La Casa de Jarjacha

MÚSICA: Angra - Temple of Shadows

noreply@blogger.com (Santiago) — Fri, 26 Oct 2012 22:37:00 +0000

Temple of Shadows, publicado el año 2004 es el quinto álbum de la Banda Brasileña Angra, conocida dentro del ambiente del Power Metal y dueña de un sonido propio donde se mezclan elementos sinfónicos, progresivos y de folclore brasileño dentro de una mezcla única y bien trabajada.

Es en este caso de particular interés este álbum por su naturaleza conceptual, dado que narra una historia de carácter fantástico ambientada en los albores de la primera cruzada y construída alrededor de un personaje misterioso y autor de una herejía, llamado El Cazador de sombras por Rafael Bittencourt, guitarrista de la banda y autor de la "historia" que motiva el álbum y que versa en la construcción de una herejía, con la primera cruzada y sus horrores como telón de Fondo.

Trás la obertura instrumental (llamada, como no Deus le volt, Dios lo quiere, el grito de batalla de los cruzados) surge Spread your fire, Segundo tema donde el poder del power metal de la mano de las guitarras de Bittencourt y Loureiro se deja sentir y en la cual se anuncia, mediante una mezcla de sueño y proclamación, el destino del personaje, anunciado por un rabino demente:

El tercer tema, Angels and Demons, nos habla de su herejía, de la creencia que en el mundo real, ángeles y demonios viven mezclados, disimulados, haciendo lo suyo:

Sin embargo, a veces, tratamos de huir del destino, y nuestro cazador de sombras, termina establecido como esposo de una mujer musulmana y padre de un hijo, mientras, consciente de la ineluctabilidad del destino, espera, en silencio la llegada de lo inevitable, que es el tema de la canción Waiting Silence.

Con la tormenta directamente en frente suyo, entra el tema Wishing Well, caracterizado por ser una especie de interludio, con una composición más suave y una orquestación armónica. El cazador cae al terreno del sueño, donde el mismo rabino le indica mediante una alegoría que el destino está a punto de cambiar. Este fue el single del álbum del cual podemos ver el videoclip producido para la ocasión.

Llegan los riffs potentes de guitarra y la ira del power metal, la banda escenifica el asedio de Jerusalén y la masacre de sus habitante, pasados por la espada por los cruzados, quienes oran en el templo del sepulcro antes y durante sus matanzas, el templo del odio, título del siguiente tema:

Con el siguiente tema, The Shadow Hunter, aparentemente pronunciado por una prostituta gitana mientras le leía la suerte al Cazador de sombras, se configura el tema principal del álbum, una potente y compleja composición de más de ocho minutos de duración en la que se puede sentir una fuerte influencia flamenca y toda la potencia de la banda puesta de manifiesto, comenzando por el gran Edu Falaschi y terminando con el duo Bittencourt - Loureiro, alma y corazón de Angra.

Algo más lento y pausado, arreglado con guitarras acusticas que luego dan paso a un sonido más potente, No pain for the dead es una canción contradictoria, ya que lamenta la muerte, pero al mismo tiempo, la convoca como una liberación de las ataduras del mundo, este tema cuenta con la voz Femenina de Sabine Edelsbacher (Edenbridge) como aporte en un interludio en el tema, donde una vez más Falaschi demuestra su enorme capacidad vocal.

Una estructura contradictoria y potente es la que da forma al siguiente tema, Winds of destination, donde se narra un pasaje de la vida del cazador en un episodio límite y se muestra una revelación.

Los últimos tres temas, comenzando con Sprouts of time, que presenta fuertes influencias del bossa nova, en particular en algunos pasasjes acústicos de guitarra, nos narran la historia propiamente dicha, la de la herejía y las creencias que la sostienen, que el universo es de luz y que somos libres de creer en este, en el Dios Universal que emerge del tiempo mismo y que no está separado, ya que simplemente es.

Morning Star, penúltimo tema del álbum mantiene un ambiente de compás de espera que va derivando in crescendo hasta un climax esperado y que va descendiendo hasta perderse en medio de los arreglos orquestales...

Late Redemption, penúltimo tema cuenta con la participación de la leyenda viviente brasileña Milton Nascimento, es esencilamente un cierre de la historia con una profunda composición acerca de la aceptación necesaria para el perdón y la redención final.

En suma, un gran album, con una excelente producción, donde se destaca lo mejor de Angra, su sección melódica y la extraordinaria capacidad de la dupla Bittencourt - Loureiro para crear paisajes sonoros de increible calidad, este es en mi opinión, el mejor álbum de la banda a lo largo de su carrera.

Atrapados en la casa sin tiempo (Seabury Quinn)

noreply@blogger.com (Daniel Salvo) — Wed, 22 Aug 2012 16:17:00 +0000

Tras leer los cuentos de Seabury Queen que la editorial Pulp Collection, uno se pregunta si el pulp (fantástico, policial, ciencia ficción, romántico, cómico, terror, espionaje, bélico, etc.) no debería ya ser considerado un género literario propio. Ningún escritor pulp aspira a la canonización literaria, eso es seguro, pero es que uno encuentra cada joya, cada historia que, sin mayor pretensión (y eso es lo que más amo de este género, el aliento casi amical que transmiten los autores en sus textos), se convierte en un trozo memorable de tu vida. Cuentos que no sólo forman parte de tu bagaje cultural (término que solía oir a mi padre), sino que llegan a hacerse parte de tu vida, algo que les da un contenido que no se parece a ningún otro.

Seabury Quinn (1889-1969), escribió cuentos basados en sus conocimientos de ocultismo y brujería, en los que demuestra gran erudición. Uno de ellos, El último hombre, nos ofrece una excelente descripción de una ceremonia del vudú haitiano, ritual que trata con un respeto digno de un científico.

No se crea que esta vastedad de conocimientos lastraba su prosa. Al contrario, como buen escritor pulp que era, escribió historias llenas de acción y heroísmo, al punto que una de sus creaciones, Jules de Grandin, ha pasado a formar parte del panteón de un tipo de personaje bastante singular: el detective de lo oculto, que en lugar de perseguir criminales y asesinos, se enfrenta (a veces, a punta de puño y pistola, como los héroes de acción más tópicos) a vampiros, hombres lobo, fantasmas, gárgolas, golems, sectas satánicas o demonios. ¿Se puede pedir algo más? Pues sí:

Atrapados en la casa sin tiempo es un relato disfrutable al cien por ciento, y entre los que he podido leer del autor, es un de los más horripilantes que recuerdo. Mezcla a partes iguales la emoción de la aventura y el gore más aterrador, con escenas y descripciones que bien podrían describirse como "no aptas para espíritus sensibles". La casa sin tiempo es una mansión campestre en cuyas inmediaciones se han producido algunas desapariciones. Jules de Grandin acaba involucrándose en las investigaciones del caso, y va a dar con toda su humanidad a la mansión, convirtiéndose en prisionero de su misterioso propietario y entonces...

¡Entonces, todo enloquece! El dueño de la mansión es un médico enloquecido a causa de una decepción amorosa, que ha decidido vengarse de la humanidad de una manera terrible: capturando personas inocentes a las que somete a operaciones quirúrgicas, producto de las cuales, la víctima queda atrozmente deformada. El tipo de deformación que logra con su ciencia se insinúa ya desde la descripción de los interiores de la mansión:

El suelo estaba brillantemente encerado. Y las paredes, cubiertas de una terracota laqueada, aparecían llenas de pequeños nichos encuadrados por pulidas y negras maderas. Delante de cada nicho ardía una lámpara que lanzaba una vacilante pero viva luz sobre la imagen que ocupaba la capillita. Cada estatuilla era de reluciente piedra blanca, y aunque cada una era distinta de las otras, todas tenían algo en común: eran incompletas. Los seres que representaban apenas eran humanos, y , sin embargo, tampoco eran bestiales. Allí se veía a una criatura que era mitad mono y mitad hombre, y que luchaba con todos sus músculos por salir del bloque de piedra de donde el escultor la había parcialmente labrado; allí una figura femenina perfecta desde la cabeza a la garganta, se convertía, a partir de los hombros, en una cosa vaga y monstruosa, semejante a un octópodo. Otra cabeza aparecía completamente formada excepto al llegar al rostro, del cual brotaban unos cortos y abundantes tentáculos. Y así seguían los nichos, todos llenos de monstruos creados por la imaginación más loca que pueda darse.

Y no digamos nada del criado del doctor y la manera en que éste le trata, además de la colección de monstruos reales que guarda en su sótano... Uno parece estar viviendo una pesadilla en blanco y negro, una sucesión de horrores cuyo espanto reside - a diferencia de otros cuentos de Seabury Quinn - en que no hay ningún elemento sobrenatural en la historia: las atrocidades que se describen son producto de la acción humana.

Como para recordar que los peores monstruos podemos ser nosotros...

Daniel Salvo

Los sauces (Algernon Blackwood)

noreply@blogger.com (Daniel Salvo) — Mon, 25 Jun 2012 17:37:00 +0000

Un cuento de factura impecable. Algernon Blackwood (1869-1951)no necesita, en este caso, recurrir a monstruos o sucesos inexplicables para crear una auténtica atmósfera de miedo y desolación. Además, con maestría, logra un efecto de sorpresa como para quitarse el sombrero: ante los sucesos ocurridos en el transcurso del relato, los protagonistas se plantean explicaciones tanto naturales como sobrenaturales, pero para solucionar su predicamento, optan por la solución sobrenatural. Y consiguen superar, sanos y salvos, la aventura.

¿De qué va el cuento? Dos excursionistas navegan por el río Danubio, y deciden acampar en una de las tantas islas que hay a su paso, en la que abundan los sauces. Pero hay leyendas en torno a esos lugares, según las cuales, seres no humanos hacen sentir su presencia a los humanos. La atmósfera, intensamente natural, empieza a cargarse de manifestaciones inusuales: un sonido como de gong, la visión de un barquero que se desvanece en la bruma, animales que difieren, en su forma y tamaño, de lo esperable para su especie... y los sauces del título, que con cada momento parecen mostrar evidencias de poseer una vitalidad que excede lo esperado de su naturaleza vegetal (mueven sus ramas de manera extraña, aparecen en lugares distintos según transcurren los días), además de los misteriosos agujeros que se forman en la arena...

Nada de lo ocurrido carece de explicación, como ya se dijo. Incluso las explicaciones sobrenaturales ensayadas por los personajes se asientan sobre una base racionalista que podría dejar contento a quien quisiera ver en Los sauces una historia de ciencia ficción. Más, la trama se parece un tanto a Casa tomada de Julio Cortázar, relato en el cual las prosaicas acciones de los protagonistas sugieren un horror tan aterrador como innominado.

La lectura de Los sauces, agotadora e inmisericorde, parece haberse escrito para recordarnos que la Naturaleza, a pesar de nuestros esfuerzos por comprenderla - y acaso, someterla - sigue siendo la manifestación de fuerzas anteriores al hombre, situadas acaso por encima de éste. Y que en el momento menos pensado, esas fuerzas - aletargadas o indiferentes a la humana existencia - podrían despertar para recuperar aquello que aparentemente hemos ganado. Y que tal vez no haya quien nos proteja.

ROSAS Y PISTOLAS: UN ESPLÉNDIDO EJERCICIO VITALISTA

noreply@blogger.com (Argonautas) — Sat, 18 Feb 2012 15:18:00 +0000

ROSAS Y PISTOLAS: UN ESPLÉNDIDO EJERCICIO VITALISTA

Julián Rodríguez Cosme es un notable narrador y poeta que ya había sorprendido a propios y extraños con un libro excelente, El temerario, volumen con relatos perfectos que lo introdujo en el mundo literario. Los argumentos iban desde lo fantástico hasta el realismo con matices amorosos, o la violencia política. Luego vino un más que apreciable poemario titulado: El paisaje de tu cuerpo, donde el amor a la pareja y a la familia eran los temas fundamentales. Después pudimos gozar de esa excelente novela suya, Tragedia en los Andes, que contenía todo tipo de elementos: lo amoroso, la violencia, la realidad social, el mito del OVNI, el hecho histórico. Nunca dejaré de ensalzar las virtudes de dicha novela. Rodríguez Cosme no se detiene, sigue escribiendo y publicando, lo nuevo que nos trae es este efectivo libro de crónicas, anécdotas, algún cuento, como el que da título al libro y que resulta fabuloso tanto en forma como en contenido, una ficción de misterio con elementos fantásticos, ojalá el autor hubiese colocado más relatos en el volumen, el lector se queda con las ganas de más. Lo cierto es que Rosas y pistolas (el cuento) puede apreciarse como un certero ejercicio de autoficción pues, si lo comparamos con el resto de textos, el lector percibe que lo ocurrido no es real. Me hace recordar a los dos primeros relatos de El temerario, en los cuales el personaje principal se llamaba «Julián», como el autor, o la narración final de aquel cuaderno, El epitafio, en donde se deduce que el narrador en primera persona era un alter ego del escritor. Lo cierto es que Rosas y pistolas (el libro) en su conjunto no es autoficción, casi todos los textos son ejercicios vitales, es decir, son anécdotas hábilmente narradas, crónicas personales que nos dan a conocer el mundo interior del autor, nos brindan rasgos de «Julián Rodríguez», como escritor, como artista, como ser humano. Los temas son variados, van desde el asunto literario, hasta el tema musical, lo romántico, lo vivencial, los deseos escondidos, las reflexiones, todo con un excelente lenguaje y con un estilo que conecta fácilmente con el receptor. Destaco del conjunto, El escritor y sus fantasmas, donde el autor analiza algunas verdades sobre el tema escritural, los novelistas cuentan mentiras disfrazadas de verdades, los escritores deben ser lectores compulsivos, todo cierto. Como mencioné, el lector puede resentirse ante la brevedad de tan inspiradoras historias. Otra crónica que considero excelente es Los libros que perdí, sencilla, evocadora, muy personal, resulta descollante como tanta suavidad puede llevarnos a una intensa reflexión acerca del libro como objeto físico, a analizar la realidad de las librerías y el costo elevado de los volúmenes, a meditar acerca de lo lejana que puede estar la cultura de la clase pobre. También hay una intensa aventura romántica que enternece, Mi chica del facebook, la recomiendo mucho. Podría resultar un tanto excesivo el tema religioso mencionado, por ejemplo, en Ladrón de amor, pero los que conocemos al autor sabemos que esto tiene una razón, que esta religiosidad, humildad, espiritualidad devienen de hechos personales muy ligados a su salud, la cual se espera mejore en los años venideros ya que muchos esperamos nuevas creaciones salidas de la pluma de este buen amigo y artista. De momento tenemos a Rosas y pistolas, un solvente conjunto, una lección de vida, fragmentos del alma y mente de un creador novedoso.

Carlos Enrique Saldivar

COLOFÓN A NIDO DE CUERVOS, por ELTON HONORES

noreply@blogger.com (Argonautas) — Fri, 03 Feb 2012 17:30:00 +0000

Nido de cuervos, es la selección hecha por Carlos Enrique Saldivar. Se trata un conjunto de relatos que exploran el terror desde dos grandes ejes temáticos: lo sexual y monstruoso hasta lo fantástico y religioso. El primer eje es el más amplio. En el cuento “Un amor equívoco” de Adriana Alarco se dan cita la perversión y lo cruel a partir de la mirada inocente (que ocurre también en múltiples relatos de Ajuar funerario de Fernando Iwasaki) del personaje protagonista. “La dama del cabello violeta” de José Balta es un relato inquietante y fantástico: la mencionada dama (como en la lógica surrealista) da paso a otro mundo, un mundo de tinieblas, de pecadores y soledad infinita. “Silencio peligroso” de Fio Loba, el encuentro casual de un hombre borracho con una criatura adolescente (con leves reminiscencias alienígenas) termina con un final abierto e inesperado. En los relatos antes mencionados irrumpe de modo claro la figura de la mujer-monstruo. De otro lado, “Criatura” de Fabiola Terrazas (con cierta reminiscencia al dios Cronos) nos habla de los padres que “devoran” a sus hijos. Nuevamente la mirada infantil ayuda a darle mayor tensión al relato. En “Espejo” de Gonzalo del Rosario un individuo logra un trasplante de córneas que le cambia la vida: se percibe a sí mismo como monstruoso, pero más aún, ningún espejo soporta su imagen. En “Incubación” de Armando Alzamora, el miedo del personaje se consigue por los males e infecciones del cuerpo. “Una decisión” de Lorena Gutiérrez, una mujer imposible que absorbe la energía y aniquila la vida de los hombres termina enamorándose realmente –y hasta cierto punto sacrificándose por él. “Nacido” de Carlos Enrique Saldivar, un cuadro de violencia doméstica adquiere visos del puro terror fantástico, heredero de películas de serie B o de culto (Vinieron desde dentro de; The brood de David Cronenberg o Alien de Ridley Scott).

