Jogando Por Música

Discografias Comentadas: Guns N' Roses

2011-09-16T09:19:00.002-03:00

Hoje em dia o Guns N’ Roses é encarado por muitos como uma banda cover de luxo. Nesses últimos anos, suas turnês, se é que podemos chamá-las assim, são marcadas por incertezas quanto ao cumprimento de datas, cancelamentos, multas por atrasos exagerados e muita confusão. Claro que confusão é o que mais aconteceu mesmo nos anos de ouro do grupo. Axl Rose é conhecido mundialmente como encrenqueiro, e mesmo no Brasil já tivemos alguns chiliques históricos, como o episódio no qual uma cadeira foi arremessada contra jornalistas em 1991, na cidade de São Paulo.

Formação Recente do Guns N' Roses

Além dos problemas citados o GNR também carrega desconfiança no aspecto musical. Seus três ótimos guitarristas atuais são vistos com receio pelos fãs antigos que não enxergam em nenhum deles um ícone como Slash. O fato de possuir apenas um músico da formação original, o próprio Axl Rose, também não ajuda muito. Outro problema muito importante é a óbvia perda da capacidade vocal sofrida pelo líder. Quando comecei a ouvir a banda, lembro de ter ficado surpreso ao ouvir a sua voz natural, muito grave, totalmente diferente do seu estilo ao cantar. Imaginava o quanto Axl deveria forçar a garganta para cantar daquele jeito. Isso talvez explique um pouco o prejuízo vocal sofrido ao longo dos anos. Também não podemos esquecer que os excessos de longa data um dia seriam sentidos.

Formação Clássica da banda

Comecei o texto apontando todos os defeitos atuais do Guns N’ Roses para demonstrar quanto a imagem da banda está arranhada se compararmos com o final dos anos 80 e início dos anos 90, época de enorme sucesso, quando o grupo dominava o mundo da música. Basta lembrar-se da histórica turnê com o Metallica, que também estava em seu auge mercadológico com o lançamento de Metallica (1991). Mesmo com o quarteto no topo, o Guns N’ Roses foi o headliner da turnê, que tinha ainda o Faith No More.

Muitas bandas dos anos 70 fizeram a máxima “sexo, drogas e rock and roll” ser reconhecida. Mas o Guns N’ Roses é uma das que melhor fez tudo isso valer com enorme autoridade. Para conhecer mais detalhes a respeito da trajetória do grupo, confira nosso podcast a respeito do grupo, publicado algumas semanas atrás. Aliás, por que não ouvi-lo durante a leitura desta discografia comentada?

Appetite For Destruction [1987]

Fico imaginando quantas bandas em todo o mundo sonham em lançar um primeiro disco. Muita gente deposita todas as suas esperanças em canções que compuseram durante toda a juventude e acham que estão aptos a gravá-las. Muitas vezes a falta de experiência e a pouca grana faz com esses discos resultem em fracassos. É claro que não foi o que aconteceu aqui. Muito pelo contrário, já que Appetite For Desctruction vendeu mais de 25 milhões de cópias. Mesmo sendo relacionado às bandas de glam metal que estavam em ascensão na época, o GNR se destacava devido à urgência que emanava de seu som. Parecia que seus integrantes constituíam um bando de fugitivos, encontrados na rua e colocados dentro de um estúdio. Eles eram mais sujos e agressivos do que as outras bandas. Normalmente comentamos sobre os destaques dos discos, porém, são tantas músicas boas juntas que posso dizer que apenas “Anything Goes” é fraca. O nível das canções é muito alto, mas é claro que algumas tiveram mais destaque que outras, como as super conhecidas “Sweet Child O’ Mine” e “Paradise City”, que tocavam à exaustão nas rádios. O refrão de “Paradise City” é inconfundível. Interessante que muita gente diz que o riff principal de “Sweet Child O’ Mine” não é nada mais do que uma sequência de notas usada em exercícios de guitarra. Pode até ser, mas esse exercício tornou-se uma das linhas mais conhecidas de todos os tempos. Aliás, o trabalho das guitarras no álbum é fantástico, rico em excelentes bases e riffs executados por Izzy Stradlin, o principal compositor até então, temperados com os solos inspiradíssimos de Slash. “Welcome to the Jungle” e “Nightrain” são clássicos que exemplificam muito a urgência e agressividade citadas anteriormente. “It’s So Easy” é cantada por Axl em um tom mais grave, o que me fazia pensar que era outra pessoa que tomava o microfone na faixa quando comprei o álbum. Por se tratar de uma banda “de rua” os temas como drogas e violência não poderiam ser deixados de fora. Muitas dessas músicas falam sobre isso, em especial de drogas, como em “Mr. Brownstone”. O sucesso de Appetite For Destruction deu à banda a chance de tocar na edição de 1988 do então maior festival de rock do mundo, o Monsters of Rock, junto a Kiss e Iron Maiden. “Rocket Queen” é uma das minhas preferidas. No começo de minha vida musical eu costumava usar essa faixa para rebater os amigos que insistiam em dizer que o baixo não faz diferença nenhuma na música. Considero esse o principal disco da segunda metade dos anos 80. Ele foi o responsável pelo interesse de muitos pelo rock, e mudou a forma de como o gênero era encarado até então, abrindo caminho para que muitas outras bandas estourassem. Foi o segundo disco que comprei na minha vida.

G N’ R Lies [1988]

Com a banda atraindo cada vez mais atenção e sem ter um novo disco completo para ser lançado, sua gravadora, a fim de aproveitar mercadologicamente essa exposição, pegou o material de um EP, que havia sido gravado em 1986, Live ?!*@ Like a Suicide, e acrescentou quatro músicas que foram gravadas na forma acústica. O EP serviu para que a gravadora fizesse um teste em estúdio com os novatos, que na época era apenas uma banda de clubes. Teoricamente, trata-se da gravação de uma apresentação em um desses clubes. Porém, algum tempo depois, Axl Rose revelou que as músicas nada mais eram que a gravação de uma demo com a platéia em overdub. São quatro músicas, sendo dois bons covers “Nice Boys” (Rose Tattoo) e “Mama Kin” (Aerosmith); e duas músicas autorais: “Reckless Life” e “Move to the City”, essa última composta ainda nos tempos do Hollywood Rose, antiga banda que, juntamente com o L.A. Guns, foi o embrião do Guns N’ Roses. No lado B estão as quatro faixas acústicas: “You’re Crazy”, que já havia sido gravada em Appetite For Destruction, aqui mais lenta e adaptada aos violões; “One in a Million”, com uma tímida guitarra distorcida no acompanhamento, e “Used to Love Her”, que foi escrita, segundo o próprio Rose, para sua cachorrinha. Não poderia deixar de citar o megassucesso “Patience”, música que embalou muitos e muitos bailinhos na época. O assobio no início da canção é uma das melodias mais reconhecidas dentre aquelas que utilizam desse tipo de som. Sempre achei que Lies foi muito importante para a banda pois essas músicas mais sossegadas diluíram um pouco a sonoridade agressiva do primeiro disco, fazendo com que a imagem de “banda mais perigosa do mundo” fosse deixada um pouco para trás. Isso se deve, principalmente, pelo fato de “Patience” ter caído no gosto das mulheres. Claro que isso ajudou a afastar os marmanjos que não gostam muito de dividir as bandas de rock com as garotas. Inclusive, já escrevi um artigo na Consultoria do Rock a respeito desse assunto. Para lê-lo, clique aqui.

Use Your Illusion I [1991]

Não conheço na história alguma outra situação na qual uma banda tenha lançado dois álbuns de músicas autorais e inéditas simultaneamente. Por isso, é praticamente impossível comentar esse disco sem fazer uma comparação com a parte II. Podemos avaliar esses lançamentos de duas maneiras diferentes: uma evolução musical do grupo com arranjos e construções mais elaborados, ou uma clara demonstração de megalomania, principalmente por parte de Axl Rose. Muitos já disseram que o enorme sucesso do grupo com o primeiro álbum e também com o G N’ R Lies afetou a percepção de realidade do grupo. Axl Rose sentia que poderia se tornar um astro nos patamares de Freddie Mercury e Elton Jonh. Mesmo assim, no meu modo de ver, esse projeto ambicioso tocado pela banda foi muito bem executado, e o Guns N’ Roses cresceu de maneira sustentável. O grupo continuou registrando músicas agressivas, mas acrescentou outras facetas à sua sonoridade. Use Your Illusion I é mais hard rock que o segundo e traz maior participação de Izzy Stradlin, justificando em parte os motivos para que o guitarrista tivesse deixado a banda logo após a gravação dos álbuns. Músicas como “Right Next Door to Hell”, “Perfect Crime”, “Bad Obsession” e “Double Talkin’ Jive” são ótimos exemplo do que digo. “Dust n’ Bones” e “You Ain’t the First” têm claras influências de Aerosmith, enquanto “The Garden” traz um jeitão de rock sulista norte-americano. O que dizer da versão para “Live and Let Die” do grande Paul McCartney? Muitos odiaram, mas será que isso se deu porque a releitura ficou ruim mesmo ou devido ao pensamento de alguns puristas, que acham que uma banda como o GNR não pode profanar hinos sagrados? Os maiores sucessos de Use Your Illusion I foram “Don’t Cry” e “November Rain”. A primeira conseguiu captar a atenção de todos aqueles que já gostavam de “Patience”, enquanto a segunda é um ótimo exemplo da evolução e do acréscimo de novos elementos na música do Guns N’ Roses. O videoclipe é um clássico, e até hoje lembro-me da primeira vez que foi exibido no programa Fantástico. Só o fato de uma música de mais de nove minutos ter um clipe sendo exibido por completo em um programa desse porte mostra o quanto a banda era respeitada na época. Outra longa faixa é “Coma”, dotada de altos e baixos. Para completar: em 1990, o baterista Steven Adler havia deixado o grupo, dando lugar a Matt Sorum, ex-The Cult.

Use Your Illusion II [1991]

Use Your Illusion II é mais equilibrado que o primeiro, possuindo mais músicas de alto nível, apesar de contar com a horrível “My World” e a irregular “Locomotive”, que tem uma empolgante introdução de bateria, mas que não mantém a mesma energia ao longo de seus quase nove minutos. Confesso que hoje em dia não posso nem mais ouvir o cover para “Knocking on Heaven’s Door” (Bob Dylan) de tanto que ela era executada logo após o lançamento, mas se analisarmos bem, o grupo fez um bom trabalho. A versão alternativa de “Don’t Cry” poderia ser chamada de versão desnecessária, afinal, se alguém quer ouvi-la, é melhor escutar a do primeiro volume. Diz a lenda que Axl estava tão inspirado, que, à medida que a cantava, mais e mais palavras vinham à sua mente, por isso o grupo acabou registrando uma nova versão com letra distinta. “Get in the Ring” é outra muito criticada, principalmente por ser uma resposta, até certo ponto infantil, a alguns críticos musicais que ousaram fazer resenhas negativas a respeito do grupo. Axl Rose sentiu-se perseguido e quis soltar essa divertida provocação. Fora isso, só temos coisas boas. A sequência inicial com “Civil War”, “14 Years” e “Yesterdays” é para ouvir sem parar. Apesar da saturação radiofônica de “You Could Be Mine”, presente na trilha sonora do filme “O Exterminador do Futuro II”, ninguém pode dizer que não se trata de um clássico. A calma e triste “So Fine” é ótima para se ouvir sozinho, de preferência com uma bebida na mão. “Pretty Tied Up”, com seus muitos backing vocals, resgata o hard rock presente no primeiro volume. E o que dizer de “Estranged”, minha favorita do grupo? Muitas variações de andamento em mais uma música de longa duração, dando até um certo ar de rock progressivo para a faixa. As melodias criadas por Slash são fantásticas, fato que inclusive motivou um agradecimento especial no encarte do disco pelas “matadoras melodias de guitarra”. Muito do sucesso dos dois volumes de Use Your Illusion se deve ao fato de diversas músicas já terem sido executadas ao vivo antes mesmo de seus lançamentos. Para a gravação dos álbuns, outro componente foi acrescentado ao line-up, o tecladista Dizzy Reed, que continua com Axl até hoje.

"The Spaghetti Incident?" [1993]

Quando soube que o Guns N’ Roses lançaria um disco de covers, esperei versões para Rolling Stones e Aerosmith, mas surpreendentemente nenhuma música desses grupos foi incluída. Também esperava que a banda escolhesse covers na linha das músicas que entraram nos dois discos anteriores, mas o sexteto preferiu coisas mais diretas. Com a saída de Izzy Stradlin, Gilby Clarke assumiu a guitarra base na turnê para Use Your Illusion, e também se faz presente neste disco. Foram poucos os singles retirados de “The Spaghetti Incident?”, e apenas duas canções tocaram nas rádios. A escolha do track list foi muito abrangente, já que temos de Nazareth a The Misfits, de The New York Dolls a várias bandas mais punk e proto-punk. “Since I Don’t Have You” (The Skyliners), que abre o disco, foi a mais tocada nas rádios e fez um relativo sucesso. O trabalho vocal de Axl é muito bom, demonstrando uma potência vocal que faz falta hoje em dia. Interessante e surpreendente é notar o desprendimento do egocêntrico Axl Rose, que deixou Duff McKagan gravar alguns vocais principais em algumas músicas. Outra que tocou muito foi “Ain’t It Fun” (The Dead Boys). Slash também divide os vocais em uma faixa, o medley de “Buick Makane” e “Big Dumb Sex”, de T. Rex e Soundgarden, respectivamente. “Hair of the Dog” do já citado Nazareth teve uma boa releitura. No finalzinho dela ainda é executado o riff de “Day Tripper” dos Beatles, fechando em grande estilo. Para não ficar longe de polêmicas, foi incluída, meio escondida, uma música de Charles Manson, "Look at Your Game, Girl". Para quem não o conhece, Manson foi o assassino de Sharon Tate, esposa do cineasta Roman Polanski, junto a outras pessoas que encontravam-se na mansão do casal no dia do acontecimento. Charles foi o cabeça de uma seita religiosa que, entre muitas maluquices, dizia que os Beatles estavam mandando mensagens para eles por meio do famoso “álbum branco”. Inclusive, foi escrito “Helter Skelter” com o sangue das vítimas na parede da mansão, nome do primeiro heavy metal da história, registrado pelos rapazes de Liverpool. Sua inclusão não foi vista com bons olhos pela crítica musical, soando como uma simples provocação a fim de gerar controvésia. Entretanto, a música possui um certo charme. Destaque para uma frase encontrada no encarte do disco: “a great song can be found anywhere. Do yourself a favor and go find the originals” (“uma grande canção pode ser encontrada em qualquer lugar. Faça um favor a você mesmo e procure as originais”). Uma ótima iniciativa com o intuito de incentivar os mais preguiçosos e acomodados.

Chinese Democracy [2008]

Quinze anos se passaram com diversos boatos, músicas vazando, expectativas em excesso, mudanças de formação e muita grana sendo gasta. Esse foi o panorama das gravações desse álbum. O fato é que lá pelos idos de 2005 e 2006 o GNR já havia virado motivo de chacota e ninguém mais acreditava que o disco sairia. Mas quando ninguém mais esperava, eis que enfim foi lançado Chinese Democracy, título que já era conhecido havia muito tempo. Após a audição, as opiniões foram unânimes e a decepção foi geral. Isso se deve mais à enorme expectativa que foi gerada pela longa demora do que pela qualidade do disco em si. Só percebeu isso quem deu mais chances ao álbum e não ficou com a primeira impressão. Não considero esse disco melhor que nenhum anterior, mas talvez o coloque à frente de “The Spaghetti Incident?”. Quando escrevi, no início desta discografia comentada, que a voz de Axl Rose já não era mais a mesma, me referia às apresentações ao vivo, afinal, em Chinese Democracy ela está ótima. O estúdio é milagroso mesmo! Aliás, isso lembra que sua produção beira o exagero, com várias camadas distintas e o enorme acréscimo de pequenos detalhes. Tudo isso justifica o número de componentes da banda hoje em dia: oito músicos, Axl, um baixista, um baterista, três guitarristas e dois tecladistas. Uma multidão, porém necessária para executar todos os detalhes ao vivo. Você pode encontrar mais informações a respeito de Chinese Democracy, e até mesmo alguma polêmica, nessa resenha aqui.

Segundo algumas fontes, o grupo encontra-se em estúdio gravando um novo disco. Em se tratando de Guns N’ Roses, essa informação nunca pode ser levada tão a sério, e mesmo que seja verdade, não é garantia de que teremos um novo álbum em um futuro próximo. O que se espera é que Axl e cia. façam o melhor trabalho possível, e que nós, fãs, ao menos tenhamos mais material de qualidade para apreciar. Lembrando que o Guns N’ Roses será uma das atrações da quarta edição do festival Rock in Rio, tocando no dia 2 de outubro.

Marillion - Misplaced Childhood [1985]

2011-08-06T02:27:00.002-03:00

Por Fernando Bueno

Quando comecei a me interessar pelo rock progressivo, fui apresentado a algumas bandas que são consideradas hoje em dia como medalhões do estilo, caso de Pink Floyd, Yes, Emerson Lake and Palmer e Jethro Tull. Porém, o Marillion também apareceu para mim nessa época, e, durante um bom tempo, eu os colocava no mesmo patamar dos grupos citados, e achava que os fãs do estilo também respeitavam o grupo do mesmo jeito que eu, fato que se mostrou irreal. Com o tempo, fui descobrindo novos artistas e conhecendo melhor a história do estilo, e assim entendi melhor a posição do quinteto britânico no organograma do rock progressivo.

O Marillion foi tão importante para mim, que o primeiro disco de rock progressivo que adquiri foi esse que dá o tema para o artigo de hoje. Lançado em 1985, Misplaced Childhood é o terceiro álbum do grupo e constituiu o maior sucesso de sua carreira, tanto em termos musicais quanto comerciais. Liricamente, trata-se de um álbum conceitual idealizado pelo vocalista Fish, com diversas referências autobiográficas. Conta a história de um garoto que leva sua vida, apesar de amores perdidos, morte de um amigo muito próximo, angústia e depressão. Também há uma pequena semelhança com o enredo de The Wall (1979) do Pink Floyd, por trazer um personagem principal personificado como uma estrela, que tem de conviver não apenas com seus problemas pessoais, mas também com todas as outras dificuldades características da fama, como o isolamento forçado, o assédio excessivo, longas viagens... Aliás, a banda conseguiu algo que poucas conseguiriam em 1985, que foi a liberdade recebida pela gravadora para fazer um álbum desse tipo em uma época que pouquíssimos o faziam.

Marillion de Misplaced Childhood

Não sei se toda a banda tinha a mesma intenção de Fish a respeito do conceito por trás do álbum. A ideia do vocalista era a de que o disco tivesse apenas duas músicas, uma de cada lado do vinil. Tenho certeza que o músico só pensou assim pelo fato do vinil contar com essa característica. Caso tivesse lançado Misplaced Childhood em uma época na qual o formato CD já estivesse consolidado no mercado, é muito provável que Fish preferiria criar apenas uma música. Basta lembrar que, nos diversos shows após o lançamento desse álbum, o vocalista costumava anunciar para o público algo como: “agora tocaremos uma música chamada Misplaced Childhood”, e então o Marillion tocava o disco todo na íntegra. Claro que essa foi uma ideia não apoiada pela gravadora.

Além de Fish, a formação que gravou Misplaced Childhood contava com Steve Rothery na guitarra, Pete Trewavas no baixo, Mark Kelly no teclado e Ian Mosley na bateria. O interessante é que, após a saída de Fish e a subsequente entrada de Steve Hogarth em 1989, o line-up não mudou mais nenhuma vez nesses mais de 20 anos, o que é bastante raro e explica a afinidade musical que a banda apresenta hoje em dia. Basta assistir algum de seus DVDs para notar essa característica.

Capa do single Kayleigh

O álbum inicia com teclados produzindo uma atmosfera triste e sombria para “Pseudo Silk Kimono”, que acompanha a voz de contador de histórias utilizada por Fish. Sem pausa, entramos em “Kayleigh”, maior sucesso comercial da banda, single que ficou entre os primeiros das paradas da época e o perfeito exemplo de como o rock progressivo pode ser acessível para todos. Dedilhados inconfundíveis, melodias fáceis de assimilar e uma bela interpretação, que é o forte de Fish. A versão do single é um pouco mais longa do que a que entrou no disco. Na verdade, trata-se de uma adaptação, que era apenas uma passagem de uma longa música, em uma canção com formato ideal para as rádios. Impossível existir alguém com cerca de 30 anos que ainda não ouviu essa canção. O nome “Kayleigh” foi uma adaptação de Fish para “Kay Lee”, uma garota conhecida por ele em sua adolescência.

Capa do single Lavender

“Lavender”, a exemplo de “Kayleigh”, entra sem deixar espaços e também tornou-se um single de sucesso. Fish brinca com as palavras utilizando seus “dilly, dilly”, e também com a grafia e a sonoridade das letras I, O e U (“I owe you”).

Se a gravadora não permitiu que o disco fosse constituído de apenas uma longa faixa, o Marillion acabou incluindo pequenas suítes em seu track list, como “Bitter Suite”, que é dividida em cinco pequenas passagens. Mais uma vez podemos notar o quanto Fish era um grande intérprete, conseguindo colocar sentimento em cada palavra e transmitir a emoção desejada para que o ouvinte compreenda o enredo. O trecho no qual ele mistura inglês com francês, enquanto narra o encontro de seu personagem com uma prostituta, seguido pela linda melodia de guitarra feita por Rothery, é de arrepiar.

Muito se fala que o Marillion não é mais que uma cópia do Genesis. Nunca dei muita bola para esse tipo de comentário. Até porque não vejo nada de mais em um músico demonstrar as influências e inspirações que recebeu. Entretanto, o Marillion demonstra que não foi influenciado apenas pelo Genesis: pelo menos nas passagens de guitarra, identifico mais elementos utilizados por David Gilmour (Pink Floyd) e Andrew Latimer (Camel) do que por Steve Hacket, guitarrista do Genesis.

Capa do single Heart of Lothian

O trecho final de “Bitter Suite”, chamado “Windswept Thumb”, conecta-se com a música seguinte, “Heart of Lothian”, que também é dividida em duas partes. Acabou tornando-se um single, assim como “Kayleigh” e “Lavender”, mas de menos sucesso que os citados. Também recebeu um engraçado videoclipe que, não por acaso, inicia-se com a parte final da música anterior, tamanha é a ligação que as faixas têm. No vídeo, Fish está andando pela cidade, pedindo carona para ir até um pub onde o Marillion tocará. O grupo, que já está no local, é dispensado, já que o dono do bar contratou cinco e não quatro pessoas para se apresentar. Após isso, diversos eventos e pequenos acidentes vão ocorrendo em sequência, até o carro da banda encontrar o componente atrasado. “Hearth of Lothian” contém uma de minhas passagens preferidas de Misplaced Childhood, na qual Rothery não para de solar enquanto Fish canta.

Na sequência temos “Waterhole (Expresso Bongo)”, com um andamento de baixo e bateria muito interessante e diferente do resto do álbum. Novamente, seu final conecta-se com a faixa seguite, a curta “Lords of the Backstage”. Mesmo com pouco tempo, o Marillion consegue passar diversas camadas musicais, demonstrando a qualidade e a criatividade do grupo. Após isso, temos mais uma suíte de cinco trechos, “Blind Curve”. Com uma introdução que lembra um pouco “Confortably Numb”, do ... bem ... você sabe quem. Pelo menos posso dizer que o clima melancólico e depressivo é o mesmo. Outra vez, diversas passagens de guitarra, com a sonoridade característica de Rothery remetendo a Gilmour e Latimer.

Fish com sua caracterização a la Peter Gabriel

Depois da melancolia de “Blind Curve” surge “Childhood End?”, que começa a alegrar novamente o ambiente. Afinal, o personagem encontra novamente a garota que não via há muitos anos, percebendo que a infância não acaba depois de adulto, e que os sentimentos da adolescência também podem ser vividos quando mantemos nossa mente jovem. Desse modo, e com a faixa de encerramento, “White Feather”, o álbum acaba em um surpreendente clima de felicidade.

Trata-se de um daqueles álbuns do tipo que não consigo escutar apenas algumas faixas. E quando coloco-o para ouvir, gosto de entrar no clima do disco, prestar atenção em todos os detalhes, mesmo os mais sutis, que só quem já o ouviu milhares de vezes percebe. Exceto pelas que se tornaram singles de sucesso, nenhuma das músicas se destaca sozinha, é o conjunto de todas as faixas que torna o álbum forte. Certamente, Misplaced Childhood está entre os que mais ouvi na vida. Até minha esposa, Cristiane, já deve conhecer esse disco do começo ao fim.

