganti camice nere sarebbero ugualmente pronti alla loro parte nel medesimo set pornografico. Addio tweeness, la scenografia è tutta all’insegna del glitter e la musica pure non scherza: dall’alto della sua console Tamborello spara subito casse dritte a riempire al massimo i sub e “The District Sleeps Alone Tonight” diventa un mantra estremamente fisico che non trattiene nulla della sottigliezza che ricordavo. Mi ritrovo in un’inattesa atmosfera da discoteca estiva e nel contorno di luci viola non rimane che prendere atto che dieci anni sono passati e i nostri non sono più (se lo sono mai stati) due ventenni ingenui e brufolosi in preda a struggenti sofferenze sentimentali. O forse ci avevano solamente ingannato bene, antesignani della migliore ipocrisia hipster?

Fortunatamente nel giro di qualche pezzo il disorientamento si stempera, mentre uno dopo l’altro si snocciolano le gemme di “Give Up”: “Sleeping In”, ”Nothing Better”, “Clark Gable”, fino al tripudio di “Such Great Heights” quasi a fine concerto, dopo un’ora abbondante di set. Quando mettono sul piatto i pezzi forti, i Postal Service sono ancora in grado di incantare con le loro melodie perfette e i testi irresistibilmente romantici. Anche la chitarra di Gibbard a volte esce prepotente, fino al punto di far venire il dubbio che i led luccicanti e le atmosfere pacchiane che caratterizzano buona parte del loro set stasera non siano altro che ironia, tromp l’oeil disegnato attorno alla loro musica per divertirsi a risuonarla a distanza di molto tempo. Ma più probabilmente sono solo cambiati, loro come noi, e se mi giro verso il pubblico che canta a memoria I am thinking it’s a sign / That the freckles in our eyes / Are mirror images / And when we kiss they’re perfectly aligned vedo facce mature che hanno smesso da tempo di prendere quelle parole alla lettera. Di certo quando nell’ultimo bis Gibbard conclude “Brand New Colony” incitando tutti a unirsi al coro e urlare con lui “Everything will change”, non sembra esserci frase più appropriata.

Esce oggi il video di “Un mare”, il nuovo singolo dei Numero6 tratto dall’album “Dio c’è” (Urtovox records/Audioglobe, 2013).

La canzone vede la partecipazione alla voce di Colapesce, che ha preso parte anche alle riprese del clip.
Il video è stato girato in provincia di Siracusa dal collettivo di film-makers “Tunafishbanda” capitanato dal regista siciliano Gabriele Galanti, che così ne descrive la nascita:

Guardare indietro, ritornare, ricordare, non fa male. Così la canzone dei Numero6. Ma se i ricordi sono viaggi, la nostalgia può diventare un brutto trip, e ci saranno giorni in cui ricordare qualcosa sarà spiazzante come uscir di casa per andare in spiaggia e ritrovarsi sperduti e mezzi nudi nell’intrico d’un bosco sconosciuto. Un bosco da cui dobbiamo uscire, prima o poi, se vogliamo ritrovarlo, Un mare.
Tunafishbanda, artigianato visivo, idee da asporto & musica in comodato d’uso, si è tuffata nel singolo dei Numero6, nelle voci di Michele Bitossi e Colapesce. Ne è nato un video, con protagonista Giulio Tomasi. Questo video.

Dietro al nome Vuoto Apparente si nasconde Riccardo Piazza, cantautore siciliano.

Il suo primo lavoro “Storyteller” esce a fine Maggio per la Seahorse Recordings. Sette brani che rappresentano l’amore per il teatro canzone e un messaggio per la nuova musica cantautoriale. Proprio in quest’ambito artistico si muove Vuoto Apparente, guardando magari non solo al cantautorato classico, ma anche a realtà italiane più attuali.

Lo stesso cantautore descrive così il suo debutto: “Storyteller” è un crocevia di più strade, una ricerca che non è ancora finita, uno dei sensi possibili. Sette brani che ricordano le sventure, le disgrazie e le grazie di una completa, o quasi, guarigione dei sensi. C’è la grande America del primo novecento e la storia d’amore da fazzoletto alla mano per il saluto dal porto, l’importanza del parlare chiaro e del non parlare proprio e poi anche una analisi dello stato delle cose, chi non è preda degli eventi?
Dentro a questo piccolo compendio della filosofia del divenire, gli arrangiamenti delle canzoni sono semplici ma curati. Si è ricercato un sound diretto, trasognato in alcuni brani, scorbutico e prepotente in altri. E’ un inizio, è un sasso lanciato in uno stagno.

