INDUSTRIAL [r]EVOLUTION

Angine De Poitrine - live Rovereto (Utopia, Poplar Festival) 31 maggio 2026

2026-06-07T10:08:44.539+02:00

Sant'Iddio, quanto sono avanti.

E furbi.

Pensare di creare un hype quando ogni modo per creare hype nella musica è già stato sondato e setacciato, da mangiare pipistrelli a bruciare chiese, da copulare sul palco a invitare boss della mala a duettare, dallo sposarsi nella masseria della mafia a fidanzarti con la sorella della tua ex moglie, dal vestirsi di verdura a suonare in Corea del Nord, dal ... vabbè, ci siamo capiti. Eppure loro ce l'hanno fatta.

Sono la next big thing, se riusciranno a reggere all'incedere della noia. Non perché siano noiosi, anzi, ma perché chi ha un po' di capelli bianchi non appena li ha ascoltati per la prima volta ha iniziato a urlare "Ma Frank Zappa!", "Ma i Residents!" e qualcuno anche "Ma i Daft Punk!", "Ma i Primus!" e quindi il nuovo dura il tempo di un gatto in tangenziale e chi conosce la storia sa dove andare a cercare. Certo, i riferimenti sono tanti e tutti illustri, ma gli Angine De Poitrine sono stati capaci di riconfezionare tutto in modo molto, molto intelligente e anche piacevole. Math rock microtonale cubista, le etichette sono in continua evoluzione, ma già di per sé incuriosiscono. Chi non vorrebbe cercare di capire che cosa diavolo vuol dire questa roba? Di loro sappiamo che sono due, canadesi, mascherati. E questo basta. E poi il look, studiato molto bene, i gesti di pace cosmica che fanno tanto culto new age in salsa Star Trek, delle maschere che sembrano prese da un villain del primo Carpenter.

Con una loop station, chitarra doppio manico con i capotasti rifatti per suonare i microtoni, gli Angine hanno allestito un carrozzone alieno fatto di voci mascherate, simbolismo finto esoterico e costumi pop che tanti coreografi a sei zeri manco si sognano. Bravi! E l'enorme merito di essere riusciti a chiamare sotto il palco migliaia di poser, hipster, alternativi della prima ora, che manco sanno dove stia di casa il rock, ma che pur di esserci sotto il palco degli Angine De Poitrine brucerebbero la loro collezione di magliette motivazionali dei Pinguini Tattici Nucleari. Bravi!

Che dire dello spettacolo? A Rovereto si sono dimostrati per quello che sono, gente che si è fatta il mazzo a suonare nei locali, bevendo birre come compenso e fumando passivo dal pubblico scazzato capitato nei locali per caso. Ottima tenuta del tempo, padronanza del palco come un prete all'altare, carisma misterioso da vendere (furbissimi! le maschere sempre aiutano). Coordinati, precisi, un metronomo impiantato nel culo e via andare. E quei mille trucchi sui cambi di tempo che in realtà non sono cambi di tempo, ma accenti spostati, che tanto poi non se ne accorge nessuno l'importante è riuscire sempre a battere piedi e mani sul 2 e sul 4, mi raccomando, non sull'1 e sul 3! Leggerete recensioni abbondanti di "ipnotico" e "magnetico" (cazzo, ma non avete mai ascoltato un concerto dei Sunn O))) o dei Vampire Rodents ?!?), tutto vero, ma soprattutto bravura, mestiere ed esperienza, perché solo chi ha fatto il buskers può sapere quanto sia difficile tenere uno spettacolo del genere.

Speriamo di sentirli di nuovo a breve, e speriamo che non se ne vadano presto, perché è un bene se gli Angine De Poitrine sono qui, è un bene per tutto il rock che sopravvive e combatte, è un bene anche per chi sentirà i vecchi boomer parlare di Zappa e allora si incuriosirà di Zappa. Vi auguro di ottenere quel successo che il mio amato Les Claypool non è riuscito ad avere per come meritava. Vi auguro una lunga vita nell'amore eterno del Mata Zyklek, qualunque cosa voglia dire.

PS, cari Angine se state leggendo: please don't let the mercato e many money bring your culo and make it become a macina soldi per avid discografici. Stay fedeli alle vostre root and keep on suonare come state facendo!

Rovereto, 31 maggio 2026:

Angor

Yor Zarad

Tamebsz

Mata Zyklek

Ababa Hotel

Sarniezz

Fabienk

Sherpa

Dopo così tanto tempo

2026-06-02T19:15:17.166+02:00

Sono passate ere geologiche.

Guardo l'ultimo post prima di questa ripresa: 25 giugno 2021. 5 anni fa, precisi.

Una vita. O forse no. Adesso che sto scrivendo, mi sembra di aver interrotto il discorso appena ieri.

Che bisogno c'era di tornare a scrivere? Nessuno. Forse per questo dovevo farlo. Perché come mi ha sempre insegnato un caro amico, Fabrizio Loschi, è l'inutile il vero senso dell'arte.

In cinque anni ne sono passate. Ho perso una delle persone più care che abbia mai avuto, Dario Parisini, che da par suo ha deciso di lasciarci con la sua ennesima provocazione: morire. Dio ti abbia in gloria, Dario, ma anche un po' maledetto te, che hai deciso di mollarci qui, e benedetto io, che ho avuto il dono di conoscerti. In cinque anni ho rivisto i Nine Inch Nails tornare nelle vesti di una sorta di cover band di loro stessi (sì, l'ho detto...). Sarò un vecchio nostalgico del cazzo, ma rivedere Robin Finck e Trent Reznor cercare di fare i ragazzini arrabbiati mi ha fatto capire quanto sono diventato vecchio. Torna alle colonne sonore, Trent, meglio tenerci il tuo ricordo che vederti fare il poser (l'ho scritto davvero?) con Atticus Ross. In cinque anni Al Jurgensen ha sciolto, riformato, riassemblato i Ministry più di quante volte abbia rischiato di morire di overdose. Sei un vero duro, Al, continua così che ti voglio bene! In cinque anni ho visto i Laibach diventare i Laibach, cioè restare i Laibach (se non la capite, andate a riascoltarvi Musick), suonare in Corea del Nord e fare i borghesi affaristi ai concerti (se non la sapete, è perchè non siete del giro). In cinque anni ho pianto i lutti dei Killing Joke e spero che anche Jaz Coleman non ci abbandoni. In cinque anni mi è mancato raccontare di Giovanni Leo Leonardi, uno degli artisti italiani più sottovalutati di sempre (Leo, ti ho promesso che un giorno scriverò la tua biografia, ricordatelo!): Sigfried, L'Amara, Mhole, Carnera e mille altre incarnazioni superlative. Mi sei mancato, amico, ma adesso recupero. In cinque anni ho visto Maynard J.Keenan diventare un borghese (un altro!) venditore di vino che ogni tanto gioca a tenere in vita i Tool mentre ogni tanto gioca a fare A Perfect Circle, mentre ogni tanto gioca a fare i Puscifer. Che se ci fosse una Norimberga per chi sputtana il talento, tu saresti alla sbarra insieme a Mike Patton. E lo dico perchè vi adoro entrambi. In cinque anni ho pensato ogni giorno al libro che non ho ancora scritto, MB. Un giorno sarà anche il nostro turno. In cinque anni ho visto i Rammstein passare da essere gli dei dell'olimpo rock, a un ottimo gruppo live incapace di fare un disco decente. In cinque anni ho visto un mucchio di robaccia e ascoltato un sacco di capolavori. Mi piacciono gli Ulver ultima maniera e i SunnO))) ultima maniera: ecco, l'ho detto! Sempre ascolti da vecchi, ma io sono vecchio. In 5 anni ho visto due volte gli The Young Gods, ecco, questi sì che sanno invecchiare da Dio, caro Trent, prendi nota!

