Justificar texto

El jazz de Wynton Marsalis.

noreply@blogger.com (Marc Prim) — Thu, 10 Mar 2011 20:11:00 +0000

Hace un tiempo (bastante) vino a parar a mis manos un ejemplar de "El Jazz en el Agridulce Blues de la Vida", libro publicado en España por Paidos Música, y que relata de la mano de Carl Vigeland una ajetreada gira en verano del 2000 protagonizada por el que se ha venido considerando como uno de los mejores trompetistas e interpretes del jazz, Wynton Marsalis.

Este “diario de carretera” ilustra cómo funciona entre bastidores el septeto de Wynton Marsalis a lo largo de sus viajes concertísticos, pero antes que eso, es una auténtica muestra de impresiones y reflexiones sobre lo que supone el jazz y su interpretación. Aunque la mayor parte del texto es la plasmación de las experiencias de Carl Vigeland junto al grupo, no son pocas las citas que hace Marsalis, reflexionando y exponiendo su punto de vista, y su filosofía musical, que él convierte en un estilo de vida.

El swing es cuestión de cuánto tiempo eres capaz de mantenter un equilibrio con el resto de músicos de la banda. Todos pueden hacerlo brevemente, pero dos, tres o diez músicos es ya otra historia. Te tienes que amoldar a lo que están tocando los demás, te guste o no. No tienes que juzgarlo ni intentar cambiarlo. Debes dejarte llevar porque la música no se detendrá ni te dará tiempo para que te acostumbres a ella. Y hay más, tienes que sentir el swing recorriéndote el cuerpo desde las plantas de los pies hasta la cabeza. La forma en que te colocas también tiene su importancia. Hay sitios que parecen pensados para ellos. Si estoy de pie demasiado tiempo se me hace difícil seguir el swing.
Y además me duelen los pies.

(P.83)

Seguramente Coltrane le habría contestado alguna cosa.

Y es que Wynton Marsalis, al cual, su también reconocido hermano Brandford dejó de lado para irse a tocar con Sting (convirtiendo su septeto en cuarteto allá por los 80'), aparte de ser uno de los mejores músicos de jazz de la historia, es también un purista, un paladín de "lo tradicional" en el jazz, toda una contradicción, pues el jazz es constante innovación, improvisación y experimentación, algo de lo que ya Philip Larkin renegaba en "All What Jazz" (Paidós, 2004):

[...]no me gustan los compases extraños, ni los ritmos africanos o latinoamericanos, ni los hindúes, ni los caribeños. ni los solos de contrabajo, ni toda esa patraña de la Nueva Ola (New Wave) ni la fatuidad del free jazz [...] yo puedo reconocer el jazz porque me pongo a seguir el ritmo con el pie por la habitación, lanzo gruñidos de aporbación o incluso me alzo y brinco por la habitación. Si nada de esto sucede, por interesante que resulte musicalmente u osado espiritualmente o elogiable racialmente, no es jazz. Y si eso es ser un purista, soy un purista. Y, por mí, como se el tipo del banjo se pone boca abajo".

A lo largo de su vida de artista, sus trabajos han abordado todos los subgéneros del jazz; y es por ello que, a pesar del ya mencionado purismo que desprenden sus obras, ha conseguido realizar un autentico trabajo divulgativo con esta música.

"You Don't Know What Love Is."

Tema del documental sobre la vida de Jack Johnson, el primer afroamericano en ganar el Mundial de Pesos Pesados en boxeo.

"April In Paris"

Jazz de Nueva Orleans en "Black Bottom Stomp"

Vínculo Spotify del disco "In This House, On This Morning". Aquí saca a relucir todo su espíritu experimental, dado que está estructurado de tal forma que recuerde el rito de una misa, de principio a fin. Destaco "Hymn" "b: In This House" y "Local Announcements".

http://open.spotify.com/album/5yFUAjHi4zjyQJc1sHeDp2

"Blood On The Fields", álbum por el que recibió un Pulitzer; el primero otorgado a un disco de este tipo.

http://open.spotify.com/album/5JJaf6dxNpj383d00A54EQ

De momento, eso es todo.

La madrugada de Tom Waits

noreply@blogger.com (Marc Prim) — Sat, 08 Jan 2011 12:31:00 +0000

Well, I woke up this morning with the Cold Water...

Tom Waits es, además de músico, una especie de actor (no es extraño que le hayan ofrecido papeles en el cine), por lo que su música no se ciñe al sonido, sino a la propia forma de moverse, al vestuario y a una actitud que refleja su voz rota y sus letras, directamente inspiradas por el realismo sucio de Bukowski o la prosa poética de Kerouac, a fin de retratar el propio ambiente en el que se desenvuelve, donde vagabundos, corazones rotos, prostitutas y alcohólicos son los protagonistas de una noche tras otra, porque la música de Waits es la música de la madrugada.

Si hoy te sientes solo y abandonado, deja que el viejo gato te acompañe. Bajo la lluvia suena mejor.

"Rains On Me"

This is how the world will be
Everywhere I go it rains on me
Forty monkeys drowning in a boiling sea
Everywhere I go it rains on me
I went down into the valley to pray
Everywhere I go it rains on me
I got drunk and I stayed all day
Everywhere I go it rains on me

Everywhere I go, everywhere I go
Everywhere I go, it rains on me

All God's chilluns can't you see
Everywhere I go it rains on me
Louie Lista and Marchese
Everywhere I go it rains on me
Robert Sheehan and Paul Body
Everywhere I go it rains on me
I went down to Argyle I went down to Dix
Everywhere I go it rains on me
To get my powders and to get my fix
Everywhere I go it rains on me

Everywhere I go, everywhere I go
Everywhere I go, it rains on me
Everywhere I go, everywhere I go
Everywhere I go, it rains on me

T. WAITS.

"Downton Train"

"The Heart of The Saturday Night"

"Chocolate Jesus" en directo

"Home I Will Never Be" de Kerouac.

"Walkin' Spanish"

"Tom Traubert's Blues"

"Christmas Card From a Hooker in Minneapolis". Un villancico para despedir la Navidad.

Canción de despedida al tabaco.

noreply@blogger.com (Marc Prim) — Sat, 01 Jan 2011 22:02:00 +0000

Esta entrada es una referencia a la prohibición de fumar en lugares publicos que entra hoy en vigor.
Pero no hablaré de eso. En realidad, tan sólo quiero colgar unos cuantos temas relacionados más o menos con el fumador y su pequeño cosmos... Canciones que hablan de humo, de cigarrillos, en fin... el glamour que este vicio tuvo hace tanto tiempo y ya perdió.

"Smoke Gets In Your Eyes"- The Platters.

"Smoke, Smoke, Smoke" - Sammy Davis Jr.

"Smoke Rings"- Django Reinhardt.

"Don't Smoke In Bed"- Nina Simone.

"Smokin In The Boys Room"- Brownsville Station.

