JJFEZs Blog

Publicación en Luups

2011-11-16T11:48:00.001+01:00

Luups es un Magazine Alemán que ofrece vales para recibir descuentos en tiendas y restaurantes en ciudades concretas.
Ellos apuestan por nuevos artistas emergentes y entre sus páginas se pueden ver las obras de éstos.

Para su publicación de 2012 me seleccionaron para dos de sus libretos. Concretamente para las ciudades Essen y Darmstadt.

Aquí os lo dejo para que le echéis un vistazo.

Ilustraciones para DHL

2011-09-13T16:57:00.000+02:00

Ya hacía tiempo que no escribía nada en el blog y es que he tenido muuucho que hacer. Como por ejemplo algunas ilustraciones para DHL (Alemania). Se trata de unos banners para su página web. Los podéis ver aquí:

Las podéis ver todas en mi portafolio en Behance pinchando aquí.

Neogene

2011-02-08T12:38:00.000+01:00

Neogene, es una banda de rock para la que hace poco hice el diseño de su nuevo disco "Hunting", Incluyendo las ilustraciones, su identidad corporativa, posters, logo, camisetas y postales.

El día 4 de febrero tuvo lugar el release de su nuevo album, al que estuve invitado en Aquisgrán, al que asistí encantado.

A continuación podéis ver el resultado:

La banda tiene su propia website en http://www.neogene.de o en facebook. También podéis comprar su single en Itunes.

Ha sido un trabajo gratificante y lo repetiría encantado.

Entrevista en Rojo & Garabato Magazine

2010-10-05T12:10:00.000+02:00

De nuevo una entrevista. Esta vez para la revista online Rojo & Garabato. Sin más merodeos aquí os dejo el artículo.

http://rojogarabatomagazine.tumblr.com/

Absinthe Magazine.

2010-09-14T17:26:00.000+02:00

Absinthe es un proyecto antiquísimo que tengo entre manos. Nació en mis años universitarios, creo que allá por el ´99 más o menos. En principio la idea fue crear una editorial donde casi todo lo relacionado con el arte y el diseño tuviese cabida. De alguna forma con el tiempo la idea se quedó en el tintero, pero como una espinita clavada.

Hace un par de meses se me ocurrió volver a retomar la idea. Esta vez como E-zine. El E-zine es por norma general una publicación online en formato pdf, aunque últimamente pululan por internet miles de sitios donde puedes subir tus revistas o documentos donde se transforman en una especie de revista virtual. El mejor ejemplo de esto es issuu.com.
De este modo no se necesitan más inversiones que la de tu tiempo y la de tus colaboradores.

A forma de hobby he estado creando varios números en los últimos meses así como una modesta website: www.absinthe.ya.st donde podeis bajaros todos los números publicados y donde se especifican los detalles para colaborar.

El número de colaboradores ha sido enorme, jamás lo hubiese pensado. Recibo continuamente emails de ilustradores con una calidad indiscutible.

Por un módico precio incluso se pueden adquirir las revistas en papel, no sólo como E-zine.

... también podéis haceros miembros del grupo Absinthe en Facebook AQUI.

Publicación en RevolutionArt Magazine #24

2010-05-04T20:22:00.000+02:00

REVOLUTIONART International Magazine is a publication delivered in pdf format as a collective sample of the best of the graphic arts, modeling, music, and world tendences.

It's a revolutionary platform, a massive propaganda to communicate global messages and make people think. REVOLUTIONART delivers pure talent to more than 70,000 suscribers and readers per edition around the world.

Bueno, sí, de nuevo otra publicación, esta vez en RevolutionArt Magazine, como habéis leído antes. La ilustración seleccionada es la que se muestra adjunta. Su página web, para más, información es: www.revolutionartmagazine.com o bien os la podéis bajar AQUÍ.

Publicación en Day Dreaming Magazine #4

2010-04-13T17:46:00.001+02:00

Y aquí va otra publicación, esta vez de la mano de Day Dreaming Magazine, en Italia.
Es gratuita y la podéis ver aquí.
La wesite es: http://www.ddmagazine.it

Publicación en la revista Blanket issue #21

2010-04-13T12:16:00.000+02:00

Blanket magazine es una revista online de Manchester, en el Reino Unido, que publica trabajos de ilustradores, diseñadores y fotógrafos.

Me dió por escribirles y voilá, ahí está mi ilustración.

Por desgracia la revista no es gratuita pero la podéis comprar pinchando aquí.

La web oficial es blanketmagazine.com

Small interview at Artybuzz

2010-04-07T19:53:00.000+02:00

Ultimamente la cosa va de entrevistas... aquí os dejo la última que me han hecho, esta vez en Artibuzz, una página web que se dedica a vender prints de diversos artístas internacionales.
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Jesus Fernandez – Featured Member

Posted on April 7th, 2010 in Uncategorized by Richard

We are featuring the work of Jesus Fernandez below, so check him out…

What inspires your work?

I like to provoke with my work, doing something that is not typical, doing, so to say, the opposite of what the commercial world wants.

H. R. Giger is an artist who influenced me in the past. He is a good example to illustrate this concept of “provocation.”

At their time the French Impressionists, the German expressionists, the group Die Brücke or Goya in his series “Disasters of War” also provoked with their work to break with classicism.

Of course, I do not think that I am a commercial artist, but often I have to do this kind of art just to sell.

On the other hand, as an art director and illustrator, I have constant contact with the advertising world in a way that also influences me because I constantly doing illustrations for advertising campaigns, for books, packaging, etc … But of course I am conscious of the commercial part of this work and can differentiate between a product and art coming from the soul.

Finally, comics and illustration are my most direct influences, with artists like Wrightson, Ashley Wood or Chichoni, among many, many illustrators.

What made you get into creating art?

