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Talent kann man lernen!

bee — Fri, 10 Jul 2009 03:59:38 PDT

Gestern habe ich auf der Karrierebibel ein Video gesehn. Ich hab eine Nacht drüber geschlafen und heut früh hat es mich umgehauen. Ehrlich wahr.

Es geht darum, woher Talent kommt. Nach neuen Forschungen lässt sich Talent auf diese Formel runterbrechen:

Talent = 10.000 Stunden Arbeit + Glück

Davon hatte ich schon gehört, aber das Video hat es mir erst richtig vor Augen geführt. Wie viele Abende verbringe ich damit, für andere Leute Photoshop-Montagen, Wordpress-Installationen oder sonstwas zu machen? Wieviel Zeit verbringe ich mit eigentlich völlig unwichtigem Kram, nur weil ich kein langfristiges Ziel, keine Prioritäten habe – und darum das Gefühl, eh nichts Wichtigeres zu tun zu haben?

Das wird ab heute anders. Ab heute liegt mein Fokus ganz klar darin, mich künstlerisch weiterzuentwickeln. Dazu gehört vor allem die Fotografie, aber auch andere Techniken in Photoshop möchte ich erlernen. Ein Genie werde ich sicher nicht, aber deutlich besser hoffentlich.

Entwarnung: Alle laufenden und versprochenen Projekte führe ich natürlich zu Ende, keine Frage. Aber danach gebe ich eine Weile nur Hilfestellung in Form von Feedback, hilfreichen Links oder Antworten.

Und nach dieser langen Vorrede hier das Video (englisch) – vielleicht beeindruckt es ja den ein oder anderen genauso wie mich.

Ein Beitrag von Birgit Engelhardt.
Vor der Nutzung der Bilder bitte fragen - bisher hab ich noch immer "ja" gesagt ;). Danke.

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Das Model - ein unbekanntes Wesen

Martin Gommel — Wed, 08 Jul 2009 22:00:56 PDT

Das ist ein Gastartikel von Jürn-Christian Hocke (29). Jürn arbeitet als freiberuflicher Multimediadesigner & Fotograf. Den Weg zur Fotografie hat er über die Bildbearbeitung gefunden und er widmet sich vor allem der Studio- und Modefotografie. Seine Arbeiten, sowie Tipps&Tricks zur Bildbearbeitung, gibt es auf seinem Blog.

Ich kann mich noch sehr gut an mein allererstes »Menschenshooting« erinnern. Zuvor habe ich mich immer an Bienchen und Blümchen ausgetobt - immer am Rande der Naheinstellgrenze, quasi »Auge in Auge«mit dem Motiv. Jetzt stand auf einmal dieses Mädel (eine Freundin einer Freundin einer Freundin) vor meiner Kamera und erwartete, dass ich ihr professionelle Posinganweisungen gebe.

Das Shooting war zugegebener Maßen ein Alptraum: die erste Hälfte habe ich versehentlich mit 1.600 ISO geschossen, weil ich am Abend vorher mit Langzeitbelichtungen herumgespielt habe. Ich hatte mich schon gefreut, dass ich selbst im Schatten nicht über 1/200s Belichtungszeit hinauskomme… Durch Zufall habe ich den Fehler dann bemerkt. Dann immer darauf achten, einen schönen Bildausschnitt zu wählen, wie fällt das Licht aufs Model, wie schaut sie grad, und … da war doch noch was … achja - das Model. Ähm - Posen … ja … »Mach doch mal … also … hm … ja bleib so.« *klick* »und jetzt … mal ähm … ja das ist gut« *klick*

So oder so ähnlich lief mein erstes Shooting ab. Beim Betrachten der Bilder am PC sah ich dann das Dilemma: sie hat sich Mühe gegeben, aber irgendwie war das alles nichts. Das war einfach nicht das, was ich mir erhofft und vorgestellt hatte. Es hat einfach an der »Modelführung« gehapert. Damals war mir das nicht so direkt bewusst - das sehe ich erst heute so.

Bei meiner Arbeit im Fotostudio habe ich mitbekommen, dass sehr viele Fotografen Probleme in der Modellführung haben. Darum möchte ich mal etwas näher darauf eingehen, wie ich es mittlerweile bei meinen Shootings handhabe.

Vorbereitung

Für mich fängt das Ganze schon bei der Vorbereitung und beim Vorgespräch an. Zuerste sollte man sich klar sein, »wo man mit seiner Fotografie hin will.« Welche Aussage sollen die Bilder haben, die entstehen sollen? Sollen es eher dokumentarische Bilder werden, Lifestylebilder, romantische Bilder, Fashionbilder oder oder oder… werden?

Ein kleiner Rat an dieser Stelle: Es besteht scheinbar ein magischer Zusammenhang zwischen dem »Einstieg in der Menschenfotografie« und dem »Bedürfnis, Aktfotos zu machen.« Tut euch und dem Model einen Gefallen und stürzt euch nicht gleich in dieses Abenteuer, zumal ästhetische Aktfotografie meiner Meinung nach eh eine fotografische Herausforderung und Gradwanderung ist.

Nehmen wir also an, ihr entscheidet euch für Fashionfotos. Ich persönlich mag einen etwas extravaganten Posingstil - je ungewöhnlicher / frecher / lauter desto besser. Solch ein Posing aus einem Model herauszuholen ist nicht immer einfach und gelingt mir selbst auch nicht zu 100% - aber ich komme mittlerweile nah an das von mir gewünschte Ergebnis heran.

Ich habe die Erfahrung gemacht, das Leute, die Sport machen, tanzen, schauspielern o.ä. ein wesentlich besseres Körpergefühl mitbringen. Gerade Tänzer haben ein gewissen Grundgefühl für Körperhaltung und auch für das »Handposing«, was wirklich schwer zu vermitteln ist. Wenn ihr euch also einen Gefallen tun wollt, sucht euch ein tanzendes Model.

Ich mache mir VOR dem Shooting schon Gedanken wie das Lichtsetup aussehen soll und bereite das bereits vor, wenn das Model sich noch in der Maske befindet. Idealerweise hat mir das Model seine Schokoladenseite verraten, ansonsten stell ich ersteinmal »auf Verdacht« ein. Man kann sich eigentlich merken: wenn das Model eine mit einem Scheitel hat, sollte das Hauptlicht auf der entgegengesetzten Seite sein, damit sich das Model zur Kamera hin »öffnet«. Oft ist eine Begleitperson mit anwesend, die dann ersteinmal als »Testobjekt« herhalten muss. Einstellungen in der Höhe der Blitze kann man dann später noch vornehmen.

Aus der Erfahrung heraus bitte ich das Modell am Anfang des Shootings das »unspektakulärste« Outfit - zB die Sachen in denen sie zum Shooting gekommen ist - anzuziehen. Einfach deshalb, weil wir uns beide erst »warmschieße« müssen und es wäre schade, wenn man das Pulver (also ein tolles Outfit) schon am Anfang verschießt.

Das Shooting - fast

Wenn das Model dann fertig geschminkt im Studio steht, dann lass ich nicht sofort den Auslöser glühen. Ich erkläre ihr, was es mit dem Lichtsetup auf sich hat. »Hä? Wieso das denn?« Ganz einfach: Ich sehe ein Foto als Gemeinschaftswerk. Ganz abgesehen von Visa, Stylistin und Ausstatter - ohne Model würde der Fotograf und ohne Fotograf das Model blöd dastehen.