En cuanto al segundo eje, en “El ángel caído” de Pablo Nicoli se expresa una visión apócrifa de la historia bíblica (el hijo pródigo), en donde el mito y la ficción cobran vida al modo de los relatos heréticos de los Cuentos malévolos de Clemente Palma, relativizándose la historia sagrada oficial. De igual modo ocurre en “El demonio en la tierra” de Yelinna Pulliti, narrado desde la perspectiva del demonio se pone en cuestionamiento el paradigma religioso cristiano. “Quiscos” de Dennis Arias también recuerda al mundo fantasmal de Pedro Páramo de Juan Rulfo, (incluso, el protagonista de “Quiscos” se llama Ranulfo). En este caso se trata de un cortejo fantasma que anuncia el juicio final. En “El día al revés” de Julio Meza se mezclan el carácter fabuloso del narrador oral y la facticidad de lo imposible. Ambos relatos transcurren en el mundo andino. Finalmente, “El hallazgo” de Jorge Ramos rinde homenaje a un clásico ribeyriano: “Demetrio”.
Muchos de estos relatos adoptan ciertos códigos hiperrealistas (sobre todo en los detalles para las escenas de violencia explícita) dejando poco a la imaginación y por momentos logran un efecto grotesco sin llegar al humor. Se trata de una efectividad visual que es parte de los relatos de terror. Los espacios en donde principalmente se ubican los relatos son indeterminados, intemporales, andinos o rurales (es casi nula la presencia de la urbe limeña), estableciéndose una lógica simple: el espacio urbano es racional; el espacio no urbano (alterno) es necesariamente irracional.

En conjunto, el terror asumido por estos narradores proviene fundamentalmente del propio ser humano: es del mundo interior del ser humano de donde surge la maldad; el terror sobrenatural (o propiamente fantástico) queda en un segundo plano. Así, en casi todos prevalece la justicia a través de la venganza (la violencia del padre contra la madre en “Nacido” de Saldivar o “Un amor equívoco” de Alarco, por ejemplo) o la sanción a los pecados humanos cometidos (como en “Silencio peligroso” de Fio Loba), lo cual equilibra hasta cierto punto el orden representado de los relatos.
Finalmente, es natural que tras la liberación femenina, la mujer tenga un rol más activo y protagónico (como en Hard Candy de David Slade o Death Proof de Quentin Tarantino) aunque sigue enclaustrada en el tópico del monstruo. ¿Acaso se trata de una simple fórmula que aún funciona o realmente constituyen expresiones de rechazo a la mujer (en su condición de alteridad radical) o cierta misoginia? Es difícil responderlo. Solo nos queda el consuelo de creer que nuestro mundo real es (a veces) mejor, pero con cierta sospecha de lo que lo imposible a veces irrumpe y otras veces necesita ser develado (o sugerido), tal como lo hace este grupo de narradores peruanos.

Elton Honores. Licenciado en Literatura por la UNMSM. Su principal campo de investigación es la literatura fantástica. Ha publicado el libro Mundos imposibles. Lo fantástico en la narrativa peruana (Lima: Cuerpo de la Metáfora Editores, 2010) y es coantologador de Los que moran en las sombras. Asedios al vampiro en la narrativa peruana (2010). Actualmente concluye estudios de Maestría en Literatura Peruana y Latinoamericana en la UNMSM. Es director de la Revista Tinta Expresa y profesor en la Universidad San Ignacio de Loyola. Blog: www.eltonhonores.blogspot.com

FANTASY IN MUSIC (IX) IN THE COURT OF THE CRIMSON KING - KING CRIMSON

noreply@blogger.com (Santiago) — Wed, 01 Feb 2012 17:00:00 +0000

King Crimson (o debiéramos decir acaso Robert Fripp y compañía) fue una de las bandas más originales y podríamos decir, fundamentales en la formación de lo que ahora llamamos el Rock Progresivo siendo el álbum que da título a esta entrada el primero de la formación y donde se nota ya, con un tremendo impacto un sonido tan original como inquietante, con un profundo sentido de la narrativa y con influencias que van desde el jazz a acordes que translucen influencias medievales.

Impresionante desde la portada -que podemos ver líneas arriba- los dejamos con una muestra más que significativa de esta obra maestra, el tema final del álbum y que da título a este. Disfrutad.

Nota: La portada compuesta fue encontrada en esta entrada la Corporación Nacional de Asistencia al Melómano, una excelente reseña del álbum.

El Temor hacia las casas Embrujadas

noreply@blogger.com (Argonautas) — Tue, 31 Jan 2012 15:54:00 +0000

EL TEMOR HACIA LAS CASAS EMBRUJADAS: UNA APROXIMACIÓN DESDE LA PSICOLOGÍA

Germán Atoche Intili¹

“Es una casa que habla a la fantasía.
Ni el Padre Santo de Roma le hará
creer[…] que esa casa no ha sido
teatro de misteriosas leyendas”

La casa de Pilatos,
Ricardo Palma, 1868

Introducción

En el siguiente trabajo se analiza el papel de la casa como refugio-confort para la humanidad y el quiebre de esta ilusión al enfrentarse con eventos sobrenaturales que producen ansiedad, siendo reflejados en la tradición oral, la literatura y otros medios² hasta la actualidad.

La importancia de la vivienda

El hombre descendió de los árboles, abandonó las cuevas, construyó moradas rudimentarias buscando protección, descanso y con el tiempo comodidad. Gispert (1986) refiere que antiguamente los hogares eran en gran medida autosuficientes, se construían con los materiales accesibles. Su tecnología de construcción existía desde la Prehistoria, mostrándose grandes avances a partir del siglo XIX con el ingreso de tuberías, gas, calefacción doméstica y luz eléctrica en las ciudades por lo que ahora dependen de muchos servicios complejos.

Para Charles Édouard Jeanneret-Gris, uno de los arquitectos más influyentes del siglo XX, conocido como Le Corbusier (1967), la casa es una máquina de vivir, sosteniendo que “no se ha consagrado ninguna atención a lo que constituye la vida de todos los seres: lo cotidiano, esos momentos y esas horas pasadas día tras día, desde la infancia hasta la muerte, en esas habitaciones, sitios cuadrados y simples que pueden ser emocionantes, constituyendo en realidad, el teatro primordial donde actúa nuestra sensibilidad, desde el momento mismo en que abrimos los ojos a la vida” (20).

El papel de la casa en la cultura popular

En los cuentos de hadas pueden tener un papel importante, la bruja de Hansel y Gretel se alimentaba de niños, atraídos a su casa hecha de dulces. Diversos refranes retratan al hogar, por ejemplo: la casa es el castillo del hombre; los casados casa quieren; la casa es chica pero el corazón grande; la ropa sucia se lava en casa o en casa de herrero cuchillo de palo. También existen supersticiones³ ligadas a ésta, cuando un murciélago entra es promesa de riqueza y si un grillo lo hace el dueño recibirá dinero ese día (Palma, 2000 c), abrir un paraguas dentro sería de mal agüero.

El papel de la casa en Psicología

Uno de los más famosos juegos infantiles es el de la casita. Hartley, Frank y Goldenson (1965) consideran que en actividades como ésta los niños, de tres a cinco años y medio, pueden imitar a los adultos, encarnar roles de la vida real en forma intensa, reflejar relaciones y experiencias, expresar necesidades apremiantes, liberar impulsos inaceptables, invertir roles habitualmente asumidos, reflejar el crecimiento, elaborar problemas y experimentar soluciones. En Psicología utilizamos el test proyectivo de la casa “buscando asociaciones con la vida hogareña y [conocer] las relaciones interfamiliares (pasadas o presentes)” (Pérez Cali, 2003, 47).

Análisis

Según la arquitecta Gloria Bass M. (2008): “La historia de la “casa embrujada” es tan antigua como antiguas son las casas y como antiguo es el miedo humano a lo desconocido” (11). Consideremos que donde suceden eventos fantásticos-terroríficos se rompe la ilusión de seguridad, regresando a nuestros miedos ancestrales. Podemos dividir en dos vertientes los eventos en la casa.

Primera vertiente

En forma de espíritus y otros que permanecen ⁴ en la casa, como sucede con los secretos que afectan la dinámica familiar⁵. Entre estas figuras podemos encontrar a los duendes, quienes “se esconden bajo las camas, ente las alacenas, tras los muebles más pesados, en las junturas de las puertas[…]” (Nicoli Segura, 2005, 11-12).
En el Cercado de Lima Palma (2000 a) narra que “hasta 1840 había en la parroquia de Santa Ana una casa que nadie quería habitar por miedo a duendes y ánimas⁶ […]” (246), fue conocida como Casa de las penas pues a fines de 1700 murió allí una chica, apuñalada, sin poder descubrir el motivo o a su asesino.
También en el centro es famosa la casa Matusita por variados rumores, desde asesinatos, aparecidos, hasta conspiraciones de gobiernos extranjeros. En el primer piso funciona actualmente la sucursal de un banco mientras el segundo permanece vacío pues se cree que allí ocurren extraños hechos (Taira, 2008).

Recordemos que en muchas historias la condición para hacerse propietario de alguna herencia es dormir en una casa antigua habitada por espíritus. Palma (2000 b) relata que desde la llegada de los españoles se buscaba en Perú tesoros enterrados por incas, mineros y otros, que estarían al cuidado de diablos. En casas donde los fantasmas penarían las riquezas escondidas se revelarían a través de golpes misteriosos a medianoche o fuegos fatuos.

Segunda vertiente

El lugar donde pasamos varias horas del día, se antropomorfiza, la vivienda cobra vida, puede imponernos su voluntad. Así lo expresa uno de los personajes de Cortázar (1971) en el cuento Casa tomada⁷ : “A veces llegamos a creer que era ella [la casa] la que no nos dejó casarnos” (115).
Al respecto Bass M. (2008) considera: “Las construcciones, más que estar habitadas por fantasmas, están vivas ellas mismas, al estar compuestas por materiales que trabajan en conjunto para formar una estructura resistente” (11).
Poe (1985) refiere sobre el protagonista de La caída de la casa Usher:

"Estaba obsesionado con ciertas impresiones supersticiosas relacionadas con la casa que habitaba[…] influencia de ciertas particularidades de pura forma y materia de su mansión familiar que, según él decía, había pesado mucho sobre su espíritu; un efecto ‘físico’ de las grises murallas, torres y sombrío estanque que había influido enormemente sobre lo ‘moral’ de su existencia” (83).

Y más adelante Usher considera que cosas inorgánicas, como su residencia, pueden poseer inteligencia e influir en las personas:

“Sin embargo, aquella creencia se relacionaba[…] con las grises piedras de la casa de sus antepasados. Aquellas condiciones de conciencia se habían cumplido allí, según él imaginaba, por el orden de su distribución así como por los innumerables ‘hongos’ que las recubrían y por los decadentes árboles que se alzaban en derredor, y, sobre todo, por la larga e ininterrumpida duración de aquel orden, y por su reduplicación en las aguas del estanque[…] la prueba de la conciencia, podría hallarse, decía[…] en la gradual aunque segura condensación de una atmósfera propia en las aguas y en los muros. El resultado de ello, añadía, podía descubrirse en aquella muda pero insistente y terrible influencia que durante siglos había plasmado los destinos⁸ de su familia, y que había hecho de ‘él’ lo que yo podía ver en aquellos momentos” (87).

Conclusiones

En este tipo de sitios la maldad queda impregnada y regresa⁹ . En un intento por recobrar la seguridad perdida recurrimos a ritos como bendecir o limpiar las casas, si todo falla nos alejamos. Comprendemos que el terror se relaciona con las moradas abandonadas o antiguas, ecos del pasado, alejándose de lo nuevo, moderno. Calderón Fajardo (2009) da la siguiente explicación:

“La modernidad elimina la diversidad[…] La Razón se negó a considerar serios los mitos y los fantasmas ancestrales de la humanidad. Todo lo que tenía de milagro en el sentido religioso o metafísico del término[…] fue puesto en el índex de la incredulidad moderna” (89).

Sin embargo años de civilización no han podido disipar totalmente nuestros temores y creencias. Aun escuchamos sobre espectros, gente poseída jugando a la ouija y otras manifestaciones de lo sobrenatural¹⁰. A estos se suman otros temores más contemporáneos: secuestros, robos, asesinatos, etc. El exterior real terminaría presentándose como un lugar tan peligroso como las mismas casas embrujadas. Surge la paradoja, ¿qué hacer cuando nos sentimos inseguros tanto dentro como fuera del hogar?

Bibliografía

Atoche Intili, Germán. “El polvo del saber: la maldición de cumplir lo anhelado en un cuento de Julio Ramón Ribeyro”. Yuyaykusun 3, Revista del Departamento Académico de Humanidades de la Universidad Ricardo Palma, 2010.

Bass M., Gloria. “De sombras y fantasmas”. Enigmas y misterios del mundo 46. Revista del Diario Noticias. Junio 2008: 11.

Bierce, Ambrose. “Diccionario del Diablo”. Ciudad Seva. 31 de enero 2004. Consultado el jueves 04 de noviembre 2010 en http://www.ciudadseva.com/textos/otros/dicdia01.htm

Calderón Fajardo, Carlos. “La vampiro que hace milagros”. El viaje que nunca termina (La verdadera historia de Sarah Ellen). Lima: Ediciones Altazor, 2009. 83-93.

Cortázar, Julio. “Casa tomada”. La isla a mediodía y otros relatos. España: Salvat Editores, S.A. – Alianza Editorial S.A., 1971. 115-119.

Gispert, Carlos (Director). “Casas II”. Enciclopedia Básica Visual, tomo 2, 1986.

Hartley, Ruth Edith; Lawrence. K. Frank y Robert M. Goldenson. Cómo comprender los juegos infantiles. Buenos Aires: Ediciones Hormé, 1965.

Hooper, Toobe (Director). Poltergeist [Película]. EE.UU: Spielberg, Steven; Michael Grais y Mark Victor, 1982.

Kubrick, Stanley. (Director/Productor). El resplandor [Película]. EE.UU: Harlan, Jan y Martin Richards, 1980.

Le Corbusier. “Construir viviendas”. Mensaje a los estudiantes de Arquitectura. 3º ed. Buenos Aires: Ediciones Infinito, 1967. 22-26.

Le Fanu, Joseph Sheridan. “Asedio a la casa roja”. Biblioteca universal de misterio y terror 2. Valverde, José Antonio. (Compilador). Madrid: Ediciones UVE, 1981. 102-112.

Llerena Caballero, Sergio. “Viendo gente muerta”. Somos XXIII, 1247. Octubre 2010. 100-105.

Milligan Peter (Guionista); Aparo, Jim (Dibujante) y Leialoha, Steve. (Entintador). “La hierba hambrienta”. Batman 60, 2º serie. Barcelona: Ediciones Zinco, 1992. 3-24.

Montenegro, Fernando (Director). Encierro [Película]. Perú: Perromostro Producciones, 2009.

Nicoli Segura, Pablo. “Los duendes arequipeños”. Arequipa fantasmas y leyendas. Arequipa: Editorial Distribuidora Alexis, 2005. 11-13.

Palma, Ricardo a. “La casa de las penas”. Tradiciones peruanas, tomo III. Lima: Enrique Cappelletti Representaciones Editoriales, 2000. 246-248.
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Pérez Cali, Alicia. Aprenda a interpretar dibujos. Buenos Aires: Imaginador, 2003.

Poe, Edgar Allan. “La caída de la casa Usher”. Historias extraordinarihttp://www.blogger.com/img/blank.gifas. Bogotá: Editorial Oveja Negra, 1985. 79-93.

Real Academia Española (Editores) Superstición. Diccionario de la Lengua Española, tomo 9. 22 ed. 2001.

Taira, Percy. “Ubicación de la Casa Matusita”. Expediente oculto. 23 de febrero de 2008. Consultado el lunes 26 de octubre 2009 en http://expedienteoculto.blogspot.com/2008/02/ubicacin-de-la-casa-matusita.html

*Publicado originalmente en el fanzine El horla, número 2 (enero – febrero de 2011).

