Just a note

Best Memories of 2008

noreply@blogger.com (Tourist) — Wed, 28 Jan 2009 12:03:00 +0000

Best Memories of 2008

10. Man on Wire (2008, James Marsh)

This is a funny, captivating documentary chronicling a tightrope walker's history, preparation, and effort to walk on high wire between the Twin Towers of the World Trade Center.
On August 7, 1974, some New Yorkers were treated to a memorable spectacle at Twin Towers. Behind it all was the daring exploits of a Frenchman Philippe Petit.
Acting on an idea he'd been pondering, drafting, and practising for months, showcasing his unbelievable feat of perseverance and foot-first skill that had enthused him for years on end since he was a teenager, Philippe Petit depicts his formidable undertaking to the world. He undertook arguably one of the most periculous endeavour in human history, and it was publicized by TV and newspapers. With this risky venture, Philippe Petit inspired wonder shared by very few peers.
At the heart of Philippe Petit's high-wire walking performance was the idea that the seemingly insurmountable obstacle can be overcome by effort and enthusiasm. In one morning of awe-inspiring and emotional splendor, he educated, edified and entertained us all. If you have a dream, go make it come true while you are still young, time and tide wait for no man. That's what this film tells us.

9. The Chaser (2008, Na Hong-jin)

Inspired by a true story, The Chaser (2008) revolves around serial disapperances of call girls and an ex-cop's desperate search to save his employee's life. In his pursuit he's obstructed by his former police colleagues at almost every turn, even when the killer is held in detention and confesses his guilt.
The Chaser (2008), as in Bong Joon-ho's Memories of Murder (2003), pours scorn on the authorities' incapability and clumsiness, reveals social discontent about the officials, while the identity of the killer remains a mystery in the latter, it is identified early on in this film, and then focuses on how inept the investigators are and how preposterously the Korean society operates. In The Chaser (2008), most of the suspense comes from the foot chase, close fighting, and the killer will be released if the fumbling police are not able to provide evidence within a day.
With the dauntless filmmaker keen to paint a grim picture in which law enforcement is shown in an unfavourable light - the shirking police force are always in search of a way to shift blame, and with the added social commentary, this film goes beyond the majority of serial killer films. And the most unbelievable of all, this is the director Na Hong-jin's debut.
I am always in awe of some directors' talents, such as Clint Eastwood, the older he gets, the more prolific and inspiring he becomes, and some newcomers like Cristian Nemescu, Fatih Akin, Florian Henckel von Donnersmarck and Na Hong-jin, with their first attempts at filmmaking, many experienced directors pale into insignificance.

8. Revolutionary Road (2008, Sam Mendes)

It's western Connecticut in the mid-1950s booming postwar period, a couple attempt to move to Paris to begin their lives anew and leave their hopeless emptiness behind. But with the advent of a career opportunity that the male lead cannot afford to miss, the couple's relationship begins to turn sour and lack of communication eventually leads to family tragedy. The storyline sounds stale and conventional, it works as an astonishingly touching, absorbingly thought-provoking adult drama nevertheless.
The film is a glaringly vivid voyage of distress, observing the broadening line between the couple whose growing mutual resentment and hatred are impediment to gradually altering their corroding relationship in the name of matrimony.
Leonardo DiCaprio's acting in this film is at his career peak, bestowing a desperate quality with minimal moves, interiorizing the sorrow and fury with prominent facial torsions, but unfortunately overshadowed this year by Mickey Rourke's Oscar-worthy performance in The Wrestler (2008) - one that most probably will be recognised by the Academy.
Kate Winslet's performance here is much better than that in The Reader (2008), more natural and less contrived, though the latter got lots of her nude scenes, yet Kate Winslet got nominated for best actress for The Reader (2008) rather than this film on Oscar nominations. Go figure.

7. Frost/Nixon (2008, Ron Howard)

Frost/Nixon (2008) tells a very personal story wrapped within a larger political context. Adapted from the Peter Morgan's Tony-nominated stage drama that portrays David Frost's 1977 series of TV interviews with former President Richard Nixon, the film harkens back to the 1970s and the Watergate scandal that resulted in the indictment of several of Nixon's closest advisors, and ultimately his resignation on August 9, 1974. Much unlike typical political interviews, the struggle pitted an checkbook journalism against White House dirty tricks squad. Frost's interview also has to be seen against the backdrop of controversial pardon issued by President Gerald Ford for any federal crimes Nixon may have committed while in office, who regarded the interview both as an opportunity to make a fortune and a prospect of an improvement of his sullied reputation with a talk show host he believed adequate to only asking easy questions.
However, Nixon's underestimate of his opponent paved the way for his final admission and remorse. Mass media was what indicted him and destroyed his hope of presidency both in Watergate scandal and this interview. Although Frank Langella doesn't bear physical or vocal resemblance to Nixon, he incarnates Nixon through sheer force of brilliant performance.

6. Doubt (2008, John Patrick Shanley)

As in The Crime of Father Amaro (2002) and Deliver Us from Evil (2006), this film tells a story of a Father's sexual misconduct. All these films take on the issues of religion, morality and authority. Some priests' misbehaviour arouses some audiences' skepticism on the existence of God, crisis of faith (doubt), as this film put it, can be a bond as powerful and sustaining as certainty. There are moments of doubt and disbelief, times when religious doctrine fails to provide a rationale or explanation. Yet all these films don't say priests are unethical but discover that priests are human and some humans are unethical. It should be noted that many ordained religious practitioners are good men. They are good-hearted, altruistic individuals living pious lives in service of their calling. For every dishonourable priest, there are many more men whose concern for others is non-ravening. As in Deliver Us from Evil (2006), an activist for those victims was another righteous Father, who excoriates the Church's response to the scandal, and in this film, Father Brendan Flynn's suspicious behaviour is investigated and reprobated by Sister Aloysius Beauvier.
I had a dicussion about the film Deliver Us from Evil (2006) with an evangelist during the Franklin Graham Festival at Hong Kong Stadium in December 2007. I asked why God didn't prevent some priests' culpability, he replied that God gives you the freedom to choose between right and wrong. If you're determined to misbehave, why blame God for the responsibility of your wrongdoings afterwards. It's you who made the decision. God doesn't tell you to misdemean. One day, those wicked priests have to bear the full responsibility for their conduct in front of God.
The message of this film can be extended from faith in God to faith in life, faith in love, faith in career. Under desperate circumstance, uncertainty is likely to set in. The only thing we could do is learn from the past, make sensible choices, keep going on the right path.

5. Gomorra (2008, Matteo Garrone)

Based on Roberto Saviano's bestseller about Italy's notorious Neapolitan syndicate Camorra, Gommorah is a movie so unlike the usual Hollywood crime film which glamorizes the mob in a phony way, that its genuineness makes the typical Hollywood ones pale by comparison. This film interweaves five different stories related to mob activities to demonstrate how deep the vicious roots reach in reality, and how hard and ineffectual it appears to seek to uproot this mob-rule threat from its firmly controlled regions. It was shot in the same locale as where the story took place, exhibiting the Camorra criminal families' impact in social, political and economic aspects.
It’s a splendidly told disclosure of how the modern Italian mob functions, from the long-existing street bullying to international business intimidation.
The author of the best-seller which inspired this film was threatened by the Mafia of Naples, because he had the bravery and the rashness to spill a large number of beans about the Camorra, the Mafia of Naples, the author now has to be protected by a bodyguard. All these add to the film's atrocious sense.

4. Waltz with Bashir (2008, Ari Folman)

Before Israel carried out an air attack in Gaza and sent tanks into the Strip in late December last year, a film called Waltz with Bashir (2008) was made about the Sabra and Shatila massacre in September, 1982. The peacebreakers and victims are the same in both incidents, Lebanese Phalangist militiamen entered and massacred two Palestinian refugee camps with the permission of Israeli Defense Forces. and Israel's recent relentless air attacks on a besieged Gaza caused over 1,000 deaths and some 4,000 injuries of innocent Palestinians, mostly women and children.
In an animated style similar to Waking Life (2001), writer-director Ari Folman investigates the massacre of Palestinian refugees that has been haunting his generation for more than two decades. Folman's film mulls over this disturbing material, digging slowly but deep – and even the Kafkaesque tone that runs throughout those fragmented memories can't gear you up for the striking aftermath. Ari Folman cuts in between those fragmented memories in such a manner that it takes a while to figure out what's happened and how it all connects, here is a filmmaker challenging the audience's history knowledge, demanding fullest attention. Waltz with Bashir (2008) comes across as a hearty and profoundly sore struggle that exempts neither its maker nor his nation from the guilt. Even though the film's animated style, as the director claimed, functions on the border between reality and the subconscious, what happened in the film was not a dream, and that was the most frightening thing of all.

3. The Curious Case of Benjamin Button (2008, David Fincher)

There's little doubt this is an ambitious effort, the film takes the audience on a tour of the 20th century, with a love story so unique that the lovers age in the opposite direction.
Of all the directors you would expect to make an era-spanning romance epic like this film, you would not think of David Fincher as the first choice. David Fincher's films are symbolized by murder, suspense, brutality, nastiness, and psycho thriller as seen in Se7en (1995), The Game (1997), Fight Club (1999), Panic Room (2002), Zodiac (2007). And yet, David Fincher's astonishing deployment of phenomenal amount of techonological details to replicate New Orleans over the span of the 20th century, and his adeptness to elicit wondrous performances from his actors made this another masterpiece of another heartrending romance. One of David Fincher's magical strength as a director is his ability to make the movie as engrossing as possible througout the film. The film is nearly 3 hours in length, but it never makes you feel ponderous and tedious.

2. The Wrestler (2008, Darren Aronofsky)

Darren Aronofsky, an auteur of making visually thrilling and intellectually challenging films, brings another astounding feature, but with less equivocalness as previous film like The Fountain (2006), instead with more violence and poignance.
The Wrestler (2008) explores not just the traditional elegiac of fading from prime prominence, but the equally soul-rattling ache of father-daughter relationship.
The characters are so deeply drawn and remarkably illuminated, the audience are connectted with the characters' pain. It's an audacious and essential film, gorgeously presented and, grimly entertaining too.
As in Requiem for a Dream (2000), Darren Aronofsky uses certain sound effects to simulate a certain emotion, such as the actor walked in a store to work, but accompanied by shrill, excited cheering of wrestling fans to represent the character's past glory and today's ordinariness.
The performance by Mickey Rourke in this film is simply superb, Mickey Rourke has never been better, his dumfounding wrestling presentation and electrifying acting developes the wrestler into an incredibly complicated, conflicted individual who emites equal parts enchantment and immorality, magnetism and brutality. Mickey Rourke's interpretation of Randy 'The Ram' Robinson stands for the class of male acting in 2008. Chances are we'll see him being awarded as best actor at the upcoming Oscar ceremony.

1. Slumdog Millionaire (2008, Danny Boyle)

Twelve years after the sublimely excellent Trainspotting (1996), Danny Boyle's works in between were inspiring but uneven, and now with the deeply affecting Slumdog Millionaire (2008), the director is back to his career peak, and this film may be his most popular work ever.
This film is the director's most accessible work to date since the narrative works on multiple levels, it can be viewed as a suspenseful adventure, a touching romance, or as a peek at human misery in Indian society despite its fast-growing economy.
Danny Boyle blends this evidently Oliver-esque tale with picturesque sets, quick cuts, amazing kaleidoscopic shots, canted camera angles, and always-in-motion camerawork. In the hands of a less talented director, this skillfully crafted feature may appear kitschy and meretricious, but with the cinematic sleight of hand of Danny Boyle, this seamlessly assembled work looks stylistically overwhelming while remains narratively solid and grippingly breathtaking.
The movie has grievous and tragic moments but it is jubilant in the end and incorporates all the elements general audience desires. Danny Boyle ends the movie with the protagonist reuniting with his childhood sweetheart and then an effervescent dance number, ensuring the audience leaves the theater with an elated viewing pleasure.

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Change?

noreply@blogger.com (Tourist) — Wed, 12 Nov 2008 06:48:00 +0000

美國總統選舉終於塵埃落定，Obama 如願以償登上總統寶座，不過，在他領導下的美國，是否會如他的競選口號般帶來 Change 呢? 可能要四年後才可蓋棺論定。

然而，Obama 的對華貿易政策，如果真的如他所言，那麼可能會美國帶來的是負面的影響，多於正面的 Change. Obama 強調當選後，將會採取措施保護美國製造業，為美國製造業創造更多職位，例如令人民幣升值(事實上，過去三年來，人民幣對美元己升值了20%)，以減少從中國入口，刺激美國出口。在寫給美國紡織業工會的信件中，提及會促使中國減少出口，在某些美國部門，更只會使用美國本土製造的紡織品。

Obama 這種政策表面上為美國工人謀利益，實際上是在幫倒忙，如果製造業重回美國，論成本，肯定要比在中國生產的高許多倍，中國有廉價的勞動力，這是美國所不能匹敵的，同樣質量的產品，在中國生產，然後再出品到美國，價錢可能比在美國本土生產的成本還要低，而美國人從中節省下來的金錢，可以用在其他方面，例如美國本土的娛樂業，或者到美國的渡假熱點休憩一番，這對發展美國經濟更有幫助。

另一個美國從中國入口的好處就是，很多在中國製造的產品，其原料有機會是從美國入口的，譬如說中國入口了世界上不少棉花原料，而美國又剛巧出口了不少棉花到全世界，因此在美國購買的中國製棉褲，很有可能當中的棉花原料是來自美國，因此美國人購買棉褲所花的費用中，有一部分流進了德州的棉花農民口袋裡。

再看另一例子，如果 Wal-Mart 直接從中國公司入貨，必須付費請國際航運公司將貨物運到美國，請分銷商以及貨車司機載到各個分銷點，然後還必須付費給商店作擺設及售賣之用，以及貨物進美國貨倉的貯藏費，美國還要徵收銷售稅......看看這些，便知道中國的出口己給美國帶來不少好處，而中國從美國得到的利潤，部分會用於購買美國的債券(中國近年購買了五千多億美元的長期債券，對維持美國人生活質素起了一定作用)，部分會用於購買價值以億計的波音客機，這刺激了美國產生很多高薪職位，中國還在美國有不少投資，為帶旺美國經濟扮演重要角色。雖然中國的入口會令部分美國工人失業，但卻為其創造了更多高收入的職位，美國得多於失。

再者，中國的大量出口到美國，對美國也不完全是壞事，中國所出口的產品，基本上都價廉物美，對於穏定美國物價，打擊通漲起到一定作用。

這些 Obama 很可能也是知道的，其所謂保護美國製造業的政策只是為了爭取選票罷了，John McCain 就老實得多，對於紡織工會的要求，不予回覆，因為他知道，類似紡織業這種製造業，交給中國做對美國更有利，可是若如實相告，惹怒紡織工會對自己選情不利，但若欺騙說會予以全力爭取，不但是空頭支票，更有可能會危害美國經濟，當選以後會招來責駡。

另一方面，類似製造業這種勞動密集型行業，工資低利潤少，而且容易對環境構成污染，不少發達國家都己經將製造業規模逐漸縮至最小，或外判給其他勞力便宜的發展中國家，同時努力發展國内的服務業或其他高產值行業，收入較高又不污染環境，中國内地某些地區近年正在減少製造業，逐漸向服務業靠攏，珠江三角洲就是一個例子，西方先進國家正在想方設法利用高新科技發展高產值行業，這些才是出路，製造業己經是明日黃花，只會大規模出現在發展中國家，Obama 計劃重振製造業，其實是在開時代倒車。

Obama 應該做的，不是確保製造業工人能重回製造業的懷抱，而是推出再培訓計劃，使他們能適應於新轉型的高產值行業。

Obama 得以當選美國總統，全賴金融海嘯的出現，時勢(金融海嘯)造英雄，觀其金融海嘯前後的民意支持度就一清二楚，John McCain 選錯 Sarah Palin 還是非常次要的原因，這次金融海嘯來得正是時候，遲不來、早不來，偏偏在總統大選前兩月來臨，倘若金融海嘯晚一年，或者晚三個月，在總統大選後才來臨，現在各國總統致電恭賀的，很可能是 John McCain. 不過我仍然支持 Obama 勝出，Obama 贏得選舉標誌著政治種族化的結束(或暫告一段落)，政治不再是白人天下，黑人勝出更可體現美國的民主精神。

(無意中發現 Tom Cruise 在 Top Gun (1986)中的造型，跟年輕時的 John McCain 有幾分相似.)

跟過往總統候選人一樣，奧巴馬競選時循例擺出一副對中國強硬的態度，揚言要拉攏盟國使中國遵守國際法，會利用所有的外交手段促使中國改變，但這些很可能不過是競選時的口號，到了上任後，態度又會跟過往就任總統一樣，有所改變。 1980 年 Ronald Reagan 競選時主張將外交重點由前一年的中美建交改為和台灣重新建交，然而上任總統後不但沒有改變對華外交關係，更於任期内訪問中國，促進雙方關係； 1992 年 Bill Clinton 競選時揚言會優先考慮中國的人權問題，然後才是中美貿易，但上台後減低對中國貿易限制； 2000 年 George W. Bush 競選時視中國為美國的對手，上任後在很多方面都和中國積極合作，Obama 相信也不例外，上台後態度會漸趨溫和。

Change 對於 Obama 來說，很可能只是一個口號，但在另一邊廂，Change 卻真的來臨了，歐美國家史無前例地推出一個又一個救巿方案，冰島甚至到了無論採取何種措施都難逃崩潰的命運，南韓也被視為有可能成為另一個冰島；東歐國家如烏克蘭、匈牙利都要向 IMF (國際貨幣基金組織)求助；愛爾蘭、德國與及一眾歐洲國家，然後香港、馬來西亞、新加坡對銀行客戶提供存款全數保障，以防資金流走；歐洲最大經濟體德國正面臨十二年來最嚴重的經濟衰退，有經濟分析師更預期德國明年會遭到自二次世界大戰後最嚴重經濟萎縮；即使銀行資金避風港的瑞士也不得不斥資 600 億救助其最大銀行 UBS，股壇明燈 Warren Buffet 也承認無法預測下個月或下一年的股票行情會怎樣。

不單虛擬經濟，連實體經濟也一併受創，消費者信心指數跌至新低.....

但以上這些惡劣經濟情況、不過是金融危機後必然出現的現象，真正令人感到意外的 Change 是一眾西方首腦及 IMF 在危機中所作出的反應，跟十年前亞洲金融危機時，有天淵之別。

十年前亞洲金融危機時，IMF 建議受影響的亞洲國家提高息率，結果導致消費者和公司未能處理債務和應對衰退，而這次美國金融危機，美國及歐洲央行一致減息務求重振經濟；十年前亞洲國家被叮囑不要拯救瀕臨破產銀行和大公司，因為這於理不合和浪費公帑，因此導致印尼不少銀行倒閉，連本來運作良好的銀行也不能倖免，然而美國金融危機，歐洲一眾國家首腦推出總值三萬億作收購銀行壞帳、存款保障、免抵押貸款、及注資用途，美國也動用一萬億拯救各大銀行及大公司；西方首腦不容許任何重大銀行倒閉，但當亞洲金融危機時，亞洲國家想採取類似措施，卻被告誡那樣做只會使危機進一步惡化。那時身為 IMF 主席的 Michel Camdessus 勸告很多亞洲國家首腦，政府入巿拯救只會破壞自由金融巿場的原則，但這次美國金融危機，現任 IMF 主席主張美國及歐盟要採取積極措施救巿，不然會導致金融體系崩潰。

十年前東盟領袖斥責對衝基金的投機活動，例如期貨放空，拖垮當地貨幣和股票巿場，遭到 IMF 反駁說監管不力才是問題所在，投機只是正常活動；然而現在美國金融危機，美國各大銀行銀長紛紛指責投機份子令股價暴跌，美國、英國及其他幾個國家己禁止放空金融類股。

十年前當亞洲國家銀行出現壞帳，被指為管理不善、任人唯親、貪污舞弊所造成，然而這次美國金融危機，起因於美國金融機構將不良樓宇貸款按揭證券化，再將這些不良證券到處抛售，當房產泡沬爆破後，證券便成廢紙一堆，導致信貸緊縮，從而引發美國金融海嘯，卻只被形容為"次按危機"，輕輕帶過，彷彿這一切只是一個技術錯誤。

幸虧亞洲金融風暴時，亞洲一些國家不須向 IMF 借貸，不須仰人鼻息，因此得以自作主張，推行自己認為恰當的政策，而現今西方國家應對金融危機的方法，大部分跟當時亞洲某些地區的應對措施一樣。

1998 年 IMF 年度會議，一些亞洲首腦批評金融投機活動和金融體系缺乏規範，導致實體經濟受損，結果被西方金融專家和政治領袖諷笑為對當今國際金融體系的運作情況一無所知。可嘆的是，如果當時的 IMF 以及西方一眾領袖能從亞洲金融風暴汲取教訓，西方國家可能不須遭受這次金融海嘯，世界也不會受拖累陷入經濟衰退。

(時移勢易，根據 Bloomberg 資料顯示，以巿價總值排列的全球十大銀行，前五名中有三名屬於中國銀行，分別是中國工商銀行、中國建設銀行和中國銀行)

經歷衰退囹圇的西方國家想亡羊補牢，有意將六十多年前制定，對現今世界經濟格局有重大影響的 Bretton Woods system 重新修改，以適應新的世界經濟氣候，但今天世界形勢跟 1944 年制定 Bretton Woods system 時不同，有太多的分岐，想要達成皆大歡喜的協議，恐怕殊非易事，美國仍然想擔任全球經濟的壟斷地位，操控一切，扮演經濟體系背後那隻無形的手；英國願意跟其他國家合作，但仍不願加入歐盟，也不願採納歐羅；法國抨擊自由放任式金融體系，提議加強監管，限制主權基金活動；中國則希望盡量獨善其身，搞好自身經濟再說；石油輸出國組織以及俄羅斯只想將二萬億的主權基金任意投資，趁低吸納優質企業；其他國家則希望在國際上更有發言權、擁有更多財富，但盡量少責任......所有國家都對怎樣實行資本主義有不同見解，都以自己的利益為依歸，同時不要為自己的利益承擔太多的責任。不少金融界人士對金融體系的改變持保守態度，希望盡快回復昔日無拘無束的光景，在此情況下，對於即將在華盛頓舉行的 20 國金融峰會，不要冀望有重大改變出現，很可能只是一個清談會議(talking shop).

至於中國在這次金融海嘯中，強調要減少依賴出口，透過減房地產稅以刺激樓巿，增加公共建設擴闊内需，然而想要老百姓在經濟蕭條的情況下，多消費支持國内經濟發展，必須具有完善的社會保障機制，社會福利措施如失業救濟、教育、醫療服務和退休金方面必須有充分的保障，才能讓人民放心消費，為内地消費者的消費習慣帶來真正的 Change.

Can Batman outgross Titanic?

noreply@blogger.com (Tourist) — Tue, 05 Aug 2008 13:35:00 +0000

去年有不少電影很精彩，堪稱令人回味的一年，2007 年更有 7 部新電影以高分高票數姿態進入 IMDb Top 250 (公眾投票好戲榜)，進入 Top 251-500 的則有 12 部，但神話的誕生卻是在 2008 年夏天，The Dark Knight (2008)上映後，就以誰也預料不到之勢創造了一個又一個的電影記錄。

看看數據，The Dark Knight (2008)在美國上映僅 2 天，美國本土票房就過了 1 億美元，上映 5 天後，票房過 2 億美元，比起 Pirates of the Caribbean: Dead Man's Chest (2006)的 8 天才過 2 億美元快了 3 天，Spider-Man (2002)的 9 天快了 4 天時間，當時我認為，如此強勁走勢，The Dark Knight (2008) 3 個月後的最終累積票房應該會突破 5 億美元大關，但要打破十年前 Titanic (1997)所創造的 6 億美元紀錄，仍然有難度。

一般來說，票房過了 2 億美元之後，走勢會迅速滑落，需要頗長時間才能累積到 3 億美元票房，例如 Pirates of the Caribbean: Dead Man's Chest (2006) 要 16 天，Spider-Man (2002) 要 22 天才到達 3 億美元，然而，The Dark Knight (2008)走勢仍然淩厲，只用了 10 天時間就過了 3 億美元票房，撰文的時候，正是 The Dark Knight (2008)上映 18 天，票房己經突破 4 億美元，之前最快到達 4 億票房的是 Shrek 2 (2004)，但要用 43 天，The Dark Knight (2008)比其快了 25 天。

換言之，The Dark Knight (2008)是電影史上最快取得 1 億美元( 2 天)、2 億美元( 5 天)、3 億美元( 10 天)、4 億美元( 18 天)的電影。

18 天就己經突破 4 億美元票房，令我當初預測 The Dark Knight (2008)美國本土累積票房會過 5 億，但不能超越 Titanic (1997) 6 億票房的想法有所改變，因為 Titanic (1997)過 4 億美元時，要用上 66 天， The Dark Knight (2008)比其快了 48 天時間，所以最終累積票房很有可能打破 Titanic (1997)的 6 億票房記錄。

The Dark Knight (2008) 的票房和 Titanic (1997)相比，前者夏天開畫( 7 月 18 日)，後者冬季開畫( 12 月 19 日)，前者是脫韁野馬，後者是後勁淩厲，前者一開始即呈現王者之風，連破多個票房紀錄，後者以慢熱狀態，當年持獲取奧斯卡 14 項提名，迅速成為話題之作，加上不少懷春少女到戲院重看 5 次以上，令該片可以持久不衰，在上映 9 個月後，票房突破 6 億美元。The Dark Knight (2008)雖然還沒有奧斯卡提名助勢，但其口碑強勁，上映後好評如潮，不少著名影評人都予以強烈好評，在知名電影網站 IMDb 上更連續多天來以高分登上 IMDb Top 250，目前仍以 200,000 票雄踞榜首，取替 The Godfather (1972)多年來的 #1 位置，對上一次被取替 IMDb #1 位置，要追溯到 7 年前的 The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring (2001)，預計隨著投票的增多，IMDb #1 位置，可能會被得到 350,000 多票的 The Shawshank Redemption (1994)占據。

香港票房方面，上映 18 天的票房己經是 4,500 萬，年初《長江七號》上映 30 多天，票房累積 5,140 萬， The Dark Knight (2008)只要在 14 天内，多 700 萬票房，便可超越《長江七號》的 5,140 萬票房，這可說是毫無問題的，一般來說，諸如 The Dark Knight (2008)這類超級大片，因為需求關係，在香港的上映天數，會在 50 天或以上，如果保守估計， The Dark Knight (2008)在香港能上映 50 天，那麼以現時 18 天便有 4,500 萬的成績，餘下 32 天的票房，別說超越年初《長江七號》的 5,140 萬票房，連 2004 年《功夫》的 6,127 萬香港票房，也有可能將之抛離，預計 The Dark Knight (2008)的最終香港票房，有可能在七千萬港幣左右，只要在餘下 32 天内，多 2,500 萬票房，累積票房便會達到 7,000 萬。雖然八月開始，出現 The Mummy: Tomb of the Dragon Emperor (2008)分薄票房，但該片口碑不佳，後勁無以為繼，不足以威脅 The Dark Knight (2008)票房，後者有強大口碑使其票房保持穏步上揚。

一部電影能否大賣，分為三個階段，首先是造勢，在未上映前即開始龐大的宣傳攻勢，造成未映先轟動，引人關注的局面，現時有不少超級大片，基本上都做到這一點， The Dark Knight (2008)在今年七月才公映，但其預告片段，去年 2007 年時己經廣泛宣傳，另一例子是明年 2009 年三月才公映的另一超級大片 Watchmen (2009)，其預告片段，在今年七月時己推出，點燃觀眾的觀看慾望，大有明年三月約定你的氣派，迅速成為觀眾的另一熱門話題。第二個階段就是強大宣傳攻勢催谷下，電影上映後，首周至第二周票房通常都可以賣個滿堂紅，接下來能否維持勢頭，就要看該電影的口碑如何，如果影片本身素質不錯，有口皆碑，這種另類宣傳除了可吸引多些人進場，有些原本看過的觀眾更有可能再購票進場看多一次。第三個階段就是看該片能否產生社會效應，成為各界熱門話題，像十年前的 Titanic (1997)，除了囊括 14 項奧斯卡提名，電影中所涉及的愛情觀、人生觀亦成為不少學者與學生的話題，雅俗共賞，輪船上幾等艙的特色恰好是現實社會的縮影，這些社會效應有助進一步提高電影票房。 The Dark Knight (2008)無疑在這三個階段都表現出色，先有強大宣傳攻勢，電影上映後口碑極好，電影裡面所展現的人性善惡混沌，也比傳統英雄電影非黑即白的簡單二分法來得深刻，片中對現實政治、經濟局面的影射，成為不少觀眾的議論之資，使其與那種看後即忘、純粹娛樂、給予官能刺激的大片大相逕庭。

我並非 Batman 擁躉，看 The Dark Knight (2008) 主要是因為 Christian Bale，以前看 Empire of the Sun (1987)、American Psycho (2000)時，就覺得此演員有他獨特的氣質，再後來看 The Machinist (2004)，更被其專業奉獻精神所感動，他為了演好該片，所投入的程度與及犠牲，電影史上並不多見，其優秀表現與及忘我精神令我將他放進我的 Most Admired Actors 列表中，然而他在 The Dark Knight (2008)的演出只是保持水準，沒有突破。　The Dark Knight (2008)成功的原因之一，就是 Heath Ledger 和 Maggie Gyllenhaal 這兩個配角發揮遠得比預期好，去年得知 Heath Ledger 出演片中重要配角 The Joker，Maggie Gyllenhaal 代替 Katie Holmes 飾演 Rachel Dawes，對觀看 The Dark Knight (2008)的慾望立時打了個折扣，對 Heath Ledger 演出的印象一般，就算那部令他得以提名奧斯卡最佳男主角的 Brokeback Mountain (2005)，他所飾演的同性戀牛仔角色也略嫌造作生硬，最近在 I'm Not There. (2007)中飾演 Bob Dylan 更是形神俱不似，對他較有印象的要追溯到差不多九年前的 10 Things I Hate About You (1999)，他扮演的反叛少年尚算有板有眼，可能現實中那個時候的他就是那個樣子吧。沒料到 Heath Ledger 這次在 The Dark Knight (2008)飾演的 The Joker 會是如此出色，將角色的躁狂、神經質、冷血而機智表現得淋漓盡致，全片表現得最搶鏡的就是他，同時也將 1989 年版 Batman (1989)，由 Jack Nicholson 飾演的 Joker 比了下去。可惜，由於年初服藥過量意外猝死而分享不到 The Dark Knight (2008)成功對其演藝生涯所帶來的種種正面效益。　有些觀眾會將 The Dark Knight (2008)票房成功歸因於 Heath Ledger 的猝死，但這種說法是不當的，無論在美國，還是在其他地方公映，所進行的電影宣傳上，都沒有提及這是 Heath Ledger 的遺作，電影公司沒有打算利用 Heath Ledger 發死人財，喜歡 Heath Ledger 的觀眾，無論其在不在世，都會進場觀看，對其無甚印象的，不在世也不會增加多大吸引力，十多年前另一年青偶像 River Phoenix 也因服食藥物而猝死，在其離世三個多月後上映的 Silent Tongue (1994)，票房也沒有因此得益，可見一部電影的票房能否成功，主要還是視乎其整體素質，有沒有令人回味再三的功力，而非單靠個噱頭，況且 Batman 系列氣勢如虹，上集 Batman Begins (2005)在口碑和票房上都不俗，根本也不需靠一個過世明星來推動票房。外國電影公司較有專業操守，能做到"君子愛財，取之有道"，以認真製作，打造高質素電影，將觀眾吸引進場，而非靠某一兩個低級噱頭吸引人，長遠而言，靠低級噱頭而影片素質不佳的只會降低觀眾的觀看慾，以及損害公司形象。譬如說，外國不少大明星都在一些電影裡面有正面裸露，甚至有親自上陣、不用替身的激烈性愛場面，其裸露程度比起香港某些打著三級片招牌的電影更甚，但外國電影公司極少以大明星在電影中的裸露、性愛場面作招徠，大明星也很有專業精神，親身上陣，不用替身，這些全因外國電影工業有專業觀念，明白到這就是表演的一部分，沒有什麼值得大驚小怪的，反觀香港，動輒以某某明星全裸、三點盡露作為宣傳賣點，同時也真的有一部分觀眾(也有可能是絕大多數)被這些噱頭牵引進場，花錢進場就為了那幾分鐘明星做愛的裸露場面，一個地區的電影工業墮落到要靠一兩個低級噱頭來吸引觀眾，而該地區觀眾的素質也低至進場只為了某點低級趣味，難怪在香港，不少非主流的好片，往往欠缺知音，進場觀看者甚少，戲院商見觀看者不多，往往減少放映院線，縮短上映日期，以減少虧損，造成惡性循環。有電影工作者抱怨籌集不了資金，無法拍大片，言下之意只有大片才能引起注意，才能賺錢，這只是對巿道不了解的說法，大量資金堆砌的電影固然容易引人注目，但血本無歸的也有不少，Stealth (2005)、Poseidon (2006)、Speed Racer (2008)...就是樣板，相反，小本製作而口碑、票房雙贏的也有不少，Juno (2007)、The Diving Bell and the Butterfly (2007)、Once (2006)...等等就是最佳佐証。

