Il PACA è stato fondato nel 1991: su quali basi ideali e politiche è nato?

Il PACA (Pan-African Circle of Artists) è un’organizzazione artistica subregionale, fondata nel 1991 da studenti di belle arti provenienti da Nigeria e Ghana. Dopo il loro primo incontro, questi artisti hanno iniziato a riunirsi regolarmente per organizzare mostre su larga scala e invitare altri artisti africani a unirsi a loro. Nel corso del tempo, il Circolo si è ampliato accogliendo artisti di talento provenienti da diverse regioni dell’Africa, evolvendosi in una piattaforma per lo scambio artistico, la collaborazione, l’interazione culturale e la promozione dell’arte africana contemporanea.

Negli anni, il PACA ha consolidato la tradizione di riunirsi durante la Biennale dell’Arte Africana Contemporanea di Dakar (Dak’Art), dove organizza mostre, conferenze internazionali, workshop e altre attività artistiche. Come presidente della sezione senegalese e in qualità di membro attivo della scena culturale, cerco di sostenere questa partecipazione. Quest’anno, l’organizzazione segnerà la sua ottava partecipazione alla sedicesima edizione della Biennale di Dakar. Dal 2018, il PACA ha inoltre esteso il proprio raggio d’azione oltre il continente africano, invitando artisti di diversa provenienza – tra cui Svezia, Danimarca, Slovenia, Ungheria e Paesi Bassi – a prendere parte ad alcune delle sue mostre. La partecipazione africana ha incluso artisti provenienti da Paesi come Nigeria, Gambia, Sudafrica, Ghana, Mauritania, Mali, Guinea-Bissau e Senegal, tra gli altri.

Per l’edizione 2026, gli artisti che parteciperanno sotto l’egida del PACA proverranno da Nigeria, Gambia, Benin, Togo, Sierra Leone e Marocco, oltre che dal Senegal, il Paese ospitante e terra della “Teranga” (ospitalità). A loro si uniranno rappresentanti provenienti da Francia, Italia, Svizzera, Norvegia, Finlandia, Stati Uniti, Canada e Barbados. L’edizione 2026 dimostra ancora una volta l’impegno del PACA nel creare una piattaforma in cui artisti provenienti dall’Africa e dalla più ampia scena artistica internazionale possano incontrarsi, esporre le proprie opere, scambiare idee e stringere duraturi legami professionali e culturali.

In qualità di presidente della sezione locale, a quali iniziative e progetti concreti sta lavorando l’associazione sul territorio?

ltre a ricoprire il ruolo di Presidente del Pan-African Circle of Artists del Senegal (PACA-SENEGAL), sono anche Presidente della Art, Education, and Environment Association di Dakar. La mia missione è contribuire a influenzare positivamente le nuove generazioni in ambito artistico e culturale. È necessario ripensare e riorientare i moduli e i programmi accademici per le arti visive, radicandoli nelle fondamenta della nostra stessa identità culturale. Piuttosto che limitarsi a copiare i movimenti occidentali, l’Africa possiede immense risorse tradizionali e culturali a cui attingere, pur rimanendo aperta al mondo esterno. È questo che guida il mio lavoro sull’interculturalità.

Il PACA Dak’Art OFF torna a novembre con una mostra collettiva al Théâtre National Daniel Sorano. Cosa esplora il titolo Baroqueisation in the Contemporary?

Scegliere il tema della “barocchizzazione” dell’arte contemporanea è semplicemente un modo per discutere di una nuova forma d’arte che non segue alcuna “regola aurea”. Comporta un accumulo di materiali, scelte audaci e intuitive che rompono con le convenzioni accademiche, la stratificazione di elementi e una commistione di stili.

Incentrata sull’incontro e la circolarità, anche “Rencontres Transatlantiques 2” avrà luogo al Village des Arts, organizzata dalla Association of Artists of the Village des Arts (A.A.V.A.D.). Che ruolo svolge nell’ambito della Biennale OFF e della scena culturale senegalese?

Per la mostra internazionale che si terrà al Village des Arts – dove ricopro il ruolo di Segretario Generale – abbiamo invitato un’ampia gamma di artisti provenienti da diversi contesti (Africa, Europa, America, Caraibi) a partecipare a questa 16ª edizione della Biennale dell’Arte Africana Contemporanea estesa, chiamata OFF. Il Village des Arts di Dakar funge da vetrina per l’arte senegalese, sottolineando l’importanza di celebrare le arti visive su scala globale.

Il nome PACA include la parola “Circolo”, e la mostra Baroqueisation in the Contemporary ospiterà artisti da tutto il mondo: cosa si intende per “Pan-Africa” oggi?

Il Pan-African Circle of Artists si è ampliato per accogliere altri artisti provenienti da tutto il mondo per celebrare la Biennale dell’Arte Africana Contemporanea. Attraverso i nostri vari viaggi in giro per il mondo, organizziamo progetti di scambio artistico, il che ci porta a invitare colleghi provenienti da contesti diversi. L’arte non ha confini.

Mor Faye, noto come “Murf”, è un artista visivo pluridisciplinare, curatore indipendente e organizzatore di eventi culturali originario del Senegal. Attualmente ricopre ruoli chiave nella scena artistica regionale, tra cui la presidenza del Cercle Panafricain des Artistes (PACA) a Dakar e dell’Association Art Éducation Environnement, oltre a essere segretario generale dell’Association des Artistes du Village des Arts (AAVAD). La sua produzione – che spazia tra pittura, scultura e installazioni – indaga i mutamenti socioculturali, la migrazione, l’interculturalità e le questioni socio-ambientali, attraverso uno stile distintivo che unisce forme ibride e una forte tensione spirituale ed emotiva. Forte di un’intensa attività espositiva internazionale che si estende dall’Europa alle Americhe, dall’Asia all’Africa, Murf si pone come un punto di riferimento per il dialogo interculturale e la valorizzazione della voce degli artisti africani sulla scena globale.

La scelta di Laura Mattarella porta al centro dell’edizione 2026 il valore del servizio alle istituzioni e di un impegno esercitato con continuità e discrezione. Avvocata di formazione, nel 2015 ha deciso di interrompere la propria attività professionale per affiancare il padre, appena eletto Presidente della Repubblica, assumendo un ruolo di rappresentanza nelle occasioni ufficiali e nelle visite di Stato. Una presenza che nel corso degli anni è diventata un punto di riferimento nel cerimoniale della Presidenza della Repubblica, contribuendo a rappresentare l’Italia anche nei rapporti con le più alte cariche internazionali.

Nata a Palermo nel 1967, laureata in Giurisprudenza nel 1991 e abilitata alla professione forense nel 1994, Laura Mattarella ha costruito una solida esperienza nel campo del diritto civile e amministrativo, esercitando a Roma e diventando partner dello Studio Guarino. Dal 2010 è stata iscritta all’Albo speciale dei patrocinanti presso la Corte Suprema di Cassazione, prima della scelta di dedicarsi agli impegni istituzionali.

Istituito nel 2006 da Patrizia Sandretto Re Rebaudengo, il Premio StellaRe celebra da vent’anni donne che, attraverso il talento, la determinazione e la capacità di incidere nei rispettivi ambiti, hanno contribuito ad aprire nuove prospettive nella cultura, nella politica, nell’economia e nella scienza. Il riconoscimento assume un significato particolare anche per la sua forma: a idearlo e realizzarlo è stato Maurizio Cattelan, che ha trasformato il tradizionale anello di fidanzamento in un oggetto monumentale, in edizione unica, con un grande brillante che richiama la stella, simbolo della Fondazione.