Germán Atoche Intili (Lima, 1982). Psicólogo, diplomado en Recursos Humanos. Desde el 2005 administra Cosas que (me) pasan, www.elgatodescalzo.wordpress.com. Participa en diversos recitales y coloquios. Ha publicado ensayos como Revisión del mito del superhéroe: análisis psicológico (2010) y ‹‹El polvo del saber››: la maldición de cumplir lo anhelado en un cuento de Julio Ramón Ribeyro (2010). Antologado en Punto aparte. Muestra de poesía hispanoamericana (2012) y Sacra cofradía (2011), entre otros. E- mail: cosasquemepasan@gmail.com

NOTAS:

1cosasquemepasan@gmail.com / www.elgatodescalzo.wordpress.com
2Encierro, película del director peruano Fernando Montenegro (2009), muestra a cuatro jóvenes se internarán en diversas casas buscando fotografiar a un fantasma.
3 “Creencia extraña a la fe religiosa y contraria a la razón” (Real Academia Española, 2001).
4 Medios como el cine y la televisión, entre otros, se han nutrido de creencias según las cuales esos fantasmas hallarían paz en cuanto logren superar el obstáculo que los retiene aquí.
5 A veces el peligro no es externo. Muchas historias relatan que alguno de sus miembros enloquece atacando al resto, como observamos en la película El resplandor (Kubrick, 1980), inspirada en una novela de Stephen King. Tristemente acciones como ésta se alejan de la ficción y son reflejadas por los noticiarios a diario.
6 Un clásico film sobre el tema, considerado maldito, es Poltergeist (Hooper et al., 1982).
7 En un futuro ensayo profundizaremos en este texto, tomando en cuenta la importancia del pasado familiar en la salud mental de los miembros de la misma, como observamos anteriormente (Atoche Intili, en prensa).
8 La relación de sus destinos se hace más que evidente en el final. La casa es destruida cuando los últimos Usher mueren.
9 Batman (Milligan, Aparo y Leialoha, 1992) se enfrenta contra la hierba hambrienta. Maldecida en Irlanda, quien la pise encontrará “los monstruos que acechan, las cicatrices que no sanan” (7). El superhéroe entiende que “cuando hay un asesinato, un accidente, una injusticia, no acaba ahí, sigue matando, destrozando, acabando con la gente, resonando con su maldad” (24).
10 En Perú un ejemplo de esta actualidad la encontramos en el grupo Dharma que ofrece, desde 2007, comunicarse con los muertos y librarnos de presencias malignas, mezclando tecnología moderna con habilidades psíquicas (Llerena Caballero, 2010).

CINE- ANIME: Shôjo Kakumei Utena: Adolescence Mokishirokou

noreply@blogger.com (Santiago) — Sat, 10 Dec 2011 13:00:00 +0000

Título: Shôjo Kakumei Utena: Adolescence Mokishirokou

(Utena: La chica revolucionaria - Adolescencia Apocalíptica)

Duración: 80 min.

Fecha de estreno: 14/8/1999

Concepto: Be Papas

Director: Kunihiko Ikuhara

¿Por qué comentar una película del siglo pasado ya llegados al 2011? Y más aún, cuando, en su debido momento circularon artículos, interpretaciones y exégesis de lo más variada sobre esta singular producción.

A estos cuestionamientos, creo poder responder de la manera siguiente: Que, dada la distancia en el tiempo es quizás más sosegadamente que resulta posible mencionar lo más esencial, dejar en claro lo más resaltante y poner en valor y perspectiva el significado de esta obra, siendo esta idea válida para cualquier obra artística que se precie o que aspire a aquello que humildemente llamamos trascendencia.

Con lo anterior dado por sentado, podemos entonces afirmar sin ambages que Shôjo Kakumei Utena es, antes que una producción audiovisual, un concepto cuyo alcance va más allá de lo estrictamente "consumible" que puede encontrarse -incluso ahora- dentro del mundillo del anime. A saber: contamos con un manga (dibujado por Chiho Saito, encargada del diseño de personajes en la película y serie) además de la Película que hoy nos ocupa, precedida de la serie de 39 capítulos de entre los cuales varios son prescindibles y que siguen la misma estructura de los Shôjo anteriores, como el clásico Sailor Moon, construído a base de repeticiones casi rituales que se desencadenan en episodios climáticos que, consiguientemente, dan paso a un nuevo arco de historia donde las dinámicas se alteran ligeramente, preparando el terreno para la crisis posterior, y así, por oleadas, hasta el clímax final.

Tal es así, que ahora los exégetas y diversos clasificadores mencionan a Utena como una producción emblemático del sub-género yuri que es específicamente de carácter lésbico. A esto, hasta cierto punto, contribuye el diseño de persoajes, de líneas muy finas y sensuales de Chiho Saito (autora también del manga correspondiente)

Al ser interrogado acerca de lo deliberado de este enfoque (y lo potencialmente controversial para algún sector de la audiencia) el Director y jefe creativo del proyecto, Kunihiko Ikuhara, que había ganado fama considerable por otro título notable dentro del sub genero shôjo, orientado al público femenino, este afirmó que una historia de amor de este tipo fue escogida "para que el género de los personajes no entorpeciera la narración" Palabras que tienen relación también con el estilo Takaratzuka de teatro/comedia musical, donde todos los personajes son representados por mujeres, llegando a representar la historia como Comedie Musicale: Utena la fillette révolutionnaire.

Llegamos a la trama, en la cual me detendré lo menos posible porque tal como todo en este concepto, es sólo un medio para transmitir profundos pareceres y emociones, los personajes de la historia, al igual que en la serie homónima (estamos hablando en este caso de una variación sobre el tema, de la historia contada desde un ángulo diferente)

Esta se inicia con la llegada de Utena Tenjô (voz: Tomoko Kawakami) a la Academia Ohtori, aparentemente un internado de alta sociedad cuya extrañas estructuras de arquitecturas imposibles dan a presagiar que algo no encaja del todo bien. En principio, Utena va vestida de chico y es incluso abordado como tal por alguna estudiante descuidada, pero el misterio se profundiza al encontrar esta, dentro del capullo de una rosa en el jardín, un anillo con un sello cuyo motivo refiere a la misma Rosa y que simboliza al oscuro consejo estudiantil. De inmediato se ve transportada un jardín en un piso superior donde una joven, Anthy Himemiya (voz: Yuriko Fuchizaki) riega unos rosales, esta se sorprende al verla con el sello de la rosa y de inmediato interviene otro estudiante, Saionji (voz: Takeshi Kusao) quien la reta a duelo de inmediato, claramente considerando a la novia de la rosa sólo un instrumento.

Este es el inicio de las peripecias de Utena, atrapada en el juego de los duelos de la "Novia de la Rosa" donde todos los participantes, sin saberlo, buscan realizar, a través de esta, algún caro anhelo que se irá revelando en su momento, dentro del denso tejido de la historia.

La narración es deliberadamente no líneal, llena de elipsis y saltos en el tiempo, estos dislates y las reacciones de los personajes (que, como encajando dentro de un plan mayor, representan tanto un color como una emoción) van poco a poco, dando forma a la idea de qué es en realidad la escuela Ohtori y cual es la función de los duelos. Lo que nos introduce a una contradicción que probablemente sea el verdadero leit motif de la producción -y un llamado de atención al fandom, bien disfrazado- es la contradicción entre el cómodo mundo de la escuela (donde "todo" es posible, aparentemente) y el mundo real, que se más ancho y ajeno que nunca, a juzgar por las crípticas escenas finales y que es el que finalmente brinda la explicación a la multitud de paradojas que adornan la trama, comenzando con las arquitecturas imposibles y continuando por diversas escenas que desafían las leyes de la coherencia.

En el apartado técnico, el guión de Shinya Hasegawa se las arregla para mantenernos entretenidos sin ceder un ápice de la complejidad de la historia en ningún momento, donde, como ya es costumbre con Utena, la verdad se revela de a pocos y apelando al uso de analogías y referencias surrealistas (aunque advertidos quedamos, ya desde la primera escena, que la escuela Ohtori no es precisamente normal) Tal como podemos ver en el segundo vídeo líneas abajo.

Finalmente, una de las razones por las que más me llamó la atención esta producción, la música. A cargo,al igual que la serie de una dupla que genera una extraña división: Mitsumune Shinkichi a cargo de las incidentales, entre las cuales se destaca un uso intensivo del piano (como en la célebre pieza Hikari Sasu Niwa, El jardín iluminado por el sol, que aparece en múltiples variaciones a lo largo de la serie y en este film) y una clara influencia del Jazz en algunas construcciones y los coros de Duelo, de estilo Takaratzuka, a cargo del artista conceptual J. A. Seazer, con fuerte influencia de elementos de Rock Progresivo, combinados con instrumentos tradicionales japoneses y letras de una poética tan intensa como a veces críptica, que recorren la más profunda gama de emociones humanas, redondeando un producto de fondo y forma muy interesantes y que seguirá dando que hablar entre los cultores del género.

Enlaces:

Ficha en Anime News Network

LIBROS: El Camino de los Aegeti

noreply@blogger.com (Argonautas) — Sun, 22 May 2011 05:09:00 +0000

Torres, Jeremy. El camino de los Aegeti. Lima: Editorial Casatomada, 2010. 181 pp.

Muchas veces en la narrativa peruana nos topamos con novelas atípicas dentro de la producción literaria de moda. Por mucho tiempo el realismo, en todas sus vertientes, por ejemplo el realismo extremo o la narrativa sobre la violencia política, han calado muy hondo en nuestro imaginario hasta prácticamente copar nuestros gustos. Sin embargo, muchas de esas obras han seguido el ritmo de una moda que parecía inagotable, sobre todo el realismo político, resultado de una etapa de desencanto en el Perú, esta es la del último gobierno de Fujimori. Uno puede preguntarse, ¿qué pasó? ¿Por qué otras vertientes literarias como la fantasía, la ciencia ficción y el terror no se desarrollaron en nuestro país como si lo hicieron en otros lares, como por ejemplo, en Argentina? Esto se debe a multitud de factores, una labor que deberá ser desentrañada por académicos notables que se encuentran en plena actividad y que, por cierto, respetan mucho el género fantástico. Porque la fantasía, en todas sus ramas, es un género agradable, vertiente de la Literatura en la cual la imaginación se desborda hasta límites inconcebibles y, a veces, rebasa estos límites para poder brindarnos historias que no nos dejan incólumes. En otra oportunidad me tocará demostrar la gran importancia que tiene el género de la fantasía en nuestro país pues siempre la hubo. Recordemos a Julio M. Del Portillo y Lima de aquí a cien años, a Clemente Palma y sus Cuentos Malévolos o los excelentes relatos de Alberto Hidalgo y Abraham Valdelomar, entre otros. Siempre ha habido fantasía en nuestro país, que no se le haya dado la prensa debida a dichas obras es otro cantar. Pero la hubo y la hay, nuestra misión como lectores constantes es descubrir aquellos textos, leerlos y revalorarlos para darle el lugar que merecen. Si hasta Mario Vargas Llosa en su libro Elogio de la madrastra tiene un par de cuentos que pueden encuadrarse dentro de las corrientes de fantasía y ciencia ficción respectivamente.

A propósito de Vargas Llosa, en su último discurso, en su homenaje por el Premio Nobel de Literatura al que fue acreedor, el célebre escritor menciona una oración que ha quedado impregnada en mi mente con gran fuerza: Uno escribe porque es rebelde e inconformista.

Sabias palabras. Precisas. Concuerdo con ellas. Coincidirá, usted conmigo entonces que no hay género más rebelde, más inconformista, más transgresor que la ciencia ficción. En dicho género el autor propone ideas con respecto a un tema o una problemática, extrapola, dichas ideas, las expone, y logra un producto que discute con la realidad primaria, la cual es nuestra propia realidad refractada en el texto escrito. Mientras la novela histórica, pongo por caso, La guerra y la paz de León Tolstoi se dedica a contarnos: ¿Qué pasó?, la ciencia ficción se formula una pregunta diferente: ¿Qué pasaría si?, ¿cómo sería el mundo?, ¿si el mundo fuera así cómo podríamos cambiarlo?, ¿si pudiéramos cambiar un mundo ya antes transformado a que nos llevarían nuestro actos?, etc. Tantas preguntas, tantas obras escritas dentro del género de la imaginación. Siempre he respetado la fantasía científica, hay quienes aún la siguen menospreciando, pero eso poco a poco va cambiando.

Al menos este año en el Perú se han publicado varias obras de fantasía, ciencia ficción y otras tantas inclasificables, a las cuales podríamos encuadrar dentro del género de Slipstream. Por ahí alguna obra trascendental como Solo un punto de Julio Meza Díaz. Dentro de esta nueva oleada de obras pertenecientes al slipstream, corriente inclasificable que no puede definirse al ciento por ciento como fantasía neta o ciencia ficción neta, tenemos El camino de los Aegeti de Jeremy Torres. Una obra que me ha sorprendido mucho, de buena manera, por supuesto. Este libro cuenta las peripecias de Julián Spiegel, un joven limeño de veinte años que se convierte en Aegeti, un ser con poderes excepcionales. En la novela se nota el crecimiento del personaje con respecto al dominio de estas facultades, al principio las usará a diestra y siniestra, pero entenderá que su deber radica en hacer el bien y proteger a la raza humana. Hay muchos aspectos que resultan llamativos en el libro, el primero es el dilema moral. Julián no deja de problematizar su propia situación y poner en una balanza su capacidad para el bien y el mal. ¿Es justo acabar con los asesinos, violadores y demás delincuentes? ¿No son acaso ellos seres humanos a los que se debe proteger? Este conflicto moral resulta imprescindible para poder entender la personalidad del joven protagonista y, de este modo, podamos identificarnos con él, a fin de seguirlo a través de incontables aventuras.

Por supuesto, esta no es una novela típica. No sigue los patrones básicos que cumplen los novelistas. El protagonista emite juicios, es machista a veces, racista también (su mejor amigo lo es, aunque más adelante se arrepiente de tal postura), las mujeres son vistas como un pedazo de carne. Hay errores de redacción y ortografía que muestran un gran descuido editorial, aunque existe la plena confianza de que puedan corregirse en una segunda edición. Hay lugares comunes, clichés, diálogos melosos y situaciones rebuscadas. Eso es cierto, pero nadie que lea la novela podrá decir que es aburrida. Realmente, es una obra bastante entretenida, engancha al lector desde la primera página y lo lleva a vivir una epopeya absorbente y llena de acción. La gran mayoría de los personajes rebosan de vida propia y, a pesar de que el autor maneja un gran número de éstos, no confunde al lector. Define bien a los sujetos y les da un rol adecuado a cada uno. Puede parecer una obra juvenil en principio, pero conforme vayamos leyendo notaremos altas dosis de violencia y alguna escena de sexo muy bien manejada. El camino de los Aegeti es un híbrido entre la ciencia ficción y la fantasía. Del primer género tiene varios elementos: Los mundos paralelos, la conspiración, la tecnología llevada al límite, los mutantes, la devastación de un fragmento de ciudad, los defensores del planeta, etc De la segunda vertiente tiene tantos otros: Los poderes místicos, los (super)héroes autorrealizados, las fuerzas del mal (diabólicas), las fuerzas del bien, la mitología, etc. Y cumple las cualidades de las cuales nos habló Vargas Llosa: la rebeldía y la inconformidad, estoy seguro de que el texto las pregona al máximo. Hay partes logradas, por ejemplo, la escena romántica entre Julián e Isabela Noisette, la cual nos llama la atención por lo extensa que es y por su ambientación bien conseguida, solo un preparativo para lo que vendrá más adelante, una situación de desastre extrema; y de desencanto. Haciendo una acotación sobre este punto, solo en la ciencia ficción se pueden desarrollar este tipo de ideas. Veamos, ¿qué pasaría si un arma biológica destruyera Miraflores, San Isidro, El Callao y otras zonas de Lima. Pues la respuesta se halla en este libro. El combate final ha de ser lo mejor de la novela, aquí se vuelve a apreciar el problema moral que recorre buen número de páginas. Tenemos así una escena memorable que no dejará indiferente a lector alguno. Por cierto, se puede notar que habrá una continuación debido a las grandes cuestiones por resolver que quedan pendientes en el texto. Esperemos que Julián Spiegel en su extenso peregrinaje pueda cumplir su misión. Concluyo que con este libro Jeremy Torres demuestra grandes virtudes, su talento para la construcción de situaciones y para captar la atención del lector, y una gran imaginación. Cierto es que siendo un narrador joven se espera de él un crecimiento literario, una maduración artística que lógicamente llegará con los años. A la espera de ello.

