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Artistas Callejeros - Buenos Aires

2011-11-07T00:00:00.000-03:00

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Osvaldo Pugliese

2011-10-29T22:57:00.001-03:00

Osvaldo Pugliese

Por Néstor Pinsón.

Pianista, director, compositor.
(2 de diciembre de 1905 - 25 de julio de 1995)
Nombre completo: Osvaldo Pedro Pugliese.

Su padre, Adolfo, obrero del calzado, intervenía como flautista aficionado en cuartetos de barrio que cultivaban el tango. Dos hermanos mayores tocaban violín: Vicente Salvador, "Fito", y Alberto Roque, más consecuente que el primero y por muchos años ligado a la música. A Osvaldo fue el padre quien le impartió las primeras lecciones de solfeo, y comenzó a balbucear con el violín también, pero pronto se inclinó por el piano, aunque don Adolfo tardó cierto tiempo en comprar el costoso instrumento. Tras formarse en conservatorios de la vecindad, a la edad de 15 años se inició profesionalmente en el llamado "Café de La Chancha", así bautizado por los parroquianos en alusión a la poca higiene del dueño.

Poco después, ya en un conocido café del centro de Buenos Aires, integró el conjunto de la primera mujer bandoneonista que tuvo el tango, Francisca "Paquita" Bernardo. Ascendiendo en su carrera, Osvaldo se incorporó al cuarteto de Enrique Pollet, luego a la famosa orquesta de Roberto Firpo, y en 1927 ya era pianista de la orquesta del gran bandoneonista Pedro Maffia, de la que se desvinculó, junto al violinista Elvino Vardaro, para formar un conjunto a nombre de ambos, que se sabe fue de avanzada, pero del cual no han quedado grabaciones.

Vardaro-Pugliese debutaron en el café Nacional, para emprender luego una extensa gira por el interior del país. Los acompañaba como representante–gerente el poeta Eduardo Moreno, autor de la letra del tango "Recuerdo", el más célebre de los firmados por Pugliese, y también, propuesta por Moreno, la cancionista Malena de Toledo. La gira fue un fracaso económico, y Vardaro debió empeñar su arco "Sartoris" para pagar los pasajes de regreso.

Pugliese se asoció luego con otro violinista, Alfredo Gobbi, formando un conjunto, uno de cuyos bandeonistas era el jovencísimo Aníbal Troilo. Aquello duró pocos meses, tras lo cual formó su primer elenco propio al lograr la oportunidad de actuar en un par de locales. Posteriormente integró dos dúos, primero con Gobbi y luego con Vardaro, para actuar en emisoras de radio. En 1934, cuando el bandoneonista Pedro Laurenz -ex De Caro, como Maffia- formó orquesta, Pugliese ocupó el piano, ocasión en que escribió los primeros arreglos sobre un par de tangos, entre ellos "La beba", que le pertenece. En 1936 integró el conjunto del bandoneonista Miguel Caló, aún enrolado en la tendencia "decareana", y de esta manera fue encauzando sus ideas estéticas sobre el tango. Hasta 1938 formó Pugliese nuevas agrupaciones que no se consolidaron, e intentó sin éxito estructurar una cooperativa de trabajo, como expresión de sus ideas comunistas.

Su definitiva proyección hacia el tango que pretendía se inició el 11 de agosto de 1939, al presentarse de nuevo en el café Nacional. Amadeo Mandarino era el cantor de su debutante orquesta. Luego de un tiempo rearmó el conjunto, ya con Augusto Gauthier como vocalista. Pugliese era director, pianista y arreglador de ese conjunto, que, esa vez sí, funcionaba como una cooperativa. Desde un café del barrio de Villa Crespo saltaron a la radio más importante del momento, El Mundo, gestándose una importante hinchada que los seguía, compuesta por fanáticos de su estilo y adeptos al Partido Comunista.

La continuidad en la labor le permitió afianzar su concepción, apoyado en el aporte de compañeros suyos como el contrabajista Aniceto Rossi, tan importante para darle el sentido rítmico que necesitaba. Fundamental fue el bandoneón de Osvaldo Ruggiero, quien permaneció junto a Pugliese hasta 1968, profundamente consustanciado con el director. Y otro tanto puede decirse del violinista Enrique Camerano, nacido -dijo alguien- para tocar con Pugliese. Este se afirmaba como el más fiel exponente del estilo decareano, pero con una rotunda marcación rítmica, atractiva para el bailarín sin por ello sacrificar calidad.

De suma importancia, para cuando su orquesta llegó al disco en 1943, fue la aparición de Roberto Chanel, cantor recio, de voz nasal y estilo "compadrito" que dejó 31 grabaciones. Buscando un vocalista contrastante, Pugliese incorporó luego a Alberto Morán, dramático y sensual, de rara aptitud para la media voz y perfecto acople con el acompañamiento orquestal. Su atractivo para las mujeres no fue igualado por ningún otro cantor. Quedaron de Morán 48 obras grabadas. Apenas 8 registró a su vez, entre 1949 y 1950, Jorge Vidal, otra de las voces importantes en la historia de esta orquesta. Entre los cantores posteriores sobresalieron, aunque con repertorios de irregular calidad, Jorge Maciel y Miguel Montero.

Dentro de la década del '40, Pugliese grabó algunos temas instrumentales propios con los que se anticipó a la vanguardia. Es el caso de "La yumba" (convertido en algo así como el himno de su orquesta), "Negracha" y "Malandraca". Por estos dos últimos se lo considera un precursor en el empleo de la síncopa y el contrapunto, adelantándose a Horacio Salgán y Astor Piazzolla. Otros importantes tangos que Pugliese escribió e interpretó son, ante todo, el mencionado "Recuerdo", y "La beba", "Adiós Bardi", "Recién", "Barro", "Una vez" y "El encopao". Por años, la orquesta de Osvaldo Pugliese estuvo prohibida para la radiodifusión, como medida de censura política, pero ello no logró mermar su popularidad.

Fuente:

Todo Tango: Creadores: Osvaldo Pugliese.

No era tan sólo un gran pianista, también era un ciudadano comprometido con la sociedad. En 1935 impulsó el Sindicato Argentino de Músicos del que fue el afiliado número 5. Inició, entonces, una lucha "... donde el trabajo sea una dignidad personal y no un castigo". En 1936 se afilió al joven Partido Comunista Argentino (108 era su número de afiliación). Esto y sus ideas provocaron que fuera perseguido, censurado y encarcelado durante el gobierno de Juan Domingo Perón y luego durante el gobierno de facto conocido como la autodenominada Revolución Libertadora. Pero durante el tiempo que duraron sus penurias, su orquesta no dejó de tocar, aunque huérfana de su director. Fue durante la década de los años 50 que la orquesta del maestro Pugliese animó las milongas del Club Atlético Palermo, que por entonces era un reducto opositor a las políticas oficiales de gobierno. Recibió innumerables distinciones. El gobierno de Cuba le otorgó la medalla Alejo Carpentier, la más importante distinción cultural de la isla; el gobierno francés lo nombró Commandeur de L'Ordre des Arts et Lettres (1988). En tanto su ciudad, la Ciudad de Buenos Aires, en 1986 lo declara Ciudadano Ilustre. En 1989, la Sociedad Argentina de Autores y Compositores de Música (SADAIC) y la Asociación de Coleccionistas de Tango, descubrieron una placa en la Avenida Corrientes (al 960) en conmemoración de los 50 años del Maestro frente a su orquesta. En 1990, recibió el título de Académico Honorario de la Academia Nacional del Tango.

Fuente:

Wikipedia: Osvaldo Pugliese

Partituras:
Todo Tango: Partituras: Osvaldo Pugliese

Videos:

La Yumba, tango de Osvaldo Pugliese:

Galería de Fotos:

Monumento a Osvaldo Pugliese
Av. Corrientes y Scalabrini Ortiz.
Villa Crespo, Buenos Aires, Argentina.

El 2 de diciembre de 2005, día en que el inolvidable maestro Osvaldo Pugliese cumpliría 100 años, se inaugura en su barrio, Villa Crespo, la Plaza en su honor. Esta acción se lleva a cabo a través del Proyecto Plazas Caracterizadas, iniciativa que homenajea a personajes destacados de la cultura de la Ciudad.

El autor de La Yumba, no sólo es uno de los mayores creadores de nuestra música ciudadana, también es ejemplo de coherencia y compromiso social. La apertura de este espacio público se da en el marco del Año Pugliese, a lo largo del cual se desarrollaron charlas, clínicas, recitales y una campaña encabezada por La 2x4 (FM 92.7) para proponer el cambio de nombre de la estación de subte Malabia por el de Osvaldo Pugliese.

La obra es de la escultora Paula Franzi.

La plazoleta Osvaldo Pugliese volvió a lucir la figura del autor de La Yumba, robada del monumento en 2007, en materiales más resistentes que los originales para evitar nuevos robos.

Fuente:

Tango Tour: 105 años del Nacimiento del Maestro Osvaldo Pugliese

Tango Tour: Pugliese vuelve a su monumento

Flor de Mami - El Fundo De Oro

2011-05-13T19:46:00.001-04:00

"No Tenemos Talento" - Gonzalo Rojas & Kalvicio

2011-04-25T11:41:00.003-03:00

(25/04/2011)
A los 93 años fallece el poeta y Premio Nacional de Literatura Gonzalo Rojas
El destacado escritor sufrió un accidente cerebrovascular el pasado 22 de febrero.
Emol

(25/04/2011)
Gobierno decreta dos días de duelo nacional por muerte de Gonzalo Rojas
Los restos del poeta serán velados desde esta tarde en el Museo de Bellas Artes, antes de ser trasladados a Chillán en la mañana del miércoles.
Emol

(25/04/2011)
Hijo de Gonzalo Rojas: "Fue un privilegio tenerlo con nosotros"
Gonzalo Rojas-May Ortiz destacó el espíritu democrático de su padre. "Él siempre dijo que no estaba dispuesto a tranzar ni con el este ni con el oeste", explicó.
La Nación

Retablo de Literatura Chilena - Gonzalo Rojas
Gonzalo Rojas

Gonzalo Rojas Pizarro
(Lebu, 20 de diciembre de 1917 – Santiago, 25 de abril de 2011)

Fué un poeta chileno perteneciente a la llamada «Generación de 1938».

Su obra se enmarca en la tradición continuadora de las vanguardias literarias latinoamericanas del siglo XX. Ampliamente reconocido a nivel Hispanoamericano, fue galardonado, entre otros, con el Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana 1992, el Premio Nacional de Literatura de Chile 1992 y el Premio Cervantes 2003.

Fuente:

Wikipedia Gonzalo Rojas

"No Tenemos Talento"
Música : Kalvicio
Letra : Gonzalo Rojas (del poema Rimbaud)
Voz : Gonzalo Rojas

RIMBAUD
No tenernos talento, es que
no tenemos talento, lo que nos pasa
es que no tenemos talento, a lo sumo
oímos voces, eso es lo que oímos: un
centelleo, un parpadeo, y ahí mismo voces. Teresa
oyó voces, el loco
que vi ayer en el Metro oyó voces.

¿Cuál Metro si aquí no hay Metro? Nunca
hubo aquí Metro, lo que hubo
fueron al galope caballos
si es que eso, si es que en este cuarto
de tres por tres hubo alguna vez caballos
en el espejo.

Pero somos precoces, eso sí que somos, muy
precoces, más
que Rimbaud a nuestra edad; ¿más?,
¿todavía más que ese hijo de madre que
lo perdió todo en la apuesta? Viniera y
nos viera así todos sucios, estallados
en nuestro átomo mísero, viejos
de inmundicia y gloria. Un
puntapié nos diera en el hocico.

Gonzalo Rojas, De El alumbrado, 1986.

Flor de mami - Un Zapatero Celoso

2010-10-23T22:03:00.001-03:00

SALVEMOS ATACAMA: Resumen situación Castilla.Difundir ampliamente

2010-08-27T18:38:00.000-04:00

SALVEMOS ATACAMA: Resumen situación Castilla.Difundir ampliamente: "Este jueves 2 tenemos una marcha oficial en Stgo en contra de termoeléctrica Castilla. (Confirmaremos la hora y punto de encuentro) Espe..."

Curvas Políticas: EL SEGUNDO PACTO: Silencio que otorga

2010-07-25T15:14:00.000-04:00

Curvas Políticas: EL SEGUNDO PACTO: Silencio que otorga: "No es raro que ningún personaje de alto vuelo de la Concertación se haya pronunciado en defensa de la magna obra social del gobierno Bachele..."

Las ventajas de ser directo

2010-06-14T15:35:00.001-04:00

Las ventajas de ser directo

Un encuentro de ayer con la organizadora de uno de mis próximos libros.

Ella: Estoy muy contenta de tenerte como el autor invitado en nuestro evento…

Yo: Lo estaba deseando.

