Interpretação Pessoal

Músicas para ouvir e refletir essa semana V

noreply@blogger.com (Thamirys Pereira) — Sun, 06 Mar 2016 13:47:00 +0000

Eu já nem vou mais pedir desculpas por tanto tempo sem escrever nem uma vírgula. Mas todo mundo que escreve em algum lugar e já tenha parado por algum período (curto ou longo) sabe o tamanho da falta que faz. Escrever é ter voz e o silêncio, invariavelmente, mais cedo ou mais tarde, vai causar uma angustia enorme. É quase um vício. Escrever é necessário, nem que você mesmo seja o único a ler.

Dito isso, eu - que já me sinto tão aliviada apenas com essas poucas palavras - deixo a habitual lista de músicas que marcaram a minha semana e que merecem ser difundidas mundo afora. São elas:

E, pra finalizar, um dos meus vícios recentes, Tropicana, interpretada pelo próprio Alceu Valença e pela Orquestra Ouro Preto. Imperdível!

Devaneios sobre "Os Cegos do Castelo", de Nando Reis

noreply@blogger.com (Thamirys Pereira) — Sun, 11 Jan 2015 03:49:00 +0000

Nunca esperei que, ao ler no meu blog uma análise sobre uma canção sua, um músico dissesse que eu acertei o que ele quis dizer. Nem acho que seja possível. Eu escrevo o que eu sinto, as leituras que percebo e acho interessante. Significado de música é algo muito pessoal. Uma música pode ter vários significados para uma mesma pessoa. Arte é feita mesmo é pra se sentir, e como tudo que é baseado no que se sente, dela nunca pode ser extraída uma verdade absoluta.

E aí temos Os Cegos do Castelo. Muita gente já especulava que a música tratasse sobre Nando e o abandono do uso de drogas. A confirmação veio numa entrevista em que Nando fala sobre a teoria [1]. Até posso escrever sobre essa relação com as drogas depois. Mas, agora, eu queria ressaltar alguns aspectos muito importantes sobre o significado de uma música.

Muita gente chega ao blog na busca pelo real significado de uma música, querendo saber os porquês do letrista a ter escrito. Acontece que quando você escreve uma música, um poema, um texto, e outra pessoa lê ou escuta, o que você fez deixa de ser puramente seu. Passa a ser do mundo. Mesmo que Nando Reis em pessoa apareça na minha frente e diga que a música não trata sobre outra coisa além de drogas, pra mim, ele vai estar errado. Se eu não conseguir perceber ou sentir isso (e eu não estou dizendo que não sinto ou não percebo), não vai ter Nando Reis que me imponha esse significado.

A credibilidade que as pessoas sentem ao ler minhas interpretações é devido à existência dos significados que eu revelo. Eles existem. Como existem muitos outros. Uma música comporta muitas histórias. E é por isso que eu ainda vou analisar Os Cegos do Castelo, mesmo que o "significado real" já tenha sido revelado.

A INTERPRETAÇÃO

Pra mim, Os Cegos do Castelo é uma música que transmite, acima de tudo, esperança. Tem algo sobre perspectivas de vida nela, sobre seguir em frente. E seguir em frente implica necessariamente em superar algo que atrapalhava o caminho. Mas não é dessa pedra no caminho que a música fala, é do processo de superá-la. E talvez seja por isso que a letra comporte tantas interpretações.

O cenário que, imediatamente, cria-se em minha cabeça quando ouço Os Cegos do Castelo é de alguém que consegue vencer uma grande depressão. E talvez isso esteja relacionado com o uso de drogas, talvez não. Mas isso nem é algo tão importante para o sentindo geral que a canção busca passar. Então, vou explicar o que me endossa essa teoria de que o eu lírico passa por uma guinada em sua vida.

Eu não quero mais mentir / usar espinhos que só causam dor / eu não enxergo mais o inferno que me atraiu / dos cegos do castelo me despeço e vou / a pé até encontrar / um caminho, o lugar / pro que eu sou

Talvez essa estrofe seja a que mais explicite a questão do vício. Os espinhos seriam analogias para as drogas. Muitas vezes o consumo de drogas ilícitas, como muito ocorre com o álcool, é mais uma forma de escape do que qualquer outra coisa. É a passagem para um outro universo que não passa de uma mentira, mas que de alguma forma ainda é melhor do que o inferno que se vive aqui, no mundo real. Mas, então, o mundo aqui fora não parece mais tão ameaçador, e o eu lírio não quer mais essa fuga e todos os seus muitos efeitos colaterais.

Mas eu disse que não ia me deter à questão do vício. E não vou. É possível que pessoas que nunca provaram sequer maconha se identifiquem com a música, porque a ideia central é de alguém que acorda pra vida, que percebe que não dá mais pra continuar como está, seja lá como esteja. É de alguém que precisa - e vai - se encontrar.

Eu não quero mais dormir / de olhos abertos me esquenta o sol / eu não espero que um revólver venha explodir / na minha testa se anunciou / a pé a fé devagar / foge o destino do azar / que restou

E essa talvez seja a estrofe que mais me transmite a ideia de depressão. Bem, alguns depressivos gostam de dormir. Dormir, às vezes, se confunde com morrer temporariamente, mas é certamente sinônimo de não viver por algum momento. Não querer dormir, é querer aproveitar a vida, acordado, de olhos bem abertos, sentindo tudo, vivendo tudo. Tem também essa questão do revólver, de não esperar mais por isso, mais no sentido de não ter mais esperanças de que isso ocorra. Existe uma troca dos sentimentos suicidas por uma fé que, devagarzinho, como se andasse a pé, surgiu em sua cabeça.

Mas, claro, podemos tirar a depressão disso tudo e o sentido permanece o mesmo. Há vontade de mudar, de viver a vida, há fé, esperança.

E se você puder me olhar / e se você quiser me achar / e se você trouxer o seu lar / eu vou cuidar, eu cuidarei dele / eu vou cuidar do seu jardim / eu vou cuidar, eu cuidarei muito bem dele / eu vou cuidar / eu cuidarei do seu jantar / do céu e do mar / de você e de mim

E aí a música acaba com uma série de "E se". É interessante a ideia de adição que o "e" transmite. O eu lírico está decidido a sair do fundo do poço em que se encontrava. Isso não está condicionado a outra pessoa. Ele não sairá de lá se alguém estiver ao seu lado. Ele sairá e se alguém quiser ficar do seu lado, ele fará dar certo, ele cuidará dela, e cuidará mais dele também.

E Vamos à Luta, de Gonzaguinha

noreply@blogger.com (Thamirys Pereira) — Sat, 03 Jan 2015 05:45:00 +0000

Pouca gente de minha idade conhece Gonzaguinha. Não se trata de ser música antiga. Aqui na Paraíba mesmo, é mais fácil conhecerem o pai. Trata-se de ser música popular brasileira nem tão popular assim. O filme "Gonzaga - de Pai pra Filho" foi que, recentemente, ajudou o Brasil a redescobrir esse tal Luiz Gonzaga do Nascimento Júnior, cantor e compositor de sucessos, como E Vamos à Luta.

Eu me identifico muito com o estilo de Gonzaguinha. Como não poderia? E Vamos à Luta é de 1980 (álbum De Volta ao Começo), mas, no decorrer da ditadura militar, o filho (legítimo!) do Rei do Baião não demonstrou medo de fazer visitas ao DOPS. A sua carreira é marcada pelo posicionamento à esquerda e pelas convicções ideológicas. Como diria seu pai, Luizinho fazia era música de comunista.

E Vamos à Luta não é tão explícita, mas não foge à regra. A canção só poderia ser escrita por alguém como Gonzaguinha, que tanto se identificava e solidarizava com as manifestações e lutas populares. A música toda é um ode ao povo guerreiro, que luta e não se deixa abater.

A INTERPRETAÇÃO

Eu acredito é na rapaziada / que segue em frente e segura o rojão / eu ponho fé é na fé da moçada / que não foge da fera e enfrenta o leão

Há quem entenda que nesses versos, Gonzaguinha faz menção aos cordões de proteção, presentes nas passeatas e manifestações populares, à galera que sofre mais às pressões contrárias aos atos políticos e se mantem de pé. Faz sentido, mas eu prefiro acreditar que ele tá falando é do povo comum que batalha o pão pra botar na mesa todos os dias. E do povo fala com uma intimidade de dar inveja: a rapaziada, seus amigos, companheiros. Eu prefiro crer que a rapaziada é quem merece colher os louros de toda luta popular.

Eu vou à luta com essa juventude / que não corre da raia a troco de nada / eu vou no bloco dessa mocidade / que não tá na saudade e constrói a manhã desejada

Mais uma vez, dentre todos os brasileiros, dentre todas os grupos sociais, Gonzaguinha toma as dores da juventude lutadora. Aqui claramente há uma referência à resistência do movimento estudantil à repressão militar. Não que não haja antes, há aqui e há em toda música. Mas não entendam mal, não é uma canção sobre a ditadura militar. Como anteriormente já comentado, E Vamos à Luta não passa de uma grande homenagem ao povo que mesmo sofrido não se deixa abater, não se faz infeliz.

Aquele que sabe que é negro o coro da gente / e segura a batida da vida o ano inteiro / aquele que sabe o sufoco de um jogo tão duro / e apesar dos pesares ainda se orgulha de ser brasileiro

São interessantes esses versos por dois motivos. O primeiro, que apenas confirma o que toda a música diz, é a ideia de que deve-se buscar estar no meio dos mais prejudicados pelas mazelas do sistema. Já o segundo reside no fato de, em política, muito se falar de "vergonha de ser brasileiro", enquanto a canção prega exatamente o contrário: nada de vira-latismo, apesar de tudo, deve haver orgulho de ser quem é, inclusive de ser brasileiro.

Os próximos versos são marcados pela alegria de ser brasileiro e por elementos tipicamente nacionais, como a cerveja, o botequim, o pagode e a batucada. Tudo contribui para reforçar a ideia central da canção.

Aquele que sai da batalha / e entra num botequim / pede uma serva gelada / e agita na mesa logo uma batucada / aquele que manda um pagode / e sacode a poeira suada da luta / e faz a brincadeira / pois o resto é besteira

Nós estamos pela ai! É com essas palavras que o moleque Luizinho encerra a letra de E Vamos à Luta. É como se quisesse provar a quem houve que essa gente existe e que não pode ser esquecida. Aliás, off topic, a esquerda deveria levar o povo mais em consideração; deselitizar o debate político, que só tem razão de ser se for em função do povo. Pra isso tem que arregaçar as mangas e meter a mão na massa; largar de mão a universidade. Afinal, Frei Betto já diria: a cabeça pensa onde os pés pisam. Foi isso que em 1980 Gonzaguinha já havia entendido.

Respeitem meus cabelos, brancos!

noreply@blogger.com (Thamirys Pereira) — Sun, 01 Sep 2013 21:38:00 +0000

Sabe quando uma vírgula faz toda a diferença numa frase? Pois é o que acontece com a música de hoje. Eu ainda não acredito que por tanto tempo entendi errado o sentido que Chico César (Aquele de Mama África, pra quem não se situou ainda) quis passar com Respeitem meus cabelos, brancos.

Pensei por um certo período se devia publicar sobre essa canção. É que nem todo mundo conhece Chico César. Então, talvez, escrever sobre uma de suas músicas fosse escrever para um grupo pequeno demais de pessoas. Mas como eu posso privar vocês da obra desse que é hoje o Secretário de Cultura da Paraíba? E já que eu passei tanto tempo sem postar nada, por que não?