Ich habe mein Lichtsetup die ersten Male eigentlich nur erklärt, um mich selbst zu beruhigen und um alles nochmal durchzugehen. Dabei habe ich gemerkt, dass die Models das dann mit einbezogen haben in ihr Posing. Also hab ich die Erklärung intensiviert und siehe da - es wurde von Mal zu Mal besser. Bei der Erklärung tausche ich mit dem Model die Seiten - sie stellt sich da hin, wo ich mich beim Fotografieren befinden werde und ich nehme ihre Position - zwischen den Blitzen - ein. Gerade bei extremeren Lichtformern wie zB dem Beautydish, erkläre ich, welchen Effekt das Licht hat. Welche Posen gar nicht gehen. Ich mache die Posen vor und das Model sieht selbst, wie es wirkt. Denn das Licht kann man halt nicht fühlen, deswegen wird sie nicht von allen wissen, wann ein Schatten ungünstig fällt.

Diese Erklärung sorgt einerseits für Verständnis, wie das Ganze »funktioniert« und es gibt oft etwas zu lachen, weil ich weniger elegant im Posen bin als die meisten Models, andererseits nimmt es gerade Neulingen die Angst. Sie wissen, wo das Hauptlicht ist, weil ich es ihnen gesagt und gezeigt habe - und haben damit schonmal einen Orientierungspunkt.

Das Shooting - nun aber endlich

Nach so viel Vorgeplänkel soll es nun endlich um das Shooting gehen. Wie schon erwähnt, hat jeder ein anderes Körpergefühl - Tänzer und Sportler oft ein sehr gutes. Je nach Typ nutze ich die ersten 30-60 Minuten eines Shootings dazu, um das Model »kennenzulernen«: Wie muss ich mein Licht ändern, damit Gesicht und Körper gut zur Geltung kommen, welche Makel hat das Model, bzw welche Makel möchte sie lieber verdecken und natürlich welche Vorzüge sollte man betonen. Damit ich nicht nur für mich arbeite, bespreche ich die Bilder, die in dieser Zeit entstehen mit dem Model. Ich lasse sie absichtlich schlechte Posen einnehmen, fotografiere diese und zeige ihr, wie es wirkt und fast automatisch passieren diese Fehler dann beim weiteren Posen nicht mehr.

Es ist also wichtig zu begründen wieso man die Pose so und so haben möchte, denn dann kann das Model auch wirklich mitarbeiten.

Während dieser Zeit ist das Model in der Regel noch recht steif. Das ist ersteinmal (für mich) nicht weiter tragisch, aber ich nutze diese Zeit, um zu sehen, wie man mit dem Körper des Models weiter »arbeiten« kann: wie gelenkig ist sie, bekommt sie ein extremes Hohlkreuz hin, oder macht es ihr schon Schwierigkeiten, überhaupt einigermaßen gerade zu stehen, wie sind ihre Proportionen und wie wirken sie … etc. Durch dieses Herumprobieren wird das Model in der Regel langsam locker.

Die erste Phase des Shootings entspricht also mehr einer Art Testshooting und Aufwärmphase. Wenn ich das Gefühl habe, dass ich das Model einigermaßen kenne, kommt der erste Outfitwechsel und ab jetzt zählt es.

Eine wirklich elementare Sache habe ich noch nicht erwähnt:

Kommunikation.

Man darf nie vergessen, dass man - auch wenn ich hier über »das Model« schreibe - mit einem Menschen arbeitet. Macht den Mund auf und sprecht mit dem Model und vor allem - auch wenn es schwer fällt: nehmt die Kamera runter. Ich erlebe es sehr oft, dass Fotografen anvisieren und dann »durch« die Kamera sprechen wollen. Auf der einen Seite versteht man das sehr schlecht und auf der anderen Seite ist es auch eine Sache der Höflichkeit, seinem Gegenüber in die Augen zu schauen. Freilich gibt es Ausnahmen - wenn man gerad ganz intensiv nach einem bestimmten Bildausschnitt schaut und nur ein kurzes: »Höher« oder »nach rechts« von sich gibt. Aber im Normalfall einfach die Kamera runternehmen oder kurz vom Stativ weg.

Kommunikation muss jedoch nicht nur verbal ablaufen. Ich tausche mit dem Model oft die Plätze und zeige vor, was ich meine. Klar kommt man sich da komisch vor - aber hey - das Model soll das ja auch machen. Ein wenig körperlicher Einsatz schadet also nicht. Viele können auch nicht von einem Bild, was man vielleicht auf dem Laptop als Vorlage hat, eine Pose umsetzen. Also ist man als Fotograf gefragt, das (ich nenn es so) »vor zu turnen«. In diesem Zusammenhang ist in Bezug auf Kommunikation sicher eine Tugend wichtig: Geduld. Gerade Neulinge haben es schwer und sind unsicher.

Ich habe damals beobachtet, dass ich mich »viel lieber« mit meiner Technik beschäftige, als mit dem Model. Man steht da und fummelt an den Blitzen, brummelt vor sich hin, wenn man die Bilder an der Kamera anschaut, dreht grübelt an den einzelnen Parametern etc. DAS trägt nicht zur Kommunikation bei. Ich lasse die Modelle an diesem Prozess teilhaben: »Ich stell jetzt mal die Streiflichter ein wenig heller ein um dich noch mehr vom Hintergrund abzuheben« - und zeige dabei das Bild in der Kamera. Apropos - ich weiß - es sind unsere »Babies«. Aber ich gebe den Models die Kamera in die Hand und zeige, wie man sich die Bilder anschaut. So liegt die Kamera nicht irgendwo im Studio herum, wenn ich an den Blitzköpfen herumturne und ich kann auch nicht drüberstolpern. Außerdem bezieht man das Model wieder mit ein - Umgang mit einem Menschen halt.

Nun hab ich es weiter oben schon angesprochen: mit dem Model reden. Ich bin sonst eigentlich eher ruhig, aber ich kommuniziere permanent mit dem Model. Nein - natürlich kein »Ja Baby - sexy - sexy - sexy!« Ich gebe Feedback und Anweisungen zum Posing: »Kinn höher - Blick zum Licht - Bauch rein aber Hohlkreuz!« und erst DANN kommt die Kamera ans Auge und es wird abgedrückt - 2 - 3- 4 Frames - je nachdem, wie stark das Model seinen Ausdruck variiert. Denn das verlange ich vom Model: nach jedem Blitzen soll sich irgendwas (idealerweise der Ausdruck / Blick) ändern, denn sonst brauch ich nicht erneut abdrücken. Wenn ich eine Pose ein Ausdruck super finde sag ich es auch: »So bleiben - mehr Spannung!« Klar dass hier nicht immer die Kamera vom Gesicht weggehen kann, wenn man gerade nach dem perfekten Bildausschnitt sucht - aber dann sollte man laut reden.

Wenn ich das Gefühl habe, dass ich gerade ein paar gute Bilder »im Kasten« habe, dann schau ich sie mir mit dem Model gemeinsam am PC an. Dabei analysiere ich mit ihr gemeinsam das Bild - was ist gut, was nicht. Entweder wir sind beide begeistert oder wir versuchen es nochmal. Aber diese Analyse ist wichtig, um gemeinsam Fortschritte zu machen. Eine Heidi Klum hat sicherlich schon im Gefühl, ob die Bilder gerade gut oder schlecht sind - das haben aber die meisten (Amateur-)Modelle nicht.

Die Kommunikation mit dem Model wird auch über anfängliche Unsicherheit hinweghelfen. Wenn man so ein Shooting als gemeinsames Projekt sieht und den anderen als Projektpartner, geht man anders miteinander um. Das tut der ganzen Situation - und letztendlich dann den Bildern - gut.

Einen Tipp möchte ich noch geben: Wenn ihr die Möglichkeit habt, bucht euch ein erfahrenes und posingsicheres Model. Ich hatte durch Zufall nach ein paar Shootings die Möglichkeit mit einem Profimodel zu arbeiten. Sie wusste genau wie sie posen muss und hat mir das mitgeteilt - hat mir gesagt wieso und weshalb sie dies und jenes macht. Bei diesem Shooting habe ich jede Menge gelernt - was ich meinerseits an die Modelle weitergeben konnte, mit denen ich danach gearbeitet habe.

