Force et caractère, vie d'artiste !

ISRAEL GALVÁN - "LA CURVA" - DEMO

2012-01-19T20:43:00.000+01:00

Avec « La Curva », Israel Galvan fait trembler le flamenco : rencontre Par Sophie Jouve et Bruna Delgado

Les fervents admirateurs du danseur espagnol Israel Galvan ont découvert jeudi 12 janvier, son nouveau spectacle au Théâtre de la Ville (à voir jusqu'au 17 janvier). " La Curva " (la courbe, le virage) dessine une sorte d’autoportrait, la façon d’être et d’aborder la vie du danseur de flamenco. Galvan s’amuse à briser les codes, à débarrasser la danse millénaire de tout folklore, suscitant l’admiration ou le scandale.

Après « La Edad de oro » plébiscité par le public, le danseur continue à faire évoluer sa danse, à défricher de nouveaux territoires, créant un flamenco libre et contemporain.
Galvan est accompagné par la gitane Inès Bacan et par Sylvie Courvoisier qui dompte son piano, comme Galvan le flamenco. Rencontre :

Bruna Delgado : « La Curva »(la courbe, le virage) est-il une sorte d’autoportrait ?

Israel Galvan : Oui d’une certaine manière, car je viens d’une famille qui dansait le flamenco (il est né à Séville où ses parents dirigent une école). J'ai cette danse dans la peau et quelque soient les détours et les virages de mes créations, je n'ai jamais oublié mes racines.

Comment avez-vous construit ce spectacle ?

Je rends hommage à deux grands danseurs, Antonio el Bailarin et Vicente Escudero (1887-1980), deux tempéraments très différents. Leurs personnalités très fortes m’inspirent ces chemins de traverses. J’aime mieux les courbes que les lignes droites
Je commence par danser dans le silence. Après je mets en contact différentes musiques. Dans ce spectacle ci, le chant gitan avec toutes les caractéristiques du flamenco traditionnel se mêle à une musique plus improvisée, venue d’un autre monde. Ces chocs de cultures m’inspirent.

Vous utilisez votre corps comme des percussions ?

Oui je ne veux pas seulement danser, je veux essayer aussi d’être un instrument, de participer avec mon corps à la musique du spectacle.

Est-ce que le flamenco peut absorber tous les styles de danse ?

Le Flamenco est très libre. Il n’y a pas de partition. Avec le temps différentes écoles sont apparues. Il ne faut pas s’accrocher à une seule esthétique mais il faut conserver l’essence du flamenco, même dans un simple geste du bras.

Dans tous vos spectacles la tauromachie est présente à travers la gestuelle ?

Comme le taureau tout ce que je danse reste imprégné dans mon corps, comme des prothèses, des bleus. Tout cela dessine mon corps de danseur.

Comment réagissez-vous quand on vous traite de révolutionnaire ?

La seule chose qui compte c’est de me lancer toujours de nouveaux défis et profiter du bonheur de danser. Je continue à découvrir mon corps, je suis en constante évolution. Avec le poids des années je me rends compte de l’essentiel : être libre quitte à faire des erreurs.

Vous présenterez un nouveau spectacle en décembre 2012 ?

Pour la première fois, je danserai en groupe. Je vais tenter de faire danser à d’autres ce que mon corps ne me permet pas !

"La Curva" au Théâtre de la Ville. Du 12 au 17 janvier.
Création 2010/Première en France
Tél : 01 42 74 22 77

Nîmes le 19 janvier

2011-12-02T20:04:00.001+01:00

Un des derniers textes écrits par Bertolt BRECHT : Le poème aux jeunes.

Je vécus dans les villes au temps des désordres et de la famine

Je vécus parmi les hommes au temps de la révolte

Et je m'insurgeais avec eux

Ainsi passa le temps qui me fut donné sur la Terre

Je mangeais en pleine bataille

Je me couchais parmi des assassins

Négligemment je faisais l'amour et je dédaignais la nature

Ainsi passa le temps qui me fut donné sur la Terre

De mon temps les rues conduisaient aux marécages

La parole me livra aux bourreaux

J'étais bien faible mais je gênais les puissants

Ou du moins je le crus

Ainsi passa le temps qui me fut donné sur la Terre

Les forces étaient comptées

Le but se trouvait bien loin il était visible pourtant

Mais je ne pouvais pas en approcher

Ainsi passa le temps qui me fut donné sur la Terre

Vous qui surgirez du torrent où nous nous sommes noyés

Songez quand vous parlez de nos faiblesses

A la sombre époque dont vous êtes sortis

Nous traversions les luttes de classes

Changeant de pays plus souvent que de souliers

Désespérés que la révolte ne mît pas fin à l'injustice

Nous le savons bien

La haine de la misère creuse les rides

La colère de l'injustice rend la voix rauque

Ô nous qui voulions préparer le terrain de l'amitié

Nous ne sûmes pas devenir des amis

Mais vous quand l'heure viendra où l'homme aide l'homme

Pensez à nous avec indulgence

Pour ceux qui souhaitent la version intégrale :

A ceux qui viendront après nous.I

Vraiment, je vis en de sombre temps ! Un langage sans malice est signe De sottise, un front lisse D’insensibilité. Celui qui rit N’a pas encore reçu la terrible nouvelle.
Que sont donc ces temps, où Parler des arbres est presque un crime Puisque c’est faire silence sur tant de forfaits ! Celui qui là-bas traverse tranquillement la rue N’est-il donc plus accessible à ses amis Qui sont dans la détresse ?
C’est vrai : je gagne encore de quoi vivre. Mais croyez-moi : c’est pur hasard. Manger à ma faim, Rien de ce que je fais ne m’en donne le droit. Par hasard je suis épargné. (Que ma chance me quitte et je suis perdu.)
On me dit : mange, toi, et bois ! Sois heureux d’avoir ce que tu as ! Mais comment puis-je manger et boire, alors Que j’enlève ce que je mange à l’affamé, Que mon verre d’eau manque à celui qui meurt de soif ? Et pourtant je mange et je bois.
J’aimerais aussi être un sage. Dans les livres anciens il est dit ce qu’est la sagesse : Se tenir à l’écart des querelles du monde Et sans crainte passer son peu de temps sur terre. Aller son chemin sans violence Rendre le bien pour le mal Ne pas satisfaire ses désirs mais les oublier Est aussi tenu pour sage. Tout cela m’est impossible : Vraiment, je vis en de sombre temps !

II
Je vins dans les villes au temps du désordre Quand la famine y régnait. Je vins parmi les hommes au temps de l’émeute Et je m’insurgeai avec eux. Ainsi se passa le temps Qui me fut donné sur terre.
Mon pain, je le mangeais entre les batailles, Pour dormir je m’étendais parmi les assassins. L’amour, je m’y adonnais sans plus d’égards Et devant la nature j’étais sans indulgence. Ainsi se passa le temps Qui me fut donné sur terre.
De mon temps, les rues menaient au marécage. Le langage me dénonçait au bourreau. Je n’avais que peu de pouvoir. Mais celui des maîtres Etait sans moi plus assuré, du moins je l’espérais. Ainsi se passa le temps Qui me fut donné sur terre.
Les forces étaient limitées. Le but Restait dans le lointain. Nettement visible, bien que pour moi Presque hors d’atteinte. Ainsi se passa le temps Qui me fut donné sur terre.