El taxista que sabía de música.

noreply@blogger.com (Marc Prim) — Mon, 27 Dec 2010 00:53:00 +0000

El otro día me subí en un taxi, en el asiento de delante, el que llaman “del copiloto”. La cuestión es que ahí iba yo, después de darle la dirección al conductor, cuando, ejerciendo los roles habituales, comenzó una conversación. En la radio sonaba algo de The Scorpions. Nunca me ha gustado demasiado ese tipo de música y tampoco le iba prestando atención a la radio, pero el tipo me lo dejó caer:

-Intento averiguar de qué grupo es este tema que suena. Creo que es Scorpions.
-The Scorpions.
-Si, esos son.
-Esos cantaban lo de “Rock You Like A Hurricane”.
-Si, si. Esos.

Entonces supongo que si yo no hubiese mostrado intención de darle coba se habría callado. Pero como no sólo le seguí la corriente, sino que se la seguí consciente, consciente de lo que decía, el hombre se aceleró, a la vez que aceleraba también el motor y clavaba la cuarta cogiendo el carril de en medio en la autopista.

-Antes estaban hablando de Janis Joplin en otra emisora. Era buena esa mujer. Lo que pasa es que acaban mal. De esa época, pocos buenos quedan.
-La droga ¿eh?
-Si, la droga. Esto de la heroína te va consumiendo poco a poco hasta que no te queda nada. Te apagas.
-Ya.
-Mejor eso que lo que le pasó a Hendrix. Eso fue diferente... y tan... desagradable. Hendrix. Ese tío si que era bueno con la guitarra, joder.
-Pues sí. Se ahogó en su propio vómito
-Eso digo. Lo malo es que siempre acaban igual.
-Y con respecto a Janis Joplin, pues de eso se trata. Uno va probando más y más hasta que se le escapa de las manos.
-Peor lo pasó el baterista de Led Zeppelín.
-¿Ese es el del vodka?

Parece que saber de música incluye también conocer la triste realidad de la caída de las estrellas. La muerte de Bonham puso fin a la existencia de Led Zeppelín como grupo. Era irreemplazable. Y estamos en tal situaciónque habría que preguntarse cuál sería nuestro panorama actual con Jim Morrison dando conciertos, y todos estos demonios de la droga y el rock que dejaron un cuerpo bonito después de vivir tan deprisa.

-Leonard Cohen escribió “Chelsea Hotel” inspirado en una mamada que le hizo ella.–comenté.
-¿Ella? ¿Janis Joplin ?
-Si, en el hotel. El Chelsea Hotel si usted me entiende.

Así fue. Hendrix. Joplin. Bonham y Led Zeppelín. Aún queda Cohen.

The Creedence Clearwater Revival

noreply@blogger.com (Marc Prim) — Wed, 22 Dec 2010 17:00:00 +0000

Uno de los mejores grupos de la Historia de la Música (esto es subjetivo, pero con fundamento) nace a a caballo entre la década de los 50' y la de los 60', con el nombre de "The Blue Velvets", sustituido más adelante por "The Golliwogs" en una estrategia comercial de la Fantasy Records, la discografica que en 1964 los lanzaba a la fama.

Más adelante, y con amplias perspectivas de futuro, el grupo adoptaría, con la unanimidad de sus cuatro componentes, el nombre de Creedence Clearwater Revival. (¿cómo se traduce esto?)

La Creencia en el Agua Pura, Resucitados... Algo así viene a ser. Casi profético, pero no saldría tan bien como era de esperar.

Aparentemente, Creedence viene dado por un amigo de Fogerty, y lo de Clearwater es de un anuncio de cerveza. Revival responde al espiritu renovador del grupo que, en este momento, comenzarían su escalada triunfal hacia el estrellato.

La música de C.C.R es rock con un estilo un tanto sureño, llevando además grabadas reminiscencias del country en su sonido. Llegaron a publicar varios discos, a cual más exitoso, pero parece ser que la "ineptitud" comercial del líder J. Fogerty, así como diversas debilidades humanas, empezaron a ahcer mella en la relación de los componentes del grupo, que acabaría disolviéndose en 1972, no mucho después de publicar su último álbum "Mardi Grass", que no contaría con la buena recepción de sus predecesores.

Pero han dejado un repertorio bastante amplio de buenos temas, y son uno de los referentes mundiales de la música rock. Son tan originales y esenciales como puedan serlo "The Doors" o "Gratefull Dead".

No en vano, son el grupo favorito de Jeff Lebowski, "El Nota".

¿Quién no querría seguir adorando a los Creedence? Pero como tantas otras cosas, son mejores en el recuerdo. Cada momento y cada canción en su pequeña vitrina.

Me cuesta mucho hacer una selección de este grupo. A ver cómo queda.

Este es un ejemplo de lo que era The Golliwogs, antes de convertirse en C.C.R. y que forma parte de una compilación pre-Creedence, lanzada por Fantasy Records justo después de la ruptura de la banda.

"She Was Mine"- The Golliwogs

Ahora sí, los Creedence en sí mismos.

Un vídeo muy retro. "Lookin Out My Backdoor"

"I Put a Spell On You"

"Midnight Special"- Un cover magnífico de un clásico que cantara Leadbelly.

"Have You Ever Seen The Rain?"

"Lodi"

Ya volveré, pero no hace falta que pongáis una vela en la ventana, como dicen en esta última, si bien agradeceré algún comentario. "Long as I Can See The Light".

Música de cabecera I

noreply@blogger.com (Marc Prim) — Fri, 17 Dec 2010 14:30:00 +0000

Algo de vieja música suelta mientras me pienso la próxima entrada:

Sidney Bechet. "Cakewalking Babes From Home".

Johnny Cash. "That Lucky Old Sun"

Original Dixieland Jazz Band. "Satanic Blues".

Bix Beiderbecke. "Singing the Blues".

Lonnie Johnson. "Keghouse Blues".

Sí, es Jackie Gleason. ¡Zas, en toda la boca!
"If I Could Be With You"

Phillips y la Sun Records

noreply@blogger.com (Marc Prim) — Wed, 08 Dec 2010 22:53:00 +0000

Los grandes nombres en la historia de la música estadounidense incluyen a B. B. King, Little Richard o James Cotton. Con la reinvención que supuso el rock and roll, también a Elvis Presley, Jerry Lee Lewis, Johnny Cash, Carl Perkins...

Aquí escribo generalmente sobre músicos o géneros, en general. Pero la entrada va dedicada en esta ocasión a un personaje crucial que no se hizo famoso por tocar música en absoluto. Sam Phillips, cazatalentos, productor musical y fundador de Sun Records.

Escuetas son las referencias que se pueden encontrar por ahí en castellano; el artículo a él dedicado en Wikipedia en español no es más que esto:

Samuel Cornelius Phillips (5 de enero de 1923 - 30 de junio de 2003). Locutor, técnico radiofónico y productor musical fundador del sello discográfico Sun Records, estrechamente vinculado al nacimiento del rockabilly.

Parece un epitafio. Y no es mucho más lo que dice el artículo en checo, el polaco o el japonés (sí, en japonés)... y los correspondientes en francés o alemán son una simple traducción automática de lo que dice el original en inglés. Paradójico que la gente escriba tu nombre en Wikipedia y se conformen con ponerte dos líneas o hacer un simple "copia y pega".