Eu já afirmei na análise sobre A Palo Seco, de Belchior, mas vou repetir: eu sou de esquerda e, por força desse destino, a minha empatia para com os movimentos sociais é enorme. Simpatizo muito com o movimento negro. O preto, o pardo, ainda hoje, é ridicularizado em nossa sociedade. Muitas vezes, o racismo é tão velado, tão intrínseco ao nosso cotidiano, que não o percebemos. É preciso, então, que alguém venha e nos mostre nossos privilégios, nossos preconceitos.

Quando debato o tema preconceito racial com alguns companheiros de ideologia, costumamos concordar num ponto: o racismo não só é bastante presente em nossa realidade, como, em muitos casos, é até mesmo tido como aceitável. Sabe quando a sua definição para cabelo crespo é cabelo ruim? É, amigo, isso é racismo! Sabe quando alguém olha os meus cabelos volumosos e cacheados e diz que ficariam bonitos se eu alisasse? Percebe? Ficariam. Não são. Ficariam se eu alisasse. Isso tudo aí, isso é racismo. E é preciso abrir os olhos para isso, uma vez que quase ninguém percebe que esses são, sim, discursos preconceituosos.

E é sobre isso que fala Respeitem meus cabelos, brancos. Reparem na vírgula. É isso mesmo. Durante muito tempo acreditei que a frase correta era "Respeitem meus cabelos brancos" e que fosse um brado pelo respeito aos mais idosos. Mas agora vejo que esta frase representa um clamor por uma causa de igual nobreza: a causa negra. É um grito pelo poder de decidir sobre o próprio cabelo sem ser julgado, taxado, desrespeitado.

Que é só o que eu, Chico e todos os negros desse meu Brasil queremos: respeito. Que entendam que, como diz a célebre frase, ruim é o preconceito, o racismo, não o meu cabelo. Que alguns têm cabelos lisos, ondulados, cacheados, crespos, indefinidos, e que cabelos não se encaixam na dicotomia bom e ruim, porque tentar classifica-los assim seria admitir que a característica de um é melhor do que a do outro. E a gente sabe que esse discurso de superioridade não é da nossa época, mas de tempos remotos e obscuros para os quais nós definitivamente não queremos voltar.

Eternamente Cazuza | Ideologia

noreply@blogger.com (Thamirys Pereira) — Sun, 30 Jun 2013 02:02:00 +0000

Agenor de Miranda Araújo Neto (Cazuza)

Cazuza, não só músico, não só cantor, não só compositor, não só letrista, também poeta. Rebelde aos olhos de quem vê, garoto assustado aos olhos de quem entende suas letras de verdade, ou, pelo menos, tenta.

Nunca fui nem sou fascinada pelo Cazuza. Apesar de gostar bastante da música brasileira, do rock nacional, não sei sequer cantar uma letra inteira do Cazuza. Sei de tudo aos pedaços, mas a música Ideologia é especial.

Talvez seja essa a música que mais representa os jovens de ontem e de hoje. E, não só representa os jovens, mas também todos os sonhadores falidos depois de um tempo.

Ideologia

Meu partido é um coração partido

e as ilusões estão todas perdidas.

Os meus sonhos foram todos vendidos,

tão barato que eu nem acredito.

Ah! Eu nem acredito...

Que aquele garoto

que ia mudar o mundo,

mudar o mundo,

freqüenta agora

as festas do "Grand Monde".

Meus heróis morreram de overdose,

meus inimigos estão no poder.

Ideologia!

Eu quero uma pra viver!

Ideologia!

Eu quero uma pra viver...

O meu prazer agora é risco de vida,

meu sex and drugs não tem nenhum rock 'n' roll.

Eu vou pagar a conta do analista

pra nunca mais saber quem eu sou.

Ah! Saber quem eu sou...

Pois aquele garoto

que ia mudar o mundo,

hoje assiste a tudo

em cima do muro.

Em cima do muro...

Meus heróis morreram de overdose,

meus inimigos estão no poder.

Ideologia!

Eu quero uma pra viver!

Ideologia!

Eu pra viver!

Ideologia!

Pra viver!

Ideologia!

Eu quero uma pra viver...

Quando somos jovens temos planos, temos idéias, e pensamos que vamos mudar o mundo. Achamos que podemos tudo, e criamos escrúpulos, conceitos. A nossa teoria chega a ser muito boa, mas raramente a colocamos em prática.

Não vou tentar explicar verso por verso dessa canção. Não é preciso. A música se explica por si só.

Aquele garoto que ia mudar o mundo sequer liga mais pra isso. Aquele garoto que ia mudar o mundo está perdido em sexo e drogas. Aquele garoto que ia mudar o mundo, hoje, já não sabe quem é. Aquele garoto que ia mudar o mundo, que criticava tanta a alta sociedade, hoje, hipócrita, faz parte dela. Aquele garoto que ia mudar o mundo, hoje homem, quer voltar a ser um garoto. Voltar a ser um garoto para poder ter outra vez os sonhos, as idéias, os conceitos, a vontade e o desejo de querer mudar o mundo.

Cazuza, aquele garoto que ia mudar o mundo.

À Palo Seco

noreply@blogger.com (Thamirys Pereira) — Sun, 05 May 2013 14:21:00 +0000

Há já um bom tempo descobri ser de esquerda. Esquerda política, quero dizer. E é por ter raciocínio, pensamento e coração esquerdistas que me identifico tanto com as músicas de Belchior. Com À Palo Seco não é diferente.

Desde a primeira vez que eu escutei essa música a compreendi. Mas não encontrava uma forma de passar pra vocês. Eu queria explicar o título. Eu queria explicar cada verso. Deixei pra lá. Passado um tempo, estudando pro Enem, assitia uma videoaula sobre literatura brasileira. Falava-se de Modernismo. Falaram de João Cabral de Melo Neto. E foi, então, que uma lâmpada acendeu na minha cabeça. Era o que faltava!

À Palo Seco é totalmente permeada pelos poemas de João Cabral de Melo Neto. Mas não é só isso. Por trás dessa magnífica canção escondem-se histórias e ideologias. Aos trabalhos, então!

Belchior Vs Raul Seixas

Antes de tudo, até mesmo do título, creio que convém explicar as razões para a criação da canção.
Diz a lenda que À Palo Seco é uma resposta à música Eu também vou reclamar de Raul Seixas. E a explicação é simples: ai o Raul faz várias críticas ferrenhas não só ao Belchior e seu estilo, mas também ao Sílvio Brito. Mas não se iludam! Há um pequeno grande furo nessa teoria. À Palo Seco é do disco Mote e Glosa, que, por sua vez, é de 1974, enquanto Eu também vou reclamar é do Há 10 mil anos atrás, de 1976. A menos que Belchior pudesse prever o futuro (ou que essas datas estejam erradas) e tenha escrito uma réplica antes mesmo das acusações de Raulzito, uma música não tem muito a ver com a outra.
Mas, então, o que realmente pode ter inspirado o Belchior a compor essa canção? A inspiração, meus caros, creio eu, veio de onde sempre vem: do coração dos artistas. São os sentimentos de Belchior que estão desnudos nessa música. São os meus também.

Título: O Cante sem o Cante

Para explicar o título é preciso recorrer à poesia de João Cabral de Melo Neto. Não tenho muitas dúvidas ao afirmar que Belchior se inspirou num poema (enorme, diga-se de passagem) homônimo à canção. Nele, destrincha-se o que seria um canto - ou um cante - a palo seco.
Alguns versos:

"Se diz a palo seco

o cante sem guitarra;

o cante sem; o cante;

o cante sem mais nada;

se diz a palo seco

a esse cante despido:

ao cante que se canta

sob o silêncio a pino."

"O cante a palo seco

não é um cante a esmo:

exige ser cantado

com todo o ser aberto;

é um cante que exige

o ser-se ao meio dia,

que é quando a sombra foge

e não medra a magia."

"Eis alguns exemplos

de ser a palo seco,

dos quais se retirar

higiene ou conselho:

não o de aceitar o seco

por resignadamente,

mas de empregar o seco

porque é mais contundente"

Lendo estes versos, entende-se o propósito do título. Belchior queria, de fato, explicar o porquê de ser como é; o porquê de cantar situações tão secas, tão áridas, que tão facilmente enxergamos em Como Nossos Pais, Tudo Outra Vez etc. A verdade é que seguia os ditos de Cabral de Melo Neto: não acostumar-se ao seco, mas falar seco, cantar seco, pois assim causaria as reações que queria. E como causou. Tanto assustou o seu jeito de cantar que Raul Seixas teve a necessidade de criticar.

A Interpretação

Em 1973, aconteceu o golpe de Estado no Chile, lembram? Salvador Allende foi deposto pelo golpe militar e Augusto Pinochet se proclamou presidente. Allende havia fundado o Partido Socialista do Chile, foi o primeiro Presidente da República socialista e marxista eleito democraticamente de toda a América Latina. Assim, meus caros, a situação era de pânico.

Enquanto Raul Seixas propagava o seu anarquismo fadado ao insucesso, enquanto se cantava fervorosamente 'Pra frente, Brasil! Salve a seleção!', enquanto se sonhava, enquanto se maquiava as atrocidades que vinham acontecendo não só no Brasil, mas em toda América do Sul, enquanto o povo não tinha noção do que acontecia bem debaixo de seu nariz (como muita gente não tem até hoje), por isso mesmo, Belchior se desesperava.

Se você vier me perguntar por onde andei no tempo em que você sonhava, de olhos abertos, lhe direi: amigo, eu me desesperava. Sei que assim falando pensas que esse desespero é moda em 73, mas ando mesmo descontente, desesperadamente, eu grito em português...

Sobre os versos acima, destaco o fato de Belchior cantar a realidade, sem muitos rodeios, sem mais nem mesmo, de olhos abertos, à palo seco. E podia até ser moda, as pessoas sempre acham que movimento social é moda e isso é até hoje, mas é descontentamento mesmo. Só isso.

É notório a presença de um discurso latino-americanista, divergente do pan-americanismo que, à época, parecia mais próximo da realidade, já que os golpes cometidos na América do Sul foram, ordinariamente, financiados pelos estadunidenses. Há a rejeição pela cultura dos Estados Unidos e uma valorização dos aspectos sul-americanos.

Tenho vinte e cinco anos de sonho e sangue e de América do Sul. Por força desse destino, um tango argentino me vai bem melhor que o blues.

E a participação da obra de João Cabral de Melo Neto na canção não fica restrita ao título. Sempre quis compreender os últimos versos da música, mas, mais que isso, poder explicá-los. Eles fazem referência a um outro poema de Cabral de Melo chamado Uma Faca Só Lâmina ou Serventia das Ideias Fixas.

Sei que assim falando pensas que esse desespero é moda em 73. E eu quero é que esse canto torto, feito faca, corte a carne de vocês.

Ele quer que machuque, que corte, que deixe marca. Ele canta a palo seco para que nós, que o ouvimos, sejamos atingidos por suas palavras. Ele tem esperança de que nós faremos alguma coisa, se esse canto consiga chegar nos nossos corações.

Eu voltei, agora, pra ficar!

noreply@blogger.com (Thamirys Pereira) — Wed, 17 Apr 2013 17:48:00 +0000

Então, eu não escrevo aqui há meses! Mas vamos limpar as telhas de aranha desse lugarzinho que me deu vontade de falar umas coisas pra vocês.

Primeiramente, eu queria mostrar pra vocês duas músicas maneiras que eu tenho ouvido muito ultimamente. Quase sempre ouço uma após a outra e eu acho que alguém deveria fazer um medley com elas, ou alguma coisa assim.

