Jetje's dag met kunst, fotografie en lifestyle

Jetje's dag is op mijn eigen Facebook en enkele pagina's

Al mijn foto's uit Jetje's dag staan ook op Pinterest

Kleinere berichten, foto's, kunstwerken etc. staan op een eigen blog

Zoekt u een begrip uit de kunst? Een kunstenaar? Een kunststroming?Klik hier, al wordt er nog druk aan gewerkt

Meer onderwerpen vinden? Gebruik Jetje's index!

6 mei 2026 | Nr. 517 | Zo'n snoertje repareren is een eitje voor Jetje

2026-05-06T07:36:08.257+02:00

6 mei 2026 | Nr. 517 | Zo'n snoertje repareren is een eitje voor Jetje

Jetje aan het woord

Goedemorgen allemaal op deze mooie dag vol mogelijkheden en nieuwe kansen

Soms krijg je wel eens het gevoel dat het leven en werken van een kunstenaar een soort achtbaan is waarbij succes en frustratie elkaar vrij snel afwisselen. Daar zijn meerdere oorzaken voor aan te wijzen die in de artikelenserie van Jetje's dag uitgebreid aan bod komen. Want waar we aan de succeskant niet veel hoeven te doen, aan de frustratiekant kunnen we nog wel wat verbeteren. En daar wordt dan ook de nadruk op gelegd, ook in deze aflevering die begint met een heftige situatie, namelijk een kunstenaar die de verbinding met de kunst volledig kwijt is. Als een schemerlamp met de stekker in het stopcontact. Bij beide vormen van verlies van verbinding is daar gelukkig wel iets aan te doen.

Nog een kleine waarschuwing bij deze instructies. Don't try this at home! zeggen de Amerikanen!

Jullie Jetje

Samenvatting van vandaag:

		1.Jetje repareert het snoer van haar schemerlamp;
		2. De veranderingen die de wind veroorzaakt;
		3. De verborgen mentale valkuil.

Wanneer de verbinding uitvalt begint het echte werk pas

Voor kunstenaars die hun praktijk serieus nemen is er weinig zo confronterend als een plotselinge stilstand. Je werkt, je stroomt, je bouwt aan ritme en dan ineens: Niets meer. Alsof een intern apparaat de verbinding verliest. Wat doe je dan? Precies daar begint het interessante deel. Niet in het maken zelf, maar in het herstellen van de voorwaarden waaronder maken überhaupt mogelijk is.

In het kort:

We onderzoeken in dit stuk samen hoe het plotseling uitvallen van creativiteit of productiviteit bij kunstenaars vergelijkbaar is met een technisch apparaat dat zonder enige waarschuwing stopt met functioneren. En hoe juist dat moment een kans vormt om het onderliggende systeem, de werkwijze en de mentale structuur eens opnieuw te begrijpen, te analyseren en verder te verbeteren.

Door middel van een verhaal over een kunstenaar die geconfronteerd wordt met een plotselinge creatieve blokkade, wordt zichtbaar hoe het herstelproces niet alleen technisch of praktisch is, maar vooral psychologisch en conceptueel, waarbij oude routines worden losgelaten en nieuwe verbindingen ontstaan tussen denken, voelen en maken.

Uiteindelijk laat dit stuk zien dat ‘repareren’ voor kunstenaars niet alleen gaat over terugkeren naar een oude staat van functioneren, maar juist over het ontwikkelen van een verfijndere, bewustere en vaak verrassend andere manier van werken waarin verstoring een essentieel onderdeel van groei blijkt te zijn.

De storing als spiegel van het creatieve proces

Iedere kunstenaar kent het moment waarop het vanzelf lijkt te gaan. Ideeën volgen elkaar op, materialen reageren zoals verwacht en het werk ontwikkelt een eigen ritme. Totdat dat ritme ineens verdwijnt. Het voelt alsof een intern systeem is uitgevallen. Niet geleidelijk, maar abrupt.

Deze ervaring lijkt sterk op een apparaat dat jarenlang betrouwbaar functioneert en dan plotseling stopt. Geen waarschuwing, geen logische verklaring. Alleen stilte. Voor kunstenaars is dat moment vaak verwarrend, omdat het raakt aan identiteit: Als maken stopt, wat blijft er dan over?

Toch is deze storing geen einde, maar een signaal. Het wijst op iets dat aandacht vraagt, iets dat herzien moet worden.

De kunstenaar en de stilgevallen machine

Mara was een beeldend kunstenaar die al jaren in een vast ritme werkte. Ochtenden in het atelier, middagen vol met experimenteren, avonden met nadenken en reflectie. Haar werk verkocht best goed en haar stijl was herkenbaar geworden.

Op een dinsdag rond 9:45 gebeurde het. Ze zette haar materialen klaar, zoals altijd en wilde beginnen. Ze keek naar het lege doek en voelde niets. Helemaal niets. Zelfs geen klein beetje twijfel. Nee, complete afwezigheid. Alsof haar innerlijke motor niet meer aan wilde slaan.

In de dagen die volgden probeerde ze door te werken. Nieuwe verf, andere muziek, zelfs een andere stoel. Maar niets veranderde. Het leek alsof de verbinding tussen haar en haar werk verbroken was.

Op een avond zat ze in haar atelier en keek naar een oude radio. Die was ooit ook plotseling gestopt met spelen. Een monteur had toen gezegd: “Het probleem zit nooit alleen in de draad, maar in het hele circuit.”

Dat zinnetje is bij Mara blijven hangen. Mara stopte met forceren en begon juist te observeren. Niet haar werk, maar haar manier van werken. Ze ontdekte dat ze jarenlang dezelfde beslissingen had herhaald zonder daar ooit eens vragen bij te stellen. Haar stijl was een routine geworden in plaats van een keuze die steeds opnieuw gemaakt moest worden.

Langzaam begon ze niet te repareren wat kapot was, maar te onderzoeken wat er eigenlijk werkte en wat niet meer nodig was.

Repareren als artistieke praktijk

Repareren in de kunst is geen technische handeling alleen. Het is een vorm van heroriëntatie. Wanneer iets stopt, wordt zichtbaar wat eerder vanzelfsprekend was.

Veel kunstenaars proberen zo snel mogelijk terug te keren naar ‘Hoe het was.’ Maar juist daar zit een diepe valkuil. Het oude systeem heeft immers al een storing veroorzaakt. Daar naar teruggaan betekent vaak dat dezelfde blokkade opnieuw zal ontstaan.

Het alternatief is vertragen en analyseren. Wat was de structuur van je werkdag? Waar kwam je inspiratie vandaan? Welke verwachtingen zijn stilletjes leidend geworden?

Verstoring als creatieve ingang

Wat eerst voelt als falen, blijkt vaak een toegangspoort. In de stilte ontstaat ruimte voor andere signalen. Kleine ideeën die eerder werden overstemd door de dagelijkse routine, krijgen nu betekenis.

Voor veel kunstenaars is dit wat ongemakkelijk, omdat de controle tijdelijk verdwijnt. Maar precies daar ontstaat vernieuwing. Niet door harder te werken, maar door anders te kijken naar het systeem waarin je werkt.

Van storing naar nieuwe verbinding

Uiteindelijk blijkt de storing niet het einde van je creativiteit, maar een herverdeling ervan. Wat eerst als blokkade voelde, voelt nu als een moment van opnieuw opstarten.

De kunstenaar leert dat maken niet alleen gaat over output, maar ook over onderhoud. Over het blijven afstemmen van innerlijke en uiterlijke systemen. Kortom, wil je als kunstenaar beter begrijpen hoe je creatieve blokkades niet alleen oplost maar omzet in strategische groei voor je werk, zichtbaarheid en verkoop? Ga eens onderzoeken hoe je kunst, marketing, positionering en artistieke ontwikkeling samenkomen. En hoe je dat concreet toe kunt passen in je eigen kunstpraktijk.

De wind als onzichtbare beeldhouwer van verandering

Veel kunstenaars zoeken stabiliteit in hun werkproces, maar vergeten dat juist instabiliteit zoals de voortdurende verandering van wind, licht en lucht, een van hun krachtigste bronnen van inspiratie is. Wat gebeurt er als je kunst niet meer gebaseerd is op wat vaststaat, maar op wat nooit hetzelfde blijft?

In het kort:

Kunstenaars die leren kijken naar veranderende natuurverschijnselen zoals wind, wolken en lichtverschuivingen ontwikkelen een dieper begrip van dynamiek en vergankelijkheid, wat hun werk niet alleen visueel rijker maakt, maar ook conceptueel sterker en beter inzetbaar in een kunstmarkt. Een markt die steeds meer waarde hecht aan het proces, de beleving en het bijbehorende verhaal in plaats van aan alleen maar statische eindproducten.

Door bewust te observeren hoe wind, wolken en licht elkaar voortdurend beïnvloeden, ontstaat bij kunstenaars een verhoogd bewustzijn van tijd als een belangrijke creatieve factor, waardoor zij leren werken met de verandering zelf als onderwerp, in plaats van slechts met vaste vormen of vooraf bepaalde composities. En dat leidt tot originelere en meer onderscheidende kunstpraktijken.

Deze manier van kijken naar natuurlijke verandering functioneert niet alleen als artistieke inspiratiebron maar ook als strategisch voordeel in positionering en verkoop, omdat kunstenaars die deze ervaringen in hun werk verwerken vaak betere verhalen kunnen vertellen die goed aansluiten bij de belevingsgerichte verwachtingen van moderne verzamelaars en galerieën.

De natuur als bron van voortdurende verandering

De natuur is nooit stil. Zelfs wanneer alles op het eerste gezicht rustig lijkt, beweegt er altijd wel iets: Bijvoorbeeld de luchtstromen, verschuivende wolken en veranderend licht. Voor kunstenaars is dit geen achtergrond, maar een levend systeem van constante verandering.

De wind bepaalt niet alleen de beweging van bladeren of water, maar ook hoe wij vormen waarnemen. Wat je gisteren nog als stabiel zag, kan vandaag een totaal andere indruk geven door een andere lichtval of een andere luchtdruk.

Het ongrijpbare als creatieve motor

Juist dat ongrijpbare maakt de natuur zo krachtig als inspiratiebron. Waar een object in een atelier vaststaat, verandert de buitenwereld voortdurend. Dit dwingt de kunstenaar om anders te kijken: Niet naar het eindbeeld, maar naar het proces van de verandering zelf. Deze manier van observeren kan leiden tot een nieuwe artistieke taal waarin beweging, tijd en overgang centraal staan.

Lara's dag in de duinen

Lara was een illustrator die zich gevangen voelde in haar eigen stijl. Haar werk was technisch goed, maar voelde steeds hetzelfde. Op een winderige dag besloot ze haar tekentafel te verlaten en naar de duinen te gaan om wat frisse lucht binnen te krijgen.

Ze ging zitten op een houten paaltje en keek naar de lucht. De wind trok aan haar jas, wolken schoven snel voorbij en het licht veranderde elke paar minuten. Ze probeerde er iets van vast te leggen, maar niets bleef daarvoor lang genoeg hetzelfde.

De eerste frustratie maakte langzaam plaats voor fascinatie. Ze stopte met tekenen wat ze zag en begon te tekenen wat ze ervoer. De beweging, de verandering en de overgang. Die reeks werd later haar meest succesvolle werk, omdat deze geen moment vastlegde, maar een gevoel van constante verandering van haar manier van denken.

Tijd, beweging en perceptie als materiaal

Wat Lara ontdekte, is dat kunst niet alleen gaat over vorm, maar ook over waarneming in tijd. Wind en wolken laten zien dat elk moment uniek is, zelfs als het landschap hetzelfde lijkt.

Voor kunstenaars opent dit een nieuwe laag van denken: Je werk hoeft niet langer een stilstaand beeld te zijn, maar kan een interpretatie worden van de voortdurende veranderingen om je heen.

De strategische waarde van het veranderlijke

In een kunstwereld die steeds meer zoekt naar authenticiteit en verhaal, hebben kunstenaars die werken met natuurlijke verandering een voordeel. Hun werk draagt een ingebouwde dynamiek die moeilijk te imiteren is.

Verzamelaars worden niet alleen aangetrokken door het beeld zelf, maar ook door het idee dat er een proces achter zit, namelijk een ervaring van tijd, wind en licht die in hun werk zijn opgenomen.

Van observatie naar artistieke identiteit

Door bewust te kijken naar de veranderlijkheid van de natuur, ontwikkelt een kunstenaar niet alleen nieuwe ideeën, maar ook een herkenbare artistieke identiteit. Het werk wordt een vertaling van een manier van kijken. Dat maakt het niet alleen artistiek interessanter, maar ook sterker in positionering binnen een concurrerende markt.

Dus wil je leren hoe je natuurlijke observaties zoals wind, licht en beweging vertaalt naar een krachtig artistiek concept én een sterker verkoopverhaal? Ontdek dan hoe je jouw werk kunt verdiepen én strategisch kunt inzetten in de kunstmarkt door meer inzicht in de kunstmarketing en de positionering te ontwikkelen.

De verborgen mentale valkuil die jouw kunst én verkoop saboteert (en hoe je die doorbreekt)

Wat als jouw grootste blokkade in kunst en verkoop niet je techniek is, maar de manier waarop je met jezelf praat? Veel kunstenaars verliezen momentum door een onzichtbare vijand: Schaamte over ‘niet genoeg doen.’ Wie dit mechanisme doorziet, ontdekt een onverwachte sleutel tot groei, zichtbaarheid en zelfs betere verkoop.

In het kort:

Schaamte over lage productiviteit ondermijnt niet alleen je creatieve proces, maar zet ook een vicieuze cirkel van uitstel en zelftwijfel in gang die je artistieke groei en zichtbaarheid ernstig belemmert.

Zelfcompassie helpt kunstenaars om veerkrachtiger te worden, waardoor ze tegenslagen beter verwerken en consistenter werken aan zowel hun kunst als hun promotie en verkoopstrategieën.

Door jezelf te behandelen zoals je een goede vriend zou behandelen, zorg je voor een gezondere manier van denken die leidt tot meer focus, betere keuzes en uiteindelijk tot meer impact met je werk.

De stille saboteur van je creativiteit

Mensen zijn geen machines. Toch gedragen veel kunstenaars zich alsof ze dat wel zouden moeten zijn. Elke dag productief, elke dag geïnspireerd, elke dag zichtbaar. Wanneer dat niet lukt, sluipt er iets binnen, namelijk een vorm van schaamte.

Die schaamte lijkt vrij onschuldig, maar is wel degelijk verraderlijk. Het begint met gedachten als: “Ik had meer moeten doen vandaag,” of “Waarom lukt het anderen wel?” Voor je het weet, verandert het je in een constante innerlijke criticus die niet alleen je creativiteit afremt, maar ook je bereidheid om jezelf te laten zien en je werk te promoten.

Voor kunstenaars is dit extra problematisch. Niet alleen moet je kunst maken, je moet je werk ook delen, verkopen en positioneren. Schaamte maakt dat je juist die laatste stappen uitstelt.

Waarom schaamte je groei blokkeert

Schaamte werkt verlammend. In plaats van je te motiveren, zorgt het ervoor dat je energie verliest. Ironisch genoeg ga je vaak méér afleiding zoeken om aan dat nare gevoel te ontsnappen. Dit betekent dat je niet alleen minder werk maakt, maar daardoor ook minder zichtbaar bent. En zichtbaarheid is essentieel voor je verkoop. Kunst die niemand ziet, wordt simpelweg niet gekocht. Daarom is het belangrijk om te begrijpen dat je probleem niet je productiviteit is , maar je reactie daarop.

De kracht van zelfcompassie

De oplossing klinkt simpel, maar is krachtig: zelfcompassie. Dit betekent niet dat je jezelf vrijpleit van verantwoordelijkheid. Het betekent dat je verantwoordelijkheid neemt zonder jezelf af te breken.

Zelfcompassie doorbreekt de stresscirkel. In plaats van te blijven hangen in wat niet lukte, richt je je voortaan op wat wél kan. Je accepteert dat afleiding en mindere dagen onderdeel zijn van het proces.

Voor kunstenaars betekent dit: Je blijft in beweging. Je blijft maken, delen en leren, zonder dat elke misstap voelt als een bewijs van falen.

De schilder en de stem

Lena, een schilder, had een duidelijke droom: Leven van haar kunst. Toch bleef ze hangen. Niet door gebrek aan talent, maar door haar eigen gedachten. Elke keer dat ze een dag minder productief was, hoorde ze een inwendige stem: “Zie je wel, je bent niet serieus genoeg.”

Op een dag besloot ze iets anders te gaan doen. In plaats van die stem te bestrijden of te geloven, stelde ze zichzelf een vraag: “Wat zou ik tegen een vriend zeggen in deze situatie?” Het antwoord was vrij simpel: “Je bent gewoon onderweg. Dit hoort erbij.”

Vanaf dat moment veranderde haar aanpak. Ze werkte met meer rust, postte haar werk vaker online en begon zelfs kleine exposities te organiseren. Niet omdat ze ineens perfect was geworden, maar omdat ze zichzelf niet langer meer tegenwerkte. Een jaar later verkocht ze haar eerste serie kunstwerken op een expositie volledig uit.

Praktische vertaalslag naar kunst en verkoop

Zelfcompassie heeft directe impact op hoe je jezelf positioneert als kunstenaar. Wanneer je milder bent voor jezelf:

Durf je vaker werk te delen;
Blijf je consistenter zichtbaar;
Neem je sneller actie richting verkoop.

Daarnaast helpt het om te werken met een planning in plaats van eindeloze takenlijsten. Takenlijsten benadrukken wat je niet hebt gedaan. Een planning helpt je vooruitkijken.

Praat anders tegen jezelf

De manier waarop je innerlijke stem klinkt, bepaalt je gedrag. Vervang gedachten als:

“Ik loop achter.”

met:

“Dit is onderdeel van mijn ontwikkeling.”

En:

“Ik ben niet goed genoeg.”

met:

“Ik ben onderweg.”

Dit lijkt nog erg klein, maar heeft enorme gevolgen voor je consistentie en je zelfvertrouwen. Want wil je als kunstenaar niet alleen betere kunst maken, maar ook slimmer omgaan met zichtbaarheid, marketing en verkoop? Verdiep je dan goed in de psychologie die achter gedrag en promotie schuilgaat. Begrijp hoe jouw manier van denken direct invloed heeft op je succes en ontdek zo strategieën die echt voor je werken. Zet vandaag de stap van zelfkritiek naar zelfsturing.

Morgen doe ik rustig aan na deze vermoeiende reparaties. Blauw jasje, bruin rokje, je kent het wel.

Colofon

Bijdragen

Bij belangstelling of vragen kun je altijd contact met me opnemen en dan kijk ik graag samen met jou wat er mogelijk is. En dat is wat mij betreft best veel.

Jetje's dag is op vele manieren te bereiken:

Jetje's dag is op mijn eigen Facebook en enkele pagina's

Al mijn foto's uit Jetje's dag staan ook op Pinterest

Kleinere berichten, foto's, kunstwerken etc. staan op een eigen blog

Zoekt u een begrip uit de kunst? Een kunstenaar? Een kunststroming?Klik hier, al wordt er nog druk aan gewerkt

Meer onderwerpen vinden? Gebruik Jetje's index!

5 mei 2026 | Nr. 516 | Schelpen branden met Jetje

2026-05-05T07:58:43.658+02:00

5 mei 2026 | Nr. 516 | Schelpen branden met Jetje

Jetje aan het woord

Goedemorgen allemaal op deze mooie dag vol mogelijkheden en nieuwe kansen

Soms kom je in je regio nog wel eens rare bouwwerken tegen. Een voorbeeld staat in Katwijk, een flesvormige toren met metalen banden er om heen gespannen. Oudere Katwijkers weten te vertellen dat het hier een deel van de oude schelpenbranderij betreft die ook op de foto staat. De meeste Katwijkers noemen dan ook nog de stank en de vervuiling die deze industrie kennelijk produceerde. In de schelpen die er verhit werden zaten nogal wat dode schelpdieren en die konden bij verhitting aardig stinken. Ook in bijvoorbeeld het Zuiderzeemuseum vinden we deze bouwwerken nog. Een logische plek want voor een schelpenbranderij had je schelpen nodig. En schelpen vinden we op het strand, nietwaar?

De vroegere schelpenbranderij van Katwijk aan het Uitwateringskanaal in 1972

De schelpenbranderij van het Zuiderzeemuseum in Enkhuizen

De schelpenbranderij in Katwijk, althans wat er nog van over is

Jullie Jetje

Samenvatting van vandaag:

		1. Jetje bij de restanten van de schelpenbranderij;
		2. Is stagnatie altijd wel zo negatief?
		3. De eerste lik verf.

De kalkoven en de schelpenbranderij

Een kalkoven werkt door schelpen of kalksteen op hoge temperatuur te verhitten, waardoor ze chemisch ontleden tot ongebluste kalk. Die kalk wordt daarna met water omgezet in een bruikbare vorm. Het hele proces is een combinatie van ambacht, chemie en langdurige controle van de hoge temperaturen.

Een kalkoven of in kustgebieden vaak een schelpenbranderij, is in wezen een vrij eenvoudig maar ingenieus systeem om calciumcarbonaat om te zetten in bruikbare kalk. Die kalk werd eeuwenlang gebruikt voor mortel, landbouw en witkalk.

De grondstof bestaat uit kalksteen of schelpen

De basis is materiaal dat rijk is aan calciumcarbonaat (CaCO₃). In het binnenland is dat meestal kalksteen. In kustgebieden, zoals langs de Nederlandse kust, gebruikte men vooral schelpen. Die werden verzameld, gewassen en gedroogd.

De opbouw van de oven

Een kalkoven is vaak een gemetselde, cilindervormige of flesvormige constructie. Onderaan zit een stookruimte (het vuur), daarboven een schacht waarin lagen schelpen of stenen worden gestapeld, afgewisseld met brandstof zoals hout, turf of later steenkool.

Het brandproces

De oven wordt van onderaf verhit tot temperaturen van ongeveer 900–1000 °C. Door die hitte gebeurt er een chemische reactie: Calciumcarbonaat uit schelpen of kalksteen wordt ontleedt in calciumoxide de zogenaamde ongebluste kalk, ook wel “brandkalk” en koolstofdioxide (een gas dat ontsnapt).

Dit proces heet calcinereren. Het is cruciaal dat de temperatuur hoog genoeg is. Anders blijft het materiaal gedeeltelijk ongebrand.

Het uithalen van de kalk

Na voldoende brandtijd (soms dagenlang continu stoken) wordt de oven afgekoeld en haalt men de brokken ongebluste kalk eruit. Deze zijn wit, bros en reageren sterk met water.

Het blussen van kalk

De ongebluste kalk wordt daarna “geblust” met water. Dit levert calciumhydroxide op ofwel gebluste kalk, een pasta of poeder die gebruikt kan worden voor:

Metselspecie (mortel);
Pleisterwerk;
Witkalk (voor muren en boerderijen);
Landbouw (zuurgraad van grond verbeteren);
Specifieke kenmerken van een schelpenbranderij.

Bij schelpenbranderijen zijn er een paar praktische verschillen:

De grondstof (schelpen) is lichter en poreuzer dan kalksteen, waardoor het sneller verhit;
Het brandstofgebruik is vaak lager, maar het proces vereist wel zorgvuldige stapeling;
Deze ovens lagen meestal dicht bij de kust of in waterrijke gebieden voor de aanvoer van schelpen.

Historisch belang van de kalkindustrie

In Nederland waren schelpenbranderijen belangrijk tot in de 19e en vroege 20e eeuw. Ze leverden lokaal bouwmateriaal voordat de industriële kalkproductie het overnam. Een kalkoven was en is niet alleen een industrieel of ambachtelijk object, maar ook een bron van materialen, processen én ideeën die diep in de kunstgeschiedenis verankerd zijn.

Kalk als basismateriaal voor kunst

De gebluste kalk (calciumhydroxide) uit een schelpenbranderij vormt de basis van verschillende artistieke technieken. Denk daarbij bijvoorbeeld aan:

Fresco-schilderkunst:

Een pigment wordt aangebracht op natte kalkpleister. Tijdens het drogen reageert de kalk weer met CO₂ uit de lucht en verhardt tot calciumcarbonaat, waardoor het pigment letterlijk in de muur wordt opgenomen.

Kalkverf en witkalk:

Deze wordt gebruikt voor matte, ademende oppervlakken met een karakteristieke uitstraling. Klakverf is niet veeg vast. Als je er tegenaan gaat staan levert dat je een witte rug op.

Gesso: Een mengsel van krijt (ook calciumverbindingen) en lijm, gebruikt als grondlaag voor schilderijen en panelen. Bij kunstschilders vaak maar al te bekend.

Met andere woorden: Zonder de kalkovens geen fresco’s, geen klassieke muurschilderingen en zelfs een groot deel van de traditionele schilderkunst zou er heel anders uitzien.

Het omkeerbare proces als een soort metafoor

Wat interessant is voor kunstenaars, is dat het chemische proces eigenlijk een cyclus vormt:

Schelp (leven, zee) → kalk (door vuur) → pleister → weer steen (door lucht).

Die serie overgangen van organisch naar mineraal en weer terug naar een steenachtige vorm, raakt aan thema’s als:

Vergankelijkheid en duurzaamheid
De bouwwerken zijn een soort symbolen van de verandering door de inwerking van de tijd en de elementen. Het laat de rol van de mens als tussenpersoon in natuurlijke processen goed zien. Alleen al deze aspecten maken de kalkoven al bijna een sculpturaal of conceptueel model op zichzelf. Een kunstwerk waar geen kunstenaar aan te pas is gekomen.

De oven als sculptuur en plek
Historische kalkovens en schelpenbranderijen hebben vaak een sterke fysieke aanwezigheid: Het zijn zeer robuuste, cilindrische vormen, vaak gemaakt van verweerde baksteen, met sporen van hitte en instensief gebruik. Veel kunstenaars zien dit soort industriële relicten als:

Land art-objecten;
Dragers van de geschiedenis die vergelijkbaar is met de industriële ruïnes in de fotografie en de installatiekunst;
Plekken waar natuur en cultuur letterlijk samenkomen.

Kalkovens en schelpenbranderijen kunnen zo functioneren als autonome sculpturen in het landschap.

Proceskunst en ambacht
Het langdurige stoken, de afhankelijkheid van de temperatuur, de juiste timing en het materiaal, dat alles sluit aan bij wat in de kunst 'procesgericht werken' heet. Net als bij het werken met keramiek of glas is er:

Een element van controle én onvoorspelbaarheid;
Een cruciale rol voor vuur als de kracht die het hele proces aanstuurt;
Een moment waarop het werk “gebeurt” dat buiten de directe controle van de maker ligt.

Dat maakt de kalkoven verwant aan artistieke praktijken waarin het proces net zo belangrijk is als het eindresultaat.

De sociale en de contextuele dimensie
Schelpenbranderijen waren vaak lokale, gemeenschapsgebonden plekken. Dat opent ook een link naar:

'Sociaal-artistieke' projecten;
Erfgoedkunst.

Ofwel werken die draaien om vroegere arbeid, landschappen en de lokale geschiedenis. Een kunstenaar kan zo’n plek prima gebruiken om de oude verhalen zichtbaar te maken die anders verdwijnen.

Kort gezegd:

De kalkoven is tegelijk:

Leverancier van essentiële kunstmaterialen;
Een fysiek object met sculpturale kwaliteit;
Een proces dat lijkt op verandering op artistieke grondslagen;
Een bron van metaforen over tijd, materie en verandering.

Als je het slim benadert, is het brandproces niet zomaar een stukje verouderde techniek. Het is eigenlijk al bijna kunst, nog vóórdat er ook nog maar één kunstenaar aan te pas is gekomen.

Stagnatie

De verborgen kracht van stagnatie.

Waarom je blokkades jouw kunstenaarschap juist vooruithelpen.

Wat als de momenten waarop je vastloopt in je kunst geen teken van falen zijn, maar juist het begin van een doorbraak? Veel kunstenaars zoeken naar een vorm van flow, maar missen daarbij de diepere waarde van stagnatie. Dit inzicht kan niet alleen je werk veranderen, maar ook de manier waarop je jouw kunst promoot en verkoopt.

In het kort:

Stagnatie in het creatieve proces is geen eindpunt maar een noodzakelijke fase waarin spanning wordt opgebouwd, vergelijkbaar met een rivier die tijdelijk wordt tegengehouden en daardoor uiteindelijk krachtiger een nieuwe richting vindt.

Kunstenaars die leren omgaan met blokkades ontwikkelen niet alleen artistieke diepgang, maar ook een sterker verhaal rond hun werk, wat essentieel is voor effectieve marketing en een duurzame positionering in de kunstmarkt.

Door stagnatie bewust te benutten en te vertalen naar communicatie en presentatie, ontstaat er een authentieke verbinding met het publiek die leidt tot meer zichtbaarheid, herkenning en uiteindelijk betere verkoopresultaten.

De natuur als spiegel voor het kunstenaarschap

Een rivier stroomt omlaag. Dat is een natuurwet. Maar wanneer er een blokkade ontstaat, verandert het gedrag van de stroom. Het water vertraagt, verzamelt zich, het stijgt, bouwt steeds meer druk en daardoor kracht op, totdat het om de blokkade heen een nieuwe weg vindt die door zal gaan in de oorspronkelijke richting.

Deze natuurlijke dynamiek is een krachtige metafoor voor het kunstenaarschap. Ook jouw werk stroomt, je zorgt voor meer en meer. Je ontwikkelt nieuwe ideeën en concepten. Totdat je plotseling vastloopt doordat er iets stagneert. Die stagnatie voelt vaak als een probleem. Alsof je iets verkeerd doet. Maar in werkelijkheid gebeurt er iets essentieels: Er wordt meer spanning opgebouwd. En juist die spanning is nodig om een nieuwe richting te vinden die je anders nooit had ontdekt.

De waarde van creatieve blokkades

Veel kunstenaars proberen blokkades te vermijden. Of, als ze toch ontstaan, zo snel mogelijk te doorbreken. Maar wat als je ze juist serieus neemt? En eerst kracht op gaat bouwen om er omheen te komen? Want een blokkade is geen leegte, maar eerder een ophoping van onbewuste ideeën, twijfels, invloeden en verlangens.

Wanneer je deze fase overslaat, blijf je vaak hangen in herhaling. Maar als je in die fase durft te blijven, ontstaat er verdieping. Je werk krijgt meer lagen, meer betekenis. En dat is precies wat jouw kunst goed onderscheidend maakt in de zo overvolle kunstmarkt.

De kunstenaar en de dam

Stel je voor: Aafke, een schilder, werkt al jaren in een herkenbare stijl. Haar werk verkoopt redelijk, maar ze voelt zich steeds leger. Op een dag stopt alles. Ze voelt geen inspiratie, geen richting meer. Ze raakt gefrustreerd en overweegt zelfs om te stoppen met het vak van kunstenaar.

In plaats van dóór te forceren, besluit ze te wachten. Ze observeert, schrijft, experimenteert zonder doel. Maanden gaan voorbij. Dan, ineens, ontstaat er iets nieuws. Haar werk verandert drastisch: Het wordt rauwer, eerlijker en krachtiger.

Wanneer ze haar nieuwe werk toont, gebeurt er iets onverwachts. Mensen reageren niet alleen op de beelden, maar vooral op haar verhaal. Haar periode van stagnatie wordt onderdeel van haar identiteit als kunstenaar. Haar werk verkoopt beter dan ooit, niet ondanks de blokkade, maar eerder dankzij.

Van blokkade naar positionering

Hier ligt een cruciaal inzicht: Jouw artistieke proces is niet los te zien van je marketing. Wat jij doormaakt, is precies wat jouw publiek wil begrijpen. Authenticiteit is geen trucje, maar een gevolg van eerlijk durven zijn over je proces.

Een blokkade biedt dus niet alleen artistieke groei, maar ook communicatieve kracht. Het geeft je een verhaal dat blijft hangen. En in een tijd waarin kunst niet alleen gezien maar ook begrepen wil worden, is dat goud waard.

De nieuwe stroom vinden

Zoals water uiteindelijk altijd weer een weg omlaag vindt, zo zal ook jouw creativiteit zich wel weer opnieuw vormen. Maar die nieuwe stroom is zelden voorspelbaar. Het vraagt om vertrouwen, geduld en het loslaten van controle.

Wanneer je leert om stagnatie niet te bevechten maar juist te benutten, verandert je hele houding. Je wordt niet alleen een maker, maar ook een verteller. Iemand die niet alleen kunst maakt, maar ook voor betekenis zorgt. Dus wil jij leren hoe je jouw artistieke proces kunt vertalen naar een krachtig verhaal dat jouw zichtbaarheid en verkoop versterkt? Duik dan dieper in de wereld van de kunstmarketing en ontdek hoe jouw unieke pad juist jouw grootste kracht kan gaan worden. Begin daarom vandaag nog met het ontwikkelen van jouw authentieke positionering.

Waarom het begin van je schilderij goud waard is en hoe dat je verkoop verandert

Wat als het meest waardevolle moment van je kunst nu eens niet het eindresultaat is waar het publiek naar kijkt, maar juist het begin waar je alleen zelf getuige van bent? Veel kunstenaars zoeken naar een vorm van perfectie in hun werk, terwijl juist de fase van vrijheid en experiment de sleutel kan zijn tot sterkere kunst én betere verkoop. In het volgende ontdek je hoe je dat ruwe begin strategisch kunt inzetten. Niet alleen artistiek, maar ook in hoe je jezelf presenteert aan de buitenwereld.

In het kort:

De eerste fase van een schilderij bevat nog maximale vrijheid, energie en richtingloosheid. Juist die openheid maakt je werk vaak krachtiger en authentieker dan het gecontroleerde eindresultaat dat volgt.

Naarmate je werk vordert, neemt de speelruimte af en verschuift de focus naar details, wat kan leiden tot verlies van plezier, uitstelgedrag en zelfs het nooit meer afronden van je werken.

Door het proces zichtbaar te maken en het ‘onafgemaakte’ te omarmen, kun je als kunstenaar niet alleen je werk verdiepen, maar ook je verhaal versterken richting publiek en potentiële kopers.

De kracht van een goed begin

De eerste lijnen op een schilderdoek zijn vaak het meest levendig. In die fase is immers alles nog mogelijk. Je zit niet vast aan een al eerder bepaalde compositie, kleurgebruik of iemands verwachtingen. Er is nog volop ruimte om te zoeken, te twijfelen en te ontdekken.

Voor veel kunstenaars is dit het moment waarop hun kunstwerk nog energie heeft. Het voelt als spelen, als onderzoeken. Er is nog geen druk van voltooiing, geen oordeel over het eindresultaat.

Toch wordt juist deze fase vaak onderschat. Want in een wereld waarin ‘af’ gelijk staat aan ‘goed,’ lijkt het begin slechts een tussenstap.

Wanneer de vrijheid langzaam verdwijnt

Zodra een schilderij vordert, verandert de relatie tussen kunstenaar en werk. Keuzes worden definitiever. Mogelijkheden vallen weg. Wat eerst een open veld van mogelijkheden was, wordt nu een afgebakend pad dat je wel moet volgen.

In deze fase verschuift de aandacht steeds meer naar details. Kleine correcties, versterken van nuances, kleine afwerkingen. Technisch best belangrijk, maar vaak wel een stuk minder inspirerend.

Hier ontstaat een interessant spanningsveld. Het werk wordt steeds beter, maar het plezier in het maken neemt af. Veel kunstenaars herkennen dit moment wel. Het schilderij is bijna af, maar voelt juist verder weg dan ooit.

Waarom werken blijven liggen

Omdat het einde minder spannend is dan het begin, blijven veel werken onafgemaakt. Niet uit onkunde, maar uit verlies van verbinding.

De energie waarmee het werk begon, is moeilijk meer terug te vinden. Het doek vraagt om afronding, maar de kunstenaar verlangt naar een nieuw begin. Iets totaal nieuws.

Dit is geen teken van zwakte, maar een patroon. Een patroon dat iets zegt over hoe creativiteit nu eenmaal werkt: Het floreert bij vrijheid maar niet bij afronding.

De schilder die stopte met afmaken

Lars was een schilder die bekend stond om zijn onafgemaakte werken. Zijn atelier stond vol doeken die ergens halverwege waren gestopt. Bezoekers begrepen er niets van. “Wanneer maak je die doeken nu eens af?” vroegen ze regelmatig.

Op een dag besloot hij iets anders te doen. Hij hing zijn werk gewoon op zoals het op dat moment was. Dus rauw, onaf, vol sporen van twijfel en gebrek aan richting. Tot zijn verbazing reageerden mensen er sterker en positiever dan ooit op.

Zij zagen niet alleen het beeld, maar ook het proces. De keuzes, de worsteling en de vrijheid.

Een galeriehouder zei tegen Lars: “Dit is waar jouw werk echt leeft. Niet in het einde, maar in het midden.”

Vanaf dat moment veranderde Lars zijn aanpak. Hij schilderde nog steeds, maar begon ook zijn proces te tonen. Foto’s van beginfases, verhalen over keuzes, vol twijfels en wendingen die het schilderij wél leven gaven.

Zijn werk begon beter te verkopen. Niet omdat het ‘af’ was, maar omdat het begrijpelijker werd.

Van proces naar presentatie

Hier ligt een belangrijke les voor kunstenaars die hun werk willen promoten. Het publiek koopt niet alleen een eindresultaat, maar ook een verhaal. En levende kunst.

Door het begin zichtbaar te maken bijvoorbeeld met schetsen, eerste lagen en experimenten, geef je context aan je werk. Je nodigt mensen uit in je proces.

Dit maakt je kunst toegankelijker zonder dat je concessies doet aan de inhoud. Sterker nog: Het versterkt juist de beleving.

Het onafgemaakte kunstwerk als kracht

Misschien is het tijd om anders te kijken naar een begrip als ‘af.’ Door het niet te zien als een eindpunt, maar als een keuze.

Een werk hoeft niet volledig uitgewerkt te zijn om waarde te hebben. Soms zit de kracht juist in wat open blijft.

Voor kunstenaars kan dit bevrijdend werken. Het haalt de druk van perfectie weg en opent nieuwe manieren van werken én presenteren.

De link met zichtbaarheid en verkoop

In een tijd waarin kunstenaars zichzelf steeds meer moeten positioneren, kan juist dit inzicht een verschil maken.

Door je proces te delen, zorg je voor betrokkenheid. Door het begin te waarderen, behoud je energie. En door het onafgemaakte van het schilderij te accepteren, maak je meer ruimte voor verdere groei. Dat is niet alleen goed voor je werk, maar ook voor hoe anderen je werk zien en uiteindelijk: Hoe het verkoopt.

Samenvattend:

Wil jij leren hoe je jouw artistieke proces kunt vertalen naar zichtbaarheid, herkenning en verkoop? Duik dan dieper in de wereld van de kunstmarketing en ontdek strategieën die passen bij jouw manier van werken zonder daar je artistieke vrijheid bij te verliezen.

Even een kabeltje repareren kan nooit moeilijk zijn...

Colofon

Bijdragen

Bij belangstelling of vragen kun je altijd contact met me opnemen en dan kijk ik graag samen met jou wat er mogelijk is. En dat is wat mij betreft best veel.

Jetje's dag is op vele manieren te bereiken:

Jetje's dag is op mijn eigen Facebook en enkele pagina's

Al mijn foto's uit Jetje's dag staan ook op Pinterest

Kleinere berichten, foto's, kunstwerken etc. staan op een eigen blog

Zoekt u een begrip uit de kunst? Een kunstenaar? Een kunststroming?Klik hier, al wordt er nog druk aan gewerkt

Meer onderwerpen vinden? Gebruik Jetje's index!

4 mei 2026 | Nr. 515 | Nog iemand zin in een zakje rood?

2026-05-04T07:50:55.771+02:00

4 mei 2026 | Nr. 515 | Nog iemand zin in een zakje rood?

Jetje aan het woord

Goedemorgen allemaal op deze mooie dag vol mogelijkheden en nieuwe kansen

Als model werk je niet met een camera, met een doek en penselen of een bonk boetseerklei, maar je bent wel creatief bezig en probeert een stuk van jezelf in je werk te leggen. Dat is zoeken. Flink zoeken zelfs en soms blijk je reacties te krijgen waardoor je het gevoel krijgt dat het overbrengen van wat je doet nog lang niet bij iedereen aanslaat. Zeker Facebook is daar berucht in. Maar bij anderen komt het wel over. Het opmerkelijke daarbij is dat kunstenaars of laaiend enthousiast zijn over wat je doet of een keertje een fotoshoot te proberen om het daar vervolgens bij te laten. Dat bevestigt je wel in je ideeën dat je echt een eigen weg aan het inslaan bent en dat niet iedereen met jou dezelfde kant op gaat. Mooi toch? Unieke mensen zijn vaak veel interessanter dan mensen uit de grijze massa die samen dezelfde kant op rennen, puur omdat iedereen dat nu eenmaal doet.

Jullie Jetje

Samenvatting van vandaag:

		1. Een vuilniszak is voor meer geschikt dan alleen voor vuilnis;
		2. Kunstenaars gaan van focus naar vrijheid;
		3. Vooral doorgaan na een mislukking.

Van afval naar kunst of kleding

Waarom vuilniszakken jouw creatieve doorbraak kunnen zijn

Wat als het meest alledaagse object in jouw atelier, iets dat je normaal weggooit, juist de sleutel is tot een nieuwe artistieke richting én een sterker verhaal richting jouw publiek?

In het kort:

Vuilniszakken lijken banaal, maar bieden kunstenaars een onverwacht rijk materiaal dat bescherming, vorm en betekenis combineert, waardoor ze niet alleen praktisch inzetbaar zijn, maar ook een krachtige artistieke en conceptuele laag toe kunnen voegen.

Door te werken met goedkope en toegankelijke materialen zoals deze vuilniszakken, verlaag je de drempel tot experiment en ontdekking, wat leidt tot innovatie, een herkenbare stijl en nieuwe kansen voor presentatie en verkoop van je werk.

Het herwaarderen van alledaagse objecten helpt je als kunstenaar om een onderscheidend verhaal te ontwikkelen dat aansluit bij actuele thema’s zoals duurzaamheid, consumptie en hergebruik, wat je positie in de kunstmarkt versterkt.

De verborgen kracht van het alledaagse

Vuilniszakken zijn misschien wel het meest onderschatte materiaal dat je kunt bedenken. Ze liggen verscholen in keukenkastjes en worden gedachteloos gebruikt. Maar juist in die vanzelfsprekendheid schuilt een enorme creatieve kans.

Voor kunstenaars ligt de uitdaging vaak niet in het vinden van bijzondere materialen, maar in het anders leren kijken naar wat er al beschikbaar is. Een vuilniszak is licht, flexibel, vaak semi-transparant en eenvoudig te manipuleren. Dat maakt zo'n vuilniszak tot een verrassend veelzijdig medium.

Bescherming als eerste functie

De meest directe toepassing van vuilniszakken is een vorm van bescherming. Denk aan een plotselinge regenbui waarbij een simpele vuilniszak met een paar knippen met een schaar al verandert in een geïmproviseerde poncho. Voor kunstenaars kan dit idee verder worden doorgetrokken.

Bescherming wordt zo een nieuw concept om verder uit te werken. We kunnen het daarbij hebben over fysieke bescherming, maar dat kan zich ook vertalen naar emotionele of maatschappelijke lagen. Hoe beschermt een mens zich tegen de harde buitenwereld? Hoe vertaal je dat gevoel van de noodzaak voor bescherming naar nieuwe vormen en materiaal?

Artistiek statement

Wat begint als een praktische oplossing, kan gemakkelijk uitgroeien tot een artistiek statement. Een vuilniszak als kledingstuk is niet alleen puur functioneel, maar het roept ook vragen op over zaken als waarde en vergankelijkheid.

In de kunst- en modewereld wordt al langer geëxperimenteerd met ongebruikelijke materialen. Door vuilniszakken te knippen, te vouwen en op andere manieren te combineren, ontstaan er nieuwe vormen. Het materiaal krijgt een tweede leven. En het vertelt een verhaal over consumptie en de afval die daaruit voorkomt.

Het experiment van Peter

Peter, een jonge kunstenaar, zat muurvast in zijn werk. Zijn schilderijen voelden in zijn ogen als steeds meer voorspelbaar en zijn verkoop bleef ook nog eens uit. Op een dag, tijdens het opruimen van zijn atelier, pakte hij een stapel vuilniszakken.