Os quatro discos da era Fish lançados pelo Marillion são extremamente recomendados para quem gosta de rock progressivo com pitadas mais pop. Além desse, os outros são: Script for a Jester’s Tear (1983), Fugazi (1984) e Clutching at Straws (1987). Claro que os fãs também poderão citar Brave e Marbles, lançados, respectivamente, em 1994 e 2004, já com Steve Hogarth nos vocais. Também são grandes álbuns, mas ainda indico os quatro primeiros, que são ótimos discos para que os fãs de um hard rock mais melódico adentrem nas maravilhas do mundo progressivo.

Track List:

1. Pseudo Silk Kimono

2. Kayleigh

3. Lavender

4. Bitter Suite: Brief Encounter/Lost Weekend/Blue Angel/Misplaced Rendezvous/Windswept Thumb

5. Heart of Lothian: Wide Boy/Curtain Call

6. Waterhole (Expresso Bongo)

7. Lords of the Backstage

8. Blind Curve: Vocal Under a Bloodlight/Passing Strangers/Mylo/Perimeter Walk/Threshold

9. Childhood's End?

10. White Feather

Álbuns Tributos: talento x oportunismo

2011-07-19T09:30:00.000-03:00

As regravações de músicas de outros artistas e compositores é normal desde que o rock é rock e ajudaram muitos grupos a preencher álbuns que tinham pressa em ser lançados. Desde o início dessa prática há a discussão a respeito de qual é a melhor versão e se determinada regravação supera a original. Puristas nunca admitem a possibilidade de que algum artista, ao regravar as canções de seus músicos preferidos, superem a versão original. Essa é uma discussão que vai longe.

Em um determinado dia, alguém achou que a idéia de juntar versões de diversas músicas de um mesmo artista em um único disco seria muito boa, e assim nasceram os álbuns tributo. Não tenho certeza de qual foi o primeiro lançamento desse tipo, mas foi na década de 90 que esse fenômeno cresceu vertiginosamente, chegando ao ponto de, hoje em dia, ser possível que algumas bandas de média relevância já tenham um álbum tributo dedicado à sua música. Diversas pessoas vêem esses lançamentos como puro oportunismo e uma maneira de projetar a carreira de bandas novas. Tenho certeza de que muitos não passam disso mesmo, mas, em contrapartida, alguns foram feitos por artistas que já eram consagrados na época das gravações, emprestando um caráter sincero ao tributo.

Não vejo qual seria outro interesse ao juntar bandas totalmente desconhecidas em um álbum assim. Para ouvir bandas cover desconhecidas basta irmos a um bar. O que chama atenção para discos desse tipo é ouvir um artista relevante mostrando quem é relevante para ele. Saber que aquele cara que toca algo totalmente diferente também gosta e foi influenciado por determinada banda. É a hora na qual observamos a faceta de fã em nossos ídolos. Uma das outras coisas legais nesses discos é ouvir bandas totalmente diferentes entre si reunidas num mesmo álbum. Também é interessante notar quando um artista executa uma versão na qual imprime sua personalidade a canções de outros músicos. Isso mostra que, por mais que hoje existam diversos subestilos no hard rock e no heavy metal, o ponto de partida foi sempre o mesmo.

Apresentarei aqui alguns álbuns tributo relevantes, que mostram que a idéia de homenagear alguns artistas é muito válida, e que essas homenagens, quando feitas com critério, valem muito a pena.

Kiss My Ass: Classic Kiss Regrooved [1994]

Esse foi o primeiro disco tributo com o qual tive contato, e também é um dos mais lembrados. Com um cast de artistas bem díspares, somos brindados com excelentes interpretações e algumas nem tanto. Lançado no aniversário de 20 anos do primeiro álbum do Kiss, o álbum abre com uma ótima versão de “Deuce” feita por Lenny Kravitz, que se não é unanimidade entre os fãs de rock, deve ser respeitado por ser um músico talentoso. Outro nome que causou revolta na época por ter sido incluído foi o do cantor Garth Brooks, contudo, todos tiveram que engolir em seco sua ira após ouvir “Hard Luck Woman” com um jeitão country. É o rock devolvendo ao country sua influência dos primórdios.

Temos também ótimas regravações de “She” (Anthrax), “Goin’ Blind” (Dinosaur Jr.) e “Plaster Caster” (The Lemonheads). Destaque negativo para “Rock and Roll All Nite”, cometida pela banda Toad the Wet Sprocket. Tudo bem que é legal o fato de que a interpretação seja pessoal, mas esta música é relacionada com festa e diversão, e o que o Toad fez foi dar um clima de velório para a canção. Também achei que o compositor japonês Yoshiki poderia ter feito algo melhor com sua versão orquestrada de “Black Diamond”. A interpretação do Extreme para “Strutter” é bem diferente, cheia de citações a outras músicas em seu andamento.

A edição norte-americana conta com uma faixa a mais que a mundial, uma versão em alemão para “Unholy” gravada pela banda punk Die Ärzte. Uma curiosidade fica em relação à capa. A bandeira dos Estados Unidos está presente em todas as edições, menos no Canadá, Japão e Austrália, que possuem lançamentos com a bandeira local em destaque na capa. Outro detalhe é a maquiagem do garoto da capa que deveria ser igual à de Ace Frehley, fato que não aconteceu por questões contratuais. Foi lançado também um DVD com imagens das gravações e entrevistas. Em uma delas, Paul Stanley afirma que esse tipo de homenagem é muito melhor se feita enquanto o artista ainda está na ativa, e não andando de cadeira de rodas, isso há mais de 15 anos!

Track list:

1. Deuce - Lenny Kravitz (com Stevie Wonder na gaita)

2. Hard Luck Woman - Garth Brooks (com o Kiss)

3. She - Anthrax

4. Christine Sixteen - Gin Blossoms

5. Rock and Roll All Nite - Toad the Wet Sprocket

6. Calling Dr. Love - Shandi's Addiction (Maynard James Keenan, Billy Gould, Tom Morello and Brad Wilk)

7. Goin' Blind - Dinosaur Jr

8. Strutter - Extreme

9. Plaster Caster - The Lemonheads

10. Detroit Rock City - The Mighty Mighty Bosstones

11. Black Diamond - Yoshiki

12. Unholy - Die Ärzte

Nativity in Black: A Tribute to Black Sabbath [1994]

Muitos criticam esse lançamento pelo fato de não conter nenhuma música que não faça parte da era na qual Ozzy Osbourne foi vocalista do grupo. Porém, temos que lembrar do contexto histórico em que ela foi lançada. No ano anterior, Ozzy Osboune havia lançado um disco ao vivo com a sua banda, Live & Loud, incluindo uma participação dos integrantes originais do Black Sabbath, o que gerou muita expectativa em relação ao um possível retorno, e nada melhor do que privilegiar essa fase da carreira da banda em uma homenagem assim.

Diferentemente do tributo ao Kiss, onde existem alguns deslizes na escolha ou na execução das faixas, esse é quase perfeito. Digo “quase” pois a inclusão de “War Pigs”, registrada ao vivo pelo Faith No More, já era conhecida na época, o que causou uma pequena decepção. A escolha das bandas foi perfeita. Mesmo o 1000 Homo DJs, com Al Jourgensen (Ministry) no vocal, representando as bandas da vertente industrial, fez uma versão matadora para "Supernaut". Também causa estranheza para alguns o nome Bullring Brummies. Entretanto, essa foi uma banda formada exclusivamente para gravar “The Wizard”, que tinha entre seus componentes Geezer Butler, Bill Ward e Rob Halford.

A qualidade das faixas está nas nuvens, porém, gostaria de destacar “Symptom of the Universe”, feita pelo Sepultura, que na época estava em seu auge. Já disse muitas vezes que esse é um exemplo de quando um cover fica melhor que a versão original, e podem chover reclamações! O Type O Negative também faz de “Black Sabbath” uma das coisas mais sombrias da história da música, ressaltando essa característica já presente na original. O que dizer de “Sabbath Bloody Sabbath” executada pela parceria de Bruce Dickinson com o Godspeed? E de “N.I.B.”, tocada pelo criticado e “bobinho” Ugly Kid Joe?

Volumes II e III
lançados anos depois

Anos depois foram lançados mais dois volumes do tributo, mas sem a mesma repercussão do primeiro. Muita gente nem sabe disso. O segundo, lançado em 2000, contém uma versão para “Electric Funeral” feita pelo Pantera que só não entrou no primeiro volume por questões contratuais. Uma terceira edição foi lançada em 2010, contando com participações de Anthrax, Soundgarden e Soulfy, entre outros. Ozzy Osboune e outros ex-componentes do Sabbath, exceto Iommi, participam de algumas faixas como convidados. Acredito ser totalmente desnecessário que o homenageado participe de um tributo desse tipo, mas em todas as faixas em que isso aconteceu, o resultado final valeu a pena.

Track list:

1. After Forever - Biohazard

2. Children of the Grave - White Zombie

3. Paranoid - Megadeth

4. Supernaut - 1.000 Homo DJ's

5. Iron Man - Ozzy Osbourne e Therapy?

6. Lord of this World - Corrosion of Conformity

7. Sympton of the Universe - Sepultura

8. The Wizard - Bullring Brummies

9. Sabbath Bloody Sabbath - Bruce Dickinson e Godspeed

10. N.I.B - Ugly Kid Joe

11. War Pigs - Faith no More

12. Black Sabbath - Type O Negative

13. Solitude - Cathedral

A Tribute to Judas Priest: Legends of Metal Volumes I e II [1997]

Conheço muita gente que tomou conhecimento do Judas Priest por causa desse disco. Essa é outra boa característica dos álbuns que estão sendo abordados nessa matéria. É sabido que o final dos anos 90 foi uma época de proliferação do metal melódico, e o estilo tinha muitos fãs. Porém, a grande maioria era de uma faixa etária mais baixa, que não conhecia muitos dos medalhões do metal. Os fãs de Stratovarius, Gamma Ray, Angra, Helloween e de outros do gênero foram atrás desse tributo pelo fato de que suas bandas preferidas estavam contribuindo e acabaram conhecendo um dos pilares do heavy metal.

Os dois volumes são obrigatórios, sendo o Volume II, na minha opinião, um pouco superior ao primeiro. Apenas não entendi o porquê de Mercyful Fate e Iced Earth participarem com a mesma música, “The Ripper”. O catálogo do Judas Priest é extenso o suficiente para que isso não seja necessário. “Beyond the Realms of Death”, um dos maiores clássicos do Judas Priest, ficou maravilhoso na execução do Blind Guardian. Uma curiosidade fica pela participação do Gamma Ray. Na época, o vocalista original Ralf Scheepers já havia saido da banda. Assim, o Gamma Ray fez duas músicas para o tributo, “Victim of Changes” para o primeiro volume, com Kai Hansen já assumindo o posto que dura até hoje de vocalista da banda e “Exciter” para o segundo volume, onde que eles apresentam Ralf Scheepers. Na ocasião, o Judas Priest também estava sem vocalista, e Scheepers era a principal aposta de muita gente para assumir o posto. Muitos, inclusive, dizem que ele saiu do Gamma Ray por achar que seria chamado para o Priest, e essa versão para “Exciter” seria seu cartão de visitas na nova banda. No final das contas, Ralf não foi escolhido, e acabou formando o Primal Fear.

Fora isso, é muito interessante ver bandas como Overkill e Kreator executando versões de músicas do Judas Priest com uma identidade própria tão marcante. Isso mostra muito o quanto essas bandas homenageadas são influências importantes para o metal em geral, não importando a vertente. Lembro-me de ficar ansioso para ouvir “Painkiller” com o Angra. Confesso que fiquei um pouco desapontado, já que esperava que o André Matos cantasse com um pouco mais de raiva. “Love Bites” com o Nevermore ficou arrastada e muito pesada. Só a parte final do vocal já vale a música toda. Outro destaque é “The Hellion/ Electric Eye” com os alemães do Helloween. Caso vocês se interessem por esses discos tomem cuidado, pois chegou a ser lançada uma compilação com músicas dos dois volumes em apenas um CD. Claro que muitas músicas ficaram de fora, entre elas muitos dos destaques citados aqui.

Compilação meia-boca
dos dois volumes

Track list:

Volume I

1. The Hellion / Electric Eye - Helloween

2. Saints In Hell - Fates Warning

3. Victim of Changes - Gamma Ray

4. Sinner - Devin Townsend

5. The Ripper - Merciful Fate

6. Jawbreaker - Rage

7. Night Crawler - Radakka

8. Burnin' Up - Doom Squad

9. A Touch Of Evil - Lions Share

10. Rapid Fire - Testament

11. Metal Gods - U.D.O.

12. You've Got Another Thing Comin' - Saxon

Volume II

1. The Ripper - Iced Earth

2. Beyond the Realms of Death - Blind Guardian

3. The Sentinel - Heaven’s Gate

4. Love Bites - Nevermore

5. Exciter - Gamma Ray (com Ralf Scheepers)

6. Dissident Aggressor - Forbidden

7. Painkiller - Angra

8. Tyrant - Overkill

9. Grinder - Kreator

10. Dreamer Deceiver - Skyclad

11. Bloodstone - Stratovarius

12. Screaming for Vengeance - Virgin Steele

13. Night Comes Down - Leviathan

Hibria - Blind Ride [2011]

2011-06-21T16:00:00.003-03:00

No final do ano passado foi veiculada pela imprensa especializada uma carta aberta do vocalista de uma banda conhecida no cenário brasileiro, direcionada ao público heavy metal deste país. Nessa carta, o artista enumerava os motivos que encontrou para justificar a falta de apoio que as bandas do gênero recebem dos fãs brasileiros e fazia um apelo por maior reconhecimento. Muita gente achou que os argumentos eram pertinentes e muitos deles são reais. Porém, diversas pessoas execraram a atitude do músico, e a carta acabou se tornando motivo de todo tipo de chacota e classificada como um tratado de puro “mimimi”.

Ao ouvir o álbum recém lançado do grupo Hibria, Blind Ride, essa carta me veio à cabeça. Isso aconteceu porque o disco é nada menos que excelente e, para mim, o lançamento desse disco é milhares de vezes melhor na finalidade de ajudar o metal brasileiro a ser mais reconhecido do que uma carta de lamentação.

A banda foi formada em meados da década de 90 em Porto Alegre e, durante esses mais de 15 anos na ativa, já lançou três discos: Defying the Rules (2004), The Skull Collectors (2008) e Blind Ride (2011). A sua formação variou pouco durante esse tempo e tem hoje Eduardo Baldo na bateria, Benhur Lima no baixo, Diego Kasper e Abel Camargo nas guitarras, além de Iuri Sanson nos vocais.

Hibria: Benhur Lima, Abel Camargo, Iuri Sanson, Diego Kasper e Eduardo Baldo

Confesso que adquiri o disco sem muita expectativa e o fiz somente por saber das oportunidades que o grupo teve como atração de abertura de shows internacionais nesses últimos tempos, caso do Metallica, em Porto Alegre (2010), e Ozzy Osbourne no Rio de Janeiro e Belo Horizonte (2011). Pensei, se a banda conquistou essas oportunidades é porque possui qualidade. O quinteto também tocou no maior festival japonês do gênero, o Loud Park, em 2009, e teve seu álbum, The Skull Collectors, no topo da lista dos mais vendidos em uma cadeia de lojas do país, além de ter sido lembrado nas votações de melhores daquele ano na famosíssima revista Burrn!.

O Hibria pratica um heavy metal poderoso, que em certos momentos pode até ser classificado como thrash metal. Entretanto, os sites especializados em música estão classificando-os como power metal. A voz de Iuri Sanson é destaque e varia dos tons mais limpos para um vocal mais rasgado com facilidade. O disco foi produzido pelo guitarrista Diego Kasper e a mixagem foi realizada por William Putney, em Nova York. O baixo em “The Shelter’s On Fire” é metalizado e me lembrou de cara o baixo de Steve Harris na gravação de Maiden England (1989). Fiquei com o refrão dessa música na cabeça durante um tempão.

Hibria com o Metallica

Após algumas audições – ainda não ouvi muitas vezes o disco, e mesmo assim senti que ele valeria um artigo – chamam atenção as músicas “Nonconforming Minds” e “Shoot Me Down”, essa última escolhida para ser o vídeo promocional do álbum. “I Feel No Bliss” é a mais calma, se é que podemos chamá-la assim, e talvez por isso ganhou uma interessante versão acústica que foi acrescentada como bonus track.

Depois de um tempo, você percebe que o álbum foi feito com bastante esmero. Riffs bem trabalhados, melodias bem encaixadas e bastante competência técnica é o que você encontrará durante todo o álbum. Ainda não ouvi os outros discos e pretendo fazê-lo o quanto antes. Procurando-os por aí, descobri que o primeiro, Defying the Rules, está esgotado e não há previsão de relançamento. Espero que Blind Ride repercuta bastante e obrigue esse relançamento. Porém, The Skull Collectors está no catálogo de uma dessas grandes lojas da internet. O Hibria foi uma agradável surpresa para mim e comprova que o metal daqui do país tem muito o que mostrar. O metal brasileiro vai sim cair nas graças de todos, mas pela sua qualidade e não por pena. Lembrem-se que, durante um período da década de 90, tivemos uma banda brasileira, o Sepultura, como uma das maiores do mundo no gênero.

Kamelot – Poetry for the Poisoned [2010]

2011-06-15T09:18:00.000-03:00

No fim dos anos 90 minha única fonte de informações era a revista Rock Brigade, que recebia mensalmente por ser assinante. Fui leitor assíduo durante cerca de oito ou nove anos. Após isso, passei a comprá-la esporadicamente, quando sobrava alguma grana (época de faculdade é dura). Na virada do século, a onda do metal melódico era muito forte na revista e todo mês havia altas notas para discos lançados por bandas do estilo, fossem elas conhecidas ou novatas. As notas altas para os discos, as entrevistas, os anúncios de CDs e tudo o mais acabava criando uma obrigação para que eu conhecesse todas aquelas bandas. Porém, depois que entrava em contato com seu som, percebia que muitas não apresentavam nada de novo. Essa época também foi o início do meu aprofundamento no rock progressivo, o que ajudou a fazer com que eu perdesse o interesse nesse subgênero do metal.

Na época, cheguei a escutar algumas músicas isoladas do Kamelot e acabei não me interessando. Não sei se tive azar e acabei escutando as músicas mais fracas dos discos, mas foi a primeira impressão. Lembrando que aquele era o tempo dos programas de compartilhamento de arquivos Soulseek e Kazaa, e baixar um álbum inteiro só valia a pena se você tivesse gostado realmente das músicas que ouviu. Comprar discos nessa época era raro. Só comprava mesmo das bandas que eu era fã incondicional.

A maior parte daquela safra de bandas acabou se perdendo pelo caminho, outras mudaram um pouco seu direcionamento musical e outras se mantiveram porque faziam algo de qualidade. De um tempo para cá voltei a me interessar por alguns grupos que sempre estão presentes nas discussões, os quais não tinha o costume de ouvir devido a todos os motivos já apresentados. Pensei: se até hoje falam da banda, é porque alguma coisa boa deve ter. E esse foi o caso do Kamelot, que em setembro de 2010 nos apresentou Poetry for the Poisoned.

Logo de início temos “The Great Pandemonium”, que junto com a canção que fecha o álbum, “Once Upon a Time”, são as músicas de maiores destaque. Roy Khan foi um estudante de ópera e talvez por isso consiga se entregar à música e realmente interpretá-la, modificando sua voz de acordo com o que a música pede. Também temos nele um exemplo de que grandes vocalistas não precisam, necessariamente, cantar em tons lá nas nuvens.

O som do álbum também chama atenção. Produção muito bem feita, timbres bem escolhidos, tudo certinho, bem pensado e executado. Pesado e melancólico podem ser os adjetivos que descrevem o álbum, e muito disso se deve aos sons e melodias criadas pelo bom guitarrista Thomas Youngblood. O instrumental, sem nenhum exagero característico do estilo, tem bom gosto e criatividade. Da mesma maneira que Khan faz com a voz, o instrumental também joga para o time.

Achei desnecessária a divisão da faixa título em quatro partes. Até parece que os fãs da banda já não estão acostumados com músicas mais longas. Até porque cada parte da música escutada separada soa totalmente sem sentido. Apesar de tudo, para mim acaba não mudando nada, já que tenho o costume de sempre escutar os discos inteiros e na ordem.

Confesso que, antes mesmo de ouvir esse disco, fiquei com um pouco de má vontade devido à quantidade de convidados especiais. Como ainda não havia escutado, achei exagerado e imaginei que o Kamelot queria apenas fazer média com músicos e fãs de outros estilos. Esse desconforto aumentou quando lembrei que Roy Khan saiu da banda pouco tempo depois do lançamento do álbum. Cheguei até a pensar que a quantidade de participações tinha a ver com a previsão da saída do vocalista, que foi substituído por Fabio Lione na última turnê, que inclusive passou pelo Brasil. Entretanto, depois de ouvir o álbum mudei de opinião, e acredito que os convidados tenham sido aproveitados muito bem, com coerência e totalmente dentro do contexto de cada música. Os duetos de Roy Khan com Simone Simons, vocalista da banda Epica, em “House on a Hill” e na faixa título são alguns dos melhores elementos do disco. Como curiosidade é interessante citar que o nome Epica foi usado pelo Kamelot para batizar seu sétimo disco de estúdio em 2003.

O Kamelot mostra com Poetry for the Poisoned que temos que continuar a busca por conhecer boas bandas e dar chances para outras, mesmo que elas não tenham começado tão bem assim.

Aerosmith - Rocks [1976]

2011-06-06T11:51:00.002-03:00

Quando falamos no nome Aerosmith hoje em dia logo vem às nossas cabeças a imagem de Steven Tyler cantando uma das inúmeras baladas mela-cueca que foram gravadas pela banda nesses últimos vinte anos. É inegável que essas baladas sejam as responsáveis pela popularidade do quinteto, principalmente aqui no Brasil depois de Get a Grip [1993] e também após o lançamento da coletânea Big Ones, de 1994. Muita gente, inclusive eu mesmo, apenas ficou sabendo da existência da banda após o lançamento desses dois discos. Essa coletânea, que foi uma das mais vendidas de todos os tempos, foi composta praticamente apenas com as músicas de seus, até então, últimos três álbuns: Permanent Vacation [1987], Pump [1989] e o já citado Get a Grip. Claro que estou falando da sua edição normal, já que houve um lançamento especial com um segundo disco que era mais abrangente em relação à carreira do grupo. Desse modo, para quem conheceu a banda naquela época, a impressão que dava era que o grupo era relativamente novo.

Aerosmith em 1976

Com o enorme sucesso das canções “Crying” e “Crazy” do álbum Get a Grip, a banda percebeu que o nicho das baladas era rentável e baseou a seqüência de sua carreira nesse tipo de música. Outras bandas na época fizeram o mesmo, como é o caso do Bon Jovi. Já disse em uma matéria sobre as baladas que o fato das canções mais românticas normalmente cairem no gosto das garotas fazia que os rapazes se afastassem desse tipo de música. E o mesmo aconteceu comigo. Sempre adorei os discos já citados, mas acabei perdendo o interesse em conhecer o resto da carreira da banda, mesmo depois de saber que eles não eram mais um fruto da década de 80 e sim de muito tempo atrás, lá da prolífica década de 70.

Steven Tyler na época de Rocks

O Aerosmith é citado como influência de dez entre dez bandas que fazem todos os sub-estilos do que se convencionou a se chamar hard rock. Bandas como Guns N’ Roses e Skid Row nunca esconderam sua admiração pela banda e o próprio Slash sempre se apresentou com um visual muito parecido ao de Joe Perry.

Uma das coisas que mais impressiona quando nos aprofundamos na carreira da banda é que essa é uma das únicas que mantém a formação original desde o primeiro disco em 1973. Porém, é preciso citar o disco Rock in a Hard Place, de 1982, que foi o único sem os dois guitarristas Joe Perry e Brad Whitford. A saber, completam a banda o baixista Tom Hamilton e o baterista Joey Kramer, além, é claro, do jurado cheio de botox do American Idol, o super astro Steven Tyler.

Os jurados da última edição do American Idol com Jennifer Lopez e Steven Tyler

Para quem já conhece o álbum Rocks, lançado em 1976, sabe tudo o que será dito aqui nessas próximas linhas. É o quarto disco de estúdio do Aerosmith, ganhou vários discos de platina e foi sequência de um álbum que também teve muito sucesso, Toys in the Attic [1975]. Muitas vezes estive na iminência de adquirir esse álbum, mas, como falei acima, não tinha muitas esperanças de que ele fosse bom. Até porque freqüentemente o encontrava com preços promocionais, o que de certa forma mostra que o interesse do público em geral também não era muito grande, e isso aumentava a minha desconfiança. Claro que existem inúmeros exemplos para contrariar esse tipo de pensamento, mas foi o que aconteceu. No entanto, depois que ouvi o disco, mudei meu pensamento e também meu interesse em relação à banda.