III
Vous, qui émergerez du flot Où nous avons sombré Pensez Quand vous parlez de nos faiblesses Au sombre temps aussi Dont vous êtes saufs.
Nous allions, changeant de pays plus souvent que de souliers, A travers les guerres de classes, désespérés Là où il n’y avait qu’injustice et pas de révolte.
Nous le savons : La haine contre la bassesse, elle aussi Tord les traits. La colère contre l’injustice Rend rauque la voix. Hélas, nous Qui voulions préparer le terrain à l’amitié Nous ne pouvions être nous-mêmes amicaux.
Mais vous, quand le temps sera venu Où l’homme aide l’homme, Pensez à nous Avec indulgence.

Publié par Claude Vlérick /

http://jusquacetempleenruinesmais.blogspot.com/2009/05/le-poeme-aux-jeunes-bertolt-brecht.html

Abdullah Ibrahim: Ntsikana's Bell

2011-12-02T19:58:00.000+01:00

Devenu Abdullah Ibrahim en 1968, Adolph Johannes "Dollar" Brand, né au Cap le 9 octobre 1934 et classé « métis » par les lois de l'apartheid, est le plus célèbre des jazzmen sud-africains et sa musique reflète la complexité identitaire de son pays, tout comme son patronyme peut évoquer le kaléidoscope originel. Il fut exposé très tôt à la diversité culturelle du port maritime de la ville : la musique traditionnelle africaine, les chants Malay du Cap, le carnaval, les succès populaires et les enregistrements de jazz américain sont une part importante de son expérience d'enfant.

Au début des années 1960, Dollar Brand forme un groupe (The Jazz Epistles) avec entre autres, Hugh Masekela. Ensuite, avec Sathima (Bea Benjamin), sa femme, il part en Europe, et à Zurich le destin musical de Brand prend forme : Duke Ellington remarque le pianiste et la chanteuse lors d'un concert et décide de la présenter à Reprise Records. En 1965, il leur permet de jouer au Newport Jazz Festival au sein du Ellington Orchestra. Puis Abdullah joue entre autres en solo au Carnegie Hall et Ellington lui permet d'être réellement célèbre lorsqu'il l'inclut dans son orchestre pour une série de concerts au piano. Par la suite, il fera une grande carrière, jouant et enregistrant avec Elvin Jones, Max Roach, Don Cherry, ou Archie Shepp.

La musique d'Abdullah Ibrahim est intimement liée à la lutte pour la défense des peuples sud-africains contre l'apartheid, à l'histoire de la musique noire. Elle peut prendre trois différentes formes.

La première, une musique « sociale » innocemment euphorique issue de son enfance passée dans le pays ; une autre, intense, basée sur le piano et le blues, liée harmoniquement à Duke Ellington et à Thelonious Monk dans sa texture, qui ressort de ses années passées à New York et une dernière forme représentant un retour aux traditions africaines indigènes, tant rurales qu'urbaines.

Ces trois aspects de son œuvre s'inter-pénètrent souvent et il atteint la grâce lorsqu'il parvient à faire s'entremêler ces différentes couleurs musicales.

(Jazz Magazine, n° 580, avril 2007)

Sarah Kane 4.48 Psychose (extraits) from arthur Perret on Vimeo.

2011-12-02T19:50:00.001+01:00

4.48 Psychose (extraits) from arthur Perret on Vimeo.

Quelques extraits de la captation de cette pièce de Sarah Kane, mise en scène par Telmo Herrera, avec Dimitra Kontou et Telmo Herrera.

Sarah Kane
Dramaturge controversée malgré une carrière aussi courte que fulgurante, Sarah Kane traîne après sa mort un parfum de scandale. Sortie brillamment diplômée de l'université de Bristol puis de Birmingham, elle met à profit ses cours de théâtre en écrivant ses premières pièces. Mais c'est 'Anéantis' que retiendront les annales des planches du Royal Court Theatre. Dénonçant la violence de notre monde actuel à travers le personnage d'une jeune fille naïve en proie à un journaliste pervers, la pièce sera conspuée par la critique, qui va jusqu'à traiter son auteur de folle. Cet échec n'arrête pas pour autant la créativité effrénée de Sarah Kane, qui écrit encore 'L' Amour de Phèdre', 'Purifiés', 'Manque' ou '4.48 Psychose', évoquant son mal-être profond. Mal-être qui finit par la vaincre : un soir de février, Sarah Kane se pend dans les toilettes d'un hôpital. Sa disparition dans de sinistres circonstances ajoute encore à son aura. Depuis, les journalistes et autres professionnels reconnaissent l'avoir mal jugée.

Anselm Kiefer's studio

2011-12-02T19:45:00.000+01:00

Les toiles et, plus généralement, les œuvres d'Anselm Kiefer, saturées de matière (sable, terre, feuilles de plomb5 que Kiefer appelle « Livres », suie, salive, craie, cheveux, cendre, matériaux de ruine et de rebut), évoquent la catastrophe et les destructions de la Seconde Guerre mondiale, en particulier la Shoah. Le choix des matières exprime également sa sensibilité à la couleur : « Plus vous restez devant mes tableaux, plus vous découvrez les couleurs. Au premier coup d'œil, on a l'impression que mes tableaux sont gris mais en faisant plus attention, on remarque que je travaille avec la matière qui apporte la couleur6. » L'esprit qui se trouve dans la matière a également son importance. La suie, par exemple, est la résultante d'une matière initiale différente qui a subi, grâce au feu, de nombreuses transformations. La suie est donc l'étape finale et définitive d'une autre matière6.

Dans certaines toiles, l'artiste superpose à cette représentation du désastre un symbole de l'art ou du génie : ainsi dans Icarus, les sables du Brandebourg (1981), c'est la forme d'une aile peinte à l'huile.

Convaincu de la nécessité de revisiter l'identité allemande de l'après-guerre, sans la renier, Kiefer questionne ses grands récits (notamment La Chanson des Nibelungen et Parsifal), ses événements historiques fondateurs (comme la bataille d'Arminius ou le tombeau d'Alaric Ier), ses grandes figures philosophiques et littéraires, ainsi que l'exploitation qui en fut faite par le nazisme2. La poésie est une autre de ses sources d'inspiration majeures, qu'il utilise autant en référence qu'en matériau même de ses créations plastiques en inscrivant fréquemment des fragments de textes à même la surface de la toile ou de la sculpture.

Depuis les années 1990, il a dédié plusieurs séries d'œuvres aux poètes Paul Celan, Ingeborg Bachmann et Velimir Khlebnikov, trois auteurs ayant entrepris de dresser le langage contre l'oubli et la barbarie. Il est également très influencé par le mysticisme de Robert Fludd et les écrits de la Kabbale.

