Laura Fedrigo

Foto di Ingrid Wight

Il trio che si è esibito al Teatro Palamostre di Udine giovedì 18 marzo per la stagione Note Nuove di Euritmica è a dir poco straordinario. Sul palco assieme a Steve Gadd, universalmente considerato uno dei più grandi batteristi della storia, c’erano Michael Blicher al sassofono e Dan Hemmer all’organo Hammond. Scorrere il curriculum artistico di questi musicisti è come intraprendere un viaggio nel mondo del paranormale. Steve Gadd è senz’altro uno dei batteristi che più ha influenzato col proprio stile che unisce raffinatezza, suono, essenzialità, diverse generazioni di musicisti. Tra le sue collaborazioni, citiamo solo alcuni nomi: Eric Clapton, David Gilmour, Paul McCartney, Bee Gees, Simon & Garfunkel, Steely Dan, James Taylor, Al Jarreau, Joe Cocker, Jim Croce (indimenticabile ma a troppo spesso dimenticato), Manhattan Transfer, Al Di Meola. Il danese Michael Blicher ha recentemente dichiarato di essersi innamorato del sax all’età di 15 anni ascoltando le parti incise in alcuni brani dei Dire Straits, ma fin da bambino è stato influenzato dall’ascolto dei vinili del padre, in particolare dalla musica di Ray Charles e, tra gli altri, Nat King Cole. Blicher ha avuto anche il compito di presentare i brani in scaletta dialogando col pubblico presente con fare amabile, schietto, lontano dai clichè spesso assegnati ai grandi musicisti che abitano il pianeta Jazz. Dan Hemmer è stato definito da qualcuno il più grande suonatore di Hammond al mondo; rifiutando queste classifiche che non hanno senso nel mondo della musica, Hemmer è un musicista che sa accarezzare lo strumento, dote spesso negata alla maggior parte di artisti considerati “virtuosi”.  Per l’ennesima volta Euritmica propone nell’ambito del Friuli Venezia Giulia un concerto dai contenuti a dir poco deliziosi. Steve Gadd considera l’esperienza del trio una delle sue preferite, per la condivisione comune della musica, suonata con un groove intimo. E’ la magia della musica; per tutta la durata del concerto ci siamo trovati immersi in un’atmosfera quasi mistica. I tre musicisti hanno curato ogni singola nota con attenzione, guardandosi, cercando gli sguardi, come per proteggere le proprie creazioni. Potremmo dire che Gadd Blicher Hemmer si comportano come sarti che confezionano con grande raffinatezza abiti su misura, sapendo che l’anima e lo stile sono più importanti della mera estetica o della ricerca di stupire. Blicher spiega che le luci resteranno accese sulla platea per l’intero concerto; l’intenzione è creare un’atmosfera amichevole, quasi da jazz club. “Ci piace vedervi in faccia”. Non si deve creare distacco tra artisti e pubblico. L’apertura è affidata a Moments like this, l’album che ha celebrato i dieci anni di sodalizio artistico del trio. Ogni tanto Eddie, così viene presentato, accompagna il trio suonando le percussioni. Bellissima I love it when you smile, deliziosa In a little spanish town, con un assolo finale di Steve Gadd. Segue They had no roses, tratto da Omara (2018) e il sassofonista spiega che il gruppo rispetta un certo crietrio matematico in fatto d’età; i musicisti hanno rispettivamente 40, 60 e 80 anni! Blicher suona anche il flauto, come ad esempio, nel toccante brano Stop yelling in the Picalof. Snow, brano composto dal trio in una fredda giornata di prove trascorsa a Copenhagen, regala dolci sensazioni. Il bis richiesto con trasporto dai presenti consolida la bellezza di un concerto intenso, pieno di emozioni. Blicher dice: “Ci sentiamo grati di girare il mondo e incontrare gente come voi”, per introdurre la bellissima A small song of gratitude. Nel dopo concerto abbiamo incontrato il batterista friulano Elvis Fior. Da uno scambio di battute con Elvis, riporto in sintesi le sue osservazioni; mi pare il miglior modo di chiudere questo articolo. “Siamo di fronte a un sommo poeta come Dante, stiamo parlando dell’eccellenza assoluta. Ogni volta che lo sento suonare mi emoziona sempre perché è in grado di toccare le corde emotive, non si tratta mai di un esercizio di stile. Steve Gadd è un maestro delle dinamiche, del groove, del portamento. Non c’è una nota fuori posto, tutto gira, tutto è fluido. E’ dentro la musica. E’ un privilegio ascoltarlo, è pura poesia”.

Grazie a Ingrid Wight per le foto.

Foto di Ingrid Wight

Ian Anderson (Voce, armonica a bocca, chitarra) David Goodier (Basso) John O’Hara (Tastiere) Scott Hammond (Batteria) Jack Clark (Chitarra solo)

Splendida serata sotto le stelle del Rossetti con i Jethro Tull di Ian Anderson. La band, dopo la pubblicazione di “Curious Ruminant”, 24° album in studio, ha intrapreso un lungo tour nei teatri di tutto il mondo salutato in modo molto positivo dalla critica e dallo zoccolo duro dei fan che li seguono da sempre.

La band ormai si identifica totalmente con il flauto traverso del suo leader, unico superstite della formazione originale, ma in realtà è sempre stato così. Il gruppo è dal 1967 un’emanazione della inesauribile creatività di Anderson, che l’ha modellato secondo il suo talento, carisma e gusto.

Il polistrumentista scozzese ha sempre avuto il grande merito di condividere il palcoscenico con straordinari musicisti pur mantenendo ben salde le redini della band. E’ stato lungo e fecondo il sodalizio con il chitarrista Martin Barre (1968-2011), brevissimo ed estemporaneo quello con Toni Iommi, pilastro dei Black Sabbath (1968), storico quello con il batterista Clive Bunker (1967-1970) ma niente sembra essere stato più importante per Anderson quanto il progetto in se.