Uit pure frustratie begon hij ermee te experimenteren. Hij smolt de lagen plastic, knoopte ze weer samen en produceerde zo grote, meer organische vormen. Wat daarbij begon als een impulsief experiment, groeide uit tot een nieuwe serie werken.

Zijn nieuwe installaties trokken direct aandacht. Galeriebezoekers waren gefascineerd door de combinatie van kwetsbaarheid en kracht. Peter ontdekte dat juist dit ‘waardeloze’ materiaal zijn werk onderscheidend gemaakt had.

Binnen korte tijd kreeg Peter een expositie en verkocht hij meerdere stukken. Zijn doorbraak kwam niet door het gebruik van een duur materiaal, maar door te kijken met een andere blik naar afval. Wat het tot een waardevol materiaal voor een kunstenaar maakte.

Creativiteit zonder financiële drempels

Een groot voordeel van vuilniszakken is hun toegankelijkheid. Ze zijn goedkoop en overal verkrijgbaar. Dit maakt ze ideaal voor experimenteren zonder aanslag op de portemonnee.

Want voor veel kunstenaars kan het budget nu eenmaal voor een stevige beperking vormen. Door te werken met eenvoudige materialen, verschuift de focus van kosten naar creativiteit. Je durft meer risico te nemen en sneller nieuwe ideeën met een grote kans op mislukking te testen.

Duurzaamheid als verhaal

In een tijd waarin duurzaamheid steeds belangrijker wordt, biedt het gebruik van hergebruikte materialen een sterke inhoudelijke laag. Het omzetten van afval naar kunstvormen geeft je werk daarbij betekenis.

Dit verhaal is niet alleen artistiek interessant, maar het is ook relevant voor je publiek. Kopers en verzamelaars zoeken steeds vaker naar werk met een duidelijke visie en een maatschappelijke betrokkenheid.

Praktisch en conceptueel tegelijk

Naast artistieke toepassingen blijven vuilniszakken ook praktisch. Ze beschermen, verpakken en organiseren. Juist die combinatie van functionaliteit en concept maakt het materiaal zo interessant.

Als kunstenaar kun je spelen met die dualiteit. Wat is de grens tussen gebruiksvoorwerp en kunstobject? Wanneer verandert iets van afval in waarde?

Anders gaan kijken als sleutel tot groei

De grootste les die vuilniszakken je kunnen leren, is misschien wel deze: Alles kan materiaal voor een kunstenaar zijn. Het gaat niet om wat iets is, of waar het voor bedoeld is, maar juist om wat jij erin ziet.

Door jezelf te trainen om anders te kijken, open je de deur naar nieuwe ideeën. Dit vergroot niet alleen je jouw creatieve mogelijkheden, maar ook je onderscheidend vermogen in de markt. Wil jij ontdekken hoe je met onverwachte materialen én slimme positionering jouw kunst onderscheidend maakt en beter verkoopt? Verdiep je dan in de boeiende wereld van de kunstmarketing, storytelling en creatief materiaalgebruik en bouw aan een kunst praktijk die zowel creatief als commercieel veel sterker is.

Kunstenaars die kiezen voor meer focus realiseren uiteindelijk meer vrijheid

Waarom sommige keuzes zo belangrijk kunnen zijn

Je denkt misschien dat je als kunstenaar alles open moet houden om maar vrij te kunnen blijven. Maar wat als juist jouw keuzes en zelfs je beperkingen, de sleutel blijken te zijn tot meer zichtbaarheid, betere verkoop en diepere artistieke voldoening?

In het kort:

Door bewust te kiezen voor een duidelijke richting in je werk, voorkom je versnippering. Je bouwt als kunstenaar aan herkenbaarheid. En dat is essentieel om op te vallen in een overvolle markt en om uiteindelijk meer werk te verkopen.

Discipline en herhaling helpen je niet alleen om technisch sterker te worden. Ze zorgen er ook voor dat je een consistente boodschap uitdraagt. Potentiële kopers zullen daarmee sneller begrijpen wat jouw werk zo uniek maakt.

Vrijheid ontstaat niet door alles maar open te laten. Maar eerder door gerichte keuzes te maken in je stijl, de te benaderen doelgroep en de vorm van je presentatie, waardoor je als kunstenaar meer controle krijgt over je carrière en je inkomsten.

De mythe van de totale vrijheid

Veel kunstenaars koesteren het idee dat vrijheid betekent dat alles mogelijk moet zijn. Er zijn geen regels en geen grenzen. Er is geen vaste richting. Het klinkt allemaal heel aantrekkelijk, maar in de praktijk leidt deze gedachte opmerkelijk vaak tot pure stagnatie.

Want wanneer alles kan, wordt kiezen wel erg moeilijk. En zonder keuzes ontstaat er geen duidelijke lijn in je werk. Voor je het weet, ben je bezig met tien verschillende stijlen, technieken of concepten zonder dat je er ooit iets van verder uitdiept. Dit maakt het ontbreken van keuzes niet alleen lastig voor jezelf, maar ook voor je publiek.

Waarom focus essentieel is

Focus is geen beperking van je creativiteit, maar juist een versterking ervan. Door jezelf een kader te geven, kun je dieper gaan graven. Je ontwikkelt een herkenbare signatuur. En je bouwt aan een samenhangend oeuvre.

Voor de buitenwereld is dit cruciaal. Verzamelaars, galeriehouders en volgers zoeken naar kunstenaars met een duidelijke identiteit. Ze willen kunnen begrijpen waar jij voor staat. Focus maakt jouw verhaal helder en krachtig. Het maakt je werk herkenbaar.

De kracht van herhaling en discipline

Discipline klinkt voor veel kunstenaars als iets dat creativiteit volledig in de weg staat, zo niet onmogelijk maakt. Maar het tegenovergestelde is waar. Door regelmatig te werken aan dezelfde thematiek of techniek, ontdek je daar de nuances in die anders verborgen zullen blijven.

Herhaling leidt tot meer verdieping. En verdieping leidt weer tot kwaliteit. Bovendien zorgt discipline ervoor dat je zichtbaar blijft. Regelmatig nieuw werk tonen binnen een herkenbare lijn versterkt je positie in de markt zoals ook het verhaal hierna van Thomas verder toe kan lichten.

Het keerpunt van Thomas en zijn verlaten gebouwen

Thomas was een veelzijdige kunstenaar. Hij schilderde, fotografeerde en maakte installaties. Zijn atelier was een soort speeltuin van ideeën. Maar ondanks al die plannen bleef zijn verkoop uit.

Op een dag kreeg hij feedback van een galeriehouder: “Je werk is op zich heel interessant, maar ik weet niet wie je bent als kunstenaar.” Die opmerking bleef bij Thomas wel hangen.

Thomas besloot een experiment te doen. Hij koos één onderwerp dat hem al jaren fascineerde, namelijk " verlaten gebouwen." Hij beperkte zich tot de fotografie en werkte uitsluitend in zwart-wit.

In het begin voelde het alsof hij zichzelf tekortdeed. Maar na verloop van tijd begon er iets te veranderen. Zijn beelden werden krachtiger, consistenter en vooral herkenbaarder.

Binnen een jaar kreeg hij zijn eerste expositie. Mensen herkenden zijn werk nu direct. Zijn verkoop steeg. Thomas realiseerde zich dat hij niet minder vrij was geworden. Zijn vrijheid was juist toegenomen.

Focus en marketing vormen een onmisbare combinatie

In de wereld van de kunst en de verkoop draait alles om herkenning en vertrouwen. Wanneer jouw werk consistent is, wordt het makkelijker om een publiek op te bouwen. Mensen weten wat ze van je kunnen verwachten. Focus helpt je ook om gerichter te communiceren. Je kunt je marketing afstemmen op een specifieke doelgroep. Dit maakt je promotie effectiever en minder tijdrovend.

Vrijheid is een resultaat van meerdere keuzes

Vrijheid is geen startpunt, maar vormt eerder een eindpunt. Het is iets wat je opbouwt door bewuste keuzes te maken en daar consistent aan vast te houden. Door te focussen op wat echt belangrijk is zoals je stijl, je boodschap en je doelgroep, ga je voor meer ruimte zorgen. Ruimte om te groeien, te verdienen en te experimenteren, stevig staand op een goed fundament. Dus wil jij als kunstenaar niet langer blijven hangen in allerlei losse ideeën, maar bouwen aan een herkenbare stijl én een succesvolle verkoopstrategie? Duik dan dieper in de boeiende wereld van de marketing, de positionering en je focus. En dan zul je ontdekken hoe jij jouw artistieke vrijheid om kunt zetten in meer concrete resultaten.

Waarom doorzetten na mislukking jouw grootste doorbraak als kunstenaar kan worden

Wat als jouw mislukkingen geen bewijs zijn dat je echt moet gaan stoppen, maar als het juist aanwijzingen zijn dat je steeds dichter bij je succes komt? Ontdek dan hoe jouw doorzettingsvermogen je kunst én je verkoop naar een hoger niveau kan tillen.

In het kort:

Door niet op te geven na een eerste mislukking, ontwikkel je als kunstenaar veerkracht en inzicht, waardoor je beter begrijpt wat werkt en wat niet. En zo gerichter kunt bouwen aan zowel je artistieke als je commerciële groei.

Mislukkingen bieden waardevolle feedback die je helpt om je stijl, je techniek en jen positionering te verfijnen, waardoor je uiteindelijk sterker werk maakt, dat beter aansluit bij je doelgroep en daardoor meer kans heeft op verkoop.

Door consistent te blijven werken aan je doelen, ondanks tegenslagen, zorg je voor meer momentum en vertrouwen, wat essentieel is om als kunstenaar zichtbaar te blijven en een duurzame carrière op te bouwen.

De angst voor mislukking

Veel kunstenaars ervaren een diepe angst om te falen. Een werk dat niet verkoopt, een tentoonstelling die tegenvalt of een idee dat niet uitpakt zoals gehoopt, kan voelen als een persoonlijke nederlaag. Hierdoor ontstaat de neiging om snel op te geven of van richting te veranderen.

Maar juist in die momenten ligt een belangrijke kans verscholen. Mislukking is geen eindpunt, maar een signaal. Het vertelt je dat er iets te leren valt.

Waarom mislukking essentieel is voor groei

Elke mislukking bevat een schat aan informatie. Misschien was je werk nog niet scherp genoeg, misschien bereikte je wél de verkeerde doelgroep maar niet de goede. Misschien ontbrak er een duidelijke boodschap. Door deze signalen serieus te nemen, kun je die gericht verbeteren.

Kunstenaars die blijven proberen, ontwikkelen een dieper begrip van hun eigen werk en van de markt. Ze leren wat het publiek aanspreekt en wat zeker niet. Dit proces maakt hun werk niet alleen sterker, maar ook relevanter.

Doorzettingsvermogen als strategisch voordeel

Doorzetten is niet alleen een mentale eigenschap, maar ook een strategische keuze. In een wereld waarin veel kunstenaars vroegtijdig afhaken, onderscheid jij je juist door vol te houden.

Consistentie zorgt ervoor dat je zichtbaar blijft. Hoe vaker mensen jouw werk zien, hoe groter de kans dat ze een connectie voelen en uiteindelijk overgaan tot aankoop. Doorzettingsvermogen vergroot dus direct je kansen op succes.

Het pad van Noortje

Noortje was een beginnende kunstenaar die haar eerste collectie met veel enthousiasme lanceerde. Ze had maanden intensief gewerkt aan haar nieuwe serie schilderijen en verwachtte dat ze wel snel verkocht zouden worden.

Maar de reacties bleven uit. Geen verkopen. Zelfs weinig aandacht. Teleurgesteld overwoog ze om maar helemaal te gaan stoppen. Maar dat was nog een stap te ver.

In plaats van te stoppen besloot ze haar aanpak eerst nog eens goed te analyseren. Ze ontdekte dat haar werk moeilijk te plaatsen was voor het publiek. Het werk had geen duidelijk zichtbare lijn en haar communicatie was beknopt en vrij vaag.

Noortje maakte een nieuwe serie, met een heldere thematiek en dit keer een consistente stijl. Daarnaast begon ze gerichter te communiceren over haar werk en haar proces.

Langzaam veranderde er iets. Mensen begonnen haar werk te herkennen. Ze kreeg meer reacties, meer volgers en uiteindelijk kwamen haar eerste verkopen.

Noor besefte dat haar eerdere mislukking geen falen was geweest. Het was een noodzakelijke stap richting groei.

Van tegenslag naar richting

Het verschil tussen kunstenaars die blijven hangen en degenen die doorgroeien, zit vaak in hoe ze omgaan met tegenslag. Zie je een mislukking als een bevestiging van je onzekerheid? Of beschouw je het als een kans om te leren?

Door actief te bestuderen wat voor jou niet werkt, kun je betere keuzes maken. Je ontwikkelt een scherpere visie en een duidelijkere richting.

Doorzetten en marketing

Ook in de marketing speelt je doorzettingsvermogen een grote rol. Niet elke post zal aanslaan, Niet elke campagne levert je direct resultaat op. Maar door consistent te blijven, bouw je wel aan herkenning en vertrouwen.

Succes in de kunstverkoop is zelden het gevolg van één moment. Het is het resultaat van herhaling, zichtbaarheid en volharding.

De lange adem van succes

Succes als kunstenaar vraagt veel tijd. Het is een proces van vallen en opstaan, van blijven proberen en steeds een beetje bijstellen. Door zeker niet op te geven bij de eerste tegenslag, geef je jezelf de kans om te gaan groeien.

Doorzettingsvermogen betekent niet dat je maar koppig hetzelfde moet blijven doen, maar dat je bereid bent om te leren en je aan te passen. Wil jij als kunstenaar leren hoe je mislukkingen omzet in concrete groei en meer verkoop? Verdiep je dan in de principes van de marketing, de positionering en het ontwikkelen van een goede strategie. Ontdek hoe jij met doorzettingsvermogen jouw artistieke carrière duurzaam kunt versterken.

Morgen gaan we een rondje maken rondom de oude schelpenbranderij ofwel de kalkoven.

Colofon

Bijdragen

Bij belangstelling of vragen kun je altijd contact met me opnemen en dan kijk ik graag samen met jou wat er mogelijk is. En dat is wat mij betreft best veel.

Jetje's dag is op vele manieren te bereiken:

Jetje's dag is op mijn eigen Facebook en enkele pagina's

Al mijn foto's uit Jetje's dag staan ook op Pinterest

Kleinere berichten, foto's, kunstwerken etc. staan op een eigen blog

Zoekt u een begrip uit de kunst? Een kunstenaar? Een kunststroming?Klik hier, al wordt er nog druk aan gewerkt

Meer onderwerpen vinden? Gebruik Jetje's index!

1 mei 2026 | Nr. 514 | Glitterjetje

2026-05-01T07:59:40.169+02:00

1 mei 2026 | Nr. 514 | Glitterjetje

Jetje aan het woord

Goedemorgen allemaal op deze mooie dag vol mogelijkheden en nieuwe kansen

We zien ze op de televisie: De kunstenaars die het gemaakt hebben en die een glaasje drinken met de elite en de groten der aarde die allemaal uiterst deskundig en geïnteresseerd de kunstwerken bekijken. Voor velen een aantrekkelijk beeld en misschien is al deze glitter en glamour wel een extra stimulans geweest om de weg van de kunstenaar op te gaan. In elk geval is bij verreweg de meeste kunstenaars het beeld wel iets anders. De glitter en glamour is in het algemeen ver te zoeken. Soms is het zelfs meer een soort strijd om te overleven en is allerlei geldelijke hulp en subsidie daarvoor nodig. Dat levert dan een beeld met aanzienlijk minder glitter op.

Jullie Jetje

Samenvatting van vandaag:

		1. Jetje in de glitters;
		2. Vrijheid is de sleutel tot succes;
		3. Één plan is eigenlijk niet genoeg.

Kunstenaar, een leven vol glitter?

De stille realiteit achter het kunstenaarsbestaan die je kijk op succes voorgoed verandert.

Wat als alles wat je denkt te weten over succes als kunstenaar je juist tegenhoudt? Een belemmering gaat worden? Voor nieuwsgierige en leergierige makers ligt hier een onverwacht stukje inzicht. Niet de zichtbaarheid alleen, maar ook meer begrip van de onderliggende marktmechanismen bepaalt of jouw werk écht gezien én verkocht wordt.

In het kort:

Veel kunstenaars richten zich -terecht- op zichtbaarheid en productie, maar vergeten dat de perceptie van waarde door je publiek en verhaalvorming bij je kunst minstens zo bepalend zijn voor succes. Hierdoor blijven kansen op verkoop structureel liggen zonder dat deze kunstenaars dat zelf merken.

Door meer inzicht te krijgen in de psychologie van kopers, positionering en timing, kan een kunstenaar niet alleen meer impact maken, maar ook duurzamer bouwen aan een praktijk die zowel artistiek als financieel lang stand zal houden.

Het combineren van authentieke expressie met strategisch denken voelt soms knap ongemakkelijk, maar blijkt in de praktijk juist de sleutel tot groei, erkenning en het doorbreken van patronen, die je creativiteit en dus ook je inkomen beperken.

De mythe van het romantische kunstenaarsleven

Het bestaan van een kunstenaar is niet alleen glitter en glamour. Een leven vol cocktailparty's met de elite van het land. Hoewel dit beeld naast dat van veel vrijheid en bijna onbeperkte creatieve expressie aantrekkelijk is, schuilt er vaak een veel minder zichtbaar verhaal achter. Een groot aantal kunstenaars werkt in stilte, worstelt met veel onzekerheid en zoekt op allerlei plekken en via vele wegen naar meer erkenning. Dit spanningsveld tussen status, passie en vaak harde realiteit vormt de kern van het kunstenaarsbestaan.

De hardnekkige romantiek

De romantiek van ‘het pure maken’ voor horden dankbare kopers zonder enige rekening te moeten houden met de buitenwereld is uiterst hardnekkig. Toch blijkt in de praktijk dat kunstenaars die uitsluitend op hun intuïtie varen, vaak moeite hebben om hun werk onder de aandacht te brengen. Niet omdat hun werk minder goed is, maar omdat het verhaal eromheen ontbreekt.

Waarom talent alleen niet genoeg is

Talent is belangrijk, maar zelden doorslaggevend. In een wereld waarin dagelijks online duizenden beelden en ideeën circuleren, is het vermogen om betekenis te geven aan je werk minstens zo belangrijk. Kunst wordt niet alleen bekeken, maar ook geïnterpreteerd.

Hier ontstaat een cruciale vraag: Hoe positioneer jij jezelf als kunstenaar? Niet door jezelf te veranderen. Maar door helder te maken wat jouw werk uniek maakt. Dat vraagt om veel zelfreflectie én om het opdoen van de kennis van hoe mensen keuzes maken. Een randgebied van de psychologie, maar wel heel belangrijk.

Een verhaal uit de praktijk

Neem het verhaal van Lara, die jarenlang schilderde zonder al te veel erkenning. Haar werk was volgens iedereen technisch sterk, maar bleef verder onopgemerkt. Ze exposeerde af en toe, maar verkopen bleven uit.

Op een dag besloot ze niet haar werk te veranderen, maar haar benadering. Ze begon haar proces met iedereen te delen, vertelde op social media waarom ze bepaalde thema’s koos en gaf de nodige context aan haar werk. Wat eerst alleen “mooie schilderijen” waren, werden ineens dragers van de nodige betekenis.

Langzaam veranderde er daardoor iets. Mensen voelden zich meer aangesproken. Niet alleen door het getoonde beeld, maar ook door het verhaal erachter. Haar werk begon te verkopen, niet omdat het anders was geworden, maar omdat het beter begrepen werd.

De rol van perceptie en waarde

Wat Lara zo ontdekte, is iets waar veel kunstenaars tegenaan lopen: Waarde is geen vast gegeven. Waarde ontstaat pas in de interactie tussen maker en publiek. Dit betekent niet dat je je werk moet aanpassen aan die massa, maar wel dat je moet begrijpen hoe betekenis in kunst wordt gevormd.

Perceptie wordt beïnvloed door context, presentatie en timing. Een werk dat in de ene setting onopgemerkt blijft, kan in een andere omgeving juist veel impact hebben. Door bewust om te gaan met deze factoren, vergroot je de kans dat jouw werk aanslaat bij het grote publiek.

Kunst en strategie vormen een ongemakkelijke combinatie

Voor veel kunstenaars voelt het maken van een strategie als een bedreiging voor de authenticiteit. Alsof nadenken over optimale promotie en verkoop afbreuk zou doen aan de puurheid van je werk.

Strategie betekent niet dat je je artistieke visie opgeeft. Integendeel. Die krijgt vaak veel meer ruimte. Het betekent dat je nadenkt over hoe je die visie zichtbaar maakt. Het is een belangrijk verlengstuk van je creativiteit en zeker geen beperking ervan.

Sterker nog, kunstenaars die deze twee werelden weten te combineren, zorgen vaak voor meer vrijheid. Niet alleen op financieel gebied, maar ook in hun artistieke keuzes.

De verschuiving die alles verandert

De echte doorbraak ontstaat wanneer je stopt met denken in termen van “meer maken” en begint met denken in termen van “jezelf en je kunst beter positioneren.” Dit vraagt om een andere manier van denken. Het gaat dan niet langer alleen om wat je maakt, maar om hoe het door je publiek wordt ontvangen. Door deze verschuiving ontstaat ruimte voor groei. Geen groei door harder te werken, maar door slimmer te kijken naar wat er al is.

Samenvattend:

Wil je als kunstenaar niet alleen beter werk maken, maar ook beter begrepen én verkocht worden? Duik dan dieper in de wereld van de positionering, psychologie en strategie en ontdek hoe jij jouw kunstpraktijk naar een aanzienlijk hoger niveau tilt.

Waarom jouw vrijheid als kunstenaar de sleutel is tot meer verkoop en creatieve groei

Wat als jouw grootste kracht niet je techniek, netwerk of marketingbudget is, maar je innerlijke onafhankelijkheid? Veel kunstenaars zoeken succes buiten zichzelf, terwijl de echte doorbraak begint bij een verrassend simpel inzicht dat je hele positie verandert.

In het kort:

Wanneer je als kunstenaar accepteert dat je leven waardevol blijft zonder directe verkoop of erkenning, ontstaat er een krachtige mentale ruimte waarin je vrijer kunst kunt maken, authentieker communiceert en minder afhankelijk wordt van externe goedkeuring.

Door te werken vanuit innerlijke zekerheid in plaats van schaarste of angst, verander je ongemerkt je houding richting publiek en kopers, waardoor je werk geloofwaardiger overkomt en je marketing natuurlijker en effectiever wordt.

Succesvolle kunstenaars bouwen niet alleen aan zichtbaarheid, maar vooral aan een fundament van onafhankelijk denken en voelen, waardoor ze kansen durven te grijpen en mislukkingen zien als onderdeel van een rijk en veelzijdig kunstenaarsleven.

De kracht van innerlijke onafhankelijkheid

Als kunstenaar ben je vaak geneigd om succes te koppelen aan externe factoren: Verkopen, exposities en erkenning. Toch ligt de werkelijke kracht ergens anders. Wanneer je gelooft dat je leven waardevol blijft, ongeacht of een werk verkoopt of een project slaagt, verschuift je hele perspectief. Je werkt niet langer vanuit noodzaak, maar vanuit je eigen keuze.

Die mentale verschuiving is subtiel, maar diepgaand. Het maakt je minder kwetsbaar voor afwijzing en geeft je ruimte om wat meer risico’s te nemen. Juist die risico’s zijn vaak de bron van vernieuwend werk.

Van afhankelijkheid naar creatieve vrijheid

Veel kunstenaars zitten onbewust gevangen in een patroon van afhankelijkheid: “Dit móet slagen, anders…” Die gedachte zorg voor veel druk en druk vernauwt ernstig je creatieve blik. Wanneer je echter accepteert dat er meerdere wegen zijn naar een goed leven, ontstaat er ruimte waar de druk verdwijnt.

Die ruimte vertaalt zich direct in je werk. Je durft experimenteler te zijn, eerlijker te communiceren en je werk duidelijker te positioneren. Ironisch genoeg maakt juist die onafhankelijkheid je steeds aantrekkelijker voor verzamelaars en galerieën. Mensen voelen het van nature aan wanneer je werk voortkomt uit vrijheid in plaats vanuit de behoefte van iemand.

De omslag van Mira

Mira was een schilder die alles inzette op haar eerste grote expositie. Ze werkte maandenlang onder enorme druk. Elk doek moest verkopen, anders zou haar droom instorten. Nou ja, dat dacht ze.

De avond voor de opening zat ze alleen in haar atelier. Ze keek naar haar werk en voelde vooral angst. Toen stelde ze zichzelf een simpele vraag: “Wat als deze expositie niet werkt?”

Het antwoord verraste haar. Ze besefte dat ze nog steeds zou kunnen doorgaan met schilderen. Dat ze nog steeds betekenis zou vinden in haar werk. Dat haar leven niet afhankelijk was van deze ene kans.

De volgende dag veranderde er iets. Ze sprak met bezoekers zonder spanning, vertelde eerlijk over haar proces en luisterde oprecht naar de reacties van de bezoekers. Ze verkocht minder werken dan ze had gehoopt, maar kreeg er iets waardevols voor terug: Nieuwe connecties, meer opdrachten en vooral een waardevol hernieuwd vertrouwen.

Binnen een jaar had ze een stabiele stroom van kopers. Niet omdat ze harder pushte, maar juist omdat ze losliet.

Marketing vanuit kracht in plaats van angst

Wanneer je marketing bedrijft vanuit een gevoel van tekort zoals “ik moet verkopen,” komt dat vaak wat te subtiel over in je communicatie. De druk die je ermee uitstraalt maakt je boodschap minder overtuigend.

Werk je echter vanuit een positie van kracht zoals “ik deel mijn werk omdat het waarde heeft,” dan verandert alles direct. Je teksten worden helderder, je prijsstelling is zelfverzekerder en je zichtbaarheid consistenter.

Kopers voelen dit verschil ogenblikkelijk. Want ze kopen niet alleen het werk, maar ook de energie en overtuiging erachter. En beiden moet voor de koper goed aanvoelen om een positief besluit te nemen.

De lange termijn visie voor kunstenaars

Een duurzame kunstpraktijk vraagt meer dan talent en strategie. Het vraagt om een innerlijk fundament. Wanneer je accepteert dat succes niet één vorm heeft, maar vele vormen, ontstaat er rust.

Die rust maakt je veerkrachtig. Je blijft doorgaan na tegenslagen. Je ziet kansen waar anderen obstakels zien en bouwt gestaag aan een carrière die niet afhankelijk is van één moment of beslissing.

Het paradoxale resultaat? Juist door minder afhankelijk te zijn van succes, vergroot je de kans erop.

Conclusie:

Wil je als kunstenaar niet alleen beter zichtbaar worden, maar ook begrijpen hoe psychologie, positionering en strategie samenkomen in je succesvolle kunstverkoop? Duik dan dieper in de achterliggende principes van marketing en ontdek hoe je vanuit kracht en authenticiteit jouw publiek bereikt en overtuigt.

Waarom één goed plan niet genoeg is

En hoe herhaling jouw kunst én je verkoop laten groeien

Ben jij een leergierige kunstenaar die voelt dat inspiratie alleen niet genoeg is om écht door te breken? Wat als jouw succes niet ligt in dat ene briljante idee, maar in hoe vaak je durft te herhalen, testen en bijsturen? Voor creatieve makers die hun promotie en verkoop willen verdiepen, ligt hier een onverwacht, maar zeer krachtig inzicht: Strategie is geen vast omlijnd plan, maar eerder de beschrijving van een proces.

In het kort:

Succesvolle kunstenaars bouwen geen carrière op basis van één perfect plan. Ze werken met een continu proces van steeds maar herhalen, testen en verbeteren, waarbij elke stap weer waardevolle informatie oplevert die hun strategie steeds effectiever maakt.

Zogenaamde 'iteratie' ofwel het steeds weer opnieuw uitvoeren en verfijnen van je aanpak zorgt ervoor dat je werk, je positionering en je marketing zich steeds aanpassen aan de realiteit, waardoor je relevanter blijft en veel beter inspeelt op je publiek en de markt.

Door je planning te zien als een flexibel en lerend systeem in plaats van een muurvast schema waar geen afwijking van mogelijk is, zorg je voor ruimte voor groei, experiment en duurzame vooruitgang. En dat is essentieel voor zowel je artistieke ontwikkeling als je commerciële impact.

Wat betekent een continue herhaalde strategie

De uitspraak “Een continue herhaalde strategie is echte planning” klinkt misschien erg technisch, maar voor kunstenaars is het verrassend praktisch te gebruiken. Het betekent daar simpelweg dat je niet één keer een plan maakt en dat vervolgens uitvoert. Het betekent dat je voortdurend leert van wat je doet. En dat je je aanpak daarop aanpast.

In plaats van te streven naar perfectie vooraf, werk je in cycli: Je probeert iets. Je kijkt wat er gebeurt. Je stuurt bij. Dit maakt een planning geen bron van beperking, maar maakt die juist meer dynamisch en creatief.

Waarom één plan nooit genoeg is

Veel creatieve makers investeren veel tijd in het bedenken van een ‘perfect’ plan. Ze zoeken bijvoorbeeld naar een ideale expositie, een waterdichte marketingstrategie of een strak uitgewerkte lancering van een nieuw product.

Maar de werkelijkheid is veranderlijk. Publiek reageert vaak heel anders dan dat je vooraf zou verwachten. Trends verschuiven. Platforms veranderen. Techniek verandert razendsnel en vaak onverwacht. Wat gisteren nog prima werkte, kan morgen irrelevant zijn.

Daarom is een eenmalig plan beslist onvoldoende. Echte planning leeft. Het is flexibel, het buigt mee, het beweegt mee met alles wat er gebeurt. En juist daarin ligt de kracht van een goede planning gebaseerd op een strategie.

Iteratie als een soort creatieve motor

Iteratie betekent herhalen met steeds een nieuwe, vaak kleine verbetering. Het is de kern van elk creatief proces.

Denk aan hoe je werkt in je atelier. Je maakt schetsen, probeert technieken, past details aan. Je eerste versie is zelden je beste versie.

Waarom zou je strategie anders werken?

Wanneer je je promotie, positionering en verkoop op dezelfde manier benadert, namelijk dat je steeds iets verder verfijnt, ontstaat er op den duur een uiterst krachtig systeem. Je leert wat werkt voor jouw publiek, jouw stijl en jouw doelen.

De kunstenaar die stopte met wachten op perfectie

Thomas wilde een succesvolle expositie organiseren. Hij had een visie, ideeën en veel mooie plannen, maar hij bleef hangen in de eeuwigdurende voorbereiding. Want alles moest kloppen voordat hij naar buiten trad.

Weken gingen voorbij. Maanden gingen voorbij.

Op een dag besloot Thomas het anders te doen. Hij organiseerde een kleine, eenvoudige presentatie van zijn werk. Niet perfect, maar wel echt.

De opkomst was bescheiden, maar de reacties waren waardevol. Bezoekers vertelden wat hen raakte en wat niet.

Thomas paste zijn werk aan. Zijn presentatie. Zijn verhaal.

Zijn volgende expositie was al veel beter. En de volgende groeide kwalitatief nog veel verder.

Na een jaar had hij niet alleen zijn succesvolle tentoonstelling, maar ook een helder inzicht in wat zijn publiek nu eigenlijk waardeerde.

Niet omdat hij het vooraf allemaal al wist. Maar omdat hij bleef zoeken en herhalen. En er zo goed achter kwam waar het publiek naar zocht.

Toepassing voor kunstenaars

Steeds weer herhaalde strategie kun je direct toepassen in je werk en je promotie:

Test verschillende manieren om je werk te presenteren;
Experimenteer met hoe je je verhaal vertelt;
Analyseer welke werken veel aandacht krijgen van je publiek.

Pas je communicatie aan op basis van reacties

Elke actie is een experiment;
Elke reactie geeft je waardevolle feedback;
En elke aanpassing brengt je dichter bij wat werkt.

Planning als groeiproces

Zie je planning niet als een route die je vastlegt, maar als een proces dat je begeleidt.

Goed plannen lijkt op navigeren met een kompas in plaats van met een vaste kaart. Je weet in grote lijnen wel waar je naartoe wilt, maar je past je koers steeds aan op basis van de omstandigheden die je onderweg tegenkomt.

Dit helpt je om:

Flexibel te blijven in een veranderende markt;
Betere keuzes te maken op basis van ervaring;
Geleidelijk een sterke, persoonlijke strategie te ontwikkelen.

Voor kunstenaars is dit essentieel. Want jouw pad is net zo uniek als je kunst en dus kan geen enkel standaardplan volledig kloppen.

Structuur als vrijheid

Veel kunstenaars ervaren planning als een beperking. Maar een iteratieve strategie doet juist het tegenovergestelde.

Omdat je weet dat je altijd mag of zelfs moet bijsturen, hoeft je werk niet meteen perfect te zijn. Dat verlaagt de druk voor jou enorm.

Je geeft jezelf toestemming om meer te experimenteren. Om volop fouten te maken. En om te groeien. Ook door die fouten.

En juist die ruimte maakt je werk sterker en authentieker.

Hoe ontwikkel je een iteratieve strategie

Je hoeft niet groots te beginnen. Sterker nog, klein beginnen werkt vaak zelfs beter.

Na elke actie stel je jezelf drie vragen:

Wat werkte goed;
Wat werkte niet;
Wat ga ik de volgende keer anders doen.

Door deze cyclus te herhalen, ontwikkel je vanzelf een strategie die aansluit bij jouw manier van werken en jouw publiek.

De link met promotie en verkoop

Veel kunstenaars zoeken naar dé marketingstrategie die werkt. Maar die bestaat niet in een vaste vorm.

Wat wel bestaat, is een proces waarmee je ontdekt wat voor jou werkt.

Door continu te testen en aan te passen:

Word je zichtbaarder;
Leer je je publiek beter kennen;
Verbeter je je communicatie;
Vergroot je je kans op verkoop.

Met andere woorden: Iteratie is niet alleen een creatieve techniek, maar ook een goede marketingstrategie.

Herhaling is geen falen maar een vorm van groei

Herhalen voelt soms als stilstaan. Alsof je niet meer vooruitkomt.

Maar in werkelijkheid bouw je wel degelijk iets op. Elke iteratie voegt weer nieuwe kennis toe. Elke aanpassing maakt je weer een stuk sterker.

Succesvolle kunstenaars herhalen iets niet omdat ze dat moeten, maar omdat ze maar al te goed begrijpen dat in die herhaling de sleutel ligt tot verdere groei.

Wil jij als kunstenaar niet langer afhankelijk zijn van toeval? Wil je een strategie ontwikkelen die meegroeit met jouw werk en ambities? Verdiep je dan in de technieken achter iteratie, positionering en vormen van creatieve marketing. En ontdek hoe je stap voor stap een aanpak bouwt die niet alleen werkt, maar ook blijft werken. Blijf steeds testen, blijf bijleren en ontwikkel een systeem dat jouw kunst én verkoop structureel versterkt.

Mei kleurt rood. En ik wens iedereen een fijn weekend toe. Maandag gaan we zien wat er dan wel zo rood gekleurd is.

Colofon

Bijdragen

Bij belangstelling of vragen kun je altijd contact met me opnemen en dan kijk ik graag samen met jou wat er mogelijk is. En dat is wat mij betreft best veel.

Jetje's dag is op vele manieren te bereiken:

Jetje's dag is op mijn eigen Facebook en enkele pagina's

Al mijn foto's uit Jetje's dag staan ook op Pinterest

Kleinere berichten, foto's, kunstwerken etc. staan op een eigen blog

Zoekt u een begrip uit de kunst? Een kunstenaar? Een kunststroming?Klik hier, al wordt er nog druk aan gewerkt

Meer onderwerpen vinden? Gebruik Jetje's index!

30 april 2026 | Nr. 513 | een plotselinge melding

2026-04-30T07:50:49.574+02:00

30 april 2026 | Nr. 513 | Een plotselinge melding

Jetje aan het woord

Goedemorgen allemaal op deze mooie dag vol mogelijkheden en nieuwe kansen

Soms krijg je wel eens een boodschap of melding waarvan je even van bij moet komen. "Uw bijdrage past niet in onze community en daarom is uw account voor een maand geblokkeerd." Wie op social media zit en zich met kunst, modelwerk of fotografie bezig houdt, kent dit soort meldingen maar al te goed.

Vaak is het zelfs een volslagen raadsel waar deze meldingen op gebaseerd zijn en meer uitleg krijgen lukt je meestal ook niet.

Maar als bijvoorbeeld jouw verkoop op die social media gebaseerd is, ben je er wel mooi klaar mee. Alles ligt gewoon stil. In een maand stilstand loop je dan een grote kans dat je klanten naar de concurrentie gaan, dus al met al kan de schade aanzienlijk zijn.

En dan komt een dergelijke melding inderdaad keihard binnen.

Jullie Jetje

Samenvatting van vandaag:

		1. Jetje krijgt een schrikmoment;
		2. Eén andere zin kan alles op zijn kop zetten;
		3. Vrijheid is ook voor een kunstenaar uiterst belangrijk.

Wanneer een simpele melding je hele kunstenaarspraktijk op zijn kop zet

Wat als één onverwachte melding niet alleen je dag verstoort, maar je hele kijk op promotie, verkoop en de waarde van je kunst verandert? Voor veel kunstenaars ligt precies daar de verborgen omslag naar groei en inzicht.

In het kort:

Een onverwachte melding kan bij kunstenaars niet alleen emotionele stress veroorzaken, maar ook een strategisch kantelpunt worden dat inzicht geeft in hoe kwetsbaar of afhankelijk hun huidige manier van verkopen, zichtbaarheid en online aanwezigheid werkelijk is, in een steeds maar weer veranderende kunstmarkt.

Door het analyseren van schijnbaar negatieve of verwarrende meldingen ontstaat vaak een kans om marketing, positionering en publieksbenadering opnieuw te structureren, waardoor kunstenaars hun werk sterker kunnen verbinden met een doelgroep die echt waarde ziet in hun creatieve verhaal en stijl.

Het verhaal van de kunstenaar Mila laat zien dat een moment van verwarring door een melding uiteindelijk kan uitgroeien tot een nieuw zakelijk model waarin kunst, storytelling en marketing samenkomen en leiden tot meer stabiliteit en professionele groei in haar carrière.

Onverwachte realiteit van digitale meldingen

Voor veel kunstenaars is de digitale wereld een noodzakelijke, maar soms knap verwarrende ruimte waar ze wel behoorlijk afhankelijk van zijn geworden. Meldingen van internetplatforms, galeries of verkoopkanalen kunnen variëren van inspirerend tot ronduit verontrustend. Denk aan een plotselinge daling in je bereik, een afgewezen werk, of een accountmelding die allerlei onduidelijkheden veroorzaakt. Wat vaak uiteindelijk wordt gezien als een technisch detail, blijkt in werkelijkheid een signaal over hoe afhankelijk een kunstenaar is geworden van digitale systemen die hij of zij niet volledig, of soms zelfs helemaal niet onder controle heeft.

De verborgen impact op je kunstenaarspraktijk

Wanneer er een melding binnenkomt waar “je van bij moet komen,” zoals een plotselinge waarschuwing of verlies van zichtbaarheid, raakt dit direct aan de kern van je kunstenaarspraktijk:

Waardering en zichtbaarheid

Veel kunstenaars realiseren zich op zo’n moment dat hun werk niet alleen creatief, maar ook strategisch gepositioneerd moet worden. Niet om het commerciële karakter te overheersen, maar om de autonomie van hun praktijk te beschermen, zoals ook Mila ontdekte.

Mila en de verdwenen zichtbaarheid

Mila, een schilder uit een kleine kustplaats, ontving op een ochtend een melding dat haar online portfolio “tijdelijk nog maar beperkt zichtbaar” was door een algoritmische wijziging. In eerste instantie voelde het alsof haar werk letterlijk verdwenen was. Geen reacties meer, geen nieuwe aanvragen, alleen een diepe stilte.

In plaats van in paniek te raken, besloot ze het anders te benaderen. Ze onderzocht hoe haar eerdere verkopen tot stand kwamen en ontdekte dat bijna al haar zichtbaarheid afhankelijk was van maar één online platform. Dat inzicht deed pijn, maar bracht haar ook een stukje helderheid. Ze begon haar werk anders te presenteren, bouwde een eigen nieuwsbrief op en vertelde haar verhalen achter de schilderijen veel explicieter. Binnen enkele maanden groeide haar publiek opnieuw, maar nu wel op haar eigen voorwaarden en onder haar eigen controle en beheer.

Wat deze ervaring duidelijk maakte, was niet de fout van het systeem, maar de kwetsbaarheid van afhankelijkheid. De melding werd geen blokkade, maar een startpunt.

Van een schrikmoment naar een nieuwe strategie

Voor kunstenaars is dit de kern: Een onverwachte melding kan ook fungeren als een spiegel. Het laat zien waar je zwakke plekken liggen in je promotie, marketing en publieksopbouw. Wie deze signalen leert te lezen, kan ze daarna omzetten in strategische keuzes. Denk aan het nog meer spreiden van je verkoopkanalen, het versterken van de directe relaties met je kopers en het verder bouwen aan een eigen merkverhaal.

De waarde van inzicht en positionering

In de huidige kunstwereld die met de dag steeds digitaler wordt, is het beslist niet langer voldoende om alleen kunst te maken. Zichtbaarheid is een strategische onderdeel van je kunstpraktijk geworden. Dat betekent niet dat kunst commercieel moet worden, maar wel dat de kunstenaar bewuster mag omgaan met hoe zijn of haar werk online de wereld in gaat. Een melding die eerst als storend aanvoelde, kan zo een belangrijke richtingaanwijzer worden.

Wil jij als kunstenaar begrijpen hoe je dit soort signalen kunt omzetten in krachtige marketing, betere verkoop en meer grip op je eigen kunstpraktijk? Ontdek dan hoe je jouw creatieve werk strategisch kunt positioneren zonder je artistieke vrijheid te verliezen en bouw aan een toekomst waarin jij de regie houdt.

Wanneer een eenvoudige uitspraak je hele kunstenaarspraktijk uit een andere hoek laat zien

Wat als één zin van Ernest Hemingway jouw manier van werken, verkopen en denken als kunstenaar volledig kan verschuiven? Niet door harder te werken, maar door anders te kijken naar wat er al is in plaats van wat ontbreekt.

In het kort:

Veel kunstenaars raken verstrikt in een gevoel van tekort, waarbij ze denken dat ze meer middelen, meer bereik of meer perfectie nodig hebben om serieus genomen te worden. En dat terwijl juist het herwaarderen van wat al aanwezig is kan leiden tot sterkere positionering, betere verkoop en een duidelijkere artistieke identiteit in een overvolle kunstmarkt.

De gedachte van Hemingway dat je moet kijken naar wat je kunt doen met wat er is, blijkt in de praktijk een krachtige marketingstrategie te zijn voor kunstenaars die worstelen met hun zichtbaarheid, omdat het leidt tot creatiever gebruik van bestaande netwerken, verhalen en werk in plaats van eindeloos zoeken naar nieuwe externe kansen die vaak onzeker blijven.

In het fictieve verhaal van kunstenaar Jonas wordt duidelijk hoe een gevoel van stilstand verandert in groei wanneer hij stopt met focussen op wat ontbreekt en begint met het herontdekken van zijn bestaande werk, zijn publiek en zijn persoonlijke verhaal, wat uiteindelijk leidt tot een nieuwe manier van verkopen en communiceren.

Wanneer denken in termen van tekorten de kunstenaar blokkeert

Veel kunstenaars kennen het gevoel: Er is nooit genoeg. Niet genoeg tijd, niet genoeg geld, niet genoeg zichtbaarheid. Niet genoeg klanten. Dit denken in termen van tekorten kan zeer verlammend werken. Het zorgt ervoor dat kunstenaars maar blijven zoeken naar de volgende stap, terwijl de huidige stap nog niet volledig benut is. Ernest Hemingway verwoordde een tegengesteld perspectief in zijn beroemde boek The Old Man and the Sea:

“Now is no time to think of what you do not have. Think of what you can do with what there is.”