Cinque anni.

Una vita.

In cinque anni il mondo è cambiato completamente e non è cambiato per niente. Un governo che in quattro anni ha fatto quello che hanno fatto in tempo variabile da sei mesi a 3 anni altri venti governi precedenti: nulla. Gli USA che finalmente sono diventati i boss cattivi che spaccano tutto peggio dei peggiori villain. La Cina che sta diventando i nuovi Stati Uniti. L'Europa che conta come la prima "R" di Marlboro.

Cinque anni.

E la musica? Già, perchè qui si parla di musica. Appunto: ne parleremo se avrete il piacere e la pazienza di passare da queste parti. Scriverò di quello che mi passa sotto mano e che mi interessa, come è sempre stato nello spirito di questo blog. Spero di scrivere dei Justice, degli Angine de Poitrine (sì), degli Yes e dei Pink Floyd magari, dei Masters of Reality e dei KMFDM. Ma soprattutto di quelle band e quegli artisti italiani e non che mi fanno veramente godere. E spero di goderne con voi.

Godi forte Wayne! Godi forte Garth!

Ain Soph / L'Amara - 'Unger Khan'

2026-06-01T15:23:06.742+02:00

"Il veleno rosso sparirà"
"Il mare verde di praterie in burrasca".

Sono i colori che colpiscono nell'elegia della doppia firma sotto il singolo 'Unger Khan'. Gli Ain Soph con Il barone pazzo e L'Amara con Galoppare e combattere. E non si sarebbero potuti trovare sodali di cavalcate migliori.

Hanno scelto di omaggiare una delle figure più iconoclaste della tradizione russa, Unger Khan, uno dei tanti nomi di Roman Nicolaus von Ungern-Sternberg, conosciuto come il Barone Nero, il Barone Pazzo, il Barone Sanguinario, il Generale Bianco, colui che i mongoli ritenevano essere l'incarnazione del dio della guerra. Meno prosaicamente, l'incubo dei bolscevichi, che combatté fino alla morte.

Sotto questa bandiera si sono riunite le due formazioni di artisti. Il post-industriale degli Ain Soph si sposa perfettamente con le ballate dark neofolk de L'Amara, una doppia discesa nell'introspezione più toccante. I primi con le doppie voci e la chitarra acustica a drappeggiare un incedere lento, cadenzato, di quelle stelle che finalmente riposano dopo tanto affannarsi. Un pezzo che strappa le emozioni, le lacera e le sublima, dando l'impressione che il tempo si sia congelato in una contemplazione estatica dove la steppa respira di affanno, morte e finalmente pace. Le voci sussurrano, parlano, agitano la tavolozza dei colori con emozionante intensità.

A questo punto arriva Galoppare e combattere de L'Amara, e subito ci ritroviamo circondati da monaci, guerrieri, cavalli, assassini, lame, turbini di neve e venti gelidi. Chi conosce L'Amara e Giovanni Leonardi sa bene quanto la poetica del più nobile degli animali sposi non solo un'estetica espressiva, ma un richiamo ai valori più alti e nobili dell'amicizia e dell'onore. Lo "scalpitio di zoccoli" non è un richiamo retorico, ma una delle forme più alte di azione che si unisce benissimo all'epica guerriera del Barone. Un brano evocativo come solo le sterminate distese delle pianure russe possono essere, una musica spigolosa e affilata come solo la lama del Barone potrebbe far scintillare.

Unger Khan è un'accoppiata di preziosa bellezza che riconcilia con il senso di fare musica come arte. Un viaggio lontano in pianure deserte, carni lacerate, vite spezzate e vite immolate, con il cielo oscuro di nuvole dense a coprire lo scalpitio degli zoccoli e il caldo del respiro a ricordare casa e il perchè lo stai facendo. Qui, dove il lamento non ha posto, solo la struggente constatazione del rifugio dal mondo che fugge distante. Su Spotify e YouTube. Non dovreste perderlo.

Sheen - 'Absence'

2026-05-29T17:26:55.144+02:00

Era il 2015 quando ascoltai per la prima volta 'Absence' degli Sheen (potete leggere la recensione scorrendo un po' di storia di questo blog).

Adesso Romina Daniele e Lorenzo Marranini tornano a distanza di 11 anni per riproporci una versione restaurata del loro album. Per l'occasione, il duo finalizza il lavoro iniziato a Milano negli studi di Miami, dando la possibilità a chi volesse accostarsi agli Sheen per la prima volta di ascoltare una nuova versione del loro lavoro.

Ma se credete che 'Absence' 2026 sia un semplice remaster, vi sbagliereste di grosso. In realtà si tratta di un lavoro di ricerca dettagliato, approfondito, dove la capacità degli Sheen di districare le pieghe degli innumerevoli layer di ogni brano giunge a vette di drammatica poesia, dando all'ascoltatore la sensazione di perdersi in un mondo in cui la realtà è avvolta in un dedalo abbacinante di melodie e suoni. La voce di Romina Daniele è un vero godimento per l'ascolto, un gioiello dove la maestria e la capacità di scivolare tra i registri non cede mai all'autocompiacimento, ma resta avvighiata con le unghie alla carnalità eterea delle partiture elettroniche di Lorenzo Marranini, autore di quelle costruzioni oniriche che già ci avevano deliziato tempo fa. Con questa nuova versione, il sound di 'Absence' esce in modo ancora più schietto, vitale, carnale, e qui sta il grande pregio di un intervento che non snatura la poetica iniziale, ma la preserva cesellando ogni piega sonora con perizia e lucidità.

'Absence' 2026 è un'opera di spessore unico, dove il rincorrersi di partiture strumentali e linee vocali giunge ad apici rari. Un labirinto di sensazioni, lacrime che si perdono nella pioggia e grida che sublimano nell'estasi, lo sgretolamento dei punti di riferimento e la destrutturazione dell'essere. Le tracce di 'Absence' sono una sfida alla consuetudine delle sicurezze e un'ipnotica seduzione che ci destabilizza cullandoci nel grigio dell'eterno incedere del tempo. Una prova di musica sperimentale che riesce a guardare benissimo al futuro e che vive della freschezza di un tocco più che ispirato.