A primeira é um forró muito massa do disco Francisco Forró y Frevo, de Chico César, lançado em 2008. Não bastasse a leveza, que, cá entre nós, é bem característica de Chico César, essa versão a qual me refiro ainda conta com a participação de Seu Jorge. A parte ruim da coisa é que eu não consegui achar a música completa no youtube. Sintam o gostinho:

A segunda música é de Walter Franco (Obs.: vocês já conheciam esse cara?). Essa música eu descobri por acaso. Quem me conhece sabe que eu sou apaixonada pelo Zeca Baleiro. Assistia o clipe de Lenha (vejam ai!) e me interessei pela música do início. Consegui distinguir "Tudo é uma questão de manter a mente quieta, a espinha ereta e o coração tranquilo". Joguei no Google a fim de saber a letra toda e descobri que era só isso mesmo!

É até difícil de crer! A música só tem quatro versos e é tão genial quanto Faroeste Caboclo com seus quase cento e setenta versos!

Aliás, falando em Legião, agora em maio estréia dois filmes que promete: Somos tão Jovens está cotado pro dia 3 e Faroeste Caboclo, pro dia 30.

Mudando de assunto, esses dias eu andei pensando também sobre Piano Bar (Alguém lembra da minha análise?). Eu lembrei que eu não havia explorado muito sobre o trecho "na verdade, 'nada' é uma palavra esperando tradição". Eu não sei como não pensei nisso antes, mas sabe quando a gente pergunto pro(a) namorado(a) o que aconteceu e ele(a) responde na maior cara de pau que não foi nada? Pois é. Acho que era disso que o Gessinger tava querendo falar.

Por hoje é só! Acho que devo escrever mais por aqui. Até a próxima, galera!

O Segundo Sol

noreply@blogger.com (Thamirys Pereira) — Sun, 25 Nov 2012 22:14:00 +0000

Não me perguntem o porquê, mas sempre me foi muito complicado entender o Nando. Ocorre, no entanto, que, de uns tempos pra cá, eu simplesmente percebi que ele não passa de um grande romântico.
Até mesmo O Segundo Sol, que tem (não nego!) sua face mais misteriosa, parece estar dentro dessa grande categoria na qual se incluem as músicas de amor. Com uma levada que nos remete ao fim do mundo, talvez Nando Reis nos queira dizer que o fim do mundo pode não ser algo tão ruim assim.

Andei pesquisando sobre o que seria um segundo sol e acabei descobrindo que todos os sóis possuiriam uma espécie de "sol gêmeo", e que o nosso "segundo sol" chamaria-se Hercólubus. Se isso é verdade, eu tenho lá minhas dúvidas, mas é muito importante para o entender da canção sabê-lo.
Segundo sol, sol duplo, sol gêmeo. Perceberam? Gêmeo, gêmea, alga gêmea. Numa visão romântica da música, é esse o segundo sol. A vida não é fácil pra ninguém, mas quando o segundo sol chegar!... Ah, quando chegar o segundo sol!
Não que seja regra, mas a maioria da gente busca mesmo a felicidade em outra pessoa. E, mesmo quando tudo está mal, quando todos as órbitas de seus planetas estão desalinhadas, atribui a uma pessoa o caminho para a felicidade. E fica esperando ordinariamente.
Enfim, vamos à primeira estrofe, o começo:

Quando o segundo sol chegar

para realinhar as órbitas dos planetas,

derrubando com assombro exemplar

o que os astrônomos diriam se tratar de um outro cometa.

Se a gente considerar que o segundo sol é um homem ou uma mulher que chega na vida de uma pessoa por meio de um relacionamento amoroso, fica tudo fácil de entender. O eu lírico atribui a esse homem/mulher a causa da melhora das coisas em sua vida.
É interessante que, antes de tê-la como sol, a pessoa era vista como qualquer outro cometa. Isso significa que, antes, o relacionamento era passageiro e despreocupado, como um relacionamento que poderia ser com qualquer outra pessoa. Mas, contrariando os especialistas (e aqui se incluem até mesmo aqueles amigos que gostam de analisar os relacionamentos alheios), percebe-se que não era um cometa qualquer, mas o seu segundo sol, que viera para dar rumo à sua vida. Era a pessoa certa dessa vez.
Depois de explicada a primeira estrofe, não tenho muita coisa a falar. Acho que os primeiros são mesmo os versos mais complicados. Depois disso, tudo é uma confirmação do que já foi dito. Vejam só:

Não digo que não me surpreendi.

Antes que eu visse você disse,

e eu não pude acreditar.

Mas você pode ter certeza

de que o seu telefone irá tocar

em sua nova casa,

que abriga agora a trilha,

incluída nessa minha conversão.

E ser a pessoa certa foi uma surpresa. Não era algo esperado. Mas, sendo, o eu lírico garante, fará valer a pena. Agora a pessoa está incluída na sua rota.

O ponto curioso dessa estrofe fica por conta do "antes que eu visse você disse". É uma confirmação de que o eu lírico não acreditava que esse relacionamento fosse durar. Ele não enxergava futuro. Mas a pessoa com a qual se relacionava acaba demonstrando - ou até falando mesmo - que não era bem como ele imaginava. E ele se surpreende com isso.

Eu só queria te contar

que eu fui lá fora e vi dois sóis num dia

e a vida que ardia sem explicação.

E então os versos mais bonitinhos da música! O eu lírico apenas conta ao seu amor que enxergou dois sóis num mesmo dia. Percebe-se que esse segundo sol nada tem a ver com Hercólubus, mas refere-se a ela, a essa pessoa que ilumina os dias do eu lírico, que realinhou suas órbitas e fez a vida arder e aquecer outra vez. E isso tudo, meus caros, não tem explicação, não tem, não tem.

Músicas para ouvir e refletir essa semana IV

noreply@blogger.com (Thamirys Pereira) — Thu, 22 Nov 2012 00:32:00 +0000

Está sendo realmente difícil escrever. Não tenho tempo, não tenho inspiração (nem prazer, consequentemente). Mas voltarei aos poucos. Estou escrevendo sobre O Segundo Sol, de Nando Reis. É capaz de sair amanhã ou outro dia dessa semana ainda, então, caso se interessem por essa música, fiquem atentos - ou só curtam o blog no Facebook mesmo, já que eu sempre aviso por lá.

Agora nos voltemos à habitual listinha de músicas, desta vez, numa quarta-feira, mas ainda assim contendo o mesmo esquema.

Divirtam-sem!

Rosa de Hiroshima

noreply@blogger.com (Thamirys Pereira) — Sat, 29 Sep 2012 13:46:00 +0000

Eu não sou, das pessoas, a que mais amo os ideais estadunidenses. Não sou do tipo que conhece a boa música "americana". Me detenho ao grunge do Nirvana, ao som do Dylan e a alguns cantores de country e folk. A culpa maior disso é a antipatia que criei perante a história desse país, e um dos acontecimentos que muito contribuiu para isso foi o bombardeamento às cidades de Hiroshima e Nagasaki.

Também não sou do tipo que sabe tudo sobre a Segunda Guerra, tampouco estou aqui pra discutir história, políticas e governos. Mas quando, só em Hiroshima, estima-se que 80 mil civis morreram, algo tem de estar errado. É por números que, geralmente, se mede a força e a importância de um massacre, e 80 mil está longe de ser um número pequeno.

No entanto, quando Vinícius de Morais escreveu Rosa de Hiroshima, mais tarde musicado por Gerson Conrad e interpretado pelos Secos & Molhados, não era dos mortos que ele estava falando. Pouco importa os mortos e o sofrimento que não tiveram tempo de sentir, quando ponderamos a dor de quem, não sei se felizmente ou infelizmente, sobreviveu.

Não que eu ignore os mortos, não que eu não esteja dando a devida importância para as 80 mil pessoas que morreram inocentemente. Digo, porém, que sempre ignoramos os sobreviventes.

Nas aulas de história, não nos ensinaram a pensar na dor de quem vive. Sejam as crianças, sejam as meninas, sejam as mulheres. É por isso, talvez, que Vinícius nos incita tanto a pensar neles. "Pensem nas crianças, mudas, telepáticas! Pensem nas meninas, cegas, inexatas! Pensem nas mulheres, rotas alteradas!" Pensem!

A questão principal, creio eu, é nos remeter a essa dor, que a gente sabe que existiu, mas que não sente. Sabemos, sim, o que fizeram com o judeus na Alemanha Nazista; sabemos, sim, que duas bombas nucleares foram lançadas no Japão e lamentamos muito por isso. Mas saber não nos sensibiliza, não nos conscientiza. É preciso que um poeta, O poeta, nos faça pensar, sentir, sentar e chorar essa dor - porque ela existe dentro de nós.
É só, então, que pensamos na impotência de um povo perante a radiação, a dor, que irá ser passada de geração para geração. É quando pensamos no câncer que foi e causou uma aparentemente inofensiva nuvem em formato de rosa, e que não pode ser esquecido.

Jack Soul Brasileiro

noreply@blogger.com (Thamirys Pereira) — Fri, 17 Aug 2012 19:05:00 +0000

Já te ocorreu que o brasileiro é muito acostumado a desvalorizar o que é próprio seu? Que desvalorizam a sua cultura, a sua dança, a sua música, a sua gente? Eu, pelo menos, creio que uma grande maioria de nós deixa descer goela abaixo tudo que os estadunidenses, ingleses e afins querem que que a gente engula.

Penso que a gente tem muita coisa boa. Não precisamos importar música.

Muita gente, talvez, não tenha consciência, por exemplo, da importância que Jackson do Pandeiro tem para a nossa cultura. Mas Lenine, ao compor Jack Soul Brasileiro, compôs uma grande homenagem a Jackson.

O TÍTULO

Já falei várias vezes que o título quase sempre define a música. O título resume a obra e, mais que isso, nos norteia para que possamos entender o que ela quer nos passar. Em Jack Soul Brasileiro não é diferente.

O nome artístico de Jackson do Pandeiro 'nasceu de um apelido que ele mesmo se dava: Jack, inspirado em um mocinho de filmes de faroeste, Jack Perry'[2]. Assim, no título, Jack faz referência a Jackson; Soul, em tradução literal do inglês, significa 'alma'; e Brasileiro complementa o sentido. 'Jack Soul Brasileiro', além de ser uma paranomásia de 'Já que sou brasileiro', nos influencia a pensar sobre Jackson do Pandeiro e sua arte e alma caracteristicamente brasileira.
Cabe também pensar em "Jack, Soul Brasileiro", em referência ao gênero musical, vindo dos negros, das minorias, cantado com a alma, aludindo-no a pensar que Jackson é realmente o Soul do Brasil.

O RITMO

Eu falava de música genuinamente brasileira. E Jack Soul Brasileiro é um dos melhores exemplares para representar nossa cultura.

O melhor de tudo é que essa música foge do óbvio. Embora Jackson tocasse muito samba com o seu pandeiro, embora o samba seja quase sempre A música nacional, o que rola aqui é uma pegada manguebit muito massa. Dá pra identificar o som lindo do pífano, dá pra sentir a presença do pop rock, do coco de roda de Jackson. Até mesmo o rap marca presença, já que a música é quase sempre interpretada juntamente a "Deixa isso pra lá", de Jair Rodrigues.

A HOMENAGEM

A música começa e é como se Lenine nos dissesse que, já que somos brasileiros, mesmo com tantas dificuldades, desigualdades e contradições, por que não valorizar o que é do Brasil? É por ser brasileiro que Lenine canta pro "rei da levada" (e do Ritmo), Jackson do Pandeiro. E exalta a cultura nacional, com todo o seu charme e malemolência.

Lenine passa, então, a perguntar ao interlocutor sobre alguém (que é obviamente Jackson). É um recurso interessante, pois, nesse jogo de advinha, ele vai dando a quem escuta várias características sobre o seu homenageado.