Since I was a child, I used to draw and paint a lot. I believe the artist is always in constant search, and art is like a language to express himself and comunícate ideas to other people.

Have you been doing this for long?

As I said before, I started drawind and painting when I was a child. So, for how long? Almost my whole life.

What is your favourite piece by yourself?

http://www.artybuzz.com/find-art/flies-dont-get-into-a-closed-mouth/5357

I am looking for the reaction in the viewer. I find it boring when an artwork has no effect on the public. It is a kind of illustrative painting.

This particular work, called ” FLIES DON’T GET INTO A CLOSED MOUTH. ” – it´s a typical spanish phrase. You can compare it to the english phrase „loose lips, sink ships“.

Balloons!

2010-03-07T17:16:00.000+01:00

Wikipedia says: A balloon is an inflatable flexible bag filled with a type of gas, such as helium, hydrogen, nitrous oxide or air. Modern balloons can be made from materials such as rubber, latex, polychloroprene, or a nylon fabric, while some early balloons were sometimes made of dried animal bladders. Some balloons are purely decorative, while others are used for specific purposes such asmeteorology, medical treatment, military defense, or transportation. A balloon's properties, including its low density and relatively low cost... and have led to a wide range of applications.

Creative-crossing.com

El Pais (EP3).

2010-01-26T20:18:00.000+01:00

A principios de mes el periódico El País me eligió como Talento de la Semana. Me pidieron por ello que contestase a una serie de preguntas y que les contara un poco sobre mí. Lo hice encantado... El artículo en cuestión fue publicado el día 22 de enero en el suplemento de El Pais EP3, os lo dejo a continuación:

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Periódico Alemán, West Deutsche Zeitung!

2010-01-21T21:12:00.000+01:00

En diciembre hice algunos trabajos para el periódico regional Alemán West Deutsche Zeitung en Düsseldorf. Entre ellos también un dibujo humorístoco, sobre una visión personal-pesimista de Düsseldorf en año 2020. Lo cual era el tema: La ciudad en el año 2020. Bueno, este fue el resultado:

Y este el resultado luego en el periódico:

Juan, The Comic

2009-12-01T12:03:00.001+01:00

Sí, por fín lo acabé. Ha tardado un poco más de lo que tenía planeado, pero, más vale tarde que nunca. Espero que os guste.

En inglés:

También en alemán para el que guste:

Por cierto, ahora también lo podéis conseguir en edición impresa por un módico precio. Podéis comprarlo pinchando en el idioma que seleccionéis: Español / Alemán / Inglés

What you give is what you get

2009-10-11T11:03:00.000+02:00

Hace unos cuantos días experimenté con un amigo (Tobias von Aesch) una muy antigua técnica, la anamorfosis. El título de la obra fué "Lo que se da se recibe", basándonos en el dicho "lo que se siembra se recoge".

En una imagen anamórfica no se reconocen las formas originales del dibujo, sino que se necesita de un objeto cónico que lo resuelva (o en otros casos, posicionándose desde un determinado punto con respecto al dibujo distorsionado). En el cono, por fín, se observa una persona que pretende disparar a otra, esta otra a su vez hace lo mismo con la primera persona, convirtiéndose en un círculo vicioso que da sentido al título de la obra.

Para comprender mejor esto y el por qué del título, lo mejor es que veáis las imágenes.

LA TÉCNICA:

Anamorfosis es una proyección distorsionada, que requiere de objetos especiales o vistas desde perspectivas especificas para reconstruir la imagen. „Ana-morfosis“ viene del griego y significa „volver a tomar forma“.

LA IDEA:

Lo que se siembra, se recoge, lo que damos, así lo recibimos. Es una realidad que toma forma una y otra vez en un círculo sin fin. Toda acción tiene una reacción, un efecto boomerang que nunca se espera.

Un PDF de la obra lo encontraréis pinchando aqui.

THE TECHNIQUE:

Anamorphosis is a distorted projection or perspective requiring

the viewer to use special devices (in this case a metallic cylinder) or

occupy a specific vantage point to reconstitute the image. „Ana -

morphosis“ comes from the Greek words meaning „formed again.“

THE IDEA:

What you give is what you get.

It is a reality that takes form over and over again in an endless circle.

Every action has a reaction, the never expected boomerang effect ...

Arte de luz

2009-08-26T19:22:00.000+02:00

Desde antiguo ha sido un elemento empleado como medio en la pintura; un recurso expresivo captado de miles de formas diferentes en función de técnicas y corrientes pero sin una entidad en sí mismo. Los años sesenta del s.XX trajeron consigo creaciones como las del minimal art, movimiento con el que este elemento alcanzará un estatus principal. Así, en muchos casos, la luz deja de ser un apoyo -imprescindible- destinado a la consecución de la obra de arte y se convierte EN la obra de arte. Antes de esto, autores como Picasso ya habían experimentado con las posibilidades pictóricas de la luz, la fotografía jugaba día sí día no con este recurso y la arquitectura llevaba siglos haciendo uso de él. Y, a día de hoy, es el llamativo "dibujo de luz" la técnica que consigue adeptos a pasos agigantados.

La luz es el fundamento principal de la imagen, el componente que otorga volúmen y definición; realidad, al fin y al cabo. Y, en arte , es el medio principal sin el cual la ficción no sería posible: en fotografía es un conductor, en arquitectura un elemento empleado de forma teatral o funcional y, en pintura, el artificio que permite la tridimensionalidad y las calidades. Durante siglos fue un componente básico de la obra -con variaciones en su posición a partir de la invención de la fotografía- pero será en pleno s.XX cuando se convertirá en la obra en sí misma. Ya en el románico (y posteriormente) la luz había sido representada como concepto pero, fuera de teorizaciones simbólicas, la iluminación no obtendrá un estatus de independencia hasta las segundas vanguardias, procurado en concreto por los primeros artistas minimalista que introduzcan los fluorescentes en sus creaciones. Con esto, se generaba una reflexión acerca de la percepción y los roles históricos del arte: la luz como materia releva a la luz como medio expresivo, el componente se convierte en objeto y el espectador se encuentra ante una comprensión estética nueva y sorprendente. Autores como Dan Flavin explorarán la percepción y la estética por medio de instalaciones que cuentan con la luz como su componente principal, en un tránsito hacia la conceptualización.