說回 The Dark Knight (2008)票房，即使美國本土最終累積票房突破 6 億美元，仍然不能超越 Titanic (1997)的票房，因為經過調正通貨澎脹指數後，Titanic (1997)的美國票房為 9 億美元左右，The Dark Knight (2008)上映 3 個月後，估計最樂觀的結果，可能也只是 7 億美元左右，因此在表面帳目上，The Dark Knight (2008)應該能夠超越 Titanic (1997)成為電影史最賣座冠軍，但加上通貨澎脹因素後，就只能屈居其後。不過，如果要加上通貨澎脹的因素來考慮一部電影的實際成績，那是不是還要加上社會因素加以考量才算公平，如果單以通貨澎脹因素來決定的話，那麼美國最賣座的電影會是 Gone with the Wind (1939)，當年其美國票房為 1 億 9 千萬，但經通貨澎脹因素調整之後，其美國票房就是 14 億美元，這個記錄恐怕沒有任何一部電影可以打破，不過如果加上社會因素進行考量，Gone with the Wind (1939)上映時，那個時候連黑白電視機都未普及，大眾娛樂少得可憐，突然有一部大明星擔綱、而且又是彩色的大製作電影，大眾還不趨之若鶩，紛紛衝進戲院觀看，那時的電影選擇也沒現在的多吧，所以以這個數字來跟現在對比是不公平的，因此乍看之下，較有對比性的只有十年前 Titanic (1997)的 9 億票房，然而十年前的今天，娛樂方面有現今這麼多選擇嗎? 1997 年時上網還未普及，完全不能跟今天諸如 YouTube 等視頻網站如雨後春笋般出現，給大眾無限觀賞便利，1997 年 DVD 才剛出現，除了電影院，要看電影基本上就只有透過租借錄影帶，而且從電影在影院上映到推出錄影帶的時期也較長，間接推動群眾到影院觀看，推高票房，十年後的今天，DVD 己成明日黃花，電影從在影院上映到推出 DVD 的時期，往往很短，只是 3 至 4 個月左右，有些更不在影院上映或上映不久，就直接推出 DVD，同時大眾也能很便利地從各種渠道輕易獲得電影 DVD，而 DVD 在不少己安置大屏幕的家中播映，效果都挺不錯，有家庭影院之稱，這些都降低了大眾進影院的慾望。另外在這十年間，有不少膾炙人口的特效大片推出，例如 The Matrix 系列、The Mummy 系列、The Lord of the Rings 系列、Spider-Man 系列、Pirates of the Caribbean 系列、Harry Potter 系列、National Treasure 系列....等等，這些視覺特效大片都是在 Titanic (1997)推出之後才出現的，觀眾受到眾多特效大片的視覺轟炸，對很多所謂特效大片己興趣驟減，而且現在的觀眾比起十年前的觀眾，由於容易獲得 DVD，加上網上的視頻網站，現時每名觀眾平均所觀看過的電影，遠多於十年前的觀眾，視野闊了、品味高了，不會容易受電影吸引進場，另外其他娛樂選擇如 PS3、XBOX、Wii...等等，這些都是新世紀的產物，還有近十年間興起的 24 小時收費電視，娛樂節目在任何時段任看，現時是娛樂爆炸的年代，娛樂多不勝數，間接減低了大眾進戲院的意慾。

此外，十年前當 Titanic (1997)上映時，除了 12 月時差不多同期的 Tomorrow Never Dies (1997) 和 As Good as It Gets (1997)較為矚目之外，在 1 月至 3 月的檔期上映的，很多都不是什麼超級大片，例如 Good Will Hunting (1997)、The Wedding Singer (1998)、The Man in the Iron Mask (1998)、U.S. Marshals (1998)，造成 Titanic (1997)競爭對手弱的現象，而現在 The Dark Knight (2008)，除了上映前 WALL·E (2008)、Hancock (2008) 和 Hellboy II: The Golden Army (2008)幾部猛片搶去不少票房，上映不足一個月，就先後有 The Mummy: Tomb of the Dragon Emperor (2008)、Tropic Thunder (2008)、Star Wars: The Clone Wars (2008)這些超級大片攔路搶奪票房，還有黑馬 Pineapple Express (2008)、Death Race (2008)也是不可小覻的票房對手，The Dark Knight (2008)面對的票房競爭無疑比十年前的 Titanic (1997)大得多；　再加上八月份即將舉行的奧運會，舉世矚目，對 The Dark Knight (2008)的票房也有負面影響。　綜合以上種種因素，The Dark Knight (2008)的票房形勢比 Titanic (1997)更嚴峻，但甫一推出，便氣勢如虹，連破多個票房記錄，18 天達至 4 億美元的成績( Titanic 要 66 天才到達 4 億)，相信要等待相當一段時間之後才會被後來者打破，而這是在沒有任何奧斯卡提名助勢，單憑影片本身素質，口碑相傳下達成，這也正是 Titanic (1997) 所不能及之處。

總而言之，如果幾個月後，The Dark Knight (2008)的美國累積票房到達 6 億 5 千萬美元，那麼我會視之己超越 Titanic (1997)，而成為美國電影票房史上最賣座冠軍，如果不認同者要加上通貨澎脹因素，說必須超過 9 億美元才算真正超越 Titanic (1997)的美國票房，那麼我(即使不將上映時其他電影競爭強弱的因素計算在内)會以種種以上所提及的社會因素 - 電影 DVD 的普及和容易獲得、電影很快推出 DVD、互聯網的普及和網上視頻網站的興起、家庭影院的潮流、24 小時任看的收費電視、其他種種近十年間時髦的娛樂活動 - 去抵消掉那多出的 3 億美元。

Best Memories of 2007

noreply@blogger.com (Tourist) — Wed, 02 Jan 2008 12:58:00 +0000

Best Memories of 2007

In reminiscence of 2007, July is a month worth remembering, when the journey towards finishing viewing IMDb top 500 list ended, and I became one of several hundred few worldwide who had done that, or put it another way, one of the most masochistic viewers around the world.
Besides, I also finished viewing other movie lists, or the vast majority on the lists, say, TiME magazine 100, AFI top 100, Oscar best pictures over the years, and past Best Foreign picture winners, etc......

As far as Top 10 list of 2007 is concerned, only those films first released in the year of 2007 will be considered.
Regretfully, by the time this article is written, I have not yet watched the following films, which seem to be the strong candidates to make the top 10 list of 2007.

Across the Universe (2007), Lars and the Real Girl (2007), Juno (2007), There Will Be Blood (2007), Tropa de Elite (2007), Cassandra's Dream (2007), Into the Wild (2007), Paranoid Park (2007), Taxi to the Dark Side (2007)

Chances are the top 10 list may be a trifle different after I have watched all of them.
Anyway, if there is any variation of the list, you can check it out here.

10. No Country for Old Men (2007, Coen Brothers)

This picture is a nihilistic chase story about an ex-welder stumbling upon a drug deal gone sour and a suitcase full of cash, which makes him being tailed by an unrelenting killer.
While to those familiar with Coen Brothers' body of work, it's practically nothing new, just a mixture of Coen Brothers' former works: the crazed hunting of Blood Simple. (1984), the brutal atrocity of Miller's Crossing (1990), the bloodshed and gore of Fargo (1996), the story never runs short of unanticipated twists and switchbacks, tense and grasping on one hand, breathtaking and stirring on the other. The audience are thrown into a territory swamped with violence, carnage, blurred values and everything is bleakly subject to the whims of fate.
Cinematographer Roger Deakins, Coen Brother's long-term partner since Barton Fink (1991), does a stupendous job providing gorgeously crafted photography and an array of empathy-inducing images, which captures the lives and growing tensions between the hunting and the killings.
The acting in this film is remarkable throughout, especially the killer, played by Javier Bardem, who is a versatile actor, from a troubled policeman in Live Flesh (1997), a complext poet in Before Night Falls (2000), a tenacious paralysed victim in The Sea Inside (2004), to a barbarous killer in this film. He is utterly believable in every role.

9. Control (2007, Anton Corbijn)

A dramatized account of the troubled singer of Joy Division, Ian Curtis, from his student era to the formation of post-punk outfit Joy Division, until his final years when his epilepsy and personal problems get the best of him.
Shot in bright monochrome, infused with nihilism and darkness, and also the sweetness and charisma, plus newcomer Sam Riley's eerie performance, which embodies Ian Curtis perfectly, a lively Ian Curtis appears in front of the audience, just as Jamie Foxx inhabits Ray Charles in Ray (2004), director Anton Corbijn's debut feature captures the general atmosphere of that era in persuasive detail, pays proper homage to the enigmatic lead singer and enduring music of Joy Division.
This film is definitely far better than another bio-pic, I'm Not There. (2007, Todd Haynes), which looks back at the different aspect of Bob Dylan's life and work, personified by six characters. On the bright side, it embodies a multi-faceted Bob Dylan, on the dark side, only two out of six characters worth mentioning, Christian Bale's fantastic black-and-white Dylanesque photographs and Cate Blanchett steals the show by adopting the transvestite role as Dylan, on the darker side, Heath Ledger as Bob Dylan is awful, almost as cheesy is Julianne Moore as Joan Baez. The movie is too fragmented and looks like a parody rather than a tribute to a legend like Bob Dylan.

8. Atonement (2007, Joe Wright)

After the successful interpretation of Pride and Prejudice (2005), Joe Wright returns with another adaptation of Ian McEwan's Atonement, and it tops all films with seven nominations at the announcement for the 65th annual Golden Globes, including Best Picture and Best Director. The feature seems worthy of the nominations since it successfully interpretes the novel.
Atonement (2007) tells of the romance between Cambridge-educated Cecilia and a housekeeper's son, Robbie Turner, unfortunately jeopardised by Cecilia's younger sister, Briony, who falsely accuses Robbie and seperates the lovers out of jealousy and misunderstanding. The separated lovers die in woeful conditions respectively later. The now notable Briony as a writer, in order to make amends for her past misbehavior, depicts the love story between the two in an imarginary way by making it a paradisaic reunion at the Dover seaside so that they can have some finest euphoric moments that was actually forbidden to them, and through this literary writing, her guilty conscience can be eased.
The juxtaposition of a fine score by Dario Marianelli to create an alluring effect with pivotal moments - especially the one where the young Briony transforms into an old guilt-ridden lady, the clacking sound of the typewriter is a rhetorical exposition of her writing career and the march of time from young to old.
Some scenes in the movie are portrayed twice, once from Briony's perspective and once from an impersonal point of view, this is a sensible move that the audience can realise why Briony mistakenly perceives what happened around her.
Apart from the spectacular location, prominent sets and lighting, the casting is superb, the transition of the character Briony from 18-year-old (Romola Garai) to the old and dying (Vanessa Redgrave), is natural and persuasive, owing to the resemblance between the two actresses in their appearance and temperament.

7. The Kite Runner (2007, Marc Forster)

Many people are yearning for the good old days, but nostalgia may not always be sweet, sometimes recalls bitter moments, sweet yet bitter. Such is the case in Kite Runner (2007). Beginning in 2000 in San Francisco, and instantly flashing back to 1978 in Afghanistan, the film tells a story of two 12-year-old kite runners, Amir and Hassan, who were confidants in spite of their class differences. Jealous of his father's compliment towards Hassan and out of cowardice, Amir did nothing when he watched Hassan being brutalized and even sodomized by teen bullies. Years later, when the despicalbe Amir learned Hassan's son was in danger, he flew home to help because he saw this as redemption of his past wrongdoings, a way to be good again.
This movie is a tale of guilt and redemption, about what is right and wrong.
Throughout human history, the worst of human nature manifests itself not only in wartime, but in normal times as well if you let your moral sense be caught off guard.
We will always have to contend with hatred, racism and fear to be good again. Right and wrong are not things that happen to us, they are things that we can choose.

6. 4 Months, 3 Weeks and 2 Days (2007, Cristian Mungiu)

Romania in the 1980s', the last years of Romania's Ceausescu dictatorship, Otilia, a young, female university student, sets on a journey to hire an abortionist to perform an abortion for her roommate, Gabita, in a hotel room. After an interminable argument, the wretched abortionist extracts an unexpected price out of Otilia due to her deficient abortion allotment. The film finishes when Gabita's fetus is successfully aborted and disposed of through a building's garbage pipe.
Filmed in documentary style, "4 Months, 3 Weeks and 2 Days" is a searing allegory of the human condition in 1980s' Romania, a testament to a forgotten, recent past, a caustic narrative of despair and loss, poignantly told in subtle actions and spare words.
This film has its share of haunting moments and images, the bloody baby foetus is one of the most lurid scenes in film history. The dark, grim streets with dogs barking somewhere are a figurative expression of gloomy claustrophobia, thought strangulating of Romanian lives, whereas in the last section of the film, Otilia groping her way through the building amid the darkness suggests our heroine's move towards emancipation parallels Romania's own impending, tardy, and painful rebirth. It won the Golden Palm Award at the 2007 Cannes Film Festival, the distinction is deservedly earned.

5. The Diving Bell and the Butterfly (2007, Julian Schnabel)

Based on the self-portrait of Jean-Dominique Bauby, the editor of Elle - an autobiography about his real life catastrophe, which leaves his whole body paralyzed except his left eye and blinking is his only means of communication with others.
It's an unusual package and an unusual feature, simply on the surface, the series of first-person camera style, the unusual visuals would make for challenging viewing. The wondrous integration of first-person and third-person cinematographic techniques conveys how the protagonist's soul flys free like a butterfly, albeit trapped in his diving bell-like paralyzed body. This visually striking, thought-provoking feature incorporates occasional agonizing moments, subdued humor and internal monologue in connection to his reactions to external occurrences.
The majority of the scenes transpire through the victim's left eye, and the film is at its most touching in those moments, the audience are brought to feel what it is like to be paralysed from the eyes down, only your left eye is left to be watching like a normal person. Similar subject matters like The Sea Inside (2004), Land of Silence and Darkness (1971) remind us how fortune we are to be able to live like a normal person, there really is always somebody worse off than ourselves, maybe being in a state of normal is already blessed. Every normal daily life should be held dear.

4. California Dreamin' (Nesfarsit) (2007, Cristian Nemescu)

This picture works well as a gripping social-document of a particularly dismal period in Romania, it cuts back and forth between Romania during the second world war and what happened at the outskirts train station in recent time, the picture presented of Romania is bitingly specific: a dysfunctional country where corruption seems to be the rule and the young have no ideal but craving for American, there's no shortage of dystopias in this chaotic country.
This motion picture is a piercing satire that American is no savior at all, from the second world war, up to Nicolae Ceauşescu's rule, anytime in Romanian history, no American ever came to Romanian rescue when needed, even now, American unit on its way to the NATO war scene in Yugoslavia brings disasters rather than peace to Romania. Americans are referred to, somewhat disparagingly throughout the film, as shabby folks.
Approached differently, this could very easily have been a self-righteous, social-realist trudge but Cristian Nemescu is too much a director for that to ever happen; his masterful use of flashbacks and handheld camera unleashes a documentary-esque realistic description of the sufferings and the recent status quo of Romanian.
His approach is accessible to anyone wishing to delve into studies of Romanian lives. He's to be applauded for constructing a very dynamic topic with fluid camera motion.
Flashbacks in the film also typify lessons from past sufferings, which must be learned if Romanian wishes to take giant step towards a hopeful future.

3. Zodiac (2007, David Fincher)

At first glance, Zodiac (2007) seems like an excellent choice for David Fincher's sixth directorial effort. David Fincher has achieved huge success in crime and thirller genre with Se7en (1995), Fight Club (1999), although his other works The Game (1997) and Panic Room (2002) were received mixed reviews, only moderate success both at the box-office and with critics, I personally thought they were solid and intricate.
In Zodiac (2007), David Fincher worked with sharp digital effects to convey the the film's nightmarish scenario about the real-life infamous Zodiac, a serial killer who menaced San Francisco and got away with it during the 1960s and 1970s. Ruffianly and devastating like always, Zodiac (2007) is a splendid presentation of seat-grabbing tension and Fincher captures human dismay and fear at their most primal. Some impatient viewers might quetch this film is overlong and too subtle, but remember, this is a portrayal of a true crime, rather than an titillating action thriller. An elaborate chronicle of the procedure and a perplexing maze of facts are essential to make this a profound and engrossing film. The accuracy in every detail, from newspaper office to everything else on the set, gives the film a touch of quasi-documentary and proves Fincher is a topflight filmmaker unsparing in his demands for perfection.

2. Sicko (2007, Michael Moore)

Even after more than 15 years of documentary making, Michael Moore remains a tiptop documentary maker to distinguish himself form his peers -- partly because of his comic outrage, multi-dimensional perspective, more importantly, because of his courage, spirit and fascinating insights into not-so-funny matters.
After examining the culture of guns and violence in the United States and probing Bush's administration in the post-911 America, Michael Moore comes back with Sicko (2007), an in-depth look into the American health care system, where profit-obsessed pharmaceutical companies ostensibly collude with morally compromised bureaucracy to generate profits than provide proper medical care. Patients who are unable to pay the medical bills are unfeelingly denied treatments. Michael Moore compares U.S with those countries, like Canada, Great Britain, France, and Cuba, where universal health care is provided, shows how tragic the U.S citizens are when they have to pay the overpriced medical coverage, and how ironic when accused 911 attackers get better medical treatment than 911 rescue volunteers.
For those who are seriously ill or wounded, the illness alone leaves them in rather poor shape, not to mention a large sum of medical expenses waiting to be paid. The torment of illness and the burden of expensive prescriptions aggravate the precarious situation a patient is in. Huge medical bills are severe blows to seriously illed patients. As was common in his other works, the film is impregnated with a degree of amusement, good blend of laughter and poignancy. After the film is ended, the thought occurs to most viewers that the basic right of universal health care is needed in every country.

1. Blind Mountain (2007, Li Yang)

Inspired by a news report, Blind Mountain (2007) sets in early '90s, a university graduate finds herself held captive and becomes somebody's wife after being tricked into a remote village to sell medical supplies. As the months gone by and attempts to escape failed, the hapless heroine becomes hopeless and helpless, falls into darkness and despair.
This film depicts collective thoughtless consciousness in urban areas, where there is no norm of right and wrong, arising from distorted value, having no sense of responsibility. Likewise, a dysfunctional society is in a terrible mess when there is no traditionally accepted standards of decency or modesty. In the heroine's attempts to break free from dehumanizing conditions, the local cadre and drivers' indifferences prevent the plan from succeeding. It's an austere indictment of the role that the public's passivity and tacit acceptance plays in allowing evil to prosper. The bystanders' apahty simply increases the incidence of these horrendous crimes. The postman, the local cadre, the drivers, these intermediary categories of participants neither take delight in the wife-buying/kidnapping activities nor oppose them. They simply watch passively. The worst horrors are not perpetrated by the ablest rascal, but by the apathetic and cowardly.
Director Li Yang is China's Vittorio De Sica, both physically (his appearance) and thematically, characterized by stories set amongst the poor and working class, filmed in long takes on location, frequently using nonprofessional actors for secondary and sometimes primary roles. Both Li Yang and Vittorio De Sica have acute social observation and draw superb performances from non-professional actors.
There is a darker version of this film where the heroine cannot escape in the end, reaches for a knife to fight, the film abruptly ends at that terrifying moment, leaving the audience in shock. The film received a lengthy standing ovation when premiered at Cannes Film Festival on 20 May 2007.

Congratulations!

noreply@blogger.com (Tourist) — Wed, 08 Aug 2007 14:11:00 +0000

Rarely did I write any matter of personal concern on my blog, but this is an inspiring thing to talk about, a close relation of mine, aged 17, at his first sitting in HKCEE, showed excellent performance with Grade A in 3 subjects and Grade B in another 3 subjects, scored 27 out of 30 points in HKCEE, only one small step further from joining local universities' Early Admissions Scheme, which requires Grade A in 6 subjects.

Although a bit falling short of his family's expectation that he could obtain 30 points, this is a good start for a good student like him... Congratulations!

However, talents without perseverance don't go far, I know you'll be reading this, don't get any ideas of complacency and inertia, or you'll come up short in the end.

Good Job, but Keep Going!

Movies watched in July

noreply@blogger.com (Tourist) — Thu, 05 Jul 2007 14:19:00 +0000

ballad of a soldier (1959, grigori chukhrai) 8/10
transformers (2007, michael bay) 6/10
reign over me (2007, mike binder) 5.5/10
ratatouille (2007, brad bird) 8/10
my name is bruce (2007, bruce campbell) 6.5/10
live free or die hard (2007, len wiseman) 8/10
once (2006, john carney) 8/10
harry potter and the order of the phoenix (2007, david yates) 7.5/10
rescue dawn (2006, werner herzog) 7.5/10
waitress (2007, adrienne shelly) 6.5/10
the simpsons movie (2007, david silverman) 7.5/10
this is england (2006, shane meadows) 8/10
隨著此片的結束，imdb top 251- 500 上的電影就成了一覽無遺，連同之前看過 imdb top 250 的所有電影，即是說，imdb top 500 的所有電影已經全部看過。
可以在 30 歲前，成為全球盡覽 imdb 評分最高 500 部電影的少數一員(全球估計不超過三百人)，儘管少不了自己的堅持與毅力，過程不無辛苦，但也感到有一點榮幸。
至於是否全球第一個看完 imdb top 500 的華人/亞洲人，有這個可能性。
once were warriors (1994, lee tamahori) 8.5/10
the namesake (2006, mira nair) 7/10
the host (2006, bong joon-ho) 8/10
mirrorMask (2005, dave mcKean) 5.5/10
mr. deeds goes to town (1936, frank capra) 8.5/10
男主角 gary cooper 決定將豐厚家財捐給眾多無財無產農民，連續兩個星期都在輔助農民，時值午餐，非常饑餓，一受助農民主動拿出袋裡的三文治與之共享，gary cooper 拿起三文治吃了一口，看到後面大排長龍等救援的饑餓農民一副流口水模樣，馬上叫助手安排午餐給他們，助手一臉茫然，說起碼要 2,000 個午餐才夠，gary cooper 駁其人總要吃飯，噣其馬上去辦，助手照吩咐做，並說 gary cooper 是聖誕老人送大禮... (很溫馨動人的場面)
frank capra 的作品，不少都有濃厚的人道精神，例如 mr. smith goes to washington (1939)中的骯髒政客良心發現；　you can't take it with you (1938)中的貧富親家最後和諧共處；　it's a wonderful life (1946)中的天使救人、鄉親互助共濟…….　frank capra 對低下層人民不是寄予同情，而是給予關懷愛護，可謂為 hollywood 最具人道精神的導演
儘管 frank capra 未免對人性過於樂觀，但神奇的是其作品中所蘊含的暖暖濃情都很真摰，不覺造作煽情(或者說寄托了 frank capra 對世間的美好祝願)，所以其作品一直廣受世界各地影迷喜愛，並經常被美國某些電視頻道安排在節日時期播映，賺了不少觀眾的熱淚
此片還有 2002 年的重拍版，但重拍版基本上只是集中在胡閙搞笑之上，原作中的人道精神，已所剩無幾
witness (1985, peter weir) 7.5/10
the killers (1946, robert siodmak) 8/10
vanishing point (1971, richard C. sarafian) 8/10
survive style 5+ (2004, gen sekiguchi) 7/10
primal fear (1996, gregory hoblit) 7.5/10
the verdict (1982, sidney lumet) 8.5/10
wonder boys (2000, curtis hanson) 7.5/10
dune (1984, david lynch) 7/10
inland empire (2006, david lynch) 8.5/10
david lynch 對電影界的貢獻，莫過於將觀眾帶進迷離朦朧的世界，置觀眾於曖昧醉幻的情景之中，同時又要求觀眾時刻保持清醒的心思，否則便無法理清頭緒，若稱 david lynch 為“迷離大師”，毫不為過。
整部電影就是“戲中有戲，而戲中又有戲”，婚姻受挫的波蘭女孩望著電視進行幻想，以宣洩對婚姻的不滿和憧憬，而其幻想中的演員角色，本身也混淆了自身與他角的關係，david lynch 就在這幻想的角色中，花了大量抽象、錯綜複雜的描繪...
不少觀眾都認為 david lynch 的作品艱澀難懂，但如果懂得(或惡補)一點心理學，以 freud 某些心理學說或釋夢理論去解讀，可能會事半功倍，遠勝過一般邏輯思考的方法，因為 david lynch 的電影，很多都和人的下意識一樣，充斥著不少非理性的東西，有著混沌不清的思想與浮想，這些下意識的反映飄來蕩去，構成了 david lynch 紛亂如麻的電影情節，觀看 david lynch 的作品，與其說在觀看電影，不如說在觀看片中人物複雜紊亂的心理結構，如果以平常邏輯去理解，是肯定要碰壁的。
片中有不少近焦特寫，反映人物的精神狀態，藉著這些特寫，將事物放大給觀眾看，極具視覺衝擊力，逼使觀眾一同參與幻境，而無法遠觀旁思，不留給觀眾冷靜分析的空間，一起當局者迷，感受難以名狀的詭秘氣氛。
david lynch 的電影，緊貼片中角色的潛意識，直搗角色的内心深處，將片中角色淩亂無序、隠藏飄忽的精神活動，最直接地帶到觀眾面前，加以對性和暴力的大膽表現，形成了他既前衛另類而又獨樹一幟的電影魅力。
此片在威尼斯國際電影節首映時，有記者說看不明白，要求導演對片中某些地方進行解釋，david lynch 自然不多理會，該記者可能以平常看電影的那套思維去觀看 david lynch 作品，摸不著頭腦是必然結果。
ninja scroll (1993, yoshiaki kawajiri) 8/10
vampire hunter D (2000, yoshiaki kawajiri) 8/10
the wicked city (1987, yoshiaki kawajiri) 7.5/10
the wicked city (1992, mak tai kit) 5/10
ghost in the shell (1995, mamoru oshii) 8/10
ghost in the shell 2: innocence (2004, mamoru oshii) 8/10
renaissance (2006, christian volckman) 8/10
cars (2006, john lasseter) 7.5/10
perfect blue (1998, satoshi kon) 7.5/10
millennium actress (2001, satoshi kon) 8/10
paprika (2006, satoshi kon) 8/10
tokyo godfathers (2003, satoshi kon) 6/10
今敏的畫功不及本土的川尻善昭，也比不上美國同行的 brad bird，我是在看完川尻善昭和 brad bird 的作品後才看今敏的動畫，他們水平的差別，高下立見，今敏的人物構圖粗糙，不及川尻善昭和 brad bird 那般細緻，在造型上既沒有川尻善昭筆下人物的帥氣十足、酷勁逼人，也沒有 brad bird 的趣緻可愛，立體親切。
川尻善昭演繹了動畫界的暴力美學、灑脫恣肆，brad bird 即是老少咸宜、輕鬆有趣。
今敏唯一的勝處，就是劇情的曲折離奇，perfect blue (1998) 中的明星性格分裂，瘋狂歌迷與多宗撲朔迷離的謀殺案；millennium actress (2001)痴心追蹤有情人，融合日本古今朝代為背景，不同時空變換，以廣闊的歷史視野豐富了故事的層次；paprika (2006)警探在夢境之中穿梭，治療他人精神創傷，借此象徵嶄新意識形態與舊有保守勢力較勁，夢中連電器用品也變成活物動了起來，暗示整個社會處於歇斯底裡失控……這幾部作品都在劇情上為觀眾提供了多重可仔細況味的空間，彌補了其在畫功上的平庸。
但如果劇情轉為平平無奇之後，如 tokyo godfathers 中的熱心救助棄嬰(故事並不特別，也不是很有新意)，不怎麼樣的劇情，加上本來不怎麼樣的畫功，儘管配樂插曲不錯(日文版的 silent night + mauvais garcon + beethoven symphony no.9)，但也難以予人深刻印象，枝節出色，也無法遮掩主幹的平庸，如果導演不知道自己的長處在何，不去維持該方面優點，一旦作品失去那方面的特長，也就容易淪為庸作。
south park: bigger longer & uncut (1999, trey parker) 3/10
the postmodern life of my aunt (2006, ann hui) 7/10
giants and toys (1958, yasuzo masumura) 8/10
a lustful man (1961, yasuzo masumura) 7.5/10
manji (1964, yasuzo masumura) 7.5/10
seisaku's wife (1965, yasuzo masumura) 8/10
akai tenshi (1966, yasuzo masumura) 8.5/10
blind beast (1969, yasuzo masumura) 8/10
my voyage to italy (1999, martin scorsese) 8/10
lumière and company (1995, various directors) 7.5/10
to each his cinema (2007, various directors) 7/10
california dreamin' (nesfarsit) (2007, cristian nemescu) 8.5/10
科索沃戰爭時期，運載北約軍需武器的列車，在羅馬尼亞一無名小站被站長 doiaru 藉故沒有正式過關文件而喝停，逼使美軍列車滯留在該小鎮五天，在這期間，鎮民諂媚態畢露，巴結的巴結，親近的親近，美軍仿似闖進了溫柔鄉...
片名後方括號裡的 nesfarsit ，羅馬尼亞文的意思是 endless，既可解釋為“未完”，本片因為導演早逝，現在看到的版本只是剪輯師依劇本構思進行剪輯而成，但未必符合導演最終意圖，因此算是導演“未完成”的作品；　也可解釋為“無盡”，片中除了站長之外，上至官僚，下至平民少女，都無不對美軍大抛媚眼，響往美利堅，雖然最後美軍登上火車離去，但當地人的“加州夢”，仍然是“無窮盡”。
電影揭露的是多層面的：
首先是歷史根源，二次世界大戰末期，羅馬尼亞人等待美軍救援，然而美軍沒到，可是美國製造的炸彈卻炸中民居，雙親接著避難遠走，那時年少的 doiaru 便已對美國產生怨恨之心，所以現在美軍過關，便給了他可故意刁難的機會。
其次是官僚制度的腐敗，各地官員不單各自為政，而且以權謀私，以私慾任意處理政事，縱管表面看來人民生活安泰，但國家政制已陷於崩潰邊緣。
再者是世代鴻溝，doiaru 跟其女兒 monica 對美軍的態度有天地之差別，一個趁機刁難，一個則藉機親近，雖同一個家庭，卻有異常不同的價值觀，無論是父親對女兒，還是女兒對父親，誰也無法改變誰，世代溝通完全失效。
第四是針砭以美國為首的西方強國，經常以維護和平自居，但實則製造混亂，當年以美國為首的北約，出兵並沒有得到安理會授權，以霸權行為造成了人道主義的災難，就如片中美軍經過小鎮，留給小鎮的不是和平，而是煽動叛亂、少女失貞，這還不算本片以外，北約戰機於 1999 年 5 月 8 日的“誤炸”中國大使館，口號維持和平者，實則和平踐踏者。
儘管本片精彩多多，但也存有糟粕，剪接方面還比較粗糙，某些段落之間的銜接還不夠流暢，如果導演本人還在世，可能會有更好的剪接版本也說不定，但就現在這個還有改善空間的版本來說，已經相當不錯了，27 歲的人的第一部長片，就能拍出這樣的水準，除了表示衷心佩服之外，還能說什麼呢。
slacker (1991, richard linklater) 8.5/10
dazed and confused (1993, richard linklater) 8/10
tape (2001, richard linklater) 7.5/10
waking life (2001, richard linklater) 8.5/10
a scanner darkly (2006, richard linklater) 8/10
fast food nation (2006, richard linklater) 6.5/10

