Après avoir réalisé, en 2010, le très beau, visuellement (et sonore), Tron Legacy, Joseph Kosinski nous revient, 3ans après, avec Oblivion, adaptation de son propre comic book SF.
Pour adapter son Comic Book, Kosinski a fait appel à Karl Gajdusek (la série Last Resort) et Michael Arndt (Toy Story 3, Hunger Games 2).
Si le scénario ne cherche jamais à révolutionner le genre, il a au moins le mérite de ne pas se moquer du spectateur en ne le prenant pas pour un idiot ou un gosse de 4ans et en simple sans être simpliste.
Là où le film va rester dans le subconscient du spectateur, c’est au niveau de son esthétique visuelle et des inspirations/références qui sont assez nombreuses. On retrouvera entre autres « La Planète des Singes », « 2001  » , « Wall-E », les « Apple Store », son propre film « Tron Legacy », etc…

Le problème d’Oblivion ne vient pas de ces influences mais plus du fait qu’il soit, premièrement, un « Tom Cruise show ». Tom pilote, Tom porte bien la casquette, Tom sait descendre à la corde, Tom fait de la moto, Tom sait emballer les filles, tom sait sauter par-dessus des gouffres avec classe, etc… Depuis le temps, je ne devrais pas être étonné, mais après le très bon Jack Reacher ou il semblait s’être calmé, Oblivion est un véritable festival.
Le second problème film vient de sa structure narrative, de sa mise en place, le film prend son temps pour créer un univers qui soit plausible, réaliste, puis, d’un coup, dès l’apparition du personnage de Julia (interprétée par la toujours sublime Olga Kurylenko), le film s’emballe, tout va très vite, trop vite et hop, d’un coup, comme ça, sans crier gare, on arrive devant le générique de fin.
Malheureusement, l’on sent bien qu’il manque, dans sa seconde partie, facilement 15-20 minutes à Oblivion. Des minutes qui semblent na pas avoir survécu à la table de montage d’Universal. Des minutes très utiles pour par exemple développer un peu plus la résistance mais surtout, les personnages de Morgan Freeman et Nikolaj Coster-Waldau qui semblent tous deux faire plus de la figuration qu’autre chose, ce qui est dommage.

Le Blu-Ray:

Film: Bien que Kosinski avait annoncé, lors de la sortie ciné, une éventuelle version longue, il n’en sera rien sur ce Blu-Ray, nous n’aurons droit ici qu’à la version cinéma.

Son: Universal semble avoir entendu les cris des fans de pistes audio françaises car le film contient, en plus de la traditionnelle VO en DTSHD 7.1, une VF en DTSHD 5.1. Nous sommes donc loin de l’habituel foutage de gueule de Paramount, qui, si il avait édité le film, aurait oser mettre du simple Dolby Digital 5.1 pour la VF…
Si la VF se montre très précise malgré une mise en avant des dialogues, chose assez habituelle malheureusement, la VO s’impose définitivement comme une des plus belles à ce jour. Elle est d’une puissance et d’une précision tout bonnement exemplaire, donnant la part belle à la bande originale composée par M83 et aux différents effets, au point de voir le subwoofer et les surround être mis à rude épreuve.

Vidéo: Si la partie audio se révèle être juste irréprochable, l’on ne peut malheureusement pas en dire autant de la section vidéo, qui se relève être un mix entre le bon gros foutage de gueule et l’excès de paresse de l’éditeur.
Soyons clair, la compression, la définition, la profondeur de champ sont dignes des plus belles démos, les noirs sont profonds, la colorimétrie à son paroxysme et rendant justice au design du film.
Mais Universal, dans sa crétinerie la plus extrême, nous gratifie non pas, comme Disney l’avait si bien fait avec Tron Legacy, de la version Imax, mais seulement de la version cinémascope (2.40).
De ce fait, impossible d’apprécier à sa juste valeur le travail de Joseph Kosinski et Claudio Miranda (son directeur de la photographie) qui avaient fait le choix de filmer en 1.85 avec des caméras Red Epic (5k) et des Sony CineAlta F65 (4K) pour s’approcher le plus possible de l’Imax, puis d’apposer des caches pour le faire passer en 2.40 pour les salles normales (et lors des flashback pour la version Imax). Principe qu’avait déjà été utilisé sur Tron Legacy ou bien plus tôt, par James Cameron avec Titanic et Avatar.
Mais contrairement à Disney et Fox, qui avaient su nous gratifier de superbes versions plein écran (uniquement pour la version 3D pour Titanic).
Universal fait, avec cette édition HD d’Oblivion, le même choix qu’avait fait Paramount pour Transformers 2 et Mission Impossible 4, c’est-à-dire ne proposer que la version scope et supprimer les parties Imax (ce qui représente quand même 99% du métrage dans le cas d’Oblivion).
Au final, non seulement nous n’avons pas droit à la vision du réalisateur, mais pire que tout, Universal nous prive de quasiment 1/3 de l’image. Même Warner, qui arrive à être un des pires éditeurs, n’avait pas osé faire ça sur les Batman de Nolan, c’est dire.

Bonus: La partie Bonus est assez anecdotique, relevant plus du best of de featurettes qu’à de véritables making of. Les scènes coupées sont intéressantes mais courtes, trop courtes. Reste un commentaire audio assez intéressant mais où Kosinski spoile la fin du film dès le logo Universal, attention à ceux qui n’auraient pas encore vu le film.
Le bonus le plus intéressant au final est la possibilité de pouvoir voir le film avec uniquement l’ost de M83 en fond sonore.

Oblivion est certes un bon film de science fiction porté par un Tom Cruise encore une fois impérial, mais malheureusement Universal ne rend pas honneur au film en ne proposant que la version amputée du film.

Film : 4/5
Audio : 5/5
Vidéo : 2,5/5
Bonus : 1/5

Test effectué avec le matériel suivant :
Ecran : Plasma Panasonic 50G20 calibré avec une sonde Spyder Pro
Lecteur : Playstation 3 Slim
Ampli : Yamaha RXV 465 (en mode direct)
Enceintes : Focal Sib & Cub² en 5.1

Les films de science-fiction parlant d’extra-terrestres, qui se veulent réalistes et sérieux, il n’y en a pas eu des masses ces dernières années, les deux meilleurs exemples restant à ce jour l’incroyable District 9 de Neill Bloomkamp et l’éprouvant (dans le bon sens) Cloverfield de Matt Reeves, deux films qui ont marqué la SF « alien » actuelle. Nous pouvons y inclure sans aucun problème ce Battle Los Angeles (à ne pas confondre avec le Battle of Los Angeles de Asylum). Le but du film était de faire la version SF de Black Hawk Dawn.

Dès le départ, le film va, avec son intro, nous plonger directement au cœur même de l’action, avec ces soldats qui sont sur le point d’atterrir en peine zone de combat, et l’on sent la peur, le doute sur leurs visages. Une intro qui va nous montrer aussi comment sera réalisé le reste du film, à savoir l’utilisation de la fameuse shaky-cam, que beaucoup détestent, à tort malheureusement, car Paul Greengrass a démontré que cela pouvait donner de bonnes choses.
Puis, petit retour en arrière de 24 heures qui va nous faire découvrir rapidement les différents personnages qui formeront l’escouade du Sgt. Nantz (Aaron Eckhart). Point de psychologies à deux balles, juste une rapide tranche de vie de simples trouffions. 24 heures qui feront basculer la face du monde (dans le film bien entendu).