Ella: Bien... Solo por curiosidad...¿Como responden la mayoría de las mujeres a tu forma de ser, can clara y directa, sobre tu deseo de… hmm? (se sonroja un poco)… Ya sabes…

Yo: ¿Mi deseo de follarlas?

Ella (risitas): Si. ¿Alguna vez te han abofeteado o maldecido? ¿Al llegar y directa y claramente decirles cosas porno a las mujeres?

Yo: ¿Abofeteado? No. Nunca. ¿Maldecido? (Risas) Si. Yo diría que criticado duramente…

Ella: Eso es lo que yo esperaría.

Yo: ¿Por qué esperarías automáticamente una reacción negativa mas que una respuesta positiva?

Ella: Porque a la mayoría de mujeres que conozco no les gusta ser sexualmente directas con los hombres… y no les gusta que los hombres sean sexualmente directos con ellas…

Yo: ¿Por qué? Específica…

Ella: Porque muchas mujeres lo encuentran grosero, irrespetuoso, o incluso insultante…

Yo: ¿Porque piensas....? Específica…

Ella: Para comenzar, a muchas mujeres no les gusta ser percibidas como 'promíscuas' o 'putas'. No todas las mujeres son unas fulanas…

Yo: ¿Así que porque soy directo sobre el hecho de que quiero tener sexo contigo, automáticamente eso te hace una 'puta promíscua' o una 'fulana'?? ¿Te defines tu misma… o te defines por como crees que te percibo yo?

Ella (risitas): Buena pregunta Alan. Se quien soy... Se que no soy una '’Puta’ o una ‘fulana’.

Yo: Entonces cual es el verdadero problema?

Ella: Supongo que.. cuando un hombre es directo sobre su deseo de… hmm… follarme… entonces eso elimina la oportunidad para otro tipo de relaciones….

Yo: ¿Por ejemplo...?

Ella: Ya sabes. Puedo querer ser 'solo amigos' con el chico. Puedo querer ser su compañera de bolos. Puedo querer ser su compañera de copas. Puedo querer ser su socio de negocios. Muchas cosas.

Yo: ¿Entonces porque no le dices simplemente, ‘Ahora mismo no estoy sexualmente interesada en ti. Lo siento, pero no. Pero me gustaría mantener una relación platónica contigo’. Eso lo soluciona...

Ella: Bueno... mas o menos...

Yo: ¿Qué quieres decir con ‘mas o menos…’?

Ella: Bueno, si le dices a un chico que no tienes absolutamente ningún interés sexual en el… 90% de que te va a dejar sola, asumiendo que el sexo era su principal objetivo.

Yo: Veamos. Si está sexualmente interesado en ti, pero tu no, .. ¿Por qué no dejarlo claro? Y si te deja sola y no se relaciona mas contigo... ¿Que?

Ella: A todas las mujeres les gusta tener chicos con los que salir… sin ninguna expectativa sexual…

Yo: ¿Sin ninguna expectativa sexual por tu parte, o por su parte? ¿Por qué no dejar claro como el cristal que no tienes interés sexual en ellos, y partir de ese punto…?

Ella: ¡Ya te lo he dicho! ¡Te dejará sola! ¡No te hablará por teléfono ni saldrá contigo (como amigos)!

Yo: ¿Por qué debería? Ese hombre, si es soltero, necesita salir con una mujer con la que tener citas o follar. ¿Porqué desperdiciar el tiempo con 'Amigas' platónicas…?

Ella: Así que estas en contra de las amistades 'platónicas', uh...

Yo: No he dicho eso. Si te relacionas con un hombre con el que no tienes interés sexual... y sabes al 100% que ese hombre no tiene ningún interés sexual en ti… pues guay. Eso es una genuina amistad platónica. Pero si no estas interesada en tener sexo con el… pero el esta interesado en quedar juntos, o tener sexo contigo, entonces es manipulación por tu parte el mantener esa ‘amistad’, si es que la quieres llamar así…

Ella: ¿Cómo puede ser eso manipulación?

Yo: Porque lo que esencialmente estás haciendo es… estas manteniendo la posibilidad de sexo en un futuro como una especie de zanahoria en un palo. Ese chico, Rodolfo, Brian, Pepe, quien sea, continuará hablando contigo y saliendo con la débil esperanza de que un día podría acabar follando contigo. Eso es manipulación por tu parte. Deberías decírselo claramente, ‘no tengo ningún interés sexual en ti en este momento. Si eso significa que me vas a dejar sola ahora, pues que así sea’….

Ella: Alan… es obvio que no conoces a las mujeres tan bien como creía….

Yo: Debo discrepar.

Ella: Ninguna mujer nunca va a quemar sus posibilidades de esa forma. Si una mujer dice algo como eso, esta eliminando sus posteriores posibilidades de…

Yo: (interrumpiéndola bruscamente): …Manipulación, simple y llanamente. Si un hombre piensa que ‘podría’ follarte en algún momento, estará mas predispuesto a adularte… mas predispuesto ‘cenar y tomar vino’ contigo… mas predispuesto a tener contigo conversaciones triviales… mas predispuesto a malgastar el tiempo saliendo contigo por ahí. Ese hombre espera ser ‘recompensado’ con tu compañía sexual y/o romántica, y lo sabes.

Ella: Bueno… No estoy de acuerdo… pero digamos que tienes razón. ¿Qué es lo que está tan mal de tener un chico con el que ser amigos pero sin cerrarle la puerta a tener sexo conmigo?

Yo: es obvio que no conoces a las mujeres tan bien como creía….La razón por la que existen misóginos, violadores, y asesinos en serie de mujeres es en parte por mujeres que les engañan, los manipulan, y juegan con sus sentimientos y expectativas.

Ella: Bueno, quien sabe… quizá he aprendido algo hoy.

Yo: Sin quizá... Acabo de dejarte caer algo de conocimiento. Pero en lo profundo de ti, conoces la verdad de todas formas. Debo irme.

Lo siento por el largo dialogo. ¿Pero veis de lo que hablo? A las mujeres que son manipuladoras y con dos caras, no les gusta el comportamiento Modo Uno. ¿Porqué? ¿Porque es muy sexual? ¿Grosero? ¿ofensivo? ¿Socialmente inapropiado? Esas son las razones que te darán. Pero en realidad, un 90-99% de las razones por las que a muchas mujeres no les gustan los hombres que son claros y directos sobre sus deseos, intereses e intenciones sexuales se deben a que no les gusta eliminar oportunidades para 'usar' a los hombres y manipularlos. Cuando estás en Modo Uno con las mujeres, las fuerzas a hacer una de las dos siguientes cosas:

a) a reconocer totalmente que tienen un interés sexual y/o romantico en ti…

b) a reconocer totalmente que no tienen un interés romantico y/o sexual en ti....

Como sabéis, muchos hombres temen al rechazo. Lo que debéis realmente temer es la manipulación. A las mujeres de dos caras, manipuladoras, no les gusta rechazar a los hombres. Recuerda lo siguiente. La conversación anterior lo confirma. Si las mujeres del tipo manipuladoras tuvieran que rechazar a cada uno de los hombres en los que no están interesados en salir juntos o tener sexo, a quien utilizarían, manipularían o con quien jugarían?? Exacto.

Partituras

2010-02-13T20:09:00.000-03:00

Partituras

Kaikhosru Shapurji Sorabji

Carl Orff

Adiós, Gitano

2010-01-05T23:36:00.009-03:00

Adiós, Gitano

(19/08/1945 - 04/01/2010)

Sandro

En los primeros años del rock, Roberto Sánchez, "Sandro" (19/08/45), todavía no se había inclinado por las baladas románticas que un par de años después lo lanzarían al estrellato. Sin embargo, ya había logrado cierta popularidad con algunos simples de puro rock and roll cantados en castellano y que lo habían llevado a presentarse en televisión, donde se lo conoció por su vestimenta a lo Elvis y sus movimientos pélvicos.

Los De Fuego eran cinco guitarristas: Roberto Sánchez, Enrique Irigoitía, Héctor Centurión, Armando Luján y Juan José Sandri («yo era la líder por ser el menos malo», reconocía Sandro) y se presentaban em festivales de colegios, concursos, bailes En uno de esos shows, el vocalista se negó a cantar un tema y fue Sandro quien se ofreció para pasar al micrófono.

Realizaron varias pruebas en compañías discográficas, pero fueron rechazados. De mucho insistir, Sandro logró registrar dos simples, sin su grupo: "¿A esto le llamas amor?" y "Dulce", que vendieron apenas dos mil copias. Los convenció de volver al estudio, pero con Los de Fuego. La primera grabación de la banda fue el 13 de noviembre de 1963 en los estudios CBS Columbia: "Hay mucha agitación", cover del hit de Jerry Lee Lewis. A partir de allí, comenzaría una carrera admirable: en total, grabó 52 discos y vendió 8 millones de copias ("Rosa, Rosa" alcanzó el millón y medio). Actuó también en 16 películas.

El desgaste de realizar hasta cinco shows por noche llevó a la disolución de Los de Fuego. Sandro cantó entonces acompañado por The Black Combo, editó algunos simples, un LP y abandonó el rock. Los Combos eran: Negro Orlando (guitarra), Adalberto Cevasco (bajo), Fernando Bermúdez (batería), Bernardo Baraj (saxo) y Miguel Abramic (percusión).

El Gitano se despegó de la rebeldía del rock original: su verdadero éxito estaba en lo romántico.

Lidió un duelo implícito con Palito Ortega: mientras el después Gobernador de Tucumán era el muchacho bueno, "el novio ideal para mi hija", Sandro representaba el amor salvaje, la pasión. Sus canciones más importantes son "Así", "Como lo hice yo", "Quiero llenarme de ti" y, por supuesto, "Rosa, Rosa". Su primer gran convocatoria fue durante los Carnavales de 1971, cuando cantó ante 60.000 personas en el estadio de San Lorenzo.

Cuando se produjo el viraje, los rockeros no dudaron en despreciarlo. Lo calificaron de "producto comercial", de "meloso" y, por supuesto, de "grasa". Años después, el ambiente lo reconocería como un grande: «Lo que más atrajo siempre fue su personalidad enigmática, la ceja levantada, el tembleque de sus labios y sobre todas las cosas... el misterio que lo envolvía» (Patricia Sosa en Noticias, 11/07/93).

«Sandro es un verdadero maestro del rock, y eso poca gente lo sabe, porque después se dedicó a otro género, que lo hace muy bien también. Sandro es un gran rockero, fue un gran maestro para todos nosotros», explica Javier Martínez (V.Pintos, pág 71).

Charly García y Pedro Aznar lo invitaron en 1990 a cantar en su disco "Tango 4". En la ocasión, revivieron un clásico de Los Shakers, "Rompan todo".

Luego de una larga enfermedad pulmonar, Sandro fue sometido a un doble transplante de pulmones y corazón, hacia fines de 2009. Permaneció internado en un sanatorio de Mendoza, donde murió la noche del 4 de enero de 2010.

Llora Sudamérica la muerte de Sandro

(México, Martes 5 de Enero, 2010)

La prensa sudamericana reflejó hoy en sus primeras planas el pesar de varias generaciones por la muerte del cantante argentino Sandro, "El Ultimo Gran Idolo Latinoamericano".

"El Gitano" falleció anoche en el Hospital Italiano de la ciudad argentina de Mendoza, víctima de un "shock" séptico, 45 días después de haber sido sometido a un trasplante cardiopulmonar.

"Sandro perdió la batalla", señaló el diario "La Hora" en su portada y en sus páginas interiores indicó que el cantante, de 64 años de edad, "a pesar de su constante lucha no logró sobreponerse y perdió la batalla final".

Roberto Sánchez, nombre verdadero del artista, padecía de una enfermedad pulmomar obstructiva crónica, producto de una adicción que lo llevó a fumar 60 cigarrillos por día, que lo obligó a someterse a un trasplante cardiopulmonar el 20 de noviembre pasado.

"Siempre estuvo consciente del riesgo que implicaba el doble trasplante al que fue sometido, pero aún así tuvo el coraje para afrontar lo que fuera", añadió el periódico.

"Sandro apagó su voz a los 64 años y da paso a la leyenda", tituló por su parte el también chileno "Publimetro", mientras que el diario "Ultimas Noticias", que le dedicó su portada, señaló: "Se fue El Gitano. Sandro perdió la batalla contra el tabaco: América lo llora".

Por su parte, el matutino "La Tercera", que lo califica como "El Primer Idolo del Rock Latino", publicó una columna del venezolano José Luis Rodríguez "El Puma", autor del último disco tributo al "Gitano de América".

En la nota, Rodríguez, que recuerda que su apodo de "El Puma" se lo debe a Sandro, señala que con el artista "no sólo parte un grande, su muerte simboliza el adiós al más grande de todos". "A sus fans, a sus "nenas’ que hoy lloran desconsoladas, sólo les puedo decir: sólo su cuerpo ha muerto. Su leyenda recién comienza el viaje", señaló.