Movies watched in June

noreply@blogger.com (Tourist) — Sun, 03 Jun 2007 12:25:00 +0000

the mother and the whore (1973, jean eustache) 8/10
如同 godard 的 masculine-feminine (1966) 一樣探討男女關係(此片也剛巧是利用 masculine-feminine (1966)用剩的菲林所拍攝)，不單所關注的對象相同，所採用的形式也相同(仿記錄片)，就連男主角也相同，都是 jean-pierre léaud，大致可將它們視為兄弟作看待
片名 mother and the whore 除了代表片中男主角兩個女友各自不同的性情特徵，一個體貼一個豪放，也表示男女關係中值得深思的問題，愛是什麼，是“關懷”還是“肉體”，選擇互相關心呵護的伴侶，還是純粹出於肉慾上的發泄，兩者互為矛盾，性開放和專一互為對立，越多異性情侶，就越少穏定性，片名還影射一些男性所渴望的異性對象，既希望娶得對自己關懷備至、猶如母愛般的妻子，也想擁有熱情如火、冶艷如妓的情婦
片長三個多小時，但觀看時很輕鬆，片中人很多時候都是真情流露，男主角滔滔不絕、略顯世故的侃侃而談也很有法國人的生活實感，達到了導演將影片作“自然的進展，而非戲劇化的濃縮”的意圖，此片也很貼切地反映了法國人對於情侶另有別戀的態度，法國人對於情侶另結新歡，比起世界其他地方更為包容，能以更開明的心態待之，法國這“浪漫之都”確是名符其實，片中人的穿扮，現今看來仍不過時，男女主角喋喋不休所談論的，也不覺得已不合時宜，或者無論什麼年代的男女關係，永遠都不過是在“性”與“愛”的問題上打轉吧
scarface (1932, howard hawks) 8.5/10
ace in the hole (1951, billy wilder) 8.5/10
knocked up (2006, judd apatow) 6/10
一夜狂情意外身孕，促使門不當戶不對的男女最終走在一起，此片既有著處境喜劇的優點，對白粗俗、惹人發噱，也有其缺點，人物性格思想行為轉變稍為過於理所當然，錯配鴛鴦的題材並非特別新鮮，劇情過渡也有點偏離常理(或者是喜劇片使然)，整體表現也是低俗多於好笑，片中除了一些明星訪問片段外，並不予人深刻印象
導演 judd apatow 很懂得找尋一些較為另類的故事作為其喜劇題材，其作品在美國既有票房，小本喜劇片有過億美元的進帳，又有口碑，大小媒體對其作品都讚不絕口，看來其對美國觀眾口味的掌握確有獨到之處，能討得觀眾與影評人歡心，不過對於我這個看過出色喜劇片不算太少的人來說，不覺得非常特別就是了
the fountain (2006, darren aronofsky) 8/10
apocalypto (2006, mel gibson) 8.5/10
hud (1963, martin ritt) 8/10
rushmore (1998, wes anderson) 5.5/10
swingers (1996, doug liman) 7/10
go (1999, doug liman) 7.5/10
office space (1999, mike judge) 7.5/10
little children (2006, todd field) 6.5/10
clerks II (2006, kevin smith) 5.5/10
little big man (1970, arthur penn) 8/10
fantastic four: rise of the silver surfer (2007, tim story) 5.5/10
若非想見識一下汽車戲院是怎樣一番滋味，進場觀看此片的慾望不大
david copperfield (1936, george cukor) 7.5/10
the importance of being earnest (1952, anthony asquith) 8/10
the importance of being earnest (2002, oliver parker) 7.5/10
an ideal husband (1999, oliver parker) 7.5/10
persuasion (1995, roger michell) 8/10
pride & prejudice (2005, joe wright) 7.5/10
the old man and the sea (1958, john sturges) 7.5/10
a tale of two cities (1935, jack conway) 8.5/10
oliver twist (1948, david Lean) 8.5/10
oliver twist (2005, roman polanski) 7.5/10
oliver! (1968, carol reed) 8.5/10
將三位大導的大作比較一下，是相當有趣的事情
1968 年 carol reed 版本是最具娛樂性的作品，諧趣歌舞減低了主題的悲劇性，把原本悲慟的慘劇淡化為輕鬆作品，猶如在觀看一場精美的歌劇。
2005 年 roman polanski 版本較為通俗化，過於凸顯“善有善報、惡有惡報”的傳統觀念，扒手首領 fagin 被描繪成有其善意一面，就連最後大壞蛋 bill sykes 試圖逃脫，少年扒手也冒死反抗阻撓，用扒手突然擇善反惡的行動來彰顯善良的必要性，影片盡量渲染人們的善，或者可能 roman polanski 真的是拍給小孩子看的，過份悲涼會嚇怕他們
不過影片一開始就描繪 oliver 被送進孤兒院做童工，將其出身背景剔去，並非明智之舉，再者，ben kingsley 的演出不及 1948 年版的 alec guinness，缺少了所飾演角色 fagin 的狡狤與陰險，事實上，ben Kingsley 自從 gandhi (1982)之後，也比較少有令人印象深刻的演出。
至於 1948 年 david lean 版本，影片伊始就以鳥雲罩月，雷電交加，道路泥濘，臨盆少婦踉蹌行至貧民教區工場，這不單交待了 oliver 的出身背景，也象徵 oliver 坎坷、多蹇的命運，影片的第一句對白，就是 oliver 出世的哭聲，過了片刻，其母親產後死去，oliver 剛到人間便成孤兒，身世乖違，非常感人的開場方式
故事進展亦很流暢，將 charles dickens 這本寫作初期，略顯雜亂、情節描寫較為鬆散的作品，改編得更為緊湊而又不失原著精神，充分體現了 charles dickens 筆下的英國階級制度悲劇，特別是社會中被遺棄的一群，這些人的叛逆行為，部分也起因於社會的不公，雖然影片以大團圓告終，但其他未講及的小扒手們，等待他們的仍是灰暗的命運。
1948 年和 2005 年版本，有著顯而易見的共通點，都有一頭演技十分出色，足以榮獲奧斯卡最佳男(?)配角的小狗，片中小狗的精采演出，為影片增色不少
the three burials of melquiades estrada (2005, tommy lee jones) 7/10
baby face (1933, alfred e. green) 8/10
the world's fastest indian (2005, roger donaldson) 8/10
the magnificent seven (1960, john sturges) 7/10
notes on a scandal (2006, richard eyre) 8/10
dirty harry (1971, don siegel) 8/10
the dirty dozen (1967, robert aldrich) 8/10
boyz n the hood (1991, john singleton) 8/10
in the name of the father (1993, jim sheridan) 8/10
ball of fire (1941, howard hawks) 7.5/10
only angels have wings (1939, howard hawks) 7.5/10
the awful truth (1937, leo mcCarey) 8/10
paper moon (1973, peter bogdanovich) 7.5/10
the message (1976, moustapha akkad) 8/10
my man godfrey (1936, gregory la cava) 6/10
the outlaw josey wales (1976, clint eastwood) 7.5/10
a night to remember (1958, roy ward baker) 8.5/10
bad day at black rock (1955, john sturges) 7.5/10
ferris bueller's day off (1986, john hughes) 7.5/10
fast times at ridgemont high (1982, amy heckerling) 7.5/10
thank you for smoking (2005, jason reitman) 7/10
woman in the dunes (1964, hiroshi teshigahara) 8/10
zodiac (2007, david fincher) 8.5/10
the most dangerous game (1932, irving pichel & ernest B. schoedsack) 7.5/10
i am a fugitive from a chain gang (1932, mervyn leRoy) 8.5/10
lucky number slevin (2006, paul mcGuigan) 6.5/10
black orpheus (1959, marcel camus) 7.5/10
chimes at midnight (1965, orson welles) 8.5/10
orson welles 演藝生涯中最令我印象深刻的角色，不是 citizen kane (1941)中的 charles foster kane，而是此片中的 falstaff
the stranger (1946, orson welles) 7.5/10
macbeth (1948, orson welles) 8/10
the trial (1962, orson welles) 8.5/10
the immortal story (1968, orson welles) 6/10

Movies watched in May

noreply@blogger.com (Tourist) — Sun, 06 May 2007 12:35:00 +0000

spider-man 3 (2007, sam raimi) 7.5/10
journey of hope (1990, xavier koller) 8.5/10
the son's room (2001, nanni moretti) 7/10
songs from the second floor (2000, roy andersson) 8/10
variety lights (1950, federico fellini & alberto lattuada) 8/10
the white sheik (1952, federico fellini) 7/10
fellini - satyricon (1969, federico fellini) 7.5/10
fellini's casanova (1976, federico fellini) 7.5/10
orchestra rehearsal (1978, federico fellini) 8/10
ginger and fred (1986, federico fellini) 8/10
olympia, parts 1 and 2 (1938, leni riefenstahl) 8/10
tokyo olympiad (1965, kon ichikawa) 8/10
ballets russes (2005, daniel geller & dayna goldfine) 8/10
jizda (1994, jan sverák) 8/10
kolya (1996, jan sverák) 8.5/10
the assault (1986, fons rademakers) 8/10
此片有著 kieslowski 與黑澤明的電影色彩，首先描寫機遇怎樣改變眾人的一生，一宗暗殺事件，怎樣令多個牵涉其中的家庭，在事後的幾十年裡，產生重大影響
接著是略似羅生門的多角度叙事方式，由不同個體以不同角度，對同一事件的描述，不過羅生門是各說各話、甚至互有矛盾的，而此片則是互相補足、令事件逐漸完整
mutual appreciation (2005, andrew bujalski) 7.5/10
old joy (2006, kelly reichardt) 7/10
antonia (1995, marleen gorris) 8.5/10
berlin: symphony of a great city (1927, walter ruttmann) 8/10
nightmare alley (1947, edmund goulding) 8/10
the set-up (1949, robert wise) 8.5/10
black and white in color (1976, jean-jacques annaud) 8/10
mediterraneo (1991, gabriele salvatores) 8/10
smell of camphor, fragrance of jasmine (2000, bahman farmanara) 8/10
grindhouse (2007, robert rodriguez & quentin tarantino) 8/10
將兩部正片(robert rodriguez 的 "planet terror" 和 quentin tarantino 的"death Proof")合而為一的 grindhouse (2007)，由過氣明星 kurt russell 和半過氣性感尤物 rose mcGowan 主演，完全符合一般 B 級片沒有大牌明星的特質，但他們的演出頗具水準，沒令觀眾失望
robert rodriguez 嘅 "planet terror" 其實係 george A. romero 喪屍片變種版，大肆渲染暴力、變態、血肉橫飛，再加插令人不適的疱疹病人特寫圖片，切去的男性睪丸，可謂將一切忌諱抛至九霄雲外，毫無顧忌喪玩， quentin tarantino 被稱道詮釋了暴力美學，那麼 robert rodriguez 也可跟剝削美學沾上邊
quentin tarantino 片段採用大量對白緩和節奏，影片尾段汽車追逐場面，女主角自懸在車頭，被尾隨而至的車撞擊，是近年電影中不需用電腦特技，而又較為出色的驚險場面設計，跟 quentin tarantino 過往作品相比，少了幾分血腥，多了不少驚險
說此片是向 B 級片致敬一點不差，在内容上，不斷出現喪屍、殺人狂、畸型畫面，其腥風血雨、暴力殺戮、血漿迸發，不停向觀眾宣示 B 級片是多麼離經叛道而又瘋狂好玩，連同其他幾個“好此道者”的導演 - eli roth、edgar wright、rob zombie 合伙泡製了此片，片中幾個精采的假預告片就是出自他們手筆，幾個假預告片玩得極其瘋癲，差點喧賓奪主，搶了正片風頭
而在形式上，將兩部正片合而為一，秉承往時 B 級片戲院可以一張戲票連看二套戲的傳統，正如片名 grindhouse ( B級片戲院)所示，此外加進刻意劃花的畫面、遺失菲林的消息，徹底重塑往時在 B 級片戲院觀影的感覺，此片不但是向 B 級片致敬，也有意讓觀眾重溫/體驗一下過往難忘的 B 級片歲月
不過跟傳統 B 級片有所不同的是，兩部正片除了以更加震撼的視覺效果演繹 B 級片，同時也更著重劇情的舖排(尤其是 quentin tarantino 片段)，而非像以往 B 級片般單單強調影片中的色情層面或暴力元素
the tales of hoffmann (1951, michael powell & emeric pressburger) 9/10
le bonheur (1965, agnès varda) 7.5/10
the young girls of rochefort (1967, jacques demy & agnès varda) 8/10
the things of life (1970, claude sautet) 8.5/10
get out your handkerchiefs (1978, bertrand blier) 7.5/10
vagabond (1985, agnès varda) 8/10
madame rosa (1977, moshé mizrahi) 7.5/10
kandahar (2001, mohsen makhmalbaf) 8/10
overlord (1975, stuart cooper) 8.5/10
before the rain (1994, milcho manchevski) 8.5/10
11'09''01 - september 11 (2002, various directors) 7/10
karakter (1997, mike van diem) 7.5/10
the illusionist (2006, neil burger) 7.5/10
hot fuzz (2007, edgar wright) 8/10
忠直勇探被調離到小鎮當差，遭遇奇事連連，後更發覺全鎮皆與牵涉其中
全片雖有不少意念來自“scream (1996) + the stepford wives (1975) + bad boys (1995)”，但能混入別具一格的喜劇特色，驚險與詼諧兼而有之，揶揄種種機構陋習，故事發展亦見新意，成功突破傳統警匪片框框，是較為值得觀看的新片之一
mephisto (1981, istván szabó) 9/10
summer storm (2004, marco kreuzpaintner) 8.5/10
secrets & lies (1996, mike leigh) 7/10
billy elliot (2000, stephen daldry) 7/10
hilary and jackie (1998, anand tucker) 7.5/10
pelle the conqueror (1987, bille august) 8.5/10
say anything... (1989, cameron crowe) 5/10
belle epoque (1992, fernando trueba) 7/10
on golden pond (1981, mark rydell) 8.5/10
venus (2006, roger michell) 7/10
peter o'toole 在此片中嘅演出，並沒有傳聞中那麼出色，跟 henry fonda 在 on golden pond (1981)中的精采表演，相差甚遠，有些影迷為 peter O'toole 沒有贏得今年奧斯卡最佳男主角奬發牢騷，但以 peter o'toole 在影片裡中規中矩的演出，能得到提名，其實已是很給予面子，henry fonda 在 on golden pond (1981)中，同樣是飾演垂垂老矣、老態龍鍾嘅老翁，是一個好勝、倔強的大男人，老來仍性格頑固，不時跟女婿、孫兒逞口舌之快，表面尖酸而内藏溫情，既風趣又富機智，特別是當孫兒不屑鄙視其舊汽艇，henry fonda一聲不響開動汽艇，強大衝力把孫兒丟至艇後，不單讓孫兒得悉汽艇不可小覻的動力，也隠喻自己老而彌堅的蒼勁；　同樣當他跟孫兒湖上釣魚時，將湖中大魚喚以小舅名字諷刺一番，語言幽默，聲調鏗鏘，稚氣未泯的他很快便跟原本合不攏的孫兒打成一片，場面既溫馨又搞笑，令看慣 henry fonda 常飾演沉思、冷靜角色的觀眾大呼過癮，henry fonda 憑此角色獲奧斯卡最佳男主角奬完全是實力的體現，而非某些觀眾口中的“安慰奬”，他就是能在蒼白憔悴中展現風霜淬煉的力道，幽默搞笑中盡顯人情練達的機智，令其多姿多彩的電影生涯又多了一個輝煌印記
至於 peter o'toole 在 venus (2006)中，努力要表現“白髮紅顏”的身心矛盾，他用主動寒喧、安排工作等手段展示自己 “好色有膽”的浪蕩子性格，或許因為影片所塑造的角色並不討好的關係，一方面安排其吟詩、嘲弄自己手術以顯其睿智，可是當女仆與外遇男友要求在其屋鬼混時，卻又糊塗得很，未洞悉其意圖，不懂得婉拒，以致後來遭毒打；　作了手術，體弱不堪，明知自己有心無力，卻又 “色心不死”，欠缺看透世情的老翁應有的果斷與練達，他對年輕少艾的越軌傾慕毫不感人，只留給觀眾一點“臨老入花叢”、 “老而不化”的嘆惜
另外，此兩片也可看出西方老年人題材與東方同類題材的迥然不同之處：
西方電影中的老年人仍踊躍談性，松鶴高齡仍親自駕駛汽艇，攜孫捕魚，十多歲孫兒對八十歲爺爺直呼其名, 老年夫婦仍互相捉弄對方，打情駡俏，跟《東京故事》裡那對坐在堤上發呆、黯然傷懷的老人家大相逕庭，除了反映人老心不老，也展現對生命的樂觀態度，影片向觀眾說明年老並不可怕，身體老化也非憾事，人心不老是活出年輕精采的關鍵
西方電影中的父親與女兒的關係也同樣不很親密，也有家庭缺憾，可是人家選擇的是主動說出，消除隔膜，而非《推手》裡的一言不發、離家出走
東方以老年人為題材的電影，常談及老年人與子孫的家庭問題，傷感情緒濃厚，彌漫著消極氣息，電影只是呈現家庭現象、問題，但沒有提及解決方法，缺乏積極樂觀，對生命的認識也欠缺真正的達觀態度，然而，人情練達並不一定要刻意忍讓，知書識禮並非要含蓄内歛，樂天知命並不等於要發愣呆坐，西方以老年人為題的電影剛好證明了這一點，同時在意識上也更為進取，是真正的樂天知命與達觀
the naked city (1948, jules dassin) 7.5/10
thieves' highway (1949, jules dassin) 8/10
night and the city (1950, jules dassin) 8.5/10
never on sunday (1960, jules dassin) 7/10

Movies watched in April

noreply@blogger.com (Tourist) — Tue, 03 Apr 2007 11:21:00 +0000

the ruling class (1972, peter medak) 8/10
stranger than fiction (2006, marc forster) 7.5/10
days of glory (2006, rachid bouchareb) 8/10
sílení (2005, jan svankmajer) 8/10
soldier of orange (1977, paul verhoeven) 8.5/10
the 4th man (1983, Paul Verhoeven) 8/10
black book (2006, paul verhoeven) 7.5/10
自從 basic instinct (1992) 之後乏善可陳嘅荷蘭導演 paul verhoeven，眼見江河日下，有意 “食老本”重振聲威，拍了一部題材跟他早期作品相仿嘅電影，該早期作品名為 soldier of orange (1977)，令他聲躁一時，更引起 hollywood 嘅注意
無疑，black book (2006)有其優秀的一面，例如悅目的視覺效果、精湛的場面調度、出色的移動攝影、濃鬱的戰時氣氛……，但它在内容深度上，不及 soldier of orange (1977)，此片看完後，留給人的印象就是 “美女勾引納粹軍官以混進敵方内部、並且動了真情；　不斷受内奸所害，盟友接二連三喪生，而且内奸到最後一刻才 '出人意表' 地揭蛊”，單看這些描述，未看過電影的觀眾，可會覺得此片跟一般 hollywood 商業片有多大差別，可能 paul verhoeven 到 hollywood 發展之後，受 hollywood 塗毒太深，以致即使現今“食老本”，也仍然擺脫不了濃厚的商業味，black book (2006)充斥著不少商業計算的情節
反觀其早期作品，soldier of orange (1977)講述荷蘭遭納粹占領時期，六個荷蘭青年各自不同的遭遇，或協助盟軍，或加入納粹軍隊，或濳逃不逐，或參加抗戰，或反目成仇，或輔佐荷蘭女皇，在荷蘭軍隊棄械投降，納粹肆虐的時代背景下，積極奮戰，與通敵合作的不同勢力，編寫了納粹時期的荷蘭眾生相，以各個小人物的不同舉動勾勒出了那個年代的氛圍，留給觀眾的是多層次、立體的荷蘭多面睇，而此正是 black book (2006) 所欠缺的，black book (2006) 所表達的只是“無論是入侵者，還是被侵略者，都存在著腐敗份子，腐化並沒有分派別”這類陳腔濫調
gloomy sunday (1999, rolf schübel) 7.5/10
japan's longest day (1967, kihachi okamoto) 8/10
the human condition I no greater love (1959, masaki kobayashi) 7.5/10
the human condition II the road to eternity (1959, masaki kobayashi) 8/10
the human condition III a soldier's prayer (1961, masaki kobayashi) 8.5/10
電影旨在探討在極端情況下，“良心”的生存空間，善人怎樣在“上司指示”和“自己良心”之間進退兩難，聴從指示則受良心譴責，不服指示則遭毒打，片中主角在極端不利的情況下，選擇了依從良心行事，煥發生命中的美和善，代價就是身體遭受種種虐打，以及最終命喪雪地。
與 letters from iwo jima (2006)一樣，反映了二戰時的日本，也有不少和平反戰的士兵，奈何在軍國主義制度下，逼於無奈參與野蠻行徑，影片表面說的是人與戰爭的關係，實則針砭國家的思想體系，如何摧殘人民，本片導演小林正樹之後的 seppuku (1962)，也同樣借切腹決鬥，批判封建制度下，種種陋習帶給人的傷害。
全片分六部分，每兩部分為一集，看第一集時，見到仲代達矢所飾演的管工對被俘虜的中國民工呵護備至，甚至召來大批妓女為被虜民工解壓，覺得其有誇大、過於美化矯飾日本管工之嫌，另外雖然聘請地道中國人指導日本演員說普通話，但片中飾演中國人的日本演員所說的普通話，極不純正，不看字幕幾乎聽不明白在說什麼。但從第二集起，運用仿紀錄片的技巧，傳達仲代達矢在軍營中的所見所聞，以至最後一集的客死異鄉，十分富實感，兼備寫實性和教育性，人物描寫細膩，感性敏銳，反映了戰爭的殘酷和善人的無奈。
導演小林正樹曾在滿洲和琉球群島打過仗，因反對戰爭而拒絕軍階的晋升，實際經歷使他可以將切身體驗注入片中主角之中，仲代達矢所飾演的角色其實就是小林當兵時的寫照
全片總長接近十小時，但故事進展不覺拖沓，情節鋪排清晰，能够緊扣觀眾心弦，這部電影是越看下去越好看，越看到最後越覺感人
i don't want to sleep alone (2006, tsai ming-liang) 7.5/10
the free will (2006, matthias glasner) 8.5/10
lights in the dusk (2006, aki kaurismäki) 7/10
uzak (2002, nuri bilge ceylan) 8/10
climates (2006, nuri bilge ceylan) 7.5/10
the passion of anna (1969, ingmar bergman) 8.5/10
the magic flute (1975, ingmar bergman) 8.5/10
from the life of the marionettes (1980, ingmar bergman) 8.5/10
bergman island (2004, marie nyreröd) 8/10
taxidermia (2006, györgy pálfi) 8/10
after the wedding (2006, susanne bier) 5/10
舊時殘片也沒此片這麼煽情，得以提名最佳外語片，莫非奧斯卡評委都是煽情通俗劇迷
片中女兒對從沒照顧過自己的父親不單沒有半點怨氣，而且對其親暱程度，遠高於多年來一直細心關懷呵護自己的養父，就算見到丈夫外遇，也是找剛認識的生父訴苦，而非長期關心自己的養父，怎麼突然間“生娘不及養娘大”的傳統觀念被顛覆無存
不單劇情，casting 方面亦有問題，安排面目陰險嘅 mads mikkelsen 飾演大善人，其人一舉一動、一顰一笑都常顯出狡詐之色，偏偏找一個這樣的演員來飾演在孤兒院工作的好心人，不知是丹麥演員嚴重欠缺，還是導演有意跟觀眾開玩笑
有些導演對生活欠缺深刻的體會，凡事“想當然矣”，以為刻意製造慘情，電影中多幾個死人塌樓、末期病症、家庭悲劇…… 就是容易令觀眾動容的佳作，但這般故意矯情的通俗劇，反而容易被列入“爛片”的範疇
電影要拍得動人，導演本身最好對生活有一定的真確認識，對人性有真知灼見，才能拍出觸動觀眾内心的作品，電影史上不少電影大師都能做到這一點。　只有真正活過的導演，才能拍出真正動人的電影
the u.s. vs. john lennon (2006, david leaf & john scheinfeld) 8/10
the page turner (2006, denis dercourt) 6/10
陳凱歌的《無極》被譏為“一個饅頭引發的血案”，此片則是“自己分心不專注而引發的復仇事件”
《無極》中的男主角因小時候被騙了一個饅頭而不相信任何人，不做好人，此片則是因為女主角自己缺乏專注能力而獸性大發，選擇做蛇蝎美人，此片台灣譯名《琴謎變奏曲》，若是改為《無極變奏曲》則更為貼切，兩片都是由一頑劣小童蠻不講理、推諉責任而造成的悲劇
女主角參賽時失敗，根本就是自己缺乏專注能力、心理質素不佳所造成的，她比賽時分心彈不好，繼而失去透過比賽揚名的機會，可說與五名評委之一為人簽名，關係甚微，女主角更因自己比賽失意而捉弄別的正在彈琴的小孩，可見其人是非不分、本性卑劣，女主角自此不再繼續鋼琴生涯，反映出其性格是近乎變態的無聊，女主角不去探究問題的根源，反而把一切都推諸他人身上，破壞他人的家庭與事業，整個復仇過程根本就是心理變態的無理取閙
至於該知名鋼琴家，看起來十分滑稽，被人惡意捉弄，令其演出計劃落空，該鋼琴家竟然不怎麼生氣，繼續與惡意捉弄者狀甚親切，關係曖昧，甚至還送了對方一張寫有甜言蜜語的照片，鋼琴家彷彿變成了任人擺佈的小丑，毫無風範，女鋼琴家擁有美滿家庭與事業，竟然會對女孩子動起同性戀念頭，影片將鋼琴家這個角色刻劃得既平面又魯莽，沒能反映出鋼琴家應有的克制與智慧(一個 EQ 如此低，智慧又不高的人，竟能成為鋼琴家，影片似乎幽了自己一默)
samsara (2001, pan nalin) 8/10
the night porter (1974, liliana cavani) 7/10
good morning, vietnam (1987, barry levinson) 8.5/10
不知何故，以前我對 robin williams 沒有什麼特別好感，不是很喜歡他的戲，不覺得特別出色，印象比較深刻的只有他在 dead poets society (1989)中，以口技表達 marlon brando 和 john wayne 會怎樣演繹莎士比亞作品的滑稽情形而已。
但這部 good morning, vietnam (1987)，令我對他印象完全改觀，他在片中飾演詼諧、富同情心的 DJ，其搞笑喜劇天份表露無遺，完全發揮其口技才華，此角色即使換了他人來演(如 jim carrey、woody allen 等)，效果也不及 robin williams，可說是唯有 robin williams，才能演得這麼好，而且他在片中的感情戲，亦有非常自然動人的演繹，當年他憑此片提名奧斯卡最佳男主角，但敗給 michael douglas 於 wall street(1987)中飾演的股巿大鱷，michael douglas 的演繹雖傳神但有點不合常理，股巿大鱷才不會那般輕浮。
演員要有精采動人的演出，除了要有好劇本，是否有發揮演員本身特長的戲份，也是重要因素，robin williams 曾三獲提名奧斯卡最佳男主角，但皆鎩羽而歸，robin williams 想要大放異彩，似乎只有在能凸顯其喜劇天份的角色上，可是問題又來了，喜劇角色向來不受奧斯卡青睞，看來 robin williams 這輩子注定與奧斯卡最佳男主角奬緣慳一面
hearts and minds (1974, peter davis) 8/10
bobby (2006, emilio estevez) 7/10
i'm a cyborg, but that's ok (2006, park chan-wook) 6/10
tuya's marriage (2006, wang quanan) 8/10
全片最精采的場面：
（圖雅攜著兩個小孩到病房看望自殺後被救活的巴特爾）
圖雅：　想死是吧。　活著不容易，死還把誰難住了，死還把誰嚇住了？
把死當成了本事了，是不是？　要死我早死了，還輪得上你來搶這個頭功？
喝什麼不能死，非得喝酒才能死？
（把孩子推到巴特爾面前）看看！看看！這一家老小，誰個怕死？　誰不敢死？
（接著分別拿一瓶消毒藥酒給兩個孩子）拿著，拿著。
（圖雅再拿一瓶藥酒递給巴特爾）來！你是大人，你有經驗，你先給娃娃做個樣子。　拿著，喝！喝呀！
(鏡頭切換到醫院收費處)醫院人員：　你看，我們已經盡了人道主義精神，你沒有（事先）交費，我們已經把你的人救活了，現在你的家屬也來了，再不交錢，我們的損失可就大了，搶救費一共三千四百多塊。
圖雅的好友：　我把我的馬給你，行不行？
醫院人員：　開什麼玩笑呢，我跟你說，不交這個錢，你出不了醫院的大門！
（鏡頭再回到病房）圖雅：　不敢死了，是不是？　不想死了，是不是？　
（拿一瓶藥酒自己喝）我來死給你看。
（再把藥酒递給小孩）來，喝，喝給你爸爸看。　來，喝！喝！
（小孩哭了起來，圖雅抱著小孩）這家人誰也不能死…… (巴特爾在病床上也哭了起來)
片中女主角圖雅是個既能吃苦、也重情義的女子，相較之下，那些出街見有少許陽光，就埋怨陽光太猛烈、扭擰作態的“千金小姐”，一副嬌生慣養，吃不得半點苦的模樣，令人腸胃不適。
the painted veil (2006, John Curran) 8.5/10
kamikaze girls (2004, tetsuya nakashima) 7.5/10
memories of matsuko (2006, tetsuya nakashima) 8/10
以電影界的 Versace，來形容中島哲也嘅電影風格，是貼切不過的，他電影盡麗極妍，極盡華麗之能事，色彩明亮、輕快、奪目，在這種風格的包裝下，表現出歡悅、愉快的特性，因此即使内容多麼沉重、悲痛，都容易被觀影口味尚淺的觀眾消化。
不少文藝電影都被初接觸電影的觀眾批評過於 “悶藝”，以這種 MV 式電影風格來拍攝文藝電影，的確令口味尚淺的電影觀眾更易接受，但問題是，如果這批電影初入門者接觸得越多這類電影，被這類電影寵壞，會否更加排斥傳統文藝電影?
bellissima (1951, luchino visconti) 7.5/10
ludwig (1972, luchino visconti) 8.5/10
the damned (1969, luchino visconti) 6.5/10
如果說今村昌平談“性”上癮，那麼 Visconti 的晚期作品則是談“同性”上癮，總愛在他的電影裡面加進 “同性戀”情節，在此片中更是變本加厲，SA 軍官大搞同性 Party，招致納粹屠殺，而史實上納粹屠殺 SA 軍官是基於政治考慮，與性取向無關，或許 Visconti 篡改史實，是想醜化親納粹者，說親納粹者都是一群“同性戀”者，但 Visconti 的做法存在很大不妥之處，首先，“同性戀”者並不代表其人行為卑劣，只能表示其“性取向”不合傳統而已，其次，一個人的“性取向”與其“政見”(或者說“治國能力”)根本就沒有什麼聯繫，即使是性變態、性濫交者，也不代表其在政治上的表現也就是變態的，譬如說 Clinton，其人無疑比 Bush 濫交得多，但將兩人比一比，誰執掌政權時，令國際局面更為緊張？
the taste of tea (2004, katsuhito ishii) 7.5/10
funky forest: the first contact (2005, katsuhito ishii) 7.5/10
片中有一些片段的確很過癮，但不難發現其中不少怪異造形都跟 david cronenberg 電影中的角色很相似，例如機器中的肚臍類似於 naked lunch (1991)中的變形打字機；人身上有插座，類似於 eXistenZ (1999)中的遊戲玩家；放入音帶則飄出人頭，類似於 videodrome (1983)中恐怖影帶於電視機上所出現的驚慄影像…….
此片其實係 david cronenberg 風格嘅日本 cult 片，不過將之 “搞笑”化，所以 david cronenberg 電影中的怪異角色，予人驚嚇、恐怖之感，而此片則予人輕鬆、另類嘅喜劇感。
(至於裡面的性剝削情節，例如按著畫有女性下體的小門，以扭大音響；與有著巨乳，並且乳暈有轉動風扇的卡通人物共舞；觸摸小人物身上類似男性下體的部份，使其舒暢 ……，這些當然不能說是受 crash (1996)的影響，性剝削情節，日本電影早已有之。)
另外片長兩個半小時，以喜劇片來說，似乎有點過長，若刪走一些重複出現嘅情節，或擇其優而取之，效果更佳。
fateless (2005, lajos koltai) 8/10
blood diamond (2006, edward zwick) 8/10
general idi amin dada (1974, barbet schroeder) 8/10
the last king of scotland (2006, kevin macdonald) 8/10