L’albo delle premiate riunisce alcune delle personalità femminili più influenti della scena internazionale. Dalla storica direttrice di Vogue Italia Franca Sozzani, prima vincitrice nel 2006, all’architetta giapponese Kazuyo Sejima, dalla scienziata Premio Nobel Elizabeth Blackburn alla direttrice del CERN Fabiola Gianotti, fino a Sheikha Al Mayassa bint Hamad bin Khalifa Al-Thani, presidente dei Musei del Qatar, Cherie Blair e Allegra Agnelli. Nel 2024 il premio è stato conferito alla filantropa italo-americana Maria Manetti Shrem, mentre nel 2025 è stata la volta di Caterina Caselli.

Con il conferimento del Premio StellaRe, Laura Mattarella entra simbolicamente a far parte del Circolo StellaRe, la comunità femminile nata attorno al progetto di Patrizia Sandretto Re Rebaudengo per riconoscere e valorizzare il ruolo delle donne nel nuovo millennio. Un ingresso che lega idealmente il mondo delle istituzioni a quello dell’arte e della cultura, nel segno di un riconoscimento che, da vent’anni, racconta attraverso le sue protagoniste le molteplici forme della leadership femminile.

Promossa da Nord Est Fair, con Banca Mediolanum come main partner e Radio Company come media partner, la manifestazione si conferma un punto d’incontro tra gallerie, artisti, collezionisti e appassionati. «Padova ha un ruolo sempre più rilevante nella mappa dell’arte contemporanea in Italia», afferma Nicola Rossi, presidente di Nord Est Fair, che descrive ArtePadova come «una grande agorà» capace di riunire i diversi protagonisti della filiera artistica. Un luogo di confronto in cui, prosegue, si intrecciano arte, economia e attenzione ai linguaggi del contemporaneo, con la fotografia che da questa edizione si affianca a correnti come l’Arte Povera e l’arte concettuale.

Da Jeff Koons a Fontana, i protagonisti della Main Section

Il percorso espositivo si articola attorno a due aree principali. La Main Section riunisce opere di artisti che hanno segnato la storia dell’arte del XX e XXI secolo, accostando grandi maestri italiani e internazionali a protagonisti della scena contemporanea. Tra i nomi italiani figurano Lucio Fontana, Arnaldo Pomodoro, Mario Schifano, Mimmo Rotella e Michelangelo Pistoletto. Sul fronte internazionale sono attesi lavori di Hans Hartung, Christo e Victor Vasarely, insieme a interpreti della scena contemporanea come Jeff Koons, Damien Hirst, Banksy e Shepard Fairey, conosciuto anche con il nome di Obey. Spazio anche alla fotografia di David LaChapelle e all’astrattismo di Georges Mathieu.

Tra le opere annunciate spicca un grande bassorilievo in bronzo di Arnaldo Pomodoro, del peso di 120 chilogrammi, presentato dalla Galleria Tonelli. Accanto a questo lavoro saranno esposte opere di Piero Dorazio, Alberto Biasi e Hans Hartung, in un percorso che attraversa linguaggi e sperimentazioni differenti.

Alcuni stand propongono approfondimenti su singoli artisti e aspetti meno conosciuti della loro produzione. Maco Arte dedica una selezione ai monotipi di Mario Schifano, realizzati tra il 1966 e il 1979 attraverso la tecnica della serigrafia, ma stampati in esemplari unici. Una ricerca che mette in evidenza il rapporto dell’artista con le immagini della comunicazione di massa e con le possibilità espressive della riproduzione meccanica.

La carta è invece il filo conduttore di altre proposte. Satura di Genova presenta un Concetto spaziale di Lucio Fontana del 1964, accostandolo a un lavoro di Robert Rauschenberg realizzato in Cina nel 1982. Bottega d’Arte di Montecatini Terme porta in fiera un’opera su carta di Marino Marini, mentre tra le testimonianze storiche figura anche Signora 900 di Giacomo Balla, dipinta nel 1922.

La fotografia giapponese al centro della nuova sezione

La novità più significativa dell’edizione 2026 riguarda l’ingresso della fotografia nel percorso espositivo, con uno spazio dedicato ospitato nel Padiglione 8. Il progetto punta a valorizzare autori e gallerie specializzate, ampliando il dialogo tra le diverse forme di espressione artistica. A emergere è soprattutto la fotografia giapponese, rappresentata da tre protagonisti di generazioni e sensibilità differenti.

Galleria 13 di Reggio Emilia presenta una selezione di lavori di Kenro Izu, Nobuyoshi Araki e Kazuaki Koseki, ai quali si affianca l’inglese Michael Kenna. Izu, noto per la sua maestria nella stampa al platino-palladio, espone immagini tratte dalle serie Sacred Places e Still Life, dedicate ai luoghi sacri e ai fiori. Araki porta invece in fiera il proprio immaginario fotografico, legato all’erotismo, alla dimensione privata e alla città di Tokyo.

Di particolare interesse è il lavoro di Koseki, che nella serie Summer Fairies documenta le lucciole Himebotaru nelle foreste della prefettura di Yamagata, attraverso immagini stampate su carta tradizionale giapponese. Michael Kenna presenta infine due progetti dedicati al Giappone, uno dei quali guarda a Fukushima, a quindici anni dal disastro nucleare.

Contemporary Art Talent Show, spazio alle nuove generazioni

Accanto alle opere di maggiore rilevanza storica e alle proposte delle gallerie affermate, ArtePadova conferma il Contemporary Art Talent Show, sezione dedicata a gallerie, associazioni, artisti indipendenti e collettivi che presentano lavori con un prezzo inferiore ai 5mila euro. L’obiettivo è ampliare le possibilità di accesso al collezionismo e offrire visibilità a ricerche emergenti, intercettando anche un pubblico che si avvicina per la prima volta all’acquisto di opere d’arte.

Le proposte della sezione concorreranno al Premio C.A.T. e al Premio Banca Mediolanum, quest’ultimo giunto alla nona edizione. I riconoscimenti intendono valorizzare le opere più interessanti e sostenere un segmento del mercato che rappresenta una possibile porta d’ingresso per nuovi collezionisti.

Con la nuova sezione dedicata alla fotografia e il dialogo tra grandi maestri, artisti contemporanei e realtà emergenti, ArtePadova amplia il proprio percorso espositivo e guarda a un pubblico sempre più diversificato. Una proposta che attraversa generazioni e linguaggi, mantenendo al centro il rapporto tra ricerca artistica e collezionismo e confermando la fiera come uno degli appuntamenti di riferimento per il mercato dell’arte nel Nordest.

Le tele astratte di Elia Novecento sono invece abitate da sinuose forme biomorfe. Galleggiano su fondi piatti, facendo emergere immagini associabili a farfalle, fiori, serpenti, elefanti e draghi. Frutti maturi dello studio delle macchie di Rorschach, dei batik asiatici e dei mandala tibetani, questi dipinti traducono su tela emozioni e sensazioni della quotidianità, rivissute dall’artista nella dimensione onirica. La simmetria imperfetta delle composizioni diventa metafora della precarietà dell’equilibrio interiore. Elia Novecento apre con delicatezza delle finestre sull’inconscio. La sua pittura è morbida come una carezza.

Queste sono le opere che potrete vedere esposte, fino al 15 novembre, alla mostra bipersonale Di notte, notte e dì da Gallery Morphè di Roma. Ci troverete anche il cortometraggio Onanismo di Leonardo Crudi, dedicato alle “pippe mentali” relative all’arte, nonché la raccolta di poesie Squame di Elia Novecento, che segna il suo esordio poetico. Curata dallo storico dell’arte Giovanni Argan e dalla gallerista Anastasiia Chaikovskaia, la mostra si è aperta col botto, non senza le disperate lamentele dei condomini del palazzo di via Giuseppe Dalla Vedova 14: all’incirca 300 persone hanno preso parte alla vernice, accompagnata dal dj set elettroacustico e sperimentale di Giacomo Falciani, anima musicale del Collettivo 900. Un baccanale che si è riversato in strada e che ha avuto il suo climax con l’acclamazione dell’arrivo (ormai inaspettato) di Crudi: un Godot redento che a causa di un imprevisto stava per perdersi l’inaugurazione della sua stessa mostra. «Tanto le opere le avevo già viste», ha affermato ridendo mentre tracannava una bottiglia di vino.