Il musicista ha anche avuto una carriera solista con album per niente disprezzabili come “The secret Language of Birds” (2000) senza però mai perdere di vista la sua creatura primogenita che ha sempre avuto vita propria.

La loro carriera comprende l’arcobaleno che va dai primi vagiti blues e jazz di “This Was” (1968) alla maturità artistica del loro particolarissimo folk-hard-prog di “Too Old to Rock’n’Roll: Too Young to Die” fino ai tanti album tradizionalmente rock mainstream “Crest of Knave”; per non dire dei grandi album live (Bursting Out, 1978), frutto di registrazioni più o meno ufficiali dei migliaia di concerti tenuti in tutto il mondo dalla band in 58 anni di onorato servizio.

Gli ultimi anni hanno salutato tre ottimi album e un’inesausta attività dal vivo che comprende un NeverEnding Tour infuocato di centinia di concerti nelle arene estive di tutto il mondo. Bizzarro ma piacevole, il tour invernale dello scorso anno con le canzoni della tradizione di Natale.

Se sommiamo tutte queste attività ne risulta l’attuale band in forma smagliante che non è certo paragonabile alla “macchina da guerra” che era negli anni ’70 ma che sa ancora far sognare il proprio pubblico con brani di grande impatto sonoro oppure “volare sopra le nuvole” con struggenti ballads strappacuore.

Il gruppo prende il nome da un poliedrico agronomo inglese del XVIII sec. (1674-1741) passato alla storia per aver introdotto l’empirismo in agricoltura (osservazione diretta, esperienza pratica) e per aver inventato la prima efficace seminatrice meccanica per i cereali.

Anche Ian Anderson è un perfetto artigiano della musica con una grande esperienza nella zootecnia e un occhio agli affari e una certa praticaccia del mondo:

“Nel 1978 comprammo una seconda casa, in Scozia, dove sono nato…in un articolo sull’acquacultura lessi di questa novità. Realizzammo un allevamento di salmoni proprio nel momento in cui quel settore iniziava a svilupparsi. Seguirono una fabbrica per l’affumicatura, il trattamento del pesce e altri allevamenti e oggi vi lavorano 250 persone nelle Highland Scozzesi” (itullians.blogspot).

Non deve dunque stupire se nei testi del gruppo, tutti scritti e depositati dal leader, molto spesso troviamo riferimenti al mondo del lavoro, alla fatica delle mani e all’olio di gomito.

Sono tutti di Bristol i musicisti della line up attuale, tranne il chitarrista che “sfortunatamente” è di Manchester come, in un divertente calembour, ne parla Anderson mentre li presenta. Proprio alla città inglese e al suo porto è dedicato uno dei brani strumentali più dolci e nostalgici dell’intera scaletta: “The Donkey and the Drum”.

Vecchi filmati in bianco e nero sul grande schermo alle spalle dei musicisti ricordano senza troppa retorica le fatiche degli scaricatori, la laboriosità della banchine e dei magazzini e le merci che fanno ricche le stive delle navi e impegnano le grandi gru e gli argani. Dopo tanto lavoro e sudore ci vuole proprio una bella bevuta tutti insieme al pub “dell’asino e del tamburo” che dal 1873 mesce la sua birra scura per i portuali ma anche per tutti quelli che vogliono gustarsi un autentico sorso di vita. E’ proprio quel pub che ancora oggi Anderson e i suoi musicisti occasionalmente frequentano. Si voglia scusare la citazione del tutto fuori luogo ma si crede giusto ricordare che il nome del pub ai più ricorda il cap 33 di “Le avventure di Pinocchio” la cui rubrica recita: “Diventato un ciuchino vero, è portato a vendere, e lo compra il direttore di una compagnia di pagliacci per insegnargli a ballare e a saltare i cerchi; ma una sera azzoppisce e allora lo ricompra un altro, per far con la sua pella un tamburo”.

Con la scusa del folk rurale, del mondo incantato delle foreste e dei folletti, della retorica antimodernista contenuta in anthems come “Living in the past”, il significato e la poetica della band passa spesso in secondo piano o al più considerato semplice folklore rispetto agli aspetti più ludici e spensierati.

La band di Anderson è a volte sottovalutata per quanto riguarda testi ed intenzioni, che vengono ritenuti a volte di minore valore rispetto a quelli dei loro colleghi più blasonati del rock progressivo.

I Jethro Tull si erano già presi gioco di questa supponenza e sicumera in uno straordnario album a tema contro la prosopopea dei Concept, tanto di moda all’epoca, il celebre “Tick as a Brick”

Le loro idee sono al contrario sempre state chiare e le prese di posizione nette e precise. Spesso Anderson ha voluto esprimere tutte le sue considerazioni più ruvide indirizzandole verso le mollezze del mondo borghese.

Uno dei nuclei tematici del loro comporre che riguarda tutta la loro carriera fino ai giorni nostri è uno smaccato aticlericalismo che gli ha creato non poche difficoltà, fino a ritorsioni e autentici boicottaggi, come è evidente nel loro classico evergreen : “My God” tratto dall’album altrettanto famoso “Aqualung” eseguito in una splendida versione con video anche sulle assi del Rossetti.

Nel retro di copertina di quello straordinario disco, c’era perfino un sapido vademecum in nove punti del perfetto mangiapreti che è prezioso ricordare almeno in sintesi:

“Al principio l’Uomo creò Dio e lo creò a immagine dell’Uomo, gli diede una moltitudine di nomi. E l’uomo creò Aqualung dalla polvere della terra e una schiera d’altri simili a lui. E l’uomo divenne il Dio che aveva creato e con i suoi miracoli governò la terra intera”.

Come è evidente anche in uno dei brani più recenti della band “Over Jerusalem” da “Curious Ruminant” (2025), la presa di posizione non è contro la divinità in se, ma contro chi perverte il messaggio spirituale di bontà e fratellanza per il potere temporale o per l’avidità.

