IndieNation

Eles Tão De Ácido

2009-11-28T23:36:00.002-02:00

Existem discos compostos sob efeito das drogas. E existe um disco que é o efeito das drogas. "Cottonwoodhill" [Bellaphon, 1971], primeiro álbum do Brainticket, entra na segunda categoria. A capa do vinil trazia alguns avisos: "Não ouça esse álbum mais de uma vez por dia ou seu cérebro será destruído!" era um deles. Assim, o coletivo de formação mutante capitaneado pelo músico belga Joel Vandroogenbroeck surgiu traduzindo musicalmente o significado de bad trip. REALLY BAD.

O álbum começa com duas canções relativamente convencionais para justificar o aviso e a fama. Black Sand, a primeira delas, traz guitarra distorcida e orgão sobre uma batida funk, lembrando mais o rock negro (desculpem a expressão) dos EUA (Jimi Hendrix, Funkadelic...) do que os contemporâneos mais famosos do kraut-rock, como Can, Faust ou Tangerine Dream. Em seguida, Places Of Light surge mais fluída, com sopro marcante, apresentando Dawn Muir, a peça chave de "Cottondowhill". O poema declamado serve como mais um aviso, mas o groove da faixa acaba tornando a poesia em acessório. Uma frase se destaca: "Você, quando menos esperar, vai perder a sua almaaaaaaaa". A viagem começou...

Barulho de coisas quebrando e então um riff. Infinitamente, o mesmo riff. Carros, gente gritando, um despertador. E o mesmo riff. Alguém escova o dente, sirenes começam a tocar. E o mesmo riff. Ela sussura desesperadamente. Ela quer que pare, ela quer que continue. Pura paranóia. O que aconteceu? Como aquele disco se transformou nesse? Quando esse riff vai parar? O riff some. E volta. Até que macacos e a Quinta Sinfonia se misturam para anunciar a conclusão da viagem. Engano. É só o meio do caminho.

A canção recomeça e a viagem entra no período de maior turbulência. A pobrezinha celebra e duvida (d)a própria existência num curto espaço de tempo. Chega a um ponto de desorientação em que o efeito passa a ser quase contagioso. Incomoda e fascina ao mesmo tempo. Nos minutos finais do álbum, a voz se exalta mas é abafada por camadas sonoras embaralhadas e irreconhecíveis. O corte abrupto tem a intenção de levar o ouvinte de volta à realidade. É nesse hora que você deveria pensar que Dawn Muir estava apenas lendo e interpretando poesia. E que todos os sons perturbadores são resultado da programação eletrônica executada de forma competentíssima pelo tecladista Hellmuth Kolbe. Mas não dá para pensar nisso. As reações mais comuns são: 1) Desligar o computador, cair no chão e desmaiar; 2) Tentar salvar a coitada das garras do monstro imaginário ou 3) Procurar urgentemente provar do mesmo fubá experimentado pela moça descontrolada.

Demonstrando a condição única do álbum, o Brainticket lançou, três anos depois, um trabalho bem mais convencional e melódico ("Psychonaut"). "Cottonwoodhill" é um experiência tão drástica que nem os próprios criadores ousaram repeti-la. O outro aviso impresso na capa reforça ainda mais o mito insinuando que "após ouvir esse álbum seus amigos podem não te reconhecer". Você quer experimentar?

Brainticket - Cottonwoodhill - 97
Ano: 1971
Origem: Alemanha
Gênero: Krautrock/Psicodelia/Experimental
IN Picks: Brainticket
Pra quem gosta de: Can, Jefferson Airplane, Embryo

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Tente Outra Vez

2009-11-26T21:26:00.033-02:00

The Bravery - Stir The Blood - 16
Ano: 2009
Origem: EUA
Gênero: Post-Punk Revival/Synth-Pop
IN Picks:
Pra quem gosta de: pintos (essa capa é tão simbólica), The Killers, Duran Duran

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Futurismo Primitivo

2009-11-20T01:46:00.002-02:00

Identificação

2009-11-06T03:03:00.014-02:00

"(500) Dias Com Ela" [Fox, 2009] é a vingança das comédias românticas. Malvisto pela eternidade, o gênero nos deu uma rasteira trazendo um herói que é fã de Smiths (tem como errar?) e trocando o agente do sofrimento, causado exclusivamente pela parte feminina do casal. E nem tem final feliz para todo mundo dizer que o cinema é a razão de toda a frustação afetiva do mundo moderno. Desde o ínicio, o roteiro deixa claro que a liberadinha Summer (Zooey Deschanel) não vão ficar com o coitado Tom (Joseph Gordon-Levitt). Assumindo posição contrária ao romance e, levando-se em conta que não é exatamente engraçado, o filme pode ser considerado uma anti-comédia-romântica sem mexer em quase nada da estrutura que levou Sandra Bullock ao estrelato nos anos 90.

Aí entra a questão da indentificação. A troca de peças amplia o alcance de um gênero visto como estritamente feminino. Dificilmente algum adulto, homem ou mulher, vai deixar a sala de cinema sem se apaixonar pelos personagens principais. Alavancados pela interpretação honesta do Deschanel e Gordon-Levitt, o casal Summer e Tom brilha sobre a certa superficialidade do roteiro. A protagonista feminina, por exemplo, parece uma entidade. Em certo ponto da projeção, o espectador pode até achar que ela é fruto da imaginação do solitário arquiteto. Falta profundidade em Summer, sobram clichês nas costas do frustrado Tom. Embora viva como um professional de sucesso (o apartamento é quase uma página da "Arquitetura e Construção"), o persongem se arrasta num emprego que não gosta (olha aí a identificação forte, novamente). Emocionalmente, Tom tem a mesma carga sentimental que um herói de "Malhação". Mas isso é uma comédia romântica. Mesmo com os papéis trocados, você sabe que ele vai sofrer.

Faltou também um melhor aproveitamento do elenco de apoio. Ns melhores comédias atuais ("O Virgem de 40 Anos", "Ligeramente Grávidos", "Pequena Miss Sunshine"...), os personagens perífericos dão densidade à história e contribuem com algumas das cenas mais memoráveis desses filmes. Aqui, eles só servem como escada. Os amigos do trabalho, por exemplo, são quase imperceptíveis. E a irmã adolescente, madura e conselheira, aparece tão ocasionalmente que os próprio roteiristas se esquecem da personagem da metade do filme em diante.

Marc Webb tem babagem na direção do clipes e sua versão acelerada de uma história vagarosa é o outro ponto de sustentação do filme. Mais do que do a retropesctiva intercalada, são as pequenas intervenções estéticas do diretor que encantam, pontualmente (como no divertido musical pós-primeira vez). Nada disso impede que "(500) Dias Com Ela" acabe se tornando um "Annie Hall"-hipster. Mas serve para ver o que só as mulheres enxergam em filmes como "Enquanto Você Dormia" e "Um lugar chamado Notting Hill". Cinema, às vezes, é pura identificação.

(500) Dias Com Ela - 67
Diretor: Marc Webb
Elenco: Zooey Deschanel/ Joseph Gordon-Levitt
Ano: 2009
Estreia no Brasil: Hoje (06/11)
Gênero: Comédia Romântica
Pra quem gostou de: "Ele Não Está Tão Afim de Você", "Apenas O Fim", "Juno"

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The Stroke

2009-11-04T20:38:00.003-02:00

Alguns se espantaram quando Julian Casablancas apresentou no MySpace a primeira faixa de seu álbum solo. Sem razão. Embora 11th Dimension seja um pouco mais radical no uso de sintetizadores, a idéia era a mesma usada em "Room On Fire", o segundo e discutido álbum dos Strokes. E "Phrazes For The Young" [RCA, 2009] é somente aquela mesma idéia, esticada. Sem Fabrizio Moretti, Nikolai Fraiture, Nick Valensi e Albert Hammond Jr., o compositor se sentiu mais à vontade para investir pesado numa estética mais oitentista. Mas liberdade e inspiração nem sempre vem acompanhadas.