L’histoire est assez simple, ne s’embête pas de fioriture et va au plus direct tout en évitant d’être conne et remplie d’incohérences. L’histoire va se concentrer sur le Sgt. Michael Nantz, interprété par le toujours très juste Aaron Eckhart. De lui, nous ne saurons rien, si ce n’est qu’il comptait prendre sa retraire le jour de l’attaque et que, comme tout homme, dans le passé, il a malheureusement pris des décisions, pas toujours bonnes et est en proie aux doutes.
Des aliens, de leurs motivations, nous ne saurons que très peu de choses, nous apprendrons ce qu’il faut savoir en même temps que l’escouade. C’est une des forces du film, se concentrer uniquement sur le point de vue humain et ne jamais montrer le côté adverse (genre les aliens qui communiquent, préparent la bataille), de ce fait, comme ce fut le cas dans le War of the Worlds de Spielberg, nous ne verrons cette invasion mondiale qu’à hauteur d’homme.

Si effectivement le scénario ne brille pas par son originalité (l’invasion alien, on en bouffe depuis des lustres), il est loin donc d’être creux. Les dialogues sont assez réalistes et hormis le speech que fait Eckhart au gamin qui est d’un assez mauvais gout et qui fait « pub pour les marines », on est loin de la caricature. On est au même niveau que ceux de Black Hawk Down, d’ailleurs, aux critiques qui disent qu’ils sont ridicules, je les invites à faire un tour en situation de guerre, nous verrons si ces messieurs dames auront le temps d’aller faire des phrases bien construites et développées, sur le terrain, l’on va à l’essentiel… De même les interactions entre les personnages sont simples, rapides, une fois encore, réalistes.

Au niveau de la réalisation, Liebesman a plutôt assuré, il utilise la caméra à l’épaule, la shaky cam et le montage cut d’une façon exemplaire, façon Greengrass. Du coup, si les scènes d’actions, pour montrer que sur le terrain, sont rapides et nerveuses, sont parfaitement lisibles, ce qui est en gros tout le contraire d’un Quantum of Solace ou d’un Transformers 2.
De plus, le film est totalement dépourvu de ces habituels filtres orangés qui hantent les films qui montrent la cité des anges, ici, les couleurs sont naturelles dans sa petite première partie pour n’être ensuite que des teintes de gris tant il y a de la poussière dans l’air et des débris au sol.

Au niveau de l’ost, Brian Tyler, qui a déjà collaboré avec Liebesman sur Darkness Falls et The Killing Room est de retour. Il nous offre une ost très épique, plus proche par contre du film de science-fiction que du film de guerre, avec de légers accents, lors des envolées, des morceaux de Two Step From Hell comme Heart of Courage ou le légendaire Freedom Fighters.

Ne nous voilons pas la face, Battle Los Angeles est un film de guerre, un film de résistance avant d’être un film SF. Il est une sorte de mix plutôt cool entre District 9 pour les aliens et Black Hawk Dawn. De plus, c’est un film de guerre réaliste dans le sens où les munitions sont loin d’être en « cheat mode infinie », que la soif, la faim, le stress se ressentent mais surtout, aucun n’est à l’abris d’y passer, aucun n’est invincible, ce ne sont que de simples bidasses, de simples « red shirt ».
Alors oui, ce n’est pas le film de la décennie, mais cela un très bon film qui ne mérite malheureusement pas le lynchage qu’il a subit à sa sortie ciné.

Dans une banlieue pavillonnaire américaine, un groupe de quatre ingénieurs passent leur temps libre à construire une machine capable de réduire la masse des objets. Deux d’entre eux, Aaron et Abe, découvrent par hasard une application inattendue de cette machine : la possibilité de revenir dans un passé proche. C’est alors qu’ils pensent pouvoir tirer profit de leur invention en anticipant les cours de la bourse, mais les choses peuvent leur échapper…

Primer n’est pas nouveau, le film date de 2004 mais faut dire que, malgré le fait qu’il remporta le prix du jury à Sundance cette même année, il mit près de 3 ans à traverser l’Atlantique pour aborder le rivage francophone dans la plus pure indifférence, en même temps il faut avouer que la France et la science-fiction, ce n’est pas vraiment ça. Notre beau pays à l’exception culturelle (aka le film de parisien trentenaire), n’aime pas la S.F., pense que c’est un genre vulgaire et si il y a à une très grosse star dedans (Bruce Willis dans Looper) ou si ça explose partout sans être intelligent (Star Trek ID, Transformers), alors oui, le film peut cartonner. Pas étonnant de donc voir la sortie totalement confidentielle qu’à subit le petit chef d’œuvre que fut Another Earth ou le traitement honteux du passage en dtv du très fun Iron Sky ou du très poétique The Man From Earth.

Avec seulement un budget de 7.000$ de budget, Shane Carruth, le réalisateur (et accessoirement scénariste et acteur principal), n’a pas pu se permettre de grosses fantaisies, en fait il n’a rien pu se permettre du tout, pas le moindre effet spécial numérique, juste quelques effets de plateau. Du coup, à cause de ce très faible budget, la photographie est inexistante tout comme toute espèce de recherche visuelle. Mais comme on le verra bien, ce n’est ici, pas la réalisation qui compte.
Shane Carruth a travaillé le sujet, cela se voit, le scénario de Primer est dense et documenté et il vrai que c’est malheureusement à double tranchant, car si effectivement le sujet est passionnant, il n’en demeure pas moins difficile d’approche, au point d’en perdre certains.
L’approche très réaliste, très (trop) scientifique du voyage dans le temps, de sa mise en œuvre, des conséquences des boucles temporelles engendrées par le dit voyage est d’une froideur assez incroyable que cela en devient troublant, le scénario n’hésite pas à parler d’entropie, de diagramme de Feynman où à sortir des matériaux comme le palladium, ce qui donnera un petit rictus aux fans de Star Trek. Mais si l’on arrive à passer cette première partie très terre à terre, alors le film devient une sorte de petit frère surdoué de Looper, où le problème des boucles temporelles et le comportement humain deviennent les principaux problèmes.

Primer est un tout petit film indé qui sous aspect froid recèle une incroyable présentation du voyage dans le temps. Il ne reste plus qu’à espérer qu’un jour, Arte fasse un cycle « SF indé ».

Après avoir commis en 2009 ce qui s’apparentait à un viol caché à l’intérieur d’un pseudo reboot effectué via la pirouette la plus conne de l’histoire de la SF (et dieu sait si il y en a eu), Jar Jar Abrams, adoubé par la Paramount, qui pense plus au pognon qu’elle peut se faire qu’au fans présents au poste depuis 40ans, remet le couvert pour un second film, toujours accompagné par le pire trio de scénaristes que compte Hollywood, c’est-à-dire Orci Kurtzman (Transformers 2 et ses blagues scato) et surtout Lindelof, qui est quand même coupable du scénario diablement crétin de Prometheus…

Donc, après nous avoir narrés n’importe comment la première aventure spatiale de James Tiberius Kirk ainsi que sa rencontre avec ceux qui seront ses deux meilleurs amis, à savoir Leonard « Bones » McCoy et Spock, Star Trek Into Darkness (ou STID) reprend un peu moins d’un an après la mise à mort pure et simple de Nero, son équipage et son vaisseau Borg.

