Non soltanto una parata artistica, dunque, ma un percorso pensato per mettere in relazione luoghi e significati: partire da uno spazio dedicato alla cultura e all’educazione, attraversare Roma e raggiungere infine il fiume. Un modo per riportare simbolicamente la comunità verso il Tevere e il Tevere dentro la vita della città.

L’arrivo al Marevivo Floating Hub ha segnato l’avvio del Villaggio ambientale e del programma di Riscarti, inserito quest’anno nella manifestazione TEVEREDAY. Fino al 10 ottobre il Festival propone mostre, installazioni, performance, laboratori e momenti di confronto nei quali arte contemporanea, riciclo e sostenibilità diventano linguaggi differenti per affrontare una stessa questione: la trasformazione del rapporto tra esseri umani e ambiente.

Diretto da Marlene Scalise, Riscarti coinvolge artisti, architetti del paesaggio e biologi, puntando su una dimensione interdisciplinare. Tra gli artisti e i collettivi indicati nel programma figurano Bruno Melappioni, Selenia Marinelli, Alessia Nardi, Fabio Papi, Romolo Basili, Telling Roses, Scart4Art e Synaptica Project. Alcune opere sono state concepite per dialogare direttamente con l’acqua e con lo spazio fluviale: lavori che fluttuano, galleggiano oppure rimangono sospesi, trasformando il Tevere da semplice scenario a parte del racconto artistico.

Al centro di SEArculART c’è soprattutto l’acqua, osservata come risorsa da tutelare e come elemento attraverso il quale leggere gli effetti delle trasformazioni climatiche. «I corpi sono infatti i primi luoghi in cui diventano percepibili le trasformazioni ecologiche. Le condizioni ambientali ci attraversano e i confini tra corpo e ambiente sono indistinti», ha spiegato Scalise nel presentare il progetto. L’obiettivo, ha aggiunto, è costruire «un’esperienza capace di unire arte pubblica, partecipazione, educazione ambientale e tutela dell’acqua in un unico grande evento».

Il programma non si esaurisce con le opere. Sono previsti anche incontri dedicati al confronto tra scienza, biologia, sostenibilità, economia circolare e arte, con appuntamenti il 7 e il 10 ottobre alle 17 nella sede di Marevivo. La manifestazione gode inoltre del patrocinio della Commissione Nazionale Italiana per l’Unesco.

Fumettista, animatore, illustratore e graphic designer, Zezelj – che ha studiato pittura classica, scultura e stampa presso l’accademia di Belle arti di Zagabria, è tornato con un graphic novel «potente e necessario», come lo descrive Eris Edizioni. Con la casa editrice torinese l’artista croato ha già realizzato sette volumi a fumetti: Babilon (2017); Cappuccetto Rosso Redux (2018); Days of Hate, atto primo e Days of Hate, atto secondo (entrambi pubblicati nel 2019); Fractalia: frammenti di Vincent Van Gogh (2020) e Il capo dei cervi (2022). Quattro anni dopo è la volta di Guerra giusta (cartonato, 104 pagine in bianco e nero, 25 euro) che conferma la sua innata capacità di fondere, con estrema abilità, narrazione e ricerca visiva. Ambientato in un territorio di guerra, in un tempo sospeso, la vicenda raccontata da Zezelj per immagini e parole segue la storia segue Vanja e Vanja, un ragazzo e una ragazza con lo stesso nome, che affrontano i rischi del conflitto in atto come se fosse un gioco.

In questo scenario tanto instabile quanto frammentato, tra i calcinacci di edifici distrutti (“bello è il brutto e brutto è il bello. Voliamo nella nebbia e l’aria sporca”) l’autore del volume – che vive e lavora tra Brooklyn e Zagabria – tratteggia la sopravvivenza come una sfida costante, tra realtà ed evasione dalla stessa. Così, con la leggerezza (incoscienza?) della loro gioventù, sia in senso fisico sia emotivo, i due protagonisti di “Guerra giusta” attraversano il mondo in decadenza. Fugaci, ma non per questo poco profondi, momenti di condivisione, di tenerezza, di divertimento ed evasione (“ho sempre desiderato essere una farfalla”) nonostante tutto, saltando sulle macerie attorno a loro. È solo una “guerra giusta” (appunto), una delle tante di un presente caratterizzato da conflitti che devono essere portati avanti. Ma anche di genocidi giustificati (ci ricorda qualcosa?), di realtà virtuale, di democrazia selettiva, di grida che faticano a farsi udire.

L’intera opera di Zezelj – maestro indiscusso del bianco e nero, i suoi lavori sono stati pubblicati in tutta Europa e in America, con case editrice di prim’ordine, ruota attorno alla figura dell’ossimoro, chiave concettuale che attraversa ogni livello della narrazione (“sono una tigre buona. Un ossimoro. Ladro onesto. Piccolo gigante. Sorriso triste. Villaggio globale”). Il titolo stesso del graphic novel simbolizza la tensione tra opposti, restituendo al lettore una riflessione profonda sul tema, decisamente attuale, della guerra e del linguaggio con cui la si racconta. Nella postfazione del volume, la webmaster e graphic designer Marianne Dubacq scrive: «Forse la natura di quest’opera, in fondo, ci provoca mettendoci di fronte al nostro riflesso sociale, che contiene fonti inverificabili, molteplici voci che si annullano a vicenda. Come uscire dal prisma attraverso il quale la verità ci viene raccontata». Una lettura come Guerra giusta può essere un buon punto d’inizio per trovare le risposte che cerchiamo.

Info: www.erisedizioni.org

Quando un simbolo cambia prospettiva

L’idea alla base del progetto parte dalla forma stessa dello scudo Dom Pérignon. La sua simmetria centrale richiama una struttura che può essere osservata, replicata e trasformata. Hirst la utilizza come un modulo, riproducendola più volte fino a costruire un’immagine nella quale il singolo elemento perde la propria autonomia per contribuire a una composizione più complessa. È un procedimento che appartiene anche alla ricerca dell’artista. Nei suoi Kaleidoscope Paintings, infatti, elementi singoli vengono assemblati secondo strutture geometriche concentriche. Le opere originali della serie sono state realizzate utilizzando ali di farfalla, organizzate in configurazioni caratterizzate da una forte simmetria.