Algo más de una década antes de todo esto, Picasso descubriría las capacidades plásticas de la luz, realizando una serie de dibujos de luz que serían captados por el fotógrafo de LIFE Gjon Mili. Las instantáneas pertenecen al archivo fotográfico de la revista y muestran un ejemplo de arte efímero inusual en su momento. Un arte de acción donde la luz se convierte en el trazado de unas composiciones que recuerdan fuertemente a los famosos grabados del cubista. En este caso, es la documentación del momento lo que ha llegado hasta el espectador, sin embargo será el instante creativo el que confiera la categoría de arte a este conjunto, sin importar lo efímero de su permanencia en el tiempo.
Este "juego" estético parece haberse recuperado en los últimos tiempos, y cada vez es posible encontrar más referencias a este tipo de manifestación en los mass media. Un resultado posible gracias al aumento del tiempo de exposición de la cámara fotográfica, y para el que ya existen incluso en el mercado herramientas especiales (como el spray Halo), si bien puede emplearse como "lápiz" cualquier fuente de luz.

Arte Bruto

2009-06-24T19:26:00.001+02:00

Arte de parias, enfermos, outsiders... el Art Brut ha disfrutado de escaso predicamento como movimiento de vanguardia, poco más allá de su consideración de anécdota. De hecho, a excepción de Dubuffet, quien acuñó el término y abogó por la consolidación de esta tipología, no existen muchos más representantes de nombre conocido. Su base, sin embargo, no podría ser más atractiva: un arte surgido al margen de cualquier conocimiento previo artístico, un "arte puro", resultado de una expresión completamente libre. Ahora, una exposición en la Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung en Múnich (Alemania) ofrece una completa retrospectiva de la obra de Jean Dubuffet y la oportunidad de realizar un acercamiento a este arte "marginal".

Fuera de los límites

En los umbrales de la segunda mitad del s.XX Dubuffet, después de un periodo de investigación, acuñará el término "art brut" para hacer referencia al arte producido por aquellas personas que no habían sido "contaminadas" por ninguna clase de influencia ni academicismo artístico; personalidades las más de las veces al margen de la sociedad -enfermos, locos, ancianos, e incluso niños- cuya compresión estética era por completo innata. Con la apreciación de esta "corriente" se refundaban las bases de una pintura primitiva y la existencia de un artista en potencia en cada individuo; capacidad que, según Dubuffet, habría sido asfixiada en la mayor parte de los casos por las imposiciones de la sociedad. De esta manera, los únicos que realmente habrían podido dar rienda suelta a esta potencialidad serían aquellos que se encontraban precisamente al margen de ésta; todo aquel individuo exonerado de las exigencias sociales y con un gusto estético por completo virgen.

Jean Dubuffet

Dubuffet, pintor y escultor de origen francés notablemente influyente en el s.XX, descubrirá en hospitales y psiquiátricos un arte que daba respuesta a las dudas que el arte convencional le había hecho plantearse. Tras un periodo recorriendo sanatorios de Suiza, comenzará su propia colección de Arte Bruto y, a partir de este momento, no sólo él mismo se adentrará en la corriente sino que hará todo lo posible por categorizarla mediante la difusión y el coleccionismo. Su obra se caracteriza por la síntesis de diversos materiales, un expresionismo de corte naïf muy intrincado, que roza la perturbación, y la limitación cromática que aplicará en sus grandes esculturas. Hay que destacar la existencia, junto con Dubuffet, de unos pocos representantes más del art brut de nombre conocido, como Robert Tatin o Adolf Wölfli, así como el crecimiento posterior que su nomenclatura conocerá en la forma de una ampliación genérica: arte marginal, un término que acogerá cualquier manifestación artística generada fuera de la cultura oficial.

Más información: Jean Dubuffet-Wikipedia España

La ilustración, movimiento contemporáneo

2009-06-16T20:45:00.000+02:00

“ La ilustración sigue teniendo un gran futuro. Si bien existen nuevas formas de visualización y generación de imágenes, éstas necesitan de alguien con un buen conocimiento de las Bellas Artes. Aunque muchos ilustradores están cambiando hacia otro tipo de formación técnica como puede ser la multimedia, creo que el ilustrador del futuro será básicamente el de siempre, sólo que tendrá una muy buena preparación en nuevas tecnologías, y no sólo para crear imágenes estáticas y bidimensionales. Paralelamente, la ilustración tradicional se revalorizará constantemente” .

Chichoni, Dibujante - ilustrador.

Se trata de un movimiento relativamente moderno, que nace quizá por la unión de la extraña mezcla que forman el arte del cartel y del cómic. En sus primeros momentos tuvo mucho que ver con la pintura de caballete, con la decoración arquitectónica y con los dibujos realizados para las revistas ilustradas.

Para algunos dibujantes de esta materia, la ilustración se trata de un arte destinado a desaparecer aun siendo tan joven. La causa de ello: el mundo del diseño adopta nuevos caminos para su evolución, utilizando para esto, últimamente de un modo arrollador, las nuevas técnicas informáticas, que facilitan y aligeran el trabajo del artista de un modo increíblemente veloz y con una destreza técnica (que no sensible), por desgracia para el ilustrador clásico insuperable.