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Bei tempi quelli dei La’s e degli Stone Roses. Degli Happy Mondays e dei Charlantans. Dei Suede e dei Pulp. Della Madchester drogata e del Britpop spaccone. Della faida tra Oasis e Blur che di fatto mise i paletti della nascita e della fine del Britpop. Bei tempi dicevamo, grandi gruppi. Ma se guardassimo dallo specchietto retrovisore vedremmo che ci siamo lasciati qualcosa, qualcuno, alle nostre spalle. Sì, perché nel 1987, prima di tutto e tutti vedeva la luce “Sonic Flower Groove” e i Primal Scream di Bobby Gillespie cominciavano a muovere i loro primi passi, portando in dono quello che sarebbe stato il suono che avrebbe di fatto contraddistinto gran parte dei ‘90, e che avrebbe quindi influenzato gran parte dei gruppi sopracitati.
Parlare dei Primal Scream come degli eterni dimenticati dal giro dei gruppi Brit che conta(va)no, forse è un po’ troppo, fatto sta però che gli scozzesi hanno sempre preferito muoverei nella penombra, scansandosi dalla luce dei riflettori e cercando di mantenere un profilo basso.

Eccoli quindi oggi, a ventisei anni dall’esordio sopracitato, ventidue dal loro capolavoro “Screamadelica”, a cinque dall’ultimo “Beautiful Future”, tornare con un disco che far passare in osservato sarebbe un’eresia. Con “More Light” i Primal Scream tornano in pista e lo fanno con un disco arrogante e ambizioso al punto giusto. Tredici tracce che shakerano gli oltre vent’anni di gloriosa carriera, per lo più contrassegnati da una continua ricerca di un suono fresco e proiettato all’avanti ma attendo a mantenere un punto di contatto con il passato. Ci riuscirono con “XTRMNTR” e in parte con l’ultimo “Beautiful Future”, mentre mancarono l’obiettivo con “Riot City Blues” e ci andarono vicini con “Vanishing Point”. E con “More Light”? Beh, non è facile da dirsi, soprattutto per il fatto che il nuovo lavoro di Gillespie&co. è ciò che può esserci di più distante da quelle che sono le esigenze di un pubblico ormai lasciatosi andare all’ascolto facile e fugace. E in questo senso può essere spiegata la traccia di apertura, “2013″, che con i suoi nove minuti e un avvio che lascia di stucco (la costante presenza di fiati non se l’aspettava nessuno, o quasi) comincia subito la selezione degli ascoltatori pazienti e ‘meticolosi’. E chi avrà deciso di abbandonare la nave dopo gli altrettanti sette minuti della sussurrata “River of Pain”, beh lasciatemelo dire, non c’ha capito proprio un bel niente e soprattutto non sa cosa di li a poco si sarebbe perso. “Culturecide” di Bowiana memoria e la possente “Hit Void” accendono la lunga miccia, che attraversando la fluttuante “Tenement Kid” e il baldanzoso jazz-soul di “Goodbye Johnny” si avvicina al grande botto con il blues di “Eliminator Blues” e l’anfetaminicità di “Turn Each Other Inside Out”. La ballata “Walking With The Beast” ci concede un momento di relax prima dell’esplosione definitiva che culmina con l’inno in cui si respira aria di Stones, il singolo “It’s Alright, It’s OK”.

L’esplosione, un tripudio di colori liquefatti o meglio ’screamadelici’, dimostra come Bobby non abbia ancora dovuto fare i conti con alcuna crisi di mezza età, e che arrivato a quasi trent’anni di carriera è ancora in grado di partorire album d’avanguardia, rischiosi, in grado di spettinare qualsiasi gruppetto di bulletti albionici che rubando ora dai 60’s ora dai 90’s del Britpop che fu c’hanno costruito, e ci costruiranno, intere carriere. Dell’arrivismo possiamo farne anche a meno. Grazie di avercelo ricordato Bobby.

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More Light
[ Ignition - 2013 ]
Similar Artist: Rolling Stones, Primal Scream
Rating:

Anni fa, se non ricordo male era il momento in cui la dubstep stava iniziando a contagiare anche le italiche lande, discutevo con un caro amico sulla durata dei vari fenomeni elettronici e sulla loro capacità di sopravvivere al tempo: saltò fuori che lui non poteva neppure sentir nominare i Kraftwerk, unanimemente riconosciuti tra i padri fondatori della musica elettronica; eppure per lui erano invecchiati terribilmente male e le loro produzioni avevano pagato un prezzo troppo alto allo scorrere del tempo.
Recentemente invece parlavo con una collega di questo sito riguardo l’attualità di certa musica, di come essa sia fruibile in un determinato periodo storico e di come, col passare degli anni, per quanto rimanga un ascolto piacevole spesso perda la forza che la caratterizzava, quella capacità di descrivere i giorni in cui è uscita.
Questa seconda riflessione mi trova decisamente più d’accordo, anche se le eccezioni son talmente numerose che sospetto non esista neppure una regola; mentre nel primo caso non ero e non sono affatto convinto: tutt’ora sono molti gli album e gli artisti (Grimes e Daft Punk sono i primi a venirmi in mente) non soltanto debitori nei confronti dei quattro tedeschi.