Joe Perry

"We were doing a lot of
drugs by then, but you
can hear that whatever
we were doing, it was
still working for us."
(Joe Perry)

Depois de um tempão sem ouvir Rocks, voltei a retirá-lo da prateleira após o lançamento do livro Eddie Trunk’s Essential Hard Rock and Heavy Metal. Para quem não ligou o nome à pessoa, Eddie Trunk é apresentador de uma rádio americana e também apresenta o programa That Metal Show, veiculado pela VH1. Também li sobre o álbum na edição especial da Roadie Crew que lista 200 hinos do Heavy Metal e do Classic Rock, editada por Bento Araújo, da revista Poeira Zine. Nessa última publicação, Bento Araújo inclui “Lick and a Promisse” entre os 200 maiores hinos e comenta que o guitarrista Slash sempre alega que Rocks é sua cartilha musical. Já Eddie Trunk coloca o disco, junto com Toys in the Attic, como os melhores discos da banda. Devido à minha memória afetiva, não tenho como considerá-los dessa forma, mas é inegável que esses são excelentes discos, dignos de figurar na prateleira de qualquer amante de rock.

O álbum inicia com “Back in the Saddle”, que apresenta uma voz raivosa de Steven Tyler além de Joe Perry tocando um baixo de seis cordas. É curiosa essa troca de funções nesse que é talvez o álbum mais experimental do Aerosmith, já que Tom Hamilton toca a guitarra e Perry faz as vezes de baixista em “Sick As a Dog”. Para corroborar essa questão da experimentação também é preciso citar o uso de loops de fitas em “Rats in the Cellar”. Há também o vocal de Joe Perry acompanhando durante a música toda em “Combination”. Ao vivo existem vídeos de Perry cantando sozinho a canção inclusive com Steven Tyler nas baquetas.

Anúncio oficial de Rocks que saiu em
jornais e revistas da época

“Last Child” traz um riff memorável e apresenta um groove certamente muito influenciado pelo funk que era enorme sucesso na época. Whitford também toca um ótimo solo nessa faixa, contrariando a idéia dele ser apenas um guitarrista base. Talvez o maior destaque do disco seja “Nobody’s Fault” que é uma das mais pesadas músicas da carreira do quinteto e já foi regravada por muitas outras bandas (Testament, Vince Neil e L.A. Guns). Joey Kramer diz que essa música é o melhor trabalho de bateria que ele fez na carreira.

O álbum como um todo é enérgico e principalmente bem cru. Sinto falta de um pouco mais de peso para realçar algumas músicas, mas temos que lembrar que o que o Aerosmith fazia era na linha dos Stones e Yardbirds, que não tinham o peso como uma de suas principais caraterísticas. Imaginem “Last Child” com timbres de baixo e guitarra mais pesados. Seria ótimo!

Foi na época de Rocks que a dupla Tyler/Perry ganhou a alcunha de Toxic Twins devido ao enorme consumo de drogas. Esse álbum deve ser ouvido com carinho. Para os que, como eu, têm uma certa aversão pelo Aerosmith devido ao excesso de mel dos últimos anos, digo que vale a pena dar uma chance à carreira setentista da banda. Para os que já o conhecem, mas não o consideram um bom álbum, peço para dar mais uma chance. E para aqueles que já gostam do disco, esse texto serve como um estímulo para ouvi-lo de novo.

Discografia Comentada: Grim Reaper

2011-05-16T10:13:00.000-03:00

Por Fernando Bueno

Formado na Inglaterra em 1979 pelo guitarrista Nick Bowcott, o Grim Reaper é, hoje em dia, injusta e praticamente desconhecido, juntando-se à categoria das bandas que mereciam melhor sorte. Após uma grande sequência de mudanças em sua formação, o grupo se estabeleceu com Steve Grimmett (egresso do Chateaux), na voz e Dave Wanklin no baixo. A bateria continuou sendo um problema, dado que vários músicos ocuparam essa posição no quarteto.

Nick Bowcott

Apesar de sua origem datar de 1979 e de ser caracterizado como integrante da NWOBHM (New Wave of British Heavy Metal), o Grim Reaper gravou seu primeiro disco apenas em 1983, quando as grandes bandas do movimento já tinham sucesso estabelecido. Talvez isso tenha influenciado no fato do grupo ser pouco lembrado hoje em dia, tendo em vista que a concorrência era muito grande, em especial vinda de bandas como Iron Maiden, Saxon e Def Leppard, que polarizavam a cena. Seu contrato com a Ebony Records foi conseguido depois de terem vencido um concurso chamado Battle of the Bands, em que participavam cem bandas.

Uma marcante característica da curta carreira da banda é que seus poucos discos são muito equilibrados entre si: os três álbuns possuem a mesma grandeza quando comparamos sua qualidade. Já vi todos sendo citados em vários releases sobre a banda como o preferido na opinião dos autores dos textos. No entanto, tenho que citar que o segundo, Fear no Evil, é mencionado um número menor de vezes.

Steve Grimmet e
Nick Bowcott nos anos 80

Depois do Grim Reaper, Steve Grimmet partiu para o Onslaught, onde esteve entre 1988 e 1990. Nessa época somente um álbum foi gravado. Em seguida, montou o Lionsheart que resultou em quatro álbuns de estúdio e um ao vivo, entre o período de 1993 e 2004. Durante o tempo com o Lionsheart, Steve ainda participou de um projeto chamado Friction, que também rendeu apenas um disco, além de ter reformulado, em 2005, uma antiga banda que tinha, antes mesmo do Chateaux, o Medusa, registrando Clash of Titans.

Posteriormente a seu tempo à frente do Grim Reaper, o guitarrista Nick Bowcott trabalhou como compositor free lancer, sendo depois contratado como escritor pelas revistas Circus e Guitar World. Também trabalhou com o fabricante dos lendários amplificadores Marshall.

Steve Grimmet

Em 1994, o nome Grim Reaper apareceu novamente na mídia graças à aparição do clipe de “See You in Hell” durante um episódio de Beavis and Butthead. O engraçado é que a dupla curtiu a música, mesmo comentando que o tipo de som era datado, com ressalvas de que a banda era muito conhecida antes deles nascerem.

Pouco tempo atrás, Steve Grimmet reformulou o Grim Reaper, porém sem o guitarrista Nick Bowcott. Até por isso, o vocalista não está usando exatamente o nome da banda e sim “Steve Grimmet’s Grim Reaper” chegando a fazer alguns shows no Brasil em novembro de 2010 junto com outra clássica banda da NWOBHM, o Raven.

See You in Hell [1983]

Gravado em apenas quatro dias, See You in Hell, conseguiu sucesso e chegou à posição de número 73 na Billboard. Também teve o videoclipe da faixa título circulando com boa frequência na MTV. O álbum conta com uma produção ruim, algo normal na época, principalmente em se tratando de bandas novas. Lembremos que, mesmo o Iron Maiden, que havia assinado com a poderosa gravadora EMI, gravou um primeiro álbum cuja produção é até hoje criticada pelo baixista Steve Harris. Na época do lançamento, o heavy metal já havia se estabelecido na cena musical, e várias bandas já tinham conquistado grande sucesso, e com o Grim Reaper não foi diferente, vendendo mais de 250 mil cópias nos EUA. Muito desse sucesso se deve à arrebatadora voz de Steve Grimmet que era um diferencial da banda, o que é mostrado logo de cara em “Dead on Arrival”. “See You in Hell” sem dúvida nenhuma é o maior destaque. Décadas depois, essa música foi inserida em um jogo da famosa série “Guitar Hero”, mostrando que ainda existe quem se lembre do Grim Reaper. Após ela vem “Dead on Arrival” e “Wrath of the Reaper”. Também se faz presente uma daquelas belas baladas heavy metal, “The Show Must Go On”.

Fear no Evil [1985]

Contando com um tempo “muito superior” ao que teve para gravar o primeiro disco, Fear no Evil precisou de nove dias (!) para ser finalizado. A produção teve uma ligeira melhora. A bateria, para variar, tinha um novo comandante, ficando dessa vez a cargo de Marc Simon, substituindo Lee Harris. Outro videoclipe, também para a faixa título, foi gravado, tendo também boa visibilidade na MTV. “Fear No Evil” possui leves mudanças de andamento e uma ótima passagem com guitarras gêmeas, mesmo com a banda contando com apenas um guitarrista, algo normal em se tratando de gravações em estúdio. Seu refrão faz com que todos cantem mesmo que tenham conhecido a banda há pouco tempo. Outro destaque é “Lay It on the Line”, que não é um cover da banda canadense Triumph, e sim uma música com uma pegada hard/heavy, quase nos moldes dos grupos de hard rock norte-americanos. A faixa “Lord of Darkness” possui uma vocalização que se assemelha a do próprio Belzebu, apresentando a canção. O mesmo tipo de voz foi usado no desnecessário diálogo inicial de “Final Scream”, mas dessa vez com a companhia de outra voz infantilizada. Bem brega!!! Muito se fala que a fase vivida pelo heavy metal mundial nessa época atrapalhou a banda, já que o interesse de muitos estava voltado para o speed e para o thrash metal. Como o Grim Reaper enveredava para os caminhos do heavy tradicional com pitadas de hard rock, o grupo teve uma repercussão menor que a merecida. Muitos outros fatores podem ter influenciado o resultado, mas historicamente é isso que vai ficar.

Rock You to Hell [1987]

Logo depois de Fear No Evil o Grim Reaper iniciou o processo de composição, ainda em 1986, de seu álbum seguinte, que seria chamado de “Night of the Vampire”. O resultado final não agradou à gravadora que distribuía seus discos nos EUA, a RCA. Dessa maneira, a RCA pagou outro produtor para regravar o disco, o que fez com que a gravadora inglesa, a Ebony Records, alegasse quebra de contrato. Depois de todo esse imbróglio o Grim Reaper finalmente colocou no mercado Rock You to Hell, resultado da regravação de “Night of the Vampire”. Para variar, houve mais uma mudança de baterista, posto preenchido aqui por Lee Harris, que retornava à banda. Mostrando uma enorme evolução em relação à produção dos discos anteriores, o álbum foi mais um sucesso. Esse é o registro mais variado do quarteto, e que conta com as músicas mais agressivas da banda. A faixa-titulo é perfeita para apresentações ao vivo, com seu refrão que pede o acompanhamento em uníssono do público. Ela é seguida pela ótima “Suck and See”, que demonstra a já citada versatilidade do álbum. “Night of the Vampire” mostra porque queriam fazê-la faixa-título do álbum planejado, um heavy metal classudo. Rock You to Hell é meu álbum preferido do Grim Reaper, e toda vez que ouço a faixa “Lost For Freedom” eu entendo o porquê. Não que seja a minha música preferida da banda, mas a simplicidade e a qualidade do refrão mostra que nem sempre é necessário virtuosismo para que algo seja tão bom. É difícil encontrar um destaque negativo, pelo contrário, na sequência temos a pesada “Rock Me ‘Till I Die”, seguida por “You Wish That Your Were Never Born”. “Waysted Love” traz mais um exemplo do hard rock que era incorporado tão bem pela banda. O disco fecha, ironicamente, com a canção “I Want More”, sendo que o Grim Reaper não teve mais nada depois disso. Com todo o desgaste advindo da gravação do álbum e de seu lançamento, a banda acabou se desfazendo, mesmo com um disco tão bom, colocando um ponto final na carreira dessa excelente e atualmente subestimada banda.

Opeth - Damnation [2003]

2011-05-06T12:17:00.000-03:00

O Opeth é normalmente tido como uma banda de death metal, e seu primeiro álbum, Orchid (1995), arrebatou muitos fãs dessa vertente. Porém, ao longo de sua carreira, a evolução musical da banda foi evidente, e, quando digo evolução, não quero dizer que os músicos aprenderam a tocar melhor e por isso se desligaram do death metal. O que houve foi uma adição de novos elementos ao som da banda, o que lhes trouxe abrangência, um leque musical, muito maior.

Hoje podemos encontrar a banda não só em meio a listas de death, doom e heavy metal, mas também nas listas de prog metal ou simplesmente de progressivo. No site Prog Archives, talvez o maior site do gênero da web, por exemplo, os suecos são classificados como tech/extreme prog metal. Porém, independente do estilo em que você possa enquadrá-los, é impossível não reconhecer o valor do trabalho desses caras.

Confesso que nas primeiras audições de seus discos não fiquei muito impressionado, já que os vocais guturais ficaram muito marcados para mim. Como não sou tão fã desse tipo de voz, não me interessei e nunca mais ouvi a banda. Após a insistência de alguns amigos, voltei a ouvi-la, mas dessa vez através de discos diferentes dos que tinha escutado anteriormente. O álbum que mudou minha opinião sobre a banda foi justamente Damnation, de 2003.

Deliverance: o álbum "irmão"

O registro é uma espécie de “irmão” do pesado Deliverance (2002), que havia sido lançado cinco meses antes. Ambos foram gravados simultaneamente, e a idéia inicial seria que os dois discos fossem apenas um álbum duplo. Até na capa os dois se parecem, já que ambos possuem imagens um tanto borradas. Porém, por serem musicalmente diferentes entre si, a decisão de lançá-los separados foi acertada. Quem ouvi-los sem saber que são da mesma banda pode imaginar estar ouvindo grupos distintos.

O que mais chama a atenção em Damnation, para aqueles que já conhecem o Opeth, é a completa ausência de vocais guturais e o total direcionamento voltado para o progressivo. As influências setentistas são evidentes, mas recebendo uma cara atual. Podemos compará-lo a algum disco do Porcupine Tree ou a 12:5 (2004), do Pain of Salvation, em que Daniel Gildenlöw resolveu apresentar todas as músicas sem peso e de forma acústica. Lembrar de Porcupine Tree é até óbvio quando ficamos sabendo que Steve Wilson, o cabeça da banda, fez a produção tanto para Deliverance como para Damnation. Nesse último, ele ainda atuou como músico convidado, pilotando o mellotron, sendo co-autor de “Death Whispered a Lullaby” (um dos destaques) e fazendo alguns backing vocals.

A formação da época de Damnation, com Mikael Akerfeldt ao centro

Na minha opinião, a melancólica e carregada de acompanhamento de mellotron, “In My Time of Need” contém o melhor refrão e resume muito bem o álbum. Mas é muito difícil citar destaques em um disco tão coeso. O riff principal de “Windowpane”, as diferentes camadas de guitarras de “Death Whispered a Lullaby”, o lindo solo de introdução de “Ending Credits” e os dedilhados em quase todas as músicas vão chamar atenção logo de cara.

Apesar da característica progressiva do álbum como um todo, ele não possui longas canções. A mais longa é a faixa que abre o álbum, “Windowpane” com quase oito minutos de duração. Nos anteriores, Blackwater Park (2001) e Deliverance, e no seguinte, Ghost Reveries (2005), são várias as que passam dos dez minutos.

Mikael Åkerfeldt

Com respeito à falta de vocais guturais, não posso deixar de comentar o ótimo trabalho que Mikael Åkerfeldt fez nesse quesito. Na época, ele afirmou ser um iniciante nesses vocais limpos, mesmo já tendo cantado assim em algumas passagens dos discos anteriores. Claro que, se o resultado não fosse reconhecidamente bom já de antemão, o disco certamente não seria feito dessa maneira.

O Opeth arriscou e obteve êxito. Conseguiu novos fãs de outras vertentes, que não tinham interesse pela banda, e não se queimou com os fãs antigos. Outra coisa que pesa positivamente nessa balança é que, apesar do sucesso, o grupo não virou as costas para sua história, já que no álbum seguinte, Ghost Reveries, voltaram para a fúria sonora a que estavam acostumados. Damnation é altamente indicado para quem gosta de todas as vertentes do rock.

Tributo ao Iron Maiden: SESC Porto Velho, 13 de abril de 2011

2011-04-19T09:47:00.001-03:00

Quando o pessoal do site Metal RO me informou que estava organizando um show-tributo ao Iron Maiden em parceria com a escola de música Sol Maior, fiquei imaginando se o evento daria certo. Falo isso porque, nos finais de semana quando eventos de heavy metal acontecem aqui em Porto Velho (Rondônia), a presença do público é meio escassa; aliás, como acontece em diversos lugares do Brasil. Porém, nesse caso o que aconteceu foi totalmente o contrário.

Hugo Borges, colaborador do Metal RO e vocalista do projeto, solicitou-me um artigo a respeito das canções que seriam executadas no dia. O texto deveria conter informações sobre as músicas, os álbuns, curiosidades da época e qualquer outro tipo de dado interessante. O conteúdo desse artigo seria utilizado em um folder e também comentado durante os intervalos das músicas. Esse foi o diferencial entre o evento e um show qualquer de uma banda cover: o caráter informativo e de divulgação. Por mais que o Iron Maiden hoje em dia não careça mais de tanta divulgação, muita gente não conhece diversos aspectos da história da banda, emprestando grande validade ao espetáculo.

Muitos conhecem as músicas, apreciam e admiram a banda, mas desconhecem vários assuntos relacionados, mesmo informações mais simples, como de qual disco são determinadas faixas. Muito disso se deve ao modo com o qual as pessoas têm acesso à música hoje em dia. Quando alguém faz o download de um disco, muitas vezes não conhece nem a capa do mesmo. Também existem aqueles que inserem as músicas em uma lista de reprodução enorme, colocam no modo shuflle e ficam escutando. Desse modo, a pessoa acaba conhecendo todas as faixas, mas não a unidade de um álbum. Não consegue identificar a diferença entres as fases e a evolução do grupo ao longo dos anos. Acredito que o evento tenha sido importante não apenas para passar informações, mas também para tentar incentivar esses fãs a se aprofundarem na história que envolve não só o Iron Maiden, mas as bandas em geral.

Como o tributo era para a Donzela de Ferro, perguntei para Hugo se seria adequada uma exposição com material da banda. Tanto ele quanto os outros organizadores gostaram da idéia, então me prontifiquei a fazê-lo. Como colecionador, gosto de conhecer o acervo de outras pessoas, de obter detalhes que normalmente não conseguiria sozinho, conversar sobre os discos e suas particularidades e, principalmente, falar de música. Algumas pessoas enxergam essa intenção de mostrar uma coleção como algo exibicionista, mas quem coleciona e se identifica com tudo aquilo que citei logo acima entende o real motivo disso.

Apesar da falta de espaço e tempo para organizar tudo, acredito que a intenção de tentar incentivar as pessoas a olhar o disco físico como um objeto que vale a pena deu certo. Quando falo “disco” estou me referindo a qualquer mídia que um artista utilize, como CD, LP, compacto, DVD, revistas e memorabília em geral. Não foram poucas as perguntas que respondi a respeito de diversos itens e de como adquirí-los, mas o que mais me chamou a atenção é o fato de que poucas pessoas dessa nova geração tiveram acesso ao LP. Com diversos itens mais interessantes, foi surpreendente a quantidade de pessoas que queriam ver os antigos bolachões. A impressão que dá é a de que esse formato é visto como algo curioso que remete a “épocas distantes”. O modo que os LPs foram admirados me lembrou uma visita de estudantes a um museu com peças da Antiguidade. O espanto era grande quando eles viam que os discos mais recentes também tinham versões em LP.

Público mostrando interesse

Muita gente perguntou se os itens estavam à venda e ficou surpresa pelo fato de alguém ter interesse em colecionar e se dedicar a tudo isso. Mas acho que pelo menos uma semente foi plantada em cada um daqueles que se interessaram pelo acervo. Conheço e sei de diversas coleções muito maiores e mais abrangentes que a minha, mas acho que pelo menos a finalidade da exibição foi atingida.

A banda em ação

Não posso deixar de parabenizar a banda que executou todas as músicas com o esmero que os clássicos do Iron Maiden merecem (ouça aqui uma amostra do que foi tocado com "Die With Your Boots On"). O público lotou o teatro do SESC e ficou sentado como se estivesse assistindo a uma peça teatral. Tenho certeza que o objetivo desse evento foi alcançado e abriu oportunidades para que outros mais venham a acontecer.

Review Exclusivo: " Eu vi o Iron Maiden de perto em Belém"

2011-04-08T10:18:00.000-03:00

Por Jairo Granado

Revisão e comentários finais por Fernando Bueno

O dia 1º de abril de 2011 ficará marcado na minha vida como o dia no qual realizei um sonho: estive em um show do Iron Maiden. Não foram somente quatro meses de espera, desde o dia em que fiquei cinco horas em pé, em uma madrugada de dezembro, aguardando na frente de um shopping center para comprar o ingresso no primeiro dia de venda. Essa espera ocorre desde 1982, quando, aos sete anos de idade, escutei o disco The Number of the Beast que minha irmã havia comprado.

O Iron Maiden foi e ainda é a trilha sonora da minha vida, mas sempre imaginei que nunca conseguiria vê-los ao vivo. Cresci deitado na frente de um aparelho de som, com os fones de ouvido e lendo os encartes dos discos, imaginando como seria maravilhoso se eu pudesse presenciar um show da minha banda preferida.

Ed Force One, o avião particular do Iron Maiden, pilotado por Bruce Dickinson

Mas esse dia chegou. Eu e meu brother Fernando Bueno chegamos ao local do show antes das 16 horas e a fila já era enorme. Chuva torrencial, todo mundo molhado, mas feliz em estar vivendo esse momento histórico na capital paraense. O único ponto negativo desse dia foi a péssima organização da Bis Promoções e Eventos. Não havia ninguém da produtora para organizar e orientar os fãs, ficamos dentro de uma vala com lama cobrindo nossos tênis e várias pessoas aproveitaram a falta de fiscalização para furarem a fila. Acho que a produtora, acostumada a trazer a Belém os Parangolés e Restarts da vida, deve ter imaginado que headbanger não é gente, só pode ser isso.

Depois de entrarmos no Cidade Folia (local do show), continuava sem acreditar que, dentro de poucas horas, meus ídolos estariam na minha frente. A noite começou com a abertura da banda paraense Stress, pioneiros no metal nacional, que fizeram a galera cantar seus grandes clássicos. O baixista e vocalista Roosevelt Bala estava visivelmente emocionado, fato que eu e Fernando comprovamos quando conversamos com ele no final do show. Grande show e um merecido reconhecimento para o Stress.

Iron Maiden em ação no palco de Belém.

Com poucos minutos de atraso, começou a ecoar a gravação de "Doctor Doctor" do UFO e a galera foi ao delírio, já que todos sabem que essa é a deixa para o início do show. O espetáculo iniciou com a longa introdução da música "Satellite 15... The Final Frontier", e confesso que foi angustiante esperar. Não consegui ver a entrada do Nicko McBrain atrás da bateria, mas de repente surgiram Adrian Smith, Dave Murray, Janick Gers e Steve Harris. Não acreditava naquilo. Estava bem perto de Adrian e Dave e confesso que meu coração quase saiu pela boca. De repente vejo um cidadão correndo, dando um salto e caindo de pé em minha frente. Era Bruce Dickinson, a poucos metros de mim. Até o final da primeira música e durante toda a segunda, "El Dorado", não fiz nada além de olhar para os caras e me perguntar se aquilo realmente estava acontecendo. Para aumentar ainda mais meus batimentos cardíacos, Steve Harris se aproximou e apontou o baixo para frente, como nos vídeos que cresci assistindo.

Ouvir Bruce Dickinson gritando "scream for me Belém" e a banda tocando "2 Minutes to Midnight" foi maravilhoso. O show seguiu com mais duas músicas do disco novo, "The Talisman" e "Coming Home", que serviram para que eu recuperasse o fôlego. "Dance of Death" ao vivo é maravilhosa. O que dizer da sensação em ver Bruce Dickinson com a bandeira do Reino Unido cantando "The Trooper"? O show seguiu com "The Wicker Man" e "Blood Brothers", dedicada por Bruce aos fãs do Japão, como já havia feito em todos os shows após a tragédia em terras nipônicas. A melhor música do disco novo não faltou: "When the Wild Wind Blows". Ainda tivemos "The Evil that Men Do" e "Fear of the Dark", quando eu perdi minha voz definitivamente. Encerraram a primeira parte com a clássica "Iron Maiden", quando outro sonho foi realizado: ver Eddie de perto.

Conferindo o Iron Maiden pela primeira vez

Após uma pequena espera, o bis começou com "The Number of the Beast". Não aguentei e chorei, agradecido por estar vivendo aquele momento. "Hallowed Be Thy Name" foi magnífica e o final com "Running Free" me deu a sensação de estar na gravação do álbum Live After Death (1985).