En Colombia, el diario "El Colombiano" tituló: "Adiós a Sandro, el "Elvis Presley argentino"" y dedicó un amplio espacio de su edición a destacar la trayectoria artística y el legado del intérprete de "Una muchacha y una guitarra".

Al homenaje de la prensa colombiana se sumó el periodico "El Espectador", que calificó al intérprete argentino, quien murió a los 64 años, como uno de los "grandes cantantes" que ha tenido Sudamérica.

En Perú, el diario "El Comercio" señaló: "Se apagó la voz ronca y vibrante de Sandro" y añadió que "El Gitano" deja el eco de su "Rosa, Rosa" y "Por ese palpitar".

Indicó que "el querido cantante argentino Sandro falleció luego de una seguidilla de intervenciones quirúrgicas con las que se le intentó salvar la vida, una vida de leyenda que ahora se extingue casi como comenzó, por una conjunción de circunstancias fortuitas".

En Paraguay, luego de que la víspera varios canales abiertos y de cable de esta capital se enlazaron con televisoras argentinas para transmitir en directo, la prensa escrita recogió el pesar por la muerte del artista.

El diario "Ultima Hora" señaló: "Falleció Sandro de América, leyenda de la música", "Latinoamérica llora la partida de otro gran artista: Sandro", al que califica como uno de los músicos más populares del continente.

"Sandro de América cantó su última música y se fue", "Falleció ayer, a los 64 años", señala en títulos otro periódico asunceno, "ABC Color", mientras que "Crónica", en una mezcla de guaraní y español, cabeceó: "Nanderejá (nos dejó) Sandro".

En Venezuela, el diario "El Universal" afirmó: "Argentina y el mundo lloran la partida de Sandro", y agregó que "el artista de 64 años de edad murió ayer en la provincia de Mendoza luego que su cuerpo no soportó dos trasplantes de corazón y pulmones".

"El Nacional", por su parte, publicó: "Luto. Murió Sandro a los 64 años de edad. El cantante argentino no resistió el trasplante de corazón y pulmones al que fue sometido en noviembre".

Médico de Sandro: "No pudimos ganar la gran batalla"

(Costa Rica, Martes 5 de Enero, 2010)

Mendoza, Argentina. DPA. La gran batalla para salvar al popular cantante argentino Sandro se perdió, lamentó hoy Claudio Burgos, el médico que le realizó el trasplante múltiple en la ciudad argentina de Mendoza.

Según Burgos, los médicos trabajaron intensamente para tratar de ayudar a Roberto Sánchez a sobrevivir. "La gran batalla creo que no la pudimos ganar pero creo le dimos una chance de vivir que se la merecía", declaró Burgos en una conferencia de prensa en el Hospital Italiano.

El popular cantautor murió en la noche del lunes al martes a causa de un shock séptico, 45 días después de haber recibido un múltiple trasplante de corazón y pulmones para reemplazar a sus deteriorados órganos por la enfermedad pulmonar obstructiva crónica (EPOC) que sufría desde hace once años a raíz de su adicción al tabaco.

"Ha sido un trabajo sin cuartel y el resultado no fue el deseado. No pudimos dominar el cuadro final. Nos sentimos tristes de haber perdido esta batalla, pero queda el sabor de que hemos dado todo", expresó el médico.

El cardiólogo de Sandro, Sergio Perrone, relató en tanto que en los últimos días el músico ya había dado varias señales de que sus días se estaban terminando. "El domingo no lo pude convencer de que comiera. Eso era una señal", recordó.

"El Gitano lamentó no tener la fuerza que nosotros le pedíamos", relató Perrone.

"Teníamos clarísimo que era un paciente de alto riesgo. No teníamos plan B, era esto o esperar a que falleciera. Todos sabíamos que esto no iba a ser fácil, habíamos charlado esto todo el tiempo con él", reveló el cardiólogo.

Mirtha Legrand reveló detalles de los últimos minutos de Sandro

(Argentina, Martes 5 de Enero, 2010)

La diva de la televisión contó en Radio 10 que pudo dialogar anoche, minutos después del fatal desenlace, con la mujer de "El Gitano". Le confió que, cuando los médicos le dijeron que su marido había fallecido, ingresó en la habitación y "lo zamarreó" porque no podía creer su partida definitiva.

La conductora de televisión lamentó nuevamente hoy la muerte de Sandro y comentó parte de la charla íntima que mantuvo con Olga Garaventa, de quien dijo admirar su fuerza ante la situación lamentable que padeció en todos estos años.

"Sandro era un rey, un príncipe. Un ser humano muy misterioso", describió "Chiquita" Legrand en un reportaje en el programa El Oro y el Moro.

La diva de la televisión comentó que Olga le reveló en esa comunicación que "estaba en la confitería del hospital con una amiga y vio que había movimientos extraños". En ese momento, pasadas las 20, Olga se enteraba de la peor noticia.

"Ella fue a la terapia -continuó Legrand- y ya había fallecido, ya había muerto. Me contó que lo zamarreaba y los médicos le decían que no, que lo dejara; 'falleció, falleció'; que horrible situación, pobrecita", se lamentó "Chiquita".

Según agregó Mirtha, la mujer de Sandro contó además que "el día anterior fue a terapia y le habló, y él le dio vuelta la cara, miró para otro lado", como anunciando que ya no soportaba más, que era el final.

"Ella en ese momento -relató "La Chiqui"- le dijo 'pero Rober, vos te querés ir de gira? (expresión que usan los artistas para referirse a la muerte) y dice que Sandro dio vuelta la cara y la miró con unos ojos abiertos como diciendo 'no puedo más'; fue una agonía muy larga".

Galería de Fotos

Fuentes:

La Crónica de Hoy
Nación
Infobae

El Guitarrón Chileno

2009-12-03T21:48:00.045-03:00

Octavo Encuentro Nacional del Guitarrón Chileno.

Pueblo de Artesanos de Pirque.

Domingo, 29 de Noviembre, 2009.

Dángelo Guerra Gallardo (Casas Viejas - Puente Alto)
Rodrigo Torres Garrindo (Puente Alto)
Víctor Quintana Fuentes (Quilleco)
Alejandro Ramírez Correa (Estación Central)
Guillermo Ríos
José Catalán Guajardo (San Bernardo)
Manuel Saavedra Orellana (Pirque)
Don "Chosto" Ulloa Lobos (Pirque)
Alfonso Rubio Morales (Pirque)
Juan Pérez Ibarra (Pirque)
Santos Rubio Morales (Pirque)
Javier Riveros Ponce (Pirque)
Fidel Améstica (Puente Alto)

VIII Encuentro Nacional Del Guitarrón Chileno

Pirque

Cueca

VIII Encuentro Nacional Del Guitarrón Chileno

Pirque

Despedida

Galería de Fotos

El Guitarrón Chileno

Generalidades

El guitarrón chileno es un cordófono de 25 cuerdas, cuyo origen quizá se remonte a las postrimerías del siglo XVI. Se lo utiliza para acompañar el Canto a lo Poeta, junto al cual se ha desarrollado. Es el instrumento musical preferido de payadores y cantores a lo divino, seguido de la guitarra traspuesta y el rabel. Aunque su nombre pueda sugerir que se trata de un instrumento derivado de la guitarra, su diseño, afinación y modo de ejecutar lo emparentan más con los cordófonos renacentistas y barrocos, sobre todo con la vihuela y algo menos con los archilaúdes.

Para muchos éste es un instrumento genuinamente rural, aunque en los últimos años haya vivido una recuperación de su práctica y construcción en zonas urbanas.

Si bien se le usa mayormente para acompañar entonaciones de versos a lo humano y lo divino, sirve también como intérprete de cuecas, tonadas, valses y polcas. Su carácter solemne, su renombrada antigüedad y la belleza de los recursos sonoros que posee, lo han convertido con los años en un perfecto acompañante para actividades ceremoniales, llevándolo desde las ruedas de cantores hasta las Misas en que va apareciendo cada vez con más frecuencia.

Diseño

Está construido de madera y, como en la mayor parte de los cordófonos derivados del laúd y la vihuela, podemos distinguir cuatro secciones en su construcción:

Clavijero o pala: Pesado y muy largo, su tamaño le permitir dar sostén a 21 cuerdas con sus clavijas. A veces se adorna con tallados.

Mástil o mango: Más ancho que el de la guitarra, aloja por lo general 8 trastes. Hoy dispone de una entrastadura metálica pero en los modelos más antiguos era de tripa movible tal como se practicaba en el Renacimiento, es decir, varias cuerdas se torcían juntas y se hacían pasar por un par de muescas a cada lado del mástil, para luego atarse formando una trenza o chapecao en el dorso del mango.

Cuerpo o caja: En su construcción más tradicional la caja es de menor tamaño que la guitarra actual pero de mayor altura. De forma avihuelada, ostenta una boca sencilla aunque algunos ejemplares muestran rosetones decorativos. Resulta llamativo el puente, que dispone de extensiones vistosas llamadas puñales que amplían su sustentación en la tapa. También son notables los clavijeros auxiliares a cada lado del mástil, que tensan cada uno un par de cuerdas agudas (diablitos).

Encordadura: Está conformada por cuerdas metálicas o alambres y por cuerdas entorchadas o bordones. Tal como en los instrumentos europeos mencionados previamente, estas cuerdas se agrupan en órdenes u ordenanzas, aunque con mayor número de cuerdas por grupo. En el mástil se cuentan 5 órdenes de entre 3 y 6 cuerdas, cada orden afinado al unísono o en octavas. La afinación es en intervalos de cuarta salvo entre el II y III orden en que corresponde a una tercera. La característica más distintiva del guitarrón es la de los diablitos o tiples, cuatro cuerdas agudas dispuestas fuera del mástil, desde los clavijeros auxiliares de la caja hasta los costados del puente y que pueden hacer recordar a las tiorbas.

Pa’ cantar de un improviso
se requiere buen talento,
memoria y entendimiento,
fuerza de gallo castizo.
Cual vendaval de granizos
han de florear los vocablos,
se ha de asombrar hast’el diablo
con muchas bellas razones,
como en las conversaciones
entre San Peiro y San Paulo.

También, señores oyentes,
se necesita estrumento,
muchísimos elementos

y compañero ‘locuente;
ha de ser güen contendiente,
conoce’or de l’historia;
quisiera tener memoria
pa’entablar un desafío,
pero no me da el sentí’o
pa’ finalizar con gloria.

Al hablar del estrumento
diríjome al guitarrón,
con su alambre y su bordón
su sonoro es un portento.
Cinc’ ordenanzas le cuento
tres de a cinco, dos de a tres,
del clavijero a sus pies
l’entrasta’ura ‘legante,
cuatro diablitos cantantes
debe su caja tener.

Y pa’ cantar a porfía
habrá que ser toca’ora,
arrogante la cantora
para seguir melodía,
galantizar alegría
mientras dure’l contrapunto,
formar un bello conjunto
responder con gran destreza.
Yo veo que mi cabeza
no es capaz par’ este asunto.

Por fin, señores amables,
que me prestáis atención,
me habéis hallado razón
de hacerle quite a este sable;
mas no quiero que s’entable
contra mí algún comentario,
pa’ cominillo en los diarios
sobran muchos condimentos.
No ha de faltarm’ el momento
que aprenda la del canario.

Autobiografía en Verso
Violeta Parra

Manuel Sánchez

Clase Magistral de Guitarrón Chileno
Centro Cultural de España de Santiago de Chile.
Video realizado por Jorge Cabello Z.

Parte 01

Parte 02

El Guitarrón Chileno

Francisco Astorga
Profesor, muestra el guitarrón chileno y cuenta su historia.

Fuentes:

Wikipedia: Guitarrón Chileno
Bicentenario: Misterioso Guitarrón
Payadores Chilenos: El Guitarrón Chileno (PDF)
Violeta Parra
Pueblo de Artesanos (Pirque)
Mas información en:
Renacer del guitarrón chileno (Libro)
Renacer del guitarrón chileno (Audio)
Revista Musical Chilena Nº99
Revista Musical Chilena Nº74
MUS.CL

Mahani Teave junto a Roberto Bravo

2009-11-22T23:29:00.004-03:00

Mahani Teave & Roberto Bravo

Plaza de Armas, Santiago, Chile.

Sábado 21 de Noviembre, 2009.

Programa:

Mahani Teave:

Armonía Poética. Franz Liszt.

Balada N° 2. Franz Liszt.

Estudio Op. 10, n.º 12 en Do menor, "Revolucionario". Fryderyk Chopin.

Himno al Rey Hotu Matua. Tradicional de Isla de Pascua.

Roberto Bravo:

¿?. Fryderyk Chopin.

Alfonsina Y El Mar. Mercedes Sosa. (Ariel Ramírez y Félix Luna).

Gracias A La Vida. Violeta Parra.

Adiós Nonino. Astor Piazzolla.

Te Recuerdo Amanda. Victor Jara.

Luchín. Victor Jara.

Mahani Teave & Roberto Bravo:

Danza Húngara Nº4. Johannes Brahms.