Out Of Blue, simbólica, começa o disco trazendo a guitarra típica dos Strokes escondida no meio da confusão eletrônica. Não há como não pensar nos contemporanêos do Yeah Yeah Yeahs e seu álbum mais recente, "It's A Blitz". Mas, apesar do resultado insatisfatório, a banda liderada por Karen O parece bem mais familiarizada com os artifícios de estúdio. Em certo ponto, Out Of Blue chega a aborrecer. E esse não é problema exclusivo desta canção...

A aparentemente nova fixação em Human League chega ao máximo já na segunda faixa, Left & Right In The Dark. O único aspecto interessante da composição é o uso esperto do fade out. Sim, o ponto alto da faixa é o momento em que diminuem o volume. Isso parece ser um problema, Sr. Casablancas. 11th Dimension, o primeiro single, deixa o saldo menos negativo com uma melodia que finalmente não aborrece. Pena que aborrecimento seja a única expressão adequada para definir 4 Chords Of Apocalipse, convictamente anti-diversão.

Ludlow St. abre a segunda metade do álbum com mais ousadia, investindo numa estética meio country, meio sintética. E, num problema recorrente, as idéias parecem se sobrepor de uma maneira que torna tudo muito confuso. A bateria eletrônica, descompassada, parece que também se confundiu com a indecisão do líder dos Strokes. As três faixas que encerram o disco repetem os erros cometidos nas anteriores, sem nenhum destaque.

Julian Casablancas bem que tentou. Trocou os anos 70 pelos anos 80. Trocou também a frieza habitual por uma abordagem mais emocional em suas letras. Saiu por aí falando do seu novo lado progressivo e da enorme diferença entre trabalhar sozinho e trabalhar com uma banda. Em todos os casos, não foram boas escolhas. "Phrazes For The Young", por trás de toneladas de sintetizadores ultrapassados, é só o disco menos interessante dos Strokes.

Julian Casablancas - Phrazes For The Young - 43
Ano: 2009
Origem: EUA
Gênero: Synth-Pop
IN Picks: 11th Dimension, Ludlow St.
Pra quem gosta de: The Human League, Duran Duran, Yeah Yeah Yeahs

JULIAN CASABLANCAS - 11TH DIMENSION

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Mixtape #10

2009-11-03T17:07:00.008-02:00

A décima mixtape do IndieNation (com arte novamente "inspirada" nas fotos de Coquinete) é um aperitivo das listas de melhores do ano e de melhores da década. De 2009, mais uma do Volcano Choir, uma do onipresente Girls, e o menos festejados Japandroids e So Cow, com duas faixas insanas. Dinosaur Jr. e Sonic Youth, dois mastodontes que também lançaram discos nesse ano, comparecem com Over It e Anti-Orgasm, respectivamente. Broken Social Scene, Liars, Animal Collective e Asa-Chung & Jun Ray dão um toque de experimentalismo e completam a tracklist com algumas das composições mais interessantes da década. 10 mixtapes, 10 faixas. Agora é com você: ouça e repasse!

Nova Pasta

2009-11-02T15:00:00.003-02:00

- Arnaldo Branco, Mundinho Animal - 26/10

Os 20 Grandes Álbuns dos Anos 70 - #18

2009-10-31T11:19:00.004-02:00

A sina de "Maggot Brain" [Westbound, 1971] é sempre surpreender o ouvinte, não importa a época em que seja executado. O nome e a origem da banda (o Funkadelic foi banda de apoio do Parliaments, de George Clinton) deixam impressão que o campo de ação é limitado. E levado por um preconceito brando, o ouvinte pode imaginar que uma banda formada inteiramente por músicos negros passe longe de gêneros tradicionalmente "brancos". Motivos variados para ouvidos igualmente surpresos com o disco mais impressionante de uma das maiores bandas de rock de todos os tempos.

Rock, isso mesmo. Ou você conhece algum disco de soul, funk ou R&B que comece com um solo de guitarra demolidor de quase 10 minutos? A ironia é que esse solo, como registrado em disco, foi uma saída improvisada de George Clinton para lidar com estado lamentável dos músicos, profundamente afetados por abusos químicos. Clinton preferiu contar só com Eddie Hazel e pediu para que ele tocasse como "se sua mãe tivesse acabado de morrer". Outra versão da lenda conta que Clinton simplesmente avisou que a mãe do guitarrista estava morta. Em qualquer versão, a estratégia de mentor intelectual do funk psicodélico funcionou: a monumental Maggot Brain é uma faixa tão arrebatadora que chega a colocar sombra sobre as outras composições. Exemplificando com outra realização mastodôntica do rock na mesma década, o efeito é mesmo que Stairway To Heaven provoca no quarto álbum do Led Zeppelin. Assim como em "IV", a sombra só serve para tornar a experiência da descoberta ainda mais interessante.

Enquanto a turbulenta viagem na faixa título representa o fim de existência com a tristeza do blues, as faixas seguintes, mais envenenadas, mostram que coerência não é virtude do Funkadelic. Os versos iniciais do funk gospel Can You Get That ("I once had a life, or rather life had me") mantém o clima perigoso, mas a estrutura acertadamente convecional joga a favor do otimismo. E se o funk parecia ter perdido espaço pela ação devastadora de Maggot Brain, Hit It And Quit It aparece para aumentar ainda mais a batida, representando a apoteose do gênero. O grande trunfo é mais um solo destruidor de Eddie Hazel. You and Your Folks, Me and My Folks tem estrutura parecida (vocal gospel por cima de um groove poderoso) mas o assunto é agora é amor interracial ("If you and your thing dig me and my thing/ Like me and my thing dig you and your thing/ And we all got a thing/ Yeah, and it's a very good thing").

A absurda Super Stupid é capaz de juntar dois ídolos da música negra em apenas uma canção. Ao falar sobre um viciado que acaba comprando a droga errada, a superbanda mistura Jimi Hendrix e James Brown na faixa mais violenta do álbum. No dub de Back In Our Minds, o ouvinte relaxa com George Clinton nos vocais e discurso pacifista. Um disfarçado prenúncio de guerra: a bordo de efeitos perturbadores, percussão insana e uma cozinha explosiva, o Funkadelic pede o povo no poder (e algumas outras coisas) em mais um clássico estarrecedor, Wars Of Armageddon.

Após "Maggot Brain", o Funkadelic nunca mais foi o mesmo, literalmente. Para o disco seguinte, apenas Eddie Hazel e Tiki Fulwood se mantiveram na formação. Mas isso era algo que George Clinton provavelmente já imaginava. Dificilmente, algum artista passaria por um álbum como esse impunemente. A imagem da mulher enterrada, talvez gritando, talvez gargalhando, na capa do disco, não poderia ser mais simbólica. "Maggot Brain" é a imagem do desespero e da felicidade dos anos 70.

Funkadelic - Maggot Brain
Ano: 1971
Gênero: Classic Rock/Funk/Soul
IN Picks: Maggot Brain, Wars Of Armaggedon, Super Stupid
Pra quem gosta de: Sly And The Family Stone, Led Zeppelin, Primal Scream

Meme-Pop

2009-10-27T13:30:00.001-02:00

Antes de ler, assista:

- Vídeo 1: um herói dos anos 90 passeando pelo hip-hop mainstream sem perder a decência, no início da década.
- Vídeo 2: uma banda que faz música rotulada como power-pop, fazendo música pop, sem perder a decência.
- Vídeo 3: uma banda indecente, fazendo piada indecente, mas atingindo seu objetivo.