Ein Shooting ist für mich dann erfolgreich und zufriedenstellend, wenn nicht nur gute Fotos entstanden sind, sondern wenn auch beide Seiten etwas gelernt haben.

***
Hey Leute! Schonmal beim Schnäppchenfuchs vorbeigeschaut?

Links for 2009-07-01 [del.icio.us]

Thu, 02 Jul 2009 00:00:00 PDT

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Wed, 01 Jul 2009 00:00:00 PDT

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Night Photography Lexicon IV: Excursion On A Wobbly Rail

joe — Tue, 30 Jun 2009 21:45:39 PDT

Recently a night photographer friend emailed me a draft of his new artist statement for feedback. Unlike most run-of-the-mill artist statements, this fellow cut deeply and directly into some delicate issues about night photography. He mentioned the 2007 Night Photography Lexicon series as being helpful in his writing [Part I, Part II, Part III]. The crux of our conversation about his statement was how many night photographers share certain traits. I hope we can pull the curtain back just a little bit, and start to explore some discussion topics. My goal here isn’t to make this excursion into Night Photography with the DSM IV, but I have noticed a few interesting patterns in the world of abandoned places night photography.

Danger, Risk, and Location Access Methodologies

How much danger do you face in your daily life? Crossing the street? Eating FD&C Yellow #5? Gaining access to abandoned places can sometimes require an above average tolerance for danger. Why do people climb Mt. Everest? Why do we sneak into abandoned buildings in the middle of the night to take pictures? This is the “why” question of an artist statement. The hard part.

But let’s ask some different, related questions right now — do you get off on danger, and what is your risk tolerance? Are danger and risk major elements of how you tell the story of your photography? I’ve certainly indulged in my share of storytelling with other photographers over a few pints, but I’ve grown more careful about mixing personal stories when showing prints. A small amount of information about the location is enough, let the work do the rest.

While not directly related to night work or abandonments, Taryn Simon’s An American Index of the Hidden and Unfamiliar is a stunning example of photographs made even more powerful through well balanced information in the captions. From a location access standpoint alone, this book is an amazing achievement. While some of the locations certainly involved a degree of danger (e.g., nuclear waste, hibernating bears), her approach to access has given me ample food for thought. If you’re pondering the “why” of your photography, seek this book out. Taryn Simon gained access to unique locations, and brought back images that speak on many different levels.

A General Outline of Risk Tolerance Variations by Decade

Let’s talk a bit more about risk [insert Parker Brothers joke here]. Risk tolerance when you’re in your teens and 20’s can be extreme. When I was in my late teens, a friend had an encouraging one-liner for dangerous situations — he’d say: “Dude….we CAN’T die!” Sometimes I believed him. This type of youthful confidence can certainly cross the line into arrogance that leads to trouble. And adventure. Your 20’s can be a time when boundaries are pushed and defined.

By the time you’re into your 30’s, there’s work. And more work. Depending on the path you’ve chosen, work may still leave you energy for occasional adventures. Or you may have that glimmer in your eye that craves more frequent adventure. What may be seen as youthful bravado in some explorers, does not dissipate for others in their 30’s and 40’s. What kills this fire? What fans the flames?

As I approach 40, I’m trying to be healthier. Eat right, drink less, exercise more — those older and wiser than I have told me these are normal considerations. But perhaps curbing any traces of the self-destructive behavior of youth is bad for my night photography? As I’ve gained more experience negotiating legitimate access to interesting locations, the thrill of trespass has started to fade just a bit. But the thrill of photographing has not. Pass the tofu.

Misanthropic Threads

Many night photographers I know have a rather dark sense of humor and world view. Goes with the territory. If Brazil or Children of Men are on your list of favorite films, you know what I mean. Let’s go to Wikipedia now for an illuminating quote:

Misanthropy can often be characterized as disillusionment with what is perceived to be man or human nature. The misanthrope, having grown to expect man to assume a romantic and simplistic ideal, is consistently confronted with conflicting evidence. On the other hand, the object of a misanthrope’s dislike may be a pervasive culture which is perceived as denying human nature. In both cases, the misanthrope may view himself as somehow distinct from a majority of the human species.

Are we getting at the difference between a beautiful sunset over a golden meadow, and a crusty decaying building in the middle of the desert in the dead of night? Happy people take happy pictures. Night photography of abandoned places is for the mad ones.

Sad and Beautiful

So let’s run down the list so far — love of ruins, a healthy appetite for adventure, above average risk tolerance, smooth negotiation skills, and a misanthropic world view. This whole night photography thing sounds like quite a party! Did I leave anything off the list? I went back to Camilo Jose Vergara’s essential book American Ruins for some answers — the mystery seems to boil down to how a photograph can be so sad and beautiful at the same time. Cue up the Karen Dalton video at the top of the post. When was the last time an experience made you feel the feeling of being alive so strongly that you didn’t know whether to laugh or cry or both? The Thunder Moon is waxing. Be safe, and have fun out there singin’ the blues.

Update: It finally struck me that the “sad and beautiful” phrase had been bouncing around in my head from somewhere. Roberto Benigni’s character says “It’s a sad and beautiful world” in Jim Jarmusch’s classic film, Down By Law (also starring Tom Waits and John Lurie).

Konzertfotografie mit dem Lensbaby Composer

Besim Mazhiqi — Tue, 30 Jun 2009 01:37:40 PDT

Am Wochenende haben Bands wie Anthrax, Soulfly oder die Bloodhound Gang die kleine Stadt, in der ich wohne, gerockt. Ich habe mich für die Zeitung ins Getümmel geworfen, um ein paar Fotos zu machen. Während meine Kollegen sich mit zwei oder drei Kameras und verschieden Objektiven und Stativen vollgepackt haben, habe ich mich auf mein neues “Spielzeug”, einem Lensbaby Composer, beschränkt.
Ein paar der Fotos und meine Erfahrungen damit möchte ich Dir jetzt schildern.

Kamikaze Queens aus Berlin

Drehen, schieben, drehen

An meiner D700 kam ich in den Genuss, die Zeitautomatik zum Fotografieren nutzen zu können. Je nach Kameramodell muss man die Belichtung nämlich manuell einstellen. Die Blendenöffnung wird durch’s Einlegen verschiedener Lochblenden – von f/2.8 bis f/22 – bestimmt. Die Zeitautomatik versetzte mich vor der Bühne in die Lage, schneller reagieren zu können, weil ich mich nicht noch zusätzlich um die richtige Belichtung kümmern musste, sondern nur darum, den Fokus manuell einzustellen. Da hieß es vor der Bühne dann wirklich: Drehen, schieben, drehen, schieben…
Nach kurzer Zeit hatte ich den richtigen Dreh(!) aber raus und wusste wie ich den Composer biegen muss, um die Schärfe an den Punkt zu kriegen, an den ich sie haben wollte.

Donots

Nah, näher, noch näher

Der Composer hat eine Brennweite von circa 50mm. Das hieß in meinem Fall, so nah ran zu gehen wie nur möglich. Im Fotografen-Graben war viel los. Ich hab immer drauf geachtet, ganz vorne zu stehen, damit mir die anderen nicht mit ihren riesigen Objektiven vor der Nase rumfuchteln. Bei Indoor-Konzerten macht ein Composer sicherlich mehr Sinn, weil man einfach näher dran ist, aber beim Serengeti waren die Möglichkeiten dann doch ganz gut, wenn auch eingeschränkt – z.B. war es mir unmöglich, die Schlagzeuger zu fotografieren, weil sie einfach zu weit weg saßen.