Esperei 28 anos para ver de perto meus ídolos, e desde o dia do show não paro de pensar em cada momento que vivi naquele 1º de abril. Dia que ficará marcado para sempre na minha vida como um dos momentos mais importantes de todos. Banda perfeita, show perfeito, mas com uma organização que poderia ter sido muito melhor. Quem sabe da próxima vez a produtora aprenda com os erros? Torço por isso. Up the Irons!

Set list:

1. Satellite 15... The Final Frontier

2. El Dorado

3. 2 Minutes to Midnight

4. The Talisman

5. Coming Home

6. Dance of Death

7. The Trooper

8. The Wicker Man

9. Blood Brothers

10. When the Wild Wind Blows

11. The Evil that Men Do

12. Fear of the Dark

13. Iron Maiden

Bis:

14. The Number of the Beast

15. Hallowed Be Thy Name

16. Running Free

Comentários por Fernando Bueno

Quando escolhi Belém para assistir o show dessa turnê brasileira, não havia pensado, nem lembrado, que esse seria a primeira apresentação da banda na cidade paraense. Mesmo na fila - aliás, fila é um modo muito simpático para chamar aquela aglomeração desordenada - fiquei pensando que, se for feito um levantamento de todas cidades do mundo onde o Iron Maiden já tocou, é possível que essa lista seja a mais extensa entre todas as bandas que já fizeram turnês mundiais.

Lista de cidades compreendidas na primeira parte da turnê

Estive no show de 1998 no estacionamento do Anhembi (São Paulo). Quem foi lembra da chuva que caiu durante a apresentação do Helloween. Foi um dilúvio, mas confrontada com a que caiu na sexta feira passada, a chuva de São Paulo é comparável a uma garoa. Não ficaria surpreso se alguém dissesse que quem rotulou São Paulo como a terra da garoa foi um paraense. Os ingleses do Iron Maiden, acostumados ao chá das cinco, foram apresentados à famosa chuva das cinco de Belém.

Achei a escalação do Stress a mais acertada dos últimos tempos para a abertura de bandas importantes em terras brasileiras. Claro que o fato do grupo ser da cidade ajudou, mas acredito que ninguém merecia tanto essa oportunidade. Conversando com Roosevelt Bala após o show, deu para ver que o cara estava muito feliz com o que tinha acabado de ocorrer. É claro que não posso deixar de elogiar a performance da banda, que foi ótima.

Veterano, mas ainda emocionado

O show do Iron Maiden em si não teve surpresas. Hoje em dia nós sabemos previamente a sequência das músicas e que a banda não costuma mudar o set list de show para show. Penso que a apresentação do sexteto é como uma peça de teatro. Tudo programado e roteirizado. A diferença é que a atuação é sempre em altíssimo nível.

Muitos reclamam dessa falta de supresas, no entanto penso que ela é normal. Afinal, mesmo que o Iron Maiden tenha tocado diversas vezes em várias cidades pelo mundo, muita gente que vai a um desses shows está fazendo isso pela primeira vez, como foi o caso do Jairo, e a banda atende perfeitamente a esses fãs. O resultado disso é que o grupo tem uma renovação de fãs invejável em relação a muitos outros artistas.

O material do novo disco, The Final Frontier (2010), ficou ótimo ao vivo. Foram cinco músicas do álbum entre as desesseis que foram executadas. É uma porcentagem grande, mas depois da turnê focada em clássicos dos anos 80, essa escolha em abordar o material mais recente é natural.

Grande show como sempre, e que venham muitos outros!

Small Faces - Ogdens' Nut Gone Flake [1968]

2011-03-19T11:23:00.001-03:00

A psicodelia inglesa veio um pouquinho depois da americana, e foi certamente influenciada por ela, na segunda metade dos anos 60. Fato é que, por volta do ano de 1967 foi o ápice da psicodelia na Inglaterra com o lançamento de discos como o clássico Pet Sounds (1966) do The Beach Boys, o eleito por muito como o melhor disco de todos os tempos Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967) dos The Beatles, o controverso Their Satanic Majesties Request (1967) dos Rolling Stones, o album de estréia do Pink Floyd, The Piper at the Gates of Dawn (1967), do blues psicodélico do Cream em Disraeli Gears (1966), só para citar alguns…

O Small Faces também já tinha feito um álbum que marcou a transição do rhythm’n blues para o psicodelismo em Small Faces de 1967, mas foi em Ogdens’ Nut Gone Flake que a coisa pegou (o termo Ogdens’ também é grafado como Ogden’s em diferentes edições do álbum). Cabe aqui um comentário sobre o nome da banda. Em discos, singles e sites diversos encontramos o nome da banda como The Small Faces ou só Small Faces. Sinceramente até hoje não consegui definir o correto e vou usar o nome sem o "The".

Contando com Ronnie Lane (baixo e voz), Steve Marriot (guitarra e voz principal), Kenny Jones (bateria) e Ian McLagan (teclados e voz) o Small Faces gravou um álbum que será lembrado eternamente. Na época eles tinham assinado a pouco tempo com o selo do empresário dos Stones, Andrew Oldham, a Immediate, e foram incentivados por ele a aumentar a abrangência de seu som e desenvolver as idéias que tinham.

Capa de uma coletânea da banda à frente de um simbolo da cultura mod,
que também chegou a ser utilizado pelo The Who em Quadrophenia

A intenção de fazer um álbum conceitual veio durante um passeio de barco pelo Rio Tâmisa sob a influência de diversos tipos de psicotrópicos. Porém na época, The Who, The Pretty Things e The Beatles entre outros tinham lançado ou estavam na iminência de lançar seus próprios discos conceituais. Como nenhum dos componentes foi estudante de artes, como eram os componentes dos grupos citados, essa história de ter de imaginar um conceito e desenvolvê-lo não seria fácil, mesmo sendo estimulados por substâncias químicas. Então a solução foi fazer um disco meio conceitual, meio com músicas independentes.

O álbum abre com a instumental “Ogdens’ Nut Gone Flake”, que mostra bem o que será o álbum, principalmente na segunda parte do mesmo. É construída através de um teclado com efeitos de wha-wha tocado por Marriot acompanhado de um piano tocado por McLagan. Na sequència vem a sensacional "Afterglow” (também chamada de “Afterglow (Of Your Love)”), que apesar de ser rotulada por Steve Marriot com “apenas uma canção boba de amor” é considerada por muitos o melhor trabalho de dele nos vocais, ou “uma resposta insolente à Otis Redding”, como disse Mick Farren.

Com acordes simples acompanhados de palmas inicia a calma “Long Agos and Worlds Apart”, que não se não é um dos destaques ao menos faz uma boa transição. Entre “Afterglow” e a excelente “Rene” cheia de bons backing vocals. Fala de uma “mulher da vida” que um dia ensinou algumas coisas para Marriot. É o tipo de música que pode se arrastar por muito tempo ao vivo com um final propício para diversas improvisações. Na sequência vem “Song of a Baker” com guitarras distorcidas, bateria se destacando e novamente um ótimo trabalho de voz de Marriot.

“Lazy Sunday”, foi o primeiro single, falava de alguns vizinhos de Steve, mas a maior curiosidade dela é que ele canta a música no que ele mesmo diz ser a canção que mais parece sua voz natural, exceto que o sotaque cockney foi um pouco exagerado propositalmente devido ao teor da letra. A intenção de se cantar assim foi de tentar ficar o mais diferente possível dos cantores pop americanos. A música se parece muito com as canções infantis exceto pelo solo de mellotron.

Ao longo do lado B do LP, a narração da história ficou a cargo de Stanley Unwin, que era um comediante e um editor de livros inglês. Unwin foi o responsável pelo lançamento de um dos maiores clássicos literários do século 20, O Senhor dos Anéis. Ele pagou o filho de dez anos para ler o texto que Tolkien tinha mandado para publicação e, após um relatório positivo, publicou o livro. A seguir tem um vídeo com apenas a narração completa que aparece no álbum, sem as músicas.

O conceito do (meio) álbum surgiu a partir de Ronnie Lane que olhando para a lua, provavelmente no período crescente ou minguante, ficou perguntando-se onde estava escondida a outra metade. Assim nasceu a história do personagem Happiness Stan que procura pela outra metade da lua em uma alegoria à vontade que todos temos de completar nossas vidas cheias de frustrações, preocupações, etc. Happiness Stan apaixona-se pela lua e de repente alguém some com a metade dela ou ela é comida pelo tempo. Porém de uma hora para outra a metade aparece de novo, como se ela tivesse vida. O nome Stan veio do nome do pai e do irmão mais velho de Ronnie.

Logo no início e após a introdução de Stanley Unwin já podemos perceber que teremos uma história a ser contada com a melodia parecida com as de desenhos animados antigos em “Happines Stan”. Mesmo sendo uma história a parte musical é bem interessante. “Rollin’ Over” é um hard rock padrão se considerarmos a época que foi lançada. A fantástica “The Hungry Intruder” em que Marriot arrasa novamente. A seguinte é a psicodélica “The Journey” na qual sabemos como é voar nas costas de um mosquito gigante. “Mad Jonh” é um folk rock de primeira e “Happy Days Toy Town” que, segundo alguns críticos, é como se os Beatles estivessem tocando "Always Look on the Bright Side of Life" do grupo de comediantes inglês Monty Phyton.

Relançamento recente em LP

O álbum ficou seis semanas em primeiro lugar nas paradas, tempo considerado longo e na época era um feito que só os Beatles conseguiam. Os singles de “Lazy Sunday” e “Afterglow” ficaram no número 2 e 36, respectivamente. Foi lançado em um box de metal circular simulando uma lata de fumo. Dentro da lata havia algumas sugestivas folhas de seda. Por ser uma embalagem cara foi relançada ainda na forma circular, mas dessa vêz em papelão, em formato gatefold, como os discos normais. O próprio nome do álbum foi uma paródia para Ogdens’ Nut-Brown Flake uma marca de fumo produzida desde 1899. Em CD foi lançado algumas vezes em formato simples, mas em 2006 saiu uma latinha circular contendo três discos sendo que um tem a versão em stereo, outro a versão em mono e o terceiro é um documentário sobre a gravação do disco daquela série Classic Álbuns.

Em 1969 Marriot surpreende todo mundo e se desliga da banda dizendo que não estava contente com o direcionamento musical do grupo e não poderia mais contribuir musicalmente. Steve Marriot já estava frustado desde o lançamento de Ogdens’ Nut Gone Flake por não conseguir executar ao vivo uma obra prima de estúdio. Na verdade apenas uma vez o disco foi completamente tocado ao vivo e em um programa da BBC chamado Colour Me Pop. Marriot seguiu a vida juntando-se a Peter Frampton no Humble Pie. O resto do grupo trouxe Rod Stewart e Ron Wood (futuro guitarrista dos Stones) e, aproveitando a mudança, resolveram também encurtar o nome da banda para Faces.

Lucifer Was - Underground and Beyond [1997]

2011-03-15T16:26:00.000-03:00

Nós que gostamos de garimpar bandas esquecidas dos anos 60, 70 e 80 temos diversos exemplos de grupos que não tiveram o devido reconhecimento ou até mesmo não tiveram reconhecimento nenhum. Isso se deve a inúmeros fatores como falta de grana, escolhas erradas, má gestão ou simplesmente falta de sorte. Muitas dessas bandas surgiram, tocaram, compuseram músicas e nunca sequer conseguiram gravar um disco. Esse é o caso do Lucifer Was.

Para aqueles que ficaram curiosos de como eles chegaram nesse nome incomum para batizar a banda vou tentar resumir a história. No início a banda se chamava Ezra West, nome retirado da literatura inglesa do mesmo modo que aconteceu com Jethro Tull e Uriah Heep. Porém a pronúncia do nome sempre confundia as pessoas e isso os aborrecia bastante. Cansados de tentar explicar a origem desse nome trocaram-o para Lucifer. Independentemente das pessoas acharem esse nome adequado ou não para uma banda já haviam algumas (!) com o mesmo nome nos EUA e na Alemanha e isso também causava confusão. Sem decidir por um nome definitivo, enquanto não pensavam em outro e tendo em mente que Lucifer não seria mais utilizado, a resposta que começaram a dar para a pergunta “qual o nome da banda?” era a mesma: “Era Lucifer”, ou, em inglês, Lucifer Was. Assim acabaram adotando esse nome.

O Lucifer Was tocou junto por anos no início da década de 70 em seu país de origem, a Noruega. Chegaram a participar de alguns festivais e tiveram um relativo sucesso no underground do norte da Europa. Tocavam tanto por lá que Jan Ødegård, tecladista, ficou cansado e resolveu sair, ocasionando precocemente o fim da banda.

Durante essa época, entre 1970 e 1974, eles apenas gravaram algumas fitas demos que eram apresentadas para gravadoras, produtores e empresários, porém elas foram, durante um bom tempo, apenas recordações de bons momentos e nostalgia para seus componentes. Um dia, em meados dos anos 90, Einar Bruu, baixista, voltou a ouvir aquelas fitas e se surpreendeu com a qualidade das canções. Depois disso ele contatou todos os antigos companheiros para fazerem alguns shows em bares e ensaiar para bancar a gravação de um disco. Todos toparam menos Jan Ødegård. Assim a formação que gravou Underground and Beyond foi: Thore Engen (guitarras e voz), Dag Stenseng (flauta e voz), Anders Sevaldson (flauta e backing vocals), Einar Bruu (baixo) e Kai Frilseth (bateria).

Foto do Lucifer Was na década de 70

É difícil rotular o som do Lucifer Was. Eles constam em listas de bandas prog, hard e até heavy metal. Notem que a banda possui dois flautista ocasionando talvez a única banda que tem duelo de flautas à exemplo do que faziam as bandas de hard rock setentista e metal dos anos oitenta com as guitarras. Em muitos casos as flautas e guitarras se revezam na melodia da canção o que também faz com a banda tenha uma sonoridade única, como é o caso de canções como as pesadas “Scrubby Maid” e Teddy’s Sorrow.

Em “Song for Rings” novamente as guitarras dividem a melodia com as flautas folks, que por sinal é o estilo adotado para esse instrumento em praticamente todas as suas intervenções.

Vale lembrar que as músicas foram compostas durante o início dos anos 70 e a gravação ocorreu em 1997. Assim a sonoridade é um pouco diferente das bandas setentistas devido aos instrumentos, efeitos e gravações modernas que foram utilizadas, mas o clima da época das composições está todo lá. Seria interessante que as fitas demos que foram guardadas por Einar Bruu fossem lançadas à critério de curiosidade como bônus do disco.

“Out of the Blue” tem uma levada bem cadenciada e a melodia de flautas com acompanhamento da guitarra casou perfeitamente. No Lucifer Was não é comum a utilização de uma base de guitarra para acompanhar a principal, mas o expediente foi utilizado nessa canção, como também em “Light My Cigarette”. As músicas no geral são curtas, fugindo um pouco das característica da época. A mais longa é “The Green Pearl” com seus pouco mais de seis minutos. É Black Sabbath puro. Basta você imaginar que Tony Iommi está sendo acompanhado por Ian Anderson – fato que já aconteceu em um curto período em que Iommi abandonou o Sabbath e se juntou ao Jethro Tull. Tem como introdução a sequência de acordes de “The Hall of the Moutain King” do compositor clássico Edvard Hagerup Grieg, que por sinal é conterrâneo dos músicos do Lucifer Was.

Seguindo temos a sombria “Tarabas” que lembra novamente o Black Sabbath, principalmente no riff após o solo. Também em “Tarabas” Thore Engen canta de uma forma que poderia ser definido como um pré-gutural, diferente do modo que cantou em outras do álbum. Com “Fandango” voltamos clima que todo fã de classic rock e hard rock setentista adora, o mesmo acontecendo em “Asterix”, que fecha o álbum. “Fandango” tem a guitarra sem distorção apenas acompanhando as vozes, que por sinal fazem um ótimo trabalho nessa canção tanto nas estrofes quanto no excelente refrão. Temos também dois solos de flautas que caracterizam os duelos citados anteriormente. Forte candidata à melhor do álbum.

O peso volta em “The Meaning of the Life” com um riff pegajoso e um acompanhamento bem simples nas estrofes. O riff é acompanhado nota por nota pela flauta dando uma sonoridade bem característica para a banda. “In The Park” tem um início que parece alguma banda da NWOBHM ou até mesmo de uma banda de Thrash Metal da Bay Área, mas depois volta para o habitual, apenas mantendo o peso da guitarra em um ótimo riff sabbathiano. Para essa música o solo de flauta é acompanhado por uma guitarra sem distorção, apenas com um pouco de efeito. Porém quando a guitarra faz o solo a distorção volta com tudo.

Foto (não tão) atual da banda que excursiona hoje

A capa sinistra de Underground and Beyond não é clara, mas parece um anjo à frente da entrada de um túnel. Lembra muito as imagens de capas e fotos atuais das bandas de black metal norueguesas.

Depois do relativo sucesso do lançamento desse disco eles fecharam contrato com a Record Heaven e gravaram em 2000 o segundo álbum chamado In Anadi’s Bower, porém com Anders Sevaldson deixando a banda durante as gravações. Quatro anos depois foi a vez de Dag Stenseng abandonar o barco durante as gravações de um álbum, o terceiro, chamado Blues From Hellah, que foi seguido por The Divine Tree em 2007 e The Crown of Creation em 2010.

Na ordem: In Anadi's Bower, Blues Frem Hellah, The Divine Tree e The Crown Creation

A formação desde 1997 sofreu diversas mudanças e hoje excursiona com nove integrantes (quatro deles convidados), sendo apenas Thore Engen e Einar Bruu remanescentes. A partir do segundo disco a voz ficou a cargo de Jon Ruder, um vocalista com mais recursos que Thore Engen. Essa adição de vários músicos, inclusive de Jon Ruder, ampliou os horizontes dessa banda que no início poderia ser definida apenas como uma mistura de Black Sabbath com Jethro Tull, hoje é bem mais difícil definir. The Crown of Creation, por exemplo, tem adição de mellotron, violinos, teclados marcantes e até uma orquestra completa utilizada em estúdio (a Kristiansand Symphony Orchestra), que faz juz à opinião daqueles que os definem como uma banda de progressivo. Assim, com cinco discos gravados até então, temos uma discografia completa gravada durante os últimos treze/quatorze anos de uma banda que ficou hibernada no severo inverno norueguês durante mais de vinte anos.

Vale muita a pena ir atrás....

Spock's Beard - Snow [2002]

2011-03-04T12:29:00.000-03:00

Após cinco ótimos discos o quinteto resolveu lançar seu mais audacioso disco e, como todos sabem, no rock progressivo isso significa muito trabalho, longa duração e, de preferência, um conceito a ser explorado durante todo o álbum. Assim sendo, a história concebida para ser contada é a de um rapaz de cidade pequena, que vai viver em uma das maiores cidades do mundo, Nova York. O álbum conta a história desse rapaz e de suas experiências na cidade. Logo após o lançamento do disco o vocalista do grupo resolveu que seu caminho devia ser trilhado sozinho e deixou seus antigos companheiros. No seu lugar, ao invés de trazer alguém de fora resolveram com uma solução caseira; promover o cara que normalmente menos aparece no palco a líder da banda, isto é, o baterista resolveu cantar.

Essa história é muito conhecida dos fãs de progressivo dos anos 70. O Genesis havia lançado alguns ótimos álbuns e logo após The Lamb Lies Down On Broadway, o lendário Peter Gabriel resolveu sair para uma boa carreira solo, deixando o posto para Phil Collins. Porém, essa história também serve para descrever exatamente do mesmo jeito a história de um outro grupo progressivo, o Spock’s Beard. Após cinco álbuns e já tendo conquistado certo espaço entre os fãs do estilo, seu vocalista, que também tocava algumas partes de teclado, Neal Morse, “encontrou Deus” logo após a gravação de Snow e resolveu sair da banda. Para o seu lugar como cantor foi escolhido Nick D’Virgilio, então baterista do próprio Spock’s Beard, que ainda conta com Alan Morse (guitarra), Ryo Okumoto (teclado) e Dave Meros (baixo).

Formação na gravação de Snow: Dave Meros,
Nick D' Virgilio, Ryo Okumoto, Neal Morse e Alan Morse

Com a saída de Neal Morse a banda continuou com sua sonoridade vinculada ao progressivo, mas agora de uma maneira mais acessível, seguindo a linha de bandas como Marillion e The Flower Kings. Os discos continuaram muito bons, em especial X, de 2010. Mas este artigo tem a intenção de falar sobre esse que para muitos é o melhor disco da banda, e que também sofreu diversas críticas que serão citadas no decorrer do texto.

Antes gostaria de falar um pouco da história que é contada ao longo do disco. Como resumido anteriormente, é a história de um garoto de uma cidade pequena que vai para Nova York. Porém, esse rapaz possui algumas características em especial. Ele nasceu dentro de uma família de trabalhadores rurais que tinham apenas o trabalho e a religião como ocupação. Porém, mesmo com poucos afazeres, e muito devido a isso também, é difícil para ele conviver com as pessoas da sua comunidade, de se envolver e se relacionar. Muito disso se deve ao fato de ele ser albino, fazendo com que as pessoas que o conhecem passassem a chamá-lo de Snow (neve) – “the working man's son, with skin like white lightning, and eyes like two shots from a gun”.

Para aumentar ainda mais seu isolamento entre as pessoas com que vive, ele possui o dom especial de saber o que as pessoas sentem. Assim ele conhece todas as mentiras e as indecências das pessoas. Porém, ele guarda esse segredo até se tornar um adolescente.

Após uma experiência espiritual, cuja natureza não fica clara no decorrer do álbum, ele decide deixar sua família para ir à Nova York, afinal é para lá que todo mundo quer ir. Então ele começa a passear pela cidade, olhando, checando, avaliando tudo e todos com os olhos inocentes de um garoto que nunca tinha estado em um lugar como esse e tinha poucas experiências realmente interessante na vida.

Nessas suas andanças ele conhece um rapaz, que na história é chamado de Harlem Knight, um garoto negro que o leva para um show de strip tease. Nesse momento descobre-se que Snow também tem poderes de cura. Knight e Snow começam a curar e converter pessoas de má índole que habitam a cidade. Os dois então criam uma organização chamada “The Touch That Heals”. Passam-se dois anos com as coisas indo muito bem e Snow se torna cada vez mais famoso, chegando à capa da revista Time. Porém, com o sucesso, seu ego começa a atrapalhá-lo.

No disco dois a história conta que ele conhece uma garota chamada Carie, que muda toda sua vida, fazendo-o cair em profunda depressão. Mas seu poder de ver os desejos das pessoas não o ajuda com Carie. Na verdade não é dito na história que seus poderes não funcionam com Carie, mas isso fica implícito. Porém, esse detalhe é utilizado por aqueles que julgam que a história do álbum é fraca. Na visão dessas pessoas, essa é uma informação importante e deveria ficar clara, ou então há um erro de continuidade da história. Mas seguindo o enredo, certo dia ele toca Carie, cai em transe e se vê andando nas ruas da cidade, bêbado e à beira da morte. Tendo essa visão, sua vida começa a desmoronar e Snow perde todo o respeito que tem das outras pessoas. A visão se torna realidade.

O final da história é um pouco confuso, com seu amigo Knight levando-o para um hospital, onde Snow volta à vida. Não sabemos se ele curou-se sozinho ou se foi Deus que assim o fez. Na verdade, tenho a impressão que Neal Morse deixou essa lacuna para que o ouvinte tire suas próprias conclusões. A parte engraçada é que, durante a história, Snow vai assistir a um show do Spock’s Beard, fato relatado na canção chamada “Ladies and Gentlemen, Mister Ryo Okumoto on the Keybords”.

Esse é um resumo da história contada ao longo dos dois discos de Snow. As convicções religiosas de Morse já se mostram bem claras em algumas passagens. É uma boa história? Cada um deve ter seu próprio julgamento. As críticas que li baseiam-se na opinião de que é pouca história para um disco tão longo. Eu acho interessante e considero o conceito desse álbum como uma mistura de The Lamb Lies Down on Broadway (Genesis) com Tommy (The Who).

Na parte musical temos um excelente disco com várias músicas de destaque. O primeiro CD é visivelmente superior ao segundo, mas sempre que ouço o álbum tento fazê-lo por completo, e após um longo tempo é natural que a concentração se perca. Tenho que ouvir mais vezes só o segundo CD para absorvê-lo melhor. Também temos o fato de que ao longo do álbum diversas passagens musicais são repetidas, trazendo unidade para o álbum em si, mas isso acaba fazendo com que algumas passagens do segundo álbum já não sejam novidade, apesar de muito boas. Esse é um tipo de expediente muito utilizado pelas bandas de progressivo em álbuns conceituais.