Movies watched in March

noreply@blogger.com (Tourist) — Fri, 09 Mar 2007 12:27:00 +0000

monterey pop (1968, d.A. pennebaker) 8.5/10
jimi plays monterey (1968, chris hegedus, d.A. pennebaker) 8/10
monterey pop - the outtake performances (1968, d.A. pennebaker) 8/10
這套 complete monterey pop festival 不單讓觀眾得以一睹當日音樂節盛況空前嘅實況，（the animals、the mamas & the papas、the who、simon and garfunkel……等知名樂隊嘅演出）
也讓人重溫了現代音樂史上曾閃現瞬逝嘅樂壇奇葩：
janis joplin 喊叫式唱法，配合跺腳台風，完全體現懾人嘅獨特魅力；
otis redding 以粗獷聲線，捏緊拳頭，忘我演唱活力四射嘅 “shake”，叫醒現場所有觀眾；
吉它之神 jimi hendrix 展示獨步古今嘅吉它彈奏大法：舉於頭頂、藏匿背後、置於跨下、牙齒彈弦，最後放火燃燒吉它，再將吉它砸碎，逐件丟向觀眾，台下女聽眾被其過激行動嚇至不知所惜。
以上幾人都是在卅歲前英年早逝，若他們還在生，現代世界樂壇肯定多了幾分精彩。
特別值得一提嘅係 sitar 琴大師 ravi shankar 嘅精湛演出，與 tabla 鼓一問一答，互相輝映，令在場所有聽眾站立歡呼，sitar 琴音色柔美，乍聽之下有幾分似揚琴之聲，有利於表現印度音樂中如怨如訴、婉轉曲折的旋律，傳達其迷幻音韻。
monterey pop festival 不單是第一個大型嘅搖滾音樂節，也是不少後來音樂節嘅楷模，其令人回味之處不獨其音樂，更重要的是其背後所反映的 “和平、反戰”精神，在這超過二十萬人聽眾出席嘅音樂會上，沒有任何傷亡事件，沒有任何暴力打鬥，出席聽眾質素之高，不可思議
gimme shelter (1970, maysles brothers & charlotte zwerin) 8/10
leonard cohen: i'm your man (2005, lian lunson) 7.5/10
ray charles: what'd i say (2006, les studios marko) 8/10
fire (1996, deepa mehta) 7.5/10
earth (1998, deepa mehta) 8/10
water (2005, deepa mehta) 8/10
此片有點生不逢時，若是早一年參選，有望勝過去年的 tsotsi (2005)，而得到奧斯卡最佳外語片，偏偏今年才參選，碰上 the lives of others (2006)，以及 pan's labyrinth (2006)這般強敵，落敗也是無可奈何
the great madcap (1949, luis buñuel) 7.5/10
ascent to heaven (1952, luis buñuel) 7.5/10
illusion travels by streetcar (1954, luis buñuel) 8/10
robinson crusoe (1954, luis buñuel) 7.5/10
simon of the desert (1965, luis buñuel) 8.5/10
story of a love affair (1950, michelangelo antonioni) 8/10
le amiche (1955, michelangelo antonioni) 8.5/10
identification of a woman (1982, michelangelo antonioni) 7.5/10
big deal on madonna street (1958, mario monicelli) 7.5/10
frequency (2000, gregory hoblit) 8/10
superman returns (2006, bryan singer) 7.5/10
harsh times (2005, david ayer) 7.5/10
miami vice (2006, michael mann) 7.5/10
the prestige (2006, christopher nolan) 7/10
in the bedroom (2001, todd field) 8.5/10
the royal tenenbaums (2001, wes anderson) 7.5/10
les bonnes femmes (1960, claude chabrol) 8/10
les biches (1968, claude chabrol) 7.5/10
l'enfer (1994, claude chabrol) 8.5/10
even dwarfs started small (1970, werner herzog) 8.5/10
heart of glass (1976, werner herzog) 8/10
stroszek (1977, werner herzog) 8.5/10
werner herzog eats his shoe (1980, les blank) 7.5/10
lessons of darkness (1992, werner herzog) 8.5/10
航拍波斯灣戰爭後科威特油田大火，罩天濃煙，巨舌火龍，黑油焦土，配上 edvard grieg，gustav mahler，sergei prokofiev，franz schubert，giuseppe verdi，richard wagner 等名家的古典音樂，有一種天神俯瞰世間，哀痛蒼生造孽的意味，werner herzog 曾說過寧願將本片當是科幻片，而不是紀錄片。　除了少數戰爭狂人外，有誰願意影片裡面内容是真的
little dieter needs to fly (1997, werner herzog) 8/10
my best fiend (1999, werner herzog) 8/10
the white diamond (2004, werner herzog) 7.5/10
the wild blue yonder (2005, werner herzog) 7/10
punch-drunk love (2002, paul thomas anderson) 7/10
harp of burma (1956, kon ichikawa) 8/10
fires on the plain (1959, kon ichikawa) 9/10
kagi (1959, kon ichikawa) 7.5/10
an actor's revenge (1963, kon ichikawa) 8/10
jigoku (1960, nobuo nakagawa) 7.5/10
little buddha (1993, bernardo bertolucci) 7.5/10
seven years in tibet (1997, jean-jacques annaud) 8.5/10
kundun (1997, martin scorsese) 8/10
the queen (2006, stephen frears) 7.5/10
flags of our fathers (2006, clint eastwood) 8/10
letters from iwo jima (2006, clint eastwood) 8.5/10
300 (2006, zack snyder) 7.5/10
pan's labyrinth (2006, guillermo del toro) 8/10
看完這部電影，便意味著 imdb top 250 的所有電影已經全部看過
alice in the cities (1974, wim wenders) 8/10
the wrong move (1975, wim wenders) 8/10
kings of the road (1976, wim wenders) 8/10
故事隨興、情節散漫、公路風光、有著很寫意的慵懶氣氛，曾擔任 wim wenders 助手的 jim jarmusch，其初期作品 stranger than paradise (1984)，也明顯與本片有著很相似的地方，予觀眾零碎鬆散，飄泊無根之感，但 jarmusch 版在攝影上不及本片那麼雕琢細緻，本片在不少地方的取鏡角度，以及某些場面安排都令人讚嘆(例如最後兩主角在不同路上相遇)，在情節上 jarmusch 版也沒有本片那麼多有趣亮點，例如修理揚聲器時即興的娛樂表演，逗得一群原本焦躁喧嘩的小孩子笑個不停
不過要批評一下的是，本片中在寫實方面似乎有"過火"之嫌，片中有大、小便時放出排泄物的寫實鏡頭，大便從肛門排出，小便從生殖器流出，這些排泄鏡頭的出現，令觀眾噁心多於覺得富有寫實意義吧，真有其必要嗎?
the american friend (1977, wim wenders) 8/10
tokyo-ga (1985, wim wenders) 7/10
until the end of the world (1991, wim wenders) 6.5/10
縱橫四大洲，穿梭全球十多個城巿的構圖頗佳，奈何故事弱，演員演出亦欠水準，雖然觀看的是四個半小時嘅導演剪輯版，但仍覺得角色塑造未完善，感覺上 wim wenders 藉著一個很牵強嘅追捕故事，帶出全球各地美景，不難看出 wim wenders 想拍出一部氣魄宏偉嘅巨構，可惜成品卻是風光片多於一切嘅平凡之作
the soul of a man (2003, wim wenders) 8/10
casino royale (2006, martin campbell) 7/10
rocky balboa (2006, sylvester stallone) 7.5/10
after this our exile (2006, patrick tam) 7.5/10
the pursuit of happyness (2006, gabriele muccino) 8/10
the element of crime (1984, lars von trier) 7.5/10
epidemic (1987, lars von trier) 8/10
europa (1991, lars von trier) 8.5/10
畫面的黑白與彩色之間嘅轉換突然，但恰到好處，加上褐色濾鏡的黑白影像，忽然放大的面貌，lars von trier 利用色彩轉換、特技攝影、雙重曝光、光學特效，藉由這些奇異的視覺效果將觀眾從現實中抽離，架構了一個奇特、恐怖的多重視覺世界，體現了美籍德裔青年回到祖家後，在美國佔領者與德國恐怖組織之中糾纏不清，在各派別之間立場不定的迷失狀態。而 max von sydow 催眠式嘅旁述，也為影片增添幾分詭秘氣氛。
當年此片在康城金棕櫚奬上不敵 barton fink (1991)，匪夷所思程度直逼 raging bull (1980)失落奧斯卡最佳電影奬於 ordinary people (1980)，難怪 lars von trier 聞訊後暴跳如雷
（不過 lars von trier 何必這麼短視，奬項並不代表一切，是金子總會發光，拍出能常駐觀眾心間嘅佳片不是更重要嗎）
the idiots (1998, lars von trier) 7.5/10
the five obstructions (2003, lars von trier & jørgen leth) 8/10

Movies watched in February

noreply@blogger.com (Tourist) — Thu, 08 Feb 2007 13:10:00 +0000

rang de basanti (2006, rakesh omprakash mehra) 5/10
近代向主流靠攏嘅印度電影，裡面喜歡摻入不少無謂情節，令本來不怎麼流暢嘅劇情更顯拖沓，另外加入幾段歌舞場面，整體上予人“綜藝節目”多於“電影”嘅感覺，既然 bollywood 電影這樣拍，很可能印度有不少喜歡看綜藝節目的電影觀眾吧。
此片代表印度參選今年奧斯卡最佳外語片，片長約三小時，但不少部份均是多餘，無謂情節充斥而不覺有特別意義，在此可看出此片導演不過爾爾，不懂得剪裁，作為藝術電影看，不能賦予多層意義，但若想拍成取悅大眾嘅商業娛樂片，約三小時嘅片長，不單考驗普羅觀眾耐性，也難以增加放映場次，而達到利潤最大化嘅商業目的，這種藝術與商業兩頭不到岸嘅電影，真是令人啼笑皆非。
影片故事兩線並行，舊時革命份子為自由獻身和當代大學生不滿政治刺殺高官，這樣的題材，若在某些導演手上，很容易又成為另一部傑作，但經本片導演那“綜藝節目 + 通俗劇”的處理手法，反而落得不倫不類，該感動人的不動人，執意煽情催淚反而惹來陣陣笑聲。
lage raho munnabhai (2006, rajkumar hirani) 5.5/10
cyrano de bergerac (1990, jean-paul rappeneau) 7.5/10
dont look back (1967, d.A. pennebaker) 8/10
tony takitani (2004, jun ichikawa) 7/10
the virgin suicides (1999, sofia coppola) 7.5/10
marie antoinette (2006, sofia coppola) 8/10
children of men (2006, alfonso cuarón) 8.5/10
影片結尾嘅長鏡頭實在太出色，不知花了多少時間準備的
maurice (1987, james ivory) 8/10
howards end (1992, james ivory) 8/10
paris, i love you (2006, various directors) 7/10
導演雲集嘅電影，很容易便看到各導演本身嘅創意指數，以及藝術修養，我最喜歡的是 tom tykwer 所執導的片段，流動影像下捕捉了那段相知相惜嘅愛情，在人群來去匆匆的花都中迸發出浪漫火花，男主角喃喃自語既像抒情小詩，也為愛情寫下挑皮注腳，natalie portman 在片中流露其慣常生動活潑的一面，不失為我最喜愛嘅女演員之一
buffalo '66 (1998, vincent gallo) 7/10
the brown bunny (2003, vincent gallo) 7/10
simon (2004, eddy terstall) 7/10
seven days in may (1964, john frankenheimer) 8.5/10
borat (2006, larry charles) 5.5/10
低級趣味、故扮無知並非幽默的表現
bull durham (1988, ron shelton) 7/10
field of dreams (1989, phil alden robinson) 7.5/10
remember the titans (2000, boaz yakin) 7.5/10
someone like you... (2001, tony goldwyn) 5.5/10
de-lovely (2004, irwin winkler) 8/10
the round-up (1966, miklós jancsó) 8.5/10
the red and the white (1967, miklós jancsó) 8.5/10
red psalm (1972, miklós jancsó) 8.5/10
匈牙利大師 miklós jancsó 擅於紀錄史實，所創作的軸心主題不離“戰爭、逼害、鎮壓、恐怖”等政治事件，故事裡也不設置明顯的主人公和故事線，以突出影片中群體間互相傾軋的存在主義面貌。
the round-up (1966)反映極權政治下人民的苦況與人人自危、互相攻詰的醜態。
the red and the white (1967)描寫紅軍與保皇黨之戰，戰犯被容許逃跑，然後再被騎兵趕上當獵物般射殺，說明戰爭不過是一場瘋子遊戲，戰爭雙方不過是在白白斷送寶貴生命，徒勞無功，就像片中紅軍在歷史上是取勝了，但今何在呢，先人沙場鮮血洪流也敵不過最終自我分崩離析。
red psalm (1972)不再像前兩片那樣以實感感染觀眾，而以創新手法，巧妙結合形式與内容，以詩般的藝術形式描繪無地農民爭取應有權利，集象徵主義、舞台劇、超現實主義於一身，自由流動長鏡頭下穿插民歌，堅信人民必取得最後勝利。
perfume: the story of a murderer (2006, tom tykwer) 8.5/10
shortbus (2006, john cameron mitchell) 7.5/10
儘管本片有賣弄奇技淫巧之嫌，但仍欣賞其把“性”公開坦誠地談嘅直率精神，性本無邪，何以要遮遮掩掩，避而不談？
女主角最終得到高潮體驗，可令黑暗城巿恢復光彩，就像今村昌平的《赤橋下的暖流》，男女愉快交歡後天空煥發彩虹，兩片都在不約而同地歌頌性愛偉大，肯定性嘅正面價值
之前看過的 private dicks: men exposed (1999)，不同年齡、種族的男人赤裸裸公開談性，暢談從性自覺到不同性行為嘅看法，這不單是主動去加深對性的認識，更是文明進步的體現
i am a sex addict (2005)中，導演更甚至講述自己怎樣風流成性，戀妓成癖，雖有點自戀，但也看出導演肯主動面對自己的性癮問題，相比之下，那些“表面上談得很少，私底下做得很多，然後又談性色變”嘅假正經，顯得有點迂腐。
前兩年李敖在北大演講時，曾說到北歐開放色情片後，全國強姦偷窺案減少了16%，公開坦誠談性並不是搞色情，而是不為本屬自然的“性”添上不必要的神秘面紗
可惜的是，坦誠大膽談性的電影，在廿一世紀的今天，仍受到一些觀眾帶上有色眼鏡看待，什麼時候人們肯坦誠地談性，毫無避忌地談性(不是以色情為目的)，也就是文明已躍升至另一層次嘅標誌
the science of sleep (2006, michel gondry) 8/10
babel (2006, alejandro gonzález iñárritu) 8.5/10
雖然有明顯嘅雕琢痕跡，但導演試圖交織三大洲離奇故事嘅氣魄，突出不同語言種族下人生百態嘅匠心，各演員演出之稱職到位，還是值得給予肯定
babe (1995, chris noonan) 7.5/10
pleasantville (1998, gary ross) 7/10
the lives of others (2006, florian henckel von donnersmarck) 9/10
paris belongs to us (1960, jacques rivette) 7/10
la belle noiseuse (1991, jacques rivette) 8/10
長達四小時嘅繪畫過程，由起稿到成品，都鉅細無遺地記錄下來，目的只有一個，就是要逼使觀眾也成為畫家，參與繪畫創作，一同見證繪畫作品嘅誕生，並探討藝術嘅可能性
emmanuelle béart 赤裸裸地在繪畫室與畫家相對，不單代表藝術家與所描繪物像，也象徵女性與男性嘅互動關係，裸女不但能勾起慾念，也能刺激創作靈感，為傑作提供好素材；　此外也象徵電影與藝術，電影人如何生動地詮譯所攝影像，捕捉其神態，使之富有生命力，在菲林上發放不朽風采，猶如畫家怎樣展現在其畫卷上風韻翩翩嘅人物，使之躍現紙上
shadowless sword (2005, kim young-jun) 7/10
battle of wits (2006, cheung chi leung) 8/10

Movies watched in January

noreply@blogger.com (Tourist) — Thu, 11 Jan 2007 00:08:00 +0000

napoléon (1927, abel gance) 9/10
作為影史早期作品，已經接近毫無缺點，三聯一幅影像嘅使用，饒有創新意義，充分利用繪畫與文學嘅技巧，擴展象徵意味嘅空間，影像重疊，交叉剪接，配合蒙太奇，賦予故事寓義更深嘅層次
可惜我評分機制中，最高只有 9 分，沒有 10 分是因為覺得世上沒有絕對完美的東西
van gogh (1991, maurice pialat) 7.5/10
luther (2003, eric till) 7.5/10
dangan runner (1996, sabu) 7.5/10
postman blues (1997, sabu) 6.5/10
monday (2000, sabu) 7/10
a scene at the sea (1991, takeshi kitano) 8/10
sonatine (1993, takeshi kitano) 7.5/10
kids return (1996, takeshi kitano) 8.5/10
fireworks (1997, takeshi kitano) 7/10
kikujiro (1999, takeshi kitano) 7/10
takeshi kitano, l'imprévisible (1999, jean-pierre limosin) 7.5/10
北野武在訪問中講到，他拍攝時，不會對演員作非常高的要求，如果發覺演員不入戲，那麼他就會改以拍攝演員的背面，或者以慢鏡處理，因為他覺得完全等待演員入戲，有時頗費時間，也有可能會影響到其他演員
大致上，電影專業出身的導演，對於演員的演出，以及其他各方面，會較為執著，而像北野武這種半途入行嘅導演，較懂得變通
maborosi (1995, hirokazu koreeda) 8/10
after life (1998, hirokazu koreeda) 7.5/10
distance (2001, hirokazu koreeda) 7.5/10
hana yori mo naho (2006, hirokazu koreeda) 7/10
schizopolis (1996, steven soderbergh) 7.5/10
undo (1994, shunji iwai) 8/10
picnic (1996, shunji iwai) 8/10
swallowtail (1996, shunji iwai) 6.5/10
april story (1998, shunji iwai) 7.5/10
saw ii (2005, darren lynn bousman) 5/10
saw iii (2006, darren lynn bousman) 6/10
the four feathers (1939, zoltan korda) 8.5/10
1939 年嘅電影可以拍至咁樣嘅水準，現在不少電影都要感到慚愧，尤其是那些常將觀眾當傻瓜嘅電影工作者
david lean 肯定從呢部電影入面偷過師，片中不少場面總令我想起 lawrence of arabia (1962)
bound (1996, wachowski brothers) 8/10
ballad of narayama (1958, keisuke kinoshita) 8.5/10
ballad of narayama (1983, shohei imamura) 6.5/10
如果沒有看過木下惠介版，很可能會為今村昌平版打上 8 分
今村昌平談“性”上癮，總喜愛在他的作品增添“性”元素，他的大部分作品，都有赤裸裸嘅性愛場面，而這部今村版嘅楢山節考，也加入不少“性”元素，並且將不少情節塗上喜劇色彩，將相當悽慘嘅楢山節考作喜劇化處理（雖只是前半部分），雖不能說處理錯誤，但也大大減低故事感染力 (於我而言)。
木下惠介版則由始至終都以較為哀傷嘅筆調來敍述，悲痛溢於言表，場面切換亦考心思，富有舞台劇效果，田中絹代所飾演嘅老嬤嬤，其演出亦非常感人，這些都不是今村昌平版所能比擬的。
intentions of murder (1964, shohei imamura) 8/10
the pornographers (1966, shohei imamura) 8.5/10
a man vanishes (1967, , shohei imamura) 8/10
vengeance is mine (1979, shohei imamura) 8/10
why not (1981, shohei imamura) 8.5/10
the eel (1997, shohei imamura) 8.5/10
warm water under a red bridge (2001, shohei imamura) 7.5/10
black rain (1989, shohei imamura) 8/10
dr akagi (1998, shohei imamura) 8/10
hiroshima (2005, paul wilmshurst) 8.5/10
camille claudel (1988, bruno nuytten) 7.5/10
queen margot (1994, patrice chéreau) 8/10
private dicks: men exposed (1999, thom powers) 7/10
i am a sex addict (2005, caveh zahedi) 7/10
inside deep throat (2005, fenton bailey) 7.5/10
deep throat 嘅歷史價值，引用片中論者，一言蔽之：Deep Throat’s legacy goes beyond the sexually saturated culture that surrounds us today and reaches back to the beginnings of a culture war that divides us as never before.
rabbit-proof fence (2002, phillip noyce) 7.5/10
intervals (1969, peter greenaway) 6/10
h is for house (1973, peter greenaway) 7/10
windows (1975, peter greenaway) 6/10
water wrackets (1975, peter greenaway) 6/10
dear phone (1977, peter greenaway) 7.5/10
a walk through h (1978, peter greenaway) 7.5/10
vertical features remake (1978, peter greenaway) 8/10
平時毫不顯眼嘅事物，如樹木、屋頂、草地……，配上簡單到不能再簡單嘅鋼琴音階，在片中竟然顯得如此美麗，如此令人陶醉，真正嘅藝術家，就有“化腐朽為神奇”嘅本事，能使平凡顯得不平凡
要拍好電影，龐大資金不是必要條件，瑰麗場景也不是必要條件，電影工作者本身嘅“創作天份”才是必要條件
the cook the thief his wife & her lover (1989, peter greenaway) 8.5/10
how to get ahead in advertising (1989, bruce robinson) 8/10
the browning version (1951, anthony asquith) 8/10
the browning version (1994, mike figgis) 7.5/10
英國教師片好看的原因之一，就是將教師當成“活人”來描敍，而非“聖人”，教師也像常人一樣，有樂，有悲，有好的一面，也有不好的一面，因此較易得到觀眾嘅共鳴，不像某個國家的教師片，喜歡將教師描繪成“聖人”，一講及教師，就總是將其描繪成“道貌岸然”嘅刻板形象
後來者 the prime of miss jean brodie (1969)甚至筆鋒一轉，描寫教師對學生嘅不良影響，亦是教師片中嘅傑作
samurai I: musashi miyamoto (1954, hiroshi inagaki) 7.5/10
samurai II: duel at ichijoji temple (1955, hiroshi inagaki) 8/10
samurai III: duel on ganryu island (1956, hiroshi inagaki) 7.5/10
第二集結局決鬥時有白鴿飛起嘅鏡頭，難道吳宇森效法於此？
sword of the beast (1965, hideo gosha) 7.5/10
samurai spy (1965, masahiro shinoda) 8/10
此片涉及人物之多，角色關係之錯綜複雜，恐怕連日本本土觀眾也未必可以看得輕鬆自在；　片中有決鬥斷手斷腳場面，比 quentin tarantino 嘅 kill bill (2003)早咗接近四十年
the sword of doom (1966, kihachi okamoto) 8/10
仲代達矢在名氣上雖不及三船敏郎，但在打鬥上，閃避、出劍均顯得比三船敏郎更有型有格

Best Memories of 2006

noreply@blogger.com (Tourist) — Sun, 07 Jan 2007 17:01:00 +0000

Best Memories of 2006

(recent films)

10. Neil Young: Heart of Gold (2006, Jonathan Demme)

一代音樂傳奇 Neil Young 大病後餘生，在 Nashville 的鄉村音樂殿堂 Ryman Auditorium 舉行音樂會，表演最新專輯 Prairie Wind 中的歌曲，在音樂會上，Neil Young 談笑風生，盡顯對生命的豁達，音樂會上佈景更替次數不多，Neil Young 與一眾伴唱亦服飾從簡，沒有華麗裝束，對比起在紅館演唱的歌星，醒目的台服，炫眼的舞台設計，Neil Young 單憑著他的歌聲與閑話家常，就博得滿堂彩，雄厚實力無庸置疑。
多年前 Jim Jarmusch 曾製作過一部叫 Year of the Horse (1997)的電影，追蹤台上台下的 Neil Young，該片以粗粒視像質感，傳達了 Neil Young 所屬樂隊 Crazy Horse 演唱時所體現的無政府精神，但仍然有評論者認為該片風格上過於另類，把 Neil Young 拍得像個伐木工人多於搖滾歌手。
並列第十的還有李安的 Brokeback Mountain (2005)

9. Good Night, and Good Luck. (2005, George Clooney)

就像不相信像北野武這種面帶煞氣的粗人，竟然可以拍出 A Scene at the sea (1991) 這樣細膩的唯美文藝片；也有點不相信像 George Clooney 這種一介動作武夫，竟然可以製作出歌頌傳媒風骨的 Good Night, and Good Luck. (2005)，全片以黑白化營造肅殺氣氛，再以爵士樂舒緩，題材深刻而發人深省，值得每位具道德良知的傳媒人借鏡。
並列第九的還有 Steven Spielberg 的 Munich (2005) 與及 Marc Rothemund 的 Sophie Scholl: The Final Days (2005)

8. The Road to Guantanamo (2006, Michael Winterbottom)

三名英國穆斯林在前往阿富汗和巴基斯坦途中，被美軍無故扣押，更被關進位於古巴 Guantánamo Bay 的監獄二年多，在獄中遭受多番審問與虐待，後因缺乏足夠證據而被釋放。
九一一陰影籠罩全球，此片所描敍的正是“一朝被蛇咬，十年怕草縄”，緊張心態下所釀成的閙劇，杯弓蛇影的心理令美國軍方有過敏的反常行動，不單美國，英國警方 2005 年於倫敦地鐵站內錯殺疑是恐怖份子的巴西公民，也正是活生生的例子，反恐戰爭已令軍方搖身一變，自己率先成為恐怖份子，殘害不少無辜者，而背後目的豈只是“反恐”這麼簡單，也令人存疑。
並列第八的還有 James McTeigue 的 V for Vendetta (2005)

7. Crossing the Bridge: The Sound of Istanbul (2005, Fatih Akin)

橫跨歐亞兩大洲，融合多種種族文化的土耳其，原來其音樂也同樣多姿多采，不單有較現代的 Rock, Hip-hop, Rap，還有傳統的吉普賽音樂，庫爾德語哀歌，以及街頭藝者，流行與古典混為一體，如果喜歡 Wim Wenders 的 Buena Vista Social Club (1999)，那麼本片也應一看
導演 Fatih Akin，之前拍過 Gegen die Wand (2004)，風格凌厲而不失柔情，妙手編寫悲歡交錯的愛情故事，是一位值得期待的新晋導演。
並列第七的還有 Martin Scorsese 的 No Direction Home: Bob Dylan (2005)

6. Inside Man (2006, Spike Lee)

銀行劫匪和多名人質穿上同一款衣服，立時令警察無從分辨誰是匪徒；銀行大亨也不是清白，於二次大戰時靠出賣猶太人致富，而替他游說劫匪的經紀人，更替 Bin Laden 侄兒購買物業，表面上是一齣警匪片，實則影射後九一一時代，美國政府防恐無力，無從分辨恐怖份子，而美國自身，也並非清白無辜，背後有著令人齒冷的骯髒交易。
導演 Spike Lee 曾拍過揭示民族大融爐下種族衝突的 Do the Right Thing (1989)，與有關黑人民權領袖傳記片的 Malcolm X (1992)，此次以商業娛樂片格局，探討九一一後的美國社會，以通俗手法說嚴肅故事，實在是 Hollywood 芸芸俗流中的一股清泉。
並列第六的還有 Stephen Gaghan 的 Syriana (2005) 與及 Fernando Meirelles 的 The Constant Gardener (2005)

5. C.R.A.Z.Y. (2005, Jean-Marc Vallée)

父母與子女的關係，可作電影的永恒命題，因為幾乎人人與之相關，容易引起共鳴，C.R.A.Z.Y.也是這麼一部電影，講述子女與父母間該如何相處，橫跨幾個年代的父子關係，從反叛對抗到互相諒解，過程真摯感人，在細節處理上透過多種拍攝特效，帶領觀眾視點遊花園，難得導演肯大灑金錢，動用多位名家名曲作配樂，讓觀眾在視覺、聽覺和心靈上都滿載而歸。