STID démarre directement avec un bon gros fuck au Star Trek d’origine, il crache sans vergogne sur ce qui représente LA philosophie de Star Trek, à savoir « Prime Directive », une loi inventée par Gene Roddenberry et qui est qu’à aucun moment, Starfleet ne doit intervenir/apparaitre dans la vie d’une civilisation pré-distorsion. C’est un peu comme si on avait fait un film inspiré des livres d’Asimov et que l’on avait juste foutu à la poubelle les 3 lois de la robotique… Chose juste insultante.

Pour en revenir au film, Kirk (toujours suivi de son pote McCoy) ne trouve rien de mieux que d’interférer dans la vie d’une civilisation en faisant rien de moins que de voler une relique religieuse pour soit disant éloigner les indigènes d’un volcan en flamme et ainsi permettre à son second, Spock de tenter de refroidir grâce à un appareil qu’il aurait inventé.
Bien sûr tout ce prologue n’est là que pour ne servir que de prétexte à une rafale de punchlines, de blagues, tout ça ne sert qu’à montrer qu’ILM a fait des progrès dans la représentation de la lave depuis Star Wars 3 mais surtout, ça permet à JJ Abrams de faire sortir l’Enterprise de l’eau, et même si je reconnais que la séquence est juste magnifique visuellement cette séquence est juste très conne. Pourquoi conne, simplement parce que cela viol un autre principe de Star Trek, à savoir coller le plus possible à la réalité scientifique. Pour mettre en image la bêtise d’Abrams je citerais simplement Futurama :

Leela: Depth at 45 hundred feet, 48 hundred, 50 hundred! 5000 feet!
Farnsworth: Dear Lord, that’s over 150 atmospheres of pressure.
Fry: How many atmospheres can this ship withstand?
Farnsworth: Well it’s a spaceship, so I’d say anywhere between zero and one.

S’ensuit une séquence assez sombre dans Londres censée mettre en place le film mais qui va malheureusement surtout donner le ton général du film au niveau de la réalisation, à savoir une alternance de gros plans, de plans rapprochés et de plans moyen tout droit sortis de la télévision, comme si Abrams était juste incapable de penser grand écran mais seulement TV, il n’arrive pas à donner de l’ampleur à son image. Le bon point en revanche, c’est qu’il s’est calmé niveau Lens Flare, il y en a un tout petit peu moins.*

Après un générique tout ce qu’il y a de minimaliste, encore une fois dans le plus pur style des séries TV**. On enchaine ensuite par le passage qui va en quelque sorte rebooter le reboot de 2009, à savoir une nouvelle présentation de Kirk en jeune con prétentieux et imbu de lui-même et le blâme qu’il va subir en perdant le commandement de l’Enterprise, qui reviendra dans les mains de Pike.

C’est malheureusement avec ce très court passage que JJ Abrams, mais surtout ses scénaristes vont nous montrer leurs plus gros souci, celui de n’être que de simples faiseurs de pilotes, ils se trouvent incapables de gérer une suite, de faire évoluer, grandir les personnages et de ce fait, ils vont juste se contenter d’exposer de nouveau les même personnages et l’on repartira au point de départ, comme si le film de 2009 n’avait finalement presque pas existé. Un autre problème viendra lui aussi entacher le film à partir de ce moment, il enchainera plus d’incohérences que les 3 Transformers de Michael Bay réunis et ça, faut le vouloir. Même Prometheus passera pour un chef d’œuvre de narration et de cohérence à côté de ce Star Trek.
Le pire de tout sera je pense, et là ça touche plus particulièrement les fans de SF intelligente et les Trekkies, c’est que JJ Abrams se contre fou de la philosophie, du côté exploration spatiale pour ne faire qu’un gros blockbuster bien américain, ou tout est militarisé, où l’on tire d’abord pour poser les questions ensuite. Une morale qui arrive à faire passer le film Battle Los Angeles pour une gentille fable pacifiste. L’Enterprise vaisseau normalement d’exploration et doté d’un armement défensif devient ici avant tout un vaisseau de guerre.

De plus, le scénario, qui a décidé de prendre son spectateur pour un neuneu, nous offre sans doute LE moment involontaire de lol, ce moment gênant qui pourrait se retrouver dans une chronique moqueuse de TPMP.
Le grand chef de Starfleet, qui fait construire en cachète un gros vaisseau*** de guerre derrière Jupiter (c’est tellement discret de cacher un gros gros vaisseau au milieu d’une autoroute spatiale) trouve quand même le moyen d’avoir une énorme maquette du dit vaisseau sur son bureau. Ce qui bien sûr ne choquera ni Kirk ni Spock.
C’est de plus, le même ponte qui enverra de jeunes officiers sans véritable expérience et avec un vaisseau d’exploration pilonner une planète en pleine zone ennemi sans que cela ne gêne le reste de Starfleet, c’est tellement logique, tellement… américain.

Abrams, n’ayant pas une imagination folle pour ce qui est des scènes d’actions, recycle là aussi, mais en plus de reprendre la scène déjà lolesque du Skydiving de ST09 pour la transformer en saut entre 2 vaisseaux, il s’amuse à plagier un passage du « Retour du Jedi » en remplaçant le faucon Millenium par un vaisseau en forme de… soucoupe et les chasseurs Tie par un aigle de proie Klingon tellement modifié qu’on se demande si il n’est pas Brog. Il en va jusqu’à prendre le bruit typique des chasseurs Tie pour le coller au chasseur Klingon. Idem pour la chute de l’Enterprise et le crash du Vengeance, qui défient toute logique scientifique.

D’ailleurs, la scène du crash de l’USS Vengeance est relativement correcte, bien que le crash de l’Enterprise D dans Générations soit bien plus spectaculaire. C’est tout ce qui suit le crash qui est d’une crétinerie abyssale. L’on y voit Spock, Vulcain, dont la logique est prioritaire et qui, au début du film, nous rappelait la « Prime Directive » avec le le besoin de plusieurs primait sur le besoin d’un seul, demande a Sulu, après que le Vengeance ait détruit une dizaine d’immeuble et tué un peu plus de 4-5 milles personnes, si le méchant est vivant. C’est sûr que c’est plus important de savoir si le méchant est vivant que de savoir si il y beaucoup de mort et les gens ont besoins d’aide.

Les Klingons, qui sont sans doute les plus grands et les plus valeureux guerriers de l’histoire de la tv et du ciné deviennent, sous la moulinette du trio O.K.L., des idiots sans cerveaux qui foncent dans le tas les deux mains sur les yeux tels des soldats des pays de l’est dans un DTV de Dolph Lundgren.