Fans

Lichter

Alles dreht sich um die Lichter. Wenn es dunkel ist und die Bühnenshow so richtig abgeht, dann läuft der Composer zur Höchstform auf. Bei f/2.8 habe ich richtig gute Ergebnisse erzielt, auch wenn das Fokussieren um einiges schwerer ist, weil der Schärfepunkt ziemlich klein ist. Aber auch unscharfe Fotos haben eine ganz interessante Wirkung und gehören sicherlich nicht in den Papierkorb.

Soulfly

Fazit

Ich habe das ganze Wochenende mit dem Composer verbracht. Durch die vielen Stunden auf dem Festival habe ich mich intensiv mit dem Composer beschäftigen können und seine Eigenschaften sehr schnell kennen gelernt. Sicherlich sind Motive, die sich schnell bewegen, nicht die Stärke des Composers – oder des Fotografen –, aber auf Konzerten macht der Composer richtig Spaß.
Im Alltag konnte ich ihn auch schon testen. Fotos und ein kleiner Erfahrungsbericht darüber folgen demnächst.

Fans im Staub

Falls Du noch Fragen hast, dann stell sie mir in den Kommentaren. Ich werde sie dann in meinem nächsten Beitrag beantworten.

What’s a REAL Photographer?

scottbourne — Mon, 29 Jun 2009 11:54:20 PDT

Recently, David duChemin started an interesting discussion on Twitter about photography as art or commerce and how that impacts whether or not someone is a “real” photographer.

David is an artist. I’m not going to represent his point of view here. He’s very good at that and you should be reading his blog at http://www.pixelatedimage.com/blog/ if you are interested in his opinion. Personally, I read his blog regularly and find his posts very thought-provoking.

My purpose for writing today is to say that there is something about photography as art that I aspire to – but that for me – photography as commerce makes more sense.

There are two groups of photographers. (Actually there are more than two groups – but for the purpose of this discussion there are two I will mention.) There’s one group who thinks that if you are an “artist,” your photography is somehow more pure, or valuable than it is if you are a professional who shoots for pay.

The other group of professionals tends to value photographic works based on the money they generate and who are more concerned about getting paid for a photo than they are creating art. I must confess that I fall closer to the latter. I have at time described myself as a “photographic artist,” but the adjective “artist” has always made me feel uncomfortable when I use it to describe myself. I have at times no doubt created art with my camera. But more frequently, I’ve created products. And for me, that works.

David made some fantastic points in his discussion of art versus commerce in photography. He’s far more articulate and eloquent than I am. I agree with everything he said in his post – but for different reasons. You see, I don’t think we should be wasting time defining this person or that as a “real” photographer based on whether or not they get paid. But I also don’t think we should be wasting time defining people as “real” photographers just because they DON’T get paid. There are elitists on both sides. (And by the way David is NOT an elitist.)

What’s it all mean? Who knows. But I do know this. It’s the image that counts, not what you call the person responsible for the image. The picture is what matters. It’s what always has mattered most. It’s what always will matter most.

Go out and make pictures. Charge for them or not. But make them.

Boot Camp II, Assignment 1: Results

noreply@blogger.com (David) — Fri, 26 Jun 2009 14:02:00 PDT

I have now been through the 700+ photos that were submitted for SCBII's first assignment enough times to be thoroughly sick of every single photo in the pile.

Kidding.

They are great. But I did go through them a lot.

A few standouts, some notes and a lucky winner -- inside.
__________

First of all, it was neat to see so many people go to the effort to talk someone into letting you photograph them. I know this was not easy for many of you, and I hope it ended up being a growth experience. It was also great to see so many of your faces, and I will admit to that being an ulterior motive of the second portion of the assignment.

Second, I was impressed with the sheer number of photos that would have looked right at home in A-list magazines -- including more than a few potential covers. Bearing in mind that most of the readers of this site are amateurs, that rocks.

Now the hard part -- picking a winner. It is, of course, subjective. And any of at least a hundred photos in the stack could just as easily been featured here today. I had time to leave some notes on a few pictures -- although not much, as we are both finishing up moving and closing on the old house this week. (Kinda crazy around here.)

That said, I pulled up some entries to talk about and use as examples. I hope you will indulge how personal (and, thus, seemingly arbitrary) picture editing can be. The important thing is that so many of you jumped right into the deep end.

And, hopefully, benefitted from the experience.

Some of the photos below are dual-pic composites, others have the photographer's headshot in a nearby frame in their Flickr stream.

As always, click on the pic to see it bigger and see who shot it. And please take a moment to leave a note under your fave.

Enough yapping. On with the photos, and the reasons they stood out to me.
__________

Because looked like it jumped off of the pages of WIRED Magazine.

Because of the DIY biz-card gobo on the key.

Because of the in-focus background that could have been a weird distraction, but instead carried the shadows from the low-fill in a cool way.

Because the photog shot his recently unemployed dad, which probably injected a fun, purposeful shooting session / family activity into a stressful period.

Because of the impish expression on the subject's (top) face.

Because of the use of graphic lines and color.

Because of the inclusion of background context while still keeping a headshot framing. The photo has layers of of interest.

Because of the confidence exuded by the subject -- he looks like he is ready to take on the world.

Because of the inclusion of vocation-specific background, but not in a way that hammers you over the head.

Because the lighting is simple, elegant and does not call attention to itself.

Because the subject exudes professionalism and warmth -- her expression makes her look like someone you would want to work with.

Because the composition -- including contextual background -- is still tight enough to work as a Facebook and/or LinkedIn avatar and still be readable. The photo can be used in a variety of ways.

Because of the strong graphic quality.

Because of the quirky expression.

Because of the creative use of a light modifier as a quickie background.

Because of how the high-key, airy exposure brings the whole picture together.

Because he placed the subject on a background that many people miss as they are walking around on their background looking for a background.

Because of the way the expression, hair, grass and everything work together.

Because of the composition that makes the flower in the ground look as if it is in her hair.

Because the shooting angle allowed the photog to use an umbrella as key and the cloudy, overhead fill as a huge, on-axis softbox.

Because of the intensity.

Because of the tight crop, which adds to the above.

Because of the keyboard reflection being pulled off very well in the curved glasses. Not novel, but done very well.

Because of how the B&W conversion added to the simplicity of the photo.

Because the subject (left) oozes cool.

Because of how well the specular highlights were handled with the glasses.

Because of the color palette and tonal range. The internal separation is great -- the face works perfectly against the background.

Because how many sons can pull off a photo of their dad that "oozes cool" on Father's Day?

Because of the expression and connection in the subject (left).

Because of the lighting.

Because the background, which at first seemed too busy, is actually composed of the DIY crafts the subject makes.

Because of the diagonal crop to the headshot.

Because of the well-executed profile lighting. (Lighting from a little behind the subject, as here, is a better bet than straight-on profile light.)

Because of the expression and moment.

Because of the photographer seeing the design on the background and using it to add a dynamic element in what could have been a static photo.

Because of the composition of the subject (left) and how well it works with the lighting.

Because of the distillation of the photo that happens with the conversion to B&W.

Because of the connection between the subject and the viewer -- and how well the two brothers' photos go together. Probably not a bad thing to pull together a few days before Father's Day.

Because most brothers I knew at this age could not stop beating each other up long enough to pull of two photos like this.
__________

So, there are a few sweet examples in a huge field of entries, many of which could have just as easily been on this page.

To see a slideshow of all of the entries, settle into a very comfortable chair, grab some caffeine and click here.

Oh, yeah -- and to see which one of these photographers has won the Speedlight Pro Kit, the Strobist Lighting DVDs and the Trade Secret Cards for the first assignment from SBCII: Click here.

Thanks for subscribing to Strobist. Please visit this month's RSS feed sponsor:

Wie finde ich ein Model zum fotografieren?