Decía el artículo: “Estrechamente vinculado al mundo del rockabilly”; esto se explica de la siguiente forma: La Sun, estableció el puerto de despegue de la mayor parte de los nombre de oro de la música de los 50’, los que he mencionado más arriba. Sin esto, habría sido una discográfica cualquiera.

Previamente, Sam Phillips está más vinculado al mundo del blues y la música sureña, así como el country. Tenía visión de empresario, y todo su mérito se debe tan solo a una visión de mercado adecuada en el momento adecuado. Demostraría su capacidad en el momento en que lleva al público la recién inaugurada música rockabilly, con Elvis Presley como paradigma, pero como pasa tan a menudo, el dinero marca las veredas a seguir, y el llamado "Rey" firmó un contrato con la competencia, dejando a Sam Phillips, si no en lla ruina ni en la estacada, con un poco menos de protagonismo del que previamente y con justicia disfrutaba. A fines de los sesenta la discográfica desaparecía para ser retomada espontáneamente mucho más adelante, para realizar grabaciones tributo y reediciones de los clásicos. Tengo entendido que hoy la sede es un mueso del Rock and Roll.

Pero antes de este último episodio, en el curriculum de la Sun Records consta además el haber sido sede de las grabaciones el Million Dollar Quartet, al que ya le dedicaré un articulo en otra ocasión, en el futuro.

En fin, ahora cuando oigáis o leáis el apellido Phillips no penséis solo en destornilladores o electrodomésticos. Sin S. Phillips y la Sun Records la música no sería la misma... aunque si no lo hubiese hecho él, seguramente a otro se le habría encendido la bombilla.

Y para cerrar y adornar este aburrido articulo, una muestra de los frutos de la labor del dueño de la Sun Records en el huerto de la música popular de Estados Unidos. Lo que adjunto son videos con las grabaciones de los singles originales de la década. Además, los últimos son bastante "desconocidos".

"Honey Don't"- Carl Perkins.

"Blue Suede Shoes"- Carl Perkins.

"This Kind Of Life"- Roy Orbison

"You Win Again"- Jerry Lee Lewis.

"Red Hot"- Billy Emerson. Esta no la conocía yo, ha sido un descubrimiento.

"Rock Me Babe"- Jimmy Hagget.

"I've Got Love If You Want"- Warren Smith.

Djangology. O cómo un gitano conquistó Estados Unidos.

noreply@blogger.com (Marc Prim) — Fri, 26 Nov 2010 00:46:00 +0000

El 2 de noviembre de 1928 la caravana en la que vivía Jean Baptiste "Django" Reinhardt sufrió un incendio accidental.

Pero gracias a la buena suerte no solo salvó la vida, sino que además no tuvo impedimento en convertirse en uno de los genios del jazz más influyentes del S. XX. A pesar de la inutilización de su mano izquierda, Django Reinhardt consiguió adaptar la irreversible lesión al instrumento.

Y de Francia pasó a Estados Unidos, donde se metió de lleno en los cánones musicales del momento y del lugar y los revolucionó con el nuevo concepto de Gipsy-jazz. El jazz gitano, más conocido como jazz francés, claro, que más tarde complementaría con el violín de Grappeli para convertirlo en una alegre bomba de swing.

No, no es en realidad música estadounidense. Pero qué cojones. Es Django Reinhardt, quien descubrió el jazz de Nueva Orleans y lo devolvió a casa completamente modificado, a veces irreconocible, pero siempre genial.

Pongo más abajo un repertorio muy seleccionado.... Pero aún no sé cuantas grabaciones hay a nombre de Django, es inabarcable.

Una música ideal para pasear, aún mejor cuando no haya prisa, pero incluso aún si la hubiera.

Ya sabes... I'll see you in my dreams.

Belleville. Siempre creí que este tema sería ideal para oirlo mientras viajas en un tranvía. ¿Por qué en este y sus derivados no hay música ambiental en los vagones, de buena mañana?

Djangology

Gillespiana.

noreply@blogger.com (Marc Prim) — Wed, 20 Oct 2010 23:04:00 +0000

Hoy es el 93º aniversario del nacimiento del trompetista John Birks "Dizzy" Gillespie.

De tal forma que, para desempolvar un poco el blog y rendirle a su vez homenaje a este genio y figura del jazz, voy a dedicarle una entrada.

Me limitaré a poner unos cuantos ejemplos de lo que fue su aporte al mundo de la música, desde el jazz más clásico, pasando por sus aventuras en la experimentación musical, en particular lo que ha venido siendo denominado como jazz latino.

No se queda todo en tocar la trompeta. Gillespie destacó por ser, además, un músico con espíritu de showman, sorprendiendo al público y ganando fama gracias a su capacidad vocal con el scat y a su relajada actitud, así como a su carisma en el escenario, que hacían de sus espectaculos algo más que un simple "tocar bien".

A todo esto, he de añadir que nunca en mi vida había visto unos mofletes inflarse tanto, es sobrehumano.

"Umbrella Man", con Louis Armstrong

"Tin Tin Deo"

"Manteca"

Creo que volveré pronto, para no morir ante la poca gente que aún pueda leer esto, con algo de Django Reinhardt.

Hot Jazz.

noreply@blogger.com (Marc Prim) — Thu, 06 May 2010 00:58:00 +0000

Dixieland es el nombre que generalmente se le da al territorio del sur de los Estados Unidos, que comprende los estados que formaron la famosa Confederación en tiempos de la Guerra de Secesión. El fenómeno del esclavismo fue, como creo que dije en alguna de las escasas entradas anteriores, el aliciente para dar lugar al blues. Pero este deriva a su vez en un género igual de atractivo. En Nueva Orleáns el jazz de Dixieland, también conocido como Hot Jazz, es el sonido definidor de la urbe a la que va a desembocar el Mississippi. El jazz de Dixieland suena en burdeles, muelles, avenidas de la ciudad francófona y los barcos de vapor que remontan o descienden la arteria fluvial del este Norteamericano.

La palabra Dixieland se utiliza tambié, originariamente y en conexión con lo explicado en el párrafo anterior, para definir a este tipo de música interpretada por músicos blancos, lo cual tiene su origen en las primeras fases de la segregación racial que siguió al fin del esclavismo. Los músicos de las primeras bandas de Dixieland (La Original Dixieland Jazz Band, en la foto) tomaron esta música de los interpretes negros originales y en muchas ocasiones comparecían a las actuaciones maquillados como tales a fin de amenizar el numerito; conjugaban la comicidad del sonido del género con el atuendo a fin de llevar al público una especie de parodia de la negritud. Por otro lado parece ser que la discográfica Columbia Records trató de registrar primero a Buddy Bolden (afroamericano), pero este se negó a grabar su obra por miedo a imitadores que acabaran haciéndole sombra y superándole. Bueno, tras probar con él, la discográfica en cuestión recurriría a la Original Dixieland Jazz Band –en la foto-, los cuales tendrían el falso honor de ser los primeros en registrar y por ende en popularizar este género. Esto sucede a principios del siglo XX, y la historia recuerda un poco a lo que después sucedería con el Rock and Roll, en la que blancos como Elvis o Buddy Holly se llevarían el mérito por las versiones de temas negros tradicionales del blues tocados de una forma diferente y orientada a un mercado concreto, pasando el producto por el filtro del color de la piel.