—Carlos Enrique Saldivar

CINE: El Imaginario del Doctor Parnassus (2009)

noreply@blogger.com (Santiago) — Sat, 21 May 2011 01:12:00 +0000

Para los conocedores, el nombre Terry Gilliam (Medicine Lake, 1940) es casi siempre garantía de buen cine y de elementos siempre presentes para bien del espectador que gusta de lo fantástico, así, vamos desde el apocalíptico futuro de 12 Monos hasta los Hermanos Grimm en el que vamos de la prestidigitación al cuento de hadas hecho, irónicamente, realidad de la peor forma posible.

Parnassus es también notable por ser la última película del ganador póstumo del Oscar Heath Ledger quien falleció al apenas haber completado aproximadamente la mitad de las tomas correspondientes a su papel: un amoral hombre de negocios al cual algo siempre parece salvarlo inesperadamente.

Más allá de esta especie de Leyenda Negra acerca del film, he de decir que es una pieza muy interesante de entretenimiento que bebe de varias tradiciones y vertientes, desde el teatro del absurdo a la comedia negra, con una variedad de personajes que desafían cualquier molde preestablecido.

Tenemos en primer lugar al Doctor Parnassus (Christopher Plummer) Un viejo sabio y por una broma del destino, inmortal. En el film se declaran sus orígenes, adentrándonos en una extraña secta que canta una canción -literalmente- "para sostener al universo" (¿habrá tenido en cuenta Gilliam a la Mecánica Cuántica y la teoría de cuerdas en ello?) y en el clásico episodio de caída de la gracia de la mano de un torcido, socarrón, apostador y siempre de bigote y sombrero diablo (el inacabable rockero Tom Waits) que es el punto de inicio de una larga historia de la que el espectador solo se entera indirectamente y que sirve de marco para el drama central del film.

Este drama involucra a la joven hija de Parnassus, Valentina (la modelo Lily Cole) quien lo asiste en un teatro ambulante junto con un joven prestidigitadot de nombre Anton (Andrew Garfield) y otro viejo compañero de la secta, Percy (Verne Troyer) teatro en el que ofrecen, a través de un espejo mágico, un camino a la iluminación para quien se atreva a transitarlo, intención que se suele ver frustrada por los astutos ardides del diablo que acaba tomando para sí las incautas almas que se pierden detrás del espejo. Este cuadro se termina de completar con el hallazgo, colgado de un puente, de un misterioso hombre llamado Tony (Ledger) quien además de estar colgado, lleva un extraño tubo en la garganta.

Así, van agregándose los elementos de la apuesta final con el diablo, en la que "Tony" tendrá una participación crucial.

Un tema interesante que la trama de la película plantea es la dualidad realidad/imaginación, léase, el mundo detrás del espejo (como en la novela de Lewis Carroll) donde es la imaginación de quien cruza, potenciada por las misteriosas habilidades de Parnassus crea las leyes de funcionamiento de este, rompiéndose cualquier concepción preestablecida, tema con el que Gilliam juega bien para compensar la ausencia de Ledger: así, en un viaje al imaginario donde la imaginación de una mujer de mediana edad prima, Tony cambia de apariencia volviéndose, literalmente, Johnny Depp. En otra circunstancia, las propias fantasías de poder de Tony lo llevan a asumir la forma de Jude Law y en un ingreso posterior, esta vez de la mano de Valentina, es la forma de Colin Farrell la que el personaje toma.

Sin duda una salida creativa, donde vemos que el imaginario tiene sus propias reglas y que, para cada participante en este, el imaginario resuena y proyecta una nueva realidad, de acuerdo a las pulsiones o deseos de quien en el entra, lo cual nos lleva a otra muy humana paradoja: la distancia entre conocer la verdad sobre uno mismo y aceptarla.Una contradicción que se muestra claramente en el Filme, donde, a cada sugerencia de Parnassus dentro del imaginario (incluyendo cosas tan disparatadas como un baile can-can protagonizado por policías usando portaligas y zapatos de taco) está siempre presente la del Diablo, ofreciendo la salida fácil que siempre acaba en condenación.

En resumen, una película que destaca por lo original de su trama, lo creativo de sus resoluciones y sobre todo, por el testimonio de solidaridad que reperesenta, cosa ciertamente rara en la "hoguera de vanidades" que suele sea la Industria del Cine.

Finalmente... ¡el trailer!

RESEÑA: Fanzine EL HORLA

noreply@blogger.com (Santiago) — Sat, 12 Feb 2011 20:30:00 +0000

El Horla

Fanzine de Fantasía, Terror y Ciencia Ficción
Año 1 / N° 01 / Editorial Vellocino de Oro

Aunque se presenta como un fanzine termina como una revista digna acompañante de su hermana mayor Argonautas. La carátula de Bacon surreal e inquietante marca el sendero por donde se deslizarán los textos, parece traslucir una invitación hacia una situación incómoda pero enriquecida de emociones. La contracarátula con un dibujo de Pham LeUyen expone una mezcla tremebunda de horror y seducción colereada con acierto y recogiendo la angustia onírica del uno y el apetiro masivo de la otra. Los selección de las viñetas interiores puede mejorarse para un próximo número pero manteniendo la presentación de las webs latinoamericanas e hispanas de nuestros géneros emblemáticos.

El editorial visceral y sincero nos permite transitar por las venas abiertas del proceso editorial, así mismo nos entrega con ejemplar desparpajo las pulsiones secretas y anécdotas ocultas del autor que acude a compartirlas con la convicción que durante la lectura cada cual conforma ese ser multiforme y potente del cual nos hablaba Karl Gustav Jung, y es que en cierta forma recorrer los textos nutre ese constructo denominado “inconsciente colectivo” de la humanidad que permite explicar tantas extraños eventos. Según como abordemos las minibiografías serán con frecuencia tan sabrosas que constituyan un adecuado postre para el cierre o un agradable cordial de introducción al banquete literario propuesto.

Clonandino: Adriana Alarco de Zadra
Más allá de su tono ligero y líneas ingrávidas, casi suave miel, posee un fuerte núcleo que funciona como atractor: la posibilidad tecnológica de lograr lo que consideramos imposible. Y cuando creímos llegar al muelle de la carcajada con alguna burla al miembro clonado, chocamos contra el énfasis social, la denuncia que la autora asume en muchos de sus sentidos relatos, aquí atiborrado con recuperación de imágenes mitológicas, ligadas a la defensa de los discapacitados y expresiones del cinismo habitual con que el bloque de poder se solaza en perpetuar sus desatinos.

Hay que escuchar a los hijos: Carlos Enrique Zaldívar
Empieza colocándose bajo el abrigo protector de uno de sus autores más queridos mientras desbroza con detallada observación los comportamientos sociales de los implicados, y aunque presentimos de que tema debe tratarse, con una resolución siempre desplazada al párrafo siguiente logra acicatearnos para que arribemos a la sorpresa final. A pesar de que el uso del tiempo es deliberadamente confuso consigue transmitirnos una dimensión adicional cuando se recurre a la lectura dentro de la lectura. Nunca existirán explicaciones de porque el padre cubre jornadas de trabajo tan extenuantes ni como soportan una niñera tan negligente y horrorosa ni otros temas semejantes, pero no importa cuando palidecen ante el sortilegio inmarcesible de una cierta eternidad tramposa.

El amante de Irene: Daniel Salvo
Fluído, nos contagia al instante de su humor sarcástico, de su solapado intento de desmontar las artimañas de una familia suburbana para continuar estirando su vida convencional hasta el definitivo momento de la separación, ya no se quieren pero desean proseguir hasta el engaño final, y es que ese contacto ET que nos ofrece es sorprendente como un uppercut que irrumpe cuando menos lo esperas por el significado que lo acompaña, ¡ay, de las reivindicaciones de género!.

Selene: Gonzalo Del Rosario
Deriva ontogénica pautada por las etapas sexuales, no explicará cual tecnología se usa para captar cada coito realizado con afán, cada movimiento dibujado con placera, así que no tendremos otro remedio que otorgarle al diabloo a algunos de sus congéneres, discípulos o sirvientes el poder para liquidar a la víctima con la comprensión de sus avatares digitales y un postrer polvo.

¿Encuentro...?: Luís Antonio Bolaños De La Cruz
Un náufrago, fruto tardío de conflictos empresariales a largo plazo y choques violentos a renglón siguiente, sobrecargado de subsistemas redundantes mantenedores de vida, pero que no encuentra a su Viernes que lo redima sino a su verdugo que lo aniquila; una forma de vida muy ET aterrorizada por extraviar sus referentes colectivos, diseñada con acierto, y entregando suficientes elementos para conjeturar sobre su sociedad, sus angustias e intrigas y lo que influye sobre la toma de decisiones; planos que se mixturan para armar un desenlace fatal entre dos solitarios en medio de la aridez interminable de las planicies desgastadas de un planeta moribundo, ambos signados por la tristeza y... la desolación aunue por diferentes motivos. Una imagen sobre la dificultad de comunicarnos que sólo encontraremnos en el marco de un relato de CF.

Desencuentro: Luís Cangalaya
De la existencia dinámica universitaria al latido vibrante pero en simultánea indiferente de un cafetín, para exponer en las flagrantes heridas del protagonista el romanticismo más desenfrenado y especular, ya que lo que nos sacude en el papel sucede en una habitación muy particular y no dudamos que será la clave para la escena final.Y aunque no lo crean tras mis palabras, acaba bien.

Marcas: Eva Asdi
Eva nos presenta un excelente relato, tan gráfico que a pesar de no tenerlas, imaginamos las viñetas, resueltas con humor y gracia, atrapando destellos que recuerdan desde las incursiones de Julius Zimmerman hasta las de Joseph Michael Linsner y Jay Atanasio en el sabroso tema de relaciones sexuales entre ángeles y demonios.

El Jala Alma: Dennis Arias
Entre coloquial y casi costumbrismo campesino crea en pocas líneas el sinsentido necesario, y sin embergo coherente, para degustar lo fantástico y convertir el Jala Alma en un protagonista ordinario de la historia, pero donde lo insólito se torna cotidiano gracias al enfoque del autor.

Ramón, Doctor Corazón: Luís Torres
Buena redacción en esta muestra de ciberpunk peruano, ambientado cual mural exhorbitante promete mucho pero no remata, o como fresco colorido, al inicio apabullante pero que se despinta al final cuando se diluye y prácticamente no pasa nada, parece un capítulo para una obra de más largo aliento.

El nombre: Julio Meza Días
Las posiciones son trazadas desde el marcador y las descripciones del proceso apenas disfrazan y más bien revelan la realidad peruana que emerge con transparencia y fuerza, quizás porque el deporte y sus franjas conexas como tema de fondo combina frustración continua y anhelo trocado en una burla colosal que desnuda a los Medios Masivos de Información y las jerarquías, broma que no por chabacana deja de ser paradigmática. Julio se esmera y se lo agradecemos... a pesar de la crueldad con que trata a su personaje.

El cigarro que volvía: Luís Eduardo Milano
Demasiado humo, demasiado vicio, demasiada tragedia, demasiada locura, con esta reiteración apunto a un relato con enfermedades inexistentes, palabras fetiche, mitos de la tecnología, aspectos que que no convencen hasta que aparece el episodio sobre el cual pivotara la magia de un pucho interminable (demasiado humo) que mezclado con el exceso (demasiado vicio) transforma el panorama en nauseoso, en asqueroso (demasiada tragedia) empujando al éxtasis definitivo de morir inhalando humo (demasiada locura), y es que así nos sentimos ante el conseguido personaje que nos endilga Luís ¿qué más se puede pedir?

Eludiendo la distopía para echar a volar la mariposa de la utopía

noreply@blogger.com (Santiago) — Fri, 11 Feb 2011 15:00:00 +0000

Eludiendo la distopía para echar a volar la mariposa de la utopía

Luís Antonio Bolaños De La Cruz

Una conversación con un amigo mientras degustaba una ensalada de frutas y enseguida la lectura de un interesante texto de Perry Anderson “El río del tiempo” donde recurre indistinto a la sociología y la ciencia-ficción para pensar sobre el devenir de las transfiguraciones de las categorías de la existencia me motivo a presentarles este par de páginas donde insisto, como es usual durante los debates de Coyllur, en especial este sábado 28.01.11, cuando trato de explicar mis ideas acerca de las propuestas tecnológicas de mejoramiento de los modelos anatómicos humanos: no es mutilación sino inserción, no es destrucción de esencias sino potenciación y expansión de las mismas, no es invasión de corpúsculos letales sino convivencia con microformas vitales que nos añaden valor y tiempo de vida, no me colocan prótesis sino me habilitan extensiones, en fin que soy de los que se ubican en la ruta de la “revolución” realizada en el único lugar donde no me pueden alcanzar los megapropietarios de las cosas: en mi propio cuerpo. Recuerden que no extraviaremos ninguna identidad porque esa ya la posee la corporatocracia, lo mejor es que forjaremos una a medida de nuestros sueños y apetencias nutrida por sucesivos conflictos cognitivos que se plasman en intervenciones somáticas, por eso la propuesta fáctica apunta hacia una apropiación consciente de la ciencia e incorporación práctica de los frutos de la tecnología, la ciencia-ficción y las redes, a través de una entidad cuya colonización podemos eludir: nuestra mente.

Ni cyborgs ni biomáquinas: La próxima revolución tecnológica no sólo ocurrirá en nuestros cuerpos como señalan pos transhumanistas sino que traerá aparejada por primera vez la posibilidad de innovaciones a medida de cada cual, ya que muchas de las inclusiones se a incrustarse bajo la dermis o de los micocomponentes que circularán en sangre y linfa estarán basadas en el propio ADN, los nanoartilugios de sostenimiento y reconstrucción continua de una situación saludable sufrirán de indeterminación cuántica en el sentido que serán influidos por el entorno intelectual de la mente a la cual nutren, las minimáquinas que nos sembrarán se someterán a las especificidades del cuerpo en el que se desplazarán, y los biochips a los que recurriremos incorporarán fractalidad sensible a la voluntad del individuo recipiente. No obstante, nos mantendremos vinculados a la naturaleza, a la defensa de los ecosistemas y el ambientalismo militante, único entorno que garantiza la exploración inteligente y sensible de Gaia.

Las ontologías del presente exigen arqueologías del futuro, y no predicciones del pasado: Potenciados, aumentados, lanzados a un universo donde el secreto individual habrá desaparecido merced a las hiperedes interconectadas requeriremos crear asociaciones para redistribuirnos y en esa opacidad de la gestalt conformada por la multitud que soy pero en la cual no me disuelvo porque conservo mi patrón organizativo para encontrar una opción de intimidad que es manifestación artística y enlace; claro que compartida, pero impenetrable porque la rapidez con que cambian sus algoritmos estará impulsada por la primera tecnología biológica de comunicación más rauda que los mecanismos externos que intenten escanear sus procesos, lo único que encontrarán serán los pecios sucesivos de las colisiones creativas, preñados de contenidos pero virados hacia la periferia de la colectividad, y que no darán cuenta del momento real en que vibran, aunque si de los derrelictos de sus imaginación.

Paisaje de pixeles y matices: Nos moveremos ondulando sobre vastas planicies de datos, y mediante acoples estructurales mixtos y multidimensionales exploraremos los “quizás” con tanta intensidad como las “concreciones”, sin estar constreñidos por imposiciones ideológicas diseñaremos ovisistemas que simultáneamente son trampas para impedir rastreos y procreadores de huellas de intelecto que serán reconocidas como la firma del grupo (la perspectiva es que cada cual tras un período de ensoñaciones puede mantenerse o migrar hacia otros colectivos semejantes o no según la volición y las clausuras operacionales preprogramadas para arranques y aceleraciones que establecen la profunda diferencia entre átomos y bits y trazan la ruta de salida del sistema de propietariado.