Martin Gommel — Thu, 25 Jun 2009 00:00:52 PDT

Täglich sieht man im Internet und anderen Medien hunderte - ach was: tausende - »Menschenbilder«. Und irgendwann sagt sich der Eine oder Andere: »Solche Bilder will ich auch mal machen!«

Kurzer Check: Kamera ist da, Studio wird noch nicht benötigt (man will ja ersteinmal nur probieren) aber etwas wichtiges fehlt: ein Model. Da man dummerweise die Telefonnummern von Heidi Klum und Claudia Schiffer gerade verlegt hat, ist guter Rat teuer: »Wie komme ich an ein Model?«

Die naheliegendste Möglichkeit: der Freund / die Freundin muss herhalten.

Großer Vorteil: Man kann sehr spontan shooten, ohne große Verplanung und Terminabsprache: »Schatz - die Sonne scheint - lass uns fotografieren gehen!« Und ein weiterer, nicht zu unterschätzender, Vorteil: Man kennt den anderen - die Kommunikation sollte also nicht allzu schwer fallen. Und man steht nicht so unter Stress, wenn man noch ausprobieren muss, was Kameraeinstellungen angeht. Aber Vorsicht: gerade die eigentliche Vertrautheit kann auch zum Nachteil gereichen, wenn der Shootingverlauf und die Shootingergebnisse nicht ganz optimal sind: »Oh mein Gott - wie seh ich denn aus?« Deshalb sollte man sich auch wahlweise im Freundes-/Verwandtenkreis nach Models umschauen.

Ein Nachteil dieser beiden Möglichkeiten ist die Unerfahrenheit, die auf beiden Seiten herrscht. Das Model hat keine Posingideen, der Fotograf auch nicht - zusätzlich hat er noch mit den Einstellungen der Kamera zu kämpfen und und und…

Deswegen an dieser Stelle der Rat, vor allem zu Beginn mit erfahrenen Models zu shooten - aber wo bekommt man die nun wieder her?

Gesucht und Gefunden wird - na klar - im Internet.
Bekannte Fotografen- & Modelportale sind zum Beispiel:

* www.model-kartei.de
* www.14model.de
* www.modelmayhem.com (international)
* www.onemodelplace.com (international)
* www.juuuz.com (international)

Die Professionalität und Qualität der Models auf den einzelnen Portalen ist sehr unterschiedlich. Einige arbeiten mit Aufnahmeverfahren (modelmayhem, juuuz) andere sind völlig offen (model-kartei, 14model).

Angemeldet - und nun?

Nun heißt es, aktiv werden. Referenzen kann man vielleicht schon aus einigen Shootings mit dem Freund / der Freundin vorweisen. Wichtig ist auf jeden Fall: Offenheit und Ehrlichkeit. Man sucht ein Model, um zu üben und sicherer zu werden. Anfangs wird man sich sicherlich noch einige Körbe holen, aber je besser die Bilder von Shooting zu Shooting werden, desto weniger Absagen wird es geben.

Ich hatte das Glück…
… dass ich in meinem 4. Shooting ein sehr erfahrenes Model vor der Kamera hatte, die mir jede Menge Tipps und Hinweise gegeben hat. Weniger, was meine Arbeit als Fotograf angeht, sonder eher im Umgang mit einem Model und worauf man achten soll. Das, was ich in diesem einen Shooting gelernt habe, hätte ich mir sonst mühsam durch viele viele Shootings aneignen müssen. Daher mein Rat: wenn man die Möglichkeit hat, mit einem sehr erfahrenen Model zu shooten - macht es! Es gibt die Möglichkeit über die oben genannten Plattformen Models zu buchen. Wenn es der Geldbeutel zulässt, sollte man diese Möglichkeit in betracht ziehen.

Eine weitere Möglichkeit wäre, Workshops zu besuchen. Nicht nur, dass hier in den meisten Fällen Models gebucht werden, die man sich als »Einzelfotograf« nicht leisten könnte, sondern hier gibt es auch eine entsprechende Schulung, was die Fotografie und die Modelführung angeht.

***
Hey Leute! Schonmal beim Schnäppchenfuchs vorbeigeschaut?

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Tue, 23 Jun 2009 00:00:00 PDT

Der norwegische Wald

Steffen — Fri, 19 Jun 2009 16:16:25 PDT

Wer einem norwegischen Naturfotografen über die Schulter schauen möchte, ist bei diesem Filmchen genau richtig. Naja, ich gebs zu. Ein wenig schmunzeln musste ich ja schon. Nix gegen schöne Tieraufnahmen. Aber der Gartenzwerg geht ja wohl gar nicht, oder

Ein sehr schönes Video der Norweger zeigt den Bartkauz. Und ganz ohne Requisiten

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Need Feedback: Spontanes Visitenkarten-Redesign

bee — Sat, 20 Jun 2009 03:11:39 PDT

Martin ist Schuld! Heute wollte ich meine wohlbewährten Moo MiniCards bestellen, die mit “www.birgitengelhardt.de” drauf. Die brauch ich öfters beim Fotografieren, um den Leuten zu sagen: “Da stehen dann die Fotos”.

Wollte also heute meine Bestellung machen, schön den Entwurf vom letzten Mal nachordern – kein Aufwand, akzeptables Design, also eine rundum gute Idee. Dachte ich.

Doch promt heute muss der Martin ja unbedingt 33 tolle Visitenkarten-Designs vorstellen. Und als ich die sah, kamen mir meine doch eher kleinen und einfachen Karten auf mal gar nicht mehr so toll vor.

Auf meine diesbezügliche “Beschwerde”, dass er mir viel Arbeit mache, meinte der dann:

Mach doch einfach ein Voting und lass die Masse entscheiden

Nun ja, bisher hab ich exakt einen vorzeigbaren Entwurf. Wird also nix mit Voting. Wohl aber mit Feedback. Also, der Deal lautet: Ich zeig meinen Entwurf, ihr gebt Feedback. Deal? Dann dürft ihr weiterlesenschauen.

Die Idee hinter diesen Entwürfen ist, dass das Design des Blogs dort wieder aufgenommen wird. Und auf der Rückseite Platz für entweder handschriftliche Ergänzungen meinerseits ist (Tel.nr. etc.) oder Notizen des Empfängers (wer war gleich diese Birgit? Aja das Mädel mit der Kamera).

Normalerweise schlaf ich ja eine Nacht über alles, was ich so produziere. Dann frag ich gute Freunde und meine Familie, und dann grübel ich weiter. Bis wer anders das zu sehen bekommt, gibt es schon mindestens 5 Versionen.

Heute mache ich es anders. Ich vertraue auf das Urteilsvermögen von euch, liebe Leser.

Seid ehrlich. Aber behutsam, bitte

Drucken lassen oder es sein lassen – das ist hier die Frage.

Ein Beitrag von Birgit Engelhardt.
Vor der Nutzung der Bilder bitte fragen - bisher hab ich noch immer "ja" gesagt ;). Danke.

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Tipps für ein schickes Profilbild

Martin Gommel — Fri, 19 Jun 2009 02:30:03 PDT

Annahme: Die meistens Fotos, die ich täglich sehe sind Profilbilder. Egal ob aufm Blog, Twitter, Flickr, oder Facebook - Profilbilder schwirren überall rum. Kenne ich jemanden nicht und muss mich schnell entscheiden, ob ich ihn/sie adden will, dann spielt das Profilbild eine große Rolle. Doch was macht ein gutes Profilbild aus? Was ist cool und was nicht?

Gute Frage - und ich bin kurz davor “keine Ahnung” zu sagen. Denn:

a) kommt es sehr auf die Person an
b) bestätigt die Ausnahme die Regel und
c) bin ich hier nicht der Profil-Bild-Guru.