Il passaggio dallo scudo al caleidoscopio non è quindi soltanto una scelta decorativa. Il progetto mette in relazione due pratiche basate sulla combinazione di elementi diversi. Nel lavoro di Hirst, frammenti individuali diventano una nuova immagine; nella produzione di Dom Pérignon, l’assemblaggio delle uve di una determinata annata contribuisce alla costruzione del profilo del Vintage. È questo il punto di contatto individuato tra l’artista e la Maison: non la semplice sovrapposizione tra arte e Champagne, ma un modo affine di concepire la composizione.

Due vini, due tavolozze

Il progetto cambia aspetto a seconda della cuvée. Per il Dom Pérignon Vintage 2018 prevalgono blu intensi e sfumature violacee. La Maison associa questa palette all’idea di infinito e spiritualità, mentre il disegno caleidoscopico ne accentua la profondità visiva. Il Rosé Vintage 2010 sceglie invece tonalità più calde. Rosa, rosso e magenta accompagnano la bottiglia e il coffret, creando un collegamento cromatico con il Pinot Noir, protagonista nell’interpretazione del Rosé. La differenza tra le due versioni non modifica il linguaggio della collezione: in entrambe, lo scudo viene ripetuto e integrato nella composizione. Cambia invece l’atmosfera, affidata principalmente alla palette cromatica. Anche le confezioni regalo sviluppano il motivo su una superficie più ampia, con lo scudo evidenziato al centro in una finitura argentata. Sulle bottiglie, il collarino nero riporta la firma di Hirst insieme alla dicitura Limited Edition.

Damien Hirst, un artista della trasformazione

La collaborazione con Dom Pérignon si inserisce nella lunga ricerca di Hirst sui temi della vita, della morte, della bellezza e della percezione. Nato a Bristol nel 1965, Hirst è emerso sulla scena britannica alla fine degli anni Ottanta. Nel 1988, mentre studiava al Goldsmiths College di Londra, organizzò Freeze, una mostra che sarebbe diventata uno dei riferimenti nella nascita della generazione degli Young British Artists. Nel corso della sua carriera ha utilizzato materiali e tecniche molto diversi, sviluppando un linguaggio immediatamente riconoscibile. Le opere con animali conservati in formaldeide appartengono alla fase più provocatoria della sua ricerca, mentre serie come Spot Paintings, Spin Paintings e Kaleidoscope Paintings mostrano il suo interesse per la ripetizione, il colore e le strutture modulari. Il caleidoscopio occupa in questo percorso una posizione particolare perché trasforma la ripetizione in un processo di continua variazione. La stessa unità può ricomparire numerose volte, ma la sua posizione all’interno della composizione modifica ogni volta la percezione dell’insieme. È proprio questo principio a essere trasferito sull’emblema di Dom Pérignon.

Un altro capitolo nel rapporto tra Champagne e cultura contemporanea

Hirst non è il primo artista a confrontarsi con l’identità visiva della Maison. Dom Pérignon ha costruito negli anni una lunga serie di collaborazioni con esponenti dell’arte, del design, della moda, della musica e della cultura pop. Il percorso ha avuto una particolare accelerazione dal 2005, con il coinvolgimento di Karl Lagerfeld, e ha successivamente interessato nomi come Andy Warhol, Marc Newson, Jeff Koons, Jean-Michel Basquiat, Takashi Murakami, David Lynch, Lenny Kravitz e Lady Gaga. La collaborazione con Hirst prosegue questa tradizione attraverso un approccio che parte direttamente da un elemento dell’identità della Maison. Lo scudo non viene messo semplicemente accanto all’opera dell’artista: diventa materia per una nuova composizione. È qui che la Limited Edition assume il suo significato più interessante. La bottiglia conserva tutti gli elementi che la rendono immediatamente riconoscibile, ma li sottopone a un processo di trasformazione. Un simbolo statico diventa un motivo in movimento; un’etichetta diventa una superficie artistica; una forma conosciuta viene osservata da una prospettiva diversa.

Il percorso tra arte e nuove visioni

Sono 24 le gallerie e gli spazi indipendenti coinvolti nell’edizione 2026: ABC-ARTE Genova | Milano, Archivio Caterina Gualco, Artroom, Campo XS, Casana 11, C+N Gallery CANEPANERI, GALLERIA ARTE STUDIO, Galleria d’Arte Merighi, Galleria La Madeleine, Galleria San Lorenzo al Ducale, GUIDI Arte Contemporanea, Guidi&Schoen Arte Contemporanea, Galleria d’arte Il Vicolo, Leonardi V.idea, MAGREEN GALLERY, MAIIIM Lab, Massone Arte, Pinksummer, RARO, ROSSETTI arte contemporanea, SHAREVOLUTION contemporary art, Studio Incantations, VisionQuesT 4rosso e Willy Montini Arte.

L’itinerario può cominciare da ABC – ARTE, con What’s the most incredible thing you’ve done?, mostra dedicata alla ricerca iperrealistica di Bertozzi & Casoni. La ceramica diventa qui un mezzo per parlare di memoria, consumo, tempo e trasformazione, attraverso una rappresentazione del reale che porta gli oggetti quotidiani in una dimensione straniante. All’Archivio Caterina Gualco, Custode della Visione riunisce Mauro Ghiglione, Mauro Panichella e Angelo Pretolani in un tributo all’attività di Caterina Gualco, figura centrale della scena artistica contemporanea genovese. Ad Artroom, Campo aperto porta invece il pubblico dentro una collettiva interattiva che mette in dialogo cultura pop e paesaggio urbano. È un rapporto più ampio con il territorio quello affrontato da Campo XS con Koris, installazione site specific a cura di Martina Angelotti, dove scultura, luce e profumo diventano strumenti per ragionare su logistica globale, territorio e tensioni geopolitiche.