O Weezer anda numa fase muito estranha, você já deve saber. Tanto que precisa de estratégias de defesa. As que dizem "vai lá e faz melhor" e "gosto é que nem braço" (ou qualquer outra parte do corpo, dependendo do grau de sofisticação do comentarista anônimo) nem devem ser analisadas devido ao alto teor de estupidez. As três vertentes mais comuns, compartilhadas por outras bandas e defendidas até por gente esclarecida, encontram base suficiente para existir nesses três vídeos. Infelizmente, não fazem o menor sentido quando tentam defender o mais novo capítulo da crise de meia idade de Rivers Cuomo, "Raditude" [Geffen, 2009].

O argumento mais antigo é o que anda perdendo mais força com a atual indefinição prática entre indie e mainstream: críticos, todos eles, sofrem da síndrome do underground. Sendo assim, o novo status do Weezer incomoda toda essa raça desprezível e invejosa de seres humanos. Mas a virada artística em direção a um pop-rock asséptico deu apenas uma falsa impressão de que existe um novo status: exceto pelo fracasso comercial do cultuado "Pinkerton", em 96, o quarteto sempre teve vendagem considerável. Na cabeça do fã, não existe a possibilidade do crítico elogiar os dois primeiros álbuns porque esses são realmente bons e espinafrar os restantes porque todos eles são realmente ruins. É tudo síndrome de underground.

O primeiro argumento leva ao segundo: os críticos gostam de música difícil. Para esse argumento ser destruído, basta colocar "Raditude" para tocar. (If You're Wondering If I Want You To) I Want You To é um country-pop agradabilíssimo. Sem nenhuma experimentação, sem resvalar na auto-referência. Apenas música pop, rápida, de fácil assimilação. E então, na faixa seguinte, em cima de uma bateria eletrônica e um riff hard-rock-pilantra, Cuomo usa a mesma melodia do refrão de Keep Fishin' para proferir os inacreditáveis versos "Isto é impossível/Isto é improvável/Nesta noite você é meu bebê/E eu sou papai!". Se críticos gostam de música difícil, pesquise quantos de bom senso vão gostar de I'm Your Daddy, uma faixa muito difícil, praticamente impossível (de suportar). Completando o revival não requisitado de "Maladroit", o Weezer recria a não menos insuportável Dope Nose em The Girl Got Hot, logo depois. Isso mesmo, "A Garota Ficou Gostosa". E ainda fica pior, acredite.

A insanidade do papai Cuomo nos leva ao terceiro e mais forte argumento: o Weezer, agora, é uma piada. Rivers Cuomo é o novo Andy Kaufman. Ele pretende subverter a cabeça da crítica musical e promover um debate sobre a falta de rumo da música moderna. Desde a capa, que é praticamente um meme, nada que o Weezer fez em "Raditude" é sério. Dá até para imaginar a cena: Cuomo olhando os comentários sobre Can't Stop Partying, morrendo de rir dos noobies que não entenderam o seu hilariante retrato da geração Y. Acreditando que o compositor é realmente engraçado, dá também para compartilhar uma visão irônica sobre a exploração comercial da cultura indiana pós-Slumdog Milionaire em Love Is The Answer, já gravada pelo Sugar Ray (isso é uma piada também?).

O argumento é forte mas duvida da capacidade do ouvinte. Se você não achou graça, você não entendeu a genialidade. "Raditude", porém, não é genial. As observações irônicas são tão óbvias que se misturam indistiguivelmente com os objetos criticados. Mas não há como negar: o Weezer, agora, é uma piada. Muito sem-graça...

Weezer - Raditude - 35
Ano: 2009
Origem: EUA
Gênero: Pop-Rock/Hard Rock
IN Picks: (If You're Wondering If I Want You To) I Want You To
Pra quem gosta de: Lady Gaga, Kelly Clarkson, marcar ironia no Orkut

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Nova Pasta

2009-10-26T08:06:00.002-02:00

Ear Fuckery

2009-10-23T00:32:00.007-02:00

"A moderna era tecnocrática é definida pela aceleração. Nossos computadores, nossos filmes, nossas vidas sexuais, nossas orações – tudo vai mais rápido agora do que jamais foi. E, quanto mais preenchemos nossas vidas com mecanismos e estratégias que nos poupam o tempo, mais apressados nos tornamos."

Presumindo que somente leitores astutos visitem essa humilde página, todos perceberam que o primeiro parágrafo é uma citação. Enquanto seus olhos fitavam aqueles dois tracinhos curvados em sobrescrito, neurônios excitados se conectavam freneticamente e então, bang!, um terrível pensamento se instaurou sobre suas cabecinhas: ele vai começar a resenha com uma citação! Menos mal é que eu nem sei quem escreveu essas sábias palavras, que figuram atrevidas no release de um livro do jornalista americano James Gleick sobre os desafios da vida moderna. Ah, os desafios da vida moderna! Sempre muito desafiadores. Por isso, a resenha de hoje será sobre o segundo LP do trio americano Homostupids, "The Load" [Load Records, 2009].

E por que esse disco em especial? Porque, não obstante ser considerado um long play, "The Load" é curto. Muito curto. Usando experiência própria para ilustrar a brevidade da bolacha: estou aqui, tentando escrever sobre a primeira faixa... e o disco já está quase terminando! Perfeito para a moderna era tecnocrática definida pela aceleração. Mas já que não dá pra falar muito sobre dinâmicas e climas, falemos sobre as letras: dizem que são engraçadas. Dizem. Abaixo, transcreverei o que entendi:

UGHUEH
UEDIEDJO SEEEEEE
UEDIEDJO SEEEEEE
UEDUITODUITO EEEEEEEEEE
UEDUITODUITO DUDUDUDUDUDUDU
UEDUITODUITO EEEEEEEEEE
UEDUITODUITO DUDUDUDUDUDUDU

(Raw Nightmus)

Bom, pelo menos dá pra perceber que a personalidade dos integrantes é divertida. No blog oficial (se é que é dá para chamar uma página padrão do Blogger, atualizada 5 VEZES desde fevereiro do ano passado, de oficial), eles dizem o seguinte: "Olha só, parece que os travestis da Load Records lançaram nosso interessante segundo álbum". O selo comandado pelos travestis (se você acha Homostupids um nome infame, a Load Records tem em seu cast a incrível Harry Pussy) tem o mesmo nome do disco. E algumas faixas tem o mesmo título de lançamentos antigos. Mas lembre-se, tudo aqui é muito rápido, não há tempo para coisas banais. Como títulos, por exemplo.

Existem duas faixas que ultrapassam os dois minutos. Consequentemente, são essas as mais memoráveis. Baking The Wolf, a mais longa, engorda o hardcore demente do trio com riffs mais detectáveis. Os longos 2 minutos e 48 segundos são completados por um pipilar distorcido, lembrando que, mesmo não parecendo, existe produção. Flapping In The Water termina o álbum também com riffs marcantes, em algo que pode ser definido como surf-core.

E assim, mais ligeiro que uma rapidinha com o Roger Rabbit, "The Load" perpessa fulminante nossos ouvidos. Segundo o próprio selo (que também emprestou o título da resenha), o gênero aqui é Skull Music, uma espécie de Pig-Fuck moderno. Então, além de preencher a sua vida com um mecanismo que poupa o tempo (o tempo gasto é 78% menor do que o usado para ouvir o novo do Flaming Lips, por exemplo), esse álbum te introduzirá a um novo estilo. É toda uma gama de vantagens...

Homostupids - The Load - 70
Ano: 2009
Origem: EUA
Gênero: Hardcore
IN Picks: Baking The Wolf, Raw Nightmus, Flapping The Water
Pra quem gosta de: Circle Jerks, Hüsker Dü pré-Zen Arcade, Lighting Bolt

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Os 20 Grandes Álbuns dos Anos 70 - #19

2009-10-20T01:51:00.009-02:00

O grande desafio de listar e comentar sobre 20 Grandes Discos da Década de 70 é tentar esmiuçar álbuns já exaustivamente discutidos. "Time Of The Last Persecution" [Decca/Eclectic, 1971/2005] é a completa exceção, carregando até hoje uma aura de tesouro perdido. Nesta década, além do relançamento de seus dois álbuns, há quatro anos, Bill Fay já foi regravado pelo cultuado Current 93 e homenageado por Jeff Tweddy (Wilco) com uma versão de Be Not So Fearful no documentário "I'm Trying To Break Your Heart". Jim O'Rourke, Daniel Bejar, Ben Chasny (Six Organs Of Admittance) já declararam influência e profunda admiração. Ainda assim, Fay e sua música permanecem como um grande enigma.