El uso cotidiano de la ilustración ha sido básicamente el de la publicidad, prestándose a hacer anuncios de cualquier tipo de producto, a decorar la portada de un libro, un cómic, de un juego de ordenador, o a hacer aparecer la imagen descrita en un libro de cuentos.

Por supuesto no solo el de la publicidad es el único uso de la ilustración; en los años 80, edad de oro de la ilustración (quizás a causa de que el resultado informático no era tan satisfactorio), y aún en nuestros días, muchos artistas optan por hacer suyo este estilo a la hora de crear su obra, como es el caso del maestro Frank Frazzetta, Burne Hogarth, Tim White, B. Wrightson, H. R. Giger, Olivia, Dave Mckean, Liberatore, Milo Manara, Esteban Maroto, Boris Vallejo, Julie Bell, Luis Royo, Chichoni, Alex Ross, Jhon Romita, V. Segrelles, y un largo, larguísimo, etcétera. No se trata sino de otra corriente más dentro de la época contemporánea, un movimiento artístico, quizá de menos envergadura y aceptación que muchos otros, pero que sin duda ya está siendo tenido en cuenta por la Historia del Arte, al ser un medio de comunicación visual creado para las masas, como puede ser la fotografía, el cómic, el cartel o el cine.

Entendemos por ilustración , en términos generales, cualquier obra dibujada con acuarela, tinta china a plumilla, óleo o aerógrafo (y prácticamente cualquier otra técnica artística), con características parecidas o iguales a las del cartel y el cómic. La influencia del cartel es clara: los dos están destinados al mundo del producto y del consumo. La ilustración se muestra llamativa hacia el espectador para que compre por ejemplo un cómic o un libro simplemente por la portada. En la ilustración y en el cartel las formas se muestran de un modo maravillosamente exagerado, rozando la fantasía, normalmente la imagen aparece generosamente coloreada, con mucha luz, y que contiene un mensaje icónico preparado para una percepción instantánea del mensaje, un mensaje que debe ser impactante, que llame la atención del espectador. Con una composición ordenada armónicamente para que los distintos elementos del dibujo lleven a una correcta y rápida lectura de la obra.

Según Chichoni (ilustrador y dibujante de cómics) “... En un cierto género de pintura se plantea un hecho prevalentemente estético, donde la composición y el uso del color suelen tener una preponderancia sobre la anécdota. En la ilustración, en cambio, existe siempre una carga narrativa más evidente y directa. Por lo tanto creo que una ilustración es una suma de calidad estética, buena técnica y originalidad narrativa”.

En efecto, la estética narrativa de la ilustración es la que compara y hace hermanos de fondo a ésta y el cómic. El cómic ejerce una influencia innegable en la ilustración. El tomo completo de un cómic ha de resumirse en la portada. Toda una secuencia de viñetas se puede narrarse en una sola imagen ilustrada, y a su vez, se puede decir que cada viñeta es una ilustración, pues recoge un tiempo real transcurrido en una sola imagen. Es por ello que casi todos los ilustradores tratan igualmente el arte del cómic y viceversa: casi todos los dibujantes de cómics crean ilustraciones.

En definitiva, la ilustración se trata de un dibujo icónico-gráfico destinado normalmente a la difusión masiva en copias mecánicas idénticas entre sí sobre soporte plano y estático.

La ilustración, como ya se ha dicho, es un medio de comunicación visual creado para las masas, y he aquí un extraño hecho que debe puntuarse: La bibliografía que el estudio de este modo de comunicación (la fotografía, el cartel, el cómic, la ilustración, la televisión, etc) ha generado a lo largo del siglo XX es inmensa, incluso mayor que la de algunos géneros artísticos tradicionales, y sin embargo, como ha denunciado Jaime Brihuega, la Historia del Arte ha permanecido en cierto modo ajena a este fenómeno, y ello a pesar del desarrollo de algunas metodologías que podían haberse manifestado más afines, como ha Historia Del Arte Social.

En el ámbito de la Historia del Arte español resultó pionero el ensayo del profesor J. A. Ramírez sobre Medios de masas e Historia del Arte, cuyo prefacio lleva la fecha de 1976, en el que por vez primera se prestaba atención no sólo al estudio de los medios de comunicación de masas sino de modo especial a lo que implicaba su aparición y estudio en el contexto de la Historia de Arte. Ya decía entonces el profesor Ramírez:" Es absurda la oposición arte-medios de masas: locomparable a la pintura y la escultura del Renacimiento o el Barroco, no es el arte de nuestras galerías, sino las imágenes de los cómics, de los carteles (y por tanto de la ilustración) del cine o la televisión”.

Entre tanto la realidad docente universitaria de nuestro país, con el desarrollo de los estudios de Historia del Arte en los últimos años, ha desbordado totalmente este distanciamiento de partida, estudiándose en la actualidad como asignatura troncal la Historia del Cine y de otros medios audiovisuales, así como un sinfín de asignaturas opcionales, que contemplan todos los medios de comunicación visual de masas. La Historia del Arte ha asumido de este modo una gran extensión de su campo de estudio.

La ilustración es un campo fantástico donde puede desarrollarse un arte figurativo de altísima calidad y con un amplio espectro de modalidades. Cada artista puede ejercerlo a su manera; desde el clásico concepto de la ilustración como interpretación visual, generalmente de un escrito, a la libre creación de un universo propio de un terreno tal vez más cercano a la pintura.

El mundo del Arte es difícil, o al menos eso dicen, y dentro de este mundo está el de la ilustración, que lo es aún más. Esto se debe al simple hecho de que la mayoría de los teóricos e historiadores de la materia jamás tuvieron en cuenta el arte de la ilustración como algo serio.

Aunque últimamente vengan acordándose de él de modo más frecuente, aún está la traba de que la ilustración (como resultado del cómic y el cartel) fue, y aun todavía es, un arte minoritario. Un arte que a los teóricos les cuesta reconocer (cada vez menos) como Arte con letras mayúsculas.