Da Casana 11, Luci Sul Mare. Un viaggio tra luce, acqua e immaginazione guarda alla città attraverso la Lanterna e il suo rapporto con il mare. C+N Gallery CANEPANERI si sposta invece su un gruppo di giovani artisti internazionali con Inner Bank, collettiva curata da Stefano Castelli e Tatiana Martyanova, che intreccia memoria, natura e materia. Alla GALLERIA ARTE STUDIO, Attimi senza fine di Ale Puro sceglie un registro poetico per raccontare l’anima musicale di Genova. Alla Galleria d’Arte Merighi, Night & Day – Differenti Visioni lavora invece sul rapporto tra città e arte, costruendo un ambiente immersivo nel quale giorno e notte diventano due momenti della stessa narrazione. La Galleria La Madeleine presenta Geminazione di Gian Mario Conti, un progetto nel quale pittura, disegno, materia e suono si incontrano intorno alle reti invisibili che attraversano la vita. Alla Galleria San Lorenzo al Ducale, Emanuele Luzzati: un mondo magico ripercorre l’universo fantastico del Maestro attraverso una mostra antologica.

Da GUIDI Arte Contemporanea, Nexus intreccio segreto di Madalena Negrone porta l’attenzione sulle trame della materia e sulle loro manifestazioni frammentarie. Guidi&Schoen Arte Contemporanea propone invece il Group Show Grande grande grande, nel quale le dimensioni delle opere diventano parte integrante della riflessione sui limiti fisici, culturali e mentali dell’arte. Il paesaggio ritorna da Galleria d’arte Il Vicolo, con Kìpos di Mirko Baricchi. Le opere inedite dell’artista trasformano la tela in un luogo da attraversare con lo sguardo, tra gesto, luce e materia. All’Archivio Leonardi V.idea, Arte Ricercata, ovvero La ricerca dell’Arte di Andrea Morini riflette invece sulla natura sfuggente dell’opera e sull’idea dell’arte come qualcosa che deve essere continuamente cercato. Alla MAGREEN GALLERY, HeroEs riunisce fotografia, installazione e disegno intorno ai temi dell’eros e degli eroi dell’immaginazione e dell’arte.

Il percorso prosegue negli spazi del MAIIIM Lab, dove From a distance di Susanne Hofer interviene sullo spazio attraverso proiezioni e installazioni, coinvolgendo lo spettatore nel processo stesso del vedere. Alla Massone Arte, Salva Te Stessa – omaggio a Beato Angelico di Aidan Salakhova mette in relazione il passato e il contemporaneo. La tradizione rinascimentale diventa il punto di partenza per una riflessione sull’emancipazione femminile. Alla Pinksummer, Bojan Šarčević presenta What remains is the threat, attraverso frammenti architettonici che interrogano la persistenza della violenza e il modo in cui può diventare parte delle strutture che abitiamo. Da RARO, Oltre riunisce PAMCOC e Matteo Beltrami in una mostra a quattro mani. Tela, carta, oggetti e parole costruiscono un percorso intorno a sensualità, desiderio e vulnerabilità.

Il cerchio è invece il punto di partenza di Emily Bartlett: The Circle, alla ROSSETTI arte contemporanea. La figura geometrica diventa una chiave per entrare nel mondo interiore dell’artista e affrontare temi come trasformazione, continuità e armonia. Alla SHAREVOLUTION contemporary art, Tributo all’Inespresso presenta i ritratti simbolici di Gian Luca Groppi, dedicati a letterati, artisti e pensatori che si sono tolti la vita e alla dimensione ancora inespressa della loro produzione. Studio Incantations porta in mostra La cosa accadde, con disegni e schizzi inediti di Enzo Ferrea, legati alla ricerca dell’artista sulla ripetitività e sullo studio delle forme. Con N78°E15° – Svalbard, the coordinates of a frozen world, VisionQuesT 4rosso ospita le fotografie di Roberta Pagano dedicate alle Svalbard, al paesaggio artico e ai suoi abitanti. Un mondo sospeso e primordiale che diventa occasione per interrogare il rapporto tra uomo e natura. A Willy Montini Arte, infine, James Brown: you see dust and dunkeys rende omaggio al pittore californiano attraverso dipinti, disegni e sculture degli anni ’80 e ’90, gli anni dell’East Village di New York. Alcune delle opere esposte non sono mai state presentate in Italia.

Le performance: quando le gallerie diventano luoghi di incontro

Accanto alle mostre, il programma di START comprende una serie di appuntamenti dal vivo. All’Archivio Caterina Gualco, Angelo Pretolani presenta ogni giorno la performance Humilitas occidit superbiam. Venerdì 2 ottobre alle 19.00, da Guidi&Schoen Arte Contemporanea, il musicista elettronico genovese My Flowersarà protagonista di un dj set e presenterà in anteprima il nuovo singolo My Flower, Fat Cosmoe – I LL be hurry, in uscita per Habitat Records. Alla Galleria La Madeleine, Gian Mario Conti porta invece la musica direttamente dentro Geminazione. La performance sonora, in programma venerdì 2 ottobre alle 19.00 e alle 21.00 e sabato 3 ottobre alle 17.00 e alle 19.00, è accompagnata dalla voce di Gina Ingrassia, che leggerà un testo inedito pensato come chiave poetica e filosofica per le opere esposte.

START costruisce così una geografia temporanea dell’arte contemporanea genovese: 24 luoghi distribuiti nel tessuto della città, oltre 50 artisti e un programma che, quest’anno, non si ferma alla notte inaugurale ma accompagna il pubblico fino alla mattina di domenica. Un invito, più che a seguire un percorso prestabilito, a perdersi tra le strade del centro storico e scoprire cosa accade, da una galleria all’altra, quando Genova diventa per un weekend un museo diffuso.

