Que ótimo começo, né?

O analfabeto do Futuro, disse alguém, não será aquele que não souber ler e escrever, e sim aquele que não souber ler uma fotografia.  Mas um fotógrafo que não sabe ler suas próprias imagens não é o pior que o analfabeto? A legenda não se tornaria a parte mais importante da fotografia?

Walter Benjamin em “Pequena história da fotografia”, 1931

Para que serve a teoria?

É perfeitamente possível levar uma vida plena e criativa sem nunca ter de se defrontar com vocabulários e tecnicalidades, por exemplo, da Semiótica, que, na melhor das hipóteses, podem parecer difíceis, e na pior delas, simplesmente irrelevantes.
O valor da teoria reside no fato de ela oferecer um conjunto de ferramentas que pode melhorar nossa compreensão de como e porquê uma fotografia funciona e o que isso significa.

Você, o fotógrafo, é o primeiro espectador do quadro, seu primeiro revisor, seu o primeiro leitor. Às vezes, você vê exatamente o que espera ver; às vezes, porém, pode ser surpreendido. Serão avaliados o enquadramento, o foco, a profundidade de campo, a cor, certo? O que estes aspectos dizem? O que significam?

Uma fotografia é sempre tempo passado, um momento fixado para sempre: é história.
É possível que conheçamos melhor o mundo por meio de sua representação fotográfica do que pela experiência direta. Nossas memórias visuais são excessivamente abastecidas com o que vivenciamos diretamente, fenômeno este que se acelerou muito com o crescimento da cultura de mídia digital.
Walter Benjamin dizia que a invenção da fotografia, No que diz respeito a seu respeito como podemos vivenciar e compreender o mundo foi revolucionária e democratizante e que transformou a ideia de arte.

Semiótica

A semiótica é um método de interpretar o mundo e analisar a produção de significado por meio de uma abordagem em que tudo é tratado como um sistema de signos a ser lido. Da mesma forma que lemos palavras em uma página –  dando sentido às marcações gráficas (letras),  as combinações de letras (palavras)  e ao sequenciamento de palavras -, “lemos”  também os signos no mundo que nos rodeia: fotos, rostos, corpos, roupas, música e até mesmo cheiros. Resumindo, esta abordagem propõe que tratemos tudo como um ”texto” a ser lido –  incluindo a nós mesmos e fotografias.

Linguagem é um recurso surpreendente: oferece a oportunidade de pensar, expressar, e comunicar ideias e sentimentos extremamente sutis e complexos.  arte de usar a linguagem de forma mais eficaz é chamada de “retórica” –  conceito este que pode ser facilmente aplicado à arte de criar imagens.  

O mesmo é válido para a fotografia. Além da escolha do tema em si, há uma sintaxe –  aplicada à imagem. Até certo ponto, cada fotografia é o resultado de escolhas e decisões.

A semiótica (às vezes também chamada de semiologia) tem suas raízes históricas no trabalho do linguista suíço Ferdinand Saussure,  cujas palestras Foram publicadas pela primeira vez em 1916, e no trabalho independente e quase contemporâneo do filósofo norte-americano Charles Sanders Pierce.

Hoje em dia, a semiótica é um elemento fundamental no vocabulário crítico e analítico da cultura visual, talvez mais evidente na leitura de anúncios publicitários.

Denotação e conotação

Todos que olharem para uma fotografia verão, literalmente, a mesma coisa. No caso de uma imagem de um cachorro todo mundo verá mesmo padrão gráfico e a maioria reconhecerá a criatura significada como aquilo que se classifica como cachorro. Isso é o que se chama de denotação, o significado literal de um significante. Trata-se do primeiro estágio da leitura.

No entanto, embora possamos concordar com o conteúdo da imagem, o significado dela estará sujeito a uma série de variáveis: alguns podem se lembrar de um animal de estimação querido, aqueles que foram mordidos ou perseguidos por um cachorro poderão projetar sua antipatia ou medo e aqueles que tenham um conhecimento especializado identificarão a raça do cachorro e suas características específicas ao olharem para a representação. Isso tudo é chamado de conotação: as ideias associadas sugeridas pela imagem, mas que não são explicitamente denotadas. São as experiências, o conhecimento, as preferências e as emoções individuais e subjetivas que contribuíram para as associações específicas.