4. The Death of Mr. Lazarescu (2005, Cristi Puiu)

攝影機伴隨著酗酒老人被送往醫院的經過，仿記錄片的形式，沒有作出任何主觀批評，只是冷眼記錄情形，但卻令觀眾感到強烈震撼，見證了種種醫療陋習，以及人情冷暖，比起不少帶有立場批判的電影，這類仿紀錄電影無疑更容易令觀眾動容，不持主場，交由觀眾自己批判，猶如繪畫中的留白，觀眾自然有更多的自由闡釋空間，就像近期的 United 93 (2006)，它之所以為人稱道，並不是因為其夠逼真，而是因為其逼真背後，留給觀眾的百感交集，既憤慨於控制塔的遲緩反應，又感動於機上乘客的慷慨赴義，也反思美國的所作所為。

3. Match Point (2005, Woody Allen)

究竟是實力重要還是運氣重要？是世人一直篤信的“成功需苦幹”，還是傳統迷信的“一命二運三風水”？這齣 Woody Allen 晚年回勇之作，透過 Chris Wilton 的一連串幸運遭遇，回應了這個謎題，原來只要有幸運之神眷顧，那麼一切都變得隨心所欲，不單一躍龍門，身價百倍，即使佈局不怎麼精巧的殺人計劃，也因遇上笨拙警察而變得滴水不漏，有人說雖然 Chris Wilton 幸運地逃過了法律的制裁，但始終逃不出自己良心的譴責，對於奸佞之徒，良心早已泯滅，又何來有良心譴責。

2. Hidden (2005, Michael Haneke)

如果要說2006年有哪部電影最惹人猜想，對觀眾要求最高，相信非 Hidden (2005) 莫屬，一宗偷拍事件，不單揭開了 Georges Laurent 與 Majid 之間的恩怨仇恨，而且還遠溯至國家情仇，究竟誰在偷拍並不是最重要，導演將偷拍者描繪得如此撲朔迷離，錄影帶與真實影像之間也變得混淆，無非在說，現實世界與此電影一樣，在互相窺伺的同時，也互相在發泄對他人的傲慢與偏見。片名 hidden 不單指誰在隠藏偷拍，更意指 hidden 在心中的恐懼、仇恨、偏見等等齷齪、不可告人的東西。

1. Still Life (2006, Jia zhangke)

看這部電影時，跟看 Michael Winterbottom 的 In This World (2002)感覺一樣，如果導演沒有那麼一點悲天憫人之心，不可能拍出這樣的電影。
兩段尋找另一半的故事，便帶領觀眾見證了三峽眾生相，人類於大自然面前顯得渺少無力，人民於政府決策面前也同樣無力，改革開放，經濟起飛的背後，要以炸毀歷史老城為代價，為口奔馳的貧苦大眾，在明知“早上下去，晚上還不知能不能上來”的情況下，為了多賺兩個錢，而甘願做危機四伏的礦工。
賈樟柯巧用電腦特效，以 UFO 寄喻對未知未來的響往，自動飛走的建築物與突然倒塌的大廈表示週遭環境也在悄悄變遷中，以前是物是人非，現在是物非人非，人在變，環境也同樣在變。
在空中走鋼線的人隠喻貧苦大眾的生活，留在原地不行，繼續前進也要一步一驚心，步步為營。這般辛苦的日子，也不過是為了“煙、酒、茶、糖”的日常生活。
在全國一片“黃金”潮中，黃金並不單指《黃金甲》，也指全國人向錢看的黃金心態，賈樟柯仍能堅守陣線，不向世俗低頭，用實際行動喚起觀眾的 “社會意識”，以及同行的“藝術意識”，實在值得我等敬佩。
不知賈樟柯能否抵受名利富貴對人的腐蝕，如果能保持節操，那麼其將來的成就，一定超越張藝謀，賈樟柯從《小武》以至《三峽好人》、《東》等六部長片，劇本都是他一手包辦，反觀張藝謀，從其賴以成名的《紅高梁》、《活著》到最近的《滿城盡帶黃金甲》，都分別改編於他人作品，如莫言、蘇童、余華、曹禺等，也即是說，賈樟柯是胸有藝術構圖，而張藝謀尚要借助他人之力，賈樟柯擅於自編自導，那麼對於劇本的審視能力，自然比張藝謀高，這樣一來，成品也容易維持高水平。

Best Memories of 2006

(older films)

新片要選十大容易，舊片要選十大，卻是做不到的事情，因為舊片中精采的實在太多太多，2006 年觀看過的舊片中，印象很好的起碼超過 100 部，因此無法排出十大，以下只能隨便找十部不同國家地區的舊片說說，當然不是 2006 年觀看舊片中的十大，因為這對其他同樣出色的舊片不公平，只能權當介紹，大致上每月觀影列表中，8.5/10 或以上評分的都是較為優秀之作。

舊片永遠精采，對於那些看電影只著眼“今期新片”的觀眾，無疑錯過了電影史上最精采的一頁。

Mother (1926, Vsevolod Pudovkin) (Country: Soviet Union)

(watched in September, 2006)

蒙太奇倡導者之一 Pudovkin 的第一部長片，根據名作家 Maxim Gorky 小說所改編，講述 1905 年的革命，兒子與丈夫的理念不同，兒子支持罷工，丈夫反對罷工，母親左右為難，起先站在丈夫一邊，後來經歷了種種冷遇與不公平對待，終於覺醒兒子才是正確的，毅然加入兒子的革命行列。
跟 Eisenstein 一樣，透過快速剪接，令影片保持快速節奏，也容易營造澎湃動力，同時也利用蒙太奇，賦予畫面多層次的意義，但比起 Eisenstein，Pudovkin 更注重角色塑造，對個別人物有較深刻的描寫，從 Mother (1926)、The End of St. Petersburg (1927)、到 Storm Over Asia (1928) 皆如此。 Pudovkin 利用特寫鏡頭，擴大演員的表情，加深觀眾對角色的認識，從而拉近觀眾與角色的距離，角色貼近觀眾，促使表演趨向細微，觀眾從表面的静態洞悉内在的動態。例如 Mother (1926)中，母親發覺兒子在地板下藏有槍械，便是透過特寫母親的面孔，展現母親的憂慮心情。
雖然這時期的蘇聯電影常被當權者用作政治宣傳工具，但如果以藝術品來看，卻有其不朽價值，對世界電影的影響，有著舉足輕重的地位，西方電影學家認為這類作品所反映的精神是錯誤的，但其藝術價值卻是出類拔萃。差不多同年期 Eisenstein 的 Strike (1925)、The Battleship Potemkin (1925)、Oktyabr (1928) 也是對世界電影史影響巨大的出色作品。

All That Heaven Allows (1955, Douglas Sirk) (Country: USA)

(watched in July, 2006)

一居住於小鎮的中年富裕寡婦，兩個子女都在唸大學，她在自己階層的朋友圈子中過得倒也寫意，寂寞難耐的她很想再墮愛河，可惜同階層的男性不甚合她意，後來遇上 Rock Hudson 飾演的年輕英俊健碩園丁，好感油然而生，隨即開始一段門戶不對的忘年之戀，戀情曝光後，身邊好友隨即議論紛紛，投以異樣目光，兒女也要挾斷絕母子關係，面對各方壓力，她只有黯然退縮。聖誕節到了，回家的兒子跟她說要到巴黎留學，而女兒則要跟男朋友結婚，兩人都將離她而去，這時她才知道，原來固守世俗，恐懼別人不屑之色，換來的是無盡寂寞。
導演 Douglas Sirk 以通俗劇的形式，道破人心的寂寞，無敵於無形的階級枷鎖，所謂的自由，也只局限於同階層的往來；同時也抨擊人心的軟弱，飾演寡婦的 Jane Wyman 既渴望愛情，可是又貪戀所處階層環境的舒適，缺乏勇氣去填補内心的空虛；影片還隠約指出傳統風俗的約束，囿於傳統社會男尊女卑的影響，社會對於男長女幼的忘年戀情似乎容易接受，但若是女長男幼，則容易引起大眾嘩然，尖酸刻薄的揶揄、有失厚道的譏諷、主觀偏頗的批判，各種各樣的議論隨之而來，因為大眾都已被傳統思想綁死，毫無接受新風尚的空間。
經 Technicolor 處理過的影片，呈飽和的色彩層次，顏色對比更鮮明，令片中不少場景，看上去像一幅幅漂亮的彩畫，但在這漂亮畫面之下套著階級的枷鎖，就像在 Jane Wyman 舒適時尚的雅居裡，藏著的是難言的寂寞。
西班牙導演 Pedro Almodóvar 坦言很喜歡 Douglas Sirk 作品，Douglas Sirk 的 Written on the Wind (1956)更被他重複看過無數遍，難怪 Pedro Almodóvar 的鏡頭下總有一群為愛癡迷的俗世男女，在悲悽之中讓人窺見恒常的人性本質，這不也正是 Douglas Sirk 常觸及的主題麼。
Douglas Sirk 在電影史上雖不及其他大師那麼享負盛名，但其欣賞者無數，Rainer Werner Fassbinder 的 Ali: Fear Eats the Soul (1974)，以及近年 Todd Haynes 的 Far from Heaven (2002)，均是向此片致敬之作。

The Music Room (1958, Satyajit Ray) (Country: India)

(watched in November, 2006)

說起 Satyajit Ray，很多人只會想起他的 Apu 三部曲，但 The Music Room (1958) 也是他不可忽視的水準之作，故事講述二十世紀三十年代的印度，世代顯赫的地主 Huzur 終日沉迷鴉片、音樂、美酒，在其樂房舉行大型歌舞招待當地名流，縱使其現已家道中落，財政狀況已不甚樂觀，雖有人勸喻，但其認為此般高消費的高雅活動可維持其在上流圈子的地位，於是繼續我行我素，如此花費甚鉅的活動令其債台高築，銀行不肯借貸，唯有將妻子的首飾典當墊支。
Huzur 繼續沉淪下去的原因除了要維持其在上流社會的面子，另一原因是靠借貸而興起的暴發戶 Mahim，其家產與地位已成為該區新貴，並且是該區唯一擁有汽車的家庭，但傲氣令 Huzur 執意要在所有社會活動上比 Mahim 更顯闊綽。
後來其妻兒在乘船回家時遭遇漩渦而溺亡，悲痛的 Huzur 勒令關掉樂房，吸食鴉片度日。
某日，Mahim 前來邀請 Huzur 出席其新樂房啟用儀式，這令 Huzur 怒火中燒，吩咐下人重開樂房，舉行演奏會，動用全家僅餘的資產，聘請當時得令的舞者前來表演，並且在表演結束時，搶在 Mahim 前面，用最後的一分一毫打賞舞者。羿日，Huzur 騎上能代表其昔日家族榮耀的白馬，在疾跑之中墮馬而亡。
影片透過地主 Huzur 和暴發戶 Mahim 的故事，彰顯新舊交替，舊時名門和新興望族在氣派上較勁，當無以為繼時，便選擇了死亡，舊地主“不能屈能伸”，放不下身段，不努力奮發振興家業，反而執意與人鬥貴，直至山窮水盡。影片說的就是自尊的危害，過度的自尊會令人拿得起，放不下，做著很多不切實際的蠢事。
時代變遷下，在商業主導、開放競爭的社會，舊時貴族若不好自為之，很容易便給出身卑微的後來者迎頭趕上，當舊貴族沉醉在自己的榮耀夢鄉中時，努力奮鬥者已悄悄成為社會新貴，甚至取代舊貴族的地位。
Satyajit Ray 善用象徵，例如 Huzur 看著 Mahim 的汽車經過他的大象，突顯新舊對比，狂風閃電預示將有不測，油畫上爬行的蜘蛛表示家道已衰落。Mahim 在演奏會上要交談，被 Huzur 輕聲禁止，一個簡單動作，便反映了兩人截然不同的文化素養。

Onibaba 《鬼婆》 (1964, 新藤兼人) (Country: Japan)

(watched in November, 2006)

十四世紀戰亂中的日本，兩婆媳活於蘆葦叢中，靠刼殺來往精疲力竭的士兵為生。一日，一個跟婦人兒子同被抓壯丁的人逃了回來，他的回來，破壞了婆媳間慣常的生活方式，媳婦扺受不住逃兵的引誘而與之苟合，這令婦人妒火中燒，某夜，戴著恐怖惡魔面具的武士突然出現，要婦人帶他走出蘆葦叢，婦人引他跌入地洞，得到面具後，婦人就每逢媳婦偷偷前往跟逃兵幽會的路上，扮鬼嚇唬媳婦，要媳婦循規蹈矩……
影片首先反映了戰亂中的原始人性，為了活命，幹著殺人越貨的剪徑之舉，活著只為了果腹，毫無德義可言，與一般動物無異，逃兵的到來，不但媳婦被誘，連婦人也按捺不住，揭示了人性中飲食男女的基本所需，一切訴諸本能；　影片還抨擊戰爭對人民的禍害，當處於你死我活的世界裡，一切的道義都變得不切實際，片中的婆媳行徑固然可鄙，但畢竟是形勢所逼，影片強調社會環境對人的行為有著決定性的影響，並要觀眾反思生存的價值。
導演新藤兼人在片中用了不少比喻手法，例如用惡魔面具表達人的猙獰，面具在此象徵人内心的惡念，人一動了惡念，則仿似戴上邪惡面具，面目可憎，什麼卑污之事都幹得出來，而影片開頭婆媳用來丟屍的地洞，則象徵無窮慾念，人一墮其中，便再無上來之日。
影片的影像語言純熟，攝影調度與光暗陰影配搭一流，令全片流露著跌宕起伏的動感。

The Cremator (1968, Juraj Herz) (Country: Czechoslovakia)

(watched in December, 2006)

今村昌平的《日本昆蟲記》起篇以螞蟻爬行的畫面，比喻人們的挣扎求生，The Cremator (1968)開頭也以動物園裡的豹，象徵狂人骨子裡的兇殘本性，鐵欄象喻世俗道德約束，如果一旦這約束被解除，那麼其他人必被豹的獠牙所傷。
影片主角 Kopfrkingl 是火葬場負責人，與妻子育有一子一女，生活過得體面，然而男主角卻有與別不同的心態，他認為死亡可免於生命的受難，焚屍可解救靈魂，在納粹德軍占領布拉格後，更把這種怪異心態推向頂峰，不單對納粹德軍言聽計從，而且更身體力行，把有猶太人血統的妻子與孩子殺掉，赢得納粹德軍歡心後，終於坐上納粹軍車而走。
影片描繪了政治動蕩下，火葬場燒掉的不只是人體，還有人性，當人性泯滅時，剩下的只有邪惡與恐懼，男主角不但在火葬場消滅死亡(焚屍)，還製造死亡(殺人)，就像男主角用同一把梳子為自己梳頭，也為死人梳頭，在被扭曲過後的心裡，也沒把自己當成活人。
導演 Juraj Herz 巧用圖畫、音樂、超現實、廣角鏡表現人性扭曲下的變態人格，用變形的鏡頭來烘託主角的變態心理，而殺人後看見僧人，只因在主角心理，殺人等於救人，他的火葬場也早已成了廟宇。
影片可看作一個個性研究，探討畸型心態下所犯下的暴行，讓觀眾一窺主角的成魔之路。

Celine and Julie Go Boating (1974, Jacques Rivette) (Country: France)

(watched in August, 2006)

法國新浪潮主將之一 Jacques Rivette 的作品，講述一天早上，坐在凳上的 Julie 看見路過的 Celine 匆忙行進之中跌了圍巾，Julie 於是追上前要交還物品，由此開始了她們的一面之緣，之後雙方誤打誤撞，越發熟絡，Celine 更搬進了 Julie 的公寓裡同住，倆人情同姐妹，甚至在對方不知情的情況下，代替對方出席約會或工作安排。　後來，Celine 和 Julie 決定到 Celine 曾經工作過的舊大廈，調查哪裡發生過什麼事，倆人輪流以護士身份進入大廈，但當她們出來時，都記不清裡面的情形，幸虧她們離開大廈時，帶了一些糖粒，這些糖粒有魔法功能，能在她們嘴裡慢慢溶解時，讓她們憶起在大廈裡面時的情形，她們就是這樣開始逐點逐滴去探究大廈的情況，原來大廈裡住著兩父女 Olivier 和 Madlyn，保姆 Sophie，和小姨 Camille，Sophie 和 Camille 都分別想得到 Olivier 的愛，同時其中一人想加害 Madlyn，而 Celine 和 Julie 則要想辦法營救 Madlyn…..
電影所謳歌的是女性的姐妹情，有共同的生活態度，共同的好奇心，照顧對方需要，替對方出席約會等，少女般的清純關係讓 Celine 和 Julie 顯得份外可愛，而她們千方百計想去保護小女孩免受傷害，這又突顯了女性骨子裡的母愛。
電影技巧上，既是兩線並行，也是兩線相反，並行的兩線是指敍事上，分別是 Celine 和 Julie 吃糖時的喃喃自語，與及舊大廈中的片段，而兩線相反則是指在形式上，Celine 和 Julie 吃糖時的場面與她們憶起的大廈情景恰恰相反，Celine 和 Julie 現實場景可說代表了法國新浪潮所倡導的精神，摒棄攝影棚而改到大街小巷拍攝，對白即興，不造作，有濃烈的生活感，而她們憶起的大廈情景則影射新浪潮之前的法國電影，那時期的電影喜歡就小說取材，情節陳舊，脫離事實，喜歡在攝影棚裡完成拍攝。Celine 和 Julie 的情節充滿生趣的即興幽默感，大廈裡則是通俗劇化的恐怖殺人故事，將這兩線交織在一起，不單豐富了敍事内容，也讓觀眾看到新舊電影形式的強烈對比。而她們想著要從大廈裡救出小孩，從某種意義上說，代表了 Jacques Rivette 這批新浪潮主將，要解救法國電影，使法國電影得到新生。

'Breaker' Morant (1980, Bruce Beresford) (Country: Australia)

(watched in August, 2006)

以真實故事為題材，第二次波爾戰爭(Boer War, 1899-1902)末段，英軍終於打敗波爾軍，在進占波爾時，發覺來自波爾遊擊隊的扺抗，在軍耗上升以及傳統作戰方法無法對付當地遊擊隊的情況下，成立特別隊伍以特別手法打擊遊擊隊，其中一支特別隊伍便叫 Bushveldt Carbineers，這支特別隊伍的隊長在一次遭遊擊隊伏擊中喪生，隊中的三名澳洲中尉憤而將所擒獲的波爾遊擊隊殺掉，此時英軍為了避免激起波爾軍反抗，以及歐洲列強用作藉口支援波爾軍，而延長波爾戰爭，於是唯有將三名澳洲中尉判罪槍決，而三名中尉的祖國－澳洲－對此袖手旁觀。
影片突出了戰爭的荒謬性，戰爭本就是不仁慈的，為了勝利，往往無所不用其極，片中三名中尉本來受英軍所遣前去狙擊遊擊隊，殺敵可說是基本職責，但執行使命時，卻反過來被英軍誣告殺害囚犯，成了軍隊為了討好各方的代罪羔羊。
Peter Weir 的 Gallipoli (1981) 是最為人熟悉的澳洲戰爭片，但本片無疑比 Gallipoli (1981)中慷慨為國捐軀的田徑好手的故事，更能體現戰爭的荒謬性，同時也留給觀眾更多反思的空間。

Yol (1982, Serif Gören, Yilmaz Güney) (Country: Turkey)

(watched in January, 2006)

五個被關在低度戒備拘留所，獲準短暫回家一週的囚犯，影片瞄準他們五人在回家途中的經歷，或因證件問題而被遣返監獄，或因家庭問題而遭射殺，或遇見警方槍殺政治異見份子，或要經過冰天雪地前去看望失節妻子，導演透過這五個短暫獲釋囚犯的不同經歷，反映出在那個年代的土耳其，坐不坐牢，在實質上並沒有多大差別，囚犯出牢，盼望的是過點短暫的自由常人生活，可是監獄外的世界，隨時都有軍警查問，實施宵禁，還有軍方對付異見份子的殘暴手段，槍聲連連，原來外面的世界比監獄更凌亂。
此片不單批評政府的壓迫，同時也諷刺當地社會的道德矛盾，例如自己的兄弟要處死當妓女的姐妹，認為有辱家門，但對其他人姐妹賣淫，卻可能欣然接受。
此片以公路電影的形式，反映當地政治和社會的種種問題，也讓觀眾見識土耳其民族的多元化特色，榮獲 1982 年康城電影節金棕櫚最佳電影奬，實至名歸。

Time of the Gypsies (1988, Emir Kusturica) (Country: Yugoslavia)

(watched in August, 2006)

吉普賽少年 Perhan 與為人治病的嬤嬤，長短腳的妹妹，和他那瘋癲叔叔，一起住在南斯拉夫某小村，犯罪團伙頭目 Ahmed 勸 Perhan 陪同妹妹到醫院治病，然後誘騙 Perhan 為其團伙工作，賺錢以迎娶其熱戀中的女朋友 Azra，並計劃唆使其妹妹行乞，後來 Perhan 發覺 Ahmed 所承諾的一切都不過是謊言，逐找 Ahmed 復仇。
此片其實是悲劇故事，男主角無論待人以誠還是加入犯罪團伙，都擺脫不了無奈結局，但以喜劇性包裝，用不少超現實、嬉閙場景，還附以男主角隔空移物的特異功能，讓觀眾在發出會心微笑之餘，體會吉普賽人與別不同的生活風貌，片中不少鏡頭運用也很出色，影片開始不久後男女主角學習接吻的鏡頭設計更是別出心裁。
此片還有長達 5 集的電視劇版，片中少女的裸露賣淫場面在電視劇版也沒有遭刪剪，南斯拉夫電視台的尺度，還真不是一般的開放。

Henry V (1989, Kenneth Branagh) (Country: UK)

(watched in April, 2006)

根據莎士比亞名著創作而成，年輕的 Henry V 剛登上皇位，可是其資歷備受質疑，當他受到法國在外交上的侮辱之後，Henry V 利用此作為進兵法國的藉口，在長期圍攻之下占領 Harfleur，可是由於傷亡和軍需短缺，軍隊必須退回到位於法國北部的 Calais 要塞，就在退兵之際，受到大批法國精兵阻擊，在強弱懸殊以及士氣消沉的情況下，Henry V 拒絕法軍議降，向軍隊演說激勵士氣，在 1415 年 10 月 25 日的 Agincourt 一役，動員軍隊鼓餘勇迎戰，終以不勝無歸的破釜沉舟決心險勝強大的法軍。
關於 Henry V，Laurence Olivier 也拍過相同題材的 The Chronicle History of King Henry the Fift with His Battell Fought at Agincourt in France (1944)，但 Kenneth Branagh 版比起 Laurence Olivier 版更佳，更用心去刻劃 Henry V 這個人物，將年輕、自負、野心勃勃的 Henry V 演繹得入木三分，其他配角的演出亦很出色，戰役場面之精采更是 Laurence Olivier 版所不能及。
此片是 Kenneth Branagh 年僅二十八歲時的首部電影，敢於挑戰莎士比亞名著，其膽色與才華不是普通文藝青年所能比擬，成就接近二十五歲時就拍出 Citizen Kane (1941)的 Orson Welles，看著他們兩位，的確令人憶起什麼叫“有志不在年高”。或許 Kenneth Branagh 開拍此片，是因為他有著與片中主人公 Henry V 的相同之處，都是年輕，剛上任(剛當導演與剛當國王)，需要一次漂亮的勝仗來確立自己的地位，結果無論戲内戲外的主人公，都打了勝仗，一個是在影史上留名，一個是在歷史上留名。
Kenneth Branagh 是當今世界最出名，也是最成功地將莎士比亞劇搬上銀幕的電影人，直到現在，他共自導自演了三部莎士比亞名者，包括 Henry V (1989)、Much Ado About Nothing (1993)、Hamlet (1996)，成就可媲美他的前輩 Laurence Olivier，他也曾導演過三部莎翁名劇，分別為 The Chronicle History of King Henry the Fift with His Battell Fought at Agincourt in France (1944)、Hamlet (1948)、Richard III (1955)
我對 Kenneth Branagh 相當佩服，如果沒有一定的文學功底，是不敢碰莎士比亞作品，而他導演過的三部莎士比亞作品，都獲一致肯定，大受好評，截至目前為止，莎士比亞的劇本被搬上銀幕(包括電視在内），已經超過六百次，但當中為人稱道的作品，卻是寮寮可數，可見演繹其作品殊非易事，也足以證明 Kenneth Branagh 的超卓才華。

Movies watched in December

noreply@blogger.com (Tourist) — Sun, 10 Dec 2006 12:04:00 +0000

mccabe & mrs. miller (1971, robert altman) 8/10
the long goodbye (1973, robert altman) 7.5/10
3 women (1977, robert altman) 9/10
如果不是事先知道導演是 robert altman，看完之後會以為是 david lynch 作品
secret honor (1984, robert altman) 8/10
prêt-à-porter (1994, robert altman) 7.5/10
有點像 woody allen 嘅 celebrity (1998)，後者描繪 hollywood 名流頹唐事，本片則揭示時裝界荒謬面，兩者推出時觀眾反應亦一樣，都是“貶”多於“讚”，於我而言則相反
a prairie home companion (2006, robert altman) 7.5/10
忽然間人人不但演得，而且還唱得，hollywood 嘅老牌明星真唔係呃飯吃，個個周身刀、面面俱圓
a woman under the influence (1974, john cassavetes) 8.5/10
now and forever (1934, henry hathaway) 7/10
the little princess (1939, walter lang) 8/10
真的有人是天生吃娛樂圈這行飯，shirley temple小小年紀，演出已經準確到位、通曉人情世故，剛柔並濟，而且收放自如，表現猶勝成人。
可惜不知是否由於光華在童年時就早已發放完盡嘅緣故，長大成人後星運便告一段落
ponette (1996, jacques doillon) 7.5/10
millions (2004, danny boyle) 7.5/10
little miss sunshine (2006, jonathan dayton) 7.5/10
dr. jekyll and mr. hyde (1931, rouben mamoulian) 8.5/10
i walked with a zombie (1943, jacques tourneur) 7/10
the seventh victim (1943, mark robson) 8/10
forbidden planet (1956, fred M. wilcox) 7/10
what ever happened to baby jane? (1962, robert aldrich) 6.5/10
看著兩位曾經艷壓群芳女演員嘅年老演出，不禁有一點歲月催人嘅唏噓，但女演員遲暮之時，仍能擔任主角，這又不能不說值得慶幸
seconds (1966, john frankenheimer) 7.5/10
häxan (1922, benjamin christensen) 8.5/10
the fall of the house of usher (1928, jean epstein) 8.5/10
the cremator (1968, juraj herz) 9/10
el topo (1970, alejandro jodorowsky) 7.5/10
the holy mountain (1973, alejandro jodorowsky) 8.5/10
holy blood (1989, alejandro jodorowsky) 8.5/10
don't look now (1973, nicolas roeg) 8/10
此片嘅剪接非常出色，不單令詭秘氣氛加劇，也令男女房事顯得別有趣味，可惜由於同年推出嘅 the exorcist (1973)，令此片得不到應有嘅關注
the rocky horror picture show (1975, jim sharman) 6/10
murder by death (1976, robert moore) 7.5/10
吸引我看此片嘅原因，除了 peter sellers，還有首次在銀幕亮相嘅名作家 truman capote，他在片中像個老頑童，大玩 twist
the omen (1976, richard donner) 8.5/10
the wicker man (1973, robin hardy) 8.5/10
an american werewolf in london (1981, john landis) 8.5/10
misery (1990, rob reiner) 7.5/10
eXistenZ (1999, david cronenberg) 7.5/10
arlington road (1999, mark pellington) 7.5/10
a tale of two sisters (2003, kim ji-woon) 7.5/10
kontroll (2003, nimród antal) 7/10
dead man's shoes (2004, shane meadows) 5.5/10
基本上凡是涉及到復仇嘅電影，不少都有其過於誇張嘅弱點，就是常將復仇者描繪得神通廣大，無所不能，而作惡兇徒又過於笨拙，毫無防範之力
hard candy (2005, david slade) 6/10
the descent (2005, neil marshall) 7.5/10
re-cycle (2006, pang brothers) 6.5/10
有其創意嘅一面，將異域塑造成被人遺棄嘅世界，遺棄嘅區域、玩具、甚至胎兒，影射現實社會，
但是不少恐怖場面都予人熟口熟面嘅感覺，較少原創性
另外要投訴嘅係，此片嘅英文字幕相當差勁，“他回來了”竟然譯成“He has been backed”，嚴重懷疑譯者嘅文化程度
love and death (1975, woody allen) 7.5/10
zelig (1983, woody allen) 8/10
radio days (1987, woody allen) 7.5/10
husbands and wives (1992, woody allen) 7.5/10
bullets over broadway (1994, woody allen) 7.5/10
scoop (2006, woody allen) 6/10
still life (2006, jia zhangke) 8.5/10
賈樟柯嘅電影讓人看到中國電影嘅新希望，但最近賈樟柯因本片在中國上映時，觀眾不多，憤而責駡張藝謀新片，又令人覺得他有點沉不住氣。　人總是希望受到更多人的關注、重視，尤其是電影圈這種名利場，更易受他人影響，所以文藝片導演偶爾拍拍商業片也是無可厚非，重要的是不要丟了導演嘅精神，拍出一堆空洞無物嘅爛片。
自己有好作品時，當然希望有更多的人看到，這種心態很容易理解，但既然選擇了文藝電影這條非主流嘅小眾路線，就注定與孤單為伍，繼續做好自己的事情才是首要的，願賈樟柯“戒躁”，繼續專注拍多些好電影
jubilee (1977, derek jarman) 8/10
edward II (1991, derek jarman) 8/10
不得不承認，之前有點低估 derek jarman 嘅實力，punk 得嚟又不失深度，場景佈置從簡以突出演員，巧用名曲以渲染主題，以現代化環境說古代故事，借古諷今，為後來者 titus (1999)做了很好嘅示範
the devil wears prada (2006, david frankel) 7.5/10
jude (1996, michael winterbottom) 7.5/10
wonderland (1999, michael winterbottom) 7.5/10
in this world (2002, michael winterbottom) 8.5/10
阿富汗少年歷盡千辛萬苦，逃到英國，最終仍難逃被遣返命運
現實生活中，貧窮戰亂地方嘅人總希望能走到富庶和平嘅地方定居，可是一到富庶地方生活久了，又會漸漸變得懶惰，丟了當初拚搏求生嘅志氣，而生活在富庶和平地方嘅人，又常常不知自己活在幸福樂境之中，不懂得珍惜。　人，真係賤骨頭，生於憂患，死於安樂
24 hour party people (2002, michael winterbottom) 8/10
a cock and bull story (2005, michael winterbottom) 7.5/10
the road to guantanamo (2006, michael winterbottom) 8/10
satan's tango (1994, béla tarr) 7/10
此片給我嘅第一印象就係“濫用長鏡頭”，係又用長鏡頭，唔係又用長鏡頭，有些觀眾會將 béla tarr 跟 theo angelopoulos 聯繫在一起，但 theo angelopoulos 嘅長鏡頭用得美，富有獨特節奏，沒有任何呆滯與凌亂，巧妙嘅設計將視覺審美與敍事結合得恰到好處。 béla tarr 嘅長鏡頭則用得過濫，有些更顯枯燥無味，令我聯想起 andy warhol，此君便是喜歡動用長鏡頭，一動不動地記錄下事物狀況，例如他那部以 8 小時片長，記錄帝國大厦嘅 empire (1964)，與及 5 小時片長，記錄人睡眠嘅 sleep (1963)
再者，片長長得無道理 ( 7 個多小時)，此片像是未經剪輯嘅毛片，就連片中人物吃東西，都鉅細無遺地保留下來，而不是一個鏡頭一晃而過，或許有人會說這是導演對普通人生活嘅同情，但如果挑選一些較有意思的情節來表示同情，會不會較好，較易得到觀眾嘅共鳴，還是片中普通人，吃東西時跟其他地方的普通人，大不相同。
我記得，高中時期有一課文，教學生在寫作時，要有剪材篩選嘅功夫，而本片則乾脆不加取捨，有意思沒意思的都一併帶進影片中，考驗觀眾耐性之餘又不見得有特別意思。我並不討厭影片長，只是覺得，影片長，要長得有道理，而非刻意拖慢，用一個簡短鏡頭就能表達出同樣意義的時候，為何還要用長鏡頭呢。　就像用五個文字就能表達出某個概念時，你卻用五十個文字來說，除了體現文字功力不濟，與及超級長氣，還能表示什麼？
以我嘅觀影經驗，片長長得有道理嘅只有 1968 年蘇聯嘅 war and peace (1968)，該片片長 8 個多小時，但構圖宏偉，氣魄壯闊，描繪俄國貴族在戰爭與和平中嘅動盪經歷，另外涵括多場大戰與當時社會重大事件，人物眾多而性格迥異，場景更替而不失俄國風貌，情節動人，蘊意深刻，有著史詩式嘅輝煌與寬闊視野，8 個多小時的觀影經歷就像看著一幅浩迭壁畫一樣，令觀眾得到無比倫比嘅視像與心靈體驗
stanley kubrick: a life in pictures (2001, jan harlan) 8/10
curse of the golden flower (2006, zhang yimou) 7/10
無預期中咁差，張藝謀都係擅於攝製大場面，喜歡製造奇觀，而最重要嘅係，他仍然能够將故事說得有板有眼，令全片看起來不至於大而無當，欠缺中心點，只是人物描繪略嫌平面，欠缺深刻
對於劇情片來說，一個條理清楚、合情合理嘅故事，無疑是命根，缺乏了這條命根，其他的場面鋪陳，再華麗、再耀眼，也顯得空洞、造作、堆砌，張藝謀之所以傑出，在於他在銳意求進，討好老外嘅同時，沒有喪失他一向以來擅於說故事嘅能力，因此在他電影中出現嘅壯觀奇景，都容易顯得合乎道理，不弄至形式大於内容
microcosmos (1996, claude nuridsany) 7.5/10
the travelling birds (2001, jacques perrin) 8.5/10
baraka (1992, ron fricke) 8/10
全片只有影像，沒有旁白
當風光片看，不作任何思索，很好看
把影像作任意闡釋，也很好看
其實宇宙萬物，天地奧妙，又豈是千言萬語所能覆蓋，一切旁白不但多餘，而且不自量力