Il meccanismo prevedeva condizioni precise. Per ciascun lavoro era stata stabilita una somma minima destinata a Longcraft; gli acquirenti avrebbero dovuto versare direttamente il denaro alla società prima di entrare in possesso dell’opera, mentre l’eventuale eccedenza sarebbe rimasta alla galleria come commissione. Gupta doveva inoltre tenere aggiornati i registri sulla collocazione dei lavori, comunicare vendite e prezzi e consentire a Longcraft di ispezionare la collezione. Lo stesso dealer aveva garantito personalmente gli obblighi assunti dalla galleria. Secondo Longcraft, però, nei mesi successivi il rapporto si sarebbe progressivamente deteriorato. Nella richiesta presentata alla New York Supreme Court, la società sostiene di non aver ricevuto i proventi di alcune vendite e di aver incontrato difficoltà nel ricostruire con precisione quali opere fossero state cedute e dove si trovassero quelle ancora disponibili. Sono accuse che, allo stato attuale, provengono dalla parte ricorrente e sulle quali Gupta e la galleria non hanno ancora depositato una risposta formale.

Tra le contestazioni più significative compare anche il presunto tentativo di sostituire alcuni lavori con opere di valore inferiore degli stessi artisti. In un caso, sostiene Longcraft, un suo rappresentante si sarebbe presentato per ritirare un’opera ricevendone invece un’altra meno preziosa. In un’altra circostanza, i registri sarebbero stati modificati associando a un numero d’inventario originario un lavoro più piccolo e di minor valore. Longcraft afferma di non aver mai autorizzato queste sostituzioni. Ci sarebbero poi dubbi sulle condizioni di conservazione. La società sostiene di aver chiesto in agosto di effettuare una verifica fisica della collezione senza ottenere accesso e di aver successivamente appreso che alcune opere necessitavano di interventi di restauro o riparazione. Parte dei lavori, secondo le accuse contenute nella petizione, sarebbe stata inoltre conservata in uno spazio interessato da infiltrazioni d’acqua e muffa.

La situazione sarebbe diventata ancora più delicata alla scadenza dell’accordo di conto vendita. Longcraft sostiene che la galleria avrebbe dovuto imballare e restituire le opere rimaste, cosa che non sarebbe avvenuta. La società afferma inoltre di aver scoperto che almeno quattro lavori erano stati venduti attraverso Artsy senza che le fossero trasferiti i relativi proventi, mentre circa altre due dozzine di opere risultavano ancora proposte sulla piattaforma nonostante la richiesta di restituzione della collezione. Il 28 settembre Longcraft si è quindi rivolta al tribunale chiedendo un intervento d’urgenza in vista dell’arbitrato destinato ad affrontare il merito della controversia. La giudice Melissa Crane ha accolto una parte della richiesta: con un provvedimento firmato il 29 settembre e depositato il 1° ottobre 2026, ha vietato temporaneamente a Gupta e alla galleria di commercializzare, vendere, trasferire o comunque interferire con gli interessi di Longcraft sulle opere. Non è stata invece, almeno per ora, disposta la rimozione della collezione dalla disponibilità della galleria e il suo trasferimento in un deposito indipendente.

Il legale di Gupta, Oliver Soleiman, ha contestato la ricostruzione di Longcraft, dichiarando ad ARTnews che la petizione sarebbe in larga parte priva di fondamento e conterrebbe diverse inesattezze. Sarà ora il procedimento a chiarire le rispettive posizioni: la risposta di Gupta alla richiesta di Longcraft è prevista entro il 22 ottobre, mentre la replica della società è fissata per il 12 novembre. L’udienza è in calendario il 27 novembre a Manhattan. La controversia arriva dopo alcuni anni complessi per la Kavi Gupta Gallery, un tempo presenza abituale nelle principali fiere internazionali e rappresentante di artisti approdati a manifestazioni come la Whitney Biennial, Documenta e la Biennale di Venezia. Nel 2023 l’artista Jeffrey Gibson aveva avviato un’azione legale contro la galleria per somme che sosteneva gli fossero dovute dalla vendita delle sue opere, contestazioni alle quali la galleria aveva replicato. Nel gennaio 2026 Gibson ha inoltre depositato una nuova azione relativa al rispetto dell’accordo transattivo raggiunto nel frattempo. Resta invece riservata l’identità delle circa 150 opere coinvolte nell’ultima controversia: Longcraft ha oscurato gli elenchi allegati agli accordi, sostenendo che la loro divulgazione potrebbe avere conseguenze sul mercato dei lavori.

Come è nato Studio Iya e qual era l’idea iniziale?
Studio Iya è nato dal desiderio di creare oggetti collocabili in uno spazio intermedio tra design e arte. La mia formazione è nel design, quindi sono sempre stata interessata al modo in cui le persone interagiscono con gli oggetti e con gli spazi. Ma ci tenevo ad andare oltre una progettazione pensata esclusivamente per la funzione o per la produzione commerciale. Lo studio è diventato uno spazio di sperimentazione, un luogo in cui poter esplorare materiali, forme, simboli e idee senza essere vincolata dalle categorie convenzionali del design. Studio Iya crea oggetti da collezione dotati di una forte identità emotiva e concettuale, pezzi che esistono autonomamente anche come opere d’arte.

Quando inizi a sviluppare un nuovo pezzo, da dove parte il processo?
Il più delle volte parte da un’idea o da un’osservazione. Sono molto ispirata dalla natura, in particolare dalle sue forme, dai suoi sistemi e dalla sua capacità di adattarsi. Potrei imbattermi in una forma, una texture, un organismo o persino in un fenomeno che fa nascere un’idea. Il materiale diventa parte della conversazione. Mi piace quando non viene semplicemente scelto per realizzare una forma già definita, ma la influenza a sua volta.

Come affronti l’idea dell’oggetto come pezzo unico o da collezione e quanto è importante il rapporto con il collezionista nella tua pratica?
Per me il design da collezione è interessante proprio perché esiste tra mondi diversi. L’oggetto può avere una funzione e un rapporto con il corpo o con lo spazio, ma può anche possedere la presenza e l’individualità di una scultura. Considero ogni pezzo come un oggetto dotato di una propria identità, piuttosto che semplicemente come un prodotto. Il processo di realizzazione, il materiale, le imperfezioni e le decisioni prese manualmente contribuiscono tutti a questa individualità. Il rapporto con il collezionista è quindi molto significativo. Una volta che un pezzo lascia lo studio, entra in un altro ambiente e inizia un nuovo capitolo. Mi piace l’idea che il significato di un oggetto possa continuare a evolversi attraverso la persona che vive con esso: il modo in cui lo colloca, interagisce con esso e, infine, lo rende parte della propria storia.