“Gênero” é um termo usado para indicar um determinado estilo ou categoria de comunicação.  na fotografia, alguns gêneros possíveis são, por exemplo, o retrato, a fotografia documental, a de paisagem, a de moda… Normalmente, a classificação de gênero indica convenções associadas com a história ou a ética daquele estilo –  não com a finalidade de estabelecer regras, mas para facilitar a coerência.

No entanto, também é verdade que uma adesão servil às convenções pode produzir resultados previsíveis e sem graça, e que o trabalho mais estimulante, muitas vezes, é brincar ou até mesmo romper com essas convenções.

Imagens e texto; imagem como textos

Devido à natureza icônica de uma fotografia (sua semelhança ao que ela representa – ícone), o que a fotografia mostra é muitas vezes auto evidente. No entanto, esse reconhecimento instantâneo é imediatamente articulado em termos de nomes, rótulos e descrições. Mas o que a fotografia significa continua sendo altamente ambíguo e pode ser desmembrado em várias direções.

Em Retórica da Imagem (1964), Roland Barthes explica como o potencial que a imagem tem de produzir significados a deriva pode ser ancorado por palavras: legendas, textos publicitários, artigos e rótulos. Pode acontecer também que as palavras não sejam apenas uma legenda da fotografia, e sim parte da imagem – como parte do tema fotografado ou gravadas/ escritas na superfície da fotografia impressa. Neste último caso, o efeito pode ser o de chamar atenção para a fotografia como um objeto material, como um signo em si mesmo.

Ideias, práticas e crenças

Se compreender o mundo fosse apenas uma questão de aprender os nomes das coisas, a vida seria muito diferente dessa complexa experiência que todos nós conhecemos. Compreender o mundo depende de como você olha para ele, de seu ponto de vista.

Talvez seja útil lembrar que o próprio aparato da fotografia se oferece como uma metáfora das formas de ver – a câmera oferece um ”ponto de vista”.

É claro que você não precisa estudar semiótica para entender uma fotografia – tudo o que você precisa é de um pouco de senso comum…

A fotografia é um meio que tende a ludibriar: podemos ser facilmente seduzidos pela aparência das coisas.

O significado potencial de qualquer fotografia, como seus espectadores o percebem, pode ultrapassar – ou mesmo contradizer – o significado pretendido por seu autor. O fotógrafo não pode controlar as leituras feitas pelos espectadores: o significado de qualquer imagem é, na realidade, produzido pelo espectador.

Roland Barthes, em um ensaio intitulado “A morte do autor” 1968, desafiou a ideia corrente (e “senso comum”) de que a explicação para qualquer amostra literária se encontrava na pessoa do “ autor”. Porém, já que o autor não está de fato presente para nos explicar o texto, contamos apenas com nossos próprios recursos, com os quais interpretamos a obra.

É apenas ao contextualizar a imagem, ao trazer informações a ela, que o espectador poderá lê-la e interpretá-la corretamente. O que o espectador não pode ler em uma imagem é seu contexto.

Representação e realidade

A relação entre forma e  conteúdo é uma questão estética fundamental para todos que trabalham com imagem.  O estilo é importante – ele molda como foto que será lida.

O modo ficcional da fotografia pode ser explorado por meio da construção e da manipulação – abordagens essas que são tão antigas quanto o próprio meio.

O advento da fotografia digital aumentou a consciência sobre a manipulação de imagens.  Poderíamos, inclusive, dizer que a manipulação é, em algum grau, uma parte inevitável do processo em si – do enquadramento ao recorte, ao foco seletivo, à iluminação, ao escurecimento, à saturação de cores, às poses, à reencenação – cada fotografia é uma manipulação do material visual para produzir uma imagem.

De fato, poderíamos até mesmo nos perguntar: como seria uma imagem sem absolutamente nenhuma manipulação?

Texto extraído do livro “Como ler uma fotografia” de Richard Salkeld, 2014 © Editora GG

Acesse este link para responder a um pequeno questionário a respeito do texto que você acabou de ler.

“Eu vou para a rua para educar meus olhos e também para sustentar o que os olhos precisam – meus olhos famintos, e meus olhos são famintos”

Walker Evans, 1903-1975

Introdução

A primeira coisa que nos interessa sobre fotógrafos são os problemas fotográficos que o trabalho deles nos apresentam, resolvem e reformulam, e também aqueles problemas que acabam por derrotar os fotógrafos.