Danza Húngara Nº1. Johannes Brahms.

Suite "Dolly": Berceuse. Gabriel Fauré.

Suite "Dolly": Kitty-valse. Gabriel Fauré.

Vals de la Bella Durmiente. Pyotr Ilyich.

Summertime. George Gershwin.

Suite "Dolly": Berceuse. Gabriel Fauré.

Mahani Teave:

Mahani Teave es una de las pianistas más destacadas de Chile y ha ganado numerosos concursos internacionales de piano. Originaria de Rapa Nui, la legendaria Isla de Pascua (sitio arqueológico de la UNESCO), es la única persona de la isla que se ha dedicado a la música clásica. Debutó como pianista a la edad de nueve años, cuando acompañó al renombrado pianista chileno Roberto Bravo en una serie de giras de conciertos a lo largo de Chile y el extranjero. Desde entonces y hasta ahora, Mahani Teave ha aparecido en programas de televisión, radio y en cientos de entrevistas y artículos en revistas y diarios. En la actualidad, un director chileno de cine está trabajando en un documental inspirado en su vida y trayectoria con el fin de motivar y estimular a la juventud chilena.

A los dieciocho años, Mahani Teave obtuvo con máximos honores el título de Intérprete Musical, mención piano, otorgado por la Universidad Austral de Chile, donde estudió con la profesora Ximena Cabello. Recibió su Máster en Música del Cleveland Institute of Music en el año 2005 bajo la tutela del Profesor Sergei Babayan.

Mahani Teave ganó el primer lugar en el Concurso Internacional de piano Claudio Arrau en 1999, ocasión en la que obtuvo, además, los premios al mayor talento y a la mejor interpretación de las obras comunes. En el año 2001 ganó el primer lugar en el Concurso Internacional de Piano "Ciudad de Palmayola" en Mallorca, España, y el año 2004, el concurso Cleveland Institute of Music Concerto Competition. Más recientemente fue una de las ganadoras en el Concurso Internacional de Piano Corpus Christi, en Texas, EE.UU., el año 2006.

Mahani Teave ha tocado para los tres últimos presidentes de Chile, para el Congreso Nacional chileno y en las embajadas chilenas en Alemania, Estados Unidos y España. Ha ofrecido recitales en Alemania, la Antártica, Argentina, Chile, Ecuador, España, Estados Unidos, Japón y México. Ha actuado como solista con la Orquesta Sinfónica de Chile, Orquesta Sinfónica de Concepción, Orquesta de Cámara de Valdivia, Orquesta Filarmónica de Temuco, Orquesta Sinfónica Juvenil de Santiago y la Orquesta Sinfónica del Cleveland Institute of Music.

El año 2008, Mahani fue distinguida con el Premio Apes a la mejor presentación o intérprete de música selecta por su ejecución del Concierto No.1 de Rachmaninov con la Orquesta Sinfónica de Chile. Ese mismo año el diario El Mercurio y la fundación Mujeres Empresarias, la distinguieron como una de las 100 mujeres líderes del país. Desde septiembre 2008 Mahani continúa sus estudios de piano en Alemania en la prestigiosa Academia de Música Hanns Eisler de Berlín, gracias a una beca de la Fundación Konrad Adenauer. Entre sus planes está embarcarse en una apretada agenda de concursos y conciertos.

Roberto Bravo:

Reconocido en la escena internacional como uno de los talentos musicales más importantes de América Latina. Comenzó su formación musical en el Conservatorio Nacional de Santiago con Rudolf Lehmann; continuó sus estudios en Nueva York (Estados Unidos) con el connotado pianista chileno, Claudio Arrau. Luego continuó su formación y perfeccionamiento, en los Conservatorios de Varsovia (Polonia) y Tchaikovsky de Moscú (Rusia) y en Londres (Inglaterra) con la Maestra Maria Curcio.

Roberto Bravo ha obtenido en Chile, varios premios en concursos nacionales. Asimismo, ha sido galardonado en certámenes internacionales de Europa y Estados Unidos. Su exitosa carrera profesional lo ha llevado a viajar por los cinco continentes.

Ha sido invitado a dar conciertos en los más importantes teatros de Europa y de América, tales como : Carnegie Hall (New York); Place des Arts (Montréal); Salle Gaveau (París); Schauspielhaus (Berlín); Kennedy Center (Washington), Palacio de Bellas Artes (México), Palau de la Música (Barcelona); National Theatre (Dublin); Glenn Gould (Toronto); National Arts Centre (Ottawa); Teresa Carreño (Caracas); etc.

Numerosos y destacados directores de orquesta de prestigio internacional han invitado al Maestro Bravo en función de su talento y cualidades de intérprete. De este modo, ha tocado junto a la Orquesta Sinfónica de Berlin (Alemania); la Royal Philarmonic Orchestra of London (Inglaterra); The Melbourne Symphonic Orchestra (Australia); Dresden Symphonic Orchestra; Orquesta Sinfónica de Sao Paulo (Brasil); Orquesta Sinfónica de Quito (Ecuador); Orquesta Sinfónica de Lima (Perú); Orquesta Sinfónica de Santiago (Chile); etc.

Ha realizado importantes grabaciones, entre las cuales cabe destacar el Concierto en La Menor de Grieg & Concierto No.1 de Beethoven con la Royal Philarmonic of London como también, obras de Liszt, Chopin, Schumann; grabaciones de compositores españoles y latinoamericanos; música popular de Chile y de América Latina. Su trabajo discográfico más reciente lanzado al mercado nacional, es un CD con música de películas (Mission, Il Postino, Cinema Paradiso, etc.) y su último éxito Bravo/Piazzolla que reúne algunos de los temas más hermosos del gran compositor argentino Astor Piazzolla.

Ha grabado para los más importantes medios de comunicación europeos de radio y televisión: BBC de Londres, Radio Nacional de España, Radio France Musique, ABC de Australia y también, varias emisoras de radio y televisión de América Latina.

Roberto Bravo en su trayectoria musical, sobrepasa los límites del perfil de un pianista clásico. Él vibra con todos los aspectos de la música popular, literaria y poética, en el marco de una sociedad mejor, más justa y liberadora del ser humano. Por ello, interpreta y lleva su música, tanto al público que sigue la música clásica como a aquellos que no pueden acceder directamente a ella: los mineros, los campesinos; los 'pobladores' de los barrios pobres y marginales; los indios Mapuches; a las personas en misión en el territorio Antártico, en el Polo Sur y a los habitantes de Isla de Pascua (Rapa Nui) situada en el medio del Océano Pacífico.

Numerosas personalidades nacionales se unieron a él, para crear la Fundación Roberto Bravo, con el propósito de ayudar a través de becas, cursos y seminarios, a los jóvenes talentos musicales de Chile sin recursos financieros.

En 1990, el Gobierno Democrático de Chile, lo nominó 'Embajador Cultural Honorario'. En 1995 recibió en Chile, el Premio Nacional de la Paz, y ese mismo año, el Gobierno de Túnez le distinguió con la 'Ordre Commendateur des Arts'.

Roberto Bravo ofrece regularmente cursos y 'master-classes' en universidades de Estados Unidos y en conservatorios de música de Europa.

En el año 2003, Roberto Bravo fundó el Conservatorio de Música de la Universidad Mayor, del que fué su Director hasta el año 2008.

En Octubre 2009 es nombrado Artista residente del Programa de Artes Liberales de la Facultad de Comunicaciones de la Universidad Andrés Bello en Santiago de Chile.

Fuentes:

Mahani Teave: Sitio Oficial

Roberto Bravo: Sitio Oficial

Arte Urbano 3D - Eduardo Relero

2009-11-08T19:02:00.190-03:00

Eduardo Relero
Pintor, Escultor y Dibujante

Eduardo Ruiz Relero es un artista argentino, que lleva afincado en España varios años, primero en Madrid y ahora en Sevilla. Cursó Arquitectura y Bellas Artes en Argentina, que complementó con sus estudios de copista en museos de Roma. Sus trabajos abarcan desde anamorfosis, retratos, esculturas, murales, dibujoides hasta copias.

Entrevista a Eduardo Relero: Anamorfosis
Publicado el día 14 Octubre, 2007.

Eduardo Ruiz Relero es el artista y autor de las anamorfosis que recopila en su bitácora "Anamorfosis, Chistes ópticos de gran formato". Eduardo cursó estudios de arquitectura y bellas artes en Argentina y se formó definitivamente en Roma, donde estudió como copista en museos y realizó importantes trabajos en villas, locales e iglesias. Actualmente reside en Sevilla.

"Soy partidario del cálculo previo pero de la ejecución espontánea"

El Gurú

Todas: Hola Eduardo, ¿cómo estas?, el tuyo es un blog peculiar, donde vas recopilando tu artwork, hablemos de tus espectaculares anamorfosis ¿cuánto tiempo tardas en hacer una, desde su trabajo en "croquis" hasta su materialización?

ER: Es justamente el croquis, o boceto aquello que mas tiempo puede ocuparme, porque la pintura sobre la calle en si no me ocupa mas de dos dias.

Bocetar, idear es traer desde la nada, es el acto primario de creación, al pasar tres o cuatro días te encuentras con varias ideas que cribar y las paseas en un cuaderno sopesándolas.

Todas: La anamorfosis es una técnica antigüa, basada en la perspectiva y en las matemáticas. ¿que artistas que realizan anamorfosis te han interesado a tí?

ER: Prácticamente ninguno en particular, soy admirador de artistas que no hacen anamorfosis pero que la teorizaron como Piero della Francesca, o Leonardo que la cita en pequeño escorzo. Admiro entre otros a Veronese, Tintoretto, Degas, Daumier, Picasso, Caravaggio, Michelangelo, Goya, Velázquez...Tiziano......la escultura gótica, ...la griega ....Giácomo Serpotta ! ! ya ves todos muertos pero que vida tienen !!

Todas: El término anamorfosis se toma del griego que significa "trasformar". Hablemos del enfoque humorístico, la ironía en tus anamorfosis ¿el arte debe contener una intención social?

ER: Sinceramente no sé si lo que hago es arte, supongo que tiene algo que ver... Al ser un hecho efímero (por su desaparición paulatina o repentina) y al estar en medio de las calles... no está hecho, tal vez, con la quietud que requeriría la obra silenciosamente especulada en el estudio para ser degustada en un ámbito tradicional como la iglesia, el palacio, el salón del coleccionista, el museo, la snobísima galería de arte contemporáneo, no digo que las obras deban estar ahí, que suelen parecerse a cementerios, pero aún respondemos a modelos de fruición idealistas en donde el arte tiene algo de cosmética de la vida.

"Sexo Explícito"
(Boceto)

Por un lado las cosas serias, política, ciencia, economía y sus discursos de la verdad y por otro y, tolerados como a un niño o a un loco, los desvaríos artísticos adentro y al resguardo en esos sitios específicos.

El arte adentro de la vida ya está "conseguido"... por lo que fueron la Bahuaus, las vangurdias, ahí lo tenemos : minimalismo, triunfo del art disegner, diseño Ikea, celulares chulos, camisetas guays, bricolage molón, arquitectos desatados, escuelitas de diseño proliferando, Zara, cocina creativa... El Apocalipsis !

Es como el teatro de calle, o la música de calle no hay un envoltorio que cree recogimiento, en cuanto a silencio, luz o espacio, estás en medio del ir y venir de la calle y ahí es mas fácil y armónico representar la comedia del arte o la música popular, que la Cabalgata de las Valquirias o Lisistrata, aunque yo particularmente agradezco cuando me encuentro a un músico tocando algo que no sea el concierto de Aranjuez, cielito lindo, el cánon de Pachebel, la Primavera de Vivaldi, o los actores gritones y predecibles. Ahí, quizás es distinto, porque el artista ambulante vive de la angustiante aprobación inmediata y es demagogo al mirar de reojo al platillo para orientar su poética y termina diciéndote que en su casa toca jazz...

"Yo al revés, me alimento de un arte contemporáneo y en casa hago dibujitos a lápiz, a óleo o cositas de arcilla."

Eso de la intención social, me imagino que te refieres a con la obra intentar colaborar con la transformación de la sociedad, pues sí, solo que está demostrada la ineficacia del arte para la adhesión a las causas.

Digamos que el Guernica no contribuyó mucho a adherir gente a la causa de España pero si a la del Arte y por ende a las conciencias aunque no necesariamente a las de la propia época de su ejecución. Goya no es superior a Velázquez porque exprese las calamidades del pueblo, puede contenerse esa tragedia también en el retrato de un enano, un rey o un perro. Así que la dramaticidad no está en el sujeto, salvando el caso de un fresco con una apoteosis deportiva de David Meca!!, aunque seguro que si resucitaran a Velázquez para pintar esto tendría mas humanidad y arte que una llegada de pateras pintada por Tapies o Barceló.