Dal 21 al 23 agosto 2026, il Kunstraum Heartspace di Berlino ha ospitato Metamorphosis, un progetto espositivo che ha riunito le opere di Studio Iya e Albrecht Doering. Come è nata l’idea? 
L’idea di Metamorphosis è nata da un periodo di profondi cambiamenti personali, unito alla fascinazione per l’Art Déco e alla sua influenza su architettura, interni e sul modo in cui pensiamo gli oggetti e gli spazi. Quando è nata questa collezione la casa è diventata il mio luogo sicuro, l’unico ambiente in cui mi sentivo stabile e protetta. Questo mi ha portato ad approfondire l’antica filosofia del Feng Shui. Più la approfondivo e più mi lasciavo ispirare dall’idea che l’ambiente in cui viviamo possa influenzare il nostro modo di sentirci e di vivere le nostre esperienze. Questo è diventato il punto di partenza di Metamorphosis e mi ha portato a lavorare con i cinque elementi: Fuoco, Metallo, Legno, Acqua e Terra. Il titolo Metamorphosis è molto personale.  La metamorfosi riguarda la trasformazione, il passaggio da uno stato dell’essere a un altro, spesso senza sapere esattamente cosa diventeremo.  Ogni elemento della collezione è associato a un potente simbolo naturale. Il fuoco è ispirato al vulcano, una delle forze più misteriose e potenti della Terra. Il metallo si richiama all’ostrica, capace di trasformare qualcosa di apparentemente insignificante, come un granello di sabbia, in qualcosa di straordinario come una perla. Il legno viene dalla cassia, un albero altamente simbolico che compare in diverse tradizioni religiose e mitologiche. L’acqua evoca le cascate. È metafora della vita e del movimento dell’energia positiva. Ispirata alle montagne e al sole nascente, la terra rappresenta radicamento e stabilità.

C’era un’idea particolare alla base del modo in cui le opere di Studio Iya e i dipinti di Doering sono stati messi in relazione nello spazio? Ci sono opere o accostamenti specifici che ritieni particolarmente importanti per la mostra?
L’intenzione era creare un dialogo, piuttosto che semplicemente collocare due forme d’arte diverse una accanto all’altra. Gli oggetti di Studio Iya e i dipinti di Doering appartengono a medium differenti, ma entrambi sono legati alla natura, alla trasformazione, all’emozione e al modo in cui viviamo lo spazio. Ero interessata all’idea di creare momenti in cui gli oggetti sembrassero quasi proseguire il linguaggio dei dipinti, in cui una forma, una texture, un colore o un gesto presenti in un’opera trovassero un’eco nell’altra. La relazione diventa quindi meno legata all’idea che un’opera ne illustri un’altra e più alla possibilità che le due opere influenzino il modo in cui percepiamo ciascuna di esse. Collocare i miei oggetti accanto ai dipinti di Doering permette allo spettatore di viverli non solo come oggetti individuali, ma come parte di un ambiente artistico più ampio. Gli accostamenti più importanti sono quindi quelli in cui si percepisce un senso di continuità tra le opere, in cui si può passare da un dipinto a un oggetto avvertendo una connessione invisibile tra i due.  Volevo che la mostra avesse un carattere organico, quasi come se i pezzi avessero trovato naturalmente il proprio posto all’interno dello stesso paesaggio. Lo spazio diventa parte della mostra e crea una conversazione tra pittura, oggetto, materia e natura e lascia allo spettatore la libertà di creare le proprie connessioni.

Guardando oltre Metamorphosis, ci sono materiali, tecniche o idee che ti interessa esplorare ulteriormente in questo momento?
In questo momento mi sto interessando sempre di più a materiali tattili e sperimentali. Voglio allontanarmi dall’uso prevalente della pietra pesante e esplorare materiali che mi permettano di modellare, scolpire e costruire le forme in modo più intuitivo, lavorando con le mani. Il mio prossimo lavoro guarda agli organismi che hanno sviluppato straordinari meccanismi per sopravvivere in ambienti estremi. Mi affascina l’idea della resilienza, non semplicemente come sopravvivenza fisica, ma come metafora della trasformazione e della capacità di ricostruire se stessi.

Helmut Newton, Elsa Peretti as a Bunny, Costume by Halston, New York, 1975, è stimato 200.000–300.000 dollari. Fotografia, moda, design, gioiello: basta il soggetto per rendere meno nette le pareti. Phillips aggiunge qualche numero. Nel 2025 il 25% degli offerenti nelle sue Luxury sales di New York proveniva dalla clientela Fine Art; il 37% dei lotti fotografici di maggior valore era stato acquistato, o conteso, da clienti Luxury.

Sono dati Phillips, non dell’intero mercato. Ma il segnale c’è. Il collezionismo specializzato resta, mentre gli interessi possono sovrapporsi. Orologi, fotografia, arte, design: le categorie restano, il collezionista può abitarne più d’una.

La settimana del 3–9 ottobre sembra fatta apposta per aprire le porte.

Orologi, fotografie, gioielli, automobili, tappeti. E vino. L’8 ottobre Ansuini 1860 Aste porta a Roma Vini e Distillati. Una bottiglia all’asta viaggia senza muoversi. Catalogo digitale, offerte a distanza, compratori oltre confine. Le fiere portano il pubblico in Italia. L’asta può portare l’Italia al pubblico. Due strade diverse; la seconda merita attenzione anche come strumento di diffusione del vino italiano.

Il’9 ottobre, sempre Ansuini 1860 Aste porta all’incanto gli arredi e le opere d’arte della villa romana di Aldo Gucci alla Camilluccia. Una Open Sale in cui il nome del grande protagonista della moda italiana aggiunge agli oggetti il peso di una provenienza e la memoria di una casa.

