FR :
Après de nombreux tutoriels et pas à pas, voici un article plus général. Le but est de faire le point sur les marques et types de peintures disponibles sur le marché, ainsi que leurs avantages et défauts. Cet article cible avant tout les novices et nouveaux venus du milieu, même si un récapitulatif général ne fait jamais de mal à personne.

Acrylic ranges / les gammes acryliques

Citadel

 UK : 

We might as well start with the range that is iconic to many of us. Games-Workshop and its famous Citadel paint.
The range is old, and has undergone many evolutions. It is above all practical and useful, both for gamers and for “competition painters”, thanks to its opacity and texture. Currently numbering more than 300 references, these are now referenced according to their uses or covering powers.
While there’s a fair amount of marketing and duplication that could do without it, it has to be said that it’s a fantastic classification tool from a gaming perspective.
Overall, the GW/Citadel shades are very well made. There’s a reason why they remain so popular. They offer great coverage, a recognizable look and are easy to blend.
But there are constraints. The problem with this range is that it’s largely made up of preconceived shades. There are almost exclusively blends, and very few “pure” shades. That is, true primary, secondary or tertiary shades. As a result, when you use one shade here and another there, you don’t realize that they actually contain chromatic opposites.

You quickly get desaturated tints, and it’s very easy to stray from the desired rendering.
Especially if you tend to add successive juices or filters.
Another concern is the price. Citadel shades are very expensive. At 3.60E for a 12ml jar and 6.30E for a 18ml, it’s kind of outrageous. Not necessarily in terms of price per ml, which could be compared to other ranges, but in terms of quality. For this price per ml, we’re not dealing with the pigment qualities of “premium” ranges, in my humble opinion.

What’s more, the packaging is one of the worst of all ranges. The shades dry too quickly in their jars, and the new closure system is sometimes surly, so paint sometimes squirts out after a refractory opening.

*Pros :
A very wide range.
Midway between matte and satin finish.
Excellent opacity and pigment quality.
Ideal for players, but also for competition painters.
Metallics and numerous must-have shades.
An optimum grading system for players.
Ease of use
Easily available

*Cons :
A range made up of blends and many desaturated shades.
The price
Packaging

 FR :
Autant commencer par la gamme iconique pour bon nombre d’entres-nous. Games-Workshop et sa fameuse peinture Citadel. La gamme est ancienne, et a connu de nombreuses évolutions. Elle est avant tout pratique et utile, tant pour les joueurs que pour les « peintres de concours », grâce à son opacité et sa texture. Comptant actuellement plus de 300 références, ces dernières sont désormais référencées en fonction de leurs utilisations ou pouvoirs couvrants.

S’il y a pas mal de marketing et de doublons dont on pourrait se passer, il faut reconnaître qu’il s’agit d’un fantastique outil de classification dans une optique de jeu.

Globalement, les teintes GW/Citadel sont de très bonne facture. Ce n’est pas pour rien si elles demeurent plébiscitées. Elles sont donc très couvrantes, avec un rendu reconnaissable et se fondent aisément.
Mais il y a des contraintes. Le souci de cette gamme est qu’elle est en grande partie constituée de teintes préconçues. Il n’y a quasiment que des mélanges, et très peu de teintes « pures ». Comprendre vraies primaires, secondaires ou tertiaires. Du coup, en utilisant une teinte par-ci et une autre par-là, on ne se rend pas compte que ces dernières comportent, en réalité, des opposés chromatiques en elles.
On obtient rapidement des teintes désaturées, et il est très facile de s’éloigner du rendu désiré. Surtout si vous avez tendance à rajouter des jus ou des filtres successifs.

Autre souci, le prix. Les teintes Citadel sont très chères. 3,60E le pot de 12ml à 6,30 celui de 18ml, cela est un peu excessif.  Non pas forcément remis en terme de prix au ml, que l’on pourrait comparer à d’autres gammes, mais en terme de qualité. Pour ce prix au ml, nous ne sommes pas sur des qualités de pigments de gammes “premium”, à mon humble avis.

De plus, le conditionnement est l’un des pires toutes gammes confondues. Les teintes sèchent trop vite dans leurs pots et le nouveau système de fermeture étant parfois revêche, il arrive que la peinture gicle suite à une ouverture réfractaire.

Les + :
Une gamme très vaste.
Son rendu à mi-chemin entre le mat et le satiné.
Une très bonne opacité et qualité de pigments.
Idéale pour les joueurs, mais aussi pour les peintres de concours.
Ses métaux et nombreuses teintes incontournables.
Un système de classification optimum pour les joueurs.
Sa facilité d’utilisation
Aisément disponible

Les - :
Une gamme composées de mélanges et de beaucoup de teintes désaturées.
Le prix
Le conditionnement

Formula P3

 UK : 

Arrived in France in 2006 and overseen by Mike McVey himself, it has many equivalents to the old GW range. So it’s perfect for those looking for references that disappeared when the Citadel range was overhauled in 2012. The Privateer Press range has since passed into the hands of Steamforged, whose Kickstarter announced a return in March 2025. For the moment, the P3 range is subject to numerous stock shortages.
Its colors are of excellent quality. The paint blends surprisingly easily. It has a satin finish.
Shades are full-coverage, even if a little more diluted than GW. What’s more, the range features inks that are neither “washes” nor “glazes”, but real inks and not some kind of colored varnish.
It remains to be seen what the return of the Steamforged range will bring.
At 18ml for a store price of around 3.15E or 3.20E, they’re cheaper, and the packaging is well-made. However, expect a price increase in line with the Citadel range when its new version arrives in 2025.

The only drawback is the corks, which are sometimes rough when opened and whose tab tends to break, and which age terribly badly, to the point of becoming brittle and disintegrating.
In my opinion, this range is as good as, if not better than, the Citadel range. Unfortunately, it is difficult to find in stores (even more so since its resale to Steamgforged). The Internet remains the easiest way to get hold of it, but it’s easier to find packs than single shades (at least on French-speaking sites).

* Pros :
Less extensive range, fewer duplicates. But plenty of nuggets.
Looking for old Citadel references? Paradise is open.
Excellent opacity and pigment quality.
Ideal for gamers, but also for competition painters.
Ease of use.
Its price (subject to current prices when it goes back on sale).
Packaging
Its satin finish
Its inks.

* Cons :
Its satin finish, which can be unpleasant when representing certain materials.
Difficult access. Few points of sale.
Metals, to be avoided.
The corks, very hermetic, but often hard to open and with a tab that’s far too fragile. What’s more, after a few years, the plastic doesn’t resist and disintegrates, so the paints have to be decanted into new containers. (The Steamforged range is expected to solve this problem, with a return to screw-on caps).
A less extensive range. If you’re a “no homemade mix” aficionado, you won’t find everything.

 
 FR : 
Arrivée en France en 2006 et supervisée par Mike McVey en personne, elle dispose de nombreux équivalents à l’ancienne gamme GW. Elle convient donc totalement à ceux cherchant des références disparues suite à la refonte de la gamme Citadel en 2012. La gamme en provenance de Privateer Press est depuis passé sous le giron de la société Steamforged, dont la livraison suite à un Kickstarter annonce un retour courant mars 2025. Pour le moment, la gamme P3 est soumise à de nombreuses ruptures de stocks.
Ses teintes sont d’une excellente qualité. La peinture se fond avec une surprenante facilité. Son rendu est satiné.
Les teintes sont couvrantes, même si un poil plus diluées que chez GW. Par ailleurs, la gamme dispose d’encres qui ne sont ni des « washes » ou des « glazes », mais bel et bien de vraies encres et non pas des sortes de vernis colorés.
A voir ce que le retour de la gamme chez Steamforged apportera.

Avec 18ml pour un prix en boutique aux alentours des 3,15E ou 3,20E, elles sont donc meilleur marché, et le conditionnement est de bonne facture. Il faut cependant s’attendre à une augmentation collant sans doute aux prix de la gamme Citadel lorsque sa nouvelle version arrivera en 2025.
Seul défaut, les bouchons, qui sont parfois revêches à l’ouverture et dont la languette a tendance à casser, et qui vieillissent terriblement mal, au point d’en devenir cassant et à se désagréger.
Cette gamme est à mon sens, aussi bonne, si ce n’est meilleure, que la gamme Citadel. Elle est malheureusement difficile à dénicher en boutique (encore plus depuis sa revente à Steamgforged). Internet reste le moyen le plus simple pour se la procurer, mais on trouve plus aisément les packs que les teintes à l’unité (en tout cas sur les sites francophones).

* Les + :
La gamme moins étendue, moins de doublons. Mais beaucoup de pépites.
Vous cherchez les anciennes références Citadel ? Le paradis est ouvert.
Une très bonne opacité et qualité de pigments.
Idéale pour les joueurs, mais aussi pour les peintres de concours.
Sa facilité d’utilisation.
Son prix (sous réserve des prix en cours lors de sa remise en vente)
Son conditionnement
Son rendu satiné
Ses encres.

* Les - :
Son rendu satiné, qui peut être déplaisant pour représenter certaines matières.
Sa difficulté d’accès. Peu de points de ventes.
Ses métaux, à éviter.
Les bouchons, très hermétiques, mais souvent durs à ouvrir et avec une languette bien trop fragile. De plus, au bout de quelques années, le plastique ne résiste pas et se désagrège, amenant à devoir transvaser les peintures dans de nouveaux conditionnements. (A priori, la gamme Steamforged va résoudre ce problème avec un retour à des bouchons vissables)
La gamme moins étendue. Si vous êtes un aficionado du « pas de mélange maison », vous ne trouverez pas tout.

 UK : Unlike the Citadel washes (now replaced by the “Shade” range), here you have real inks.

 FR : Contrairement aux “washes” (désormais remplacés par la gamme “Shade”) de Citadel, vous disposez ici de véritables encres.

Prince August/Valejo/Model Color:

 UK : 

This is a very old range, and probably the most extensive of all. Looking for a shade? You’ll find it. The packaging is the best on the market for “tabletop acrylics”. With its screw cap, the jars keep for a very long time. What’s more, it’s easy to find in stores.
Different finishes are available: matte, satin, gloss, the range doesn’t have just one look. It’s also divided into three groups: “Classic” paints, the more opaque “Games” range for gaming, and the “Airbrush” range, specifically for airbrushing (or almost). Airbrush paints are generally less widely used because they are more difficult to use (less coverage, more difficult to blend). They are competitively priced: on average 2.80E for 17ml. What’s more, it can be dosed drop by drop, adding undeniable comfort.
* Pros :
The widest range. You’ll find the equivalent to your Citadel or P3 shades.
Matte, satin, gloss: there’s something for everyone.
Lowest price per milliliter.
Packaging, much better than P3/Citadel.
Easy to source (available in virtually all model stores).
Suitable for both play and competition painting.