Je ne m’éterniserais pas plus sur le film, je ne chercherais pas l’analyser car les scénaristes n’ont simplement pas pris la peine d’écrire un scénario, ils se sont contentés de faire un remake de Wrath of Khan et Nemesis sans y apporter autre chose si ce n’est des explosions mais Abrams, Orci, Kurtzman et Lindelof ont fait preuve encore une fois du plus grand « je m’en foutisme » possible, pensant qu’en prenant simplement des noms, des lieux des différentes séries, des différents films, ils pourraient se mettre dans la poche les fans de la saga. Le problème c’est que mettre Star Trek sur une affiche ne transforme pas un film Asylum à 195 millions de dollars en Star Trek, comme Star Wars épisode 1 ne sera jamais du Star Wars, malgré le fait qu’il y ait un générique en lettre jaune au début. Peu importe le budget, la condition première d’un bon film, c’est un bon scénario qui s’assume et qui ne se moque pas des spectateurs.
Ce qui avait limite fonctionné avec ST2009 ne fonctionne plus ici, le nuage de fumée qui cache le vide artistique à complètement disparu et n’offre plus que la vue d’un grand vide devant soi. Où les personnages vont de relativement agaçant (Kirk) à totalement transparent (Chekov) en passant par assez ridicule (la sur articulation des mots de Cumberbarth) et pire que tout pour un Star Trek, la femme se retrouve réduite à n’être qu’un simple objet de fantasme (Alice Eve en sous-vêtements) ou bonne juste à pleurer son homme (Uhura), dévoilant la misogynie de ses scénaristes.

Si je ne devais garder qu’une chose de ce Star Trek, ça serait sans aucun doute possible la bande originale du film qui est très bonne. Reprenant par intermittences le superbe thème d’Alexander Courage.

Le Star Trek que j’aime est mort et il ne vit plus que notre mémoire collective, du coup, je terminerais avec cette citation:
« Time is a companion that goes with us on a journey. It reminds us to cherish each moment, because it will never come again. What we leave behind is not as important as how we have lived.« 
Jean Luc Picard – Star Trek Generations

*Bon faut pas abuser, il y en a encore vraiment beaucoup trop et vraiment pour rien du tout.

**Faudrait dire à ces réalisateurs, qui viennent du petit écran, comme Joss Whedon ou Abrams, qu’il n’y a pas de coupure pub durant les films au ciné, donc pas besoin de réduire le générique au simple titre…

*** Vaisseau qui fait la taille de l’Enterprise D, qui possède le design de l’Enterprise E et qui, bizarrement possède un équipement militaire typiquement borg. En gros, ce vaisseau possède plus de 100 ans d’avances.

Comme pour la phase one, il ne faudra pas s’attendre à des miracles, il ne faudra malheureusement pas s’attendre à des films de super héros un brin intelligent comme chez le duo Warner/DC.
Le problème de Marvel ne vient pas comme certains le pense de chez Disney mais plus de Kevin Feige, qui a une vision assez neuneu des super héros, où l’humour et la punchline doivent primer sur l’intelligence et le sérieux. Pour lui, une adaptation de comics se doit d’être tout publique et ne doit pas faire spécialement réfléchir. Pour le coup on est loin de la vision d’un Geoff Johns ou d’un David Goyer chez DC.
La seule chose que l’on peut reconnaitre à Feige, c’est qu’il sait s’entourer des meilleurs publicitaires qui arriveraient à faire croire qu’une tomate verte est en fait rouge.

Car c’est bien ça la force de Marvel sur DC Comics, c’est la puissance de frappe commerciale de Disney. Il suffit de voir le sur-matraquage médiatique d’Iron Man 3 comparé à celui effectué par Warner pour TDKR.
Avant sa sortie, en plus des habituels trailers et spot tv, nous avons eu droit aux jouets, aux goodies³, mais aussi à des pubs en tous genres et pas totalement justifiées, comme avec Oasis, dont je cherche encore le point commun.
L’on aura droit entre autre en France à Audi, TCL, Allociné et Oasis. Aux USA, il y avait en plus, Verizon, Alcatel, Subway, Lego et j’en passe et des meilleurs.
Le cas d’Oasis justement est assez spécial, car sous ses couverts de parodie, c’est une publicité diablement efficace qui parle à tout le monde et surtout aux petits, qui ont une mémoire sélective. De plus, la fausse bande annonce ainsi que le faux poster pour le faux film «CitronMan» sont aussi apparus sur le site d’Allociné, entre les autres prochaines sorties. Le tout ayant pour simple et unique but de rappeler aux personnes passant sur le site que Iron Man 3 est au ciné et que si une marque aussi cool que Oasis le parodie, c’est que le film doit être génial.
La meilleure preuve de ce matraquage, limite lavage de cerveau est une de mes amies. Elle, qui ne supporte pas spécialement les films de super héros et n’avait vu que Captain America dans la Phase 1, est allée voir Iron Man 3 car tout lui donnait l’impression de voir un film sérieux, sombre et intelligent.

Ok, je vous vois venir, quel est le rapport avec le film. Le rapport est très simple. Si vous cumulez un très bon plan marketing, vous l’associez à un embargo pour les blogueurs et les journalistes qui n’ont pas le droit de diffuser leurs avis avant la veille de la sortie, vous êtes à peu près sûr de cartonner au moment de sa sortie, du coup, les entrées du Mercredi explosent, les gens voient que le film cartonne et même si ils lisent des reviews plutôt bof, les gens se disent «encore des parisiens blasés», hors pour une fois, il n’en est rien.

Ok, j’ai lâché mon venin sur ces pourritures et leur plan com’ à 50 millions pour rentabiliser un budget total de plus de 250 millions de dollars, mais le film, il vaut quoi ? Bonne question.

• Pour être honnête, si l’on est fan du comics ou si l’on a simplement lu (avec plaisir) l’arc Extremis de Warren Ellis, on risque deux choses, la première, sauter au plafond (ce qui impliquerait que le plafond serait soit terriblement bas ou que l’on pourrait manipuler la pesanteur), la seconde, vouloir avoir des envies de meurtres envers Shane Black (qui doit avoir les oreilles qui sifflent) tant le film prends des libertés, au point de modifier, et pas en bien, le comics. Il y a adaptation et trahison, Iron Man 3 se situe plus dans la seconde catégorie malheureusement. Le film chie tellement sur les comics et toute la «Cinematic Phase One» que cela en devient limite insultant.
• Si l’on a beaucoup aimé The Avengers (le film, pas le comics), je pense que l’on va aimer Iron Man 3 tant il partage bcp de chose avec le film de Whedon, dont l’humour et les punchlines.
• Maintenant, si l’on aime un tant soit peu les films pas trop cons, avec de bons scénarios et qui ne nous prennent pas trop pour des buses, alors non, je doute que l’on puisse vraiment aimer ce film tant il regorge d’incohérences, des trous scénaristiques et de conneries. De mémoire, le dernier film de super héros à m’avoir autant violer les yeux fut Elektra…

L’idée de prendre Shane Black, scénariste de l’Arme Fatale 1 et de Last Action Hero pouvait sembler être bonne pour remplacer Jon Favreau, qui n’est pourtant pas un mauvais réalisateur sans être un génie. Marvel à bien réussi son coup car tous les trailers annonçaient un film noir comme l’Arme Fatale alors qu’en fait, l’on est plus proche d’un Last Action Hero, à savoir une parodie. L’on passe plus de temps à rire (même lors des combats) qu’à avoir un minimum peur. Le pire étant que l’on ne perçoit même pas plus petite once d’empathie du spectateur envers Stark ou Potts.