Doch es gibt ein paar Sachen, die mir im Laufe der Zeit aufgefallen sind, weil ich mir Profilbilder hier und da sehr genau ansehe. Sachen, die bei Else Sinn machen aber schon bei Horst überhaupt nicht funktionieren und deshalb auf keinen Fall allgemeingültig sind. Deshalb: Den ein oder anderen Punkt habe ich etwas überspitzt ausgedrückt, aber manchmal lebt das Argument von der Übertreibung.

Zeige Dein Gesicht (von vorne)
Es ist schön, wenn jemand eine schicke Frise hat oder einfach die neue Haarfarbe zeigen möchte. Doch auf einem Profilbild ist es immer von Vorteil die Person von vorne zu sehen und das ganze Gesicht erkennbar zu zeigen. So mancher sieht von hinten auch gut aus aber Dein Gesicht ist Dein Markenzeichen. Daran erkennen Dich alte Freund wieder und auch dann, wenn Du Dir ein neues Profilbild zulegst, weiß jeder gleich, dass Du es bist.

Zeige Dein Gesicht (so groß wie möglich)
Damit meine ich nicht unbedingt, dass man nur Augen, Nase und Mund erkennen sollte. Aber wenn jemand eine Ganzkörperaufnahme als Profilbild nimmt, dann ist das zwar ganz nett, aber ich erkenne eben das Gesicht nicht. Das ist dann zu klein. Da Profilbilder eh meistens mini mini mini sind, macht es Sinn, die wichtigen Sachen in “groß groß groß” zu zeigen.

Vergess die letzten 2 Punkte
Probier ruhig mal ein bissken aus. Was verrücktes. Was schon viele Leute machen, ist ihr Gesicht zur Hälfte abzuschneiden. So mancher zeigt gerne seinen Iro, ein anderer dreht das Foto um usw… Einfach mal ausprobieren. Löschen geht ja immer.

No-Go: Plattblitzen
Immer wieder begegnen mir Profilbilder, die so aussehen, als ob sie morgens um 4 auf ner Party mit der Kompaktkamera geschossen wurden und eben der Blitz der Kamera auslöste. Auch hier gibt es Ausnahmen, klar. Aber der Abstand zwischen “unschön” und “so unschön, dass es wieder cool ist” kann manchmal recht groß sein. Ich habe bisher wenige Profilbilder gesehen, bei denen das funktioniert hat, aber Ausnahmen bestätigen ja die Regel. Tipp: Entweder keinen Blitz benutzen, mit dem Aufsteckblitz an die Decke leuchten oder entfesselt blitzen.

DSLR mit drauf?
Okay, das ist so ein Steckenpferd, auf dem ich nun doch etwas rumreiten muss. Ich finde nur in den seltensten Fällen Profilbilder cool, bei denen die (meistens neue) DSLR mit drauf ist. Die Kamera ist halt ein Stück Technik, und vor dem Gesicht wirkt das auf mich (bis auf ein paar Ausnahmen) meistens nicht so fein. Gesichter sind doch eh 10 mal mehr sexy als die beste Kamera. Warum also die eigene Schönheit so verstecken?

Wohin mit den Augen?
Hier und da höre ich immer wieder, dass Portraits nur dann wirken, wenn die abgebildete Person in die Kamera schaut. Dem möchte ich hier einmal wiedersprechen (sonst würd ich auch nicht so ein Profilbild haben). Meiner Meinung nach muss das nicht immer sein und es gibt einige schicke Profilbilder, bei denen die Person wo anders hinschaut. Klar, es wirkt offen, freundlich und kontaktlustig, wenn man in die Kamera schaut. Aber ein “fotografisches Muss” ist das keineswegs.

Drittel Regel
Auch (oder gerade bei) Profilbildern macht die Bildkomposition eine Menge aus. Da Profilbilder alle im 1×1 Format sind, ist der Handlungsspielraum etwas begrenzt, fordert aber gerade deshalb ein wenig Fantasie. Versucht mal, Euer Gesicht etwas weiter links (oder rechts) zu setzen oder die Augen im oberen Drittel zu halten.

Kontrast
Weil Profilbilder eben klein sind, müssen sie irgendwie “auffallen”. Das menschliche Auge schaut gerne dahin, wo Kontraste sind (ist ne alte Fotografenweisheit, stimmt aber auch). Tipp: Dreht mal in Eurem Bildeditor einwenig die Kontraste hoch. Achtet darauf, dass das Bild dann nicht übersättigt wird und dreht ggf. die Sättigung etwas zurück.

Schärfe
Wenn ihr ein Bild für das Web klein macht und speichert, geht gerne mal ein Haufen Schärfe verloren. Einfach nach dem verkleinern bisschen nachschärfen. Auch hier: Nicht übertreiben. Ein überschärftes Profilbild sieht wirklich nicht gut aus.

***
Hey Leute! Schonmal beim Schnäppchenfuchs vorbeigeschaut?

Links for 2009-06-17 [del.icio.us]

Thu, 18 Jun 2009 00:00:00 PDT

Links for 2009-06-15 [del.icio.us]

Tue, 16 Jun 2009 00:00:00 PDT

A Minolta/Sony Alpha Flash Compendium - Flash Accessories

Aaron Draplin on the Death of the American Neon Sign

Thomas Hawk — Mon, 15 Jun 2009 13:45:27 PDT

America Is F*cked…….(Graphically at least) from Jess Gibson on Vimeo.

Warning: The above video contains graphic language. If you are offended by profanity you might want to skip it.

My Motel America set was featured on Digg over the weekend. In the comments someone linked to this great video (above) about the death of a neon motel sign.

The video is a short interview with Aaron Draplin talking about a 28 foot motel neon sign that he recently purchased on eBay while he was drunk for $300. In his rant he cringes at the crappy $15,000 ugly plastic sign that the new motel owners put up in it’s place.

So much of American neon is disappearing every single day. Over the past few years I’ve literally watched dozens of signs disappear before my eyes. Personally I’m trying to photograph as much neon as I possibly can. My Neon Days and Neon Nights set currently has 2,656 images of neon in it. I’ve been trying to get out on the road as much as I can and travel to as many new American cities as I can to try and photograph as much neon as possible.

When I was in Chicago earlier this month I shot a ton of the neon in and around Chicago. I shot this one motel sign on a vacant lot. The entire motel had been razed and the only thing left standing was simply it’s old sign. The highlight of my trip was stopping by The Neon Shop, AKA Fishtail Neon, and spending time there with it’s owner Tom Brickler. Tom had some great signs in his store and invited me in to the back room of his shop as well and showed me some fantastic old signs that he had there. It was really a treat.

I’ve created a collection of my neon images as well that tries to break down neon signs by geographical areas. I’ve still got so much work to do in adding more neon images to my library, and unfortunately every day it seems like more and more signs are snuffed out of existence.

Earlier today I joked when I wrote about Hunch that the first question I wanted to ask Hunch was what City should I visit next to shoot neon signs in America? Tom Spaulding, a prolific neon photographer himself said Wildwood, NJ.

What do you think? Where’s the next City I should visit in America to shoot neon?

10 Links zur Hochzeitsfotografie - Tipps, Hinweise und Anreize

Oliver Schaef — Mon, 15 Jun 2009 12:40:11 PDT

Ich schätze, die meisten Hobbyfotografen bekamen bereits einmal die Frage gestellt “Hey, du fotografierst doch und hast auch eine gute Kamera… möchtest du nicht auf unserer Hochzeit fotografieren?” - schluck - “Ich? Naja, ich weiß nicht ob ich mir das zutraue.” - “Wieso, einfach ein paar Bilder machen? Was ist denn da dabei… wir wollen ja auch keine typischen Hochzeitsbilder - brauchen nur jemand der ein bisschen fotografiert, haben keine besonderen Ansprüche…” - “Ahja? Okay!?” - Wer kennt diese Situation?