Movies watched in November

noreply@blogger.com (Tourist) — Fri, 03 Nov 2006 13:37:00 +0000

the children are watching us (1944, vittorio de sica) 8.5/10
本是家庭倫理片，父母離異怎樣令孩子飽受煎熬，但也可引申至更深層次，法西斯軍國主義下的意大利，已經純真不再
男主角拍攝本片時只有五歲，但已完全表達了父母離異時嘅徬徨失措，全賴導演 de sica 誘導小演員嘅功夫一流
本片結局是電影史上最令人心酸嘅其中一幕，女性觀眾觀看前記得先預備好紙巾
shoe shine (1946, vittorio de sica) 8.5/10
miracle in milan (1951, vittorio de sica) 8/10
two women (1960, vittorio de sica) 8.5/10
yesterday, today and tomorrow (1963, vittorio de sica) 7.5/10
巿井風情拍得非常生趣，瀰漫著濃郁古典風格嘅配樂，令意大利城巿風光增色不少
此外，取景角度，攝影機嘅移動，都很具大師風範，以致不少構圖很別致，只是劇情略嫌單薄
the garden of the finzi-continis (1970, vittorio de sica) 8/10
a brief vacation (1973, vittorio de sica) 7.5/10
madame de... (1953, max ophüls) 8/10
the bird people in china (1998, takashi miike) 7.5/10
an inconvenient truth (2006, davis guggenheim) 6/10
單從演講角度看，al gore 嘅 presentation 做得幾好
如果 al gore 就這樣 present 溫室效應資料，我會給予 8 分，可是加插了幾段他的個人片段，例如競選片段等，不得不令我扣減 2 分，不能否定 al gore 對地球生態嘅關心，但本片總給我一種“政治show多於環保講座”嘅感覺
dark habits (1983, pedro almodóvar) 8/10
matador (1986, pedro almodóvar) 7.5/10
law of desire (1987, pedro almodóvar) 7.5/10
volver (2006, pedro almodóvar) 7.5/10
“女兒亦姐妹”嘅情節，靈感可能來自 Chinatown (1974)
the seventh continent (1989, michael haneke) 8.5/10
the expedition (1962, satyajit ray) 8/10
the lonely wife (1964, satyajit ray) 8/10
the chess players (1977, satyajit ray) 7.5/10
the music room (1958, satyajit ray) 8.5/10
印度版 citizen kane，頹敗氣氛營造出色，例如大油畫上的蜘蛛，預示破敗之象，可以媲美 david lean 嘅 great expectations (1946) 中的手法：陰森古堡内食檯蛛網四結，老鼠偷食滿佈灰塵嘅結婚蛋糕
awaara (1951, raj kapoor) 7.5/10
lagaan: once upon a time in india (2001, ashutosh gowariker) 7.5/10
劇情無聊，但歌舞場面非常精采；每個鏡頭都用心去拍，以致捨不得剪掉，因此節奏緩慢，片長接近四小時
有些電影工作者在微觀方面做得很好，可是卻忽略了整體宏觀效果，不懂得剪裁 (不是所有都保留就是好)
monsoon wedding (2001, mira nair) 7.5/10
main hoon na (2004, farah khan) 7/10
印版“逃學威龍”，有恐怖份子，也有美女學生、美教師，加進不少傳統印度歌舞、揉合性幻想、西片式大爆炸、東方式打鬥，既有溫馨場面，也有火爆追逐，不單講及兄弟私情，又牵涉國家安危、還不忘宣揚和平訊息，美女教師也不能放過，真正超級大雜燴
bride & prejudice (2004, gurinder chadha) 6/10
mistress of spices (2005, paul mayeda berges) 5.5/10
the miracle worker (1962, arthur penn) 7.5/10
black (2005, sanjay leela bhansali) 8/10
knife in the water (1962, roman polanski) 8/10
cul-de-sac (1966, roman polanski) 8/10
the fearless vampire killers (1967, roman polanski) 7/10
death and the maiden (1994, roman polanski) 8.5/10
hobson's choice (1954, david lean) 8/10
summertime (1955, david lean) 7.5/10
ryan's daughter (1970, david lean) 9/10
比 brief encounter (1945)更好看、内容更豐富、刻劃更細緻嘅紅杏出牆劇
a passage to india (1984, david lean) 9/10
一宗強姦疑案，充分暴露英人嘅傲慢與野蠻，身為英人嘅導演 david lean，能站在客觀角度，對自己民族嘅蠻夷行徑予以當頭棒喝，實屬難能可貴
片中有不少印度怡人秀景，毫不遜色於 doctor zhivago (1965)嘅壯麗北國風光
russian ark (2002, aleksandr sokurov) 8/10
the sun (2005, aleksandr sokurov) 8/10
the bitch (1931, jean renoir) 8.5/10
強烈鞭靼社會某些怪現象，但手段很溫和，儘量以喜劇形式表達，例如當畫家看著自己的自畫像被人高價買入，而畫家本人卻要過幫人開車門的乞憐生活，這情景表面很滑稽，卻令觀眾從失笑聲中感到對怪誕社會的一絲寒意
劇院式嘅開篇、結篇手法很特別，我懷疑 marcel carné 嘅 children of paradise (1945) 亦係受其影響所致
boudu saved from drowning (1932, jean renoir) 8/10
a day in the country (1936, jean renoir) 7/10
the human beast (1938, jean renoir) 8/10
the river (1951, jean renoir) 8/10
the golden coach (1953, jean renoir) 8.5/10
french cancan (1954, jean renoir) 8/10
在電影史早期的電影大家中，jean renoir 算是鏡頭運用最傑出的一個，他電影中的鏡頭運用，就算現在看來，亦很出類拔萃，有些更富有超卓創意，後世不少電影亦受其影響，法國某些電影雜誌更喜歡將 jean renoir 嘅鏡頭運用作專題介紹
the lower depths (1936, jean renoir) 8/10
the lower depths (1957, akira kurosawa) 8/10
同樣改編自俄國劇作家 maxim gorky 嘅劇本，由電影史上兩位殿堂級人馬，歐洲電影大師 jean renoir 和亞洲電影大師黑澤明各自執導，但兩人走的路向不同，jean renoir 版改編較多，以樂觀筆調，甚至有點喜劇色彩，深信絕處亦有生路，鼓舞當時二戰前嘅法國人民；而黑澤明版則較忠於原著，以悲觀筆觸，描繪社會低層嘅慘況和絕望處境，無望之下唯有一歌解千愁，寄喻對二戰後日本國民窘境嘅憐憫
where is the friend's home (1987, abbas kiarostami) 8/10
homework (1987, abbas kiarostami) 7.5/10
and Life goes on... (1991, , abbas kiarostami) 8/10
under the olive trees (1994, abbas kiarostami) 7.5/10
用山路表達觀感是 abbas kiarostami 的電影特色，where is the friend's home (1987) 用 z 型路表達小孩在兼顧家務和功課之中遊走； and Life goes on... (1991)用陡峭山路比喻地震之後的伊朗處境； under the olive trees (1994)用蜿蜒山路表示男性追求者的波折重重。。。。。。 abbas kiarostami可說是最喜歡將路藝術化的導演
abc africa (2001, abbas kiarostami) 7/10
ten (2002, abbas kiarostami) 7/10
abbas kiarostami: the art of living (2003, fergus daly) 8/10
mission: impossible III (2006, J.J. abrams) 6.5/10
x-men: the last stand (2006, brett ratner) 7/10
angels of the streets (1943, robert bresson) 8/10
大致可以視為 diary of a country priest (1951)嘅修女版，都是為了信仰而獻身，country priest 可以在身心俱疲嘅情況下堅守信仰，直至死去，本片中的修女亦可以在遭修院驅逐下，秘密潛回教會墓地祈禱，直至病重死去
然則本片風格較接近傳統主流電影，而後者則富有 robert bresson 嘅簡約特色
the ladies of the bois de boulogne (1945, robert bresson) 6.5/10
a gentle woman (1969, robert bresson) 8/10
可人兒 dominique sanda 首登大銀幕之作，有別於 the conformist (1970)中的賣弄風情，本片中的她過度自我壓抑，一副生人勿近模樣
lancelot of the lake (1974, robert bresson) 8/10
four nights of a dreamer (1971, robert bresson) 8/10
跟 visconti 嘅 white nights (1967) 一樣，都係改編自 dostoyevsky 小說，但本片嘅編排演繹上，比不上 visconti 版本，觀眾對於最後男主角始終得不到女主角的愛，惋惜之情也沒有 visconti 版本那麼強烈
the devil probably (1977, robert bresson) 6.5/10
如果說 mouchette (1967)中的女主角最後之死，是因為一無所有，遭受太多欺凌，尚且值得同情，本片中男主角之死就顯得非常無稽，係“好人好姐懶傷感”嘅最佳範例，任由感性引導理性嘅無謂悲劇（閙劇）
the invisible man (1933, james whale) 8/10
想不到一九三十年代嘅電影，特技運用竟然已經如此出神入化，完全可以傲視現今電腦科技泛濫嘅電影特效畫面
the vampire (1932, carl theodor dreyer) 7.5/10
dead of night (1945, alberto cavalcanti, charles crichton, basil dearden, robert hamer) 8.5/10
英國現代版 “怪談”，由不同人嘅怪誕經歷組成，比較值得注意的是其弔詭式嘅叙事結構(paradoxical structure)，令觀眾分不清夢幻與真實嘅分界線，夢幻亦真實，真實亦夢幻，在當時來說相當具突破性
the innocents (1961, jack clayton) 8/10
the haunting (1963, robert wise) 8/10
onibaba (1964, kaneto shindô) 9/10
kes (1969, ken loach) 8.5/10
ladybird ladybird (1994, ken loach) 8/10
這部戲教曉觀眾，為什麼非職業演員不宜小看，女主角 crissy rock 嘅演出的確出色，表現令人印象深刻，在多個電影頒奬禮上獲最佳女主角，可謂實至名歸，而這不過是她第一次演戲而已，不得不令人驚嘆
本片中孕婦接生的過程極度逼真，染血嬰兒更令人疑是直接從某戶剛出生嬰兒家借來拍攝
land and freedom (1995, ken loach) 8.5/10
sweet sixteen (2002, ken loach) 7.5/10
just a kiss (2004, ken loach) 7/10
the wind that shakes the barley (2006, ken loach) 7/10
儘管意義深刻，但題材與表達手法，是不是老掉牙了一點？不單題材有點雷同十年前的 michael collins (1996)，就連結局也同樣以情人為革命烈士哀痛告終，難怪有人會為 volver (2006) 拿不到金棕櫚而感到不值

Movies watched in October

noreply@blogger.com (Tourist) — Fri, 06 Oct 2006 16:42:00 +0000

eskiya (1996, yavuz turgul) 5/10
il posto (1961, ermanno olmi) 7.5/10
i fidanzati (1963, ermanno olmi) 7.5/10
the tree of wooden clogs (1978, ermanno olmi) 8.5/10
the scent of green papaya (1993, anh hung tran) 8.5/10
vertical ray of the sun (2000, anh hung tran) 7.5/10
the cousins (1959, claude chabrol) 8/10
the beast must die (1969, claude chabrol) 7.5/10
the unfaithful wife (1969, claude chabrol) 8/10
the butcher (1970, claude chabrol) 7.5/10
story of women (1988, claude chabrol) 8/10
la ceremonie (1995, claude chabrol) 8/10
the child (2005, jean-pierre dardenne, luc dardenne) 7.5/10
the ice storm (1997, ang lee) 8.5/10
the squid and the whale (2005, noah baumbach) 7.5/10
everything is illuminated (2005, liev schreiber) 8/10
akeelah and the bee (2006, doug atchison) 8/10
young torless (1966, volker schlöndorff) 7.5/10
the lost honor of katharina blum (1975, volker schlöndorff) 8.5/10
七十年代中期有兩部講及傳媒嘅好片，一是美國嘅 network (1976)，另一部則本片是也
coup de grâce (1976, volker schlöndorff) 7.5/10
death of a salesman (1985, volker schlöndorff) 8.5/10
salesman (1969, albert maysles) 7.5/10
the banquet (2006, feng xiaogang) 5/10
如果女演員心態浮躁，會發生什麼事情？　咪勾引影圈權貴囉
咁如果導演心態浮躁，又會發生什麼事情？　咪《夜宴》囉
全片無論美術指導、配樂、動作設計、以至演員，都是目前中國的明星級陣容，可是出來的結果卻是：對白造作、演技差劣、故事牵強，也再一次印證了一個理論：全明星陣容未必比小本製作更好看
演員若眼中只有鈔票，便會忘記什麼叫做演技
導演若眼中只有國際虛名，便會有不切實際嘅浮誇，並且喪失原本說故事嘅看家本領
“心態平實、敬業樂業”八字，原來放諸各行各業，都是千古不變真理
馮小剛開拍本片，無非想向世人表明，中國大陸不是只有張藝謀，陳凱歌才拍得了古裝武俠大片，我馮小剛也一樣可以。上進心固然值得肯定，值得稱讚，但上進心不等於可以把事情弄糟，拍出部爛片來。　此外，拍得了古裝武俠大片又怎樣？又能代表什麼？　基本上有點號召力，有電影公司支持的導演都做得到。　能拍出動人心魄的隽永好片才是令人佩服嘅好導演。　一味跟風，以為拍古裝武俠巨片，就是打進國際社會嘅捷徑，除了體現創作力嘅貧乏，亦只會令國際影人提早看膩中國古裝武俠大片
相比之下，台灣那批導演（侯孝賢、楊德昌、蔡明亮等）值得表揚，他們沒有因為李安嘅名利雙收，於是也跟風拍幾部古裝武俠片進軍國際，仍然是安份守己，做著自己原本想做嘅事情，拍好原本想拍嘅電影
chess fever (1925, vsevolod pudovkin) 7/10
the captive (2000, chantal akerman) 7.5/10
metropolis (2001, rintaro) 7.5/10
super 8 stories (2001, emir kusturica) 8/10
blow (2001, ted demme) 7.5/10
cape fear (1962, j. lee thompson) 7/10
cape fear (1991, martin scorsese) 7.5/10
雖然是 1962 年版嘅翻拍，但改動之處相當多，令看過原版嘅觀眾不會覺得新版只是依樣葫蘆，而且將原版中不合理嘅地方也一併加以修正（例如機場詢問乘客資料一段），robert de niro 嘅演出，比起 1962 年嘅 robert mitchum 出色得多，將復仇者那份恐怖懾人感發揮到淋漓盡緻，整部戲可以說靠他一個人撐起，robert de niro 嘅演出，其實係向觀眾示範，什麼叫做一流嘅優秀演員，就像 al pacino 在 scent of a woman (1992)一樣，單靠個人嘅非凡演出，照耀了整部片
bringing out the dead (1999, martin scorsese) 7.5/10
the departed (2006, martin scorsese) 6/10
同樣只是翻拍，但在世界各地上映，都引起很大關注，無他， scorsese 名氣迫人嘛
其實翻拍近年的影片很不智，因為觀眾對幾年前的原版仍有印象，如果故事大網差不多一樣，觀眾只是再看一次不同演員的演繹而已，新鮮感欠奉，觀眾容易覺得悶場，因此翻拍近年電影，最好有非常大的改動，就像 scorsese 之前翻拍 1962 年嘅 cape fear 一樣，不然的話，很難滿足影迷
全片演員嘅演出都幾令人失望，可能係 2002 年原版嘅演出著實唔錯，martin sheen 唔知做乜，感覺上似憨居老伯多於老差骨，jack nicholson 無預期咁好，只有 leonardo dicaprio 同埋 mark wahlberg 算係過得去，聽講 matt damon 為咗拍好本片，花了不少時間琢磨角色，但其表現只是一般，或者佢一向都係飾演忠角，奸角方面還拿掐不到家
可以讚嘅地方就係攝影，同埋將原版兩個女主角合二為一，呢一處算係改得幾好
本片在美國上映，絕大部分嘅美國觀眾，以及美國影評人，都給予極高評價，不知有多少美國觀眾曾經看過 2002 年原版？　我諗如果所有觀眾先看一次 2002 年原版，然後才看2006年新版，新版嘅評價應該唔會好似現在這麼高
the cow (1969, dariush mehrjui) 8/10
rogue trader (1999, james dearden) 7/10
the search for heaven (2005, david preist) 7/10
a certain kind of death (2003, grover babcock, blue hadaegh) 7.5/10
death by design: where parallel worlds meet (1997, jean-françois brunet, peter friedman) 8/10
boy meets girl (1984, leos carax) 8/10
bad blood (1986, leos carax) 7.5/10
the lovers on the bridge (1991, leos carax) 7.5/10
a heart in winter (1992, claude sautet) 7.5/10
dark side of the moon (2002, william karel) 8/10
for all mankind (1989, al reinert) 5/10
wag the dog (1997, barry levinson) 8.5/10
the da vinci code (2006, ron howard) 7.5/10
national geographic video: inside the vatican (2001, john B. bredar) 7.5/10
the devil and daniel webster (1941, william dieterle) 6.5/10
enron: the smartest guys in the room (2005, alex gibney) 8.5/10
under the roofs of paris (1930, rené clair) 6/10
the million (1931, rené clair) 8/10
liberty for us (1931, rené clair) 8/10
pépé le moko (1937, julien duvivier) 6.5/10
lola (1961, jacques demy) 7/10
le silence de la mer (1949, jean-pierre melville) 8.5/10
本片是 jean-pierre melville 首部長片，但已經很具水準，雖說劇本好也是重要原因，但導演為了拍好本片那顆虔敬的心也是功不可抹
有些導演拍了多年電影，成品仍然跳不出爛片範疇，有些導演初試啼聲，即技驚四座，可見能否拍出好電影，經驗並不是首要條件，導演嘅心態更為重要
les enfants terribles (1950, jean-pierre melville) 7.5/10
bob the gambler (1955, jean-pierre melville) 7/10

Movies watched in September

noreply@blogger.com (Tourist) — Mon, 04 Sep 2006 17:09:00 +0000

mother (1926, vsevolod pudovkin) 8.5/10
the end of st. petersburg (1927, vsevolod pudovkin) 8/10
storm over asia (1928, vsevolod pudovkin) 8.5/10
前蘇聯那幾位大師（Pudovkin、Eisenstein、Dovzhenko）真了不起，他們給我嘅印象，用兩個字來形容，就是“澎湃”，他們透過蒙太奇，短鏡頭快速剪接，配上急速嘅鼓聲，所營造出來嘅澎湃動力，直接震撼觀眾心靈，那股震撼力排山倒海而來，並不只是停留在螢幕上，而跃出畫面之外
這次所觀看的三部 Pudovkin作品，全部都有預期中非常震撼嘅運動畫面，富有強烈嘅急迫感，例如 mother (1926) 中母親抱著旗幟，孤身面對大批騎軍；　storm over asia (1928) 中蒙古人憤而反抗；就像以前觀看過 Eisenstein 嘅 strike (1925)中工人慘被血腥鎭壓；　oktyabr (1927)中的熱血革命；　Dovzhenko 嘅 zemlya (1930)中農民群起吶喊等等場面，全都是強烈震撼場面嘅典範，那股氣蓋山河嘅磅礡氣勢，所給予人嘅強烈印象，永遠無法抹去，正如我對於這幾位大師嘅印象一樣
diary of a lost girl (1929, georg wilhelm pabst) 6.5/10
pandora's box (1929, georg wilhelm pabst) 7.5/10
又係紅顏禍水嘅故事，但整體表現，不及嘉寶姐嘅
flesh and the devil (1926)，例如在攝影、構圖方面就差一大截，縱使劇情方面比之更離奇，
louise brooks 嘅演出，以一九二十年代嘅眼光嚟睇，都幾大膽，衛道之士大概會斥之為淫娃
united 93 (2006, paul greengrass) 8/10
sergeant york (1941, howard hawks) 8.5/10
mister roberts (1955, john ford) 7/10
fail-safe (1964, sidney lumet) 9/10
雖然片中的蘇聯現已解體，但只要人類文明存在，這部電影就不會過時
in the year of the pig (1968, emile de antonio) 9/10
why we fight (2005, eugene jarecki) 8/10
shadows in paradise (1986, aki kaurismäki) 7.5/10
the match factory girl (1990, aki kaurismäki) 5.5/10
部戲其實唔差，只是我不贊同片中女主角嘅做法
drifting clouds (1996, aki kaurismäki) 8/10
leningrad cowboys go america (1989, aki kaurismäki) 8/10
leningrad cowboys meet moses (1994, aki kaurismäki) 7/10
leningrad cowboys: total balalaika show (1994, aki kaurismäki) 8/10
leningrad cowboys 真係一個被人低估嘅系列，該系列其實係 aki kaurismäki 較為出色嘅作品之列，就以 total balalaika show 為例，當風格另類嘅 leningrad cowboys 遇上一臉嚴肅、軍裝凛凛嘅紅軍合唱團，猶如反叛遇上正經，所產生嘅化學作用，就令人刮目相看
permanent vacation (1980, jim jarmusch) 4.5/10
down by law (1986, jim jarmusch) 7/10
mystery train (1989, jim jarmusch) 8/10
片中有一男吸煙後，噴入女子口中，再由女子之口噴出，同樣片段在賈樟柯嘅　任逍遙(2002)　也見過，但其實最早出現這種經第二者噴出煙霧嘅情節，是在 Godard 嘅 my life to live (1962)，睇嚟 jarmusch 和賈樟柯二人都受 Godard 嘅影響
不過本片中點煙、以及收回打火機片段是我所見過電影之中最 cool 的，非常有型
ghost dog: the way of the samurai (1999, jim jarmusch) 7.5/10
i am curious - yellow (1967, vilgot sjöman) 8/10
i am curious - blue (1968, vilgot sjöman) 7/10
w.r.: mysteries of the organism (1971, dusan makavejev) 7.5/10
naked world (2003, arlene donnelly nelson) 7.5/10
純為藝術也好，商業目的也罷，世界不同城巿嘅人群，喺景色優美嘅地點集體裸露拍照，就是很蔚為奇觀嘅景象
thinking xxx (2004, timothy greenfield-sanders) 7/10
ossessione (1943, luchino visconti) 8/10
the earth trembles (1948, luchino visconti) 6.5/10
在觀眾清楚知道發生什麼事情的情況下，仍然有字幕出現，或是有旁白，解釋片中人物處境，這種“阿茂整餅”的手法，出現在大師作品中，不多不少令人跌眼鏡。
可能由於採用非職業演員的關係，好幾幕嘅演出，顯得誇張、不自然。而飾演壓搾漁民嘅反派，本來劇情想要將其描繪成令人痛恨嘅吸血鬼，但由於其誇張嘅描述，反而變得可笑，多於可鄙，達不到預期的感人效果。
比較值得肯定的是本片在寫實方面算是做得幾成功，還原漁家生活嘅真實面貌
white nights (1957, luchino visconti) 8.5/10
同樣是痴男怨女的故事，但本片嘅表達手法比 ossessione (1943) 更勝一籌
rocco and his brothers (1960, luchino visconti) 8/10
跟 written on the wind (1956) 一樣，都是描寫失衡的家庭，在描寫家庭失衡、兄弟衝突方面，本片不及前片，某些片段甚至顯得造作、刻意煽情，但是本片觸及面廣，忠實反映了當時意大利的社會狀況，意境又比前片深
the leopard (1963, luchino visconti) 8/10
death in venice (1971, luchino visconti) 9/10
advise & consent (1962, otto preminger) 8/10
five easy pieces (1970, bob rafelson) 8/10
beauty shop (2005, bille woodruff) 6.5/10
the life aquatic with steve zissou (2004, wes anderson) 6.5/10
the wedding date (2005, clare kilner) 3/10
除咗嗰幾件靚衫，同埋鄉郊景色之外，真係無乜好睇
fun with dick and jane (2005, dean parisot) 5/10
phone booth (2002, joel schumacher) 5.5/10
six moral tales I - the bakery girl of monceau (1963, eric rohmer) 7.5/10
six moral tales II - suzanne's career (1963, eric rohmer) 6.5/10
雖然 criterion collection 已經對本片做了些修復，但畫面質素仍然頗差，某些畫面似打了層灰，更有黑色陰影，本來對 criterion 版寄予厚望，但看來本片 criterion 版跟以前的版本差別不是很大，猶記得 criterion 曾在 the seventh seal (1957)中，展示怎樣令佈滿塵垢的底片起死回生，變成清晰影片，這次可能原本底片損毀嚴重，以致回魂乏術
six moral tales III - my night at maud's (1969, eric rohmer) 7.5/10
six moral tales IV - la collectionneuse (1967, eric rohmer) 8/10
six moral tales V - claire's knee (1970, eric rohmer) 8/10
six moral tales VI - love in the afternoon (1972, eric rohmer) 8/10
a tale of springtime (1990, eric rohmer) 8/10
a summer's tale (1996, eric rohmer) 8.5/10
an autumn tale (1998, eric rohmer) 7.5/10
a winter's tale (1992, eric rohmer) 8.5/10
有影迷覺得 eric rohmer 踏上九十年代，水準開始有點下降，但從這次觀影經驗所得，九十年代的 eric rohmer，談情境界更進一步，四季故事皆出品於九十年代，其水準高於早期的六個道德故事，六個道德故事雖然不錯，但總有點乾澀的味道，反觀四季故事，對於情感的描述更加圓熟自然，更能撩人心扉，九十年代的 eric rohmer 依然是談情好手
katzelmacher (1969, rainer werner fassbinder) 7/10
love is colder than death (1969, rainer werner fassbinder) 7.5/10
beware of a holy whore (1971, rainer werner fassbinder) 7.5/10
the bitter tears of petra von kant (1972, rainer werner fassbinder) 8.5/10
the merchant of four seasons (1972, rainer werner fassbinder) 8/10
ali: fear eats the soul (1974, rainer werner fassbinder) 8/10
與 katzelmacher (1969)一樣，描述外籍工人怎樣遭刻薄岐視，但本片無疑尖酸得多，某些場面略嫌刻意誇張，更有忘年戀情，fassbinder 藉故事反映天下烏鴉一樣黑，八公八婆係無分國界嘅
chinese roulette (1976, rainer werner fassbinder) 8/10
the stationmaster's wife (1977, rainer werner fassbinder) 7/10
in a year of 13 moons (1978, rainer werner fassbinder) 8.5/10
berlin alexanderplatz (1980, rainer werner fassbinder) 5.5/10
呢部戲係今年期望最大，亦都係失望最大嘅作品。
呢部戲可以說是兩頭不討好，對於熱愛電視劇嘅師奶來講，會覺得其趣味不足，對於影迷來講，會覺得特別長氣，整個故事其實用二個小時左右就可以講完，但卻拖長至十五個半小時，分為十四部分來講，也即是說平均一分鐘可以講完嘅嘢，拖長成超過七分鐘來講，劇情進展異常緩慢，並且經常重複，例如男主角錯殺未婚妻 Ida 的片段，重複了至少七次以上，幾乎每兩集，就重複一次錯殺未婚妻 Ida 的片段
故事牵強，貌美妙女郎對年近半百嘅老漢一見鐘情，該老漢不但赤貧，而且獨臂，妙女郎即使遇上年青經濟條件較好嘅追求者，亦仍然對認識不久嘅半殘老漢堅貞不二。。。。。。我有時對於某些作家、導演會有疑問：　即使你想表達某種感情，可不可以找些說服力較强、較合理的故事來說，你又不是在說什麼寓言故事，或者超現實故事，只是一般劇情片，情節當然要合乎一般社會事實。
最能顯現 fassbinder 具大師風範，以及表現出其風格嘅，只有最尾一集，對男主角嘅精神狀態和現實狀態均有深刻描寫，展現其一貫嘅“痛苦”主題
呢部戲大可以剪個二個半小時至三小時嘅劇院版，排除大量多餘嘅水份，部戲還算值得一看。
這部作品令我想起兩年前觀看 duck soup (1933)，該片亦係評價非常高，但觀看後，發覺其實係爛片一部，當喜劇片睇又不好笑，當政治諷喻片睇又著墨太輕； Berlin Alexanderplatz 當然不是爛片，但它跟不少電視劇一樣，情節冗腫，無謂嘅枝節太多，重複拖沓，整體觀感並不佳