Gaspard Augé - 'ESCAPADES'

2021-06-25T19:44:00.006+02:00

Dici Gaspard Augé e immediatamente rimbombano le note di quei geniacci folli dei Justice. Il duo francese che ebbe l'ardire di rifiutare una tournée con i Daft Punk perché non rientravano nel loro progetto artistico (i Daft Punk ... rifiutati ... non rientravano nel progetto dei Justice ... avete letto bene) ha pubblicato una bella fetta della miglior musica degli ultimi 15 anni. Parere spassionato di chi scrive, ovviamente, ma i Justice stanno alla musica come Caravaggio sta al nero: fascino totale.

Oggi, svestiti i panni del 50% dei Justice, Gaspard Augé pubblica il suo debutto solista Escapades, un tripudio di crossover anni Settanta - Novanta, in cui le arie elettronico - strumentali la fanno da padrona per tutta la durata dell'ascolto, con una sicurezza ed una padronanza del lessico impressionanti. Quando certi musicisti danno del "tu" al pentagramma, nascono queste opere.

I 12 brani che compongono Escapades riportano molto dei Justice, ma Gaspard cerca di andare oltre imprimendo alle partiture un tocco compositivo che ammicca fortemente all'elettronica più raffinata. Del resto, quando nel lontano 2007 insieme al suo compagno Xavier de Rosnay aveva campionato la celebre introduzione di Tenebre di Claudio Simonetti, Gaspard si era subito dichiarato un appassionato delle orchestrazioni più raffinate. In Escapades ci sono tanto prog e tanta disco, comprese citazioni dei Beatles, che in un'opera di magniloquente pop come questa non possono mai mancare. Gaspard costruisce così un universo fantasy dove la psichedelia di Sgt. Peppers' si fonde con le musicalità di Genesis e Yes. Con pezzi trascinanti come Force Majeure e Rocambole, o la cavalcata epica di Hey!, Escapades si propone come un ascolto non solo piacevole, ma decisamente provocatorio, che con un pizzico di ironia ed evocazione strizza un occhio al passato per lanciare un pesante ponte verso il futuro. Non sono i Justice, certo, ma il lavoro solista di Gaspard Augé non è da meno rispetto al suo progetto principale, e rappresenta un tassello fondamentale per tutti gli appassionati del duo transalpino.

"TU MERITI IL POSTO CHE OCCUPI - LA STORIA DEI DISCIPLINATHA"

2021-05-23T19:10:00.001+02:00

A grande richiesta torna disponibile la biografia autorizzata dei Disciplinatha, in una nuova edizione economica e disponibile anche in libreria.

Il libro, realizzato nel formato standard tsunami con copertina morbida e alette, contiene il testo integrale della prima edizione e un'ampia selezione delle foto presenti nell'edizione limitata, ma privo degli inserti a colori.

PUOI ORDINARE IL LIBRO QUI.

Detour Doom Ensemble - 'Black Side'

2021-05-07T19:06:00.001+02:00

A cinque anni di distanza da "Detour Doom", i Detour Doom Ensemble si addentrano nel loro lato più oscuro e nero, frutto dell'esperienza accumulata dai suoi membri in numerosi altri progetti e delle cicatrici fresche di questi ultimi tempi. Ma soprattutto l'ombra lunga di un presente poco rassicurante in cui lo sguardo rivolto al futuro non fa che perdersi nel nero.

"Black Side" si compone di sette tracce che spaziano in un magnifico limbo in sospeso tra jazz e dark ambient, soffocato in refoli di sax e trombe ammantati da linee vocali profondamente delicate. I Detour Doom Ensemble cantano le contraddizioni dell'esistente, Mi ritrovo legato, a comportarmi come il carnefice della mia stessa esistenza, pronto a scomparire. Vorrei poter stare senza di te, ma non riesco nemmeno a riconoscermi ("I am part of the whole"), il senso di colpa universale che tocca tutti noi assassini, Le poche bontà, la dolcezza del calore umano, periscono sotto il suo giogo e le poche miserie che rimangono, svaniscono nella polvere ("Assassins"), la stanchezza per sentimenti che si trascinano fiacchi e stantii, Cosa farai quando ti stancherai di nuovo di te stesso? Forse loderai la falsità della tua piacevole solitudine o semplicemente andrai a dormire? ("Muerto por amor").

Il tratto che più colpisce del linguaggio musicale di "Black Side" è la capacità di bilanciare in perfetto equilibrio i fiati, la bellissima voce di María Ruvalcaba Uribe, l'organizzazione del suono di Giovanni "Leo" Leonardi, le costruzioni di synth che non eccedono mai, né tolgono luce al tutto. Un lavoro che si addentra nelle dimensioni più intime dell'umano per riemergere con riflessioni aperte su cui ognuno può giocare le proprie risposte. Una musica raffinata e di grande dettaglio, ricca di atmosfera ed evocazione.

1. Cadillac's Bones Cemetery

2. I’m Part Of The Whole

3. Black Side

4. Muerto Por Amor

5. Soulmate

6. Assassins

7. Dead Horizons

María Ruvalcaba Uribe: Vocals, Lyrics, Sax
Adriano Vincenti: Synth, Samples, Drones, Drum programming
Michele Malaguti: Synth, Guitar
Izzy Op de Beeck: Trumpet, Flugelhorn
Giovanni Leonardi: Bass, Guitar, Synth, Samples

Demetrio Cecchitelli - 'Dwell'

2021-04-21T18:59:00.002+02:00

Ricercatore, sperimentatore e improvvisatore, Demetrio Cecchitelli è un artista che si sente particolarmente a suo agio laddove le coordinate stilistiche si sfumano per lasciare spazio alla ricerca e all'avanguardia.

Il suo ultimo lavoro, Dwell, presenta quattro tracce che offrono un ottimo esempio della sua arte, divisa tra passione per l'introspezione elettronica e il ricorso alla fisicità di strumenti come il flauto traverso e le percussioni. Le quattro suite, numerate da I a IV, dispiegano in quasi quaranta minuti di musica una serie di riflessioni su ambient e sperimentazione, con un ampio ricorso ai più evanescenti registri del minimalismo astratto. In un solo giorno di lavoro, Cecchitelli ha cesellato una corpus di suoni che si insinua nell'ascoltatore con discrezione, grazie ad una perizia che gli permette di padroneggiare una materia scivolosa e oscura dal più raffinato contorno avanguardista. Dwell esce in cassetta, altra scelta assolutamente centrata dalla Dornwald Records, e non per nostalgia o citazionismo, bensì perchè rappresenta il perfetto sostrato materiale per i suoni di Cecchitelli, concreti e fuggevoli al tempo stesso, magnetici ed eterei. Le ampie atmosfere delle quattro parti di Dwell ripercorrono le influenze del suo compositore e riflettono alla perfezione un'estetica che non si vuole limitare alla suggestione, ma che al contrario sfrutta il suono per addentrarsi nella metafisica della realtà e dell'esistenza. Un percorso tutt'altro che semplice verso riflessioni alte, ma in cui la musica di Cecchitelli riesce a suggerire a le chiavi di accesso necessarie all'indagine. Consigliatissimo.