É legal perceber que, nesse ponto, a música faz menção a ritmos, como a embolada e o coco de roda, e também a várias canções de Jackson do Pandeiro - como 'O canto da ema'.

Faz-se perceptível a questão saudade. Jackson deixou um oco no lugar, é insubstituível.

Após a reprodução de um trecho da música 'Cantiga do Sapo', Lenine repete a sequência: exaltação da cultura brasileira, seguida da exaltação de Jackson do Pandeiro. Mas, desta vez, ele canta também um trecho de 'Chiclete com Banana', que sintetiza toda a música, e termina com 'O Canto da Ema'.

CHICLETE COM BANANA

'Eu só ponho bepbop no meu samba quando o Tio Sam tocar um tamborim, quando ele pegar no pandeiro e no zabumba, quando ele entender que samba não é rumba. Aí eu vou misturar Miami com Copacabana, chiclete eu misturo com banana, e o meu samba vai ficar assim..."

O que Jackson, Lenine, eu e tantos outros queremos dizer é que, se os Estados Unidos não nos valorizam, que sentido há em idolatrarmos tanto a música deles? Qual a razão de preferirmos rock a samba? Por que os tidos intelectuais são os que gostam de blues e country, e não de frevo e forró? Desde quando está estabelecido que o Jazz é melhor do que o Vanerão, desde quando?

Pode parecer nacionalismo bobo, mas dai a César o que é de César, não somos nem melhores nem piores que ninguém. Somos simplesmente tão bons quanto qualquer um, e isso inclui o imaculado Estados Unidos da América.

Cajuína, por Caetano

noreply@blogger.com (Thamirys Pereira) — Thu, 26 Jul 2012 19:28:00 +0000

As minhas impressões sobre Caetano Veloso nunca foram muito boas, pessoalmente falando. Mas tem música que não tem jeito, a gente gosta assim, só por gostar. É o caso de Cajuína.

Sempre a achei uma música bonita e singela. Queria também, desde sempre, entender do que se tratava. Perambulando pela internet, encontrei vários comentários sobre a canção e o fato de ter sido feita em homenagem ao poeta Torquato Neto, nascido em Teresina, muito amigo seu e que havia cometido suicídio no Rio de Janeiro. Mas, até então, não havia nada que me provasse a veracidade dessa teoria.

É então que descubro o vídeo abaixo, onde o próprio Caetano explica o contexto no qual a música foi criada. Vale a pena ver, a título de curiosidade.

E, na minha opinião, o mais legal de tudo é que a música não foi feita para o Torquato, mas para seu pai, Heli.

Trecho de "Cogito", de Torquato Neto:

Eu sou como eu sou

vidente

e vivo tranquilamente

todas as horas do fim

Sugestão do Leitor: Mais do Mesmo

noreply@blogger.com (Thamirys Pereira) — Tue, 24 Jul 2012 16:53:00 +0000

Há um bom tempo, o Matheus Macabu, leitor do blog, me sugeriu interpretar Mais do Mesmo. Foi uma sugestão interessante pois, apesar de ter sido exatamente essa música que me fez criar o blog, nunca tinha me passado pela cabeça analisá-la aqui.
Então, vamos lá!
Acho que muita gente já deve ter percebido que essa música demonstra o diálogo entre dois garotos. Um deles é o "menino branco". Isso nos faz subentender que o outro garoto é negro, ou pardo, ou amarelo, ou qualquer outra coisa, mas não é branco, visto que destaca essa característica no outro, de modo a diferenciá-lo.

Para um diálogo ocorrer, além de duas pessoas ou mais, precisamos de um veículo, de um cenário. O veículo é a fala, o cenário é um morro. O menino branco chega ao morro e dá de cara com o outro garoto. Desenrola-se, então, a conversa.

Garoto do Morro: Ei, menino branco, o que é que você faz aqui, subindo o morro pra tentar se divertir? Mas já disse que não tem, e você ainda quer mais!
O interessante desta fala é que percebamos que o Garoto do Morro não quer o Menino Branco por ali. Notamos também que o Menino Branco busca algum tipo de diversão. Pensem bem: por qual motivo um menino branco estaria subindo o morro, uma favela, em plenos anos 80 (década em que a música veio ao público)? Que tipo de diversão ele teria ali?

Menino Branco: Por que você não me deixa em paz? Desses vinte anos nenhum foi feito pra mim. E agora você quer que eu fique assim, igual a você?
O que podemos extrair daqui é que o Menino Branco sente-se deslocado de sua vida. Tem problemas de pertencimento ao meio em que vive, sente que todos os anos de sua vida não são o que ele queria. E ele está tentando solucionar isso de algum modo.
Sabemos também que ele não quer ser tão careta quanto o Garoto do Morro, que quer impedi-lo de fazer o que deseja. Não quer ser como aquele cara, favelado, sem o mínimo de cultura, sem o senso de liberdade, que jamais terá um presente ou um futuro decente, que nunca crescerá na vida.

Garoto do Morro: É mesmo, como vou crescer, se nada cresce por aqui? Quem vai tomar conta dos doentes? E quando tem chacina de adolescentes, como é que você se sente? Em vez de luz, tem tiroteio no fim do túnel. Sempre Mais do Mesmo. Não era isso que você queria ouvir?
O homem é fruto do meio, diria Marx e os adeptos do determinismo alemão. Diria eu que, mais que isso, o homem é fruto dos meios, dos meios que são ou não lhe ofertados. Se sementes não são plantadas, não significa que elas não possam dar bons frutos, mas que não há meio para isso. Se essas mesmas sementes são plantadas num solo deficiente, sem muitos nutrientes e já cansado, talvez desenvolvam, mas não devemos esperar muito delas. Se elas forem, no entanto, plantadas num rico solo, com rotação de culturas, poderemos observar que, com os cuidados necessários, as sementes se transformaram em plantas vistosas, com bons frutos.
É isso que o Garoto do Morro quer que o Menino Branco saiba. Ele não vai realmente crescer na vida. Ele tem mais o que fazer, ao invés de ir à escola, de estudar filosofia e encontrar soluções para a sociedade. Ele não vai crescer. Como crescer, se nada cresce por aqui?

Menino Branco: Bondade sua me explicar, com tanta determinação, exatamente o que eu sinto, como penso e como sou. Eu realmente não sabia que eu pensava assim. E agora você quer um retrato do país, mas queimaram o filme...
O Menino Branco, no entanto, sabe que, se o Garoto do Morro se esforçar, pode, sim, crescer. Ele é que não quer. Ele fica o tempo todo montando aquele cenário do país, usando isso como desculpa para não ir à escola quando, na verdade, ele é que não quer isso. Portanto, ironiza toda essa fala e atitude de falso herói que quer mudar o mundo.
Se ele quer mudar o mundo, não deveria estar tomando conta dos doentes, mas lutando para que não adquirissem doenças. Deveria estar trabalhando com prevenção. Se não faz isso, é porque é burro demais e não entende nada de nada. Se acha que está tudo mais do mesmo, sem mudar nunca, deveria ele mesmo fazer mudança.

Enquanto isso, na enfermaria, todos os doentes estão cantando sucessos populares... (e todos os índios foram mortos).
E a alma da música não está nem numa fala do Menino Branco, nem numa do Garoto do Morro.
Dá pra perceber, aqui, o que exatamente o Menino Branco foi fazer no morro. Ele foi tentar ajudar o Garoto do Morro a cuidar dos doentes da enfermaria. E o Garoto do Morro não o quer lá, pois acredita que ele faz parte de um grupo de pessoas que faz mal à sua comunidade. Os dois não têm pensamentos comuns e discutem. Um quer ajudar, o outro não deixa.
Mas enquanto eles discutem (imaginem: lá na porta da enfermaria), todos os doentes ainda estão lá, e ainda estão acomodados e desligados de todas essas questões sociais. Enquanto isso, os nossos índios estão sendo mortos. Quantas pessoas não morreram até eu terminar de escrever esse texto?
A lição que podemos tirar disso tudo é que estamos perdendo muito tempo discutindo ideologias. Estamos perdendo tempo demais, perdendo vidas, perdendo sorrisos. Enquanto discutimos ismos e mais ismos, todos perdemos.

Músicas para ouvir e refletir essa semana III

noreply@blogger.com (Thamirys Pereira) — Tue, 03 Jul 2012 15:52:00 +0000

Mais indicações de músicas que, dessa vez, marcaram a minha semana. É legal perceber que dentre essa listinha há músicas bem atuais. E quando digo atuais, quero dizer atuais mesmo, do tipo lançada há um ou dois meses.
Vamos lá, então!

Poema, de Cazuza e Frejat, por Ney Matogrosso

Uma amiga me lembrou há pouco tempo essa música. Além de linda, o que acho mais interessante nessa canção é sua personalidade. Mesmo interpretada pelo Ney, não há quem ouça e não saiba que tem o dedo do Cazuza nela.

O Amor Viajou, de Zeca Baleiro

Era dessa canção que eu estava falando no cabeçalho do post. É a segunda faixa do novíssimo "O Disco do Ano". O Zeca, com certeza, tem músicas melhores - o que também não tira os predicados dessa. Mas essa é nova! É música do ano! E fazia um tempo que música nova não me agradava.

Acho que já tenho até um preconceito com músicas novas. Tanto que, quando saiu o disco, eu não gostei dessa canção. Dá-se, então, que ouço, de relance, uma apresentação da música no Programa do Jô. Percebi que a música é gostosa, agradável e tem uma mensagem legal.

Tell me Why, de Neil Young

Neil Young é O Cara! São simplesmente fantásticas suas músicas enveredadas no country, tal como Tell me Why. A melodia é profunda e a letra é genial. Deve ter, no mínimo, uns 40 anos. Mas datam dos anos 70 e 80 as melhores músicas. Então, não se deixem levar pela idade, que essa é das boas. Tão boa que me ocorreu citar os melhores versos para que se interessassem, mas desisti, escolhê-los seria tarefa difícil demais. Tudo isso numa música curtinha de cerca de dois minutos e meio.

Solitary Man, de Neil Diamond, por Johnny Cash

Essa é linda! E a novela da Globo popularizou, eu acho. Mas se quer ouvir, ouça a versão do Johnny. Que me desculpe o Neil Diamond, ele também é incrível e genial (tanto é que compôs Solitary Man), mas Johnny Cash tem um timbre, uma potência, um feeling!...

Dar-te-ei, de Marcelo Jeneci, com Laura Lavieri

Essa é para os românticos! Mais uma pra lista de músicas "atuais", mas com um toque de brega, com referências, na minha opinião, à jovem guarda. Espero que torne popular a mesóclise!

La Belle de Jour, de Alceu Valença

Eu nem sei como passei tanto tempo sem conhecer essa música! É singela demais. Sem contar na inspiração fantástica no filme "La Belle de Jour" (erroneamente traduzido como "A Bela da Tarde" no Brasil). É uma música tão simples e bonita que nem importará o francês com acento nordestino, pernambucano.

Reflexões acerca de Kryptônia, de Zé Ramalho

noreply@blogger.com (Thamirys Pereira) — Tue, 19 Jun 2012 19:21:00 +0000

Quando falo do blog para conhecidos e amigos que ainda não conhecem esse meu projeto, sempre me "desafiam" a falar sobre Zé Ramalho, ainda que quem conheça saiba que o meu foco realmente é o Renato Russo. Zé Ramalho é um artista muito atuante por aqui e esse apego cultural justifica esse desejo pela compreensão de sua obra.
Não vou dizer que é fácil entendê-lo. As músicas de Zé Ramalho nunca tratam apenas de uma coisa - acho até que música nenhuma é assim -, é tudo muito complexo. Mas se você não se restringir a um assunto apenas, é possível entender o que ele quis dizer na maioria das suas canções. E eu gosto de estudar o que ele tem a dizer.
Um bloqueio criativo e uma forte crise existencial me fizeram parar bruscamente com o blog. Pensei seriamente em abandoná-lo, mas no dia 11 de maio (quando publiquei na fan page sobre este artigo) já sabia que isto não aconteceria. No entanto, não sabia como continuar e ainda não sei. Portanto, perdoem a falta de prática. Vamos de Kryptônia hoje.