Nei Vangeli canonici: “E Gesù entrato nel tempio cominciò a scacciare quelli che nel tempio vendevano e compravano e rovesciò le tavole dei cambia monete e le sedie dei venditori di colombi (Marco 11, 7-19)

Anche il messaggio contenuto nel molto più recente brano “Over Gerusalem” sembra quasi profetico rispetto agli abomini in corso contro ogni diritto umano e nel nome del genocidio voluto dal dio dei soldi.

Lo spettacolo è molto curato nelle proiezioni video che, pur non essendo più un’assoluta novità, rendono ancora più piacevole l’esperienza. Sul grande schermo, da sotto il pelo di un mare agitato, un braccio impugna un flauto, immediatamente la band appare sul palco e Anderson intona un vecchio blues con l’armonica a bocca, accompagnato alla chitarra dall’ultimo acquisto della band, il giovane talentuoso chitarrista Jack Clark.

La voce aspra e graffiante del leader ormai è solo un ricordo, il gentiluomo delle Highlands scozzesi si sforza di modulare quel poco che è rimasto delle sue corde vocali con un effetto per nulla melodioso anche se l’amore dei fan può superare questo e altro. Comunque il risultato complesivo è più che accettabile, si lascia ascoltare con facile piacevolezza e una certa dose di gioia e stupore infantile.

Anderson naturalmente non ha da giocarsi solo le corde vocali, è anche uno straordinario polistrumentista, performer e intrattenitore. Sul palco si muove ancora con una certa agilità giocando ironicamente su fatto di non essere più un ragazzo; non fa proprio mancare niente al proprio pubblico deliziato, nemmeno le sue classiche pose da pifferaio magico che suona in equilibrio su una gamba sola.

I brani della scaletta si srotolano piacevoli accompagnati da animazioni video di cui dicevamo sul fondale di quinta. La musica e i video si sposano benissimo regalando agli spettatori una specie di ascolto immersivo cui fanno da cornice anche gli splendidi arredi del Rossetti che tra stucchi dorati, velluto blu e luce di stella sono uno spettacolo di per se. Naturalmente, applausi da spellarsi le mani per gli eterni classici come Aqualung, Buree e Locomotive Breath.

Anderson strappa un ennesimo sorriso al pubblico quando, annunciando l’intervallo tra il primo set e il secondo, dice che basterà il tempo di fare una visita al banchetto del merchandising ufficiale della band oppure, per i più focosi, di farsi “A Quick One” (una sveltina) a ciascuno i propri gusti.

Scaletta:

1. Some Day the Sun Won’t Shine for You, Beggar’s Farm, A Song for Jeffrey, Thick as a Brick, Songs From the Wood, Weathercock, The Navigators, Courious Ruminant, Bourrée in E minor

2. My God, The Zealot Gene, The Donkey and the Drum, Over Jerusalem, Budapest,, Aqualung, Locomotive Breath.

Flaviano Bosco / instArt 2026 ©

Laura Fedrigo

foto Glauco

Il teatro Maurensig è una sala peculiare: è, forse, l’unico teatro nel quale trovarsi nelle file in fondo è meglio che essere seduti in quelle davanti. Questo è l’unico modo per non perdersi gli ipnotici rimbalzi della luce sulle pareti e la sua costante invasione di ogni angolo del soffitto, capaci di creare tunnel e riflessi sempre nuovi. È come se il suo ambiente immersivo ti invitasse a porre la giusta distanza tra te e lo spettacolo, come a chiederti di guardare da una prospettiva più ampia la bellezza che mette sul palco.

È con questo esatto spirito che va in scena, lo scorso sabato 14 Marzo, Moto Contrario, spettacolo ideato dagli artisti del Quartetto Indaco e che l’associazione RiMe MuTe e la fondazione Luigi Bon hanno deciso di includere nella rassegna Utopia 2025/2026.

La cornice di Feletto non è, ormai, nuova agli allestimenti immersivi proposti dal palinsesto di quest’anno: la parola d’ordine, una volta di più, è multisensorialità. Moto Contrario si inserisce perfettamente all’interno di questa direzione artistica, proponendo un’idea di spettacolo innovativa.

Il “moto contrario” è ciò che avviene in musica quando due linee di note, una alta e una bassa, si invertono, con quella alta che diviene più grave e quella bassa che, invece, si acuisce. La genialità del concept della serata sta proprio nell’estrapolazione di questo concetto teorico e la sua successiva applicazione alla narrazione. Questa, infatti, si costruisce attorno ad una coppia di vite, raccontate tramite diari ed epistolari, che, proprio come in un moto contrario, vivono opposte parabole emotive.

Da una parte Clara Wieck-Schumann, moglie del celeberrimo autore Robert Schumann, che osserva il disfarsi del proprio iniziale idillio amoroso e familiare con il musicista, al seguito della pesante malattia mentale che coglie quest’ultimo nel crepuscolo della sua vita.

Dall’altra, Sarah Kim-Cross, violinista (o come lei stessa preferisce definirsi, qualcuno che suona il violino), che vive un lungo periodo di depressione intensa sin dalla post-adolescenza.

Mentre Schuman scende, Kim-Cross risale, in un moto contrario di speranza e rinascita.

Lo spettacolo si struttura, dunque, su tre piani.

Quello della musica, che vede il Quartetto Indaco (Eleonora Matsuno, primo violino, Ida di Vita, violino, Jamiang Santi, viola, e Cosimo Carovani, violoncello) destreggiarsi superbamente tra le struggenti composizioni di Robert e Clara Schumann e alcune sperimentazioni musicali dello stesso Cosimo Carovani.

Quello della narrazione, con Nicoletta Oscuro (Clara Wieck-Schumann) e la giovane Serena Costalunga (Sarah Kim-Cross) che donano la propria voce per l’interpretazione dei reconditi pensieri delle due opposte protagoniste, con pathos, trasporto e intensità vibranti.