June 1974 - ' Avventura'

2021-02-19T18:54:00.000+01:00

'Avventura' è il nuovo lavoro di June 1974, il progetto solista creato a fine 2009 da Federico Romano.

Le tredici tracce di questo suo nuovo lavoro sono un perfetto compendio della capacità di colore del registro compositivo di Romano, spaziando tra classica e rock, ambient ed electro, heavy metal e dance.

Come abbiamo già avuto modo di ascoltare in passato, 'Avventura' nasce da una serie di emozioni intense trasposte in chiave strumentale con una grande capacità di scelta delle migliori soluzioni stilistiche. Se infatti da una parte il piano sembra stagliarsi come lo strumento principe, dall'altra sono le chitarre a delineare le partiture melodiche in molti episodi più tesi, come nelle linee hard rock di 'Deliverance'. Non è un caso che figuri come ospite proprio alle chitarre Giacomo Guatteri (Luciferme) nelle parti di 'Utopia'.

Classico e alternativo allo stesso tempo, 'Avventura' è un album pregno di dettagli, ricavato da un attento studio di ogni sfumatura, esattamente come sembra suggerire la stessa immagine di copertina, il famoso quadro di Jozef Israëls 'Children of the Sea'.

Psycho Kinder - 'Perì Physeos'

2021-02-13T15:36:00.003+01:00

Il personale viaggio verso la conoscenza dell'essere di Psycho Kinder inizia proprio con Perì Physeos, l'opera con cui Eraclito ci consegna una delle riflessioni più profonde e attuali sulla natura dell'uomo.

La creatura di Alessandro Camilletti approda qui alla sua sesta misura sulla grande distanza dopo Epigrafe - Post-industrial tapes, consegnandoci nove dissertazioni sul cosmo, sull'unità, sull'origine delle cose, sul trascorrere del tempo al cospetto dell'eternità e sulla possibilità che ci consegna il sentimento ultimo della speranza.

Come nei suoi altri lavori, la voce di Camilletti accompagna i brani scolpendo i tesi nella pietra e consegnandoceli per meditarli e rifletterli, richiamandoci per un istante all'importanza di sapersi fermare a pensare, un percorso che la miglior musica dovrebbe sempre aiutarci a compiere. Ad accompagnarlo in questo viaggio, i suoni di un gigante come Maurizio Bianchi, che con la sua proverbiale maestria di manipolatore del rumore organizza tutto quanto è necessario per trasferire nei brani la giusta quantità di profondità. Succede così di sentirsi avvolgere nelle cupe spire di bui corridoi di droni lontani, o di piombare nelle feroci macchinazioni noise tanto care a MB.

Un lavoro difficile, di grande spessore, prodotto e suonato con lo scopo di instillarci quel desiderio di verità che oltre duemila anni fa Eraclito aveva già iniziato a soffiare nell'uomo. Ma Perì Physeos va oltre, memore delle lenti grigie con cui oggi molto spesso vediamo la realtà mortificata dal peso dei nostri limiti. Un grande poema in musica che ancora una volta ripete la classe compositiva di Psycho Kinder.

Pip Carter - 'The End From The Beginning, Pt.1 e 2'

2021-02-07T10:47:00.001+01:00

Se negli ultimi 15 anni avete frequentato l'Emilia, coordinate Modena, molto facilmente vi sarete imbattuti nei Pip Carter Lighter Maker, storica band che ha raccolto molti consensi in Italia e all'estero, forte di un sound che scavalla sixties e seventies all'insegna di uno psych folk fedele alle origini.

Alla fine del 2020, nella formula Pip Carter è il solo Claudio Luppi, fondatore e deus ex machina della band, a prendere le redini con energia, voltando pagina e realizzando in completo solitario due album che escono in contemporanea, 'The End From The Beginning, Pt.1' e 'The End From The Beginning, Pt.2'.

Luppi compone, suona, arrangia e produce tutto, accompagnato da quegli amici di una vita con cui ha diviso i palchi italiani. 'Buffalo Again', 'Who's That Girl', 'Women Like Men' e le altre fulminanti tracce dei due album risuonano di Neil Young e Stephen Stills, facendo vibrare chitarre e batterie nelle sonorità a cavallo tra folk e psichedelia con cui i Pip Carter si sono fatti amare dal loro pubblico. Un sound fuori dal tempo, che risuona di cieli opalescenti e strade che corrono tra i canyon, caleidoscopi colorati in cui la voce di Luppi e la sua chitarra ci riportano al periodo d'oro del genere, senza nostalgia e con grande ispirazione. La grandezza di questa musica è proprio il suo appartenere ad un mondo in cui le armonizzazioni vocali e gli arrangiamenti ci rimandano ad uno dei periodi d'oro della musica contemporanea, ma tutto svolto con la capacità di chi ha capito talmente bene la lezione, da essere riuscito a farla propria, reinterpretandola e attualizzandola nell'hic et nunc emiliano degli anni Duemila.

Melodie uncinanti, cori da cantare e ritmiche dirette, i due volumi di 'The End From The Beginning' sono un vero viaggio nel tempo da non mancare, sparati ad alto volume mentre passate per California, provincia di Modena.

Cernichov - 'The Mold Legacy'

2021-02-05T17:58:00.001+01:00

Immaginate un mondo dominato da funghi e muffe, un gigantesco organismo che si muove pulsando ovunque, risuonando in ogni anfratto costruito dall'uomo. Un mondo in cui non è l'essere umano a dettare i tempi e i modi, bensì un essere naturale presente in ogni luogo, pervasivo della realtà e altrettanto inavvicinabile e incomprensibile. Spiazzante pensare che la nostra quotidianità sia iscritta nel disegno di un ecosistema misterioso che ci sfugge, completamente impermeabile alla nostra volontà. Questo è lo scenario di 'The Mold Legacy', il secondo album del duo Cernichov (David Gutman e Marco Mazzucchelli), sei tracce che si muovono tra noise e ambient, striscianti e minacciosamente pervasive.

L'aspetto che più colpisce di questo lavoro è la capacità di sovrapporre i diversi piani della costruzione del suono, rumori torrenziali sotto cui si defilano le melodie a corde di 'Once Upon A Time In Cybertron' o le armonie nascoste di 'The Logic in Constructivism'. 'The Mold Legacy' propone una morbosa intersezione tra noise, atmosfere malate e suoni ostili, mettendo l'ascoltatore di fronte alla stessa angoscia di chi si troverebbe a vivere in un mondo in cui l'onnipresenza sfuggente di un organismo cieco e inafferrabile non riuscirebbe comunque a soffocare gli afflati espressivi umani.