Para entender "Time Of The Last Persecution" é preciso ouvir também o debut, que leva o mesmo nome do compositor. Na capa, um senhor de barba feita, bem arrumado, andando sobre as águas (primeira referência explícita sobre religião, tema onipresente no álbum seguinte). O conteúdo é quase resumido por um selo colado na capa (na ocasião do relançamento), reproduzindo parte de uma resenha na revista inglesa Uncut que definiu Bill Fay como "o elo perdido entre Nick Drake, Ray Davies e Bob Dylan". Só faltou mencionar sua característica principal: toneladas de orquestrações, por todos os lados. A lenda diz que esses arranjos grandiosos foram impostos pela gravadora, que posteriormente ficaria insatisfeita com os resultados comerciais do seu "Bob Dylan britânico". A partir daí, o responsável pelo destino musical era o próprio compositor, que apareceria na capa do álbum seguinte como um prisioneiro desolado. Fay recrutou o guitarrista Ray Russel (na época, um músico focado em improvisações jazzísticas) para a produção e buscou inspiração na Bíblia para suas composições. Por linhas tortas, "Bill Fay" tornou "Time Of The Last Persecution" mais rico, impactante e, ironicamente, um álbum totalmente diferente do anterior.

Vendas decepcionantes são suficientes para deixar um homem com um olhar tão desconsolado como o da capa? O country-blues épico Omega Day, primeira faixa do disco, explica melhor o motivo do trauma: Bill Fay foi avisado por um homem que o juízo final está chegando (isso foi há quase 40 anos... hoje, Fay deve estar decepcionado e impaciente)! Imagina só, você está no bar e tem um cara dormindo. Alguém faz o favor de acordá-lo (dormir no bar não é legal, dá todo um clima de decadência) e depois de alertar que o Dia D está chegando, ele diz que te conhece há muito tempo, vira e vai embora. OK, esse homem será espancado pelos seguranças do bar no lado de fora mas não vai adiantar, palavras como essas marcam uma pessoa para sempre. E esse é só o começo da pregação...

Agora que ouvinte já sabe que o compositor está por dentro de todas novidades sobre o Apocalipse, não dá para ficar espantado com o papo direto de Fay com Deus na faixa seguinte, Don't Let My Marigolds Die. A faixa prova o ecletismo de Russel, pulando da guitarra psicodélica na faixa anterior para um violão de sangue hispânico com naturalidade impressionante. I Hear You Calling é bem mais explícita e, talvez por isso, utilize um arranjo bem mais sutil e confortante. Ecos de Beatles são ouvidos em Dust Filled Room, que traz de volta a estrutura de Omega Day e uma mensagem religiosa bem mais sofisticada que a anterior. As coisas ficam bem mais sérias em 'Til The Christ Come Back e, na mesma medida em que os avisos se tornam mais contundentes, a guitarra chorosa de Russell grita para se sobrepor ao piano. O disco impressiona, mas nem 15 minutos se passaram. Se Deus deu alguma coisa para Bill Fay, foi o dom da concisão.

Release In The Eye começa no padrão do soft rock dos anos 70, mas deixa-se levar pela distorção após uma letra extremamente didática ser despejada. Embora a melodia seja encantadora e a voz de Bill Fay soe bonita e límpida como nunca, os versos "Christ is in the bathroom/ Look in any mirror on the wall/ And Satan’s in the garden shed/ He’d like to screw you all" podem provocar risadas dos mais céticos. Nessa canção, particularmente, a duração curta joga contra. O fadeout grita por mais uns 2 minutos, pelo menos, de celebração instrumental. Laughing Man é estruturalmente parecida, mas pesa muito mais a mão na psicodelia do que a antecessora.

O belo lamento Inside the Keepers Pantry inicia a ainda mais impactante segunda parte do álbum. Tell It Like It Is é uma canção relativamente inocente e finalmente faz a conexão com Nick Drake. Como são os dois são contemporâneos, fica difícil falar sobre influência, mas nesta faixa ouve-se muito do clima que viria compor o clássico "Pink Moon", um ano depois. Até o piano, único instrumento que Bill Fay toca nesse álbum, fica em segundo plano em relação ao violão delicado de Ray Russel. Plan D aumenta a batida revelando uma inclinação para o soul (via Rolling Stones) e indica uma tendência otimista surgindo no discurso obscuro que permeia todo o disco.

Tendência que não se confirma em Pictures Of Adolf Again, de instrumental positivo mas poesia contraditoriamente inquisitória. Fica claro que os demônios de Fay são bem mais reais do que aqueles chifrudos vermelhos cheirando a enxofre. Time Of The Last Persecution e Come A Day funcionam juntas como o ápice da obra religiosa conceitual: a primeira é a própria visão apocalíptica, aumentando sua intensidade a cada virada, até explodir em distorção, bateria e piano descontrolados. Após a tempestade, um discurso pacifista surge à bordo de metais redentores. Russel dá as caras novamente, encerrando Come A Day com um rompante característico do jazz.

Mesmo com final caótico, a faixa poderia encerrar o álbum com otimismo não condizente com o proposta inicial. Por isso, Let All the Other Teddies Know encerra o álbum pedindo emprestado o piano de Laughing Man e sugerindo que a infância é apenas um curto momento de felicidade no corrosivo verso "And be ready, Teddy/ for when the cupboard explodes". Mais pessimista, impossível. Por isso, refute qualquer categorização que leve toda a complexidade de "Time Of The Last Persecution" exclusivamente para um nicho cristão. E com muito mais afinco, qualquer comparação que transforme Bill Fay num mero continuador do trabalho de Bob Dylan. Por esse tipo de rotulagem superficial, um dos grandes clássicos dos anos 70 continua com o injusto status de tesouro perdido e incompreedido. Bom, talvez incompreendido não seja um rótulo tão injusto...

Bill Fay - Time Of The Last Persecution
Ano: 1971
Origem: Inglaterra
Gênero: Folk/Progressivo
IN Picks: Tell It Like It Is, Time Of The Last Persecution, Come A Day, Omega Day
Pra quem gosta de: Neil Young, Nick Drake, Scott Walker, Donovan

Sonic Live Youth

2009-10-18T23:53:00.022-02:00

Bom, só pra dar uma atualizada aqui e aproveitando, claro, que está rolando essa expectativa pela vinda do Sonic Youth ao Brasil: tá aí um show feito em Março (29) deste ano no Movistar Arena, em Santiago do Chile, pertinho...
O show conta com um set list muito variado e a maioria são hits antigos...

SETLIST:
- Teenage Riot | Daydream Nation, 1988
- Bull In The Heather | Experimental Jet Set, Trash & No Star, 1994
- Incinerate | Rather Ripped, 2006
- Hey Joni | Daydream Nation, 1988
- The Sprawl | Daydream Nation, 1988
- Cross The Breeze | Daydream Nation, 1988
- Schizophrenia | Sister, 1987
- Calming The Snake | The Eternal, 2009
- 100% | Dirty, 1992
- Jams Run Free | Rather Ripped, 2006
- Mote | Goo, 1990
- Kool Thing | Goo, 1990
- Pink Steam | Rather Ripped, 2006
- The Burning Spear | EP, Sonic Youth, 1982
- Sacred Trickster | The Eternal, 2009
- Silver Rocket | Daydream Nation, 1988
- Shaking Hell | Confusion Is Sex, 1983
- Express Way To Yr Skull | Evol, 1986

Enfim... Enjoy The music people!