Subito dopo l’inaugurazione abbiamo cercato di ottenere un’intervista, ma Leonardo Crudi ed Elia Novecento ci sono sfuggiti: erano già partiti alla volta di Novara, dove li attendevano due muri alti quasi 30 metri. Li abbiamo intercettati al loro ritorno a Roma, riuscendo anche a intervistare Stefano Antonelli e Giovanni Argan, curatori del progetto QM RIZZO – Quartiere Museale Rizzottaglia, promosso dal Comune di Novara con l’associazione Mecenate 90.

Partiamo dalla mostra. Siete conosciuti per i vostri interventi pubblici nel contesto urbano, manifesti dipinti a mano che affiggete in giro per Roma, su muri e su tabelloni pubblicitari. Gli spazi della galleria sono tutt’altra cosa: che tipo di opere avete realizzato? In che direzione vanno le vostre ricerche?

Leonardo Crudi: «La questione è abbastanza semplice: ho scelto di presentare in galleria opere dove la pittura non è una pittura e la scultura non è scultura. Si possono definire pitture-sculture o sculture-pitture, se vogliamo. Sono opere ibride che esplorano e sfidano la tridimensionalità, come quelle di alcuni artisti delle avanguardie, quali Tatlin e Depero. D’altronde in strada incollo manifesti che non sono veri e propri manifesti, perché non sono stampati, ma dipinti e disegnati a mano. A livello concettuale, questa serie di opere affronta il tema della semplicità quotidiana, attraverso la rappresentazione della gestualità. Tutti i giorni ripetiamo gesti che non consideriamo. Sono invisibili ai nostri occhi e li dimentichiamo immediatamente, ma parliamo e viviamo anche grazie ad essi. Questi gesti accomunano tutti, senza distinzione di classe né di appartenenza politico-culturale. Questa è a grandi linee l’idea alla base delle mie opere in mostra».

Elia Novecento: «Io non faccio distinzione tra l’opera su tela destinata alla galleria e il manifesto su carta da modello affisso per strada. Per questa mostra ho lavorato su tela, provando a scomporre quello che accade durante il giorno e che poi si ripropone di notte, nel sogno. La mia pittura è un’astrazione che resta legata comunque alla figura, alle forme: è biomorfa, per farla breve. Sono partito da una riflessione su Jung. In questo teatro che è il sogno, tutte le figure che ti appaiono sono proiezioni di te stesso. Io le traduco in forme. Le composizioni sono speculari, mentre il nucleo centrale spesso ricorda i mandala tibetani: una circolarità che richiama anche l’alternarsi del giorno e della notte. Questo linguaggio viene da una ricerca su tessuti e tappeti, condotta grazie a numerosi viaggi in Asia. Prima dipingevo sopra stoffe e tappeti che acquistavo; poi ho capito che la mia pittura doveva rielaborare i loro motivi decorativi per trasformarli in un lessico tutto mio. Per me astrarre vuol dire rappresentare in un altro modo le cose concrete del mondo. I titoli delle opere giocano un ruolo fondamentale nel mio lavoro: sono versi di poesie, scelti tra quelli dei miei poeti preferiti oppure scritti direttamente da me. Completano l’opera, fornendo una chiave di lettura allo spettatore. Testo e immagine sono inscindibili. Concepisco le mie opere come poesie visive. Le opere in mostra hanno tutte dei titoli con versi scritti da me. Sono versi autonomi, che lo spettatore può utilizzare per ricomporre una o più poesie a suo piacimento. Può divertirsi a fare una sorta di cut-up, per creare una sua poesia. Scrivo poesie ormai da qualche anno e in occasione di questa mostra ho presentato la mia prima raccolta intitolata Squame. Nella prima parte ci sono le poesie, nella seconda parte immagini in bianco e nero realizzate per questa raccolta. Se sfogli velocemente le pagine con le immagini, si crea una sorta di effetto ipnotico, che ti può connettere con l’inconscio. Una poesia di questa raccolta riassume bene il concetto alla base delle mie opere in galleria:

Un’immagine spezzata
Da forme inconsistenti
Addomesticando il sonno
Rende il risveglio frenetico
Interrompendo Morfeo
Tra i salici piangenti».

Il Collettivo 900 è nato dieci anni fa dall’incontro fra te, Leonardo Crudi ed Elia Novecento. Giovanni, in qualità di storico dell’arte e curatore, qual è il tuo ruolo? Com’è lavorare con loro?

Giovanni Argan: «Mi considero un allenatore. Il mio lavoro si svolge soprattutto dietro le quinte: li consiglio nella loro produzione artistica, curo mostre e progetti che ideiamo insieme e seguo e seleziono quelli che vengono loro proposti. Naturalmente scrivo anche – è il mio mestiere –, assicurandomi che le idee che plasmano le loro opere vengano comunicate e comprese nel modo giusto. Siamo tutti e tre allergici alle supercazzole. Siamo cresciuti professionalmente insieme e questo ci ha dato tanto. Con Leonardo ho in comune la passione per le avanguardie russe; con Elia quella per i tappeti. Loro due, poi, sono dei patiti di poesia, cinema e pop art romana. Condividiamo quindi interessi e ricerche, ma soprattutto una grande amicizia. Leonardo ed Elia erano già una coppia affiatata quando li ho incontrati. Il loro rapporto si era forgiato fin dall’adolescenza attraverso peripezie legate ai graffiti. Per me che vengo da un universo completamente diverso, costellato di studi accademici di arte sovietica dedicati ad artisti morti, lavorare con loro è stata una tappa fondamentale. Una botta di vita, direi. Ho potuto non solo vedere e capire come lavorano gli artisti (da vivi), ma anche contribuire alla loro carriera e produzione. Li ho indirizzati verso il lavoro in serie tematiche e verso l’idea che una serie di lavori è il frutto di una ricerca storica, culturale e artistica. Ad ogni ricerca corrisponde un gruppo di opere. Quando essa volge al termine, magari dopo qualche anno, si passa alla successiva e di conseguenza a nuove opere, il cui linguaggio può segnare anche una forte discontinuità con quello precedente. Ma è la coerenza nel metodo della ricerca che tiene unita la produzione. Nel Collettivo 900, ognuno nel proprio ambito è quindi anche un ricercatore e uno studioso.

Leonardo ha un atteggiamento agonistico, ma è come un bomber brasiliano. Sul campo è una garanzia: quando entra in partita puoi stare certo che andrà in rete; fuori dal campo, invece… va riacchiappato. Elia ha un atteggiamento spirituale nei confronti dell’arte. Il suo è un percorso verso la ricerca dell’assoluto. Per lui dipingere significa meditare, significa innanzitutto conoscere se stesso. Le sue opere sono ipnotiche, richiedono di essere osservate a lungo, di essere assorbite. Sono porte per viaggi interiori. Elia è un artista riflessivo, introverso ed enigmatico. Nonostante la nostra assidua frequentazione, ci ho messo tanto per conoscerlo a fondo. E forse non lo conosco ancora del tutto. Tutti e tre messi insieme formiamo uno strano terzetto. Con Stefano Antonelli la squadra poi è al completo. Come recita il motto dei tre moschettieri e di D’Artagnan: “Tutti per uno, uno per tutti”».