Voor kunstenaars is dit geen romantische gedachte, maar is het vaak een praktische strategie.

De verborgen waarde van wat je al hebt

In plaats van te focussen op de nog ontbrekende middelen, kunnen kunstenaars ook kijken naar hun bestaande werk, netwerk en verhaal. Vaak ligt daar ook al de nodige onbenutte kracht. Een oud werk kan opnieuw worden gepositioneerd, een eerder verhaal kan een nieuw publiek aanspreken en een klein netwerk kan worden verdiept in plaats van uitgebreid. Dit is geen beperking, maar een verschuiving van focus. En juist die verschuiving maakt marketing en verkoop minder geforceerd en meer organisch.

Jonas en het atelier dat volledig stil leek te staan

Jonas, een beeldend kunstenaar, zat in een periode waarin niets meer leek te bewegen. Zijn werk verkocht nauwelijks en hij voelde zich steeds afhankelijker van externe kansen die alleen niet kwamen. Hij overwoog zelfs om zijn stijl van werken volledig te veranderen.

Op een avond las hij de uitspraak van Hemingway. Hij bleef hangen bij de zin over wat je kunt doen met wat er is. Hij keek om zich heen in zijn atelier en zag niet mislukking, maar een archief van jaren werk, experimenten en heel veel onafgemaakte ideeën.

De volgende weken veranderde hij niets aan zijn werkstijl, maar wel aan zijn benadering. Hij begon oude werken opnieuw te fotograferen, vertelde het verhaal achter elk werk en deelde dit in kleine series online. Hij gebruikte zijn bestaande netwerk en stuurde persoonlijke berichten naar mensen die eerder interesse hadden getoond.

Binnen korte tijd begon er iets te verschuiven. Niet omdat hij nog meer maakte, maar omdat hij beter liet zien wat er al een hele tijd was. Zijn werk kreeg meer context, zijn verhalen kregen richting en zijn publiek voelde zich meer verbonden.

Van tekort naar strategie

Het verhaal van Jonas laat zien dat groei niet altijd begint bij iets nieuws. Soms begint het bij herwaardering. Voor kunstenaars betekent dit dat marketing niet alleen gaat over zichtbaarheid creëren, maar ook over betekenis verdiepen. Door te werken met wat al bestaat, ontstaat een realistischer en duurzamer model. Niet gebaseerd op constante productie, maar op slimme herpositionering en het vormen van verhalen.

De kracht van herinterpretatie

Wat je al hebt, kan op meerdere manieren gelezen worden. Een werk is niet alleen een object, maar ook een verhaal, een ervaring en een brug naar een publiek. Door dit te herkennen, verandert de manier waarop kunstenaars zichzelf presenteren. Dit is waar kunst en marketing elkaar raken: Niet in meer maken, maar in beter laten zien wat er al is.

Wil jij ontdekken hoe je jouw bestaande werk, verhaal en netwerk kunt omzetten in een krachtige strategie voor zichtbaarheid en verkoop zonder jezelf te verliezen in eindeloze productie? Leer hoe je met minder nieuwe input juist voor meer impact kunt zorgen als kunstenaar.

Richt je leven in op vrijheid in plaats van op je titel als kunstenaar

Veel kunstenaars richten zich op erkenning, titels en status, terwijl de echte doorbraak vaak ontstaat wanneer je je werk en keuzes juist afstemt op het leven dat je wilt leiden. Niet op hoe je gezien wilt worden, maar op hoe je daadwerkelijk wilt leven en werken als maker.

In het kort:

• Veel kunstenaars bouwen hun strategie rond een titel of imago, terwijl duurzame groei juist ontstaat wanneer je keuzes baseert op het gewenste dagelijkse leven, ritme en mentale ruimte die je nodig hebt om werk te maken dat echt bij je past en verkocht kan worden.

• Door je artistieke praktijk te ontwerpen rond lifestyle-opties zoals tijd, focus, inkomstenmix en werkvormen, ontstaat er meer creatieve vrijheid, minder stress en vaak juist een sterker en consistenter oeuvre dat beter aansluit bij je publiek en je markt.

• Het verschuiven van “Wie wil ik zijn?” naar “Hoe wil ik leven en werken?” helpt kunstenaars betere zakelijke beslissingen te nemen, betere grenzen te stellen en strategieën te ontwikkelen die niet alleen de ambitie blijven voeden, maar ook vol te houden zijn op lange termijn.

De valkuil van de titel als kunstenaar

Veel kunstenaars beginnen met een sterk beeld van wie ze willen zijn: Een bekende schilder, een gevierde illustrator, een succesvolle galeriekunstenaar. Dat klinkt op zich natuurlijk wel logisch, maar het probleem is dat een titel zelden uitlegt hoe je daar komt of wat het je in je dagelijks leven kost.

De zin “Optimize for your desired lifestyle, not your desired title” raakt precies dit punt. Het gaat niet om de vraag hoe je jezelf noemt, maar om de vraag hoe je je dagen wilt vullen. Wil je vrijheid om te experimenteren? Wil je stabiliteit in je inkomen? Wil je veel reizen of heb je liever een vaste studio?

Wanneer die vragen helder zijn, wordt je artistieke strategie automatisch concreter, zoals in dit verhaal van een kunstenaar die alleen een titel wilde

Het verhaal van Lena

Lena was een jonge kunstenaar die zichzelf altijd voorstelde als “galeriekunstenaar.” Dat klonk professioneel en ambitieus. Ze werkte lange dagen, stuurde werk naar elke open call en paste haar stijl voortdurend aan, aan wat volgens haar “in galeries werkte.”

Toch voelde ze zich steeds leger worden. Haar werk verloor richting en haar energie ook.

Op een dag ontmoette ze een oudere kunstenaar, Malik, die haar vroeg: “Wat wil je dat je leven doet, niet alleen je werk?”

Ze wist het niet meteen.

Malik vertelde haar dat hij ooit precies hetzelfde had gedaan: Jagen op status. Tot hij besefte dat hij eigenlijk vrijheid wilde om drie maanden per jaar te kunnen reizen en de rest van de tijd geconcentreerd in zijn atelier te werken, zonder de constante druk van allerlei externe verwachtingen. Hij bouwde zijn praktijk opnieuw op rond dat nieuwe leven. Niet meer rond het nastreven van een titel.

Lena besloot hetzelfde te doen. Ze stopte met het najagen van elke tentoonstelling en begon te ontwerpen hoe haar ideale werkweek eruitzag: Drie dagen van diep geconcentreerd werk, twee dagen meer commercieel werk en meer ruimte om te leren en te kunnen experimenteren.

Binnen een jaar veranderde niet alleen haar ritme, maar ook haar werk. Het werd consistenter, herkenbaarder en uiteindelijk ook beter verkoopbaar.

Waarom dit denken in lifestyle je kunst sterker maakt

Wanneer je je artistieke praktijk inricht rond je leven, ontstaan er drie belangrijke verschuivingen:

1. Je krijgt betere grenzen die je goed afbakent. Je zegt vaker "nee" tegen projecten die bij jou niet passen, waardoor je nu energie overhoudt voor werk dat er echt toe doet.

2. Je werk wordt consistenter. Niet omdat je harder werkt, maar omdat je ritme stabieler wordt.

3. Je gaat strategischer denken. Je kiest niet langer vanuit angst of status, maar vanuit duurzaamheid.

Van ambitie naar ontwerp

Ambitie is zeker belangrijk, maar zonder ontwerp blijft het vaak te abstract. Door je leven als uitgangspunt te nemen, wordt je kunstenaarschap iets dat je actief bouwt in plaats van iets dat je hoopt te bereiken.

De vraag verschuift

De vraag verschuift van “Hoe word ik succesvol kunstenaar?” naar: “Hoe ziet een leven eruit waarin mijn kunst kan groeien én waarin ikzelf goed functioneer?” Dus wil je als kunstenaar niet alleen beter werk maken, maar ook een praktijk opbouwen die klopt met je leven, je energie en je inkomsten? Verdiep je dan in strategieën voor artistieke marketing, positionering en duurzame verkoopmodellen die verder gaan dan alleen zichtbaarheid.

Ik ga maar eens lekker blauw glitteren.

Colofon

Bijdragen

Bij belangstelling of vragen kun je altijd contact met me opnemen en dan kijk ik graag samen met jou wat er mogelijk is. En dat is wat mij betreft best veel.

Jetje's dag is op vele manieren te bereiken:

Jetje's dag is op mijn eigen Facebook en enkele pagina's

Al mijn foto's uit Jetje's dag staan ook op Pinterest

Kleinere berichten, foto's, kunstwerken etc. staan op een eigen blog

Zoekt u een begrip uit de kunst? Een kunstenaar? Een kunststroming?Klik hier, al wordt er nog druk aan gewerkt

Meer onderwerpen vinden? Gebruik Jetje's index!

29 april 2026 | Nr. 512 | Jetje gebruikt her

2026-04-29T07:02:28.776+02:00

29 april 2026 | Nr. 512 | Jetje gebruikt her

Jetje aan het woord

Goedemorgen allemaal op deze mooie dag vol mogelijkheden en nieuwe kansen

Soms kan het werken met combinaties van oud en nieuw verbazende effecten opleveren. We zien dat hergebruik bijvoorbeeld terug in het werken met kleding, zoals in de foto's van vandaag. Maar je komt ook verrassende kunstwerken tegen die met oude en nieuwe delen zijn opgebouwd. Vooral bij collages wil je dit nog wel eens tegenkomen.

In het laatste artikel van vandaag komen we ook nog met een aantal suggesties waar je als kunstenaar rond kan snuffelen naar bruikbaar materiaal. En voor kleding zijn er tegenwoordig vele 'tweedehands" kledingzaken te vinden, vaak onder namen als 'vintage kleding' en dergelijke. Ook leuk om eens in rond te snuffelen.

Jullie Jetje

Samenvatting van vandaag:

		1. Jetje slaat aan het hergebruiken;
		2. Hard werken is prima. zolang je het in de juiste richting doet;
		3. Leuk, kunst van oude spullen, maar hoe kom je er aan?

Waarom het combineren van oud en nieuw jouw kunst onverwacht kan versterken

Wat als jouw meest verrassende en vernieuwende werk niet ontstaat door iets volledig nieuws te maken, maar juist door het gedurfde combineren van iets dat al bestaat met wat nog onbekend is? Voor nieuwsgierige en leergierige kunstenaars ligt in hergebruik van oude materialen een creatieve én strategische kans, die je werk, je stijl en je verkoop verder kan verdiepen.

In het kort:

We hebben het over het combineren van oude en nieuwe elementen in de kunst, zoals bij het hergebruik van eerder verwerkte materialen en nieuwe lagen over eerdere werken. Het mixen van bestaande en nieuwe concepten, kan leiden tot onverwachte visuele effecten met inhoudelijke diepte. Dit zal je unieker en herkenbaarder gaan maken in de zeer competitieve kunstmarkt.

Kunstenaars die durven te experimenteren met het herinterpreteren van bestaand werk ontwikkelen vaak sneller een eigen signatuur, omdat het proces van hergebruik en omnzetten leidt tot een rijkere gelaagdheid en een sterker verhaal achter hun creaties.

Door het principe los te laten dat alles altijd nieuw moet zijn, ontstaat er meer vrijheid, minder druk en veel meer ruimte voor intuïtieve keuzes. Iets wat uiteindelijk niet alleen de artistieke kwaliteit verhoogt, maar ook de aantrekkingskracht op kopers en galerieën versterkt.

De kracht van hergebruik in de kunst

In de kunstwereld wordt originaliteit vaak gekoppeld aan het maken van iets volledig nieuws. Maar innovatie zit niet altijd in het starten vanaf nul. Soms zit het juist in het herzien, hergebruiken en herinterpreteren van bestaand materiaal.

Oude materialen, eerdere werken of zelfs al bestaande ideeën kunnen een volledig nieuw leven krijgen wanneer je ze durft te combineren met iets nieuws. Dit proces zorgt voor lagen in je kunst. En lagen zorgen voor meer diepte.

Nieuwe betekenis door oude elementen

Wanneer je iets ouds gebruikt als onderdeel van een nieuw werk, verandert de betekenis ervan.

Een oud schilderij dat deels wordt overgeschilderd krijgt een nieuwe context.

Een gedragen kledingstuk dat wordt verwerkt in een kunstobject vertelt een nieuw verhaal.

Het oude verdwijnt daarmee niet, maar wordt wél een onderdeel van iets heel nieuws.

En juist die spanning tussen oud en nieuw maakt het geheel zo interessant. Laten we eens gaan kijken in het atelier van Noor.

Het atelier van Noor

Noor was een kunstenaar die altijd begon met schone doeken, zo uit het cellofaan en nieuwe materialen. Alles moest fris en onbeschreven zijn.

Maar ze voelde dat haar werk soms vlak bleef.

Op een dag keek ze naar een oud schilderij dat ze ooit had gemaakt en niet meer goed vond. In plaats van het weg te gooien, besloot ze het anders te benaderen.

Ze begon er weer op te schilderen. Niet om het iets aan te passen of te herstellen, maar om het volledig om te zetten naar iets nieuws.

In de eerste instantie voelde dat vreemd. Alsof ze iets kapot maakte. Maar na verloop van tijd gebeurde er iets bijzonders. De oude lagen begonnen door te schijnen in het nieuwe werk. Er ontstond meer diepte, het werk kreeg een zichtbare geschiedenis en er ontstond een vorm van spanning.

Mensen die haar werk zagen, vroegen naar de verhalen achter de lagen. Noor ontdekte daardoor dat haar sterkste werk niet zomaar uit het niets tevoorschijn kwam, maar uit het durven combineren van verleden en heden.

Durven als een belangrijkste factor

Het combineren van oud en nieuw vraagt niet alleen om de nodige creativiteit, maar vooral om veel moed. Moed om los te laten dat iets perfect moet blijven. Moed om te experimenteren zonder zekerheid. Moed om het onverwachte toe te laten.

Veel kunstenaars houden graag vast aan controle. Maar echte vernieuwing ontstaat vaak pas wanneer je die controle wat meer loslaat.

Gelaagdheid als artistieke kracht

Werken met oud en nieuw zorgt automatisch voor gelaagdheid.

Die lagen kunnen bijvoorbeeld:

Visueel zichtbaar zijn;

Emotioneel voelbaar zijn;

Conceptueel betekenis geven.

Een sterk gelaagd werk nodigt kijkers uit om langer te blijven kijken en dieper te gaan bij pogingen om het werk te begrijpen. En dat maakt het werk dan weer een stuk waardevoller.

De link met identiteit en stijl

Door hergebruik en combinatie van oud en nieuw ontwikkel je vaak sneller een herkenbare stijl.

Omdat je werk:

Een geschiedenis bevat;

Een persoonlijke signatuur krijgt;

Minder voorspelbaar wordt.

Dit maakt je werk uniek in een markt vol nieuwe, maar vaak vergelijkbare creaties.

Minder druk, meer vrijheid

Een belangrijk voordeel van deze werkwijze is dat je meer mentale ruimte krijgt. Want als je niet constant weer iets nieuws hoeft te bedenken, verdwijnt een deel van de druk die dat met zich meebrengt.

Je kunt:

Experimenteren zonder angst;

Fouten gebruiken als onderdeel van je werk;

Intuïtiever werken.

Dit zorgt vaak voor meer creatieve vrijheid.

Wat dit betekent voor verkoop en zichtbaarheid?

Unieke en gelaagde werken vallen sneller op. Galerieën en kopers zijn vaak op zoek naar werk dat:

Een verhaal vertelt;

Diepte heeft;

En onderscheidend is.

Door oud en nieuw met elkaar te combineren, realiseer je precies dat effect.

Vernieuwing zit vaak in opnieuw uitvinden

Innovatie betekent niet altijd iets volledig nieuws maken. Soms betekent het iets bestaands opnieuw durven zien. Door oud en nieuw te combineren in je werk, ontstaat er een rijkere, diepere en persoonlijkere vorm van kunst. En juist dat maakt die kunst zo krachtig.

En dat geldt zowel artistiek als commercieel. Dus wil jij als kunstenaar leren hoe je met creatieve strategieën zoals hergebruik, gelaagdheid en storytelling jouw werk sterker maakt én beter verkoopt? Ontdek hoe je jouw artistieke proces kunt verdiepen en je zichtbaarheid kunt vergroten.

Waarom harder werken als kunstenaar pas werkt als jij je richting weet

Wat als jouw gevoel dat je “harder moet werken” juist de reden is dat je niet vooruitkomt als kunstenaar? Voor nieuwsgierige en leergierige kunstenaars ligt hier een belangrijk inzicht: Niet méér doen is de oplossing. Maar beter gericht werken werkt wel. Richting is belangrijk.

In het kort:

Harder werken zonder duidelijke richting leidt vaak tot uitputting, frustratie en weinig resultaat, omdat veel van je energie wordt gestoken in activiteiten die in het geheel niet bijdragen aan enige zichtbaarheid, verkoop of artistieke groei.

Kunstenaars die eerst helder gaan bepalen waar ze naartoe willen, maken bewustere keuzes in hun werk, marketing en besteding van hun tijd, waardoor elke inspanning effectiever wordt en sneller leidt tot herkenbare vooruitgang.

Richting geeft focus en focus maakt dat zelfs kleine inspanningen een cumulatief effect krijgen, wat uiteindelijk zorgt voor steeds sterkere kunst, betere positionering en meer verkoopkansen.

Wat is nu de beste richting?

De valkuil van harder werken

Veel kunstenaars geloven dat succes vooral draait om harder werken. Meer uren maken, meer werk produceren, meer posten en meer proberen.

Maar harder werken zonder richting leidt zelden tot echte vooruitgang. Het voelt productief, maar is vaak een vorm van beweging zonder bestemming. Je bent bezig, maar je komt niet dichter bij een duidelijk doel.

Waarom richting belangrijker is dan snelheid

Werken zonder richting is als schilderen zonder compositie. Je maakt allerlei bewegingen, maar geen beeld dat klopt.

Wanneer je weet waar je naartoe wilt:

Worden je keuzes eenvoudiger;

Wordt je werk consistenter;

Krijgt je strategie meer helderheid.

Richting bepaalt wat relevant is en wat afleiding is

En dat verschil is cruciaal zoals het verhaal van Sam ons wel laat zien.

Het verhaal van Sam

Sam was zo'n kunstenaar die altijd heel druk was. Sam werkte lange dagen, maakte veel werk en was constant bezig met nieuwe ideeën.

Toch voelde Sam dat hij nergens echt kwam.

Zijn werk veranderde steeds van stijl. Zijn online aanwezigheid was onduidelijk. En verkopen bleven uit.

Op een dag stelde een mentor hem één simpele vraag: “Weet je eigenlijk waar je naartoe werkt?” Sam kon die vraag niet goed beantwoorden. Maar dat moment werd wel een keerpunt.

Sam besloot te stoppen met “alles doen” en begon eerst eens na te denken over zijn richting.

Hij koos één stijl.

Hij koos één doelgroep.

Hij koos één verhaal.

In het begin voelde het knap vreemd en beperkend. Het voelde eerst als het hebben van minder vrijheid. En of er daarom minder experimenten toegestaan waren.

Maar na enkele maanden begon er toch iets te veranderen.Zijn werk bleek beter herkenbaar te worden. Het bleef hangen bij de mensen. Zijn publiek groeide. Galerieën begonnen interesse te tonen. En niet omdat hij harder was gaan werken, maar omdat hij nu doelgerichter werkte.

Sam ontdekte geleidelijk aan dat werken in de juiste richting belangrijker was dan het leveren van veel inspanning.

De illusie van productiviteit

Veel kunstenaars verwarren bezig zijn met vooruitgang. Maar niet alle activiteit is waardevol.

Zonder richting kan hard werken leiden tot:

Te veel losse projecten;

Gebrek aan consistentie;

Verwarring bij je publiek.

Het voelt aan alsof je heel veel doet, maar het resultaat blijft achter. Productiviteit zonder richting is vaak verspilde energie.

Wat betekent richting dan in de praktijk?

Richting betekent niet dat je vastzit. Het betekent dat je een keuze hebt gemaakt over waar je naartoe werkt.

Voor kunstenaars kan dat betekenen:

Een herkenbare stijl ontwikkelen;

Een duidelijk thema onderzoeken;

Een specifieke doelgroep aanspreken.

Het gaat niet om beperking, maar om focus.

Focus als versneller

Wanneer je richting hebt, wordt het vinden van de juiste focus een stuk makkelijker.

Je hoeft minder aan de te volgen route te twijfelen. Je zult minder gaan springen tussen je ideeën. En dat helpt om minder energie te verspillen.

Elke actie draagt bij aan hetzelfde doel en dat zorgt we voor een cumulatief effect:

Je werk wordt sterker;

Je zichtbaarheid groeit;

Marketing begint bij richting.

Ook marketing wordt eenvoudiger wanneer je richting hebt. Want bedenk dat zonder richting:

Je boodschap wat vaag is;

Je stijl veel te vaak wisselt;

Weet je publiek niet wat ze kunnen verwachten.

Met richting:

Wordt je verhaal helder;

Kun je consistent communiceren;

Bouw je herkenbaarheid op.

Marketing is dus geen los onderdeel, maar een verlengstuk van je artistieke richting.

Hard werken versus slim werken

Hard werken zonder richting is zoiets als rennen zonder de route te weten.

Slim werken betekent:

Eerst bepalen waar je heen wilt;

Daarna je energie richten op dat doel;

Onnodige acties vermijden.

Het risico van richtingloos aan de gang gaan

Het verschil tussen hard en slim werken zit hem niet in de inspanning, maar in de focus.

Richting bepaalt uiteindelijk je resultaat.

Harder werken is niet altijd de oplossing.

Zonder richting leidt het vaak tot verwarring en stagnatie.

Met meer richting wordt elke inspanning krachtiger

Voor veel kunstenaars betekent dit dat succes niet alleen afhangt van wat je allemaal wel niet doet, maar vooral van waar je naartoe werkt. Dus wil jij als kunstenaar leren hoe je duidelijker je richting bepaalt en jouw energie omzet in betere kunst, sterkere marketing en meer verkoop? Ontdek dan hoe strategisch denken je creatieve groei versnelt en je positie in de kunstwereld versterkt.

De charme van kunst maken met oude spullen

Er zit iets bijzonders in werken met oude spullen. Objecten met een verleden dragen nu eenmaal een soort stille geschiedenis met zich mee: Denk aan krassen, verkleuringen, slijtage en gebruikssporen die je gewoon niet kunt faken. Voor kunstenaars is dat geen beperking, maar juist een bron van karakter. Waar nieuwe materialen vaak “neutraal” beginnen, brengen oude spullen meteen sfeer, spanning en betekenis in een werk.

Het mooie is dat je als maker niet alles zelf hoeft uit te vinden vanaf nul. Door te werken met wat al bestaat, ontstaat er een dialoog tussen oud en nieuw. Juist die combinatie zorgt vaak voor onverwachte composities, gelaagdheid en verhalen in je werk. En dat is iets waar verzamelaars en kijkers zich sterk toe aangetrokken voelen. Maar hoe komen we nu aan bruikbare en toch oude, karakteristieke spullen?

11 manieren om aan oude spullen te komen

1. Kringloopwinkels bezoeken
Kringloopwinkels zijn een goudmijn voor meubels, textiel, lijsten en kleine objecten met het nodige karakter.

2. Rommelmarkten en vlooienmarkten bezoeken
Op deze markten vind je vaak unieke stukken met duidelijke gebruikssporen en persoonlijke verhalen.

3. Vragen aan familie en vrienden
Vraag iedereen eens om op zolder te kijken. Oude kleding, meubels of vergeten objecten op zolder kunnen verrassend waardevol zijn voor kunstprojecten.

4. Online marktplaatsen zoals Marktplaats of Facebook Marketplace bezoeken
Mensen bieden hier regelmatig oude spullen gratis of goedkoop aan om maar ruimte in hun eigen omgeving te maken.

5. Opruimingen en verhuizingen in de buurt in de gaten houden
Bij verhuizingen worden vaak spullen aan de straat gezet die je gewoon mag meenemen.

6. Kledinginzamelpunten en textielbakken nakijken
Met toestemming kun je vaak bruikbaar materiaal ophalen of hergebruiken.

7. Met toestemming rondkijken in oude schoolgebouwen, werkplaatsen of ateliers
Soms worden daar oude materialen weggegooid die nog perfect zijn voor creatieve herinterpretatie.

8. Sloop- en bouwplaatsen bezoeken maar alleen legaal en veilig
Met toestemming kun je daar interessante materialen vinden zoals bijvoorbeeld hout, metaal of glas.

9. Ruilen met andere kunstenaars is voordelig voor beiden
Binnen creatieve netwerken worden vaak materialen uitgewisseld die voor de één overbodig zijn, maar die voor de ander waardevol kunnen zijn.

10. Afvalscheidings- en hergebruikcentra zoals milieustraten
Sommige locaties hebben hergebruikhoeken waar bruikbare spullen apart worden gezet.

11. Via speciale websites en Facebookgroepen

Dus sites en dergelijke waar herbruikbare materialen worden aangeboden.
Als je met deze bronnen werkt, verandert je manier van kijken. Je gaat niet meer denken in termen als “afval” of “oud,” maar vooral in mogelijkheden, verhalen en potentie.

Morgen ga ik mij maar eens verdiepen in de Spaanse likeur. Klinkt wel lekker!

Colofon

Bijdragen

Bij belangstelling of vragen kun je altijd contact met me opnemen en dan kijk ik graag samen met jou wat er mogelijk is. En dat is wat mij betreft best veel.

Jetje's dag is op vele manieren te bereiken:

Jetje's dag is op mijn eigen Facebook en enkele pagina's

Al mijn foto's uit Jetje's dag staan ook op Pinterest

Kleinere berichten, foto's, kunstwerken etc. staan op een eigen blog

Zoekt u een begrip uit de kunst? Een kunstenaar? Een kunststroming?Klik hier, al wordt er nog druk aan gewerkt

Meer onderwerpen vinden? Gebruik Jetje's index!

28 april 2026 | Nr. 511 | Jetje versterkt oranje

2026-04-28T07:30:34.486+02:00

28 april 2026 | Nr. 511 | Jetje gaat oranje versterken

Jetje aan het woord

Goedemorgen allemaal op deze mooie dag vol mogelijkheden en nieuwe kansen

Blauw is de tegenovergestelde kleur van oranje. De complementaire kleur, om het even formeel uit de kleurenleer te benoemen. De complementaire kleuren blauw en oranje versterken elkaar en dus heb ik blauw aangetrokken om al die mensen in het oranje nog wat meer resultaat van al hun inspanningen te laten hebben. Ze zullen dus beslist blij met mij zijn. Het verschijnsel dat uitersten elkaar versterken kent men in het Verre Oosten al jaren onder de naam Yin en Yang. Dus met mijn blauwe outfit ben ik gewoon heel goed bezig. Ja toch?

Lekker contrastje, nietwaar?

Jullie Jetje

Samenvatting van vandaag:

		1. Jetje in het blauw;
		2. Harder werken is niet altijd nodig;
		3. Oranje is een kleur met mogelijkheden.

Koningsdag en kunst:

Is dat een gemiste kans of verborgen goudmijn voor kunstenaars?

De één ziet Koningsdag als een feest van vrijheid, handel en creativiteit, terwijl de ander het liever vermijdt. Maar wat als juist deze verdeeldheid een mooie kans is voor kunstenaars? Voor nieuwsgierige makers die verder durven kijken dan de traditie, kan deze feestdag een verrassend krachtig moment zijn voor promotie en verkoop.

In het kort:

De verdeeldheid rondom Koningsdag weerspiegelt zich ook onder kunstenaars, maar juist deze gemengde houding zorgt voor ruimte voor onderscheid en biedt kansen om op een unieke manier zichtbaar te worden bij een breed publiek dat openstaat voor spontane aankopen.

De vrijmarkt wordt vaak onderschat als professioneel verkoopkanaal, terwijl het in werkelijkheid een laagdrempelige omgeving is waar kunstenaars direct contact hebben met kopers en waardevolle inzichten krijgen in hoe hun werk door het publiek wordt ervaren.

Door strategisch na te denken over presentatie, prijs en verhaal kunnen kunstenaars zelfs met oudere werken een nieuwe waarde creëren en hun positie versterken zonder afhankelijk te zijn van traditionele galerieën of online platforms.

De verdeeldheid rondom Koningsdag en wat dat betekent voor kunstenaars

Niet iedereen houdt van Koningsdag. Sommigen genieten van de drukte, de gezelligheid en de vrijmarkt, terwijl anderen het zien als chaos en oppervlakkigheid. Onder kunstenaars is die verdeling niet anders. Er zijn makers die het idee van hun werk op een kleedje verkopen bijna pijnlijk en gênant vinden, alsof het afbreuk doet aan hun artistieke waarde.

Maar deze gedachte verdient wel wat nuance. Want waar sommige kunstenaars nadrukkelijk afstand nemen, ontstaat juist ruimte voor anderen. Met name omdat niet elke kunstenaar zich wil mengen in deze toch wel erg informele markt, kan het voor degenen die dat wel durven doen, een kans zijn om eens flink op te vallen, ook voor een wat ander publiek.

De vrijmarkt als onderschat podium

De vrijmarkt wordt vaak gezien als een plek voor tweedehands spullen, oude boeken en vergeten objecten. Toch is het in essentie een van de meest directe vormen van handel: De maker en de koper staan letterlijk tegenover elkaar.

Voor kunstenaars betekent dit iets bijzonders. Geen galeriehouder, geen algoritme van social media, geen tussenpersoon die zijn commissie in de gaten houdt, alleen jij, je werk en je publiek. Dit directe contact biedt niet alleen verkoopkansen, maar ook feedback, gesprekken en verbinding.

Het idee dat kunst alleen in “serieuze” contexten verkocht kan worden, beperkt je mogelijkheden enorm. De vrijmarkt is misschien voor de kunstwereld niet traditioneel, maar dat maakt het niet minder waardevol.

Even een verhaal over Thomas en het kleedje

Thomas was een kunstenaar die jarenlang had geprobeerd via galerieën door te breken. Zijn werk werd beslist gewaardeerd, maar toch verkocht het nauwelijks. Toen een vriend hem voorstelde om mee te doen aan de vrijmarkt op Koningsdag, was hij in eerste instantie behoorlijk sceptisch en zag hij het meer als een geintje.

“Mijn werk hoort daar toch niet,” zei hij. Toch besloot hij het te proberen, al was het maar om de oude werken kwijt te raken die zich opstapelden in zijn atelier en maar lagen te verstoffen.

Op de dag zelf voelde hij zich ongemakkelijk. Zijn schilderijen lagen op een kleedje tussen speelgoed en oude grammofoonplaten. Maar al snel gebeurden er toch dingen die hij niet had verwacht. Mensen stopten, stelden vragen over de schilderijen die er lagen en stonden, raakten zijn werk aan en deelden hun interpretaties en mening.

Een vrouw kocht een schilderij omdat het haar deed denken aan een schilderij dat in haar jeugd bij haar ouders aan de wand hing. Een jonge man vroeg of Thomas ook opdrachten aannam. Aan het einde van de dag had hij niet alleen meer verkocht dan in maanden daarvoor, maar ook iets anders gewonnen: Inzicht.

Hij besefte dat zijn werk niet minder waard werd door de andere context. Integendeel, het werd een stuk toegankelijker. En toegankelijkheid bleek geen vijand van kwaliteit, maar een brug naar verbinding.

De psychologie van spontane aankopen

Op dagen zoals Koningsdag hebben mensen een totaal andere manier van denken. Ze zijn feestelijk en ontspannen, nieuwsgierig en staan open voor ongebruikelijke impulsen. Dit maakt de drempel om iets te kopen een stuk lager dan in een galerie, waar de sfeer voor veel mensen wat formeel, elitair en knap intimiderend kan zijn.

Voor kunstenaars betekent dit dat prijs, presentatie en verhaal een andere rol gaan spelen. Kleinere werken, prints of schetsen kunnen juist in deze omgeving goed werken. Zeker niet als “minder,” maar puur als instap.

Het gaat niet alleen om wat je verkoopt, maar om hoe je het aanbiedt. Een goed verteld verhaal kan net zo krachtig zijn als het werk zelf.

Oude werken krijgen een nieuwe waarde

Veel kunstenaars hebben een voorraad werken die ze als “oud” en afgeschreven beschouwen. Misschien passen ze niet meer bij hun huidige stijl, of voelen ze als een afgesloten fase. Toch betekent dit niet dat ze inderdaad voor geen mens meer waarde hebben.

Bedenk, voor een nieuwe koper is ook jouw verleden gloednieuw. Wat voor jou als onwijs oud voelt, kan voor een ander precies datgene zijn wat hij of zij zoekt. De vrijmarkt biedt een perfecte context om deze werken een tweede leven te geven.

Het is geen uitverkoop van je identiteit, maar een herwaardering van je traject.

Van oordeel naar experiment

De vraag is niet of je op een kleedje moet gaan zitten, maar of je bereid bent om te experimenteren. Door los te komen van vaste ideeën over hoe en waar kunst verkocht “hoort” te worden, open je nieuwe mogelijkheden.

Succes in de kunstwereld komt niet alleen voort uit kwaliteit, maar ook uit zichtbaarheid, timing en durf. Soms ligt een kans juist daar waar je hem niet verwacht.

Een bredere kijk op promotie en verkoop

Koningsdag is slechts één voorbeeld van een alternatief verkoopmoment. Het laat zien dat promotie niet altijd groots of complex hoeft te zijn. Soms is het simpelweg aanwezig zijn op de juiste plek, op het juiste moment.

Voor kunstenaars die willen groeien, is het essentieel om verder te kijken dan traditionele paden. Niet alles hoeft te passen binnen bestaande kaders om waardevol te zijn.

Kortom, wil je ontdekken hoe je jouw kunst op verrassende manieren kunt promoten en verkopen, zonder veel te afhankelijk te zijn van traditionele routes? Duik dan dieper in de wereld van de kunstmarketing en leer hoe je veel beter de vele kansen gaat herkennen waar andere kunstenaars ze missen.

Jouw volgende doorbraak begint misschien wel op een plek die je tot nu toe over het hoofd zag. Die kans is beslist groter dan je denkt.

Succes is niet wat je denkt

Waarom hard werken niet altijd de beste sleutel is voor kunstenaars

Wat als jouw gebrek aan succes echt niet betekent dat je niet hard genoeg werkt? En wat als dat succes van anderen niet altijd het bewijs is van hun talent of discipline? Voor kunstenaars die dieper willen kijken dan de oppervlakte, ligt hier een inzicht dat niet alleen je kijk op de kunstwereld verandert, maar ook op jezelf , hoe je jouw werk promoot en uiteindelijk verkoopt.

In het kort:

Succes in de kunstwereld is een complex samenspel van zichtbaarheid, timing, netwerken en perceptie, waardoor puur hard werken vaak onvoldoende is en kunstenaars strategischer moeten leren denken over hun positie en presentatie.

Het idee dat falen gelijkstaat aan luiheid kan verlammend werken en belemmert groei, terwijl inzicht in externe factoren juist voor ruimte zorgt om bewuster keuzes te kunnen maken in promotie en artistieke ontwikkeling.

Door jezelf niet langer te beoordelen op simplistische maatstaven, maar te kijken naar context en kansen, kun je effectiever werken aan zowel je creatieve proces als de manier waarop je jouw kunst in de markt zet.

De mythe van hard werken als enige weg naar succes

Veel kunstenaars groeien op met het idee dat succes een directe beloning is voor hard werken. Het is een aantrekkelijk en eenvoudig verhaal: Wie maar genoeg oefent, genoeg maakt en lang genoeg doorzet, zal uiteindelijk hiervoor beloond worden. Maar de realiteit is een stuk complexer. De kunstwereld is geen gesloten systeem waarin inspanning automatisch leidt tot erkenning.

Factoren zoals timing, netwerk, zichtbaarheid en zelfs flink wat toeval spelen een enorme rol. Een kunstenaar kan jarenlang intensief werken zonder doorbraak, terwijl een ander op het juiste moment wordt opgemerkt. Dit betekent natuurlijk niet dat hard werken waardeloos is, maar wel dat het slechts één onderdeel is van een groter geheel.

Voor kunstenaars die hun werk willen verkopen, is dit inzicht cruciaal. Want als je gelooft dat alleen harder werken de oplossing is, mis je de kans om strategisch te denken over promotie en positionering.

De valkuil van oordelen over jezelf en anderen

De uitspraak dat niet alle succes voortkomt uit hard werken en niet alle armoede uit luiheid, raakt een gevoelige snaar. Veel kunstenaars zijn streng voor zichzelf. Als verkoop uitblijft of erkenning achterwege blijft, ontstaat al snel het idee: “Ik doe niet genoeg,” of “Ik ben niet goed genoeg.”

Dit soort oordelen zijn niet alleen pertinent onjuist, maar ook schadelijk. Ze blokkeren je creativiteit en zorgen ervoor dat je meer energie verliest aan zelfkritiek dan aan veel nuttiger groei. Tegelijkertijd kan het ook leiden tot verkeerde aannames over anderen: Succesvolle kunstenaars worden automatisch gezien als harder werkend of veel talentvoller, terwijl hun succes mogelijk mede afhankelijk is van allerlei externe omstandigheden.

Door deze vooroordelen los te laten, ontstaat ruimte voor een realistischer en gezonder perspectief. Je kunt dan kijken naar wat wél binnen jouw invloed ligt.

Het verhaal van Lisa: Talent zonder zichtbaarheid

Lisa was een getalenteerde schilder. Haar werk was gelaagd, emotioneel en technisch sterk. Ze werkte elke dag uren in haar atelier en produceerde een indrukwekkend portfolio. Toch verkocht Lisa niet zoveel als ze zou willen.

Op een dag bezocht ze een expositie van een andere kunstenaar, wiens werk minder verfijnd was, maar dat wel overal opdook, zoals op social media, in nieuwsbrieven, op kleine lokale events. Deze kunstenaar vertelde openlijk dat hij dagelijks veel tijd besteedde aan marketing, relaties opbouwen en het vertellen van zijn verhaal.

Lisa realiseerde zich dat ze jarenlang had vertrouwd op slechts één strategie: Beter worden. Maar ze had nauwelijks aandacht besteed aan zichtbaarheid. Ze besloot haar aanpak te veranderen. Niet door minder te schilderen, maar door bewuster tijd te investeren in het delen van haar werk, het opbouwen van een flink netwerk en het beter begrijpen van haar publiek.

Binnen een jaar begon haar werk inderdaad te verkopen. Niet omdat Lisa ineens beter was geworden, maar omdat zij zelf en haar werk eindelijk gezien werden.

Waarom context belangrijker is dan inspanning alleen

Het verhaal van Lisa laat zien dat context voor verkoop een enorme rol speelt. Kunst bestaat niet in een vacuüm. Het wordt ervaren, beoordeeld en gekocht binnen een sociale en economische omgeving.

Dit betekent dat kunstenaars die succes willen behalen, verder moeten kijken dan de muren van hun atelier. Een goed begrip van de markt, van hun doelgroep en van hoe het trekken van positieve aandacht werkt, is essentieel. Dit vraagt om een andere manier van denken: Niet alleen denken als maker, maar ook als communicator.

Succes ontstaat vaak op het snijvlak van kwaliteit en zichtbaarheid. Zonder kwaliteit blijft succes oppervlakkig, maar zonder zichtbaarheid blijft kwaliteit onopgemerkt.

Van zelfkritiek naar strategisch denken

Wanneer je accepteert dat succes niet uitsluitend voortkomt uit hard werken, verandert dat je focus. In plaats van jezelf te veroordelen, kun je analyseren: Waar liggen mijn kansen? Hoe kan ik mijn werk beter positioneren? Wie moet mijn werk zien?

Dit is geen pleidooi voor oppervlakkigheid, maar voor bewustzijn. Kunstenaars die begrijpen hoe de buitenwereld werkt, kunnen hun authenticiteit juist krachtiger neerzetten. Ze leren hun verhaal te vertellen zonder hun integriteit te verliezen.

Het vraagt veel moed om deze stap te zetten, omdat het betekent dat je je kwetsbaar op moet stellen. Maar het is ook de sleutel tot groei.

De rol van perceptie in waarde en verkoop

Waarde in de kunstwereld is niet alleen gebaseerd op objectieve kwaliteit. Perceptie speelt een grote rol. Hoe wordt jouw werk gepresenteerd? In welke context wordt het gezien? Welke verhalen zijn eraan verbonden?

Kunstenaars die hierin investeren, vergroten hun kans op succes aanzienlijk. Dit betekent niet dat je jezelf moet “verkopen” op een oneerlijke manier, maar dat je bewust omgaat met hoe jouw werk wordt ervaren.

Door actief te werken aan je zichtbaarheid, zorg je voor kansen die anders misschien nooit zouden ontstaan.

Een realistischer en krachtiger perspectief

Het besef dat succes niet volledig maakbaar is, kan in eerste instantie ontmoedigend lijken. Maar het is juist bevrijdend. Het haalt de druk weg van het idee dat jij alles onder controle moet hebben.

Tegelijkertijd geeft het je een nieuwe verantwoordelijkheid: Om slim te werken, om kansen te herkennen en om jezelf zichtbaar te maken. Niet als compromis, maar als verlengstuk van je kunstenaarschap.

Samenvattend:

Wil je niet alleen beter worden in je kunst, maar ook begrijpen hoe je jouw werk zichtbaar maakt en verkoopt? Verdiep je dan in de strategieën achter succesvolle kunstenaars en ontdek hoe jij jouw positie kunt versterken zonder je authenticiteit te verliezen. Blijf leren, experimenteren en groeien.

Want jouw kunst verdient het om gezien te worden.

Waarom oranje jouw kunst kan laten opvallen én verkopen

Wat maakt dat sommige kunstwerken direct je aandacht grijpen, terwijl andere onopgemerkt blijven? Voor kunstenaars die nieuwsgierig zijn naar de diepere lagen van perceptie en verkoop, kan één kleur onverwacht veel invloed hebben: Oranje. Niet alleen als visueel element, maar als psychologisch en strategisch instrument.

In het kort:

De kleur oranje heeft een unieke psychologische werking die energie, warmte en aandacht oproept, waardoor kunstwerken met deze kleur sneller opvallen en een emotionele reactie kunnen losmaken bij potentiële kopers.

Kunstenaars die bewust omgaan met kleurgebruik en met name oranje strategisch inzetten, kunnen hun werk beter positioneren, voor meer zichtbaarheid zorgen en hun verkoopkansen vergroten zonder hun artistieke integriteit te verliezen.

Door inzicht te krijgen in de culturele en visuele betekenis van oranje en dit te combineren met storytelling en presentatie, ontstaat een krachtig middel om jouw kunst te onderscheiden in een drukke en competitieve markt.

De kracht van kleur in kunst en perceptie

Kleur is nooit neutraal. Het is één van de eerste dingen die een kijker waarneemt en het bepaalt in hoge mate hoe een kunstwerk wordt ervaren. Oranje is daarin een bijzondere kleur. Het bevindt zich tussen rood en geel en combineert daarmee de intensiteit van rood met de lichtheid van geel.

Voor de kijker betekent dit vaak een gevoel van energie, optimisme en beweging. Oranje trekt de aandacht zonder de agressie die het nog meer intense rood soms kan hebben. Oranje nodigt uit, activeert en blijft hangen. Voor kunstenaars die hun werk willen laten opvallen zowel fysiek als online, is dat een belangrijk gegeven.

Oranje als emotionele trigger

Wanneer iemand naar een kunstwerk kijkt, gebeurt er in een fractie van een seconde iets op emotioneel niveau. Oranje kan hierin een sleutelrol spelen. Het roept gevoelens op van warmte, enthousiasme en zelfs speelsheid.

Dit maakt het bijzonder geschikt voor werken die een positieve of dynamische boodschap willen overbrengen. Maar juist ook in contrast, bijvoorbeeld in een verder ingetogen werk, kan oranje een krachtig accent vormen dat de aandacht stuurt.

Voor verkoop is dit relevant. Kunst die een emotionele reactie oproept, blijft daardoor langer hangen en vergroot de kans dat iemand een connectie voelt met het werk.