En este tipo de sociedad en que vivimos hacer lo que hasta ahora se ha llamado Arte es algo mas o menos imposible, la industria a comprendido las posibilidades económicas de los fenómenos artísticos hasta volverlos irreconocibles y ha hiperdesarrollado el entretenimiento, desde visitar turísticamente a Rembrandt hasta conseguir imponer la dosis mínima de celebración de tópicos.

Las regiones erigen un ídolo local para dar sentido al edificio frágil de la nueva situación cultural. Los hay también que erigen Museos por reputados arquitectos para otra vez,desde la política, dar sentido a algo que difícilmente se sostendría fuera de ese aparato de postproducción

Todas: Cuentanos de ti, por favor, ¿de donde eres? ¿donde vives? ¿a qué te dedicas? ¿cuando comenzaste a hacer anamorfosis?

ER: Soy Argentino, de Rosario, vivo desde hace tres meses en Sevilla, pero los últimos once años en Madrid y los anteriores seis en Roma.

He vivido de la pintura desde que vine a Europa, en el año 90, 91 como pintor callejero en Roma, también ahí estudié en museos y con Gregory Provenzano una especie de Humanista total hecho a sí mismo desde la observación y la lucidez ante los clásicos, una persona irrepetible, alguien que lamentablemente sería completamente imposible encontrar en una institución de enseñanza.

También trabajé de cocinero (ayudante) en algún período duro, y de piloto de fórmula uno cuando la cosa se ponía ya muy mala.. Esto de las anamorfosis me lo encargaron hace un par de años para un anuncio de publicidad, supongo que para abaratar el presupuesto que habría dado J. Beever. La verdad que nunca había hecho ninguna, pero después de ver las cosas de este pintor pensé que no sería tan difícil. Entonces les dije que si sabía hacerlas (¿caradurismo argentino?). Conocía la teoría, vengo de una educación técnica, me encerré un par se semanas y saqué algunos métodos para hacerlas.

La experiencia publicitaria, no fué muy edificante. Se me ocurrió entonces ofrecerlas en festivales, de teatro, fiestas regionales o ferias para poder seguir dibujando lo que a mi mas me gustaba sin hacer concesiones a ninguna estética pleonastica ni de encantar al director de marketing. Igualmente tengo que aclarar que debido a las constantes exigencias de mi economía y con los Sólidos "argumentos" que ofrecen algunas empresas resulta difícil resitirse, aunque mi conciencia está tranquila por cuanto lo sigo intentando en el sentido de los festivales (siendo esta aún mi principal fuente de ingresos)tranquilidad no sólo por conciencia ética sino también (que termina siendo inseparable) por conciencia estética.

"Digamos que la dificultad no está en la anamorfosis, que es un método de proyección, está en lo que hagas con ella, como por ejemplo la lengua, digamos el español, siempre en español no es lo mismo lo que hago yo con el español que lo que hace Baltasar Gracián..."

Todas: ¿Cuales han sido tus últimos trabajos? ¿qué técnica, materiales usas?

ER: Los últimos trabajos que hice son en Navarra y Gandía.

Utilizo pigmentos que diluyo en un vehículo hecho con cola celulósica y agua y algunos toques de pastel o tizas que yo mismo hgo aquí les dejo algunos bocetos que podría haber realizado en vez de los que hice.

Todas: ¿Utilizas el ordenador en alguna fase creativa de tus anamorfosis?

ER: No, no utilizo el ordenador para nada mas que para ver los trabajos terminados y lo del blog.

Todas: ¿Cobras por tus anamorfosis?

ER: Si, cobro.

Todas: ¿Haces trabajos por encargo? ¿Donde se te puede contactar?

ER: En general si, pero tiene que gustarme el proyecto, digamos que no soy una mano que se alquila para ilustrar la idea de otro, intento incorporar el encargo en mi estilo. Se me puede contactar en eduardorelero@gmail.com

Todas: ¿Cual de tus trabajos es tu preferido?

ER: No sé cual prefiero, cuando hago el último creo que es el mejor

Todas: ¿Donde podremos ver tu proxima anamorfosis en vivo?

ER: Tal vez en SIMO

Todas: Muchas gracias a Eduardo por su tiempo para Todas.

Entrevista a Eduardo Relero: Arte Urbano en 3D
Publicado el día 22 de Junio, 2009.
por Teresa Bernal

RM: ¿Lo que más atrae a Eduardo Relero del arte callejero es…?

ER: Me gusta la espontaneidad manual sobre el fracasado intento de seriedad público. Me gustaría que se animasen a pintar esos edificios emblemáticos de reputados arquitectos contemporáneos, las horribles esculturas abstractas que hay en muchas rotondas y plazas.

Pero los jóvenes son demasiado conservadores para hacer algo así, y esto me parece triste. Me encanta ver pintadas sobre las cabinas telefónicas, y sobre ese acabado industrial lujoso europeo con el que hacen las paradas de autobuses, tranvías, los puentes, kioscos. ¡Son tan feos!

"A la hora de definir lo que es un 'profesional del arte', Eduardo añora el arte de antaño."

ER: El arte ha perdido la esencia que tenía cuando estaba ligado a la filosofía y a la religión. Hoy en día se ve más como una "salida laboral", no creo que existan grandes profesionales. Se ha convertido en un tema muy politizado.

RM: Es usted un bohemio trotamundos.

ER: Empecé a pintar en mi país, Argentina, cuando llegaban las vacaciones de la Universidad. Viajé a Brasil con 21 años dibujando retratos en las plazas, restaurantes, aeropuerto, en una funeraria en Bolivia, recorrí Perú, Chile…En estos viajes me mantenía económicamente con los retratos callejeros. Yo había sido un estudiante de Bellas Artes, Filosofía y Arquitectura. Tenía la cabeza llena de pretensiones intelectuales que pasaban por las Vanguardias estéticas y el Arte Contemporáneo, pero ví de cerca esas portentosas obras del pasado y…

RM: Volviendo al anamorfismo. Leyendo su biografía, parece que fue pura casualidad la que le llevó a iniciarse en esta técnica.

ER: Me lo propusieron para un contrato de publicidad. Antes no lo había hecho nunca, pero sabía cosas de geometría por mi formación técnica, soy aparejador y estudié arquitectura. De hecho las primeras anamorfis las hice de una manera y las siguientes fui cambiando el modo de realizarlas. Saqué al menos tres métodos para hacerlas.

RM: escuchándote hablar así parece que fuera algo sencillo, pero luego me coloco delante de una de tus obras y la impresión que inspira es muy diferente.

ER: Son dibujos de gran complejidad, sí. Pero la verdad es que la mayoría de ellos no me llevaron más de dos días. El trabajo más largo es el de los bocetos previos.

RM: ¿No te da pena que tu trabajo desaparezca al cabo de unas semanas?

ER: Esto es lo que las hace a estas obras diferentes del arte tradicional pensado para perdurar en el tiempo. Pero siempre quedan las fotografías.

RM: Parece que no quedó muy satisfecho con la experiencia de esa primera campaña de publicidad, y decidió ofrecer sus servicios a festivales y eventos culturales. ¿Pero qué le han hecho a usted los publicistas?

ER: Prefiero los festivales y eventos culturales porque en ellos desarrollo mi trabajo con libertad, sin tener que someterme a las reglas del marketing. Pero en tiempos de crisis, a veces es necesario aceptar contratos de publicidad.

RM: Se queja constantemente de lo politizado que está el mundo del arte.

ER: Así es. En Europa la cultura está en manos de lo Público. La aspiración de muchos de los galeristas es formar parte de los museos de Arte Públicos ya que dan prestigio. Lo que no queda bajo lo privado ni lo Público, sencillamente no existe. De ahí que la gente al artista ambulante lo mire mal, como a un "sin trabajo".

RM: ¿Qué mueve a Eduardo Relero detrás de cada obra?

ER: Prefiero el tono satírico y de crítica. Aunque también me gusta hacer otras cosas, como el "Corpus", de tono más dramático. En general, me fascinan las figuras humanas.

RM: Utiliza pigmentos diluídos en agua con algo de cola, sus obras conllevan una laboriosa fase previa de plasmación de sus ideas a través de esquemas. Pero, ¿qué es lo más difícil en un trabajo callejero en 3D?

ER: Lo más complicado de pintar en la calle es que estás expuesto a contratiempos que te pueden impedir finalizar tu trabajo. Como la lluvia, los gamberros, o la policía. El público te habla, te distrae y opina mientras estás trabajando. Deben pensar que pintar es como cambiar la rueda de un coche. Estás expuesto a los marginados, a los que nadie escucha, los locos, los perros, ancianos solitarios, pintores amateur que te persiguen para mostrarte sus obras. Pero por otro lado, esa misma muchedumbre es la que te da alas, fe, fuerza. También hay que contar con el estrés por el clima. Y es importante la calidad del suelo.

RM: Estamos impacientes. ¿Cuándo, dónde vamos a volver a verte en acción?

ER: Ahora estoy haciendo una exposición en Milán, de dibujos anamórficos en varios planos. El año próximo haré dibujos en una institución en EE.UU, y me han encargado el diseño de un juguete para ser comercializado por una empresa japonesa. Además tengo planes para realizar tres pinturas en la plaza central de Getxo, en Bilbao (España), para Navidad.

Galería

Páginas de Eduardo Relero
Anamorfis de Eduardo Relero
Retratos de Eduardo Relero
Esculturas de Eduardo Relero
Dibujoides de Eduardo Relero
Eduardo Relero: Mural Deco

Fuentes:
Todas: La Bitácora Para Ellas - Entrevista a Eduardo Relero: Anamorfosis
Red Mensual - Entrevista a Eduardo Relero: Arte Urbano en 3D
Nocturnabsas: Eduardo Relero

La Casa-Caracol

2009-10-05T18:57:00.006-04:00

La Casa-Caracol

Ilona Vlasenko
Helsinki, Finland

Paseando por internet me encuentro con este trabajo de una artista rusa radicada en Finlandia, se dedica a crear muñecas me parece, si bien encontré su blog, no entendí nada por el idioma (ruso o finlandés). Bueno, ella creo esta casa-caracol que me pareció increíble. El nivel de detalle que tiene el interior, cuadros, revistas, muebles, tazas, etc, incluso tiene un cuadro de sí misma, además cuenta con iluminación. Tiene un ambiente muy acogedor, hasta me dan ganas de tener una casa así, bueno, les dejo algunas fotos, y los links a su blog oficial y las fotos de la casa-caracol en LiveJournal.

Fuentes:
Vilonessa-Dolls
LiveJournal: Perfil
LiveJournal: Caracol 01
LiveJournal: Caracol 02

Adiós, Negra

2009-10-04T13:09:00.004-04:00

Parte de prensa
República Argentina, Domingo 4 de Octubre de 2009

En el día de la fecha, en la ciudad de Bs As, Argentina, tenemos que informarle que la señora Mercedes Sosa, la más grande Artista de la Música Popular Latinoamericana, nos ha dejado.

Haydé Mercedes Sosa, nació el día 9 de Julio de 1935 en la ciudad de San Miguel de Tucumán. Con 74 años de edad y una trayectoria de 60 años, Ella transitó diversos países del mundo, compartió escenarios con innumerables y prestigiosos artistas, y dejó además, un enorme legado de grabaciones discográficas.

Su voz llevó siempre un profundo mensaje de compromiso social a través de la música de raíz folklórica, sin prejuicios de sumar otras vertientes y expresiones de calidad musical.

Su talento indiscutible, su honestidad y sus profundas convicciones dejan una enorme herencia para las generaciones futuras. Admirada y respetada en todo el mundo, Mercedes se constituye como un símbolo de nuestro acervo cultural que nos representará por siempre y para siempre.

Quizás, las palabras de su entrañable amiga, Teresa Parodi, resuman el sentimiento de muchos:

"…Mercedes, salmo en los labios
amorosa madre amada
mujer de América herida
tu canción nos pone alas y hace que la patria toda
menudita y desolada no se muera todavía,
no se muera porque siempre cantarás en nuestras almas…"

Sus restos serán velados en el Salón de los Pasos Perdidos, en el Honorable Congreso de la Nación, Avda. Rivadavia 1864 a partir del mediodía de hoy.

Su Familia, allegados y amigos, agradecen profundamente el acompañamiento y el apoyo expresado en estos días.

Mercedes Sosa (1935 - 2009)

Desde la Secretaría de Cultura de la Nación despidimos con inmenso pesar a una de las más grandes figuras que ha dado nuestra música popular y referente de la cultura argentina en el mundo.

A todos...

Somos los nietos, los hermanos, los sobrinos, el hijo de quien fue para nosotros algo más y distinto que una gran artista popular. Con ella compartimos la vida, las alegrías y las angustias privadas. Porque esa gran artista fue además nuestra abuela, nuestra hermana, nuestra tía, nuestra mamá. Es por eso que queremos llegar a ustedes desde ese lugar íntimo, lejos de la severidad y la dureza de los comunicados oficiales: porque sabemos que también la quisieron y la siguen queriendo aún mucho más allá de la cantante y de la artista que los acompañó tantas veces, a la que han hecho parte de su familia aún sin tener lazos de sangre.