En cuanto a aspectos formales es una música de ritmo generalmente rápido, casi frenético en ocasiones, tocada por orquestas con preponderancia de aerófonos de metal, y especial predilección por instrumentos como el clarinete o la trompeta, pero no faltan bombos y tambores, o pianos; y si la cuerda tiene un lugar, es en forma de banjo, el laúd de los pantanos de Alabama.

Poca gente interpreta hoy día el Dixieland, y su meca sigue siendo Nueva Orleáns. Sucede un poco lo mismo que con el country o el bluegrass, relegadas a tipos y lugares concretos, y poco a poco traspasadas al ámbito de lo folclórico y tradicional. Pero esta música fue en su día, en la década de los 20-30 del siglo pasado, un bombazo. Se oía en los locales de moda y acompañaba las reuniones más selectas, en los lounge bar de Chicago o en clubes exclusivísimos como el Cotton Club, -donde los negros sólo tenían lugar como intérpretes o bailarines para deleite de la élite blanca del lugar- así como en el gramófono del gangster que pasaba alcohol desde Canadá. Era además, escandalosamente bailable.

Hoy en día, todo queda reduciodo a unos pocos grupos, y a tirar mano de las remasterizaciones de grabaciones originales. En Nueva Orleans sigue bastante viva sin embargo, es la propia esencia del lugar, lo que en su máximo extremo se refleja en los famosos funerales al estilo de la ciudad acompañados por orquestas y comitivas a las que se une la gente de fomra espontánea, bailando en honor al difunto.

Por otro lado, músicos de jazz tán célebres y vanguardistass como Winton Marsalis no dejan de hacer sus particulares homenajes a este género primigenio del jazz; y todo el mundo conoce la afición al clarinete de Woody Allen, miembro de la banda formada conjuntamente con Eddy Davis y Greg Cohen, y que llevan alrededor del globo su aportación nostálgica del Hot Jazz de Nueva Orleans.

Aquí dejo unas cuantas muestras.

El Buddy Bolden's Blues interpretado por una banda llamada Dixie Train (europeos, creo)

The Dukes of Dixieland. Co el icónico "When the Saints Go Marching In". En principio era un himno evangelisa. Y "Down By The Riverside"; el riverside del Mississipi, claro.

Woody Alllen: After you' ve gone - Martha (aka Mazie) - Lonesome Blues. En ese orden.

Louis Amgstrong "cubriendo" al legendario W. C. Handy.

Winton Marsalis intepretando Hot Jazz opara la tele. Un tema clásico del género titulado precisamente Buddy Bolden's Blues.

Un funeral al estilo Nueva Orleans.

Edén y bluegrass.

noreply@blogger.com (Marc Prim) — Sat, 12 Dec 2009 23:44:00 +0000

Dentro de la música popular estadounidense, el género más genuinamente americano es el más rústico, el que está más en contacto con la tierra y los paraísos naturales de la Norteamérica que ya no existe, la que era una suerte de promesa paradisíaca para las primeras personas que se internaban en los parajes vírgenes de la Appalachia, y después en los puertos neoyorkinos. Y también hacia las tierras del Oeste, para fundar una nueva civilización en el desierto. Está claro que no era un impulso religioso-espiritual el que guiaba la mayoría de los desplazamientos coloniales y las fundaciones en Norteamerica (a excepción de Mormones o Puritanos), pero si que está siempre de fondo; era la oportunidad de empezar de cero, no solo desde un punto de vista individual, sino también colectivo, trasladándose el concepto bíblico de Tierra Prometida al Nuevo Mundo.

Podría decir que el bluegrass es la música de la convivencia con la Naturaleza, pero en contra de nuestros actuales principios, es en cambio, adaptándonos a los principios de aquellos que la engendraron, la música de quienes se enfrentan a ella en la montaña, extendiendo las fronteras del Edén Norteamericano, definido y construido poco a poco por individuos barbudos – lociones y navajas para los petimetres... para mí pecas y una barba hirsuta" W. Withman - que en sus ratos libres se reunirán para tocar el banjo, que es el más elemental de los instrumentos empleados, pero igual de presentes están el violín, o la armónica.

Las montañas nevadas de Apallachia alzándose sobre brumosos bosques que acogen en sus laderas comunidades mineras o de leñadores, y de granjeros a sus pies, son la cuna y el hogar del bluegrass, que acabará viajando, con las caravanas y el cultivo de tierras más allá del Missisipi, a regiones como Oklahoma, Kansas, Nebraska, etc.

Hoy día el bluegrass no se encuentra en peor posición, pero para la gran parte de la población del país es simple música de paletos, tan alejada de los nuevos géneros urbanos que surgirían después, y vinculada también a los elementos más reaccionarios del panorama político (y generalmente no sin razón). Sin embargo, músicos de bluegrass tan notorios como tradicionales han apoyado iniciativas demócratas (en último punto, la candidatura de Obama), y provocando el enfado de y sentimiento de traición por parte de significativos sectores de aficionados, pero eso es otra historia.

Evidentemente todo evoluciona, y el músico de bluegrass ya no va descalzo o es un ermitaño. y en ocasiones se afeita, y desde luego, no es analfabeto ni se dedica a la minería ni a poner vías (ya los había así también en el XIX) Entre los más destacados tenemos a Ralph Stanley, Bill Monroe, Craig Duncan, Charlie McCoy...

Aunque existen músicos a los que nadie se atrevería a definir de "música folclórica" y que hacen cameos o beben de fuentes del bluegrass, tales como Bruce Springsteen con el genial disco "Whe Shall Overcome; The Seeger Sessions", en el que the Boss repasa y reinterpreta algunos de los temas más emblemáticos del género sin tomarse respetando en pleno su esencia. Se podría mencionar incluso el caso de Harry Manx, que combina estos sonidos con los de la música hindú en un experimento que no le sale nada mal.

A continuación, la obligada música de muestra.

Ralph Stanley

Bill Monroe

Craig Duncan.

Bruce Springsteen, con "Old Dan Tucker", "Jesse James", y la simpática "My Oklahoma Home" para los que tengáis Spotify.

http://open.spotify.com/track/3ReRXPPAWri14lB8Q829pp

Harry Manx

Y algo variado, el primer vídeo es de mis favoritos:

Versiones del icónico tema "In the pines" (solo he incluido las que son bluegrass)

When The Man Comes Around

noreply@blogger.com (Marc Prim) — Wed, 04 Nov 2009 12:45:00 +0000

Ha pasado un tiempo desde la última vez que escribí. No me he puesto a ello por diversas razones, pero de momento pienso retomarlo y lo retomo.

He vuelto como el Hombre del que habla Johnny Cash en "When The Man Comes Around", aunque esta venida no es tan sonada como la segunda venida de Cristo, pero bueno.