*Cons : 
The widest range. Too many shades kill shades. If you don’t know what you’re looking for, you’ll have to search and test.
More delicate to use, less “high-performance”, although the Games range offers better coverage. However, the paint itself is of lesser quality.
Matte, satin, gloss: the rendering is sometimes a surprise.

 FR :
Il s’agit d’une gamme très ancienne, et sans doute la plus vaste de toutes. Vous cherchez une nuance ? Vous la trouverez. Le conditionnement est le meilleur du marché des « acryliques de jeux ». Avec son bouchon vissé, les pots se gardent vraiment très longtemps. De plus, elle se trouve aisément en boutique.

Différents rendus sont disponibles, du mat, du satiné, du brillant, la gamme ne dispose pas d’un seul aspect. Elle est aussi divisée en trois groupes : les peintures « classiques », la gamme « Games » pour le jeu, plus couvrante, et la gamme « Airbrush », spécifique à l’aérographe (ou presque). Elle reste de manière générale moins utilisée car plus difficile d’usage (moins couvrante, plus délicate à fondre. Elle dispose d’un prix compétitif : en moyenne 2,80E les 17ml. On peut par ailleurs la doser au goutte à goutte, ce qui ajoute un confort indéniable.

*Les + :
La gamme la plus étendue. Vous trouverez les équivalents à vos teintes Citadel ou P3.
Mat, satiné, brillant : il y a de tout
Son prix, le plus bas au millilitre.
Son conditionnement, largement meilleur en comparaison de P3/Citadel.
Facile à se procurer (disponible dans quasiment tous les magasins de modélisme).
Convient aussi bien au jeu qu’à la peinture de concours.

*Les - :
La gamme la plus étendue. Trop de teintes tuent les teintes. Si vous ne savez pas ce que vous recherchez, vous allez devoir fouiller et tester.
Plus délicate à utiliser, moins « performante » bien que la gamme « Games » soit plus couvrante. Cependant la peinture en elle-même est de moins bonne qualité.
Mat, satiné, brillant : le rendu est parfois une surprise.

Art acrylics / les acryliques dîtes « d’arts »:

 UK : 

Lefranc Bourgeois, Golden and Liquitex are three of the most accessible ranges of fine art acrylics. These include “pure”, not “grayed”, shades. You’ll find true primaries, secondaries, tertiaries and more. In short, no crazy mixtures.
Working with this kind of color requires a good understanding of color theory. But the result is unstoppable. For an identical painter, one using “grayed” hues, the other not, you’ll get two beautiful figures, but the other will be more “vibrant” and “pure” in its rendering. The saturation comparison is a no-brainer. If you thought that the brightest GW or P3 reds were “firecrackers”, you’re in for a real treat.
But everything comes at a price: they’re much trickier to use, as their covering power is much lower. In some cases, we’re even talking about transparent paints. There is a Golden range in jars that provides excellent coverage, but it’s not available in France. Or at least not to my knowledge.

You’ll never paint an army with this type of paint, but it can be used to “vibrate” your mixes, by adding saturation for particular effects, or to use a “pure” hue from time to time. Like real cadmium red, for example, to create a very bright red for Blood Angel armor. The list goes on and on.
You’ll find the best packaging: paints in aluminum tubes. Air can’t get trapped in them, so your colors will resist you. Finally, the capacity is quite different: 60ml on average, but you can find 125 or 250ml. Yes, they do exist!
Prices may seem steep, and are extremely variable from one retailer to another. But when you compare the quality of the paints, their packaging and, above all, their capacity, they defy the competition. A 60ml tube at 14 euros is still less than the GW price, and will last you a lifetime. How many times have you had to repurchase a tint because the jar had run dry? With a dozen or so tubes, you’ll be able to obtain every conceivable shade, although of course you’ll have to make your own mixes.

*Pros : 
Pure shades
Packaging, the best of all.
Easy to obtain (available in almost every art store).
Paint quality.
A must-have for “competition” painting.

*Cons : 
Less covering, more delicate to use. Impossible to paint an army with. Unless you have eternity ahead of you.

 FR :
Lefranc Bourgeois, Golden, Liquitex, voici trois des gammes aisées d’accès en terme d’acryliques d’arts. Ces dernières comportent des teintes « pures », non « grisées ». Vous y trouverez les vraies primaires, secondaires, tertiaires, etc. Pas de mélanges farfelus, en somme.
Travailler avec ce genre de couleurs nécessite une bonne compréhension de la théorie des couleurs. Mais le résultat est imparable. À peintre identique, l’un utilisant des teintes « grisées », l’autre non, vous obtiendrez deux belles figurines, mais l’autre sera plus « vibrante » et « pure » dans son rendu. La comparaison des saturations est sans appel. Si vous pensiez que les plus vifs des rouges GW ou P3 sont « pétants » vous allez vous décoller les rétines.
Mais tout a un prix, elles sont bien plus délicates à utiliser, car leur pouvoir couvrant est largement inférieur. On est parfois même sur des peintures transparentes. Il existe bien une gamme Golden en pots qui est très couvrante, cependant, elle est introuvable en France. Ou en tout cas pas à ma connaissance.
Vous ne peindrez donc jamais une armée avec ce type de peinture, mais son usage pourra servir à faire « vibrer » vos mélanges, en apportant une saturation, pour des effets en particulier, ou pour utiliser de temps à autre une teinte « pure ». Comme un vrai rouge de cadmium afin d’avoir un rouge très pétant pour une armure Blood Angel, etc. La liste est longue.

Vous y trouverez le meilleur conditionnement : des peintures en tubes d’aluminium. L’air ne peut pas y être emprisonné, vos teintes vous résisteront. Enfin, la contenance est toute autre : 60ml de moyenne, mais on peut trouver du 125 ou 250ml. Eh oui, ça existe !

Les prix peuvent paraître salés, et sont extrêmement variables d’un revendeur à un autre. Mais en comparant la qualité des peintures, leur conditionnement et surtout leur contenance, ils défient la concurrence. Le tube de 60ml à 14 euros reste inférieur au tarif GW, et il vous fera une vie. Combien de fois avez vous dû racheter une teinte car le pot était devenu sec ? Avec une petite dizaine de tubes, vous pourrez largement obtenir toutes les teintes imaginables, bien sûr il faudra faire ses mélanges.

*Les + :
Des teintes pures
Le conditionnement, le meilleur de tous.
Facile à se procurer (disponibles dans quasiment tous les magasins d’arts)
La qualité des peintures.
Un must-have pour la peinture « de concours ».

*Les - :
Moins couvrante, plus délicate à utiliser. Impossible de peindre une armée avec. À moins d’avoir l’éternité devant soi.

 UK : For the same covering power, saturation has nothing to do with it, and neither does pigment quality.

 FR :  À pouvoir couvrant identique, la saturation n’a rien à voir, tout comme la qualité des pigments.

SCALE 75

 UK :
The Scale 75 range is a “newcomer” to the market. Spanish in origin, it has quickly earned a reputation for quality. With their matte finish, the shades are easy to blend. (In general, the more matte, the harder). Metallics seem to be the only decent alternative (along with Coat d’Arms) to the Citadel range. On the other hand, if the packaging is screw-tube, the paint doesn’t mix well in the pots. You’ll need to think about adding a stainless steel ball to mix it properly.

 FR : 
La gamme Scale 75 est une “petite nouvelle”. D’origine espagnole, elle s’est rapidement taillée une réputation pour sa qualité. D’un rendu mat, les teintes se fondent pourtant aisément. (En général plus c’est mat, plus c’est dur d’utilisation). Les métaux semblent d’ailleurs la seule alternative correcte (avec ceux de chez Coat d’Arms) à la gamme Citadel. En revanche, si le conditionnement est à tube vissé, la peinture semble mal se mélanger dans les pots. Il faudra penser à ajouter une bille en inox pour la mélanger convenablement.

HUMBROL

 UK :
This range is best known to model makers and early “figurinists”. These paints can be diluted with gasoline F, White Spirit, or even turpentine. It is very difficult to use for beginners, but nevertheless has metallic shades that are truer than life. Having fallen into disuse in the miniature world, it nevertheless remains appreciable for working on airbrush models, although the Tamiya or Gunze Sangyo brands are in my opinion to be preferred for their finesse or greater ease of use.

 FR : 
Cette gamme est surtout connue des maquettistes et des premiers « figurinistes ». Ces peintures se diluent à l’essence F, au White Spirit, voire à la térébenthine. Elle est très difficile d’utilisation pour les débutants, mais dispose cependant de teintes métalliques plus vraies que nature. Tombée en désuétude dans le milieu de la figurine, elle reste cependant appréciable pour le travail des maquettes à l’aérographe, bien que les marques Tamiya ou Gunze Sangyo sont à mon sens à privilégier pour leurs finesses ou une plus grande simplicité d’utilisation.

Oil ranges / les gammes d’huiles : Lefranc-Bourgeois/Windsor&Newton/Rembrandt…

 UK :

Unlike acrylic, oil paint dries very slowly and can only be diluted with turpentine or white spirit. With acrylic we apply diluted layers on top of each other. Using oil, the colors are melted in the cool. As the oil dries slowly, we have more time to return to a place on the figurine, the next day or even the day after that.

However, you have to get rid of the automatisms of acrylic, learn how to disgorge your colors, manage drying times (at worst, for a metallic miniature, you can speed up the process using an oven … yes!), no longer paint in filter but in the fresh, and above all never forget the rule of “fat over lean”.
The ranges of oils are varied, there are some finer than others. Generally speaking, we will not have any difficulty using reference ranges (Lefranc Bourgeois, Windsor & Newton)… Cheaper ranges, such as Rembrandt, also exist. It all depends on the finesse you want, the price you want to pay, and the use you make of it. Painting a miniature entirely: in this case you might as well favor good ranges. Simply creating effects (especially when painting tanks, vehicles, aging decorations, etc.): nothing prevents you from falling back on more accessible ranges.

Generally speaking, oils will never be used to paint an entire army. It’s not made for. Keep them for effects or a competition miniature.