PARTE 1

PARTE 2

Lua de Cristal

2009-10-12T23:45:00.011-03:00

- Você, você... peraí... Você é o Coringa! Maldito Coringa!

Não sei se o leitor já assistiu ao documentário "1991 - The Year That Punk Broke" (esteve em exibição por esses dias na MTV Brasil). Se já assistiu, deve lembrar de uma cena em que Thurston Moore vira réporter e pergunta para um grupo de jovens o que eles achavam do rock naquele momento. Insatisfeito com as respostas, Moore começa a aumentar o grau de dificuldade das perguntas e encaixa comentários irônicos sobre a vitória do marketing sobre o ideal. Acusando diretamente as gravadoras (um setor empresarial que recebe bastante apreço vindo do Sonic Youth, atualmente), o líder da banda mais importante dos anos 80 parecia indignado com o estado do rock. Mas naquele ponto, o underground estava apenas começando a virar produto de massa. Agora, com o lançamento da trilha sonora do mais esperado blockbuster descerebrado do ano, a história da ascensão do underground fecha um ciclo: "The Twilight Saga: New Moon" [Atlantic, 2009] não conta com nenhuma banda adolescente (mais ou menos, afinal Muse, Killers e Ok Go se encaixam perfeitamente na descrição) ou cantora-country-lésbica entre os 15 artistas escolhidos. Supreendendo desde quando foi anunciada, a tracklist coleciona figuras icônicas como Thom Yorke, Death Cab For Cutie e Grizzly Bear provando que, 18 anos depois, o punk de Thurston Moore nem existe mais.

Antes que acusações sobre síndrome de underground comecem a surgir, vale reforçar uma posição: o mundo se tornaria um pouco mais ameno se todas as trilhas sonoras de todos os grandes lançamentos hollywoodianos trouxessem nomes importantes como esses. O primeiro parágrafo é constatação, não crítica. Mas se é para se vender, comportem-se como prostitutas de luxo, por favor. A maior parte das canções do álbum funcionam apenas como um curioso passatempo exclusivo para os fãs alucinados dos artistas em questão.

Felizmente, nem tudo é só preguiça. Slow Life, do Grizzly Bear, por exemplo. Ainda assim, não é nada que o quarteto nova-iorquino ainda não tenha feito: melodia pastoral e etérea comendada pela voz frágil de Edward Droste, intercalada com momentos de psicodelia mais pesada. Se não é surpreendente, é plenamente efetiva. O relativamente desconhecido Sea Wolf agrada com o upbeat em The Violet Hour, a canção mais palatável de toda a trilha sonora. Há também os últimos dias frios do Bon Iver antes do hiato (leia-se Volcano Choir) ao lado da americana Annie Clark (St. Vincent) na fantasmagórica Rosyln, uma balada folk que deve assustar os ouvintes acostumados com vampiros que não assustam ninguém.

Porém, as grandes decepções vêm logo no início. Meet Me On The Equinox, a tão esperada canção inédita do Death Cab For Cutie, é mais uma daquelas que Ben Gibbard parece compor em escala industrial após "Transatlanticism". Thom Yorke, logo ele, também é a burocracia em pessoa voltando ao Radiohead era-Hail-To-The-Thief no glitch insosso de Hearing Damage. Os vampiros (!) do Radiohead também estão na trilha: o remix de I Belong To You retira um pouco da cafonice constragedora de Matt Bellamy e transforma a faixa do péssimo álbum recém lançado do Muse em uma composição bastarda do Cake. Soa melhor, mas ainda muito longe de soar interessante.

Antes da tradicional faixa "trilha-sonora-de-verdade" composta por Alexandre Desplat, o álbum termina o desfile indie-engole-o-mainstream (ou vice-versa) com o quarteto inglês Editors. No Sound But The Wind parece disputar com a composição específica de Desplat um lugar no plano de fundo da cena final de "New Moon". Apesar da impressionante voz de Tom Smith contar pontos, o resultado final é inconvincente. Aliás, é esse o grande problema da trilha sonora: assim como os atores do filme em questão, grande parte do seu conteúdo não convence ninguém.

Trilha Sonora - The Twilight Saga: New Moon - 48
Ano: 2009
Origem: Variada
Gênero: Variado
IN Picks: Rosyln (Bon Iver & St. Vincent), Slow Life (Grizzly Bear), The Violet Hour (Sea Wolf)
Pra quem gosta de: Pó de arroz, Cosplay, Dawson's Creek

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Os 20 Grandes Álbuns dos Anos 70 - #20

2009-10-11T00:04:00.008-03:00

"I've been waiting for a guide to come and take me by the hand" é a primeira frase de "Unknown Pleasures" [Factory, 1979], o prodigioso disco de estréia do Joy Division. A frase é representativa, mesmo se a interpretação seguir linhas distintas. Numa análise mais pessoal, seria um dos primeiros indícios da confusão (física e emocional) instalada na mente do vocalista e líder da banda, Ian Curtis. Ou, colocada no contexto da época, a frase pode indicar a ambição de tornar-se um guia musical na transição da década de 70 para os anos 80. As duas interpretações estão corretas: embora Curtis estivesse emocionalmente perdido, sua música foi a ligação entre a música vigente no fim da década e a eletrônica que tomaria de assalto a década seguinte.

Mas falar de "Unknown Pleasures" e creditá-lo somente a Curtis é uma injustiça. Se a linha de baixo demolidora de Peter Hook não precedesse a frase citada no ínicio da resenha talvez fosse difícil encontrar alguém disposto a dissecar seu significado. Para complementar o simbolismo do ínicio de Disorder, a percussão mecânica e bruta de Stephen Morris, que virou regra no recente revival do post-punk na Inglaterra. Na faixa seguinte, Day Of The Lords, é notório o trabalho do produtor (e dono do selo Factory) Martin Hannett na criação de um ambiente claustrofóbico que viria a ser conhecido como o som do Joy Division (como o próprio Bernard Summer já admitiu, recentemente). Em Candidate, a personalidade de Curtis volta à tona quando os versos "I tried to get to you/You treat me like this" relembram a dificuldade do vocalista com relacionamentos.

Começando uma tríade monumental, New Dawn Fades talvez seja a canção-síntese do álbum, o momento onde todos os envolvidos brilham intensamente e igualmente. Díficil determinar a chave do êxito: o baixo elegante e misterioso? A batida fanstamagórica? Ou a busca desesperada de Curtis por "algo a mais"? Para não ficar em cima do muro, escolho a guitarra de Summer como ponto alto, épica e celebratória. She's Lost Control versa sobre a epilepsia, contando a história de uma mulher que sofria com a mesma doença que motivou o suicídio do vocalista (uma das motivações, na realidade). O baixo, subindo e descendo, parece sofrer do mesmo mal da protagonista. Em seguida, mais uma intervenção primorosa de Summer em Shadowplay, com riffs lancinantes, perturbadores e, ao mesmo tempo, divertidos.

No terço final, a banda que viria a se tornar o New Order dá sinais da sua vocação para as pistas de dança. Pelo menos em Wilderness e, principalmente, em Interzone. Porque I Remember Nothing, em meio a vidros quebrando, termina o álbum elevando suas características ao máximo: visceral, pessoal, sofrido. Características herdadas da personalidade atormentada do líder do Joy Division. Sendo assim, a escolha por uma análise psicológica da primeira linha de Disorder faz mais sentido. Uma pena, mas Ian Curtis preferiu não ficar por aqui para dar a palavra final...

Joy Division - Unknown Pleasures
Ano: 1979
Origem: Inglaterra
Gênero: Post-Punk
IN Picks: Shadowplay, New Day Fades, Disorder
Pra quem gosta de: Echo & The Bunnymen, Bauhaus, Velvet Underground

IndieNational #02

2009-09-30T04:05:00.005-03:00

Um dia de cada vez...