Le scénario, signé Shane Black et Drew Pearce, se résume à un enfilage de scénettes sans queue ni tête, avec tellement d’incohérences, de trous et de bêtises que Transformers 3 mériterait pour le coup l’oscar du meilleur scénario…
Enumérer les bêtises scénaristiques du film serait beaucoup trop long tant il y en a au moins une par minutes mais en voici quelques-unes :

• Le film ne cesse de rabâcher la dernière demi-heure de The Avengers, le combat, les aliens, tout ça auraient soit disant, traumatisé ce cher Tony au point qu’il n’en dormirait plus mais voilà qu’après une discussion avec un gamin qui lui suggère juste de fabriquer des objets quand il panique, il se met à peter le feu et s’en va sauver sa belle avec des gadgets dignes de ce bon vieux Angus McGyver.
• A aucun moment, et ce malgré la destruction de sa maison, malgré l’attaque du «Chinese Theater», malgré la destruction d’Air Force One⁴, malgré le kidnapping du président l’on ne verra le Shield, alors que pourtant, ils apparaissent bien dans Iron Man 2 juste comme ça. Là la sécurité du président est en jeu mais ils n’en n’ont cure. Comment peut-on vouloir faire maintenant un épisode de l’univers Marvel sans y caser le Shield, ou au moins Fury, voir normalement Captain America.
• De même, Stark possède plus de 40 armures dans sa caves mais lors de l’attaque de la maison, il n’utilise que la Mark 42 et durant tout le film il en sera de même, nous n’aurons le droit de voir ces armures que durant le combat final, assez ridicules s’il en est. Le pire étant que Marvel avait réussi à nous aguicher avec la pseudo Mark 38, qui ressemblait à la «hulk buster» via du teasing et un poster spécifique pour au final, ne la voir quoi, que cinq secondes.
• Et que dire que pendant 2 films, on nous rabâche qu’il est obligé d’avoir ce plastron pour éviter que les éclats de shrapnels n’atteignent son cœur et que c’est ce plastron qui alimente les armures et là, beh il se fait soigner en même pas 5 minutes à la fin et les armures arrivent à voler avec un plastron chacune. Pour en rester à l’armure, quel mal au cœur de voir que ce dernier recharge la Mark 42 avec une simple batterie alors que son réacteur arc est censé être plus que puissant. L’effet comique est là mais le crachat sur le comics y est aussi.
• Je terminerais en parlant d’une des plus ridicules scènes du film et qui arrive à faire passer les séries CSI pour des séries super réalistes. Stark qui reconstitue une scène de crimes en 3D via les vues des caméras de sécurités pour en sortir des plaques militaires qui étaient attachées au coup d’un mec qui a quand même explosé à plus de 3.000 degrés.

J’arrête là mais la liste est longue, très longue, je pense que l’on approche facilement du niveau de bêtises crasse d’un Prometheus.

Alors oui, il y a beaucoup de blagues, beaucoup de punchlines, oui le film est rempli d’effets spéciaux, la musique n’est pas dégueulasse, le montage est plus que correct mais mon dieu, que le film est chiant, inutilement long mais surtout inutile tout simplement tant il ne sert à rien dans l’univers Marvel. Le massacre étant du niveau du Punisher avec Thomas Jane.

1. Il faut bien reconnaitre que si Iron Man, the Incredible Hulk et Captain America allait du cool au très bon, il faut aussi avouer que Iron Man 2, Thor et The Avengers étaient particulièrement mauvais, enfin surtout le dernier, qui s’apparentait plus à un téléfilm de luxe qu’à une véritable réunion. La faute à Whedon et à sa réalisation en 1.77 entre autre.
2. Ou alors c’est Kirk Lazarus qui joue le rôle de Robert Downey Jr qui joue le rôle de Tony Stark qui est Iron Man…
3. Suffit de voir dans certaines FNAC.
4. Le scénario est tellement crétin que Stark ira sauver 7 malheureux qui tombent dans le vide mais il laissera au final mourir tout le reste des personnes qui étaient dans l’avion.

Et soyons honnêtes, une gaufre avec un peu de Nutella et de la chantilly, ça rappelle tellement les fêtes foraines et autres marchés de noëls. Comment résister.

Ingrédients :

80g de Beurre
75g de Sucre
200g de Farine
2 Sachets de Sucre Vanillé
2 Œufs
6g de Levure
¼ Litre de Lait
1Cuillère à soupe d’arôme de Fleur d’Oranger
1 Pincée de Sel

Recette :

1. Dans un bol, séparer le blanc de 2 œufs, y ajouter la pincée de sel, les monter en neige et les mettre de côté.
   
2. Mélanger le beurre fondu avec le sucre et le sucre vanillé.
   
3. Battre à la fourchette les 2 jaunes d’œufs ainsi que le 3ème œuf en entier.
   
4. Ajouter les œufs battus au mélange beurre/sucre et fouetter énergiquement jusqu’à obtention d’une pâte lisse et légèrement blanche.
   
5. Verser par petite dose la farine tamisée et la levure.
   
6. Adjoindre le lait petit à petit et battre vigoureusement pour éviter les grumeaux.
   
7. Verser l’extrait de fleur d’oranger.
   
8. Après obtention d’une pâte entièrement lisse,,incorporer petit à petit les blancs d’œufs préalablement montés en neige. Mélanger doucement à l’aide d’une spatule tout en faisant attention de ne pas écraser les blancs.
   
9. Laisser reposer la pâte 1 heure.
   
10. Faire cuire dans le gaufrier* pendant 2 minutes environ.
    

Et comme le disait si bien Joël Robuchon à la fin de son émission :

Bon appétit bien sûr !

Note :

* Si votre gaufrier vous permet de sélectionner la température, ne pas le mettre au maximum mais à moitié, ce laissera le temps à la pâte de gonfler pendant la cuisson sans se retrouver avec des gaufres limite brulées. La durée moyenne de cuisson est de 2 minutes mais cela peut varier selon la puissance de votre appareil.

Le problème ne vient pas spécialement du scénario, pardon du morceau de papier toilette qui a dû servir de scénario, qui est juste l’image assez triste de cette jeunesse/société américaine qui se trouve être schizophrène; Qui prône d’un côté le puritanisme et la religion à tout bout de champ, qui se veut moralisatrice et donneuse de leçon au reste de monde mais qui de l’autre côté de la pièce se retrouve être tout ce qu’il y a de plus vulgaire, de plus trash, de plus animal et qui fait des 4 mots «sexe, argent, drogue et alcool» son crédo. Une jeunesse/société américaine qui a complètement perdu pied, qui ne sait plus où est sa place, où elle va.