Durante sua vida Walker Evans rejeitou a etiqueta de “fotógrafo de arte” (fine art photographer) que o colocavam em alguns círculos. Mas, como aconteceu com um de seus mais importantes modelos, o fotógrafo francês Eugene Atget, ele demonstrou habilidades de tão alta qualidade que a pecha de “artista” foi aplicada naturalmente a ambos.

Diversos livros registraram a obra de Evans e, vinte anos após sua morte pode-se dizer que seu trabalho foi muito mais publicado na forma de livros do que exibido em galerias e museus; Evans até considerava que a Fotografia merecia mais ser publicada em trabalhos impressos do que ser pendurada nas paredes das galerias de arte.

O escopo de sua obra foi muito além da tradição documental, nicho no qual ele foi geralmente reconhecido. Entretanto, uma leitura cronológica da obra de Evans mostra como ele era um experimentador incansável. Esta leitura não nega períodos “canônicos” de sua obra – como os anos 30 – mas dá grande proeminência a outros projetos e distingue outros campos de interesse que agora parecem ser essenciais, na linha de pesquisa que Evans parecia estar seguindo:

• A desconstrução do retrato fotográfico;
• O uso da aleatoriedade como um princípio criativo
• Serialidade e arquivismo no processo fotográfico
• O papel do objeto vernacular, seu uso fotográfico e seu colecionismo
• A ambiguidade na fotografia de arte e documental e o seu papel na mídia

Walker Evans é daqueles que modifica a Arte através de sua própria linguagem.

“As fotografias de Evans são sobre o que é fotografado, como aquilo que é fotografado é alterado ao ser fotografado e como as coisas existem em fotografias”

Garry Winogrand, 1974

“Não me interesso pelas coisas que vem da Natureza. Elas me entediam. Aqueles que as usam, como E. Porter e Ansel Adams me entediam. Não estou interessado na arte deles. Nem chamo isso de Arte.

Estou interessado na mão do homem e na Civilização”

Walker Evans, 1973

Texto extraído do livro “Walker Evans: The Hungry Eye”, G. Mora & J. Hill, 1993  © Editions du Seuil

Para saber mais sobre Walker Evans e sua obra, acesse os links abaixo:

• Heilbrunn – Timeline of Art History – The Met online (em inglês)
• Walker Evans – The J. Paul Getty Museum (em inglês)
• Walker Evans – Wikipedia
• Sobre os retratos “escondidos” no metrô – MoMA (em inglês)
• Preview do livro seminal “American Photographs”, 1938 – MoMA

Acesse este link para responder às questões referentes a este texto de apoio.

fotomontagem p/ LER nº3, Rodchenko (1923)

fotomontagem p/ Pro éto, Rodchenko (1923)

Alexander Rodchenko (RUS, 1891-1956) foi um dos artistas mais versáteis da Rússia dos anos 1920-30.

Nascido em São Petersburgo mudou-se para Moscou em 1914 e durante os anos seguintes tornou-se um dos principais artistas da  vanguarda rusa.

Entre 1922-24, Rodchenko voltou-se cada vez mais para as foto-montagens relacionadas com a arte do poster e a concepção de livros.

No início utilizava fotografias que não tinha tirado e em 1924 começou a fotografar, usando perspectivas ousadas e criando o Construtivismo Fotográfico.

John Heartfield (GER, 1891-1968) era membro do grupo Dadaísta de Berlin e se especializou na técnica de fotomontagem usando partes de imagens coletadas de fontes diversas para criar peças de crítica e sátira à política de Hitler em revistas e jornais.

“Hurrah, die Butter ist alle!”, John Heartfield (1935)

Em “Oba! A Manteiga acabou!”, de 1939, uma família alemã é mostrada à mesa comendo uma bicicleta. A peça parece um poster de propaganda do governo, mas se trata de uma crítica à uma frase do discurso do ministro Göring em Hamburgo: “o minério de ferro fortalece o Reich; a manteiga engorda o povo”.

Surrealismo & Colagem

Herbert Bayer (AUT, 1900-85) foi um artista versátil que trabalhou como tipógrafo, artista de publicidade, fotógrafo, pintor, escultor, arquiteto e decorador de interiores.