Os maiores destaques do disco são: “Stranger in a Strange Land”, “Welcome to NYC”, a linda “Open Wide the Flood Gates” e “All Is Vanity”. Também há duas Overtures na abertura de cada CD que são excelentes, iniciando perfeitamente ambos os discos.

Formação atual: sem Neal Morse

Mas o destaque maior vai para “Long Time Suffering”. Conheci a banda por meio dessa canção, em meados de 2003, e tinha a intenção de escrever esse texto como uma matéria para a coluna do Mairon Machado, “Maravilhas do Mundo Prog”. Ela não é longa como todas as músicas citadas na coluna, mas é maravilhosa. Seu instrumental no início lembra fortemente algumas canções de Yes e Emerson, Lake and Palmer, mas se engana quem acha que vai encontrar nessa faixa apenas viagens sonoras. A frase de guitarra no início é de emocionar qualquer um. Harmonia, melodia e emoção dosadas perfeitamente com um certo apelo pop que poderia até tocar nas rádios, inclusive possuindo um grande refrão. Esse é o tipo de música que qualquer um vai gostar, independente de que subestilo do rock a pessoa aprecie, e ouso dizer que em muitas músicas o Spock's Beard consegue isso. Há uma mudança no andamento, mas sem ser brusca como costuma acontecer no progressivo, um solo com perceptível improviso, com um efeito não usual, e uma seção de voz a cappela nos moldes do que o Gentle Giant fez maravilhosamente nos anos 70, com várias vozes cantando coisas diferentes. Até agora, para mim, é a melhor música dessa banda que possui diversas ótimas canções distribuídas em todos os seus dez álbuns.

A barba de Spock (Spock's Beard)

É uma pena saber que, depois de um lançamento tão bom, a banda se separou, ainda mais por questões religiosas que não deviam ser entraves para nenhuma forma de arte. Neal Morse lançou, após um tempo, alguns discos solo não tão bons, contendo apenas alguns momentos interessantes, mas participou (e ainda participa) do Transatlantic, supergrupo do progressivo atual, que conta com Mike Portnoy (bateria, Dream Theater), Pete Trewavas (baixo, Marillion) e Roine Stolt (guitarra, The Flower Kings). O Spock’s Beard, como já disse, teve alguns outros discos que fazem juz ao material antigo e não comprometem a carreira que se seguiu. Juntamente com o Porcupine Tree o grupo lidera a onda do rock progressivo atual. Vale a pena dar uma chance para a banda.

Uma introdução ao Rock Progressivo Italiano - Parte II

2011-02-28T15:43:00.000-03:00

Depois de ter indicado cinco álbuns para se iniciar no rock progressivo italiano, apresento esta segunda parte com mais cinco discos importantes e bastante representativos do estilo. O critério utilizado para a escolha dessas obras será apresentado no decorrer do texto. Porém, com o intuito de adicionar informações contidas na primeira parte serão citadas mais algumas características próprias da cena e das bandas italianas. Para quem não leu a primeira parte clique aqui.

A Itália no começo dos anos 70 era um caldeirão efervescente de músicos, idéias e, como comentado anteriormente, de divergências políticas. Os partidos de esquerda estavam se levantando contra os de situação e havia muitas manifestações pelas ruas. Alguns desses partidos organizavam comícios, e uma forma de atrair público, especialmente o público jovem, era o de contar com apresentações musicais. Esses comícios duravam horas, e se pareciam muito com os festivais. A diferença é que no lugar de algumas bandas existiam discursos. Com isso muitos desses músicos acabaram sendo relacionadas à certos partidos, mesmo quando não partilhavam dos mesmos conceitos. A intenção dos grupos era estar presente, e o espaço oferecido não podia ser desprezado.

Bandas de outros países se apresentavam frequentemente na Itália, como o King Crimson, que certa vez literalmente fugiu do palco por causa de manifestantes políticos, e o Van der Graaf Generator. Essa última tinha um sucesso tão grande na Itália que teve o seu disco Pawn Hearts (1971) figurando na primeira colocação da parada italiana durante muitas semanas, além do fato de seu líder, Peter Hammil, ser tratado com extrema adoração pelos italianos. É realmente surpreendente conhecermos essas informações, afinal nem mesmo na Inglaterra isso era possível. Algumas bandas faziam mais turnês na Itália do que na Inglaterra ou qualquer outro país simplesmente porque seus shows na península itálica lotavam, diferente do seu país natal.

As bandas italianas tinham o costume de utilizarem mais de um tipo de teclado na mesma música e durante os discos. Além do mellotron, do hammond, do moog e outros, o piano e o órgão também eram empregados a serviço da criatividade dos músicos, muitos deles multiinstrumentistas. Era normal o baterista ir para o teclado, ou para algum instrumento de sopro, e o mesmo acontecia com guitarrista, baixista, etc. As guitarras como são usadas no rock não eram tão evidentes, sendo substituídas pelo violão ou mesmo pela própria guitarra sem efeito algum. Cabe aqui comentar sobre a utilização das flautas. Todas as bandas que utilizam esse instrumento são logo relacionadas com o Jethro Tull, mesmo que seu som não seja em nada parecido com eles. Depois de ouvir o RPI essa associação acaba. Já que quase todas as bandas fazem uso das flautas, assim como de vários outros instrumentos de sopro.

A cena italiana era tão grande na época que talvez esse seja exatamente o motivo de seu rápido declínio. Com um grande número de bandas lançando material, outras estrangeiras fazendo shows e também lançando discos, os italianos tinham que fazer um esforço enorme para conseguirem um lugar ao sol. O público do país também tinha que fazer um esforço tremendo, principalmente financeiro, para ficar por dentro das novidades. Imagine-se um fã de rock progressivo no começo dos anos setenta com os mesmos interesses que você tem hoje. Ou seja, você gosta de várias bandas inglesas além das italianas, eventualmente algumas alemães e uma francesa. Com todos esses grupos lançando discos uma vez ao ano, imagine a grana que você teria que gastar para adquirir e ouvir tudo isso. Temos que ter em mente que na época nem fitas cassete existiam, então se você fosse escutar algo tinha que ser do LP ou das rádios. Bandas novas dificilmente tocavam nas rádios, e, além do mais, o início da década de 70 foi talvez a época mais prolífica da história do rock em geral. Concluindo, para uma banda nova era muito difícil conseguir gravar um disco, e muito mais difícil ainda conseguir ganhar dinheiro com isso.

Então, finalizando essa introdução e considerando o parágrafo anterior, cito agora cinco discos de bandas que por todos os motivos descritos acima lançaram apenas um álbum durante o período de ouro do RPI. Falo desse período porque algumas delas até lançaram um segundo álbum depois de muitos anos, mas isso se deve ao sucesso tardio que essas obras tiveram, fazendo com que os músicos se reunissem novamente para fazer alguns shows para prestar tributo a esses discos e eventualmente gravar um novo. Algumas dessas reuniões, que ocorreram somente a partir dos anos 90, foram feitas ainda com poucos componentes originais. Menção honrosa ao Alphataurus e ao Campo Di Marte que lançaram em 1973 discos homônimos, mas como tinha que escolher apenas cinco discos, esses tiveram que ficar de fora.

Biglieto Per l'Inferno – Biglieto Per l'Inferno [1974]

Bastante diverso o universo sonoro do Biglieto Per l'Inferno, que significa "bilhete para o inferno". Apesar do nome, não têm ligação alguma com o lado do mal, tendo sua letras relacionados a temas sociais e psicológicos. Musicalmente eles vão da calmaria para a tempestade em poucos segundos, mas de uma maneira tão natural que impressiona, assim como a habilidade musical dos componentes. Eles chegaram a gravar um segundo álbum em 1975 chamado Il Tempo Della Semina, mas que não foi lançado na época, saindo em CD apenas em 1992. A curiosidade é que, após a separação em 1975, Claudio Canalli, voz e flauta, foi viver como um monge em um monastério na região da Toscana. Como muitas bandas, eles retornaram há poucos anos, com uma formação de nove (!) componentes, sem Claudio Canalli, e estão fazendo alguns shows, gravaram um álbum ao vivo em 2005 e um terceiro álbum Tra l'Assurdo e La Ragione (2009).

Buon Vecchio Charlie – Buon Vecchio Charlie [1972]

A banda se separou logo após a gravação do disco, certamente por falta de apoio para a promoção do álbum. Todos os componentes continuaram carreiras artísticas, sendo que três deles, Luigi Calabrò (guitarra), Rino Sangiorgio (bateria) e Paolo Damiani (baixo) formaram o Bauhaus (não confundir com o grupo britânico de gothic rock) que abusava ainda mais da influência de Miles Davis que já aparecia ao longo de todo esse álbum. O disco inicia com "Venite Giù Al Fiume" usando uma melodia já utilizada por Lucifer's Friend e Helloween de um clássico da música erudita chamado "In the Hall of the Mountain King", de Edward Grieg, que prepara para uma jam muito interessante. "All'Uomo Che Racccoglie I Cartoni" tem tantas mudanças de andamento que pode confundir um ouvinte menos interessado e acostumado, mas após algumas audições o prazer é garantido.

Semíramis – Dedicato a Frazz [1973]

O título desse disco, que significa "dedicado à loucura", descreve muito bem o som que sai das caixas de som ou dos fones de ouvido, dependendo de como você costuma ouvir suas músicas. O uso de instrumentos variados é a tônica do álbum, sendo que o que mais chama atenção é o xilofone, além dos sintetizadores, como por exemplo na faixa "Uno Zoo di Vetro". Quando descobri que foi gravado por adolescentes e que Michele Zarillo, guitarrista e vocalista, na época tinha apenas dezesseis anos, fiquei impressionado. "Per Una Strada Affollata" tem uma passagem de guitarra, baixo e sintetizadores muito legal, fazendo com que você torça para que a música não acabe nunca. Mas os dois maiores destaques são "Dietro Una Porta di Carta" e "Frazz". Porém, esse é um álbum difícil de assimilar. É preciso um pouco de insistência para isso. É bom estar bem habituado à sonoridade do estilo.

Maxophone – Maxophone [1975]

A banda foi formada em 1972, mas só conseguiram lançar esse disco três anos depois, já estando o grupo dissolvido. Foi também gravado em inglês, mas nunca ouvi essa versão. O disco inicia e você tem a impressão de que pegou um disco de algum pianista clássico até a entrada das guitarras distorcidas, mas logo depois a música volta à calmaria novamente com Alberto Ravasini cantando com o piano ao fundo e à medida que o tempo vai passando os outros instrumentos vão ficando mais nítidos em uma das canções mais bonitas do RPI, "C'è Un Paese Al Mondo". "Fase" tem uma introdução que lembra as bandas de hard rock do fim dos anos sessenta com um riff bem cadenciado, mas não se engane, a faixa, que é instrumental, se torna um jazz rock bem criativo com algumas influências clássicas. A parte das guitarras lembra um disco solo de Jan Akkerman do Focus. O uso de diversos instrumentos é uma constante durante todo o álbum e a impressão que nos dá é que as influência estrangeira é mais evidente na banda do que em outras da Itália. Esse disco rivaliza muitas vezes com o Zarathustra como o melhor disco de prog italiano. Para falar a verdade eu mesmo gosto mais dele.

Museo Rosenbach – Zarathustra [1973]

O Museo Rosenbach é um fenômeno. Mesmo com apenas um disco lançado na época, é uma lenda entre os admiradores do RPI. Esse disco é frequentemente citado como o melhor do gênero e é obrigatório para todos aqueles que se interessam pelo estilo. Zarathustra é um álbum conceitual influenciado por Nietzsche. Foram muito criticados e até perseguidos por acharem que o disco fazia alusão e apoio ao facismo. Como não entendo muito de italiano não posso opinar em relação à isso e ainda não encontrei um "letras traduzidas" do álbum. A capa também é criticada pelo mesmo motivo. Como toda obra muito conhecida e cultuada, sempre aparece alguém para falar mal. Certa vez li que esse disco não passava de rock normal com adição de mellotron, o que é pura bobagem. A faixa de abertura, "Zarathustra" é divida em várias partes e tem muitas características floydianas, que me lembram muito "Atom Heart Mother". No LP a faixa título tomava todo o lado A com seus vinte minutos de duração. Chama a atenção, principalmente em "Della Natura" o trabalho de bateria de Giancarlo Golzi, muito parecido com o que Carl Palmer fazia, com diversas viradas e variações. "Dell‘Eterno Ritorno" apresenta Stefano Lupo Galifi cantando de uma forma agressiva, o que não é normal no RPI. Aos que se interessarem e quiserem adquirir o LP, já adianto que os valores que encontrarão são um pouco salgados. Esse é um caso no qual um relançamento com uma boa remasterização traria felicidade para muita gente.

King Diamond - The Eye [1990]

2011-02-16T18:24:00.001-03:00

Podemos nos referir a King Diamond como o vocalista com maquiagem demoníaca, que canta em falsete e usa uma cruz feita de ossos como base para seu microfone, ou podemos falar sobre a banda como um todo. Claro que é muito mais representativo falar do vocalista dinamarquês, afinal o grupo leva seu nome artístico, mas acredito que isso diminuiria o trabalho dos outros músicos integrantes, principalmente de um guitarrista fantástico chamado Andy LaRocque. Todos os outros componentes da banda ao longo dos anos foram mudando, mas o cerne do grupo é essa dupla. Antes de falar sobre o disco que é tema deste artigo eu gostaria de deixar registrado o quanto considero Andy LaRoque um guitarrista excelente, porém injustiçado e quase sempre esquecido. Além do seu ótimo trabalho com o King Diamond, Andy também foi membro durante um tempo de outra grande banda, o Death de Chuck Schuldiner, gravando o álbum Individual Thought Patterns.

Andy La Rocque em foto atual de seu site oficial

The Eye é um clássico disco conceitual do King Diamond. Em sua carreira solo, o vocalista deixou de lado o satanismo que era o tema principal de sua ex-banda, o Mercyful Fate, para se dedicar a contar histórias de terror. Apenas dois de todos seus discos solo não são totalmente conceituais, a saber, Fatal Portrait (1996) e The Spider’s Lullabye (1995). Porém, mesmo esses álbuns ainda possuem algumas músicas ligadas entre si.

A história de The Eye gira em torno de um colar conhecido como “O Olho da Bruxa”, ou simplesmente “O Olho”. Esse objeto tem poderes que permitem mostrar o passado para quem o usa e também causar a morte de quem o olhar diretamente. O álbum abre com “The Eye of the Witch” que apresenta ao ouvinte o colar e suas características. A canção foi o único single lançado do disco.

Depois disso temos “The Trial (Chambre Ardente)”, que conta o julgamento de Jeanne Dibasson, uma suposta bruxa. O tribunal é comandado por Nicholas de La Reymie, chefe da Chambre Ardente, ou Câmara Ardente, que nada mais é que o órgão da Inquisição Francesa. A música na verdade é um diálogo entre o investigador e a mulher. O clima da canção, com seu riff pesado e arrastado, combina perfeitamente com o diálogo e os eventos que ocorriam realmente nesse tipo de caso de suspeita de bruxaria. No álbum todos os nomes dos personagens que são apresentados são descritos como reais, como mostra o texto, traduzido, abaixo:

“As partes principais das histórias narradas

neste álbum são, infelizmente, verdadeiras

e ocorreram durante a inquisição francesa,

entre 1450 e 1670. Todos os personagens seguintes

são reais e pertencentes àquela época.”

Como todos sabem, esses julgamentos na época praticamente tinham um fim certo, a execução da bruxa. É o que descreve a música seguinte. Com seu sugestivo título, “Burn”, conhecemos então o destino de Jeanne Dibasson, o mesmo destino de diversas pessoas durante o período de inquisição na Europa. Uma particularidade da Inquisição Francesa é que, diferentemente da Espanhola e da Portuguesa, quem fazia a investigação eram juízes de direito. Depois de julgada, aí sim a pessoa era passada para a igreja, a fim de receber sua punição. Mas é claro que isso era apenas uma mera formalidade.

Um representação de um tribunal de inquisição "trabalhando"

“Two Little Girls” faz a conexão entre a história de Jeanne Dibasson com a parte restante do disco. Teclados sinistros acompanham a voz de King Diamond ao narrar a cena de duas meninas que estão brincando em um local onde as bruxas eram queimadas, quando encontram um colar no meio das cinzas. As duas garotas brigam pela posse dele e uma delas, ao olhar fixamente para o objeto, morre. Não há referências a isso, mas é coerente pensar que a garota que ficou com o colar é Madeleine Bavent, personagem central da segunda parte da história, que acontece em um convento em Louviers, que fica no norte da França. A segunda parte da história inicia-se com “Into the Convent” (não confundir com “Into the Coven”, clássico do Mercyful Fate) que conta a história da freira, Madeleine, que era forçada pelo padre Pierre David, capelão do convento, a participar nua de um ritual chamado por ele de “comunhão”. Em um dos dias do ritual ela resolve colocar o colar e padre David morre ao olhar para ele. “Into the Convent” é musicalmente uma das melhores do álbum, destaque para os guitarristas, que detonam nessa música.

O convento não pode ficar sem um capelão, então padre Mathurin Picard (ou “Father Picard”, nome da faixa) é o novo encarregado. Rapidamente ele escolhe quatro freiras que vão participar com ele de uma “comunhão” (sim, novamente a tal comunhão). Mas as freiras começam a ser controladas por padre Picard por meio de um pó branco que ele adiciona no vinho que elas ingerem durante o ritual, deixando-as sem lembranças e sem vontade própria. Na próxima canção, “Behind These Walls”, Madeleine começa a ter alguns flashes e lembrar-se vagamente de alguns acontecimentos dessa comunhão e fica se perguntando o que acontece atrás desses muros do convento.

O Rei Diamante se preparando para um show

O mistério é desvendado na faixa seguinte, “The Meetings”. O que acontece é nada mais nada menos um ritual de sacrifício de recém-nascidos que são crucificados por dois padres e quatro freiras, todos liderados por Picard. Nessa hora nos lembramos do texto em que diz que os eventos contados no álbum são verdadeiros. Sinistro...

Seguindo, temos uma música instrumental chamada “Insinity”. Belo arranjo de violões, acompanhando um solo cheio de melodia e muito bonito. Após acompanhar a história sinistra que estávamos conhecendo, essa música serve para aliviar a tensão da descoberta que tivemos ao saber dos bebês e da crucificação. Também prepara o ouvinte para o desfecho da história. Todos os que participavam dos rituais foram presos, é o que conta “1642 Imprisonment”. O solo no final dessa música é o mais fantástico do disco. Madeleine Bavent, agora presa, sente-se mais livre libertando-se do inferno que era sua vida.

O disco encerra com “The Curse” que tem o objetivo de fechar a história dizendo que o poder do “Olho” vai sempre continuar. Como na primeira faixa a pessoa estava voltando ao passado, podemos dizer que agora ela está retornando ao presente e assim acaba a história deste que é o meu disco preferido do King Diamond. Talvez eu goste dele até mais que dos discos do Mercyful Fate.

O instrumental dos discos do King Diamond são sempre marcantes. Os músicos que o acompanharam ao longo da sua carreira sempre foram de altíssimo nível. Lembro-me de uma entrevista com Mikkey Dee, atual baterista do Motörhead, dizendo que era muito exigido nos shows devido à intensa variação rítmica e à dificuldade de execução das músicas quando era baterista do King Diamond.

Pete Blakk, Hal Patino, King Diamond, Snowy Shaw e Andy La Rocque

Acompanhavam King Diamond na época, além de Andy LaRocque, Pete Blakk na outra guitarra, Hal Patino no baixo e Snowy Shaw na bateria. O baixista acompanhou a carreira de King Diamond ao longo desses anos, ficando fora apenas durante sua saída no fim de 1990 até 2000. Snowy Shaw tocou em várias bandas ao longo dos anos 90, entre elas Memento Mori, Dream Evil e Mercyful Fate, mas o curioso é que de um tempo para cá ele deixou as baquetas para se dedicar aos vocais, além de também tocar guitarra eventualmente. Em 2006 ele gravou o álbum Gothic Kabbalah, da banda Therion. Em agosto de 2010 ele foi anunciado no Dimmu Borgir, mas um dia depois voltou para o Therion. Pete Blakk saiu logo após gravar esse álbum por problemas com drogas e hoje tem uma banda com Hal Patino chamada Disaster Peace.

Contracapa do album

Adquiri esse disco por volta de janeiro de 1992. Na época tinha treze anos de idade e aquela imagem da contra capa com uma mulher sendo queimada viva me deixava vidrado. Sempre tive prazer em ler desde pequeno. Comecei a ler livros com a famosa “Coleção Vagalume”, e imagino que muitos iniciaram com eles também. Então, depois de adquirir esse disco, ir traduzindo-o aos poucos e conseguir entender um pouco da história, a palavra “inquisição” ficou gravada na minha mente. Li tudo o que encontrei sobre o assunto e hoje em dia a época da história que mais me agrada é a Idade Média, certamente influenciado por tudo isso.

Uma Introdução ao Rock Progressivo Italiano

2011-02-14T09:32:00.000-03:00

O chamado rock progressivo ficou conhecido mundialmente a partir de inúmeras bandas clássicas como Yes, Genesis, King Crimson, Pink Floyd, Gentle Giant, Van der Graaf Generator, Emerson Lake and Palmer e muitas outras. Quando se fala em rock progressivo é muito provável que essas bandas citadas sejam as primeiras que venham à mente de todos, exceção feita apenas entre aqueles que sentem orgulho de só gostar de grupos obscuros. Porém, além do reconhecimento, esses nomes citados têm outro ponto em comum, a sua nacionalidade britânica.

É inegável que o rock progressivo da Grã-Bretanha seja o mais conhecido entre todos os amantes do estilo, uma vez que os medalhões são todos de lá. Isso também acontece com muitos dos subgêneros do rock. Porém a palavra que usei foi “conhecido”, pois para uma parcela dos fãs a vertente preferida vem de outro país, a Itália. Se existiu alguma outra nação que pôde na época confrontar os ingleses em termos de número e qualidade de bandas de rock progressivo, esses eram os italianos.

No final dos anos 60 a Itália ainda não tinha tradição dentro do rock em geral. O clima político no país era pesado, já que a influência da ala esquerdista nos assuntos internos estava se tornando muito grande. Alguns grupos extremistas foram responsáveis por uma série de violentos ataques e desordem, em um período que ficou conhecido como “Anni di Piombo”, ou Anos de Chumbo. Essa turbulência política teve influências nos direcionamentos artísticos de diversas áreas. Os jovens estavam desejando mudanças e esse desejo atingiu dos compositores populares até alguns estudantes de conservatório, para ficarmos apenas na seara musical. O rock foi absorvido à cultura do país e logo se tornou símbolo de protesto do mesmo modo que aconteceu em diversos outros países.

Aqueles que começarem a ouvir o rock progressivo italiano vão perceber logo no início que o estilo é cheio de nuances e peculiaridades e, no fim das contas, que a música desses grupos é o resultado de música clássica tocada como rock, diferente das bandas inglesas, como o Yes, que faziam o contrário, ou seja, tocavam rock à moda da música clássica. Outro modo de dizer é que na Itália foi o rock que influenciou o clássico e não o contrário. Outro ponto característico é o fato da música ter um grande caráter nacional, com elementos barrocos e também uma enorme influência das óperas.

Na primeira audição o ouvinte não acostumado notará imediatamente outra peculiaridade, o idioma italiano. Sempre quando apresento alguma banda de RPI para alguém, a questão da língua é a primeira a ser comentada. Todos os fãs de rock estão habituados ao inglês e muitos não escutam música em outras línguas. Comparações como “não há samba em alemão ou japonês, do mesmo modo que rock tem que ser em inglês” são muito comuns. Para aqueles mais bitolados, talvez esta seja a maior barreira a ser vencida para se tornar um ouvinte do prog italiano, mas um pouquinho de cabeça aberta vai ajudar a vencer todos esses obstáculos.

Este texto é endereçado para aqueles que ainda não são familiarizados com o gênero. A ideia é ajudar o interessado a conhecer e saber por onde iniciar. E nada melhor do que começar pelas bandas mais importantes. Afinal, elas são importantes acima de tudo pela sua qualidade musical. Dentre os inúmeros grupos desse país existem três que podem ser chamadas de “a santíssima trindade do rock progressivo italiano”, do mesmo jeito que o Deep Purple, o Led Zeppelin e Black Sabbath são frequentemente conhecidas como a “santíssima trindade do rock”. Essas bandas são: Premiata Forneria Marconi, Banco Del Mutuo Soccorso e Le Orme.