En Arte las cosas no son iguales para todos; predomina el mundo de lo subjetivo, de los criterios personales, de las modas de cada época, de lo que los individuos creen y sienten en cada momento y en una determinada cultura; y se da el caso de que en esta cultura, en esta época, el arte es más ambiguo que nunca. Es tan flexible que nadie se puede permitir el lujo de decir qué es o no Arte.

Si el artista y el arte de esta época se convierten en un producto más de compra y venta ¡bienvenido sea! Aún a expensas de hacer más difícil vivir del mundo del Arte. ¡Que gane el mejor!

Jornadas de Cardiología en Barcelona

2009-05-17T02:41:00.000+02:00

Me gusta cuando un cliente queda satisfecho. Este, parece ser el caso del Instituto Catalán de la Salud & Hospital Universitario de Girona, Dr Josep Trueta.

Hace un año solicitaron una ilustración mía (imagen izq.) para que apareciese como logo o imagen ilustrativa en un congreso de cardiología que iban a organizar en Abril 2008. La ilustración la encontraron fortuitamente en Google y se decidieron por preguntarme si aún estaba libre. Lo estaba y la cedí.

Al parecer quedaron muy satisfechos con los resultados y este año vuelven a repetir con mi ilustración en la SEGONA JORNADA D’ACTUALITZACIÓ EN L’ATENCIÓ DEL MALALT CARDIOLÒGIC. He visto los flyers que han producido y la verdad no están nada mal.

Lo dicho, me complace cuando el cliente queda satisfecho, y aún me complace más cuando el cliente quiere repetir.

Por cierto,la entidad que organiza el evento es NdR Conventions&Meetings, podéis echarle un vistazo y encontrar más información sobre el tema.

El arte del Miedo

2009-05-06T21:05:00.000+02:00

Los miedos actuales, aún a pesar de ser actuales, no son nuevos. Y una de las grandes funciones históricas del arte ha sido la de "ahuyentar fantasmas": de alguna manera, la representación de la enfermedad, de la fealdad, de lo que horroriza y repugna, nos aleja de ello al convertirnos en espectadores. Si se hace público, se muestra, se saca al exterior, no nos puede afectar porque ya no podemos ocupar el papel de protagonistas, sería la peculiar lógica de este pensamiento. Hoy, una gripe extraña; hace siglos fueron enfermedades como la Peste Negra, la Gripe española o, más recientemente, el Sida las amenazas que artistas del calibre de Rubens, Brueghel, Goya, Munch, Böcklin o Haring plasmaron en sus lienzos, cual catárticos amuletos.

De esta manera, el arte no sólo no se limita a reproducir la belleza, como han exigido muchos, sino que en ocasiones ha acogido en su seno los aspectos más dramáticos de la realidad: la guerra, la muerte y, cómo no, la enfermedad. Y es que, como medio de expresión que se hace eco de todos los aspectos de la vida, no puede dejar de lado aquéllos que la mayoría preferimos no tener presentes. Sin embargo, en determinadas épocas en las que las pandemias hicieron mella en el ánimo colectivo, el arte dio un paso más allá convirtiéndose en una especie de medio de control. Ya en la época de la imprenta podemos encontrar las primeras xilografías en las que un apestado es el protagonista; en este caso, la función era claramente didáctica y el grabado un ejemplo visual para médicos y cuidadores (que así sabrían dónde encontrar los bubones de la enfermedad y cómo curarlos).

La peste bubónica, conocida como Peste Negra, fue una de las epidemias más mortales del pasado: sólo en el s.XIV diezmaría un tercio de la población europea (eso sin contar los múltiples rebrotes de la enfermedad), de modo que debía ser algo muy presente en la vida cotidiana de finales de la Edad Media. Esta circunstancia queda recogida en la obra de multitud de maestros de la época y posteriores, como Durero, Holbein o, no podía ser de otra manera, El Bosco y Brueghel (El triunfo sobre la muerte, 1562, obra cuya teoría más admitida es la alusión a la peste del XIV). Un tema que más tarde recuperarán artistas como Rubens, Goya de una forma indirecta en sus Desastres (y en La Peste, de 1823) o, casi a comienzos del s.XX, Arnold Böcklin (La peste, 1898)

Un siglo que asistirá a otra de las pandemias más virulentas de la historia (mató a unos 40 millones de personas): la Gripe española, así llamada porque, debido a la gran cobertura que dieron los medios a la enfermedad en este país, daba la sensación de que era el único afectado. Y, en este caso, hemos de remitirnos a otro amante de lo grotesco: Munch, autor del famoso Autorretrato después de la gripe española. En muchos casos, estas obras son buenos testimonios de un sentir general y un documento histórico de primer orden. En otras, realmente actúan como catarsis, procurando al artista el medio para "expulsar" lo que de otra manera no sería capaz de llevar consigo, como sucede con uno de los más conocidos artistas del s.XX, afectado de otra enfermedad global: Keith Haring, muerto víctima del sida a los 32 años.

Metal Gear Solid Digital Graphic Novel

2009-04-26T03:34:00.000+02:00

Una de la pocas novelas graficas interactivas que han visto la luz fuera de Japón. De la mano del reconocido (y uno de mis preferidos) ilustrador australiano Ashley Wood y con el argumento de Kris Oprisko la empresa Konami nos ofrece una entrega más de las populares series de Metal Gear.

En esta ocasión Konami nos trae un planteamiento construido básicamente por una serie de nodos (sean personajes, objetos o escenarios) que se van relacionando por la acción del usuario, quien a través de una base de datos (representada dentro de la interfaz como una habitación 3D) va llevando un registro sus propias dinámicas desarrolladas, que a la vez le sirven como herramientas indispensables a la hora de desarrollar la historia planteada.