Infine, quello della visual art, curato da Letizia Castellano. Voglio soffermarmi su quest’ultima, per tributarle il plauso che merita per il lavoro compiuto. Nonostante possa passare quasi in secondo piano di fronte ai professionisti dello spettacolo che animano in prima persona il palco, è proprio la visual art a rivelarsi il collante ideale per l’allestimento: un’ora e mezza di video, realizzati con le più disparate tecniche, dalla computer grafica allo stop motion, passando per l’animazione e il timelapse, che riescono nell’arduo compito di accompagnare perfettamente il clima della musica e dei testi, continuamente oscillante tra le ombre e le luci di due storie personali così emotivamente complesse. Forse non avrà ricevuto direttamente il bagno di applausi al termine della serata, ma è grazie a Castellano se, per un’ora e mezza, il Maurensig si è travestito da improprio caleidoscopio teatrale.

Il risultato è stato, senza esagerare, da brividi.

Impossibile restare indifferenti di fronte alla splendida commistione di luci e musiche, mentre si rimane rapiti dalle storie di queste due donne, tanto personali, caravaggesche e viscerali da arrivare a toccare nel profondo lo spettatore. In un momento storico come il nostro, che, rubando le parole di Jonathan Haidt, è caratterizzato dalla sua società ansiosa, trattare i temi della depressione, della cura di sé, della salute mentale, delle etichette e dei tormenti interiori che mutano in rinascite è più che mai importante. Uno spettacolo che fa riflettere, senza rinunciare al trasportare la platea sul contraddittorio ottovolante di emozioni contrastanti di chi vive una profonda crisi personale.

Dispiace vedere un pubblico relativamente ridotto per la serata, anche perché uno spettacolo di questo livello merita, magari, qualche rappresentazione in più, ma gli sguardi soddisfatti all’uscita sono quelli di chi ha compreso come porsi alla giusta distanza dalle cose possa aprire prospettive sempre più ampie di bellezza.

                                                                                                                                                          Giovanni Flaibani

Il Carso in Corso è una splendida “enoteca con pianoforte” nel vero centro di Monfalcone, per l’appunto il Corso del popolo. L’associazione culturale Nuovo Corso, che la gestisce, organizza splendidi concerti che fanno rivivere, di tanto in tanto, per preziose serate il locale che troppo spesso dorme con le serrande abbassate. Quando si sveglia dal suo torpore è un luogo di grandi energie e passioni estetiche e politiche, dove si beve vino sincero e si mangia pane e salame ascoltando grande musica in compagnia della “meglio gioventù” anche quella con i capelli d’argento.

L’associazione Slou con il suo “Estensioni Jazz club Diffuso, non si è fatta sfuggire l’occasione di proporre uno degli artisti militanti più intensi e validi del panorama italiano contemporaneo: Pierpaolo Capovilla, classe 1968.

Il cant-attore dai “pugni chiusi”, è da anni una delle punte di diamante della scena artistica indipendente italiana che sembra asfittica e sterile, ma che, in realtà, continua a sfoderare singolari e preziose personalità di artisti.

La vera cultura italiana non è mai appartenuta alle accademie e alle segrete, eburnee aule; ha sempre dato il meglio di se tra il sobbollire delle pentole in cucina e le damigiane e gli insaccati della cantina. I versi più autentici e suadenti della nostra letteratura sono sempre stati salutati dal tintinnare delle posate, dei bicchieri di vino e dagli accordi di un liuto; da Cecco Angiolieri a Dario Fo e da Cenne de la Chitarra a Pasolini le cose migliori si sono scritte e cantate sulle grezze tavole delle osterie di “fuori porta”.

Monfalcone, 28/02/2026 – Il Carso in Corso – Estensioni Jazz Club Diffuso – Pierpaolo Capovilla recita Pasolini – Foto Luca A. d’Agostino/Phocus Agency © 2026

Capovilla è una forza del passato, in un mondo che sembra aver perso la propria direzione, come il Poeta la ritrova dai ruderi, dalle chiese, dalle pale d’altare, dai borghi abbandonati…dove sono vissuti i fratelli, nelle città di pianura.

La sua personalità di artista e di uomo è assolutamente poliedrica, ne è testimone la sua discografia e le sue esibizioni come frontman delle band nelle quali milita. Ha una presenza scenica davvero magnetica e mesmerizzante, dai tempi di “One dimensional man”, al “Teatro degli Orrori”, fino agli attuali “Cattivi Maestri” che accompagnano la sua carriera solista; il minimo comune denominatore è il suo modo di riempire il palcoscenico con i suoi movimenti sgraziati e apparentemente incerti e la sua voce rabbiosa, acida e sarcastica.

In sintesi, Capovilla è uno degli alfieri del migliore post rock italiano di “rabbia antica e di generazioni senza nome che urlano vendetta con il cuore accecato”.

Indimenticabili sono i suoi reading poetici, tra gli altri, su Mayakovsky, Mahamud Darvish, Ken Saro Wiwa e per l’appunto Pasolini.

Monfalcone, 28/02/2026 – Il Carso in Corso – Estensioni Jazz Club Diffuso – Pierpaolo Capovilla recita Pasolini – Foto Luca A. d’Agostino/Phocus Agency © 2026

Grande merito gli va tributato per aver riportato l’attenzione del grande pubblico sul poeta sudafricano intimamente e tragicamente legato alla corruzione del nostro paese e alla sua recente storia coloniale mascherata da attività imprenditoriale multinazionale.

Per il poema “La religione del mio tempo” Pasolini si ispirò ad un sonetto di Gioacchino Belli intitolato per l’appunto, “La riliggione der tempo nostro” nel quale il sarcasmo del poeta romano non riesce a nascondere la propria amara delusione e disillusione. Abbiamo scelto di farci guidare dalle sue preziose quartine per sottolineare e comprendere alcuni momenti della performance di Capovilla:

Monfalcone è una città del tutto particolare con molto da farsi perdonare. Grazie alle scellerate imprese di passate e recenti amministrazioni, negli ultimi anni sembra essere diventata il laboratorio del pregiudizio e della xenofobia antislamica nel nostro paese miserabile. La storia dei Cantieri è assolutamente emblematica a riguardo. Dalle accuse di bivacco alle mamme del Bangladesh con passeggino che si fermano a chiacchierare, alle reprimenda sulle tute sporche degli operai fino al divieto di assembramento per i fedeli mussulmani che vogliono pregare in santa pace.