Nesta primeira oportunidade para falar a respeito do assunto, listarei cinco álbuns dessas três grandes bandas que serão um ótimo cartão de visitas para essa vertente musical tão importante. No futuro poderemos enveredar por outros caminhos, outras bandas menos conhecidas, porém também importantes, além daquelas mais obscuras que fazem a cabeça de todo entusiasta. Não posso deixar de falar que a intenção não é listar os cinco melhores discos do estilo e sim bons álbuns para iniciar-se, conhecer as bandas e certamente começar a se aprofundar. Espero que essas dicas sejam aceitas por muitos e já aviso, esse é um caminho sem volta, uma vez fã não há como deixar de sê-lo.

Premiata Forneria Marconi – Storia de Um Minuto [1972]

Esse foi o primeiro álbum que escutei de RPI. Foi um enorme choque para mim apesar de na época eu já ouvir muito rock progressivo, mas estava acostumado com os discos dos medalhões britânicos. A sonoridade, o som focado mais nas melodias do que em riffs, os silêncios no meio da música e principalmente a voz foi o que me chamou a atenção. Mesmo estranhando, em um primeiro momento é impossível não reconhecer a boa música feita pela banda. “Impressione di Settembre” é talvez a música que define o progressivo italiano com suas viagens de mellotron. “Dove...Quando... (Parte 1)” é mais leve e calma enquanto “Dove...Quando...(Parte 2)” é totalmente jazzística da mesma forma que "Grazie Davvero", que é a música mais difícil de se ouvir num primeiro momento. “É Festa” lembra um pouco “Hocus Pocus” dos holandeses do Focus. E para quem gosta de King Crimson e Genesis do início de suas carreiras vai gostar de “La Carrozza Di Hans". Excelente disco para começar a jornada no RPI.

Le Orme – Felona e Sorona [1973]

Álbum conceitual sobre dois planetas gêmeos Felona e Sorona que ficam nos extremos do cosmos para manter o equilíbrio do universo. Viagem? Pode ser, mas a viagem musical que ajuda a contar essa história é o que vale a pena. O trio é baseado nos teclados fazendo as comparações com o ELP um tanto óbvias. Até a presença das guitarras é utilizada em poucas passagens, assim como nos discos dos ingleses. O final do disco tem um gran finale maravilhoso. Talvez o som do disco pudesse ser um pouco melhor. Às vezes parece que ele é magrinho, mas é perceptível que trata-se nada mais do que falta de uma gravação, uma produção ou até de um estúdio melhores. Mas isso não atrapalha a audição dessa que é uma das obras primas do RPI. Esse disco foi também regravado em uma versão em inglês (Felona and Sorona) e o responsável pela tradução e adaptação foi nada menos que Peter Hammil do Van der Graaf Generator, que na época era tratado como messias na Itália. Porém, se você puder escolher, ouça na língua original. A versão em inglês não ficou tão boa quanto a italiana.

Banco Del Mutuo Soccorso – Darwin [1972]

Já li um crítico falar que encontra nesse álbum a melhor mistura entre a complexidade e beleza musical. Dentre as três bandas citadas aqui, essa é a que menos gosto, e para ser sincero é a que menos conheço também. Por outro lado, considero esse disco o melhor já feito no estilo. Eu falei que “Impressione di Settembre” do PFM define o estilo, mas “L’Evoluzione” é provavelmente a melhor música feita por uma banda italiana entre todos os estilos. Quase 14 minutos de teclados maravilhosos, guitarras delirantes e a voz fantástica de Francesco DiGiacomo. Falando dos teclados, podemos identificar um pouco de Emerson Lake and Palmer em algumas passagens, mas a originalidade da banda é notável, estão longe de ser meras cópias. Escutem “750.000 Anni Fa....L’Amore” e “Miserere Allá Storia” e se deliciem com a dramaticidade da voz e percebam porque eu disse no início do texto que as bandas italianas têm influencia de ópera. Disco fantástico, mas se alguém se interessou e nunca ouviu o RPI sugiro começar por algum dos discos do PFM e aí sim ouvir esse.

Premiata Forneria Marconi – Per Un Amico [1972]

Esse disco, junto ao Storia Di Un Minuto e L’Isolda Di Niente são os preferidos dos fãs do Premiata Forneria Marconi. Possui uma variação que vai dos violões acústicos e guitarras limpas a passagens pesadas de mellotron, isso sem esquecer das flautas, pianos, violinos e outros instrumentos. Aliás, é uma característica de várias bandas no RPI o fato de seus integrantes serem multiinstrumentistas. Foi lançado no mesmo ano que Storia Di Un Minuto e é mais complexo que este primeiro. “Apenna Un Po” tem influências claras de Emerson Lake and Palmer e Gentle Giant enquanto “Il Banchetto” assemelha-se muito aos trabalhos de voz de Crosby, Stills, Nash and Young. Um ano depois eles regravaram algumas músicas desse álbum juntamente com algumas do primeiro para o álbum Photos of Ghosts, cuja tradução foi feita por Peter Sinfield, que na época era letrista do King Crimson. Porém, não se trata de apenas uma simples tradução, mas de praticamente uma nova criação, matando o espírito das músicas segundo alguns. Na audição dessas músicas em inglês chama a atenção o sotaque carregado na interpretação dos italianos.

Le Orme – Elementi [2001]

Depois de muitos anos parados, a banda voltou em 1996 com um disco fraco chamado Il Fiume, mas em 2001 eles gravaram um disco que certamente faz jus ao material lançado nos anos 70. Porém, eles não se copiaram ou tentaram manter uma fórmula. Fizeram um disco moderno, com efeitos modernos, mas com o clima dos melhores discos do RPI setentista. Elementi fala dos quatro elementos: água, fogo, terra e ar. As 14 músicas do álbum são divididas em quatro partes, cada uma delas falando de um desses elementos. Cada parte possui uma identidade, mas quando você ouve o disco todo percebe que ele tem uma unidade incrível. Algumas melodias são repetidas em várias músicas apenas com variação do tempo ou ritmo, expediente muito utilizado no progressivo em geral, principalmente em álbuns conceituais. O resultado dessa unidade entre as músicas é certamente proposital, afinal temos que levar em consideração que o disco fala sobre os quatro elementos que, segundo os pesquisadores antigos, eram a base de todas as outras coisas da terra. Então a unidade entre os elementos, e no caso as músicas, deveria ser esperada. Resumindo, é o melhor disco de RPI lançado depois de 1979.

Iron Maiden: Álbuns em edições especiais em LP

2011-01-31T10:39:00.000-03:00

Com a popularização do CD no começo da década de 90, o LP começou a sofrer um processo de perda de espaço. Porém, durante algum tempo, os dois tipos de mídias ainda eram vendidos paralelamente, sendo o CD vendido por cerca do dobro do preço do LP, e a diferença de valor entre eles dava uma noção do status que cada uma tinha à época. Afinal, o CD era novidade e vinha com a promessa de melhor qualidade de som. Aqui no Brasil, depois de algum tempo, a produção de LPs foi totalmente abandonada, fazendo com que muita gente focasse o interesse apenas nos CDs.

Mundialmente, o vinil também perdeu espaço, porém, essa diferença não fez com que ele deixasse de ser produzido em alguns países. Algumas bandas internacionais nunca deixaram de lançar seus álbuns em vinil, porém, para chamar a atenção, esses lançamentos tiveram que apresentar algum diferencial.

A Matter of Life And Death

O Iron Maiden, assim como muitas bandas, lançou vários discos de vinil durante os anos 80 com algum tipo de apelo junto aos colecionadores e curiosos, como os picture discs e os shaped discs em seus singles e EPs. Alguns álbuns também foram lançados em vinil colorido e até mesmo alguns em picture, porém essa não era a regra. Os últimos discos “comuns” da banda lançados foram Fear of the Dark (1992), A Real Live One (1993) e A Real Dead One (1993).

Rock in Rio - Edição com bandeira do Brasil estilizada

Na época do lançamento de The X-Factor (1995), primeiro álbum de estúdio sem Bruce Dickinson nos vocais, o CD já tinha tomado conta do mercado. Porém, o álbum também foi lançado em LP, mas aqui se dá o início de uma prática que mudaria o modo dos lançamentos de álbuns em vinil da banda. O álbum é duplo e transparente (ver foto principal da matéria). Nada muito diferente, afinal a banda já tinha lançado alguns vinis transparentes. A diferença é que, nesse caso, não houve o lançamento “normal”, ou seja, essa foi a única versão. O segundo álbum com o Blaze Bayleu nos vocais – Virtual XI (1998) – foi a única exceção para esse novo tipo de lançamento (dizem que é necessário uma exceção para confirmar uma regra).

Virtual XI - O mais fraco até entre os lançamentos especiais

A partir daí, todos os álbuns, tanto os de estúdio quanto os ao vivo e coletâneas, foram lançados também em vinil com edições especiais. Todos esses itens tiveram muito capricho para o seu lançamento. Os LPs são lindos e os encartes são muito bem feitos e aí entra o ponto que eu gostaria de discutir. Será mesmo que quem compra esses itens são aquelas pessoas que querem apenas o vinil? O Iron Maiden sempre foi ótimo na questão comercial, então eu vejo que esse tipo de lançamento é feito essencialmente para os colecionadores, para aqueles caras que não tem só o LP, mas tem também o CD e, possivelmente, em mais de uma versão. Claro que vez ou outra o cara põe o bolachão para tocar, mas duvido que essas pessoas utilizem mais os LPs do que os CDs. Claro que existem os mais aficcionados por LPs, mas mesmo entre os colecionadores a parcela é pequena.

Edward the Great (acima) e Death on The Road - Mesmo

as coletâneas e os discos ao vivos mereceram uma edição especial

Outro detalhe que tem que ser levado em consideração é o fato de os vinis comportarem apenas cerca de 45 minutos de música. Já os CDs podem armazenar cerca de 74 minutos. Isso quer dizer que uma banda pode gravar quase 30 minutos a mais para os lançamentos de seus CDs. O Iron Maiden, nos útlimos discos, está tendo o costume de utilizar praticamente o tempo todo disponível no CDs e isso exige que todos os LPs lançados sejam duplos, o que não era normal nos lançamentos das bandas nas décadas de 70 e 80. Muitas pessoas dizem que a música atual tem uma qualidade menor, já que os discos se tornaram mais longos e, assim, muita coisa gravada pelas bandas é para ocupar espaço, não havendo a escolha só das partes mais interessantes na hora de composição e finalização das músicas. Mas isso é assunto para outra hora...

Bon Jovi x Skid Row: Amizade, confusão e alta qualidade musical

2011-01-21T16:43:00.000-03:00

Em 1982 um rapaz estava batalhando para conseguir ser alguém no mundo da música. Ele conseguiu um emprego no estúdio de gravação que era de propriedade de um primo – na verdade esse primo era apenas um dos sócios do estúdio. O nome do local era Power Stations Studios, que ficava na cidade de Nova York. Trabalhando e tendo a oportunidade de vivenciar o dia a dia de um estúdio ele conseguiu gravar algumas demos, tendo a ajuda de músicos do próprio estúdio, e entregar uma delas para John Lassman que então trabalhava na estação de rádio chamada WAPP 103.5 FM.

Essa história é conhecida por muitos amantes da música, e todos que a conhecem sabe de quem estou falando: Jon Bon Jovi, ou John Bongiovi, seu nome verdadeiro. O que muita gente não sabe é que após o sucesso da canção, a saber "Runaway", Jon iniciou uma procura por membros para uma futura banda, afinal como dito acima os músicos que a gravaram inicialmente eram apenas de estúdio. O guitarrista que inicialmente acompanhou a banda foi Dave Sabo, um antigo amigo de infância de Jon. Pouco tempo depois Sabo foi substituído por Richie Sambora, que já tinha falhado em uma audição para ser guitarrista do Kiss. A saída de Dave "Snake" Sabo foi totalmente amigável inclusive ambos entraram em acordo que se um dia um deles fizesse sucesso ajudaria o outro em futuros projetos.

Jon Bon Jovi no início de carreira

Uma curiosidade em relação a essa época, principalmente para quem é ligado em rock progressivo: o primeiro executivo que notou a banda recém formada foi Derek Shulman, ex-integrante da monstruosa banda Gentle Giant, que já estava extinta na época. Essas músicas chegaram a ser lançadas, a contragosto de Jon, em um CD chamado The Power Station Years.

Capa do CD The Power Station Years

O baixista que gravou “Runaway”, single que foi veiculado nas rádios nova-iorquinas e que deu a chance de sucesso para o cantor, foi Hugh McDonald, o mesmo que mais tarde substituiu Alec Jonh Such, quando este saiu da banda por problemas até hoje debatidos entre os fãs, após o lançamento da coletânea Cross Road. Porém, apesar de sempre creditado nos discos que gravou com a banda, Hugh nunca foi considerado um componente oficial.

Muitos se perguntam por que chamar uma banda com o nome de um dos integrantes, já que a mesma não era um projeto solo. O nome Bon Jovi foi sugerido por uma empregada de Doc McGhee, empresário do grupo, que se baseou numa então famosa banda de dois nomes próprios, o Van Halen.

O Skid Row foi formado alguns anos depois por Dave Sabo e o baixista Rachel Bolan. O nome da banda foi adquirido comercialmente de outro conjunto numa ação inédita até os dias de hoje. O Skid Row original era irlandês e gravou dois álbuns no início da década de 70 e é famoso entre os fãs de Hard Rock setentista pricipalmente por ter tido como integrante o guitarrista Gary Moore, que anos depois integrou o Thin Lizzy. O valor do negócio do nome da banda foi de 35 mil dólares.

Skid Row em sua formação inicial

Quando Sebastian Bach entrou para o Skid Row, o material do primeiro disco estava quase que completamente pronto. Mesmo assim um dia depois de entrar na banda ele tatuou "Youth Gone Wild" em seu braço direito. Isso acaba confundindo muita gente achando que ele teria participado das composições.

O Skid Row assinou com a Atlantic Records e isso se deveu a uma enorme influência que Jon Bon Jovi e seu empresário tinham na gravadora. Eles gravaram o primeiro disco em janeiro de 1989 e logo sairam em turnê com o próprio Bon Jovi na New Jersey World Tour. Ninguem pode negar que isso ajudou a banda a vender boa parte dos milhões de cópias que esse disco vendeu.

Richie Sambora com o Skid Row

Muitos dizem que Jon Bon Jovi deu também uma mãozinha na composição do material do primeiro disco, inclusive uma declaração sua em uma revista dizia: "Por cerca de um ano e meio nós (Jon e Richie) escrevemos músicas com eles, reescrevemos algumas coisas, pagamos por estúdio, por aluguel de carros e tudo o mais que eles precisaram...".

Talvez por tudo isso o Skid Row acabou assinando um contrato com Jon Bon Jovi e Richie Sambora. Esse contrato dava os direitos de publicidades do Skid Row para a dupla. Claro que isso foi uma resposta por todos os favores recebidos. Esses fatos foram revelados depois de uma briga de Sebastian Bach com os outros componentes que acabou com uma rápida saída da banda. Com os nervos inflados ele teria dito para a imprensa sobre esse contrato. Incluse durante esse período fora da banda ele ofereceu seus serviços ao Guns n' Roses que também estavam com problemas com o seu vocalista na época. Isso aconteceu por volta do segundo semestre de 1990.

Em uma entrevista Jon disse que teve que dar um "tapinhas na bunda" de Sebastian quando esse começou a se achar a maior estrela do mundo. Após ficar sabendo dessa declaração Sebastian ligou para a revista e contou diversas coisas. Inclusive que Jon ia conversar com ele apenas quando estava acompanhado de seus irmãos e seus seguranças. E disse também "eu queria que ele conversasse comigo sozinho, afinal se houvesse uma briga quem ganharia, um peso leve fã de Bruce Springsteen ou um peso pesado maníaco por Metallica?".

Jon Bon Jovi e Sebastian Bach ao vivo

O fato é que por mais sucesso que o Skid Row estivesse tendo parecia que eles estavam sempre devendo para o Jon e Richie. Sebastian falou sobre isso também "eles têm 70 milhões na conta e ficam desesperados em pegar 2 milhões extra da gente". O resultado de tudo isso foi que o contrato foi cancelado. Talvez até pela amizade entre Jon e Dave Sabo. Inclusive dizem que Richie devolveu a porcentagem que ele tinha direito para o Skid Row. Sobre a parte que Jon recebeu ninguem sabe...

Essa é uma história de conexão entre duas bandas que teve de tudo: ajuda mútua devido à amizade, briga por dinheiro e por egos e, acima de tudo, muito sucesso musical devido à qualidade das bandas. Creio que não podemos rotular a dupla principal do Bon Jovi de mercenários, afinal tudo isso pode ser culpa dos seus assessores, nada fica claro, mas também não podemos crer que os caras do Skid Row foram inocentes e cairam num golpe, eles sabiam o que estavam fazendo. Ainda existem muitos detalhes entre tudo isso que está sendo contado, porém por falta de espaço não puderam ser incluídas. Quem quiser mais informações pode obter pelo livro “All Night Long...The True Story of Bon Jovi”.

Peço desculpas por algumas fotos, mas foi difícil achar fotos da época com uma boa imagem. Tive que tirar do livro citado.

Baladas: Sucesso e Rejeição

2011-01-11T15:48:00.000-03:00

Essa primeira década do século 21 foi a época de um grande número de “revivals” de bandas e estilos musicais, principalmente dos anos 80. Existe uma tendência cultural de se chamar os anos 80 como a “década perdida”. Porém, no âmbito musical, acho que a década perdida foi a dos anos 90. Claro que muitas bandas legais surgiram e até mesmo o grunge será lembrado futuramente como um dos movimentos musicais mais importantes da história, mas mesmo assim não dá para comparar a produção musical da década de 90 com a das duas anteriores.

Poison em 2008

Mötley Crüe em 2009

Um dos “revivals” que mais chamaram a atenção foi o das bandas de Hard Rock, mas especificamente as oriundas da Califórnia – como outras que não são de lá, mas possuem as mesmas características em seu som. Esses grupos foram também denominados como Glam Metal, com claras referências ao Glam Rock dos anos 70 devido ao visual extravagante, andrógino e até mesmo afeminado de alguns de seus componentes. Em algumas publicações também foi denominado Hair Metal, por motivos óbvios, basta dar uma olhada nas fotos da época. Porém, percebemos esse fenômeno não apenas relacionando à volta às atividades de bandas oitentistas, mas também ao surgimento de outros grupos bebendo diretamente da fonte dessas pioneiras, como é o caso das bandas de hard rock escandinavas (Crashdiet, Reckless Love e Crazy Lixx).

Quando comecei a ouvir música, além do Iron Maiden outra banda foi responsável por eu escutar rock até hoje; o Guns and Roses. Depois do GNR veio o Skid Row, o Bon Jovi, o Mötley Crüe, o Poison, etc, para ficar apenas nessa linha. Uma das características dessas bandas é que quase todas tocavam direto nas rádios, o que poderia ser bom para a imagem delas e para a captação de novos fãs para o rock and roll. Entretanto, isso acabou não acontecendo devido à escolha das músicas que eram divulgadas. Para ser mais específico, vamos lembrar aqui alguns hits dessas bandas que tocavam nas rádios no fim dos anos 80 e início dos anos 90 (clique no nome das músicas se quiser ouvi-las).

Guns and Roses: “Patience” e “Don’t Cry”

Skid Row: “I Remember You” e “Wasted Time”

Poison: “Every Rose Has Its Thorn” e “Something to Believe In”

Mötley Crüe: “Home Sweet Home”

Extreme: “Song For Love” e “More Than Words”

Warrant: “Let it Rain”

Isso sem esquecer o Bon Jovi…

Capa do Single Patience do Guns And Roses

Capa do Single Wasted Time do Skid Row

Capa do Single More Than Words do Extreme

Poderia acrescentar muitas outras a essa lista, mas acho que esse número já está suficiente para o objetivo do post. Qual é a semelhança entre todas essas músicas? Todas elas possuem os requisitos necessários para serem chamadas de baladas. As baladas resumidamente são músicas lentas, ou de andamento lento, que possuem elementos líricos sentimentais, não necessariamente amorosos.

Warrant

Por serem de fácil assimilação, até mesmo com apelo pop, muitas dessas canções caíram no gosto de todo mundo, inclusive das irmãs, primas, amigas, vizinhas e até das mães de muitos headbangers. Esses caras tinham tudo para gostar dessas bandas, mas devido à uma característica intrínseca a muitos headbangers, todas as bandas citadas, incluindo as outras similares, foram execradas. Essa característica citada é a inexplicável aversão que muitos fãs de música mais pesada têm quando uma banda faz sucesso. Todo mundo conhece alguém que fala algo do tipo “essa banda é boa, mas virou moda e ficou ruim”, ou “eu não gosto disso porque até toca na rádio”. Esse tipo de sentimento que muitos headbangers têm é incompreensível, já que todos reclamam que os diversos estilos de música pesada não têm espaço na mídia, mas quando conseguem é porque a banda ficou pop e se vendeu... Vai entender...

Stryper - Hair Metal Cristão

O que também ajudou a atrapalhar o sucesso dessas bandas foi o surgimento do grunge, que pregava uma visão mais pessimista do mundo, que era bem diferente das músicas sobre mulheres, bebidas e diversão que tinham as músicas do Mötley Crüe, para citar um exemplo. O visual das bandas somente não seria suficiente para evitar que as pessoas gostassem delas. Basta lembrarmos que as roupas coladas, por exemplo, eram usadas por muita banda que todo mundo chama de “true” por aí. Ou alguém esqueceu das roupas do Iron Maiden na World Slavery Tour? Ou dos cabelos do Ozzy? Nessa época também foi cunhado o termo “rock farofa” que por ter um tom pejorativo também ajudou a afastar alguns fãs.

Mas o que essa gente perdeu foi as centenas de ótimas músicas que essas bandas produziram e ainda produzem. O curioso é que a gente vê muita gente que criticou o estilo durante anos se interessando por esse “revival”. Claro que com o tempo e a maturidade adquirida os preconceitos vão caindo por terra. Mas eu gosto muito de zoar alguns amigos quando reconhecem que o Skid Row tem muita música porrada, que são excelentes, e não só baladinhas “mela-cuecas”.

Para finalizar é necessário que se diga o óbvio, mas a fim de esclarecimentos é válido. É claro que não é só as bandas americanas de Hard Rock dos anos 80 que fazem ou fizeram baladas. Muito pelo contrário. Poderia citar milhares de músicas de sucesso com esse tipo de formato em outros estilos musicais. E dentro do rock temos bandas que são especialistas nessa seara como Scorpions, Whitesnake, Kiss, etc... Outra banda especialista nesse tipo de música é o Aerosmith, mas a impressão que eu tenho é que eles se aproveitaram do sucesso de algumas músicas assim para se dedicarem a fazer só isso, o que acabou enjoando um pouco. Até o Iron Maiden apareceu com a “Wasting Love”.

O principal é não ter preconceitos ou criar paradigmas sobre muitas bandas antes mesmo de escutá-las. É possível que muita gente continue não gostando das outras músicas dessas bandas depois de dar uma chance à elas, mas pelo menos essas pessoas poderão dizer o por quê de não gostarem ao invés de ficar repetindo “mantras” por aí...

The New Wave of British Heavy Metal - 2ª Parte: Bandas importantes

2010-11-22T10:23:00.000-03:00

Aproveitando que o assunto do blog da Collector's Rom nos últimos dias foram as listas, achei interessante fazer uma segunda parte sobre a New Wave of British Heavy Metal, a famosa NWOBHM. Depois do texto sobre o importantíssimo ano de 1980, em que apresento dez discos que criaram o caminho para o desenvolvimento do estilo, sempre achei que o assunto precisava de uma segunda parte.

Pensei em falar sobre os discos do ano de 1981, ou uma lista reunindo os anos de 1981 e 1982. Porém, achei que seria mais abrangente fazer uma lista de discos de bandas que, apesar de serem conhecidas por aqueles mais aficionados pelo estilo, não tiveram tanto reconhecimento quanto aquelas bandas que citei no primeiro texto. Ou seja, não seguirei nenhum critério temporal. Claro que esses álbuns são todos de um período bem determinado – 1980 a 1984 – mas isso é meramente uma coincidência esperada, já que estamos tratando de um estilo tão característico.

Não tenho pretensão de fazer uma lista dos dez melhores discos do estilo, nem mesmo sei se os álbuns aqui apresentados são os melhores dessas bandas - são apenas trabalhos que eu gosto muito e acho importantes. A ideia é passar uma seleção que sirva como um roteiro para aqueles que não conhecem as bandas. Também vou colocar os discos em ordem cronológica de lançamento.

