LEGOLAND Shanghai Resort: un parco da record

Il LEGOLAND Shanghai Resort si estende su una superficie di 318.000 metri quadrati, configurandosi come il più grande resort a tema LEGO al mondo. I lavori per la realizzazione della struttura sono iniziati il 17 novembre 2021 e hanno coinvolto oltre 10.000 lavoratori. Dopo anni di progettazione e costruzione, il parco è stato aperto ufficialmente, in occasione di una cerimonia inaugurale a cui hanno preso parte rappresentanti del governo di Shanghai e Jinshan, oltre ai vertici di Merlin Entertainments, LEGO Group e New Jinshan Investment Group.

Durante la settimana inaugurale, dal 5 al 13 luglio 2025, i visitatori possono assistere a eventi speciali, spettacoli esclusivi e attività immersive. All’ingresso, ad accogliere gli ospiti, si trova “Dada”, una gigantesca minifigure LEGO. Il resort rappresenta anche il primo parco LEGOLAND in Cina, destinato a diventare un punto di riferimento nel secondo mercato mondiale dei parchi a tema. Come dichiarato da Fiona Eastwood, CEO di Merlin Entertainments: “Questo traguardo rappresenta un passo fondamentale verso la nostra ambizione di diventare leader globali nelle destinazioni di intrattenimento di marca”.

Attrazioni uniche e riferimenti culturali

Il resort offre un totale di 75 attrazioni, suddivise in otto aree tematiche. Tra le più spettacolari, spicca Miniland, uno spazio coperto che riproduce in scala, con mattoncini LEGO, celebri monumenti internazionali e icone architettoniche cinesi come la Grande Muraglia e la Torre della Perla. L’intero parco è stato concepito per fondere l’immaginario LEGO con elementi della cultura tradizionale locale. Tra i percorsi più suggestivi ci sono quelli in barca, che si snodano tra riproduzioni in scala 1:25 di antichi villaggi d’acqua.

Tra le novità mondiali figura la Big LEGO Coaster, la prima montagna russa ispirata ai mattoncini, e la Legoland Tower, torre panoramica alta 60 metri. Grande attesa anche per lo spettacolo “Battaglia per il Monte dei Fiori e dei Frutti”, ispirato alla linea LEGO Monkie Kid, che viene proposto per la prima volta al mondo proprio a Shanghai. In quest’area tematica dedicata, si trovano inoltre ristoranti, attrazioni interattive e installazioni immersive. Secondo Niels B. Christiansen, CEO del LEGO Group, “LEGOLAND Shanghai sarà parte integrante del LEGO ecosistema in Cina e una grande aggiunta alla nostra rete di vendita al dettaglio e agli eventi del marchio”.

Hotel, ristorazione e servizi a tema

Il resort include anche il LEGOLAND Hotel, una struttura con 250 camere decorate secondo i temi più popolari del mondo LEGO. L’esperienza si completa con sei ristoranti principali, una vasta rete di chioschi e aree ristoro, e un’offerta culinaria interamente ispirata ai mattoncini. Tra i punti di maggiore richiamo, il Bricks Family Restaurant e il Pigsy’s Food Court, dove anche i piatti cinesi e gli hamburger vengono serviti in stoviglie a tema LEGO. I dessert non sono da meno: tra i più fotografati ci sono i gelati a forma di mattoncino.

I biglietti d’ingresso sono già disponibili sull’app ufficiale. Il prezzo per gli adulti varia da 319 yuan (circa 40 euro) in bassa stagione a 599 yuan (circa 72 euro) in alta stagione. I bambini beneficiano di una tariffa ridotta pari a circa l’80% del costo standard. Il parco è pensato per un target familiare offrendo un’esperienza completa che unisce gioco, scoperta e immaginazione.

Artigianato digitale

Questa esperienza ha richiesto otto mesi di produzione e un’équipe di 18 specialisti tra storici dell’arte, animatori, tecnici VR e creativi audiovisivi. Il risultato è un vero e proprio mondo tridimensionale scolpito con software quali Unreal Engine 5.5, Blender, Houdini, Nuke. Le texture sono inoltre ad altissima definizione. Basti pensare che le decorazioni interne derivano da immagini digitali da oltre 65.000 x 8.000 pixel, e la luce che attraversa le vetrate è frutto di una simulazione con 80 fonti luminose dinamiche.