* Pros : 
Pure shades
Conditioning, the best of all. (Aluminum tubes)
Easy to obtain (available in almost all art stores)
Drying time
Another way of painting

*Cons : 
Drying time
Another way of painting
Not suitable for A-Z army painting.

 FR : 
Contrairement à l’acrylique, la peinture à l’huile sèche très lentement et ne se dilue qu’avec de l’essence de Térébenthine ou du White Spirit. À l’acrylique on passe des couches diluées les unes sur les autres. À l’huile on fond les teintes dans le frais. L’huile séchant lentement on dispose de plus de temps pour revenir à un endroit de la figurine, le lendemain voire le surlendemain.

Il faut cependant se défaire des automatismes de l’acrylique, apprendre à faire dégorger ses teintes, gérer les temps de séchage (au pire, pour une figurine en métal, on peut accélérer le processus à l’aide d’un four… eh oui !), ne plus peindre en filtre mais dans le frais, et surtout ne jamais oublier la règle du « gras sur maigre ».
Les gammes d’huiles sont variées, il en existe des plus fines que d’autres. De manière générale, on ne sera pas en difficulté en utilisant les gammes de références (Lefranc Bourgeois, Windsor&Newton)… Des gammes meilleur marché, telles que Rembrandt, existent aussi. Tout dépend de la finesse que l’on veut, du prix que l’on souhaite débourser, et de l’utilisation que l’on en fait. Peindre une figurine entièrement : en ce cas autant privilégier de bonnes gammes. Simplement réaliser des effets (notamment lors de la peinture de chars, véhicules, vieillissement de décors etc.) : rien n’empêche de se rabattre sur des gammes plus accessibles.

De manière générale, les huiles ne vous serviront jamais à peindre une armée entière. Ce n’est pas fait pour. Garder-les pour des effets ou une figurine de concours.

*Les + :
Des teintes pures
Le conditionnement, le meilleur de tous. (Tubes d’aluminium)
Facile à se procurer (disponibles dans quasiment tous les magasins d’arts)
Le temps de séchage
Une autre manière de peindre

*Les - :
Le temps de séchage
Une autre manière de peindre
Ne convient pas pour la peinture d’armée de A à Z.

Pigments /Les pigments

 UK :
Ammo by Mig Jimenez, or pigments available in art stores, nothing difficult to obtain. These pigments are mainly used for dust, rust, mud, etc. effects. But sometimes you can use it to create your own paintings. To do this, you will need an acrylic medium and a thinner. In this case, you might as well favor high quality pigments, or special fluorescent pigments (like Massive Voodoo via Forged Monkey released) to obtain psychedelic shades. Be careful, however, of their toxicity.

 FR : 
Ammo de Mig Jimenez, ou pigments disponibles en magasin d’arts, rien de difficile à se procurer. Ces pigments servent majoritairement pour des effets de poussières, rouille, boue, etc. Mais il arrive que l’on puisse s’en servir afin de réaliser ses propres peintures. Il faudra pour cela vous munir d’un médium acrylique et d’un diluant. En ce cas, autant privilégier des pigments de haute qualité, ou des pigments spéciaux, type fluorescents (comme Massive Voodoo via Forged Monkey en a diffusé) pour obtenir des teintes psychédéliques. Attention néanmoins à leur toxicité.

CONCLUSION

 UK :
The ranges available are varied, each has flaws and qualities. Above all, it is interesting to appropriate a little of each in order to cope with all situations. A little oil for effects, art tints to gain finesse and rendering, acrylics with strong covering power to achieve your goals quickly and easily, etc.

For players, despite its price, the GW/Citadel range remains to be favored. Its opacity, ease of use, washes and glazes, availability and catalog make it a leader. However, there remains its conditioning. For those who have the courage, I strongly recommend buying empty “Prince August” type pots on the market, and pouring the Citadel shades into them to keep them longer. Having a few P3 shades is, in my opinion, wise, as certain shades have become essential (Sanguine Base, Moldy Ochre, Heartfire, Olive Ordic, Cygnus Yellow, Bloodstone, Coal Black, etc.). For those on a more limited budget: go to Prince August. The range is very vast, you will always find what you are looking for. You will need a little time to get used to its use and coding, but once you have taken the step, no worries.

For “competition” painters, as a “basic” range I would tend to favor the P3 range for its highest finesse, while retaining certain Citadels so as not to only have satin shades. However, sooner or later you will have to test the art ranges. Or even to mix them initially with the “playing ranges” (just to address the concern of covering power). You will in any case increase the “vibrance” of the “grayed” scales. Oils and pigments will also eventually be inevitable for achieving certain specific effects.

 FR : 
Les gammes disponibles sont variées, chacune présente défauts et qualités. Il est surtout intéressant de s’approprier un peu de chacune afin de palier à toutes les situations. Un peu d’huile pour des effets, des teintes d’arts pour gagner en finesse et rendu, des acryliques avec un fort pouvoir couvrant pour parvenir à ses fins rapidement et aisément etc.

Pour les joueurs, malgré son prix, la gamme GW/Citadel reste à privilégier. Son opacité, sa facilité d’utilisation, ses « washes » et « glazes », sa disponibilité et son catalogue en font un leader. Il reste cependant son conditionnement. Pour ceux qui en ont le courage, je conseille fortement d’acheter des pots vides types « Prince August » sur le marché, et d’y transvaser les teintes Citadel pour les conserver plus longtemps.
Disposer de quelques teintes P3 est à mon sens judicieux, tant certaines nuances sont devenues indispensables (Sanguine Base, Moldy Ochre, Heartfire, Olive Ordic, Cygnus Yellow, Bloodstone, Coal Black, etc.).
Pour ceux ayant un budget plus limité : passez à Prince August. La gamme est très vaste, vous trouverez toujours votre bonheur. Il vous faudra un petit temps d’appropriation quant à son usage et sa codification, mais une fois le pas franchi, aucun souci.

Pour les peintres de « concours », comme gamme « de base » j’aurai tendance à privilégier la gamme P3 pour sa plus haute finesse, tout en conservant certaines Citadel afin de ne pas disposer que de teintes satinées. Cependant, il faudra tôt ou tard tester les gammes d’arts. Voire à les mixer dans un premier temps avec les « gammes de jeu » (rien que pour combler le souci de pouvoir couvrant). Vous augmenterez de toute manière la « vibrance » des gammes « grisées ». Les huiles et les pigments seront aussi à terme, inévitables pour la réalisation de certains effets spécifiques.

 UK : 

I don’t have much experience of working with busts. Although I did make a bust of Space Wolf in the early 2000s, I never really had the desire or need to return to this type of subject.
That was until I started regularly contemplating Lucas Pina Penichet busts from the Spiramirabilis miniatures range. Without going into detail on this one, it was Lucas’ style, dynamism, choice of subjects and, in a way, “touch” that made me want to put my brush down on at least one element of his range. The elven rider finally caught my attention, as much for the movement he exudes, as for the possibility of working on an equine subject a little more seriously.
Painting the bust took many months, from October 2017 to May 2018. Not because I wanted to paint to the point of obtaining impeccable fades wherever the figure was (which I’m honestly incapable of doing), but because the time available for painting, and also the motivation at the time, came and went. So it was a project that took a while to finish, but which I always managed to come back to, thanks to the strength and character of the sculpture.
As for the choice of colors, the desire to make him a wood elf, in a much more organic sense, led to this shade of green skin.
For the rest of the painting, as well as the preparation of the bust, I wrote three different articles for Ravage magazine at the time, which you can find here once I’ve finished editing and translating them.

But for now, let’s get to the pictures.

 FR :  Le travail des bustes n’est pas quelque chose pour lequel je dispose d’une grande expérience. Si j’avais bien réalisé un buste de Space Wolf au début des années 2000, je n’avais jamais réellement l’envie ou le besoin de retourner sur ce type de sujet.
Ce fut avant de contempler régulièrement les bustes de Lucas Pina Penichet, issus de la gamme Spiramirabilis miniatures. Sans revenir en détail sur celle-ci, c’est surtout le style, le dynamisme, le choix des sujets et quelque part “le touché” de Lucas qui m’ont donné envie de poser mes pinceaux sur au moins un élément de sa gamme. Le cavalier elfique a fini par retenir mon attention, autant pour le mouvement qu’il dégage, que pour la possibilité de travailler un sujet équin un peu plus sérieusement. La peinture du buste s’est étalée sur de longs mois, d’octobre 2017 jusqu’à mai 2018. Non pas pour l’envie de soigner la peinture au point d’obtenir des fondus irréprochables quelque soit l’endroit de la figurine (ce dont je suis honnêtement incapable) mais car le temps disponible pour la peinture, et quelque part aussi la motivation de l’époque, allait et venait au gré des moments. Ce fut donc un projet un peu long à finir, mais sur lequel je parvenais toujours à revenir grâce à la force et au caractère de la sculpture.
Quant au choix des teintes, l’envie d’en faire un elfe des bois, au sens bien plus organique, a conduit à cette teinte de peau verte. Pour le reste de la peinture, ainsi que la préparation du buste, j’avais réalisé pour le magazine Ravage à l’époque trois différents articles, que vous pourrez retrouver ici dès lors que j’aurai fini de les remettre en forme et de les traduire.
Mais pour l’instant, place aux images.

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 UK  : 

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 FR : Bonjour tout le monde ❤️.
Voici un buste de cavalier elfique, signé de la main de Lucas Pina Penichet (spiramirabilis_miniatures). Il s’agit d’une réalisation que je n’ai jamais publiée sur internet, alors même que j’ai réalisé pour la presse papier un pas à pas en trois partie concernant sa réalisation.
Ayant retrouvé les photos prises à l’époque, il va me falloir un peu de traitement pour les rendre publiables ou tout simplement pour en refaire un nouveau set. (Je ne suis pas réellement satisfait de celles à ma disposition, ni de celle que je publie du coup.)
Quant au pas à pas, il me restera à traduire les trois parties et regrouper l’ensemble avant de le mettre en ligne. Ce ne sera peut-être pas pour tout de suite, je posterai sans doute d’autres choses entre temps, mais c’est à venir.

 UK :

My desire to paint this character from the Kingdom Death range came from looking at the superb original illustration of him. Without going back over its superb design, it’s the atmosphere that emanates from this illustration that really appealed to me. More than that, it was also the various interpretations (sometimes too bucolic for my taste and far from the unhealthy and dangerous atmosphere that fits so well with the character, although magnificent in any case) that I sometimes saw that made me get out the brushes to try and stick to its original spirit. The desire to make my own version, but above all to try and stick as closely as possible to this “dark” atmosphere, was thus born.