A minha visão sobre essa música é um tanto embaçada, mas a primeira impressão que tenho, tanto pela letra quanto pelo ritmo e pela melodia, é que a música trata da história da criação da Terra. Mas não é esse o atrativo principal da música. Não é de qualquer teoria que fala essa canção. A letra cria uma nova e surreal (embora faça muito sentido pra mim) teoria da criação.

O TÍTULO

O título "Kryptônia", embora isso pareça muita surrealidade, deve fazer menção ao planeta de origem do Superman, Krypton. Seria um óbvio aportuguesamento do nome. Mas vocês, meus caros leitores, devem estar se perguntando: o que o Super-Homem tem em comum com a música?
Não é tão simples responder essa questão. Mas saibam que o Superman nasceu em Krypton e, antes que esse planeta explodisse, foi enviado à Terra por seu pai. Quando Krypton explodiu, algumas partes suas chegaram à Terra em forma de asteroide, que traziam consigo pedaços de kryptonita (mineral que tem o poder de enfraquecer o Superman).
A relação da canção com os quadrinhos está no fato de haver, na teoria mencionada na música, um personagem que, tal qual a kryptonita, chegou à Terra por meio de um asteroide. Mas vamos deixar isso pra um pouco adiante.

ZÉ E OS QUADRINHOS

Zé Ramalho, para quem não sabe, é fã incontestável de quadrinhos.
Seguindo a teoria de que Kryptônia exerce relação com o quadrinho do Superman, esta não seria a primeira vez que ele teria introduzido o fantástico mundo das HQs em suas composições. Um ano antes do lançamento do disco que contava com Kryptônia, Zé Ramalho lançou o LP Força Verde, causando muita polêmica com a faixa-título, praticamente idêntica a um poema de William Butler Yeats. O poema havia sido "usado como legenda para os quadrinhos de uma história no n.º 1 da revista O Incrível Huck, publicada no Brasil em 1972". O suposto plágio foi, inclusive, relatado numa entrevista da revista Veja.

A INTERPRETAÇÃO

Mas, acreditem, tudo que foi descrito acima ainda não é nada perto do real sentido que Zé quis nos passar. Creiam, no entanto, também que vale a pena ler até o fim, apesar do enorme texto.
Eu falava de um personagem que havia chegado à Terra por meio de um asteroide. E tenho pra mim que esse personagem seja o que possamos chamar de Diabo.
Alguns de vocês devem estar confusos. "Espera aí, Thamirys, de onde você tira essas coisas esquisitas?", "Quer dizer que o Zé Ramalho é satanista?", "Ele escreveu uma música pro Diabo? Deve ser por isso faz tanto sucesso!...". Vejam o que me levou a considerar essa hipótese.
A primeira coisa é saber que o Zé Ramalho não escreveu uma música para o Diabo, mas sim sobre ele. Portanto não é satanista (ao menos, não por isso). A segunda coisa é que eu disse que a música falava de uma nova teoria da criação da Terra. E é aí que o Diabo entra.
Nós, por questões religiosas e culturais, temos mania de criticar o Diabo, de ofendê-lo, de considerá-lo ruim e do mal. Isso é muito natural. É então que o Diabo, no seu papel de um dos eu líricos, nos diz que isso não é certo. Ele diz:

Não admito que me fale assim.

Eu sou o seu décimo-sexto pai,

sou primogênito do teu avô, primeiro curandeiro,

alcoviteiro das mulheres que corriam sob teu nariz.

Ele nos diz que não podemos falar mal dele e nos esclarece os motivos. Ao dizer que é o nosso décimo-sexto pai e, além disso, o primogênito do nosso avô, nos dá a entender que é um parente distante. Nos dá a entender também que é ele a origem de todos nós, visto que não define a quem fala, podendo ser o interlocutor qualquer uma das pessoas que o criticam.
Ser o primeiro curandeiro está aí para enfatizar a fato do eu lírico ser o Diabo, visto que é um ato quase sempre associado ao ato de magia negra. Seria ele o primeiro a praticar tais atos. É ele também aquele que intermedeia a discórdia, o alcoviteiro.
A pergunta cabível neste momento é por que o Diabo é a origem de tudo e todos.

Me deves respeito, pelo menos dinheiro.

Esse o cometa fulgurante que espatifou.

Um asteroide pequeno que todos chamam de Terra

Pronto, responde-se a pergunta. Ao completar sua fala anterior, de que merece respeito, o Diabo diz o porquê de merecer. Ele é aquele cometa que espatifou e deu origem à Terra.

Vemos nessa parte da música uma ligação à história do Superman. A kryptonita fazia mal aos habitantes de Krypton. O Diabo também era um mal para os céus, onde estava, se levado em consideração que era um anjo. Ambos vieram à Terra por meio de um asteroide.

Mas, aqui, vocês podem ter a mesma dúvida que o Renato - pra quem não sabe, outro autor do blog - teve quando o contei da minha interpretação da música. Desde quando o Diabo veio à Terra por meio de um asteroide?

Seguindo na linha de pensamento de que o Diabo era um anjo, por ser o pai da mentira e tentar igualar-se ou sobressair-se a Deus, caiu dos céus, que ficaria fora da Terra. Sendo assim, sua massa adquire velocidade, transforma-se em um asteroide que dá origem ao nosso planeta.

Prestem atenção que a música não só designa o Diabo como o agente formador da Terra, mas também como ela própria.

De Kryptônia desce teu olhar

e quatro elos prendem tua mão.

Cala-te, boca... companheiro, vá embora, que má-criação!

De outro jeito não se dissimularia a suma criação

E foi o silêncio que habitou-se no meio

Ele é o cometa fulgurante que espatifou

um asteroide pequeno que todos chamam de Terra

Se antes quem "cantava" era o Diabo, agora a voz é de Deus. O Diabo transforma-se em unicamente interlocutor. O interessante nessa mudança de eu lírico é que muda também o modo como Zé canta a música.

Kryptônia é o céu. É de lá que vem o Diabo. Deus o descreve, assim como descreve o momento em que foi expulso de seu reino e o momento em que ele espatifou, formando a Terra. Interessante como, nesse contexto, "má-criação" toma o sentido de, realmente, uma criação ruim.
É esta a teoria de Zé. E o que mais me encanta é essa junção do criacionismo com o evolucionismo, bem como a crítica aos hipócritas que criticam o Diabo quando a culpa é unicamente sua.

Enfim, é isso, por hoje é só.,

Músicas para ouvir e refletir nesta semana II

noreply@blogger.com (Thamirys Pereira) — Sat, 31 Mar 2012 13:51:00 +0000

Mais uma listinha com dez boas músicas, nacionais e internacionais, que, certamente, animarão ou não o seu final de semana. Além da lista, uma pequena descrição acerca cada uma das canções.

Nada Além: É uma música de Frejat que nos fala sobre como as pessoas sempre acham suas dores maiores do que as dores de todo o mundo. Enquanto achamos que sofremos muito, não percebemos o quanto sofre quem está ao nosso lado.

Esconderijo: É uma canção que diz respeito a alguém e seu jeito de ser. É calma e muitos haverão de se identificar. Gosto mais do ritmo do que da letra em si.

The Last Time I Saw Richard: Apesar da voz linda que tem a Jimi Mitchell, não vejo graça em sua interpretação de "The Last Time I Saw Richard". No entanto, a história dos dois amigos que se reencontram em momentos pessoais distantes ganhou vida na voz de Renato Russo, no Acústico MTV.

The Man Who Sold the World: O Nirvana até fez um cover, que também me agrada, mas não tem pra ninguém quando o David Bowie interpreta suas canções. Desde a primeira vez em que ouvi esta canção até hoje, tento entender se ele fala de D'us ou do diabo; ou de outra coisa qualquer, vai saber!

Mil Perdões: Ah, Chico Buarque! Entendedor da alma feminina, nesta canção ele assume o papel de homem de verdade. Casado, trai a mulher e justifica a traição, pondo a culpa na mulher. É tão bom em suas justificativas que até quem ouve esta música fica em dúvida.

O Meu País: Músicas de protesto não ficaram totalmente fora dessa lista. Zé Ramalho, nesta música, nos diz exatamente o que fazemos hoje em dia. Reparamos, estamos vendo todas as falcatruas que estão fazendo com o país. Mas fazer algo, que é bom, ninguém faz.

Mr. Tambourine Man: Outra que não há versão que seja melhor que a original. Dylan cantando "Mr. Tambourine Man": não preciso explicar do que se trata; essa é pra sentir.

Aquele Abraço: Há quem ache que essa canção fala do Rio de Janeiro. Santa ingenuidade! Escutem e tentem entender a crítica política e social por trás do Rio de Janeiro, que continua lindo.

Veja: Uma paraibana interpretando uma música de outro paraibano. Suave, essa música conta a história de quem abre mão por amor. Vocês deveriam conhecer Vital Farias, o poeta, o compositor.

Jesus doesn't Want me for a Sunbeam: Quando os The Vaselines compuseram a canção, ela chamava-se "Jesus want me for a sunbeam". Não fez sucesso. Puseram um 'não' no título e tudo mudou. O Nirvana fez um cover e foi a música decolou. Afinal de contas, todo mundo gosta de um pouco de melancolia.

Comida, do Titãs

noreply@blogger.com (Thamirys Pereira) — Thu, 29 Mar 2012 00:34:00 +0000

Retomando os trabalhos depois de tanto tempo sem publicar nada, volto com uma das músicas mais conhecidas do Titãs: Comida. Não foram só os óbvios pedidos em comentários que me fizeram recomeçar com ela, mas também a percepção de que muita gente encontra o blog ao pesquisar sobre essa música no Google. Resolvi retribuir as visitas.

A letra é simples, ao estilo próprio do Titãs, mas a mensagem que se passa é muito importante. Enfim, vamos ao que interessa.

Bebida é água!

Comida é pasto!

Você tem sede de que?

Você tem fome de que?

Há quem diga que o ser humano não necessita de nada além do pão e do vinho para sobreviver. Realmente, talvez não haja mais nenhuma necessidade física e básica além dessas para um homem. Mas e quanto às necessidades psicológicas? E quanto ao alimento da alma?

Bebida e comida não são o bastante. Bebida e comida são o que necessitam uma vaca: água e pasto, nada mais. O homem necessita mais do que isso. O homem anseia mais, tem sede e fome de muitas outras coisas.

A gente não quer só comida,

a gente quer comida, diversão e arte.

A gente não quer só comida,

a gente quer saída para qualquer parte.

A gente não quer só comida,

a gente quer bebida, diversão, balé.

A gente não quer só comida,

a gente quer a vida como a vida quer.

É, então, que o eu lírico nos segue dizendo o que ele realmente quer. Como já nos esclareceu, comida não é o suficiente (embora não seja dispensável). O ser humano, em sua visão, necessita também de arte, de cultura, de diversão. E, mais do que sair para onde quer, anseia liberdade; poder decidir sobre a própria vida.

A gente não quer só comer,

a gente quer comer e quer fazer amor.

A gente não quer só comer,

a gente quer prazer pra aliviar a dor.