Un viaggio in tre atti nel genio di Brunelleschi

L’esperienza si snoda in tre ambienti chiave. La navata del Duomo, dove il pubblico si orienta nel contesto storico e dove viene immerso nella competitiva atmosfera del concorso per la Cupola. Il tamburo, dove Brunelleschi spiega le sue visionarie soluzioni ingegneristiche come la famosa tecnica della “spina di pesce”. L’interno della Cupola, così come apparirà più di un secolo dopo, decorato con il Giudizio Universale di Vasari e Zuccari (un affresco che immerge il visitatore nell’ambiente e chiude il cerchio dell’esperienza).

La nuova frontiera dell’esperienza culturale

La Cupola del Brunelleschi resta la più grande volta in muratura mai costruita ancora intatta. Ma ciò che questa esperienza racconta va oltre le pietre e componenti; racconta la visionaria concezione di un solo uomo, senza titoli accademici, capace di fondere le sue intuizione e la sua innata tecnica. È parte del progetto Masters of Renaissance, pensato per riscrivere l’accesso alla cultura in chiave digitale, partecipativa e democratica. Si ha così un Rinascimento rinnovato in cui la tecnologia non è fine a sé stessa, ma ponte verso la comprensione.

«Un incontro diretto con il genio di Brunelleschi», così lo definisce Leonardo Capanni, responsabile della strategia digitale dell’Opera del Duomo. Per Marco Pizzoni invece, AD di WAY Experience, è «una sfida vinta: ampliare l’audience, aprire i luoghi della cultura, generare impatto sociale». E Annalisa Menconi, di Slow Tour Tuscany, sottolinea la forza divulgativa del progetto: «Brunelleschi diventa comprensibile, accessibile, umano».

Un percorso fuori dagli schemi

Goffredo Fofi si è sempre distinto per una vita lontana dalle convenzioni intellettuali. Educato in una famiglia umile ma culturalmente vivace, aveva sviluppato fin da bambino una profonda passione per la lettura e per il cinema. Particolarmente influente nella sua formazione fu l’esperienza vissuta da ragazzo durante la guerra, testimone diretto delle violenze naziste nella sua città natale. Dopo la maturità magistrale, a soli diciotto anni partì per la Sicilia per unirsi alle battaglie nonviolente di Danilo Dolci, partecipando agli “scioperi a rovescio” e dedicandosi ai bambini in stato di abbandono. Definiva quegli anni tra i più felici della sua vita, al pari del periodo trascorso a Napoli, dove negli anni Settanta contribuì alla creazione della Mensa dei bambini proletari.

Sempre vicino agli ultimi, alle marginalità sociali e culturali, Fofi non ha mai abbracciato l’accademia né l’ufficialità. Si è mosso ai margini delle istituzioni coltivando una visione della cultura come strumento attivo di emancipazione e trasformazione. Il suo primo libro, “L’immigrazione meridionale a Torino” (1964), analizzava l’impatto delle migrazioni interne nel pieno del miracolo economico italiano. In quegli anni mantenne uno sguardo critico, distante sia dalla sinistra dogmatica che dalle derive individualistiche della cultura di massa, posizioni che approfondì nel libro-intervista “La vocazione minoritaria” (2009).

Riviste, scrittura e l’impegno intellettuale di Goffredo Fofi

L’intera attività editoriale e critica di Fofi è stata coerente con il suo pensiero libertario e il suo rifiuto delle gerarchie culturali. Ha fondato e diretto riviste fondamentali per il dibattito intellettuale italiano come “Quaderni piacentini”, “La Terra vista dalla Luna”, “Ombre Rosse”, “Linea d’Ombra”, “Lo Straniero” e infine “Gli Asini”. Quest’ultima rappresentava la sua ultima grande scommessa editoriale, pensata come uno spazio per l’analisi sociale e pedagogica alternativa, portata avanti fino agli ultimi anni. Fofi è stato anche una presenza costante nel giornalismo quotidiano curando per lungo tempo una rubrica sul “Corriere del Mezzogiorno”.

La sua riflessione ha sempre avuto al centro il ruolo dell’intellettuale nella società, la funzione pedagogica della cultura e la necessità di costruire reti solidali, anziché carriere individualistiche. Affascinato dalle figure “irregolari”, si ispirava a pensatori come Albert Camus e Aldo Capitini. A quest’ultimo, teorico della nonviolenza e anche vegetariano come Fofi, si rifaceva spesso attraverso la formula “Non accetto”, diventata per lui un principio etico guida: un rifiuto radicale della prevaricazione, del potere arbitrario e della rassegnazione.