Na primeira parte sobre a NWOBHM comento sobre uma certa indefinição que esses grupos tinham em seu som. Na verdade, essa indefinição só é percebida após todos esses anos, já que depois de tanto tempo estamos mais habituados a definir mais rápido o que é heavy metal tradicional e o que é hard rock. Como essas bandas tinham influências diretas da sonoridade de grupos setentistas, é natural que, apesar de tentar colocar mais peso em suas composições, o modo de tocar e compor fossem parecidos.

Lembro-me de que muitos comentaram na primeira matéria que a NWOBHM marcou uma menor influência do blues no heavy metal, e isso também foi importante.

Outro fato que eu estava notando no aprofundamento sobre a NWOBHM é que praticamente todas as bandas lançaram mais de um álbum, e muitas delas acabaram modificando o seu som para algo mais acessível. Talvez pelo simples fato de que com a enorme quantidade de grupos que estava surgindo, e com isso a grande concorrência, tornar o som mais acessível foi uma estratégia – nem sempre eficiente – de se destacar. O exemplo clássico é o Def Leppard.

É difícil encontrar bandas que tiveram apenas um disco gravado e desapareceram. Talvez a mais famosa seja o White Spirit do Janick Gers, que mereceu uma citação na matéria anterior. Isso aconteceu muito em outro movimento musical regional, o rock progressivo italiano.

Quartz – Stand Up and Fight (1980)

Esse disco não entrou na primeira lista que fiz porque senti a necessidade de incluir os trabalhos que mais geraram polêmica, mas achei que eram importantes serem citados - Micheal Schenker Group e Judas Priest.

Sabe aquele álbum que você escuta e tem certeza da sua época de lançamento? Esse é um deles. Não tem como não associá-lo automaticamente ao metal do início dos anos oitenta. Outra banda que sempre tenho esse conceito é o Quiet Riot. Apesar da sonoridade ser característica da época, a gravação é boa se compararmos com inúmeros discos do período. O baixo, por exemplo, é audível e não fica embolado.

O primeiro LP do Quartz foi produzido por Tony Iommi, com alguns backing vocals tendo sido gravados por Ozzy Osbourne, além de um solo de Brian May. Com padrinhos como esses e Stand Up and Fight como o disco seguinte, eles poderiam ter se dado muito melhor. O guitarrista e tecladista Geoff Nicholls é conhecido dos fãs do Black Sabbath, já que o mesmo saiu da banda pouco antes da gravação desse álbum para ajudar nas composições e tocar teclado no clássico Heaven and Hell. Os destaques são “Stokin Up the Fires of Hell”, a faixa título e “Can’t Say No to You”, apesar de muitos a acharem chata e longa demais.

O disco foi relançado em 2004 e é fácil de encontrá-lo no eBay a preços interessantes.

Praying Mantis – Time Tells No Lies (1981)

Todo mundo que se interessa pela NWOBHM logo dá de cara com essa banda. Seu estilo musical ainda tem muita da já citada indefinição musical que esses grupos tinham à época. É heavy metal ou hard rock? Cabe a cada um analisar e decidir.

A faixa de abertura, “Cheated” é totalmente hard rock, com refrão grudento e parte lentas. No ao vivo Live at Last, de 1990, essa música é cantada pelo Paul Di´Anno e ficou muito legal. Aliás, vários caras conhecidos já passaram pelo Praying Mantis ao longo de todos esses anos, inclusive Clive Burr e Dennis Straton (Iron Maiden), Bernie Shaw (Uriah Heep), Doogie White (Rainbow) e Gary Barden (Michael Schenker Group).

O disco tem vários hits que são tocados até hoje nos shows. Além da já citada “Cheated”, tem um cover dos Kinks - “All Day and All of the Night” -, “Running for Tomorrow”, “Flirting With Suicide” e “Panic in the Streets”. Porém, as demais faixas não citadas não ficam devendo nada para essas.

Quem se aprofundar um pouco mais irá descobrir que a história do grupo é uma verdadeira bagunça. Se você ler algum texto rapidamente não vai entender nada. Afinal, a banda até chegou a trocar de nome duas vezes.

No Japão o Praying Mantis faz muito sucesso. Seus discos são encontrados facilmente no mercado de lá. Algumas pessoas, inclusive este que vos escreve, conheceram a banda tendo contato com discos que foram gravados com a participação dos ex-integrantes do Iron Maiden, mas qualquer um desses álbuns não são tão bons quanto Time Tells No Lies, uma ótima aquisição para qualquer coleção.

Demon – The Unexpected Guest (1982)

Tenho certeza que os ouvintes tremiam quando ouviam pela primeira vez a faixa de abertura desse disco lá no início dos anos oitenta. Depois de sons sombrios, sussurros e portas rangendo ao fundo, temos o início de “Don’t Break the Circle”, que já começa direto no refrão, fazendo a gente cantar junto. Excelente música. A segunda, “The Spell”, é quase AOR, bem diferente da primeira, mas igualmente boa. Aliás, em várias faixas você vai encontrar refrões de fácil assimilação, característicos do AOR. Mas você quer metal? Então tá, escute “The Grand Ilusion” (coincidentemente o nome de um disco do Styx que abusa das passagens AOR também), “Beyond the Gates” e “Deliver Us From Evil”.

Tenho certeza que a sorte dos caras foi definida quando eles escolheram o nome Demon. A exemplo do que aconteceu com o Satan, dificilmente eles alcançariam sucesso comercial com esse nome, e sem sucesso comercial sabemos que nenhuma banda chega a ser reconhecida - porque competência eles tinham.

Apesar de serem de certo modo desconhecidos, o grupo não seguiu o caminho de vários outros, ou seja, não lançou um ou dois álbuns, se separou e depois voltou recentemente com o revival do estilo. A banda continuou, com uma mudança no som e na temática das letras e diversas modificações em seu line-up, apesar do pouco reconhecimento, até seu décimo álbum, lançado em 1992. Após isso, uma parada de quase dez anos, e aí sim um retorno para gravação de outro álbum em 2001.

Whitchfinder General – Friends of Hell (1983)

Toda vez que você ler algo sobre o Whitchfinder General vai ouvir duas coisas: uma é que eles seguiram os passos do Black Sabbath, e a outra é que eles são os precursores do doom metal. Já na audição da primeira música desse disco você vai dar razão para os dois argumentos.

Para quem já ouviu o primeiro álbum, Death Penalty (1982), vai logo perceber que este nada mais é do que uma continuação do que estava sendo feito. A impressão que dá é que eles compuseram os dois discos ao mesmo tempo e só dividiram as músicas. Os vereditos sobre qual é o melhor variam muito, mas se tiver que escolher eu fico com esse.

As opiniões sobre a faixa “Music” são muito distintas. Uns falam que é uma porcaria por ser uma tentativa de fazer uma música mais pop, outros dizem que é uma composição forte que fez aumentar a atenção para a banda. Sinceramente, acho que o destaque do disco não é esse, então acabo não tendo uma opinião formada. É legal, mas não tão legal quanto as outras.

Fico imaginando a capa desse álbum em LP. Tenho certeza que os moleques escondiam essa capa para não levarem bronca da mãe. Ambos os discos lançados pelo grupo nessa época tinham capas com mulheres seminuas sendo de alguma maneira atacadas pelos componentes da banda. A temática também devia fazer as mães “adorarem” o grupo: sexo, drogas, rock, cerveja e um pouquinho de satanismo para temperar – enfim, tudo o que os pais esperam que um adolescente ouça.

Raven – All for One (1983)

Não confundir esse disco com o One for All de 2000, que é bem fraco. Eu fazia muito essa confusão. Inclusive comprei o de 2000 achando que era o de 1983.

O Raven tinha uma apresentação bastante energética, tanto que começaram a falar que eles faziam um “athlectic metal”, que é inclusive o nome de uma das faixas do disco. Coisa de quem gosta de inventar. A banda tem como cerne os irmão Gallagher (não confundir com os irmãos Gallagher brigões do Oasis) - John, baixo e voz, e Mark, guitarras .

O som lembra muito o Accept, principalmente as guitarras. Inclusive, na edição de relançamento desse disco há um cover de “Born to Be Wild” com a participação de Udo nos vocais.

Nos álbuns de estúdio é muito perceptível a gravação de uma guitarra base para preencher mais o som. Isso não é problema nenhum, a maioria das bandas seguem esse expediente. Porém, no caso do Raven a segunda guitarra está muito na cara. Nunca ouvi a banda ao vivo, então não sei se essa guitarra fazia falta ou não.

Muito podem dizer que o melhor álbum do grupo é Rock Until You Drop (1981) ou até mesmo Wiped Out (1982), ambos anteriores a All for One, mas foi com esse disco que conheci a banda e é o que mais gosto.

O álbum abre com a porrada “Take Control”, e ao longo do LP há várias músicas que farão aqueles que gostam de metal e não conhecem o Raven se tornar emnovos fãs, como a faixa título, a densa e arrastada “Run Silent Run Deep” (que toda vez me faz lembrar e ficar com vontade de ouvir a “Running Sillent Running Deep” do Iron Maiden) e “Seek & Destroy” (não, não é um cover).

Satan – Court in the Act (1983)

Esse álbum é muito conhecido pelos fãs de heavy metal em geral, não só pelos que gostam da NWOBHM. Simplesmente define o movimento inglês. Se você quiser apresentar o estilo para alguém, esse é um ótimo início. Ouça a faixa de abertura, “Trial By Fire” (como as bandas de metal gostam das palavras “fire”, “steel”, “dark”, não é mesmo?) e comprove.

Porém, a falta de sucesso do Satan se deve pelo momento infeliz da escolha do nome, exatamente como aconteceu com o Demon. Na época de lançamento esse foi um dos discos mais extremos do movimento. Isso, somado ao nome da banda, deve ter assustado muita gente, em especial gravadoras e produtores de shows.

Sempre leio alguma coisa relacionada com uma possível má produção do álbum, mas sinceramente não vejo problema nesse caso. A sonoridade é talvez um pouco datada, mas dá para ouvir tudo certinho, guitarras, baixo, bateria e a bela voz de Brian Ross, que também é famoso por uma outra banda importante do estilo, o Blitzkrieg.

A velocidade é algo que eles prezavam. Bons exemplos são “No Turning Back” e “Break Free”, com seu longo solo de três minutos. Ouvindo o disco conseguimos identificar vários elementos que seriam usados futuramente nas bandas de thrash, power, metal melódico, etc, provando a importância do Satan.

Jaguar – Power Games (1983)

Diferentemente da capa de gosto duvidoso, o disco é muito bom. O Jaguar é um exemplo de banda que após um discaço tentou aliviar um pouco o som, parecido com o que o Def Leppard fez. Porém, nesse caso não deu certo, e o grupo acabou pouco anos depois.

Atualmente a banda está na ativa, já que o sucesso desse álbum com o pessoal que só foi conhecer o Jaguar recentemente fez com que a reunião se tornasse possível, tamanho o interesse que causa ao ouvir o disco. Depois desse retorno eles gravaram alguns álbuns que, sinceramente, não ouvi e não posso opinar.

É difícil citar os destaques, já que as músicas são todas muito regulares, mas a faixa de abertura “Dutch Connection”, “No Lies” e “War Machine”(que só tem no relançamento) talvez sejam os maiores destaques. Escutem o disco e me digam quais são as suas preferidas.

A gravação não é das melhores, mas a qualidade das músicas se sobressai a isso. Para quem ouvir e tiver o interesse em adquirir o álbum, sugiro que não o faça. Como assim?!!? Explico: sugiro que procurem Power Games: The Anthology, CD duplo que possui os dois primeiros álbuns mais os compactos que foram gravados antes do lançamento dos discos, além dos extras das edições avulsas. Vale a pena para quem não vai se interessar em ter tudo do Jaguar.

Tank – Honour & Blood (1984)

Quarto disco da banda, que possui pelo menos outros dois bons trabalhos nessa fase inicial da NWOBHM. Esse álbum me lembra muito o Running Wild. Os riffs bem marcados (que em alguns momentos também lembram Judas Priest) e, principalmente, a voz rouca de Alasdair Mackie "Algy" Ward. O Tank é uma influência para o Running Wild? Nunca li nada sobre isso. Se levarmos em consideração a questão temporal, é possível que a resposta seja sim. Ainda sobre a voz, deve ser essa diferença entre estilos que mais fez os fãs torcerem o nariz para a entrada de Dooggie White, com sua voz mais limpa, nesse último disco lançado em 2010, War Machine.

O disco abre com “The War Drag Ever On” como uma introdução de teclado que certamente foi composta por quem não é tecladista, acompanhada de uma guitarra que mostra logo de cara que os riffs cavalgados que tanto caracterizam a NWOBHM estarão presentes. De um modo geral as melodias de guitarras (gêmeas, como manda o figurino) em todas as músicas são muito legais, e tenho certeza que se fossem feitas por alguma banda mais renomada seriam ovacionadas pelos fãs. O coral do refrão da faixa título é algo que os grupos de power metal estão cansados de fazer atualmente. “W.M.L.A.” é lenta sem ser uma balada, e o refrão de “Too Tired to Wait For Love” é daqueles que demoram a sair da cabeça.

Tokyo Blade – Night of the Blade (1984)

Na minha opinião, o maior destaque desse disco é a excelente voz de Vicki Wright, que tinha acabado de entrar no grupo. Muitos vocalistas das inúmeras bandas de metal melódico que surgiram nos anos noventa certamente escutavam esse pálbum cantando junto enquanto tomavam banho. Toda vez que escuto o disco fico cantando a faixa título durante um bom tempo. Outra que faz eu lembrar do seu refrão por dias é “Lovestruck” (“Love struck, overload, I’m losing my head over you”).

A banda não teve um sucesso maior por ter inúmeras trocas de componentes e por ter gravado discos irregulares a partir de 1985. Por irregulares entendam “com a intenção de atingir o mercado norte-americano” (mais uma que foi na cola do Def Leppard). Antes disso foram três álbuns que podem ser classificados como muito bons a excelentes. Pelo menos esse em questão eu colocaria entre os melhores do estilo.

O ponto fraco é o fato de o disco de ter apenas 34 minutos de duração. Para os que conseguirem encontrar a versão de relançamento, podem usufruir de uma faixa bônus que aumenta a duração do álbum mais um pouquinho. Se você não conhece a banda ou só conhece outros discos deles, procure-o urgentemente.

Cloven Hoof – Cloven Hoof (1984)

Esse é um disco que dificilmente alguém vai falar que é imprescindível na sua coleção, porém, todas as características do estilo estão nele. Vocais e letras épicas, mudanças de tempos e bons riffs de guitarra. Tenho certeza que se você estiver ouvindo esse álbum pela primeira vez não vai ter dúvida que está escutando mais um trabalho da época de ouro da NWOBHM. Então esse é um disco que soa datado? Eu diria que sim.

Uma das coisas que o heavy metal herdou do punk nessa época foi a questão do “faça você mesmo”. Isso explica um pouco a gravação fraca de muitos LPs de bandas iniciantes. Esse é um ótimo exemplo disso. Os efeitos de distorção das guitarras não dão o peso que deveriam, mas se você fizer a ressalva que fiz acima tenho certeza que não vai se importar.

O destaque é a épica “Gates of Gehenna”, que é precedida pela faixa instrumental “March of the Damned”, tem vocais em falsete, corais ao fundo, passagens inspiradas de guitarra e um ótimo solo. Escutem o disco e me digam se faltou ou não um pouco de bom gosto em “Crack the Whip”. Talvez este seja o único ponto negativo do play. Porém, essa falha nem é lembrada devido às músicas seguintes: “Laying Down the Law”, com um refrão feito para ser tocado ao vivo, e a arrastada “Return to the Passover”.

Se é imprescindível ou não decida você mesmo, mas tenho certeza que este disco será um diferencial na sua coleção.

Árvores Genealógicas: de Yardbirds à Nirvana

2010-11-04T10:10:00.001-03:00

Todo colecionador tem suas manias de organização. Eu gosto de guardar os CDs seguindo um padrão de “famílias”. Como é isso? Vou explicar. Os CDs do Ozzy Osbourne e do Heaven and Hell são guardados juntos aos do Black Sabbath. Outro artista que guardo junto é o Dio. Já junto aos discos do Deep Purple eu coloco o Captain Beyond e o Whitesnake por exemplo.

Os motivos disso são meios óbvios afinal Ozzy e Dio foram vocalistas do Black Sabbath e Rod Evans do Captain Beyond e David Coverdale do Whitesnake foram vocalistas do Deep Purple.

Mas porque estou falando isso? Qual o motivo de eu vir aqui, encher espaço do blog e contar isso para os leitores? Bem, finalmente comprei meu primeiro disco do Rainbow (eu sei isso é vergonhoso, mas é verdade) e no início fiquei na dúvida onde guardaria o CD. Junto ao Dio ou junto ao Deep Purple. Resolvi criando mais uma pequena regra. Escolhi que usaria sempre o músico mais importante da banda para isso e, assim, coloquei o disco junto ao Deep Purple devido ao Richie Blackmore.

Todo colecionador quer o maior número possível de discos na sua coleção e comecei a perceber que a partir de um momento seguir essa regra ficará muito difícil já que muitas bandas tiveram diversos integrantes que acabaram entrando em diversas outras bandas que continham outros integrantes mais ou menos famosos e isso pode virar uma bola de neve.

Comecei a fazer associações lembrando aquelas árvores genealógicas de bandas feitas por Pete Frame. A mais conhecida por mim é a que saiu no A Real Live One do Iron Maiden e que também saiu no box Eddie´s Archives. Inclusive descobri que ele lançou alguns livros só com essas árvores genealógicas, mas não sei mais nada de informações sobre os livros, só que eles estão disponíveis no Amazon. Abaixo estão as capas de dois deles. Também encontrei um blog muito legal que pode ser acessado aqui. Inclusive nele você pode encomendar alguma dessas árvores genealógicas para comprar em papel especial e assinado pelo autor. Os preços são salgados, mas sabemos que tem gente para tudo.

Percebi que fazendo associações começando pelo Deep Purple daria para relacionar as outras duas bandas da Santíssima Trindade do hard rock setentista e muitas outras bandas como o Iron Maiden. Como? Simples. Depois de sua saída do Deep Purple, o vocalista montou uma banda que tinha o Janick Gers futuro guitarrista do Iron Maiden. Engraçado que fazendo esse tipo de associação poderíamos citar outras bandas como o Fish e o Marillion e até o Samson.

Do Deep Purple para chegar ao Black Sabbath é muito simples também. Como já citado acima Richie Blackmore montou o Rainbow com o Dio que depois foi vocalista da banda do Tommy Iommi. Outros vocalistas do Black Sabbath foram componentes do Deep Purple: Ian Gillan e Gleen Hughes.

Mas seguindo o próprio Rainbow podemos chegar na banda de Yngwie Malmsteen de duas maneiras, ambas por vocalistas. Joe Lynn Turner foi vocalista da banda do guitarrista sueco e também do Rainbow, mas outro vocalista da banda, Grahan Bonnet, também tocou com o Malmsteen no Alcatraz, que já teve também o Steve Vai que já gravou com David Lee Roth (chegamos no Van Halen), com o Whitesnake e com o Chickenfoot (podemos chegar ao Red Hot Chilli Peppers).

Estou citando apenas os componentes mais importantes dessas bandas, mas se entrarmos mais a fundo esse texto não teria fim. Agora qual é a importância disso tudo? Os fãs de hard rock, heavy metal e outros estilos próximos têm esse tipo de interesse. Isso é um dos motivos que fazem com que esses estilos sejam tão apaixonantes e viciantes. Afinal se você conhece o Deep Purple pode um dia chegar a conhecer, apenas por associação, o Winger. Basta lembrar que o atual guitarrista do Deep Purple, Steve Morse, tocava no Dixie Gregs banda que Rod Morgenteins também foi integrante.

Nas minhas associações lembrei-me ainda de muitas bandas como o Quiet Riot e Def Leppard e percebi o quanto ainda tenho que conhecer (e adquirir) muitos discos. Também percebi que um dia esse meu critério de organização deverá ser modificado.

Agora para explicar a associação feita no título da matéria. Como ir de Yardbirds até o Nirvana? Jimmy Page que foi guitarrista do Yardbirds, montou o Led Zepellin com Robert Plant, John Bonham e Jonh Paul Jones. Esse último recentemente criou o Them Crooked Vultures junto ao Josh Homme, do Queens of the Stone Age e Dave Grohl do Foo Fighters e Nirvana.

Alguém lembra de uma associação maluca? Até mesmo inusitada como a de uma banda clássica como o Yardbirds e Led Zeppelin com bandas como Nirvana e Foo Fighters?

Accept e Porcupine Tree: Reviews exclusivos

2010-10-29T09:57:00.000-03:00

Porcupine Tree – Radio City Music Hall, Nova York, 24/09/2010

Todo mundo que gosta de música já ouviu falar no Radio City Music Hall. A casa de shows faz parte do conjunto do Rockfeller Center em Nova York e existe desde 1932. Tive o privilégio, e a sorte, de conseguir ver um show de uma banda que acho muito legal nesse lugar e as impressões do local e da banda foram muito boas.

Comprei o ingresso para o show do Porcupine Tree no também famosíssimo Madison Square Garden apenas duas horas antes do show começar. Nesse mesmo dia tinha show do Alice in Chains no MSG e o hall e as bilheterias estavam lotadas. Foi engraçado eu entrar na bilheteria de ingressos de outros shows enquanto a fila da bilheteria para o show do Alice In Chains estava enorme. Até pensei que o Porcupine Tree não teria público para o seu show, afinal não vi ninguém comprando ingressos para vê-los. Porém ao chegar no Radio City Music Hall percebi que a base de fãs da banda é muito grande lá nos Estados Unidos. Também achei interessante as pessoas chamando umas às outras de “proggers”. O Porcupine Tree faz parte da cena atual do progressivo, mas pelo peso de algumas de suas músicas muitos puristas não os consideram como parte do rock progressivo. Coisa que eu discordo.

Outra coisa que causou estranheza foi assistir ao show sentado. Já vi o Asia e o Dream Theater assim, mas dessa vez eu me senti estranho. Talvez seja por eu estar sozinho no meio de um monte de gente desconhecida tenha causado essa sensação. O RCMH tem cerca de 6000 lugares e aos poucos todos eles foram sendo preenchidos, contrariando minha impressão inicial de que não teria público. Fiquei localizado no primeiro mezanino, então consegui ver que as cadeiras da pista estavam completamente lotadas. Porém isso eu já sabia afinal não tinha conseguido comprar ingresso para sentar nesse local. Mas garanto que mesmo dos mezaninos (ainda tem outros dois níveis) o lugar é muito bom para ver shows.

Eu não sou um profundo conhecedor do Porcupine Tree. Conheço bem dois discos deles, o Absentia e o Fear of the Blanket Planet e conheço um pouco outros dois, o The Sky Moves Sideways e Deadwing. Porém essa é uma banda que já lançou dez discos de estúdio e pela base de fãs que vi no show percebo que tenho que ir atrás do restante dos álbuns. Ouvi comentários muitos empolgados do pessoal que estava na fila para comprar merchandising e acabei me interessando por outros discos que vou procurar brevemente.

A banda entrou exatamente as 20:00 h no horário marcado. Porém para surpresa de todos quando as cortinas subiram mostrou um modesto grupo de equipamentos. Estavam montados apenas um kit de bateria pequeno, um contrabaixo acústico, um piano e uns violões. A banda entrou e disse que faria uma pequena apresentação acústica antes do show. Ou seja, é a primeira vez que vejo uma banda fazer um show de abertura para ela mesma. Ao todo foram cinco músicas nessa primeira parte do show totalizando cerca de 40 minutos. Tocaram duas músicas ao vivo pela primeira vez. Uma do último álbum e outra de um disco mais antigo. Claro que sei disso por que o Steve Wilson anunciou que o faria já que não conhecias essas músicas. A banda saiu e os roadies entraram em ação para montar o palco principal. Montar é modo de dizer, já que estava quase tudo pronto nas laterais do palco e os roadies só tiveram o trabalho de posicionar a bateria (agora bem maior), os teclados e alguns amplificadores. Depois de 10 minutos já estava tudo pronto e a banda volta para fazer seu set normal.

Para quem não conhece o Porcupine Tree é formado por Steve Wilson (guitarra, voz, teclados, etc, etc, etc.), Richard Barbieri (teclados, mellotron e outros), Colin Edwin (baixo) e Gavin Harrison (bateria). Steve Wilson é no Porcupine tree como se fosse o xará Steve Harris no Iron Maiden, ou seja, o dono da banda. Ao vivo eles têm o acompanhamento de outro guitarrista que não sei o nome. Ele até foi apresentado, mas não consegui entender. Procurando na internet consegui encontrar seu nome: John Wesley (guitarras e backing vocals). No entanto ele toca somente em algumas passagens passando a maior parte do tempo escondido atrás dos equipamentos.