Tjo, so erging es mir letztes Jahr… fotografieren auf einer Hochzeit, ich? …auf keinen Fall und wenn, dann nur als zweiter Mann neben einen Profi - so meine Antwort. Und dieses Jahr - jetzt wurde ich bereits von zwei Freunden gebeten auf Ihrer Hochzeit zu fotografieren… und, ich habe mit voller Freude zugesagt… Knieschuss?

Naja, und seitdem setze ich mich etwas mehr mit diesem Thema auseinander, recherchierte im Internet und fand sehr nützliche Tipps, Informationen und Anreize die ich euch natürlich nicht vorenthalten möchte…

1. Wikipedia - Hochzeitsfotografie
Auf Wikipedia steht hierzu: “Hochzeitsfotografie ist eine Genrebezeichnung aus der Fotografie, die einerseits Elemente der Porträtfotografie, immer mehr aber auch der Reportagefotografie enthält. Es geht um die Dokumentation von Momenten, Gefühlen, Personen und Details der Hochzeit - vornehmlich als Erinnerung des Brautpaares und der Familie.”

2. Hochzeitsfotografie für Amateure - Ein Leitfaden
Im DSLR-Forum stieß ich auf diesen Beitrag. Nüchtern und Trocken formuliert, aber eine Pflichtlektüre für alle, die die Chance/Gelegenheit erhalten, Fotograf auf einer Hochzeit zu spielen. Viele wichtige Hinweise, Informationen und Punkte auf die man unbedingt achten sollte/muss.

3. Wedding Photography Checklist
Auf diese Checkliste bin ich ebenfalls im DSLR-Forum gestossen. Situationen, Szenen, Motive die man während einer Hochzeit unbedingt fotografieren sollte.

4. Trau Dich: Hochzeitsfotografie
Auf Fotoholiker.com berichtet Michael Weßel von seinen Erfahrungen in der Hochzeitsfotografie und gibt sehr hilfreiche Tipps.

5. 10 Tipps zur Hochzeitsfotografie
Auch Martin Gommel konnte bereits Erfahrungen mit der Hochzeitsfotografie gewinnen und gibt 10 Tipps zum Besten.

6. Esther Jonitz & Patrick Horn - Hochzeitsfotoblog
Zwei Profis geben Einblick auf Ihre Arbeiten. Sehr sehenswerte und tolle Ergebnisse. Hochzeitsbilder vom feinsten.

7. Roland Michels Exklusivfotografiert
Auch Roland Michels lässt sich über seine Schulter schauen und stellt eine Auswahl seiner tollen Werke in seinem Blog vor.

8. Hochzeitsfotograf Ondro
Etwas andere, aber dennoch sehr starke Bilder stellt der Hochzeitsfotograf Ondro auf seiner Webseite vor.

9. Riess Photography
Ein Nürnberger Fotograf der sich voll und ganz auf Hochzeiten spezialisiert hatte. Auch er zeigt in seinem Blog viele Bilder von Hochzeiten, wo er mit von der Partie war und erzählt auch ein paar Sätze.

10. Google
Sehr fies von mir, aber zu diesem Thema Hochzeitsfotografie finden sich noch viele 1000 weitere Profile und Seiten die Tipps geben etc. Jeder der sich etwas näher damit beschäftigen möchte, kommt da nicht dran vorbei, auch mal über Google etwas zu stöbern.

Vielleicht kennt der eine oder andere noch weitere Links zu nützlichen Tipps oder zu wunderschönen Portfolios - freue mich über jeden Kommentar.

Viele Grüße,
Olli

Links for 2009-06-14 [del.icio.us]

Mon, 15 Jun 2009 00:00:00 PDT

Tutorial: Sensorreinigung mit dem Lenspen Sensorklear-Set

Markus — Sat, 13 Jun 2009 14:59:34 PDT

Um das Thema Sensorreinigung bei digitalen Spiegelreflexkameras bemühe ich mich schon seit langer Zeit und möchte dieser heiß diskutierten Technik etwas den Schrecken nehmen.

Ich nutze schon über 1 1/2 Jahre den Sensorklear Pen von Lenspen. Nun gibt es diese sehr einfache und preiswerte Lösung in einer neuen Variante mit einem abwinkelbaren Reinigungsstift und der Sensorklear Loupe, mit dere Hilfe sich Verschmutzungen auf dem Kamerasensor (oder besser: dem Sperrfilter) noch besser erkennten und selektiver entfernen lassen.

Ich habe für Euch das Lenspen Set aus Sensorklear Pen und und Sensorklear Loupe getestet und zeige, wie man diese Tools richtig anwendet. Die drei Teile des Videos laufen knapp 25 Minuten. Für die beste Darstellungsqualität in HD, könnt Ihr die Videos mit einem Klick auf direkt bei YouTube aufrufen.

Wie sind Deine Erfahrungen mit der Sensorreinigung? Machst Du das selbst, hast Du Fragen dazu, vertraust Du auf den Fachmann oder hast Du vielleicht ähnliche Tipps Thema? Ich freue mich über deinen Kommentar!

Links:

Lenspen bei Bilora.de
Der Lenspen bei Amazon
Lenspen Website

(Die Anwendung der Tipps erfolgt natürlich auf eigene Gefahr!)

Wolf und Schwein

nospam@example.com (t0bY!) — Sat, 13 Jun 2009 10:15:00 PDT

Getestet: Fotobuch von Blurb.com

bee — Mon, 15 Jun 2009 03:40:55 PDT

Ich weiß, vor einem Jahr hätte ich beinahe geschworen, nur noch bei fotobuch-xxl.de meine Fotobücher machen zu lassen. Trotzdem hab ich jetzt einmal blurb.com getestet – und bin begeistert! Während fotobuch-xxl.de am obersten Ende der Qualitäts- und Preis-Fahnenstange steht, richtet sich blurb.com an den “ganz normalen Hobbyfotografen” und bietet ein phantastisches Preis-Leistungs-Verhältnis.

Hier einmal eine kleine Bewertung meiner Erfahrung mit Blurb:

Fotobucherstellung: Blurbeigenes Programm, supergenial zu bedienen. Man kann sogar nen Haufen Bilder einlesen, die mit einem Klick über alle Seiten verteilen und nur noch Feintuning machen. Auf der ersten Innenseite links sowie auf die letzte Innenseite unten setzt Blurb sein Logo hin. Stört aber imho nicht.
5/5 Punkten

Lieferzeit: Weniger als 2 Wochen für Druck + Versand
5/5 Punkten

Qualität: Sehr sehr kleines Druckraster, tolle Farben. Umschlag (Softcover) hält einiges aus, Papier fühlt sich gut an.
5/5 Punkten

Preis: 9,95 als Softcover mit max. 40 Seiten (+Versand)
5/5 Punkten

Edit: Man kann auch viel mehr Seiten machen, dann kostet’s nur auch mehr

Es geht schnell, es ist einfach, es ist günstig, es ist von guter Qualität.
Darum: Macht es!

So stolz ward ihr nicht mehr, seit euer Blog online gegangen ist!

Es ist einfach ein megahypersaugeiles Gefühl, ein eigenes Buch in den Händen zu halten! Leute, ich war so stolz, das glaubt ihr gar nicht. Hab es tagelang mit mir rumgeschleppt und jedem gezeigt, den ich kannte

Mein Buch hatte übrigens die schönsten Buchfotos sowie meine Buchladenreportage als Inhalt. Sowie der Teeladen fertig ist (dürt noch, bleib aber dran), gibt’s dazu dann ein Teebuch.

Ein Beitrag von Birgit Engelhardt.
Vor der Nutzung der Bilder bitte fragen - bisher hab ich noch immer "ja" gesagt ;). Danke.