Metal Gear Solid Digital Graphic Novel no es solo una simple digitalización de la novela gráfica original, es más una apuesta narrativa basada en ilustración que combina: leguajes cinematografiaos, narración no lineal, reconstrucción de memoria por bases de datos, e interacción como modo básico de construcción de la historia.
Ofrece un precedente y punto de partida básico para el desarrollo de mi proyecto de investigación.

Página oficial del producto AQUÍ

Noticia encontrada aquí

La ilustración (diseño gráfico), visto por Enciclopedia Salvat

2009-04-21T20:55:00.000+02:00

Curiosa la definición que daba la enciclopedia Salvat de los año 1906 a la ilustración y el diseño gráfico; más clásico imposible:

Se denomina ilustración al dibujo o imagen que adorna o documenta el texto de un libro.

ilustración, (de ilustrar) sust. Estampa, grabado o dibujo que adorna ó documenta un libro. Componente gráfico que complementa o realza un texto. Las ilustraciones son imágenes asociadas con palabras. Esto significa que podemos producir imágenes que llevan un mensaje, como las pinturas rupestres, y los mosaicos religiosos. Un buen punto de partida son los manuscritos medievales. Un aspecto importante de la ilustración es el uso de diseños bidimensionales, a diferencia de las imágenes pintorescas y espaciales que tratan de captar la tercera dimensión.

Historia

La ilustración se inicia con el nacimiento de la imprenta. Como la invención de la imprenta dio un golpe de muerte a los manuscritos, los miniaturistas se dedicaron a ilustrar con sus composiciones y rúbricas iluminadas las iniciales y márgenes de los hoy llamados incunables. La impresión, en Harlem, de planchas xilográficas en colección como la célebre Biblia de los pobres, el Spéculum humanae salvationis y el Cantar de los cantares, anteriores ala invención de la imprenta implicaba la pronta aparición de viñetas grabadas en los libros.

Las primeras viñetas tiradas junto con el texto y grabadas en madera o cobre, aparecieron en en los siguientes lugares:

en Florencia en 1496 en los Sermones de Savonarola
en Venecia en 1499 en el Sueño de Polifilo
en Lyon, en 1487 en el Libro de horas, de Simón Vostre
en Basilea, en 1538 en La danza de los muertos, de Holbein

Hasta mediados del siglo XVI los grabadores de imágenes trabajaron poco menos que desconocidos para los libreros con la ventaja de que sus planchas podían ser tiradas la mismo tiempo que el texto lo cual no era óbice a que se intercalaran también láminas sueltas. En el transcuros del siglo XVII y sobre todo, XVIII, se perdió casi por completo el arte de grabar en madera, sustituyéndose por el grabado en cobre o calcografía, al buril o el aguafuerte, tirados en talla dulce sobre la misma hoja que el texto. De aquel entonces, datan varias ediciones de valor inestimable tanto más cuanto las tiradas eran muy cortas. Tales, entre otras, son:

el Decamerón
los Cuentos de Marmontel y las Tragedias de Corneille, ilustradas por Graveloti
las Fábulas, de Lafontaine ilustradas por Eisen (edición llamada de los Arrendatarios generales)
Dafnis y Cloe, con grabados de Prud'hom
etcétera.

Todos estos volúmenes además de estampas, contienen también cabeceras y finales tirados en talla dulce. En España, podemos alabar las ediciones de Sánchez e Ibarra y del Quijote de la Academia.

Con la invención de la prensa de brazo cobró nuevo favor el grabado en boj, sobre todo, desde que el periodismo ilustrado comenzó a adquirir desarrollo. Cupo al inglés Thomas Berwick la gloria de restaurar aquel arte llevándolo a la perfección sustituyendo la madera de peral empleada antiguamente por el boj cortado de través. Así aparecieron grabados con los útiles del grabador en talla dulce, los dibujos de Tonny Johannot, Grandville, etc.

En Francia. La prensa ilustrada cobró rápido incremento y si en Francia contaban desde 1833 con el Magasin pittoresque, desde 1843 con L'illustration, desde 1857 con el Monde illustré, etc. en España existían, las siguientes publicaciones, estableciéndose importantes talleres de grabación en boj:

el Semanario pintoresco de Mesonero Romanos.el Mundo pintoresco de Oliveres, de BarcelonaEl laberinto (1844) editado en Madrid por Ignacio Boixla Ilustración universal, publicada en 1854 por Fernández de los Ríosel Museo Universal de Gaspar y Roige

Los progresos de las artes fotomecánicas proporcionaron nuevos caminos a la ilustración tipográfica generalizándose la cincografía, la fotolitografía, la fototipia, la fotocromolitografía, la tricomía gracias a cuyos procedimientos los dibujos de pluma o lápiz se reprodujeron directamente sin la intervención del grabador al igual que las reproducciones directas de todos los objetos.

Fuente: Wikipedia

Cenizas sobre cristales rotos

2009-04-04T12:34:00.000+02:00

De nuevo, revisando en mis archivos olvidados, encontré un antiguo documento. Se trata del libro "Cenizas sobre cristales rotos", que junto con mi amigo J.A.Gallego y textos de A. Real Morillo, por desgracia nunca llegamos a publicar. Supongo que muchos de vosotros os acordareis.

La editorial Veleta era la interesada, allá por el 2004, pero entre una cosa y otra, el proyecto se olvidó. Aquí os dejo de todas formas el boceto de lo que pudo haber llegado a ser el libro.

Ilustración digital

2009-04-02T21:26:00.000+02:00

¿Una herramienta más?

Para todos aquellos que disfrutan con la creación artística, en especial con el dibujo y la obra sobre papel, el ordenador es un instrumento muy especial. No es sólo una herramienta más, sino que confiere un significado nuevo a muchos trabajos de ilustración y diseño gráfico.