Así pues, voy a escribir hoy sobre Johnny Cash, el cantante icono de la música country que se ha convertido en los últimos años en poco menos que todo un símbolo nacional de los Estados Unidos, casi tanto como podrían serlo la bandera o el águila, pero al que no se identifica necesariamente, como podría suceder en cualquier país europeo, que esté vinculado iconográfica o ideológicamente a sectores conservadores o de derechas. Su carrera comienza como el de una figura más del movimiento popular del Rock, del rockabilly y similares, asociando a la década de los 50´ cuando es lanzado por Sam Phillips de la Sun Records al mundo del estrellato. Diversos problemas con las drogas le obligaron a estar inhabilitado durante un tiempo, pero logró recuperarse y regresar a los escenarios. No quiero hablar de su biografía, pues esa se puede conseguir fácilmente en multitud de sitios (dentro o fuera de internet) y tampoco soy un especialista en el tema. Pero si me gusta hablar de su lírica, en la que se refleja bastante bien su visión del mundo a lo largo de su existencia como ser humano.

Sin tener constancia de que hubiese ido a parar alguna vez a la cárcel, es cierto que uno de los temas recurrentes en Cash es un velar "misericordioso" (el aspecto religioso viene incluido, más adelante hablaré de eso) por los presos que abarrotaban, y abarrotan, las cárceles. Adquirió la costumbre de ofrecer conciertos para sus moradores, lo que le hizo ganarse el respeto de la comunidad carcelaria, que pronto se identificó con él. Esto venía también por sus letras, en las que le protagonista muchas veces era un "tipo malo", un antiheroe anónimo y desamparado de las zonas rurales de la América profunda (y blanca) que acababa con sus huesos en una cárcel lamentándose por la vida de indeseable que le había tocado, bien cometiendo crímenes de sangre (Folsom Prision Blues), sumando a estos el consumo de drogas y la dependencia al alcohol, que le enajenaban (Cocaine Blues). "The Man in Black" es quizás un buen resumen de estas líneas que he escrito, con una letra de la que se puede sacar un mensaje de "redención" por todos los hombres que son "víctimas de su tiempo"; canta en este tema cómo viste de negro, es decir, cómo porta el luto por todas esas personas que padecen pobreza y hambre, o como decía antes, van a parar a la cárcel a raíz de un crimen que deben pagar, "pero -cito- es así porque es víctima de su tiempo" (y no simplemente hijo de su tiempo, como somos todos hoy, y los que estudiamos la Historia más nos damos cuenta de eso, dejando de lado sobre cuál es el ancho de la vía que permite el libre albedrío del individuo).

A la larga vemos una variante en las letras; yo deduzco que a partir de su desagradable experiencia en el campo de las drogas y el alcoholismo y a su posterior desintoxicación, lo cual identificó con una especie de iluminación religiosa. Así le vemos en un papel de predicador del oeste, con sus ropas negras (fue su firma y su apodo, el Hombre de Negro, como el tema antes citado), y tratando de redimirse. Pero no es ni mucho menos un fanático religioso, y vemos como versiona un tema bastante conocido de Depeche Mode, "Personal Jesus", en el que critica el timo barato del predicador televisivo "llame por la salvación de su alma".

Pero si que hay un autentico sentir de lo religioso, no olvidemos que vive desde la segunda mitad del siglo veinte y es de extracción bastante humilde, y rural, lo cual le condiciona bastante. Canta himnos de iglesia tradicionales con su particular tono moribundo y libres de todo ornamento musical (siendo que sus primeros temas country son fácilmente reconocibles por la elaboración de un ritmo propio muy reconocible), y por otro lado presenta temas de elaboración propia como "Spiritual", en los que se ve ese tránsito psicológico de Cash. Y como si tuviese cada vez más conciencia de lo perecederas que son las cosas y su proximidad a la muerte, Cash canta sobre el final de sus propios días. Creo que "Like the 309" fue su último tema grabado antes de su muerte, y relata el viaje de su propio ataúd en un tren. Otro tema, de los más melancólicos que se pueden oír, es "On The Evening Train" (los trenes están presentes siempre, son un elemento más del folclore estadounidense, y es algo que él incorpora a su propia iconografía), tratando una vez más de la fugacidad de cuanto rodea al ser humano (esta vez, los demás seres humanos, la partida o muerte de las personas que nos importan) tal como pasa con "Hurt", que en parte ha triunfado gracias a un video musical en el que ilustra la propia temática de la canción, es decir, la futilidad de las cosas . Estos temas, pueden ser obras suyas originales, aunque en muchos casos se limita a versionar los de otros artistas ("I Hung My Head", de Sting), pero precisamente los toma prestados para darles su estilo, cuando la letra se ofrece a fin de representar su propia agonía, sus demonios interiores, por llamar de alguna forma al arrepentimiento, la desesperación y la agonía que quiere transmitir hacia el final de sus días, y en cierta medida, también desconcierto ante este inevitable orden de las cosas que el achaca a la Divina Providencia ("Why Me Lord?").

Prometo volver con música más alegre la próxima vez, (aunque a mí esta me anima de una extraña forma) por ahora, dejo aquí los temas que he citado, y alguno más, en un orden cronológico, para que se aprecie esa evolución.

Rockabilly Blues-1955

Folsom Prisieon Blues-1959

La letra, encontraréis una traducción aquí

I hear the train a comin'
it's rolling round the bend
and I ain't seen the sunshine since I don't know when,
I'm stuck in Folsom prison, and time keeps draggin' on
but that train keeps a rollin' on down to San Anton..
When I was just a baby my mama told me. Son,
always be a good boy, don't ever play with guns.
But I shot a man in Reno just to watch him die
now every time I hear that whistle I hang my head and cry..

I bet there's rich folks eating in a fancy dining car
they're probably drinkin' coffee and smoking big cigars.
Well I know I had it coming, I know I can't be free
but those people keep a movin'
and that's what tortures me...

Well if they'd free me from this prison,
if that railroad train was mine
I bet I'd move just a little further down the line
far from Folsom prison, that's where I want to stay
and I'd let that lonesome whistle blow my blues away.....

The Man in Black

Letra de este tema y su traducción

Why Me Lord? Reflej lo q ue decia del himno religioso sin demasiado adorno músical, casi aprece canto llano, dentro de un espíritu puramente gospel.

On the Evening train y Like the 309 sucesivamente.

La muerte de J. B. Lenoir.

noreply@blogger.com (Marc Prim) — Sun, 28 Jun 2009 16:38:00 +0000

El 29 de abril de 1967, J. B Lenoir, músico del movimiento del Chicago Blues, murió a causa de las secuelas heredadas de un atropello sufrido semanas antes, y mal atendido en su momento.
Tiempo más tarde, John Mayall, uno de los miembros más destacables de la invasión del blues británico a Estados Unidos, compondría un tema llamado “The Death of J. B. Lenoir” (La Muerte de J. B Lenoir), en el que lamentaba la pérdida de un icono del blues estadounidense que había caído en el olvido mucho antes, como les pasara a B.B. King, Muddy Waters, y otros miembros de la misma generación musical dejados atrás por la moda del Rock and Roll en los 50-60.