Ses œuvres font partie des collections des plus grands musées du monde. Le 24 octobre 2007, trois de ses œuvres (Anthanor, une peinture de 11 mètres de haut, Danaë et Hortus conclusus, deux sculptures) entrent dans les collections pérennes du musée du Louvre7, une première pour l'institution depuis 19548,9.

Kiefer a inauguré le programme Monumenta du Grand Palais à Paris en 2007, avec un travail qui rend hommage notamment aux poètes Paul Celan et Ingeborg Bachmann, mais aussi à Céline.
Les « maisons »[modifier]

Depuis 1993, Anselm Kiefer conçoit des environnements, qui mêlent constructions, sculptures, tableaux, et des projets monumentaux. Ces sculptures monumentales en forme de tours ou de « maisons », ainsi qu'il les appelle, sont des espaces dédiés à la présentation de peintures et de sculptures10.

Sensible au cadre de présentation de sa peinture, il refuse qu'elle soit présente dans les foires10. Il conçoit donc des bâtiments autour d'ensembles d'œuvres, les collectionneurs acquérant ainsi l'ensemble. Ces « maisons » ont généralement la forme de pavillons formellement sobres, dont l'extérieur est couvert de tôle ondulée et l'intérieur présente des murs blancs semblables aux cimaises des musées.
Am Anfang, « l'opéra colossal »[modifier]

En 2009, à l'occasion des célébrations des vingt ans de l'Opéra Bastille et du départ de Gerard Mortier de la direction, l'institution commande à Kiefer la conception d'un spectacle musical avec récitant intitulé Am Anfang, où il réalise la fusion de divers arts, la mise en scène, les décors et les costumes11 sur des textes bibliques de l'Ancien Testament et une vision post-apocalyptique du monde12.

http://fr.wikipedia.org/wiki/Anselm_Kiefer

lalala human steps "amelia"

2011-12-02T19:31:00.000+01:00

From 2003, "Amelia" is choreographer Edouard Lock's amazing film with Lalala Human Steps, the Canadian dance company. Yeah I was shocked too. Music by David Lang, words by Lou Reed. Locke takes a brilliant step with classical ballet here much the way Alarm Will Sound has done with classical music. You can find them on my channel as well as the link to my blog where I write about artists who take risks and bring us in new directions. Sometimes they blow it but most of the time, like Locke, they don't. Fatova Mingus.

Bader Mahasneh - Painter

2011-12-02T19:28:00.001+01:00

Bader Mahasneh was born in Jerash, Jordan in 1977. He started painting on his own at the age of five.

After graduating with a bachelor's degree in law from Yarmouk University in 2002, he took part in designing the décor for theater in 2002-2004. In the year 2006, Bader participated in several print making workshops at the national gallery in Amman.

http://www.badermahasneh.com/

Ernesto Sabato

2011-12-02T19:14:00.001+01:00

"Durante ese tiempo de antagonismos, por la mañana me sepultaba entre electrómetros y probetas y anochecía en los bares, con los delirantes surrealistas. En el Dome y en el Deux Magots, alcoholizados con aquellos heraldos del caos y la desmesura, pasábamos horas elaborando cadáveres exquisitos".

Ernesto Sabato. (Descanse en Paz)

Biographie

Après des études de sciences physiques et de philosophie et la soutenance de son doctorat en physique à l'université de La Plata, il se rend à Paris où il séjournera deux années dans les années 1930, interrompues par un bref retour en Argentine. Deux années décisives de l'avant-guerre durant lesquelles il mène une double vie: il assiste aux cours à la Sorbonne, travaillant en tant que chercheur en sciences le jour, au sein du prestigieux Institut Curie aux côtés d'Irène et Frédéric Joliot-Curie, et devient poète le soir à Montparnasse, en compagnie des surréalistes dont il a fait connaissance.

De retour en Argentine, après un passage au M.I.T. de Cambridge (États-Unis), il continue de mener ses travaux sur la relativité. En 1940 il enseigne à l'université de La Plata. Il abandonnera définitivement les sciences physiques en 1945 afin de se consacrer exclusivement à la littérature.

En 1945, il écrit des articles littéraires pour le journal la Nación qui mécontentent le régime de Perón et l'obligent à quitter son poste d'enseignant. Il entreprend alors la rédaction de Uno y el Universo, un recueil de réflexions et d'observations sur la politique, la société et la philosophie, dans lequel il déplore la neutralité morale de la science. Directeur pendant un an de l'hebdomadaire Mundo argentino, collaborateur de divers périodiques américains et européens, il a publié trois romans et de nombreux essais généralement polémiques.

Nommé par le gouvernement de Raúl Alfonsín, où il est président de la Commission d'enquête sur les personnes disparues en Argentine pendant la dictature (CONADEP), il recueille des milliers de témoignages de tortures, d'enlèvements, de viols et de crimes perpétrés par les militaires qui seront publiés à Buenos Aires en 1985 dans le livre Nunca más [Jamais plus].

Atteint d'une grave maladie oculaire, il cesse d'écrire et se consacre à la peinture (exposition au Centre national d'art et de culture Georges-Pompidou en 1989).

Il meurt le 30 avril 2011 à 99 ans dans sa maison de Santos Lugares, dans la province de Buenos Aires.

La littérature

L'univers romanesque d'Ernesto Sabato restera marqué par ces deux aspects de sa personnalité. Un va et vient passionné entre apologies et rejets, une alternance en quête d'interprétations valides de l'Homme et du monde. Une recherche pleine de curiosité, un plaidoyer en faveur de la contradiction, une vie que pourraient résumer ces mots de l'écrivain : On s'embarque pour des terres lointaines, on cherche la nature, on est avide de la connaissance des hommes, on invente des êtres de fiction, on cherche Dieu. Et puis on comprend que le fantôme que l'on poursuit n'est autre que Soi même. Son premier roman, Le Tunnel, salué par Albert Camus et Graham Greene paraît en 1948. Suivront Héros et tombes traduit et publié en français dans un premier temps sous le titre d'"Alejandra", considéré comme son chef-d'œuvre, en 1961, puis L'Ange des ténèbres qui constituent une trilogie de Buenos Aires.

Michel Raji Artiste Chorésophe

2011-11-07T17:35:00.001+01:00

Michel Raji est né au Maroc et vit en France depuis l’âge de douze ans.
Ses déplacements géographiques dessineront au fur et à mesure une cartographie
intérieure dans laquelle chaque pas marque une avancée initiatique vers l’universalité. Danseur et chorégraphe au départ, formé aux techniques classiques et contemporaines, il fonde en 1985, sa propre voie, qu’il nomme Chorésophie, passage du physique au métaphysique.

La Chorésophie est née du cheminement initiatique de Michel Raji, dans une dimension artistique.
Cette voie re-découverte par l’artiste relie la danse, ses techniques précises explorées puis transmises et la forme esthétique en émergeant, à une pensée universelle du mouvement. Une co-naissance retrouvée par sa propre démarche artistique et l’afﬁliant à
une lignée de sagesse antique. L’artiste ne situe pas son art sur le mode contemporain mais intemporain, à l’intérieur d’un temps.
Sa danse n’est pas le langage de l’expressivité d’un « moi » mais une forme inspirée se respirant dans l’ici et maintenant.