Monfalcone, 28/02/2026 – Il Carso in Corso – Estensioni Jazz Club Diffuso – Pierpaolo Capovilla recita Pasolini – Foto Luca A. d’Agostino/Phocus Agency © 2026

Luca d’Agostino introducendo l’esibizione ha ricordato quando a 7 anni ebbe la notizia dell’omocidio di PPP con i mugugni e i mille sussurri dei grandi: “Un po se l’è cercata”, “In fondo era uno sporcaccione”; anche chi scrive si ricorda bene che fino agli anni ’90 di Pasolini in Friuli si parlava solo a bassa voce vergognandosene un pochino. Ancora oggi, in realtà, poche persone ne conoscono realmente l’opera e visto che la capacità di comprensione del lettore medio italiano è sensibilmente calata figuriamoci quella di tutti gli altri.

L’analfabetismo culturale generalizzato sembra essere stato l’obiettivo principale delle istituzioni scolastiche negli ultimi decenni che sono state artatamente boicottate e rese incapaci di formare e di educare le nuove generazioni e, infatti, i nostri ragazzi vivono un’inquietudine indefinibile e un’irredimibile angoscia esistenziale.

Ci troviamo per l’appunto nella situazione in cui l’elettorato italiano e l’opinione pubblica possono essere manipolate a piacimento del potere e i valori della Resistenza sono svenduti al capitale nel modo più meschino e sacrilego; e non si dica che è solo il frutto amaro delle nuove tecnologie digitali.

Monfalcone, 28/02/2026 – Il Carso in Corso – Estensioni Jazz Club Diffuso – Pierpaolo Capovilla recita Pasolini – Foto Luca A. d’Agostino/Phocus Agency © 2026

In sintesi, anche se si parla un po’ di più di Pier Paolo Pasolini, pochi sono quelli che lo leggono davvero, che vedono i suoi film e meno ancora sono coloro che ci capiscono qualcosa.

Assolutamente meritoria l’operazione di Capovilla anche dal punto di vista divulgativo, didattico e pedagogico. Fa la cosa più semplice del mondo, quella che non ha alcun bisogno di riforme scolastiche, reclutamento docenti, revisione delle strutture e delle dotazioni. Capovilla prende il testo e lo legge davanti a tutti con passione e sempre rinnovato sentimento e curiosità.

Non servono grandi mostre, celebrazioni, convegni, bandi di concorso da milioni di euro, monumenti, dedicazioni di piazze e di vie e altre cianfrusaglie mediatiche concepite apposta per i grassatori e per i presidenti delle proloco, per far giustizia a un poeta bisogna leggerlo, sforzarsi di capirlo e, nel caso di un poeta civile e militante come Pasolini, cercare di seguirne le indicazioni “esprimendo la voglia di cambiare questo paese” oppure argomentare il dissenso davanti alle sue prese di posizione a volte contorte e incomprensibili.

Monfalcone, 28/02/2026 – Il Carso in Corso – Estensioni Jazz Club Diffuso – Pierpaolo Capovilla recita Pasolini – Foto Luca A. d’Agostino/Phocus Agency © 2026

La sua poesia è tutt’altro che astratta, al contrario trasuda d’olio motore delle officine, della fatica dei campi; ha le mani rozze, screpolate e i piedi sporchi dei contadini affrescati da anonimo pittore trecentesco, in ginocchio davanti alla croce in una chiesetta della bassa friulana.

C’è tutto Pasolini tra i versi de “La religione del mio tempo” che Capovilla ha declamato davanti ad un pubblico partecipe, silenzioso e attento: dalla meraviglia di fronte alla natura bucolica della campagna, alle mani nodose dei contadini, fino alla critica radicale al capitalismo consumista e alla religione del denaro cui ognuno è pronto a prostituirsi. Nel cuore del poema c’è la protervia della chiesa di Roma, con la sua spietata ragion di stato.

Pasolini era un “Parresiastes”, esercitava la parresìa, diceva socraticamente la verità in modo franco, aperto e diretto a rischio della propria vita. Tutti noi mentiamo con bugie grandi o piccole per interesse personale, per stupidità, crudeltà, lo facciamo anche in modo ingenuo credendo di cavarcela con poco.

Pinocchio è non a caso uno dei caratteri più universalmente riconosciuti per indicare gli italiani. La dimensione di Pasolni è sostanzialmente diversa da quella abitata dal legnoso personaggio di Collodi, è quella di colui che sente come urgenza il dovere e la volontà di dire la verità davanti alla tirannia, al sopruso, al Potere in tutte le sue forme; “di uomini così ne nascono due o tre in un secolo” proprio come disse Moravia ai suoi funerali.

Pasolini era: cattolico, comunista e omosessuale, un groviglio di contraddizioni inestricabili, con le sue “misteriose mattine di Bologna o di Casarsa e la sua arte di perdersi in quel pianto, il mondo non è che odore, nient’altro” come ha declamato Capovilla.

Monfalcone, 28/02/2026 – Il Carso in Corso – Estensioni Jazz Club Diffuso – Pierpaolo Capovilla recita Pasolini – Foto Luca A. d’Agostino/Phocus Agency © 2026

Capovilla non è classicamente un fine dicitore, tutt’altro. La sua voce nasale, sgraziata e spesso titubante non rivela nulla di canonico nella sua interpretazione.