Sua formação artística foi na Weimar Bauhaus, onde foi aluno de Kandinsky, e ele adotou a fotografia nos anos 30, quando emigrou para os EUA.

A influência surrealista é clara em “Habitante solitário da Grande Cidade” e no auto-retrato de 1932 e em “Em busca do passado”, de 1959.

Bayer foi considerado o último membro vivo da Bauhaus até sua morte em 1985.

Self-portrait, H. Bayer (1932)

“Lonely Metropolitan, H. Bayer (1932)

“In Search Of Times Past”, Herbert Bayer (1959)

Colagem & Pop Art

Em uma entrevista de 1963 ao crítico Gene Swenson, Andy Warhol (USA, 1928-87) afirmou que a pop art se resumia a “gostar das coisas”. As palavras de Warhol resumem a relação de amor da pop art com a imagística dos meios de comunicação de massa, os bens de consumo e a cultura popular.

Em vez de tirarem suas próprias fotos, em uma ruptura com as idéias tradicionais de originalidade e talento artístico, esses artistas se apropriavam de imagens pré-fabricadas.

Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing?, Richard Hamilton (1956)

As imagens na colagem seminal de Richard Hamilton (UK, 1922-2011) “O que torna as casas de hoje em dia tão diferentes, tão cativantes?” de 1956, foram retiradas de revistas americanas e ressaltam a onipresença dos bens de consumo e dos meios de comunicação de massa. Hamilton adotou a técnica e abordagem semelhante para “Interior”, de 1964.

Interior, Richard Hamilton (1964)

Em “Porta de Menina”, de 1959, Peter Blake (UK, 1932) cola imagens de garotas pin-up recortadas de revistas e as cola sobre uma porta vermelha, dando a impressão de que se trata do fragmento de uma coleção pessoal. A obra parece ser um tributo ao culto das “estrelas” (do cinema/TV) e à obssessão britânica de colecionismo de souvenires. Por usar elementos da vida cotidiana Blake se torna um dos percursores da Pop Art.

Girlie Door, Peter Blake (1959)

“Limpando as cortinas” (1967-72), da série “Trazendo a Guerra para Casa” de Martha Rosler (USA, 1943) mostra uma dona de casa com um aspirador de pó portátil e a mulher limpa as cortinas em volta de uma janela, que enquadra a imagem de soldados armados espera esperando atrás de um conjunto de rochas. A foto colagem sugere que a morte e a violência estão muito próximas da esfera doméstica.

Cleaning the Drapes (House Beautiful: Bringing the war home), Martha Rosler (1967-72)

Four Men (with Guns pointed at their Heads), John Baldessari, 1988

Em “Quatro homens (com armas apontadas para suas cabeças)”, de 1988, John Baldessari (USA, 1931), justapõe imagens encontradas com o intuito de analisar nosso entendimento das imagens vindas do cinema (a imagem tem a forma de uma claque) e da televisão.

A obra mostra 4 homens sendo torturados, com armas apontadas para suas cabeaças; seus rostos foram obstruídos por círculos brancos, para “preservar suas identidades”; acima e abaixo o artista inclui imagens banais de um restaurante, como que para anestesiar as imagens violentas; os utensílios do restaurante ecoam os círculos brancos dos rostos dos homens.

Ao combinar obras de arte famosas com outras decorativas, o artista checo Jiri Kolar (CZ, 1914-2002) questiona o status da arte e da imagem em uma era de massificação e reprodução mecânica, uma estratégia compartilhada com os artisas da Pop Art. Kolar fez inúmeros tipos de colagem que desafiam a maneira que lemos a imagem. No trabalho “Paisagem Sorridente” de 1967 ele usa uma técnica muito simples ao intercalar faixas estreitas da Monalisa com as de uma paisagem holandesa do século XXVII, distorcendo, mas mantendo a identidade de ambas as imagens.

Smiling Landscape, Jiri Kolar (1967)

Colagem contemporânea

Nesta era digital onde um monte de imagens criadas digitalmente se pausterizam, muitos artistas e criativos estão se voltando à métodos mais tradicionais para interpretar visualmente este mundo de mudança velozes em que vivemos.