Il cinema come strumento di riscatto

Il cinema è stato uno degli ambiti in cui Goffredo Fofi ha espresso con maggiore forza la sua visione culturale. La sua produzione critica, da “Cinema italiano. Servi e padroni” (1971) in avanti, è divenuta un punto di riferimento per più generazioni. Sua è stata una delle prime e più articolate analisi dell’opera di Totò, che ha contribuito a rivalutare come artista completo e profondo, grazie anche alla collaborazione con Franca Faldini, compagna di vita dell’attore. Si è occupato con grande attenzione di altre figure del cinema italiano e internazionale, da Alberto Sordi a Marlon Brando, fino a condurre una lunga conversazione con Mario Monicelli raccolta in un DVD pubblicato nel 2011.

Per Fofi, l’arte doveva servire a qualcosa, non essere intrattenimento fine a sé stesso. Denunciava la trasformazione della cultura in spettacolo, la riduzione dell’impegno artistico a consumo effimero. In un pamphlet dal titolo emblematico, “L’oppio del popolo”, aveva espresso con forza il suo rifiuto di un sistema culturale basato sull’esibizione e sull’apatia critica. Anche in età avanzata, continuava a partecipare al dibattito pubblico proponendo iniziative e progetti. Per lui, il tempo non doveva essere sprecato: «Si ha una vita sola a disposizione, non dimentichiamocene mai, e quello che puoi fare e sentire di bello lo devi fare e sentire ora, non devi rinviarlo al domani».

L’accordo rientra nella strategia Vision 2030, con cui il principe ereditario Mohammed bin Salman punta a trasformare l’immagine del Paese, diversificare l’economia oltre il petrolio e imporsi sulla scena internazionale attraverso strumenti di soft power culturale. La collaborazione tra Francia e Arabia Saudita comprende anche un centro di fotografia a Riad e la co-gestione di musei ad AlUla, patrimonio UNESCO nel deserto saudita. Si tratta di una cooperazione culturale senza precedenti tra una grande democrazia occidentale e una monarchia assoluta del Golfo.

Sebbene la direzione del Pompidou abbia recentemente dichiarato che l’accordo è ancora in fase di definizione e che nessuna decisione definitiva è stata presa sulla natura della sezione saudita, la cifra investita (quasi un quinto dei fondi totali previsti per il restauro) solleva dubbi sulla reale autonomia del museo nelle future scelte curatoriali. Il dibattito si concentra sulla commistione tra finanziamenti pubblici e privati nel mondo dell’arte, e su quanto un’istituzione culturale pubblica possa esporsi alle pressioni politiche e simboliche di uno stato estero, per quanto generoso. In molti si chiedono se l’arte possa ancora essere uno spazio di libertà quando le sue fondamenta economiche dipendono sempre più da potenze straniere interessate a plasmare la propria immagine internazionale, anche a costo di comprare – letteralmente – un pezzo di museo in Europa.

La cultura al centro della diplomazia culturale. Storia di un patto tra arte e potere

Quello che sta accadendo per il Centre Pompidou non è solo una collaborazione culturale, ma il riflesso di un cambiamento profondo nel modo in cui la cultura viene usata, finanziata e interpretata. In passato – e quale esempio più significativo se non la Francia – i musei rappresentavano l’autonomia del sapere, il regno dell’indipendenza intellettuale e della sperimentazione artistica. Oggi, sempre più spesso, sono anche strumenti di negoziazione internazionale, vetrine di soft power e territori dove si misurano gli equilibri geopolitici. L’accordo tra l’istituzione francese e l’Arabia Saudita – che garantisce al regno non solo visibilità, ma potenzialmente anche un ruolo attivo nella programmazione espositiva – è un caso emblematico. Con 50 milioni di euro, il regno arabo non sta comprando solo un sostegno a un progetto architettonico, ma acquistando legittimità culturale nel cuore dell’Europa, accanto a una delle istituzioni più prestigiose dell’arte moderna e contemporanea.