Un grande album da assaporare con attenzione, un'ottima dose di tensione sonora suonata e prodotta con grande perizia.

Indastria 2020 - 'Indastria 2020'

2021-02-03T12:09:00.003+01:00

Una bella ventata di industriale ed elettronica novità sul crinale di 2020 - 2021. Indastria 2020, il debutto omonimo di una nuova formazione italiana. Una nube minacciosa che squarcia il cielo di una metropoli futuristica (come quelle odierne...) per far ricadere sulle sue strade una pioggia di timori, considerazioni ed emozioni (come quelle odierne...) sotto forma di elettronica di classe con l'omonimo brano d'esordio.

Lo avete capito, nessuna divagazione eterea, piedi ben piantati nel fangoso presente, ma alla ricerca di una dimensione umana di speranza e bellezza.

Un preludio con un titolo evocativo che se vi rimanda alla mente un celebre anime del passato, allora sapete già quali lineamenti distopici troverete tratteggiati dagli INDASTRIA 2020. Suoni curati nei dettagli e produzione che esalta voce e ritmiche, più liriche piacevolmente in italiano che rendono il contenuto ancora più immediato e di grande impatto.

Gli INDASTRIA 2020 nascono tra le strade della metropoli, in mezzo a grattacieli, neon, urbanizzazione e piccole oasi di verde che resiste. Prendono il nome dalla città tecnologica del romanzo di Alexander Key “The Incredible Tide” (da cui è stato tratto l’anime CONAN IL RAGAZZO DEL FUTURO), unica a possedere - dopo una catastrofe planetaria - la tecnologia necessaria per tornare alla “civiltà”. A dispetto della cupa società di Indastria, però, il gruppo vuole essere rappresentante di una sinergia tra valori umani, relazioni, echi primordiali ed elettricità, meccanica, tecnologia, per giungere a una coscienza sincretica di un’esistenza reale all’interno dell’umanità, senza piegarsi al suo qualunquismo. INDASTRIA 2020 non è una formazione, ma un’entità che osserva il mondo, ne fa parte con spirito critico e guarda al futuro conscia delle proprie origini e valori tribali e che ne canta luci e ombre nella sua lingua di origine. DIVENTA FUOCO, FERRO, AZIONE.

LINE UP:

- A977 – Voce, testi, basso, key, fondatore.

- P974 – Programmazione, synth, key, fondatore.

- L972 – Chitarre, produzione.

- M979 – Immagini/suggestioni.

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Psycho Kinder - 'Epigrafe - Post-Industrial Tapes'

2020-10-23T20:53:00.003+02:00

Dieci anni di percorso artistico e quattro album sono il punto di partenza, e non il traguardo, che porta a Epigrafe - Post-industrial tapes, questo intenso quinto lavoro di Psycho Kinder, la creatura di Alessandro Camilletti.

L'estetica di Camilletti si esprime in poesie intrise di metafisica dell'anima, pungenti incursioni nelle pieghe del reale pronte a renderci spigoli di vita che ci attraversano senza che a volte neppure ce ne accorgiamo. Ed è qui che si vede la peculiare sensibilità di Camilletti, capace di organizzare il cuore in versi che percuotono e provocano, come TAPE 4:

Fissare le interiora del mondo Finché non appaiano opache Lasciarsi urlare dal corpo / E percuotere l’anima / Fino all’implorazione / Un amore vasto Senza dono.

La strada tracciata da Diario Ermetico è qui ripresa e approfondita ulteriormente, ma Epigrafe - Post-industrial tapes è un lavoro nuovo, che si stacca decisamente dai precedenti proponendo una nuova evoluzione, perché Pyscho Kinder non ripete, ma scava sempre in nuovi terreni. Questa volta ad accompagnare Camilletti un manipolo di grandissimi musicisti, alcuni dei quali accompagnano i miei ascolti degli ultimi anni offrendomi sempre validi motivi per sentire i brividi lungo la schiena. E così in TAPE 1 troviamo Moreno Padoan immerso in una pioggia di elettronica torrenziale, TAPE 4 vive degli impulsi minacciosi e spettrali orditi da Giovanni "Leo" Leonardi e dalla splendida voce di Valeria (Disciplinatha / Dish-Is-Nein) Cevolani, TAPE 8 è drappeggiato dal noise rumoristico di sua maestà Maurizio Bianchi. E poi ancora Michele Caserta, Ge-Stell, Celery Price, Deca, Giorgio Mozzicafreddo, bravissimi nell'estrarre dai testi di Camilletti il codice genetico di ogni poesia.

Epigrafe - Post-industrial tapes è un'opera completa, dove segno e significato si fondono alla perfezione, una strada maestra che corre lungo le pieghe della quotidianità affondando lo sguardo dentro ognuno di noi. La musica che accompagna questo diario minimo è un compendio del miglior industrial vecchia scuola, quello che si propagava con le cassette passate di mano in mano, personalizzato, rivisto, meditato con il disincanto e l'esperienza di chi vive la musica da dentro.

L'Amara - "Cronache dal Sottosuolo"

2020-09-02T22:02:00.000+02:00

L'uscita dello scorso anno era già stata una benedizione. Quando metti insieme una banda - e il doppio senso è voluto - di artisti come quelli che si sono riuniti sotto L'Amara, non puoi che cadere bene. E così era stato. Temevo sarebbe stato uno sparo nel buio, isolato e solitario. Rifiutavo l'idea della toccata e fuga, perchè quando senti certi felici connubi poi ti abitui male e non sai come tornare indietro. Ma grazie a loro, è andata come non avrei mai sperato, e a un anno di distanza dall'esordio, ecco il nuovissimo "Cronache dal Sottosuolo".

Dodici brani che nascono in un momento che non abbiamo bisogno di chiarire quanto sia nero. E neppure loro lo fanno, ma lo accennano in modo molto intelligente, con due campionamenti presi da quel La Maschera della Morte Rossa che Edgar Allan Poe ci ha regalato per essere adattata alla pellicola omonima, e soprattutto usata per ricordarci molto meglio di Boccaccio, quanto pandemie e orrori indicibili siano incombenti ancora oggi. Ed è qui che inizia il viaggio de L'Amara, un tuffo nel neofolk più emozionante e melodico, dove riecheggiano folate elettroniche e campionamenti, ma che rifulge del caliginoso scintillio di chitarre acustiche e fisarmoniche calate sulle oscure figure musicali per drappeggiare quegli arazzi che adornavano le stanze della Pantomima di Poe. Solo che qui non si celebra la decadenza gotico tardo-romantica del maestro americano, ma il presente che trasuda nostalgia, sentimento, tradimenti, amori, lotte, ferite, con lame che balenano nel buio di quei locali malfamati disseminati in una dimensione illusoriamente onirica perchè invece tristemente reale, avvinghiata alle periferie più sudicie di una Roma trascesa in Milano, o viceversa, che poi è lo stesso. Le storie che potrebbero sembrarci lontane e sporche non sono che la nostra vita vera, reale, che a volte vediamo, molto più spesso scansiamo e rifiutiamo. I registri del cantato, le ritmiche folk, l'incedere delle ballate, le cadenze strumentali, tutto concorre a portarci in quelle periferie dell'esistente che a volte temiamo di guardare, ma da cui tutti, chi più chi meno, proveniamo.