O IndieNation está de volta depois de muito tempo com um projeto que também já deveria estar de volta há muito tempo. Lembro até de ter contactado os caras do Radiotape para conversar um pouco por email... acabei não levando a entrevista a frente, mesmo contando com a simpatia e a atenção dos mineiros. Vou tentar retomar todos os projetos do blog aos poucos...

Esse volume é mais focado na produção atual (discos de 2008 e 2009). As faixas mais antigas são as ausências mais sentidas (segundo a caixa de comentários) do primeiro volume, que era bem genérico. Charme Chulo e Ronei Jorge são os "veteranos", junto com Mombojó (música do disco novo), Pullovers, Binário e +2 (faixa da trilha sonora do espetáculo "Imã").

Hits da cena independente nacional, como Just Do It (Copacabana Club), Primeiro de Agosto (Transmissor) e Brand New T-shirt (o quase-cover do Blur cometido pelo incensado Holger) também estão na tracklist. As apostas do IndieNation são Hotel Santa Clara e Quase Coadjuvante (boa dica de um leitor fiel do nosso blog). Tem espaço ainda para a eletrônica cabeçuda do Guizado, a eletrônica bem menos cerebral da dupla Julia Says e para melancolia curitibana do Hotel Avenida. Pra fechar, o incrível Marcelo Frota e sua não menos incrível Preciso Ser Pedra.

Agora é com você: ouça, repasse, compre os discos, vá aos shows!

TRACKSLIST

Convocação

2009-09-25T20:27:00.002-03:00

Acho que esse blog precisa de dinâmica. Sozinho, eu não consigo movimentá-lo tanto quanto eu gostaria. Por isso, quem tiver interesse em publicar notícias (relacionadas, é claro) e, eventualmente, escrever resenhas também, é só mandar um email para esse endereço que está aí do lado. Aqui não tem anúncio nem remuneração, é só pelo prazer de compartilhar informação musical (pode servir só como um portifoliozinho discreto para quem pretende ser jornalista).

Então, é isso: quem se interessar em manter um blog renomado com atualizações diárias é só mandar email. Basta ter o gosto musical alinhado com a proposta do blog (ou não, desde que seja bom) e que saiba escrever (por favor).

O Uso Correto da Liberdade de Expressão

2009-09-24T15:50:00.002-03:00

Reprodução integral do texto publicado por Arnaldo Branco na coluna "Mal Necessário" da Revista Zé Pereira

Parabéns leitor atento, que percebeu a pegadinha no título. Agora, se você está lendo essa coluna para saber qual o uso correto da tal liberdade (lembrei daquele pagode), talvez faça parte do grupo de pessoas sobre o qual estou falando. Acompanhe.

Então: por que a mania nacional de dizer que crítica é fruto da inveja? Já me acusaram de botar olho gordo em tanta gente de profissões distintas que devem me tomar por um sujeito metido a Homem da Renascença. Tomo até como elogio.

Temos uma tradição chata de esconder o que pensamos de verdade. Não digo que a crítica é uma coisa boa per se, como o elogio (brinks), principalmente quando descontrolada nível comentarista anônimo de blog, mas nossos desgostos são reflexo da nossa visão de mundo. Se você tiver uma para compartilhar, é bacana que trace algumas fronteiras em público.

Mas quando alguém faz isso, atrai a ira de vários psicólogos de araque. Lembro de uma vez, quando disse na faculdade que não me interessava em saber que emissora tinha comprado o passe da Lilian Witte Fibe (era o assunto), uma garota que eu não conhecia mandou o clássico “a inveja é uma merda”. Como ela poderia saber que prefiro uma extração de dente a seco do que ter o emprego da mina? E quem era mesmo Lilian Witte Fibe?

O pior são as pessoas que dizem que criticar alguém publicamente é uma forma de pegar carona no sucesso alheio. E eu pensava que o passaporte para uma carreira tranquila era o puxa-saquismo…

Até acredito que haja pessoas com tolerância sobre-humana e que curtam tudo, mas conheço mais do tipo que fala mal pelas costas. Não entendo porque pedem tanto liberdade de expressão, se é para continuar fingindo que gostam do trabalho de todo mundo.

Restart

2009-09-12T05:19:00.018-03:00

"Yield", álbum lançado em 1998, é o ponto em que o Pearl Jam se tornou irremediavelmente antiquado. Não é a opinião do IndieNation, você pode ouvir o próprio Eddie Vedder dizer "Eu não estou tentando fazer a diferença/ Eu vou parar de tentar fazer a diferença" na terceira faixa do disco, No Way. Provavelmente a letra não fala sobre o processo criativo do quinteto, mas o trecho é demasiadamente simbólico para ser ignorado. Se "fazer a diferença" não era mais o objetivo, a saída para o Pearl Jam era ser, pelo menos, uma banda divertida. "Binaural", o disco seguinte, vai na direção oposta, embora tenha seus momentos memoráveis (Soon Forget é uma bela canção esquecida, como você pode ouvir nesse inacreditável vídeo). "Riot Act" e "Pearl Jam" abusavam de referências políticas e já soavam datados antes mesmo de saírem das lojas. Grandes canções como I Am Mine, All Or None e Parachutes se perderam no meio do falatório didático e o Pearl Jam reduziu drasticamente seu tamanho entre os gigantes do mainstream ("Riot Act" sofreu para alcançar meio milhão de discos vendidos, numa época em que ainda se vendiam discos). Em "Backspacer" [Lançamento próprio/Universal, 2009], esses senhores convencionais ainda não parecem dispostos a fazer diferença, mas finalmente parecem fazer música por prazer.

As quatro faixas iniciais são rápidas e pegajosas, mas não necessariamente agressivas, como acontece no início de todos os outros discos da banda. Gonna See My Friend ataca o ouvinte com um riff dançante que lembra um Stooges mais light, ao invés de punks esquemáticos, como de costume. Na ponte que leva a segunda parte da primeira faixa ("...Want to be there.../ Hard as a statue/ Black as a tattoo/ Never to wash away"), Vedder começa a dar sinais que o álbum é todo seu. Got Some seria mais uma música do Arctic Monkeys se não fosse, novamente, a atuação segura do vocalista.

Deve existir alguém que duvide que o Pearl Jam é Eddie Vedder, mas até esse terá que se render a constatação durante a irresistivelmente pop The Fixer. Reza a lenda que o baterista Matt Cameron levou uma longa composição para ser completada com letra pelo vocalista. Vedder voltou com uma composição curta com versos que dizem "When something’s broke/ I wanna put a bit of fixin’ on it/ When something’s bored/ I wanna put a little exciting on it". Em qualquer outra banda, a falta de modéstia do líder poderia resultar em separação. No Pearl Jam, The Fixer virou single, pop como as boas composições do Foo Fighters (são poucas, mas existem). Johnny Guitar fecha o início festivo e Vedder finalmente ganha a companhia da banda. A melodia cheia de altos e baixos e a letra esperta que divaga sobre uma capa de disco fazem desse rock a la Springsteen um dos destaques do álbum.

Just Breathe é o ponto de reflexão. Reconhecendo que tem muito pouco do que reclamar, Vedder usa o violão de Tuolomne (faixa instrumental do seu primeiro disco solo, a trilha sonora do filme "Into The Wild/Na Natureza Selvagem") para acompanhar sua declaração de amor aos amigos e à família. É uma pena que um álbum que vinha descendo redondo, a partir dessa canção, decepcione o ouvinte numa sequência bastante irregular. Amongst The Waves, apesar do refrão fácil, mostra que uma banda que não quer fazer a diferença pode atingir facilmente seu objetivo, mesmo tendo comprovada capacidade para fugir do óbvio. Unthought Know segue a mesma linha antiquada, tão insossa quanto uma canção do Coldplay (existe até uma certa semelhança com The Hardest Part).