La sua è sempre una lettura commossa, partecipata, sanguigna e istintuale, velata di pianto e disperata vitalità, non fa proprio nulla per celarsi o mascherare la commozione, “a stento trattengo un pianto infantile”, con le dita asciuga spesso le lacrime che gli rigano il volto. Il suo pianto è di compunzione ed è autentico come solo i grandi mentitori sanno far credere. “I padri del deserto, i primi monaci della storia, lo chiamavano “penthos”, cioè un dolore interiore che apre ad una rinnovata relazione con il Signore o con il prossimo” così diceva papa Francesco, in una sua catechesi del 12/02/2020, citato da Capovilla, come rivoluzionario “che ha terremotato la storia”.

Forti sono risuonati i versi di Pasolini che ci esortano a:

“Essere come coloro che ci fanno credere che la poesia ha davvero senso come la nostra esistenza e che sia la forza creatrice dei mondi che abitiamo…nell’antico mistero contadino…Guai a chi non sa essere misero, nell’amore che mendica tra i…I figli della rivolta, del sangue…I figli di un lontano futuro disperato”.

Capovilla sa leggere Pasolini nel modo più alto, autentico e lirico anche perchè appartiene a quei paesaggi dove l’uomo si confronta con il vuoto della pianura, con le sue città e le sue strade, con quel rumoroso silenzio che esplode ai bordi delle strade provinciali dritte e disperate nel loro seguire l’antica centuriazione romana.

Il riferimento d’obbligo è al recente film “Le città di Pianura” di Francesco Sossai che vede tra i protagonisti proprio il cantante nei panni del luciferino Doriano. Senza alcuna piaggeria, si tratta di una pellicola epocale tra le poche in grado di rappresentare l’anima di quel paesaggio anche antropologico così trascurato dalla rappresentazione cinematografica che è la “depressione caspica” del profondo veneto orientale.

Il folto pubblico del Carso in corso di Monfalcone ha tributato a Capovilla un’attenzione quasi liturgica. Un silenzio sospeso, religioso e il vino non sono mancati come durante una messa laica, fino all’Ite missa est…”Se vi va, se mi fate un applauso, mi sono sempre emozionato”

P.S. Durante l’esibizione Capovilla ha lodato e citato con insistenza una recente lettera aperta del cardinale Battaglia, arcivescovo di Napoli, sul senso della necessità di una nuova coscienza che sia onesta e provi senso di vergogna. Vediamone un estratto:

Monfalcone, 28/02/2026 – Il Carso in Corso – Estensioni Jazz Club Diffuso – Pierpaolo Capovilla recita Pasolini – Foto Luca A. d’Agostino/Phocus Agency © 2026

“Il Crocifisso oggi ha le mani dei civili sepolti sotto le bombe. Ha gli occhi sbarrati dei bambini che non sanno dare un nome all’orrore. Ha il volto delle donne che stringono fotografie invece di abbracciare figli. Ha la sete dei profughi, la paura dei vecchi, il tremore di chi non ha più una casa e nemmeno una lingua per raccontare il dolore. E voi, mercanti della morte, continuate a passare sotto quella croce come passarono un giorno i soldati, spartendovi le vesti del condannato. Solo che oggi non tirate a sorte una tunica: tirate a sorte interi popoli.

Scommettete sulle frontiere, sui rancori, sulle escalation, sugli equilibri armati. E intanto chiamate pace la paura, chiamate ordine il dominio, chiamate sicurezza la minaccia permanente. Ma non c’è sicurezza dove si semina morte. Non c’è futuro dove si educano i giovani al sospetto. Non c’è giustizia se la ricchezza di pochi si fonda sul lutto di molti.

E non ci sarà pace finché la guerra resterà un investimento accettabile.

Il Vangelo, invece, non tratta.

Il Vangelo non benedice le industrie della distruzione.

Il Vangelo non si abitua ai morti.

Il Vangelo non sopporta che il dolore diventi statistica e che i massacri si consumino dentro il commento stanco di un notiziario. 

Il Vangelo mette un bambino al centro.

Sempre.

(* arcivescovo metropolita di Napoli)

Finita l’esibizione, Capovilla, smontatosi il piccolo impianto di amplificazione da solo, riposti i suoi effetti personali nel piccolo trolley pieno di storie e di viaggi, è sembrato destarsi come da un sogno, il “sogno di una cosa”.

Il pubblico gli vuole bene e molti ci tengono a stringergli la mano, a scambiare quattro chiacchiere ad offrirgli da bere e lui si presta amichevolmente come il vecchio amico che sempre incontriamo al bar, uno di noi.

Flaviano Bosco / instArt 2026 ©

Laura Fedrigo

A CURA DI STEFANO SIMONATO

Recentemente la Rai ha mandato in onda la fiction “Prima di noi” (tratta dal fortunato romanzo di Giorgio Fontana), in parte girata nei dintorni di Cimolais in Valcellina. Ci son state alcune polemiche sul dialetto parlato nella serie tv (un misto veneto con qualche parola in friulano e una cadenza veneto-lombarda, con solo poche scene in friulano coi sottotitoli), mentre per altri il lavoro è stato ben fatto perché il dialetto veneto è più “facile” e più conosciuto (mainstream…) e il tutto contribuisce, comunque, alla conoscenza e diffusione del friulano. Il sospetto, invero, è che si voglia contribuire alla diffusione del brand “Friuli Venezia Giulia” più che della lingua… Speriamo almeno che il turismo derivativo della fiction non sia quello becero dei selfie, ma che sia un turismo consapevole della bellezza selvaggia dei luoghi: che non passi due ore lasciando solo rifiuti, ma magari sappia apprezzare anche i piccoli musei delle dolomiti che si trovano nei dintorni (Cimolais, Claut, Andreis…), che si faccia un giretto al Parco faunistico Panpinedo o risalga la Val Cimoliana fino al rifugio Pordenone o, i più allenati, fino allo splendido e maestoso Campanile di Val Montanaia, e che magari non si porti da casa le “merendine”, ma che si fermi a mangiare e a bere un bicchiere di vino in un’ osteria del posto.