Neem bijvoorbeeld Mara

Mara was een kunstenaar die vooral werkte met koele tinten: blauw, grijs en groen. Haar werk was technisch sterk, maar ze merkte dat mensen op exposities en marken vaak maar kort en oppervlakkig keken en al snel weer doorliepen. Verkoop bleef daardoor uit.

Op een dag experimenteerde ze bijna tegen haar eigen voorkeur in, met een klein accent oranje in een van haar schilderijen. Het was subtiel, maar opvallend genoeg om de balans te veranderen.

Tijdens een expositie gebeurde iets onverwachts. Bezoekers bleven langer staan. Ze wezen naar het oranje element, stelden vragen en begonnen gesprekken. Eén bezoeker zei zelfs: “Het voelt alsof dit schilderij ademt.”

Mara besloot verder met meer kleur te gaan experimenteren. Niet door haar stijl volledig te veranderen, maar door bewust oranje in haar schilderijen op te nemen waar dat het meeste effect had.

Ze besefte dat het niet alleen ging om wat ze schilderde, maar ook om hoe ze de kijker begeleidde door haar werk heen en dan was de felle kleur een prima startpunt voor het oog.

De culturele betekenis van oranje

Kleur heeft niet alleen een psychologische, maar ook een culturele lading. In Nederland is oranje sterk verbonden met identiteit, feest en verbondenheid. Dit kan een extra laag toevoegen aan je werk, afhankelijk van context en timing.

Wanneer je bewust of onbewust inspeelt op deze associaties kan je werk herkenning oproepen. En herkenning is een krachtige factor in waardering en aankoopgedrag.

Dit betekent niet dat je je werk moet aanpassen aan trends, maar dat je begrijpt welke betekenissen kleuren kunnen dragen en hoe je die kunt inzetten.

Oranje als strategisch instrument in promotie

Naast het gebruik in het kunstwerk zelf, kan oranje ook een rol spelen in je presentatie en marketing. Denk aan hoe je je werk fotografeert, hoe je je website vormgeeft of hoe je opvalt op social media.

Een subtiel gebruik van oranje kan helpen om voor consistentie en herkenbaarheid te zorgen. De kleur kan fungeren als visuele handtekening, waardoor mensen jouw werk sneller herkennen.

Voor kunstenaars die hun zichtbaarheid willen vergroten, is dit een waardevol inzicht. Het laat zien dat promotie niet losstaat van je kunst, maar er een verlengstuk van kan zijn.

Balans tussen artistieke vrijheid en effect

Het gebruik van oranje moet altijd in balans zijn met je artistieke intentie. Het is geen trucje dat automatisch succes garandeert. Te veel of verkeerd gebruik kan juist averechts werken.

De kracht zit in het bewustzijn. Wanneer je begrijpt wat een kleur doet, kun je er doelgericht mee werken. Niet om je kunst te veranderen, maar om de impact ervan te versterken.

Van intuïtie naar inzicht

Veel kunstenaars werken intuïtief met kleur en dat is waardevol. Maar door dit te combineren met kennis van perceptie en psychologie, ontstaat er een extra laag van controle en effectiviteit.

Het stelt je in staat om keuzes te maken die niet alleen esthetisch, maar ook communicatief sterk zijn.

De rol van aandacht in een overvolle wereld

We leven in een tijd waarin mensen continu worden blootgesteld aan beelden. Aandacht is schaars. Kunst die erin slaagt om die aandacht te vangen, heeft een voorsprong.

Oranje kan hierin een hulpmiddel zijn. Niet als doel op zich, maar als middel om op te vallen, te verbinden en te blijven hangen.

Samenvatting:

Wil je ontdekken hoe je met kleur, perceptie en strategie jouw kunst krachtiger kunt maken én beter kunt verkopen? Verdiep je dan in de psychologie achter visuele keuzes en leer hoe je jouw werk niet alleen mooier, maar ook effectiever maakt. Blijf nieuwsgierig, blijf experimenteren en geef jouw kunst de zichtbaarheid die het verdient.

https://modelmetkoffie.blogspot.com

Informatie over de komende evenementen, workshops of andere belangrijke dagen die interessant voor je kunnen zijn bij Jetje's dag.
De datum van de sessie:

Zondag 3 mei. Nader te bepalen tussen deelnemers

Voor meer informatie over "model met koffie" klik je hier

Om je in te schrijven klik je hier

Ik heb een oud hemd gevonden, zou daar nog iets mee te doen zijn?

Colofon

Bijdragen

Bij belangstelling of vragen kun je altijd contact met me opnemen en dan kijk ik graag samen met jou wat er mogelijk is. En dat is wat mij betreft best veel.

Jetje's dag is op vele manieren te bereiken:

Jetje's dag is op mijn eigen Facebook en enkele pagina's

Al mijn foto's uit Jetje's dag staan ook op Pinterest

Kleinere berichten, foto's, kunstwerken etc. staan op een eigen blog

Zoekt u een begrip uit de kunst? Een kunstenaar? Een kunststroming?Klik hier, al wordt er nog druk aan gewerkt

Meer onderwerpen vinden? Gebruik Jetje's index!

24 april 2026 | Nr. 510 | Jetje's niet verlengende verlengsnoer

2026-04-24T07:51:30.731+02:00

24 april 2026 | Nr. 510 | Jetje's niet verlengende verlengsnoer

Jetje aan het woord

Goedemorgen allemaal op deze mooie dag vol mogelijkheden en nieuwe kansen

Als ik een keer een foto van mijzelf publiceer als fotomodel in de rol van SM-Meesteres levert dat steevast een aantal reacties op van mannen die mijn onderdanige willen worden. Alleen wil ik dat niet, dus dat is vette pech voor ze. Het is voor mij een rol. Een rol die me goed af gaat en die in de fotografie heel succesvol is. Ook kunstenaars spelen rollen. Dat moeten ze wel. Ze zijn presentator van zichzelf en hun werk. Ze zijn promotor, marketeer, klantadviseur en verkoper. Allemaal rollen die zowel heel veel als helemaal niets met elkaar te maken hebben, maar die wel gemeen hebben dat ze allemaal verschillende vaardigheden nodig hebben. Het lijken soms wel eens aparte levens naast elkaar te zijn. Wat natuurlijk niet erg is, maar het is soms wel verwarrend. Zeker als je weer eens een mailtje van een aanbidder krijgt alleen omdat je een zweepje in je handen houdt. Of een verlengsnoer dat het niet meer doet.

Jullie Jetje

Samenvatting van vandaag:

		1. Rollen spelen is ook een vak;
		2. Soms levert verliezen meer op dan winnen;
		3. Eén van de boeken uit onze serie over kunst in het algemeen gaat over het minimalisme.

Meester(es) van je kunst én je marketing

Waarom niet alleen modellen maar ook kunstenaars meerdere rollen moeten spelen

Wat als jouw grootste artistieke doorbraak niet in je atelier ligt, maar in hoe je jezelf presenteert? Veel kunstenaars blijven hangen in het idee dat hun talent vanzelf wel ontdekt wordt. Maar wat als succes juist begint zodra je andere rollen durft aan te nemen? Zelfs als die soms wat ongemakkelijk voor je voelen?

In het kort:

Kunstenaars die uitsluitend focussen op maken, missen vaak kansen omdat zichtbaarheid, positionering en verkoop net zo essentieel zijn. Wie deze rollen leert omarmen, vergroot zijn of haar bereik en impact aanzienlijk zonder zijn of haar artistieke integriteit te verliezen.

Door bewust verschillende ‘rollen’ aan te nemen, zoals presentator, promotor, marketeer en verkoper, ontstaat er controle over hoe werk wordt gezien, begrepen en gewaardeerd en wat leidt tot meer autonomie en minder afhankelijkheid van externe partijen.

Het ontwikkelen van commerciële en communicatieve vaardigheden hoeft niet ten koste te gaan van authenticiteit. Juist door deze te integreren ontstaat een sterker en consistenter kunstenaarschap dat beter aansluit bij de hedendaagse kunstmarkt.

Als kunstenaar speel je meer rollen dan je denkt

Als fotomodel speel je allerlei rollen. Soms ben je ingetogen, soms expressief, soms krachtig of juist kwetsbaar. Eén rol kan je verrassend goed liggen, bijvoorbeeld die van een zeer dominante en zelfverzekerde persoonlijkheid. De SM-Meesteres blijkt veel mensen te intrigeren gezien het grote aantal vragen dat het altijd oplevert. Maar wat vaak over het hoofd wordt gezien, is dat ook kunstenaars net zo goed verschillende rollen moeten aannemen. Niet alleen in hun werk, maar ook daarbuiten.

De romantische gedachte dat een kunstenaar uitsluitend een maker van schoonheid is, houdt hardnekkig stand. Toch is de realiteit meestal anders. De kunstenaar die zijn of haar werk wil tonen, verkopen en laten groeien, ontkomt er niet aan om ook presentator, promotor, marketeer en verkoper te zijn. Dit zijn geen bijrollen, maar het zijn onderbelichte, maar essentiële onderdelen van een professioneel kunstenaarschap.

De niet uit te roeien mythe van de pure maker

Veel kunstenaars voelen grote weerstand bij het idee van marketing en verkoop. Het zou ‘onecht’ zijn, te commercieel, of het voelt zelfs in strijd met hun artistieke waarden. Maar deze gedachte kan te beperkend werken. Want zonder voldoende zichtbaarheid bestaat je werk voor het publiek simpelweg niet. Of je dat nu leuk vindt of niet. Het publiek weet van je werk en jou als persoon niets af. En het vraagt veel inspanning om daar verandering in aan te brengen.

De kunstwereld is veranderd. Waar vroeger galeries en curatoren een groot deel van de promotie verzorgden, wordt tegenwoordig steeds vaker verwacht dat kunstenaars zelf hun publiek opbouwen. Al was het maar omdat er gewoon ongelofelijk veel kunstenaars gekomen zijn. Veel meer dan de commerciële kunstwereld kan verwerken. Social media, nieuwsbrieven en persoonlijke branding zijn geen luxe meer, maar noodzakelijk gereedschap van de kunstenaar.

Marketing als verlengstuk van je kunst

Marketing hoeft geen trucje te zijn. Zie het eerder als een verlengstuk van je artistieke praktijk. Net zoals je nadenkt over compositie, materiaal en betekenis, kun je ook nadenken over hoe je werk wordt gepresenteerd en gedeeld.

Hoe presenteer je jezelf?

Welke verhalen vertel je over je werk?

Welke beelden kies je?

Hoe positioneer je jezelf?

Wie zijn je klanten en waar ga je die vinden?

Dit zijn geen stel oppervlakkige vragen, maar eerder strategische keuzes die grote invloed hebben op hoe jouw kunst wordt ervaren als die eenmaal meer zichtbaar is geworden.

Door marketing te benaderen als een creatieve discipline die er gewoon bij hoort, wordt het steeds minder een verplichting en juist een kans om je visie te verdiepen en te versterken, samen en in samenspraak met je potentiële kopers. Want wat verkopen, wil vrijwel elke kunstenaar wel.

De rol van verkoper: Ongemakkelijk maar noodzakelijk

Verkopen voelt voor veel kunstenaars als verreweg het lastigste onderdeel. Het vraagt om directheid, zelfvertrouwen en soms zelfs een zekere assertiviteit. Toch is verkopen een vaardigheid die je kunt ontwikkelen.

Verkoop gaat niet alleen over geld, maar vooral over waardeoverdracht. Je helpt iemand om een connectie te maken met jouw werk. Je biedt de koper iets aan dat betekenis heeft. Iets waar die koper een goed gevoel van krijgt. Wanneer je dat perspectief eenmaal omarmt, verandert de dynamiek van ‘verkopen’ naar ‘delen.’

Autonomie door veelzijdigheid

Door meerdere rollen te beheersen, vergroot je je onafhankelijkheid. Je bent minder afhankelijk van externe partijen en hebt meer controle over je carrière. Dit betekent niet dat je alles alleen moet doen, maar wel dat je begrijpt hoe de verschillende onderdelen samenwerken.

Een kunstenaar die weet hoe hij zichzelf kan positioneren, zijn werk kan promoten en effectief kan verkopen, staat sterker in onderhandelingen en samenwerkingen.

Authenticiteit blijft de kern

Het aannemen van verschillende rollen betekent niet dat je jezelf verliest. Integendeel: Het vraagt juist om een helder begrip van wie je bent en waar je voor staat. Authenticiteit is geen obstakel voor marketing. Het is de basis ervan.

Wanneer je communicatie en presentatie voortkomen uit je echte visie, voelen ze niet langer geforceerd. Ze versterken je werk in plaats van het te overschaduwen. Dus wil je als kunstenaar niet alleen beter werk maken, maar ook beter zichtbaar worden en meer verkopen? Duik dan dieper in de wereld van de marketing, positionering en promotie en ontdek hoe je jouw kunstenaarschap naar een hoger niveau tilt zonder jezelf te verliezen.

Waarom verliezen soms meer oplevert dan winnen

Wat dat betekent voor je kunstverkoop

Wat als falen nu eens niet je grootste vijand is, maar juist een verborgen motor achter groei, zichtbaarheid én zelfs verkoop? Veel kunstenaars vermijden risico’s uit angst om te verliezen. Maar daar ligt nu juist vaak de doorbraak die ze zoeken.

In het kort:

Verliezen voelt natuurlijk pijnlijk. Voor ieder mens. Maar wanneer je je als kunstenaar volledig inzet en eerlijk probeert én blijft proberen, levert verliezen uiteindelijk inzicht, groei en een vorm van voldoening op, die een oppervlakkig succes je nooit kan bieden. En dat is essentieel voor een duurzame carrière in de kunst.

Half werk en terughoudendheid zorgen niet alleen voor teleurstelling op korte termijn, maar ook voor blijvende frustratie omdat je nooit echt ontdekt waartoe je in staat bent, zowel artistiek als in marketing en verkoop.

Door ambitie en oprechte inzet te combineren, ontstaat er een krachtig fundament waarop je niet alleen steeds beter werk maakt, maar ook sterker leert communiceren, promoten en verkopen zonder jezelf te verliezen.

Verliezen hoort bij het kunstenaarschap

Verliezen is zelden leuk. Dat zal iedereen toegeven. Of het nu gaat om een afgewezen expositie, een mislukte verkoop of een project dat niet loopt zoals gehoopt. Het kan zwaar voelen. Toch zit er een bijzondere waarde verscholen aan de andere kant van dat verlies. Die waarde wordt echter alleen zichtbaar als je er echt voor bent gegaan.

Voor kunstenaars is dit een cruciaal inzicht. Want een artistieke carrière bestaat niet uit een aaneenschakeling van successen, maar ook uit veel pogingen, experimenten en de daarbij vanzelfsprekend behorende mislukkingen. Juist die moeilijke momenten vormen de basis voor groei.

Half werk levert uiteindelijk ook niets op

Er is een groot verschil tussen verliezen na een volle inzet en verliezen na een halve poging. Wanneer je jezelf inhoudt, bijvoorbeeld uit angst, twijfel of onzekerheid, ontstaat er geen echte voldoening. Niet tijdens het proces en ook niet achteraf.

Voor kunstenaars vertaalt dit zich vaak naar voorzichtig gedrag: Je werk niet delen, jezelf niet promoten. De werkelijke prijzen niet durven vragen. Het resultaat? Geen zichtbaarheid, geen feedback en geen groei. Deze voorzichtigheid is een stille vorm van verliezen die behalve frustratie, erg weinig oplevert.

Volledige inzet verandert de uitkomst

Wanneer je daarentegen kiest voor een volledige inzet, verandert alles. Je durft je werk aan iedereen te tonen, je verhaal te vertellen en jezelf zichtbaar te maken. Misschien levert dat niet direct het gewenste succes op, maar het zorgt wél voor beweging.

Na verloop van tijd verdwijnt de scherpe rand van een ‘verlieservaring.’ Wat overblijft, is meer inzicht. Je leert wat werkt en wat niet. Je ontdekt hoe mensen reageren op je werk. En wat misschien nog belangrijker is: Je ontwikkelt steeds meer vertrouwen in je eigen proces.

De beloning zit in het streven naar resultaat

De grootste misvatting van veel mensen is dat de beloning uitsluitend in het winnen zit. In werkelijkheid ligt de echte waarde in het streven zelf. In het feit dat je iets probeert, onderzoekt en ontwikkelt.

Voor kunstenaars betekent dit dat maken, promotie en verkoop geen losstaande activiteiten zijn, maar onderdeel van het geheel van het "kunstenaar zijn." Elke poging om je werk onder de aandacht te brengen, elke presentatie, elke pitch draagt bij aan je ontwikkeling. En dat is ongeacht de uitkomst.

Van falen naar strategie

Wat eerst voelt als falen, kan later de basis blijken voor een sterke strategie. Misschien werkte een bepaalde aanpak niet. Maar heeft het je wel geleerd hoe je doelgroep reageert. Misschien verkocht een serie werken niet, maar bracht het je wel dichter bij een eigen, herkenbare stijl.

Door verlies te analyseren in plaats van te vermijden, ontstaat er richting. Je maakt bewustere keuzes in hoe je jezelf positioneert en hoe je jouw kunst presenteert.

Rust vinden in eerlijk proberen

Er zit een bijzondere rust in weten dat je alles hebt gegeven. Zelfs als het resultaat tegenvalt, blijft er een vorm van tevredenheid over. Je hebt het geprobeerd, echt geprobeerd.

Voor kunstenaars is dit misschien wel de belangrijkste les. Niet winnen of verliezen bepaalt je waarde, maar de mate waarin je bereid bent om jezelf volledig in te zetten. Zowel in het maken van je werk als in de manier waarop je dat werk deelt met de wereld. Dus wil jij als kunstenaar leren hoe je niet alleen beter omgaat met tegenslagen, maar deze ook omzet in groei, zichtbaarheid en verkoop? Verdiep je dan verder in je vele mogelijke rollen en ontdek hoe je met volle inzet jouw artistieke én commerciële potentieel benut.

Minimalisme, de kunst van het weglaten

Minimalisme in de beeldende kunst ontstond in de jaren zestig als een reactie op de expressieve, vaak emotioneel geladen kunststromingen zoals het abstract expressionisme. Waar die stromingen draaiden om persoonlijke expressie en gebaar, koos het minimalisme juist voor reductie, helderheid en objectiviteit. Kunstenaars wilden het kunstwerk ontdoen van alles wat niet strikt noodzakelijk was, om zo de essentie over te houden.

Kenmerkend voor minimalistische kunst is het gebruik van eenvoudige vormen, zoals kubussen, lijnen en rasters, vaak uitgevoerd in industriële materialen als staal, plexiglas of beton. De kunstenaar probeert zo min mogelijk “sporen van de hand” achter te laten. Het werk oogt koel en afstandelijk, maar nodigt tegelijkertijd uit tot een andere manier van kijken. Niet het verhaal of de emotie staat centraal, maar de fysieke aanwezigheid van het object in de ruimte.

Een belangrijk aspect van minimalisme is de relatie tussen het kunstwerk, de ruimte en de toeschouwer. Omdat de vormen zo eenvoudig zijn, wordt de omgeving extra belangrijk. Licht, schaduw en de positie van de kijker beïnvloeden hoe het werk wordt ervaren. De toeschouwer wordt zich meer bewust van zijn of haar eigen aanwezigheid en van de ruimte waarin hij of zij zich bevindt.

Minimalistische kunstenaars streefden naar autonomie van het kunstwerk: Het werk verwijst niet naar iets buiten zichzelf, maar is simpelweg wat het is. Deze benadering wordt vaak samengevat in de uitspraak “What you see is what you see.” Dit maakt minimalisme soms moeilijk toegankelijk, maar ook krachtig in zijn directheid.

Hoewel minimalisme op het eerste gezicht eenvoudig lijkt, schuilt er toch een doordachte visie achter. Door beperking ontstaat focus en juist in die beperking kan een sterke visuele en ruimtelijke ervaring ontstaan. Minimalisme laat zien, dat minder niet alleen minder kan zijn, maar ook juist meer.

Dit boek is één uit een serie over stromingen in de kunst. Dit wordt ruim genomen. Zo vinden we ook bijvoorbeeld een 'Art Brut' terug in de serie die in de loop van 2026 uitgebracht gaat worden als tegenwicht tegen de dikke, imposante boeken die altijd over de kunst geschreven worden. Deze boeken lezen als de Donald Duck, maar je kunt na het lezen wel over alle onderwerpen meepraten.

https://modelmetkoffie.blogspot.com

Informatie over de komende evenementen, workshops of andere belangrijke dagen die interessant voor je kunnen zijn bij Jetje's dag.
De datum van de sessie:

Zondag 3 mei. Nader te bepalen tussen deelnemers

Voor meer informatie over "model met koffie" klik je hier

Om je in te schrijven klik je hier

Maandag neem ik een borrel op de verjaardag van Willy. En ik wens iedereen een heel fijn weekend.

Colofon

Bijdragen

Bij belangstelling of vragen kun je altijd contact met me opnemen en dan kijk ik graag samen met jou wat er mogelijk is. En dat is wat mij betreft best veel.

Jetje's dag is op vele manieren te bereiken:

Jetje's dag is op mijn eigen Facebook en enkele pagina's

Al mijn foto's uit Jetje's dag staan ook op Pinterest

Kleinere berichten, foto's, kunstwerken etc. staan op een eigen blog

Zoekt u een begrip uit de kunst? Een kunstenaar? Een kunststroming?Klik hier, al wordt er nog druk aan gewerkt

Meer onderwerpen vinden? Gebruik Jetje's index!

23 april 2026 | Nr. 509 | Jetje op de halfpipe

2026-04-23T07:37:55.248+02:00

23 april 2026 | Nr. 509 | Jetje op de halfpipe

Jetje aan het woord

Goedemorgen allemaal op deze mooie dag vol mogelijkheden en nieuwe kansen

Ik heb nooit van mijn leven op een skateboard gestaan. Ten eerste had je die in mijn jonge jaren nog niet. We hadden wel stelten. En rolschaatsen. Dus een paar geschaafde knieën halen en blauwe plekken verzamelen kon wel. Ten tweede deden de nette meisjes van Epe dat natuurlijk niet. Zo waren ze niet. Maar goed, om het op je 67e nog te gaan leren is ook wat overdone, temeer daar ik als 'bejaarde' (volgens de verkopers dan) uitnodigingen krijg voor valcursussen tussen de folders voor de looprekjes en snelle rollators met speciale "Max Verstappen" spoilers. En daar zit een cursus skateboarden met halfpipe training niet tussen. Dus doe ik het maar zonder. En waarom zou het eigenlijk niet kunnen op een plank met wieltjes waar je de normaal gesproken de koelkast op kunt verplaatsen? Die rijdt ook. Een prima deck zouden de kenners zeggen.

Jullie Jetje

Samenvatting van vandaag:

		1.Jetje gaat een soort van skateboarden;
		2. Hoop jij ook zo dat je kunst gaat verkopen?
		3. Een artist statement is een belangrijk document voor een kunstenaar met ambitie.

Vallen, weer opstaan en toch verkopen

Wat kunstenaars kunnen leren van skateboarders

Als de sleutel tot betere kunst én meer verkoop nu eens niet alleen in je atelier ligt, maar in hoe je omgaat met vallen, risico en herhaling? Kunstenaars die verder kijken dan techniek ontdekken vaak onverwachte parallellen met totaal andere werelden. Zoals bijvoorbeeld de wereld van de skateboarder. Daar draait alles om een perfecte balans, veel lef en gecontroleerd durven falen. Precies de ingrediënten die jouw zichtbaarheid en succes als kunstenaar drastisch kunnen versnellen.

In het kort:

Kunstenaars die consistent willen groeien, kunnen veel leren van de mindset van skateboarders. Het opdoen van vaardigheden leunt daar op herhaling, vaak vallen en weer opnieuw proberen. Hierdoor ontstaat niet alleen technische beheersing, maar ook een herkenbare eigen stijl en een sterkere positionering richting publiek.

Het bewust leren omgaan met risico’s, zowel creatief als commercieel, maakt een groot verschil tussen stagneren en doorbreken. Kunstenaars die risico’s beheersen in plaats van vermijden, ontwikkelen meer lef in hun werk én in hun marketingstrategie.

Door discipline te combineren met experimenteren en slimme promotie, ontstaat een duurzame kunstpraktijk waarin je niet alleen steeds beter werk maakt, maar ook beter zichtbaar wordt. Waardoor de kans op verkoop en waardering weer aanzienlijk toeneemt.

Leer om altijd te blijven staan als kunstenaar

De eerste vragen van een skateboarder zijn: "Hoe blijf ik staan en hoe word ik beter?" zijn verrassend herkenbaar voor kunstenaars. In de kunstpraktijk betekent “blijven staan” dat je consistent blijft werken, zelfs wanneer je inspiratie eens een keertje volledig ontbreekt of de resultaten hardnekkig uitblijven.

Veel kunstenaars wachten op het perfecte idee

Groei zit juist in de herhaling en veel discipline. Door regelmatig te werken, ontwikkel je niet alleen je techniek, maar ga je ook meer vertrouwen krijgen in je eigen proces. Net als een skateboarder die een trick tientallen keren oefent, moet een kunstenaar bereid zijn om te falen. Elk mislukt werk is geen verspilling, maar juist een stap richting een nog betere beheersing.

Voor je zichtbaarheid geldt hetzelfde principe. Regelmatig je werk delen, ook als het nog niet “perfect” voelt, zorgt voor herkenning en betrokkenheid bij je publiek. Consistentie is hier belangrijker dan perfectie.

Beter worden door gecontroleerd falen

Een skateboarder weet dat vallen onderdeel is van de vooruitgang. Het verschil zit in hoe je valt en hoe je weer opstaat. Kunstenaars kunnen deze houding overnemen door mislukkingen te zien als noodzakelijke feedback waarna je weer vrolijk opnieuw begint.

In plaats van werk te verbergen dat niet voldoet aan je verwachtingen, kun je analyseren wat er misging. Was het de techniek, het concept, of misschien de timing in je promotie? Door jezelf deze vragen te stellen, maak je van elke mislukking een leerervaring.

Ook in de marketing, ook van kunst, geldt dit principe. Niet elke post, expositie of samenwerking zal succesvol zijn. Maar door te experimenteren en te evalueren, ontwikkel je een strategie die wél werkt. Groei ontstaat niet ondanks falen, maar dankzij falen.

Risico beheersen in plaats van vermijden

De tweede vraag van de skateboarder, hoe beheers ik mijn risico? is misschien nog wel relevanter. Kunstenaars vermijden vaak risico’s uit angst voor afwijzing of verlies van de controle. Maar zonder risico's te nemen volgt er geen groei. Niet alleen in de kunst. Nergens.

Risico's beheersen betekent niet dat je roekeloos moet zijn. Het betekent dat je bewust keuzes maakt. Bijvoorbeeld: Je kunt experimenteren met een nieuwe kunststijl, maar dit combineren met werk dat wél al bewezen succesvol is. Of je kunt online een nieuw platform testen zonder je bestaande kanalen daarbij te verwaarlozen.

Ook financieel en commercieel is risicobeheer essentieel. Denk aan het spreiden van je inkomstenbronnen: Verkoop van je werk, werven van opdrachten, geven van workshops of verkoop van prints en andere merchandise. Door niet afhankelijk te zijn van één bron, verklein je de kans op grote terugvallen aanzienlijk.

De vertaalslag naar promotie en verkoop

De parallellen met skateboarden worden pas echt waardevol wanneer je ze toepast op promotie en verkoop. Zorgen voor consistentie, hard durven falen en het hanteren van een goed risicobeheer vormen samen een uiterst krachtige strategie.

Door regelmatig zichtbaar te zijn, bouw je een relatie op met je publiek. Door te experimenteren ontdek je wat werkt. En door risico’s bewust te nemen, vergroot je je bereik en impact.

Succesvolle kunstenaars zijn zelden degenen met alleen het meeste talent. Het zijn vaak degenen die blijven doorgaan, leren van fouten en durven te experimenteren. Net als de skateboarder die na honderd pogingen eindelijk die ene perfecte trick weet te landen.

Dus wil jij niet alleen beter worden als kunstenaar, maar ook slimmer omgaan met promotie en verkoop? Duik dieper in de wereld van de marketingstrategieën, positionering en zichtbaarheid en ontdek hoe jij jouw kunst naar een hoger niveau tilt én verkoopt met meer vertrouwen en resultaat.

Waarom hoop alleen je kunst niet verkoopt (en wat wél werkt)

Veel kunstenaars vertrouwen op gevoel, intuïtie en hoop. En dat is logisch. Maar wat als juist die hoop je onbewust tegenhoudt om écht door te breken? Kunst verkopen vraagt niet alleen om passie, maar ook om scherpe analyse. Wie bereid is om eerlijk te kijken naar wat werkt en wat niet, ontdekt een krachtig speelveld waarin creativiteit en strategie samenkomen.

In het kort:

Hoop kan kunstenaars motiveren om door te zetten en nieuwe wegen te verkennen, maar zonder kritische analyse kan het leiden tot verkeerde keuzes, zoals investeren in promotie die niets oplevert of blijven hangen in strategieën die niet werken.

Voorzichtig optimisme helpt kunstenaars om een balans te vinden tussen geloven in hun werk en het nemen van rationele beslissingen, waardoor ze niet alleen creatief groeien, maar ook effectiever worden in het bereiken van hun publiek en kopers.

Door bewust te analyseren, risico’s te beheersen en flexibel te blijven in hun aanpak, kunnen kunstenaars hun zichtbaarheid vergroten en hun kansen op verkoop aanzienlijk verbeteren, zonder afhankelijk te zijn van puur geluk of hoop.

De rol van hoop in het kunstenaarschap

Hoop speelt een grote rol in het leven van kunstenaars. Het is de motor achter het maken van nieuw werk, het blijven geloven in je eigen visie en het doorzetten wanneer erkenning uitblijft. Zonder hoop zou het moeilijk zijn om kunst te blijven maken in een wereld waarin succes niet vanzelfsprekend is.

Hoop geeft energie en richting. Het zorgt ervoor dat je nieuwe ideeën durft te verkennen en risico’s neemt in je werk. In die zin is hoop essentieel: Het houdt je in beweging en helpt je om te blijven groeien, zelfs wanneer resultaten nog niet zichtbaar zijn.

Toch schuilt hier ook een valkuil. Wanneer hoop je enige drijfveer wordt, zonder dat je kritisch kijkt naar de realiteit, kan het juist tegen je werken.

Wanneer hoop een valkuil blijkt te worden

Het probleem ontstaat wanneer hoop de plaats inneemt van je analyse. Veel kunstenaars blijven bijvoorbeeld investeren in een bepaalde stijl, platform of doelgroep, simpelweg omdat ze hopen dat het “ooit” zal werken. Ondertussen geven signalen uit de markt misschien iets heel anders aan.

Dit lijkt sterk op wat in andere sectoren bekendstaat als blijven doorgaan ondanks tegenvallende resultaten. De zogenaamde "sunk cost fallacy." Je hebt dan al zoveel tijd en energie geïnvesteerd dat stoppen voelt als falen. Maar juist dat vasthouden kan verdere groei blokkeren.

In de praktijk kan dit betekenen dat je blijft posten zonder strategie, blijft exposeren zonder resultaat, of blijft wachten op erkenning zonder actief te sturen op zichtbaarheid. Hoop wordt dan geen kracht meer, maar een rem.

Voorzichtig optimisme als strategie

De oplossing ligt in wat we voorzichtig optimisme kunnen noemen. Dit betekent dat je blijft geloven in je werk, maar tegelijkertijd ook eerlijk kijkt naar feiten en resultaten. Je combineert je gevoel met je inzicht.

Voor kunstenaars betekent dit dat je niet alleen kunst maakt, maar ook analyseert. Welke werken krijgen wél je aandacht? Welke verkoopkanalen werken wél? Waar haakt je publiek op af? Door jezelf deze vragen te durven stellen, maak je je eigen proces steeds sterker.

Voorzichtig optimisme zorgt ervoor dat je niet cynisch wordt, maar ook niet naïef blijft. Je blijft openstaan voor kansen, terwijl je bewust keuzes maakt.

Werken met analyse zonder je creativiteit te verliezen

Een veelgehoorde angst is dat analyse de creativiteit zou beperken. In werkelijkheid kan het juist bevrijdend werken. Wanneer je weet wat wel en niet werkt, kun je gerichter experimenteren.

Analyse hoeft niet ingewikkeld te zijn. Kijk simpelweg naar patronen: Welke posts krijgen reacties? Welke werken verkopen goed? Welke samenwerkingen leveren iets op? Gebruik die inzichten als kompas en niet als beperking.

Door deze aanpak ontstaat er ruimte voor gerichte groei. Je verspilt minder energie aan de dingen die niet werken en kunt meer investeren in wat wel resultaat oplevert.

Praktische stappen voor kunstenaars

Om voorzichtig optimisme toe te passen, kun je een aantal concrete stappen nemen. Begin met het verzamelen van informatie:

Houd bij wat je doet en wat het oplevert;

Denk aan het krijgen van reacties en beantwoord die positief;

Stimuleer je verkoop en vergroot je bereik waar maar mogelijk.

Werk vervolgens met scenario’s

Wat gebeurt er als je een nieuwe richting inslaat?

Wat is het risico en wat is de mogelijke opbrengst?

Dit helpt je om bewuste keuzes te maken.

Stel daarnaast realistische doelen

Niet alleen iets lekker vaags waar je je nooit een buil aan valt zoals: “Meer verkopen, ” maar bijvoorbeeld: “Drie nieuwe klanten per maand” of “Een maandelijkse groei van mijn online bereik op Instagram met tien procent.”

Vraag ook om feedback

Terugkoppeling kan van collega-kunstenaars zijn, maar kan ook van je publiek af komen. Soms zien anderen dingen die jij over het hoofd ziet.

Tot slot: Wees bereid om bij te sturen

Wat vandaag werkt, werkt morgen misschien niet meer.

Flexibiliteit is een van de grootste krachten van succesvolle kunstenaars.

Nog een praktijkvoorbeeld

Stel je eens een kunstenaar voor die jarenlang hetzelfde pad volgt: Dezelfde stijl, verkoop via dezelfde galerie, steeds weer dezelfde aanpak. De verkoop blijft echter meer en meer achter. In plaats van te blijven hopen dat het wel weer beter wordt, besluit deze kunstenaar het anders aan te gaan pakken.

Hij analyseert zijn resultaten, ontdekt dat zijn online werk beter aanslaat dan zijn galerie-exposities en besluit daar dus meer op in te zetten. Tegelijkertijd experimenteert hij met nieuwe formats en prijspunten.

Door deze combinatie van hoop en analyse ontstaat er weer beweging. Niet omdat hij zijn visie opgegeven heeft, maar juist omdat hij deze slimmer inzet.

Balans als een sleutel tot groei

Het principe: “Sta niet toe dat hoop de analyse overwint,” is essentieel voor kunstenaars die willen groeien. Hoop blijft heel belangrijk. Altijd! Maar die hoop moet wél ondersteund worden door inzicht en een doortimmerde strategie.

Door voorzichtig optimisme te omarmen, zorg je voor een kunstpraktijk waarin je niet alleen steeds beter werk maakt, maar ook betere keuzes. Je vergroot je kansen op succes, zonder daarbij afhankelijk te zijn van toeval.

Het is juist die combinatie van geloof in jezelf en eerlijk kijken naar de werkelijkheid die het verschil maakt tussen blijven proberen en daadwerkelijk door te breken. Kortom, wil jij leren hoe je jouw kunst niet alleen maakt, maar ook strategisch promoot en verkoopt? Verdiep je dan in marketing, positionering en publieksopbouw en ontdek hoe jij met inzicht én creativiteit meer impact en resultaat behaalt.

Het nut van een artist statement

Een artist statement is voor veel kunstenaars een lastig, maar wel essentieel onderdeel van hun kunstpraktijk. Een artist statement is veel meer dan een formele tekst. Het is een krachtig middel om je werk te kaderen, te verduidelijken en te positioneren binnen de drukke kunstwereld. In een tijd waarin beeld overvloedig is en aandacht schaars, helpt een goed geschreven statement om richting te geven aan hoe jouw werk wordt begrepen.

Allereerst biedt een artist statement helderheid aan de lezer. Voor jezelf, maar ook voor anderen. Het schrijven dwingt jou om na te denken over je motivatie, je thema's en je werkwijze. Waarom maak je wat je maakt? Welke vragen stel je? Door dit onder woorden te brengen, krijg je vaak al scherper zicht op je eigen ontwikkeling en keuzes. Dit kan zelfs invloed hebben op toekomstig werk, omdat het je bewust maakt van terugkerende patronen en intenties die je anders snel over het hoofd kunt zien.

Daarnaast speelt het een belangrijke rol in je communicatie. Curatoren, galeriehouders en publiek hebben niet altijd de tijd of context om je werk volledig te doorgronden. Een beknopt en helder statement fungeert dan als toegangspoort. Een artist statement hoeft geen uitleg te zijn die alles dichttimmert, maar eerder een uitnodiging om je werk beter te begrijpen en te ervaren.

Ook praktisch gezien is een artist statement onmisbaar. Het wordt vaak gevraagd bij tentoonstellingsaanvragen, subsidies en portfolio’s. Een sterke tekst kan het verschil maken tussen wel of niet geselecteerd worden. Het laat zien dat je niet alleen visueel, maar ook conceptueel kunt reflecteren op je werk.

Tot slot helpt een artist statement bij het bouwen van een consistente artistieke identiteit. In combinatie met je werk vormt het een geheel dat herkenbaar en vooral onderscheidend is. Het geeft woorden aan je beeldtaal en maakt je positie als kunstenaar duidelijker.

Kortom, een artist statement is geen verplicht nummer, maar een waardevol instrument. Het versterkt je praktijk, verdiept je inzicht en vergroot je kansen binnen de kunstwereld.

Een goed artist statement maken is te doen, zeker met de moderne hulpmiddelen. In het boek waar hier de cover van wordt weergegeven wordt het zelf maken van doelgerichte artist statements voor verschillende toepassingen uitgebreid behandeld.

Het verschijnt binnenkort in de Kunstenaarscommunity Kunstportaal Nederland .

https://modelmetkoffie.blogspot.com

Informatie over de komende evenementen, workshops of andere belangrijke dagen die interessant voor je kunnen zijn bij Jetje's dag.
De datum van de sessie:

Zondag 3 mei. Nader te bepalen tussen deelnemers

Voor meer informatie over "model met koffie" klik je hier

Om je in te schrijven klik je hier

Morgen gaan we eens lekker zwart/wit denken.

Colofon

Bijdragen

Bij belangstelling of vragen kun je altijd contact met me opnemen en dan kijk ik graag samen met jou wat er mogelijk is. En dat is wat mij betreft best veel.

Jetje's dag is op vele manieren te bereiken:

Jetje's dag is op mijn eigen Facebook en enkele pagina's

Al mijn foto's uit Jetje's dag staan ook op Pinterest

Kleinere berichten, foto's, kunstwerken etc. staan op een eigen blog

Zoekt u een begrip uit de kunst? Een kunstenaar? Een kunststroming?Klik hier, al wordt er nog druk aan gewerkt

Meer onderwerpen vinden? Gebruik Jetje's index!

22 april 2026 | Nr. 508 | Jetje in Assen

2026-04-22T07:50:15.114+02:00

22 april 2026 | Nr. 508 | Jetje in Assen

Jetje aan het woord

Goedemorgen allemaal op deze mooie dag vol mogelijkheden en nieuwe kansen

Vandaag ben ik eens wat meer het land ingetrokken. Weg uit die haastige Randstad en meer het mooie platteland op. Ik ben in Assen, een aparte plaats waar ik nog nooit was geweest. Dit soort steden kent in vergelijking met de steden in het westen van het land een weldadige rust en geven je echt het gevoel dat je er aan het ontspannen bent. En er is ongetwijfeld ook een grote groep kunstenaars die de voorkeur geeft aan rustige steden als Assen en vergelijkbaar, ten opzichte van een hectische stad als bijvoorbeeld Amsterdam.

Amsterdam ziet zichzelf graag als het centrum van alles en dus ook van de kunst. Dat zorgt voor flink wat aantrekkingskracht, grotere drukte en je zult dus ook veel meer moeite moeten doen om in die massa aan kunstenaars op te vallen en voldoende aandacht te trekken. Niet elke kunstenaar heeft daar zin in en velen gaan dan ook richting een gebied als Drenthe of Groningen. Wil je wereldwijd gaan, bekijk dan de mogelijkheid van NFT's eens een keer. Het is niet uitsluitend oplichting zoals veel mensen denken, al vraagt de toepassing wel wat kennis van zaken.

Jullie Jetje

Samenvatting van vandaag:

		1. Jetje in Assen;
		2. Soms kan een beslissing best uitgesteld worden;
		3. NFT's. Zijn die handig of echt eng?

Lokale kansen voor kunstenaars

Waarom werken buiten de grote steden jouw zichtbaarheid kan versnellen

Wat als jouw grootste kans op groei nu eens niet in Amsterdam ligt, maar juist in je eigen regio? Voor nieuwsgierige en leergierige kunstenaars opent de lokale kunstwereld deuren die vaak over het hoofd worden gezien. En dat kan leiden tot directe verkoop en sterke, duurzame connecties met je publiek.

In het kort:

Lokale kunstenaars in Assen en andere vergelijkbare regionale steden in Nederland profiteren van een overzichtelijke kunstmarkt, waarin persoonlijk contact, herkenbaarheid en directe interactie met kopers vaak leiden tot sterkere relaties. En dat geeft weer meer verkoopkansen dan de overvolle stedelijke kunstscènes zoals we die in de grote steden in de Randstad veel tegenkomen.

Regionale mogelijkheden bieden kunstenaars nog meer ruimte voor experimenten, het vinden van samenwerking en het vergroten van je zichtbaarheid. Vaak via lokale initiatieven, culturele instellingen en netwerken. Hierdoor kunnen kunstenaars hun werk beter positioneren en kunnen ze een loyaal publiek opbouwen dat betrokken blijft bij hun ontwikkeling.

Door strategisch gebruik te maken van zowel offline als online promotie kunnen kunstenaars hun regionale aanwezigheid versterken. Tegelijkertijd kunnen ze een brug slaan naar een breder nationaal of internationaal publiek. En dat allemaal zonder afhankelijk te zijn van de drukte van de grote kunststeden.

Bekend persoon

De positie van lokale kunstenaars in Assen

Voor kunstenaars in kleinere steden buiten de Randstad, zoals bijvoorbeeld Assen is de situatie uniek. In tegenstelling tot de grote steden is de concurrentie hier minder intens. Maar dat betekent beslist niet dat er minder kansen zijn. Integendeel: Juist doordat de kunstwereld lekker overzichtelijk is, krijgen individuele kunstenaars meer ruimte om zich er te profileren. Lokale kunstenaars worden er sneller herkend en daarmee eerder gewaardeerd. En dat kan weer leiden tot langdurige relaties met verzamelaars en liefhebbers.

Daarnaast is het publiek in kleinere steden vaak toegankelijker. Bezoekers van exposities zijn eerder geneigd om in gesprek te gaan met de kunstenaar, wat niet alleen bijdraagt aan de waardering van hun werk, maar ook aan de kans op verkoop. Deze directe interactie is een belangrijk voordeel van werken in een regionale context.

Regionale netwerken als groeimotor

In heel Nederland spelen regionale netwerken een belangrijke rol in de ontwikkeling van kunstenaars. Denk aan samenwerkingen met galerieën, culturele centra en lokale initiatieven. Deze netwerken bieden niet alleen expositiemogelijkheden, maar ook ondersteuning aan kunstenaars, onderlinge kennisdeling en promotie van kunstwerken.

Voor kunstenaars is het essentieel om actief deel te nemen aan deze netwerken. Door goed zichtbaar te zijn binnen je eigen regio, vergroot je de kans op uitnodigingen voor exposities en projecten aanzienlijk. Bovendien ontstaan er vaak spontane samenwerkingen met andere kunstenaars. En dat kan leiden tot nieuwe inzichten en verdere creatieve groei.

Promotie met een persoonlijk karakter

Waar marketing in grote steden vooral vaak draait om het krijgen van zoveel mogelijk bereik en het vergroten van je schaalgrootte, ligt in de regionale gebieden meer de nadruk op je persoonlijkheid en authenticiteit. Kunstenaars die hun verhaal durven te delen en zich openstellen voor hun publiek, hebben een aanzienlijk grotere kans om op te vallen.