Explorant l’essence d’une danse, son travail de recherche ﬁnira par s’ancrer dans un soufﬂe vital. Ce soufﬂe vital s’afﬁne, s’accorde tel un instrument, puis se déploie dans une pulsation du respir en mouvement. Une respiration circulaire, s’harmonisant, se transmutant, se reliant puis, se spiralant. Cette spirale profondément enracinée dans son centre se fait chant ou silence parfois dans une perspiration, interne, tissulaire, cellulaire à peine perceptible, mais dont la présence ritualise l’essence d’un sacré.

Artiste et pédagogue, l’art de Michel Raji est aussi un enseignement. Sa transmission est à la fois ce qui se donne à voir dans ses spectacles, ce qui se découvre dans ses stages mais aussi ce qui se communique dans la dimension orale.Transmettre c’est aussi agrandir l’espace d’un apprentissage ouvert à l’initié tout comme au novice.

L’espace du spectacle est pour l’artiste, l’espace d’une communion avec le public.
Donner à voir cette vibration spirituelle, cet état émergeant dans l’instant présent. Cette forme dansée aux conﬁns d’une transe s’improvise parce qu’emplît d’une évidence. Le danseur en gestation laisse ﬂeurir ses passages, récepteur et sculpteur du Soufﬂe l’animant, sachant jongler d’une maîtrise comme d’un lâcher prise. Affûté d’une conscience, il ne convoite pas l’extra, mais retrouve l’ordinaire, la simplicité d’être dans sa nature, porteur d’une essence et d’une naissance.

Contacter Michel : m.raji@wanadoo.fr
Le rejoindre sur Facebook : https://www.facebook.com/abdeslammichelraji

Moondog - Bird's Lament

2011-11-06T22:36:00.000+01:00

http://fr.wikipedia.org/wiki/Moondog

L'œuvre de Moondog en fait l'un des grands maîtres du contrepoint au XX^e siècle, ce qui a priori pourrait sembler incongru, le contrepoint, le canon et la fugue étant réputés être des procédés d'écritures historiques, voire archaïques.
Au début de sa carrière, Moondog était un musicien de jazz un peu farfelu qui a tenté d'ajouter quelqu'influences amérindiennes aux rythmes afro-américains qui sont le corps traditionnel du jazz. Mais il a peu à peu, selon ses propres dires^{[réf. nécessaire]}, voulu réemployer les techniques d'écriture classiques : le contrepoint, l'harmonie et la sévérité des règles traditionnelles. Il s'est ingénié à les respecter plus scrupuleusement même que les grands classiques. Techniquement, Moondog est ainsi plus proche de Palestrina et de Monteverdi que de Bach. Cette volonté pour un compositeur de jazz d'assimiler le savoir-faire classique le rapproche à certains égard de Scott Joplin, dont la technique, bien qu'il appartînt au style "Ragtime", était influencée par l'enseignement allemand traditionnel de la musique et le traité de contrepoint de Salomon Jadassohn⁵.
Moondog a combiné les rythmes du jazz et des procédés extrêmement contraignants comme le canon et le contrepoint renversable à deux, trois, quatre ou cinq voix. Il emploie aussi, assez fréquemment, des mesures à 7/8, 5/4 et autres rythmes impairs. Ses compositions ne laissent aucune place à l'improvisation, chaque partie étant écrite avec précision.
Certaines de ses compositions, comme par exemple Do Your Thing (H´art Songs, 1978 ; édition CD Kopf / Roof Music), peuvent sembler simples et répétitives à la première écoute, avant que ne se révèle une richesse rythmique et contrapuntique étonnante et une imagination mélodique inépuisable. En dépit de son amitié avec Steve Reich et Phil Glass, sa musique n'a que peu de rapport avec le courant de la musique répétitive, dont il nie faire partie. Il a écrit d'innombrables pièces pour orchestre, en général écrites en « parties réelles » (c'est-à-dire qu'il n'y a presque pas de doublure ni d'unisson, chaque pupitre étant une partie contrapuntique). Il affectionne particulièrement les saxophones, le morceau Lament (Moondog, LP Columbia Masterworks MS 7335, 1969) en étant un exemple poignant.
Enfin son œuvre est considérable en quantité, la discographie à ce jour n'en donnant qu'un mince aperçu. On lui attribue 300 œuvres vocales et instrumentales (qu'il appelait « madrigaux, passacailles, canons », etc.) et plus de 80 « symphonies », c'est-à-dire des œuvres pour orchestres.

Persianas extrait 2.f4v

2011-11-06T16:31:00.000+01:00

PERSIANAS, de l'ombra a la lutz,(de l'ombre à la lumière)
spectacle de poésie occitane et persane et de danse à l'auditorium de St Pierre des cuisines à Toulouse (2/2) avec Djamchild Chemirani,Maryam Chemirani,Shadi Fathi,Jean-Pierre Lafitte,Manijeh Nouri,Michel Raji,Alem Sure-Garcia.

Helmut Oehring

2011-11-06T16:22:00.000+01:00

Helmut Oehring est né en 1961 à Berlin, de parents sourds. Guitariste et compositeur autodidacte. 1987 : auditeur chez André Asriel et Helmut Zapf 1190-92 : élève à l'Académie des Arts avec Georg Katzer. Vit à Berlin. 1990 : obtient le prix Hanns Eisler du "Deutschlandsender Kultur" (radio) 1992 : Lauréat du Forum des jeunes compositeurs de la WDR/Cologne et Lauréat du Ier Concours international de composition pour guitare et cordes (Berlin) 1994 : Bourse de composition à la Cité des Arts à Paris 1994-95 : Boursier de l'Académie allemande de la Villa Massimo à Rome 1996 : Prix Orpheus en Italie 1997 : Prix Hindemith pour l'ensemble de la composition à ce jour. 1998 : Prix Schneider-Schott (musique) ; Encouragé à plusieurs reprises par la Fondation "KulturFonds".

HANATSU - "SOHAMA - espace, temps, danse" (Michel Raji) teaser

2011-11-06T16:01:00.000+01:00

Michel Abdeslam Raji
«La danse est un cheminement, une voie, un souffle»
Michel Abdeslam Raji est Artiste chorésophe. Qu’est-ce que la chorésophie exactement ?

C’est un terme composé qui vient de deux termes, de «chorê» en grec qui signifie le mouvement dansé mais aussi l’état du ravissement et de «sophia» la sagesse ou la connaissance. C’est un jeu de mots que j’ai mis en place en 1985. La chorésophie est en rapport au soufisme. Par mes recherches dans le soufisme et dans la culture de la transe, de la «jedba», j’ai approfondi une manière de danser basée sur le souffle. Avec la chorégraphie et la choréologie, la chorésophie serait le troisième point, qui inscrit un autre poids dans la danse, plus intérieur et plus profond.