Ecco, proprio le osterie del posto, o la strada che risale il torrente, sono immagini che ci fanno subito venire in mente i lavori di Franco Giordani, artista originario di Claut che, dopo la gavetta e varie collaborazioni al cospetto di Luigi Maieron – uno dei maestri del cantautorato friulano – pubblica una decina d’anni fa il suo primo album Incuintritemp (2015). Giordani si inseriva nel filone del “nuovo” folk d’autore, da Massimo Bubola ai più battaglieri Gang senza dimenticare i vecchi del folk italiano come Giovanna Marini, influenze che, con diverse sfumature, si percepiscono ascoltando le canzoni del disco: un paio di testi glieli dona proprio Luigi Maieron, altri Barbara Florencig, ma altri ancora se li scrive Giordani stesso, dimostrando una certa confidenza con le parole oltre che con gli amati strumenti a corda, chitarre mandolini banjo bouzuki e via dicendo. In coda al disco troviamo un suo arrangiamento dell’irlandese the old triangle, un omaggio alla tradizione celtica che tanto ha dato al folk di mezzo mondo e con un bel richiamo nel testo al “jingle jangle” che ci fa subito pensare ai Byrds. A proposito di Byrds, segnalo la intensa piel scure, un brano in cui testo (di Maieron), musica, arrangiamento e atmosfera rievocano addirittura David Crosby. I brani ci raccontano del calore delle osterie, dove si coltivano i vizi del vino e del fumo come sulle strade a volte fredde e desolate (a proposito di fumo, si ascolti la bella e fosca fum), ma dove anche si vive per davvero e dove spesso rimane un agre sentore di nostalgia (“E si fasin incuintre i dis / e s’in van come amis / ch’a ti lassin la gole di vin”. E si fanno incontro i giorni / che se ne vanno, come amici / che ti lasciano la voglia di vino). Ma Incuintritemp non è solo un disco: infatti la bellissima confezione cartonata permette anche di leggere alcuni racconti dell’autore, racconti di paese, del passato, venati di malinconia, ma leggeri e divertenti (racconti che continuano anche in un suo libro del 2019, Il profumo della brina). Un pregio, questo del ricco packaging, che rimarrà anche nei lavori successivi.

La febbre della composizione, infatti, prende presto Giordani che nel 2017 pubblica Truoisparis, un album dedicato alla sua Valcellina. Diciamo subito che si tratta di un lavoro considerevole, che parla della terra e dei paesi, delle storie e delle tragedie (il Vajont nella toccante ega neigra, acqua nera), dei suoi personaggi “illustri” (i poeti Federico Tavan e Giuseppe Malattia, il calciatore del Grande Torino Ruggero Grava, gli scultori alpinisti Bepi Manarin e Mauro Corona) e di quelli che illustri non sono, ma che incarnano in fondo lo spirito del luogo. Le liriche sono cantate nelle varie declinazioni del dialetto del posto: quello di Andreis musicando poesie di Federico Tavan, quello di Barcis musicando testi di Giovanni Malattia, quelli di Cimolais e di Erto facendosi aiutare dagli amici Andrea Nicoli e Mauro Corona (che regala anche un breve racconto), quello di Claut che lo stesso Giordani scrive. Truoisparis è la crasi di truois (sentieri) e sparis (spariscono): una personale e poetica riflessione sullo spopolamento della montagna, ben descritto dall’immagine del sentiero che, ricoperto d’erba perché non più calpestato, sparisce (Ma se un paese si spegne / non se ne accorge nessuno / tutti parlano a vanvera / e si piange quando è tardi /… dulà che i truòis i sparìs).

Nel 2022 arriva il terzo album, Ressenal, letteralmente arsenale, ma nell’accezione dialettale friulana clautana sinonimo di confusione e disordine. In questo disco compaiono anche alcuni testi che affrontano problematiche di (facile) populismo, curiosamente arrangiati fuori dai soliti canoni del nostro (come l’hip hop su campagna elettorale, il rock duro e veloce di sindaci autovelox e, più in linea con il gusto musicale cui ci ha abituati, la villotta green pass), i quali, comunque, hanno un illustre predecessore nel già citato poeta Malattia che Giordani antologizza bene in oh Italia (a dimostrazione che una certa protesta, benchè vagamente qualunquista, è tipica delle zone periferiche, che Giordani si onora di rappresentare adoperandosi per dar loro voce). Non manca, naturalmente, tutta la tradizione sempre ben utilizzata e rappresentata dall’artista in questi anni, dalle ballate (divertenti come la ballata di Ivan o di benemerita memoria storica come soldato del carbone) ai momenti più introspettivi, come al solito punteggiati dai soffici arpeggi di chitarra e spesso ancor legati a un territorio che si soffre a veder svanire e per questo si ama ancora di più, come nella centrale quan (“quan… te vec la strada erta / e un mont desabità / …al sonor de la Thelina / al me cianta in font al cor”. Quando vedi la strada ripida / e un mondo disabitato / … il suono del Cellina / mi canta in fondo al cuore).

Tutti i tre lavori sono ancora facilmente reperibili, ma per chi cerca intanto una breve introduzione alla musica di Franco Giordani, è stato recentemente pubblicato, sempre dalla meritevole Nota di Valter Colle, un disco registrato dal vivo nello splendido scenario della grotta di San Giovanni d’Antro insieme all’amico Alvise Nodale. Truois e gotes (2025) prende il nome da due album degli autori, il già citato Truoisparis di Giordani e Gotes – il cantautore necessario (2024) di Nodale. I due si dividono i brani, oltre a chiudere con un tradizionale folk friulano (fasin un cjant). Nodale ha una scrittura delle liriche più “musicale”, va in cerca di rime e assonanze, e i testi ne risultano più intimi e riflessivi, mentre Giordani ripropone la sua poetica dura e senza concessioni, la lingua si piega alla narrazione e la narrazione – coi suoi luoghi personaggi sensazioni – ci racconta in fondo anche la lingua friulana. Il concerto è un bell’incontro di voci e chitarre, con un mood che spazia dal trovatore medievale al folk più moderno, un folk che la sapienza musicale dei due riesce a proporre con sincerità e delicatezza, molto apprezzate dal pubblico (e anche dai rondoni che – come indicato nelle note del disco – fanno da controcanto in un paio di canzoni). In apertura del disco c’è un brano composto in coppia, l’inedito a se vec sempre la luna: riprende la tematica dell’abbandono delle montagne, ma io ci vedo anche un velo di ottimismo oltre la malinconia, perché “dulà che i truois i sparis / a se vec sempre la luna / dulà che i truois i sparis / te può ciatà la fortuna”.