O interessante dessa estrofe nem é o seu significado em si, mas o modo que o autor utiliza para compô-la. Observe que "comida" é substituída por "comer" que, por sua vez, não mais apresenta sentido literal. Faz-se uma clara apologia à Revolução Sexual, principalmente na transferência dos anos 70 para os anos 80.

Aqui, o eu lírico nos diz querer mais do que comer, nos diz querer fazer amor. Mas é bom notar que ele não dispensa o "comer", ele apenas agrega o "fazer amor". Não é apenas sexo por sexo (não na maioria das vezes).

Interessante também é notar o perfil que se forma do jovem dos anos 80/90, repleto de dores psicológicas, lutando contra isso de todas as formas.

A gente não quer só dinheiro,

a gente quer dinheiro e felicidade.

A gente não quer só dinheiro,

a gente quer inteiro e não pela metade.

Nesta estrofe resume-se a música. Não é só bebida, comida, sexo, dinheiro. Isso tudo é muito pouco. Quer-se isso, mas também os complementos necessários ao ser humano. Quer-se inteiro, e não pela metade! De que serve o dinheiro sem a felicidade? De que vale o sexo sem o amor? De que vale o alimento físico, se não se tem a alma alimentada?

Diversão e arte

para qualquer parte

diversão, balé

como a vida quer...

Desejo, necessidade, vontade

necessidade, desejo

necessidade, vontade

necessidade!

Segue um complemento da estrofe anterior. Repete-se tudo aquilo que anseia o eu lírico. São desejos, vontades, são necessidades.

Dando um Tempo

noreply@blogger.com (Thamirys Pereira) — Wed, 14 Mar 2012 23:51:00 +0000

As minhas aulas começaram dia 5 de março, ando atarefada e um tanto quanto sem tempo para o blog. O Interpretação Pessoal andou abandonado nos últimos dias e pode ser que esse período de solidão se prolongue.
Portanto, meus queridos leitores, não se assustem se, por algum intervalo de tempo, as coisas parecerem muito vazias por aqui. Eu ainda estou viva, ainda que sem tempo!

A Canção do Senhor da Guerra

noreply@blogger.com (Thamirys Pereira) — Mon, 27 Feb 2012 21:00:00 +0000

São quase dois meses sem falar de Renato Russo. Tempo demais! Mas, durante esse tempo, pesquisei um pouco sobre a música A Canção do Senhor da Guerra.
A música é narrada por um alguém sábio que explica tanto as pretensões da Guerra e dos poderosos por trás dela, quanto as suas consequências. Porém o mais interessante é ver como esse alguém explica os métodos que aqueles que fazem a guerra usam para nos convencer, convencer nossas crianças de que, como diria o melhor professor de história que já tive na vida, a guerra é inevitável.

HISTÓRIA

A Canção do Senhor da Guerra mantém uma íntima ligação com o especial da Rede Globo A Era dos Halley, de 1985. Guto Graça Mello e Francisco Santos Jr. eram os responsáveis pela trilha sonora do especial e a ideia era que vários artistas (como a galera do Barão Vermelho, do Roupa Nova, etc) cantassem músicas inéditas, compostas a partir de um tema anteriormente determinado pela emissora.

Você deve, então, estar pensando que pediram que o Renato, juntamente com a Legião Urbana, fizessem uma faixa para a trilha do especial. Mas não foi bem assim. O tema "Senhor da Guerra" foi proposto, inicialmente, para o Raul Seixas, que compôs com Lena Coutinho a canção "O Senhor da Guerra". Mas a relação de Raul com a emissora não era lá das melhores. Eles acabaram recusando a música de Raul Seixas e a escolhida foi a música da Legião Urbana que, à essa época, ainda era intitulada apenas "O Senhor da Guerra".

Tudo isso tem importância em ser ressaltado, visto que as duas canções (de Raul e de Renato) possuem trechos que se assemelham bastante. Quem não conhece toda essa história, mas é bastante atento aos detalhes, poderá questionar o fato de que ambas as músicas afirmem que a guerra "evita a super-população".

CONTEXTO HISTÓRICO

Mas voltemos para o lado da interpretação dessa canção, ou seja, do contexto histórico na qual ela foi criada. O fato de ter sido feita para um especial da TV (para crianças e adolescentes, ainda por cima) não tira toda a sua conotação política. Em 1985 acabava a ditadura militar no Brasil e estava chegando ao fim a II Guerra Fria entre a União Soviética e os Estados Unidos da América. Tudo isso influenciou, e muito, a canção de Renato Russo, tanto que é possível enxergar o seu desenrolar a partir da história de um soldado estadunidense, por exemplo.

INTERPRETAÇÃO

Existe alguém esperando por você,
que vai comprar a sua juventude
e convencê-lo a vencer.

Nos versos desta primeira estrofe podemos observar que Renato Russo, na voz do seu eu lírico, faz um alerta a quem o ouve. É tudo muito literal. Só o que podemos dizer disso é que, na opinião clara de Renato, ir à guerra é como jogar fora a sua juventude; que vencer não é uma ideia própria, sua, mas sim algo a que você foi convencido por alguém. Basta saber quem é esse alguém.

Mais uma guerra sem razão.

Já são tantas as crianças com armas nas mãos!

Mas explicam novamente

que a guerra gera empregos,

aumenta a produção.

Não há sentido em fazer guerra, não há nada que justifique armar crianças de dezessete ou dezoito anos e mandá-las para a guerra. E todo mundo tem consciência disso! Por isso, é preciso alienar as pessoas, inventando explicações, inventando motivos e razões que não existem.

Uma guerra sempre avança a tecnologia,

mesmo sendo guerra santa, quente, morna ou fria.

Pra que exportar comida,

se as armas dão mais lucro na exportação?

"Nenhuma guerra pode ser santa.".

Nesta estrofe percebemos as menções à Guerra Fria. Quem dirá que a disputada corrida armamentista entre a URSS e os EUA não avançou as tecnologias bélicas? Quem dirá que a corrida espacial também não foi o resultado de uma guerra (fria, porém ainda guerra)?

Tudo bem, há consequências positivas. Inclusive, uma guerra gera realmente empregos e aumenta a produção. Porém, como já dizia o poeta, nenhuma ideia vale uma vida. Basta as pessoas saberem disso.

Existe alguém, que está contando com você

pra lutar em seu lugar,

já que nessa guerra não é ele quem vai morrer.

Há um sábio provérbio africano que diz: "Quando dois elefantes brigam, quem sofre é a grama". A guerra não é do povo, é dos governos, dos governantes. Mas esses não lutam. Os governantes não arriscam suas vidas em trincheiras. É loucura lutar por ideias que não são seus, por algo que não acredita. É quase como se Renato Russo nos dissesse para pararmos de ser bobos, de sentirmo-nos heróis por morrermos no lugar de quem não merece.

E quando longe de casa, ferido e com frio,

o inimigo você espera,

ele estará com outros velhos,

inventando novos jogos de guerra.

Esses versos são muito interessantes. Numa guerra, supostamente, existem dois lados. Se o Brasil entra em guerra com os EUA, supõe-se que os grandes inimigos brasileiros são os estadunidenses. Na verdade, não há inimigo maior para um homem do que aquele que o instiga a brigar, a lutar, a fazer guerra. A real inimiga de um soldado é a crença, que vem sido cultivada (inclusive nos videogames), de que o grande herói da humanidade é o patriota que luta pelo seu país.

Que belíssimas cenas de destruição!

Não teremos mais problemas com a superpopulação.

Veja que uniforme lindo

fizemos pra você.

Lembre-se sempre

que Deus está do lado de quem vai vencer.

O eu lírico continua nos apresentado argumentos que os grandes poderosos usam para nos convencer a guerrear. Aqui, em especial, nos remonta às "guerras santas", onde usam da crença de certo povo para fazê-lo lutar por um ideal distorcido.

O Senhor da Guerra não gosta de crianças!

Renato Russo finaliza a canção com uma frase que engloba tudo que ele quis dizer. Dizer que o Senhor da Guerra não gosta de crianças é como dizer que a guerra não fará bem algum. Heróis de Guerra, no final de tudo, não servem pra nada. Quem quer guerra não se importa com quem a faz; quem a faz quase sempre não compreende o seu propósito e é, por isso, ingênuo, como criança.

Ei, garoto, o Tio Sam nunca ligou pra você! Ele não gosta de crianças...

1 Ano de Interpretação Pessoal

noreply@blogger.com (Thamirys Pereira) — Tue, 21 Feb 2012 21:31:00 +0000

No dia 19 de fevereiro de 2011, eu, Thamirys Pereira, com então treze aninhos, resolvi criar um blog. Eu não tinha a mínima ideia das proporções que isso tudo iria tomar. Eu só queria expor o que eu pensava, mostrar pra algumas pessoas o meu gosto.
Hoje, dia 21 de fevereiro de 2012, me lembrei de que já faz mais de um ano que eu mantenho esse espaço na internet. E eu estou tão feliz com isso que é difícil descrever e escrever.
Este blog, o Interpretação Pessoal, tinha como objetivo principal interpretar letras de músicas, analisar, tentar entender o que elas querem dizer. Mas, sinceramente, não é mais apenas isso! Esse blog, embora não pareça, é um pedacinho do meu coração. Aqui eu conheci muita gente. Com alguns falo apenas pelo msn, facebook, etc. Outras conheço só pelos comentários. Outras eu já conhecia pessoalmente, mas passei a conhecer mais profundamente. E são a essas pessoas que eu quero agradecer. Preparei uma listinha com agradecimentos, digamos, "especiais". Segue:

Gian Morelato: Gian, você foi o primeiro que conheci por intermédio do blog! As suas poesias me inspiraram muitas vezes. Vez ou outra me pego cantarolando "retirem meu sistema límbico...". Há algum tempo não nos falamos mas, ainda que não veja isso, quero agradecer muito pela força.
Guilherme (eterno anônimo pedinte de "Relicário"): São apenas comentários? Não são, não! Você não sabe o quanto influenciou minha escrita. Escrevi "Relicário" especialmente pra você. Fiz isso porque, como meu leitor, acho que merece respeito. Imagino o quão difícil deve ser ficar lendo meus textos, sempre tão cheios de opinião. Fiz isso porque eu faria de tudo, dentro de meus limites, para agradar quem me lê. Muito obrigada! Você não sabe a diferença que faz.
Lucas V.: Meu primeiro fã! Mais uma vez eu repito que não são apenas comentários. De nada valeria o que escrevo sem vocês e seus comentários. Já pensei muitas vezes em parar com o blog. Não é fácil apenas escrever, escrever e escrever... Mas os comentários, em especial um comentário seu, Lucas, me animam e me fazem esquecer essa ideia de parar, de desistir. Eu tenho que agradecer!
Eduardo Rezende: Eduardo, Edu, Dudu, eu adoro você! Tudo que você me deu foi luz e força, "calma e força". É um forte concorrente para mim e o meu blog, mas pra que se importar com a concorrência quando podemos tê-la como parceira?
Raphael Martins: Ok, ele não me conhece, eu não o conheço. Mas ele me pediu uma coisa muito especial. "Gostaria de saber se posso copiá-la para o meu blog...". Ah, eu quase delirei com isso! Eu neguei, mas querer mostrar meu texto para o seu público me faz pensar que ele realmente gostou do que eu tinha a dizer. A partir de então, eu acompanho em segredo o seu blog. Raphael, obrigada por isso!
Jorge Leandro: A você, Jorge Leandro, eu quero mais do que agradecer. Eu quero dizer pra esse público lindo que eu tenho que não seria favor nenhum ler o blog desse cara: "Mundo Particular: Os Seres Sós São Tristes". Obrigada por tudo!
Vinícius José: Sabe, você fez um bem danado para esse blog. Tenho pesquisado mais sobre a Pitty para poder te oferecer algo que te agrade realmente. Eu tenho que agradecer com toda a minha verdade os seus comentários, os seus elogios, a sua admiração. Você é especial, sem falar no seu talento enquanto aprendiz de poeta. Muito obrigada!
Renato Fernandes Bandeira: Esse muita gente já deve conhecer. Ele, ao meu lado, leva esse blog pra frente. Escreve, pensa, me dá ideias, me ajuda quando preciso. Renatinho, eu sempre soube, Renatinho, o quão inteligente e perspicaz você é! Apesar de a gente se ver praticamente todo dia na escola, o blog preencheu um espaço enorme na nossa amizade. Meu pequeno bipolar, obrigada, obrigada mesmo por me ensinar o que você sabe!
Anderson Santos: Por último, mas não menos importante (muito pelo contrário!), Anderson. Andro, Andrinho, Dinho, você me inspira muito! Eu babo a cada comentário seu. Quando chego no painel do blogger, vejo algum comentário esperando moderação e percebo que esse comentário é seu, D'us sabe o quanto o meu coração se enche de alegria. Eu tenho, eu pretendo, eu quero muito encontrar uma música do Seu Jorge para interpretar especialmente pra você!