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Links for 2009-06-12 [del.icio.us]

Sat, 13 Jun 2009 00:00:00 PDT

urban exploring :: Home

How to Photograph Industrial Deserts

Guest Contributor — Tue, 09 Jun 2009 14:21:43 PDT

In this post Csilla Csoke from Tips4Photography.com shares some tips on photographing Industrial Deserts.

Do you know the places where the industry has ruined the nature? The whole area is filled with factories, such as oil refinery, metal production, recycling and power plants? These places are the industrial deserts of our time.

The most industrial landscapes are not designed to be charming but entirely functional. Try to notice the detail in the bold and rigid structures and to see its hidden beauty: shiny steel, bold architectural lines, and very graphic, aggressive visual elements.

Where to go

First of all, you need to know where you can find industrial areas. Use for example Google Earth to find out the best place to go and if you can come close enough by using a public way. You can start practicing in your own city, of course. The next places are always interesting:

Factories
Cranes
Industrial (old and empty) buildings
Machinery
Construction
Pylons
Harbors

Equipment

If you will photograph industrial areas, you need to have more than a basic camera. A telephoto lens is the most important. More is better. A wide-angle lens is also useful, but you can also make a panorama if you do not have a wide-angle lens. You should also need a good tripod if you would like to photograph in dark conditions.

Permissions

‘You’re not allowed to photograph this building’.

Anyone may take photographs of buildings from public places. If you want to publish these images, you should inform the law of that country.

Read more:

Stay on public roads and do not climb on the railing or barrier. Sometimes you can better ask for permission. Using the term ‘photo artist’ instead of ‘photograph’ can usually open doors!

Shooting Technique

Overcast days tend to be better for industrial photography. Rough weather fits perfectly with these subjects, but you can also take really special photos by night. High contrast settings on cameras or in post processing tends to look better than normal contrast. Cooler tones are almost always better than warmer tones for metal products.

While low depth of field lens aperture options are attractive for most images, industrial locations with plenty of steel look best with apertures of f8 or f11. Industrial photography is very similar to architectural photography in that sense.

Look for unconventional compositions. Try to capture the ‘power’ of the scene. Carefully chosen details results mostly in strong images. Analyze your subject and look for the best way to photograph it. Take the time!

Have you had experience in photographing industrial sites? We’d love to hear your tips and see links to some of your work in comments below.

Post from: Digital Photography School - Photography Tips.

How to Photograph Industrial Deserts

How to Photograph Water Drops with One Speedlight

noreply@blogger.com (David) — Thu, 28 May 2009 20:00:00 PDT

Ever notice those cool water photos that drop into the Strobist Flickr Pool?

Water droplet photography is very easy to get started with, and you can get as complex as you want. There are three tricks to making beautiful, time-scultped water pictures with a single small flash: Light placement, timing and flash duration.

More, plus two videos, inside.
__________

Water Photography Basics

(Very cool water drop photos by Andy W., top, and Steve P., both from the Strobist Flickr Group pool. Click the pic for bigger versions.)

First tip: You are not lighting the water. Since water is a specular object, you are lighting what the water reflects. So you light the area (most likely the backdrop) that you see reflected in the still water from your camera position

As for timing, that one is easy -- just take the junk mail approach. Lots of water drops, lots of repetition, and something cool and unpredictable will come back. This is part of the fun. Just make sure you get your technical stuff down pat first, so when that perfect moment happens, you'll have a winner.

Last, and speaking of technical stuff, you will want shoot in a (relatively) dark environment so the flash pulse can effectively be your shutter speed.

The first video below (a basic how-to) suggests a setting 1/16th power. That's a pretty fast pop -- about 1/11,000th of a second for an SB-800, for instance. But you can get even faster times if you drop the power further. And when freezing a drop of water, microseconds matter.

The tradeoff? Aperture vs. pulse length. You will need enough power to get you enough aperture to carry the depth of field you want. But don't overdo the power to get excess aperture, as that'll needlessly stretch the pulse length of your flash.

In lighting, everything is a tradeoff.

Check out this excellent "how-to" video below, by Gavin Hoey. (RSS and email readers may need to click on the post title to view the videos.)

See? Easy, fun and cheap if you can get that flash off-camera.

And these same techniques can be amped up to yield more amazing photos. Artist Martin Waugh has built a career out of making art from drops of water. If you are into this kind of stuff, make sure to check out his amazing gallery to get a glimpse of just what is possible.

Just below, a video featuring Waugh from a segment of the Discover Channel show, "Time Warp." These guys are filming in 10,000 frames per second, which is Chase Jarvis Kung Fu territory. At the end, they actually have drops colliding with splashes in mid-air.

This is worth the wait for full-screen HD. Especially at about the 5:50 mark. (And I see my same old Nikkor 55/2.8 macro on the high-speed camera.)

Other than the obvious cool factor, the takeaway for me from this video was a look into Waugh's lighting. Background gets one color, and the top light gets another. This way, you get multiple colors in the water depending on the angle of the water surface being reflected.

A very cool project for a rainy afternoon, IMO. Or even better -- offer to take the setup into you kid's science class at school and let them try their hand at stopping time to study how liquids behave.

If you decide to try it and upload to Flickr, be sure to tag your photos with the words, STROBIST, WATER and DROP and upload it to the Strobist group. That way, they will come up in this search and we can all see them. (Check it out -- there are already some killer shots there.)

Or if you would rather blog your water droplet lighting exploits for the whole world to see, make sure to include the intact phrase "strobist water drop" (no quotes) and we can all see it via this Google blog search.

Thanks for subscribing to Strobist. Please visit this month's RSS feed sponsor:

Niche09 - Das Podcamp für Podcaster

Michael Praetorius — Fri, 22 May 2009 04:24:03 PDT

Am20.Juni 2006 findet beim Süddeutschen Verlag in der Hultschiner Straße 8 ein Barcamp für Podcaster statt. Die Idee dafür kam von Podcast-Guru, Alexander Wunschel. Ich werden am diesem Podcamp teilnehmen und gerne über meine ...

Photography Business Advice From A Famous Writer

joe — Tue, 26 May 2009 07:47:23 PDT

Substitute the word “photographer” where he says “writer.” Remember this video the next time someone says they’d like to use your image and that you’ll get a photo credit and it will be good publicity. [Thanks J.L.]

Empfehlung: Ausstellung auf der Plassenburg/Kulmbach

bee — Tue, 26 May 2009 06:50:57 PDT

Am Wochenende war ich in einer phantastischen Fotoausstellung in Kulmbach. Bei einigen Bildern ist mir die Kinnlade runtergeklappt!

Ein fotografisches Großereignis der Extraklasse steht den Kulmbachern ins Haus: Vom 2.Mai bis zum 31. Mai werden auf der Plassenburg die preisgekrönten Fotos des Al Thani Award zu sehen sein. So ganz nebenbei zieht damit in die markgräflichen Räume der Burg neuer hoheitlicher Glanz ein: Ausgelobt wird der Preis von Scheich Saoud Bin Mohammed Bin Ali Al-Thani, einem Mitglied der Herrscherfamilie im arabischen Emirat Katar.

Al Thani ist nach eigenen Angaben der größte Kunstsammler der Welt. Sein Ziel ist es, Doha, die Hauptstadt von Katar, als weltweites Zentrum der Fotokunst zu etablieren. Erstmals wurde der Al Thani Award im Jahr 2000 ausgelobt. Wurden damals „nur“ rund 4000 Einsendungen gezählt, ist die Zahl der eingereichten Fotos mittlerweile auf über 35.000 von Fotografen aus über 80 Ländern der Erde gestiegen.

Die Ausstellung läuft noch bis zum 31. Mai und ist ein ganz dringender Tipp von mir an alle, die nahe Kulmbach leben!

Mehr Infos

Ein Beitrag von Birgit Engelhardt.
Vor der Nutzung der Bilder bitte fragen - bisher hab ich noch immer "ja" gesagt ;). Danke.

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