Contacter Michel : m.raji@wanadoo.fr
Le rejoindre sur Facebook : https://www.facebook.com/abdeslammichelraji

2011-11-06T14:16:00.000+01:00

Murmuration from Sophie Windsor Clive on Vimeo.

2 mins.
A short film that follows the journey of two girls in a canoe on the River Shannon and how they stumble across one of nature’s greatest phenomenons ; a murmuration of starlings.

Murmuration /merr'meuh ray"sheuhn/, n.
1. an act or instance of murmuring.
2. a flock of starlings.

We are overwhelmed with the amazing response to our film 'Murmuration' that we created for the WWF short film competition, Life.Nature.You. Make The Connection.

Murmuration on Vimeo Thank you for 'liking' it on the Vimeo site, and for all your comments.
It feels good to have shared such an incredible moment with so many people.

Contact :
Liberty Smith : liberty@islandsandrivers.co.uk
Sophie Windsor Clive : sophie@islandsandrivers.co.uk

Faun. Part 2 - In the Spirit of Diaghilev

2011-11-06T13:29:00.000+01:00

Formed in 1909 by Sergei Diaghilev, Les Ballets Russes revolutionised the art of dance. One hundred years later, four ground-breaking choreographers pay a thrilling tribute to this unique artistic venture.

For this special event Sadler's Wells has commissioned brand new works from Sidi Larbi Cherkaoui, Javier De Frutos, Russell Maliphant and Wayne McGregor who will each create work inspired by Les Ballets Russes and its spirit of collaboration.

Each artist, working with all or part of his own company, gives their own original response to the famous challenge that Diaghilev once issued to Jean Cocteau: “Surprise me!”

Wayne McGregor: Dyad 1909

Inspired by Shackleton's Nimrod expedition to the South Pole in 1909, the year that Les Ballets Russes was founded, Wayne McGregor creates a brand new Ballet Blanc, Dyad 1909. Wayne McGregor | Random Dance collaborates with acclaimed artists and filmmakers Jane and Louise Wilson, lighting designer Lucy Carter and costume designer Moritz Junge. Music is by acclaimed Icelandic composer Ólafur Arnalds.

http://www.sadlerswells.com/show/Spirit-of-Diaghilev

"A true salute to Diaghilev" ****

THE GUARDIAN

Sidi Larbi Cherkaoui: Faun

Sidi Larbi Cherkaoui examines the animalistic nature of human movement and the power of mythology in Faun. This brand new duet, created for two of his company dancers, takes an alternative look at the eponymous creature from Stéphane Mallermé's poem, Claude Débussy's music and Vaslav Nijinsky's choreography. With additional music by Nitin Sawhney and costumes by leading fashion designer Hussein Chalayan.

http://www.sadlerswells.com/show/Spirit-of-Diaghilev

Peio Serbielle, Naiz

2011-11-05T19:33:00.001+01:00

"NAIZ" –"Je suis"- est le premier volet de la trilogie que le chanteur basque Peio SERBIELLE publie aujourd'hui au sujet de sa Terre. Le Pays Basque, bien sûr –Euskal Herria, la Terre des Basques- mais aussi, la Terre des Autres.

The Juju Orchestra - Kind of Latyn Rhythm / This Is Not A Tango

2011-11-03T20:54:00.000+01:00

The Juju Orchestra was founded 2004 by Rare Groove - dj & vinyl - nerd Fab DJ Sammy and producer/sound engineer Oliver Belz. They are based in Braunschweig / Germany, right in the middle of nowhere between Hamburg, Berlin and Hannover. Some of their musical idols are Caetano Veloso, Charlie Parker, Miles Davies, Steely Dan, Stan Getz ( just to name a few). Of course they are influenced by all of them, but the Juju's created their own language - like every real artist does. In some words: contemporary Soul, Jazz and Latin music with a vintage sound. In 2005 the first single release 'Kind Of Latin Rhythm / Funky Nassau' entered the peak position of the German Club Charts. Great reactions from around the world followed, by famos dj's as well as by the audience. the next 12" 'Take Four / Hip Shake' did it the same way. On the album you can find a new vocal version of 'Hip Shake' with lyrics and voice of Terry Callier. It was absolutely a great honour for the band to work with such a blessed guest artists as Terry Callier, Robert Smith (who runs his own orchestra for Caribbean Music in Hamburg), Katia B from Brazil and Carolyn Leonhart (background singer for mighty Steely Dan), showing her outstanding talent on 'What Is Hip ?' and on the Steely Dan cover 'Do It Again'.

http://www.oneworldmusic.com.au/p-81-juju-orchestra-bossa-nova-is-not-a-crime.aspx

Trentemøller - Miss You (Lulu Rouge & Asger Baden)

2011-11-03T20:27:00.000+01:00

Anders Trentemøller a fait ses débuts en 1997, tout comme DJ T.O.M. quand ils ont formé le premier Live-act House au Danemark, Trigbag, et ont commencé à donner bon nombre de concerts et à participer à des festivals, en particulier celui de Roskilde. Ils ont également sorti un certain nombre de remixes et leur single "Showtime", sorti sous le pseudonyme Trigbag, a été joué par des DJ`s ou producteurs de renommée internationale tels que Alex Gopher, Laurent Garnier ou Etienne de Crécy. Trigbag a été dissout en 2000, à la suite duquel Trentemøller a choisi de s'éloigner de la scène House pendant deux ans.

Pendant l'été 2003, Trentemøller sortit un EP intitulé "Trentemøller" (chez Naked Music) comprenant les titres "Le Champagne" et "Work in Progress". Cet EP rencontra un succès international, souvent entendu à la BBC Radio 1, jouée par des DJ's tels que Pete Tong, Danny Tenaglia, John Digweed ou encore Steve Bug. "Le Champagne" fut sélectionné comme l'un des 10 meilleurs titres sortis en 2003 (Classement du magazine Allemand Groove). Trentemøller reçut également le prix du "Titre de l'année" aux Danish DJ Awards en février 2004 pour le même titre.

En décembre 2004 "Beta Boy" sortit chez Out of orbit, et en février 2005 Steve Bug sortit le célèbre EP de Trentemøller "Physical fraction" sur son tout nouveau label Audiomatique. Ce titre devint rapidement l'hymne de l'été 2005 et le nom Trentemoller retentit de nouveau sur la scène. Peu de temps après ce succès, Steve Bug décida d'accueillir Anders au sein de la famille Poker Flat sur lequel sortit le titre "Polar Shift (pfr56)", bientôt suivi de "Sunstroke (pfr61)". Ces deux titres ainsi que plusieurs live-shows consolidèrent sa réputation de meilleur nouveau producteur en 2005.

2006 sera une autre année passionnante pour Anders. Son premier album The Last Resort sera produit sur le Label "Poker Flat" ainsi que son nouveau vinyl "Killer Kat".

Trentemøller fait aujourd'hui partie de ces artistes qui ont réussi très rapidement à graver leur nom sur la scène Techno mondiale grâce à un son unique. Son Essential Mix de Octobre 2006 a été élu comme le meilleur Essential Mix de l'année par les auditeurs de la BBC1 Radio.