Eu peço desculpas a quem não pude citar aqui. Mas eu agradeço muito a todos os comentaristas, a todos os leitores, os assinantes do feed, os seguidores, os fãs do facebook e todos os outros que passaram por aqui. Eu amo todos vocês!

Vila do Sossego, de Zé Ramalho

noreply@blogger.com (Thamirys Pereira) — Tue, 21 Feb 2012 19:38:00 +0000

Pesquisei e pensei muito antes de publicar o que eu entendo da música Vila do Sossego. Isto porque Zé Ramalho é extremamente complexo. Escutar o que ele diz é muito diferente de compreender essas mesmas palavras.
Cheguei à conclusão de que, nessa música, Zé Ramalho fala do casamento e da traição. Mas afinal, o que é trair? E, principalmente, por que trair? Me parece que, certas vezes, Zé Ramalho quer nos mostrar que a traição é inevitável.
Enfim, comecemos pelo início, pelos primeiros versos da primeira estrofe.

Oh, eu não sei se eram os antigos que diziam

em seus papiros, Papillon já me dizia

que, nas torturas, toda carne se trai;

que, normalmente, comumente, fatalmente, felizmente, displicentemente,

o nervo se contrai... com precisão.

Fica mais fácil entender esses versos se soubermos quem foi Papillon, um homem que era muito mais do que um prisioneiro francês cumprindo pena na Guiana Francesa há algumas décadas atrás.

Injustamente acusado pelo assassinato de um gigolô, Papillon tinha pena de prisão perpétua a ser cumprida na Guiana Francesa, à época colônia da França. No pátio do presídio, logo foi prontamente avisado de que qualquer tentativa de fuga seria punida com o prazo de dois anos em solitária e, caso houvesse reincidência, esse prazo subiria para cinco anos.

Entretanto, Papillon não tinha nada a perder. Com a ajuda de seu aliado Louis Dega, realizou sua primeira tentativa de fuga. Foi pego e mandado para a solitária, onde acabaria morrendo antes que se findassem os dois anos. Mas Dega, que a essa altura já o estimava muito, conseguiu infiltrar cocos na água que lhe era dada todos os dias pelos guardas, ajudando-o a ter forças para sobreviver.

Papillon, porém, foi descoberto outra vez. Lhe deram duas opções: dizer quem o tinha enviado os cocos ou passar seis meses de sua pena com a comida reduzida à metade e em total escuridão. Papillon ficou com a última. E isso explica estes primeiros versos.

Apesar de torturado pela fome, pela fraqueza, Papillon não traiu seu companheiro, mas ele, nesse tempo, pensou seriamente em fazê-lo. É natural, é normal do ser humano trair quando submetido a pressões e situações como essa, e ele já sabia disso.

Nos aviões que vomitavam pára-quedas,

nas casamatas, casas vivas, caso morras

e, nos delírios, meus grilos temer:

o casamento, o rompimento, o sacramente, o documento,

como um passatempo quero mais te ver... com aflição.

Mas a traição que Zé Ramalho comenta nessa música não diz respeito à lealdade, mas à fidelidade. A sua tortura não é física, mas mental, psicológica, sexual. É na pele de homem casado que deseja uma outra mulher que Zé nos fala.

A libido confronta-se com a razão. Poderia trair e acabar logo com isso. Mas tudo tem consequências. Para decidir-se, precisa equilibrar tudo em uma balança emocional: o casamento, o rompimento, o sacramento, o documento e o desejo de ver, de ter quem realmente quer.

Meu treponema não é pálido nem viscoso.

Os meus gametas se agrupam no meu som.

E as querubinas, meninas, rever.

Um compromisso submisso, rebuliço no cortiço,

chame o Padre Ciço para me benzer... com devoção.

Nos versos desta última estrofe, quero chamar uma atenção especial para a primeira frase. O treponema cantado por Zé Ramalho faz referência ao treponema pallidum, o agente causador da sífilis. E citar a doença nesta estrofe é importante para a sua compreensão. A sífilis seria, para Zé Ramalho, um impedimento ao sexo. Mas o seu treponema (o que lhe atrapalha o sexo) não é a sífilis, visto que não é pálido nem viscoso. Podemos, então, subentender que tal impedimento, como já é cantado em todo o decorrer da música, é o casamento.

Podemos ter ainda mais certeza de que essa música fala do desejo incontrolável de um homem casado por uma mulher, que não a sua, quando Zé nos diz ter agrupado os seus gametas em seu som, sua música.

Sucede que o eu lírico acaba por trair, não só à sua mulher, mas também a si mesmo. É então que reconhece o seu pecado e anseia por perdão, não só vindo de sua companheira, como também o perdão divino.

Disparada, por Renato Bandeira

noreply@blogger.com (Renato) — Wed, 15 Feb 2012 21:06:00 +0000

Agora vou interpretar a música Disparada, do meu conterrâneo Geraldo Vandré, a música como muitas outras de Geraldo, fala sobre a ditadura e sua tentativa pra mudar o cenário daquela época. A música foi lançada no I Festival de Música Popular Brasileira, que ocorreu em 1966 durante a Ditadura Militar. A música faz uma comparação entre o modo que o gado é tratado e o estilo de vida imposto pela Ditadura, onde o povo era visto apenas como algo que devia viver sem pensar e nem descobrir o que existia além daquela realidade, até que o próprio Geraldo Vandré tenta tomar controle do povo com sua música e alertar a população sobre os absurdos que eles sofriam diariamente sem se importar, até que Vandré percebe que ele mesmo estava apenas criando outra forma de sistema e outro tipo de modismo, e com a impressão de liberdade o povo se acomodava novamente, vejamos o desfecho dessa música abaixo:

Disparada

Geraldo Vandré

Prepare o seu coração pras coisas que eu vou contar
Eu venho lá do sertão, eu venho lá do sertão
Eu venho lá do sertão e posso não lhe agradar
Aprendi a dizer não, ver a morte sem chorar
E a morte, o destino, tudo, a morte e o destino, tudo
Estava fora do lugar, eu vivo pra consertar.

Essa parte é mais como uma apresentação de Vandré para sua platéia, ele fala de sua origem e conta que não veio pra agradar, veio para consertar aquilo que estava fora do lugar, ele mostra certo comprometimento com aquilo que pretendia fazer já que afirmava que dedicava sua vida para melhorar a sociedade que estava em colapso.

Na boiada já fui boi, mas um dia me montei
Não por um motivo meu, ou de quem comigo houvesse
Que qualquer querer tivesse, porém por necessidade
Do dono de uma boiada cujo vaqueiro morreu
A boiada representa a realidade da época e os bois as pessoas. Vandré diz que já foi uma pessoa daquelas, que se conformava com tudo e vivia sua vida sem se preocupar, sendo apenas marionetes dos militares. Um dia ele tomou consciência de que aquilo não era certo e que ele precisava ser o líder de si mesmo e resolveu “se montar” e não mais obedecer aos líderes daquela política, Vandré se tornou rebelde não por influencia de alguém próximo ou por vontade própria, mas por necessidade de uma boiada que não tem mais vaqueiro, nele fala que o povo não tinha mais um “líder” e por isso ficara muito indefeso, e por causa disso ele tinha a necessidade de ajudar e se fez um vaqueiro e tomou a frente da situação tornando-se um símbolo da luta contra a ditadura.

Boiadeiro muito tempo, laço firme e braço forte
Muito gado, muita gente, pela vida segurei
Seguia como num sonho, e boiadeiro era um rei
Mas o mundo foi rodando nas patas do meu cavalo
E nos sonhos que fui sonhando, as visões se clareando
As visões se clareando, até que um dia acordei

Muito tempo se passou com Vandré movendo massas com suas músicas e conscientizando as pessoas fazendo com que muita gente também se revoltasse, vivendo como num sonho onde as pessoas o seguiam como se fosse um rei, mas o governo não permite concorrência e a utopia que ele havia formado um mundo melhor acabou quando ele foi atingido pela censura e pela força do governo militar e teve que desistir daquilo que um dia prometeu dar sua vida.

Então não pude seguir valente em lugar tenente
E dono de gado e gente, porque gado a gente marca
Tange, ferra, engorda e mata, mas com gente é diferente
Se você não concordar não posso me desculpar
Não canto pra enganar, vou pegar minha viola
Vou deixar você de lado, vou cantar noutro lugar
Depois de sofrer a perseguição dos militares, ele não pôde continuar investindo contra a Ditadura, não era possível ser livre em um lugar tão terrível e cruel, um lugar “tenente”, como Vandré relata no primeiro verso. Também não era mais possível seguir como líder do povo, mas Vandré faz um alerta, dizendo que gente não é gado. Mais cedo ou mais tarde, com ele ou sem ele as pessoas iriam se revoltar e se alguém fosse contra seu pensamento, que mandassem ele pra fora do país, pois ele nunca deixaria de falar a verdade em suas músicas.

Na boiada já fui boi, boiadeiro já fui rei
Não por mim nem por ninguém, que junto comigo houvesse
Que quisesse ou que pudesse, por qualquer coisa de seu
Por qualquer coisa de seu querer ir mais longe do que eu

Mas o mundo foi rodando nas patas do meu cavalo
E já que um dia montei agora sou cavaleiro
Laço firme e braço forte num reino que não tem rei

Depois de rodar o mundo e conhecer, mas a natureza humana, Vandré fala sobre o anarquismo, pois agora ele não é mais um boiadeiro que cuida dos bois e os guia, ele agora é um cavaleiro que cuida apenas de si mesmo em um reino onde não existe um rei e cada um é dono de si mesmo e cada um tem o dever de procurar o melhor pra si mesmo, pois não existem mais autoridades.

Disparada, por Thamirys Pereira

noreply@blogger.com (Thamirys Pereira) — Wed, 15 Feb 2012 21:06:00 +0000

Em 1966, na segunda edição do Festival de Música Popular Brasileira, fomos presenteados com Disparada. E o que esperar de uma música de Geraldo Vandré interpretada por Jair Rodrigues? Sem dúvidas, foi - no mínimo - espetacular. Mas os jurados não seguiram essa linha de pensamento. Consideraram a canção A Banda, de Chico Buarque, melhor e iam declará-la campeã, se não fossem impedidos pelo próprio Chico, que não aceitava que a melhor música do festival não estivesse no topo do pódio. Foi então que decidiram por deixar que A Banda e Disparada dividissem o primeiro lugar.
Mas que motivos teria Chico Buarque para querer dividir o seu título com Geraldo Vandré? Dentre muitas outras coisas, o significado que essa música tem foi um fator determinante. Disparada fala, antes de tudo, da vida de um homem e suas experiências.