Il museo, nella sua funzione pubblica, rischia così di diventare un nodo di scambio tra capitali e consenso. Per uno stato come l’Arabia Saudita – criticato da ONG internazionali per i diritti civili, la censura e il trattamento delle donne – l’ingresso nel sistema culturale occidentale rappresenta un investimento strategico. Non solo per il turismo e la reputazione, ma anche per veicolare una narrazione selettiva e positiva di sé. Ecco perché l’uso del termine “sezione” nell’accordo ha allarmato storici dell’arte e operatori del settore: non è solo questione di fondi, ma di contenuti, rappresentazioni, messaggi. Chi decide cosa viene mostrato? Quali opere? Quale storia dell’Arabia Saudita verrà raccontata al pubblico europeo?

In gioco dunque, non c’è soltanto l’integrità del Pompidou, ma il ruolo stesso delle istituzioni culturali in un’epoca in cui le ambizioni globali di nuovi attori geopolitici si infiltrano ovunque, anche tra le pareti di un museo. È lecito, allora, chiedersi: la cultura può ancora essere uno spazio neutrale, oppure diventa anch’essa campo di battaglia del potere globale? L’intreccio tra arte e potere non è nuovo. Ma oggi, nella stagione del soft power e della diplomazia culturale, la posta in gioco è più alta. E non riguarda solo ciò che si espone, ma chi ha il diritto di raccontare il mondo e in che modo. E sopratutto, da quale parte del mondo stare.

Un tributo allo sceicco Zayed e alla storia degli Emirati

Il museo prende il nome proprio da Zayed bin Sultan Al Nahyan (1918–2004), considerato il padre fondatore degli Emirati Arabi Uniti, ed è stato concepito come un luogo che racconta la sua vita, i suoi ideali e le trasformazioni del Paese (dalla preistoria fino ai giorni nostri). La narrazione museale si sviluppa attraverso sei gallerie permanenti distribuite su due piani, accompagnate da una settima area dedicata a esposizioni temporanee. L’arco temporale coperto abbraccia 300.000 anni di storia, con testimonianze archeologiche risalenti al Paleolitico, Neolitico, età del bronzo e del ferro.

Tra gli oggetti simbolo del museo spiccano la Perla di Abu Dhabi, datata 8.000 anni fa e rinvenuta sull’isola di Marawah, e il Corano Blu, manoscritto risalente tra il IX e il X secolo d.C., decorato con raffinati motivi in foglia d’oro. I contenuti delle gallerie approfondiscono temi come l’antico sistema di irrigazione “falaj” e l’attività estrattiva del rame in epoca protostorica. Non mancano inoltre donazioni provenienti da tutto il Paese, accanto a prestiti concessi da musei nazionali e internazionali.

L’allestimento presenta anche la ricostruzione di una barca Magan, esito della collaborazione con la Zayed University e la New York University Abu Dhabi. Uno spazio intitolato “Ai nostri antenati” illustra poi i primi scambi commerciali nel Golfo e le evidenze delle prime forme di insediamento umano nella regione.

Architettura ispirata alla falconeria e tecnologie sostenibili

Il design del museo, curato da Foster + Partners, si distingue per le cinque torri di vetro che dominano l’edificio, ispirate alle piume delle ali di un falco, animale profondamente radicato nella cultura locale. Queste strutture non sono solo un elemento estetico, ma funzionano come camini termici capaci di attirare correnti di aria fresca contribuendo alla ventilazione naturale dell’ambiente interno. Il museo si affianca ad altre celebri architetture di Saadiyat Island, come il vicino Guggenheim Abu Dhabi progettato da Frank Gehry.

Il giardino Al Masar, che circonda il museo, è stato concepito come uno spazio dedicato allo studio dell’“ecologia umana degli Emirati Arabi Uniti”, ampliando così la portata educativa dell’intera struttura. L’obiettivo della città di Abu Dhabi è attrarre 39 milioni di turisti l’anno entro il 2030, e il Zayed National Museum rappresenta uno dei principali motori di questo sviluppo culturale e turistico.

Zayed National Museum: un centro per la ricerca

Oltre alla funzione espositiva, il museo punta a divenire un polo di eccellenza nella ricerca. Il direttore Peter Magee ha ribadito l’impegno del museo nel promuovere un ecosistema di ricerca attivo e partecipativo. «Sebbene la ricerca condotta all’interno dell’istituzione sia di estrema importanza, il museo ha un ruolo fondamentale nel promuovere un ecosistema di ricerca all’interno del Paese», ha dichiarato. A questo scopo è stato istituito il Fondo per la ricerca del Museo Nazionale Zayed, con l’obiettivo di approfondire la comprensione della storia e della cultura degli Emirati.