A execução das músicas é perfeita. O que o baterista toca não é brincadeira. Apesar de não conhecer todas as músicas do set curti demais principalmente pelo fato de eles utilizarem muito os artifícios visuais para auxiliar a música. Os telões gigantes de alta resolução tinham imagens que remetiam à letras das músicas e quando não havia nenhum ligação foram utilizados efeitos luminosos que me lembraram as coisas que o Pink Floyd fazia no começo da carreira. Ou seja, jogos de luzes e cores criando um ambiente meio psicodélico. Peço desculpas pela falta de fotos. No dia estava sem a máquina e só com o celular.

A banda tocou por cerca de mais uma hora e dez e saiu do palco. Como tinha totalizado duas horas de show, incluindo o set acústico achei que tinha acabado. O que acabou me deixando um pouco decepcionado. Afinal só tinham tocado uma música que conhecia (a saber, The Sky Moves Sideway – Phase One). Todo mundo ficou esperando pelo famoso bis. Eu aproveitei que o bar era perto e corri para pegar mais uma cerveja (a terceira da noite). Quando voltei eles estavam iniciando outra parte do show e, ao contrário do que pensei, não era um bis e sim um novo set com várias músicas dos álbuns que eu conheço e uma sequência de quatro músicas seguidas de seu álbum mais recente. Assim tocaram por mais uma hora e dez minutos.

O que impressionou bastante foi o modo tão certinho como foi o show, afinal suas músicas são cheia de mudanças de andamentos e climas que requer um esforço físico e mental além de muita concentração para isso acontecer. Depois de acabado esse set eles ainda fizeram um bis com mais uma música longa acabando o show as onze e vinte da noite. Ou seja, foram três horas e vinte minutos de show, descontando 10 minutos em cada parada foram três horas de música. Isso é muito difícil de ver hoje em dia.

Saí de lá satisfeito. Até por ter presenciado um show que mostra que o rock progressivo pode não ter a mesma qualidade hoje em dia do que na década de setenta, mas vemos que algumas bandas levantam a bandeira de forma eficiente, moderna, agradável e, principalmente, com um bom público seguidor.

Accept – B.B. King Blues Club & Grill, Nova York, 29/09/2010

Segunda feira…Normalmente esse é um dia triste. Início de semana. Compromissos. Preocupações. Porém esse é um dia legal para se acordar quando estamos de férias e temos a expectativa de ver ao vivo uma das bandas clássicas do heavy metal mundial.

O local do show foi o B.B. King Blues Culb & Grill. O local é um bar que também serve como restaurante. È uma espécie de Hard Rock Café com bem menos merchandising e com mais ênfase à shows. O palco é pequeno com dimensões próximas ao do Manifesto Bar. Aqui cabe um comentário em relação aos dois shows que fui ver. O do Porcupine Tree com quase 6000 pessoas e o do Accept com cerca de 600. Certamente os leitores do site consideram o Accept uma banda maior do que o Porcupine Tree. Também é certo que no Brasil o show dos alemães teria muito mais público que os dos americanos, mas é interessante saber como anda a popularidade e reconhecimento de algumas bandas fora do Brasil.

Antes do Accept teríamos o trio King’s X. Muita gente foi para vê-los. O número de camisetas da banda era quase o mesmo que o número de camisetas do Accept. Não conhecia nada da banda, só mesmo as capas dos discos nas revistas, e alguma coisa me interessou. Claro que é difícil julgar uma banda na primeira vez que escutamos, ainda mais ao vivo, mas tenho que ir atrás de alguma coisa para me familiarizar melhor com o som deles.

Bem, o som da banda me lembrou bandas como o Audioslave com mais groove. Apesar de vários sites classificarem eles como heavy metal, e em outros lugares como hard rock e até rock progressivo, achei o som bem distante do metal tradicional. Eles têm peso, tem riffs, mas mesmo assim não achei heavy. Gostei dos vocais da banda. O baixista e vocalista Doug Pinnick tem uma voz legal que em alguns momentos me lembrou o Glenn Hughes ns partes mais agudas, mas não sei se isso tem a ver mais com o som funkeado de algumas músicas. Na hora eu lembrei dele. Também gostei do trabalho de backing vocals com o guitarrista e o baterista cantando juntos diversas partes das músicas.

Duas músicas me chamaram a atenção, Pretend e Go Tell Somebody. Essa última é como se fosse um cartão de visitas da banda. O refrãos diz: “if you like what you hear then, go tell somebody”. Ao vivo com o público cantando ficou bem legal.

Depois do show do Kings X teríamos o Accept. A banda mais esperada da noite. Claro que a maior dúvida recaia em como ficariam os clássicos com a voz do novo vocalista (novo na banda, por que o cara já ta bem tiozinho....rs). Mas bastou eles entrarem no palco para percebemos que seria um ótimo show e que Mark Tornillo daria conta do recado.

O set list do show foi baseado em apenas quatro álbuns da banda: Breaker com três músicas, Restless and Wild com cinco, Metal Heart com quatro e o álbum novo, Blood of the Nations com outras quatro. Fora esses albuns tivemos apenas Balls to the Wall do álbum homônimo e Bulletproof do Objection Overruled.

Porém foram nos clássicos Balls to the Wall, Son of a Bitch e, principalmente, Restless and Wild que o público foi ao delírio. Mas a curtição do público é relativa. Os caras não agitam, não fazer “air guitar”, não pulam e apenas cantam os refrões. Coube a alguns brasileiros que estavam lá fazer tudo isso (risos). Era até engraçado ver os caras nos olhando com uma certa inveja. Afinal muitos vieram perguntar de onde a gente era e depois do show ficaram conversando com a gente.

Quando estava me vestindo para ir ao show optei por vestir uma camisa da seleção brasileira pensando que desse modo alguém viria conversar comigo, afinal ir sozinho à um show é muitas vezes chato para cacete. Não deu outra. Logo no começo já encontrei alguns brasileiros (inclusive um corinthiano com camisa e tudo) e não sei se pelo fato de eu ser o único de amarelo ali ou porque a gente tava agitando bastante acabei ganhando uma palheta no final do show do Hermann Frank das mãos dele.

A banda emendava musica atrás de música com pouca pausa entre cada uma delas. Os guitarristas Wolf Hoffmann e Hermann Frank e o baixista Peter Baltes não se movimentavam muito. Talvez pelo tamanho limitador do palco, mas dava para ver que os caras estão fazendo tudo com prazer. E novamente tenho que falar do Mark Tornillo. O cara parece que está na banda à décadas. Totalmente à vontade, brincando com os outros componentes e o que importa, cantando todas as músicas de um jeito que, pelo menos para aquelas pessoas que conversamos, não deu saudades do Udo Dirkschneider.

Resumindo, foi um showzaço. Por ser um lugar pequeno a proximidade do público com a banda deu uma melhor impressão da mesma. Certamente vai fazer com que eu retorne a escutar todos os discos da banda, a começar pelo último.

No final, queria comprar uma camiseta da banda, mas os modelos legais já estavam esgotados. Tentei argumentar com um cara que tinha cara de chefe e descobri que ele é como se fosse o gerente de turnê. Conversando com o cara ele me garantiu que o Accept vem para o Brasil por volta de março e abril e vai tocar em Curitiba e São Paulo. Resta saber se dá para confiar...

1980, o ano da New Wave of British Heavy Metal

2010-10-28T16:00:00.002-03:00

Há trinta anos atrás, nascia na Inglaterra uma cena musical que influenciaria todos os outros movimentos relativos à música pesada que foram surgindo em outros locais do mundo com o passar dos anos.

Depois do advento do punk, que baixou a bola dos grandes nomes do progressivo e das bandas de hard rock setentistas, alguns garotos ingleses que não estavam satisfeitos com a simplicidade do punk e ainda se interessavam bastante por grupos similares aos da santíssima trindade Led Zeppelin/Black Sabbath/Deep Purple começaram a formar suas próprias bandas em vários cantos do Reino Unido.

Se alguma coisa boa o punk deixou foi a atitude despojada e rebelde, tanto musical quanto comportamentalmente, que acabou sendo misturada ao estilo do hard/heavy dos anos 70.

A minha intenção nesse post não é escrever um tratado sobre a New Wave of British Heavy Metal, mas sim levantar um debate entre os leitores para podermos nos aprofundar no estilo. Listei dez discos interessantes que fazem parte do movimento, sendo que todos eles foram lançados exatamente no ano de 1980. Ou seja, essa não é uma seleção dos melhores discos da NWOBHM, mas sim uma lista que expõe como o estilo iniciou e foi se desenvolvendo.

A influência da NWOBHM pode ser medida por alguns aspectos, como o fato de ser possível identificar entre as diversas músicas que recheiam esses álbuns muitas das fórmulas que seriam utilizadas ao longo da década de oitenta na construção de vários outros gêneros do heavy metal, como o thrash da Bay Area e até mesmo o hard rock californiano.

Angel Witch – Angel Witch

Esse é um dos trabalhos mais notáveis da NWOBHM. Após o seu lançamento, a banda infelizmente iniciou um processo de desmanche. O baterista Dave Hogg foi sacado, e o baixista Kevin Riddles saiu para se juntar ao Tytan. Quando um trio perde dois componentes fica muito difícil se segurar, e assim, após uma tentativa de manter o grupo com outros músicos, Kevin Heybourne, o principal compositor, desistiu.

O disco todo é bem nivelado, porém algumas músicas se destacam, como é o caso de "Angel Witch", "Sweet Danger" e "White Witch". O instrumental é muito bem feito, com passagens bem características do estilo que estava se modelando. Alguns refrões são marcantes e a voz de Heybourne se encaixa perfeitamente.

Um fato interessante, e que poderia até mesmo ter mudado a história do heavy metal, é que durante uma turnê com bandas novas o Angel Witch simplesmente abandonou a excursão e a gravadora EMI, deixando o Iron Maiden como o nome principal da gravadora. Quem sabe se eles tivessem continuado as coisas não seriam diferentes?

Def Leppard – On Through the Night

Nunca é demais lembrar que o Def Leppard não é só aquela banda que gravou um monte de baladas no meio dos anos oitenta. Por esse motivo, muita gente nem sabe que o grupo é britânico, já que tem seu nome sempre relacionado ao mercado radiofônico norte-americano. No início de sua carreira o Def Leppard fazia turnês com Iron Maiden, Samson e Tygers of Pan Tang. Daí eles resolveram mudar seu som para algo mais acessível, para se encaixar ao gosto do público americano. Foram muito bem sucedidos e gravaram ótimos álbuns, mas o heavy metal do início foi deixado de lado - apesar de que a música "Hello America" é meio que um presságio para o que viria acontecer mais tarde.

É desse disco a faixa "Rock Brigade", cujo título serviria para batizar a lendária revista brasileira, que certamente foi companheira de muitos dos leitores da Collector´s Room. Para os que ainda torcem o nariz para o Def Leppard por só conhecerem "Love Bites", recomendo darem uma chance para esse disco e ao seu sucessor, o também muito bom High´n´Dry, lançado em 1981.

Diamond Head – Lightning to the Nations

O Diamond Head é talvez mais conhecido como influência para o Metallica do que pela sua própria música em si. Posso falar isso por minha própria experiência com a banda. Sempre soube da sua existência quando lia a história do Metallica, mas nunca tinha tido oportunidade de ouvir o grupo. Foi apenas depois de muito tempo e com o surgimento do MP3 que consegui enfim escutar as músicas da banda tocadas pela própria, já que conhecia os covers feitos pelo Metallica. Aliás, esse disco tem sete faixas, e quatro delas foram regravadas pela gangue de James Hetfield - e são justamente os destaques do play.

Conhecer o Diamond Head é obrigação para quem quer se aprofundar na NWOBHM, porém o motivo do grupo não ter se consolidado foi talvez a mudança de direção musical ocorrida no terceiro disco – Canterbury, de 1983 -, que distanciou os fãs. Isso, somada à enorme concorrência das bandas do estilo naquela época, acabaram colocando o grupo em segundo plano.

Iron Maiden – Iron Maiden

Falar sobre esse álbum é chover no molhado. Todo cara que gosta de heavy metal já ouviu e conhece esse disco. Steve Harris sempre diz que a gravação poderia ter sido melhor - fico imaginando o que aconteceria se isso acontecesse. A estreia do Iron Maiden já é um clássico, imagine então melhorada.

Se alguém pegar todos os discos dessa lista e ouvi-los em sequência certamente irá perceber que os riffs, o modo de tocar e de cantar são semelhantes, mostrando que, por mais que a banda tenha tido muito mais sucesso e reconhecimento que as outras, a raiz de todos os grupos foi a mesma. Difícil citar destaques nos discos do Iron Maiden, mas “Phantom of the Opera” e “Prowler” são demais.

Judas Priest – British Steel

Fiquei em dúvida se colocava esse disco nessa minha lista. Afinal, o Judas Priest nessa época não tinha nada de “new”, diferentemente de todas as outras bandas que cito nessa matéria. Ou seja, o Judas Priest não fazia parte da NWOBHM, porém talvez foi o grupo que mais se fortaleceu após o surgimento da cena, já que aproveitou a partida do trem e acabou sendo a locomotiva do estilo num primeiro momento.

O Judas foi a primeira banda a se intitular como heavy metal. O próprio Black Sabbath rejeitou o rótulo durante muito tempo. O grupo de Rob Halford já havia lançado alguns ótimos álbuns – sendo os principaisSad Wings of Destiny e Sin After Sin -, quando em 1980 soltou British Steel, um disco tão bom que quem conhece apenas as melhores músicas dos caras vai achar que está ouvindo uma coletânea. Esse álbum definiu o tipo de som que seria tocado durante a década de oitenta.

É difícil destacar alguma música no meio de tantos clássicos, mas não posso deixar de citar "Breaking the Law", que poderia até ter sido o título do LP tamanha a identificação da faixa com o disco. Também tem "Metal Gods", que se tornou a alcunha da banda – e principalmente de Rob Halford -, e "Living After Midnight" , que de tão boa acaba com qualquer possível discussão sobre se é pop ou não.

The Michael Schenker Group – The Michael Schenker Group

Apesar de ser alemão e de ter participado do início do Scorpions, o guitarrista Michael Schenker tem uma forte ligação com a Inglaterra por ter sido parte do período mais fértil da excelente banda UFO. Aliás, esse grupo, junto com o Thin Lizzy e alguns outros, foi muito importante para a construção musical da NWOBHM.

Depois de sua saída do UFO e de um rápido retorno ao Scorpions, ele formou o Michael Schenker Group com o vocalista Gary Barden - que nos anos noventa participaria também de outra banda importante do movimento, o Praying Mantis.

O álbum é catalogado em muitos lugares como hard rock, porém ele se encaixa perfeitamente com a sonoridade das bandas da NWOBHM, que ainda tinham muita influência do hard rock da década de 70. Participam do disco Don Airey, que já tocou com o Black Sabbath e muitas outros grupos e hoje é tecladista do Deep Purple, e Roger Glover, que fez a produção. Em alguns momentos do LP eu me lembro do Alcatrazz (principalmente em "Looking Out From Nowhere"). Por coincidência, o vocalista Graham Bonnet, ex-Alcatrazz, entraria na banda de Schenker alguns anos depois.

Os destaques são "Armed and Ready", "Victim of Illusion" e "Lost Horizons", esta última com uma fórmula que seria utilizada à exaustão futuramente por todas as bandas do metal melódico.

Samson – Head On

No início do grupo o guitarrista Paul Samson também era o vocalista. Lançou um disco com essa formação, o apenas interessante Survivors. Porém, com a entrada de um novo vocalista, tudo mudou. O salto de qualidade foi enorme. Desse modo, resolveram até regravar algumas faixas do primeiro LP com a voz de Bruce Bruce, um bigodudo que mais parecia um integrante de alguma banda de hard rock lá do início da década de 70. Depois de passar a assinar como Bruce Dickinson e gravar um segundo álbum com o Samson, Bruce Bruce aceitou o convite para entrar no Iron Maiden. O resto todo mundo conhece.

Apesar da qualidade musical inquestionável, é interessante saber que eles estavam sempre quebrados financeiramente - e é muito provável que essa tenha sido a razão para que Bruce tenha aceitado sair da banda. Afinal, naquela época ninguém sabia que o Iron Maiden se transformaria no principal nome do heavy metal. Comparando a carreira das bandas, o Samson já tinha três discos e o Maiden apenas dois, mas o que pesou na balança certamente foi a visão de Steve Harris.

"Hard Times", "Vice Versa" e "Walking Out On You", essa última bem hard setentista, são os destaques. Ao ouvir o disco pela primeira vez alguns vão reconhecer a faixa “Thunderburst”. Sim, é a mesma “The Ides of March”, introdução do álbum Killers, do Iron Maiden. A música foi composta em parceria por Steve Harris e Thunderstick, baterista do Samson na época e que chegou a integrar o Maiden.

Saxon – Wheels of Steel

Tenho que admitir que o meu interesse pelo Saxon é tardio. Até cerca de um ano atrás eu só conhecia uma coletânea de clássicos que adquiri após ter assistido ao grupo em um dos Monsters of Rock que aconteceram na década de 90. Comecei a adquirir os álbuns a pouco tempo, e posso dizer que percebo o quanto isso foi uma falha.

Esse é o segundo disco da banda, que acabou lançando outro no mesmo ano, Strong Arm of the Law. A banda, juntamente com o Iron Maiden e o Judas Priest, se tornou a maior expoente do heavy metal britânico. Dentre os nomes do estilo, talvez o Saxon seja a que tinha o som mais definido. Ou seja, o estilo desse álbum seria o mesmo que muitos outros subsequentes, exceto alguns como Destiny, que é totalmente hard rock.

Os destaques são "747 (Strangers in the Night)", "Stand Up and Be Counted" e a hard "Suzie Hold On".

Tygers of Pan Tang – Wild Cat

Essa banda é sempre lembrada quando se fala em NWOBHM. Gravou diversos discos cultuados pelos entusiastas do estilo, mas o primeiro é o que realmente marcou. A primeira música, "Euthanasia", tem riffs marcantes e uma levada hard/heavy. O grupo foi responsável pelo surgimento de um guitarrista chamado John Sykes, que não tocou nesse álbum, mas depois integrou ícones como o Thin Lizzy e o Whitesnake.

Wild Cat é um disco que contém todas as características que podem ser usadas para descrever a NWOBHM. Quem quer conhecer o heavy metal oitentista tem que conhecer esse álbum. Como destaques, além da já citada “Euthanasia”, temos "Don’t Touch Me There" e "Money".

White Spirit – White Spirit

Para aqueles que acham que esse LP aparece nessa lista apenas por esta ser uma banda que contava com Janick Gers na guitarra, está enganado e precisa urgentemente ouvi-lo. Como outros grupos da época, o White Spirit tinha uma sonoridade ainda não muito definida, com muitas músicas com um jeitão de hard rock, mas, como disse anteriormente, essa é uma característica dos discos lançados na época.

O grupo costumava abrir shows da banda solo de Ian Gillan, que se impressionou com Janick Gers e o convidou para se juntar a sua Ian Gillan Band. Ao se deparar com essa proposta irrecusável, Gers deixou o White Spirit, fato que acabou servindo para encerrar a banda.

Destaque principal para "Fool For the Gods" e "Way of the Kings". Também merece menção a faixa de abertura, que tem um riff muito parecido com outra música de uma banda posterior do guitarrista.

WAR ROOM: Versões originais dos covers gravados pelo Iron Maiden

2010-08-05T18:23:00.000-03:00

Publicamos no blog Collector´s Room um WAR ROOM analisando as versões originais dos covers gravados pelo Iron MAiden ao longo de toda sua carreira. Por se tratar de muitas músicas dividimos em duas partes:

Para ler as mátérias clique na parte que você quer ler:

Parte 1

Parte 2

Não deixaem de comentar.

Beatallica: a união divertida de dois gigantes

2010-07-29T11:12:00.000-03:00

(Texto também publicado na Collector´s Room e no Metal RO)

Quantas vezes você leu em uma resenha de um novo grupo alguém dizer que este era uma mistura de duas ou três bandas? Lembro-me de ter lido algo do tipo quando alguém descreveu-me o som do Dream Theater, no início da década de 90, como uma mistura de Yes, Metallica e Rush (NA: nos comentários deixe outros exemplos). Bem, o Beatallica é o maior exemplo dessa mistura de bandas.

Pegue a maior banda inglesa de todos os tempos e junte com a maior banda de metal dos Estados Unidos. The Beatles e Metallica. Pronto, você tem o Beatallica. A banda lançou em 2001 seu primeiro registro, um EP chamado A Garage Days Nite. Que combina, como vocês mesmo já deduziram, o EP, Garage Days Revisited, do Metallica e o disco A Hard Days Night da banda britânica.

Possivelmente o início da banda foi um tipo de brincadeira feita para uma apresentação em um evento anual de Milwaukee. Dessa apresentação foi gravado o EP citado acima com apenas algumas cópias sendo lançadas e entregue para amigos e conhecidos. Uma dessas cópias parou na mão de alguém que criou um site disponibilizando em MP3 as sete músicas do EP. O interessante é que nem mesmo a banda sabia desse site e também não sabia que a banda já tinha até um número considerável de fãs.

Primeiro CD: Sgt Hetfields´s Motorbreath Pub Band (2007)

Músicas como “Sgt Hetfield’s Motorbreath Pub Band” e “And Justice for All My Loving” são ótimos exemplo do que a banda fazia musicalmente, que era basicamente tocar as músicas dos Beatles como se fosse a banda liderada por James Hetfield. Os efeitos e timbres dos instrumentos, e principalmente a voz de Jaymz Lennfield (John Lennon + James Hetfield), são muito parecidas com os do Metallica. Era tão parecida que, como ninguém sabia quem era a banda no início, começaram a achar que era o próprio Metallica que estava fazendo aquelas músicas.

Algum tempo depois da descoberta do site e da base de fãs a banda lançou um novo EP e começou a fazer alguns shows. O que acontece quando você mistura tintas branca e preta? A mistura se torna cinza, Então o que aconteceria se você juntasse o álbum The Beatles (Álbum Branco) com o álbum Metallica (Black Álbum)? Você teria o Beatallica, que começou automaticamente a ser chamado de The Gray Álbum, ou O Album Cinza. Com música como "Blackend the USSR" e "Leper Madonna".

Porém o sucesso trás notoriedade e isso também trás aborrecimentos. Para não ter problemas com questões legais as músicas até então eram distribuídas de graça por meio de download e o nome dos membros eram mantidos em sigilo. Mas a venda de merchandising do site começou a atrair denuncias de quebra de direitos autorais. A saída foi fazer um pedido para legalizar a banda. Inclusive quem os ajudou foi Lars Ulrich que ofereceu apoio jurídico. O resultado disso foi que em 2007 foi lançado o CD Sgt Hetfield’s Motorbreath Pub Band que continha as músicas dos dois primeiros EPs. Assim a banda continuou lançando singles, maxi-singles até o seu segundo CD chamado Masterful Mistery Tour em 2009.

Segundo CD: Materful Mystery Tour (2009)

Além de Jaymz Lennfield a banda também tinha Grg Hammetson, Kliff McBurtney e Ringo Larz. Depois da legalização da banda soube-se os nomes reais dos músico que são, na ordem, Michael "Tinker" Tierney, Jeff Hamilton, Paul Terrien e Ryan Charles. Porém se você for atrás dos discos pode encontrar outro nome, Joey Nicol, descrito como músico convidado que é nada mais nada menos que Mike Portnoy, o monstro baterista do Dream Theater.

Beatallica encontra Metallica em 2009

Claro que temos que encarar a banda como algo inusitado, engraçado e divertido. Nem mesmo os músicos se levam a sério. O que mais torna essa banda legal é a sua criatividade. Alguém pode dizer que a banda não criou nada então não pode ser chamada de criativa, mas só de ter essa sacada e fazer disso algo agradável já lhes confere muitos créditos. Outro ponto que tenho que citar é que podemos ver como o rock and roll, mesmo com seus inúmeros estilos que podem soar tão diferentes para as pessoas, na verdade tem uma só raiz. A diferença entre os estilos é somente o modo de tocar, o peso e a utilização de todos os elementos. O Beatallica não vai ser sua banda preferida, mas é um ótimo tipo de música para entreter seus amigos em churrascos quando sempre existe brigas sobre o que vai rolar no som.