Prepare o seu coração

pras coisas que eu vou contar

eu venho lá do sertão,

eu venho lá do sertão e posso não lhe agradar.

É nestes primeiros versos que conhecemos o eu lírico e o cenário (afinal, Disparada narra uma história) em que ele se encontra. O eu lírico apresenta-se como um sertanejo na cidade grande. É um artista, muito provavelmente um cantor de rua. E é na rua que ele está quando começa a contar a sua vida. E ele tem conhecimento de que, durante sua narração, pode não agradar algumas pessoas. Ele sabe que a verdade sempre machuca.

Aprendi a dizer não,

ver a morte sem chorar.

E a morte, o destino, tudo,

a morte e o destino, tudo

estava fora de lugar

eu vivo pra consertar.

Na segunda estrofe, o nosso narrador-personagem nos remete à sua vida no sertão. Como pobre, era acostumado à vida difícil. Estava face a face com a negação, sempre dizendo "não". A morte não o assustava, era corriqueira. Quando se convive frequentemente com a morte por fome, por sede e tantas outras questões tão desumanas quantas, ela torna-se indiferente. Acostuma-se à dor, até que não a sinta mais.

No entanto, ele sabia que algo estava errado, que tudo estava errado. Mesmo acostumado à sua rotina, não era acomodado. Era como qualquer outro jovem e sabia de seu potencial para mudar as coisas ao seu redor; sabia que ele poderia repor no lugar tudo aquilo que estava tão bagunçado.

Na boiada já fui boi,

mas um dia me montei.

Não por um motivo meu,

ou de quem comigo houvesse,

que qualquer querer tivesse,

porém por necessidade

do dono de uma boiada

cujo o vaqueiro morreu.

Vemos aqui uma metáfora. Vandré associa o povo daquele seu sertão a uma boiada, onde cada pessoa simples era um boi. E ele, como integrante daquela sociedade, era também um boi em toda a boiada. Mas uma dia, devido ao rumo que sua vida havia tomado, por puro destino, acabou por se montar - deixou de ser boi. Tal como os governantes, que sempre pisaram e montaram nas pessoas humildes, o eu lírico fez. Ele estava agora, sem razão alguma, governando e reprimindo a boiada da qual há não muito tempo fazia parte.

Boiadeiro muito tempo,

laço firme e braço forte.

Muito gado, muita gente

pela vida segurei.

Seguia como num sonho,

e boiadeiro era um rei.

Passou muito tempo como um líder. Era o típico carrasco dos filmes de faroeste, dono de fazendas, de bois, de gente. Estava bem com sua boa vida. Já não lhe era conveniente importar-se com aqueles pobres, não era mais um deles.

Não lembrava nem um pouco aquele menino de tempos atrás, que tinha sede em mudar os podres atos cometidos ao seu redor. Agora ele era o praticante de tais atos.

Mas o mundo foi rodando

nas patas do meu cavalo.

E nos sonhos que fui sonhando,

as visões se clareando,

até que um dia acordei.

Então não pude seguir

valente em lugar tenente

e dono de gado e gente.

Porque gado a gente marca,

tange, ferra, engorda e mata,

mas com gente é diferente.

Mas o mundo gira. As coisas mudam e os últimos são sempre os primeiros. Muitas coisas aconteceram na vida deste reles sertanejo e ele percebeu que aquele que seguia como um rei não era ele, mas sim uma figura imposta que renegava todas as suas origens. Ele percebeu que não podia mais seguir como aquele líder tirano e cruel.

Apesar da metáfora, pessoas não são bois e não podem serem tratadas como tais. Seres humanos necessitam de direitos humanos.

Se você não concordar,

não posso me desculpar,

não canto pra enganar.

Vou pegar minha viola,

vou deixar você de lado,

vou cantar noutro lugar.

Então o nosso sertanejo termina aqui a sua narração. E nos relembra do que é agora: um artista, cantando na rua com sua viola, tentando fazer com que alguém aprenda algo com a sua história. Ele expôs a sua opinião: "Gente não é gado", mas não vai discutir isso com ninguém. É um homem sábio, sabe que pode mudar as coisas, mas não as pessoas. Se elas tiverem consciência, entenderão o que ele diz. Caso contrário, ele sairá de perto, tentará encontrar outro alguém a quem tentará sensibilizar.

Na boiada já fui boi,

boiadeiro já fui rei.

Não por mim nem por ninguém,

que junto comigo houvesse,

que quisesse ou que pudesse

por qualquer coisa de seu,

querer ir mais longe que eu.

Mas o mundo foi rodando

nas patas do meu cavalo.

E, já que um dia montei,

agora sou cavaleiro:

laço firme e braço forte

num reino que não tem rei.

Mas desta experiência nem tudo foi tão ruim. Ele aprendeu a ser um líder, aprendeu a não deixar que o montassem. Depois de tudo, não é nem boi nem boiadeiro, é cavaleiro, aventureiro. É quando Vandré, subliminarmente, nos apresenta uma de suas ideias: o Anarquismo, para ela a solução para acabar com a dor da sofrida gente sertaneja.

Num reino sem rei, o poder não está centralizado nas mãos de uma única pessoa. O poder é de todos, porque são os bois que realizam o trabalho pesado, enquanto os reis boiadeiros nada fazem.

Vírus

noreply@blogger.com (Thamirys Pereira) — Wed, 08 Feb 2012 19:55:00 +0000

Blocos de rua já desfilam por muitas cidades. É carnaval e, coincidência ou não, parece que as interpretações feitas aqui no blog estão tomando um rumo extremamente sexual. Ora, é carnaval... Mas carnaval me lembra outra coisa: além de tantas outras doenças, a Aids.
Mas aqui no Blog Interpretação Pessoal a gente fala de música. Então vamos falar da música Vírus, do RPM.
Vírus não é (ou foi) nenhum single nem creio que tenha feito tanto sucesso quanto Olhar 43, Vida Real e outras proezas da banda. No entanto, é tão inteligente o modo como Paulo Ricardo expõe o HIV nessa canção, comparando-o aos vírus de computador, que se torna imprescindível que se fale dela.

VÍRUS

Composição: Fernando Deluqui / Paulo Ricardo

No sangue que escorre de um corte profundo,

em cada um que morre, em cada canto do mundo,

Há uma bala na agulha,

venosa fagulha,

nova inquisição.

Há um vírus no ar,

vampiros reais das programações.

Há um vidro entre nós

e fantasmas nas máquinas,

em nossas relações.

Enquanto eu acesso o cérebro, o sexo,

há processo complexo

entre o medo e o gozo.

E o mais perigoso,

esse jogo de azar,

esse medo de amar.

(Repete segunda estrofe)

No computador, as informações

Thanatos e Eros, em nossos corações

Em disquetes e em bytes,

em videos high tech

em testes de Aids.

(Repete segunda estrofe 2x)

O primeiro caso de Aids no Brasil surgiu em 1982. Era uma doença nova. E advinha o que caracterizava os jovens brasileiros nos anos 80? Sexo, drogas e rock'n'roll. Iniciava o movimento pós-punk brasileiro. Liberação sexual. Para passar de apenas muito sexo e muito consumo de drogas injetáveis para portadores do HIV não custava muito.

Em 1986 foi criado o Programa Nacional de Controle da AIDS. O Brasil já é tido mundialmente como país referência pelo oferecimento de tratamento gratuito contra o HIV. No entanto, ressalto a terceira estrofe. Ter Aids, há pouco tempo atrás, era praticamente uma sentença de morte. E esse dogma ainda vigora nos dias de hoje. O medo de amar torna-se frequente, as questões psicológicas da doença acentuam-se. Não sou nenhuma especialista no assunto, mas é claro que a questão Aids causa também danos psicológicos e psiquiátricos (e isso, com certeza, precisa ser revertido).

O número de aidéticos e portadores de HIV, desde então, cresceu surpreendentemente. Até junho de 2011 foram registrados, somente no Brasil, 608.230 casos de Aids [1]. Portanto, "não esqueçam, sempre, crianças: safe sex or no sex at all. Sexo seguro: pode fazer de tudo, contanto que seja com camisinha. Isso é importante de lembrar".

Mata Virgem

noreply@blogger.com (Thamirys Pereira) — Sun, 05 Feb 2012 00:08:00 +0000

Decididamente, o que diferencia Raul Seixas de muitos "cantores" que temos atualmente é, além de sua qualidade inegável enquanto músico e de sua formação enquanto pensador, estudioso e filósofo, a sua versatilidade.
Raul tem músicas para tudo quanto é tema, para tudo quanto é estilo e gosto. Tem O Carimbador Maluco, que fala da influência americana em nossas vidas; tem Metrô Linha 743, que fala dos anos de ditadura; tem Medo da Chuva, que fala da hipocrisia do casamento; e tem Mata Virgem, que fala de desejo sexual, de sexo propriamente dito e de amor.

Essa canção foi composta também por Tânia Menna Barreto (uma das mulheres de Raul) e isso explica a razão de ser tão plácida, tão suave, tão romântica, apesar de ser repleta de conotação sexual.
O título da música - Mata Virgem, fazendo alusão à mulher virgem - já nos é bastante sugestivo. Como se não bastasse isto, a única pretensão de Raul Seixas nessa música é descrever a sua amada.

Você é um pé de planta que só dá no interior,

no interior da mata,

coração do meu amor.

Nesta fase da música, é Raul quem fala. Ele caracteriza a sua amada como rara e única, como a fonte dos seus mais belos sentimentos.

Você é roubar manga com os moleques no quintal,

é manga rosa, espada,

guardiã do matagal.

Aqui, quem já roubou manga do quintal do vizinho, saberá bem a sensação que Raul quer passar. Roubar é uma aventura, roubar manga é gostoso, é prazeroso, é, além de tudo, algo que faz o coração palpitar, a adrenalina correr nas veias, ainda mais quando se é moleque. É assim que Raul a vê, como o ato de roubar manga, como a manga suculenta, deliciosa, com qual se lambuza.

Estes versos estão na música para dar suavidade, para dar uma ar infantil de ingenuidade.

Qual flor de uma estação,

botão fechado eu sou:

se amadurecendo pra se abrir pro meu amor.

Neste momento, não é Raul quem fala, mas sim Tânia. E aqui nos deparamos com a questão virgindade. Não estamos necessariamente falando de virgindade sexual (e estamos!). Quando diz estar se amadurecendo, Tânia sugere que seja virgem, ou que não está pronta para o sexo, ainda se preparando para isso.

Úmida de orvalho que o sol não enxugou,

você é mata virgem pela qual ninguém passou.

É capinzal noturno, escuro e denso, protetor

de um lago leve e morno:

teu oásis, seu amor.

Raul retorna a falar e a descrever Tânia. É então que tocamos no quesito "desejo sexual". Ela é virgem, mas nem por isso deixa de sentir desejo, de excitar-se. E é sobre isso que fala esses últimos versos: excitação feminina, pelos pubianos... Tânia e Raul, amor, sexo.

Depois disso tudo, aproveito pra mudar um pouquinho de assunto sem mudar de contexto. Fica claro aqui qual o problema do funk carioca, não é? Ou pelo menos qual não é o problema. Não é ruim falar de sexo! Cá está Oceano, de Djavan, que não me deixa mentir. Quando se fala de música, mesmo citando o sexo, é preciso ser belo, e é preciso (no mínimo) ser tão boa quanto Mata Virgem.