Es desde este lugar que queremos contarles que Mercedes -la mamá, la tía, la abuela, la hermana-abandonó este mundo el día de hoy. Pero también queremos decirles que estuvo siempre acompañada-inclusive cuando ya no podía saberlo- por un desfile interminable de amigos y artistas populares, y en cada uno de ellos: Ustedes. Y que a pesar de lo triste de cualquier agonía, pasó esos últimos momentos en paz, peleando aguerridamente contra una muerte que terminó ganándole la pulseada.

Por cierto estamos conmovidos y queremos compartir con ustedes esta tristeza. Aunque, al mismo tiempo, nos queda la tranquilidad de que todos hicieron lo posible- incluida nuestra Negra- para quedarse un ratito más entre nosotros.

Lo que más feliz la hacía a Mercedes era cantar. Y seguramente ella hubiera querido cantarles también en este final. De modo que así queremos recordarla y así los invitamos a hacerlo con nosotros.

Infinitas gracias por ese acompañamiento que jamás dejó de estar presente.

Familia de Mercedes

Mercedes Sosa - Canción con todos

Pela uniäo de toda a américa latina, uma cançäo que é um hino, com Mercedes Sosa.
Para la unión de toda América Latina, una canción que es un himno, con Mercedes Sosa.

Mercedes Sosa - Zamba para no morir

Si se calla el cantor

Canción de Horacio Guarany (1977). Cantada por Mercedes Sosa.

Gracias a la Vida

Canción de Violeta Parra. Cantada por Mercedes Sosa.

Fuentes:
Mercedes Sosa: Página Oficial
Wikipedia: Mercedes Sosa

Anamorfismo

2009-09-27T23:36:00.008-04:00

Anamorfismo

Una anamorfosis o anamorfismo es una deformación reversible de una imagen producida mediante un procedimiento óptico (como por ejemplo utilizando un espejo curvo), o a través de un procedimiento matemático. Es un efecto perspectivo utilizado en arte para forzar al observador a un determinado punto de vista preestablecido o privilegiado, desde el que el elemento cobra una forma proporcionada y clara. La anamorfosis fue un método descrito en los estudios de Piero della Francesca sobre perspectiva.

Esta técnica ha sido utilizada ampliamente en el cine, con ejemplos como el Cinemascope, en el que mediante lentes anamórficos se registran imágenes comprimidas que producen una pantalla ancha al ser descomprimidas durante la proyección.

Anamorfosis en un espejo cilíndrico del dibujo de una silla.

El cuadro de Los Embajadores de Hans Holbein el Joven contiene a los pies de la tabla la anamorfosis de una calavera, como ejemplo de vanidad. Está pintada de manera que sólo podemos reconocerla con una vista rasante.

Para corregir la deformación y poder observar la calavera sin la utilización de un medio informático, nos podemos valer del dorso de una cuchara. De manera que el reflejo sobre la superficie curva y reflectante de la cuchara, corrige el efecto de la perspectiva en la pintura.

Los Embajadores

Vista Corregida

Detalle Calavera

Truco Cuchara

Cuadro de los embajadores donde se puede observar la anamorfosis de la calavera. Uso de una cuchara para corregir la deformación.

El cuadro a continuación en si está distorsionado por completo. Pero cuando se mira por un espejo en forma de tubo de quinqué las imágenes retornan a su forma normal. El artista, al pintar no mira directamente la realidad sino que lo hace guiado solamente por lo que se refleja en un espejo curvo.

De lo deforme a normal, y viceversa.

Fuente: Wikipedia: Anamorfismo

A Juicio por Difundir filosofía

2009-09-07T00:58:00.002-04:00

A Juicio por Difundir filosofía

La Cámara Argentina del Libro y la Embajada de Francia iniciarón una causa judicial contra Nietzsche, Derrida y Heidegger en castellano, la fiscalia desestimo a este sitio pero no a los otros dos, por lo cual estas dos bibliotecas publicas on line han sido cerrados preventivamente hasta tanto la justicia se expida. Juicio criminal contra Horacio Potel por difundir filosofía gratis en la web.

Fuente: Nietzsche en Castellano

Árbol de la ciencia del bien y del mal

A pesar de que parece que el primer acto sexual de la humanidad fue el causante de la condena expresada por Yavé sobre los participantes en el jueguecito, y lo hizo extensivo a toda la humanidad, la cosa no queda ni medio clara. Al parecer por un lado Yavé ordena lo de "creced y multiplicaros", por otro dice que no se coma del arbolito de la "ciencia del bien y del mal", es precisamente cuando comen del fruto del arbolito cuando descubren que están desnudos, sienten vergüenza y se fabrican delantales para proteger su intimidad. Parece un claro simbolismo hacia la represión de la sexualidad humana recién estrenada que será, y es una constante a lo largo de toda la Biblia, y del Cristianismo hasta nuestros días.

¿O quizá lo que el mismo Dios escribe en la Biblia está ocultando algo todavía más serio? Desde la religión se explica que ese primer pecado no tuvo connotaciones sexuales, que fue un pecado de orgullo humano, que fue un deseo de ser igual que Dios, que fue un desafío lanzado por los humanos recién saliditos de las manos del creador al querer igualarse a el.

Claro que otros lo entienden y lo explican de otra manera. Al parecer el arbolito en cuestión se llamaba de la "ciencia del bien y del mal" curioso nombre, significativo donde los haya. Hay quien interpreta el simbolismo del arbolito como un intento por parte de Dios en castigar el conocimiento, que en realidad lo que nace en la mente de Eva es el deseo de saber y conocer el entorno que le rodea, empezar a practicar una rudimentaria ciencia del conocimiento, de una realidad en la que está inmersa. Poca importancia tiene si fue Eva o si fue Adán el primero en dar el paso hacia la investigación y el conocimiento, lo cierto es que sintieron el deseo de conocer, aprender e investigar. Lo que se mostraba a sus ojos era desconocido, necesitaban conocerlo obligados por su cerebro humano, la curiosidad innata de nuestra especie no tiene límites, estamos obligados a hacernos preguntas, a contestarlas hasta donde podamos, estamos obligados a investigar, a aprender, a descubrir, a avanzar en el conocimiento, en definitiva a demostrar y buscar pruebas de que lo que creemos es cierto, a crear ciencia. Me importa un rábano si esa característica esencial de nuestra especie fue puesta por lo que unos llaman el dios creador, y otros llamamos simplemente naturaleza. Lo cierto es que está ahí, que no podemos sustraernos a ella, que si no fuera por esa curiosidad innata seguiríamos en el mismo punto que los primeros hombres que hubo sobre la Tierra. Es evidente que tras cada nueva respuesta correcta surge una pregunta nueva, ese es y ha sido el camino seguido por la humanidad, un camino irreversible que nos ha conducido hasta donde en estos momentos estamos, sabremos mucho o sabremos poco, pero no sabríamos nada si no hubiéramos seguido ese camino al que nos obliga nuestro cerebro.

Desde este punto de vista la fábula del "arbolito de la ciencia del bien y del mal" toma una nueva perspectiva. El árbol representaría el conocimiento, la ciencia y sus frutos, la serpiente representa la pregunta, la interrogación surgida en el cerebro de aquellos humanos, y el pecado es sólo el deseo de saber, de aprender, de comprobar, de demostrar lo que se ve, lo que se aprecia, y lo que se intuye. Quizá fuera eso precisamente lo que Yavé quería reprimir. Los que escribieron esa fábula comprendían ya que el conocimiento y la investigación, la ciencia, iría alejando cada vez más al hombre de la estupidez que ellos escribieron, que cada vez el conocimiento iría alejándose más y más de la fe. Eran conscientes de que fe y conocimiento son incompatibles, eran conscientes de que tarde o temprano sus mentiras indemostrables serían descubiertas. Y de ahí surge la denominación de árbol de la ciencia del "bien y del mal". Ciencia del bien cuando esa ciencia esta dominada por la fe, cuando esa ciencia se somete a la fe y trabaja o aboga por ella. Ciencia del mal cuando se aleja de la fe y de la religión, ciencia del mal cuando se descubre que las cosas son neutras en si mismas, que ni tienen nada que ver con Dios ni con la fe. Ciencia del mal cuando se descubre que tras ella ni está Dios, ni se le espera.

Quizá fue eso lo que en realidad el dios Yavé quiso castigar realmente, la curiosidad y deseo de conocimiento de nuestra especie, un deseo al que nos obliga nuestro cerebro humano. Que curioso, el que fue nuestro creador, el que puso en nosotros ese deseo irrenunciable, lo castiga de la forma más atroz y continuada que se pueda imaginar. A lo mejor es que la Biblia no fue escrita por Dios, a lo mejor es que fue escrita por unos hombres, que aunque ignorantes, comprendían ya que tarde o temprano sus mentiras serían descubiertas. Quizá en el Génesis no se trataba de reprimir tanto la sexualidad humana, como el deseo de conocimiento. Aunque después la represión de la sexualidad se haya convertido en el caballo de batalla de la religión cristiana a lo largo de los siglos...

por María Luisa Alba Bustos (Marisa)

Fuente: Génesis 4: Caín y Abel

Artículo Completo: Génesis - Críticas por Marisa

Contra la desaparición de

heideggeriana.com.ar

jacquesderrida.com.ar

El abogado Raúl Alejandro Ochoa, apoderado de la Cámara Argentina del Libro, inició una causa criminal contra el profesor de filosofía Horacio Potel por infracción a la ley 11.723 de propiedad intelctual. Potel es el creador de los sitios Nietzsche en Castellano (www.nietzscheana.com.ar), Heidegger en Castellano (www.heideggeriana.com.ar) y Derrida en Castellano (www.jacquesderrida.com.ar).

Estos sitios ofrecían una completa relación de los textos, vida y obra de los tres filósofos, además de fotos, biografías, comentarios y enlaces. El más antiguo es el de Nietzsche, que cuenta desde su inicio y hasta hoy con más de cuatro millones de visitas. El buscador Google sitúa a los tres sitios entre las primeras respuestas a las búsquedas por nombre de los autores.

Potel tomó conocimiento de la denuncia en su contra gracias a la vista de un agente de policía encargado de establecer su domicilo, en el barrio porteño de Montserrat. "Usted sabrá en qué anda" respondió el agente cuande se le preguntó cuál era el motivo de la averiguación.

La causa lleva el número 57.627 y actúan el juzgado en lo criminal de instrucción Nº 37 y la Fiscalía 49. Los imputados son los sitios sobre Heidegger y Derrida, ya que la investigación preliminar realizada por la Unidad Fiscal de investigación de Delitos Tributarios y Contrabando (UFITCO) estableció –gracias a la lectura de la página web denunciada- que el fallecimiento de Friedrich Whilem Nietzsche ocurrió en el año 1900, superando los 70 años establecidos por la ley para la conservación de los derechos de autor.

Potel enfrenta hoy la posibilidad de sufrir la intervención de su teléfono, sus casillas de correo electrónico (obtenidas por UFITCO gracias a los servicios de la empresa Telexplorer, según consta en el expediente) y el allanamiento de su domicilio. Esto último, con el fundamento de "establecer el lugar físico donde se origina el hecho".

Las páginas Derrida en Castellano y Heidegger en castellano fueron vaciadas de sus contenidos por el propio Potel. Los enlaces que iban a los textos hoy muestran la leyenda "Este sitio ha sido desactivado debido a una acción judicial iniciada por la CÁMARA ARGENTINA DEL LIBRO"

A partir de la publicación de esa leyenda y de una nota informativa en la red social Facebook, la Red empezó a reaccionar. Potel recibe diariamente mensajes de solidaridad de académicos, estudiantes y autores tanto de Argentina como de varios países como Chile, Ecuador, México y España. La mayoría de estos mensajes hacen referencia a la imprescindibilidad de las páginas para el estudio, la investigación y la difusión de las obras de Derrida y Heidegger en países en los que el costo de los libros hace prácticamente imposible su adquisición para miles de estudiantes, además de no estar algunos de ellos disponibles en librerías.

Potel entiende a los sitios como "Bibliotecas públicas on line". "Nunca lucré ni tuve la intención de lucrar con la publicación de las páginas. En 1999 (cuando empecé con el sitio Nietzsche en Castellano) estaba fascinado por las infinitas posibilidades que la red ofrece para el intercambio de conocimientos.Estos sitios son mi mejor obra, y para mí es trágico haber tenido que removerlos. Son el fruto de muchísimo trabajo y fueron totalmente financiados por mí. No entiendo por qué tanta necesidad punitiva por parte de una corporación (se refiere a la CAL) que dice defender la lectura, la educación y la cultura".

La Cámara Argentina del Libro cuenta con el cuestionable antecedente de haber hecho allanar la sede de la Facultad de Filosofía y Letras de la UBA e incluso logró condenar a algunos docentes por hacer que los alumnos fotocopien material bibliográfico. La escena de la policía entrando a Puán es recordada con estupor por muchos miembros de esa comunidad académica.