Nel 2024, otto progetti sono stati finanziati, tra cui uno sulla mappatura dell’architettura moderna e dei punti di riferimento contemporanei degli Emirati Arabi Uniti e un’iniziativa di conservazione digitale dedicata ai petroglifi presenti sul territorio. Il museo collabora anche con istituzioni accademiche e museali estere, come il British Museum, che ha fornito consulenze e competenze fino al 2017 nella fase di sviluppo.

Il museo non si limiterà alla sola conservazione, ma offrirà strumenti di conoscenza alle future generazioni. Come dichiarato da Mohamed Khalifa Al Mubarak, presidente del Dipartimento Cultura e Turismo di Abu Dhabi, «Questo museo è più di un luogo di conservazione; è una promessa per le generazioni future, un faro della nostra identità e uno spazio dove la nostra storia è raccontata non solo attraverso gli oggetti, ma anche attraverso le emozioni».

L’installazione alla Reggia di Caserta

L’opera di Apo Yaghmourian consiste in un vassoio circolare a bassa profondità, riempito con l’acqua prelevata dalla Fontana del Pastore nel cuore del Giardino Inglese della Reggia (un collegamento diretto con l’area circostante e con la dimensione storica del sito). Al centro è posta una semisfera in tufo Piperno, la stessa pietra utilizzata nella costruzione del palazzo. La metà superiore (solida e materiale) è la proiezione del presente, mentre la sua immagine riflessa nell’acqua forma una sfera completa, simbolo della continuità tra ciò che vediamo e ciò che in realtà esiste al di sotto della superficie. L’elemento riflettente richiama il passato, riconnettendolo al presente e, idealmente, al futuro. Inoltre, il ruolo centrale dell’acqua acquista così un significato contemporaneo, perché diventa un richiamo ai problemi della scarsità idrica e alle responsabilità collettiva nel proteggerla come bene vitale e primario.

Un’opera anche performativa

Ad impreziosire l’installazione, una performance eseguita dai bambini del Centro Infanzia Baby Birba di Castel Morrone, introducendo un elemento di innocenza e spontaneità. I piccoli partecipanti hanno integrato la questione del tempo con la loro presenza, amplificano così il senso di partecipazione intergenerazionale nell’opera.

Chi è Apo Yaghmourian

Nato nel 1993 ad Amman, Apo Yaghmourian si è laureato nel 2022 in pittura all’Accademia di Belle Arti di Napoli. Attivo in molteplici discipline (danza, canto, teatro) Yaghmourian ha da sempre sviluppato un’arte che cerca di intrecciare percorso e visione personale a quella del suo “entourage”, creando un tutt’uno con le persone a lui circostanti. Utilizza materiali ritrovati e lavorati per mostrare gli sradicamenti e metamorfosi riguardanti se stesso e ciò che lo circonda. Per questo le sue opere spesso dialogano con gli spazi che le accoglie, facendo emergere riflessioni su di esse e sulle identità culturali.

Il film, diretto da Brian Parodi e prodotto dal Centre for Cultural Heritage Technology dell’Istituto Italiano di Tecnologia insieme a No Panic Agency, sarà presentato in anteprima l’11 luglio 2025 al Museo Nazionale Etrusco di Villa Giulia a Roma – simbolo di un lungo processo di recupero di opere trafugate – e il 14 luglio a Genova, nel Cortile Maggiore di Palazzo Ducale. Un doppio appuntamento che unisce ricerca, divulgazione e confronto, con la partecipazione di esperti come Arianna Traviglia, Direttrice del centro IIT, e Giacomo Montanari, Assessore alla Cultura del Comune di Genova, moderati dalla storica dell’arte e giornalista Linda Kaiser.