 FR :

Ma volonté de peindre ce personnage issu de la gamme Kingdom Death m’est venu à force de regarder la superbe illustration d’origine le représentant. Sans revenir sur son superbe design, c’est bien l’atmosphère qui se dégage de cette illustration qui m’a interpellé. Plus encore, ce furent aussi les diverses interprétations (parfois trop bucoliques à mon goût et loin de l’ambiance malsaine et dangereuse qui colle si bien au personnage, bien que magnifiques au demeurant) que je vis parfois qui me firent sortir les pinceaux pour tenter de coller à son esprit d’origine. L’envie de faire ma propre version, mais surtout de tenter de coller au maximum à cette ambiance “dark” fit donc son chemin.

 UK :

So here we are with our Flower Knight. In my opinion, everything is done within the design to create an exceptional figure. The pose, the details such as the brambles used as part of the cape, the owl mask, the armor and the puffy fabric, everything is there to impose real power and charisma on the character in a single visual. What’s more, with the character sculpted by none other than Thomas David, the resulting figurine was so faithful to the concept that nothing was lost in the transition from 2D to 3D. It was therefore a matter of trying to stick to the color scheme and interpret certain details, in an attempt – and I do mean attempt – to pay as much tribute to the work of the designer as to that of the sculptor.

 FR :
Nous voilà donc avec notre Flower Knight. A mon sens tout est réalisé au sein du design pour obtenir une figurine d’exception. La pose, les détails comme les ronces qui lui servent de pan de cape, le masque de hibou, l’armure et le tissu bouffant, tout est là pour imposer une véritable puissance et un charisme au personnage en un seul visuel. Par ailleurs, la sculpture du personnage étant réalisé par rien de moins que Thomas David, la figurine qui en découle fut à ce point fidèle au concept que rien ne fut perdu du passage 2D à celui de la 3D. Il convenait donc de tenter de coller au shéma de couleur et d’interpréter certains détails, pour tenter, je dis bien tenter, de rendre hommage autant au travail du dessinateur que du sculpteur.

Use the model/Utiliser le modèle

 UK :
Although this can be aggressive to the eye, for the purposes of this article I prefer to use candid close-ups to support the point and the comparison between painting and illustration. Or the differences between them. The miniature is indeed a masterpiece of finesse, a veritable “little” 54mm, and most of the dots or lines you’ll see here in the photo are, in reality, barely the thickness of a triple-zero brush tip. So much the worse for the enlargement, but at least it’ll be more meaningful.
As for the armor, the first thing to note is that it’s predominantly green in hue, with some turquoise or light blue highlights. I’ve gone back to this approach (although at the time I painted this figure, I wasn’t at all comfortable with the idea of attempting such complex reflection effects on NMMs), using these bluish hues not in the highlights, but as shades and shadow colorations.
Overall, as we’ll see in the course of the article, there are many uses for color reminders and complementary colors in highlights and shadows.

 FR :
Bien que cela peut être agressif pour l’oeil, je préfère dans le cadre de cet article ne pas hésiter à user de gros plans francs pour appuyer le propos et la comparaison peinture/illustration. Ou ses différences. La figurine est en effet réellement un chef d’oeuvre de finesse, une véritable “petite” 54mm, et la plupart des points ou traits que vous verrez ici en photo sont, en réalité, à peine de l’épaisseur d’une pointe de pinceau triple zéro. Alors tant pis pour l’agrandissement, mais au moins ce sera plus parlant.
Concernant l’armure, on remarque tout d’abord qu’elle prend une teinte majoritairement verte mais que des reflets turquoises ou bleus clairs s’imposent au demeurant. J’ai donc repris cette volonté, (bien qu’à lépoque où j’ai peins cette figurine je ne me sentais pas du tout à l’aise avec l’envie de tenter des effets de reflets à ce point complexes sur des NMM) en usant de ces teintes bleutés non pas dans les lumières mais sous la forme autant de nuances que de colorations des ombres.
D’une manière globable, et nous le verrons dans le déroulé de l’article, de nombreux usages de rappels de couleurs, mais aussi de couleurs complémentaires dans les lumières ou dans les ombres, se verront ici utilisés.

 UK :

I started with a base of Phtalo Green (Golden) + Chromium Oxide Green (Golden). The first shade was used to obtain the deep bluish green shown in the illustration, while the second prepared the work for the highlights, while mattifying the first, rather glossy color.
For the shadows, I added Cobalt Turquoise (Golden) + black to increase the blueness. For highlights, I built up my base color with more and more Chromium Oxyde Green, then Green Gold (Golden) and finally Lefranc Bourgeois Naples Yellow, then Prince August Ivory.

 FR :
Je suis parti sur une base de Phtalo Green Golden + Chromium Oxide Green Golden. La première teinte me servant à obtenir ce vert bleuté assez profond que montre l’illustration, alors que la seconde préparait le travail pour les lumières tout en matifiant la première couleur plutôt brillante.
Pour les ombres, j’y ai adjoins du Cobalt Turquoise Golden + du noir afin d’augmenter le côté bleuté. Pour les lumières j’ai monté ma couleur de base avec de plus en plus de Chromium Oxyde Green, puis du Green Gold Golden et enfin du Jaune de Naples Lefranc Bourgeois, puis de l’Ivoire Prince August.

 UK :
For the fabric, I start with a base of Codex Grey Citadel, mounted with Space Wolf Grey Citadel and Ivory. Shadows, highlights and the few snags in the fabric are where some of the work’s interest lies. Yellow’s chromatic opposite is violet. Green’s is red. Since the tack is green, and I’ve lightened it with yellow, I choose to color my shadows with a purplish red. I add Sanguine Base Formula P3 (Privateer Press) to black to shade my fabric. In addition, to keep with this idea of chromatic enrichment and opposition, the edges and highlights of the fabric strips are not simply defined by Ivory. I finish them off with a mixture of Naples Yellow + Ivory to gain both intensity and complementarity. As the character’s helmet is marked by the yellow tint of the “glasses”, it’s also important to incorporate slightly more subtle reminders in most of the lights, so that this very striking aspect doesn’t stand out from the rest.
Finally, on the armband, light turquoise highlights were added to retain some of the illustration’s reflections, while enriching the shadows so that they don’t remain a dull, plain deep blue/green.

 FR :
Pour le tissu je démarre d’une base de Codex Grey Citadel, monté avec du Space Wolf Grey Citadel et de l’Ivoire. Ce sont sur les ombres, les lumières et les quelques accrocs du tissu que va venir se porter un peu de l’intérêt du travail. L’opposé chromatique du jaune est le violet. Celui du vert est le rouge. L’amure étant verte, et ayant éclairci celle-ci avec du jaune, je choisis donc de colorer mes ombres avec un rouge violacé. J’ajoute du Sanguine Base Formula P3 (Privateer Press) à du noir afin d’ombrer mon tissu. De plus, pour rester sur cette idée d’enrichissement chromatique et d’opposition, les arêtes et les lumières des bandelettes de tissu ne restent pas simplement définies par de l’Ivoire. Je les termine avec un mélange de Jaune de Naples + Ivoire pour gagner autant en intensité qu’en complémentarité. Par ailleurs, le casque du personnage étant marqué par la teinte jaune des “lunettes” il est aussi important d’incorporer des rappels un peu plus subtils dans la plupart des lumières pour que cet aspect très marquant ne dénote pas du reste.
Enfin, on peut remarquer sur le brassard que des points de lumières turquoises clairs ont été réalisés afin de conserver un peu de cette idée de reflets propre à l’illustration, tout en enrichissant les zones d’ombres pour qu’elles ne demeurent pas d’un bleu/vert profond simplement uni et un poil morne.

The “harness”/Le “baudrier”

 UK :
In my opinion, the character’s “harness” is another of the figure’s most successful design elements. It effectively dresses up the area, adding dynamism in terms of both material and color. Here, I’ve simply chosen to give the vertical straps a more natural, brown leather look. The contrast between the khaki green underside and the lustrous turquoise of the horizontal straps remains an aspect I wanted to follow to the letter.
For the green part, I started with a base of Straken Green Citadel, shaded with black and lightened with a touch of Green Gold and Ivory.
For the turquoise part, I used a base of Viridian Green Hue Golden, lightened with Cobalt Turquoise and then Ivory. In order to preserve this almost lacquered look, there was no extensive shadow work beyond the stripe delineation. In addition, bright Ivory highlights were used to finish off the glossy look and reflections.

 FR :
Le “baudrier” du personnage est à mon sens là aussi un des éléments de conception les plus réussis de la figurine. Il habille efficacement la zone, apporte du dynamisme de matière mais aussi de couleurs. J’ai simplement ici choisi de rendre un aspect plus naturel, cuir brun, quant aux lanières verticales. Le contraste du dessous vert kaki et du turquoise lustré des lanières horizontales restent un aspect que j’ai voulu, en revanche, suivre à la lettre.
Pour la partie verte, je suis parti d’une base de Straken Green Citadel, ombrée avec du noir et éclaircie avec une pointe de Green Gold et d’Ivoire.
Pour la partie turquoise, j’ai utilisé une base de Viridian Green Hue Golden, éclaircie au Cobalt Turquoise puis à l’Ivoire. Afin de conserver ce côté presque laqué, il n’y a pas eu de travail d’ombre poussé en dehors de la délimitation des bandes. De plus des points de lumières d’Ivoire plutôt vifs sont venus terminer l’aspect brillant et les reflets.

 UK :
To return to the idea of recalling and enriching colors, I added contrast to the shadows of the “metallic” armor: I used different greens within the armor, just as I used different light blues within the lights. The idea behind these colored filters was as much to bring variety as to simulate the appearance of metallic armor reflecting the surrounding materials and hues. Obviously, the work carried out here was not intended to be photo-realistic, as we all agree. A green reflection close to a pink area is not at all logical. On the other hand, a light green reflection close to a pink area provides a complementary contrast… cheating or not remaining consistent also sometimes brings more intensity or graphic rendering. It all depends on the desired effect.