Questa lunga introduzione per giungere infine all’oggetto di questa recensione: è uscito il nuovo disco di Karl Bartos, polistrumentista che ha militato nei Kraftwerk per ben quindici anni, fino all’addio nel 1990.
Già al primo ascolto “Off the Record” mostra i segni del tempo: Karl propone, ancora una volta, la ricetta che ha fatto la fortuna dei Kraftwerk, specialmente negli anni ottanta: manca la visionarietà e il gusto cosmico che contraddistinse la prima produzione, ma la classe e la maestria sono le stesse degli anni della grande fama.
Si parte con la massiccia “Atomium” e si giunge infine alle velleità sperimentali di “Vox Humana” e “Rhythmus”; nel mezzo apocrifi Kraftwerk (“Nachtfahrt”), meraviglie di pop digitale (“International Velvet”, “The Tuning of the Word”), impennate electro (“Without a Trace of Emotion”), qualche caduta di stile (“Musica Ex Machina”) e tanta tanta monotonia.

Il ritorno di Karl Bartos si ricollega dunque alle riflessioni poste in apertura di articolo: anche se “Off the Records” è un album tutt’altro che brutto, realizzato con classe e competenza, questo synth-pop appare oramai fuori tempo massimo e dunque fortemente innocuo

Ascolto consigliato soltanto ai fan più intransigenti e anacronistici.

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Off The Record
[ Virgin - 2013]
Similar Artist: Kraftwerk, David Bowie, John Foxx, Daft Punk, Tosca
Rating:

All’indomani di una lunga coda post-”High Violet” a base di brani prestati a colonne sonore di film, serie tv e videogiochi, più l’organizzazione dell’ATP festival l’anno scorso ed alcune esibizioni speciali tipo la performance trasmessa via web con Bob Weir dei Grateful Dead o quella surreale eseguita al museo Moma di New York con la canzone “Sorrow” tratta dal penultimo album suonata per sei ore di seguito! (senza menzionare i vari impegni da produttore di uno dei due gemelli “axe-man” Aaron Dessner) i National tornano a illuminare di una flebile luce sgualcita le notti di New York e i passi e le stanze di tutti gli umani sintonizzati su quelle stesse frequenze “grigie” che li hanno resi celebri.

Il successo anche dal punto di vista dei numeri del precedente album non ha scalfito la classe e l’urgenza espressiva di Berninger e soci. Il cantante, abbandonate da un paio d’anni le bionde alla nicotina nel taschino della memoria, sfoggia un timbro mai così pulito e fragili linee vocali di bellezza mai così cristallina, anche se alcuni probabilmente preferiranno il Matt più sporco di qualche anno fa.

Allargando la visuale, pensando a tutto l’album e al lavoro di tutti i membri, rimane quell’impressione, come nel recente passato, di un tentativo di ammodernamento e crescita che fa pensare ad un movimento “laterale”, nel senso che non vi sono grandi rivoluzioni del sound della band, ma si rinviene un’attitudine che mira sempre di più alla cura del piccolo dettaglio e al contempo alla pulitura delle strutture, con la scrematura degli orpelli ingombranti a favore di azzeccate scelte di stampo ancora più minimalista, che però in realtà nascondono, probabilmente, un enorme labor limae. Le chitarre sono sovente meno “grinzose”, svelando spazi sonori in parte inediti, come se sipari rugosi si fossero aperti su brillanti vallate notturne, oasi di sobria desolazione nascoste nel cuore di ideali città fantasma, immerse in scenari di malinconia urbana che mal cela un’aura quasi letteraria, che riconduce a all’apparenza dimesse che esplodono quietamente nei testi mai così in un certo senso cantautoriali e tutto sommato mai così intellegibili, incastrati in simulacri di confessioni irrisolte.