Crujientes y lubricados, una humanidad en epifanía: Despiertos, dinámicos, activos los humanos nos desplazaremos tanto en físico como en gestalt por los terrenos colectivizados de la ciencia expresada en tecnologías, avances de investigación, teorías explicativas, miríadas de informaciones y así nuestra deriva ontológica estará teñida de una cierta deriva discontinua pero rastreable con meditaciones, que irán conformando una dilatada deriva filogenética con corrientes de reflexiones intensas y veloces encuadradas en océanos lentos de pensamientos y a cuyos manantiales y flujos podremos acudir a cada instante desde la red o nuestros propios cerebros quebrando tapices temporales y disolviendo con intuición los bloqueos que puedan presentarse por las colisiones cognitivas que no logran interpenetrarse a la velocidad con que son requeridos por las asociaciones transitorias que juegan y se acarician en mente y músculo para propiciar una llovizna de orgasmos, demoliendo los restos del trabajo alienado y transitando de la necesidad a la libertad.

Imagen: Hayden Panettierre is a cyborg por J(mtonic.com)

JUEGOS- WARHAMMER 40000: Dawn Of War

noreply@blogger.com (Santiago) — Mon, 17 Jan 2011 01:16:00 +0000

¿Por qué hablar de Warhammer, cuya historia está evidentemente ambientada en un futuro lejano en un blog de fantasía? Por la misma razón por la cual un juego como Final Fantasy estaría en este blog, al final, si sacamos la tecnología y los efectos especiales, estamos frente a una típica obra de Fantasía, peor aun, del tipo Sword & Sorcery

Hablar de Warhammer 40000 si bien para el común de las personas puede no resultar del todo familiar, para los entendidos en materia de juegos y en particular en lo que representen los juegos de Rol de tipo manual (usando tarjetas al mejor estilo Yu-gi-oh) son una de las franquicias más célebres.

Es de este modo, e inspirado en la novela homónima que THQ produce este juego de estrategia en Tiempo real ambientado en el universo de esta franquicia y en el que seremos participes de otro episodio en que la humanidad, agrupada en algo llamado el Imperio de la Humanidad (Imperium) y sus fuerzas, se enfrentan a las fuerzas de otras civilizaciones, cada cual con sus particulares características e intereses.

Tenemos en primer lugar a los Orkos, raza guerrera que, por sobre todas las cosas, valora la fuerza y no aprecia nada más que una buena pelea. También a los Eldar, la antigua raza cuyas acciones pueden resultar incomprensibles para los humanos, pero que son impulsadas por la habilidad de estos para ver el futuro y finalmente los archienemigos de la humanidad, las terribles fuerzas del caos.

Durante la campaña de este juego, el jugador toma control de la tercera compañía de los cuervos sangrientos, un capítulo de los Marines Espaciales (Space Marines) considerados como los más poderosos entre las fuerzas de la Humanidad, estos guerreros, altamente capacitados y geneticamente mejorados, representan al misterioso Emperador de la humanidad, confinado al Trono Dorado en la Tierra.

Las fuerzas regulares de la humanidad están conformadas por la llamada Guardia Imperial, formada por soldados conscriptos que son fácil presa de los enemigos.

Es de hecho, en medio de un luctuoso episodio donde los Orkos, atacando un planeta llamado Tartarus (Tártaro, como en la mitología griega, la referencia no es casual) parecen desbordar a las fuerzas de la Guardia imperial cuando los Marines Espaciales aparecen para salvar el día.

Ante la dramática situación: el comandante de la fuerza, Gabriel Angelos y el Bibliotecario Isador Akios, se movilizan para enfrentar a los Orkos, confiando en su capacidad de combate pese a encontrarse en clara inferioridad numérica.

Así, en el transcurso de sangrientas batallas, los Space Marines se verán envueltos en los horrores de la guerra, así como en la conspiración de las fuerzas del caos, que tienen en la mira al planeta por una muy definida razón.

En cuanto al modo de juego, Dawn of War se diferencia de otros juegos de Estrategia en Tiempo Real (como por ejemplo, los títulos punteros de Blizzard, Starcraft y Warcraft) en varios aspectos: el primero y más saltante es que no manejamos unidades indivuales sino colectivas (escuadras, las llaman) con las excepciones de los vehículos de combate y algunas unidades especiales, la base de las fuerzas son unidades de combatientes que funcionan colectivamente durante el juego. Estas pueden ser reforzadas y mejoradas en el campo, complicando un poco las estrategias de los jugadores

Asimismo, además de la vida (o los puntos de daño) de cada unidad, se agrega un componente, la "moral" que se puede definir como el ánimo al luchar de la unidad, con lo cual, una unidad desmoralizada será más fácilmente aniquilada por el enemigo, del mismo modo, algunas armas enemigas son mejores para disminuir la moral que otras.

Una tercera diferencia es que los recursos necesarios para construir nuestras fuerzas están en relación directa con la cantidad de territorio del mapa de juego que controlamos mediante la posesión de puntos clave sobre el terreno, los cuales confieren a su ocupante una cierta tasa de obtención de recursos, así como acceso a tecnologías particulares, útiles para producir las más poderosas unidades del juego (las llamadas reliquias). Al igual que otros juegos, existen dos tipos de recursos, junto con el rendimiento de ocupación del territorio está también la energía, producida por generadores de plasma que deben ser construídos por los jugadores para tal fin.

Este juego cuenta con tres expansiones: Winter Assault, Dark Crusade y Soulstorm donde lo esencial se mantiene, aunque intervienen más razas que las ya mencionadas (en Winter Assault se puede jugar con la Guardia Imperial, en Dark Crusade aparecen los Tau y los Necron y finalmente, en Soulstorm entran en escena las Hermanas de Batalla y los Dark Eldar.

Como colofón a esta nota, basta decir que estos juegos son, para el habituado a los RTS, una buena pieza de entretenimiento, con una trama si bien no muy interesante, si bastante intensa y envolvente, para muestra, lo siguientes dos vídeos líneas abajo, grabados directamente del juego.

Libros: Líneas Muertas (2004)

noreply@blogger.com (Santiago) — Mon, 22 Nov 2010 18:30:00 +0000

Greg Bear (San Diego, 1951) es un escritor que, dentro de los géneros del fantástico y sus diversos ramales, en particular la ciencia ficción, debe ser extraño a muy pocos, muy leído, multipremiado y aclamado tanto por la crítica como el público, nos ha legado ya en su extensa producción literaria obras trascendentes como Eón (1987) o Marte se mueve (1993)

Lineas muertas (dead lines, 2004) es no la primera, pero si la más reciente incursión de este afamado autor en el formato (o el registro,si se quiere) del thriller (junto con la ya comentada Vitales) Historias, que, como bien conocen los entendidos en la materia, tratan consistentemente de un misterio que, revelado de a pocos y omnipresente como denominador común a cierto acontecimiento que determinó las trayectorias de los personajes en cierto momento anterior al inicio de la narración, acaba desenrollándose, con consecuencias imprevisibles y siempre sorprendentes para los involucrados -o por lo menos, el lector-.

En este caso, Bear nos pone en la piel de Peter Russell, un ficticio director retirado de películas softcore en los 60s y 70s, quien, ya establecido en la vida y buscando otro tipo de ocupaciones, es sacudido por una tragedia personal, la pérdida de una de sus hijas, asesinada brutalmente sin que ni los motivos ni los responsables fueran aclarados. Años después, Peter, divorciado y emocionalmente quebrado, se aferra a encargos de poca monta para sobrevivir, en especial de las costillas de un antiguo benefactor, Joseph Adrian Benoliel.

Es la confluencia de hechos entre una pregunta que Benoliel solicita a Russell hacer a una determinada mística (de nombre Sandaji) y la aparición, de la mano de la esposa de este, Michelle, de unos misteriosos aparatos llamados trans el inicio del despeñadero final para Russell que es esta novela. Siendo este despeñadero, en cierto sentido, la narración de un viaje de reconciliación, castigo y, de acuerdo a como el lector pueda interpretarlo, expiación.

La narración es lineal, con algunos dislates temporales (flashbacks) un epílogo y prólogo algo crípticos, pero muy inteligibles y solo una digresión notable, al principio, con la descripción detallada de un lugar específico y su historia pasada, que, más adelante en el texto, demuestran su importancia en la trama general, se nota en ello que Bear no ha dejado nada al azar y que la argumentación -si se la quiere llamar a sí- en pro de la tesis que sostiene acerca de su particular interpretación de lo que nos pasa (o debería pasar) cuando cruzamos, como dirían los egipcios, "al otro lado del río" es considerablemente sólida, pese a enfrentarnos con alusiones a la locura, a la racionalización apresurada, a la crítica destructiva y a la siempre desoladora mirada desde el trauma, la limitación y la pérdida.

Así, viajamos con Peter Russell, desde las atestadas autopistas de Los Angeles al condado Marin, donde la primera clarinada de alerta (la muerte de su amigo Phil) ocurre repentinamente. Y en medio la intervención indirecta de Benoliel y de un cínico empresario (de nombre Weinstein) continúa por el camino hacia la última morada de Phil (el oceáno, tal como le habría gustado) y luego de regreso a la ciudad, pasando por la infáme prisión de San Andreas, reconvertida en un parque empresarial donde Weinstein y el "Científico loco" de turno (de nombre Arpad Kreissler) nos introducen a la bête noire, el corazón de la red Trans, la promesa de un espacio vacío de ancho de banda, donde, por algún motivo cuya explicación escapa a los intereses del relato, no hay demora en la comunicación ni pérdida de calidad por la distancia, en la explicación de Kerissler nos habla de un Gran espacio de Silencio allí presente y virgen para ser utilizado por un mundo cada vez más deseoso de comunicarse.

Lo que todos, incluyendo Kreissler desconocen, es que ese espacio de silencio existe por un propósito y que irrumpir en él implica consecuencias peligrosas para los que aun estamos aquí.

Bear, a través de las peripecias de Russell, que se desarrollan tanto fuera como dentro de su mente, nos introduce a su particular teoría de lo que nos pasa cuando morimos y como algunos lugares parecen tener una concentración especial de algunos "rastros" de personas que sencillamente no pueden -o no quieren- irse. Detalles de la cual dejaré para los lectores.

En suma, un libro ágil, con una propuesta fuerte y sobre todo, con personajes creibles, que nos recuerda que hablar de la muerte es, en suma, hablar de la importancia de la vida.

FANTASY IN MUSIC (VIII) - THE NUMBER OF THE BEAST - Iron Maiden

noreply@blogger.com (Santiago) — Sat, 31 Jul 2010 20:30:00 +0000

Iron Maiden es una banda birtánica de Heavy Metal que no necesita mayor presentación y a la cual tuvimos oportunidad de ver en Vivo en Lima hace algunos años y que incluye dentro de su música referencias a temas fantásticos, de ciencia ficción e incluso religiosos, tal como este, de su clásico álbum del mismo nombre, El número de la Bestia (The number of the Beast)

LIBROS: Hipnos (Javier Azpeitia)

noreply@blogger.com (Daniel Salvo) — Sat, 10 Jul 2010 03:26:00 +0000

Hipnos

Javier Azpeitia

Ed. Lengua de trapo, 1996

Un verdadero golpe de suerte hallar este libro, de remate, en un stand de la Feria del Libro de Lima. La edición es de 1996, y la portada es menos espectacular que la que ofrece el presente post, portada que se basa en la película homónima filmada en 2004.

La novela está narrada en primera persona, con una muy efectiva caracterización de los sentimientos y sensaciones de la protagonista, la psiquiatra Beatriz Vargas. Especialista en hipnosis, a su vez padece de adicción a ciertos fármacos, y guarda en su interior no uno sino varios recuerdos traumáticos, que incluyen la muerte de seres queridos y una previa estadía en un hospital psiquiátrico, en calidad de paciente.

La búsqueda de respuestas a las interrogantes acerca de su propia vida la llevan a la clínica siquiátrica del doctor Von Hagen, cuyos métodos se sustentan en una teoría que roza los límites de la ciencia-ficción: en una zona del cerebro se alojan no los hechos ocurridos en la vida del ser humano, sino también los que ocurrirán en el futuro. Considerado poco ortodoxo por la comunidad científica, es, sin embargo, la última esperanza para la doctora Vargas y otros pacientes, como por ejemplo el exitoso ilusionista que de un día para otro decidió asesinar a su esposa e hijos, y que afirma no recordar nada...

La poca razón que le queda a Beatriz Vargas parece ir cediendo ante el entorno del hospital psiquiátrico, cuyos médicos y asistentes parecen estar tan alterados como los pacientes. Un día, ocurre una muerte dentro de las instalaciones del nosocomio, y entonces los acontecimientos se disparan. De investigadora, Beatriz Vargas pasa a ser investigada, y de médica psiquiatra, a paciente. Y es cuando la realidad se altera, pierde todos sus referentes, por que así como Beatriz varía radicalmente su comportamiento, los demás personajes, principales y secundarios, asumen nuevos roles e identidades, de tal manera que no solo la razón de la doctora Vargas corre peligro, sino su vida misma. ¿Serán útiles las estrambóticas teorías del director del hospital? ¿El objetivo del mismo es realmente curar a los pacientes?

Nada es lo que parece en Hipnos, al punto que no una sino varias vueltas de tuerca se suscitan en la mente del lector una vez concluido el libro... si es que realmente ha concluido. Al margen de la inquietante trama, Javier Azpeitia se da maña para mostrarnos que incluso nuestros recuerdos más luminosos y nuestos más nobles deseos podrían ser falsos... o peor aún, no pertenecernos. Incluso el recuerdo de haber leído un libro titulado Hipnos...

Daniel Salvo

LIBROS: Arcoiris en Negro

noreply@blogger.com (Argonautas) — Tue, 08 Jun 2010 03:31:00 +0000

LOS INCITANTES COLORES DE VILO ARÉVALO

Arévalo, Vilo. Arco iris en negro. Lima: Bizarro ediciones, 2007. 30 pp.

Vilo Arévalo (Lima, 1982) es una de las voces más recientes en la literatura peruana. Antologado hace algunos años en la compilación de Max Palacios: “Abofeteando a un cadáver”, con un poema del libro que estoy por comentar, ya ha demostrado en el taller literario con la escritora Carmen Ollé (CELACP, verano de 2008) sus notables dotes para la narrativa. Sin embargo es su primer poemario lo que nos ocupa en esta oportunidad. Una bonita edición (aunque con muy pocas páginas) cuyo contenido resulta muy interesante y, en el buen sentido, estremecedor pues su poesía se desarrolla dentro de un universo fantástico —y, por momentos, terrorífico— de alucinantes implicancias. Hay poemas muy logrados como “Fin del mundo” de reminiscencias apocalípticas:

“Las puertas del Tiempo se abren como llave de oro,
con la llave del inframundo, las tinieblas invaden el mundo,
la luz se esconde como una temerosa cría.” (pp. 28)

O el mejor poema del libro, “¿Demonio o Ángel?”, donde la dualidad es el tema primordial, la lucha de dos fuerzas internas que planean proyectarse al exterior, la mente humana y sus constantes desvaríos:

“Mi alma y mi vida me hacen preguntar si soy
Un ángel malvado o un demonio bondadoso.
Gritos de dolor, gritos de emoción...
Mi cuerpo quema por la lucha,
¿ganará la vida o la destrucción?” (pp. 26)

Aunque se percibe un aliento gótico y/o fantástico en esta entrega es fácil identificar algunos mecanismo propios de la ciencia ficción, por ejemplo en el poema que da título al libro, “Arco iris en negro”:

“Indiferente tormenta que azota todo,
el veneno del aire que respiramos
llenará nuestros pulmones y los quemará.” (30)

Existe, entonces, una gran deuda con Charles Baudelaire y otros poetas malditos. Los temas predominantes son: 1) la muerte, 2) el fin del mundo y la extinción de la raza humana y 3) el mundo post-apocalíptico planteado a partir de algunas reminiscencias bíblicas (los ángeles, los demonios, la luz, la oscuridad, etc).
Poesía de la buena, sencilla, sincera y carente de las innecesarias ampulosidades a la que otros poetas jóvenes someten sus textos. Quizá hubiera resultado interesante que el autor se animara a publicar un volumen más gordo, de al menos el doble de páginas. Sin embargo —y esto es sorprendente— sí es posible obtener una visión global del poemario y absorberlo como corpus integrado. El tema central: El Apocalipsis, está muy claro. También es fácil observar las posibilidades literarias del autor, las cuales se vislumbran óptimas debido al exuberante mundo que éste construye a partir del lenguaje (claro, preciso y bastante imaginativo).
En su primera entrega Arévalo nos obsequia buena poesía, mostrándonos sus grandes condiciones en pos de convertirse en una figura digna de seguimiento dentro de la literatura peruana actual. Recomiendo febrilmente no perder a este autor de vista.