Parliamo ora del progetto QM RIZZO – Quartiere Museale Rizzottaglia, che avete realizzato a Novara, sulle facciate delle case popolari di via Adamello. Quattro artisti (Leonardo Crudi, Elia Novecento, Luvol, CT) per quattro murales. In cosa consiste il progetto? Che opere avete realizzato? Quali sono state le sfide che avete dovuto affrontare?

Stefano Antonelli e Giovanni Argan: «Abbiamo inaugurato un progetto di “museoformazione urbana”: il tentativo è trasformare un quartiere in un museo, fornendo alla città una collezione di opere murali. Per la curatela abbiamo applicato idee maturate attraverso esperienze precedenti, come il quartiere museo San Paolo di Bari e il museo condominiale di Tor Marancia, a Roma. Questi quattro interventi sono il primo seme di un’idea e di una possibilità più ampia. Abbiamo affiancato due artisti di respiro nazionale, Leonardo Crudi ed Elia Novecento, a due legati al territorio piemontese, Luvol e CT. Abbiamo riunito quattro registri espressivi diversi, due relativi alla figurazione (pittura grafica e stencil) e due relativi all’astrazione (formalismo biomorfo e geometrico).

Il compito dei curatori è stato dare vita a questa collezione tenendo insieme qualità artistica e appartenenza al territorio. Questa è stata la sfida curatoriale: fare in modo che le rappresentazioni ponessero delle domande e stabilissero un rapporto con il luogo che le ospita. Chi abita il territorio dovrà provare ad abitare anche l’opera, altrimenti non ne comprenderà il senso.

Nel caso di Elia Novecento, il collegamento con Novara passa attraverso una poesia scritta da Dino Campana dopo la detenzione nel Castello di Novara, avvenuta nel 1917. Elia è un artista che scrive poesie e attraversa la poesia anche con la pittura. Nel suo murale All’infinito come negli occhi del prigioniero, mediante il proprio linguaggio, riporta sul territorio la poesia e la vicenda biografica di Campana. Il titolo, collocato sotto l’opera, introduce un riferimento preciso e invita a interrogarsi sul legame con quel luogo.

Anche l’operazione di Leonardo Crudi invita il territorio a interrogarsi sulla rappresentazione, ma lo fa attraverso elementi immediatamente riconoscibili. In Olga vediamo due mani e un aereo, un biplano. L’aereo ha le dimensioni per essere tenuto in mano, quindi è un oggetto piccolo, un giocattolo. Poi, in alto, compare un nome: Olga. Se volete, è quasi un rebus. Ci sono degli elementi da collegare e la domanda che permette di dare senso all’immagine è: chi è Olga?

È Olga Biglieri, una delle primissime donne aviatrici, nonché pittrice futurista. Conseguì il brevetto di volo a Novara nei primi anni Trenta. Attraverso questa rappresentazione Crudi consegna alla comunità la custodia di una storia capace di diventare motivo d’ispirazione. Significa che lo straordinario è possibile ovunque».

Leonardo Crudi: «Il lavoro che ho concepito per Novara, come faccio sempre, è un lavoro sul territorio. Insieme a Giovanni e Stefano, ho studiato la storia dimenticata di Olga Biglieri: un’artista d’avanguardia forte e coraggiosa. Aviatrice e aeropittrice futurista. Negli anni Settanta si è anche dedicata alla pittura urbana, realizzando dei murales. Calzava a pennello con la mia ricerca. Nell’opera ho coniugato la mia ricerca sui gesti con l’oggetto simbolo della storia dell’artista. Il biplano è tenuto dalle mani come fosse un giocattolo: è il simbolo del sogno di una bambina che si è avverato. La parte più difficile è stata ideare una composizione che riorganizzasse visivamente la facciata, scandita nella parte destra dalle finestre. Ho ideato un’immagine che innesca un movimento circolare, che spezza la quadrettatura delle finestre inglobandole nella composizione. Per tracciare i contorni di quest’opera immensa (il muro è alto all’incirca 28 metri e largo 12) ho usato il proiettore e ho iniziato la prima sezione al buio, poi ho continuato con la luce del sole nelle giornate successive. Quando lavori in altezza e con la luce del proiettore sparata addosso, non puoi vedere come stai andando: ti devi affidare all’esperienza e all’intuito. Nella composizione ho sfruttato il colore giallo di fondo e per questo non potevo fare errori».

Elia Novecento: «La mia pittura è poesia, la mia poesia è pittura. Per questo con i curatori abbiamo cercato una poesia legata al territorio. Abbiamo individuato una poesia di Dino Campana, La dolce Lombardia coi suoi giardini, scritta dopo un “soggiorno” nel carcere di Novara. Campana è stato un poeta maledetto e vagabondo, attivo nei primi decenni del Novecento. La sua vicenda biografica e il suo lirismo mi hanno affascinato. Il mio murale s’intitola All’infinito come negli occhi del prigioniero, un titolo che riprende un passaggio della sua poesia novarese. È un’opera di astrattismo biomorfo che si apre su una facciata cieca come una finestra. C’è un riferimento alle finestre di Tano Festa, finestre pittoriche che aprono uno sguardo sul mondo da parte di chi le guarda. L’ho concepita come un quadro. La differenza con le tele la fa solo il formato monumentale (28 × 12 metri all’incirca). Ho suddiviso questa finestra in riquadri. Anche se siamo nel dominio dell’astrazione, riconosco alcuni elementi simbolici ispirati dalla poesia di Campana: sulla sinistra la metà di una farfalla, che può richiamare una libertà spezzata; sulla destra un monte (il Monte Rosa) e un sole (settembrino). Per quanto riguarda l’esecuzione è stata una sfida tosta. Il fatto è che non avevo lo spazio per proiettare il bozzetto sulla facciata: sono dovuto andare a memoria e a “stile libero”. Una bella gatta da pelare. Ho tracciato tutto a mano libera con i gessetti per i bambini, mentre con l’altra mano manovravo il braccio meccanico. Mi hanno aiutato Giovanni e Stefano, che da sotto mi urlavano dove andare. Disegnare a mano libera però mi ha dato la possibilità di adattare il mio disegno al muro. Sono riuscito a conferire alle pennellate una morbidezza e una naturalezza che con la proiezione non avrei potuto ottenere».

Le due anime pittoriche del Collettivo 900 trovano una sintesi nella saggezza romanesca di Mario Brega in “Bianco, rosso e Verdone”: la loro pittura «po’ esse fero e po’ esse piuma». Mi raccomando, state attenti quando passate davanti ai loro murales.

Al centro della programmazione autunnale c’è Una stanza per Bene. Tracce di quattro lavori di Carmelo Bene, visitabile fino al 28 marzo 2027 nello Studio 2 del museo. Curata da Claudio Fazzini, Giuseppe Garrera e Federico Primosig, la mostra riunisce materiali inediti, soprattutto fotografici, recentemente ritrovati e provenienti da archivi e collezioni private. Il progetto ricostruisce quattro spettacoli realizzati dall’artista tra il 1959 e il 1974: Addio porco, Caligola, Salomè e S.A.D.E., opere che hanno contribuito a ridefinire il linguaggio teatrale del Novecento. Articolato in quattro capitoli, il percorso restituisce testimonianze di spettacoli che, per la loro natura radicale e anticonvenzionale, erano rimasti a lungo affidati soprattutto ai ricordi degli spettatori e ai racconti di chi vi aveva assistito. Fotografie e documenti, presentati per la prima volta al pubblico, permettono di ricostruire frammenti delle messe in scena e approfondire alcuni aspetti ancora poco conosciuti della ricerca di Bene, che attraverso la voce, il corpo e la parola ha messo in discussione i meccanismi tradizionali della rappresentazione e il rapporto tra attore e pubblico.