Poi c’è una macchina che sembra arrivare da un altro mondo. Mezza auto, mezza carrozza. Elettrica. Ha 117 anni ed è una Detroit Electric Model D, Type K Brougham del 1909, probabilmente la più antica Detroit Electric sopravvissuta e una delle sole due conosciute con la primitiva trasmissione a doppia catena. A Hershey, il 7–8 ottobre, RM Sotheby’s la propone con una stima di 120.000–160.000 dollari. Il futuro? Nel 1909 era già parcheggiato davanti casa.

Intanto l’antico rialza la testa. A Parigi la collezione Graziella Patiño de Ortiz Linares ha totalizzato 38,7 milioni di euro, ma il numero da osservare è un altro: il 64% dei lotti ha superato la stima superiore. Fragonard, con L’Instant désiré, è arrivato a 10,6 milioni; Christie’s indica un risultato superiore a tre volte la high estimate. Watteau, con L’Île enchantée, ha raggiunto 10,37 milioni. Christie’s

Una vendita non basta per proclamare il ritorno dell’antico. Qui siamo davanti a opere di qualità altissima e provenienze importanti. Ma proprio la distanza fra stime e aggiudicazioni merita attenzione. Le stime guardano anche a ciò che il mercato ha fatto; quando i compratori corrono molto più avanti, qualcosa si sta muovendo.

E qualcosa si muove anche a New York. Da Phillips Yves Klein, con Monochrome bleu sans titre (IKB 321), stimato 100.000–150.000 dollari, ha raggiunto 335.400 dollari. Fairfield Porter, da 50.000–70.000, è arrivato a 148.350; Gertrude Abercrombie, da 50.000–60.000, a 109.650. Tre opere molto diverse. Tre scarti importanti dalle stime.

Antico, contemporaneo, fotografia, gioielli, automobili, vino. Le categorie servono alle case d’asta per ordinare il mercato. Il collezionista è più libero: può passare da un orologio a una fotografia, da una bottiglia a un’automobile elettrica del 1909, mentre a Parigi l’antico torna a farsi contendere.

Le stanze restano. Ma le porte sono aperte.

A fine mese l’attenzione si sposterà invece sulla Biennale di Venezia. Dal 29 al 31 ottobre il Padiglione Italia ospiterà Pratiche vocali e narrazioni collettive, terzo e ultimo appuntamento del Public Program legato a Con te con tutto, progetto espositivo di Chiara Camoni curato da Cecilia Canziani. La chiusura della Biennale Arte, prevista il 22 novembre, coinciderà anche con l’avvio dei prossimi passaggi: l’annuncio del curatore del Padiglione Italia alla Biennale Architettura 2027 e, successivamente, l’open call per individuare il curatore del Padiglione Italia alla Biennale Arte 2028. Quasi in contemporanea, dal 30 ottobre al 1° novembre, la DGCC sarà ad Artissima a Torino con due spazi. Uno sarà dedicato alle attività di promozione internazionale dell’arte italiana, mentre l’altro presenterà MIRA – Istituto Mediterraneo per la Ricerca e le Arti, il nuovo polo culturale di Messina, attraverso un’installazione del collettivo Polisonum. Il progetto MIRA è promosso dal Ministero della Cultura, attraverso la DGCC e l’Unità di missione per la cooperazione culturale con l’Africa e il Mediterraneo allargato, insieme al Comune e all’Università di Messina, con il supporto della Fondazione MAXXI nella fase di avvio.

Roma sarà invece il centro degli appuntamenti dedicati alla formazione. Tornano le Lezioni di Creatività Contemporanea all’Auditorium Parco della Musica Ennio Morricone: il 30 ottobre, il 14 e il 20 novembre saranno protagonisti rispettivamente Alessandro Sartori, direttore artistico di ZEGNA, Antonio e Patrizia Marras e Lucia Silvestri, Jewelry Creative and Gems Buying Director di Bulgari. Al centro degli incontri ci saranno i processi creativi della moda e del design e il rapporto tra identità, cultura, mercato e trasformazioni contemporanee. Il 10 novembre, alla Biblioteca Nazionale Centrale di Roma, sarà invece presentato il volume Verso le linee guida per la conservazione della fotografia, tappa del progetto promosso dalla DGCC insieme alla Fondazione Centro per la Conservazione ed il Restauro dei Beni Culturali La Venaria Reale. L’obiettivo è arrivare alla definizione di un documento condiviso sulla conservazione e sul restauro della fotografia in Italia.

Sempre nella Capitale, dal 23 al 27 novembre, l’ex Mattatoio ospiterà Ri-generare con creatività. Giornate di lavoro per la rigenerazione urbana. Cinque giorni tra sessioni congressuali e tavoli tematici che riuniranno istituzioni, università, musei, professionisti, operatori culturali e Terzo settore. Il confronto servirà anche ad avviare il percorso verso un Libro bianco sulla rigenerazione urbana a base culturale, mettendo a sistema esperienze e competenze sviluppate negli ultimi dieci anni. Dicembre allargherà ulteriormente il programma. Dal 4 all’8 dicembre il Desk Italia Europa Creativa sarà a Più Libri più Liberi, con informazioni e assistenza sui programmi europei destinati ai settori culturali e creativi, mentre Palazzo Altemps ospiterà una mostra dedicata a Nino Migliori nell’anno del centenario della nascita. L’esposizione, realizzata con MUNAF, Museo Nazionale Romano e Archivio Nino Migliori, ripercorrerà la ricerca di una delle figure centrali della fotografia italiana del Novecento.