La majorité des artistes de la scène électro le désignent comme faisant partie de la vague minimal house, caractérisée chez lui par des bruitages electronica très travaillés alliés à la chaleur et la profondeur des claviers analogiques. Mais il ne se revendique pas de ce style. Si ses maxis sont très dansants, son album est beaucoup plus intimiste, allant chercher du côté du tempo électro-jazz, parfois proche d'Amon Tobin, mais également du côté de la New wave, et de l'ambient.

http://en.wikipedia.org/wiki/Trentem%C3%B8ller

Le moulin de la tuilerie

2011-11-03T20:20:00.002+01:00

Le moulin de la tuilerie ou le moulin des Windsor. Le moulin de la Tuilerie fut le théâtre d'une vie mondaine au siècle passé. Les Bâtiments qui surplombent aujourd'hui la petite rivière datent de la première moitié du dix-huitième siècle, mais ils remplacèrent probablement un moulin plus ancien installé dans le creux de la jolie vallée de Gif-sur-yvette, non loin de Versailles.

Au vingtième siècle, ces constructions furent démantelées pour fair place à la résidence de campagne du duc de Windsor lorsqu'il renonça au trône Anglais pour épouser l'Américaine Wallis Simpson. Le couple célèbre a habité ici pendant 20 ans. Pendent les années cinquante, habillant la maison d'un décor romantique; Le jardin fut confié à l'architecte Anglais Montague Russel Page. Maria Callas, Marlène Dietrich, Cecil Beaton et Henry Ford foulèrent ses belles allées.

La propriété changea à plusieurs reprises à la fin du siècle pour trouver enfin en la personne de Patrick Deedes-Vincke un architecte et décorateur soucieux de lui rendre sa grandeur perdue. Après sa carrière dans la photographie, Patrick Deedes s'est spécialisé dans la restauration de bâtiments d'exeption. Il a dirigé les travaux et s'est chargé de trouver les solutions architecturales les plus appropriées. Dans le moulin de la tuilerie il a choisi de conserver le plus possible de parties anciennes parmi lesquelles, le jardin de Russel ... Lire le suite

http://mamaisondelin.blogspot.com/2011/10/le-moulin-de-la-tuilerie.html

Jean CAYROL, je vivrais de l'Amour des autres

2011-11-03T11:43:00.000+01:00

A l’occasion du colloque international « Les mots sont aussi des demeures » :

Camps et crise d’identité dans l’œuvre de Jean Cayrol, voici quelques repères biographiques et bibliographiques sur l'oeuvre de l'écrivain bordelais.

Ses jeunes années ne laissaient pas présager de tels lendemains. Né le 6 juin 1911 à Bordeaux, fils d’un médecin, il fonde à 16 ans sa première revue « Abeilles et Pensées », suivie des « Cahiers du fleuve ». Après avoir échoué à son Doctorat en Droit, il publie ses premiers recueils de poèmes, le Hollandais volant (1935), les Phénomènes célestes (1939).

Engagé en 1941 dans le réseau de résistance Notre-Dame du colonel Rémy, il est arrêté en 1942, enfermé à Fresnes, puis déporté en 1943 au camp de Mauthausen.

A son retour en 1945, il refuse la direction de la Chambre de commerce de Bordeaux, où il avait été bibliothécaire (1936-42), et aborde un genre nouveau : la fiction.

Parallèlement, il s’impose comme une figure incontournable du monde de l’édition, en entrant en 1949 au Seuil, où il fonde une revue consacrée à la publication de jeunes auteurs dont il flaire le talent (Barthes, Sollers, Denis Roche, Guyotat, Grainville, pour ne citer que ceux-là). Cette même année, dans la revue Esprit, il publie un texte majeur « Pour un romanesque concentrationnaire », dans lequel il interroge la littérature après les traumatismes engendrés par la guerre.

En 1956, à l’occasion du 10ème anniversaire de la libération des camps nazis, le Comité d’Histoire de la Seconde Guerre Mondiale lui commande l’écriture du texte accompagnant le documentaire d’Alain Resnais, Nuit et Brouillard. La voix de Michel Bouquet n’est jamais sortie de notre mémoire. Il suffit de fermer les yeux pour qu’à nouveau elle nous parle : « Même un paysage tranquille, même une prairie avec des vols de corbeaux, des moissons et des feux d’herbe, même une route où passent des voitures, des paysans, des couples, même un village pour vacances, avec une foire et un clocher, peuvent conduire tout simplement à un camp de concentration. ». En 1964, il évoquera encore ces années noires lors du tournage de « Coup de grâce », entrepris avec Claude Durand, dans un « Bordeaux mausolée ».

Malgré la reconnaissance, venue après l’obtention du prix Renaudot en 1947 pour Je vivrai l’amour des autres, Jean Cayrol est-il jamais tout à fait revenu parmi les vivants ?

Certes, il s’est impliqué passionnément pour ces autres écrivains en devenir, chacun d’entre eux étant, selon lui, « porteur d’une singulière narration ». Certes, il a beaucoup écrit.

Mais toujours de mêmes questions le taraudaient : que peuvent les mots quand l’horreur s’est instillée dans chaque pore de sa peau, quand le présent n’est plus que du passé, quand le souvenir des cadavres vous fait entrevoir le monde entier en sursis ?

La vérité substantielle des camps est-elle transmissible ? L’écriture ne risque pas t-elle pas d’en déformer l’image, ou pire, de la rendre supportable par la virtuosité de la verbalisation ?

Si Jean Cayrol croit au salut de la littérature, c’est parce qu’elle possède, selon lui, une dimension morale ou même religieuse : « Je suis pour une littérature de la miséricorde, qui sauve l’homme ». Lorsqu’il parle d’un « Art unique, inséparable de notre condition précaire d’homme », il fait entrevoir la visée ontologique des récits. Le camp est un point de départ pour tenter d’approcher au plus prés l’homme « décharné et souffrant », « paralysé et insensible », dans un quotidien toujours « concentrationnaire ».

Cet art de l’imaginaire romanesque, présent et à venir, il l’a théorisé en 1950 dans un essai, fulgurant et lumineux, Lazare parmi nous ; la figure de Lazarre étant chargée d’inscrire le désastre au fondement du fait littéraire, et au-delà d’établir un lien entre l’univers concentrationnaire et la littérature. Le personnage « lazaréen » éprouve un besoin de dire son absence au monde, sa douleur d’en être détaché, d’interroger les objets. Il cherche aussi à aimer ; il veut surtout obliger le ciel à répondre. Parce que la mort ne laisse pas oublier et qu’elle envahit continûment de sa présence êtres et choses : « Il a vécu dans un monde qui ne se trouvait nulle part et dont les frontières ne sont pas marquées puisque ce sont celles de la mort. ». Cayrol sait, à l’instar de Flaubert, que « le goût du néant ne s’efface jamais ».