Dalla memoria del teatro a quella di un territorio, il programma prosegue nella Sala Video con we walk in our sleep dell’artista palestinese Noor Abed, presentato per la prima volta in Italia e curato da Alice Labor. Realizzato nel 2026 e girato in Palestina tra il 2025 e il 2026 in pellicola Super 8, il film è stato commissionato dalla Biennale Matter Of Art e dal BredaPhoto Festival, con la co-produzione della Han Nefkens Foundation e il supporto del Mondriaan Fund. L’opera si sviluppa attraverso i monologhi di due donne, le cui voci si incontrano e si allontanano, dando forma a una narrazione in cui il linguaggio diventa uno strumento di autodeterminazione. Le immagini attraversano paesaggi palestinesi segnati dalla storia, alternando scene di vita quotidiana a sequenze corali e movimenti ispirati ad antiche pratiche coreografiche. I corpi si muovono tra architetture secolari, resti urbani e luoghi attraversati dal lutto, costruendo una dimensione rituale che intreccia memoria, appartenenza e resistenza. Il film propone così una riflessione sulla possibilità di immaginare il territorio palestinese attraverso nuove forme di rappresentazione, al di là delle fratture del presente.

Sempre alla Palestina è dedicato il progetto ospitato nella Sala Audio, il Palestinian Sound Archive, fondato nel 2020 da Mo’min Swaitat e presentato al MACRO a cura di Alice Labor. L’archivio raccoglie, conserva e rende nuovamente accessibili musiche, voci e registrazioni provenienti dalla Palestina, con particolare attenzione al patrimonio musicale prodotto tra gli anni Sessanta e Novanta. Distribuito dall’etichetta discografica Majazz Project, il progetto lavora alla digitalizzazione di registrazioni sul campo e materiali sonori, presentati nelle versioni originali oppure attraverso reinterpretazioni e remix realizzati da DJ, artisti e musicisti contemporanei. Dalle celebrazioni tradizionali alle feste, dalle testimonianze della vita quotidiana alle musiche legate ai movimenti rivoluzionari, l’archivio ricostruisce una storia culturale attraverso il suono. Un lavoro che affronta questioni come lo sradicamento, la cancellazione culturale e la trasmissione della memoria, restituendo alla musica il ruolo di testimonianza e strumento di conservazione di un patrimonio collettivo.

Ad accompagnare le esposizioni è anche MACROCOSMO, il programma pubblico del museo. Il 12 novembre, alle ore 18, Matt Mullican ha presentato Representing the Work. 1972–2026, una lecture-performance ideata nell’ambito di un progetto curato da Piero Varroni per Studio Varroni – Eos Libri d’Artista. Attraverso immagini, opere e materiali video, l’artista ha ripercorso oltre cinquant’anni di ricerca, dai primi lavori del 1972 alle più recenti sperimentazioni con l’animazione digitale e la realtà virtuale. Un percorso che attraversa i sistemi di rappresentazione della realtà, i linguaggi simbolici e il rapporto tra percezione soggettiva e dimensione oggettiva. Il 21 novembre alle ore 19, il museo ospiterà inoltre una conversazione tra Noor Abed e Mo’min Swaitat, seguita da una sessione di ascolto del Palestinian Sound Archive. La selezione di tracce e vinili attraverserà generi diversi, dalla disco music al funk, dallo spoken word alla musica psichedelica beduina, fino al rock e al punk palestinese.

La programmazione proseguirà dal 10 dicembre 2026 con altri due progetti. Martino Gamper e Francis Upritchard saranno protagonisti di Almost Familiar, mostra curata da Cristiana Perrella che intreccia scultura e design attraverso una serie di interventi site-specific distribuiti negli spazi del museo. Sempre a dicembre arriverà F.O.O.L _Falling Out of Love: 2007–2027, la prima retrospettiva museale dedicata ad Alessandro Sciarroni, a cura di Elena Magini, concepita appositamente per la sala principale del MACRO. Dalle tracce ritrovate del teatro di Carmelo Bene alle immagini e ai paesaggi sonori palestinesi, fino alle sperimentazioni tra performance, scultura e design, la nuova programmazione del MACRO mette al centro le possibilità dell’arte di conservare, reinterpretare e trasmettere la memoria. Progetti differenti che condividono una riflessione sul rapporto tra rappresentazione e identità, mostrando come linguaggi e pratiche artistiche possano contribuire a ricostruire storie, esperienze e patrimoni culturali.

MACRO – Museo d’Arte Contemporanea di Roma
Via Nizza 138, Roma
Dal 12 novembre 2026
Una stanza per Bene: fino al 28 marzo 2027
Nuove mostre di dicembre: dal 10 dicembre 2026
www.museomacro.it

Un museo dal futuro per raccontare il patriarcato di oggi

Il percorso espositivo accompagna i visitatori attraverso reperti, diorami, installazioni interattive, fotografie e testimonianze. Gli oggetti e le consuetudini del 2026 vengono presentati come documenti storici di una società nella quale le disuguaglianze tra uomini e donne erano ancora profondamente radicate. La scelta del 2146 non è casuale: è l’anno indicato dal Global Gender Gap Report 2026 come riferimento per il raggiungimento della parità di genere, secondo le proiezioni richiamate dagli organizzatori.

L’esposizione affronta i meccanismi culturali che alimentano la violenza maschile contro le donne, gli stereotipi di genere e le discriminazioni nei confronti delle persone marginalizzate per la propria identità. Tra le novità dell’edizione napoletana figurano opere dedicate alla manosfera, l’insieme di comunità e contenuti digitali caratterizzati da ideologie maschiliste e atteggiamenti misogini, e al consumo consapevole delle informazioni.

ActionAid e The Jackal all’inaugurazione

L’apertura del museo ha visto la partecipazione di Aurora Leone, Donatella Messina e Martina Tinnirello, componenti del collettivo comico napoletano The Jackal e madrine dell’iniziativa. Alla cerimonia inaugurale hanno preso parte anche Katia Scannavini, co-segretaria generale di ActionAid, ed Emanuela Ferrante, assessora allo Sport e alle Pari Opportunità del Comune di Napoli, che ha concesso il patrocinio alla manifestazione. L’iniziativa coinvolge associazioni, centri antiviolenza e realtà femministe, con l’obiettivo di favorire il confronto pubblico sui rapporti di potere e sulle disuguaglianze ancora presenti nella società.

Misoginia sui social, la ricerca sulla manosfera

In occasione dell’inaugurazione, ActionAid ha presentato i risultati della ricerca “Suggerito per te. Manosfera, femosfera e prevenzione primaria della violenza di genere in Italia”, dedicata alla circolazione dei contenuti misogini sulle piattaforme digitali. Lo studio analizza in particolare la diffusione di messaggi maschilisti su Instagram e TikTok, evidenziando come questi contenuti non siano più confinati a comunità marginali. La ricerca richiama l’attenzione sul ruolo degli algoritmi di raccomandazione, attraverso i quali messaggi discriminatori possono raggiungere un pubblico più ampio, mescolandosi a video di intrattenimento, sport e consigli quotidiani. Il tema trova spazio anche nelle installazioni del museo, che invitano i visitatori a interrogarsi sul rapporto tra comunicazione digitale, stereotipi e violenza di genere.

Talk, workshop e spettacoli fino al 25 novembre

Accanto alla mostra, il MUPA propone un calendario di incontri, laboratori, lezioni, performance artistiche, spettacoli di stand-up comedy e appuntamenti musicali. Il programma è realizzato con la partecipazione di centri antiviolenza, associazioni e reti impegnate nella promozione dei diritti e della parità di genere. Sono previsti anche incontri con scrittrici e scrittori, organizzati nell’ambito di Librissima, il programma letterario della Santissima Community Hub sviluppato in collaborazione con Cratèra. L’obiettivo è utilizzare linguaggi diversi, dall’arte alla letteratura fino all’intrattenimento, per approfondire le dinamiche sociali che contribuiscono a mantenere le disuguaglianze.