Movies watched in August

noreply@blogger.com (Tourist) — Mon, 07 Aug 2006 16:43:00 +0000

celine and julie go boating (1974, jacques rivette) 8.5/10
filantropica (2002, nae caranfil) 7/10
the marathon family (1982, slobodan sijan) 7.5/10
neil young: heart of gold (2006, jonathan demme) 8/10
patsy cline remembering patsy (2002, mark hall) 8/10
patsy cline: sweet dreams still (2005, gregory hall) 8/10
12 girls band live in japan (2003, watabe takehiko) 8/10
johnny cash: the man in black - his early years (2005, kevin grace) 8/10
pink floyd: rock review (2005, samuel. M. donald) 8.5/10
pink floyd on the rock trail (2006, liam dale) 8/10
fallen angel (1945, otto preminger) 5/10
幾天方夜譚嘅一部電影，男主角並非俊俏，而且身無分文，憑著三言兩語（其實只是很普通的對話，不是什麼妙語連珠），便可在幾天時間之内，令毫不相識、有點教育程度嘅女子跟他結婚，實在是神話中的神話（可能連編劇本人事後睇番都唔信）
不過本片有幾處地方，在鏡頭運用上頗見功夫，例如近拍男主角跟意中人吵架，再拉遠鏡頭拍攝意中人乘車遠走，然後再慢慢拉近鏡頭，越過男主角肩膀，拍攝隱藏在暗處偷聽的婦人；　影片早段的跳舞特寫鏡頭拍得唔錯，打光亦打得好
導演 otto preminger 算是 hollywood 出色導演之一，佢嘅 laura (1944)、 anatomy of a murder (1959) 更是我喜愛嘅電影，不過這次受劇本所累，拍不出水準，由此可見，劇本不妥，就算導演出色，結果亦同樣差強人意
high sierra (1941, raoul walsh) 7.5/10
to have and have not (1944, howard hawks) 7.5/10
key largo (1948, john huston) 7.5/10
in a lonely place (1950, nicholas ray) 8/10
pickup on south street (1953, samuel fuller) 5/10
女主角出奇地笨，警察出奇地軟弱無能，扒手出奇地霸氣，如果影片中的那卷菲林是如此重要，為何又會付托在一個如此笨的女子手上。。。。。。全片俾人嘅感覺，就係“做緊戲”
劇本的硬傷，令影片打咗個好大嘅折扣，如果寫劇本的人缺乏一般社會常識，最好都係唔好寫 (尤其係劇情片)
全片唯一嘅睇頭，就係扒手在火車上偷竊嘅過程，唔知 robert bresson 嘅 pickpocket (1959) 係咪受咗呢部戲影響所致
the blues brothers (1980, john landis) 8.5/10
整部戲根本就係胡閙，而且胡閙得嚟又夠癲，但係人哋胡閙、癲得嚟又真係好好笑。
片中有很多驚險鏡頭，十幾架警車連環相撞，整條商品琳琅滿目嘅購物街被嚴重破壞，人群落荒逃竄，可能有觀眾對呢種瘋狂搞笑法有唔同睇法，但睇得出人哋肯落重本，非常認真地去搞笑，絕不欺場，多架車連環相撞，花咁多錢，所費不貲只是為了搏取觀眾一笑（而事實上亦真的好笑），單係那份誠意，就值得觀眾支持
依家唔少商業笑片同呢部戲比，都只能行埋一邊
唔似得某個地區嘅電影，製作粗糙，橋段老土，可能連當事人本身都覺得唔好笑，純粹呃錢，當觀眾老襯嘅後果就係巿場萎縮，越做越細
部戲另外嘅睇頭就係有 R&B 傳奇人物 ray charles 同埋靈魂歌后 aretha franklin 客串演出
the pink panther (2006, shawn levy) 4/10
date movie (2006, aaron seltzer) 2/10
其實我唔介意電影胡閙，只要胡閙得嚟有型有款，真係好笑咁就得，美國七十年代有一些喜劇片就屬於該類型，但係呢部電影喺胡閙方面掌握唔到分寸，令到唔少場面胡閙得嚟不單止唔好笑，而且核突。
scare movie 4 (2006, david zucker) 3.5/10
'breaker' morant (1980, bruce beresford) 8.5/10
gallipoli (1981, peter weir) 7.5/10
the vanishing (1988, george sluizer) 8/10
mysterious skin (2004, gregg araki) 8.5/10
zulu (1964, cy endfield) 8/10
midway (1976, jack smight) 7.5/10
jarhead (2005, sam mendes) 7.5/10
crime and punishment (1983, aki kaurismäki) 8/10
calamari union (1985, aki kaurismäki) 7/10
hamlet goes business (1987, aki kaurismäki) 7.5/10
ariel (1988, aki kaurismäki) 7.5/10
i hired a contract killer (1990 , aki kaurismäki) 5.5/10
同 abbas kiarostami 嘅 taste of cherry (1997) 一樣，都係找人殺掉自己，兩者都有故事上的弱點：　既然有勇氣找人殺掉自己，為何不自己一槍了決，只是拉動一下扳機而已，或者其他簡便的自殺方式也可。　不過 abbas kiarostami 尚且懂得在取景上下功夫，例如蜿蜒的山路、夕陽落日等，豐富了影片的象喻意義，與多位幫手的對話，亦令影片具有哲學思考上的深度，加上 abbas kiarostami 詩意嘅鏡頭語言，令影片抛卻先前所提及的故事弱點，活像一個意味深長嘅伊索寓言故事。
而本片層次較淺，作為劇情片來看，有不合邏輯之處，作為哲學文藝片來看，又覺其膚淺，jean-pierre léaud 的演出亦只是一般，這位演員似乎是越年少越可愛，演技局限在某類角色，不像 al pacino，robert de niro 等長青演員，無論年輕年老，應付各類角色都游刃有餘。
bohemian life (1992, aki kaurismäki) 7.5/10
take care of your scarf, tatiana (1994, aki kaurismäki) 7.5/10
the man without a past (2002, aki kaurismäki) 7/10
aki kaurismäki 的電影風格，值得一讚嘅係不作無謂嘅拖沓，講完想講嘅東西之後，就立刻收筆，因此他的電影，絕大多數片長，都在 90 分鐘之内，有的甚至在 60 分鐘之内，不像有些導演，喜歡作無謂的拖沓，好像如果片長不超過 2 小時，便意味著該片不夠好似的，但其實片長跟影片的内涵，沒有必然的關係，不是影片越長，就一定越有内涵，表達技巧高超的導演，60 分鐘的影片，也一樣可以說出很多事情
a room with a view (1985, james ivory) 7.5/10
the remains of the day (1993, james ivory) 8.5/10
sense and sensibility (1995, ang lee) 8/10
the heiress (1949, william wyler) 8/10
do you remember dolly bell (1981, emir kusturica) 7.5/10
when father was away on business (1985, emir kusturica) 8/10
time of the gypsies (1988, emir kusturica) 8.5/10
單是拍攝當地風土人情嘅特色，出來嘅效果亦一樣可以很迷人
出色的導演，就懂得捕捉當地文化特色中有趣嘅一面，這些畫面不但有趣，並且比起不少用特技做出來的畫面，更能抓住觀眾的心，而觀眾看電影時，亦很喜歡看到這些別具生面嘅當地文化特色。　不需要像某部國産電影，花了不少錢整古做怪，出來嘅效果只是麻麻 (有些導演走錯路，學 hollywood 搞特技，耗資巨大嘅同時，效果亦不見得可以拍得住 hollywood，都係拍番具有自己民族特色嘅電影最好，涉及到大量特技嘅電影，都係留番俾 hollywood 去拍，人哋拍出嚟嘅效果真係有型有款)
arizona dream (1993, emir kusturica) 7.5/10
underground (1995, emir kusturica) 8/10
雖然本片有很深層的意義，但喜劇情節的處理，比不上導演多年前舊作 time of the gypsies (1988)
black cat, white cat (1998, emir kusturica) 7/10
life is a miracle (2004, emir kusturica) 8.5/10
tsotsi (2005, gavin hood) 6/10
deliverance (1972, john boorman) 8/10
呢部戲勝在不單能夠連續創造新嘅緊張感，而且可以將緊張感拖到影片完結之後，單係呢一點，就已經唔係好多戲可以做到
the ox-bow incident (1943, william A. wellman) 8/10
the caine mutiny (1954, edward dmytryk) 9/10
情節有點雷同 mutiny on the bounty (1935)，都係下屬對荒謬艦長忍無可忍，最終反抗褫奪艦長權利，只係人物地點事件不同，但本片嘅軍事法庭答辨一段，比 mutiny on the bounty (1935)精采得多，對於正邪之間亦有較多反思，hollywood 拍法庭答辨戲非常出色，幾個月前睇嘅 inherit the wind (1960)，亦有引人入勝嘅法庭答辨戲。
scrooge (1951, brian desmond hurst) 7.5/10
miracle on 34th street (1947, george seaton) 7.5/10
the only son (1936, yasujiro ozu) 8.5/10
the brothers and sisters of the toda family (1941, yasujiro ozu) 8/10
late spring (1949, yasujiro ozu) 8.5/10
good morning (1959, yasujiro ozu) 7.5/10
blood simple. (1984, joel coen, ethan coen) 8/10
雖然是 coen 兄弟首執導演筒之作，但在驚顫氣氛嘅營造上，已經很有造詣
raising arizona (1987, joel coen, ethan coen) 8/10
片中不少情節拍得妙趣橫生，室内追逐部分，鏡頭運用是如此靈活，coen 倆兄弟真係唔嘢少
barton fink (1991, joel coen, ethan coen) 7.5/10
the hudsucker proxy (1994, joel coen, ethan coen) 7.5/10
前半部分很不錯，後半部分開始落入俗套
the boondock saints (1999, troy duffy) 8/10
以暴易暴，血腥版現代豪俠，不少暴力場面處理得好，現場參與式嘅案件重演更是一絕
brick (2005, rian johnson) 6/10

Movies watched in July

noreply@blogger.com (Tourist) — Fri, 07 Jul 2006 16:07:00 +0000

written on the wind (1956, douglas sirk) 8/10
all that heaven allows (1955, douglas sirk) 8.5/10
the ghost and mrs muir (1947, joseph L. mankiewicz) 8/10
the blue angel (1930, josef von sternberg) 8/10
mildred pierce (1945, michael curtiz) 8.5/10
woman of the year (1942, george stevens) 6.5/10
the soft skin (1964, françois truffaut) 7.5/10
the story of adele h (1975, françois truffaut) 7.5/10
the last metro (1980, françois truffaut) 6.5/10
the woman next door (1981, françois truffaut) 7.5/10
confidentially yours (1983, françois truffaut) 7.5/10
the war is over (1966, alain resnais) 8/10
xiao wu (1997, jia zhangke) 8/10
platform (2000, jia zhangke) 8.5/10
unknown pleasures (2002, jia zhangke) 8/10
the world (2004, jia zhangke) 8/10
together (2002, chen kaige) 6/10
yellow earth (1984, chen kaige) 8/10
postmen in the mountains (1999, huo jianqi) 8/10
片中有一處小錯誤，故事背景設在八十年代，但收音機卻播出九十年代中期才出現的 That’s why (you go away)
in the heat of the sun (1994, jiang wen) 9/10
the story of qiu ju (1992, zhang yimou) 8.5/10
shanghai triad (1995, zhang yimou) 8.5/10
呢部戲嘅高明之處在於加插進小孩的角色，以小孩嘅角度來看黑幫争鬥，小孩嘅天真對應黑幫嘅陰險，而令本片比起傳統其他只講及黑幫打打殺殺嘅電影，層次更高
鞏俐演技無得彈，演鄉下村姑演得好，演城巿潑婦亦同樣妙，演技已達爐火純青境界
本片英文名係 shanghai triad，我覺得如果叫 how to lose a boy in 7 days 都幾貼切，純真小孩在七日裡，接受血腥洗禮，曾經滄海難為水，心靈已難復平静
not one less (1999, zhang yimou) 8.5/10
riding alone for thousands of miles (2005, zhang yimou) 7.5/10
the temptress (1926, fred niblo) 7/10
flesh and the devil (1926, clarence brown) 8.5/10
雖然部戲都幾 melodrama，但劇情編排頗巧妙，很好地表現了人是情感的動物，水性揚花的女人，可令結拜深交之情也不堪一擊，另外某些畫面構圖亦別出心裁，默片時期有這樣的作品，值得給予高分
嘉寶姐風華絕代，由她扮演令人神魂顛倒嘅壞女人，夠哂說服力
queen christina (1933, rouben mamoulian) 7.5/10
camille (1936, george cukor) 6/10
ninotchka (1939, ernst lubitsch) 7.5/10
top hat (1935, mark sandrich) 8.5/10
平心而論，呢部戲最多只可以俾 7.5 分，某些情節真係勉強得可以，但係以一般睇戲嘅眼光去評價呢類戲，係有啲唔公平。
或者一般睇戲，習慣以内容，深度方面去評分，但對於歌舞片來講，這種評分準則顯然不適合，因為歌舞片中所謂的劇情，充其量只不過是擔當將許多歌舞場面串連起來的橋樑，如果以内容深度去評分，不少歌舞片的評分可能不高。　因此，評價歌舞片，著眼於舞蹈嘅配合、服飾嘅考究、場景嘅佈置這些方面會較適合。　本片中大多數跳舞場面都是“一舞呵成”，對於舞者雙方嘅默契要求很高，有幾段歌舞直至現在仍是經典，例如 cheek to cheek，更被後來不少電影引用過，譬如 woody allen 嘅 the purple rose of cairo (1985)
ginger rogers 跳舞時嘅露背羽毛服飾，七十年後的今天看來，仍是相當高貴優雅，足見當時嘅服裝設計師功力非凡。
有一些觀眾評論電影時，喜歡單就内容深度方面去評分，對其他方面視而不見，仿似服裝嘅考究，美工嘅精湛等等都係多餘。咁以後拍戲，大可以少咗個 art department，或者單單就咁講個故事俾觀眾聽就得
follow the fleet (1936, mark sandrich) 8/10
shall we dance (1937, mark sandrich) 8.5/10
shall we dance? (1996, masayuki suo) 8/10
the barkleys of broadway (1949, charles walters) 7.5/10
suspicion (1941, alfred hitchcock) 7.5/10
lifeboat (1944, alfred hitchcock) 8/10
the man who knew too much (1956, alfred hitchcock) 8/10
marnie (1964, alfred hitchcock) 7/10
frenzy (1972, alfred hitchcock) 8/10
with a friend like harry (2000, dominik moll) 7.5/10
the guns of navarone (1961, j. lee thompson) 8/10
很聰明的編劇，當 gregory peck 知道隊伍中出現叛徒，經和隊員一番爭吵，最後議決要處死叛徒，gregory peck猶豫不決地拿著手槍，此時該叛徒被打死，但不是被 gregory peck，而是被另一名隊員開槍所殺，這樣的編劇其實很聰明，雖然處死叛徒，於理並無不妥，但該叛徒是女人，並且和 gregory peck 有點感情，如果編劇安排 gregory peck 就這樣活生生把女叛徒打死，儘管合乎道理，但不多不少會予人冷血無情之感，會破壞 gregory peck 多年來所建立的“好好先生”形象（比起現在，那個年代的觀眾和明星對於形象稍為保守一點），但假若劇情安排不處死該叛徒，又會顯得“軍中無法紀”，同樣不妥，所以安排其中一名隊員忍不住開槍最好，既可維持 gregory peck 的正派形象，又使劇情合乎邏輯
the longest day (1962, ken annakin, andrew marton, bernhard wicki) 8.5/10
stalingrad (1993, joseph vilsmaier) 8/10
badlands (1973, terrence malick) 9/10
days of heaven (1978, terrence malick) 8.5/10
the thin red line (1998, terrence malick) 8/10
the new world (2005, terrence malick) 7/10
signs of life (1968, werner herzog) 8.5/10
land of silence and darkness (1971, werner herzog) 8/10
the enigma of kaspar hauser (1974, werner herzog) 8/10
moolaadé (2004, ousmane sembene) 8/10
my own private idaho (1991, gus van sant) 8.5/10
finding forrester (2000, gus van sant) 6.5/10
感覺上好似睇緊童話故事，當勵志片睇都唔錯
配樂方面懶得好緊要，其中一首就咁用番舊片 true romance (1993)中嘅配樂算數(而 true romance 嘅配樂(you’re so cool)又很大嫌疑係抄自 badlands (1973)
elephant (2003, gus van sant) 8.5/10
鏡頭處理（近焦跟拍）以及敍事結構（交叉敍述）運用得當，同時配合得非常好，令本片看來似是一個完整嘅描敍，觀眾得以透過各人不同嘅視點去感受同一天，無愧於康城最佳導演以及最佳電影奬
影片中看來像是造成校園槍擊原因的，很可能也並非校園槍擊的主因，這部電影只是給大眾提供一個議題，留給有心的觀眾仔細發掘問題根源(主因在影片之外也說不定)
last days (2005, gus van sant) 7/10
the lady from shanghai (1947, orson welles) 8.5/10
劇情兜來兜去都幾峰迴路轉，orson welles 再一次證明自己係編、導、演俱佳嘅多方面能手
王家衛打算重拍本片，如果故事同本片差不多一樣嘅話，想拍得比本片好，的確係一個挑戰，且看王導演如何炮製出自己嘅特色
p.s 唔知本片算唔算係第一部出現粵劇演出嘅西片呢
f for fake (1974, orson welles) 8.5/10
mr. arkadin (1955, orson welles) 6/10
the magnificent ambersons (1942, orson welles) 7.5/10
the tragedy of othello: the moor of venice (1952, orson welles) 8.5/10
orson welles 拍攝本片時，在財政緊絀等各種困難處境下，仍然處困不驚，善用靈活腦筋，克服種種難關，使影片保持高水平，實在值得鼓掌

Slow Motion 慢動作

noreply@blogger.com (Tourist) — Sat, 03 Jun 2006 12:58:00 +0000

Slow Motion (1980)

原名：Sauve qui peut (la vie) (1980)
港譯：慢動作

Director: Jean-Luc Godard
Screenplay: Jean-Luc Godard，Jean-Claude Carrière
Cast: Isabelle Huppert，Jacques Dutronc，Nathalie Baye

劇：
跟妻女分居的電視台導演 Paul Godard (Jacques Dutronc飾) 感情生活一再失意，新女友 Denise Rimbaud (Nathalie Baye飾) 也跟他疏遠，搬到鄉郊生活，盼望寧靜的環境有利寫作；跟 Denise Rimbaud 相反，Isabelle Rivière (Isabelle Huppert飾)來自鄉郊，搬到城巿生活，為求生計而當妓女……

評：
影片原名 Sauve qui peut (la vie) 的英文直譯是“Save if you can (your life)” (汝當自救)。　片中人物各有其趣： Paul Godard 活得漫無目的，聽天由命；女友 Denise Rimbaud 無法安定下來，奔波鄉城； Isabelle Rivière 只知道賺錢，不管苦樂； Paul Godard 的妻女無情無義，只愛財物。如果以直譯名稱來說，則強調片中各人應該自救，男主角 Paul Godard 應該活得積極些，Denise Rimbaud 應該安定下來，Isabelle Rivière 應該脫離妓女生涯.......

導演 Godard 的前作 La Chinoise (1967) 中，以副標題把影片分為若干章節，這種宛如小說般的結構，在本片中重現，全片分為六部分:　-1. slow motion　0. life　1. the imaginary　2. fear　3. trade　4. music，這些副標題不單詮釋了片中人物的歷程，也隠喻現代社會的不同層面。

在片中又觸及愛情這個老生常談的課題，但有別於傳統海枯石爛、如漆似胶，或是另结新歡、貪新忘舊的愛情故事，本片裡面的愛情虛無飄渺，情感若即若離、似有還無，傳統電影敍述愛情，常描寫男女感情是如何細膩， Godard 在本片則較多表現男女主角在感情方面茫無頭緒，找不到岸，Godard 的表達也承載在這個愛情故事中，關於情感、人生、政治、藝術。

如同 Masculine-Feminine (1966) 探索法國青年的生活方式、愛情、理想、政治觀念，Godard在本片也展示法國中年人的精神面貌：過什麼樣的生活，對政治的看法，有著怎樣的家庭關係，對於人生的追求等等。兩片的目的也同樣不在娛人，而是帶領觀眾，對種種現象進行探討。

片中主角也叫 Godard，似乎導演在向觀眾低聲說，自己也正象片中人一樣，感情虛空，生活宛如無航向的輪船，飄浮不定。

有說本片是 Godard 向商業化靠攏，但從片中所見，Godard 依然展現其實驗風格，不時將動作以慢鏡頭處理，以及跟聲音不匹配的畫面，此外還處處流露對社會的不滿，怨懟之情絲毫不亞於其六十年代時的作品，例如影片開始不久，酒店招待員對導演頻送秋波，要求導演鷄奸他，暗喻社會中溜鬚拍馬之輩，社會低層心甘情願受辱於中上層，即使受辱也面帶笑容，一臉卑鞠屈膝相；書本朗讀中的黑鸝違反常性，從森林遷徙到城巿，再演變到遷徙到所有城巿，比喻世人為了壯大自己，做一些違反本性的事情，跟自己本性過不去之餘，也增加世間衝突； Isabelle Rivière 跟妹妹提及要做多久妓女才夠所需要金錢時，與現代都巿人的忙碌片段交互剪接，暗示現代勞工階級，就像妓女一樣，需要看盡上司老板的眼色、甚至玩弄，才可得到金錢維生；影片裡面的大老板為所欲為，變態荒淫，Godard 借此說明絕對的權力可以腐化人，巨額金錢財富又何嘗不是，尋花問柳，妓館買笑，黃金壯起荒淫志，被巨額財富侵蝕的人，跟被絕對權力腐化的人同樣可怕； Paul Godard 結果被相熟的人用汽車撞倒，但肇事者不理不睬便開車走了，妻女也裝作沒看見，原來妻子只懂得要支票，女兒只懂得要禮物，撞車一幕意圖讓觀眾體會世間人情的冷漠； Denise Rimbaud 常想著到鄉間去，逃避煩囂人世，這寄喻了 Godard 對人世間失望，但又無力改變，只好避而遠之。

後來的英文譯名 slow motion 則明顯強調影片中的慢鏡頭，這些慢鏡頭，甚至静止的鏡頭似乎在引領觀眾：好好體味這一瞬間，或許平常這些動作發生得較快，或者太瑣碎，以至我們視而不見，或不太留意，Godard 透過定格和慢鏡，突出人物瞬那的感情，也好讓觀眾活在當下。

透過這些人物在快速運動的定鏡、慢鏡頭，要觀眾想一想這些快動作背後有什麼意義，就像很多人每天不眠不休地忙個不停，曾否停下來想一想，這樣匆匆忙忙地活動著，究竟為了什麼。另外，慢鏡頭也用於突出片中不合理或荒謬的地方，例如一女被人掌摑一幕，Godard 用意在於提醒觀眾，可有反思在周圍發生的不尋常之事，還是漠不關心、不聞不問。

本片也依然流露著 Godard 過往的電影風格，例如片中出現拿著書本或筆記朗讀，這是 Godard 的電影特色之一，La Chinoise (1967)、 Sympathy for the Devil (1968) 等…….就曾出現過類似情節；本片也雜與政治時事評論， Godard 自從 The Little Soldier (1963)、 The Carabineers (1963) 開始，就喜歡賦予故事以政治背景與意義，本片的重點雖然不是談政治，但也偶爾加插對政治時事的看法，顯出他對當時政治的關心，例如提到古巴領導人 Castro 說美國人的工作做得比古巴人好，又有畫外音說 Castro 得以幸存，全賴美國和蘇聯的角力等等。

Godard 的電影風格，普通觀眾可能難以接受，但對於電影專業或資深影迷，卻能領略其不拘一格的精神，甚至欣賞其嶄新的文藝思潮。雖然 Godard 的電影看起來像是隨意拼湊而成，但背後隠藏其對文化和社會的深刻思考。他的認真，藏於表面看來隨意不認真的電影風格之中。　Godard 在情節安排和發展上顯得隨意，像是任其自由發展，這樣顯然容易流於平淡，缺乏傳統主流電影的緊湊和刺激，令普通觀眾喪失繼續觀看下去的慾望，不過也更貼近真實生活，現實生活中，哪來哪麼多的戲劇性?

Godard 常被人稱道擴闊了電影語言，如錯配的音效，獨特的構圖，快速的跳接等等……(他的某些電影橋段更影響了後人，例如 Band of Outsiders (1964)，兩不良青年跟 Anna Karina 提議不如共渡 1 分鐘的沉默，於是銀幕上便出現了 1 分鐘的靜默無聲，這電影橋段便影響了王家衛的《阿飛正傳》(1991)，張國榮跟張曼玉提議看著手錶共渡 1 分鐘，做 1 分鐘的朋友。) 不過其中有一些電影風格也並非 Godard 原創，而是他沿襲前人，加以發揮而已，就以“錯配的音效”來說，在電影史上一早就出現了，譬如1930年 Luis Buñuel 的 The Golden Age (1930)，裡面就有岩漿湧流的畫面，被故意錯配上抽水馬桶的聲音，導演藉這些意料之外的音效，打破當時觀眾的觀影預期……. 由於有了前人的嘗試，因此後來在 Godard 電影裡出現的不合常理音效，也自然不能歸為其首創。
就以本片來說，我也看到不少 Godard 受到超現實電影之父 Luis Buñuel 影響的例子，譬如本片中，一男子駕駛貼有萬寶路廣告的一級方程式賽車，到街邊郵箱投遞郵件；在同一地點，陷於三角戀的女子被另外兩名男子掌摑，要其作出選擇，但她即使被打至嘴角流血，仍然斷言不會從兩人中選出一個。

著名女作家 Marguerite Duras 在隔壁房間，卻不肯過來講幾句話，請也請不動，學生反問道：
Couldn’t she just come up here to say that she won’t come?
……..
……..

這些誇張、不合常理的情節、對白，内裡充滿辛辣諷刺味道，便很有 Luis Buñuel 的電影特色，跟 Luis Buñuel 的 The Phantom of Liberty (1974) 有著異曲同工之妙。

本片中 Isabelle Rivière 當妓女，遇上變態顧客，跟 Luis Buñuel 的 Belle de jour (1967) 裡面，Catherine Deneuve 遇上有特殊癖好的嫖客一樣，兩者都有著異乎尋常的經歷。

My Rating: 8/10　or　B+ on a scale of A to D

Movies watched in June

noreply@blogger.com (Tourist) — Sat, 03 Jun 2006 12:48:00 +0000

the king of kings (1927, cecil b. deMille) 8.5/10
burden of dreams (1982, les blank) 8/10
the return (2003, andrei zvyagintsev) 7/10
my life as a dog (1985, lasse hallström) 7.5/10
the postman (1994, michael radford) 7.5/10
shallow grave (1994, danny boyle) 6.5/10
nikita (1990, luc besson) 7/10
Dr. Mabuse, the gambler (1922, fritz lang) 8/10
the testament of Dr. Mabuse (1933, fritz lang) 7.5/10
本片是1922年 Dr. Mabuse, the gambler 的延續篇，整體尚算不俗，某些追逐戲更甚是可觀，但某些情節有點牵強，例如片中博士想除掉叛徒，突然不像其以往那般直接了當殺人，而是先找人將其挾持，鎖在一房間裡，再宣布在幾個小時後會被炸死，（該叛徒最後當然係幸免於難，助警破案），呢啲牵強情節，予人“搵戲嚟做”之感，同時亦削弱了片中罪惡博士的狡滑睿智形象，另外片末罪惡博士突然變瘋，也很突兀，欠缺說服力。
抛除以上缺點，其他方面製作精良，爆炸場面、化工廠大火等特技場面處理出色，片中還常常流露出對社會的失望，對人性的悲觀，罪惡的無日無之，作為早期的黑色電影，本片還是值得一睇。
the crime of monsieur lange (1936, jean renoir) 7.5/10
la jetée (1962, chris marker) 8/10
fists in the pocket (1965, marco bellocchio) 8/10
port of shadows (1938, marcel carné) 7.5/10
man bites dog (1992, rémy belvaux) 8/10
and the ship sails on (1983, federico fellini) 7.5/10
the swindle (1955, federico fellini) 8.5/10
juliet of the spirits (1965, federico fellini) 8/10
intervista (1987, federico fellini) 7.5/10
land without bread (1933, luis buñuel) 8/10
the young and the damned (1950, luis buñuel) 9/10
el (1953, luis buñuel) 8/10
el bruto (1953, luis buñuel) 8/10
the criminal life of archibaldo de la cruz (1955, luis buñuel) 8/10
nazarin (1959, luis buñuel) 8.5/10
the young one (1960, luis buñuel) 8.5/10
the milky way (1969, luis buñuel) 8.5/10
有評論家認為此片為luis buñuel最差的作品，原因是影片裡面意指多，但缺乏主旨，但我認為luis buñuel其實係想盡量避免過於主觀，所以才沒有過多反應自己的觀點，而是將"宗教是否應信"的正反論點，一一帶出，由觀眾自己去判斷，正如影片結尾所聲稱: 所有關於天主教以及其異端的言論，都是經仔細考究過的，並非虛構。　或者說此片反映了luis buñuel對"宗教是否應信"充滿矛盾情緒，亦說得通。
kiss kiss bang bang (2005, shane black) 6.5/10
panic room (2002, david fincher) 7.5/10
the magdalene sisters (2002, peter mullan) 8.5/10
walkabout (1971, nicolas roeg) 7.5/10
rosetta (1999, jean-pierre dardenne) 7/10
mamma roma (1962, pier paolo pasolini) 8.5/10
the gospel according to st. matthew (1964, pier paolo pasolini) 6.5/10
月初睇過同類故事嘅 the king of kings，相比之下，pasolini 喺本片嘅導技明顯不及佢嘅前輩 cecil b. deMille，故事編排缺乏技巧，選角方面亦不覺認真，結尾耶穌遭處死嗰幕更顯草率，另外令人驚奇嘅係耶穌遭處死時天搖地動、山崩地裂嘅特技效果，竞然還比不上差不多四十年前默片時期嘅同類作品 the king of kings (1927)
oedipus rex (1967, pier paolo pasolini) 8/10
pigsty (1969, pier paolo pasolini) 7.5/10
the last waltz (1978, martin scorsese) 7.5/10
year of the horse (1997, jim jarmusch) 6/10
woodstock, 3 days of peace & music (1970, michael wadleigh) 9/10
the goebbels-experiment (2005, lutz hachmeister) 8/10
the nun's story (1959, fred zinnemann) 9/10
sabrina (1954, billy wilder) 7.5/10
sabrina (1995, sydney pollack) 5.5/10
呢部戲首先衰喺casting，除咗 harrison ford 嘅演出算係拍得住原版嘅 humphrey bogart 之外，julia ormond 飾演嘅 sabrina 同埋 greg kinnear 嘅花心少爺，無論外形同演技，都遜色於原版嘅 audrey hepburn 同 william holden，此外喜劇情節嘅處理，亦明顯不及原版。　我諗如果 sabrina 攺由 penelope cruz 擔演（口音方面或者可經配音解決），花心少爺攺由 sean penn 嚟做，效果可能會好好多。
本片導演 sydney pollack 並非特別差勁，但人物塑造功力，無原版導演 billy wilder 咁深厚，例如佢嗰部 stalag 17 (1953)，人物眾多，但簡單嘅三言兩語便反映出各自嘅特色，不得不令人佩服佢嘅導技。
其實都有啲唔明一些導演點解會揀啲之前口碑唔錯嘅戲嚟重拍，（印象中不少重拍版拍得比原作更好嘅並唔多），唔通為咗票房？　最算票房好，但拍得比原版差，搞臭自己嘅名聲，下次拍戲少咗人睇，此消彼長之下，不見得搵多咗錢。　如果為咗證明自己嘅藝術才華不比前人差，甚至更勝之，除咗自信，最好有埋嗰個能力，如果唔係就真係自己攞嚟衰，作前人嘅陪襯品。
dancer in the dark (2000, lars von trier) 8/10
the crime of father amaro (2002, carlos carrera) 8/10
gegen die wand (2004, fatih akin) 8.5/10
the edukators (2004, hans weingartner) 8/10
das experiment (2001, oliver hirschbiegel) 7/10

The Passenger 過客

noreply@blogger.com (Tourist) — Thu, 18 May 2006 11:40:00 +0000

The Passenger (1975)

原名：Professione: reporter (1975)
港譯：過客

Director: Michelangelo Antonioni
Screenplay: Michelangelo Antonioni，Mark Peploe
Cast: Jack Nicholson，Charles Mulvehill，Maria Schneider，Jenny Runacre，Ian Hendry

劇：
電視時事報導員 David Locke (Jack Nicholson飾) 到北非採訪關於遊擊隊的消息，無功而還，在返回居住賓館後，發現住在隔壁，之前在飛機上認識的 David Robertson (Charles Mulvehill 飾)突然死去，由於雙方面貌頗為相似，David Locke 突然靈機一觸，將護照上的照片互換，變換身份為 David Robertson，並聲稱自己原本身份 David Locke 已死，之後還按照 David Robertson 遺留下來的機票、行程表，到不同地方去，在途中，跟一名聲稱修讀建築糸的女子(Maria Schneider 飾)搭上關係，與此同時，David Locke 的妻子 Rachel Locke (Jenny Runacre飾)，所屬電視台的監製 Martin Knight (Ian Hendry 飾)都希望跟 David Robertson 取得聯繫，採訪關於 David Locke 死亡之前的資料…….