 FR :
Pour revenir sur l’idée de rappels et d’enrichissements des couleurs, j’ai apporté du contraste sur les ombres de l’armure “métallique” : je suis venu poser des jus de différents verts utilisés au sein de l’armure, tout comme j’ai utilisé différents bleus clairs au sein des lumières. L’idée de ces filtres colorés a autant été d’apporter de la variété que de simuler cet aspect d’une armure métallique réfléchissant les matériaux ou les teintes alentours. Evidemment, le travail ici réalisé n’avait pas pour but d’être photo-réaliste, nous y conviendrons tous. Un reflet vert proche d’une zone rose n’étant pour ainsi dire pas du tout des plus logiques. En revanche, un reflet vert clair proche d’une zone rose apporte un contraste complémentaire… tricher ou ne pas rester cohérent apporte aussi parfois plus d’intensité ou de rendu graphique. Tout dépend de l’optique recherchée.

 UK :
The same logic applies here. The yellow used in the intermediate light tones is completely counterbalanced by the powerful violet used in the shadows of the shoulder blades.

 FR :
On retrouve bien la même logique ici. Le jaune utilisé dans les tons de lumières intermédiaires se voit complètement contrebalancé par le violet très puissamment utilisé dans les ombres de ses zones d’amures placées aux niveaux des omoplates.

Preserving “the material” / Conserver “la matière”

 UK : 
As you can see from the illustration, the greaves show the shiny, reflective aspect of the armor. Moreover, the shadow cast by the installation gave me the idea of grading the greaves towards black at the junction with the sabatons (the part of the armor that covers the foot).
Rather than using a varnish, I preferred to use inks to give these highlights. Turquoise (Pthalo) Golden (High Flow) was particularly useful. Other elements can be seen in the following pictures : the addition of purplish accents on the edges of the armor’s shadows. Later, I used purple on the fabric between the light stripes and light blue on the fabric strips at the top of the greaves, again to bring variety and complementarity, but also to avoid spreading myself too thin by using shades that haven’t already been used elsewhere.

 FR : 
On remarque sur l’illustration que les jambières montrent bien l’aspect brillant, réfléchissant, de l’armure. Par ailleurs, l’ombre prononcée par la pose m’a donné l’idée de dégrader les jambières vers le noir au niveau de la jonction avec les solerets (partie de l’armure qui recouvre le pied).

Pour apporter ces reflets, plutôt que d’utiliser un vernis j’ai préféré utiliser des encres. Le Turquoise (Pthalo) Golden (High Flow) fut particulièrement utile. On remarque par ailleurs sur les photos suivantes d’autres éléments : le rajout de touches violacées sur les arêtes des ombres de l’armure. Par la suite, j’ai procédé à l’utilisation de violet au niveau du tissu situé entre les bandes claires et d’un bleu clair au niveau des bandelettes de tissu en haut des jambières, tout cela, encore une fois, dans le but d’apporter de la variété, de la complémentarité, mais aussi de ne pas s’éparpiller par l’utilisation de teintes qui n’auraient pas déjà servies ailleurs.

 UK :
As for the drape on the back of the miniature, I deliberately opted for a rather cold bluish-grey for several reasons: to maintain the use of the previous light blues, and to preserve a cold zone that will be counterbalanced by the warm orange-red touches of the base. Finally, a number of small tears have been simulated to reflect the fact that, far from having a knight in shining armor here, we’re actually faced with a monster who spends his time roaming the moors in search of victims who have earned his wrath. Once again, filters of electric blues and greens used in the armor have been added in various intermediate zones, as have touches of pinks and purples in the shadows.

 FR : 
Concernant le drapé à l’arrière de la figurine, je suis resté volontairement sur l’utilisation d’un gris bleuté assez froid pour plusieurs raisons : garder l’usage des bleus clairs précédents et conserver une zone froide qui sera contrebalancée par les touches chaudes et rouges orangés du socle. Enfin, de nombreux petits accrocs ont été simulés afin de refléter que loin d’avoir ici un chevalier servant, nous nous trouvons bien en face d’un monstre qui passe son temps à silloner les landes à la recherche des victimes qui auraient méritées son courroux. A nouveau, des filtres de bleus électriques et des verts utilisés dans l’armure ont été ajoutés en diverses zones intermédiaires, tout comme des touches de roses et de violets au sein des ombres.

 UK : 

For the entire floral area, I opted for a pink hue, with turquoise accents at the tips of the flowers. The choice of pink was self-evident, as I didn’t want to create a contrast too strong with the green’s armor. Instead, I opted for pink to maintain the idea of complementary contrast, while continuing to play on another contrast used since the beginning of the figure’s painting: that of hot/cold.
The armor is green: cold. The gray fabric is shaded purple (hot) and lightened yellow (hot). The base will feature touches of orange (hot) in direct opposition to turquoise (orange is the chromatic opposite of turquoise [cold]).
In a rather gentle way, through color reminders, filters and colored shadows, we’ve gained a warm constrast on the piece without it being invasive or garish. The basic illustration uses this even more subtly, with the use of an almost fluorescent yellow and recalls of reds and oranges in certain shadows and touches of color.

 FR : 
Pour toute la zone florale je suis parti sur une teinte rose dont les pointes des fleurs seraient teintées de touches de turquoise. Le choix du rose s’est imposé de lui même en lieu et place du rouge afin de ne pas gagner un contraste trop violent et marqué avec le vert de l’armure. J’ai préféré partir sur un rose afin de conserver l’idée de contraste complémentaire, tout en continuant de jouer sur un autre contraste utilisé depuis le début de la peinture de la figurine : celui du chaud/froid.
En effet, l’armure est verte : froid. Le tissu gris est ombré de violet (chaud) et éclairci au jaune (chaud). Le socle comportera des touches d’orange (chaud) qui s’opposeront directement au turquoise (orange opposé chromatique du turquoise), qui lui est : froid.
De manière plutôt douce, par des rappels de couleurs, des filtres, des ombres colorées, on a gagné sur la pièce un constraste de chaleur sans pour autant que cela soit invasif ou criard. Ce que l’illustration de base utilise de manière encore plus subtile avec l’utilisation d’un jaune presque fluo et de rappels de rouges/orangés au sein de certains ombres et touches de couleurs.

The helmet / le casque

 UK : 

There’s no doubt that the helmet remains one of the most distinctive visual elements of the figure and concept. What’s more, the luminiscent goggles contribute to the look of a monster stalking its prey. Last but not least, the contrast between green and red on the helmet’s “wings” is also a particularly well-crafted feature, and sums up a large aspect of the overall work in a single marker.
For the glasses, I used Fluorescent Chartreuse Golden (High Flow), shaded with a touch of Phthalo Green + Green Gold. Fluorescent Chartreuse is, as the name suggests, a fluorescent paint, which obviously doesn’t come out very well in pictures. For the wings, Sanguine Base and Ultramarine Violet Golden were used for the purplish-red accents. For the green areas, I used Permanent Green Light Golden (High Flow) to achieve a very strong, powerful green.
 FR : 
Il ne fait aucun doute que le casque demeure un des éléments visuels les plus caractéristiques de la figurine et du concept. De plus, les lunettes à l’aspect luminiscent contribuent à cet aspect d’un monstre traqueur qui vient débusquer ses proies. Enfin l’opposition du vert et du rouge au niveau des “ailes” du casque reste aussi un aspect particulièrement bien trouvé et qui résume en un seul marqueur un large aspect du travail général.

Pour les lunettes, j’ai utilisé du Fluorescent Chartreuse Golden (High Flow) que j’ai ombré avec une pointe de Phthalo Green + Green Gold. Le Fluorescent Chartreuse est comme son nom l’indique une peinture à l’aspect fluo, ce qui ne ressort évidemment que difficilement en photo. Pour les ailes, le Sanguine Base et de l’Ultramarine Violet Golden ont été utlisé pour les touches de rouges violacés. Pour les zones vertes, c’est surtout le Permanent Green Light Golden (High Flow) qui m’a permis d’obtenir un vert très marqué et puissant.

Finishing touches / Les finitions

 UK : 
As for the sword, I deliberately kept it simple, as it wasn’t, in my opinion, the most striking element of the figurine. Although superb in design, with its brambles wrapped around the blade, I didn’t want to make it so elaborate as to distract attention from the knight himself, just as the original illustration did by keeping it mostly in shadow or in a black gradient. Using the shades of the gray armor, I simply took the blue hue used on a strip of fabric on the leggings and used it on the pommel, albeit a little darker.

 FR : 
Pour l’épée je suis resté volontairement simple dans sa réalisation tant elle n’était pas, à mon sens, l’élément le plus marquant de la figurine. Bien que superbe dans son design avec ses ronces enroulées autour de la lame, je ne voulais pas en faire un élément travaillé au point de détourner l’attention du chevalier en lui-même, tout comme l’illustration d’origine le faisait en la conservant majoritairement soit dans l’ombre soit dans un dégradé noir.

Usant des teintes de l’armure grise, j’ai simplement repris la teinte bleue utilisée au niveau d’une bandelette de tissu sur les jambières pour l’utiliser sur celle du pommeau, bien qu’en la rendant un peu plus sombre.

 UK : For the base, it was the use of dry red and orange pigments, fixed with a pigment resin, that was the main work. The idea was both to stay with this hot/cold theme, and to bring in the idea of a floor with a very black volcanic rock aspect, with these very hot touches, to simulate the idea of an infernal and dangerous environment. Another way of linking the original atmosphere of the concept: our Flower Knight is not a hero. Inducing the simple idea of danger or a hostile environment within the base helps to maintain this “dark” atmosphere, far removed from a bucolic, verdant field of flowers.
(Although it’s quite possible to give a dangerous atmosphere to an idyllic garden, some graphic works have managed to do this very well, after all).

 FR : 
Pour le socle, c’est l’utilisation de pigments secs rouges et orangés, fixés avec une résine pour pigments, qui fut le travail majoritaire. L’idée était donc autant de rester sur ce chaud/froid, que d’apporter l’idée d’un sol avec un aspect roche volcanique très noire, avec ces touches très chaudes, afin de simuler l’idée d’un environment infernal et dangereux. Une autre manière, détournée, de lier l’atmosphère originelle du concept : notre Flower Knight n’est pas un héros. Induire la simple idée de danger ou d’environnement hostile au sein du socle contribue à rester dans cette ambiance “dark”, loin d’un champ de fleurs bucolique et verdoyant.
(Bien qu’il soit tout à fait possible de donner une atmosphère dangereuse à un jardin idyllique, certaines œuvres graphiques y étant très bien parvenu après tout).