O artista Bela Bordosi (AUT, 1966) radicado em Nova York descreve seu método de produção como de ‘tentativa e erro sem medo’. Bordosi usa a colagem como ferramenta e não como produto juntando elementos a princípio de pouco interesse, mas forçando-os a funcionar juntos; ele raramente se utiliza de manipulação digital.

Alex Daw (UK, 1982) já teve suas obras expostas na National Portrait Gallery de Londres. Combinando pintura e colagem ele usa imagens recortadas de revistas e de trabalhos garimpados em mercados de pulga de Berlin. Ainda que use imagens comerciais e impressas, suas obras conservam um tom bruto e até grosseiro que produz imagens “sexuais, sofisticadas, de história natural e ficção cientítifica”.

Held, Alex Daw (2010)

A colagem é uma mídia que conecta o passado e o presente, oferecendo às vezes visões do  que pode ser o futuro. A colagem contemporânea se tornou parte significativa da nossa linguagem visual.

As sofisticadas colagens do norte-americano Javier Piñón (USA, 1970) tem uma aparência extra-terrena, quase mitológica. Javier compara a colagem à montagem de quebra-cabeças, mas num tipo onde as peças vao se mexendo até cairem no lugar correto. “Às vezes a peça final fica faltando por meses, até que eu encontre a solução daquela colagem”.

Perseus J. Piñón, 2009

Saint Sebastian, J. Piñón, 2009

Visitation, J. Stezaker (2006)

A colagem corre no sangue do artista britânico John Stezaker (UK, 1949). “A maior parte das imagens que uso fazem parte de uma coleção pessoal que venho coletando desde os anos 1970”.  Stezaker diz que encara a colagem como um hobby e não uma vocação e diz não conseguir trabalhar em um estúdio. “Às vezes encontro alguma coisa ao folhear o jornal que me leva a buscar algo em minha coleção. A colagem está tão conectada ao consumo ordinário de imagens que torna difícil separa-la da vida.’

Sense 2, J. Stezaker (2006)

• O que acontece em Vegas fica em Vegas (“What happens in Vegas stays in Vegas”) é o lema da cidade e é até uma brincadeira divertida: todos devem fazer este juramento e não devem ficar espalhando por aí o que acontece na cidade. O site oficial da cidade tem até uma página específica sobre este juramento (em inglês)

•  A cidade é um dos principais destinos de jogo nos Estados Unidos, mas os cassino não são as únicas atrações para os viajantes que lotam esta cidade durante todo o ano. São milhares de atrações, tanto na cidade quanto nos arredores, muita coisa pra fazer durante o dia e também durante a noite.
• Os hotéis e cassinos são temáticos e você pode visitar Nova York, Paris ou Veneza em um rápido passeio pela Las Vegas Blvd, ou a ‘Strip’, como é conhecida a principal avenida da cidade e onde estão as maiores atrações..
• O Grand Canyon, é considerado uma das sete maravilhas naturais do mundo e pode ser visitado em passeios curtos partindo de Las Vegas, seja de carro, seja a pé ou até de helicóptero. Abaixo alguns links com exemplos de empresas que fazem passeios ao canyon (são apenas referências que tirei do site Trip Advisor):
  • Uma das empresas que oferece o passeio de helicóptero é a Papillon, que foi bem avaliada pelos passageiros (inclusive brasileiros)
  • Outra de passeios de helicóptero é a Maverick Helicopters.
  • Para passeios a pé, uma bem recomendada pelos usuários do Trip Advisor é a Grand Adventure Tours.
  • Passeio à Represa Hoover, também com bons comentários, com a Dean Outdoor.
• Em todos os hotéis e cassinos e também ao longo da ‘Strip’ existem milhares de lojas de todos os tipos e há também uma filial do Premium Outlet (uma rede de outlets com unidades espalhadas por todos os EUA) ao norte da Strip.
• Para comprar equipamentos para motociclistas a Harley Davidson tem loja própria e diversos outros pontos de venda espalhados pela cidade (links em inglês)
• Las Vegas é a única cidade do mundo com 7 shows fixos do Cirque du Soleil (link em espanhol ou inglês), além de inúmeros outros shows e musicais nos teatros dos hotéis. Além disso, alguns destes shows não são itinerantes como aqueles que temos recebido no Brasil nos últimos anos. Só dá pra ver em Las Vegas!