Il film sull’arte rubata

Threads of Heritage non si limita a raccontare i retroscena di celebri casi giudiziari che hanno coinvolto noti trafficanti d’arte – come Giacomo Medici, Robert Hecht e Marion True del Getty Museum – ma lo fa intrecciando testimonianze dirette, indagini e nuovi strumenti tecnologici. È qui che entra in gioco l’innovazione: l’intelligenza artificiale, l’analisi dei social network, i dati satellitari diventano strumenti fondamentali per intercettare movimenti sospetti, tracciare relazioni tra soggetti coinvolti nei traffici e persino riconoscere oggetti rubati in vendita online. Un esempio? Il software SWOADS, usato dal Comando Carabinieri Tutela Patrimonio Culturale, o la piattaforma RITHMS, sviluppata proprio dall’IIT per mappare in modo predittivo le reti criminali del mercato dell’arte.

Girato tra Roma, Cerveteri e Madrid, il documentario si muove tra siti archeologici saccheggiati, depositi museali normalmente inaccessibili, e uffici dove si lavora quotidianamente per la difesa del patrimonio culturale mondiale. Le voci dei protagonisti – tra cui Vincenzo Bellelli, Luana Toniolo, Francesco Rutelli, oltre a forze dell’ordine italiane e spagnole – restituiscono una narrazione avvincente e ricca di spunti su un tema ancora troppo poco conosciuto, ma di importanza cruciale.

Ad accogliere i visitatori nel giorno dell’inaugurazione è la grande mostra Nigeria Imaginary Homecoming, curata dalla storica dell’arte Aindrea Emelife, che riprende e amplia i contenuti del padiglione nigeriano presentato con grande successo alla Biennale di Venezia del 2024. In esposizione le opere di artisti di fama internazionale come Yinka Shonibare CBE RA, Toyin Ojih Odutola, Ndidi Dike, Fatimah Tuggar e altri protagonisti della scena contemporanea nigeriana e diasporica. La mostra, che resterà aperta fino all’aprile 2026, include anche lavori inediti di quattro nuovi artisti: Kelani Abass, Modupeola Fadugba, Ngozi-Omeje Ezema e Isaac Emokpae.

MOWAA, un museo che guarda al futuro senza dimenticare le radici

Per la prima volta nella storia, parte delle sue collezioni permanenti – tra cui opere storiche mai esposte prima in Nigeria – viene mostrata al pubblico, segnando un passo importante anche nel dibattito sulla restituzione del patrimonio culturale africano disperso nel mondo. Il progetto prevede la realizzazione della Rainforest Gallery, dedicata a mostre immersive, e dei Rainforest Gardens, che ospiteranno opere site-specific tra oltre duemila alberi autoctoni. Saranno inoltre presenti una guesthouse per artisti, un teatro per performance e arti dal vivo, laboratori artigianali e spazi di socialità all’interno di edifici coloniali riqualificati. Il completamento dell’intero campus è previsto per il 2028.

Accanto alle esposizioni, il MOWAA offrirà un ricco programma pubblico di incontri, workshop, proiezioni e attività educative, che coinvolgeranno non solo i visitatori ma anche la comunità locale e studenti provenienti da tutta la regione dell’Africa occidentale. «In un’epoca in cui i musei sono chiamati a giustificare la loro esistenza – tra tagli ai finanziamenti, richieste di restituzione e calo di visitatori – il nostro obiettivo è quello di creare un’istituzione profondamente radicata nel contesto africano», ha dichiarato Ore Disu, direttrice del MOWAA Institute. «Vogliamo usare l’arte come catalizzatore per la rigenerazione urbana, lo sviluppo culturale e la formazione delle nuove generazioni. Siamo fieri di mostrare che l’Africa può offrire nuove visioni e nuovi modelli museali al mondo intero».

Scrigno di un collezionismo raffinato

ll Museu Calouste Gulbenkian, fondato nel 1969, raccoglie la straordinaria collezione dell’industriale e mecenate armeno Calouste Sarkis Gulbenkian (1869-1955), che scelse Lisbona come sua ultima dimora durante la Seconda guerra mondiale. La raccolta comprende più di seimila opere. Dai reperti dell’antico Egitto a ceramiche islamiche, dai tesori dell’Estremo Oriente a capolavori di arte europea (tra cui dipinti di Rembrandt, Rubens, Fragonard, Monet e Turner) è una collezione costruita con un gusto che riflette la visione cosmopolita del suo fondatore. Il museo è inoltre interessato da un progetto di rinnovamento strutturale che riguarda gli impianti di climatizzazione, l’illuminazione e la sicurezza per garantire una migliore conservazione delle opere.