Carlos Enrique Saldivar

LIBROS - Cromosoma Z

noreply@blogger.com (Argonautas) — Thu, 06 May 2010 16:10:00 +0000

Historias de porcelana FINA

Thorndike, Jennifer. Cromosoma Z. Lima: Bizarro ediciones, 2007. 108 pp.

Un libro que generó mucho comentarios al momento de su publicación y muy bien merecidos, por cierto, pues trata la homosexualidad de manera abierta no tanto como una llamada de atención a la sociedad, sino como una condición indesligable de la vida de estos atípicos seres que luchan por sobrellevar sus dramas continuos e incesantes. El primer libro de Jennifer Thorndike es un fuerte gancho de derecha a la literatura peruana que se centra a menudo en situaciones cómodas y sencillas, que todos queremos vivir. Este texto es distinto. Ya lo comentó muy bien Rocío Silva Santisteban en la contratapa: “Los lectores o lectoras no podrán salir ilesos”. Con un estilo directo y apropiado, aunque por momentos desordenado (tomemos en cuenta que el universo de los personajes queda reflejado en la prosa y éste es casi imposible de poner en palabras, sin embargo, en este caso, los mundos internos son claramente definibles) Thorndike narra mucho en pocas líneas y seguirle el paso no es difícil. Son diez cuentos que tratan el problema de la identidad sexual desde multitud de ángulos, como el amor no correspondido, las relaciones mal llevadas, o la desgracia humana debido a la condición de rechazado o de buscador de placeres imposibles (los ejemplos de este tipo de literatura por momentos ideal, a ratos realista, en ciertas ocasiones vital, en otras, sumamente pesimista, abundan en la literatura peruana, sobre todo en un subgénero literario que habitó en los noventa: el realismo sucio). Hay cuentos muy logrados, como por ejemplo “Porcelana”, donde el fetichismo es el tema central. Otro cuento digno de mención es “Maquillaje corrido”, donde la situación de desamor que vive la protagonista logra golpearnos en mitad del vientre. El amor es el tema central y un tópico derivado de inmediata importancia es el consecuente sufrimiento producto de algunos amores inalcanzables. Otros tópicos importantes son: la intolerancia y la violencia, los cuales se conjugan a la perfección en el cuento “El espejo multicolor”. Un relato que posee todos los elementos juntos es “Un mechón de su pelo”, que nos revela la fijación de una chica con una parte del cuerpo de la joven de la cual está enamorada. Situaciones insostenibles, realidades subyugantes, un nivel acertado de erotismo y manifestaciones un tanto perturbadoras son, en resumen, las constantes de este libro, diferente y muy recomendable.

Carlos Enrique Saldivar

libros fantasía sexualidad Jennifer Thorndike
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ANIME: Demonbane (2006)

noreply@blogger.com (Santiago) — Sat, 17 Apr 2010 04:07:00 +0000

Basada en el correspondiente juego para Playstation 2 (versión moderada del original para PC, con contenido erótico) Kishin Houkou Demonbane (機神咆吼デモンベイン) es una serie de anime que combina elementos (o tópicos, si se quiere) repetidos hasta la saciedad en el género con temas del universo de Lovecraft. Lo cual lo hace, en cierto modo, un homenaje (o parodia) de este.

Y es que los elementos clásicos de esta obra maestra del Terror están presentes: la magia, la ciudad de Arkham, la Universidad Miskatonic, etc. pero esta producción dirigida por Shoichi Masuo agrega a la mezcla al fetiche de los Robots gigantes y una miriada de personajes femeninos (recuérdese que en la obra original la presencia de estrógenos era más bien escasa) totalmente apropiada para el ya consabido Fan Service.

El personaje principal de la historia es el detective de poca monta Kurou Daijūji (voz: Kentarō Itō, aparentemente, la traducción al japonés de Titus Crow protagonista de las novela de Brian Lumley ambientadas en ese mismo universo) quien se interna en la trama de intrigas y pugnas por el poder en la ciudad (entre una sociedad secreta llamada Black Lodge y el Grupo Financiero Hadou, dirigido por la última heredera de la familia, Ruri Hadou (voz: Junko Asami) una seria y responsable líder, quien se opone a los avances de la Logia impulsando varias iniciativas, una de las cuales involucrará a Kurou y a su vez, hará aparecer a Al-Azif (voz: Rie Kanda) quien es nada menos que la encarnación del más Poderoso Grimorio, el Necronomicón.

La asociación (que convierte a Kuro en un ser mágico o Magius) de ambos les permite invocar al gigantesco mecha Demonbane con los cuales se enfrentará los miembros de Black Lodge, liderados por un misterioso individuo llamado Master Therion (bestia en griego) y que es poseedor de otro grimorio, los Manuscritos Pnakotic, al igual que los más conspicuos miembros del Black Lodge, un grupo conocido como Anticross, todos ellos poseedores de grimorios y capaces de invocar sus particulares Deus Machina (léase Robot gigante de turno)

Y sin embargo, hay una tercera parte al acecho, una misteriosa dama llamada Nya con una agenda ciertamente misteriosa, cuyas motivaciones de develarán a lo largo del avance de la trama.

Las cuotas de humor también están cubiertas, a través del tan siniestro como estrafalario y Desafotrunado Dr. West y su creación, la Androide Elsa que se la pasan tratando de poner a Kuro en apuros.

En resumen, 12 episodios de animación de muy buena calidad, en particular, muy bien logrado el diseño mecánico a cargo de Yoshihiko Machida y Kazutaka Miyatake tanto para los Deus como para el Protagonista Demonbane, muy recomendable para los adeptos del terror y el ritmo trepidante.

Y finalmente, el opening de la serie, un ágil tema titulado Hito, Kami, Hata (Hombre, Dios, máquina) interpretado por Yuichi Ikuzawa.

Anime H. P. Lovecraft Cthulhu terror
Anime H. P. Lovecraft Cthulhu terror
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LIBRO: Trampas para incautos

noreply@blogger.com (Daniel Salvo) — Wed, 07 Apr 2010 15:55:00 +0000

Trampas para incautos

Yeniva Fernández

Revuelta editores

Lima, diciembre de 2009

Si bien es absurdo sentir nostalgia por lo que no pasó, uno no puede menos que lamentar que en nuestro país no se haya producido el boom de las revistas dedicadas tanto al terror como a la ciencia ficción que hubo en los Estados Unidos en las décadas de los años treinta y siguientes del siglo XX. No tuvimos pues nuestras Astounding, Amazing stories o la archimítica Weird tales, revistas en las que iniciaron sus carreras escritores como H.P. Lovecraft, Clark Ashton Smith o Robert E. Howard, nada menos. Y qué decir de las geniales ilustraciones realizadas por maestros de la talla de Virgil Finlay o Frank R. Paul.

Por que díganme si no sería fantástico contar con una revista dedicada a la ficción fantástica, de publicación periódica y con una buena circulación. Acudir a un puesto de revistas y llevarse un ejemplar para leer en casa o en el transporte.

Y lo mejor de todo, esperar a que una de esas ediciones contara con una historia escrita por Yeniva Fernández.

Ojo, por si acaso hubiera un lector muy exquisito, no estoy diciendo que la narrativa de Yeniva Fernández sea narrativa pulp (eso déjenmelo a mí). O sea, no escribe subgénero, cuida mucho su prosa y merece un lugar expectante en el canon literario nacional. Cuentos así no se leen todos los días.

¡Pero qué bien escribe! No es terror, ni ciencia ficción (tranquilos, culturosos), pero cómo se le parece. No hay viajes a otros planetas, pero sí mundos paralelos. No hay monstruos, pero sí humanos monstruosos. No hay invenciones fantásticas, pero sí artefactos y ámbitos cotidianos vistos desde otra perspectiva. Y eso les proporciona a sus cuentos una atmósfera desosegante, claustrofóbica... aterradora.

Trampas para incautos tiene una división aparente, entre cuentos fantásticos y otros de factura mas bien intimista. Pero no hay que dejarse engañar: el sueño de la razón es suficiente para producir monstruos, y los monstruos de los abismos de nuestro inconsciente pueden ser más aterradores (y reales) que los monstruos surgidos de los abismos del tiempo y el espacio.

El libro de Yeniva Fernández está dividido en dos partes, las trampas a mediodía y las trampas de la neblina. Como queriéndonos dar a entender a los incautos que es imposible escapar de ciertas trampas.

Las trampas a mediodía

Sierra norte: Dicen que todos tenemos un doble en algún lugar del mundo, y las historias sobre encuentros entre dobles no son precisamente escasas. Sin embargo, Yeniva Fernández le da una vuelta de tuerca bastante desoladora a a ese argumento, al jugar con la idea de que nosotros (y no el otro) seamos esos dobles.

Quédate a dormir: El ser humano puede convertir en ritual cualquier situación, sobre todo, algo tan natural como el amor. Pero a veces, las cosas cambian y el ritual queda, mas no la situación que le dio origen. Entonces aparece lo siniestro y lo desequilibrado, y la celebración del ritual deviene en abominable, una superstición insana de un culto que ya no existe. Si no hay amor qué celebrar, ¿qué es lo que realmente celebra la protagonista de este relato?

Lo mejor para Mario: De lejos, el relato más aterrador del libro. El menos "sobrenatural", el menos fantástico. El más breve. Y pensar que se trata de una madre que sólo quiere lo mejor para su hijo...

Palomas: La amistad y la fidelidad pueden ser hermosas, pero difíciles de mantener. ¿Existe la amistad realmente, o la mera conveniencia? ¿Existe la fidelidad, o se trata sólo de servilismo? Y entonces, ¿cuáles son las auténticas bases de las relaciones humanas?

Confidencia en la madrugada: Una infancia basada en lo racional y lo hermoso produce buenas personas. Nunca perdamos eso de vista. Por que una infancia y una adolescencia basadas en la convivencia - o la supervivencia - de lo atroz, sólo engendra monstruosidad. Aún si un monstruo actúa con perfecta lógica y aparente justicia, no deja de ser un monstruo. Y la cosa se pone peor cuando no actúa en solitario.

Gloria: Nada más arbitrario que los conceptos de belleza y fealdad... Y nada más arbitrario que la idea que se hace la protagonista de ésta historia respecto a lo que se merecen las personas por su belleza o fealdad.

Las trampas de la neblina

Una calle: La angustia, el horror, la soledad, lo aborrecible de aquello que escapa a nuestra comprensión y que puede aparecer de un momento a otro, sin explicación alguna, y atraparnos para siempre. Y puede ser algo tan prosaico como una calle, con sus veredas, sus casas, sus ventanas, sus puertas...

Díptico: La idea de que todos tenemos un doble, de que existe alguien que es idéntico a nosotros y que eventualmente podría tomar nuestro lugar, nos aterra y fascina a un tiempo. Pero la existencia de un doble podría no ser tan espeluznante como el origen de ese doble.

Casa adentro: Misteriosas edificaciones que aparecen de la noche a la mañana. A la incredulidad inicial mostrada por parte de las autoridades, le sigue un muy peruano intento de aprovechamiento crematístico. En el medio, el protagonista, a punto de enfrentarse a más de una especie de invasores.

El acompañante: Triste y hermoso a la vez, el relato juega con las emociones que nos provoca la muerte, ya se trate de la muerte de un ser querido o de un completo desconocido. ¿Cómo afecta la muerte a los observadores, humanos... o no humanos?

Esa oscuridad que regresa: La vida en familia puede ser una experiencia hermosa y racional, pero también una trampa mortal de la que es difícil escapar. Con cuánto amor una madre o un padre pueden destruirnos, o al menos, intentarlo con todas sus fuerzas. ¿Y si además contaran con ayuda, digamos, no familiar? Relatos así hacen que uno se alegre de ser huérfano.

LIBROS: Garras y Colmillos

noreply@blogger.com (loborojo22) — Sat, 27 Mar 2010 04:23:00 +0000

Garras y Colmillos
de Jo Walton

Por Luís Antonio Bolaños de la Cruz

Siempre... o casi, nos hablaban de los dragones, como ocurre con otras criaturas imaginarias, desde el punto de vista humano, y ese es el sorprendente y jugoso giro que acomete Jo Walton, es la mirada desde los dragones la que nos acompañara en nuestro periplo, la que cuenta, analiza con herramientas precisas la vida cotidiana, sintetiza las contradicciones y choques de intereses, pormenoriza las especificidades de cada evento, creando gracias a ese enfoque mutiple pero invisible, una sociedad muy coherente, espléndida en sus detalles, la cual motoriza con amoroso empeño, logrando que funcione con eficacia y sentido -a pesar de que podría parecernos incongruente-, expandiéndola cada vez que aborda otro aspecto o nivel, complejizándola sin ambages, incluyendo porciones nutritivas de datos, pero nunca en aluviones, para que las asimilemos bocado a bocado, tal como se devoran los dragones cuando los alcanza la entropía final.

Y es que devienen en tan multifacéticas y densas sus ramificaciones que he creado un neologismo para denominarlos: “dragonajes”, el cual quiere condensar las sombras inmensas que despliegan, los fabulosos y pesados corpachones que ostentan, los sentimientos en ocasiones devastadores, en otras ridículos, y con frecuencia ecuánimes que los habitan (también las dentaduras y garras que los peculiarizan), en esa presencia fìsica pesada y volátil, sólida y etérea a la vez que es su fuerza pero también su debilidad (los yargos, equivalentes a los humanos, los han derrotado y arrinconado en las zonas altas del continente gracias a las armas de fuego).

Kirill Yeshov ya lo intentó, desmitificando orcos y elfos en su sorprendente y excelente novela: “El Ûltimo Anillo”; aunque el efecto es similar, donde Yeshov era racional y terminaba desmontando e historiando el andamiaje de la Tierra Media hasta reducirlo a astillas y períodos, Jo se compromete por el costado de la emoción y prefiere dejar las aristas de la explicación inacabadas y es en esa relación cálida y en simultánea ambivalente que establece con sus dragonajes donde reside un porcentaje apreciable de su encanto, incitándonos a participar en su modelamiento ya sea para quererlos o despreciarlos, entonces comprendemos porque más allá de una supuesta sencillez de planteamientos y linealidad de acción le hayan otorgado el Premio Mundial de Fantasía 2005, sobreviene su obra en una especie de mansión mucho más grande en sus ecos e intimidades que las salas y pasillos observables desde la puerta de ingreso, y quizás por tales motivos empuja a refocilarse en las peripecias de parte del lector -y es que nos amañamos con un horizonte de acontecimientos tan agradables aunque dispares que al acercarnos al final del hilo del discurso, nos parece abrupto el capítulo de cierre y por un instante no le disculpamos que se termine y ese conato de cólera, que es muy probable que se encuentre en los impactos que desea la autora, le otorga el calificativo de imperecedera.

Es graciosa por la articulación de su rosario de anécdotas, divertida por la manera como se interpelan los protagonistas y se repotencian entre si las situaciones, amena por el modo como reconstruye las interacciones entre los dragonajes, que surgen entrelazadas cual comedia de equivocaciones (a momentos se siente el ritmo acelerado y alocado de una screwball clásica), farsesca y con diálogos raudos a pesar de su aparente formalidad y prolijidad, combina veloces cambios de puntos de vista con gags e intrigas diminutas (casi manicuradas), opiniones contrastantes y deslizamientos metonímicos, girando siempre en torno a los temas del matrimonio, el cortejo y las tonterías propias de esos avatares, la reproducción de la especie y la producción de objetos materiales, la religión y sus accesorios, los graves entuertos y los secretos confesados, el consumo de la carne sagrada de los familiares fallecidos y la distribución de sus cadáveres (al metabolizarla crecen desmesurados), el sistema judicial -tanto en la demanda planteada por derecho de consumo como en las neotendencias referidas al derecho de propiedad de las dragonas y la parafernalia originada (de allí que en determinados momentos uno rememore la almidonada época victoriana, enlazada a los comentarios sobre Trollope del prólogo y a su novela “Los Diamantes de Eustace”)-, la corrupción pública, la prepotencia de los poderosos; en fin, suficiente bagaje como para identificarnos pero con talento para ofrecer contenidos originales y estimulantes que la apartan de lo ordinario (más allá de su ropaje semejante a lo convencional) y permiten clasificarla como excepcional.