評：
乍看之下，故事好像很沒有說服力，主角 David Locke 明明是個薄有名氣的時事記者，事業發展得不錯，連對方是什麼身份也不是非常清楚的情況下，怎麼會輕易對換身份？其實導演在跟觀眾玩捉迷藏遊戲，將答案散佈在影片各處，要觀眾自己細心去找，然後加以整理。這也是 Antonioni 的電影特色，要求觀眾自己去尋找影片的內涵，而不是影片把細節内容一清二楚地說給觀眾聽，有別於現今很多電影的主觀旁述，Antonioni 在本片利用過往新聞片段以及訪問，來交待人物的過去，觀看時若不留心，就容易將其與現在進行的故事混淆。　從電視台監製的口中，可以得知主角 David Locke 是個具有敏銳觀察力的人，與別不同的成長背景令他能以不同的角度，客觀地看事物，這些令他成為出色的時事記者，然而在影片不時加插代表過去的片段裡，他敏銳的觀察力也是令他灰心消極的原因，因為他知道他採訪所得的大都是謊言，不真誠的言論，可是又不得揭穿人家，此外影片還反映了他妻子有婚外情，婚姻生活不愉快，這些都令他悶悶不樂，也造成了他想變換身份，過另一種新生活的動力。

影片結尾長達六分鐘半的長鏡頭，有一些觀眾認為只是展示拍攝技術，並沒其他用意，但其實這個長鏡頭用得非常妙，這個長鏡頭交待了片中一些非常重要的情節，首先是 David Locke 在這個長鏡頭中死去，細心留意一下的話，就會發現長鏡頭開始時，David Locke 還躺在床上，悠閑地吸著煙，到了長鏡頭快結束，卻發現他已死在床上，換言之，David Locke 就是在這個長鏡頭中死去的，而他怎麼死的，卻發生在鏡頭畫面之外，交代得很隠晦，只聽見房内有幾聲聲響，很可能就是被那個進來的黑人用裝了滅聲器的手槍幹掉的，原因就是 David Locke 所喬裝的軍火武器販子，支持武裝遊擊份子，因此成為當地掌權政府眼中釘， (在他第一次售賣武器予遊擊份子時，對方就已勸其要警惕政府特工)，於是派特工把他幹掉。　(長鏡頭中出現的一黑人一白人是政府特工，這對黑白拍檔在影片中段，掌權政府派人緝拿購買武器的遊擊份子時，以及在以後跟踪 David Locke 的妻子時，都曾短暫出現過。)
其次是那個一直跟隨的女子，原來是政府特工，從她在房外目睹 David Locke 在房内遇害而不作聲，之後又跟那黑白拍檔中的白人煞有其事交談便可看出，這也解釋了為何之前 David Locke 曾在英國碰見她，到了西班牙又再碰見她，更多次出現在 David Locke 眼前，連 David Locke 也不得不問: “What the f*** are you doing here with me?”　此外 David Locke 在一次交易中，等到肚子餓了也不見對方出現，該女子也一臉認真地慫恿其要等至對方出現，不要放棄。
第三是再一次證明妻子是個枭情寡義之人，長鏡頭的末尾，便衣警察指著她丈夫 David Locke 的屍體，問她： “Do you recognize him?”
妻子答: “I never knew him.”
電影裡第一次出現他的妻子時，她看著關於丈夫死訊的訪問，若無其事地吃著東西，喝著酒，一副毫不在乎的樣子。　她聯絡 David Robertson，試圖探聽丈夫未死之前的情況，好像對丈夫還存在一點關懷，可是長鏡頭結尾這一句“I never knew him”卻證明了她尋找丈夫線索，很可能出於功利心，看看從中可得到什麼好處。雖然在大使館領取丈夫遺物時，發現丈夫護照上的照片已被更換過，並非丈夫本人，那時她開始懷疑丈夫是否真的已死，但是長鏡頭結尾這一句“I never knew him”，已反映了她繼續追查下去，並非出於關懷，而是為了查明丈夫之死是否屬實，會否影響她跟情人苟合。
單單一句“I never knew him”就把妻子虛偽做作、貪新忘舊的醜陋嘴臉展現出來，同時也反映了她追查丈夫之死的真正目的為何，對白精簡而又意味深長。

總括來說，這個六分鐘半的長鏡頭交代了，David Locke 要為自己變換身份的決擇負上什麼後果，同時反映了在他身邊的其實都是些不懷好意的人。這個長鏡頭是非常悲涼的，跟 Antonioni 一貫所表達的疏離，生存的痛感，一脈相承。

這個令人印象深刻的長鏡頭，開始於 David Locke 在床上吸煙，然後鏡頭朝室外緩慢移進約兩分鐘，同時看著室外人物的活動，到了出現黑白特工，開始定鏡片刻，直到黑人特工進入室内，出現幾聲類似無聲手槍聲響，白人特工在室外探頭張望室内情況後，鏡頭又開始慢慢朝室外移進，此時在室外的只有那名一直伴隨在 David Locke 身邊的女子，跟白人特工交頭接耳，然後又閑步走動著，直至出現警車聲響，鏡頭已完全移出分隔室内室外的鐵欄杆，隨著警車出現，鏡頭向左移，然後再隨著那名女子向右移，此時又一輛警車出現，David Locke 的妻子與便衣警察前來，那名女子與 David Locke 的妻子和便衣警察一同進入室内，鏡頭也跟著從室外拍攝室内認人情景。整個長鏡頭就是先從室内慢慢移進，越過鐵欄杆，移至室外，然後跟著人物的移動，再反過來拍攝室内情況。這個長鏡頭出來的效果挺不錯，與其說展現了卓越的拍攝技術，不如說體現了 Antonioni 優秀的場面調度技巧，長鏡頭裡涉及許多人物，如何安排各人在合適時候出現，讓他們協調得當，不許早，不許慢，這無疑更考功夫。此外 Antonioni 這樣安排 David Locke 在鏡頭畫面之外被靜悄悄殺死，比起之前傳統在畫面上明刀明槍殺人，來得更有新意，不落俗套。

令人留下較深印象的還有影片中段的那個平移鏡頭，追踪來來往往的車輛，有點像 Jean-Luc Godard 的 My Life to Live (1962) 裡面，Anna Karina 偷拿鑰匙，被守門人捉住，然後押回去的那一幕，兩者的鏡頭都隨著快速運動的事物移來移去。

Antonioni 透過 David Locke 的故事，探索了生命與身份的問題，是否活得不如意，就須放棄生命，尋求別的新生命，又或者當對自己的身份覺得不稱心，就必須換上別的身份，前提當然是有機會可供選擇，就像主角 David Locke 那樣，然而就算有新生命，又或換上新身份，是否就一定比原來的更好？　Antonioni 透過故事跟我們說並非這樣，David Locke 那樣偷用他人身份，去掉本身身份，其實是在逃避自己，而非改造自己，在獲得了新的自由的同時，也陷入了孤立無援的陌生處境之中，即使變換身份，飄洋過海，最終仍然是悲劇收場。　

David Locke 的舉動起因於在發達的現代文明背後，人卻存在精神上的危機，感情上的隔閡，人找不到自己的存在價值，容易有自我輕視，生不如死的念頭，因此才有抛棄自身生命的衝動。但假若可以選擇其他的生命也未必是好事，如果生命有多次，那麼人就不會珍惜之前的生命，一遇到困境不順心就想放棄現有生命，盼望下一次的所謂“新生命”，這樣便造成更多被浪費了的生命，因此，一次的生命最好，因為一次就是全部，就是永恒，人才會勇敢去面對該生命中的苦與酸，在苦與酸中成長，壯大自己的靈魂。David Locke 的故事告訴我們，就算真的有機會成為別人，也未必就稱心如意，說不定別人的生命比自己的壓力更大，更危險，到頭來還是老老實實做自己最好，勇敢去面對自己的問題，總比逃避更好，至少有點敢做敢當的氣概。

David Locke 最後在房間裡很隠晦地死去，跟片首被他交換身份的人因心臟病發猝死相呼應，短短六分多鐘，便從活生生，在床上悠閑地吸著煙，到一動也不動，Antonioni 借此說明人生的無常，日子的苦短，如白駒過隙，這種情懷從消極面來看，是感歎時間飛逝，人生短暫；但是從積極面來說，則是勸勉觀眾要把握時間，不要讓有限的時光白白浪費掉。Antonioni 的情懷屬前者居多。

從加插進去的過去片段來看，David Locke 所採訪的對象都不願講真話，所說的都經過過濾，這又反映了 Antonioni 對新聞可靠性的懷疑，提醒觀眾對新聞要保持清醒的態度，不可盡信，這未必是新聞工作者的問題，而是提供消息的一方，對消息作了若干篩選、修飾，這樣消息到達讀者腦裡，已非原來面目，同時也滲進了消息提供者的立場，喪失客觀性。

影片中段 David Locke 跟一老者的對話，老者指著一群正在玩耍小孩說：“I’ve seen so many of them grow up，Other people look at the children，and they all imagine a new world. But me….when I watch them，I just see the same old tragedy begin all over again. They can’t get away from us.”　表面上這番話在說小孩，但事實上已經預示了男主角最終的命運，也是對世人未來的悲觀，再細心一想，不幸固然跟外界有關係，但本身也有不可推卸的責任，首先，David Locke 不安守本份，偷用他人身份，以及財產，這已經是偷盜、貪圖他人所有。其次，David Locke 第一宗軍火交易就在教堂裡，耶穌主張人要仁愛、和平，卻在教堂裡進行軍火交易，明目張膽在天主面前犯了殺誡，這是存在主義、道德淪喪的表現，那麼他種種不幸，甚至最後客死異鄉，也就有了點咎由自取的意味。Antonioni 對人的前景是悲觀的，可是這悲觀之中，Antonioni 又認為部分原因是人本身所造成。正如他的前作 The Red Desert (1964) 中的高頻噪音, 工厰區煙囱噴出黃煙，既然人本身就在污染環境，也就不要埋怨大自然的報復。

Antonioni喜歡在影片中採用大量自然真實聲響，少用配樂，例如 L' Avventura (1960)中的波濤激浪聲、強風呼嘯聲、快艇馬達聲； La Notte (1961) 中的飛機穿過聲、救護車鳴叫聲、暴雨敲打聲； Eclipse (1962)中的水渠流水聲、植物灌溉器噴洒聲、車輪輾磨聲； Blowup (1966)中的相機拍照聲、樹梢搖拽聲、雀鳥鳴叫聲；本片也一樣，全片大部分時間都沒有配樂，純粹周圍環境的聲音，或者雜音，而這些雜音，也正是主角荒涼無定向、飄泊無根的内心寫照。

本片在拍攝完畢後，Antonioni 剪出了一個長達四小時的版本，之後又經其他剪接師剪短成二個半小時，可是電影公司 MGM 對此仍不接受，要求片長不能超過二小時，以便在北美巿場發行，於是便出現了 119 分鐘版本，David Locke 返回英國倫敦家裡一幕就在這個版本中被剪掉，1983年，Jack Nicholson 跟電影公司商談，意慾購買本片的底片，最終在 1986 年成功購得本片所有版本的版權，到了九十年代，一些國家購買將本片製作成錄像帶出版的牌照，日本的牌照期限較長，長至出現 DVD 技術之後才期滿，以致之前唯一出現本片的 DVD 版本，只有日本一家，不過日本的版本製作得不好，畫面偏黃，Jack Nicholson 對於劇院版和日本版 DVD 都不滿意，逐於 2004 年 5 月和 Sony Pictures Classics 達成出版 DVD 的協議，而新出版的 DVD，據稱是來自保存得較好的底片，影像色彩較為平滑自然，光暗對比度更加清晰分明。

My Rating: 8/10　or　B+ on a scale of A to D

C.R.A.Z.Y. 愛斷背

noreply@blogger.com (Tourist) — Sat, 13 May 2006 16:27:00 +0000

C.R.A.Z.Y. (2005)

港譯：愛斷背

Director: Jean-Marc Vallée
Screenplay: François Boulay，Jean-Marc Vallée
Cast: Michel Côté，Marc-André Grondin，Émile Vallée，Pierre-Luc Brillant，Mariloup Wolfe

劇：
1960年聖誕節，Zachary Beaulieu (Émile Vallée 飾)出生了，家中排行第四，在外剛内柔的父親(Michel Côté 飾)監管下，他只有盡量抑制自己的慾望，成年之後對自己的性傾向也缺乏方向感，既暗戀表妹 Brigitte (Mariloup Wolfe 飾)，又迷思於同性接觸，在成長路上，他經過不少挣扎，父親最終在痛失次兒 Raymond Beaulieu (Pierre-Luc Brillant 飾)後，開始接受 Zachary Beaulieu 的一切。

評：
很有趣的人名組字，片名 C.R.A.Z.Y 原來是片中五個兒子名字首字母的組合 – 大兒子 Christian Beaulieu，次兒 Raymond Beaulieu，三兒 Antoine Beaulieu，四兒 Zachary Beaulieu，五兒 Yvan Beaulieu，同時此組字，也形成了片中父親喜愛的鄉村歌手 Patsy Cline 的専輯名稱 – C R A Z Y，對歌手的狂熱程度，可以體現在自己五個兒子的名字上，確是一大趣聞。

本片其實是一部家庭劇，父親狂迷鄉村歌手 Patsy Cline，母親是宗教狂熱份子，四子對同性異性的迷思，二子吸毒過度的自毀，家庭中人人皆有自己的缺點，大子過於書呆子氣，二子過於放縱自己，三子是運動員，常跟人打鬥，四子未如父母期望，五子被父母寵壞，也正因為這些缺點，令本片看起來更自然，更富真實的生活氣息，導演帶領觀眾從不同的角度去看事情發展，有時從家長的角度，有時則從兒子的角度，讓觀眾體驗到不單家家有本難唸的經，原來人人也有本難唸的經。父母該如何讓兒子聽話，循規蹈矩，這是個難題，而子女該如何確立自己的人生取向，同時讓父母明白、接納自己，這也是個難題。而父母跟兒子們各有各難題，對人生各有不同見解，也就形成了本片的主題：父母該如何和下一代在種種分歧中，互相接受對方，繼而互相關愛對方，達致家庭和睦的最終目標。

宗教在本片亦扮演了一個重要角色，男主角出生在聖誕節，一出世即跟耶穌搭上關係，也因此自己的生日常被忽略，取而代之的是到教堂參與大型彌撒；母親是虔誠天主教信徒，常為兒子祈禱，更深信兒子與耶穌同日生，必有異斌；家庭朋友也向男主角灌輸宗教意識，信耶穌必受耶穌庇佑；男主角一次交通意外，被車撞倒，短暫死亡後又獲重生，跟耶穌死後復活如出一轍，即使後來離家出走，也是到耶路撒冷這個宗教聖地去。　

影片内容橫跨‘60、 ‘70、‘80 幾個年代，在服裝、髮型、家居修飾、車輛造型、以至時代格調等方面，對應各個不同年代都有相應改變，重現所屬年代風貌，比如男主角七十年代時，揮弄雙節棍，模仿李小龍的武術動作，重塑七十年代西方功夫熱潮的氣氛，另外影片對應不同年代配上相應的音樂，例如影片一開始便出現 Elvis Presley 的歌聲，唱著他那首 Santa Claus is back in town，到了七十年代，更有 The Rolling Stones，David Bowie，Pink Floyd 等當時叱咤風雲的搖滾明星的名曲，再加上鄉村音樂天后 Patsy Cline 的 Crazy 貫穿全片，全片的音樂部分，可謂星光熠熠。

導演在很多細節處加進了多種拍攝特效和音響特效，例如早段兒子不慎摔下地時，男主角在教堂輕輕飄起時，中段男主角被車撞倒時，後段在沙漠行走時，利用多種運動鏡頭，或是升降、或是推拉、或是搖動，加上主觀和特寫鏡頭，迅速轉移觀眾的視點，在細小情節上附以誇張效果，快慢鏡頭相互結合，令影片充滿強烈動感。　在表示人物的思想變化上，編排也顯心思，一首The Rolling Stones 的 Sympathy for the devil ，配以男主角在教堂飄上半空，便完成了男主角由篤信宗教到無宗教信仰，抛開宗教思想束縳的過渡，構思實在獨特精巧；男主角曾明確表示他並非同性戀者，即使精神科醫生認為他潜意識裡有同性戀傾向，也被他否認，於是導演在描述他和男人做愛時的場面只是一閃而過，沒有做詳細的描寫，這樣的處理很好，配合了男主角對同性雖有興趣，但也不是很著迷的思想。

本片在多倫多國際電影節上，獲最受觀眾歡迎奬，在有加拿大奧斯卡之稱的 Genie Awards 上，更橫掃多個奬項，包括最佳電影、最佳導演、最佳男主角、最佳女主角、最佳藝術指導、最佳音效、最佳服裝設計、最佳原創劇本、最佳剪輯等十項大奬，而在其他頒奬禮上，亦獲多項提名。

前面說過本片片名跟鄉村天后 Patsy Cline 的専輯 Crazy 同名，但其實相同之處還不止於此，片中另一主角，二兒子 Raymond Beaulieu因吸毒早逝，Patsy Cline 也在三十歲時，遇空難喪生，無論片名，還是情節，都有相同之處，看來導演有意利用本片，向一代鄉村歌后 Patsy Cline 致敬。

My Rating: 8.5/10　or　A- on a scale of A to D

The Producers 金牌監製

noreply@blogger.com (Tourist) — Sat, 13 May 2006 16:25:00 +0000

The Producers (2005)

港譯：金牌監製

Director: Susan Stroman
Screenplay: Mel Brooks，Thomas Meehan
Cast: Nathan Lane，Matthew Broderick，Uma Thurman，Will Ferrell

劇：
百老滙名監製 Max Bialystock (Nathan Lane 飾)因其近期所出品的作品劣評如潮，而處於事業低谷，在會計師 Leo Bloom (Matthew Broderick 飾)的建議下，決定再製作一部劣作，但加倍籌集資金，這樣便可在作品受到劣評，被迫終止表演時將所原本籌集所得的多餘資金歸為已有，可惜事情的發展並非他們想像的那樣…….

評：
此片是 1968 年同名電影 The Producers (1968)的重拍版，不少美國人仍然比較喜歡 1968 年的原版，因為該片是他們少年時期笑得合不攏嘴的喜劇片，帶給他們不少美好回憶，但對我來說，並沒有這個“歷史包袱”，1968 年版本也是直到前年才觀看過。單就兩個版本略略比較一下的話：個人認為新版本更勝原版本，更多的大場面歌舞，劇情也更豐富完整，人物塑造也更成功，更顯有血有肉。

導演 Susan Stroman 是編舞出身，以前曾擔任多部歌舞片的舞台導演，對於舞蹈場面的拿掐，自然是駕輕就熟，片中不少歌舞場面節奏感強，有聲有色，相比起 1968 年版本，新的版本在技術與意識上都有了新的認識，同時有更多大場面的嘗試，例如1968年原版本在影片一開始就描述監製怎樣勾引年老婦人，新版本在影片開始時則先交代故事背景，鏡頭從紐約夜空徐徐降下，周圍車水馬龍，霓虹招牌遍佈，再到閃爍的百老滙劇院門口，在背景上反映了紐約的繁華，以及百老滙歌舞的盛況，緊接著出現觀眾惡評劇作奇爛的歌唱場面，配合各種場景設置，如報攤、的士、商店等，場面調度的精緻，與歌舞的節拍和激情的流露溶為一體。　對伴舞的處理也編排得當，不單襯託了重要角色，也使感情傾向更加深刻，場景造型的考究，給人在直觀印象上別出心裁的感覺。

在情節的過渡上也比 1968 年版本更生趣，比如 1968 年的原版本，為了籌集資金而跟眾多老婦人應酬吃飯，到了新版本改以與約 50 多個手持行動輔助手架的老婦們載歌載舞，穿梭大街小巷，妙趣橫生，這些新增的元素調動了觀眾對歌舞的情緒，歌舞場面也準確地表達了隠含内容，歌舞節奏與隠含内容的結合提升了音樂的感染空間及力度。而這些歌舞場面全是在實景拍攝，從立體觀感到色彩搭配，到自然光線的合理運用，再配上服飾上的華麗高貴，都使得歌舞場面顯得美龠美奐，為觀眾帶來奇妙的視覺體驗。

此外也善用現代電腦科技，片中納粹黨徽舞卍一段，經過電腦技術修飾，更富視覺層次感，色彩搭配得很好，協助歌舞場面呈現出直觀的藝術效果。

片中幾乎在所有場合，無論是辦公室、大街、天台、劇院、還是監獄，都有歌舞片段，秉承傳統歌舞片“邊演邊舞蹈邊唱”的模式，不少歌舞場面結合舞台特技、燈光設計，予人流暢連貫的運動美感，而本片之所以能跳出傳統歌舞片的框框，在於融合了傳統歌舞、打閙劇、低級趣味、現實諷喻、以及漫畫式的喜劇效果，典雅與庸俗並冶一爐，既有優雅的百老滙歌舞，亦有低俗的情節、對白。就像 Kevin Smith，周星馳的電影，當中也有不少低俗的對白、情節，漫畫式的喜劇效果，但背後也並非完全言之無物。

在劇情方面，延續六十年代曾得過奧斯卡最佳原創劇本奬的成功劇本，稍添加枝葉，而使劇情看起來豐富多彩。跟 Robert Altman 的 The Player (1992) 一樣，Nathan Lane 的貪財與 Matthew Broderick 的迷戀監製之名，將娛樂圈的貪婪和權力諷刺了一番，處處充滿對現實娛樂圈的嘲諷情節，監製為籌集資金，手段可以無所不用其極，置廉恥於不顧。同時也道出娛樂圈製作人的無奈，觀眾口味無從捉摸，什麼是觀眾一定喜歡的，什麼是觀眾一定討厭的，往往超出製作人員的最初預期。

相比起 1968 年版本，本片中的對白也加以更新，變得富有時代感，例如：

“Violinists love to play an E string, but audiences really love a G-string”

“Clothes may make the man, all a girl needs is a tan”

“If nature blesses you from top to bottom, show that top to bottom. don't think twice”

以上對白是 1968 年版本沒有的趣語，的確是當今時代風尚的寫照。

演員方面，Nathan Lane 與 Matthew Broderick演得生動，演活了劇中 “躁、貪、痴、妄”的監製形象，不遜色於 1968 年 Zero Mostel 與 Gene Wilder 的組合。　 Will Ferrell 飾演納粹軍人，比 1968 年的 Kenneth Mars 更佳，Will Ferrell 充分發揮他的喜劇細胞，令本片增色不少。　至於片中的秘書一角，在 1968 年版本只是擔當行行走走，有時扭扭身子，展露一下身材的花瓶角色，到了 2005 年版本，可能由於 Uma Thurman 主演的原因，Uma Thurman 雖非舉世矚目的超級大明星，但也有一定的名氣與地位，當然不可能只做行行走走的閑角，因此多了不少戲分，如百老滙上的歌舞部分，跟 Leo Bloom 的私奔部分等等，這些都是 1968 年版本的秘書角色所沒有的。也因為戲分多了，Uma Thurman 的秘書角色，比原版本的更顯有血有肉。

片中有一段名為“Springtime for Hitler”的歌舞，把 Hitler 當成搞笑對象，也有對 Hitler 的讚美之詞，可能有觀眾認為即使娛樂，也應劃清界線，不應拿戰爭罪人進行開玩笑式的歌頌，但其實拿 Hilter 來開玩笑，歌頌一番，會不會因此就令 Hilter 從戰爭罪犯變成戰爭英雄？會不會因為一首 Springtime for Hitler , 就令猶太人忘記 Hilter 所做的一切？相信以廣大觀眾的智商，不會被輕易愚弄，以 Hilter 在二次世界大戰所犯下的罪行，就算有千部美化他的電影，也難掩其劊子手的戰犯形象。所以，觀看這類型的影片，適宜抱著看娛樂片的心態待之，若板起一副嚴肅面孔，未免有點矯枉過正。

另外，西方文化跟東方文化始終有別，東方人作風始終較為保守一點。　西方人較為開放，什麼都可拿來開玩笑，英美等地電影，一直都喜歡拿歷史名人開玩笑，或是帶點醜化色彩的調侃，例如 Monty Python and the Holy Grail (1975)，就拿 King Arthur 和 Knight of Round Table 來開玩笑；一直被譽為世人救星的耶穌，在 Life of Brian (1979) 中，也成了調侃對象。東方人則較為保守，試想如果開拍一部有關一代忠臣名將岳飛的電影，拿岳飛來開玩笑，很可能中國人駡聲四起，唾沬橫飛，搖頭嘆息聲不絕。

My Rating: 7.5/10　or　B on a scale of A to D

Mother of Mine 戰場上的小人球

noreply@blogger.com (Tourist) — Sat, 06 May 2006 12:43:00 +0000

Mother of Mine (2005)

原名：Äideistä parhain (2005)
台譯：戰場上的小人球

Director: Klaus Härö
Screenplay: Heikki Hietamies, Jimmy Karlsson
Cast: Topi Majaniemi, Marjaana Maijala, Maria Lundqvist, Michael Nyqvist

劇：
二次世界大戰時，年僅九歲的芬蘭小孩 Eero (Topi Majaniemi飾)被母親送到當時為中立國的瑞典去，開始時與養母(Maria Lundqvist飾)相處不和睦，直至後來才多了了解，並建立深厚感情，此時芬蘭局面漸趨穩定，親生母親(Marjaana Maijala飾)要接他回去，他又再一次陷入生離死別的痛苦中。

評：
影片根據芬蘭作家 Heikki Hietamies 的同名小說改編，在 1939-1940 年的芬俄戰爭，超過七萬個芬蘭小孩被送到瑞典寄養，戰爭爆發時，瑞典公眾普遍同情芬蘭，紛紛向芬蘭伸出援手，願意免費助養其國民小孩。

因為戰爭，男主角 Eero 真的有如“人球”般，被生母送到瑞典去，戰爭結束後，又被送回來，他自己在瑞典期間，也把自己當作“人球”，試圖逃回芬蘭。

戰爭對人的傷害，遠不止交戰雙方士兵，連其家人也一同受累，戰爭令男主角失去父親，母親深受打擊，恐怕自己無法好好照顧孩子，而把孩子送往他國，可是孩子卻不能理解母親的好意，在不能適應新環境，和對母親的思念中飽受煎熬，然而這一切歸因於戰爭的禍害。戰爭的遺後症更是令人悲慟，Eero 在瑞典學校小休吃早點時，聽見飛機聲，丟下麵包，迅速跳入女廁躲避，結果被同學取笑。在戰火蔓延下成長的兒童，内心難免會存在陰影，跟現在眾多養尊處優的小皇帝，成了鮮明對比。男主角演出到位，將被當作人球送來送去的無奈心境，以及無根的飄浮掙扎，表現得淋漓盡致。第一次跟母親離別時，依依不捨，不肯上船，到了第二次跟瑞典母親離別，眼見瑞典母親在車後追趕，儘管他内心也捨不得離開，可是他卻沒了反應，因為他早已習慣了生離死別，於是見慣不怪，小小年紀就已飽受人世間的生離死別，而能淡然處之，更加突顯戰爭的可怕，飽受戰火蹂躪的國土與遠離親人的小男孩，都有著滿目蒼荑與舉目無親的哀痛。影片除了對戰爭的思考，也注重於探討父母該如何對待孩子。

影片在色彩處理上，跟張藝謀的《我的父親母親》(1999)一樣，彩色代表過去，黑白代表現在，不同的是，張藝謀的彩色代表過去人情純樸時的美好回憶，黑白代表現代社會的人情冷漠，而 Mother of Mine (2005)的彩色過去，則代表那段往事，至今仍記憶猶新，活現眼前，黑白代表年老的現在，表示現在活得枯燥失色。

本片給予我較深印象的是取景方面，也即那條通往瑞典家的山路，它是 Eero 被當作“人球”送來送去的要道，是他上學回家之路，是他逃脫試圖回芬蘭之途，也是養母和他出去散步時的道路，養母最初接待他的是在這條路，養母最後含淚跟他分別的也是在這條路，後來老年的 Eero 前往養母墓前掃墓，所經的也是這條路，此山路似乎見證了 Eero 在瑞典時的一切重要經歷。此路開始了他的瑞典之家生活，也結束了他的瑞典寄養日子。配合色彩上的處理，之前到瑞典時此路是彩色的，現在回去掃墓時是黑白的，隠含男主角現在走在此路上，比過去被送到瑞典時，心情更加沉重。

似乎牵涉到戰爭的電影，不少都喜歡來個倒述，Saving Private Ryan (1998)如是，Taegukgi hwinalrimyeo (2004)如是，現在的 Mother of Mine (2005)亦如是，但有別於前兩者的以史為鑑，深刻反省，借古惕今，後者則予人有點可有可無之感，假如將現在的部分剪掉，對劇情的影響不大，但令節奏上更加流暢。就像同樣有關二次大戰的 Goodbye, Children (1987)，描述納粹時期，猶太人學童怎樣遭排斥，最後也只是透過寥寥數語，交代事隔多年後的感受，言簡意賅，並沒有來一幕交代現在的景況，回看過去，如果真的這樣做，拖沓之餘，也不顯得能表達更多的感情。

本片在芬蘭廣受好評，呼聲甚高，代表芬蘭參選奧斯卡最佳外語片，可惜最後連獲提名的資格也沒有。

My Rating:　7.5/10　or　B on a scale of A to D