 It’s time to harvest… /
Il est l’heure de procéder à la moisson…

 UK : Our knight was now ready to perform his delicate duty towards anyone who tried to come and pick the plants growing in his grove… or to approach it. I can only recommend the exercise. If you’ve ever been flashed by an illustration… and it’s got a great 3D version, don’t hesitate. It’s really one of the most interesting and instructive things you can do, to try and stick as closely as possible to a concept, an atmosphere or an attempt to find the exact shades. And I think that, with the multitude of universes and illustrations that make up our games, there’s something for everyone.

 FR : 
Notre chevalier était désormais prêt à accomplir sa délicate besogne envers quiconque tenterait de venir ceuillir les plantes poussant dans son bosquet… ou de s’approcher de ce dernier. Je ne peux que vous conseiller l’exercice. Si jamais une illustration vous fait flasher… et qu’en plus elle dispose d’une version 3D des plus réussies : n’hésitez pas. Il est vraiment des plus interressants et des plus formateurs que de tenter de coller au plus près d’un concept, d’une ambiance ou de la tentative de retrouver des teintes exactes. Et je pense qu’à travers la multitude d’univers et d’illustrations qui composent nos jeux : il y a matière à trouver son bonheur.

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 UK  : 

 FR : Il est temps temps de se mettre à l’air moderne. Dans les semaines à venir il est fort probable que de nombreuses photos de mes travaux passés, et bien sûr des futurs soient postés sur Instagram.
Ce sera sans doute une plateforme qui pourra me permettre de poster pas mal d’instantanés sans passer par la tâche d’une création de contenu via le site (plus long à faire forcément qu’une photo prise et partagée directement). Bref, n’hésitez pas à aller y souscrire ^^.

FOLLOW : https://www.instagram.com/juliencasses.miniatures/

 UK : 

 FR : Cela fait presque cinq and depuis mon dernier message par ici. Et la chose un peu rigolote là dedans… c’est que j’ai continué de rédiger différents articles et de peindre quelques figurines durant ce laps de temps.
Alors, même si ces figurines et articles ne sont pas au niveau de ma période “qualité Golden Demon”, je me suis dit qu’il serait un peu dommage de ne pas les publier. Les articles et galeries de ces figurines arriveront dans les semaines qui viennent.
Bref, on souffle un peu sur la poussière. De là à dire que depuis quelques temps, l’envie de reprendre les pinceaux… pour quelque chose de qualitatif reviendrait peu à peu, il n’y a qu’un pas.
Je vais cependant m’abstenir de toute promesse illusoire quant à des rythmes de publication, autant éviter XD !

 UK :

 FR :

C’est tout simplement une tradition, mais c’est aussi l’occasion de profiter de quelques mots afin de vous souhaiter une excellente année 2020 et surtout de superbes sessions de peinture ou de sculpture !
Dire que ces dernières années n’aura pas vu ce site extrêmement actif est un euphémisme, bien que je ne sois pas rester totalement inactif pour autant. Plusieurs projets sont néanmoins en cours pour alimenter les pages de ce site, mais surtout de nombreux articles non diffusés n’ont toujours pas trouver domicile par ici.
En espérant donc pouvoir alimenter cet espace et continuer à partager cette passion commune.
Mes meilleurs vœux !

PS : Et afin de rester dans l’air du temps, une petite musique qui reste si peu en tête…

 UK :

 FR :
Pour ceux se demandant sur quel futur projet je compte avancer, ce ne sera pas le “Carnaval”.
Cet immense diorama ne sera jamais fini, c’est un fait.
A la place un projet sur des morts-vivants ait apparu il y a quelques temps avec la sortie du nouveau Nagash. Je ne sais pas encore si le dieu des revenants sera utilisé mais voici le petit teaser que javais envie de publier ^^.

 UK :

This piece was made for the Painting Crusade 12, the sadly gone belgian contest. The idea was to create a sort of deity representing ‘Mother Nature’, contemplating the remains of Humanity on a desolate soil, and under the protection of its guardian. Who knows what can happen to her ? Why is she crying and is she sorry for us? Does she think about the mess we made ? Why does she still need protection?

 FR : 

Cette pièce a été réalisée pour la Painting Crusade 12, fameux concours belge aujourd’hui disparu.
L’idée était de créer une sorte de déité représentant ‘Mère Nature’, contemplant les restes de l’Humanité sur un sol désolé, et sous la protection de son gardien.
Qui sait ce qui peut encore lui arriver ? Pourquoi pleure-t-elle et est-t-elle désolée pour nous ? Pense-t-elle au gâchis dont nous sommes la source ? Pourquoi a-t-elle encore besoin de protection ?

Time to start/Y’a plus qu’à !

 UK :

As usual, I choose the base according to the composition I have in mind. Shape, dimension, everything must correspond with the future scene. I start here on a round base in which I place rods that will serve as a structure for the rock to come. In addition, with a felt pen, I roughly mark the general outlines on it, and the locations of the characters.

 FR :

Comme à mon habitude, je choisis mon socle en fonction de la composition que j’ai en tête. Forme, dimension, tout doit correspondre avec la future scène. Je pars ici sur un socle rond dans lequel je place des tiges qui vont servir de structure à la roche à venir. De plus, avec un feutre, je marque grossièrement les contours généraux de celle-ci, et les emplacements des personnages.

 UK :

With Milliput, I start the rock structure and I especially test the height and the placement of the elements with the miniatures.
It must be harmonious. Everything is an eye question, we instinctively realize if the focus is where we want, if an element is too far back or too far, if the rock must go higher, go further back etc.
There is nothing magical in there. It’s at most a question of practice. At this stage, don’t be too thoughtful, everything is changeable, and will be changed.

 FR :

Avec du Milliput, je commence à former la structure et je teste surtout la hauteur et le placement des éléments avec les figurines.
Il faut que l’ensemble soit harmonieux. Tout est question d’œil, on se rend instinctivement compte si le focus se fait où l’on veut, si un élément est trop en retrait ou trop devant, si la roche doit monter plus haut, aller plus en arrière etc.
Il n’y a rien de sorcier là dedans. C’est tout au plus une question de pratique.
À cette étape, il ne faut pas se prendre la tête, tout est modifiable et sera modifié.

 UK :

The Devourer from the Rackham range: “Nemetis the Sacrilege” was chosen for several reasons. First of all the miniature is beautiful and represents a lot of things. The clothes with a warrior / monk / “sadomasochistic” appearance or the wearing of the mask contribute to the feeling that it is a totally dedicated ally. Everything is reinforced by its attitude as well as its position back and height on the base.
He watches over her.
The fact that the character is a wolf is also extremely important. The wolf teaches spiritual knowledge, guides us in dreams and meditations and symbolizes social and family values. It also symbolizes respect and symbiosis with nature. It represents the firmness, the tenacity of character. But also incorruptibility, courage, dignity and finally death and rebirth.
To choose a wolf as the guardian of “Mother Nature” finally became obvious.

 FR :

Le Dévoreur issu de la gamme Rackham : “Nemetis le Sacrilège” fut choisi pour plusieurs raisons. Tout d’abord la figurine est magnifique et représente pas mal de choses.
Les vêtement avec un aspect guerrier/moine/”sadomasochiste”, ou le port du masque contribuent à donner le sentiment qu’il s’agit d’un allié totalement dévoué. Le tout est renforcé par son attitude ainsi que sa position en retrait et en hauteur sur le socle. Il veille sur elle.
Le fait qu’il s’agisse d’une figurine de loup est aussi extrêmement important.
Le loup enseigne la connaissance spirituelle, nous guide dans les rêves et méditations, symbolise les valeurs sociales et familiales. Il symbolise aussi le respect et la symbiose avec la nature. Il représente la fermeté, la ténacité de caractère. Mais aussi l’incorruptibilité, le courage, la dignité et enfin la mort et la renaissance.
Choisir un loup comme gardien de “Mère Nature” s’imposa finalement comme une évidence.

Realize the rocky texture/Réaliser la texture rocheuse.

 UK :

On a Milliput base corresponding roughly to the volumes you want, it is then necessary, with the help of various burrs and a Dremel, to begin by defining hollows, by planing here and there. I started with a conical bur, before coming to use later spherical burrs. The goal is to obtain sorts of craters,  a bit lunar, Martian, or simply suitable for infernal scenery…

 FR :
Sur une base en Milliput correspondant grossièrement aux volumes que vous voudrez, il convient ensuite, à l’aide de différentes fraises et via une Dremel, de commencer par définir des creux, en rabotant par-ci par-là. J’ai commencé avec une fraise conique, avant de venir utiliser par la suite des fraises sphériques. Le but va être au final d’obtenir des sortes de cratères, pour obtenir une roche un peu lunaire, martienne, ou tout simplement convenant à des décors infernaux…

 UK :

I continue the work of sketching the texture by planing so as to obtain hollows, but now also smooth edges, and real holes.

 FR :

Je continue le travail d’ébauche de la texture en rabotant de manière à obtenir des creux, mais désormais aussi des arêtes lisses et de véritables trous.

 UK :

Then with the spherical burrs I make some deeper craters . Do not hesitate to force the sketch . It is necessary for the future paint to obtain frank contrasts between the hollows and the sharp edges.

 FR :

Puis avec les fraises sphériques je viens rend plus profond certains cratères. Il ne faut pas hésiter à forcer le trait. Il faut qu’ensuite à la peinture, il soit aisé d’obtenir des contrastes francs entre les creux et les arêtes nettes.

 We take out the brushes/On sort les pinceaux !

 UK :

As often, I start with the legs of the miniature, just to test my color scheme. As Mother Nature will have have green tones, I’ll have to counterbalance that on the guardian. So, he will have red somewhere.
For her skin, I started on the idea of ​​a neutral tone, and rather than a gray, I headed for a beige / light brown. As a reminder, in a chromatic circle composed of the three primaries, there is neither gray nor brown. These shades once placed on the miniature are therefore “neutral” areas.
This is a handy tip for not ending up with something too colorful in general.
-The loincloth is based with a mixture of brown (Umbral Umber P3) and red (Blood Red + Scab Red GW)
-The skin is based with a mix of Snakebite Leather GW + Umbral Umber P3, Ivory Prince August and Bleached Bone GW.