Fuente: Contra la desaparición de heideggeriana.com.ar y jacquesderrida.com.ar

Mafalda retorna al rioba, San Telmo

2009-09-02T00:43:00.017-04:00

Mafalda regresa a su barrio

24 Mayo, 2009

Era el año 1963 cuando el argentino Joaquín Lavado, en arte Quino, trabajando para una promoción (que nunca se hizo) de una línea de electrodomésticos, creó por primera vez el personaje Mafalda.

El nombre Mafalda, un nombre propio italiano que deriva del portugués Matilde, fue inspirado por la novela "Dar la cara" de David Viñas. Solo años después, cuando ya fue creada la tira cómica que la hizo famosa en Latinoamérica y Europa, algunos amigos de Quino, entre los cuales Miguel Brascó, decidieron relacionar el nombre de la protagonista a la Princesa Mafalda de Savoia.

La historieta de Mafalda está ambientada en un sitio real, en la calle Chile número 371 del barrio de San Telmo, en Buenos Aires; aquí residió Quino cuando la dibujaba. El barrio, que ya es un sitio turístico de por sí, ahora contará con una nueva atracción, de hecho será instalada, justo en la puerta de esta casa donde Mafalda solía sentarse, una estatua suya (se piensa de tamaño normal). Así que ya saben, de ahora en adelante podrán sentarse en el famoso escalón junto a Mafalda y tomarse fotos.

No sabemos si Mafalda logró trabajar como intérprete en la ONU, lo que si sabemos es que sus vecinos están muy contentos con su regreso.

Efectivamente, ya desde hace bastante tiempo, en el barrio Colegiales de Buenos Aires, le han dedicado una plaza, muy bonita por cierto, que también tiene juegos para niños.

Otras curiosidades: El personaje Manolito existe realmente. No ha logrado crear la cadena de supermercados, pero ha tomado el puesto de su padre y es el actual dueño del almacén Don Manolo; lo encuentran en la calle Balcarce 772, a la vuelta de la casa de Mafalda.

Encontramos un mural de Mafalda también en el metro de Buenos Aires: En el pasaje de la estación Perú de la línea A con la estación Catedral de la línea D.

Concluyo diciendo, que en 1982 Carlos Márquez produció la película de animación Mafalda, aunque poco conocida.

Fuente: Viajes.net - Mafalda regresa a su barrio

Mafalda tendrá su escultura en una esquina de San Telmo

Agosto 16, 2009 de Ani

En Chile y Defensa se emplazará la célebre criatura de Quino, sentada en un banco

LA NACION.com 16 de Agosto 2009. – Homenaje / A 45 años de su creación

Susana Reinoso

Con un vestido color verde, ella estará sentada, solita, en un banco de plaza amurado a una vereda recién pintada, en la esquina de Chile y Defensa. Mafalda volverá, el 30 de este mes, a las tres de la tarde, al barrio de San Telmo, donde nació.

A pocos metros del umbral del edificio donde se sentaba a cavilar sobre el mundo y sus circunstancias, la inolvidable criatura de Joaquín Lavado -el reconocido Quino- tendrá su escultura, realizada por el artista Pablo Irrgang, discípulo del maestro Juan Carlos Distefano. La obra es parte de un extenso homenaje a Quino en Buenos Aires.

Del acto de emplazamiento de la escultura participarán, además de Quino, sus amigos Hermenegildo Sábat, Carlos Garaycochea y Rep, y el coordinador general del Programa Puertas del Bicentenario, del gobierno porteño (responsable del homenaje), Carlos Ares.

Además, se descubrirá una placa en Chile 371, que fue domicilio de Quino, con la leyenda: "En esta casa «vivió» Mafalda". Y el historietista recibirá la primera Medalla del Bicentenario, entre las 200 con las que se reconocerá a 200 ciudadanos ejemplares de la ciudad.

Mafalda de Buenos Aires

LA NACION tuvo acceso exclusivo a la escultura, recién salida del molde, y pudo comprobar que, al saltar de las dos dimensiones del papel a la obra tridimensional, Mafalda preservó su identidad, tal y como se la conoce en el mundo. Irrgang dice: "Está hecha en resina epoxi, reforzada con fibra de vidrio. Es muy resistente mecánicamente y los colores están incluidos en el material".

Todo ello fue previsto para hacer frente a los posibles actos de vandalismo. La obra, que mide 0,80 m, no tendrá medidas de protección, para que la gente pueda interactuar con el personaje. La figura estará sujeta al banco de plaza, de tal modo que sólo una topadora podría destruirla, según Irrgang. Y en caso de recibir rayaduras, no se despintaría. "Esperemos que Mafalda despierte buenos sentimientos", dice confiado.

Irrgang mantuvo un fluido intercambio con Quino, que vive en Italia, durante el proceso de creación de la escultura. "Me resultó interesante la idea de que estuviera solita en un banco, cavilando sobre el mundo. De noche, será otro de los chicos que duermen a la intemperie."

El escultor -integrante del colectivo GIB de artistas ( www.colectivogib.com.ar ) releyó las tiras para inspirarse en el diseño de la obra. "Fue divertido, porque mientras leía, me colgaba en las tiras. Hace un mes nos reunimos con Quino para evaluar los últimos detalles. Fue una experiencia muy buena. Quino sabe muy bien lo que quiere. Siempre tuvo en claro cómo tenía que ser la escultura", dice.

Nacida en 1964, Mafalda es reconocida en muchos países, merced a las traducciones de sus libros. Con su sabiduría para radiografiar los problemas del mundo, sus tiras se publican en países tan distantes, como los centroeuropeos, o Japón, Corea y Taiwan. Pronto empezará a editarse en Tailandia e India.

Al recordar anécdotas en relación con las traducciones, el editor de Quino, Daniel Divinsky, de Ediciones De la Flor, dijo a LA NACION: "Hace un tiempo, un editor de Scholastic, que conocía la repercusión de Mafalda, se entusiasmó con publicarla en Estados Unidos. Un año después, me dijo era demasiado sofisticada para los chicos norteamericanos". Sin embargo, en escuelas bilingües de América latina y España, los libros de Mafalda se venden sin pausa.

"Está incorporada al folklore nacional", dice Divinsky. Desde hace 45 años, recuerda, muchos eligen a Mafalda y sus amigos para dar ejemplo de la personalidad de alguien.

Con ese peinado inenarrable y la expresión de perplejidad de quien busca respuestas, la escultura reactualiza las agudas reflexiones de Mafalda y agita la imaginación respecto de lo que diría el día de la inauguración, mientras todos pugnan por fotografiarse con ella.

Fuente: Ainti - Mafalda Tendrá Su Escultura

Mafalda, eterna en San Telmo

30 Agosto, 2009

En la esquina de Chile y Defensa quedó inaugurada la escultura en homenaje a su creador, Joaquín Salvador Lavado, más conocido por Quino

(Télam).- Una escultura de Mafalda sentada en un banco de plaza fue inaugurada hoy en la esquina de Chile y Defensa, a pocos metros del edificio donde vivía su creador, Joaquín Salvador Lavado, más conocido como Quino, y de donde se inspiró para ambientar la historieta más popular.

El genial dibujante fue el gran homenajeado de la ceremonia y se mostró emocionado cuando se descubrió la pequeña escultura de 80 centímetros de vestido verde e inconfundible cabellera, junto a la cual su autor se sentó y le acarició su cabeza, mientras sus admiradores tomaban fotos con cámaras y celulares.

La calle donde de descubrió la obra estuvo desbordada de público, entre vecinos, curiosos, amigos del dibujante, como Hermenegildo Sabat, Caloi, Rep, Daniel Divinsky, autoridades como el ministro de Cultura porteño, Hernán Lombardi, y muchísimos fanáticos, con libros y dibujos en mano, con la esperanza de conseguir una firma del humorista gráfico.

Uno de los discursos mas divertidas corrió por cuenta del dibujante Carlos Garaycochea, quien propuso poner la cara de Mafalda en los billetes, mientras sus fanáticos, aullaron al unísono que sí, a lo que Quino se negó y dijo que en todo caso ese rol sería para Manolito.

Por su parte, Menchi Sabat, brindó unas emotivas palabras, en las que pidió hacer justicia a los "jóvenes rebeldes y consecuentes amigos de Mafalda" que no recibieron su escultura y también habló de Quino como parte de "una generación donde el humor fue perseguido y encarcelado" y "cuando sonreír era una amenaza y reír abiertamente, un peligro".

Poco después de descubrió una placa en la entrada del edificio de la calle Chile 371, con un dibujito de la precoz niña y la frase "Aquí vivió Mafalda", justo donde hace más de 40 años, Quino creó a todos los personajes de la tira, sus padres, Guille, Manolito, Libertad, Felipe, y Susanita.

"El edificio está igual, la verdad no ha cambiado nada, pero el barrio era muy distinto. Mucho más barrio, pasaba el tranvía, era más lindo. Mafalda era de este barrio y no sólo Mafalda, el almacén de Don Manolo lo saqué de una panadería cerca, que era del papá de un amigo", contó Quino, un rato antes.

El dibujante recibió una pequeña escultura de Mafalda, réplica de la que estará sentada en San Telmo y una medalla del Bicentenario, obra del artista Antonio Pujía, la primera de las 200 que se entregarán en el marco del programa Puertas del Bicentenario del gobierno porteño, que organizó el acto.

"Tantas muestra de afecto, de cariño... estoy desgarbado, me han enloquecido. Me emociona mucho. Verme rodeado de todo esto me apabulla muchísimo. Siempre he expresado todo lo que sentido a través del dibujo, a través de la palabra me cuesta más", señaló Quino.

Para el cierre del acto, Quino deslizó su impresión por "dejarla así solita en la esquina" a su Mafalda, flamante escultura realizada por Pablo Irrgang que promete convertirse en destino imperdible para vecinos y turistas que recorran el barrio de San Telmo, cuna de la historieta argentina más famosa en el mundo.

El 29 de septiembre de 1964 debutó oficialmente la historieta "Mafalda" en la revista Primera Plana, aunque el personaje había sido creado un año antes.

En 1965 la historieta pasó al diario El Mundo, y cuando ese medio cerró en 1967 se publicó en la revista "Siete días Ilustrados" hasta el 25 de junio de 1973, cuando dejó de aparecer.

La popularidad de la tira y de sus personajes, que hablaban de la Guerra de Vietnam, la carrera espacial, el asesinato de Kennedy, los derechos humanos, el sexo, la educación, recibió elogios de diversas partes del mundo.

Fuente: LaNacion.com - Mafalda, eterna en San Telmo

Esculturas en palos de fósforos

2009-09-02T00:00:00.006-04:00

Esculturas en palos de fósforos

Cristhían Hernández Mariangel

Fuente: Microesculturas

Manuel Rodríguez 11mm 1998	Pegaso 18mm 1998	Discóbolo 9mm 1997

Eso no es basura, ¡¡es arte!!

2009-08-12T23:34:00.006-04:00

ARTE URBANO

Esculturas inflables con bolsas de basura.

Recuerdo que la primera vez que vi una de estas esculturas fue en un capítulo de CSI NY y me llamó la atención, por eso decidí buscar mas información al respecto. Aunque debo reconocer que si anduviera por la calle y siento que viene el metro, preferiría ver esto

Joshua Allen Harris

El artista de Brooklyn Joshua Allen y sus esculturas de animales inflables hechas con bolsas plásticas de basura en Nueva York, aprovechando las corrientes de aire provocadas por el metro pro las salidas de aire.

STREET ART: JOSHUA ALLEN HARRIS'S INFLATABLE BAG MONSTERS

Arte Callejero: Los monstruos inflables de bolsa de Joshua Allen Harris

THAT'S NOT TRASH, IT'S ART

Eso no es basura, es arte

FARMER'S PET

Granja de Mascotas

AIR BEAR (SEEN ON THE STREETS OF NEW YORK)

Oso de Aire (Visto en las calles de Nueva York)

AIR ZOO (SEEN ON THE STREETS OF NEW YORK)

Zoológico de Aire. (Visto en las calles de Nueva York)

Pinturas En El Borde Exterior Del Libro

2009-06-06T18:24:00.007-04:00

Pinturas En El Borde Exterior Del Libro

Una "Pintura de Borde" es una escena pintada en los bordes de las páginas de los libros de tal manera que la pintura no es visible cuando el libro esta cerrado. Para poder ver la pintura, las hojas del libro deben ser abiertas ligeramente en forma de abanico, exponiendo los bordes de las páginas y, por lo tanto, la pintura.

Variaciones

Pintura Simple: Incluye una pintura en un solo lado del borde de las páginas del libro. Generalmente, una capa dorada o un jaspeado es aplicado por el encuadernador después de que la pintura se ha secado, de manera que la pintura es completamente invisible cuando el libro se cierra.

Pintura Doble: Incluye pinturas en ambos lados del borde de las páginas del libro, de tal manera que, dependiendo de la dirección en que se doblan las páginas, una u otra pintura se hace visible.