Malheureusement, cette base de scénario qui faisait beaucoup penser aux films de Larry Clarke était somme toute alléchante mais malheureusement, Korine n’ira pas plus loin, il n’aura pas les cojones de pousser le concept au-delà du simple reportage de zone interdite boosté au dubstep. Et pourtant il y avait de quoi faire, surtout vu le sujet (à controverse) et le casting complètement dingue. De son film, il ne dénoncera rien, il ne fera pas de critique de la société et, comme il ne veut pas prendre parti, le film délivre deux message, celui qui dit que la religion est LA solution, LA voix à prendre si l’on ne veut pas finir comme une pute et il dit de l’autre côté qu’il faut vivre sa vie sans se soucier des limites et des règles de la société. Deux messages en totale oppositions et qui finalement, montre bien le côté skizo de ce grand (par la taille) pays que sont les USA.

En parlant de casting, il était osé sur le papier car il utilisait l’image de cette Amérique propre sur elle pour dénoncer tout ce qu’elle a de détestable mais non, du casting, il ne s’en servira que pour attirer les jeunes ados en rut et les gamines boutonneuses.
De Selena Gomez (égérie de Disney qui ressemble à un petit hamster joufflu aux lèvres botoxées). Il l’a laissera être ce qu’elle représente au quotidien, ce bon vieux puritanisme et cette bonne vieille morale américaine, il n’en cassera jamais l’image, elle sera tout du long la morale pieuse du groupe, celle qui rappellera aux autres que ce qu’elles font est mal. Il transformera sa femme, Rachel Korine (qui n’est pas trop raccord avec le reste du cast) en simple objet sexuel là pour se mettre topless et sans doute assouvir un des fantasmes du réalisateur. La caution sex/sexy du film devant revenir à Ashley Benson et Vanessa Hudgens, chose à moitié réussi car si Benson dégage un charme certain, l’on ne peut pas en dire autant de Vanessa Hudgens qui ressemble à une pub vivante contre les mst tant elle ne fait même plus vulgaire ou trash mais seulement sale, une sorte de Ke$ha métisse. Même James Franco qui est un acteur souvent très bon se retrouve être ici assez ridicule avec ses dents en ferraille et son accent aussi ridicule qu’une imitation de Liane Foly.

Pour terminer, même la réalisation est relativement foireuse, alternant entre le téléfilm pour NT1, le docu-fiction et le clip pour fan de Dubstep à base de gros seins siliconés et anti bandant. La photographie du film se résume avant tout à de simples éclairages fluo mettant avant tout en valeur les maillots de bains et les formes de ses actrices, c’est tellement agressif pour les yeux que même les lens flare de JJ Abrams en deviennent agréables.

Au final, le film d’Harmony Korine est aussi trash qu’un épisode des «Cht’is à Ibiza» ou qu’un documentaire de «Zone Interdite». Beaucoup de bruit pour pas grand-chose.

Le gros problème de la Surface est d’être obligatoirement vendue en magasin avec la « Touch Cover« , un combo clavier/cover entièrement basé sur la technologie sensitive, en gros, il n’y a aucune touche à appuyer mais des « zones » de contact en forme de touches, cette technologie a l’avantage de pouvoir faire un clavier très fin mais aussi très précis. L’inconvénient vient du fait que n’ayant aucun retour physique, il est assez difficile de vite taper avec ce dernier. Et encore moins sans faire des fautes malheureusement.

Si je dis plus haut que c’est une erreur de la vendre avec la « Touch Cover » c’est simplement parce qu’il existe un second clavier, vendu seulement en solo et au prix relativement exorbitant de 129€. Même Apple n’a jamais osé vendre un accessoire pour ses MacBook à un tel prix, et dieu sait si ce sont les rois de la vaseline. Ce second clavier se nomme le « Type Cover » et ici, point de technologie sensitive, nous avons bien là un véritable clavier avec des touches biens physiques et avec aussi les fameuses touches F1 à F12. Bien sûr, tout comme avec la « Touch Cover« , la « Type Cover » continue de faire dans finesse avec seulement 6mm (3,5mm pour la Touch) d’épaisseur pour à peine 250g.

Après un petit passage par la case Windows Update pour installer le driver (170ko) de la « Type Cover« , le trackpad de celle-ci devient opérationnel à 100% et là, c’est le choc, l’on en vient à regretter le choix que nous impose Microsoft en vendant sa Surface avec la « Touch Cover » tant cette « Type Cover » se révèle juste indispensable pour les personnes comme moi qui ont compris que la surface était avant tout un pc dans une tablette pus qu’une véritable tablette. L’on reprend du plaisir à écrire, mais surtout à écrire vite et bien.

Le clavier se montre large et plaisant, je n’ai eu aucun mal à le prendre vite en mains. Les touches sont légèrement plus grandes que sur la « Touch Cover » et similaires à celle d’un pc de 11″ et il est impossible de taper sur la touche d’à côté malgré le fait que l’on soit en présence d’un clavier standard et non de type chicklet. Après tout, il fallait faire quelques concessions pour pouvoir réduire ce clavier à seulement 6mm, ce qui est un exploit en soit. De plus, les touches se révèlent aussi très précises dans la frappe, nul besoin de taper sur le clavier comme un employé des services publics. Le toucher du revêtement est agréable, les touches étant en plastique «soft touch», tout comme les reposes paumes. Par contre, petit défaut, le revêtement en tissu du dessous adhère moins bien que celui de la « Touch Cover« , de ce fait, la tablette est légèrement moins bien collée au sol et à une tendance à bouger si l’on appui souvent et vite sur l’écran tactile.

Vous l’aurez compris, ce clavier « Type Cover » pour les Surface et Surface Pro est un accessoire véritablement indispensable si l’on veut passer de tablette essayant d’être un pc à véritable pc dans une tablette. Il reste dommage que Microsoft ait voulu en faire un accessoire pour riches.

En gros, c’est maintenant 5 épisodes sur 10ans, un 6ème qui va bientôt sortir (au moment de l’écriture de cet article) et des styles différents. Un premier épisode fun mais relativement anecdotique, un second volet qui mise tout sur le coté ultra beauf du tuning de Miami, un troisième simplement over the top délocalisé à Tokyo avec du drift à gogo un quatrième épisode relativement moyen et enfin, un cinquième épisode.
Sur ces cinq films, seulement 3 réalisateurs. Rob Cohen pour le 1er, John Singleton pour le 2nd et Justin Lin pour les suivants.
Fast and Furious, c’était, au début, une ode au tuning, aux voitures japonaises fluos (Nissan Skyline R32, Mistubishi Lancer Evo) et surtout aux bomba latina (Jordana Brewster, Michelle Rodriguez, Eva Mendes et Elsa Pataqui). Puis, avec le quatrième épisode de la franchise, tout à changé.

Synopsis: Depuis que Brian et Mia Toretto ont extirpé Dom des mains de la justice, ils ont dû franchir de nombreuses frontières pour échapper aux autorités. Retirés à Rio, ils sont contraints de monter un dernier coup pour se faire blanchir et recouvrer leur liberté. lls se constituent une équipe d’élite réunissant les pilotes les plus avertis. Conscients que leur seule chance d’être acquittés pour bonne conduite nécessite une confrontation avec l’homme d’affaires véreux qui souhaite les voir morts. Mais il n’est pas le seul à leurs trousses. L’impitoyable agent fédéral Luke Hobbs, qui n’a jamais loupé sa cible, est affecté à la traque des fugitifs. ll doit alors s’en remettre à son instinct pour acculer ses proies et éviter qu’un autre ne les débusque avant lui.