L'Amara racconta squarci di vita, restituisce a noi, al popolo, una vita di sudore e carnalità, dove i sentimenti veri costruiscono il bene e il male. Per raccontare questo maelstrom di emozioni ci sono grandi cesellatori del suono e narratori dell'umano come Trevor (Northgate), Giovanni Leo Leonardi (Siegfried/Carnera), Adriano Vincenti (Macelleria Mobile di Mezzanotte), Christian Ryder (TourdeForce, Porta Vittoria), Gabriele Fagnani (Corazzata Valdemone, Solco Chiuso), Jonny Bergamn (Nomotion, Inner Glory), Gianni Caldararo (La Pietra Lunare), Vinz Aquarian (Calle della Morte), Vido (Spiritocrampo), Daniele Ianna (Sun’s Spectrum), Yvan Battaglia (mix e mastering) e Simone Poletti (artwork).

Cronache dal Sottosuolo non è solo un album da avere perchè testimonianza di un incontro di arti come non ne accadono spesso. É un'opera che fissa un'istantanea di un tempo oscuro, ma con gli occhi di chi conosce le pieghe dell'umano, restituendoci così un registro preziosissimo su cui sono annotati momenti importanti del nostro essere. Bellezza struggente, colonna sonora di sentimenti alti, un lavoro vero, concreto e passionale come se ne sentono pochi.

Industrial [r]Evolution si laurea

2020-03-13T14:07:00.001+01:00

Grazie alla tesi di Ilaria A. De Simone, "Metamorfosi e spleen spettrale dell’uomo metropolitano. Indagine sul nastro magnetico Ritratto di città nella genesi dello Studio di Fonologia RAI di Milano" discussa presso l'Università Cattolica di Milano, Facoltà di Lettere e Filosofia, Corso di Laurea in Lettere Moderne, Industrial [r]Evolution entra in una tesi di laurea.

Grazie Ilaria per l'onore.
Grazie per aver consegnato l'industrial in una sede accademica.
Grazie per aver tributato ad un libro e un autore il massimo onore a cui possano ambire.
Grazie.
Grazie.

Senketsu No Night Club - "Ejiki"

2020-03-11T14:42:00.003+01:00

L'ho detto fin dal primo momento in cui li ho sentiti (potete leggere le mie recensioni precedenti), i Senketsu No Night Club possiedono qualcosa di unico e profondamente emozionante nel modo in cui riescono ad unire dark ambient e jazz, impresa che in pochi hanno azzardato. Lo si può sentire dall'apertura di Hinshi No Kanaria, primo brano di questo terzo lavoro Ejiki, con quei fraseggi bui di fiati adagiati su landscape profondi e oscuri, percorsi da refoli di vento che tanto ricordano una distesa desertica post apocalittica.
E anche la successiva Akuma No Ishi percorre le stesse traiettorie, entrando però in una dimensione più club, grazie ad uno splendido gioco di chiamata e risposta basso - sax che riporta alla mente gli anfratti dei più bui locali di metropoli futuristiche. Vincenti e Leonardi costruiscono piccoli quadretti di riflessione, torbidi momenti introspettivi che giocano sul dettaglio e che hanno la capacità di agganciare l'ascolto grazie ad una minuzia di dettagli e di cesello sorprendenti. É il caso ad esempio di Garan, un brano elegante e misurato che trasuda passione, una passione osservata con la coda dell'occhio, mai ostentata, né volgare. Da parte loro sax e tromba rendono le musiche ancora più viscerali e carnali, pregne di una fisicità tangibile in cui si può sentire il soffio dell'aria che esce dallo strumento.
Dal mio punto di vista, Ejiki incarna un ulteriore momento di crescita per il terzetto che non ha paura di addentrarsi ancora di più nelle spire del dark ambient, tingendolo ulteriormente di quel noir jazz che in questo momento ha pochissimi eguali quanto a paragoni artistici e che rappresenta il tratto distintivo dei Senketsu No Night Club . Un album che non è solo un invito per gli amanti della contaminazione elettronica, ma che potrebbe benissimo piacere anche a chi non ha mai frequentato queste terre, grazie ad un colore di linguaggio davvero unico, ancora una volta esaltato dal grandissimo sax di Ferguson e dalla tromba di Izzy Op de Beeck.

DISH-IS-NEIN - live Locomotiv (BO) 18/1/2020

2020-01-20T21:15:00.005+01:00

Non poteva non partire da Bologna il nuovo tour dei Dish-Is-Nein. E Bologna non poteva non rispondere se non con lo stesso rabbioso, triste, abbraccio con cui aveva salutato i Disciplinatha più di vent'anni fa, periodo del loro scioglimento.
Ma questa volta c'è voglia e consapevolezza che questa nuova avventura continua, così gridano le centinaia di persone che assiepano il Locomitiv.
Prima Disciplinatha, ora Dish-Is-Nein.
Cambia il nome, ma non muta la pelle.
Chitarre affilate, voce monumentale, ritmiche serrate e tantissima atmosfera, merito di arrangiamenti raffinati e perfetti in ogni angolo. Industrial vecchia scuola, elettronica, punk e Emilia.
C'è tutto il nuovo EP. Ci sono i classici della vecchia formazione. Passa il tempo, ma siamo ancora tutti afflitti da una Crisi di Valori. Aspettiamo Un mondo nuovo, ma non abbiamo ancora capito qual è La chiave della libertà. Ci rincuora sapere che questa non è L'ultima notte, perchè i Dish-Is-Nein sono tornati, sono tornati per restare, non per lasciarci di nuovo. Up patriots to arms!

PETROLIO - "L+ES"

2020-01-05T19:16:00.001+01:00

Il nuovo album del progetto Petrolio di Enrico Cerrato (Infection Code, Moksa, Gabbiainferno) è un distillato di sperimentazione e noise, violento e diretto, spiazzante nelle sue sfaccettature più abrasive. E non potrebbe essere diversamente, considerati i comprimari che affiancano Cerrato nelle composizioni dei dodici brani: Aidan Baker, Sigillum S, Jochen Arbeit, MaiMaiMai, Fabrizio Modonese Palumbo, Naresh Ran.
É così che L+ES, o se preferite L+Esistenze nasce come momento di addizione tra le volontà artistiche di personalità diverse che attraversano la storia dell'industrial, da Berlino a Milano, ordendo messianiche ibridazioni di power electronics, droni e industrial old school.
Torrenziali piogge acide come in Peregrinos de Almas, o i sinistri stridori in L'eterno non è per sempre o ancora l'oscura poetica di Ceralacca e Seta, L+ES rappresenta un precipitarsi a spirale in un universo tetro e buio, dove la dissezione del suono attenta alla stabilità di qualsiasi certezza.
Cerrato amalgama tutto con sapiente padronanza, senza soffocare, valorizzando ed esaltando le singolarità di ciascun artista, lasciando tracimare il nero oleoso del Petrolio come un sostrato comune che sa imprimere unitarietà e singolarità. Da non perdere.