Asimismo, vibrante y dinámica, porque cuando creemos que va detenerse por un momento a respirar y reflexionar por haber culminado la línea de desarrollo en un momento sublime, peligroso o acuciante, vuelve a desplegarse ante nosotros con nuevas andanzas para arrastrarnos en flujo continuo hacia una tibia matriz diseñada con cariño, preñada de conceptos novedosos, impregnada de humor y ganas de comunicar y plagada de aforismos (por ejemplo: “sabían que no es la elegancia lo que hace agradable una reunión, sino el temperamento de los reunidos”), con una rica galería de dragonajes, que adquiere cada vez mayor presencia a medidad que avanzan los capìtulos y se van incorporando otros nuevos (un punto más a favor). Mediante una deliciosa apertura hacia los procesos sociales, mecanismos de interexperiencia, artilugios y estratagemas conductuales, va armando un escenario -que no por funcionar distinto, difiere en lo esencial del nuestro-, excitante y fresco que profundiza en cada aspecto o pincelada y en esa espiral ascendente termina por envolver nuestra atención.

Me imagino a Jo contenta en su accionar literario, recompensando o castigando según sus justas apetencias “políticamente correctas” (todo sucede como debe ser para lección de los arteros y moraleja para el vulgo), y feliz por pergeñar una novela de múltiples enamoramientos, pedidas de zarpa, enfermedades fulminantes, desencuentros resueltos con brillantez, paseos con dragoncitos extraviados, confusiones por doquier, etc., (una obra que por su aparataje no desmerecería insertada en el teatro isabelino) que es asimismo una incursión sobre el terreno de la justicia que brota en nuestra mente mediante adagios motivados por la lectura como: “debe comer más quien es más débil o tiene menor acceso a recursos”, “nadie por más siervo que sea debe llevar las alas atadas, el aire es para todos”, “servidumbre y sometimiento femenino deben ser rechazados, escarnecidos y abolidos”, pero nunca plasmados con tanta pasión que genere repudio.

Y es que podremos discrepar de ciertas costumbres de los dragones que llevan hasta la exacerbación las relaciones de clase que impone la burguesía y las jerarquías que yacen en la estructura de la familia, pero no podemos sustraernos al encanto de esa extraña sociedad donde los edificios son cuevas, se duerme echado sobre oro, se fomenta el canibalismo (por más ritual que se nos muestre), donde la arquitectura pétrea de sus comedores considera los canales de drenaje para la sangre, la cosmetología implica bruñido de escamas y acicalamiento de alas, la gastronomía brilla por su ausencia ya que los alimentos se engullen crudos, las doncellas son tan pudibundas que con sólo acercárseles un macho empiezan a ovular y se rubefaccionan obligando a la ceremonia correspondiente, en fin que resulta tan rica y coherente como fascinante.

Recuerdo que la conocí una ya lejana tarde de finales de siglo, cuando armábamos el tercer número de Agujero Negro, nuestro fanzine en papel (que nunca alcanzó a salir) y con Isaac Robles nos jaraneabamos traduciendo su relato “Al fondo del jardín” (gracias a la infatigable labor de Sadrac pudimos compartirla con otros aficionados) y pensé: “Esta autora dará que hablar” y es que desde el inicio sus tramas inteligentes preñadas de sensibilidad y su talento para aludir a varias dimensiones cuando parece observar sólo una ya eran notorias. Agradezco a Daniel Mejía que me la recomendó para arrancarme de mi tendencia a refugiarme en la Hard SF, consejo que a su vez retransmito, les auguro que gozarán como dragones, así que a elegirla en caso de compra o pedirla prestada a quien os tenga confianza

Jo Walton fantasía fantasía heroíca dragones
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CREEPY 00

noreply@blogger.com (loborojo22) — Mon, 22 Mar 2010 06:02:00 +0000

Por Luís Antonio Bolaños de la Cruz

Creepy fue una revista impactante, surgió en una España madura, que se sacudía de décadas de dictadura franquista y que podía permitirse explorar lo terrorífico sin ambages, con abundantes referencias a sexo y violencia en sus diferentes variantes; para quienes deseen aproximarse a su renovador periplo recomiendo revisar: http://es.wikipedia.org/wiki/Creepy; y paso a detallar el contenido del Nª 00:

Carátula de Sanjulián que rindiendo homenaje al personaje introductor de los relatos, creado por Frank Frazetta, enfatiza lo horrible, destemplado y artero de su aspecto, pero que en un rincón de su mirada guarda aquel gramo de empatía requerido para atraernos y engancharnos para ser en cierta medida cómplices de los horrores que procederán a desgranarnos cual doble cosecha: macabra (por los compromisos que establece) y estremecedora (por lo fértil de sus propuestas), aunque no es necesario que vayan a partes iguales. En el pergeñado por Frazetta los editores españoles apuntan en sus globos una “declaración de principios”, acertada mixtura de marketing y enjundia.

Bocado más sabroso, el: Cary Bates (Guión) y Russ Heath (Dibujo)
Nos introduce a un tema: el impulso de la aventura y como se tuerce ante la adversidad, que la “Balsa de la Medusa” de Gericault expuso, Jack London detalló en algunos de sus relatos sobre canibalismo, Carlos Giménez graficó en “Los Verdugos” (siguiéndole los pasos a uno de esos relatos) del albúm “Érase una vez en el futuro”, y el film “Sobreviven” recreó mediante la desgracia del equipo uruguayo de rugby cuando su avión se estrella en los Andes, demostrando que diversos soportes han tocado de diversas maneras: el accidente (el azar), el hambre (la naturaleza que retorna por sus fueros) y las alucinaciones (que justificarán un deslizarse hacia la antropofagia), no obstante con una excelente vuelta de tuerca en las postreras viñetas se rescata la ética y el amor mediante la pantalla de TV, donde contrasta la belleza rutilante de la sobreviente y la alegría de su marido con la aparente tragedia esperada, para plasmar un remate de perfil sorprendente, pero sublime.

Las viñetas poseen la solvencia y expresividad propias de Russ, tintas refinadas e insinuantes que tienden a la densificación elocuente de los acontecimientos, difuminados sembrados de sugerencias y contrastes que enfatizan la acción de los personajes con un trazo contundente y despojado de sensiblerías.

Vida nocturna: Bob Toomey (G) y Rafael Auraleón (D)
Discoteca neoyorkina, parejas entrando al éxtasis… (por la danza, la droga o el sexo) y una extraña visitante, persistente y arrugada, con aroma a pactos diabólicos y acuerdos firmados con hemoglobina, también una historia de amor que sucede por lo menos en su génesis en la Plaza Clichy de París, y de traiciones a lo que cada cual es, como humano o inhumano y una culminación galopante, donde el palpitar de la vida que se apaga se impone al recuerdo y la añoranza ejecutando -acción de excelente performance-, un cierre con sarcasmo.

El dibujo de Auraleón recoge los detalles tétricos y expone el escenario de sus consecuencias lúgubres, apunta preciso los movimientos del elenco y potencia con la tinta china el horror que yace tras las peripecias, constituyendo un adecuado complemento a la historia.

Amor primate: Cary Bates (G) y José Ortiz (D)
Va de fórmulas químicas que provocan el celo a disfraces con cámaras ocultas, investigaciones antropológicas y hembras de sasquatch, pero sobre todo de amores erróneos, pero no por ello menos intensos y apasionados, además nutridos por la comedia de equivocaciones que se enlaza sápida al trepidante colofón, nos señala que el deseo no es igual al resultado, con frecuencia retorcido por obra del azar; la ironía devastadora y la calamidad que planea cual vultúrida sobre los acontecimientos relatados provocan un proceso que termina por aterrizar de lleno sobre nuestro intelecto y empezar a devorarlo cual cadáver adobado.

Cuando observamos las páginas que lo componen comprendemos porque Ortiz alcanzó fama y cotas increibles en “Hombre”, aquí ya está contenido en germén su despliegue posterior: el encuadre abarcador, el paisaje recogido con destreza, la plumilla que desgarra para enfatizar, la expresividad de los rostros, la tinta que se agarra de las sombras para relanzarnos con las hermosas composiciones y la elegante exactitud de sus planchas, el tremendo significado que adquieren las imágenes.

Amor del Cojo Lem, el: Richard Corben (G y D)

La ingenuidad que anida en la fealdad y la maldad que se oculta en el primor, la bella y el bestia en el centro del encuadre (además casados y viviendo sin consumar el acto sexual), ejemplifican el candor simplón y la malicia rellena de estulticia, y entonces la infidelidad flagrante y el asesinato como supuesta medida correcta para equilibrar la balanza (¿cuándo un asesinato es correcto?) suceden; no importa la reiteración, porque en cada ocasión se usará un instrumento diferente: machete, hacha, escopeta, cuchillo; insertos en medio de un ecosistema peligroso que brinda mil y una oportunidades para la destrucción y la germinación (la Cuenca Atchafalaya en la desembocadura actual del Mississippi compartida con Swamp Thing) no es de extrañar que desaparezcan personas, coartada eficaz para evitar la sospecha. Tras la orgía de sangre, una chispa de comprensión y quizás el cansancio de victimar, empuja a la exigencia de usar las prerrogativas matrimoniales y al enfrentamiento, donde la ricura le niega al deforme el acceso al placer. Extender la muerte deviene natural… solo que tras varios días de cocinarse en su propio jugo decide cometer necrofilia, y entonces lo que encuentra yaciendo en el jergón y su entorno superará cualquier expectativa y como advierte el narrador aún se escucha el rechinar de sus muelles en el pantano.

Corben con su peculiar e inimitable estilo, crea de inmediato un mundo sobrecogedor -aunque reconocible para quienes hemos visitado su obra-, donde acaecerán las terribles peripecias de los protagonistas enriquecidas por el valor agregado de la astucia con que articula sus secuencias y los recursos que acumula para su puesta en viñeta, sostenido en su característica tridimensionalidad rotunda y voluptuosa, labrada mediante sus anatomías de cincelada excelencia y condimentadas por trazos expresivos y caricaturescos, por sus escorzos en apariencia impracticables y por sus volúmenes evocadores y hasta sensuales.

Hermanas: Bill DuBay (G) y Alex Niño (D)
Con extraordinario pulso narrativo nos ofrece una entrecortada pesadilla de döppelganger alienígenas (donde los humanos podemos serlo también) desplegada en secuencias simultáneas por mundos palalelos, y concatenada de manera tal que se puede leer como una sola alucinación..., a no ser por la doble desgracia que estalla, y que deja un sabor a triste quebranto perdurable en la mente, quizás lo único objetable es la matemática similitud entre decorados, pero que se disculpa porque es el propio formato quien permite contrastar y avanzar al relato.

Los dibujos del filipino Alex Niño contribuyen por su viveza y claridad y su capacidad para pescar lo esencial -sin olvidar lo complementario- a la fluidez de la historia, soberbio entintador (es probable que por eso se prodigue en el blanco y negro de los comics de horror), experimentador y vanguardista, gracias a su capacidad imaginativa y fértil sentido de diseño nos entrega un marco adecuado para que nos sintamos estremecidos.

Maldición, la: Archie Goodwin (G) y Neal Adams (D)
Neal devolvió a Batman su aura oscura y su digno empaque de cruzado merced a su capacidad para incorporar en un recuadro clásico y realista, el tenebrismo estético, las rupturas rítmicas y la visualización prospectiva necesarios para oscurecer al personaje; en este caso de los dibujos iniciales renacentistas que captan la lobreguez de las ergástulas y lo ominosa presencia de los aparatos de tortura se pasa a una planificación mucha más clara cuando salta a la actualidad sesentera, entonces el tratamiento de los contornos, la planificación de página, las diagonales de cruce, y el detalle de los rostros van abriendo rutas y luego prestan potencia al desenlace y su indudable encanto a la condenación, de la cual nadie puede escaparse.

Colofón clásico, con vampiros que maldicen las generaciones venideras y una encarnación de la venganza exteriorizada en algunos usos y costumbres e incluso actitudes de la población contra dichos descendientes maldecidos, pero a medida que los derechos individuales se afirman y la democracia va imperando esos sentimientos se revelan cada vez más tumultuosos y con albedrío; será en uno de esos momentos de pura gloria elocuente cuando se conocen los amantes del relato, el inglés lógico y racional, la italiana intuitiva y algo supersticiosa, así que a la duda inicial de la relación amorosa le suceden la resolución de la emoción y su afirmación frente al altar. En apariencia imperturbable, la lógica que empapa al inglés le jugará sin embargo una mala pasada cuando deba enfrentar el colapso y la inmovilidad de su amada, una probable catalepsia que defenderá incapaz de separarse de su cuerpo, luego se precipitan los acontecimientos cerrándose con una doble vuelta de tuerca que con pulso aterrador nos ofrece un final que no podíamos imaginar.

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FANTASY IN MUSIC (VII) - WOLF AND RAVEN - Sonata Arctica

noreply@blogger.com (Santiago) — Thu, 18 Mar 2010 18:58:00 +0000

Sonata Arctica es una connotada banda finlandesa de Power Metal, que, desde la publicación de su primer album, Ecliptica en 1999, ha ido evolucionando y agregando nuevos elementos con influencias progresivas y sinfónicas. Cuentan en la actualidad con seis placas de estudio y otras dos en vivo.

La canción de este post forma parte del segundo album de la banda, Silence, y podríamos decir que narra una historia de fantasmas.

Disfruten.

Música power metal sonata arctica
Música power metal sonata arctica

LIBROS: Ypsilon Minus

noreply@blogger.com (loborojo22) — Thu, 18 Mar 2010 17:32:00 +0000

La carátula de Eddie Jones, con la característica ondulación que Scévola le imprimía a su diseño para la colección Nova de Bruguera por allá en los 70', aunque atractiva (un eclipse monitoreado por una nave esférica sembrada de artilugios y antenas) no se correlaciona con ninguno de los episodios narrados en la obra.

La presentación de Carlo Frabetti “Entre el 68 y el 84” prueba a jugar con la magia de los números pertenecientes a fechas claves para la ideología de izquierdas, e incidental transmitirnos algo trascendente... y lo logra, al afirmar que colisionan en la “pesadilla tecnológica” descrita el espíritu anárquico pero genial del mayo francés con el mensaje antitotalitario de Orwell; se siente el influjo poderoso de las consignas de esa época (nunca podemos sustraernos al ahora) pero siempre aposentadas sobre la convicción honesta del introductor.

Al inicio no me ubique con claridad ante el nombre, pero tras culminar su lectura, desde la física llegaron en mi auxilio datos como: el mesón actúa cual portador de la fuerza que une protón y neutrón, y los fotones cual bosones que responden a interacciones físicas y lo traduje para mi fuero interno: “Ypsilon Minus” es “aquella fuerza mínima capaz de desencadenar un efecto asimétrico importante” o lo que es lo mismo: la chispa que incendia la pradera e inicia la revolución, coincidiendo con Frabetti.

Potente denuncia de la rígida y autoritaria sociedad de castas (más que de clases) forjada para supuesto beneficio de obreros, campesinas y otros sectores dedicados a las tareas de reproducción social, pero en realidad articulada de tal manera que minúsculos grupos (Nomenklatura y adláteres) gocen de aquello que escamotean al resto. Por el tema me recordó a “Nosotros” de Zamyatin y en cierta forma a “El maestro y Margarita” de Bulkákov, deviniendo en representativa de esa línea antiabsolutista de quienes padecieron o fueron testigos de las dictaduras del proletariado.

Seca y sobria en su intensa reflexión sobre los motivos y justificaciones de la ciencia y la tecnología exhala con frecuencia una tristeza que en ocasiones se desborda e impregna el hilo de la narración. Clara y hasta cruel en ciertas ocasiones, sin embargo lleva oculta en la intimidad del relato un manantial de compasión por el homo sapiens y esa sensibilidad la extrae de la recusación de las antiutopías negativas (orden y control) y la ubica en la ruta de aquellas proposiciones donde los seres humanos aún podemos alcanzar la libertad en forma concertada (lo cual de inmediato me llevó a pensar en las cuatro maneras de salvarse o condenarse que nos ofrece Lovelack en “Las edades de Gaia”).