Après s’être fait la main avec l’excellent mais mal aimé Tokyo Drift*, Justin Lin avait rempilé pour Fast 4 dans lequel il avait rassemblé la famille d’origine pour mettre simplement en place les pièces d’une trilogie** au sein même de la saga.
Trilogie qui, comme indiqué plus haut, rompt clairement avec le style des précédents films de la franchise, Si les trois premiers étaient de bons gros films de voitures tunées, les deux derniers et surtout ce Fast Five n’en sont clairement pas. Le quatrième épisode de la franchise avait un style lorgnant bien plus vers le film policier/vengeance avec des courses poursuites et des run pour meubler que du film de bagnoles pur et dur comme l’étaient les autres films et il faut reconnaitre que ce cinquième épisode coupe franchement le lien pour être avant tout un bon gros film d’action et de braquage qui met purement et simplement une mandale a toute la concurrence (oui je parle de toi Michael).
L’on retrouve ici les ingrédients basique du film de braquage, une team façon Ocean’s Eleven mais en version encore plus cool, plus fun et moins coincée qui balance punchlines sur punchlines composée de gros bras et de jolies demoiselles. Un bad guy avec beaucoup d’argent secondé par un mec totalement badass, un butin phénoménal caché dans un lieu techniquement impossible d’accès et bien sur, un représentant de l’ordre borné qui tient plus de Terminator que de Julie Lescaut.

Mais le film ne serait qu’un simple « heist movie » comme tant d’autre si Justin Lin n’avait pas survitaminé ce dernier jusqu’à outrance. Dès l’intro, le ton est donné. Le film sera sous le thème du « bigger and faster than life ». Adieu les lois de la gravité qui régissent notre monde et qui sont tant adorées de ce bon vieux Newton. Le film clame haut et fort son statut de plus grand film d’action poussant furieusement vers la voix de garage le maitre du genre qu’est Michael Bay. C’est bien simple, Bad Boys 2, qui était le maitre étalon jusqu’à présent, est devenu totalement useless tant ce Fast Five enterre avec une facilite déconcertant le film de Bay. Cela en devient même affolant, non seulement les scènes d’actions sont simplement ahurissantes et totalement improbables tant elles défient toute logique mais en plus de cela, elles en profitent pour être parfaitement lisibles au point de vouloir dire à tous ces cinéastes qui depuis quelques années s’évertuent à bouger la caméra dans tous les sens pour cacher la misère de leurs scènes d’actions « les gars, voilà comment on met en images une poursuite ».

Sans oublier de se faire plaisir avec la caméra, Justin Lin n’en oublie pas les leçons retenues sur Tokyo Drift et Fast 4. A savoir:
1: Utiliser le moins possible le numérique pour les scènes impliquant des voitures pour privilégier le live et en dehors de quelques effets numériques (le dernier vol de la mustang et le coffre) et d’un green screen invisible (le plongeon), tout le reste n’est que tôle froissée et l’on en a pour notre argent. Pour preuve, les 200 voitures détruites durant le tournage.
2: Ne surtout pas utiliser la shaky cam et offrir des scènes d’actions d’une parfaite lisibilité quitte à faire dans le old school. Ainsi, que ce soit le combat entre Diesel et Johnson, la poursuite finale ou encore le passage dans les favelas de Rio (qui est un bel hommage au jeu Modern Warfare 2), tout reste parfaitement lisible, bien découpé et l’on sait où se trouve tel et tel personnage.

Au niveau du casting ce Fast Five est l’occasion de ramener la plupart des personnes rencontrées au fil des épisodes. Sans compter Vin Diesel, Paul Walker et Jordana Brewster, l’on célèbrera entre autres le retour de Matt Schulze (The Fast & The Furious), Ludacris et Tyrese (2fast 2furious), Sung Kang (Tokyo Drift) ainsi que Gal Gadot et Tego Calderon (Fast & Furious).
L’on aura aussi enfin la chance de voir venir Don Omar dans la fine équipe, après avoir signé des morceaux musicaux pour la plupart des épisodes. Mais Don Omar n’est pas le seul petit nouveau. Joaquim De Alameida arrive en tant que grand baron de la drogue, Elsa Pataqui en gentille flic brésilienne mais c’est surtout l’arrivée du colosse Dwayne Johnson qui réjouit le plus. Ce dernier campe un chasseur de fugitifs totalement badass. Il est d’ailleurs à noter que Vin Diesel passe pour un lutin à côté de l’ancien catcheur.
Tout comme dans un film d’équipe il y a différent « couples/duos » et je dois avouer que les deux plus marquantes, grâces entre autres à leur humour et aux punchlines balancées, sont les duos Ludacris/Tyrese (deux gamins) et Tego Calderon/Don Omar (l’optimiste et le jamais content), ce dernier fait d’ailleurs penser au duo « Casey Affleck/Scott Caan » dans la trilogie des Ocean’s.

Certains doivent se dire que depuis tout à l’heure je ne parle que de cascades, d’actions et de gros bras mais je ne parle aucunement de l’histoire et c’est vrai, c’est un tort. L’histoire du film peut paraitre simpliste mais elle ne l’est pas tant que ça. En plus d’être une histoire de braquages sur fond de vengeance et de fuite en avant, c’est avant tout une histoire de familles. La première, c’est celle des Toretto. La seconde, c’est simplement cette bande de potes unis comme les doigts de la main qui peuvent tout se pardonner, même les pires erreurs commises.

Ce Fast Five est bien plus que le simple cinquième épisode d’une quelconque franchise c’est avant fout un film qui veut exploser les limites, les limites d’un genre, d’un style. Le film nous en met plein la vue, mais avec une vraie histoire qui tient la route et c’est là, la classe du film.

*épisode qui se déroule je le rappelle bien après les épisodes 4-5-6.
**information donnée en interview par Justin Lin juste avant le tournage de Fast Five.

Donc laissons place à mon top 20 suivi du tout et n’importe quoi…

20: Premium Rush
Petit film fun & coolos qui ne cassera pas trois pattes à un canard pour certains mais qui pour moi est une sorte de mini Fast & Furious en vélo.

19: Battleship
Certains vont vouloir me conspuer à mettre ce film dans un top 20 mais il faut avouer que Peter Berg se voit offrir un budget pharaonique pour adapter la bataille navale d’Hasbro et du coup, il se prend pour Edgard Wright et réalise là une parodie totalement 1er degré des blockbusters bourrins et très cons façon Michael Bay ou JJ Abrams…

18: Resident Evil Retribution:
Gros délire bien foutraque dont le but est de voir Mila Jovovich prendre la pose, Michelle Rodriguez fracasser du gars musclé ou encore voir des zombies qui utilisent la tronçonneuse tout en chevauchant des motos…

17: Anonymous:
Injustement descendu par la critique et boudé par le public car c’est Emmerich à la réalisation, le film n’en demeure pas moins une vision fascinante de cette vieille rumeur qui placerait Shakespeare comme un « faussaire ». Emmerich laisse de côté les raz de marées pour une peinture de Londres juste sublime.