Supersonic rompe a calmaria com um riff ramônico tocado com rapidez incompatível com as faixas anteriores (e as seguintes também). É estúpida, mas diverte como raramente o Pearl Jam divertiu depois de "Vitalogy". Das baladas que povoam a segunda parte do álbum, Speed Of Sound, é a mais interessante delas. Para uma banda que parecia avessa à alguma coisa que não fosse a combinação bateria + baixo + guitarra, o arranjo elegante proposto pelo produtor Brendan O'Brien soa promissor. Em seguida, o álbum apresenta seu ponto mais fraco: a preguiçosa Force Of Nature, um pop-rock certinho de introdução vergonhosa e riff reciclado.

Para contrabalancear, a poderosa The End fecha o álbum impressionando. Arranjo de cordas num disco do Pearl Jam, vejam só! Mas não é só isso, felizmente. O impacto da canção é provocado, principalmente, pela magnífica performance de Eddie Vedder. É raro ouvir algo tão pessoal, frágil e emocionado. Então, mesmo que o leitor nunca tenha dado a mínima para o Pearl Jam, faça um esforço, baixe "Backspacer" (ou compre, se você ainda vive em 2001 e acha que download é pirataria) e vá até o final para ouvir uma das grandes composições de 2009. Enquanto Vedder termina o álbum com os versos "The end comes near/ I'm here/ But not much longer...", um suspiro surge por trás da voz fragilizada do vocalista. É um efeito de estúdio, mas o suspiro poderia ser seu. Demorou, mas o Pearl Jam finalmente consegue impressionar outra vez.

Pearl Jam - Backspacer - 70
Ano: 2009
Origem: EUA
Gênero: Rock/Grunge
IN Picks: The End, Johnny Guitar, Just Breathe
Pra quem gosta de: R.E.M., Foo Fighters, Dinosaur Jr.

PEARL JAM - THE END

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Falso.

2009-09-08T22:34:00.010-03:00

Em tempos distantes, a arte que envolvia o disco físico ajudava o ouvinte a entender melhor o conceito da música gravada ali. Hoje, quase tudo chega às nossas mãos virtualmente e nós acabamos montando um conceito individual que pode conter qualquer imagem. Por exemplo: para fornecer o acesso ao link que continha o novo álbum do Muse, "The Resistance" [Warner, 2009], o servidor utilizou uma verficação de palavras. Ironicamente, a palavra pedida era untrue. Na falta de imagens fornecidas pelos próprios músicos, essas seis letras parecem perfeitas para explicar o conteúdo do arquivo.

Se a constrangedora Uprising, um crossover anêmico de Atlas (Battles) e Womanizer (Britney Spears), é a primeira faixa e primeiro single do álbum, constata-se que o Muse nem se preocupa em fornecer prova contrária. Resistance, em seguida, ruma para o lado do metal sinfônico e lembra que tudo pode ficar ainda pior. É o que acontece em Undisclosed Desires, algo que o Usher já fez com muito mais dignidade.

Nesses casos em que bandas como o Muse, donas de uma imensa base de fãs, chegam perto do que há de mais desprezível na música, vai ter sempre alguém para dizer que essa é a década da diversão. A junção de gêneros é obrigatória mas não, necessariamente, criteriosa. Ou seja, não importa se é descartável, desde que funcione numa festinha qualquer. Se você não gosta, você é um grande chato que não entende piadas e não consegue se divertir. Estamos terminando a década vendo pilantragens como Britney Spears, Kelly Clarkson e Muse dividindo glórias com Radiohead, Wilco e Broken Social Scene. Será que a crítica na década passada foi injusta com os Backstreet Boys? Afinal, eles também tinham seus hits infalíveis para pista (Everybody, uma espécie de Thriller moderna, ou Larger Than Life). Para o azar da boy band, a década de 90 não foi a década da diversão...

Voltemos ao mais recente álbum do Muse que, infelizmente, não possui só três faixas. Pela frente ainda restam mais oito, tão ruins quanto as três primeiras. Matthew Bellamy, líder da banda, diz que "The Resistence" tem ênfase inicial no R&B contemporâneo e que dali em diante se torna épico e estranho. Para ser realmente sincero, o vocalista só precisaria tirar o "épico e" da sua frase. United States Of Eurasia é tão antiquada que faz "Day And Age" (do Killers) parecer um experimento moderno. Unnatural Selection (que trocadilho esperto!) rouba o riff de New Born para agradar fãs antigos mas termina mesmo como um inacreditável rip-off do Iron Maiden. Isso não é ecletismo, é esquizofrenia. É, provavelmente, o maior caso de confusão sobre o sentido da palavra desde Luiz Caldas (aquele mesmo, autor de clássicos como Nega do Cabelo Duro, letra que Danilo Gentili daria um braço para escrever. Entre no MySpace e ouça Maldição... é até parecido com Muse).

Bellamy completou sua sentença afirmando que depois de ficar "épico e estranho, o álbum então se encaixaria no gênero música clássica contemporânea". Desconfio que a idéia que o rapaz tenha de música clássica contemporânea passe por Angra ou pelo Halloween. Porque são essas as bandas que fazem (ou faziam) música parecida com Exogenesis, um enorme pé no saco dividido em três partes. O álbum se encerra com essa deprimente tríade de metal melódico e nem por um segundo o ouvinte é agraciado com alguma sinceridade vinda do trio inglês. E se o nosso senso crítico anda tão atordoado a ponto de bestas-feras dessa estirpe se criarem, é melhor deixar que as máquinas resolvem o problema:

- Repita para mim, HD virtual, o que você acha do novo disco do Muse?

- FALSO.

- Obrigado.

Muse - The Resistance - 00
Ano: 2009
Origem: Inglaterra
Gênero: Rock, Metal Melódico, R&B
IN Picks:
Pra quem gosta de: Queen, Luiz Caldas, Angra

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Mixtape #09

2009-09-05T07:45:00.011-03:00

TRACKLIST

O IndieNation foi notificado pelo Blogger para retirar o link do ar. Se ainda não baixou a mixtape, entre na nossa comunidade.

Somente faixas lançadas em 2009
Capa roubada de coquinete, no Flickr

Evils

2009-09-04T21:41:00.001-03:00

Nova Pasta

2009-08-31T15:31:00.003-03:00

A Felicidade é o Amor

2009-08-30T04:56:00.006-03:00

Charles Spearin. Um senhor bigodudo aparentemente indefeso que criou dois imensos monstros sonoros nessa década, Broken Social Scene e Do Make Say Think. E ainda teve o sensacional K.C. Accidental, na década passada e com rima de brinde. Você não ouviria sem pestanejar qualquer coisa que alguém com esse currículo fizesse? Sim, eu respondo. Até se fosse um disco conceito baseado na idéia absurda de entrevistar os vizinhos questionando sobre o significado da felicidade e depois musicar todos esses depoimentos. Pois isto é "The Happiness Project" [Arts & Crafts, 2009], primeiro álbum solo do multi-instrumentista canadense.

Fazer música acompanhar voz não é exatamente a coisa mais inovadora do universo. Mas a junção dos depoimentos mixados a um elegante instrumental jazzy dá ao álbum um toque bastante peculiar. Steve Reich em "Different Trains" talvez seja o exemplo mais similar ao que se encontra aqui, embora bem mais experimental. Ou o encontro da tabla com a voz no som do Asa Chung & Junray (mais precisamente, na desnorteante Hana). Mrs. Morris, a primeira entrevista-canção, mostra como a idéia funciona na prática: cada sílaba pronunciada pela senhora que acredita que "felicidade é amor" é uma sílaba pronunciada pelo saxofone; do outro lado, o entrevistador é desafiado pelo baixo. Se o ouvinte entrar no jogo logo na primeira faixa, não tem mais como desistir. Anna e menina Vittoria parecem cantar nas duas incrivelmente acessíveis faixas seguintes. A mais crescida tem sua fala espertamente associada aos ataques de metais de uma banda de ska. Já a indecisão da fala infantil dá margem as intervenções clássicas do bebop, que desembocam num inusitado encerramento ao som de surf-music. Spearin enfileira três faixas surpreendentemente divertidas em sequência, talvez tentando quebrar a resistência que o conceito possa criar no ouvinte.