Au fil de ses nouvelles et de vingt romans, Jean Cayrol a évoqué les difficultés d’un type de personnage qui « ne sait plus appréhender, retenir, saisir », ne parvient pas à communiquer avec autrui, incapable de « trouver la juste mesure, l’exacte équilibre », « comme en perpétuel désaccord avec ses semblables ». Bref, un personnage d’éternel « concentrationnaire », comme si tout ce qui avait survécu à la tragédie était improbable, frappé de suspicion et d’irréalité. L’humanité se serait engagée dans l’incurable, rejetée hors-monde, hors-histoire.

Dans un sens, nous ne sommes plus – à notre insu – qu’essentiellement des survivants : « Les déportés regardent sans comprendre. Sont-ils délivrés ? La vie quotidienne va-t-elle les reconnaître ? … L’eau froide des marais et des ruines remplit le creux des charniers, une eau froide et opaque comme notre mauvaise mémoire ». Certes, les temps obscurs sont toujours là, mais l’écriture est porteuse d’espoir. Ainsi, les derniers recueils de poésie, intitulés De vive voix, témoignent de la vertu galvanisante du style, dont la fantaisie et l’ironie douce apparaissent comme des antidotes nécessaires aux horreurs expérimentées. C’est ainsi que le pessimisme qui tente de refluer est drainé, brisé par un élan contraire, comme en témoigne la profusion d’images chargées d’épuiser les mystères du réel, ce réel où nous sommes si peu : « Herbages immortels, cendre épaisse du jour / je suis dans l’illusion un aveugle de plus… ».

Des Poèmes de la nuit et du brouillard aux autres livres de Jean Cayrol un décès se poursuit, s’écoute, se précise, « non pas comme ses décès bien connus qui font que les êtres, soudain, ne sont plus bons qu’à enterrer », mais un décès différé et plus lent, monté à la vie, laissant l’écrivain-poète crier interminablement jusqu’à sa dernière heure. Jean Cayrol décède dans la ville qui l’a vu naître, le 10 février 2005. Un écrivain ne meurt jamais. L’éternité est sa demeure : « Je m’avance en catimini vers une destination qui doit avoir vue quelque part. » L’important, c’est que le tout soit compris et transmis, à nous, lecteurs, qui « ne pensons pas à regarder autour de nous et qui n’entendons pas qu’on crie sans fin ». L’important, comme l’écrivait merveilleusement François Mauriac, c’est « d’accueillir un fantôme silencieux, cela seul compte, et cela ne dépend que de nous. Voici le jour d’éprouver sa force, de descendre en soi-même, d’y faire silence ».

Isabelle Bunisset extrait du site librairie Mollat Bordeaux.

Vietnam War Photojournalist Catherine Leroy, 60

2011-11-03T01:16:00.001+01:00

Vietnam War Photojournalist Catherine Leroy, 60

By Donald R. Winslow

(July 11, 2006) - In 1968 Catherine Leroy, one of the first female combat photographers of the Vietnam War era, surprised her North Vietnamese captors by photographing and interviewing them when they returned her cameras as they released her from detention. The photograph ended up on the cover of Life magazine. Leroy died this week from cancer, in hospital in Santa Monica, CA.

Leroy was a Parisian and reportedly 60 when she died, but her age is not verified. The photojournalist is survived by her 91-year-old mother, who lives in France. The French Embassy has said they are handling arrangements for Leroy's body to be returned to her homeland.

Leroy was the first woman to win the Robert Capa Gold Medal Award for conflict photography from the Overseas Press Club in New York, in 1976.

Many American soldiers along with male war correspondents were shocked to see Leroy in 1966 when she landed in Vietnam on a one-way ticket from Paris through Laos to Saigon, with her small Leica in hand. She was only 21 (or thereabouts) and her diminutive presence, at five feet tall and less than 90 pounds, didn't match the profile of the average foreign war correspondent. As a Parisian girl growing up in a convent school she said that she weekly studied each new Paris Match magazine. When she was much older and reflecting upon her career Leroy said in an interview that as a child, "Photojournalists were my heroes. When I looked at Paris Match as a girl, to me that was an extraordinary window to the world." Influenced by the magazine's strong photojournalism and images of conflict on its pages, Leroy knew even then that she wanted to photograph war. And there was one going on at the time, in Vietnam.

"Catherine Leroy entered a totally masculine world: war and war photojournalism," says Marianne Fulton, author of the book Eyes of Time: Photojournalism in America, who is the former senior curator of exhibitions and photographic collections at the International Museum of Photography at George Eastman House.

"She worked in the tradition of Margaret Bourke-White and Robert Capa. In Vietnam, she was cool under fire and one of the few woman photographers in the thick of the fighting and dying. Like Capa, she wanted to show war up close and personal. In one of her photographic sequences from Vietnam (1967), corpsman Vernon Wike applies first aid to a downed buddy, listens for a heartbeat, and then looks up from the body with an anguished and confused look having realized that the Marine is dead. The last photo shows the dead Marine alone - the landscape destroyed and the horizon blank. The series is a powerful reality check about the Vietnam War."

Last year Leroy told Steven Winn of the San Francisco Chronicle that on her one-way flight into Vietnam she met someone who was the friend of Life magazine photojournalist Charles Bonnay, who was already there covering the war. Her flight companion introduced her to Bonnay, who helped Leroy make connections with the right people to get press credentials, and almost unbelievably she was off to the battlefields, just that quick, with no experience photographing war other than the pictures she'd seen in magazines.

And Leroy didn't just photograph the war from the sidelines. She jumped in feet first, literally. Thanks to a former boyfriend who taught her how to sky dive, in 1967 she was a licensed parachutist when she joined up with the 173rd Airborne Division and jumped along with them into a combat operation, becoming the only known accredited journalist – male or female – to jump into combat with American troops at war.

LeRoy Woodson Jr., the editor of MilitaryWeek.com, remembers a story that Leroy told him many years later when they talked in Paris in 1981. It's her story about the day that Martin Luther King Jr. was assassinated and she happened to be in the New York offices of Look magazine. "The Look magazine photo editor asked her to go to Harlem to take reaction pictures," Woodson says. "So Cathy, her blond pigtails and her Leicas in hand, set off for Harlem at this highly sensitive and charged moment. On arrival she got into trouble almost at once. She was surrounded by a hostile crowd that wanted to relieve her of her Leicas. It was a tense moment, when suddenly a voice penetrated the crowd: 'Cathy, what are you doing here?' It came from a former member of the 173rd Airborne Brigade with whom she had made a combat jump in Vietnam. He rescued her and took her home to his Mamma for a home cooked meal."

In 1965, Dirck Halstead was running the UPI photo bureau in Saigon and remembers Leroy's arrival. "Catherine was a tough little bird. She walked into my office at the UPI bureau wanting to be accredited by the Military Assistance and Advisory Group, Vietnam (MAAG). We got her a press card, and she was off to war.

"As a photographer, she was a novice at best in those days. But she had a lot of courage. She gravitated towards the biggest fights. She also had a formidable libido. To Catherine, a rifle platoon translated into 'smorgasbord.'" "She learned her English while traveling with the troops out in the boondocks. As a result she had the foulest mouth I've ever heard, but she thought that's how you spoke English."