 FR :

Comme toujours, on commence par la base. Et comme toujours, je commence par les jambes de ma figurine, histoire de tester mon schéma de couleur. Mère Nature allant avoir des tons verts, il va me falloir contrebalancer cela sur le gardien. De fait, il aura du rouge.
Pour sa peau, je suis parti sur l’idée d’un ton neutre, et plutôt qu’un gris, je me suis dirigé vers un beige/brun clair. Pour rappel, dans un cercle chromatique composé des trois primaires, il n’y a ni gris, ni marron. Ces teintes une fois posées sur la figurine sont donc des zones « neutres ». Il s’agit d’une astuce pratique pour ne pas se retrouver avec quelque chose de trop bigarré de manière générale.
-Le pagne est basé avec un mélange de marron (Umbral Umber P3) et de rouge (Blood Red + Scab Red GW)
-La peau est basée avec un mélange de Snakebite Leather GW + Umbral Umber P3, Ivoire Prince August et Bleached Bone GW.

 UK :

-The loincloth is shaded with more Umbral Umber, to which I add touches of dark purple (Liche Purple GW + black). The reason for the purple in the shadows is that the parts of the miniature will be thinned with yellows.
I get a complementary contrast of colors between the shadow of the loincloth, and lights on the miniature. Everything is harmonized and enriched.
Regarding the loincloth’s lights, I mount the base color with more Blood Red, then just added a tip of Cadmium Orange (Lefranc Bourgeois) and Flesh tone (LB).
If you use too much orange or flesh tone, you can simply use a red wash to harmonize / correct the tone, while maintaining a higher value of light.

- For the skin, I shaded my base with more and more Umbral Umber. Some blues and purplish/blue tips are also associated in some of the finals linings and finals shadows in addition to the Umbral Umber. The lights are done with the additions of Bleached bones, then Ivory + Naples Yellow (LB).
-At this level the skin and the loincloth are relatively soft in terms of treatment. To counteract this the thongs and the armor areas will be more textured. The strips are bases with a mixture of Umbral Umber and black. I went directly to paint fines lines, small touches of paint on the edges of the strips, to simulate wear and scratches. These lines are composed of Ivory and Naples Yellow. I dilute this mixture that I spend largely on the parts receiving the most light. It helps me to  unified the textured, as lighten it in a very light way.

 FR :

-Le pagne est ombré avec de plus en plus d’Umbral Umber, auquel j’adjoins des touches de violet sombre (Liche Purple GW + noir). La raison du violet dans les ombres est que pas mal de parties de la figurine seront éclaircis avec des jaunes. J’obtiens ainsi un contraste de couleurs complémentaires, entre les ombres de mon pagne, et des éclaircis présents sur la figurine. Le tout s’harmonise et s’enrichit.
Concernant les éclaircis du pagne, je monte ma teinte de base avec de plus en plus de Blood Red, puis j’y adjoint une pointe d’Orange de Cadmium (Lefranc Bourgeois) et de Teinte chaire (LB). Si le ton remonte trop vers l’orange ou la chaire, il me suffit de repasser des lavis de rouge par dessus pour harmoniser/corriger la teinte, tout en gardant une valeur supérieure d’éclairci.

- Pour la peau, j’ai ombré ma base avec de plus en plus d’Umbral Umber. Quelques pointes de bleus, et de bleus/violacés sont aussi adjointes pour certains lining et ombrages finaux dans l’ Umbral Umber.
Les lumières, elles, sont montées avec des ajouts de Bleached Bone, puis d’Ivoire + du Jaune de Naples (LB).
-À ce niveau la peau et le pagne sont relativement « doux » en terme de traitement. Pour contrebalancer cela les lanières et les zones d’armures seront plus texturées. Les lanières sont basées avec un mélange d’Umbral Umber et de noir. Je suis directement venu posés de fins traits, et des petites touches de peintures, sur les bords des lanières, afin de simuler usure et éraflures. Ces traits sont composés d’Ivoire et de Jaune de Naples. Je dilue ce mélange que je passe en jus très fins sur les parties recevant le plus de lumière. Cela me sert autant à unifier la texture, qu’à éclaircir mes lanières de manière très légère.

 UK :

I start in parallel the armor areas. Knowing that the skin is partly satin, and that the fabric is relatively matt, I decided to go for an armor with a somewhat lacquered rendering. I play on areas sometimes matt, satin, or brilliant to bring variety to my miniature and simulate different materials. I come back to it often, but it is a crucial point to remember. I base the plates with a mixture of black, Naples yellow and turquoise ink P3. Then I begin to add more and more yellow and simulate reflections of lights following the logic of the curves of the plates of armor.

 FR :

Je commence en parallèle les zones d’armures. Sachant que la peau est en partie satinée, et que le tissu est relativement mat, je me suis décidé pour une armure avec un rendu quelque peu laqué. Je joue sur des zones tantôt mate, satinée, voire brillante pour apporter de la variété sur ma figurine, et simuler différentes matières. J’y reviens souvent, mais il s’agit d’un point crucial à ne pas oublier.
Je base les plaques avec un mélange de noir, de Jaune de Naples et d’encre turquoise P3. Puis je commencer à rajouter de plus en plus de jaune et simuler des reflets de lumières en suivant la logique des courbes des plaques d’armure.

 UK :

I progress on the lights by adding more and more ivory, until this pure hue. The goal is to obtain very frank contrasts. From the very bright to the very dark side. This is the principle of the NMM. A metallic or shiny surface will have very strong contrasts on the reduced surfaces.
Although the idea is not to do a NMM here, the theoretical approach helps for the process.

 FR :

Je progresse dans les éclaircis en ajoutant de plus en plus d’Ivoire, jusqu’à cette teinte pure.
Le but est d’obtenir des contrastes très francs. Du très clair à côté du très sombre. C’est le principe du NMM. Une surface métallique ou brillante aura des contrastes très forts sur des surfaces réduites.
Bien que l’idée ne soit pas ici de faire un NMM, l’approche théorique aide à la réalisation.

 UK :

I do the same on all the others similars parts at the same time, it helps to keep the same regularity in my mixtures. I also add a few lines here and there to simulate the wear, the blows that the armor was able to receive, etc.
I’m also starting to work on the gilding around the armor.
These are simply based with  Snakebite Leather  GW + Bubonic Flesh GW and black. The shadows are made with Umbral Umber, then Umbral Umber + black + purple.
The lights are mounted with Naples yellow, then Ivory. The principle is the same, for any dark area, I have an adjacent clear area.

 FR :

Je fais de même sur la totalité de la figurine, afin de travailler les zones en même temps et de garder la même régularité dans mes mélanges. J’ajoute aussi quelques traits par-ci par-là pour simuler l’usure, les coups que l’armure a pu recevoir, etc. Je commence aussi à travailler sur les dorures entourant l’armure.
Celles-ci sont simplement basées avec du Snakebite Leather GW + Bubonic Flesh GW et du noir. Les ombres sont réalisées avec de l’Umbral Umber, puis de l’Umbral Umber + noir + violet.
Les lumières sont montées avec du Jaunes de Naples, puis de l’Ivoire. Le principe est le même, pour toute zone sombre, j’ai une zone claire adjacente.

 UK :

Next : the hair. As said above, it is necessary to play on the complementarity of colors. Whether using the same tone in various ways on the miniature, or with the complementarity of these: red with green, orange with turquoise, purple with yellow : there is nothing wizarding. Since yellow is massively used on the figurine, I opted for a tone of very light hair, almost white, but while being purplish. I used Liche Purple GW for the base tone.

 FR :

Je passe aux cheveux. Comme dit plus haut, il convient de jouer sur la complémentarité des couleurs. Que ce soit en utilisant le même ton de diverses manières sur la figurine, ou par la complémentarité de celles-ci : le rouge avec le vert, le orange avec le turquoise, le violet avec le jaune : il n’y a rien de sorcier. Vu que le jaune est massivement utilisé sur la figurine, j’ai opté pour une teinte de cheveux très clairs, presque blanc, mais tout en étant violacés. Je base ces derniers avec du Liche Purple GW.

 UK :

I then lighted the hair with a bluish gray. A mix of a color that looks like Space Wolf Gray GW. Then I mount the rest with Ivory and a few points of white.
I use some light bluish gray juice in the shadows to de-saturate the original purple.

 FR :

J’éclairci ensuite cette base avec un gris bleuté. Un mélange d’un simili Space Wolf Grey GW.
Puis je monte le reste avec de l’Ivoire et quelques pointes de blanc. Je passe quelques légers jus de gris bleutés dans les ombres afin de dé-saturer le violet de départ.

Quick point on the NMM/Rapide tour des NMM

 UK :

I return to the gilding, this time concerning the sort of “holy halo” above his head. I will be more succinct on this part as I realized a complete article on the difference of treatment between the NMM and the TMP (to be publish on the site). We can see from the the sketchs, I seek to obtain marked contrasts.

 FR :

Je reviens sur les dorures, cette fois concernant l’espèce « d’halo saint » au dessus de sa tête. Je vais être plus succinct sur cette partie ayant réalisé un article complet sur la différence de traitement entre le NMM et le TMP (à venir sur le site).
On peut voir que dès le tracé des bases, je cherche à obtenir des contrastes marqués.

 UK :

Once you’re done, all you have to do is refine the transitions, put some contrasts here and there, and end with the points of lights.

 FR :

Une fois l’étape précédente obtenue, il ne reste plus qu’à affiner les transitions, poser de-ci de-là quelques contrastes et terminer par les points de lumières.

 UK :

Regarding the blade of the halberd, I use a base composed of black, white and Payne Gray from Golden.

 FR :

Concernant la lame de la hallebarde, j’utilise une base composée de noir, de blanc et de Gris de Payne de chez Golden.

 UK :

Once again, I mark the contrasts. The principle is always the light / dark opposition. I do not care that the result is “fuzzy” for the moment, I really take care of the placement of my lights and the intensity of colors and their values. The finishing work will come later. Even if at the stage of this photo I had already begun to refine certain transitions, it is important to know how to let go, to learn how to pose shades or unmixed tones, then to come and refine the work afterwards. This allows you to test the overall result you want to achieve.

 FR :

Encore une fois, je marque les contrastes. Le principe est toujours celui de l’opposition clair/sombre. Je me moque que le résultat soit “flou” pour le moment, je m’occupe vraiment du placement de mes lumières et de l’intensité de couleurs ainsi que de leurs valeurs. Le travail de finitions viendra par la suite. Même si à l’étape de cette photo j’avais déjà commencé à fondre certaines transitions, il est important de savoir lâcher prise, d’apprendre à poser des teintes franches ou des teintes non fondues, puis de venir affiner le travail par la suite. On teste ainsi le résultat général que l’on veut obtenir.