In Giordani e nei suoi lavori possiamo davvero identificare il genius loci della Valcellina, nel senso più antico del termine, quello della divinità protettrice, di essenza e spirito del luogo, un luogo che si capisce vorrebbe preservare e veder rifiorire (si legga, in proposito, anche l’illuminante saggio La restanza dell’antropologo Vito Teti).

Franco Giordani, dunque, difende e protegge una realtà, quella della Valcellina, che non è solo un territorio e la sua gente, ma anche un intreccio di sensazioni e problemi, di emozioni e difficoltà, e diventa un concetto, un’entità, un’idealizzazione di questo modello “paese di montagna”. Giordani lo sa bene, e il suo lavoro ci invita a confrontarci con questa visione e a riflettere in modo serio e attivo, non solo a farci trasportare da una sognante nostalgia: la sua musica non vuol essere un oppiaceo per sognare, ma uno stimolante per pensare e – se possibile, nel nostro piccolo – agire e operare per far rivivere quei sentieri che spariscono.

© Stefano Simonato per instArt

Foto Serena Pea

Per la stagione di prosa del Teatro Nuovo Giovanni da Udine è andato in scena un classico della drammaturgia russa: il Gabbiano di Anton Čechov.
Čechov scrisse il dramma nel 1865, l’anno seguente andò in scena per la prima volta a Pietroburgo tra i fischi del pubblico. ‘C’è poca azione e tonnellate d’amore’ ammette l’autore stesso in una lettera ad un amico a commento del suo lavoro. Ma i temi non mancano.
Amori irrisolti, certo, ma anche il mestiere dello scrittore, lo scontro tra generazioni, i differenti modi di intendere l’arte, il teatro, il successo, il rapporto genitori-figli.
La vicenda è ambientata in una residenza di campagna sulle rive di un lago. La scena, a firma di Laura Benzi, è essenziale: uno sfondo stilizzato in bianco e nero a rappresentare la campagna, un gioco di specchi e il lago che rimane protagonista anche quando la vicenda si sposta in un interno.
Sul palco si alternano i vari protagonisti del dramma con le loro nevrosi: tra di essi la famosa attrice Irina Arkadina, il suo amante lo scrittore Trigorin, il figlio Kostja, giovane autore di testi teatrali.
Kostja è innamorato della aspirante attrice Nina che però lo delude seguendo una fulminea passione per Trigorin. Di Kostja è innamorata non corrisposta Maša che si accontenterà di un triste matrimonio con il logorroico maestro Medvèdenko, la madre di Maša  Polina tradisce il marito con il dottore Dorn: questi i principali intrecci amorosi.
Kostja propone alla compagnia e soprattutto alla famosa madre di assistere allo spettacolo che ha scritto. Recita Nina. Un testo surreale mal digerito da Arkadina che sbeffeggiando il figlio e le sue aspirazioni contribuirà a decretarne la sorte.
Kostja in preda allo sconforto e al senso di inadeguatezza consegna a Nina un gabbiano ucciso, a rappresentare la libertà dell’autore ma allo stesso momento il suo fallimento artistico.
In un andirivieni sempre più concitato tra chi cerca di andarsene, chi vuole restare, chi cerca di farsi accettare, chi rifiuta ogni prospettiva di novità e chi si aggrappa ad amori impossibili, i protagonisti irrisolti si trovano a distanza di tempo a sancire la loro sconfitta. Trigorin, dopo essersi abbandonato ad una relazione con la giovane Nina, torna da Arkadina; Nina a sua volta torna sconfitta dopo aver sognato un futuro da attrice; Maša affoga nella bottiglia la sua disperazione ed il fallimento del suo matrimonio e Kostja, diventato uno scrittore di successo a sua volta, non regge al peso della sua esistenza e si toglie la vita.
Un testo che presenta temi vecchi e sempre nuovi: a sottolinearne l’attualità la scelta di vestire i protagonisti con abiti moderni, con Trigorin vestito con una tuta che richiama il look di un rapper e Nina con pantaloncini e maglietta inneggiante i Rolling Stones.
Un contrapporsi tra antico e contemporaneo che balza ancor più all’occhio quando i protagonisti, nel tentativo di rientrare in città con i loro trolley, sono alla ricerca di una carrozza o, dal lato opposto, quando cantano dal vivo canzoni di Adele o degli U2.
Se nella prima parte la recitazione è particolarmente concitata e i movimenti in scena sono rapidi e repentini, nella seconda parte tutto si fa più fermo e lento, a raccontare la sconfitta dei personaggi e la loro impossibilità di vivere.
Tra i principali protagonisti una brava Giuliana De Sio è Arkadina, scostante, avara e attaccata alla sua posizione; Filippo Dini che ha curato la regia dello spettacolo, ha concepito un Trigorin con la balbuzie e lievemente caricaturale. Giovanni Drago è un Kostja tormentato e irrisolto, Virginia Campolucci veste i panni di Nina e Enrica Cortese quelli di Maša.
Sulla scena anche Valerio Mazzucato, Gennaro Di Biase, Angelica Leo, Fulvio Pepe ed Edoardo Sorgente.

Laura Fedrigo

© Massimo Cum per instArt