Pintura Triple: Es como la Pintura Doble, que además cuenta con una tercera pintura aplicada directamente al borde de las páginas del libro, de manera que es visible cuando el libro esta cerrado.

Otros: Se pueden aplicar pinturas a los bordes superior o inferior de las páginas, de manera que representen pinturas independientes, o que, doblando el libro en forma especial, formen una pintura panorámica.

Historia

Las primeras pinturas de este tipo datan posiblemente del siglo X, estas pinturas eran diseños simbólicos. Las primeras pinturas inglesas, se cree que datan del siglo XIV, presentando diseños heráldicos en dorado u otros colores. El primer ejemplo conocido de una pintura no visible al cerrar el libro data de 1949. La primera pintura fechada y firmada data de 1653: Un escudo de armas familiar pintada en una biblia de 1651. Al rededor de 1750, el motivo de las pinturas cambiaron de simples diseños decorativos o heráldicos, a paisajes, retratos, escenas pornográficas y religiosas, primero monocromáticas, y luego a todo color. En muchos casos, se escogía un motivo relacionado con el contenido del libro, en otros, no. Una vez, el mismo paisaje de New Brunswick fue pintado en una biblia y en una colección de poesía y obras.

La mayoría de los ejemplos de estas pinturas datan a fines del siglo XIX y principios del siglo XX en reproducciones de libros originalmente publicados a principios del siglo XIX. Artistas actualmente expertos en estas pinturas incluyen al artista radicado en el Reino Unido, Martin Frost.

Fuente: Wikipedia: Fore-Edge Painting

Ejemplos

The Inn At Edmonton
Libro: Latin and Italian poems of Milton translated into English verse

Mas ejemplos en:
On The Edge: The Hidden Art of Fore-Edge Painting
Fore-Edge Paintings: The Fore-Edge Paintings Gallery

Comunicado del C.S.O. La Idea frente a los últimos acontecimientos

2009-05-25T19:24:00.003-04:00

Comunicado del C.S.O. La Idea frente a los últimos acontecimientos
C.S.O. La Idea
Lunes 25 de mayo de 2009, por colaborador anonimo

Nosotros y nosotras participamos de la ocupacion llamada “La idea” denunciamos abiertamente lo que sufrimos el dia viernes 22 de mayo.

Cercano a las 13:30 horas cocinando y esperando ver las noticias en television para enterarnos de lo que ocurria, policia de investigacion (PDI), entro en nuestra casa violentamente destruyendo la puerta y desplegando un operativo militar con todo el aparataje tecnologico que tienen a su servicio, equipos swat, rifles con infrarojos ,armamento de guerra y helicopteros, rapidamente nos redujieron contra la pared, esposandonos, apuntandonos con sus armas a nuestros cuerpos sin preguntas previamente, comenzaron a revisar la casa incluido techos y casas vecinas tambien desocupadas, mientras nos tenian en un patio interior donde nos obligaron a mirar la pared para asi no ver lo que hacian a nuestras espaldas.

Luego trataron de indentificar cuales eran nuestros dormitorios respectivamente llevandonos a la fuerza a cada uno de ellos, pero sin que nosostros presenciaramos las cosas que se llevaban de cada lugar, mientras tanto el lugar se llenaba de efectivos vestidos de ropa civil, varios de ellos con maletas negras.

Nuestros cuartos quedaron totalmente destruidos incluso rompiendo el suelo y cavando.

Nos volvieron a dejar de espaldas a la pared. En ese momento empezaron a preguntar sobre supuestos quimicos que encontraron primero : hablaron de que estaban en el cuarto de taller de serigrafia, luego cambiaron a que estaban en el comedor, luego dijieron que estaba en un dormitorio y finalmente dijieron que estaba en la sala de ensayo, todos negamos saber de lo que se acusaba y cuando aseguramos que ellos nos querian “embacayar” esos elementos, se exaltaron y se pusieron violentos incluso patiando a uno de nuestros compañeros, nunca dejamos de afirmar que esta casa cumplia una funcion abierta socialmente y que aqui no se fabricaban artefactos ni menos guardabamos elementos parecidos, siempre sabiendo que esta casa a estado vigilada, pero nosotros firmes en que su funcion son actividades publica, solidarias y autoeducativas.

Luego de 5 horas aproximadamente nos llevaron a oficinas de la BIPE, antes, los policias nos dijieron que teniamos que hacer conteo de nuestras pertenencias de valor (objetos y dinero) , pero nunca vimos documentos , cuando alegabamos que faltaba dinero nuevamente se exaltaban violentamente encarandoles a los compas argentinos que este no era su pais.

Horas mas tarde nos dimos cuenta que el operativo cercaba toda la cuadra y se encontraba la prensa burguesa afuera del lugar, transformandolo asi en el hecho mediatico del dia, los 7 compañeros que nos encontrabamos en la casa esposados y seguidos por vigilancia. En la oficina de la BIPE nos mantuvieron distanciados y desinformados, luego nos desvistieron desnudandonos por completo, sacandonos piercing y cordones de zapatos siempre amenzandonos de que quedabamos detenidos; sin embargo despues de unas horas supimos que en realidad no estabamos detenidos, sino que nos llevaban solo hacer una declaracion voluntaria y firmada ; demas esta decir que no supimos esto hasta que se presento el abogado defensor, luego de esto el trato cambio y pasadas varias horas nos soltaron entregandonos nuestros telefonos, llevandonos por una puerta donde no estaba la prensa. Lo unico que sabemos es que debemos esperar citacion para declarar.

Los 3 compañeros argentinos los mantuvieron unas horas mas haciendoles mas preguntas y llevandolos a extranjeria a revisar su situacion, donde les retuvieron el d.n.i y las visas quedando en calidad de extranjero infractor , yendo a firmar todos los dias hasta que se aclaren los sucesos. Cabe destacar que una compañera afirma que al dia seguiente le hicieron firmar una declaracion diferente a la que ella habia firmado.

Terminando el dia viernes 22 de mayo ya en nuestra casa nos percatamos de las cosas que faltaban : una camara digital de video, una camara digital de fotos, 2 computadores , 2 bicicletas en mal estado , peliculas , cds. , documentales celulares , material escrito , fanzines , libros , y hasta letras de canciones, ropa de todos los habitantes, ademas de dineros en pesos chilenos, argentinos y dolares, rompiendo ademas una alcancia con 60.000 plata que sabemos que no volvera.

Queremos declarar que fue un trato humillante, se entro en el lugar en que vivimos de una forma violenta solo por que es una ocupacion, se nos trato vejatoriamente, y abusivamente, se nos trato de sucios , se critico nuestra forma de vivir y se hizo alucion a la calidad de extranjero de los compas.

En esta casa nunca existio material explosivo, ni tampoco material escrito para su fabricacion, en ninguna parte. Venian niños a diario y el perfil de la casa es obviamnete otra, transita mucha gente pero tambien somos cuidadosos en que lo que ocurre en la casa es decidido en asamblea y cumple un rol social y aspectos cotidianos del dia a dia .

La prensa capitalista miente como siempre lo ha hecho y las okupaciones son un blanco facil, en las declaraciones individuales los habitantes de esta casa afirmamos que Mauricio Morales nunca vivio aqui en la okupa “La Idea” ,como asi lo difunde los medios de comunicacion, y que si visito el lugar, fue en actividades publicas donde muchas personas participan.

La fiscalia nos quiere atacar con pruebas inventadas, denunciamos una vez mas los montajes que estan acostumbrados a realizar. Solidarizamos con los compas que tambien han sufrido hostigamientos policiales, con los compañeros detenidos el viernes por la noche que fueron brutalmente golpiados.

Solidarizamos con la familia y amigos de Mauricio Morales, las ideas de libertad nos hermanan como nos hermanan con muchas personas en todas partes y que actuan de diferentes formas.

Hacemos llamados a la solidaridad internacional para con nosostros y nosotras, que se difundan nuestras voces y que se amplien los actos de apoyo,resistencia y solidaridad contra la realidad que nos ataca nuevamente.

Aqui estamos defendiendo nuestro hogar y espacio, haciendo el llamado de solidaridad.

SALUD

Okupa “La Idea” stgo. $hile.

Fuente: Hommodolars

Las Mil Caras Del Hipercubo

2009-05-19T20:14:00.004-04:00

Las Mil Caras Del Hipercubo

Ya está dicho, si tratamos de buscar alguna falencia de la escena musical chilena, definitivamente no está en la calidad musical de las bandas… pues está claro que en nuestro país el talento y la búsqueda de nuevas sonoridades y estéticas son pan de cada día, lo que definitivamente se agradece. Éste es el caso de nuestro invitados de hoy, un proyecto bastante ambicioso que lleva por nombre Hipercubo, una banda que definitivamente dará que hablar.

Hipercubo es una banda realmente distinta, que combina elementos sumamente opuestos como lo son el metal extremo, el jazz, la música étnica y los elementos visuales, dando vida a un estilo sumamente oscuro y fresco con una estética que podría recordarnos a grupos como Cynic (mentores del metal progresivo), algo que, al menos yo, no había visto en nuestro país.

Si bien es cierto, esta banda debe ser definitivamente interesante de ver en vivo, su lanzamiento oficial ha sido varias veces postergado debido a lo complejo que resulta mantener integrantes que compartan el gusto y la dedicación que pone Sebastián González, guitarrista y fundador de la banda, por mantener funcionando el Hipercubo.

Es por esto que para saber más sobre este interesante proyecto tuvimos la oportunidad de conversar con Sebastián González, el destacado guitarrista de Hipercubo, disfruten.

¿Desde cuándo están tocando juntos?
“Hipercubo es un grupo musical que comenzó aproximadamente en el año 2005. El proyecto nace como una idea totalmente digital mezclando máquinas, baterías electrónicas, samples y guitarras. Después de unos años de haber juntado bastantes ideas musicales y gracias a la buena crítica por parte de colegas y amigos, HiperCubo sale de su fase digital y es en el año 2007 donde se comienza a transformar en una verdadera agrupación con músicos reales. Se integra a la banda Eugenio Grandi (voz), Sergio Carlini (batería), Fernando Daza (samples y visuales) y Pablo Salamanca (guitarra). Estuvimos ensayando durante gran parte del año 2008 y por diferencias de opiniones el grupo decide desarmarse un tiempo, producto de esto Pablo Salamanca y Sergio Carlini abandonan el proyecto. Adicionamos varios otros músicos para el proyecto sin conseguir buenos resultados y por el mismo motivo el proyecto se ha mantenido pausado. Actualmente esto está en una fase de reinventarse y está próximo a reunirse con la agrupación original”.

¿Qué elementos sonoros o estilísticos forman parte del sonido de la banda?
“Nosotros realizamos un trabajo de mixtura de varios estilos musicales como el metal, death metal, fusión jazz, experimental, contemporánea y algunos toques de música étnica nacional, consiguiendo unificar además los criterios entre lo musical y lo visual”.

HipercuboExplícanos un poco a qué se debe el nombre del grupo…
“El nombre Hipercubo es por una gran película del mismo nombre que influyó mucho en la forma de ver algunas cosas en la vida para varios de nosotros en la banda, también es una forma de cómo vemos la estructura de la sociedad humana actual, todos hacinados a unos hipercubos de cuatro dimensiones…. Son varios los motivos por el cual en el hipercubo vemos cosas que cada día nos sorprenden más…”.

¿Cómo ha sido la acogida de la banda de parte del público?
“La acogida del público ha sido muy buena, hemos tenido muy buenas críticas de nuestro trabajo, por parte de amigos, colegas y gente que nos ha apoyado y nos ha escuchado en Internet. Nosotros no alcanzamos a realizar grabaciones como banda, solo existen maquetas de algunas partes de nuestros temas, y algunos videos de una sesiones de ensayo. Nuestra idea es retomar actividades pronto para poder materializar un trabajo completo”.

¿Qué crees que les falta para darse a conocer en el medio?
“Nosotros creemos que no nos faltan muchas cosas, hoy en día es mucho más fácil que antes darse a conocer con algún proyecto o banda musical gracias a los sitios gratuitos de música. Pienso que en nuestro caso el asunto va más por un asunto personal de poder concretar este proyecto y materializarlo como banda”.

¿Cuáles son los planes futuros de la banda?
“Nuestros planes son retomar actividades este fin de año y comenzar a trabajar en nuevas composiciones para poder grabar, sacar nuestro disco y tener presentaciones en vivo”.

Cualquier cosa que se olvide y que quieras decir, éste es el espacio…
“Nuestro sitio de Internet es Patagonia Records donde podrán ver algunos videos de las sesiones de ensayo y escuchar algunos audios. Nuestro mail es patagonia.records@gmail.com”.

Fuente: Hipercubo: Entrevista en Fancymusic

VIDEOS

HIPERCUBO(CHILE)-Harwen parte 1

HIPERCUBO 1

HIPERCUBO 3

HIPERCUBO Solo Sebastián