Halstead, who is now publisher of The Digital Journalist, worked with Leroy again in Beirut in the summer of 1982. "During this assignment she was kidnapped by fighters, whom she called 'wankers,' who had decided to shoot her. But she managed to escape just by running for her life."

Halstead said that in later years Vietnam became an obsession for her. "She wanted to preserve the works of photographers who covered that war. So last year she published the book Under Fire: Vietnam War Photographs which contained many of the photographs of her colleagues from Vietnam."

Vietnam may have been the first conflict she covered with a camera, but she later covered many more including Afghanistan, Somalia, Iran, Lebanon, and Iraq.

Photojournalist David Burnett was covering Vietnam for Life magazine but he knew Leroy best years later, in Iran, during the revolution of 1979. "Catherine was nothing if not determined," Burnett told News Photographer magazine. "She was a tough cookie and she knew what she wanted, and she was not in the habit of dealing kindly with fools. Some of her images from Vietnam were the most powerful, personal, and heartbreaking of the war."

Burnett says Leroy made an enormous effort to bring the photography exhibit of Vietnam photographs "Under Fire" to Washington, DC, to be an outdoor exhibit near the Vietnam Memorial Wall. "But she ran into bureaucratic idiocy at every turn. I can still hear the disgust in her voice as she related a conversation with a U.S. Park Service planner who said the show would be a 'potential security threat.'

"Sadly I recently went to the 'Under Fire Vietnam' photo gallery on the Web site to listen to the photographers' interviews and on her page, when you click on 'Listen to Interview,' Catherine's page says, 'Coming Soon.' Sadly, we won't ever get to hear that voice again."

"I greatly admired her for her guts, and for her work, and for never losing her femininity," John G. Morris said from his home in Paris. Morris was a member of the Overseas Press Club jury that voted for Leroy to win the Robert Capa Gold Medal Award for photography in 1976 for her coverage of Beirut. Morris is the retired picture editor of The New York Times and was executive editor of Magnum Photos. The Capa Award is the highest honor that can bestowed on a conflict photographer.

Leroy also co-authored a book with Tony Clifton about Israel's 1982 attack on Beirut called God Cried, and co-directed a documentary film about Vietnam War veteran Ron Kovic called "Operation Last Patrol" in 1972.

Morris also remembers other female photographers who covered Vietnam in addition to Leroy, photographer Nancy Moran - who had previously worked on The New York Times photography desk - and Dickey Chappell, the first female war correspondent killed in action (November 4, 1965), who like Capa was killed in Vietnam by a land mine.

Associated Press photojournalist Neal Ulevich covered the Vietnam War for AP and he remembers that in addition to Leroy there were a few other female photojournalists who covered the conflict in Southeast Asia.

"Sarah Errington arrived a few days before the fall of Saigon and stayed for some months afterwards," Ulevich remembers, "and Christine Spengler covered the war in Vietnam and Cambodia (as stringer for AP). Sarah Webb Barrell was a stringer for The New York Times, and Barbara Gluck Treaster took photos mainly for The New York Times. Francoise Demulder covered Vietnam (and later won a World Press Photo award for her work in Lebanon). Of course there were quite a number of women writers who carried cameras, but they were not - strictly speaking - photojournalists."

Julian Eguiguren : LIAR

2011-11-03T00:42:00.001+01:00

LIAR from Julian Eguiguren on Vimeo.

Gabriel Fauré - 'Impromptu' for Harp in D flat major (Catrin Finch)

2011-11-03T00:18:00.000+01:00

Les œuvres de Fauré se distinguent par la finesse de leur mélodie ainsi que par l'équilibre de leur composition. Le langage harmonique de Gabriel Fauré reste de nos jours étudié dans les conservatoires. C'est un style d'écriture à part entière, présentant de nombreuses idées originales. Si Gabriel Fauré est reconnu pour son génie harmonique, il est en outre considéré comme le maître de la mélodie française.

Une œuvre d'intériorité

Gabriel Fauré s'intéresse manifestement davantage à l'idée musicale qu'à l'orchestration. Ainsi, il laisse près d'une centaine de mélodies, et un répertoire conséquent en matière de musique de chambre et de salon. Mais seulement une dizaine de pièces pour orchestre, notamment destinées au théâtre. Celles-ci comptent de grandes réussites (Pelléas et Mélisande pour ne citer qu'elle), mais leur orchestration reste plutôt classique et, de manière générale, les formations adoptées par Gabriel Fauré n'apportent pas de grandes innovations de timbres (il n'utilise pratiquement jamais d'instruments à vent dans sa musique de chambre, par exemple).

Le message fauréen est en effet tout en intimité, en intériorité et tend vers la pureté de l'idée musicale. Ceci l'amène à se détourner des grands effets parfois prisés de son époque, telles les audaces orchestrales de Wagner, Debussy ou Stravinsky (voir Citation plus bas). Si la musique de Fauré n'exclut pas des accents romantiques et des violences passagères (notamment dans sa Fantaisie), cet aspect « intérieur » de sa musique s'est accentué avec l'âge, notamment dans les œuvres de la fin de sa vie, qui font preuve d'un « ascétisme » musical qui a dérouté, en son temps et même aujourd'hui, ses adeptes comme ses détracteurs.

Du fait de ce classicisme d'apparence, l'originalité du message fauréen a pu parfois être mal comprise.

http://fr.wikipedia.org/wiki/Gabriel_Faur%C3%A9

Thiossane Ablaye N'Diaye - Aminata Ndiaye

2011-11-02T23:55:00.000+01:00

Ablaye Thissane, originaire de Thès (Sénégal), artiste pluridisciplainaire, est connu pour son activité de peintre plasticien. Ablaye commence sa carrière de musicien chanteur en 1952. Il puise son inspiration dans les disques afro cubains de son père, puis à la radio où il découvre Tino Rossi et Duke Ellington. Le titre « Talene Lampe Yi » sera retenu en 1996 comme hymne radiophonique du festival des arts africains (Festival des Arts nègres, organisé par L.Sedar Senghor, à Dakar). C’est le début de sa reconnaissance. Il faudra attendre 70 ans pour profiter de son premier album, « Thiossane »

behind Blue Velvet

2011-11-02T23:53:00.001+01:00

If any movie director is as well-known for his sound design as for his camera work, it's David Lynch. The surrealist auteur behind Blue Velvet, Mulholland Drive and Eraserhead represents such a distinct sensibility that he's earned his own adjective — Lynchian — to describe his signature juxtaposition of the phantasmagorical and the mundane.

Lynch has injected this sensibility into his entire oeuvre — which includes everything from painting and photography to a daily weather report and a Parisian nightclub — and his musical collaborations are no exception. For decades, he's worked with composer Angelo Badalamenti on his scores, like the masterful soundtrack to the noir TV show Twin Peaks. Alternately employing lush synths and goofy smooth jazz, the pair also rendered uneventful scenes nerve-wracking by undercutting them with a low drone. More recently, Lynch sang with Danger Mouse and Sparklehorse on the Dark Night of the Soul compilation. So, while Crazy Clown Time might be a debut album from a new artist, it's not without certain expectations.

read and listen more ...