Chi è Xavier Salomon

Formatosi tra Roma, Venezia e Londra, Salomon è considerato uno dei maggiori esperti mondiali di pittura barocca italiana. Ha conseguito il dottorato al Courtauld Institute of Art con una ricerca sul cardinale Pietro Aldobrandini, figura centrale del collezionismo romano tra Cinquecento e Seicento. Dopo varie esperienze presso il British Museum, la National Gallery e la Dulwich Picture Gallery (dove ha curato esposizioni dedicate a Reni, Veronese e Poussin), ha assunto ruoli di crescente responsabilità al Metropolitan Museum of Art e alla Frick Collection di New York, dove è stato vicedirettore e capo conservatore per oltre un decennio. Si distingue per un approccio curatoriale che accosta maestri antichi e visioni molto contemporanee. Sotto la sua guida, la Frick ha anche affrontato una delicata ma riuscita fase di transizione, con il trasferimento delle collezioni alla sede temporanea della Frick Madison durante i lavori di ristrutturazione della storica sede sulla Fifth Avenue, riaperta nell’aprile 2024.

Una visione internazionale per il Gulbenkian

La scelta di Salomon sembra proiettare il Museu Gulbenkian verso un’apertura sempre più internazionale, non solo in termini di mostre ma anche d’accordo con il contemporaneo e con nuove generazioni di pubblico. Con la sua esperienza il curatore romano potrebbe imprimere una nuova energia al museo lisboeta, favorendo progetti multidisciplinari e collaborazioni transnazionali, come già fatto alla Frick. La nomina di Salomon segna così un momento emblematico per il Gulbenkian.

La riapertura del museo, prevista per l’estate 2026, sarà con tutta probabilità accompagnata da una nuova grande mostra e da un piano di comunicazione ambizioso, anche in vista del rafforzamento del ruolo di Lisbona come polo artistico europeo. In questi anni, infatti, la capitale portoghese ha conosciuto una fioritura culturale e un forte interesse da parte di artisti, gallerie e curatori provenenti da tutto il mondo.

Downton Abbey va all’asta: un addio in grande stile tra costumi, cimeli e beneficenza

L’asta si terrà online dal 18 agosto al 16 settembre 2025, ma per chi si trovasse a Londra sarà possibile vedere alcuni dei pezzi più rappresentativi dal vivo grazie a una mostra gratuita allestita nella sede di Bonhams in New Bond Street. Un appuntamento imperdibile per i fan della serie e per i collezionisti di memorabilia televisivi, che potranno portarsi a casa un frammento di questo universo aristocratico così amato. Non si tratta solo di un’operazione commerciale, ma anche di un gesto di solidarietà: Carnival Films, la casa di produzione della serie, ha deciso di devolvere l’intero ricavato dell’asta a Together for Short Lives, la principale organizzazione benefica del Regno Unito impegnata nel sostegno a bambini affetti da patologie gravi e alle loro famiglie.

Tra i lotti in catalogo spiccano veri e propri oggetti da sogno per i fan della serie: il costume da sposa completo – incluso il bouquet – indossato da Michelle Dockery nel ruolo di Lady Mary nel primo episodio della terza stagione, con una stima tra le 3.000 e le 5.000 sterline. Di grande fascino anche due abiti indossati da Maggie Smith nei panni dell’indimenticabile Violet Crawley: un abito rosa chiaro e uno grigio scuro da giorno, entrambi della sesta stagione, valutati tra 1.500 e 2.000 sterline. Per chi cerca oggetti simbolici, c’è anche un ciak originale utilizzato durante le riprese del film Downton Abbey: Una nuova era, stimato intorno alle 1.500 sterline.

E ancora: la sceneggiatura del primo episodio della prima stagione, autografata dal cast, con una valutazione compresa tra 600 e 800 sterline. Piccoli tesori che racchiudono l’essenza della serie e la dedizione maniacale alla ricostruzione storica e al dettaglio visivo. “Downton Abbey è un’opera narrativa eccezionalmente ben documentata sulla società aristocratica all’inizio del XX secolo”, ha dichiarato Charlie Thomas, UK Group Director for House Sales and Private & Iconic Collections di Bonhams. «I costumi e gli oggetti di scena mostrano la straordinaria attenzione ai dettagli che ha dato vita a questo mondo sullo schermo, rendendolo così amato da milioni di persone in tutto il mondo».