E logo depois nos apresenta Vanessa, surda desde o dia em que nasceu. "O que ela ouve?" é a pergunta que mais fazem, conta Vanessa. Ela não sabia responder, por não ter nenhuma "experiência sonora" para comparar. Como Vanessa, a gente também não ouve nada. De repente, um onda meio caótica rompe a faixa. E aí a entrevistada explica que agora tem um implante eletrônico que faz o cérebro voltar a interpretar sons. A faixa também volta a ser música, quando a frase "All of a sudden I felt my body moving with something" incita o levante de um luxoso arranjo de cordas. Quando Vanessa conta que volta a um mundo de silêncio quando a bateria do implante acaba, o ouvinte volta com ela. Ao interpretar o depoimento com instrumentos, a faixa se torna uma junção rematada das sensações com a música, o ponto onde o experimento de Spearin chega a perfeição.

Grandes ou pequenas histórias se tranformam sempre em grande música: Ondine (filha de Spearin) nem tem tanto tempo de vida assim para ter muito o que dizer, enquanto Mr. Growie carrega anos de experiência (e lendas) nas costas. Growie gera uma investida em post-rock, Ondine faz pai pedir ajuda as cordas novamente, outros dois grandes momentos do álbum. Mrs. Morris volta para encerrar o álbum e, enquanto a senhora caribenha quase discursa sobre felicidade, um sorriso inevitável vai surgir no seu rosto. Ao final, fica claro que o disco não é uma expêriencia sonora (até porque, como já foi dito, isso já foi experimentado muito antes). "The Happiness Project" é uma experiência terapêutica.

Charles Spearin - The Happiness Project - 80
Ano: 2009
Origem: Canadá
Gênero: Jazz/Experimental
IN Picks: Vanessa, Vittoria, Anna
Pra quem gosta de: Steve Reich, Harry Partch, Pedro Bial e o Filtro Solar :D

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Tamo Junto

2009-08-25T17:27:00.009-03:00

Mark Linkous nunca foi muito de trabalhar sozinho. Embora, na prática, o Sparklehorse seja um veículo individual, Linkous tem procurado se cercar de boas companhias na confecção dos seus álbuns, principalmente após "It's Wonderful Life" (lançado em 2001, cheio de participações especiais). E a companhia não é somente dos músicos que transformam o Sparklehorse em banda: Tom Waits, PJ Harvey e Steven Drozd (do Flaming Lips) são alguns nomes que têm alguma participação nos álbuns do projeto. Mas em 2009, Linkous resolveu levar a ideia mais adiante com dois álbuns de autoria compartilhada.

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"In The Fishtank 15" é creditado a uma parceria do Sparklehorse com o maestro digital Christian Fennesz. Décimo quinto filho do bem-sucedido projeto da gravadora alemã Konkurrent, o LP consegue atingir o efeito imaginado: Linkous ajuda a música de Fennesz a transitar num terreno mais orgânico (violão e voz, ocasional) e Fennesz tranforma a tendência escapista do Sparklehorse em convicção. Mesmo assim, dá para perceber qual mão pesou mais em cada uma das 7 faixas. Em duas, nem é preciso fazer esforço, já que os nomes são parte do título: Mark's Guitar Piece, uma bela canção de ninar com maquinária eletrônica discreta e Christian's Guitar Piece, a canção derradeira, essa sem artifícios tecnológicos (Fennesz estava com as mãos ocupadas, provavelmente). Music Box Of Snakes e If My Heart se destacam como os dois momentos em que a parceria parece mais intensa. E embora Goodnight Sweetheart não soasse muito deslocada em "Good Morning Spider", o maior atrativo é a programação do laptop de Christian Fennesz.

Mesmo tendo um caratér meio improvisado (os músicos tem apenas dois dias no estúdio) jogando contra, o volume 15 da colêtanea é de uma riqueza surpreendente. Ajudou o fato dos dois artistas já terem trabalhado juntos em álbuns do Sparklehorse. Mas o que conta mesmo é talento de Fennesz e Linkous: jamais poderia dar errado o encontro de um dos artistas mais interessantes da música eletrônica experimental com... com Mark Linkous, simplesmente, sem mais apresentações desnecessárias.

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Assim como não poderia dar errado a parceria mais comentada de Linkous nesse ano. Junto com o produtor Danger Mouse (outro colaborador de longa data) e o cineasta David Lynch, o Sparklehorse foi responsável pelo grande "não-disco" do ano, "Dark Night Of The Soul". O álbum foi assunto no primeiro semestre porque a gravadora EMI impediu o seu lançamento, alegando problemas com copyright. Mesmo assim, o livro de Lynch ganhou tiragem limitada, impresso de maneira independente. Trazia junto um debochado CD-R, encorajando a queima das mp3s que já circulavam pela rede.

E se colaboração parece uma idéia fixa na cabeça de Linkous, "Dark Night Of The Soul" trouxe logo 9 artistas diferentes para diversificar os tons vocais. Wayne Coyne abre uma primeira fase psicodélica ensinando boas lições na ótima Revenge, melhor que qualquer faixa no último álbum do Flaming Lips. Gruff Rhys e Jason Lyte também não ficam longe do material que compõe o trabalho de suas bandas originais (para quem não reconheceu, Super Furry Animals e Grandaddy, respectivamente) com boas doses de psicodelismo pop em Just War e Jaykub.

O disco inicia um momento mais pé-no-chão com Julian Casablancas trazendo de volta as melodias retardadas do Strokes na divertida Little Girl. A faixa é tão tipicamente Strokes que pode servir para matar a saudade dos fãs que já vão completar cinco anos sem nenhum material inédito do quinteto nova-iorquino. Black Francis e Iggy Pop povoam o ambiente com guitarras e distorção, com destaque absoluto para "Pain", rock nervoso defendido com bravura pelo véio punk (a lenda diz que essa faixa seria a responsável pelo não-lançamento da parte musical do projeto).

James Marcer repete Wayne Coyne em Star Eyes (I Can Catch It) e repete o Shins em Insane Lullaby, que cresce sobre camadas de programação eletrônica pesada. Embora a primeira seja mais palatável, a segunda (mais trabalhosa) tem efeito mais duradouro. Nina Persson, em seguida, participa das duas canções mais convencionais do álbum: Daddy's Gone, alt-country anos 90, e The Man Who Played God, mais A Camp do que Cardigans. Vic Chesnutt fecha o álbum e traz de volta o psicodelismo, também com duas faixas. A melhor é a faixa-título, onde a mão de Danger Mouse parece ter pesado mais. A melodia traz a lembrança do hip-hop mafioso do Gnarls Barkley, mesmo sem a voz marcante do rapper Cee-Lo.

No ínicio do ano, quando a história do álbum começou a ganhar a rede, especulou-se que o veto da EMI não passava de estratégia comercial. Mas até agora, as únicas cópias vendidas de "Dark Night Of The Soul" foram aquelas da tiragem limitada, rechaçando o boato de golpe. Nos tempos atuais, felizmente, vetos de gravadora não fazem mais tantos estragos como antigamente. Graças ao milagre da compressão de aúdio, o lado negro da alma de Linkous felizmente conheceu a luz.

Sparklehorse + Fennesz - In The Fishtank 15 - 75
Ano: 2009
Origem: EUA/Áustria
Gênero: IDM/Eletrônica
IN Picks: Music Box Of Snakes, Christian's Guitar Piece, If My Heart
Pra quem gosta de: Apparat, Boards Of Canada, Sparklehorse

Danger Mouse & Sparklehorse - Dark Night Of The Soul - 88
Ano: 2009
Origem: EUA
Gênero: Neo-Psychedelia
IN Picks: Revenge, Little Girl, Pain
Pra quem gosta de: Flaming Lips, Grandaddy, Mercury Rev

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