El tema de Mayall es especialmente ilustrativo del verdadero legado de esa “British Invasion” paralela, que no tiene a los Beatles como protagonistas, sino a los bluesmen más internacionales de la patria de Robin Hood. Es el efecto rebote del blues a través del Atlántico: los británicos les recordaban a los estadounidenses cuales eran sus orígenes musicales más genuinos, y quienes eran sus protagonistas.

¿Quién es J. B. Lenoir? Como se preguntaban los americanos que oían a Mayall, junto a su grupo "The BLuesbreakers" y Eric Clapton, descubrían a partir de ahí un mundo que siempre habían tenido a la vuelta de la esquina, y que respiraban continuamente mientras oían a Little Richard, Elvis Presley o Buddy Holly, todos ellos herederos directos y conscientes de la tradición del blues. J. B. Lenoir, nacido en Mississipi, destaca por ser un bluesman del estilo más tradicional, con la añadidura de que fue de los primeros en introducir el ingrediente de lo “reivindicativo”, cantando duras letras frente al racismo y la guerra del Vietnam.

Si bien en los 50 su trabajo era aún reconocido en E.E.U.U. y participó en grabaciones importantes, a partir de los 60 el polo de interés por su trabajo se desplazó a Europa, donde se le dio el reconocimiento que había perdido, como se ha dicho, en su país natal, y a raíz de lo cual tiene lugar el filtreo con los incipientes bluesmen británicos. Participó en el American Folk Blues Festival en Inglaterra, y fue localizado por una pareja sueca de cineastas para entrevistarle en una especie de documental para la televisión sueca, que merece la pena ser visto y que se ha convertido en uno de los documentos más referentes a fin de conocer mejor al viejo bluesman de Mississipi. Fragmentos del mismo, junto a una historia rápida del blues estadounidense, a través de sus compositores e intérpretes más importantes, pasando por este episodio de la “British Blues Invasion”, pueden verse en el documental dirigido por Wim Wenders en 2003, y que forma parte de la serie producida pro Scorsese: “The Blues, a musical journey”.

The Death of J. B. Lenoir, por John Mayall Letra y vídeo.

A car has killed a friend down in Chicago thousand miles away
A car has killed a friend down in Chicago thousand miles away
When I read the news, night came early in my day
J.B Lenoir is dead and it’s hit me like a hammer blow.
J.B Lenoir is dead and it’s hit me like a hammer blow.
I cry inside my heart that the world can hear my man no more.
J.B had a struggle playin’ unappreciated blues in vain
J.B had a struggle playin’ unappreciated blues in vain
Now the Blues has lost a king and I’ve lost a friend who died in vain

Dos de los vídeos más conocidos de de J. B. Lenoir.

"Slow Down", del mencionado documental para la televisión sueca en los 60.

"I feel so good". Aparece con su peculiar traje de gustos africanos. No parece que tenga mucha experiencia a la hora de comportarse ante una cámara, dandole la espalda en alguna ocasión. Está extraído del film de Wim Wenders, donde aparece parcialmente, por eso no se oye el tema completo.

Grabaciones de Jack Kerouac.

noreply@blogger.com (Marc Prim) — Sat, 30 May 2009 12:25:00 +0000

Ahora toca escuchar literatura. El estilo improvisado del jazz sirve como hilo conductor a la "prosa espontánea" de Jack Kerouac, que recita en varios discos sus poemas mientras le acompaña de fondo la música del piano de Steve Allen, o el saxo de Zoot Sims. También llaman "Prosa Bop" a este estilo, y no sin razón. La naturaleza de esta obra le vale a Kerouac el que sea considerado el Charlie Parker de la poesía, sus versos pasan a formar parte de la estructura natural de la música bebop.

No voy a hablar de la vida de Kerouac, ni de toda su labor literaria, auqnue quizás podría, pero existen mejores síntesis sobre el autor por internet, amén de que lo mejor mpara conocerle es leerlo (On The Road, The Subterraneans) pero básicament quería dedicar esta entrada al aspecto musical de su trabajo. Por ello ahora me limito a poner algunas grabaciones.

El mejor y más representativo es el dedicado a Charlie Parker.La traducción está en DDOOSS, por William Shand y Alberto Girri. http://ddooss.org/articulos/textos/Jack_Kerouac.htm

Un fragmento en inglés:

Charlie Parker looked like Buddha
Charlie Parker, who recently died
Laughing at a juggler on the TV
After weeks of strain and sickness,
Was called the Perfect Musician.
And his expression on his face
Was as calm, beautiful, and profound
As the image of the Buddha
Represented in the East, the lidded eyes
The expression that says "All Is Well"
This was what Charlie Parker
Said when he played, All is Well.
You had the feeling of early-in-the-morning
Like a hermit's joy, or
Like the perfect cry of some wild gang
At a jam session,
"Wail, Wop"
Charlie burst his lungs to reach the speed
Of what the speedsters wanted
And what they wanted
Was his eternal Slowdown.

Jack Kerouac - Jack Kerouac on Charlie Parker

Aquí, 204 Poems From The Unpublished Book Of The Blues. Actualmente este libro sí está publicado, póstumo al autor; si alguien sabe si existe en España alguna editorial que se haya ocupado de él agradecería la referencia.

204 Poems From The Unpublished - Jack Kerouac

Deadbelly.

Deadbelly - Jack Kerouac

También quería poner los American Haikus, pequeños versos inspirados en los haikus japoneses, pero con una métrica libre que toma de los originales la idea de concentrar el potencial que nos sugieren las imagenes en una mínima selección de palabras. Pongo algunos ejemplos que vienen incluidos en al grabación de más abajo; la traducción es libre.

Early morning yellow flowers,
thinking about
the drunkards of Mexico.

Flores amarillas temprano por la mañana,
Pensando acerca de
Los borrachos de México.

Nightfall,
too dark to read the page
too cold.

Anochecer,
Demasiado oscuro para leer la página
Demasiado frío.

Useless! useless!
—heavy rain driving
Into the sea

¡Inútil! ¡Inútil!
-Pesada lluvia precipitándose
Dentro del mar

Blackbird—no!
Bluebird—pear
Branch still jumping

Mirlo Negro -no!
Mirlo Azul- del peral
la hoja aún sacudiéndose.

The postman is late
—The toilet window
Is shining

El cartero es inpuntual
-La ventana del lavabo
Está brillando.