MUPA Napoli, date, orari e ingresso gratuito

Il Museo del Patriarcato è ospitato alla Santissima Community Hub, in vico Trinità delle Monache 1 a Napoli, e resterà aperto fino a mercoledì 25 novembre 2026. L’ingresso è gratuito, ma è richiesta la registrazione online. Anche la partecipazione ai workshop e agli incontri è libera, fino a esaurimento dei posti disponibili. Chi prenota uno degli eventi può accedere automaticamente anche all’esposizione.

Cosa ti ha spinto a tornare a Ponte City e cosa presentate per la prima volta a Paris Photo?
Quando abbiamo iniziato a lavorare a Ponte City, a Johannesburg, nel 2008, nessuno dei due immaginava che saremmo stati ancora impegnati su questo progetto quasi vent’anni dopo. Il mio collaboratore è l’artista Mikhael Subotzky.Nel 2022 abbiamo avuto l’opportunità di esporre tutti i prototipi dei libri realizzati nel corso del progetto alla A4 Arts Foundation di Città del Capo. Abbiamo creato un’installazione temporanea che ripercorreva la storia di Ponte City attraverso il processo di realizzazione dei libri.Nel corso degli anni abbiamo lavorato con approcci diversi, dalla fotografia documentaria alle tipologie fotografiche sistematiche, passando per archivi ritrovati e materiali storici. La realizzazione dei libri è diventata un modo per mettere insieme questi diversi linguaggi e comprenderne le connessioni.Durante la mostra abbiamo iniziato a chiederci come trasformare quell’installazione temporanea in un’opera permanente. Volevamo creare qualcosa che conservasse la memoria del progetto, ma che allo stesso tempo invitasse le persone a esplorare, riorganizzare e interpretare i materiali in prima persona.È nata così la Ponte City Book Box, che presentiamo per la prima volta in Europa proprio a Paris Photo. Sviluppata attraverso una serie di workshop alla A4 Arts Foundation, raccoglie l’intero archivio dei prototipi editoriali, delle fotografie e degli altri materiali del progetto in quattro strutture modulari che possono essere aperte e riconfigurate.Può diventare una mostra, un archivio o uno strumento didattico, offrendo alle persone modi diversi di entrare in relazione con il lavoro.Presentiamo anche Combine, una nuova serie di collage in cui sovrapponiamo materiali d’archivio alle nostre fotografie originali, riprendendo un approccio che avevamo già sperimentato spesso nei prototipi dei libri.

Dopo quindici anni, cosa continua a rivelarti Ponte City che prima non riuscivi a vedere?
Dopo aver lavorato così a lungo su Ponte City, ci siamo resi conto di quanti modi diversi esistono per leggere l’edificio e la sua storia.Uno degli aspetti più interessanti dello sviluppo della Book Box è stato scoprire cosa gli altri riescono a trovare nel nostro lavoro. Abbiamo collaborato con studenti delle scuole di diverse comunità di Città del Capo, universitari, giovani urbanisti e ricercatori dell’African Centre for Cities dell’Università di Città del Capo.Ogni gruppo ha affrontato i materiali in modo diverso, creando collegamenti e ponendo domande che forse noi non ci saremmo mai fatti.Anche se abbiamo trascorso anni a documentare l’edificio, ci sono ancora persone capaci di mostrarci aspetti che non avevamo colto. È proprio questo che continua ad affascinarmi. Portare la Book Box a Parigi è un’altra occasione per scoprire come il lavoro venga letto e interpretato in un contesto differente.

Con la nuova Ponte City Book Box inviti il pubblico a costruire le proprie narrazioni. Quanto sei disposto a rinunciare al controllo sulla tua opera?
Una delle nostre ambizioni è proprio che le persone utilizzino la Book Box in modi che non avevamo previsto. Ci piacerebbe che diventasse qualcosa capace di esistere ed evolversi anche indipendentemente da noi.Durante i workshop alla A4 Arts Foundation abbiamo già visto persone avvicinarsi ai materiali con approcci che probabilmente non avremmo mai immaginato. Ed è stata una delle esperienze più gratificanti di tutto il processo.Abbiamo passato anni a raccogliere, organizzare e interpretare questi materiali. Ora ci interessa capire cosa succede quando diamo anche agli altri la possibilità di farlo.Per me non si tratta tanto di rinunciare alla paternità dell’opera, quanto di permettere che venga utilizzata e interpretata in modi che noi stessi non avremmo potuto prevedere.

Da Ponte City al tuo lavoro con le comunità aborigene australiane, esplori spesso il tema di chi possiede un’immagine e di chi ha il diritto di raccontarne la storia. Cosa continua ad attirarti verso queste domande?
Mi ha sempre interessato capire come le persone vedano e interpretino le fotografie che le ritraggono.Spesso pensiamo alla fotografia come a un gesto individuale, ma io credo che sia, per sua natura, un atto collaborativo. La persona fotografata porta sempre qualcosa di sé in quell’incontro, eppure raramente ha voce in capitolo su come l’immagine verrà utilizzata o interpretata.Questo tema è stato centrale in Restricted Images, un progetto che ho sviluppato insieme ad artisti e comunità Warlpiri dell’Australia centrale.Ho riportato le fotografie che avevo scattato nelle comunità in cui erano state realizzate e gli artisti sono intervenuti dipingendo direttamente sulle immagini, aggiungendo le proprie conoscenze e il proprio punto di vista.Si è creato così un secondo incontro, in cui le fotografie potevano essere rilette e trasformate.In un certo senso, con la Ponte City Book Box stiamo esplorando un’idea simile: creare un processo che permetta ad altre persone di entrare in relazione con il lavoro e contribuire con la propria interpretazione.Uno dei nostri obiettivi è riportare la Book Box proprio a Ponte City, affinché le persone che abitano l’edificio possano esplorare i materiali e aggiungere il proprio punto di vista.Quello che mi interessa, in entrambi i progetti, è capire come la collaborazione possa continuare anche dopo la realizzazione di una fotografia, permettendo al suo significato di evolversi attraverso le persone che la incontrano.

Al centro della selezione ci sono tre nomi che hanno lasciato un segno riconoscibile nell’immaginario di Louis Vuitton: Takashi Murakami, Frank Gehry e Yayoi Kusama. Le loro interpretazioni hanno trasformato modelli iconici della maison in pezzi unici o in edizioni limitate, oggi ricercati anche al di fuori del mercato della moda.

Murakami, Gehry e Kusama: le firme dell’asta

Tra i lotti più attesi figura la pochette Artycapucines Crystal Panda di Takashi Murakami, realizzata in soli 130 esemplari e decorata con oltre 6.000 cristalli Swarovski applicati a mano. Il pezzo, individuato come il principale della vendita, ha una stima compresa tra 20mila e 30mila dollari. La selezione comprende anche dieci borse della collezione Artycapucines VII, presentata ad Art Basel Paris nel 2025, e la Mini Tentacoli Artycapucines, prodotta in 95 esemplari e caratterizzata da una combinazione di rosa e bianco.

Il dialogo tra arte e accessorio assume forme differenti nelle creazioni di Frank Gehry. L’architetto ha portato nella collezione le proprie sperimentazioni scultoree, reinterpretando la silhouette delle borse attraverso forme organiche e volumi inusuali. Tra i pezzi proposti c’è una Mini Capucines a forma di pesce, realizzata in coccodrillo bianco e prodotta in appena venti esemplari, con una stima tra 10mila e 15mila dollari. Della selezione fa parte anche la pochette metallica Bear with Us, ispirata a una scultura dell’artista del 2014, mentre la Capucines Floating Fish richiama le lampade a forma di pesce progettate per la Fondation Louis Vuitton.