Dit betekent dat promotie niet alleen gaat over het tonen van je werk, maar ook over het vertellen van je verhaal. Waarom maak je wat je maakt? Wat inspireert je? Door deze vragen te beantwoorden, zorg je voor een diepere connectie met je publiek. In een regionale context wordt deze persoonlijke benadering vaak extra gewaardeerd. En meer connectie is in het algemeen gesproken ook goed voor je omzet.

De kracht van de combinatie van lokale en online promotie

Hoewel de regionale kunstwereld veel voordelen biedt, is het belangrijk om niet uitsluitend lokaal te blijven denken. De combinatie van fysieke aanwezigheid in je regio en online zichtbaarheid kan je bereik aanzienlijk vergroten.

Social media, websites en online platforms maken het mogelijk om je werk aan een breder publiek te tonen. Tegelijkertijd blijft je lokale aanwezigheid een belangrijke basis. Mensen die je werk online ontdekken, willen vaak ook weten waar ze het fysiek kunnen zien. Door beide werelden te combineren, zorg je voor een sterke en duurzame positie.

Nieuwe definities van succes

Voor veel kunstenaars is succes lange tijd gekoppeld geweest aan erkenning in de grote steden of internationale doorbraken. Maar de realiteit verandert en de spoeling wordt dun door het groeiend aantal kunstenaars. Steeds meer van die kunstenaars ontdekken dat succes ook een stabiele praktijk, een betrokken publiek en regelmatige verkoop binnen een regionale markt, kan betekenen.

Deze verschuiving biedt nieuwe mogelijkheden. Kunstenaars kunnen hun eigen pad bepalen, zonder zich te hoeven aanpassen aan de verwachtingen van de grote kunstwereld. In plaats daarvan kunnen ze bouwen aan een praktijk die past bij hun eigen waarden en ambities.

Dus wil jij als kunstenaar niet langer afhankelijk zijn van de grote kunststeden, maar leren hoe je jouw eigen markt opzet en benut? Verdiep je dan in effectieve marketing- en promotiestrategieën die écht werken binnen jouw regio. En ontdek zo hoe je meer zichtbaarheid, verbinding en verkoop realiseert.

Waarom 'niet kiezen' soms de slimste strategie is voor kunstenaars die willen groeien en verkopen

Wat als jouw volgende doorbraak niet ligt in méér doen, maar juist in even niets beslissen? Voor nieuwsgierige en leergierige kunstenaars kan vertraging een onverwacht krachtig instrument zijn. Niet alleen als impuls voor je werk, maar ook voor verbetering van je zichtbaarheid, positionering en verkoop.

In het kort:

In een kunstwereld waarin snelheid en zichtbaarheid centraal lijken te staan, kan het bewust uitstellen van beslissingen juist leiden tot sterkere artistieke keuzes en effectievere promotiestrategieën die beter aansluiten bij jouw identiteit en doelgroep.

Door ruimte te nemen voor reflectie, vergroten van je emotionele helderheid en nieuwe inzichten voorkom je impulsieve keuzes tijdens je werk die je zichtbaarheid of verkoop kunnen schaden en bouw je aan een duurzame en consistente kunstpraktijk met meer impact.

Bewuste besluitloosheid stelt kunstenaars in staat om strategie, timing en presentatie beter op elkaar af te stemmen, waardoor zowel de artistieke kwaliteit als de commerciële waarde van het werk aanzienlijk kan toenemen.

De kracht van vertraging in een snelle kunstwereld

Ook in de hedendaagse kunstwereld lijkt alles te draaien om snelheid, net zoals in de rest van de maatschappij. Snel zichtbaar worden, snel posten, snel exposeren en vooral snel verkopen. Voor veel kunstenaars voelt dit alles als een constante druk om altijd maar in beweging te zijn. Toch schuilt er juist kracht in het tegenovergestelde, namelijk in vertraging.

Iets niet direct beslissen betekent helemaal niet dat je stilvalt. Het betekent dat je bewust voor ruimte zorgt om na te denken over je volgende stap. In die ruimte ontstaat vaak een helderder beeld van wat je werkelijk wilt bereiken met je kunst en hoe je dat effectief kunt communiceren naar je publiek.

Waarom kunstenaars soms te snel keuzes maken

Veel kunstenaars nemen beslissingen vanuit een gevoel van urgentie, zoals geldgebrek. De angst om kansen op opdrachten te missen, om onzichtbaar te blijven of om achter te lopen op anderen, kan leiden tot (te) snelle en soms wat ondoordachte keuzes. Denk aan het aannemen van exposities die in feite niet bij je passen, het verlagen van je prijzen zonder onderliggende strategie of het volgen van artistieke trends die op zich niet echt aansluiten bij je werk.

Deze keuzes lijken op korte termijn misschien wel logisch, maar kunnen op de lange termijn juist je positionering behoorlijk verzwakken. Beslissingen die voortkomen uit druk of onzekerheid missen vaak de diepgang en consistentie die nodig zijn voor duurzame groei.

Tijd nemen als strategisch voordeel

Wanneer je ervoor kiest om nog geen beslissing te nemen, geef je jezelf iets waardevols, namelijk tijd. Tijd om gewoon even na te denken, je opties te onderzoeken, je doelen opnieuw te formuleren of je intuïtie te laten spreken. Dit wachten is geen passieve houding, maar een strategische keuze.

Voor kunstenaars kan dit betekenen dat je wacht met een samenwerking tot deze echt past, of dat je een serie werk verder ontwikkelt voordat je deze naar buiten brengt. Door deze benadering bouw je aan een sterker en consistenter verhaal, wat essentieel is voor effectieve promotie en verkoop.

Emotionele helderheid en artistieke keuzes

Je mentale en emotionele staat heeft een grote invloed op de beslissingen die je neemt. Wanneer je handelt vanuit stress, twijfel of vermoeidheid, is de kans groot dat je keuzes maakt waar je later spijt van krijgt.

Door bewust te wachten tot je meer rust en overzicht hebt, kun je beslissingen nemen die beter aansluiten bij wie je bent als kunstenaar. Dit zorgt niet alleen voor meer tevredenheid, maar ook voor een authentiekere uitstraling naar je publiek. En dat is iets wat steeds belangrijker wordt in de kunstmarkt, omdat het je onderscheidt van veel van je collega-kunstenaars.

De balans tussen wachten en handelen

Hoewel wachten waardevol is, is het ook belangrijk om onderscheid te maken tussen bewuste vertraging en uitstelgedrag. Niet beslissen kan een krachtige strategie zijn, maar alleen als het leidt tot inzicht en richting.

Voor kunstenaars betekent dit, dat je eerlijk moet zijn naar jezelf: Wacht je omdat je nog informatie nodig hebt, of omdat je een moeilijke keuze probeert te vermijden? Het antwoord op die vraag bepaalt of je vertraging je vooruithelpt of juist tegenhoudt.

Zie nieuwe perspectieven door veel ruimte te laten

Eén van de grootste voordelen van niet direct beslissen is, dat het voor ruimte zorgt voor nieuwe ideeën. Door afstand te nemen van de druk om te kiezen, geef je jezelf de kans om anders naar je werk, je publiek en je strategie te kijken.

Vaak ontstaan in deze fase de meest waardevolle inzichten, ideeën die je niet had kunnen bedenken als je direct had gehandeld. Voor kunstenaars die willen groeien, zowel artistiek als commercieel, is dit een essentieel onderdeel van het proces.

Dus wil jij als kunstenaar niet langer vanuit druk of onzekerheid je keuzes maken, maar leren hoe je strategisch en bewust werkt aan je zichtbaarheid en verdere vergroting van je verkoop? Ontdek hoe je met slimme marketing- en promotie-inzichten jouw kunst sterker positioneert en meer impact maakt. En dat zonder jezelf te verliezen in de snelheid van de massa.

Zijn NFT's handig of een vorm van enge oplichting?

NFT's kennen een groep enthousiaste gebruikers, maar een nog vele malen grotere groep die er niet veel van begrijpt en het dus als nep en oplichterij beschouwt. De bijna dagelijkse pogingen om via online nep-berichten mensen te bewerken om in uiterst dubieuze constructies met NFT's te stappen doen daar ook niet veel goed aan.

In feite zou je moeten beginnen om eerst eens uitgelegd te krijgen waar NFT's nu eigenlijk voor bedoeld zijn. En dat is minder ingewikkeld dan je zou denken, als je ze ontdoet van alle rare technische kreten. En dat is dan ook het doel van dit boek dat net als de andere boeken die we hier op Kunstportaal laten zien, binnenkort te downloaden of te bestellen zullen zijn. Zie het maar als een vooraankondiging.

https://modelmetkoffie.blogspot.com

Informatie over de komende evenementen, workshops of andere belangrijke dagen die interessant voor je kunnen zijn bij Jetje's dag.
De datum van de sessie:

Zondag 3 mei. Nader te bepalen tussen deelnemers

Voor meer informatie over "model met koffie" klik je hier

Om je in te schrijven klik je hier

Het skateboard plein hier in de buurt gaat verdwijnen. dus moet ik het nog even waarnemen om een stukje in de halfpipe te skaten. Ik heb alleen nog geen skateboard, maar daar vind ik wel iets op.

Colofon

Bijdragen

Bij belangstelling of vragen kun je altijd contact met me opnemen en dan kijk ik graag samen met jou wat er mogelijk is. En dat is wat mij betreft best veel.

Jetje's dag is op vele manieren te bereiken:

Jetje's dag is op mijn eigen Facebook en enkele pagina's

Al mijn foto's uit Jetje's dag staan ook op Pinterest

Kleinere berichten, foto's, kunstwerken etc. staan op een eigen blog

Zoekt u een begrip uit de kunst? Een kunstenaar? Een kunststroming?Klik hier, al wordt er nog druk aan gewerkt

Meer onderwerpen vinden? Gebruik Jetje's index!

21 april 2026 | Nr. 507 | Jetje en de kunst van het optochten houden

2026-04-21T07:51:00.000+02:00

21 april 2026 | Nr. 507 | Jetje en de kunst van het optochten houden

Jetje aan het woord

Goedemorgen allemaal op deze mooie dag vol mogelijkheden en nieuwe kansen

Een optocht houden om van alles te laten zien is van alle tijden. De Romeinen lieten de overwonnen volkeren door de stad Rome lopen. Later waren de processies van de kerk populair. Dan hebben we natuurlijk de protestdemonstraties tegen alles wat er maar mis is in de wereld en dat is veel. Tegenhanger hiervan is de carnavalsoptocht. En het bloemencorso waar ik afgelopen zaterdag mezelf ook eventjes vertoond heb.

Als kunstenaar kun je ook nog wel het een en ander leren van de manier hoe je op deze manier je werk toont aan een heel groot publiek. En als je toch met kunst bezig bent, dan is het van belang om te weten hoe je voldoende diepte in je kunstwerken krijgt. Een handleiding is dan altijd handig nietwaar? Overigens komt er binnenkort een ophaalfunctie of een bestelmogelijkheid voor al deze boeken.

Jullie Jetje

Samenvatting van vandaag:

		1. Een kunstenaar kan veel halen uit een bloemencorso;
		2. Goed grenzen trekken is ook een kunst op zich;
		3. De samenvatting van een boekje over de verdieping van je kunst.

Van triomftocht tot bloemencorso

Wat kunstenaars kunnen leren van die eeuwenoude publieksmagie

Wat als de sleutel tot meer zichtbaarheid en daarmee de verkoop van je kunst niet alleen bij galerieën of online platforms ligt, maar ook in een eeuwenoude vorm van meer publieke beleving? Optochten, processies en corso’s trekken bijvoorbeeld al eeuwenlang grote mensenmassa’s en zorgen voor emotie, brengen verbinding en geven je later nog herinneringen. Voor nieuwsgierige en leergierige kunstenaars schuilt hier mogelijk een onverwachte bron van inspiratie voor ideeën voor je promotie en presentatie.

In het kort:

Optochten functioneren al eeuwen als krachtige visuele storytelling. Ze leveren een publieke ervaring waarin symboliek, ritueel en spektakel samenkomen. En dat is iets waar kunstenaars vandaag strategisch van kunnen leren voor zichtbaarheid en impact.

Het druk bezochte bloemencorso van de Bollenstreek laat zien hoe oude traditie en innovatieve vernieuwing samengaan in een hedendaagse vorm van visuele communicatie die emoties oproept en publiek actief betrekt bij een artistiek verhaal.

Door elementen uit optochten toe te passen, zoals beweging, collectiviteit en de juiste timing, kunnen kunstenaars hun werk sterker positioneren, beter promoten en een diepere connectie met hun publiek opbouwen.

Uitbundige deelnemers bij het bloemencorso

De lange geschiedenis van optochten

Optochten bestaan al sinds de oudheid en vervulden uiteenlopende functies. Van triomftochten van Romeinse legeraanvoerders tot religieuze processies waarin gemeenschappen aspecten van hun geloof uitdrukten: Ze waren altijd meer dan alleen maar een parade. Het waren zorgvuldig geregisseerde gebeurtenissen waarin beeld, symboliek en publiek samenkwamen.

Voor kunstenaars is dit interessant, omdat het laat zien hoe kunst en presentatie altijd al verbonden zijn geweest met context en publiek en dat het mogelijk is om relatief eenvoudig zeer grote groepen te boeien.

Een triomftocht in het oude Rome was bijvoorbeeld een vorm van pure propaganda: Macht en succes werden visueel en indrukwekkend gepresenteerd. Religieuze processies voegden daar later een spirituele laag aan toe, waarbij symbolen en rituelen een diepere betekenis kregen. Beide vormen gebruikten de nodige theatrale elementen die vandaag nog steeds relevant zijn.

Van traditie naar hedendaags spektakel

In de moderne tijd zien we optochten terug in allerlei vormen, van carnavalsoptochten tot nationale vieringen. Een bijzonder voorbeeld is het bloemencorso van de Bollenstreek. Hier worden praalwagens volledig opgebouwd uit bloemen, wat resulteert in een combinatie van al oude ambachten, allerlei kunstvormen en veel spektakel.

Wat dit corso interessant maakt voor kunstenaars, is de manier waarop hier traditie en innovatie samenkomen. Elk jaar worden totaal nieuwe ontwerpen gemaakt die inspelen op actuele thema’s, terwijl de basis, namelijk het werken met bloemen en de collectieve inzet, hetzelfde blijft. Dit laat zien dat vernieuwing niet automatisch betekent dat je de tradities moet loslaten, maar dat je er juist op kunt voortbouwen. Want de aandacht voor milieuzaken, duurzaamheid en dergelijke vraagt veel van de manier van opbouwen en niet te vergeten, ook weer van het slopen.

De kracht van deze puur visuele storytelling

Optochten zijn in essentie verhalen in beweging. Elke wagen, elk kostuum en elke choreografie draagt iets bij aan een veel groter geheel. Dit principe is ook direct toepasbaar op kunstpromotie. Kunstenaars die hun werk presenteren als onderdeel van een verhaal maken meer impact. En dan maakt het geen verschil of dat nu online is, in een expositie verwerkt of dat het in de openbare ruimte plaatsvindt.

Denk aan hoe je jouw werk kunt ‘framen’: Niet alleen als een object, maar als onderdeel van een proces, een idee of met name een ervaring die veel indruk achterlaat. Optochten leren ons dat de context en de vorm van de presentatie minstens zo belangrijk zijn als het werk zelf.

Het publiek erbij betrekken als actieve deelnemer

Een ander belangrijk aspect van optochten is de rol van het publiek. Toeschouwers zijn geen passieve kijkers. Ze worden onderdeel van de ervaring. Ze reageren op wat ze zien, delen foto's en selfies, halen hun herinneringen op en vertellen het verhaal weer door.

Voor kunstenaars betekent dit dat dit soort betrokkenheid essentieel is. Hoe kun je jouw publiek niet alleen naar iets laten kijken? Hoe kun je ze ook laten voelen en deelnemen? Dit kan goed door interactieve elementen toe te voegen, door verhalen te delen via social media of door voor live ervaringen rond je kunst te zorgen. Zo zie je nogal eens performance-artiesten die kunst, openingen van exposities en vergelijkbaar ondersteunen. Zie de dame met de tulp in de foto's.

Timing en zichtbaarheid

Optochten vinden vaak plaats op specifieke momenten: Feestdagen, seizoenswisselingen of belangrijke gebeurtenissen. Deze timing vergroot de impact nog verder en zorgt voor een groter publiek. Ook hier ligt een les voor kunstenaars in verborgen.

Door strategisch te kiezen wanneer en hoe je je werk presenteert, bijvoorbeeld rondom evenementen of actuele thema’s, kun je je zichtbaarheid aanzienlijk vergroten. Het gaat dan niet alleen om wat je laat zien, maar ook wanneer je dat doet.

Wat kunstenaars hiervan kunnen leren

De belangrijkste les is misschien wel dat kunst en presentatie onlosmakelijk met elkaar verbonden zijn. De genoemde optochten laten je zien hoe je met relatief eenvoudige middelen een groot publiek kunt bereiken, mits je de nodige aandacht besteedt aan je verhaal, de vorm die je er aan geeft en de gehanteerde timing.

Voor kunstenaars die hun werk beter willen promoten, biedt dit een waardevol perspectief. Het gaat niet alleen om het maken van kunst, maar ook om het zorgen voor een ervaring die de mensen raakt en die hen nog wel even bijblijft.

Wil je als kunstenaar niet alleen beter werk maken, maar ook begrijpen hoe je dat werk krachtiger presenteert en verkoopt? Duik dan dieper in de wereld van de marketing, storytelling en publieksbeleving en ontdek hoe jij jouw kunst zichtbaar maakt voor het juiste publiek.

Grenzen stellen zonder schuldgevoel

De verborgen marketingkracht voor kunstenaars

Veel kunstenaars denken dat zichtbaarheid en succes vooral draaien om méér doen, méér delen en overal 'Ja' op zeggen. Maar wat als juist het tegenovergestelde je nu eens verder brengt? Voor nieuwsgierige en leergierige kunstenaars ligt er een verrassende sleutel tot betere promotie en verkoop: Het durven stellen van duidelijke grenzen.

In het kort:

Het gevoel dat je iemand teleurstelt door een grens te stellen is vaak juist het signaal dat die grens hard nodig is en voor kunstenaars betekent dit dat ze hun tijd, energie en creatieve focus beter kunnen beschermen tegen afleiding en uitputting.

Door bewust grenzen te stellen in opdrachten, communicatie en zichtbaarheid ontstaat er meer ruimte voor kwalitatief werk en een sterkere positionering, wat uiteindelijk leidt tot meer herkenning en waardering van je kunst.

Grenzen zijn niet alleen persoonlijk maar ook strategisch: Ze helpen kunstenaars om hun merk te versterken, hun doelgroep te verfijnen en hun werk op een consistente en professionele manier te presenteren en te verkopen.

De betekenis van grenzen voor kunstenaars

De uitspraak “If you're afraid that establishing a boundary with someone will upset somebody, that's the evidence that the boundary is needed in the first place” raakt een kernprobleem waar veel kunstenaars mee worstelen. Grenzen stellen voelt vaak erg ongemakkelijk, vooral op een speelveld waar relaties, zichtbaarheid en kansen zo belangrijk zijn.

Toch is juist dat ongemak een belangrijk signaal. Wanneer je bang bent dat iemand negatief reageert op jouw grens, betekent dit vaak dat die persoon gewend is geraakt aan jouw flexibiliteit. Voor kunstenaars kan dit leiden tot situaties waarin je werk ondergewaardeerd wordt, jouw tijd versnipperd raakt en je creatieve energie uitgeput raakt.

Waarom grenzen toch essentieel zijn voor je creatieve proces

Creativiteit vraagt om ruimte, focus en rust. Wanneer je constant moet reageren op verzoeken, samenwerkingen of verwachtingen van anderen, verlies je die ruimte. Grenzen helpen je om die ruimte terug te claimen.

Denk bijvoorbeeld aan het aannemen van opdrachten die niet bij je passen, het constant reageren op berichten of het aanpassen van je werk om anderen tevreden te houden. Zonder duidelijke grenzen vervaagt jouw artistieke identiteit. Door bewust keuzes te maken, versterk je juist jouw unieke stem.

Grenzen als onderdeel van je positionering

Wat veel kunstenaars onderschatten, is dat grenzen ook een vorm van positionering zijn. Door te bepalen wat je wel en ook niet doet, geef je richting aan hoe anderen jou zien.

Wanneer je bijvoorbeeld selectief bent in samenwerkingen of duidelijk communiceert over je prijzen en werkwijze, straal je professionaliteit uit. Dit trekt niet alleen de juiste doelgroep aan, maar zorgt er ook voor dat je serieuzer genomen wordt.

Grenzen maken dus zichtbaar waar jij voor staat. Ze helpen je om je te onderscheiden in een overvolle markt.

De relatie tussen grenzen en perceptie van waarde door je publiek

Er is een direct verband tussen grenzen en hoe jouw werk wordt gewaardeerd. Als je altijd beschikbaar bent, snel toegeeft en weinig kaders stelt, kan dat onbedoeld de indruk wekken dat je werk minder waarde heeft.

Aan de andere kant zorgt duidelijkheid voor vertrouwen. Klanten en opdrachtgevers weten waar ze aan toe zijn en waarderen consistentie. Dit verhoogt niet alleen je professionele uitstraling, maar ook de bereidheid om voor jouw werk te betalen.

Grenzen in communicatie en marketing

Grenzen spelen ook een belangrijke rol in hoe je jezelf presenteert. Je hoeft niet op elk platform actief te zijn, niet elke trend te volgen en niet iedereen tevreden te stellen.

Effectieve marketing draait om focus. Door te kiezen waar je zichtbaar bent en hoe je communiceert, zorg je voor een helderder verhaal. Dit maakt het makkelijker voor je publiek om je te begrijpen en te onthouden.

Daarnaast helpt het om verwachtingen te managen. Door vooraf duidelijk te zijn over je processen, levertijden en mogelijkheden, voorkom je misverstanden en versterk je je professionele imago.

Grenzen als sleutel tot duurzame groei

Zonder grenzen loop je het risico op overbelasting en verlies van motivatie. Dat is niet alleen schadelijk voor jou als persoon, maar ook voor je carrière als kunstenaar.

Duurzame groei vraagt om balans. Door bewust met je tijd en energie om te gaan, kun je op de lange termijn consistenter werken en betere resultaten behalen. Grenzen zijn daarbij geen beperking, maar een voorwaarde voor ontwikkeling. Dus wil je als kunstenaar niet alleen creatief en artistiek groeien, maar ook leren hoe je jezelf strategisch positioneert en hoe je je werk beter verkoopt? Verdiep je dan in marketing, communicatie en ondernemerschap en ontdek daar hoe duidelijke keuzes en grenzen jouw succes versterken.

Samenvatting boek: Verdieping in een kunstwerk

Eerste indruk loslaten

Wanneer je naar een kunstwerk kijkt, is de eerste reactie vaak snel en intuïtief. Je vindt iets mooi, vreemd, verwarrend of juist saai. Die eerste indruk is waardevol, maar vormt meestal nog maar het oppervlak van wat een werk te vertellen heeft. Verdieping ontstaat pas wanneer je die eerste reactie even parkeert en jezelf toestaat om langer te kijken zonder direct te oordelen. Het werk krijgt dan de kans om zich langzaam te ontvouwen, alsof het pas na verloop van tijd echt begint te spreken.

Kijken als een proces

Verdieping in een kunstwerk is geen moment, maar een proces. Het vraagt om herhaald kijken. Elke keer dat je terugkeert naar hetzelfde werk, zie je iets anders zoals een detail in de compositie, een subtiele kleurverschuiving of een spanning tussen vormen die je eerder nog niet opviel. Dit herhaalde kijken maakt zichtbaar dat een kunstwerk niet één vaste betekenis heeft, maar meerdere lagen die zich stap voor stap laten ontdekken.

Context geeft betekenis

Een kunstwerk staat zelden op zichzelf. De historische, sociale en persoonlijke context waarin het is gemaakt, kan de betekenis aanzienlijk verdiepen. Wie is de maker, in welke tijd leefde die en welke thema’s speelden toen. Maar ook in welke ruimte zie je het werk nu. In een museum, op straat of online. Door deze context mee te nemen, verschuift de betekenis van het werk vaak van een losse indruk naar een rijker verhaal dat verbonden is met de wereld eromheen.

Aandacht voor techniek en materiaal

Verdieping ontstaat ook door aandacht te besteden aan hoe een werk is gemaakt. Het materiaalgebruik, de techniek en de fysieke opbouw van het werk zeggen vaak net zoveel als het onderwerp zelf. Een grove penseelstreek kan bijvoorbeeld spanning of emotie oproepen, terwijl een strak en gecontroleerd oppervlak juist afstand creëert. Door te begrijpen hoe iets is gemaakt, ga je anders kijken naar wat je ziet.

Persoonlijke associaties toelaten

Een kunstwerk wordt pas echt gelaagd wanneer je je eigen ervaringen toelaat. Wat roept het werk bij je op? Welke herinneringen, emoties of gedachten worden geactiveerd. Deze persoonlijke laag maakt dat een kunstwerk voor iedere toeschouwer iets anders kan betekenen. Verdieping ontstaat hier niet alleen uit analyse, maar juist ook uit verbeelding en gevoel.

Langzaam kijken als sleutel

In een wereld waarin we gewend zijn om snel te scrollen en te oordelen, vraagt verdieping in kunst om vertraging. Langzaam kijken is misschien wel de belangrijkste vaardigheid. Door tijd te nemen, wordt een kunstwerk geen vluchtige afbeelding meer, maar een ruimte waarin je kunt dwalen, ontdekken en steeds nieuwe verbanden kunt leggen. Juist daarin ligt de echte rijkdom van kunstervaring.

https://modelmetkoffie.blogspot.com

Informatie over de komende evenementen, workshops of andere belangrijke dagen die interessant voor je kunnen zijn bij Jetje's dag.
De datum van de sessie:

Zondag 3 mei. Deels gekleed / deels ongekleed.

Voor meer informatie over "model met koffie" klik je hier

Om je in te schrijven klik je hier

Hoewel de benzine nogal duur is, ga ik morgen toch een stukje verder kijken om wat foto's te maken. Namelijk is Assen.

Colofon

Bijdragen

Bij belangstelling of vragen kun je altijd contact met me opnemen en dan kijk ik graag samen met jou wat er mogelijk is. En dat is wat mij betreft best veel.

Jetje's dag is op vele manieren te bereiken:

Jetje's dag is op mijn eigen Facebook en enkele pagina's

Al mijn foto's uit Jetje's dag staan ook op Pinterest

Kleinere berichten, foto's, kunstwerken etc. staan op een eigen blog

Zoekt u een begrip uit de kunst? Een kunstenaar? Een kunststroming?Klik hier, al wordt er nog druk aan gewerkt

Meer onderwerpen vinden? Gebruik Jetje's index!

20 april 2026 | Nr. 506 | Jetje bekijkt de context van de kunstmarkt

2026-04-20T08:11:00.002+02:00

20 april 2026 | Nr. 506 | Jetje bekijkt de context van de kunstmarkt

Jetje aan het woord

Goedemorgen allemaal op deze mooie dag vol mogelijkheden en nieuwe kansen

Afgelopen zaterdag heb ik een bezoek aan de corsomarkt in Lisse gebracht. Altijd leuk om rond te lopen. De associatie met andere markten, zoals de kunstmarkt, dringt zich dan min of meer automatisch op. We hebben natuurlijk een kunstmarkt met kramen waar kunstenaars hun werk tonen en pogen te verkopen, maar ook de abstracte kunstmarkt waar vraag en aanbod wereldwijd bij elkaar komen en waar de nieuwe trends zichtbaar worden, de prijsontwikkeling tot stand komt en dergelijke. Die markt is minder zichtbaar, maar wel degelijk belangrijk genoeg om er vandaag eens aandacht aan te schenken. De jaarmarkt was in elk geval heel gezellig, net als het corso waar ik morgen nog op terug kom.

Jullie Jetje

Samenvatting van vandaag:

		1.Jetje denkt na over de kunstmarkt op de corsomarkt;
		2. Ben jij wel een beetje blij met jezelf?
		3. Context rond een kunstwerk is belangrijk voor de verkoop, maar hoe kom je er aan?

Daar loop ik dan op de corsomarkt, met mijn zelfgebouwde tulp. Die net als ik veel bekijks en leuke opmerkingen kreeg

Gebruik de kunstmarkt als een veelzijdig hulpmiddel!

De kunstmarkt ontleed: Hoe waarde, perceptie en strategie samenkomen

Even vanaf een bankje het schouwspel van de markt bekijken

Wat bepaalt nu echt de waarde van kunst? Zoals de kwaliteit van het werk, de naam van de kunstenaar, of het verhaal eromheen? Als je bereid bent anders te kijken naar promotie en verkoop, ontdek je dat de abstracte kunstmarkt (dus NIET de markt met de jaarlijkse kraampjes voor de kerk,) minder mysterieus is dan ze lijkt en juist vol kansen zit voor wie haar mechanismen begrijpt.

In het kort:

De kunstmarkt wordt niet alleen gestuurd door kwaliteit, maar vooral door de perceptie van het publiek, bestaande, nieuwe netwerken en je eigen positionering. Kunstenaars die deze dynamiek begrijpen, kunnen hun zichtbaarheid én verkoopkansen via deze kunstmarkt aanzienlijk vergroten zonder hun artistieke integriteit daarbij te verliezen.

Succesvolle kunstenaars combineren creativiteit met strategisch denken: Ze bouwen relaties op, creëren context rond hun werk en leren hoe ze de vraag kunnen stimuleren door consistentie, verhaal en een slimme presentatie.

Wie de kunstmarkt benadert als een systeem van waarde creatie in plaats van toeval, ontdekt nieuwe manieren om controle te krijgen over prijs, publiek en groei. En je maakt zo van marketing een verlengstuk van het kunstenaarschap zelf.

Even een reactie op een aardige mevrouw

De kunstmarkt als het systeem van vraag en aanbod

De kunstmarkt wordt vaak gezien als een ondoorgrondelijk netwerk waarin succes afhankelijk lijkt van geluk en vooral van het hebben van de juiste connecties. Toch functioneert deze markt volgens herkenbare patronen, net als andere markten zoals bijvoorbeeld de geldmarkt of de oliemarkt. Net als in andere sectoren draait het om vraag en aanbod, maar in de kunst speelt de perceptie, dus hoe het werk bij het publiek overkomt, vaak een doorslaggevende rol. De waarde van een kunstwerk wordt niet alleen bepaald door techniek of originaliteit, maar vooral door hoe het werk wordt ontvangen door het kopende publiek.

Voor kunstenaars betekent dit dat hun werk pas echt waarde krijgt binnen een context. Die context bestaat uit galerieën, tentoonstellingen en actieve verzamelaars. Maar ook uit verhalen, kritiek en zichtbaarheid. Zonder die context blijft zelfs sterk werk vaak gewoon onopgemerkt. Begrijpen hoe deze lagen samenwerken, is essentieel voor de kunstenaar die zijn positie wil versterken.

Spiegeltje, spiegeltje aan de wand....Het motto van het corso was tenslotte "sprookjes"

De rol van verhalen en betekenisgeving

Een kunstwerk spreekt niet alleen door vorm en inhoud, maar ook door het verhaal erachter. Verzamelaars en kijkers kopen niet alleen een object, maar ook een idee, een visie en een identiteit. Kunstenaars die in staat zijn hun werk te plaatsen binnen een groter netwerk van verhalen, vergroten de kans dat hun werk het publiek aan gaat spreken.

Dit betekent niet dat het verhaal dan maar verzonnen moet zijn. Integendeel: Authenticiteit is bij elke kunstvorm cruciaal. Maar het vraagt je wel om er bewust van te zijn. Waarom maak je dit werk? Welke thema’s onderzoek je? En hoe verbind je je werk met die chaotische wereld om je heen? Door deze vragen expliciet te stellen én te beantwoorden, wordt je werk toegankelijker en betekenisvoller voor een breder publiek.

Dat lijkt me wel een aardige bril

Netwerken als motor van zichtbaarheid

De kunstmarkt is sterk gedreven door contacten en relaties. Actieve contacten met galeriehouders, curatoren, andere kunstenaars en verzamelaars spelen een grote rol in het opbouwen van je carrière. Dit netwerk fungeert als een zichzelf versterkend proces: Hoe meer mensen jouw werk zien, bespreken en delen, hoe groter de kans dat je kunstwerk meerwaarde krijgt.

Voor veel kunstenaars voelt netwerken ongemakkelijk of zelfs oneerlijk omdat men voelt dat het speelveld niet voor iedereen gelijk is. Toch hoeft het niet te botsen met je integriteit. Netwerken kan ook iets anders betekenen zoals deelnemen aan gesprekken, samenwerken en zichtbaar zijn in relevante omgevingen. Het gaat daar dan minder om ‘verkopen’ en meer om aanwezig zijn op plekken waar jouw werk ertoe doet.

Zo'n oranje ding heb ik ook nog wel ergens

Prijsstelling en de psychologie van waarde

Een van de meest complexe aspecten van de kunstmarkt is de prijsbepaling. Veel kunstenaars baseren hun prijzen op tijd, materiaal of intuïtie. Hoewel dat een beginpunt kan zijn, speelt psychologie een minstens zo'n grote rol. Prijs communiceert namelijk de waarde.

Een te lage prijs zal twijfel op gaan roepen over de kwaliteit van het werk, terwijl een hogere prijs juist exclusiviteit en betekenis suggereert. Dit betekent niet dat prijzen dan maar willekeurig verhoogd moeten worden. Maar het zegt wel dat ze strategisch gekozen moeten zijn. Consistentie is daarbij belangrijk: Schommelende prijzen ondermijnen het vertrouwen in je werk juist weer.

Leuk bloemetje

Galerieën, platforms en alternatieve routes

Traditioneel vervullen galerieën een centrale rol in de kunstmarkt. Ze bieden niet alleen een plek om werk te tonen, maar ook toegang tot een netwerk van kopers. Tegelijkertijd ontstaan er tegenwoordig de nodige alternatieven zoals online platforms, social media, pop-up exposities en directe verkoop.

Voor kunstenaars biedt dit nieuwe kansen, maar ook de nodige nieuwe uitdagingen. Zonder galerie moet je zelf de rol van promotor, verkoper en storyteller gaan vervullen. Dat vraagt om een flinke uitbreiding van je vaardigheden, maar geeft jezelf ook wel weer meer controle. De vraag is niet welke route beter is, maar welke het beste past bij jouw doelen en werkwijze.

Alweer een spiegel. Denkt die er hetzelfde over?

Schaarste, consistentie en herkenbaarheid

Succesvolle kunstenaars begrijpen dat schaarste voor waarde zorgt. Dit betekent niet dat je minder moet produceren, maar dat je wél bewust omgaat met beschikbaarheid en presentatie van je werk. Beperk oplages, werk in series of zorg voor duidelijke fases in je kunstwerken. Zorg voor een langlopende visie, duidelijke doelen en een sterk plan.

Naast dat plan is consistentie belangrijk. Niet in de zin van herhaling, maar met name op het gebied van herkenbaarheid. Wanneer jouw werk een duidelijke signatuur heeft, wordt het makkelijker voor anderen om het te plaatsen en te onthouden. Dat vergroot niet alleen je zichtbaarheid, maar ook je marktpositie.

Marketing als verlengstuk van je kunstenaarschap

Het maken van foto's door voorbijgangers hoort er ook bij

Marketing wordt vaak gezien als iets externs, iets dat losstaat van het maken van kunst. Maar in werkelijkheid kan marketing een vanzelfsprekend onderdeel zijn van je praktijk. Het gaat daarbij niet om schreeuwen om aandacht, integendeel vaak zelfs, maar om het subtiel delen van je proces, je ideeën en je ontwikkeling als kunstenaar.

Door marketing te benaderen als een vorm van communicatie in plaats van voorbereiding van je verkoop, verandert de dynamiek. Je nodigt mensen uit om in jouw wereld te komen, in plaats van ze te overtuigen iets van je te kopen. Dat zorgt voor betrokkenheid en vertrouwen. Twee essentiële elementen in de kunstmarkt.

De kunstmarkt als speelveld voor strategie en experiment

Wie de kunstmarkt ziet als een vast systeem, loopt het risico zich beperkt te voelen. Maar wie haar benadert als een speelveld, ontdekt ruimte voor experimenten. Nieuwe presentatievormen, onverwachte samenwerkingen, andere prijsmodellen. Het zijn allemaal manieren om je positie opnieuw te definiëren.

Voor kunstenaars ligt hier een kans: Niet alleen om goed werk te maken, maar ook om de manier waarop dat werk de wereld gaat bereiken actief vorm te geven en te sturen. Dat vraagt moed en nieuwsgierigheid van de kunstenaar, maar levert ook veel vrijheid op.

Wil je dieper begrijpen hoe je jouw kunst niet alleen maakt, maar ook strategisch positioneert en verkoopt zonder je authenticiteit te verliezen? Duik dan verder in de wereld van de kunstmarketing en ontdek daar hoe je jouw kunstenaarschap fors kunt versterken met inzichten die je direct kunt toepassen.

Leuk, maar erg kloppen doet het niet

Elke vorm van groei begint bij jou van binnen

Waarom tevredenheid met jezelf je grootste marketingkracht als kunstenaar is

Wat als jouw grootste doorbraak in zichtbaarheid en verkoop niet begint bij harder werken, maar bij anders kijken naar jezelf? Voor kunstenaars die openstaan voor verdieping ligt er bij henzelf een onverwachte sleutel namelijk de zelfwaardering als fundament voor duurzame groei en succes.

In het kort:

Kunstenaars die leren tevreden te zijn met hun eigen ontwikkeling en prestaties bouwen een stabieler fundament voor groei, waardoor ze minder afhankelijk worden van externe bevestiging en sterker naar buiten kunnen treden met hun werk en verhaal.

Zelfvertrouwen en vertrouwen in toekomstige groei werken door in hoe kunst gepresenteerd, geprijsd en gepromoot wordt, wat weer direct invloed heeft op hoe anderen het werk waarnemen en waarderen binnen de kunstmarkt.

Door innerlijke rust te combineren met bewuste marketingkeuzes ontstaat een krachtige balans. Kunstenaars blijven trouw aan hun visie terwijl ze tegelijkertijd effectiever communiceren, beter netwerken en vooral meer verkopen.

Tevredenheid als basis voor artistieke groei

Veel kunstenaars richten hun aandacht voortdurend op wat nog beter kan. Hoewel deze drang naar ontwikkeling waardevol is, kan ze ook een bron van onrust worden. Tevredenheid met wat je al hebt bereikt, betekent niet dat je stilstaat. Verre van! Het betekent dat je erkent waar je nu staat en van daaruit verder bouwt.

Deze houding zorgt voor rust en focus. In plaats van te werken vanuit een tekort, werk je vanuit overvloed. Dat heeft direct invloed op de kwaliteit van je werk én op de manier waarop je jezelf presenteert. Mensen voelen heel goed het verschil tussen een kunstenaar die twijfelt en eentje die stevig in zijn of haar ontwikkeling staat.

Vertrouwen als motor voor zichtbaarheid

Vertrouwen in je eigen pad is essentieel voor zichtbaarheid. Wanneer je gelooft dat het steeds beter zal gaan, durf je vaker naar buiten te treden. Je deelt je werk makkelijker, gaat sneller in gesprek en bent minder bang voor afwijzing.

Dit vertrouwen werkt door in je communicatie. Je boodschap wordt helderder, consistenter en overtuigender. Niet omdat je harder probeert te verkopen, maar omdat je gelooft in wat je doet. Dat maakt een groot verschil in hoe anderen jouw werk ervaren.

De invloed van zelfbeeld op marketing

Marketing wordt vaak gezien als een technische vaardigheid, maar in werkelijkheid begint het bij zelfbeeld. Hoe jij naar jezelf kijkt, bepaalt hoe je jezelf positioneert. Een kunstenaar die twijfelt aan zijn waarde, zal dat vaak onbewust maar wel opzichtig uitstralen in de prijs, presentatie en communicatie.

Omgekeerd geldt hetzelfde: Iedereen die lekker tevreden is met zijn of haar ontwikkeling en vertrouwen heeft in groei, straalt dat eveneens uit. Dat vertaalt zich in veel sterkere en vaak betere keuzes. Je durft duidelijke prijzen te hanteren. Je gaat je werk met overtuiging tonen. En je gaat je verhaal delen zonder jezelf voor wie dan ook te verontschuldigen.

Van interne naar externe waarde

De waarde van kunst ontstaat niet alleen buiten jezelf, maar begint van binnen. Wanneer jij waarde toekent aan je werk, wordt het voor anderen makkelijker om die waarde te herkennen en over te nemen. Dit betekent niet dat je jezelf moet overschatten, maar wel dat je heel serieus neemt wat je maakt.

Deze interne waardering vormt de basis voor externe waardering. Het beïnvloedt hoe je onderhandelt, hoe je reageert op feedback en hoe je omgaat met kansen. Kunstenaars die stevig staan in hun eigen waarde, bewegen zich vrijer binnen de kunstmarkt.

Groei zien als een continu proces

Het idee dat het “steeds beter zal gaan” is krachtig, mits het realistisch wordt toegepast. Groei in de kunstwereld verloopt zelden lineair. Er zijn natuurlijk periodes van versnelling, maar ook van stilstand of zelfs terugval.

Door groei te zien als een proces, ontstaat er meer ruimte voor experiment en ontwikkeling. Je hoeft niet elke stap direct volledig perfect te zetten. In plaats daarvan focus je je op een consistente ontwikkeling op de wat langere termijn. Dat maakt je minder kwetsbaar voor tijdelijke tegenslagen. En het helpt je om door te blijven bouwen.

Het effect op prijs en positionering

Zelfvertrouwen en tevredenheid hebben directe gevolgen voor prijsstelling. Kunstenaars die twijfelen, hebben de neiging hun werk lager te prijzen of inconsistent te zijn. Dit kan het vertrouwen van kopers ondermijnen.

Wanneer je echter vertrouwen hebt in je ontwikkeling, wordt prijs een bewuste keuze in plaats van een onzeker compromis. Je positioneert jezelf duidelijker in de markt en je trekt een publiek aan dat past bij jouw werk en visie.

Authentieke communicatie als sleutel tot verbinding

Tevredenheid met jezelf maakt communicatie eenvoudiger. Je hoeft geen rol te spelen of jezelf anders voor te doen. In plaats daarvan kun je authentiek delen wat je bezighoudt, wat je onderzoekt en waar je naartoe werkt.

Deze vorm van communicatie zorgt voor verbinding. Mensen voelen zich van nature aangetrokken tot echtheid. Het maakt je werk toegankelijker en vergroot de kans dat anderen zich ermee identificeren. Dat is een krachtige basis voor zowel zichtbaarheid als verkoop.

Balans tussen innerlijke rust en externe actie

Het is verleidelijk om tevredenheid te verwarren met passiviteit. Maar in werkelijkheid gaat het om balans. Innerlijke rust vormt de basis, maar daarbovenop blijft actie nodig. Je blijft werk maken, delen en ontwikkelen.

Het verschil zit in de energie waarmee je dat doet. In plaats van gedreven door angst of tekort, werk je vanuit vertrouwen en nieuwsgierigheid. Dat maakt je aanpak duurzamer én effectiever op de lange termijn.

Jezelf positioneren zonder jezelf te verliezen

Een van de grootste uitdagingen voor kunstenaars is het vinden van een balans tussen authenticiteit en zichtbaarheid. Door tevreden te zijn met jezelf en vertrouwen te hebben in je groei, wordt deze balans makkelijker.