Ordunque i National, pur riconoscibilissimi, danno l’idea di aver creato qualcosa di nuovamente necessario, un ulteriore capitolo senza il quale forse non li avremmo mai davvero compresi fino in fondo. Sono canzoni che hanno tutta l’aria di essere rimaste intrappolate nel tempo, da tempo. Come se fossero sempre esistite. Più che mai catartiche, grazie soprattutto a certi finali di splendore epico che fanno accrescere quella sensazione sempre più pulsante di trovarsi di fronte a un insospettato vero e proprio passo in avanti, cosa che non è del tutto chiara durante i primi ascolti. Ma un album dei National è sempre un ‘grower’. Un amico che conosci da sempre ma che ti cresce dentro piano piano, fino ad innamorarti perdutamente di lui e, come dire… dimenticare te stesso per trovare un amore che era perduto… e ritrovare te stesso.

Così “Heavenfaced” (picco emotivo dell’album, grazie ad un raffinato tappeto sonoro dall’afflato quasi orchestrale) svela il suo volto struggentemente celestiale solo negli istanti finali, mentre “This is The Last Time” si rivela inno esistenziale dopo essere partita come una malinconica confessione vespertina, come fa la ben più wave-oriented e ritmata “Sea Of Love” con la sua orizzontale detonazione conclusiva a base di chitarre ascensionali e linee vocali che gridano al vento e a cieli crudelmente luminosi tra il trionfo e la disperazione, appoggiate su un rigidissimo ma avvincente schema di batteria. Tutto il disco comunque si attesta su livelli altissimi, dall’iniziale, accorata “I Should Live In Salt”, alla martellante-con-dolcezza “Don’t Swallow The Cap”, fino alle ballad una più maledetta, triste, tenera e bella dell’altra “Slipped”, “Pink Rabbits” e “Hard To Find” (rifulgente di un fioco splendore che neanche la vecchia “About Today”, ed è tutto dire…).

Persino episodi apparentemente minori come “Graceless” (una sorta di “Apartment Story” un po’ più lesta ed ipnotica) e la già nota “I Need My Girl” crescono inesorabilmente play dopo play, risultando come altri preziosi tasselli che contribuiscono a comporre un’opera -non ce lo saremmo aspettato dopo tre album giganteschi consecutivi- di nuovo incantevole.

L’ennesima prova di generosità di una band figlia di un tempo arido ed avido.

Trouble Will Find Me
[ 4Ad - 2013 ]
Similar Artist: Tindersticks, Interpol, Nick Cave & The Bad Seeds, Leonard Cohen, The Walkmen
Rating:

“Kiss Land” è il primo estratto dal nuovo disco di Abel Tesfaye ovvero The Weeknd.

Ora possiamo ammetterlo, la svolta da crooner di Iggy poteva essere un gioco divertente come può essere quello di vestirsi da donna una volta tanto a carnevale. Un gioco, anche se ben confezionato. Iniziava a far male l’idea che quello che questi tempi avari ci lasciavano dell’iguana erano canzoni i di pura forma e scarsa sostanza. E’ pur vero che nella lunga carriera del Nostro il lascito sarebbe stato ben diverso, se pensiamo a capolavori senza tempo di furia rock’n’roll come “Raw Power”, ma c’era bisogno di un ritorno alle origini anche se, giocoforza, privi dell’ingenuità e della carica deitempi andati. A dispetto di quanto detto nel 2009, in cui si dichiarava l’esperienza degli Stooges conclusa per sempre dopo la morte di Ron Asheton, torna la storica ragione sociale con James Williamson, che non suonava con lui dal 1973 dai tempi proprio di “Raw Power”.

“Ready To Die”, a dispetto dell’anagrafe dei componenti della band, è un disco che potrebbe mettere in riga una buona parte delle band di ventenni che bazzicano i territori rock. Non certo un capolavoro, ma un album di rock’n’roll nudo e crudo, asciutto e compatto, soprattutto credibile. Il tempo passa per tutti e le rughe non si avvertono solo sui visi vissuti di questo gruppo di sodali del 4/4, ma non basta a scalfirne il mestiere o la genuinità di una scelta che correva il rischio di poter somigliare ad una resa tout court. Iggy è vivo e lotta insieme a noi? Sì e no, nel senso che quello che abbiamo è l’ennesimo disco che percorre le stesse strade ormai consumate dai passi, ma costruito e suonato con gli attributi. C’era bisogno di questi 37’ di musica? No, c’era bisogno che qualcosa ci prendesse a schiaffi e ci ricordasse chi e che cosa erano Iggy And The Stooges. “Ready To Die” è esattamente tutto questo, niente di più o di meno. Un bel risveglio dopo un periodo di sonno sin troppo tranquillo.

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Ready To Die
[ Fat Possum - 2013 ]
Similar Artist: Iggy And The Stooges e basta
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