16: Argo
Le film montre que Ben Affleck est asse doué comme réal. La réalisation est certes ultra classique pour le genre mais il arrive, même avec un sujet dont on connait la fin, à nous surprendre et à nous mettre la pression.

15: La Dame en Noir
Le film nous offre deux choses, le changement de registre de Daniel Radcliff qui abandonne enfin Harry Potter pour un rôle bien plus adule et surtout le film nous offre le grand retour de la mythique Hammer. Le film fait véritablement frissonner de peur de par son ambiance lugubre et sa réalisation terriblement old school.

14: Magic Mike
Soderbergh fait avec Magic Mike une petite peinture de l’Amérique moyenne, où le héros n’est qu’un simple mec qui à un double taf, qui économise pour se mettre à son compte. Une simple tranche de vie.

13: Mais qui a re-tué Pamela Rose
En plus de l’humour absurde du duo, le film y rajoute une bonne dose de l’esprit des Nuls et des Robin des Bois. Le tout passé dans un grand mixeur joyeusement foutraque, avec un zeste de guest et de second rôle assez awesome, l’on obtient sans aucun doute possible LA comédie frenchie de l’année.

12: Jack Reacher
Voici un film qui semble tout droit sorti des années ’70, où le héros est mystérieux et sarcastique. La réalisation est sèche, sans fioriture, un bon petit polar comme on aimerait en voir plus.

11: The Tall Man
Laugier nous fait naviguer entre plusieurs style avec une facilité déconcertante pour nous envoyer en pleine gueule une morale plus que douteuse qui arrive quand même à nous demander si finalement cette morale douteuse ne serait elle pas acceptable, voir normale.

10: Le territoire des Loups
LE survival de l’année. Liam Neeson est grandiose, la photographie sublime, et Carnahan fait du loup une excuse pour montrer l’homme comme un animal blessé qui devient une bête et la nature comme un monstre sans aucune pitié.

09: Haywire
Steven Soderbergh + Gina Carano + Thriller d’espionnage = cassage en règle des codes du genre. Le réalisateur fait un film d’action à la caméra posée, lente mais qui met en valeur les talent de free fighteuse de Gina.

08: Paranorman
Cette année, point de Disney, de Pixar ou de Dreamworks mais un petit film du petit studio Laika qui est un pur hommage au cinéma de la Hammer. Beaucoup d’humour, beaucoup de fun et une très belle histoire sur l’acceptation de soi et le pardon.

07: 21 Jump Street
C’est sans aucun doute possible la meilleure adaptation d’une série des années ’80. Le film est fun, le duo Tatum/Hill est parfait en jeunes flics devant revenir au lycée pour une mission d’infiltration. Puis il y a un super caméo de Ice Cube qui est la pur parodie du chef de commissariat black.

06: Iron Sky
7 malheureux millions d’€ dont 1.5 viennent de dons de fans, un scénariste/réalisateur complètement fou et dingue de comics, plus de 4ans de boulot du 1er teaser à la première sortie et voici Iron Sky, ovni assez dingue venu de l’Europe du nord qui parle de nazis partis sur la Lune et qui reviennent en 2018 pour réessayer de dominer le monde. Beaucoup d’humour (pas tjrs très fin), un pitch assez dingue et surtout une réalisation et des SFX dignes d’un blockbuster à la Michael Bay le tout pour un budget quasiment 10 fois plus petit qu’Asterix 4… A noter un petit caméo du Tardis ^^

05: Tucker & Dale vs Evil
Tucker & Dale prend le problème du slasher à l’envers et nous pose la question « et si le vrai méchant n’était pas le redneck mais plutôt ce petit con de citadin ». Du coup le film devient le plus grand quiproquo du cinéma porté par le duo Tyler Labine / Alan Tudyk au sommet de leurs formes ^^

04: Life of Pi
Je ne suis pas croyant, mais force est de reconnaitre la puissance « religieuse » du film. Mais tout comme le « Contact » de Zemeckis, le film peut se prendre comme une ode à la religion ou comme son contraire et dans ce cas là, c’est une magnifique histoire sur l’homme et la puissance imaginative qu’il à pour se protéger, pour survivre qui s’offre devant nous.

03: The Divide
On peut ne pas aimer Xavier Gens mais force est de reconnaitre que son film, même si il n’est pas parfait, est une incroyable descente aux enfers du genre humain. Le film montre la part sombre, animal et terriblement primitive de l’être humain une fois que ce dernier vient de perdre tout ses repères.

02: Détention
Comment expliquer / vendre le film… En disant seulement que Detention est au slasher ce que Scott Pilgrim est à la Rom-Com. Un fucking ovni.

01: La Cabane dans les Bois
Sans doute le film le plus fun, le plus original et qui se joue le plus du spectateur (avec respect) de l’année 2012. Whedon & Goddart ont juste réalisé le meilleur film de l’année.

Voilà pour mon top 20, place au reste, à savoir les cata et cie…

Le film qui est en fait un spin off qui se prend pour du Nolan alors que Nolan, c’est un peu de la daube:
Skyfall

Le film qui cumule tellement d’incohérences à la minute que cela en devient plus risible que pitoyable:
Prometheus / The Dark Knight Rises

Le film qui parle de voyage dans le temps mais qui pue le pet foireux d’une production Asylum tellement c’est con et mal écrit:
Looper

Le film chiant et mou réalisé par un mec qui est l’arnaque du cinéma moderne:
The Dark Knight Rises

La comédie qui est plus vulgaire que marrante:
Ted

Le téléfilm au 200 millions de dollars de budget:
Avengers

Le film qui est une prise d’otage, un viol des émotions et qui fait passer la rafle pour une vaste joke:
The Impossible

Le film qui …:
Holy Motor

Le film qui dit qu’Oliver Stone devrait vraiment prendre sa retraite:
Savages

Le « 2012″ de 2012, à savoir le film avec plus de 200 millions de $ de budget et dont les effets spéciaux sont aussi moches que ceux d’Asterix 4:
John Carter

Le remake totalement useless:
Millenium de David Fincher / Total Recall de Len Wiseman

La suite la plus inutile:
Taken 2 / Jason Bourne 4

La publicité cachée pour Instagram:
La main dans la Main de Valérie Donzelli (qui doit avoir des actions facebook)…

Le film le plus « lol de feu »:
Effraction de Joel Schumacher

La 3D qui viole les yeux:
Abraham Lincoln / Silent Hill 2

La 3D qui donne envie:
Titanic 3D / Life of Pi

Le film chiant (et moche) qui ne sert que de pub à la 3D 2.0 (un peu comme Wii Sport resort pour servir de pub au Wii Motion Plus):
The Hobbit de Peter Jackson

L’enfonçage de portes ouvertes qui ne sert à rien:
Killing Them Softly / Killer Joe

Le film qui m’a tellement laissé de marbre que j’en ai absolument rien à foutre:
Les bêtes du Sud Sauvages / Moonrise Kingdom

Le film qui est une Sathamerie de plus, en gros du Seagal 2.0:
Safe

article entièrement rédigé via une tablette Surface de Microsoft