Je hoeft jezelf niet te veranderen om succesvol te zijn. In plaats daarvan leer je hoe je jouw bestaande kwaliteiten beter kunt communiceren. Dat maakt marketing geen bedreiging, maar een verlengstuk van je kunstenaarschap. Kortom, wil je ontdekken hoe je jouw innerlijke kracht kunt vertalen naar zichtbaarheid, betere verkoop en een sterkere positie in de kunstmarkt? Verdiep je verder in marketing en promotie en leer hoe je jouw unieke stem strategisch inzet zonder jezelf te verliezen.

https://modelmetkoffie.blogspot.com

Informatie over de komende evenementen, workshops of andere belangrijke dagen die interessant voor je kunnen zijn bij Jetje's dag.
De datum van de sessie:

Zondag 3 mei. Nader te bepalen tussen deelnemers

Voor meer informatie over "model met koffie" klik je hier

Om je in te schrijven klik je hier

Een samenvatting van het boekje "De magische context"

De tekst verkent het begrip ‘context’ in de kunst en laat zien waarom dit zo’n centrale rol speelt in de manier waarop we kunst ervaren en begrijpen. Context wordt beschreven als alles wat een kunstwerk betekenis geeft buiten het werk zelf: De achtergrond, het verhaal, de maker, de tijd, de omstandigheden en de manier van presenteren. Zonder context blijft een kunstwerk vaak stil en moeilijk te doorgronden. Met context begint het werk juist te spreken en krijgt het een duidelijke lading.

Context is belangrijk omdat mensen behoefte hebben aan houvast, vooral bij complexe of abstracte kunst. Het fungeert als een ingang waarmee de kijker het werk kan benaderen, zowel emotioneel als intellectueel. Het zorgt voor herkenning, nieuwsgierigheid en betrokkenheid. Daarnaast maakt context een kunstwerk onderscheidend en relevant: Het geeft het een unieke positie ten opzichte van andere werken.

Het boekje legt uit dat context zowel spontaan ontstaat als bewust wordt opgebouwd. Door tijd, ervaringen en omstandigheden groeit context vanzelf, maar kunstenaars hebben ook een actieve rol in het vormgeven ervan. Keuzes in titel, presentatie, materiaal, communicatie en omgeving dragen hier sterk aan bij. Ook externe factoren zoals galerieën, media en publiek spelen een rol. Context is daarmee een dynamisch samenspel van intentie en interpretatie.

Vervolgens worden verschillende manieren besproken om context te versterken. Een titel blijkt een krachtig hulpmiddel dat de interpretatie van de kijker direct stuurt. Een artist statement biedt inzicht in de intenties en achterliggende ideeën van de maker, mits deze in balans is en ruimte laat voor eigen interpretatie. Het werken in series zorgt voor samenhang en verdieping, doordat meerdere werken samen een groter verhaal vertellen.

Ook praktische elementen dragen bij aan context. Het dateren van werk plaatst het in een tijdsgeest, terwijl locatie-specifiek werken de omgeving onderdeel maakt van het kunstwerk. Symboliek voegt extra betekenislagen toe door te verwijzen naar bredere culturele of persoonlijke ideeën. Het delen van een persoonlijk verhaal maakt kunst toegankelijker en menselijker, terwijl historische en actuele verwijzingen het werk verbinden met een groter maatschappelijk of cultureel kader.

Daarnaast spelen materiaalkeuze en proces een belangrijke rol. Door uit te leggen waarom bepaalde materialen zijn gebruikt, krijgt de kijker inzicht in de intenties en afwegingen van de kunstenaar. Het tonen van het maakproces maakt kunst transparanter en laat zien dat het resultaat voortkomt uit experiment én ontwikkeling.

Tot slot wordt benadrukt dat ook de presentatiecontext invloed heeft: De plaatsing in een tentoonstelling, samenwerkingen met andere makers en het toevoegen van performance-elementen veranderen de betekenis van een werk. Kunst blijkt daarmee nooit op zichzelf te staan, maar altijd onderdeel te zijn van een groter geheel waarin context de sleutel vormt tot begrip en beleving.

Kortom, een boekje dat geschikt is voor iedereen, die de context van zijn kunst wil vergroten om een grotere kans op verkoop te krijgen.

Ik ben ook nog even bij het corso wezen kijken.

Colofon

Bijdragen

Bij belangstelling of vragen kun je altijd contact met me opnemen en dan kijk ik graag samen met jou wat er mogelijk is. En dat is wat mij betreft best veel.

Jetje's dag is op vele manieren te bereiken:

Jetje's dag is op mijn eigen Facebook en enkele pagina's

Al mijn foto's uit Jetje's dag staan ook op Pinterest

Kleinere berichten, foto's, kunstwerken etc. staan op een eigen blog

Zoekt u een begrip uit de kunst? Een kunstenaar? Een kunststroming?Klik hier, al wordt er nog druk aan gewerkt

Meer onderwerpen vinden? Gebruik Jetje's index!

17 april 2026 | Nr. 505 | Jetje bouwt tulpen

2026-04-17T07:51:00.000+02:00

17 april 2026 | Nr. 505 | Jetje bouwt tulpen

Jetje aan het woord

Goedemorgen allemaal op deze mooie dag vol mogelijkheden en nieuwe kansen

Morgen is het groot feest in de Bollenstreek. Dan trekt het jaarlijkse bloemencorso van Noordwijk naar Haarlem. Een kleurig geheel waar ook in de dorpen waar men doorheen komt de nodige aandacht aan wordt gegeven. Hier op het dorp is bijvoorbeeld een jaarmarkt die altijd druk bezocht wordt. En ook dit jaar moet ik daar als fotomodel natuurlijk even mijn opwachting maken en meestal neem ik een opvallend attribuut mee. Dit jaar maak ik een grote roodgele tulp met een opgeblazen ballon als basis. Ik laat nog wel even zien wat het geworden is. Ook zul je aan de artikelen merken dat de invloed van de kunstwereld op Jetje's dag geleidelijk aan steeds groter zal gaan worden.

Jullie Jetje

Samenvatting van vandaag:

		1. Jetje bouwt een tulp;
		2. Waarom onzichtbare blokkades je kunst én verkoop kunnen saboteren;
		3. Deel 4 van de boeken die we bespreken: De nieuwsgierige kijkers.

We beginnen met het opblazen van een ballon die als steun voor de tulp moet fungeren die we vandaag gaan maken

De bollenstreek, een paradijs voor kunstschilders

De bloeiende velden van de bollenstreek lijken een paradijs voor kunstenaars, maar achter die kleurrijke schoonheid schuilt een spanningsveld dat verrassend veel zegt over zichtbaarheid, publiek en waarde. Wat kun jij als kunstenaar leren van deze botsing tussen creativiteit en commercie?

De Nederlandse Bollenstreek, gelegen in de regio tussen grotere steden als Haarlem en Leiden, staat wereldwijd bekend om haar uitgestrekte velden vol kleurrijke tulpen, hyacinten en narcissen. Elk voorjaar verandert het landschap in een levend schilderij dat fotografen, toeristen en vele kunstenaars aantrekt. De combinatie van kleur, ritme en natuurlijke patronen maakt het gebied tot een bijna onweerstaanbare bron van inspiratie.

Voor kunstenaars biedt deze omgeving een unieke kans om direct te werken met licht, kleur en compositie. De velden functioneren als natuurlijke abstracties: Strakke lijnen van kleur die zich uit lijken te strekken tot aan de verre horizon. Het is dan ook niet verwonderlijk dat zowel kunstschilders als fotografen zich hier al decennialang door laten inspireren.

Zo, die groeit lekker

De keerzijde van de populariteit

Waar schoonheid veel publiek aantrekt, ontstaat ook de nodige druk. Jaarlijks bezoeken duizenden toeristen de bollenvelden. Vaak met het doel om foto’s en vooral selfies te maken midden tussen de bloemen. Dit leidt echter tot een probleem: De kwetsbare bloembollen worden vertrapt, oogsten raken beschadigd en kwekers lijden economische schade.

Voor kunstenaars is dit een interessant spanningsveld. Enerzijds is er de wens om de pure schoonheid te ervaren en vast te leggen, anderzijds is er de realiteit dat deze schoonheid onderdeel is van een verdienmodel voor vele gezinnen. De bloembollenvelden zijn beslist geen vrij toegankelijke natuur, maar economisch belangrijke productielandschappen.

Dit conflict tussen beleving en bezit is iets waar ook kunstenaars in bredere zin mee te maken hebben. Hoe presenteer je je werk aan een groot publiek zonder dat de essentie ervan verloren gaat? En hoe ga je om met de impact die zichtbaarheid met zich meebrengt?

Het volgende gele blad. Er komen er drie

Kunstenaars in en rond de Bollenstreek

De Bollenstreek heeft door de jaren heen verschillende kunstenaars geïnspireerd. Zo schilderde Claude Monet tijdens zijn verblijf in Nederland landschappen waarin licht en kleur centraal stonden, vergelijkbaar met de dynamiek van de bloeiende bloembollenvelden. Hoewel hij niet specifiek de bollenstreek vastlegde, beïnvloedde het Nederlandse landschap zijn werk sterk.

Ook Vincent van Gogh liet zich inspireren door bloemen en bloemenvelden, waarbij hij kleur gebruikte als expressief middel. Zijn bloemenschilderijen tonen eenzelfde fascinatie voor natuurlijke schoonheid en intensiteit al waren het geen bloembollen.

Dichter bij huis werkte Jan Sluijters met felle kleuren en expressieve vormen die doen denken aan de visuele kracht van bloeiende bollenvelden. En vele fotografen tonen hoe het Nederlandse landschap, inclusief agrarische omgevingen, kan worden vertaald naar krachtige visuele verhalen.

Zo, die zit er op

De les voor kunstenaars: Zichtbaarheid en verantwoordelijkheid

Wat kunnen kunstenaars leren van deze situatie? Allereerst dat zichtbaarheid altijd een prijs heeft. Hoe aantrekkelijker je werk of omgeving, hoe groter de kans dat het publiek erop afkomt. Dit geldt niet alleen voor fysieke locaties, maar ook voor online zichtbaarheid.

Wanneer je als kunstenaar groeit in bereik, krijg je te maken met verwachtingen, interpretaties en soms zelfs misbruik van je werk. Net zoals toeristen de velden betreden zonder altijd de gevolgen te overzien, kan ook jouw publiek omgaan met je werk op manieren die je niet had voorzien.

Het is daarom belangrijk om grenzen te stellen en bewust te communiceren. Dit kan betekenen dat je duidelijke richtlijnen geeft over het gebruik van je werk, of dat je kiest voor bepaalde vormen van presentatie die beter passen bij jouw visie.

Nu rode bloembladen tussenvoegen

Balans tussen inspiratie en exploitatie

De Bollenstreek laat zien hoe dun de lijn kan zijn tussen inspiratie en exploitatie. Wat begint als bewondering kan omslaan in overbelasting. Voor kunstenaars is dit een waardevolle metafoor: Hoe zorg je ervoor dat je werk inspireert zonder dat het ‘uitgeput’ raakt?

Dit vraagt om strategisch denken. Niet elke vorm van aandacht is waardevol en niet elk publiek past bij jouw werk. Door bewust te kiezen waar en hoe je zichtbaar bent, behoud je zelf de controle over je artistieke richting.

En zo plakken we alle bloembladen om de ballon heen

Het ontwikkelen van een bewuste kunstenaarspraktijk

Een duurzame kunstpraktijk vraagt om meer dan alleen talent. Het vraagt om inzicht in hoe je werk functioneert binnen een groter geheel van publiek, markt en context. De bollenstreek is hierin een treffend voorbeeld: Schoonheid alleen is niet genoeg, het moet ook beschermd en beheerd worden.

Als kunstenaar kun je deze les toepassen door niet alleen te focussen op creatie van kunst, maar ook op de positionering daarvan. Wie wil je met je kunst bereiken? Hoe wil je dat je werk door het publiek wordt ervaren? En welke impact op de kunstwereld wil je hebben?

Het wordt al wat, de ballon kan weg

Door deze vragen actief te stellen, ontwikkel je een praktijk die niet alleen artistiek sterk is, maar ook toekomstbestendig.

Kortom, wil je als kunstenaar niet alleen geïnspireerd raken, maar ook begrijpen hoe je jouw zichtbaarheid vergroot zonder jezelf te verliezen? Duik dieper in de wereld van de kunstmarketing en ontdek hoe je jouw werk krachtig kunt positioneren, beschermen en natuurlijk succesvol maken. Blijf leren, experimenteren en ontwikkel een strategie die echt bij jou past.

Zo snel leeglopen hoeft nu ook weer niet

De onzichtbare kettingen van de kunstenaar

Iemand die niet wil bewegen, merkt de kettingen waarmee hij vastzit vaak niet eens op. Dit beeld is treffend voor veel kunstenaars die worstelen met zichtbaarheid en verkoop. Ze zoeken oplossingen in externe factoren zoals betere platforms, het werven van meer volgers of slimmere marketingtechnieken. Maar wat vaak over het hoofd wordt gezien, is dat de grootste beperking van binnenuit komt.

Deze ‘kettingen’ bestaan uit overtuigingen zoals: “Mijn werk is niet goed genoeg, verkopen is commercieel en dus verkeerd of ik ben geen ondernemer." Zolang deze gedachten onbewust rond blijven zwerven, sturen ze je gedrag en niet altijd in de juiste richting. Je stelt promotie uit, vraagt te lage prijzen of durft jezelf niet een voldoende zichtbaar te maken. Het gevolg is een vorm van stagnatie, hoe goed je werk ook is.

Bewustwording als een eerste stap

Voor kunstenaars die meer grip willen krijgen op hun carrière, begint alles met bewustwording. Welke gedachten heb je over succes, geld en zichtbaarheid? Welke verhalen vertel je jezelf over wat voor jou mogelijk is?

Door deze vragen serieus te onderzoeken, ontstaat er ruimte. Je gaat zien dat veel overtuigingen geen feiten zijn, maar aangeleerde ideeën. Zeg maar aannames. Dit inzicht alleen al kan flink bevrijdend werken. Het maakt het je mogelijk om nieuwe keuzes te maken, zowel in je werk als in de manier waarop je jezelf presenteert.

De link tussen mindset en promotie

Marketing en promotie worden vaak gezien als puur technische vaardigheden. Natuurlijk zijn deze strategieën belangrijk, maar zonder de juiste mindset blijven ze ineffectief. Als je diep van binnen gelooft dat er echt niemand op jouw werk zit te wachten, zal zelfs de beste marketingcampagne niet overtuigend genoeg zijn om kopers te trekken.

Een open en onderzoekende houding zorgt ervoor dat je meer authentiek communiceert. Je durft je verhaal te vertellen, je werk te laten zien en verbinding te maken met je publiek. Dit is precies wat effectieve promotie onderscheidt van oppervlakkige reclame.

Zorgen voor beweging in je kunstenaarspraktijk

Zodra je je bewust wordt van je ‘kettingen,’ ontstaat er een keuzevrijheid. Je kunt besluiten om kleine stappen te gaan zetten, zoals je werk vaker delen, je prijzen te herzien of actief op zoek te gaan naar nieuwe netwerken.

Belangrijk is dat deze beweging nog niet perfect hoeft te zijn. Het gaat er nu om dat je in actie komt, ondanks je twijfel of je eventuele onzekerheid. Juist door iets te doen, doorbreek je oude patronen en zorg je voor nieuwe ervaringen die je zelfvertrouwen fors kunnen versterken.

Kunst en ondernemerschap verbinden

Voor veel kunstenaars voelt ondernemen als iets dat haaks staat op hun creatieve proces. Toch hoeft dat niet zo te zijn. Wanneer je je innerlijke blokkades onderzoekt en vervolgens loslaat, ontstaat er ruimte om ondernemerschap te zien als een verlengstuk van je kunstenaarschap.

Promotie wordt dan geen trucje, maar een noodzakelijke manier om je werk zichtbaar te maken voor de mensen die erdoor geraakt zouden kunnen worden. Verkoop wordt dan geen 'verderfelijk' kwaad meer, maar een logisch gevolg van waardevolle verbinding.

Dus wil je als kunstenaar niet alleen beter worden in je werk, maar ook begrijpen hoe promotie, marketing en verkoop écht werken op een dieper niveau? Verdiep je dan verder in deze inzichten en ontdek hoe je innerlijke blokkades doorbreekt én je zichtbaarheid vergroot.

Zet vandaag de eerste stap naar een vrijere en succesvollere kunstpraktijk.

https://modelmetkoffie.blogspot.com

Informatie over de komende evenementen, workshops of andere belangrijke dagen die interessant voor je kunnen zijn bij Jetje's dag.
De datum van de sessie:

Zondag 3 mei. Nader te bepalen tussen deelnemers

Voor meer informatie over "model met koffie" klik je hier

Om je in te schrijven klik je hier

Dit boekje, de nieuwsgierige kijkers, richt zich op mensen die zich onzeker voelen bij kunst en er daardoor een flinke afstand van houden. Het centrale idee is dat die onzekerheid niet nodig is. Kunst hoeft niet begrepen te worden. Je kunt er toch iets aan hebben. Het boek wil de drempel fors verlagen en nodigt de lezer uit om op een vrije, ongedwongen en persoonlijke manier naar kunst te kijken.

Veel mensen denken dat kunst alleen bedoeld is voor kenners. Ze voelen druk om iets “goeds” in die kunst te zien. Of er iets slims over te zeggen om niet dom over te komen. Alsof er een juiste universele interpretatie van kunst zou bestaan. Hierdoor wordt kijken naar kunst eerder een soort test dan een positieve ervaring. Volgens het boekje is dat een grote misvatting. Kunst heeft geen handleiding. Kunst heeft geen eenduidige betekenis. Het ongemak dat mensen voelen, komt voort uit de gewoonte om alles direct te willen begrijpen en te verklaren. Kunst doorbreekt dat patroon en vraagt juist om openheid en geduld.

Een belangrijk thema is dat er geen “goede” of “foute” manier van kijken bestaat. Het idee van “goede smaak” wordt ontkracht: Smaak is geen objectieve maatstaf. Het is iets persoonlijks wat gevormd wordt door opvoeding, omgeving en herhaling. De angst om iets verkeerd te zien houdt veel mensen tegen om echt naar kunst te gaan kijken. Het boek stelt dat je eerste reactie, of dat nu verwarring, irritatie, bewondering, interesse of nieuwsgierigheid is, juist zo waardevol is. Die reactie zegt iets over jou en jouw ontmoeting met het kunstwerk.

Daarnaast benadrukt het boek dat kennis niet noodzakelijk hoeft te zijn om kunst te ervaren. In plaats van eerst uitleg te zoeken, kun je beter gewoon beginnen met er goed naar te kijken. Je eigen blik is al gevormd door alles wat je hebt meegemaakt en is dus een volwaardig startpunt. Kennis kan later verdiept worden door er bijvoorbeeld over te gaan lezen, maar kan ook je directe ervaring, je eerste indruk, verminderen doordat die kennis weer alles in vaste kaders gaat plaatsen.

Ook het beeld van de kunstenaar wordt bijgesteld. Kunstenaars zijn geen alwetende figuren, maar ook mensen die twijfelen en zoeken. Hun werk is geen definitief antwoord, maar eerder een moment in een proces. Daardoor ontstaat er een gelijkwaardiger relatie tussen maker en kijker. Beiden zijn immers zoekend en niet volledig zeker.

Het boek legt verder de nadruk op voelen boven begrijpen. Kunst hoeft niet logisch of duidelijk te zijn om toch een betekenisvolle rol te spelen. De vraag: “Wat betekent dit?” kan het kijken naar het werk zelfs blokkeren. Een betere vraag is daarom dan ook: “Wat gebeurt er met mij terwijl ik naar dit kunstwerk kijk?” Daarmee verschuift de aandacht van het kunstwerk als een lastig te doorgronden object naar de persoonlijke ervaring.

Ook wordt het idee losgelaten dat je kunst moet gaan kopen om er echt betrokken bij te zijn. Kijken, aandacht geven, terugkomen of erover praten zijn net zulke waardevolle manieren om deel te nemen aan de kunstwereld. Aandacht wordt gezien als een belangrijke vorm van betrokkenheid.

Tot slot plaatst het boek kunst dichter bij het dagelijks leven. Kunst is niet alleen iets voor musea, maar zit ook in alledaagse ervaringen. Kunst hoeft daarom niet verheven of ingewikkeld te zijn om toch betekenis te kunnen hebben. Het boek eindigt dan ook met een eenvoudige uitnodiging:

Kom kijken zonder verwachtingen, zonder oordeel en zonder verplichtingen. Alleen kijken is voorlopig al genoeg.

Maandag gaan we eens kijken hoe ik de feestvreugde het ervaren, uiteraard samen met de tulp.

Colofon

Bijdragen

Bij belangstelling of vragen kun je altijd contact met me opnemen en dan kijk ik graag samen met jou wat er mogelijk is. En dat is wat mij betreft best veel.

Jetje's dag is op vele manieren te bereiken:

Jetje's dag is op mijn eigen Facebook en enkele pagina's

Al mijn foto's uit Jetje's dag staan ook op Pinterest

Kleinere berichten, foto's, kunstwerken etc. staan op een eigen blog

Zoekt u een begrip uit de kunst? Een kunstenaar? Een kunststroming?Klik hier, al wordt er nog druk aan gewerkt

Meer onderwerpen vinden? Gebruik Jetje's index!

16 april 2026 | Nr. 504 | Jetje als stierenlokker

2026-04-16T07:35:00.001+02:00

16 april 2026 | Nr. 504 | Jetje als stierenlokker

Jetje aan het woord

Goedemorgen allemaal op deze mooie dag vol mogelijkheden en nieuwe kansen

We weten het allemaal. Stieren reageren op rode lappen. Kijk maar naar de verfoeilijke gewoonte van de Spaanse stierengevechten waar de toreador, de stierenvechter, het dier loopt te treiteren met een rode lap. Waarschijnlijk is daar onze kennelijk wat beperkte kennis over rode lappen en stieren wel vandaan gekomen. Maar moet je nu extra voorzichtig zijn als je iets roods aanhebt en een stier tegenkomt? Na vandaag weet je alles.

Jullie Jetje

Samenvatting van vandaag:

		1. Jetje wil weten hoe het zit met stieren en rode lappen;
		2. Er komen altijd weer betere tijden;
		3. Deel 3. van de boekenserie over de betrokken verzamelaar.

Met een stuk gordijnstof kun je er nog best gekleed uitzien

De stier en de rode lap zijn bekend maar klopt het ook?

Veel mensen kennen het beeld van een woeste stier die direct op een wapperende rode lap afstormt. Het is een iconisch tafereel uit het stierenvechten, vooral geassocieerd met landen als Spanje. Maar klopt het eigenlijk wel dat stieren een hekel hebben aan de kleur rood? Het korte antwoord is "Nee," dat is grotendeels een mythe.

Stieren zien geen rood zoals wij dat doen

Stieren zijn, net als andere runderen, gedeeltelijk kleurenblind. Ze beschikken over minder kleurgevoelige kegeltjes in hun ogen dan mensen. Waar wij een breed spectrum aan kleuren zien, nemen stieren vooral contrasten waar. De kleur rood zoals wij die kennen, zien zij waarschijnlijk als een soort grijs- of bruintint. De beroemde rode lap, die de “muleta” wordt genoemd, heeft dus niet vanwege de kleur zijn effect.

Beweging is de echte trigger voor de stier

Wat stieren wél sterk waarnemen, is beweging. Een zwaaiende lap trekt hun aandacht omdat die contrasteert met de omgeving en continu verandert van positie. Dat wekt hun natuurlijke reactie op. En die bestaat uit onderzoeken, verdedigen of gewoon aanvallen. Het maakt daarbij nauwelijks uit of de lap rood, blauw of wit is. In experimenten is aangetoond dat stieren net zo fel reageren op andere kleuren, zolang er maar beweging in zit.

Waarom dan toch rood?

De keuze voor een rode lap in het stierenvechten is vooral praktisch en cultureel bepaald. Tijdens een gevecht raakt de lap vaak bevlekt met bloed. Op een rode achtergrond valt dat minder op, wat voor het publiek een “netter” en acceptabeler beeld geeft. Daarnaast is rood een kleur die voor mensen sterk geassocieerd wordt met gevaar, passie en spanning. Het versterkt dus de dramatiek van het spektakel.

Een hardnekkige mythe

De overtuiging dat stieren agressief worden van rood is diep verankerd in onze cultuur. Het beeld komt terug in cartoons, films en spreekwoorden. Maar wetenschappelijk gezien is het onjuist. Het is niet de kleur die de stier boos maakt, maar de provocatie en de beweging van het object.

Conclusie:

Stieren hebben geen speciale afkeer van de kleur rood. Wat hen in beweging brengt, is wat beweegt. De rode lap is dus vooral een menselijke keuze, geen dierlijke trigger. De mythe blijft bestaan omdat hij visueel sterk en eenvoudig te begrijpen is maar de werkelijkheid is een stuk minder spectaculair en een stuk logischer.

En verder mogen ze die mishandeling van die dieren wat mij betreft vandaag nog stoppen.

De wet van pechmomenten

Soms lijkt het alsof alles tegelijk misgaat. Je verliest je sleutels, krijgt slecht nieuws op je werk en precies die dag begint het ook nog te regenen. Het voelt dan bijna alsof problemen elkaar aantrekken, alsof er een onzichtbare kracht is die alles opstapelt. Dit fenomeen is herkenbaar voor veel mensen. Wanneer één ding misgaat, ben je al uit balans en dat maakt het makkelijker om ook andere tegenslagen zwaarder te ervaren. Wat op een goede dag slechts een kleine irritatie zou zijn, kan op zo’n moment aanvoelen als de druppel die de emmer doet overlopen.

Waarom bij negatieve situaties alles tegelijk lijkt te gebeuren

Er zijn psychologische verklaringen voor dit gevoel. Ons brein is namelijk sterk gericht op patronen. Wanneer we in een negatieve stemming zitten, letten we meer op wat er misgaat dan op wat goed gaat. Daarnaast kunnen praktische omstandigheden zich ook opstapelen. Stress vermindert je concentratie, waardoor je sneller fouten maakt of dingen vergeet. Hierdoor lijkt het alsof pech zich vermenigvuldigt, terwijl het in werkelijkheid een combinatie is van toeval en een vorm van perceptie. Het gevoel van controle verlies speelt hierbij een grote rol.

De kracht van perspectief

Juist op zulke momenten is het belangrijk om stil te staan bij je eigen perspectief. Hoe je naar situaties kijkt, bepaalt namelijk voor een heel groot deel hoe zwaar ze voor jou wegen. Door bewust even afstand te nemen, kun je vaak wat relativeren. Want niet alles wat misgaat is even belangrijk. En niet alles blijft permanent. Wat vandaag een groot probleem lijkt, kan morgen al minder zwaar aanvoelen. Het helpt om kleine lichtpuntjes te zoeken zoals een vriendelijk woord, een kop koffie, of simpelweg het besef dat de dag voorbijgaat.

Geduld als houvast

Een van de moeilijkste, maar meest waardevolle vaardigheden in zulke periodes is geduld. Tegenslagen hebben de neiging om tijdelijk te zijn, ook al voelt dat op het moment zelf niet zo. Door niet direct in paniek te raken of alles tegelijk te willen oplossen, geef je jezelf de ruimte om dingen stap voor stap aan te pakken. Geduld betekent niet dat je passief bent, maar dat je accepteert dat niet alles direct beter wordt.

Er komen altijd betere tijden

Misschien wel de belangrijkste gedachte om vast te houden is dat slechte periodes nooit eeuwig duren. Net zoals goede momenten komen en gaan, doen moeilijke tijden dat ook. Het leven beweegt in golven. Door vertrouwen te houden dat er weer rustiger vaarwater komt, kun je beter omgaan met de storm. Uiteindelijk maken juist deze momenten je veerkrachtiger en sterker. Dus hoe zwaar het nu ook voelt, houd vol, want betere tijden zijn altijd onderweg.

https://modelmetkoffie.blogspot.com

Informatie over de komende evenementen, workshops of andere belangrijke dagen die interessant voor je kunnen zijn bij Jetje's dag.
De data van de sessie:

Zondag 3 mei. Nader te bepalen tussen deelnemers

Voor meer informatie over "model met koffie" klik je hier

Om je in te schrijven klik je hier

Inleiding "de betrokken verzamelaar"

In boekje 3. de betrokken verzamelaars, onderzoeken we hoe verzamelen kan uitgroeien van bezit naar betrokkenheid. Het vertrekpunt ligt bij het eerste, vaak intuïtieve moment, waarop een kunstwerk iemand werkelijk raakt.

Die oorspronkelijke verwondering, dus het gevoel dat iets je uit je pas brengt, vormt de kern van betrokken verzamelen. Na verloop van tijd kan ervaring en marktkennis het kijken echter steeds rationeler gaan maken, waardoor verwondering plaatsmaakt voor een vorm van herkenning en bevestiging.

Het boek verkent de spanning tussen liefde en markt. Kennis van reputaties, prijzen en trends is waardevol, maar kan de directe relatie tussen verzamelaar en werk vertroebelen. Wanneer aankopen vooral marktlogica volgen, vervaagt de persoonlijke betekenis. Liefde voor kunst, het geraakt worden zonder dat er een externe bevestiging is, fungeert daarom als kompas.

Daarnaast benadrukt de tekst dat wie alleen het eindresultaat ziet, een belangrijk deel van kunst mist. Want kunst kent nu eenmaal een proces van twijfel, mislukking en herziening. Nabijheid zoeken tot de makers verdiept het kijken en maakt het verzamelen minder anoniem. Kunst krijgt daardoor meer betekenis wanneer het wordt gezien en benaderd als een moment in een doorlopend proces.

Verzamelen hoeft bovendien beslist geen solitaire bezigheid te zijn. Door samen te kijken, te twijfelen en de nodige gesprekken te voeren zonder enige statusdrang, ontstaat de nodige verdieping.

Context speelt hierbij een cruciale rol. Verhalen, herinneringen en persoonlijke ervaringen verrijken het eigenaarschap. Een kunstwerk mét context wordt daardoor meer dan een object. Het wordt onderdeel van een levend cultureel verhaal.

Het boek pleit voor vertrouwen boven exclusiviteit en voor relatie boven transactie. Werkelijke betrokkenheid groeit in tijd, zorg en wederkerigheid. Met het werk én met de maker. In plaats van uitbreiding en bezit staat verdere verdieping centraal.

De afsluitende uitnodiging is helder. Neem als verzamelaar anders deel. Niet méér kopen, maar dieper gaan kijken. Niet focussen op waarde in geld, maar op betekenis in tijd.

Zo worden het verzamelen en de verzamelaar zelf een belangrijke vorm van zorg, dialoog en gedeelde verantwoordelijkheid binnen het culturele ecosysteem.

Morgen ga ik een tulp maken.

Colofon

Bijdragen

Bij belangstelling of vragen kun je altijd contact met me opnemen en dan kijk ik graag samen met jou wat er mogelijk is. En dat is wat mij betreft best veel.

Jetje's dag is op vele manieren te bereiken:

Jetje's dag is op mijn eigen Facebook en enkele pagina's

Al mijn foto's uit Jetje's dag staan ook op Pinterest

Kleinere berichten, foto's, kunstwerken etc. staan op een eigen blog

Zoekt u een begrip uit de kunst? Een kunstenaar? Een kunststroming?Klik hier, al wordt er nog druk aan gewerkt

Meer onderwerpen vinden? Gebruik Jetje's index!

15 april 2026 | Nr. 503 | Jetje heeft een bullshit-baan

2026-04-15T07:42:00.001+02:00

15 april 2026 | Nr. 503 | Jetje heeft een bullshit-baan

Jetje aan het woord

Goedemorgen allemaal op deze mooie dag vol mogelijkheden en nieuwe kansen

Een tijdje geleden moest ik een telefonische afspraak maken met de gemeente. De betreffende ambtenaar belde om iets voor half zes. Ik legde uit waarom het ging en we zouden een afspraak maken voor een gesprek. De ambtenaar zou me daar de volgende dag opnieuw voor bellen, want het was inmiddels drie minuten over half zes geworden en hij mocht volgens de regels geen afspraken maken in overuren.

Sinds die tijd begrijp ik waarom het zetten van een stempeltje bij de overheid wekenlang moet gaan duren. Veel mensen geloven niet meer in hard werken. Of ze nemen een zogenaamde bullshitbaan aan waarbij ze er van uit gaan dat als je niet werkt, je toch ook gewoon je geld krijgt? En je kunt altijd nog vliegtuigjes gaan vouwen. Ik heb het vouwen geleerd van een beëedigd Rijksambtenaar in de rang van Referendaris. Die weten hoe dat moet.

Of de rest van het beeld klopt weet ik niet, ik heb het nooit uitgeprobeerd. Maar dat hard werken zeker geen garantie op een doorbraak biedt, daar ben ik wel zeker van.

Jullie Jetje

Samenvatting van vandaag:

		1. Jetje op kantoor;
		2. Het is maar net hoe je tegen alles aan kijkt;
		3. Deel 2 van de boekenserie: De zoekende makers, de 90% makers die slecht verkoopt.

Daar zit ik dan. Eens kijken wat de nieuwe dag voor leuk werk gaat brengen

Geluk, timing en de juiste connecties

Het is verleidelijk om te denken dat een carrière vooral draait om geluk, timing en de juiste connecties. En eerlijk is eerlijk: Die factoren spelen absoluut wel een rol. Maar het is ook te simpel om te zeggen dat hard werken minder belangrijk is geworden. In werkelijkheid gaat het bijna altijd om een combinatie van beide.

Eerst koffie om goed wakker te worden

Hard werken: De basis, maar niet genoeg op zichzelf

Hard werken blijft essentieel. Zonder inzet, discipline en doorzettingsvermogen kom je zelden ver. Je moet vaardigheden ontwikkelen, ervaring opdoen en betrouwbaar zijn. Dat vormt de fundering van elke carrière. Maar hard werken alleen garandeert geen succes. Er zijn genoeg mensen die ontzettend hard werken zonder echt door te breken.

Nou, de agenda is knap leeg vandaag

Geluk en timing zijn de echte versnellers

Geluk, timing en “op het juiste moment op de juiste plek zijn” werken vaak als versnellers. Je kunt jaren werken aan iets en dan ineens komt er een kans voorbij die alles in beweging zet. Dat lijkt geluk, maar vaak ben je alleen in staat die kans te benutten omdat je al die tijd hebt geïnvesteerd in jezelf.

Eens kijken wat er verder te doen valt

Netwerk en zichtbaarheid vormen je brug

Mensen kennen is belangrijker geworden, vooral in een wereld waarin kansen vaak via anderen komen. Maar een netwerk opbouwen is geen trucje. Het is iets wat groeit uit oprechte interesse, samenwerking en vooral betrouwbaarheid. Als je goed werk levert, gaan mensen je onthouden en aanbevelen.

Hier is ook al niets

Het echte verschil zit hem vaak in slim werken

Wat steeds belangrijker is, is niet alleen hard werken, maar slim werken. Dat betekent:

Kiezen waar je energie in steekt;
Zichtbaar maken wat je doet;
Inspelen op kansen;
Jezelf blijven ontwikkelen in de juiste richting.

Is er misschien een e-mailtje om te lezen?

De realiteit is meestal een stapeling van factoren.

Succes is zelden één ding. Het is meestal een stapeling: Je werkt hard → je wordt beter → mensen merken dat → je netwerk groeit → je krijgt kansen → en soms heb je geluk dat dat precies op het juiste moment gebeurt.

Nou, dan ga ik mij maar vermaken met vliegtuigjes vouwen

Het wordt al wat

Het wordt zelfs steeds beter...

Kort gezegd:

Dit vliegtuigje is mooi geworden. Die zal best goed vliegen

Hard werken is nog steeds nodig, maar het is beslist niet voldoende. Geluk en connecties helpen, maar zonder inhoud kom je niet ver. De mensen die het verst komen, combineren meestal drie dingen: Ze werken hard, ze positioneren zichzelf slim en ze blijven lang genoeg in het spel om “geluk” tegen te komen.

Nou, ik kom de dag verder wel door

De kracht van je perspectief

De zin “je belangrijkste bezit en het meest bepalend voor je leven is de manier waarop je tegen de wereld aankijkt” draait om één kernidee: Je perspectief op de wereld vormt jouw realiteit. Wat je meemaakt is belangrijk, maar hoe je die ervaringen interpreteert is vaak nog veel bepalender. Twee mensen kunnen in exact dezelfde situatie zitten en toch een totaal ander leven ervaren, simpelweg omdat ze er anders naar kijken.

Wat betekent ‘de manier waarop je kijkt’?

De manier waarop je naar de wereld kijkt, wordt gevormd door je overtuigingen, ervaringen, opvoeding en verwachtingen. Het is als een bril waardoor je alles ziet. Die bril kan optimistisch zijn, waardoor je kansen ziet, of juist negatief, waardoor je vooral obstakels opmerkt. Deze “mentale lens” bepaalt niet alleen wat je opvalt, maar ook hoe je reageert op wat er gebeurt.

Invloed op keuzes en gedrag

Je perspectief beïnvloedt direct je gedrag. Als je gelooft dat de wereld vol mogelijkheden zit, zul je sneller risico’s nemen en nieuwe dingen proberen. Denk je juist dat alles tegenzit, dan blijf je eerder in je comfortzone. Hierdoor ontstaat een zichzelf versterkend effect: Je kijk op de wereld stuurt je keuzes en die keuzes bevestigen vervolgens weer je kijk.

Emoties als gevolg van interpretatie

Wat je voelt, komt vaak voort uit hoe je iets interpreteert. Een tegenslag kan je zien als bewijs dat je faalt, of als een kans om te leren. In het eerste geval ervaar je frustratie of somberheid, in het tweede geval motivatie en groei. De gebeurtenis is hetzelfde, maar de emotionele uitkomst verschilt enorm door je perspectief.

Veranderbaarheid van je kijk

Het krachtige aan deze gedachte is dat je perspectief niet vaststaat. Je kunt leren om anders te kijken. Door bewust stil te staan bij je gedachten en overtuigingen, kun je ze bijstellen. Dit betekent niet dat je de realiteit ontkent, maar dat je kiest voor een interpretatie die je helpt in plaats van belemmert.

Een praktisch gevolg

Als je inziet dat je kijk op de wereld je belangrijkste bezit is, ga je er zorgvuldiger mee om. Je investeert in zelfreflectie, je leert van al je ervaringen en staat altijd open voor nieuwe inzichten. Daarmee vergroot je je invloed op je eigen leven, zonder dat de omstandigheden per se hoeven te veranderen.

Conclusie:

De zin benadrukt dat niet de wereld zelf, maar jouw interpretatie ervan de grootste invloed heeft op je leven. Door bewust te werken aan hoe je kijkt, kun je je ervaringen, keuzes en uiteindelijk je levensloop sturen. Je perspectief is daarmee geen detail, maar de basis van alles wat je doet en voelt.

https://modelmetkoffie.blogspot.com

Informatie over de komende evenementen, workshops of andere belangrijke dagen die interessant voor je kunnen zijn bij Jetje's dag.
De data van de sessies

Zondag 3 mei. Nader te bepalen tussen deelnemers

Voor meer informatie over "model met koffie" klik je hier

Om je in te schrijven klik je hier

SAMENVATTING BOEKJE 2. De zoekende makers

De 90% kunstenaars waarbij de verkoop nog even op zich laat wachten

Boekje nummer 2. De zoekende makers, richt zich op de grote, vaak nogal stille meerderheid van kunstenaars die wel veel mooie kunstwerken maken, maar niet of nauwelijks verkopen. Deze makers vormen beslist geen uitzondering of mislukte voorhoede, maar juist een brede, veelzijdige groep die serieus werkt, onderzoekt en blijft produceren zonder de vanzelfsprekende zichtbaarheid of erkenning. Beide blijven vaak uit.

Slecht verkopen is geen gebrek aan talent

Het boekje benadrukt dat gebrek aan verkoop zelden te maken heeft met gebrek aan talent. Kwaliteit is meestal ruimschoots aanwezig. Wat ontbreekt, is de context: Een geschikte omgeving waarin werk kan landen, gezien kan worden zonder directe beoordeling of de aanwezigheid van verkoopdruk. Tussen werk en publiek zit vaak geen vorm van een afwijzing, maar er heerste een leegte. Er is geen brug waar over partijen elkaar kunnen vinden. Er is geen gedeelde ruimte waarin ontmoeting vanzelfsprekend is. De ruimtes die er zijn, geven vaak een elitaire indruk en zijn daardoor hoogdrempelig, wat het merendeel van de geïnteresseerden buiten de deur houdt.

Gericht op zichtbaarheid, profilering en rendement

Twijfel bij de kunstenaar speelt hierin een centrale rol. Die twijfel is geen teken van falen, maar van betrokkenheid en zorgvuldigheid. De zoekende maker neemt het eigen werk vaak meer dan serieus en wil het niet te vroeg vastzetten in een eenduidig verhaal of een commerciële positionering. Toch ontstaat er spanning in een kunstwereld die sterk gericht is op zichtbaarheid, profilering en rendement.

De mythe van “goed genoeg”

Het boek ontmantelt de mythe van “goed genoeg." Het idee dat kwaliteit vanzelf boven komt drijven. In werkelijkheid vraagt zichtbaarheid van de kunstenaar en diens werk. En om het regelen van de juiste omstandigheden, veel netwerken en heel veel herhaling. Onzichtbaarheid wordt vaak door de kunstenaar zelf onterecht als een persoonlijk tekort gezien en dat is zeker niet terecht.

Het ontstaan van de juiste woorden

Daarnaast onderzoekt de tekst hoe woorden kunnen ontstaan zonder dat ze het werk vastzetten of verdedigen en hoe echte aandacht, kijken zonder oordeel, een diep effect kan hebben op zowel het werk als de maker. Ontmoetingen tussen kunstenaar en geïnteresseerd publiek, zonder de aanwezigheid van verkoopdruk blijken essentieel voor ontwikkeling: Rust is hierbij geen luxe. Het is een voorwaarde.

De kernboodschap

De kernboodschap is helder: Positie komt vóór promotie. Eerst begrijpen waar je staat, daarna pas naar buiten treden. Het boek is geen handleiding voor meer verkoop, maar een erkenning van een volwaardige positie. Het werk is er al. Misschien is dat al meer dan genoeg om vandaag nog te beginnen. Het lezen van het boek kan die eerste stap al zijn.

Even uit de buurt van stieren blijven, morgen.

Colofon

Bijdragen

Bij belangstelling of vragen kun je altijd contact met me opnemen en dan kijk ik graag samen met jou wat er mogelijk is. En dat is wat mij betreft best veel.

Jetje's dag is op vele manieren te bereiken:

Jetje's dag is op mijn eigen Facebook en enkele pagina's

Al mijn foto's uit Jetje's dag staan ook op Pinterest

Kleinere berichten, foto's, kunstwerken etc. staan op een eigen blog

Zoekt u een begrip uit de kunst? Een kunstenaar? Een kunststroming?Klik hier, al wordt er nog druk aan gewerkt

Meer onderwerpen vinden? Gebruik Jetje's index!

14 april 2026 | Nr. 502 | Is poedersuiker alleen voor een kerststol?

2026-04-14T07:39:00.000+02:00

14 april 2026 | Nr. 502 | Is poedersuiker alleen voor een kerststol?

Jetje aan het woord

Goedemorgen allemaal op deze mooie dag vol mogelijkheden en nieuwe kansen

Grote zoete dingen. De meeste mensen zijn er gek op, gezien het grote aantal wat zwaardere personen in het land. Wat iedereen natuurlijk vooral zelf moet weten. Ik ben niet zo van een overheid die ons voorschrijft wat we wel en vooral niet mogen eten van de wet. Het gevaar van overdreven betutteling ligt altijd op de loer en als je op de Veluwe bent opgegroeid dat weet je alles van zinloze betutteling. Niet alleen van de overheid. Ook van andere instituten. Dus je een keertje afzetten met een overdosis poedersuiker en slagroom is dan een prima manier om je eens lekker af te reageren. De foto's zijn van fotostudio Haaglanden in Katwijk.

Jullie Jetje

Samenvatting van vandaag:

		1.Jetje onder de poedersuiker als een kerststol. Of moet dat feeststol zijn tegenwoordig?
		2.Falen is goed voor je;
		3.De wereld van mijn bedrijf bestaat uit vier groepen. Vandaag met een samenvatting van het boek over de eerste.

De aantrekkingskracht van zoetigheid

Zoetigheid heeft een bijna magische aantrekkingskracht op mensen. Van jongs af aan worden we aangetrokken tot zoete smaken, of het nu gaat om snoep, gebak of rijp fruit. Die voorkeur is niet toevallig: Zoet staat van nature voor energie en voeding. In de oertijd hielp het ons om calorierijke voeding te herkennen, wat essentieel was om te overleven. Vandaag de dag is die natuurlijke voorkeur nog steeds aanwezig, maar leven we in een wereld waarin zoetigheid overal en altijd in flinke mate beschikbaar is.