 UK :

The points of light and the edges are made. We note that with these additions contrasts become more visible, but especially that the readability of the blade appears. The lights are simply make with Ivory, as for the shadows I add black in my base without using it pure. However, I finish with Scab Red juice and black in the shadows, to bring a little extra chromatic touch to them.

 FR :

Les points de lumières et les arêtes sont ajoutées. On note que s’est avec ces ajouts que les contrastes se font plus visibles, mais surtout que la lisibilité de la lame apparaît. Les lumières sont simplement montées avec de l’Ivoire, quant aux ombres j’ajoute du noir dans ma base sans arriver à cette dernière teinte pure. En revanche, je termine par des jus de Scab Red et de noir dans les ombres, afin d’apporter un petit plus chromatique à celles-ci.

 UK :
Small aside. Do not hesitate to paint elements separately if it facilitates the general accessibility of certain areas of the miniature. Here: Globally all the part of the character behind the halberd. There is no need to re-sculpt junctions with paste, here some Milliput, over previously painted areas. We can see on the next picture that I sculpted the junction between the left arm and the forearm while the whole is already painted. I only had to paint over the milliput with the corresponding colors once it dries, and that without even having to undercoat it. Don’t be afraid !

 FR :

Petit aparté. Il ne faut pas hésiter à peindre des éléments séparément si cela facilite l’accessibilité générale de certaines zones de la figurine. Ici : globalement toute la partie de la figurine derrière la hallebarde. Il n’y a aucun souci à re-sculpter des jonctions avec de la pâte, ici du Milliput, par dessus des zones déjà peintes. On peut voir sur la photo suivante que j’ai sculpté la jonction entre le bras gauche et l’avant-bras alors que le tout est déjà peint. Je n’ai eu qu’à repasser avec les teintes correspondantes sur la pâte une fois celle-ci sèche, et cela sans même avoir à la sous-coucher.
N’ayez pas peur !

 UK :

For the face, and in order to make it a focal point and to differentiate it, the mask’s fabric was painted black, not red. In this way, the skin of the face and gilding emerge.

 FR :

Pour le visage, et afin d’en faire un point focal et de le différencier, le tissu du masque a été peint en noir, et non en rouge. De cette manière, la peau du visage et les dorures ressortent.

Mother Nature / Mère-nature.

 UK :

I then moved on to our divinity. In order to make it stand out compared to the guardian and the future “Martian” floor, as well as to stick to its theme, I turned to a shade of light green, a little milky, for its skin. The base is a blend of Bleached Bone GW, Gray and Knarloc Green GW.

 FR :

Je suis ensuite passé à notre divinité. Afin de la faire ressortir par rapport au gardien et au futur sol « martien », ainsi que pour coller à son thème, je me suis donc tourné vers une teinte de vert clair un peu laiteux pour sa peau.
La base est un mélange de Bleached Bone GW, de gris et de Knarloc Green GW.

 UK :

I started with quick juices from our base with additions of Knarloc Green and Umbral Umber to mark the shadows. I then started to add more and more green.

 FR :

J’ai débuté par des jus rapides de notre base avec des ajouts de Knarloc Green et d’Umbral Umber afin de marquer les ombres. J’ai ensuite commencé à rajouter de plus en plus de vert.

 UK :

For the lights, I went with pure Bleached Bone, then with additions of Ivory and some yellow Naples tips. The deity having slightly “mutated” areas, I went to mauves and roses a tiny bit “fluo” for them. I took the opportunity to mark with these tones some areas, such as the folds of the joints, lips, cheekbones and nipples. In order not to add too many additional hues, I also decided to go for a brown hair.

 FR :

Pour les lumières, je suis parti vers des éclaircis à base de Bleached Bone pur, puis avec des ajouts d’Ivoire et de quelques pointes de Jaune de Naples. La figurine ayant des zones légèrement « mutées », je suis parti vers des mauves et des roses un tantinet « fluo » pour celles-ci. J’en ai profité pour marquer avec ces teintes certaines zones, comme le plis des articulations, les lèvres, les pommettes et les mamelons.
Afin de ne pas rajouter trop de teintes supplémentaires, j’ai aussi décidé de partir vers un marron/châtain pour les cheveux.

The base / Le socle.

 UK :

I base the rock with a rather dark gray-blue. The mix consists of White, Black and Payne Gray.

 FR :

Je base la roche avec un gris-bleu assez foncé. Le mélange se compose de blanc, de noir, et de Gris de Payne.

 UK :

Dry brushing. I just use Naples Yellow and Ivory on the edges.

 FR :

En brossant à sec, je viens déposer du Jaune de Naples et de l’Ivoire sur les arêtes.

 UK :

The previous step having been deliberately frank, I pass new juices composed of my base, but also purple, this time focusing on the hollows. I also start refining some surfaces and edges attracting light, with Ice Blue GW, then Naples Yellows (thus obtaining some green intermediate areas), and finally Ivory.

 FR :

L’étape précédente ayant été volontairement franche, je repasse de nouveaux jus composés de ma base, mais aussi de violet, cette fois en me concentrant sur les creux. Je commence aussi par dégrader certaines surfaces et arêtes attirant la lumière, avec de l’Ice Blue GW, puis du Jaunes de Naples (obtenant ainsi quelques zones intermédiaires vertes), et enfin de l’Ivoire.

 UK :

I end the base with the “Martian” effect. For that I just used dry pigment, including Prime Red from Mig, Light Rust and Dark Rust from the same range. Once satisfied, I fixed these pigments with Pigments Fixer MIG. I then came to add touches of Cadmium Orange and Naples Yellow , in light dry brushing, once certain that the pigments did not move any more.

 FR :

Je termine le socle avec l’effet « martien ». Pour cela j’ai simplement usé de pigment sec, notamment du Prime red de chez Mig, de Light Rust et de Dark Rust de la même gamme. Une fois satisfait de la répartition, j’ai fixé ces pigments avec du Pigments Fixer MIG. Je suis ensuite venu ajouter des touches d’Orange de Cadmium et de Jaune de Naples, en légers brossages à sec, une fois certain que les pigments ne bougeaient plus.

We bring the family together / On réunit la famille !

 UK :

The goal of this piece was to play on a very small palette, while there are two protagonists. In the end, however, everything is complete. Red, green. Yellow, purple. We remain on a harmonious scene, but in which the two characters stand out. Moreover, I like the symbolic aspect of this maternal and nurturing deity, contemplating the remains of her childrens in a devastated world. No doubt melancholy, pensive, perhaps bitter, but finally unable to afford to hate her own creation and lovingly watching her. All under the watchful eye of his guardian, who will not allow, or certainly will not allow anymore, anything that can happen to her.

 FR :

Le but de cette pièce a été de jouer sur une palette très réduite, alors qu’il y a pourtant deux protagonistes. Au final, cependant, tout se complète. Du rouge, du vert. Du jaune, du violet. Nous restons sur une scène harmonieuse, mais dans laquelle les deux personnages se détachent. De plus, j’aime l’aspect symbolique de cette divinité maternelle et nourricière, contemplant les restes de ses enfants dans un monde dévasté. Sans doute mélancolique, pensive, peut-être amère, mais ne pouvant se permettre au final d’haïr sa propre création et la regardant de manière aimante. Le tout sous l’œil attentif de son gardien, qui ne permettra pas, ou certainement qui ne permettra plus, que quoique ce soit puisse lui arriver.

THE GUARDIAN

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 UK :

This piece was made for the Painting Crusade 13, famous Belgian contest. Sadly gone.
As often, I decided to make a figurine at the last moment.
For a long time, I had the desire to paint this piece, sculpted by Thomas David. The contest was getting closer, and like any good hobbyist with countless figures to paint, I began to line up different potential miniatures.
Little desire to paint 32mm, no desire to make a diorama or a “big project”, in short, I began to turn to an in-between.
The 54mm scale imposed itself  and the Flower Knight came naturally to win.

In about ten days, the painting was made. This miniature of remarkable finesse made me want to paint it just as gently.
If this does not necessarily shine in the following picture, in hand the painting is as delicate in the realization of the fades as the laying of lights.
I especially tried to stick to the colors of the original illustration, which really marked me at the time by their accuracy about the representation and the impact that had to have, in my opinion, that character.
Impact in the colors or at least in the general atmosphere that I did not entirely find the official painting.

So obviously, I also think I have not managed to transcribe this dark, disturbing, even anxiety that gives the original illustration, but I am still happy to have been able to paint this figurine, which still today leaves me a most pleasing memory of its coloring, especially for its concept and also for the excellence of its sculpture.

Thanks to MaudAzeria for the pictures !

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 FR : 

Cette pièce a été réalisée pour la Painting Crusade 13, fameux concours belge. Aujourd’hui tristement disparu.
Comme souvent, je me suis mis en tête de réaliser une figurine proche du dernier moment. Or, cela faisait un petit moment que l’envie de peindre cette pièce, sculptée de main de maître par Thomas David, tournait dans ma tête.
Le concours se rapprochant, et comme tout bon hobbyiste disposant d’un nombre incalculable de figurines à peindre, je me mis à aligner différentes pièces potentielles.
Peu d’envie de peindre du 32mm, aucune envie de réaliser un diorama ou un “gros projet”, bref, je commençais à me tourner vers un entre-deux.
L’échelle 54mm s’imposant, le Flower Knight en vînt tout naturellement à s’imposer.

En une dizaine de jours, la peinture se révéla bouclée. Cette figurine d’une remarquable finesse me donna envie de la peindre tout aussi délicatement.
Si cela ne s’impose pas forcément en photo, en main la peinture se veut tout aussi délicate dans la réalisation des fondus que de la pose des lumières.
J’ai surtout cherché à coller aux colories de l’illustration d’origine, qui m’ont vraiment marquées à l’époque par leur justesse quand à la représentation et l’impact que se devait d’avoir, à mon sens, ce personnage.
Impact dans les coloris ou en tout cas dans l’atmosphère générale que je ne retrouvai pas entièrement dans la peinture officielle.
Alors évidemment, je pense moi aussi ne pas avoir réussi à retranscrire cet aspect sombre, inquiétant, voire anxiogène que procure l’illustration d’origine, mais je reste néanmoins heureux d’avoir pu peindre cette figurine, qui encore aujourd’hui me laisse un souvenir des plus plaisants quant à sa mise en couleur, notamment par son concept mais aussi pour l’excellence de sa sculpture.

Merci à MaudAzeria pour les photos !

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