Ventajas de la ilustración digital.
Los programas de gráficos complementan las técnicas clásicas: podemos empezar un trabajo en forma de boceto a lápiz o tinta, o cualquier técnica convencional, y acabarlo en el ordenador. También es posible proceder al revés: escanear una pintura o imagen y aplicar toda una serie de filtros en el ordenador.

El ordenador revoluciona la forma en que se llevan a cabo determinadas tareas; cosas laboriosas se convierten en tareas muy simples y rápidas.
Copiar una imagen, entera o en parte, es muy sencillo.
Los trazados geométricos no resultan difíciles: son la simplicidad misma.
Los efectos fotográficos o visuales se aplican instantáneamente y de forma reversible.
Se fomenta la experimentación, porque una imagen no es más que una posibilidad más; puede guardarse cualquier prueba, volver sobre nuestros pasos, nunca se agota la pintura ni se rompen los instrumentos...
Todo esto ha cambiado el proceso de diseño gráfico para muchos diseñadores. Antes debía invertirse mucho más tiempo en la creación de un producto definitivo; al elegir una opción prácticamente se debía dejar fuera cualquier otra opción, porque era laborioso realizar el diseño elegido hasta el final. Ahora tenemos mucha más libertad para explorar diferentes alternativas, y dar los toques finales a diferentes opciones, ya que no se pierde tiempo en fases como el coloreado o la aplicación de la tipografía. Y a siempre con la tranquilidad de tener una copia a punto para seguir probando posibilidades, sin que nos cueste un trabajo extra prepararla. Casi todos los ilustradores y diseñadores profesionales actuales han adoptado (al menos en parte) las técnicas de trabajo digital, sea con vectores, sea en mapa de bits o una combinación de ambos. Ejemplos muy conocidos son Mariscal o Terry Colon, ilustrador del corrosivo Suck.com o Neville Brody.

Los ordenadores y programas que se han venido utilizando de forma especial para el diseño gráfico son los Macintosh de Apple (los macs), aunque estos últimos años la distancia que separaba pc de Mac respecto de la capacidad de manejar este tipo de programas se ha reducido mucho; la mayoría de aplicaciones se editan en versión pc y versión Mac.

¿De dónde obtener las imágenes?

Excepto en creaciones que se basen en formas geométricas, generadas directamente en los programas de diseño, las imágenes de partida para la ilustración normalmente provienen de fuera del ordenador: una foto, un dibujo, un grabado... y alguien debe ser el autor de éstos. Si el diseñador también se defiende como fotógrafo y sabe dibujar razonablemente bien, ningún problema. Si no es así, debe pensar en dónde obtener las imágenes. Encargarlas expresamente o aprovechar cosas ya hechas.

Puesto que pagar los servicios de un artista para crear ilustraciones a medida para un proyecto no es siempre posible, la solución más habitual es utilizar clipart, tal como viene o modificado según convenga. Lo cierto es que siempre conviene estudiarlo bien y efectuar algunos cambios: retocar el color, eliminar alguna parte, combinar dos o más imágenes... Y buena parte del contenido de los discos baratos de clipart, los que incluyen determinados programas, o el clipart que se ofrece en la web (gratis o de pago) es realmente malo. Los servicios de venta de clipart de calidad suelen ser más bien caros, pero hay una diferencia enorme. Algunas webs como Eyewire o Artville merecen una visita, para ver imágenes de calidad y buenas ideas.

Una fuente alternativa y segura de imágenes la constituyen los grabados de libros antiguos. Si localizamos un libro con grabados, del siglo XIX o anteriores, podemos utilizar libremente sus imágenes sin problemas legales de derechos de autor. Que muchos diseñadores utilicen este recurso no obedece, pero, a criterios económicos: este material es a menudo fascinante y se presta a tratamientos muy diversos. Las tipografías de dingbats (o fuentes de símbolos) contienen símbolos siempre a punto para utilizar en cualquier programa; hablamos de ellos con más detalle en otro artículo.

Entrevista en "Etch, Ilustration Magazin"

2009-02-17T20:12:00.000+01:00

Hace un mes me solicitaron una entrevista para una revista de ilustración llamada Etch, aquí en Alemania. No se trata de una revista profesional, sino del trabajo fin de curso de un estudiante de la universidad FH-Düsseldorf. Me pareció simpático el tema, así que cedí. La revista está ahora lista y tiene buena pinta, así que la he subido. Abajo podéis ver la parte en la que yo he sido entrevistado y aquí podéis bajaros la revista completa (Lo malo es que está en alemán).

Más abajo la traducción de la entrevista

Juan Jesús Fernández

SOBRE EL ARTE EN Y ALREDEDOR DE LA AGENCIA DE PUBLICIDAD.

El, nacido en España, Director de arte en Ogilvy & Mather, nos habla sobre la ilustración hoy en la empresa de publicidad y las falsas ilusiones que de los estudiantes (futuros ilustradores) poseen.

ETCH: Como estudiante de arte, ¿como has llegado a la publicidad?

JJFEZ: Estudié Bellas artes en la Universidad de Sevilla, con la especialidad de Diseño gráfico y grabado, aunque sobre diseño había más bien poco, la especialidad se centra en los dos últimos años y está enfocada casi en su totalidad al arte. No lo entiendo en si como el diseño gráfico que se estudia en Alemania. En Sevilla tienes la posibilidad de elegir entre distintas ramas de especialización, como escultura, restauración, pintura y Diseño y grabado. Yo me decanté por esta última.

LA ILUSTRACIÓN NO SE DIFERENCIA MUCHO ENTRE LOS DISTINTOS PAISES DE LA EU, LO QUE FUNCIONA AQUÍ EN ALEMANIA, LO HACE TAMBIÉN EN ESPAÑA

ETCH: ¿Pudiste aplicar tus conocimientos teóricos aprendidos en la universidad luego en la práctica?