Zoet in cultuur en traditie

Zoetigheid speelt een belangrijke rol in veel culturen en tradities. Denk aan feestdagen waarbij lekkernijen centraal staan, zoals taart bij verjaardagen of zoete specialiteiten tijdens religieuze vieringen. Zoet eten wordt vaak geassocieerd met beloning, troost en gezelligheid. Het delen van iets zoets versterkt sociale banden en zorgt voor momenten van verbinding. Hierdoor krijgt zoetigheid niet alleen een fysieke, maar ook een flinke emotionele waarde.

De keerzijde van zoet

Hoewel zoetigheid plezier en energie kan geven, heeft overmatige consumptie ook nadelen. Te veel suiker kan leiden tot gezondheidsproblemen zoals overgewicht, tandbederf en een verhoogd risico op chronische ziekten. Daarnaast kan een sterke afhankelijkheid van zoete smaken ervoor zorgen dat natuurlijke smaken minder gewaardeerd worden. Het is daarom belangrijk om bewust om te gaan met hoeveel en hoe vaak je zoet eet.

Bewust genieten

Zoetigheid hoeft echter niet vermeden te worden om gezond te leven. Het draait vooral om balans. En om bewust genieten. Door af en toe te kiezen voor kwaliteit boven kwantiteit door bijvoorbeeld een goed stuk chocolade te nemen in plaats van gedachteloos maar wat te snacken, kun je meer voldoening halen uit minder. Ook het combineren van zoet met andere smaken, zoals bitter of zuur, kan de beleving onverwacht verdiepen en overconsumptie tegengaan.

Een blijvende verleiding

Zoetigheid zal altijd een rol blijven spelen in ons leven. Het is verweven met onze biologie, cultuur en emoties. De uitdaging ligt niet in het volledig vermijden ervan, maar in het vinden van een gezonde relatie ermee. Door bewust te kiezen en te genieten zonder overdaad, blijft zoetigheid een bron van plezier in plaats van een valkuil.

De kracht van falen

Verhalen over succes zijn inspirerend, maar vaak ook afstandelijk. Ze tonen het eindpunt, het resultaat waar velen van dromen, maar slechts weinigen bereiken. Verhalen over falen daarentegen raken een diepere snaar. Ze zijn herkenbaar, menselijk en eerlijk. Iedereen heeft immers wel eens gefaald ongeacht ervaring, talent of ambitie. Juist daarom hebben deze verhalen een grotere impact: Ze laten zien dat falen geen uitzondering is, maar een essentieel onderdeel van groei.

Waarom falen verbindt

Succes kan bewondering oproepen, maar falen creëert verbinding. Wanneer iemand openlijk spreekt over mislukkingen, ontstaat er ruimte voor herkenning. Mensen voelen zich minder alleen in hun eigen worstelingen. Het idee dat zelfs succesvolle mensen obstakels hebben moeten overwinnen, maakt hun prestaties niet alleen indrukwekkender, maar ook geloofwaardiger. Falen haalt het perfecte plaatje weg en vervangt het door een realistisch verhaal waar anderen zich in kunnen herkennen.

Leren van misstappen

Falen is niet alleen onvermijdelijk, het is ook waardevol. In veel gevallen leer je meer van wat er mis gaat, dan van wat direct lukt. Mislukkingen dwingen je om kritisch te kijken naar je aanpak, keuzes en aannames. Ze bieden inzicht en helpen je om bij te sturen. Wie succes wil bereiken in welk vakgebied dan ook, zal moeten accepteren dat fouten maken daarbij hoort. Sterker nog: Zonder fouten is er vaak weinig echte vooruitgang.

Begin met het eerlijke verhaal

Wanneer je anderen wilt leren hoe ze succesvol kunnen worden, is het verleidelijk om alleen de hoogtepunten te delen. Toch is het juist krachtig om te beginnen bij de dieptepunten. Door eerst te vertellen wat er misging, geef je een completer en eerlijker beeld van het proces. Het maakt je verhaal niet zwakker, maar sterker. Mensen leren niet alleen wat werkt, maar ook wat niet werkt en dat is minstens zo waardevol.

Succes als gevolg van doorzetten

Uiteindelijk is succes zelden een rechte lijn omhoog. Het is eerder een pad vol omwegen, tegenslagen en momenten van twijfel. De mensen die het uiteindelijk “maken," zijn vaak degenen die niet opgaven na hun eerste (of tiende) mislukking. Door falen te omarmen als onderdeel van het proces, verander je je kijk op succes. Het wordt geen einddoel meer, maar een logisch gevolg van volhouden, leren en blijven proberen.

https://modelmetkoffie.blogspot.com

Informatie over de komende evenementen, workshops of andere belangrijke dagen die interessant voor je kunnen zijn bij Jetje's dag.
De data van de sessie:

Zondag 3 mei. Nader te bepalen tussen deelnemers

Voor meer informatie over "model met koffie" klik je hier

Om je in te schrijven klik je hier

Samenvatting van het boek: “De gevestigde makers,"

De beschrijving van het vak "10% verkoopt wél."

De cover van het boek, deel 1 van 4

Deze tekst richt zich op kunstenaars die succesvol verkopen en beschrijft de complexe fase die ontstaat wanneer verkoop geen doel meer is, maar een vanzelfsprekendheid is geworden. Waar verkoop in het begin bevestiging en erkenning brengt, kan die later gemakkelijk leiden tot vervreemding. Succes wordt dan een vorm van routine. Wat ooit spannend was, wordt normaal. Daardoor verschuift de centrale vraag van “Wordt mijn werk gezien?” naar “Wat staat er nog op het spel?” Het risico ontstaat dat kunstenaars keuzes niet langer maken vanuit noodzaak of nieuwsgierigheid, maar vanuit verwachting en behoud van een goed functionerend systeem.

Succes zorgt bovendien voor het ontstaan van een rol: De rol van de herkenbare maker met een duidelijke stijl of thematiek. Zichtbaarheid vraagt om herhaling en wat herkend wordt, wordt opnieuw verwacht. Die rol kan richting geven, maar kan je ook beperken wanneer het werk dienstbaar wordt aan het beeld dat bij het publiek van de kunstenaar is ontstaan. De markt werkt hierin als spiegel: Zij bevestigt wat zichtbaar is en versterkt de al bestaande patronen, vaak subtiel en zonder expliciete druk. Tegelijk ontstaat interne druk om consistent te blijven en risico’s te vermijden.

Autonomie komt daardoor onder spanning te staan. Vrijheid verandert van vanzelfsprekend recht in een afweging met consequenties. Herhaling kan verdieping zijn, maar wordt problematisch wanneer zij voortkomt uit voorzichtigheid. Echte autonomie vraagt soms om keuzes zonder directe bevestiging, om ruimte waarin werk mag ontstaan zonder meteen te functioneren of te verkopen.

Ook de relatie met het publiek verandert. De ontmoeting verschuift van gesprek naar transactie. De tekst pleit ervoor het publiek opnieuw als gesprekspartner te zien, zodat frictie en uitwisseling de praktijk levend houden. Daarnaast wordt verdieping boven groeiambitie geplaatst: Niet steeds verder, maar dieper. Context krijgt prioriteit boven louter zichtbaarheid; Werk moet kunnen landen in plaats van alleen circuleren.

Tot slot benadrukt de tekst het belang van goede collega's en reflectieve ruimtes en nodigt zij uit tot vertraging. Succes is geen eindpunt, maar een overgangsfase waarin kunstenaars hun positie, betekenis en autonomie opnieuw moeten bepalen om relevant en levend te blijven.

Morgen ga ik vliegen.

Colofon

Bijdragen

Bij belangstelling of vragen kun je altijd contact met me opnemen en dan kijk ik graag samen met jou wat er mogelijk is. En dat is wat mij betreft best veel.

Jetje's dag is op vele manieren te bereiken:

Jetje's dag is op mijn eigen Facebook en enkele pagina's

Al mijn foto's uit Jetje's dag staan ook op Pinterest

Kleinere berichten, foto's, kunstwerken etc. staan op een eigen blog

Zoekt u een begrip uit de kunst? Een kunstenaar? Een kunststroming?Klik hier, al wordt er nog druk aan gewerkt

Meer onderwerpen vinden? Gebruik Jetje's index!

13 april 2026 | Nr. 501 | Jetje's verrassende fotocadeautjes

2026-04-13T06:46:00.000+02:00

13 april 2026 | Nr. 501 | Jetje's verrassende fotocadeautjes

Jetje aan het woord

Goedemorgen allemaal op deze mooie dag vol mogelijkheden en nieuwe kansen

We zijn aan de volgende 500 posts voor Jetje's dag begonnen. De komende tijd gaan we langzaam maar zeker van alles veranderen zoals ik heb aangekondigd, maar de komende week verandert er nog niet zo veel, hooguit gaan we alvast wat zaken toelichten zoals ons zakelijke wereldbeeld. Vandaag komen de foto's uit Groningen. Fotograferen in een vreemde stad is altijd een tocht met verrassingen en je hoopt altijd dat je objecten en taferelen voor de lens krijgt die je gebruiken kunt. "Cadeautjes van de stad" noem ik ze. Leuke onderwerpen om mee te poseren. Zoals dit bootje. Hoewel een bootje in een stad op zich niet logisch lijkt te zijn. Of valt dat wel mee? We gaan er eens samen naar kijken. Net als naar ons wereldbeeld waar we onze bedrijvigheid tegenaan gaan houden.

Jullie Jetje

Samenvatting van vandaag:

		1. In onbekende steden vind je nog wel eens een cadeautje;
		2. Ideeën moet je vooral gewoon even laten rijpen.

Een bootje dat niet lang zal drijven

Een beeld van een bootje. Niet iets dat je verwacht in een grote stad als Groningen. Of is de associatie van water en Groningen toch niet zo vreemd?

Groningen en de scheepvaart

De provincie Groningen heeft al eeuwenlang een sterke band met de scheepvaart. Water was hier nooit een barrière, maar het zorgde juist voor de verbindingen. Er was zo een route naar handel, welvaart en contact met de rest van de wereld. De ligging aan de noordkust van Nederland, dicht bij de Waddenzee en de Noordzee, maakte Groningen tot een natuurlijke speler in de maritieme wereld en een natuurlijke poort naar Noord-Duitsland.

De opkomst van een handelsregio

Al in de middeleeuwen ontwikkelde de stad Groningen zich tot een belangrijk handelscentrum. Schepen vervoerden graan, hout en turf via een netwerk van kanalen en waterwegen. De beroemde verbinding met de Duitse stad Bremen speelde hierin een grote rol. De scheepvaart was niet alleen economisch van belang, maar vormde ook de basis voor culturele uitwisseling en groei.

In de 19e eeuw kreeg de scheepvaart een enorme impuls door de aanleg van het Eemskanaal. Dit kanaal verbond de stad Groningen rechtstreeks met de zee, waardoor ook grotere schepen Groningen konden bereiken. Hierdoor groeide de handel nog verder en ontstond er meer bedrijvigheid langs de oevers.

Delfzijl en de nieuwe maritieme toegang

Een cruciale rol in de Groningse scheepvaart wordt gespeeld door Delfzijl. Deze havenstad fungeert al eeuwen als toegangspoort tot de zee. Via de Eems kunnen schepen vanuit het achterland de open zee bereiken. Delfzijl ontwikkelde zich tot een belangrijk knooppunt voor zowel binnenvaart als zeevaart.

Tegenwoordig is de haven van Delfzijl nog steeds van betekenis, vooral voor industrie en logistiek. Hoewel de schaal kleiner is dan die van grote wereldhavens, blijft de strategische ligging een kracht.

Scheepvaart vandaag de dag

De scheepvaart in Groningen is veranderd, maar zeker niet verdwenen. Moderne binnenvaartschepen vervoeren nog steeds goederen door de provincie, terwijl kleinere havens en jachthavens een rol spelen in recreatie en toerisme. Water blijft een essentieel onderdeel van het Groningse landschap en de economie.

Daarnaast is er steeds meer aandacht voor duurzaamheid. Nieuwe technieken en schonere brandstoffen maken de scheepvaart milieuvriendelijker, wat belangrijk is in een kwetsbaar gebied als de Waddenzee.

Een blijvende verbinding

De scheepvaart heeft Groningen gevormd tot wat het vandaag is: Een regio met een open blik en een sterke handelsgeest. Van middeleeuwse koggeschepen tot moderne binnenvaart, het water blijft stromen door de geschiedenis van deze noordelijke provincie. Het is een verhaal van aanpassing en continuïteit, waarin verleden en toekomst elkaar ontmoeten op het ritme van de golven.

En dan is een kunstwerk in de vorm van een scheepje eigenlijk nog niet eens zo gek.

Goede ideeën ontstaan niet in één keer

Het is bijna onmogelijk om meteen de beste invalshoek te vinden wanneer je voor het eerst over iets nadenkt dat je op wilt lossen. Dat geldt voor iedereen: Schrijvers, ondernemers, kunstenaars en probleemoplossers. De eerste gedachte die opkomt is vaak nog vaag en oppervlakkig, teveel voor de hand liggend of gebaseerd op wat je al langer kent. Dat is geen probleem als je het maar niet als de oplossing ziet maar eerder als een startpunt.

In plaats van te streven naar directe perfectie, is het verstandiger om te accepteren dat goede ideeën tijd nodig hebben. Creativiteit is geen flits. Het is een proces. Het proces ontstaat door herhaling, reflecteren op wat je aan het doen bent en het weer durven terugkeren naar hetzelfde vraagstuk.

AI-afbeelding

Herhaling als sleutel tot inzicht

De meest effectieve manier om tot waardevolle inzichten te komen, is door een probleem regelmatig opnieuw te bekijken. Elke keer dat je dat doet, neem je nieuwe ervaringen, kennis en perspectieven met je mee. Daardoor zie je de dingen die je eerder over het hoofd zag nu plotseling wél.

Bijvoorbeeld: Stel dat je een idee hebt voor een artikel, een project of een oplossing voor een probleem. Schrijf je eerste gedachten op en leg ze weg. Kom er een dag later op terug. Je zult merken dat er automatisch nieuwe invalshoeken ontstaan. Misschien zie je nu wél verbanden die er eerst niet waren. Of ontdek je dat een idee nog veel beter kan worden uitgewerkt dan dat je al gedaan hebt.

Herhaling is op deze manier zeker geen verspilling van tijd. Het is juist de manier waarop een nog veel te oppervlakkig idee de noodzakelijke diepgang kan krijgen.

Tijd als de grote onzichtbare kracht

Tijd speelt een cruciale rol in het ontwikkelen van ideeën. Terwijl jij iets ogenschijnlijk “loslaat," blijft je brein op de achtergrond rustig en ongestoord doorwerken. Nieuwe informatie wordt verwerkt, herinneringen worden aan elkaar gekoppeld en langzaam ontstaan er betere inzichten.

Dit betekent dat je jezelf ruimte moet geven. Niet alles hoeft vandaag af. Sterker nog: De beste ideeën ontstaan vaak pas nadat je er meerdere keren een nachtje over hebt geslapen.

Tijd is daarmee geen vijand van productiviteit. Het is een bondgenoot van kwaliteit.

Praktische toepassing in het dagelijks leven

Hoe kun je dit alles nu een beetje concreet gebruiken?

Werk in rondes

Begin met een eerste versie, hoe simpel die ook is.

Plan de herhaling direct in

Kom bewust terug op hetzelfde idee, bijvoorbeeld na 24 uur.

Schrijf wel alles op

Nieuwe gedachten verdwijnen heel snel als je ze niet vastlegt.

Laat het idee een tijdje rusten

Forceer geen doorbraak. Dat werkt niet, maar geef het de tijd die nodig is.

Blijf nieuwsgierig naar de uitkomst

Stel jezelf telkens opnieuw de vraag: “Kan dit beter? of anders?”

Door deze aanpak voorkom je dat je blijft hangen in middelmatige ideeën en geef je jezelf de kans om tot echte kwaliteit te komen.

Conclusie:

De beste ideeën ontstaan zelden in één moment. Ze groeien, rijpen en ontwikkelen zich over langere tijd. Door bewust terug te keren naar een probleem en jezelf de ruimte te geven om opnieuw te denken, ontstaan er inzichten die anders verborgen zouden blijven.

Tijd ontsluit ideeën.

Maar dan moet je wel bereid zijn om die tijd ook daadwerkelijk te nemen.

https://modelmetkoffie.blogspot.com

Informatie over de komende evenementen, workshops of andere belangrijke dagen die interessant voor je kunnen zijn bij Jetje's dag.
De data van de sessies:

Zondag 12 april. Deels gekleed / deels ongekleed.

Zondag 3 mei. Nader te bepalen tussen deelnemers

Voor meer informatie over "model met koffie" klik je hier

Om je in te schrijven klik je hier

JETJES NIEUWE AANPAK I. Het wereldbeeld.

We gaan het in Jetje's dag steeds meer hebben over kunst en de kunstwereld. Dat is al aangekondigd. De eerste 500 berichten hebben de basis gelegd, nu gaan we verder. Als je zoiets gaat doen is één van je eerste stappen het ontwikkelen van een wereldbeeld waarin je wilt gaan werken. Bij mijn bedrijf, SIBIEKC, is dat het onderstaande beeld:

We zien allereerst twee overlappende horizontale balken met kunstenaars in de bovenste en mensen met en zonder interesse in kunst in de onderste. We gaan ervan uit dat 10% van de kunstenaars kan leven van het kunstenaarschap en dat 10% van de mensen interesse heeft in het kopen van kunst. Of die percentages exact kloppen is niet van belang als je ze wilt gebruiken als werk- en denkmodel want het blijft gewoon bruikbaar.

We zien dat beide 10% gebieden in een rood vak zijn opgenomen. Dat is het werkgebied waar ongeveer iedereen werkzaam is die iets aan kunst en kunstenaars wil verdienen en daar moeten we dus NIET zijn.

We gaan liever eens kijken wat we voor de slecht verkopende kunstenaars kunnen betekenen en hoe we meer interesse kunnen krijgen bij de de groep die geen interesse in kunst heeft. Dat zijn verreweg de grootste groepen en die zijn het interessantste om je op te richten.

Maar door de onderlinge verwevenheid zullen we alle groepen tegenkomen. Alleen zal onze nadruk op de 90% groepen komen te liggen.

Morgen gaan we aan de slagroom.

Colofon

Bijdragen

Bij belangstelling of vragen kun je altijd contact met me opnemen en dan kijk ik graag samen met jou wat er mogelijk is. En dat is wat mij betreft best veel.

Jetje's dag is op vele manieren te bereiken:

Jetje's dag is op mijn eigen Facebook en enkele pagina's

Al mijn foto's uit Jetje's dag staan ook op Pinterest

Kleinere berichten, foto's, kunstwerken etc. staan op een eigen blog

Zoekt u een begrip uit de kunst? Een kunstenaar? Een kunststroming?Klik hier, al wordt er nog druk aan gewerkt

Meer onderwerpen vinden? Gebruik Jetje's index!

10 april 2026 | Nr. 500 | Vijfhonderd keer Jetje's dag

2026-04-10T07:56:00.001+02:00

10 april 2026 | Nr. 500 | Vijfhonderd keer Jetje's dag

Jetje’s dag: De eerste 500 dagen als kunstproject en hoe nu verder
Lieve lezers,
Wat in 2021 begon als een dagelijks rijk geïllustreerd online dagboek van mijn leven als fotomodel is in de afgelopen tijd uitgegroeid tot iets veel groters. Jetje's dag is geworden tot een soort van kunstproject dat zich ontvouwt over honderden dagen. Met enige trots kan ik zeggen dat we vandaag de mijlpaal van 500 posts hebben bereikt. Iedere foto, elke reeks foto’s, elke tekst die erbij verschijnt, is een bewuste keuze. Noem het maar een stukje studie. Zie het als een artistiek experiment.
Fotograaf Antonio Andolini

Samen vormen deze 500 posts een visueel en tekstueel archief dat niet alleen mijn werk als model laat zien, maar ook ingaat op zaken als de ‘complexiteit’ van het onvermijdelijke ouder worden, mijn plezier in performances, het spelen met beelden én natuurlijk voldoen aan de verwachting van jullie, mijn lezers.
Huisfotograaf

De eerste 500 posts laten zien wat er mogelijk is als we dagelijks creatief aanwezig zijn. Het zijn niet zomaar series foto’s. Het zijn onderzoeken naar de verbeelding van zichtbaarheid, kwetsbaarheid, vrouwelijke kracht, de onverwachte kracht van de senior en diens autonomie. Het ritme van een dagelijkse publicatie maakt dat elke post een onderdeel is van een groter geheel, waarin we de interactie met het publiek, de dynamiek van de omgeving en de esthetische keuzes van de fotograaf samenbrengen.

Fotograaf Binghan Hans Thé

Net zoals in andere kunstvormen, van schilderkunst tot performance gaat het ook hier om herhaling, veel variatie en het zichtbaar willen maken van de vooruitgang in het project. Het dagelijks publiceren is daarmee geen verplicht nummer als een soort routine geworden, maar meer een vorm van een artistieke discipline die het project zijn diepgang en kracht geeft.
Fotostudio Haaglanden

Daarnaast hebben deze 500 posts een belangrijke maatschappelijke betekenis. Ze laten zien dat ouder worden geen beperking is en dat je leeftijd geen reden is om maar onzichtbaar te gaan worden. Integendeel. Als 67-jarig model laat ik nog dagelijks met de camera vastleggen dat creativiteit, lichamelijkheid, expressie en de kracht om de wereld uit te willen beelden, tijdloos zijn.

Fotograaf Fred Bervoets

Ik toon aan dat ouderdom eerder een extra dimensie aan dit alles toevoegt dan dat het er iets van wegneemt. Het blog “Jetje’s dag” is dus zowel een persoonlijk statement als een vorm van conceptuele kunst. Het blog documenteert het leven in een bepaalde levensfase. En zet die fase om in een esthetisch, beeldend geheel. Het feit dat het niet meer in het gebruikelijke beeld past, maakt het tot een vorm van performancekunst. Apart. Onaangepast. Onverwacht.
Fotograaf Ton van de Pal

Performancekunst staat dicht bij veel andere artistieke disciplines en heeft veel raakvlakken met modelwerk, acteerwerk en fotografie. In elk van deze vormen draait het om timing, de juiste expressie, een boeiende compositie en veel interactie met het publiek en de camera. Juist dit unieke samenspel wil ik in de nieuwe fase van het “Jetje’s dag” blog nog sterker naar voren laten komen en aan jullie laten zien.
Fotograaf: Frank de Leeuw

De komende posts zullen daarom experimenten laten zien met combinaties van stilstaande en bewegende expressie, kleine verhalen, artistieke beschouwingen, fysieke poses en theatrale elementen, zodat het blog niet alleen het visueel dagboek blijft dat het nu al is, maar ook een voortdurende performance, resulterend in een gedocumenteerd onderzoek. Deze overgang zal geleidelijk aan plaatsvinden in het tweede kwartaal van 2026.
Fotograaf Dennis E. Molenaar

Zoals bij veel kunstprojecten, komt er altijd een moment waarop een eerste fase afgerond voelt. Na 500 posts is het logisch om de richting iets te gaan verleggen. De basis van dagelijkse productie, visuele studies en mijn tekstuele reflecties is nu stevig gelegd. Het project kan nu gaan groeien en doet dat door thema’s te verdiepen, series uit te breiden of nieuwe vormen van interactie met allerlei artistieke disciplines te onderzoeken.

Voor de liefhebbers van een filmpje:
https://www.facebook.com/reel/1138857623547178

Misschien betekent dit een andere koers, langere reflecties, experimenteren met nieuwe locaties, met herhalende elementen, meer performance-aspecten toevoegen of een wat grotere focus op de maatschappelijke context en de wereld van de beeldende kunst. Het is een natuurlijke evolutie: Het “Jetje’s dag” project behoudt zijn kern bestaande uit streven naar een luchtige vorm van zichtbaarheid, creativiteit en esthetiek. Maar nodigt ook uit tot vernieuwing en verdieping.

Door deze verschuiving hoeven we de huidige dagelijkse gang van zaken niet los te laten. Zeker niet. We gaan het juist meer betekenis geven. Elke nieuwe post kan nu bewust geplaatst worden in een bredere context, waarin experiment, narratief en kunstzinnige ambitie nog duidelijker naar voren komen. Het blog wordt zo niet alleen een dagboek, maar eerder een lopende tentoonstelling van een jaar in leven en kunst, met de vrijheid om telkens nieuwe vragen te stellen en nieuwe vormen te vinden. Een tentoonstelling die ook binding zal krijgen met allerlei andere vormen van kunst.

Dank aan jullie, lezers, die mijn proces volgen, mij steunen en er op reageren. Samen maken we van Jetje’s dag meer dan een blog: We realiseren een kunstproject in de vorm van een groeiend tijdsdocument, dat blijft evolueren, verrassen en uitdagen. Met de eerste 500 posts is een stevig fundament gelegd.
Nu begint er een nieuwe fase, waarin we samen verder durven kijken.
Gaan jullie met mij mee op mijn verdere tocht?
Jetje.

Colofon

Bijdragen

Bij belangstelling of vragen kun je altijd contact met me opnemen en dan kijk ik graag samen met jou wat er mogelijk is. En dat is wat mij betreft best veel.

Jetje's dag is op vele manieren te bereiken:

Jetje's dag is op mijn eigen Facebook en enkele pagina's

Al mijn foto's uit Jetje's dag staan ook op Pinterest

Kleinere berichten, foto's, kunstwerken etc. staan op een eigen blog

Zoekt u een begrip uit de kunst? Een kunstenaar? Een kunststroming?Klik hier, al wordt er nog druk aan gewerkt

Meer onderwerpen vinden? Gebruik Jetje's index!

9 april 2026 | Nr. 499 | Niemand luistert er naar Jetje

2026-04-09T07:46:00.000+02:00

9 april 2026 | Nr. 499 | Niemand luistert er naar Jetje

Jetje aan het woord

Goedemorgen allemaal op deze mooie dag vol mogelijkheden en nieuwe kansen

Luistert er naar jou ook niemand? Of voelt dat in elk geval zo? Horen ze je wel, maar heb je het gevoel dat er niets binnenkomt? Dat zou heel goed kunnen, want er is zelfs een reden voor. En vandaag gaan we daar in Jetje's dag eens naar kijken. Als dat nog lukt tenminste, want we gaan eerst eens een blik werpen op de wijnfles. De meeste mensen zijn meer geïnteresseerd in de inhoud, maar ook de fles zelf kent een hele geschiedenis. Maar mensen die wat wijn achter de kiezen hebben luisteren vaak ook slecht. Alle reden dus om eens naar dat luisteren van mensen te gaan kijken.

Jullie Jetje

Samenvatting van vandaag:

		1 Er wordt al weer niet naar Jetje geluisterd;
		2.En als ze niet luisteren zijn ze ook slecht te overtuigen.

De stille kracht van de wijnfles: Meer dan alleen een verpakking

Wie aan wijn denkt, denkt al snel aan smaak, geur en herkomst. Maar de fles waarin die wijn zit, speelt een minstens zo belangrijke rol. Wijnflessen zijn door de eeuwen heen steeds verder ontwikkeld van simpele opslagmiddelen tot zorgvuldig ontworpen objecten die invloed hebben op rijping, presentatie en zelfs de perceptie van kwaliteit.

Een korte geschiedenis van de wijnfles

De eerste wijn werd duizenden jaren geleden bewaard in amforen (afsluitbare vazen) van klei. Deze waren stevig, maar lastig te vervoeren en niet volledig luchtdicht. Pas in de 17e eeuw, toen glasproductie verbeterde, begon de moderne wijnfles de bekende vorm te krijgen. Engelse glasblazers ontwikkelden sterkere, donkergekleurde flessen die beter bestand waren tegen druk en licht. Tegelijkertijd werd de kurk geïntroduceerd als afsluiting, wat een revolutie in de wereld van de wijn betekende: Wijn kon nu langer bewaard en zelfs gerijpt worden.

Vorm en functie: Waarom flessen eruitzien zoals ze doen

Wijnflessen zijn er in verschillende vormen en die zijn niet willekeurig gekozen. Zo heeft de Bordeauxfles rechte schouders, wat helpt bij het opvangen van bezinksel bij oudere wijnen. De Bourgognefles daarentegen heeft een zachtere, afgeronde vorm. Champagneflessen zijn dikker en zwaarder om de druk van koolzuur te weerstaan.

Ook de kleur van de fles is functioneel. Donkergroen of bruin glas beschermt de wijn tegen uv-licht, dat de smaak negatief kan beïnvloeden. Transparante flessen worden meestal gebruikt voor jonge wijnen die niet lang bewaard hoeven te worden.

Formaten: Van mini tot reus

De standaard wijnfles bevat 750 milliliter, maar er bestaan talloze andere formaten. Kleinere flessen, zoals halve flessen (375 ml), zijn handig voor individueel gebruik. Aan de andere kant van het spectrum vind je indrukwekkende formaten zoals de magnum (1,5 liter) en nog grotere flessen zoals 'jeroboams' en Nebukadnezars.

Grotere flessen zijn niet alleen spectaculair om te zien, ze hebben ook een praktisch voordeel: Wijn rijpt langzamer en vaak beter doordat de verhouding tussen lucht en wijn gunstiger is.

Kurk of schroefdop levert een eeuwige discussie op

Misschien wel de meest besproken kwestie rond wijnflessen is de afsluiting. Traditioneel wordt wijn afgesloten met een kurk, gemaakt van de schors van de kurkeik. Kurk heeft als voordeel dat het een minieme hoeveelheid zuurstof doorlaat, wat de rijping van de wijn ten goede kan komen. Bovendien heeft het een romantische en klassieke uitstraling.

Toch kleven er de nodige nadelen aan kurk. Het grootste probleem is de kurksmaak, een muffe geur die ontstaat door een besmetting van de kurk. Hoewel dit slechts een klein percentage van de flessen treft, is het voor wijnmakers en liefhebbers een bekend risico. Het is niet voor niets dat er een percentage liefhebbers is dat altijd even aan de kurk wil ruiken.

De schroefdop is een moderner alternatief dat steeds populairder wordt, vooral bij witte wijnen en wijnen die jong gedronken worden. Schroefdoppen sluiten luchtdicht af, waardoor de kans op fouten vrijwel nihil is. Ze zijn praktisch, betrouwbaar en vaak goedkoper. Ze worden niet teruggestuurd omdat ze naar "schroefdop" ruiken. Toch blijft de perceptie bij sommige mensen dat een schroefdop minder “chique” is, al verandert dat beeld langzaam.

Meer dan verpakking

De wijnfles is dus veel meer dan een simpel omhulsel. Het is een combinatie van traditie, techniek en esthetiek. Van de vorm en het formaat tot de keuze tussen kurk en schroefdop: Elk detail draagt er aan bij hoe wijn wordt bewaard, gepresenteerd en beleefd.

De volgende keer dat je een fles opent, is het de moeite waard om even stil te staan bij dat object in je hand. Want voordat je ook maar één slok neemt, heeft de fles je al een heel verhaal verteld. Maar dat verhaal moet je dan wel willen horen. En je moet je laten overtuigen.

Drie keer raak: Zo onthouden mensen eindelijk eens wat jij zegt

De kracht van eenvoud als fundament

Als je een idee wilt uitleggen, overbrengen én onthouden wilt laten worden, dan begint alles bij eenvoud. Veel mensen denken dat overtuigend spreken draait om zo snel mogelijk zoveel mogelijk informatie te geven, maar het tegenovergestelde is in dit geval waar. Hoe simpeler je je boodschap maakt, hoe groter de kans dat die blijft hangen. Er bestaan drie verrassend simpele regels die je helpen om helder, krachtig en memorabel te communiceren. Ze zijn niet ingewikkeld, maar juist daardoor zo effectief. De kunst zit niet in méér zeggen, maar in beter kiezen wát je zegt.

Beperk je tot maximaal drie punten

De eerste regel is misschien wel de belangrijkste: Maak nooit meer dan drie punten. Ons korte termijn geheugen kan namelijk maar een beperkt aantal informatie-eenheden tegelijk verwerken. Onderzoek laat zien dat dit meestal rond de drie tot vier ‘brokjes’ ligt. Ga je daar overheen, dan raakt je luisteraar het overzicht al heel snel kwijt. Door je boodschap te beperken tot drie kernpunten, geef je structuur en rust. Je helpt je publiek om niet alleen te begrijpen wat je zegt, maar om het ook te onthouden. Minder is hier echt meer.

Benader je idee vanuit drie invalshoeken

De tweede regel draait om diepgang zonder complexiteit. Leg je idee op drie verschillende manieren uit. Zie het als het schijnen van een zaklamp op hetzelfde object, maar telkens vanuit een andere hoek. Je kunt bijvoorbeeld een feitelijke uitleg combineren met een metafoor en een praktisch voorbeeld. Hierdoor wordt je idee tastbaarder en makkelijker te begrijpen. Je maakt het als het ware driedimensionaal, waardoor mensen het niet alleen horen, maar ook voelen en zien in hun verbeelding.

Herhaling maakt impact

De derde regel is simpel, maar krachtig: Herhaal je belangrijkste punt drie keer. Niet letterlijk achter elkaar, maar verspreid en subtiel door je verhaal heen. Herhaling zorgt ervoor dat het brein patronen herkent en versterkt. Elke keer dat iemand dezelfde kernboodschap opnieuw hoort, worden er extra verbindingen in het brein gelegd. Dit vergroot de kans dat je boodschap blijft hangen. Denk aan bekende speeches of liedjes: Juist door herhaling, bijvoorbeeld met een refrein, worden ze onvergetelijk.

Meer dan alleen het getal drie

Hoewel deze drie regels een sterke basis vormen, is er meer nodig om echt te overtuigen. De oude Grieken begrepen dit al en formuleerden drie aanvullende principes die nog steeds relevant zijn. Pathos draait om emotie: Weet je je publiek te raken? Logos gaat over de inhoud: Klopt je verhaal en is het overtuigend onderbouwd? Ethos heeft te maken met geloofwaardigheid: Waarom zouden mensen jou eigenlijk vertrouwen in een wereld waarin niemand meer iemand lijkt te vertrouwen? Samen zorgen deze elementen ervoor dat je boodschap niet alleen duidelijk is, maar ook binnenkomt.

Speel ermee en maak het eigen

De echte kracht van deze principes zit in de toepassing. Zie ze niet als strikte regels, maar als een kapstok waar je je eigen stijl aan ophangt. Experimenteer, speel met vormen en ontdek wat voor jou werkt. Door bewust te kiezen voor eenvoud, variatie en herhaling, geef je je ideeën de beste kans om impact te maken.

Want uiteindelijk gaat het niet om wat jij zegt, maar om wat de ander er van onthoudt.

https://modelmetkoffie.blogspot.com

Informatie over de komende evenementen, workshops of andere belangrijke dagen die interessant voor je kunnen zijn bij Jetje's dag.
De data van de sessies:

Zondag 12 april. Deels gekleed / deels ongekleed.

Zondag 3 mei. Nader te bepalen tussen deelnemers

Voor meer informatie over "model met koffie" klik je hier

Om je in te schrijven klik je hier

Morgen wordt een heel bijzondere dag...

Colofon

Bijdragen

Bij belangstelling of vragen kun je altijd contact met me opnemen en dan kijk ik graag samen met jou wat er mogelijk is. En dat is wat mij betreft best veel.

Jetje's dag is op vele manieren te bereiken:

Jetje's dag is op mijn eigen Facebook en enkele pagina's

Al mijn foto's uit Jetje's dag staan ook op Pinterest

Kleinere berichten, foto's, kunstwerken etc. staan op een eigen blog

Zoekt u een begrip uit de kunst? Een kunstenaar? Een kunststroming?Klik hier, al wordt er nog druk aan gewerkt

Meer onderwerpen vinden? Gebruik Jetje's index!

8 april 2026 | Nr. 498 | KNAL!!

2026-04-08T07:15:00.000+02:00

8 april 2026 | Nr. 498 | KNAL!!

Jetje aan het woord

Goedemorgen allemaal op deze mooie dag vol mogelijkheden en nieuwe kansen

Ik heb mij altijd wel wat aangetrokken gevoeld door de ouderwetse hoepelrokken. Lastige dingen om aan te komen. Hoewel TEMU wel geschikte hulpmiddelen levert om ze zelf te maken. Dat wel. Maar daar heb ik allereerst niet veel vertrouwen in en ten tweede mag ik graag nog wel eens een beetje experimenteren met een wat ongebruikelijker aanpak. En daar zien jullie vandaag het resultaat van. Jetje's ballonnenhoepelrok. Flink woord ook, trouwens. Het enige is dat je uit moet kijken dat er niets knalt, want dat heb je nog wel eens met ballonnen.

Jullie Jetje

Samenvatting van vandaag:

		1. Pas op dat een ballonnenrok niet knalt;
		2. Over vastlopers.

Van hoepelrok naar ballonnenrok.

De hoepelrok is een van de meest opvallende kledingstukken uit de modegeschiedenis. Met zijn wijde, wat klokvormige silhouet veranderde hij niet alleen hoe vrouwen zich destijds kleedden, maar ook hoe ze zich bewogen en zich presenteerden in de samenleving. Laten we daarom eens gaan kijken naar de oorsprong van de hoepelrok én naar de technieken waarmee dit bijzondere kledingstuk werd gemaakt.

Oorsprong en ontwikkeling

De hoepelrok, ook wel bekend als de crinoline, werd vooral populair in het midden van de 19e eeuw. Rond de jaren 1850 bereikte hij zijn hoogtepunt in Europa en Noord-Amerika. De rok was een doorontwikkeling van eerdere onderrokken die werden opgevuld met paardenhaar (crin) en linnen, vandaar ook de naam crinoline.

Aanvankelijk bestond de volumecreatie uit meerdere lagen zware stoffen, wat het dragen weinig comfortabel en vooral flink warm maakte. De echte doorbraak kwam toen men overstapte op een constructie met hoepels: Lichte, flexibele ringen die de rok zijn vorm gaven zonder het gewicht van meerdere lagen stof.

Constructie en materialen

De essentie van de hoepelrok ligt door die hoepels vooral in zijn skeletachtige structuur. In plaats van volume te realiseren met massa, werd gebruik gemaakt van een geraamte van cirkelvormige banden.

Hoepels en frame

De hoepels waren meestal gemaakt van materialen zoals walvisbaleinen, dun staal of riet. Deze werden in concentrische cirkels rond het lichaam geplaatst, waarbij de grootste hoepel zich onderaan bevond en de kleinste dichter bij de taille. De hoepels werden met verticale banden of linten met elkaar verbonden, waardoor een vreemd soort kooi ontstond.

Deze constructie zorgde ervoor dat de rok zijn vorm behield, terwijl hij toch relatief licht en flexibel bleef. De draagster kon zich daardoor vrijer bewegen dan met die oudere, zware onderrokken.

Stoffen en afwerking

Over het frame werd een onderrok gedragen, vaak van katoen of linnen, om de hoepels te verbergen en het silhouet glad te maken. Daaroverheen kwam de zichtbare rok, die kon variëren van eenvoudig tot zeer rijk versierd, afhankelijk van de sociale status van de draagster.

De stoffen varieerden van zijde en satijn tot wol en katoen. Decoraties zoals kant, ruches en borduursels waren populair en benadrukten de breedte van de rok.

Productie en industrialisatie

De opkomst van de hoepelrok viel samen met de industriële revolutie, wat een grote invloed had op de productie. Waar kleding eerder vooral met de hand werd gemaakt, konden hoepelrokken dankzij nieuwe technieken zoals naaimachines sneller en goedkoper worden geproduceerd.

De introductie van stalen hoepels was hierbij cruciaal. Staal was sterk, veerkrachtig en relatief goedkoop, waardoor er massaproductie mogelijk werd. Fabrieken produceerden kant-en-klare hoepelrokframes die vrouwen konden kopen en combineren met hun eigen rokken.

Sociale en praktische aspecten

De hoepelrok was niet alleen een mode-item, maar ook een sociaal statement. De enorme omvang van de rok gaf aan dat de draagster geen fysiek werk hoefde te verrichten. Tegelijkertijd bracht het kledingstuk praktische uitdagingen met zich mee.

Het manoeuvreren door smalle deuren, zitten op stoelen en zelfs lopen kon lastig zijn. Bovendien waren er allerlei veiligheidsrisico’s. De lichte stoffen en de open constructie maakten hoepelrokken brandgevaarlijk in een tijd waarin open vuur nog veel werd gebruikt.

Neergang en nalatenschap

Tegen het einde van de jaren 1860 begon de populariteit van de hoepelrok af te nemen. De mode verschoof naar meer naar achteren geplaatst volume. Toch bleef de invloed van de hoepelrok zichtbaar in latere mode, vooral in avondkleding en in bruidsjurken.

Vandaag de dag leeft de hoepelrok voort in historische kostuums, theater, film en musea. Het kledingstuk blijft een symbool van een verloren gegaan tijdperk waarin mode, techniek en sociale structuren nauw met elkaar verweven waren.

De hoepelrok is een fascinerend voorbeeld van hoe innovatie en esthetiek samenkomen in mode. Door de slimme constructie met hoepels wist men voor een indrukwekkend silhouet te zorgen zonder het gewicht van traditionele methoden. Het kledingstuk vertelt daarmee niet alleen een verhaal over de stijl, maar ook over techniek, industrie en samenleving.

Loop je ook wel eens ergens in vast?

De onbewuste redenen waarom je soms vastloopt

Het gekke is dat vastlopen vaak niet gebeurt door gebrek aan talent of kansen, maar puur door wat er in je hoofd gebeurt. Zonder dat je het zelf doorhebt, neem je allerlei aannames en overtuigingen over die je eerder een stuk af gaan remmen dan dat ze je verder vooruit helpen.

Zo kun je jezelf bijvoorbeeld wijsmaken dat er uiteindelijk toch niets te bereiken valt. Misschien heb je dat ergens opgepikt. Waarschijnlijk van anderen of is het gebaseerd op eerdere ervaringen. En dat gebeurt terwijl je diep van binnen eigenlijk best wel weet dat het niet helemaal klopt. Toch beïnvloedt die gedachte je gedrag. Vaak zelfs in vrij strenge mate.

Daarbovenop komt dan vaak een tweede laag. Je gaat jezelf overtuigen dat het allemaal toch geen zin heeft. Het is allemaal te moeilijk, het wordt veel te veel. Of het is gewoon niet voor jou weggelegd. Je denkt dat je de talenten niet hebt en dat je ze ook niet kunt ontwikkelen. En zelfs als je er toch aan begint, geloof je niet dat je het gaat volhouden. Dat maakt starten al heel lastig, laat staan het doorzetten.

Onderschatten en moeten

Ook onderschat je vaak hoeveel invloed je eigenlijk hebt. Je denkt dat dingen jou overkomen, in plaats van dat je er zelf veel meer richting aan kunt geven. Daarmee maak je jezelf kleiner dan nodig is.

En dan is er nog die druk van het “moeten.” Je doet dingen omdat je denkt dat ze van je verwacht worden, niet omdat ze echt bij jou passen. Tegelijk leg je de lat voor jezelf zo onwijs hoog dat je er bijna niet meer aan kunt voldoen. Het gevolg is een constant gevoel dat je stevig tekortschiet. Geen prettig bestaan. En knap demotiverend. Maar wat dan wel?

Hoe kom je uit een dergelijke ongewenste situatie?

Om dit patroon te doorbreken, heb je toch een andere manier van denken nodig.

Allereerst een zogenaamde disruptieve mindset. Je moet durven loskomen van hoe het altijd ging. Niet automatisch aannemen dat de huidige situatie gewoon vaststaat. Je moet jezelf toe gaan staan om heel anders tegen de wereld aan te kijken en er nieuwe mogelijkheden in te zien.

Naast een disruptieve mindset is er ook een zogenaamde transformationele mindset nodig. Dat is het besef dat je niet “vast” zit aan wat je nu kunt. Vaardigheden en talenten zijn altijd verder te ontwikkelen, mits je maar bereid bent om bij te leren en te oefenen.