CREDITS Realized recorded by Petrolio. Enrico Cerrato: synth, guitar, elettronics. Fabrizio Modonese Palumbo: elettric viola, guitar, ebow. (Recorded by Paul Beauchamp at O.F.F. Studio in Tourin). Aidan Baker: guitar, bass, occult noises. Sigillum S: piano, synth, noises, fool rhithms. Jochen Arbeit: guitar fx. MaiMaiMai: machines e distorsions. Naresh Ran: vocals, lyrics and noises.

2019: TOP 10

2019-12-31T12:44:00.003+01:00

C'è chi dice che la musica abbia già detto tutto, che ormai non c'è più nulla di nuovo e che siamo destinati ad un eterno ripetersi, a una reiterazione del già visto e già sentito. Poi ci sono artisti che se ne fregano di tutto questo e continuano a scrivere grande musica. Per fortuna nostra. Il 2019 è stato un anno denso di ottime uscite, alcune attesissime, altre sorprendenti. Un anno di metal, industrial, classica, rock, elettronica, folk. Un anno che ripete ancora, questo sì, composizioni ispirate, nuove, che riconciliano con la bellezza del suono, in tutte le sue forme.

Benvenuti nella mia personalissima e discutibilissima Top 10 di questo grande anno:

THE YOUNG GODS - "Data Mirage Tangram"
L'AMARA - "L'Amara"
TOOL - "Fear Inoculum"
TRENT REZNOR, ATTICUS ROSS - "Watchmen Vol.1"
SENKETSU NO NIGHT CLUB / CONTAGIOUS ORGASM - "Ukiyozoshi"
LAIBACH - "Party Songs"
GASPAROTTI - "Istantanee Vol.1"
JUNE 1974 - "Earth Is Not Place For Lovers"
JEFF GOLDBLUM & THE MILDRED SNITZER ORCHESTRA - "The Capitol Studio Sessions"
SOLCO CHIUSO - "Slanci, Tremori, Schianti"

JUNE 1974 - MindTrip

2019-12-29T21:05:00.001+01:00

La bellezza dei lavori di June 1974 risiede nella capacità di ogni brano di evocare scenari inconsueti, imprevedibili e spiazzanti.

Per chi conosce da anni il lavoro di Federico Romano, la nozione di brani strumentali è forse l'unica possibile, pur inevitabilmente riduttiva, considerando la poliedricità e la policromia di ciascuna composizione che rende virtualmente impossibile apporre qualsivoglia tipo di etichetta ad ogni album. Ed è così anche per il viaggio mentale di MindTrip, 6 nuove composizioni (più una bonus track) che si avviluppano a spire centrifughe su rock, shoegaze, elettronica, ambient e molto altro.

L'album si apre con l'arpeggio di Dissonance che presto sublima in un ostinato sognante, retto su un accordo di acustica che attende solo la melodia finale del piano per eclissarsi nel silenzio. Cosmica è shoegaze rivisitata e attualizzata con piglio personale, preludio alle folate elettroniche della title - track. Paranoia è un brano potente e ritmato, con robusti inserti metallici di chitarre elettriche, un altro dei tratti salienti delle ultime produzioni di June 1974. I fraseggi sintetici che guidano Mr.White hanno un piacevole sapore eighties, pur con quelle caratteristiche intersezioni elettroniche a cui ci ha abituato Romano. La finale Cry And Wash Out Your Heart racchiude in poco più di tre minuti un piccolo compendio moderno di progressive moderna e vitale. Sorvolo volontariamente sulla bonus track finale per non rovinarvi la sorpresa di un ascolto sublime, sette minuti di estasi sonora.

MindTrip è un album tanto scritto ed arrangiato bene, quanto prodotto in modo accurato e minuzioso, valorizzato ed esaltato in ogni dettaglio di ciascun brano. Un ascolto raccomandato per chi ama spaziare nei generi e viaggiare nel profondo delle possibilità, un trip di lucida allucinazione nelle pieghe di emozioni morbide e sinuose.

GASPAROTTI - "Istantanee Vol.1"

2019-12-14T22:46:00.002+01:00

"Un breve momento di tempo, che dura un istante, che si fa in un istante": questa la radice semantica delle Istantanee Vol. 1 secondo lavoro di Gabriele Gasparotti.
Undici scatti, undici momenti di tempo cristallizzati nel suono, undici incursioni metafisiche nell'io. Dettagli, vibrazioni, glitch subliminali che emergono degli impianti analogici a base Korg e archi, tra corde e moduli di frequenze. Dissezioni sapientemente riassemblate che prendono vita in nuove forme che si trasformano in possibilità solo grazie a colui che le crea. Gasparotti, maestro dell'avanguardismo, dell'elettronica e del tradizionale rivisto e riattualizzato, sembra voler mostrare quanto la musica possa entrare in risonanza con l'immagine, con il colore, con la forma, ordendo una trama fitta di rimandi ulteriori e di stratificazioni che si intuiscono e si rincorrono lungo i brani. Provate a tuffarvi in un componimento a caso, diciamo Istantanea n.2: vi troverete avvolti da circonlocuzioni elicoidali, dilatazioni, riverberi, suoni che stazionano su un fianco, ostinatamente ripetuti nella loro presenza incombente, che appaiono e scompaiono dando e togliendo l'unico appiglio che avevate. Ed è solo un esempio degli undici viaggi che vi aspettano. Gabriele Gasparotti è compositore dalla sensibilità straordinariamente fine e lo dimostra lavorando sul dettaglio, sul particolare, plasmando in Istantanee Vol.1 un'opera di impressionante gusto e disarmante profondità. Ogni strumento è valiato e dissezionato da Gasparotti nelle sue gamme espressive, scandagliato con un gusto per la sperimentazione che non trascende mai nel manierismo, agganciato invece ad un sapiente e cangiante gusto per la possibilità.
Ciò che arriva più diretta in questo lavoro è la maestria nell'avviluppare in un disegno unitario i linguaggi analogici e tradizionali (se così vogliamo definire le strumentazioni classiche) mostrando ancora una volta, e se mai ce ne fosse bisogno, quanto le lezioni delle avanguardie novecentesche possano assurgere, sempre e oggi, a paradigma cultural - estetico di primissimo livello. Istantanee Vol.1 è un lavoro che entra in risonanza con l'io emotivo più profondo dell'ascoltatore e che sa e-vocare e pro-vocare allo stesso tempo, merito di un registro immediato quanto inafferrabile, sintesi e crasi di un'estetica che dal suono sublima in immagine, da istantanea fotografica a istantanea sonora, suoni ricostruiti, immagini ricreate.