American Haikus - Jack Kerouac, Al Cohn, Zoot Sims

Estos otros son fragmentos, no se puede oir el tema completo pero aún así merecen la pena. Dejo el enlace de Spotify al disco.
spotify:album:6eAQrIioKnoXEYm5TJRmV0

Pero para los que no tengan Spotify, todos estos temas están en Imeem: http://www.imeem.com/

October In The Railroad Earth
http://www.boomkat.com/jukebox/jbFramed02.cfm?tracks=106881:76370&type=music

Goofing At The Table
http://www.boomkat.com/jukebox/jbFramed02.cfm?tracks=106882:76370&type=music

I Had A Slouch Hat Too One Time
http://www.boomkat.com/jukebox/jbFramed02.cfm?tracks=106883:76370&type=music

"Wail, Wop"

PD. He tenido que editar los últimos links

68 años de Robert Allen Zimmerman. "Bob Dylan"

noreply@blogger.com (Marc Prim) — Sun, 24 May 2009 12:25:00 +0000

"El 24 de mayo de 1941 en Duluth, Minnesota, nacería un hito de la música popular del siglo XX: Bob Dylan. Él mismo cuenta en “No Direction Home” que creció rodeado de los grandes volúmenes de poesía que tenía en su casa, leyendo a Verlaine y a Rimbaud, poetas que sin duda le influirían definitivamente en su vida posterior.

De su infancia dijo que siempre recordaba aquellas ferias circenses que pasaban por su pueblo, llenas de payasos que tanto nombraría después en sus canciones. Al principio, Dylan estaba interesado por el rock and roll que sonaba en aquellos tiempos, sobre todo Little Richard, pero poco a poco, decidió pasarse al folk por considerarlo más serio, y mas profundo.

Se matricularía en la Universidad de Minneapolis en 1959, pero rápidamente dejó las clases y marchó a Nueva York a buscar a su idolo musical, Woody Guthrie. Pasó un tiempo allí en donde estuvo rodando por diversas giras y tocando en bares, hasta que en 1962, se le presentó de la mano de John Hammond, la oportunidad de grabar su primer disco: “Bob Dylan” donde hizo varias versiones a temas tradicionales, y aprovechó para incluir dos temas propios.

Aunque realmente, lo que catapultó su carrera fue su segundo disco, “The Freewheelin' Bob Dylan”, en dónde presentó tan solamente dos versiones de temas tradicionales, abriendose paso como uno de los compositores más grandes de esa época con sus canciones protesta, influenciado por Guthrie y Peter Seeger.

Una etapa que realmente fue dura para él, fue el momento en el que decidió electrificar su sonido, y tocar con una banda temas mas rockeros, aunque no dejo nunca de lado su guitarra acustica y su armonica. Ya en su quinto disco “Bringing It Back All Home” (1965), aparecían temas eléctricos, pero no fue hasta su siguiente disco, “Highway 61 Revisited” que definitivamente terminó de asentar el mito de Dylan como gran poeta del siglo XX, a pesar de que no se recibió muy bien el disco entre los fans más puristas del folk. Con temas como “Like a Rolling Stone”, “Tombstone Blues” y “Ballad of a Thin Man”, Dylan conseguía crear bastante espectación en su gira por Europa y Australia, sobre todo cuando le gritaron el Manchester “Judas” desde el público.

Sin embargo, esto no frenó a Dylan, y tampoco el accidente de moto que tuvo en 1967, y no volvería a salir de gira hasta ocho años después, pero siguió sacando discos y manteniendo la posición que se habría labrado con su poesía.

Hoy en día, Dylan sigue sacando discos, incluso su nuevo disco a conseguido alcanzar otra vez los puestos de gloria en un enésimo de Dylan por reinventarse a sí mismo. Como dijo Allen Ginsberg sobre él: "Al oírle pensé que un alma cogía la antorcha de América." "

Esto lo ha escrito el Sr. Llarenas en apreciada colaboración para el blog. Es el particular tributo que le rinde a aquel a quien espera acercarse algún día, esperemos que no infructuosamente.

El motivo de esta entrada es que precisamente hoy cumple 68 años este héroe de la música del S.XX. Ha influido a artistas tan variados como géneros musicales existen, y entre los grupos que beben de sus composiciones o reinterpretan sus temas están los Rolling Stones, The Beatles, Yardbirds, Joaquín Sabina...
De tanta gnete que entra en el cuento cuando hablamos de Dylan merece la pena hablar en entradas aparte, o si no está entrada sería enorme en tamaño; pero todo el mundo conoce a Woody Guthrie y Peter Seeger, de los que ya se habló arriba, asi como a Joan Baez...

Knockin´ on Heavens Doors es una de las canciones más versionadas que pueden encontrarse en el panorama musical de nuestra época, así como All Along The Watchtower, hasta el punto que no son pocos quienes consideran que este último tema es un original de Hendrix. También encontramos Like A Rolling Stone, My Back Pages, Forever Young, I Shall Be Released, etc.

A continuación la obligada muestra de temas, recordando también que existen dos obras audiovisuales que hay que ver si se quiere conocer más a Dylan. No Direction Home, del genial Scorsese: http://www.filmaffinity.com/es/film623821.html, y la película "biográfica" I´m Not There, que me temo que para algunos puede resultar algo desconcertante; para mí casi lo es en algunos puntos: http://www.filmaffinity.com/es/film335274.html

All Along The Watchtower

Forever Young

A Hard Rain´s A-Gonna Fall

Blowin´ In The Wind

La espectacular Ballad In Plain "D"

The Man in Me: Primero de Dylan y seguidamente la versión de The Clash.

Knockin On Heaven´s Doors, Dylan, luego Bryan Ferry, Guns And Roses y Clapton...

Aún con esto, si alguno tiene Spotify debería introducir cualquiera de estos títulos u otros) de Dylan en el buscador del programa para encontrarse con un repertorio inmenso de covers llevados a cabo por otros artistas, con mayor o menor fortuna, todo hay que decirlo. De los que quedan por mencionar destacan The Byrds con My Back Pages, Los Rolling Stones con Like a Rolling Stone o The House of The Rising Sun por The Animals (aunque este tema es más bien un anónimo fue Dylan quien lo popularizó).

Blues Harp: Breve recorrido

noreply@blogger.com (Marc Prim) — Sat, 16 May 2009 23:05:00 +0000

Armónica y blues; tanto si nos referimos al instrumento, como si nos referimos al género, cualquiera de los dos conceptos evoca inmediatamente al otro, hay una relación recíproca, pues no en vano el instrumento recibe en inglés ese nombre, el de "blues harp". Del mismo modo, cuando te llevas una armónica diatónica a los labios, el primer impulso es improvisar un rifft bluesero.

La relación de la armónica con el blues procede de los propios orígenes del género. En el Delta los instrumenos que se utilizan para elaborar las primeras melodías melancólicas son aquellas que mejor imitan la voz humana, y el pequeño aerófono tiene un lugar privilegiado desde esos momentos de génesis.

Más adelante vemos cómo tiene lugar una simbiosis revolucionaria de la armónica con las tecnologías que comienzana a aplicarse a la música. En 1950, en relación con el surgimiento del llamado "Chicago blues", Little Walker hizo sonar a su "blues harp" junto a un micrófono conectado a un amplificador. Es técnicamente el mismo procedimiento que podemos apreciar con la guitarra, una técnica de distorsión eléctrica, pero en este caso para un instrumento de aire. El hecho de que lo distorsionara solo era un añadido a su magistral virtuosismo a la hora de tocar (quién fuera él) pero la novedad impactó, y desde aquel momento nada sería igual en el panorama de la música de armónica.