De derde is de impact mindset. Je hebt meer invloed dan je meestal denkt. Bijvoorbeeld invloed op je keuzes, je gedrag en zelfs op de mensen om je heen. Zodra je dat in gaat zien, verandert je houding automatisch mee.

Tot slot is er de wilskracht. En dat moet je dan niet zien als iets magisch dat sommige mensen nu eenmaal hebben en anderen niet, maar als iets wat iedereen kan trainen. Het begint met het herkennen waar je jezelf saboteert. Om vervolgens bewust te kiezen voor een vorm van gedrag die je wél vooruit helpt.

Tips voor als je voor je gevoel vastzit

Merk je dat je vast aan het lopen bent? Begin dan vooral klein en heel praktisch. Ga terug naar je doelen en kijk daarna naar je to-do lijst. Welke taken maken écht verschil? Pak die eerst op. En werk ze één voor één af. Dat klinkt erg simpel, maar juist dit soort focus maakt het verschil. En ja, doorzetten hoort daar ook bij. En dat leer je vooral door het toch echt te gaan doen.

Voel je je verveeld of futloos? Zie dat als een signaal. Blijkbaar heb je meer uitdaging nodig. Start een nieuw project. Leer iets nieuws. Of duik ergens veel dieper in. Wacht niet op het perfecte moment, want dat komt toch niet. Begin gewoon. Begin nu.

En misschien wel de belangrijkste: Blijf in contact met anderen. Door met hen te delen waar je mee bezig bent, krijg je vaak nieuwe perspectieven. Soms is één gesprek al genoeg om weer beweging te voelen.

Vastlopen hoort daarbij. Blijven stilstaan is natuurlijk ook een keuze.

Maar die keuze kun je altijd nog of weer opnieuw maken.

https://modelmetkoffie.blogspot.com

Informatie over de komende evenementen, workshops of andere belangrijke dagen die interessant voor je kunnen zijn bij Jetje's dag.
De data van de sessies:

Zondag 12 april. Deels gekleed / deels ongekleed.

Zondag 3 mei. Nader te bepalen tussen deelnemers

Voor meer informatie over "model met koffie" klik je hier

Om je in te schrijven klik je hier

Over een vreemd soort broek met celebrations en overmaats wijnflessen.

Colofon

Bijdragen

Bij belangstelling of vragen kun je altijd contact met me opnemen en dan kijk ik graag samen met jou wat er mogelijk is. En dat is wat mij betreft best veel.

Jetje's dag is op vele manieren te bereiken:

Jetje's dag is op mijn eigen Facebook en enkele pagina's

Al mijn foto's uit Jetje's dag staan ook op Pinterest

Kleinere berichten, foto's, kunstwerken etc. staan op een eigen blog

Zoekt u een begrip uit de kunst? Een kunstenaar? Een kunststroming?Klik hier, al wordt er nog druk aan gewerkt

Meer onderwerpen vinden? Gebruik Jetje's index!

7 april 2026 | Nr. 497 | Held op sokken of mentale krachtpatser

2026-04-06T10:30:00.053+02:00

7 april 2026 | Nr. 497 | Held op sokken of mentale krachtpatser

Jetje aan het woord

Goedemorgen allemaal op deze mooie dag vol mogelijkheden en nieuwe kansen

Iemand die een held op sokken wordt genoemd heeft geen goed imago. Het beeld is niet positief. Het lijkt heel wat, maar het stelt meestal maar weinig tot niets voor. We hebben met een held op sokken beslist niet te maken met een mentaal sterk persoon. Ok, dat is een nuttige eigenschap als je verder wilt komen, maar het is zeker ook niet iets dat je aan komt waaien en waar je zelf niet aan moet werken. In het tweede artikel daarom een flinke lijst met punten waar je als mentaal sterk persoon beslist niet aan mee moet werken. Het imago van de held op sokken ontloop je dan vanzelf wel.

Jullie Jetje

Samenvatting van vandaag:

		1. De held op sokken slaat toe;
		2. Ook een mentale krachtpatser worden?

De oorsprong van de ‘held op sokken’

De uitdrukking 'held op sokken' wordt in het Nederlands gebruikt om iemand te beschrijven die zich wel stoer of dapper voordoet, maar in werkelijkheid heel weinig moed toont. Het is een licht spottende term, vaak gebruikt in alledaagse gesprekken om iemand op een wat meer humoristische manier te relativeren. Maar waar komt deze uitdrukking eigenlijk vandaan?

Beeldspraak en betekenis

Om de herkomst te begrijpen, is het belangrijk eerst eens naar de beeldspraak te kijken. Een “held” roept het beeld op van iemand die moedig, krachtig en daarmee bewonderenswaardig is. Het woord “sokken” daarentegen suggereert juist het tegenovergestelde: Iets huiselijks, kwetsbaars en weinig indrukwekkends. Sokken worden binnenshuis gedragen, zonder bescherming of enige uitstraling. Door deze twee woorden te combineren ontstaat een ironisch contrast: Iemand die zich voordoet als een held, maar eigenlijk in een onbeduidende, zwakke positie verkeert.

Mogelijke oorsprong

De precieze oorsprong van de uitdrukking is niet volledig gedocumenteerd, maar taalkundigen vermoeden dat ze ergens in de 19e of vroege 20e eeuw is ontstaan. In die tijd werden sokken vaak geassocieerd met huiselijkheid en kwetsbaarheid. Iemand die “op sokken” stond, had geen stevige schoenen aan en was dus letterlijk minder goed voorbereid op actie of strijd. Het beeld van een held zonder schoenen versterkte het idee van schijnmoed: Van iemand die wel groot praat, maar niet echt klaar is om te handelen.

Daarnaast bestaat er een verwante uitdrukking: Op je sokken naar huis gaan, wat betekent dat je vernederd of stilletjes vertrekt. Ook hier speelt het beeld van sokken een rol als symbool van zwakte of verlies van waardigheid.

Gebruik in de praktijk

In het dagelijks taalgebruik wordt held op sokken vaak gebruikt in informele situaties. Bijvoorbeeld wanneer iemand stoer doet met woorden, maar terugdeinst zodra het serieus wordt. Het kan ook liefdevol of plagerig bedoeld zijn, bijvoorbeeld binnen vriendenkringen of families.

De uitdrukking heeft een blijvende populariteit omdat ze compact en heel beeldend is. Iedereen begrijpt direct wat ermee bedoeld wordt, zonder dat er een uitgebreide uitleg nodig is. Je ziet de persoon als het ware gewoon voor je. Dat maakt het een typisch voorbeeld van hoe taal humor en kritiek kan combineren.

Conclusie

Hoewel de exacte oorsprong van held op sokken niet met zekerheid vaststaat, is de betekenis duidelijk geworteld in contrast en ironie. Het beeld van een held zonder schoenen, dus kwetsbaar en weinig indrukwekkend, maakt de uitdrukking krachtig en herkenbaar. Juist die combinatie van spot en beeldspraak zorgt ervoor dat de uitdrukking nog steeds springlevend is in het Nederlands.

Mentale kracht

Mentale kracht is essentieel om effectief om te gaan met uitdagingen, stress en tegenslagen. Het stelt mensen in staat om gefocust te blijven, doelen na te streven en niet op te geven. Ook niet wanneer het moeilijker wordt. Door mentale veerkracht kunnen emoties beter gereguleerd worden. Beslissingen zijn en blijven weloverwogen in plaats van impulsief. Mentale kracht helpt ook om zelfvertrouwen op te bouwen en verantwoordelijkheid te nemen voor eigen keuzes. In een zeer snel veranderende wereld biedt mentale kracht de nodige stabiliteit en richting. Mentale kracht maakt het mogelijk om te groeien van fouten, kansen te benutten en een evenwicht te vinden tussen inspanning, herstel en persoonlijk welzijn. Maar hoe gedragen mentaal sterke mensen zich dan? Of liever gezegd, wat zouden ze nooit doen?

Zaken die mentaal sterke personen nooit doen

1. Mentaal sterke mensen hebben geen last van zelfmedelijden en kiezen er bewust voor om daar ook niet in te blijven hangen. Ze erkennen dat moeilijke situaties en tegenslagen bij het leven horen. En zien zichzelf niet als het slachtoffer van de omstandigheden. In plaats van energie te verspillen aan klagen of zielig zijn, richten ze zich op wat ze wél kunnen doen om vooruit te komen.

2. Mentaal sterke mensen geven de macht die ze hebben opgebouwd niet meer uit handen. Dat betekent dat ze verantwoordelijkheid nemen voor hun eigen keuzes, emoties en gedrag. Ze laten zich niet volledig leiden door de mening of druk van anderen. Ze blijven trouw aan hun eigen waarden en doelen. Hierdoor behouden ze zelf de regie over hun leven.

3. Wanneer zich een leuke kans voordoet, lopen ze daar niet voor weg. Ook als iets spannend of onzeker is, zijn ze bereid om die kans te onderzoeken. En die eventueel te grijpen. Ze begrijpen dat groei vaak buiten hun comfortzone ligt. Maar laten angst niet de doorslag geven in hun beslissingen.

4. Mentaal sterke mensen maken zich niet druk over dingen waar ze geen controle over hebben. In plaats van zich te verliezen in zorgen over externe factoren, richten ze hun aandacht op datgene waar ze wél invloed op kunnen uitoefenen. Dit helpt hen om hun energie efficiënter te gebruiken en stress te verminderen.

5. Mentaal sterke mensen proberen niet om het iedereen naar de zin te maken. Ze beseffen dat het nu eenmaal onmogelijk is om door iedereen gewaardeerd te worden. Daarom maken ze keuzes op basis van hun eigen overtuigingen en prioriteiten, zonder daar voortdurend bevestiging van anderen bij nodig te hebben.

6. Ze zijn niet bang om een berekend risico te nemen. Dat betekent niet dat ze roekeloos zijn. Vaak integendeel. Het betekent eerder dat ze risico’s zorgvuldig afwegen en vervolgens durven te handelen. Ze begrijpen dat vooruitgang vaak gepaard gaat met onzekerheid en dat stilstand soms een groter risico is dan het nemen van actie.

7. Mentaal sterke mensen zijn niet constant met het verleden bezig. Hoewel ze lessen trekken uit eerdere ervaringen, blijven ze daar niet in hangen. Ze richten hun blik op het heden en de toekomst. Ze gebruiken het verleden als een belangrijk en krachtig leermiddel in plaats van als een steeds maar weer terugkerende last waar niets aan te veranderen valt.

8. Mentaal sterke mensen maken niet keer op keer dezelfde fouten. Wanneer iets misgaat, nemen ze de tijd om erop terug te kijken en te begrijpen wat er anders gekund had. Ze passen daarop hun gedrag aan en groeien van hun ervaringen, ook al waren die negatief. Hierdoor kunnen ze zich blijven ontwikkelen.

9. Mentaal sterke mensen gunnen anderen hun succes, zonder enige afgunst. In plaats van zich te vergelijken of jaloers te zijn, laten ze zich eerder inspireren door de prestaties van anderen. Ze begrijpen dat succes geen schaars goed is. Maar ook dat ieders pad uniek is.

10. Ze geven niet op na de eerste fout of mislukking. Tegenslagen zien ze als een belangrijk onderdeel van het proces. Ze blijven doorzetten, leren van hun fouten en gebruiken die ervaringen om sterker en veerkrachtiger te worden.

11. Ze zijn niet bang om ergens alleen in te staan. Als mentaal sterke mensen overtuigd zijn van hun standpunt of keuze, durven ze daarvoor uit te komen, zelfs als dat betekent dat ze tegen de stroom in moeten gaan. Ze hechten meer waarde aan de eigen integriteit dan aan het meegaan in groepsdruk.

12. Ze vinden niet dat de wereld of de maatschappij hen iets verschuldigd is. In plaats van te wachten op kansen of erkenning, nemen ze zelf het initiatief en zorgen ze zelf voor mogelijkheden. Ze begrijpen dat inzet en verantwoordelijkheid essentieel zijn voor groei.

13. Tot slot verwachten mentaal sterke mensen niet dat resultaten per direct zichtbaar zijn. Ze hebben geduld en begrijpen dat waardevolle veranderingen tijd kosten. Door permanent en consistent te blijven werken aan hun doelen, bouwen ze stap voor stap aan een duurzaam succes.

https://modelmetkoffie.blogspot.com

Informatie over de komende evenementen, workshops of andere belangrijke dagen die interessant voor je kunnen zijn bij Jetje's dag.
De data van de sessies:

Zondag 12 april. Deels gekleed / deels ongekleed.

Zondag 3 mei. Nader te bepalen tussen deelnemers

Voor meer informatie over "model met koffie" klik je hier

Om je in te schrijven klik je hier

Tijd om weer eens iets creatiefs met ballonnen te doen, want die knallen altijd fijn.

Colofon

Bijdragen

Bij belangstelling of vragen kun je altijd contact met me opnemen en dan kijk ik graag samen met jou wat er mogelijk is. En dat is wat mij betreft best veel.

Jetje's dag is op vele manieren te bereiken:

Jetje's dag is op mijn eigen Facebook en enkele pagina's

Al mijn foto's uit Jetje's dag staan ook op Pinterest

Kleinere berichten, foto's, kunstwerken etc. staan op een eigen blog

Zoekt u een begrip uit de kunst? Een kunstenaar? Een kunststroming?Klik hier, al wordt er nog druk aan gewerkt

Meer onderwerpen vinden? Gebruik Jetje's index!

2 april 2026 | Nr. 496 | Jetje's rode bollenpet

2026-04-02T08:00:02.255+02:00

2 april 2026 | Nr. 496 | Jetje's rode bollenpet

Jetje aan het woord

Goedemorgen allemaal op deze mooie dag vol mogelijkheden en nieuwe kansen

"Dat is nou een echte bollenpet" is het commentaar van een lid van team Jetje als hij ziet hoe ik mijn baret op probeer te zetten. Een bollenpet blijkt de manier te zijn waarop in vroeger jaren een dienstplichtige, die net opgeroepen was, nog wat onwennig zijn baret opzette. Daarmee maakte hij zichzelf volgens zijn mede-dienstplichtigen die al wat langer meeliepen (de zogenaamde "ouwe stompen") belachelijk als "bol," dus iemand die net het leger binnen kwam marcheren. Ondanks deze buitengewoon interessante militaire achtergronden is het een handig hoofddeksel waar ik regelmatig gebruik van maak. Ik heb ze in verschillende kleuren, maar de rode is mijn lievelingskleur.

Overigens is dit een fotoserie die al heel aardig in de richting van een performance gaat. Nog niet helemaal, maar jullie zien, er wordt aan gewerkt.

Jullie Jetje

Samenvatting van vandaag:

		1. Van bollenpet naar modeaccessoire;
		2. "Heb jij soms een probleem?"

Inleiding

De baret is zo’n hoofddeksel dat moeiteloos tussen werelden beweegt: Van een boerenveld tot de catwalk, van kunstatelier tot kazerne. De baret lijkt zo'n eenvoudig, rond lapje stof, maar achter die ogenschijnlijke eenvoud schuilt een rijke geschiedenis.

Oorsprong in de bergen

De baret vindt zijn wortels in de Pyreneeën, het berggebied tussen Frankrijk en Spanje. Daar droegen herders al eeuwen geleden vilten mutsen die bescherming boden tegen kou, wind en regen. Wol was voor een herder natuurlijk ruim voorhanden en dat liet zich makkelijk vervilten tot een stevig, waterafstotend materiaal. De vorm was rond, zonder rand en daarmee heel praktisch. Deze oerbaret zat goed stevig op het hoofd en kon eenvoudig worden opgevouwen of opgeborgen.

Van streekdracht naar symbool

In de 19e eeuw werd de baret een herkenbaar onderdeel van de regionale klederdracht, vooral in Frans Baskenland. De “Baskische baret” werd zelfs een soort nationaal symbool van Frankrijk, hoewel de oorsprong breder ligt dan alleen die regio. Al snel vond de baret zijn weg naar de steden, waar kunstenaars, schrijvers en intellectuelen hem adopteerden. Het hoofddeksel kreeg daarmee een nieuwe lading. De baret stond voor creativiteit, nonchalance en een tikje rebellie.

Militair gebruik

In de 20e eeuw kreeg de baret een heel andere betekenis. Legers over de hele wereld namen de baret op als een klein maar belangrijk onderdeel van het uniform. Dat was vooral om puur praktische redenen. De baret is licht en compact en laat zich goed onder delen van het uniform steken maar er was ook een symbolische betekenis. Verschillende kleuren gingen staan voor specifieke eenheden. Zo stonden Rode baretten voor parachutisten, groene voor commando’s, zwarte voor de tanktroepen ofwel de cavalerie. Zo werd de baret voor militairen een teken van discipline, trots en identiteit.

Mode en cultuur

Ondertussen bleef de baret ook in de burgerwereld doorgroeien naar een nieuwe betekenis. In de jaren ’20 en ’30 werd hij populair in de mode, vooral onder vrouwen. Later werd hij een icoon van de beatniks en kunstenaars van de jaren ’50 en ’60. Denk aan het pure clichébeeld van de kunstschilder met een baret scheef op het hoofd. Het beeld is niet helemaal uit de lucht gegrepen.

De baret als een blijvende klassieker

Vandaag de dag is de baret een tijdloos accessoire dat telkens opnieuw wordt ontdekt. Soms chic, soms speels, soms stoer. Hij draagt een verleden met zich mee van herders, soldaten en kunstenaars, maar blijft tegelijkertijd verrassend eigentijds. Misschien is dat wel de kracht van de baret: Hij past zich aan zonder zijn eigenheid, zijn karakter te verliezen.

Iedereen heeft wel eens problemen, maar wat is een probleem eigenlijk?

Een probleem lijkt vaak iets heel concreets en kan ons enorm bezighouden. Toch vinden veel mensen het lastig om te omschrijven wat een probleem nu eigenlijk voor iets is. Daarvoor is het vaak te vaag en daarmee lastig in concrete termen te beschrijven. In het algemeen hebben we het over een situatie die opgelost moet worden. Toch zit de kern meestal niet in die situatie zelf. Want een situatie die voor de ene persoon een wereldprobleem is, is dat voor een ander helemaal niet.

Het ligt dus aan de persoon die met het 'probleem' geconfronteerd wordt. En dan zien we, dat een probleem het verschil is tussen hoe je zelf wilt dat een situatie is en hoe je de situatie daadwerkelijk ervaart. Dat verschil, dus die spanning tussen onze wens en de werkelijkheid, noemen we dan een probleem. Maar daarmee is het 'probleem' dus ook meteen iets subjectiefs. Een probleem bestaat vooral in onze eigen beleving.

Je perceptie bepaalt de ervaring

Neem een simpel voorbeeld. Je staat op de trein te wachten. Als je je verveelt, lijkt de tijd eindeloos te duren. Heb je een goed boek bij je of gebeurt er van alles om je heen, dan vliegt dezelfde wachttijd voorbij. Objectief is er niets veranderd. De trein komt op hetzelfde moment aan. Maar je ervaring met het wachten op de trein is totaal anders.

Dit laat zien dat een probleem niet alleen wordt bepaald door feiten, maar vooral door je perceptie. Dus de manier waarop iets bij jou overkomt. Je perceptie komt voort uit ervaring, verwachtingen en allerlei persoonlijke voorkeuren. Wat in de perceptie van de één een groot probleem is, kan in de perceptie van een ander nauwelijks een obstakel zijn dat enige aandacht verdient.

Het ontstaan van een spookprobleem

Soms ervaren we een probleem, dat objectief gezien nauwelijks of zelfs helemaal niet bestaat. Dit noemen we een spookprobleem. Denk aan zorgen die gebaseerd zijn op onze eigen aannames, pure misverstanden of angst voor iets dat misschien nooit gebeurt.

Toch is zo’n probleem voor degene die het ervaart heel echt. De emotie en de stress zijn er niet minder door, omdat de oorzaak twijfelachtig is. Daarom verdient ook een spookprobleem de aandacht. Niet door de werkelijkheid -die er niet is- te veranderen, maar door de manier waarop die werkelijkheid wordt geïnterpreteerd.

Twee manieren om een probleem op te lossen

In de basis zijn er twee routes om een probleem aan te pakken. Je kunt de werkelijkheid proberen te veranderen zodat die beter aansluit bij je wensen. Of je past je wens of je interpretatie van de werkelijkheid aan.

Die tweede optie wordt vaak onderschat. Soms is het veel effectiever om anders naar een situatie te kijken dan om die situatie koste wat kost te willen veranderen. Wie zijn verwachtingen bijstelt, haalt vaak de scherpste randjes al van een probleem af en doet de eerste stap naar een oplossing.

Vertrouw op je eerste ingeving

Bij het zoeken naar oplossingen speelt je intuïtie altijd een heel belangrijke rol. De eerste gedachte die in je opkomt is zeker niet altijd volledig of correct, maar bevat vaak wel een waardevolle aanwijzing voor de richting waarin de oplossing gezocht moet worden.

Die spontaniteit komt voort uit een stuk onbewuste kennis en ervaring. Het is daarom verstandig om die eerste ingeving niet meteen te verwerpen. Misschien is het zelfs beter die juist goed te bewaren. Zie het als een globale richtingaanwijzer die je verder kunt uitwerken en toetsen.

Wat je niet weet, is cruciaal

Elk probleem bevat nog onbekende aspecten. Dingen die je nu nog niet weet, maar die wel invloed gaan hebben op de uitkomst. Een goede vuistregel is dat je altijd minstens drie van zulke onbekenden moet kunnen benoemen. Lukt je dat niet, dan is de kans heel groot dat je het probleem nog niet diep genoeg begrijpt en dat je je er eerst nog wat verder in verdiepen moet.

Door actief te gaan zoeken naar wat je nog niet weet, voorkom je dat je te snel conclusies gaat trekken en daarmee vergroot je de kans op een veel betere oplossing dan je eerst voor ogen had.

De grote kracht, maar ook het gevaar van de vraagstelling

Tot slot is er nog een subtiele, maar belangrijke factor en dat is de manier waarop je een probleem geformuleerd hebt. Want de vraag die je stelt stuurt bijna automatisch het antwoord.

Woorden als “gebruikelijk,” “bekend,” of juist “ongebruikelijk” en “onbekend” duwen je denken in een bepaalde richting. Dat kan beperkend werken, omdat je door je denkrichting onbewust een aantal opties uitsluit. Maar het kan je ook juist helpen om focus aan te brengen.

Wie zich bewust is van die sturing, kan er zelfs slim gebruik van maken. Het kan voorkomen dat je vastloopt in je eigen denkpatronen.

Een probleem is zelden alleen een feitelijke situatie. Een probleem is een samenspel van de echte werkelijkheid, jouw perceptie en de verwachting die je hebt. Door dat spel goed te begrijpen, krijg je meer grip op wat er echt speelt en daarmee vergroot je de kans op een goede oplossing.

https://modelmetkoffie.blogspot.com

Informatie over de komende evenementen, workshops of andere belangrijke dagen die interessant voor je kunnen zijn bij Jetje's dag.
De data van de sessies:

Zondag 12 april. Deels gekleed / deels ongekleed.

Zondag 3 mei. Nader te bepalen tussen deelnemers

Voor meer informatie over "model met koffie" klik je hier

Om je in te schrijven klik je hier

Eerst maar eens Goede Vrijdag en de Paasdagen vieren met heel veel chocolade-eieren en als het goed is kom ik nog wel even bij jullie langs. Dus houd de socials in de gaten.

Colofon

Bijdragen

Bij belangstelling of vragen kun je altijd contact met me opnemen en dan kijk ik graag samen met jou wat er mogelijk is. En dat is wat mij betreft best veel.

Jetje's dag is op vele manieren te bereiken:

Jetje's dag is op mijn eigen Facebook en enkele pagina's

Al mijn foto's uit Jetje's dag staan ook op Pinterest

Kleinere berichten, foto's, kunstwerken etc. staan op een eigen blog

Zoekt u een begrip uit de kunst? Een kunstenaar? Een kunststroming?Klik hier, al wordt er nog druk aan gewerkt

Meer onderwerpen vinden? Gebruik Jetje's index!

1 april 2026 | Nr. 495 | Groen, groener en kunstgras

2026-04-01T08:01:00.000+02:00

1 april 2026 | Nr. 495 | Groen, groener en kunstgras

Jetje aan het woord

Goedemorgen allemaal op deze mooie dag vol mogelijkheden en nieuwe kansen

Vandaag gaan we eens lekker wat overtuigingen en aannames ter discussie stellen. Je weet wel. Al die dingen die je echt "weet," gewoon omdat de krant ze je verteld heeft. Zoals dat kunstgras bij de buren altijd groener is. Net zolang tot je het zelfs gaat geloven terwijl je best weet dat het allebei bij de IKEA vandaan kwam. Maar zijn aannames per definitie altijd fout? Of is die vraag op zich ook al weer een soort aanname? Een lastige materie waar op een bepaalde luchtige manier mee omgesprongen mag worden al is er vast wel weer een krant te vinden waarin staat dat je dit juist weer niet moet doen.

Jullie Jetje

Samenvatting van vandaag:

		1. Het groenere gras van de buren;
		2. Zeker als je daar echt van overtuigd bent.

Bij de buren is alles beter. Ja toch?

In elk geval voor ons gevoel. Of het ook meetbaar zou zijn is vaak maar de vraag.

Het kunstgras is altijd groener bij de buren. Natuurlijk is dat zo. Dat is immers het hele punt van kunstgras: Het is altijd groener. Het oogt altijd perfect. Altijd alsof er net een team van zorgvuldig geselecteerde elfen met een dwangstoornis langs is geweest om elk kunstsprietje exact recht te leggen.

Bij mij in de tuin ligt ook kunstgras. Ooit aangeschaft in een vlaag van volwassen optimisme. Geen gedoe meer met maaien, geen kale plekken, geen hondenurine die mysterieuze kleine maankraters als cirkels van existentiële wanhoop achterlaat die je nooit meer weg krijgt. Nee, dit is gewoon: Groen. Permanent groen. Alsof je een soort photoshop op je achtertuin loslaat als een fotograaf die de rimpels van zijn model gladstrijkt.

Maar toch, als ik even snel over de schutting kijk, zie ik het meteen: Bij de buren is het kunstgras groener.

Niet een beetje groener. Nee, absurd groener. Onrealistisch groener. Zo groen dat je je afvraagt of het eigenlijk wel binnen de EU-regelgeving valt. Zou het niet verboden moeten zijn? Hun kunstgras lijkt wel te gloeien. Alsof het ‘s nachts opgeladen wordt door een geheime zonnebank met een super USB-poort. Mijn gras daarentegen oogt ineens zo vermoeid. Alsof het al jaren twijfelt over zijn levenskeuzes die niet meer goedgemaakt kunnen worden.

Ik heb het naast elkaar vergeleken. Zelfde leverancier. Zelfde type. Waarschijnlijk zelfs uit dezelfde rol gesneden door dezelfde medewerker. Maar bij die buren zien we een strak, levendig tapijt vol met hoop en ambitie. Bij mij zien we niet meer dan een licht matte herinnering aan hoe het waarschijnlijk ooit bedoeld was.

Misschien ligt het wel aan de manier waarop de buren over hun kunstgras praten. Zij zeggen dan dingen als: “We hebben er écht geld, tijd en energie in geïnvesteerd.” Ik heb er gewoon geld voor betaald en het neergelegd. Dat is blijkbaar iets anders. Hun gras voelt zich door hen gewaardeerd en het beloont dat dan om iets terug te doen. Mijn kunstgras voelt zich gewoon gekocht. Als een rookworst bij de Hema. Daar staat echt niets tegenover.

Of misschien ligt het aan hun houding. Zij zitten trots naar hun kunstgras te kijken, met een glas wijn, alsof ze persoonlijk verantwoordelijk zijn voor elke chlorofyl-achtige illusie. Ik kijk ernaar zoals je naar een abonnement kijkt dat je vergeten bent op te zeggen en waar je weer een jaar aan vast zit.

En dan begint het toch inwendig te knagen. Zou ik het dan misschien toch verkeerd hebben aangelegd? Had ik het gras liefdevoller moeten borstelen? Moet je kunstgras eigenlijk verzorgen? Bestaat er zoiets als een emotionele verwaarlozing van synthetische oppervlakken?

Op een dag betrapte ik mezelf erop dat ik hun gras aan het analyseren was. Ik stond daar, half over de schutting hangend, alsof ik daar een botanische doorbraak verwachtte. De buurman keek me aan. Ik zei dat ik “Gewoon even keek.” Hij knikte. We wisten allebei dat dit een leugen was. Het ging om het gras. Kunstgras.

Want diep van binnen weet ik best dat het niet aan het gras ligt.

Het ligt aan het idee dat er altijd ergens anders iets beter moet zijn. Zelfs als het duidelijk pure nep is. Misschien juist als het nep is. Want perfectie is het makkelijkst te bereiken als je alles wat echt is gewoon weglaat en door nep vervangt.

Dus ja, het kunstgras is altijd groener bij de buren.

Maar als je goed kijkt, zie je dat het nergens echt groeit.

De schadelijkheid van je overtuigingen

Overtuigingen zorgen voor de onzichtbare muren in je hoofd

Overtuigingen zijn onwijs hardnekkige dingen. Ze nestelen zich ongemerkt via een achterdeurtje in je denken en presenteren zich dan vervolgens als feiten. Zo stellig als een politicus die heel goed weet dat hij staat te liegen. Het worden dan feiten als “Zo ben ik nu eenmaal,” “dat lukt mij toch niet,” of “mensen zoals ik die…” Het klinkt bijna alsof het om objectieve, bewijsbare waarheden gaat, maar in werkelijkheid zijn het vaak oude aannames die ergens zijn blijven hangen, maar waar geen enkel bewijs voor is. Net als bij die waarheid van die politicus. Misschien heb je jou mooie overtuigingen zelf wel gevormd na een paar niet al te positieve ervaringen, misschien zijn ze je door iemand anders aangeleerd. Hoe dan ook: Je overtuigingen voelen stevig, robuust, gefundeerd, bijna onaantastbaar. Al zijn ze mogelijk niet waar.

De stelligheid maakt overtuigingen zo gevaarlijk

En juist die stelligheid maakt je overtuigingen zo onwijs verraderlijk. Want wat absoluut voelt, wordt zelden nog door jouw ter discussie gesteld. Het zal wel goed zijn. Maar wat je niet ter discussie stelt, blijft je gedrag in dezelfde richting sturen. Zo ontstaat er een soort onzichtbare begrenzing. Je probeert bepaalde dingen op een gegeven moment niet eens meer, omdat je wel “weet” dat het toch niets gaat worden. Zonde van de tijd, moeite en energie. Maar daarmee bevestig je steeds opnieuw je eigen overtuiging dat er niets uit je handen komt. Het is een perfect gesloten cirkel. Het is een zelfvervullende voorspelling geworden en we weten allemaal dat die heel lastig te doorbreken vallen.

Waarom overtuigingen zo kunnen blokkeren

Het probleem zit niet zozeer in het hebben van overtuigingen. Overtuigingen heeft nu eenmaal iedereen. Ze helpen je soms ook wel om de wereld overzichtelijk te maken. Het wordt pas een probleem wanneer ze rigide worden. Als een overtuiging geen enkele ruimte meer over laat voor enige nuance of verandering, verandert die overtuiging van een hulpmiddel in een stevige blokkade.

Een stellige overtuiging sluit alle alternatieven uit. Als je ervan overtuigd bent dat je toch “niet creatief bent,” zul je elke creatieve impuls op voorhand al wantrouwen en vaak meteen afwijzen. Als je gelooft dat “succes alleen voor anderen is weggelegd,” zul je je eigen kansen eerder gaan saboteren, dan dat je ze zult benutten. Je hoeft niet eens bewust tegen jezelf te werken. Je overtuiging doet dat werk al met veel inzet en plezier voor je.

Hoe ontstaan zulke stellige ideeën?

Vaak zijn je stellige overtuigingen gebaseerd op slechts beperkte informatie. Eén mislukking wordt al een patroon. Eén opmerking van iemand anders wordt direct een waarheid. Ons brein houdt nu eenmaal van snelle conclusies, omdat dat energie bespaart. Maar die efficiëntie heeft wel een prijs. We generaliseren te snel en veel te definitief.

Daar komt bij dat overtuigingen emotioneel geladen zijn. Ze zijn niet alleen een gedachte, maar ook een gevoel. En gevoelens geven overtuigingen gewicht. Daardoor voelt het niet als “Ik denk dat dit zo is,” maar als “Dit is gewoon zo.”

Hoe kom je ervan af?

De eerste stap is simpel, maar niet zo makkelijk: Het is gewoon twijfel zaaien. Niet in de zin van onzeker worden over alles wat je doet of bedenkt, maar door je eigen overtuigingen te behandelen als theoretische mogelijkheden in plaats van vaststaande feiten. Vraag jezelf af: Wat is de bron van een bepaald feit of is het een veronderstelling? Een aanname? En is dit altijd waar? Geldt het voor iedereen? Ook in andere situaties?

Vervolgens helpt het om actief naar een tegenbewijs te zoeken. Niet alleen in theorie, maar vooral ook in de praktijk. Want dat is een stuk overtuigender. Als je denkt dat je ergens heel slecht in bent, probeer het dan bewust in kleine stapjes die niet kunnen mislukken. Geef jezelf de kans om het tegendeel van je eigen negatieve aannames te ervaren. Nieuwe ervaringen zijn vaak de enige manier om oude overtuigingen echt los te weken en definitief naar de vuilstort van je geheugen te verbannen.

Daarnaast is het nuttig om je overtuigingen opnieuw te formuleren. In plaats van “Ja maar, ik kan dit niet,” wordt het bijvoorbeeld “Ik heb dit nog niet geleerd, maar ben er vast wel goed in.” Dat klinkt misschien als een vreemd detail, maar het opent wél ruimte. Waar de eerste zin direct al een eindpunt is, is de tweede een begin van een ontdekkingsreis naar nieuwe mogelijkheden.

Ruimte maken voor verandering

Uiteindelijk gaat het er niet om dat je geen overtuigingen meer hebt, maar dat ze flexibel blijven. Dat je ze kunt aanpassen wanneer de werkelijkheid daarom vraagt. Dat je bereid bent om jezelf te verrassen.

Want misschien ben je niet wie je altijd dacht dat je was. Misschien was dat gewoon een overtuiging. Een aanname. Maar dan wel een hele overtuigende aanname. Dat dan weer wel.

https://modelmetkoffie.blogspot.com

Informatie over de komende evenementen, workshops of andere belangrijke dagen die interessant voor je kunnen zijn bij Jetje's dag.
De data van de sessies:

Zondag 12 april. Deels gekleed / deels ongekleed.

Zondag 3 mei. Nader te bepalen tussen deelnemers

Voor meer informatie over "model met koffie" klik je hier

Om je in te schrijven klik je hier

Welk legeronderdeel draagt er ook al weer een rode baret? O ja, de luchtmobiele brigade. Maar je vind de rode baret ook buiten het leger terug.

Colofon

Bijdragen

Bij belangstelling of vragen kun je altijd contact met me opnemen en dan kijk ik graag samen met jou wat er mogelijk is. En dat is wat mij betreft best veel.

Jetje's dag is op vele manieren te bereiken:

Jetje's dag is op mijn eigen Facebook en enkele pagina's

Al mijn foto's uit Jetje's dag staan ook op Pinterest

Kleinere berichten, foto's, kunstwerken etc. staan op een eigen blog

Zoekt u een begrip uit de kunst? Een kunstenaar? Een kunststroming?Klik hier, al wordt er nog druk aan gewerkt

Meer onderwerpen vinden? Gebruik Jetje's index!

31 maart 2026 | Nr. 494 | Jetje laat de broekriem gewoon lekker zitten

2026-03-31T08:06:00.000+02:00

31 maart 2026 | Nr. 494 | Jetje laat de broekriem gewoon lekker zitten

Jetje aan het woord

Goedemorgen allemaal op deze mooie dag vol mogelijkheden en nieuwe kansen

De uitdrukking “de broekriem aanhalen” wordt gebruikt wanneer iemand zuiniger moet gaan leven of bezuinigingen moet doorvoeren. Het beeld dat hierbij hoort is eenvoudig en krachtig. Wie minder te eten heeft of minder geld kan uitgeven, valt af of moet letterlijk zijn of haar riem strakker aantrekken om zijn of haar broek op te houden. Vanuit dat fysieke beeld is de betekenis inmiddels wel wat verschoven naar een meer figuurlijke toepassing.

In de praktijk hoor je deze uitdrukking nu vaak in een economische context. Overheden die moeten besparen, bedrijven die in zwaar weer zitten of huishoudens die minder te besteden hebben: Allemaal “halen ze de broekriem aan.” Het gaat daarbij niet alleen om minder uitgeven, maar ook om het maken van bewuste keuzes en het schrappen van luxe of overbodige kosten.

De uitdrukking heeft vaak een serieuze, soms zelfs sombere ondertoon. Ze suggereert dat er moeilijke tijden zijn aangebroken waarin discipline en terughoudendheid nodig zijn. Tegelijkertijd kan er ook een zekere nuchterheid in doorklinken, namelijk het idee dat zuinigheid tijdelijk is en hoort bij het omgaan met tegenslagen.

Kortom, “de broekriem aanhalen” staat symbool voor aanpassingsvermogen en realiteitszin wanneer middelen even wat schaarser worden.

Jullie Jetje

Samenvatting van vandaag:

		1. Jetje hoeft de broekriem niet aan te halen;
		2. Wil jij jezelf zijn of toch maar liever een ander?

Sta je wel eens stil bij de lengte van je broekriem?

De broekriem is een alledaags voorwerp waar zelden bij wordt stilgestaan, maar dat toch een opmerkelijke geschiedenis en betekenis heeft. Oorspronkelijk diende de riem een puur praktische functie, namelijk het ophouden van kleding. In een tijd waarin broeken nog niet standaard op maat werden gemaakt en elastische stoffen nog onbekend waren, was een riem simpelweg noodzakelijk om te voorkomen dat kleding afzakte.

Van hulpmiddel naar statussymbool

Door de eeuwen heen ontwikkelde de broekriem zich van een functioneel hulpmiddel tot een modeaccessoire en zelfs een statussymbool. In de middeleeuwen droegen mensen riemen waaraan zij messen, buidels en andere gebruiksvoorwerpen bevestigden. De riem was dus niet alleen praktisch, maar ook een manier om bezit en je identiteit te tonen. Later, in de 19e en 20e eeuw, kreeg de riem een meer esthetische rol. Materialen zoals leer, metaal en textiel werden gecombineerd met opvallende gespen, waardoor de riem een verlengstuk werd van je persoonlijke stijl.

Een subtiel onderdeel van je outfit

Tegenwoordig is de broekriem een subtiel maar belangrijk onderdeel van iemands outfit. Een eenvoudige leren riem kan professionaliteit en ingetogenheid uitstralen, terwijl een opvallende riem met een grote gesp juist een statement maakt. In de modewereld wordt de riem vaak gebruikt om silhouetten te accentueren. Hij kan de taille benadrukken, contrast creëren of juist een geheel samenbrengen.

De riem is ook een belangrijk symbool geworden in de financiële wereld

Interessant is ook de symbolische betekenis van de broekriem. De uitdrukking “de broekriem aanhalen” verwijst naar zuinigheid en financiële discipline. In tijden van economische onzekerheid wordt deze metafoor vaak gebruikt om aan te geven dat mensen hun uitgaven moeten beperken. Daarmee overstijgt de riem zijn fysieke functie en wordt hij een beeld voor maatschappelijke omstandigheden.

Een oude riem heeft vaak een bewogen leven achter de rug

Daarnaast heeft de broekriem ook een persoonlijke dimensie. Slijtageplekken, krassen en verkleuringen vertellen het verhaal van gebruik en tijd. Een oude riem kan herinneringen dragen aan werk, reizen of belangrijke momenten. Het is een object dat, ondanks zijn eenvoud, een stille getuige is van het dagelijks leven.

De boekriem speelt een grotere rol dan je zou denken

Hoewel de broekriem misschien niet het meest opvallende kledingstuk is, speelt hij een cruciale rol in zowel functionaliteit als expressie. Het is een klein detail dat ongemerkt veel zegt over de drager. Juist in die bescheidenheid schuilt de kracht van de broekriem: Een simpel object dat de brug slaat tussen nut, stijl en betekenis.

"Wees wie je bent!" is een knap misleidend advies

De uitspraak “Wees wie je bent,” klinkt mooi en geruststellend, maar is bij nader inzien een vrij leeg advies. Het veronderstelt namelijk dat wie je nu bent, ook precies is wie je zou moeten zijn. Dat is maar zelden het geval. Veel mensen zijn immers ontevreden over zichzelf, over hun gedrag, hun uiterlijk, hun gewoontes of de keuzes die ze maken. Als je simpelweg blijft wie je bent, blijf je dus ook hangen in die ontevredenheid. Er van loskomen en gaan groeien begint juist bij het erkennen dat er best nog iets te verbeteren valt.

Ontevredenheid als stuwende kracht voor verandering

Ontevredenheid heeft een slechte reputatie, maar kan juist een krachtige drijfveer zijn. Het laat zien dat er iets wringt, dat er ruimte is voor verbetering. In plaats van jezelf te accepteren zoals je bent, kun je beter gaan onderzoeken wat je nu eigenlijk zo stoort en daar actief iets aan gaan doen. Ontdoe jezelf van dat niet gewenste gedrag, vervelende gedachten en patronen die je tegenhouden. Dat is in geen enkel opzicht een afwijzing van jezelf, maar het wijst juist op een vorm van zelfrespect.

Kies bewust je voorbeelden

Een effectievere strategie is om te kijken naar mensen die eigenschappen bezitten die jij bewondert. Dat betekent niet dat je iemand volledig moet kopiëren. Vaak gaat het om specifieke aspecten. De discipline van de één, de creativiteit van de ander, of het doorzettingsvermogen van weer iemand anders. Door deze elementen bewust te kiezen en samen te voegen, bouw je stap voor stap aan een steeds betere versie van jezelf.

Je identiteit zien als een bewuste keuze

Wie je bent, is geen vaststaand gegeven. Het is een optelsom van eigen keuzes, aangeleerde gewoontes en opgebouwde overtuigingen. Jij bent degene die kan bepalen welke richting je opgaat. Dat maakt je identiteit niet iets wat je maar accepteren moet, maar iets dynamisch dat nog nokvol mogelijkheden zit. Je kunt jezelf voortdurend blijven bijstellen en proberen te verbeteren. De vraag is dus niet, wie je nu bent, maar wie je eigenlijk zou willen zijn.

Streven naar een betere versie van jezelf

Uiteindelijk gaat het erom dat je een beeld ontwikkelt van de persoon die je zou willen worden. Dat hoeft helemaal geen perfect plaatje te zijn, maar het moet wel een richting geven om een streefdoel te krijgen. Waar wil je naartoe? Wat vind je zelf heel belangrijk? En welke eigenschappen horen daar bij? Door daar bewust naar te streven, geef je jezelf wél de kans om verder te groeien en de huidige situatie achter je te laten.

“Wees wie je bent” maakt daarmee plaats voor een krachtiger alternatief: "Word wie je wilt zijn."

https://modelmetkoffie.blogspot.com

Informatie over de komende evenementen, workshops of andere belangrijke dagen die interessant voor je kunnen zijn bij Jetje's dag.
De data van de sessies:

Zondag 12 april. Deels gekleed / deels ongekleed.

Zondag 3 mei. Nader te bepalen tussen deelnemers

Voor meer informatie over "model met koffie" klik je hier

Om je in te schrijven klik je hier

De grastegels bij de buren zijn altijd groener dan die van jezelf

Colofon

Bijdragen

Bij belangstelling of vragen kun je altijd contact met me opnemen en dan kijk ik graag samen met jou wat er mogelijk is. En dat is wat mij betreft best veel.

Jetje's dag is op vele manieren te bereiken:

Jetje's dag is op mijn eigen Facebook en enkele pagina's

Al mijn foto's uit Jetje's dag staan ook op Pinterest

Kleinere berichten, foto's, kunstwerken etc. staan op een eigen blog

Zoekt u een begrip uit de kunst? Een kunstenaar? Een kunststroming?Klik hier, al wordt er nog druk aan gewerkt

Meer onderwerpen vinden? Gebruik Jetje's index!