DISCIPLINATHA - TESORI DELLA PATRIA edizione in vinile

2019-12-05T20:11:00.000+01:00

Disciplinatha e Contempo Records, sono orgogliosi di annunciare l’imminente uscita di “Tesori della Patria edizione in vinile”. Il cofanetto, pur ricalcando l’impostazione del precedente box in Cd uscito il 09 Novembre del 2012, si caratterizza per una grafica ampliata per il formato vinile, curata come sempre da Simone Poletti “Dinamo Innesco Rivoluzione”, artista Deus ex machina dell’artwork del box in cd, oltre all’EP di esordio di Dish is Nein (il nuovo progetto di Cristiano Santini e Dario Parisini nato dalle “ceneri” di Disciplinata nel 2018). Anche il comparto audio si presenta fortemente rinnovato: “Nazioni, Crisi di Valori”, “Primigenia” e “Foiba” sono stati totalmente rimasterizzati da Cristiano Santini, da sempre arrangiatore e producer della band oltre che voce/autore, presso il proprio studio (Morphing Studio)per ottimizzare le tracce in funzione del supporto fonografico utilizzato; in particolar modo “Primigenia” ha subito un profondo restyling, per risolvere alcuni problemi che affliggevano il master originale dell’album. Inoltre, per celebrare i 40 anni di “Unknown Pleasure” dei Joy Division, è stato creato un 7” ad hoc estrapolando la cover di “New Dawn Fades” dalla track list dell’album.Il cofanetto si presenta quindi composto da:

Disco 1: “Abbiamo Pazientato 40 anni, ora basta”
Disco 2: “Nazioni, Crisi di Valori”
Disco 3: “Un mondo Nuovo”
Disco 4: “Primigenia”
Disco 5: “New Dawn Fades” (7” edition)
Disco 6: “Foiba” (vinile 1)
Disco 7: “Foiba” (vinile 2)

2 Booklet storiografici relativi ad ogni album, contenenti i testi, gli artwork originali, propaganda e foto d’archivio.

I Disciplinatha, a più di 30 anni dal loro esordio discografico, ritornato con quest’opera “definitiva”, un cofanetto che racchiude, probabilmente in modo ancora più accurato e maniacale rispetto al precedente box in cd, l’esperienza di una band che ha saputo controvertere, con lucida e spietata efficacia manierismi e stilemi; uno schiaffo all’imperante omologazione e subalternità culturale della sedicente scena indipendente italiana degli anni ‘90.

SOLCO CHIUSO - "Slanci, Tremori, Schianti"

2019-12-03T22:55:00.003+01:00

A due anni da L'Alcova D'Acciaio, il progetto Solco Chiuso nato nel 2014 torna con la sua terza produzione, l'album Slanci, Tremori, Schianti.
Gabriele Fagnani (Kannonau, Corazzata Valdemone) si discosta dai suoi altri progetti e riprende il filo del discorso (mai) interrotto nel 2017 per estrarre dai suoi macchinari industriali old school un campionario di rumori che riconciliano con i migliori momenti del genere.
Le 12 tracce di questo suo nuovo lavoro si muovono tra proclami minacciosi e declamazioni eroiche di valori e posizioni apparentemente perse nel tempo, dimenticate e obliate, incardinate nella tradizione più viscerale della cultura italiana di inizi Novecento. Slanci, Tremori, Schianti è un piccolo manifesto futurista che si nutre delle liriche di Marinetti per riproporre al pubblico di oggi una riflessione attenta sul presente portata con gli occhi di chi vive all'insegna del più attento sezionamento della realtà. La ricchezza e la varietà delle composizioni sono uno dei tratti distintivi di questo grande lavoro. Si va dalla voce filtrata e distorta di Poesia Incendiaria all'affascinante e minaccioso incedere metallico di Tenebre Lanose, dalla cadenza serrata di Eroismo all'ambient oscuro di Lune Elettriche, per chiudere con la brumosa crasi di rumori lontani e fenditure siderali di Strilli di Metallo Scottante.
Solco Chiuso ci offre un'opera di industrial - futurismo davvero preziosa per tuffarsi nelle pieghe più fedelmente oscure del genere, riattualizzate da un interessantissimo recupero in chiave futurista che Fagnani porta a segno con un'ammirevole padronanza degli stilemi marinettiani, creando connubi perfetti tra le metriche del poeta e le cadenze del suo pregevole industrial old school. Un grande album da assaporare e meditare con attenzione.

MHOLE - "Sporhes"

2019-11-16T20:44:00.001+01:00

Conoscendo bene sia Giovanni Leonardi (Carnera, Siegfried, Senketsu No Night Club) che Moreno Padoan (Artcore Machine), non nascondo che le aspettative sull'esordio dei Mhole erano piuttosto alte.
Giusto per darvi qualche coordinata, immaginate di prendere i lavori più oscuri di cEvin Key con i suoi Donwload e di frullarli in un ossessivo marasma di glitch e noise (se volete avere un idea, diciamo qualcosa dalle parti di Masonna). E questo solo per dare un concetto di riferimento di massima. Perchè poi i Mhole in realtà decidono di grattare la superficie del rumore lasciando in evidenza solo le più lacerate abrasioni, a rivelare un tessuto connettivo fatto di organismi minimi che lottano tra loro per la sopravvivenza. I ritmi di Shamanism che si dileguano in uno scroscio techno sono una perfetta sintesi di quanto descritto sopra, per me uno dei brani più paradigmatici di questo lavoro. Ma Sporhes è anche il chiasmo dell'ambient raffinato di Coniina sopraffatto nel finale da una pioggia acida di noise bianco. L'incedere minaccioso di Precatorius lascia emergere lo spirito industriale del duo, una declinazione congeniale sia a Leonardi che a Padoan, qui esaltata dal violento spalleggiarsi tra i due. L'album si nutre di diversi punti di osservazione su un mondo morente in cui tutto sembra essere ridotto ai minimi termini, senza possibilità di rinascita, costretto dalla crudezza di una realtà collassata sul fangoso terreno di un futuro cupo e senza speranza. Questa la sensazione che emerge dalle 10 tracce, ancor più corroborata dalla lunga suite Neurotoxin, tredici minuti di noise e techno rabbiosi che dipingono uno scenario cupo e senza ritorno.
Sporhes è un piacere sia per chi frequenta gli ambienti industrial noise, sia per chi predilige le atmosfere più sperimentali. Un'amalgama caotica di suoni e rumori, (dark) ambient ed industrial, pece e fango. Dieci tracce da godere appieno tuffandosi nel futuro più terribile che possiamo immaginare. Lasciatevi prendere per mano dai Mhole: buon viaggio nell'oscurità.