A fare da filo rosso all’intera stagione sarà però anche Gibellina, prima Capitale Italiana dell’Arte Contemporanea, che dal 3 ottobre al 20 dicembre entra nella fase conclusiva del programma 2026. Tra gli artisti e i protagonisti annunciati figurano Igor Grubić, Liu Bolin, Giorgio Barberio Corsetti, Lucia Veronesi, Stalker e Hermann Nitsch, accanto alle mostre Terra Matta e Dialoghi di una vita, dedicata all’esperienza di Peppe Morra e costruita anche attraverso opere e testimonianze di Allan Kaprow, John Cage, Joseph Beuys e Marina Abramović. La chiusura sarà affidata a una nuova edizione di BAM – Biennale Arcipelago Mediterraneo. «I numerosi appuntamenti dei prossimi mesi sono parti diverse di un unico impegno: dare spazio alla creatività italiana e agli strumenti attraverso i quali può contribuire a interpretare e trasformare il nostro tempo», spiega Costantino D’Orazio, direttore generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura. Un programma che prova dunque a spostare il contemporaneo fuori dai confini della sola produzione artistica, mettendolo in relazione con formazione, conservazione, politiche urbane e cooperazione internazionale.

E’ sempre più difficile incontrare una persona che nel raccontarti la sua vita ti fa da subito percepire una qualche affinità, seppur nella completa diversità di età, percorso personale e professionale.

Federico sin da piccolo ha una passione per il mondo dei graffiti, e lo skateboard, si laurea nel 2006 in Scenografia presso l’Accademia di Belle Arti di Brera, senza mai smettere di intervenire sui muri per le strade di Milano e sui vagoni dei treni in movimento, con lo pseudonimo Cruz, per poi passare a fare opere di street art in cui spesso ricorre il simbolo di una iena, fino al punto che il suo nome d’arte da Cruz diventerà iENA CRUZ.

La “vera” formazione di Iena Cruz avviene grazie alla collaborazione con “The Bag Art Factory”, un collettivo di pittori, scultori e scenografi (tra cui Andrea Ravo Mattoni, Omar TDK e Fabio Roncato), con cui elabora un suo stile e linguaggio sempre più urbano ma, soprattutto, acquisisce una vera e propria imprenditorialità: i componenti del collettivo sono manager di sé stessi, collaborano tra loro all’insegna del massimo affiatamento, lavorando ognuno sulla propria arte ma con una continua contaminazione tra diversi stili, tecniche e materiali. E poi allestiscono, si dedicano ad attività che vanno ben oltre al dipingere, allo stampare o allo scolpire, arrivando ad avere una propria “presenza” e posizione molto ben definita nella scena artistica milanese. E non solo.

iENA CRUZ negli anni dell’Accademia fa un viaggio nella West Coast degli Stati Uniti e capisce che il mondo che più gli appartiene è proprio lì, la sua lingua (che ancora non conosce bene) è l’inglese, quello che doveva fare a Milano l’ha fatto, oltre non riuscirebbe ad andare, un po’ perché solo chi vive a Milano sa cosa significa vivere in una città tanto cosmopolita quanto chiusa, un po’ perché Iena Cruz è curioso e particolarmente attratto dalla cultura americana. 

E così nel 2010 si trasferisce a New York City, città a sé stante rispetto agli altri stati, il centro del mondo, in primis il centro del mondo dell’arte.

New York è piena di muri perfetti per un giovane street artist, c’è solo un problema: mancano i soldi.

Ma Iena Cruz non si ferma, si dà l’obiettivo di trovare lavoro nel campo della scenografia, cosi inizia a fare photo shooting di moda, dopo solo un anno ottiene il visto O1 per meriti artistici, cosa non del tutto banale, e dopo solo tre anni la Green Card per “ Extraordinary Ability”.

Un giorno vede un grande muro del cinema di Williamsburg, con una superficie di circa 400 metri quadrati, bussa (letteralmente) alla porta del cinema, si propone come mural artist, i proprietari lo invitano nel loro headquarter dove gli chiedono cosa vorrebbe fare su quel muro e a quali costi. Iena Cruz fa una prima proposta, la prima di quella che sarà una lunga serie di botta e risposte e nuove proposte per accontentare i gusti del cliente,  ma alla fine “cambia i vestiti dei suoi supereroi” rispetto al progetto originario, con un ulteriore diverso dettaglio “di poco conto”: il doppio del budget inizialmente previsto. La proposta viene accettata, e dopo il cinema di Williamsburg gli viene chiesto di realizzare un secondo murale sullo storico “Cobble Hill Cinema”.

Questa è la sua prima commissione a New York, che lo porta “fuori” dal mondo delle gallerie d’arte, permettendogli di dedicarsi alle opere in strada, ma non solo. Federico infatti continua a fare photo shooting di moda come scenografo, dipinge a mano borse per stilisti quali Mark Jakobs, e negli anni a venire collabora con Jan Kath in una linea di tappeti con i disegni Iena Cruz, crea oggetti in ceramica, disegna e produce a Jaipur una linea di vestiti con la tecnica artigianale del wood cutting, estende cosi col tempo la sua pratica artistica nel settore dell’interior design, sviluppa “Zurcanei”, Mindset by iENA CRUZ, un brand che traduce il suo universo creativo in oggetti e prodotti di art-design.

Al suo arrivo a New York trova casa a  Brooklyn nel quartiere di East Williamsburg, in un grande loft abitato da due artisti messicani, che diventa casa e studio e  negli anni Federico continua la tradizione di questo working-living space chiamato “Leonard Codex”, dove organizza mostre e incontri a cui partecipa una comunità internazionale tra cui spicca quella messicana di artisti e registi che vivono a New York. Nasce così un nuova contaminazione con la cultura, il cibo e l’arte del Messico, ulteriore dimostrazione della curiosità di Federico. E in questo momento la figura della iena sparisce dalle sue opere e finisce nello pseudonimo, che da Cruz diventa iENA CRUZ. Nei tre anni successivi la sua arte sarà contraddistinta dalla figura dell’occhio, che rappresenta un mandala contemporaneo, simbolo del controllo e della sorveglianza che può portare a una totale adesione, più o meno inconsapevole, alle varie forme di regime. Un’opera di questa fase sarà messa in copertina nella versione di “1984” di George Orwell illustrata da Federico, edita da Rizzoli BUR.