Alterna la anécdota significativa (manchada por la poda incesante de lo subjetivo y personal, y el recorte permanente de la creatividad) con los fundamentos teóricos que justifican la opresiva organización social (es máximo el horror transmitido por sus frías, asépticas y precisas instrucciones), y mientras desgrana el triste panorama edificado se palpa tumultuosa bajo la superficie de las frases el pulso de la crítica sociológica y ambiental contra ese mundo polucionado (las máscaras de oxígeno, la lluvia ácida, el smog son compañía frecuente) y tan regulado, normado y penetrada por la sospecha ante cualquier gesto de naturalidad u opinión sincera, que hay momentos en que semeja un paraíso de robots, ya que sus habituales sesiones de ejercicios de relajación espiritual incluyen canciones que reiteran “No tenemos secretos entre nosotros, no tenemos nada que ocultarnos mutuamente” y hasta los coitos se consiguen a través de muñeca(o)s como las que hoy pregonan las webs y tiendas de sexo.

El contrapunteo entre el músculo de la acción individual y el andamiaje filosófico que se supone debe nutrirlo, genera un manantial de sarcasmo y de apotegmas que no por repulsivos dejan de ser impactantes: “El estado perfecto necesita también una historia perfecta” (me recordo la ausencia de las masas en la historiografía burguesa y la manipulación documental en la historiografía soviética, por ejemplo esas fotos donde a medida que quienes componen el grupo original se malquistan con Stalin, van desapareciendo borrados de las reproducciones permitidas al acceso pùblico). Asimismo, el cruel escamoteo del significado de las palabras, la elaboración sucinta y laboriosa de una realidad ficticia donde se marcha de maravilla sino observamos el detalle y nos mantenemos dentro de los parámetros (rememoro a Stanislaw Lem y su Congreso de futurología).

No obstante, el esquema que conjetura la implementación del modelo y que desnuda página tras página su esencia estalinista, expresada en: adoctrinar, someter el pensar, disolver el sentir, ya está perimido (como explicación y como plasmación concreta de voluntades políticas) tras el desplome del “socialismo realmente existente”, claro que se sigue intentando cristalizarlo con diferentes justificaciones y métodos, mediante oscuros e inesperados herederos (republicanos en USA o fundamentalistas islámicos en Medio Oriente) que parecen coincidir en que el problema fundamental a solucionar es el biológico-antropológico, por otro nombre: la vida independiente del capital o de la religión.

La pregunta clave apuntaría a: ¿Si se vive en el mejor de los mundos, en el estado perfecto, y la sociedad ha alcanzado la felicidad (como se afanan en difundir y repetir hasta la saciedad, altavoces, programas noticiosos, supervisores de células, carteles, murales de los bloques de vivienda o trabajo) ... para que es necesario el control?. Para expandirla, no, por que llegó a todo(a)s, para intensificarla, no por que ya la viven a plenitud, y entonces se instala ante el interrogante la más profunda desilusión. Convendría revisar con detenimiento el impagable “Catálogo de la evaluación de los puntos de calificaciones psicológicas individuales” que demuestra hasta que profundo nivel puede llegar el lavado de cerebro y programarse una persona para que cumpla con los requisitos y normas de un gulag sonriente, declamando poemas a la libertad y negando cualquier dato contradictorio con que se enfrente.

Pero Franke apuesta por la liberación y es por eso que de la cooptación por el grupo de poder salta hacia la marionetización primero y la detención luego, para extinguir una actividad considerada subversiva, además tiende puentes hacia otras obras pretéritas o futuras, así el descenso a los tùneles y subterráneos de mantenimiento que realiza el protagonista en su investigación para saber cual es su yo auténtico (el que brota en sus sueños provocados por narcóticos prohibidos o el que le han preparado e inculcado a través de tablas y reglas y practicado mediante convencionalismos y conformismo) posee un triple papel: conectarse con quienes se encuentran aún más bajos en la escala (semejanza con los morlocks de “La máquina del tiemopo” de HG Wells), señalar la solidaridad de clase (sentimiento hoy extraviado y que con nitidez ilumina algunos capítulos de “La Estación de la Calle Perdido”) y remarcar que las diferencias entre las castas conforman otra relación de clase (tal y como lo presenta Ira Levin en “Este día perfecto”).

También alude a los riesgos del totalitarismo, el verticalismo, el despotismo, para bordar una amarga antiutopía que señalaba con valentía y a contracorriente (recordemos que fue publicada en 1976 por Suhrkamp Verlag) en uno de los momentos de máximo esplendor del “SRE”, en aquel período donde quienes poseíamos un adarme de sensibilidad y un ápice de inteligencia militabamos en la izquierda, es igualmente una genuina estocada al papanatismo, un garrotazo al seguidismo; lastima leerlo tantos años después de traducido y publicado (casi de inmediato para esa década, ya que Bruguera la lanzó en 1978) y es que por esas tornas de la polìtica de las editoriales cuando no arriban importados a nuestras costas en su lanzamiento y podemos por fin adquirirlos y disfrutarlos (gracias al activo comercio de libros de segunda mano... o tercera... o enésima) en fecha muy ulterior, puede haberse diluido muchos años después el impacto abrumador que provocó en su debut.

Experto en estética cibernética y grafía de computadoras avizora lo que vendría y es así que podemos encontrar joyas que deberían rutilar en una novela actual que use el marco de la Teoría del Caos, para quienes lo deseen recomiendo las pàginas 111 a 113 y para aquellos que no tengan acceso al texto cito in extenso tres fragmentos:

“Una vez que éste (el sistema ecológico del ambiente) haya alcanzado un grado de organización superior, las influencias del azar tienen siempre una tendencia destructiva. Por tanto en un estado social perfecto toda modificación inducida por el azar tiene que expresarse necesariamente en una reducción de la funcionalidad.”

“En un mundo controlado por los hombres no hay lugar para el azar. Nuestra tarea es excluirlo. Nuestro mundo debe ser controlado por entero y dirigido en todas sus aspectos. Las influencias del azar en el ámbito de la técnica llevan a accidentes, la espontaneidad en el ámbito social conlleva perturbaciones”

“Una vez superada la fase transitoria, el azar destructivo se elimina por completo de la estructura de acción del Estado Social. Así, con un corte total entre el micro y el macrocosmos se logra un estado de orden perfecto”

Podemos comprobar que la argumentación se apoya en la lógica maligna del paradigma newtoniano-cartesiano expandida hasta su postrera y perversa plasmación. Entre el flujo de vivencias del protagonista y su coro de pares (o de controladores) se filtran deliciosas disquisiciones sobre informática y sus proyecciones, las mismas que a más de seis lustros mantienen vigencia en muchos de sus puntos sean críticos o prospectivos, por ejemplo el siguiente párrafo: “Por lo tanto, la computadora juega un papel primordial en el sistema hombre/técnica: asume las funciones de anteriores gobiernos humanos, cumpliéndolas de modo ideal, sin las imperfecciones de aquellos. Es el instrumento perfecto de gobierno -desinteresado, inagotable, incansable- al servicio del hombre”.

Se adhiere al marco triple del universo constituido por energía, materia e información cuando dice: “La información era un medio mucho más eficaz para modificar al mundo que las herramientas o las armas...” y se vincula por doble enlace al efecto liberador que traen consigo la aplicación de la ciencia y la tecnología y a los derechos de los pueblos, cuando la rebelión anhelada por los opositores al régimen y perseguida por las unidades represoras, queda sistematizada en una tabla de guarismos aleatorios que al introducirlo en la red (gusano o virus), desencadena el desplome del sistema de control computarizado; ciencia y la tecnología aparecen definidos por la dictadura así: “son tareas características de una etapa de transición en la cual aún no se ha alcanzado el estado ideal ambicionado. El círculo de personas abocadas a tales tareas están fuera de la ley. Hay que reducirlas al mínimo posible. La comunicación entre este ámbito de labor y el mundo exterior está reducido al intercambio indispensable de datos técnicos”.

El supuesto nirvana donde moran la mayoría de las categorías clasificadas del andamiaje sociocultural de la sociedad descrita en Ypsilon Minus, sin siquiera enterarse, es un “Matrix”... pero presencial, donde los personajes actúan cual clones con anteojeras ejecutando las faenas programadas, y coagulada su capacidad para crear conocimiento, sólo serán capaces de renovar información para continuar funcionando. El abismo hacia el que se precipitan signado por la eugenesia, el control físico y genético elevado a límites íncreibles e intolerables, el escamoteo de las sensaciones y emociones, la confusión de la percepción, la demolición permanente de lo que hace digna la existencia, se convierte en un absurdo y nauseabundo delirio tecnocrático del cual no quisiéramos ser miembros. Es una pena su lectura tardía, pero no ha envejecido y raudo paso a recomendarla, asómense a la sima que describe que tras la rebelión propuesta les permitirá retornar renovados y con ganas de participar por lo “minus” en las campañas de Avaaz.

libros, ciencia ficción, Ypsilon Minus,
libros, ciencia ficción, Ypsilon Minus,

CINE: Invisible

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 13 Feb 2010 06:16:00 +0000

Dirigida por: David S. Goyer

Escrita por: Mick Davis y Christina Roum

Año: 2007

País: coproduccíon EE.UU y Canadá

Título original: The Invisible

La película que vamos a reseñar es un inteligente cruce (o crossover, como les gusta decirle a los gringos) entre las novelas de fantasía modernas de autores como M. John Harrison y Haruki Murakami y el cuento de fantasmas victoriano, un género más popular de lo que creen (sino díganselo a los tropocientos volúmenes de terror que ha editado Valdemar a lo largo de su carrera). Ya sé que suena extraño ¿Cómo concilias las historias de fantasía modernas y sofisticadas con el ectoplasma y el espiritismo del s. XIX? Suena imposible, pero esta película es la muestra de que se puede.

Vamos por partes: Nick Powell (Justin Chatwin, si él mismo de la abominable "adaptación" de Dragonball en live action que vimos el año pasado) es un adolescente sensible y brillante, con talento para la literatura, que destaca en las clases de su colegio, pero que tiene un sueño: ir a Londres y ser escritor. Comparte sus cuitas diarias con su amigo Pete (Chris Marquette), a quien le cuenta sus confidencias y trata de ayudar de vez en cuando a superar su adicción a la nicotina. Con quien no se lleva bien en lo absoluto es con su madre, Diane (Marcia Gay Harden), quien ha planificado la vida de su hijo al detalle, y los sueños de libertad e independencia no entran dentro del plan maestro. En realidad, como se nos va explicando dentro del filme, todo comenzó a ir mal entre ellos desde que el padre de Nick murió y su madre comenzó a volverse un ser cada vez más obsesivo para tener cierto control de su vida.

Añadamos a la ecuación a Annie Newton (Margarita Levieva), una joven díscola y rebelde, líder de una pandilla de mal vivir que domina las actividades ilícitas en la mismas escuela de Nick. Annie pertenece a una familia que muy bien pudo ser la de Al Bundy u Homero Simpson, por su nivel de disfuncionalidad, solo que en vez de tener el tono de comedia que hace adorables a semejantes fracasados, está tiene más bien un tono de realismo y crudeza que comparten los millones de perdedores del Sueño Americano en esta actual recesión económica mundial que vivimos todos. A Annie le gusta vivir al límite, sentir que su vida es una grandiosa aventura, y para eso se asocia con un delincuente, Marcus (Alex O'Loughlin), alguien realmente peligroso que, aunque sabe mantener un perfil bajo puesto que más de una vez ha ido a la cárcel, no dudaría en deshacerse de un sujeto inestable en su grupo por las malas.

Cuando Annie es denunciada a las autoridades por un crimen y llevada a la comisaría, lo primero que cruzará por su mente será la venganza. Mala idea, puesto que eso la llevará por error a dirigir sus miras donde Nick, creyendo que él fue quien la delató ante las autoridades. Al final, entre toda su pandilla le dan una brutal golpiza, pero es Annie quien se propasa y le da el golpe (o más bien debería decir la rematada) de gracia, aparentemente matándolo. Como son criminales inexpertos, es lógico que entren en shock y se asusten de muerte ante lo que han hecho, por lo que esconden su cuerpo. Hasta ahí una película de crimen normal. Pero lo realmente extraño no ha hecho sino comenzar.

Extrañamente al día siguiente, Nick aparece de lo más normal en su facultad, solo que nota que la gente no le dirige la palabra y hablan de él como si estuviera ausente. Tras una serie de traumáticos "experimentos" (¡incluido el ser arrollado por un camión!), Nick piensa que está muerto y se ha vuelto en una especie de fantasma. Su nuevo estado de existencia es frustrante. Al contrario de los fantasmas de la clásica Ghost: la Sombra del Amor o la más reciente Actividad Paranormal, no puede interactuar en ninguna forma con el mundo de los vivos. Todo intento por conseguir una reacción solo se refleja en su lado como una posibilidad de lo que pudo pasar en el mundo "real" si aún estuviese ahí, que desaparece al instante, volviendo a la normalidad como si él no existiera.

Y es en esa ausencia, cuando sus seres queridos y amigos comenzarán a apreciarlo más (como su madre) o a sentir en vida las consecuencias de sus actos (como Pete) ¿Y Annie? Bueno, digamos que está metida en un montón de problemas. Nick por su parte, buscará traspasar la "barrera" que lo separa de nuestro mundo, después de hacer cierto descubrimiento fundamental que podría traerlo de vuelta al lado de los vivos. Lo más paradójico del asunto es que su último asidero a la realidad es Annie en una forma que no les explicaré para no arruinar la sorpresa, pero les aseguro que no tiene que ver con una solución fácil que involucre espiritismo y médiums.

Y es que esta es una historia de amor. Una muy poco convencional historia de amor. En la relación de ausencia entre Nick y Annie, y el poco convencional lazo que los ata y que los complementa, se forja un breve pero hermoso —y eso sí, muy humana— romance ¡Pero ay de los que estén buscando historias de amor paranormal malas como las que publica Nabla! No encontrarán nada por el estilo aquí. Más bien es una historia llena de acción (por parte de los vivos) y de angustia (por parte de Nick, al darse cuenta que su nueva existencia es solo temporal). A medida que la policía cierra el cerco sobre Annie y Marcus, una serie de encuentros, desencuentros, eventos trágicos y acciones desesperadas se irán desencadenando hasta llegar a un final que sin ser del todo feliz, cierra de forma convincente la película.

Volvamos a la condición que le da título a la película. La «invisibilidad» de Marcus es asfixiante: ninguna barrera puede retenerlo, no necesita comer o dormir; es una especie de ser tetradimensional capaz de trascender las limitaciones de nuestro espacio-tiempo (y si comienzo a hablar como trekkie es que he leído muchos libros de Michio Kaku), pero vive en la más absoluta soledad y aislamiento. Si se puede sacar una lección de esta película es que el ser humano no puede vivir solitario, que necesitamos de los demás sea en las buenas o en las malas para sentirnos completos. Otra enseñanza que se puede obtener, es que en la ausencia se reconoce al Otro por lo que vale, a medida que la madre de Nick admite que su hijo no es un ser que pueda controlar a su capricho, sino un ser independiente del que ya es tiempo que corte sus lazos con el hogar, que es tiempo que viva sus propias experiencias y quién sabe, hasta cometa sus propios errores, pero serán sus experiencias, sus exitos y sus fracasos, no los que alguien más pensó por él.

Como ven, la búsqueda de independencia es otro tema que destaca en la película, ya sea de una forma legítima como Nick, o por el camino de la ilegalidad como Annie, el director refleja las vicisitudes y dudas de los jóvenes modernos en este incierto mundo de hoy. Como lo que un día era una oportunidad, se vuelve al siguiente en un obstáculo o una duda. En eso, el filme muestra un argumento legítimo. Después de todo, tras la graduación de la universidad (si llegas a graduarte claro está): ¿qué hay? ¿Ser un asalariado cualquiera? ¿Dónde estaban los viajes, los sueños, las aspiraciones, los ideales? Nuestra modernidad mata a la gente con su indiferencia. Los hace invisibles al fin y al cabo.

Pero para terminar, una recomendación. Conste que este es un remake de la película sueca Den osynlige (2002) de Joel Bergvall y Simon Sandquist, basada en el libro del mismo título de Mats Wahl y Katarina Tucker (lo cual no es de extrañar, desde Déjame entrar, de John Ajvide Lindqvist, el fantástico sueco está entrando con fuerza en el mundo en general). Y por lo que he oído, el original es muy superior a la copia; así que si pueden hacerse con una copia de Den osnylige en película o libro, mejor, sería interesante comparar versiones, especialmente porque la original tiene un final más crudo y más cerrado a la esperanza. Un final más real donde la invisibilidad que todos sufrimos en vida ante la indiferencia de la modernidad, termina aplastando a los personajes.

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