L’immaginario di Yayoi Kusama è invece riconoscibile in una borsa a forma di zucca, realizzata in pelle gialla e nera con il motivo Monogram e finiture argentate. Un riferimento diretto a uno dei soggetti più ricorrenti nella ricerca dell’artista giapponese, proposto con una stima tra 8mila e 10mila dollari.

Oltre vent’anni di contaminazioni tra arte e moda

Le opere in asta raccontano una storia che affonda le radici nei primi anni Duemila, quando, sotto la direzione creativa di Marc Jacobs, Louis Vuitton iniziò a coinvolgere artisti nella reinterpretazione dei propri accessori. Le collaborazioni con Stephen Sprouse e Takashi Murakami contribuirono a introdurre un nuovo modo di concepire il rapporto tra moda e arte, superando la tradizionale distinzione tra oggetto di consumo e creazione artistica.

Da allora, il modello delle partnership creative è diventato una componente importante dell’identità della maison e ha coinvolto personalità provenienti da discipline differenti. Il risultato è un insieme di oggetti che, oltre a conservare la funzione di accessori, documentano l’incontro tra linguaggi visivi e pratiche progettuali. La loro presenza sul mercato delle aste conferma inoltre come queste collaborazioni abbiano acquisito una dimensione collezionistica autonoma, alimentata dalla rarità degli esemplari e dalla notorietà degli artisti.

La vendita da Christie’s a dicembre

Prima dell’asta, una selezione delle borse sarà esposta nella sede newyorkese di Christie’s, al 20 Rockefeller Plaza, dal 7 al 17 novembre, nell’ambito della mostra pre-asta dedicata all’arte del XX e XXI secolo. La vendita online Handbags & Fashion: The New York Edit si svolgerà invece dal 25 novembre al 10 dicembre, con un’ulteriore esposizione delle creazioni dal 3 al 9 dicembre, durante la December Luxury Week.

«Questa collezione celebra una straordinaria fusione tra arte, moda e design, e l’idea che un’opera d’arte possa essere qualcosa che portiamo sempre con noi», ha dichiarato Rachel Koffsky Parker, responsabile internazionale di borse e accessori presso Christie’s.

Il 19 novembre Bukowskis presenta a Stoccolma Ser III No. 5, un dipinto del 1920 di Hilma af Klint, con una stima di 6–8 milioni di corone svedesi.

Le sue opere sono una rarità sul mercato. Hilma af Klint sviluppò un linguaggio pittorico profondamente originale, nel quale confluirono interessi spirituali, scientifici ed esoterici. Nella sua biblioteca figuravano gli scritti teosofici di Helena Petrovna Blavatsky, accanto alle opere di Rudolf Steiner.

La riscoperta della sua opera ha contribuito a modificare la ricostruzione delle origini dell’astrazione. L’opera, messa in asta a Stoccolma rappresenta, più che una rarità, l’incontro tra una vicenda artistica rimasta a lungo ai margini e un mercato che oggi le conferisce un valore importante.

New York. Il 17 novembre Christie’s propone nella 20th Century Evening Sale due opere con identiche stime di 60–80 milioni di dollari: Litzlbergkeller di Gustav Klimt, dipinto nel 1915–1916, e Betonte Ecken di Wassily Kandinsky, realizzato a Weimar tra dicembre 1922 e gennaio 1923. Le due opere appartengono a due momenti profondamente diversi della pittura europea. Klimt alla stagione conclusiva della secessione viennese mentre Kandinsky esplora un linguaggio astratto nel quale forme, colori e tensioni compositive acquistano autonomia. Christie’ concentra in un’asta due testimonianze fondamentali del primo Novecento.

Colonia. Il 21 novembre Lempertz propone due tavole del pittore tedesco del ‘400 Johann Koerbecke con una stima di 200.000 – 300.000 euro ciascuna. Separate nel 1936 le due opere ricompaiono insieme testimoniando la dispersione artistica e la complessità dei passaggi di proprietà

Singapore il 22 novembrela casa d’aste Hotlotz presenta Fine Jewellery, Part Two, una importante vendita di gioielli confiscati nell’ambito di una grande indagine su un caso di riciclaggio. L’inchiesta ha coinvolto beni sequestrati o congelati per complessivamente circa tre miliardi di dollari di Singapore. Nel regolamento per il pagamento è sottolineata la necessità dell’identificazione del compratore e della provenienza dei capitali.

Parigi. Il 17 novembre Artcurial presenta una testa egizia in diorite attribuita a Thutmose III, stimata 300.000–500.000 euro. La provenienza dalla collezione Charles Gillet richiama la storia del collezionismo europeo e il lungo percorso attraverso il quale un oggetto dell’antichità giunge al mercato contemporaneo.

Risultati d’asta

Ginevra testimonia una domanda particolarmente sostenuta per l’orologeria da collezione.

La Geneva Watch Auction XXIV, organizzata da Phillips il 7 e 8 novembre, ha registrato un risultato complessivo di circa 112,3 milioni di dollari, guanti bianchi con tutti i 217 lotti venduti e 24 record d’asta.

L’orologio F. P. Journe, Régence, è stato aggiudicato per circa 10,59 milioni di dollari confermando le grandi quotazioni di alcuni marchi di nicchia.

In apertura Wassily Kandinsky (1866–1944), Betonte Ecken, dicembre 1922 – gennaio 1923. Olio su tela, 130 × 130 cm. Stima: 60–80 milioni di dollari. Christie’s, New York, 20th Century Evening Sale, 17 novembre 2026. © CHRISTIE’S IMAGES LTD. 2026.

Collegamenti alle aste — 15–22 novembre 2026

1. 16/11 – Sotheby’s, New York — Vision: The Baum Collection
2. 16/11 – Sotheby’s, New York — The Now & Contemporary Evening Auction
3. 16/11 – Il Ponte, Milano — Arredi, Dipinti, Oggettistica, Arte orientale, Tappeti e Tessuti
4. 17/11 – Christie’s, New York — 20th Century Evening Sale
5. 17/11 – Phillips, New York — Modern & Contemporary Art Evening Sale
6. 17/11 – Artcurial, Parigi — Archéologie & Arts d’Orient
7. 17/11 – Dorotheum, Vienna — Modern Art
8. 17/11 – Dreweatts, Newbury — Vagabond: Chapter One
9. 17/11 – Bruun Rasmussen, Copenaghen — Fine Art
10. 18/11 – Sotheby’s, New York — Modern Evening Auction
11. 18/11 – Bonhams, Londra — Modern British and Irish Art
12. 18/11 – Dorotheum, Vienna — Contemporary Art I
13. 18/11 – Stockholms Auktionsverk, Stoccolma — The Modern Art Sale
14. 19/11 – Bukowskis, Stoccolma — Modern Art & Design Autumn 2026
15. 19/11 – Fraysse & Associés, Parigi — Collezione Madame Michel Doré
16. 19/11 – Ansuini, Roma — Gioielli, Orologi, Argenti e Vintage
17. 20/11 – Millon, Parigi — Europe de l’Art Nouveau
18. 20/11 – Van Ham, Colonia — Fine Art
19. 21/11 – Lempertz, Colonia — Old Masters and 19th Century
20. 22/11 – Hotlotz, Singapore — Fine Jewellery, Part Two

«Io e Benedetta Carpi De Resmini lavoriamo insieme da molti anni all’interno di Latitudo Art Projects, una realtà che si occupa di arte contemporanea, progettazione culturale e soprattutto di sviluppare progetti artistici capaci di creare un rapporto diretto con i territori e con le comunità che li abitano. Latitudo fa parte di Magic Carpets fin dalla sua nascita, nel 2017. Il concept stesso della piattaforma è stato ideato da Benedetta, a partire dall’immagine del tappeto volante, capace di attraversare confini, collegare luoghi lontani e trasportare storie», racconta Farfaglio. Negli anni, Latitudo Art Projects ha costruito numerosi progetti, lavorando con artisti internazionali, associazioni, biblioteche, scuole e comunità locali, soprattutto nei quartieri di Roma, spesso ai margini. L’idea di ospitare nella Capitale una delle mostre finali della piattaforma nasce proprio da questo lungo percorso, che ha avuto una tappa importante in Magic Carpets Landed del 2021, mostra internazionale a Kaunas, in Lituania, che aveva concluso il primo ciclo di esperienze e accompagnato l’avvio di Kaunas, Capitale Europea della Cultura 2022. «Sottolineo che si basa tutto sulla collettività, attraverso il confronto tra tante persone, sensibilità e professionalità diverse, una delle cose più belle di Magic Carpets», afferma Farfaglio.