Inizia a fare viaggi sulla East Coast, Miami per la Fine Art Auction Miami, realizza un suo primo muro a Palm Beach dove l’occhio viene sostituito da una serie di animali che realizza con effetti carta strappata e varie texture, definendo lui stesso questo momento come un vero e proprio “taglio” nel suo percorso artistico, che continua a essere contraddistinto dalla curiosità, la voglia di sperimentare, di evolvere, fare arte in diverse forme. Nel 2015, gli viene commissionato un Murale dall’Audubon Mural Project gli viene consegnata una lista di uccelli in via d’estinzione, Iena Cruz sceglie il Tricolored Heron, un esemplare maestoso e colorato che inspira subito il suo immaginario e  che diventerà figura consistente  nei suoi murales e opere pittoriche.

Il cambiamento climatico  gli animali e loa natura colpiti dai suoi effetti sono stati il fulcro delle sue opere di grandi dimensioni negli ultimi anni, Ma Iena Cruz non è soddisfatto, dal momento che, nonostante la eco mediatica, i suoi muri sono realizzati con bombolette spray, anch’esse fonte di inquinamento, iniziano a creare un contrasto  con la sua sensibilità ed estrema attenzione al tema ambientale e all’emergenza climatica. 

Da qui nasce, ancora una volta, la domanda su cosa stia realmente facendo e verso quale direzione stia conducendo la propria arte: un linguaggio volto a trasmettere un messaggio forte e inequivocabile sull’importanza della tutela dell’ambiente, ma che, paradossalmente, si avvale di spray altamente inquinanti. È proprio da questa contraddizione che emerge l’esigenza di sviluppare una maggiore consapevolezza anche rispetto ai materiali utilizzati, interrogandosi non solo sul messaggio dell’opera, ma anche sull’impatto che il processo creativo comporta.

La risposta arriva nel 2018 quando la non profit “Yourban 2030” gli propone di realizzare un muro a Roma proponendo di utilizzare vernici che assorbono l’anidride carbonica,, superando così il dilemma tra un’arte che incide sull’ambiente ed una pratica artistica più sostenibile,  permettendogli di dedicare tutta la dovuta attenzione al tema ambientale come (quasi) unico protagonista dei suoi ultimi lavori.

Ma le sue riflessioni sul “perché” della sua arte ancora non sono finite: l’utilizzo delle nuove pitture non risolve il dilemma di Iena Cruz nel momento in cui riceve proposte anche da grandi multinazionali al solo fine di promuovere la propria immagine, reputazione e (soprattutto) buona riuscita economica, attraverso canali come la street art e oggi la urban art, sempre più accessibile e apprezzati da tutti. E dice di no, per poi “lacerarsi”, continuare a domandarsi se ne sia valsa la pena rinunciare a grandi opere ben retribuite e con un grande ritorno mediatico (in ogni caso più economico che artistico), rispetto al rimanere coerente con se stesso e il suo pensiero, senza farsi mettere in mezzo a social media e varie polemiche del tutto sterili.

Non a caso, “Libertà o felicità” è una delle sue venti illustrazioni per “1984” di George Orwell, “. Iena Cruz identifica questo passaggio come la chiave di lettura principale di tutto il libro, laddove nella prefazione dal titolo “Arte come resistenza”, Christian Gangitano sottolinea il pensiero che porta Iena Cruz a creare questa illustrazione “scegliere tra libertà e felicità sia un interrogativo che risuona nella vita di ogni individuo e dell’artista stesso, invitando a una profonda riflessione sui valori a cui si desidera aderire”.

“Mind your own business, never lose your compass”, caro Federico.

Avremo modo di vedere le sue nuove opere nella mostra collettiva “Street Art for Planet Earth”, che si inaugurerà il prossimo 28 novembre presso la Galleria Rosso20Sette Arte Contemporanea a Roma, lavori dove si (intra)vedono tracce dei suoi primi graffiti e tag, trasposti nel tempo per proseguire il suo percorso personale e professionale in continua evoluzione.  

Il progetto, sostenuto da Regione Lombardia, prevede una nuova puntata ogni lunedì alle 21 fino al 23 novembre. Si parte da Brescia con La vittoria che aspettava al buio, ambientata tra il Museo di Santa Giulia e il Parco archeologico di Brescia Romana. La settimana successiva sarà protagonista l’Accademia Carrara di Bergamo con Sofia e il mistero del museo sottosopra. Il calendario proseguirà con Volandia, a Somma Lombardo, e Villa Carlotta, sul lago di Como, per poi concentrarsi su Milano con quattro appuntamenti dedicati al Museo Nazionale della Scienza e della Tecnologia Leonardo da Vinci, al Castello Sforzesco, al MUBA e all’ADI Design Museum.

Con questi otto nuovi episodi salgono a 58 le fiabe raccolte nel progetto, ispirate a musei e luoghi culturali di Piemonte, Lombardia e Valle d’Aosta. L’obiettivo è avvicinare i bambini al patrimonio attraverso uno strumento semplice e familiare come il racconto, lasciando che siano personaggi e avventure a introdurli alla conoscenza dei musei. Il progetto prosegue anche fuori dal podcast. Dal 18 ottobre al 28 novembre sono in programma otto visite teatralizzate nei musei coinvolti, durante le quali gli attori della Fondazione Teatro Ragazzi e Giovani riprenderanno le atmosfere delle fiabe per accompagnare le famiglie alla scoperta delle collezioni. Gli appuntamenti si terranno all’Accademia Carrara, a Volandia, al Museo Nazionale della Scienza e della Tecnologia, a Villa Carlotta, al Castello Sforzesco, al MUBA, a Brixia e all’ADI Design Museum.

“Fila a Nanna” rientra nella nuova proposta AM Family & kids, dedicata alle famiglie e ai visitatori più giovani. L’iniziativa punta così a creare un collegamento tra l’esperienza quotidiana dell’ascolto e quella della visita, portando i bambini a conoscere dal vivo i luoghi incontrati nelle storie.

Le puntate sono disponibili gratuitamente su Spotify, Spreaker e sul sito di Abbonamento Musei.