JJFEZ: Por supuesto. Durante mis estudios trabajé muchas veces como freelance para algunas agencias de publicidad, normalmente como ilustrador. El diseño gráfico lo toqué sólo en la realización de libros y revistas que durante este tiempo realicé a veces para la universidad, a veces como freelance para alguna que otra editorial. En este sentido apliqué lo aprendido y aprendí a su vez.

ETCH: ¿Qué te ha traído a Alemania?

JJFEZ: En principio nada que tenga que ver con la ilustración o el trabajo. Mi novia es alemana, así que decidí aprender su idioma y entre una cosa y la otra se fue alargando mi tiempo en este país.

ETCH: ¿Y luego llegaste directamente a Ogilvy & Mather?

JJFEZ: Primero estuve realizando cuadros para una galería de arte en Solingen, donde ganaba muy poco dinero. Luego, con respecto al diseño gráfico y la publicidad, trabajé como director de arte trainee para la empresa Leo Burnett en Francfort, con clientes como Marlboro, L&M, Kellogs, Porsche, etc. Después me mudé a Düsseldorf y mostré mi portafolio en Ogilvy, el cual estaba lleno de marcas de cigarrillos así me vieron idóneo para el equipo de Pall Mall, donde comencé como Director de arte Junior. De alguna forma, mereció la pena haber trabajado tanto para marcas de cigarrillos.

ETCH: ¿Cuando contratáis ilustradores para ilustrar algún proyecto, alguna vez has pensado: eso lo haría yo mejor?

JJFEZ: Siempre (aquí sonrío). Suena raro, pero para proyectos así, contratamos siempre a gente de fuera de la empresa. Casi siempre pienso: Eso lo habría hecho yo mejor aún. Especialmente con storyboards. Pero cada uno tiene su papel dentro de la empresa y no los puedo abandonar para ahorrarle el dinero de un ilustrador al cliente tal o cual. Lo que más me molesta es que, aunque a veces usemos la ilustración, no hay suficientes clientes que la deseen. Normalmente se usa la fotografía. Hay muy pocos clientes que quieran ilustradores.

ETCH: ¿Hay libertad en la publicidad para ilustrar?

JJFEZ: No. Cuando hay algo que ilustrar, lo que no es muy a menudo, entonces solo haces aquello que no quieres o que no harías normalmente. Todo aquel que piense, que después de los estudios solo va a hacer cosas a su antojo y placer, vive en un sueño. Los ilustradores que contratamos, o yo mismo, rara vez hacemos algo que sea compatible con nuestros gustos personales. En un encargo como ilustrador para una empresa grande de publicidad se deben olvidar el Arte y/o el gusto personal. Además, hoy en día, photoshop y retoque digital de fotografías, están de moda. Cosas como las que muestro en tu revista o en mi página web, no tienen lugar en la publicidad tradicional.

ETCH: ¿Dónde reside la diferencia entre España y Alemania en lo que se refiere al diseño y la ilustración?
JJFEZ: En mi opinión no hay diferencia. Todos los países europeos son muy parecidos. Claro hay países donde estos movimientos son más fuertes que en otros. Entre ellos Francia, donde el movimiento de cómic e ilustración que hay es inmenso en comparación con lo que se mueve aquí. En lo que se refiere al estilo de trabajo no hay diferencia.

ETCH: ¿Si alguien de Alemania quisiera probar suerte en España, que debería hacer para tener éxito allí?
JJFEZ: Como dije antes, no hay para mi grandes diferencias entre los distintos países de la unión europea, son los mismos principios en mi país como en Alemania, lo que aquí funciona, lo hace también en España.

ETCH: ¿Qué debe tener un Portafolio a presentar en una gran empresa de publicidad?
JJFEZ: Es importante mostrar flexibilidad de temática y estilo. Si sólo tienes uno, tienes que ser extremadamente bueno en él. Te puede ayudar el tener diferentes clientes de distintos productos. Los temas deben ser distintos entre si: Food, beauty, lifestyle, etc... en fin, que muestres distintas posibilidades y flexibilidad. Storyboards también son normalmente bienvenidos, así como el talento de abocetar. El boceto de una idea ayudan a llegar a la su meta. Cuando llegue el momento de la entrevista personal, sería buena idea informarse con anterioridad qué clientes tiene la empresa que me interesa y adaptar mi portafolio a ella. Todo ello con un buen diseño, no solo dos hojas sueltas, pero sin llegar a ser muy extenso y aburrido. Cuando se tienen en cuenta estos puntos, tus posibilidades no deberían de ser pocas.

ETCH: de vuelta al principio, ¿cuándo será la próxima exposición de JJFEZ?
JJFEZ: Yo siempre estoy activo, el problema es la falta de tiempo. Trabajas todo el día en esta campaña o en esta otra, en la empresa trabajas todo el tiempo con medios visuales, y a las 19 estás en casa (en un día normal), estás muerto como para seguir siendo creativo de forma privada. La ilustración es mi pasión, pero suelo usar mucho el tiempo libre que me queda en otras cosas. Debes de tener mucha disciplina propia para compaginar el trabajo como director de arte y el de ilustrador en el tiempo libre. Aún así, muchas veces me llama la musa y me veo envuelto sin premeditarlo de nuevo en el Arte. Creo que desconectar no puede nadie que en su vida haya ilustrado.

Juan, el cómic

2009-02-16T23:24:00.000+01:00

Próximamente verá la luz mi comic "Juan", que junto a mi colega F. Wagner estoy haciendo.

Al principio fue titulado Raumangst (que en alemán significa la "habitación del miedo"), luego decidimos llamarlo sencillamente "Juan". Aquí podéis ver un anticipo.