Aquí hay un vídeo de Brownie McGhee y Sonny Terry (este último es el armonicista), como muestra quizás más cercana de cómo pudo sonar aquel blues primitivo que incorporaba la armónica. La canción es Key to the Highway; y a continuación el mismo tema tocado por Little Walker, quien emplea la famosa distorsión.

Más adelante, y por poner sólo algunos ejempos característicos y evidenciadores de la evolución experimentada por el blues de armónica, podemos citar a Sonny Boy Williamson II, quien es considerado como uno de los mejores intérprets del pequeño instrumento en la historia,y nmo hay más que oirle, pero también tenemos la oportunidad de verle en el vídeo que cuelgo a continuación, para apreciar que era todo un personaje, del que destaca el gesto que de vez en cuando exhibía, consistente en introducirse la armónica "de lado" en la boca

Para mostrar también algo más contemporáneo, quizás hay que hacer mención a James Cotton, exponente de la forma más frenétioca a la hora de tocar.

Por otra parte existen infinidad de ejempos de armónica bluesera en nuestros dias, y se puede ver que el estilo o la tendencia ha tenido una forma de evolucionar en el tiempo bastante independiente.

Y algo que descubrí hace poco es Son of Dave, como último ejemplo de la distorsión aplicada a la armónica, y que da la impresiónd e eser una brillante adaptación de algo tan clasico a los gustos de estos tiempos. El contraste podría venir bien definido con la exposición de un tema llamado ni más ni menos que "Old times are good times"; pero su tema estrella es sin duda "Ain´t going to Nike Town", del que cuelgo el vídeo.

ITN TV on MUZU.

Desgraciadamente no puedo evitar quedarme corto si no quiero que esta entrada exceda de una extensión práctica, pero son innumerables los músicos de blues que han brillado soplando uno de estos instrumentos e incorporando ese particular sonido a sus temas. Prometo escribir una segunda parte de esta entrada en un futuro para hacerles mayor justicia.

Aquí dejo, aún así, un enlace para los aficionados a las armónicas, desde el que podrán acceder a otros lugares en los que informarse y descubrir músicos nuevos.
http://todoarmonica.org/

Música de ciegos.

noreply@blogger.com (Marc Prim) — Sun, 10 May 2009 15:31:00 +0000

En la entrada anterior mencioné el hecho de que Eddie Lang grabase junto a Lonnnie Johnson con el seudónimo de Blind Willie Dunn; esto viene por la necesidad de ocultar ante el racismo imperante en los estados unidos de los años 20-30 el que un blanco tocase música de negros junto a negros.

Lo más interesante es que el nombre elegido fuese "Blind", o sea, ciego. Si contemplamos por encima el panorama veremos que probablemente responde a la necesidad de mimetizarse con el entorno del blues. No es el primero que hacía referencia a la cegera añadiendo el apodo a su nombre, y ahí estan Blind Willie McTell, Blind Willie Johnson o Blind Lemon Jefferson; el blues como música de ciegos.

Ciego de nacimiento, Blind Willie McTell comenzó a grabar en 1927, después de llevar una vida itinerante propia de un bluesman del corte de Robert Johnson. También utilizó seudónimos en esos trabajos, como el de Blind Sammie en 1929 o Georgia Bill en 1931. Ha influido a multitud de artistas actuales, siendo el más desacable Bob Dylan, quien le dedicó un tema titulado sencillamente "Blind Willie McTell".

Blind Willie Johnson, por otro lado, es un personaje más oscuro, del que se sabe que estuvo casado unas dos veces como mínimo, y que grabó junto a una de sus mujeres varios temas. No está claro de donde viene su ceguera, aunque está extendida la versión de que su madrastra le arrojó lejía a los ojos.

Su música es de corte espiritual mayormente, siendo la más destacable de todas el Dark Was The Night, un tema que a mi aparecer define con solo escucharlo de qué va el blues; y según cuentan, por otra parte, es una reflexión acerca de la crucifixión. Además, la pieza fue enviada al espacio metida en el disco de oro del Voyager junto a otras selecciones de la obra colectiva de la humanidad.

El último a comentar es Blind Lemon Jefferson, también ciego y también de nacimiento, como le ocurriera a McTell. Entre sus temas más conocidos se destaca el llamado The Black Snake Moan, haciendo referencia a la serpiente negra, una figura metafórica extraída del cristianismo y que aparece bastante presente en la imaginería del blues, viniendo a representar los males a los que se someten las personas, como las tentaciones, los vicios y esa serie de concetos. En relación con esto último, Black Snake Moan fue el título utilizado en una película de 2006, ambientada en la atmósfera blues contemporánea del sur de estados unidos, protagonizada por un Samuel L Jackson como alcoholico depresivo y Christina Ricci de ninfómana; cada uno con su serpiente negra.

Para cerrar la entrada pongo ejemplos de los aludidos:

Sobre Blind Lemon Jefferson nada mejor que el Black Snake Moan tocado por él en un video de youtube, y a continuación la versión que Samuel L. Jackson interpreta en la película que mencioné.

Este es Delia, de Willie McTell, y a continuación Statesboro Blues, del mismo, en youtube.

Blind Willie Johnson con su Dark Was The Night, uno de los temas más emotivos del blues; y en segundo lugar, he elegido Let Your Shine On Me. También pongo en último lugar un video de youtube con la dramatización que se hizo para un episodio de la serie The Blues: A musical journey, producida por M. Scorsesse. El tema es Trouble Will Soon Be Over, y es el sonido original, cantando con su mujer.

El Jet Black Blues

noreply@blogger.com (Marc Prim) — Sat, 09 May 2009 16:59:00 +0000

Saludos a todos.

Después de ceder ante la insistente recomendación de Noel, con quien he pasado cientos de horas de charla virtual, me he animado a lanzarme a crear este blog para, como él mismo dice, compartir mi afición por la música de raíces negras.

En principio lo consideramos un experimento; con Noel a los mandos de la parte técnica, espero ver si soy capaz de volcar algo de dedicación en esto. Por otro lado, el blog es un medio a fin de despertar en la gente un interés por una música a veces olvidada o ignorada, pero que por lo general acaba gustando a quienes entran en contacto con ella.

El nombre del blog hace referencia al Jet Black Blues. Una grabación concreta del tema cumple por este entonces 80 años, así que se aprovecha la coincidencia para bautizar al blog. Ahí está la explicación.

La grabación a la que me refiero es del 01 de mayo de 1929, y participan en ella Lonnie Johnson, Eddie Lang (con el pseudónimo de Blind Willie Dunn) y King Oliver. Ya hablaremos de esta gente en el blog, junto a las muestras de su trabajo.

Oíd este aquí:

No va a ser todo música de preguerra y evocadora del blanco y negro. En cuanto alguien quiera oir algo concreto de un artista o época determinada, y siempre que no sea una aberración musical, no tiene más que pedirlo. Así todos nos aportaremos cosas; no conozco ni mucho menos todo este universo, y el objetivo de un blog como este es la interacción cultural. Con el tema original del blog se abre un abanico inmenso, pero aún así estoy dispuesto a hacer cameos por los géneros más dispares.

Bienvenidos.