I Custodi della Soglia è prima di tutto un progetto, che trova nella mostra una delle sue forme di espressione, ma anche un punto di convergenza, in cui esperienze artistiche nate in luoghi e momenti diversi possono dialogare tra loro e tornare a relazionarsi con il pubblico. «Da qui è iniziato un percorso di scambio con gli altri curatori della piattaforma, che ha portato alla costruzione di una esposizione condivisa. La co-curatela è stata fondamentale, perché ha permesso di mettere insieme sguardi, approcci e provenienze differenti. Il concetto della soglia è emerso proprio come elemento capace di tenere insieme le diverse ricerche. La soglia significa passaggio, ma anche attesa, trasformazione, incontro. Può rappresentare un confine che separa, ma anche uno spazio che permette di avvicinarsi all’altro», prosegue Paola Farfaglio.

Il programma prevede performance, workshop, incontri, momenti di confronto e attività aperte al pubblico. Benedetta Carpi De Resmini approfondisce il significato del progetto: «La soglia è un concetto centrale, non perché rappresenta uno spazio di passaggio, ma perché è una condizione di possibilità. Credo che l’arte abbia una relazione profonda con essa, perché la stessa è una pratica di attraversamento. La dimensione partecipativa, per Magic Carpets, è fondamentale. La soglia non è soltanto teoria, ma uno spazio concreto di rapporto tra artista e comunità, esperienze individuali e narrazioni collettive, territori e appartenenze differenti. L’arte può commutare un confine in un luogo di cura e di eventualità».

Sul ruolo delle pratiche partecipative torna Farfaglio: «Sono il cuore stesso del nostro modo di lavorare con gli artisti in residenza. Lasciamo uno spazio aperto per far conoscere il territorio affinché la comunità possa contribuire realmente allo sviluppo della loro creatività. La partecipazione richiede tempo e disponibilità a cambiare idea e, a volte, anche ad accettare che il progetto prenda una direzione diversa da quella immaginata inizialmente. L’artista, che non è più soltanto qualcuno che produce un’opera da presentare a un pubblico, diventa una persona che entra in relazione, condivide un’esperienza e che, a sua volta, è trasformato da essa. Con questa esposizione vorremmo portare questo stesso tipo di spirito; il significato più profondo che attribuiamo al titolo è che non esiste un unico custode, artisti o curatori, possiamo esserlo tutti, ogni volta che scegliamo di ascoltare, accogliere o lasciare aperta una possibilità di colloquio». La mostra si svolgerà a La Vaccheria, uno spazio situato in un contesto urbano decentrato. La scelta non è casuale: il team di Magic Carpets è abituato a interagire con il territorio e portare il progetto in un luogo di confine, all’interno di un quartiere in cui la piattaforma ha già lavorato, assume il valore di un gesto curatoriale e, in qualche modo, politico.

Il percorso espositivo si sviluppa in quattro sezioni: Appartenenze instabili, Ecologie intrecciate, Atti di resistenza e Trasformarsi, nelle quali sono messe in dialogo opere e progetti nati nel corso delle diverse esperienze di Magic Carpets. «Quello che ci interessava non era di seguire un ordine cronologico o geografico, quanto cercare dei punti di contatto tra ricerche nate in luoghi e momenti diversi. Il lavoro di co-curatela è partito anche da qui: dal confronto tra le pratiche degli artisti, dalle storie incontrate durante le residenze e dalle questioni che emergevano dai diversi progetti», spiega Paola Farfaglio. Benedetta Carpi De Resmini aggiunge: «L’idea era quella di identificare alcuni nuclei tematici comuni. Ciascuna sezione affronta, da una prospettiva differente, il concetto di soglia tra identità individuale e collettiva, tra essere umano e ambiente, tra visibilità e marginalità, tra ciò che siamo e ciò che possiamo diventare; sono territori permeabili, che si percorrono e si contaminano reciprocamente». Per raccontare le quattro sezioni abbiamo scelto un artista per ciascuna, attraverso opere che restituiscono le diverse declinazioni del concetto di soglia. Per Trasformarsi, Filippo Riniolo, con In Attempt of a Poem, è tornato all’Iliade e all’Odissea per rimettere mano a un racconto delle origini e attualizzarlo attraverso una riflessione sulla nostra identità. Riniolo ricorda: «Nel 2022, a Istanbul, nel quartiere di Kurtuluş, ho invitato le comunità artistiche queer a riscrivere con me alcuni episodi nel segno del nóstos, il racconto del ritorno, e a cantarli insieme».

Per Atti di resistenza, Gaia Scaramella racconta il proprio interesse per quel territorio in cui il personale incontra il collettivo e il corpo incontra la società. In Milk, la cura diventa una riflessione sulle disuguaglianze e sul diritto alla sopravvivenza attraverso il tema del mancato allattamento. In Nest il Nido si richiama un’idea universale di protezione, appartenenza e riparo, ma anche di raccolta sociale. Con F.A.M.E., attraverso il linguaggio dell’infanzia e del gioco, l’artista affronta il tema della fame e dell’ingiustizia legata alla carenza di cibo. Per Appartenenze instabili, URKA racconta la genesi del proprio lavoro: «Il mio lavoro The Yourself Library nasce da una suggestione di J. L. Borges, che nel racconto de La biblioteca di Babele immagina un’immensa biblioteca composta da stanze esagonali che contengono infiniti libri. E l’esagono è la forma stessa della soglia: approssimazione ad una circonferenza impossibile e scarto tra finitudine ed infinità del mondo […] Nella mia installazione ho voluto instaurare un dialogo tra il conosciuto e l’inconoscibile, il corpo e la mente, la materialità della foresta, il luogo misterico e ancestrale delle radici e l’immaterialità della percezione e del sogno, lo spazio delle infinite possibilità».

Per Ecologie intrecciate, Giulia Iacolutti, con I’m Falling Down, realizzato durante la residenza a Malta, concentra la propria riflessione sugli ecosistemi costieri del Parco Naturale di Il-Majjistral e sulla torre di avvistamento di Għajn Tuffieħa. L’artista racconta: «Un’architettura storicamente concepita per osservare e controllare il territorio diventa il luogo attraverso cui interrogare la vulnerabilità umana di fronte ai processi naturali. Il possibile crollo della torre non è interpretato come perdita, ma come trasformazione, come possibilità di sottrazione al dominio umano e di riattivazione di nuovi cicli ecologici». Una riflessione che trova espressione anche nell’allestimento dell’opera. A tenere insieme le diverse ricerche è dunque l’idea della soglia come spazio di relazione e trasformazione, un confine che non separa necessariamente, ma può diventare occasione di incontro. Come concludono Benedetta Carpi De Resmini e Paola Farfaglio: «Crediamo che le opere di questa mostra abbiano in comune proprio questa vocazione al transito. L’artista, e con lui l’opera, fa da cardine: tiene la soglia socchiusa e la rende porosa. È in quello spazio intermedio che l’identità trova il modo di ridefinirsi».