Karrap's blog

Famous Armenian Painters

2012-04-20T09:35:00.001-07:00

Famous Armenian Painters
Armenian Painters Minas Avetsiyan Martiros Saryan Jean Jansem Arshile Gorky.

Armenian Painters

oblivion

2012-04-12T08:54:00.002-07:00

Astor Piazzolla

2012-04-12T08:41:00.004-07:00

Astor Piazzolla Oblivion

Hovhannes Shiraz Hause-Museum

2012-04-10T07:43:00.001-07:00

Hovhannes Shiraz Hause-Museum

Hovhannes Shiraz

2012-04-10T07:40:00.002-07:00

H. Shiraz

statue of Hovhannes Shiraz in Hovhannes Shiraz House-Museum

it 书

2012-03-22T12:01:00.001-07:00

书

atlanta asbestos lawyers

2012-03-22T11:57:00.001-07:00

Red glory

2012-03-22T11:50:00.001-07:00

sunset from the hell

2012-03-22T11:45:00.001-07:00

palm beach watercolor society

2012-03-22T11:42:00.001-07:00

tree church blue

2012-03-22T11:20:00.001-07:00

Way to heaven

2012-03-22T11:14:00.001-07:00

Macchiaioli Painters

2012-03-20T08:42:00.003-07:00

Macchiaioli Painters
Маккьяйоли (итал. macchiaioli, от macchia — пятно) — группа итальянских художников, сформировавшаяся во Флоренции к началу 1860-х годов

Название было придумано неизвестным журналистом издания «Gazzetta del Popolo» и первоначально несло пренебрежительный оттенок, однако позже стало обозначать свободную манеру письма яркими цветовыми пятнами. В школу маккьяйоли входили живописцы Телемако Синьорини, Одоардо Боррани, Джованни Фаттори, Серафино Де Тиволи,Сильвестро Лега, Джузеппе Аббати, Федерико Дзандоменеги, скульптор Адриано Чечони и другие. Местом встреч художников было флорентийское кафе «Микеланджело», сохранившееся до наших дней. Почти все представители маккьяйоли в прошлом были участниками национально-освободительного движения под руководством Гарибальди. Они противопоставляли застыломуакадемизму и отвлеченной литературности непосредственную связь своего искусства с современностью. Тематика работ маккьяйоли — это эпизоды войны за независимость, портреты её участников, жанровые сцены, пейзажи. Они часто работали напленэре. Для произведений маккьяйоли характерны жизненность, лаконизм, намеренная случайность композиции, а также свободное сочетание сочных цветовых пятен. Маккьяйоли оказали большое влияние на всю итальянскую живопись конца XIX века. К 1880-м годам движение распалось, а ряд членов группы (Дж. Де Ниттис, Ф. Дзандеменеги) обратились к импрессионизму.

Macchiaioli Painters

The Macchiaioli (Italian pronunciation: [makkjaˈjɔːli]) were a group of Italian painters active in Tuscany in the second half of the nineteenth century, who, breaking with the antiquated conventions taught by the Italian academies of art, did much of their painting outdoors in order to capture natural light, shade, and colour. This practice relates the Macchiaioli to the French Impressionists who came to prominence a few years later, although the Macchiaioli pursued somewhat different purposes. The most notable artists of this movement were Giovanni Fattori, Silvestro Lega andTelemaco Signorini.

The movement grew from a small group of artists, many of whom had been revolutionaries in the uprisings of 1848. In the late 1850s, the artists met regularly at the Caffè Michelangiolo in Florence to discuss art and politics. These idealistic young men, dissatisfied with the art of the academies, shared a wish to reinvigorate Italian art by emulating the bold tonal structure they admired in such old masters as Rembrandt, Caravaggio and Tintoretto.They also found inspiration in the paintings of their French contemporaries of the Barbizon school.

They believed that areas of light and shadow, or "macchie" (literally patches or spots) were the chief components of a work of art. The word macchia was commonly used by Italian artists and critics in the nineteenth century to describe the sparkling quality of a drawing or painting, whether due to a sketchy and spontaneous execution or to the harmonious breadth of its overall effect.

In its early years the new movement was ridiculed. A hostile review published on November 3, 1862 in the journal Gazzetta del Popolo marks the first appearance in print of the term Macchiaioli. The term carried several connotations: it mockingly implied that the artists' finished works were no more than sketches, and recalled the phrase "darsi alla macchia", meaning, idiomatically, to hide in the bushes or scrubland. The artists did, in fact, paint much of their work in these wild areas. This sense of the name also identified the artists with outlaws, reflecting the traditionalists' view that new school of artists was working outside the rules of art, according to the strict laws defining artistic expression at the time.

Although the Macchiaioli have often been compared to the Impressionists, they did not go as far as their younger French contemporaries in the pursuit of optical effects:

They declined to divide up their palette into the components of the colour-spectrum, and did not paint blue shadows. This is why their pictures lack the all-penetrating light that eclipses colours and contours and gives rise to the "vibrism" peculiar to Impressionist painting. The independent identity of the individual figures is unimpaired.

The Macchiaioli did not follow Monet's practice of finishing large paintings entirely en plein air, but rather used small sketches painted out-of-doors as the basis for works finished in the studio.

Many of the artists of the Macchiaioli died in penury, only achieving fame towards the end of the 19th century. Today the work of the Macchiaioli is much better known in Italy than elsewhere; much of the work is held, outside the public record, in private collections there.

The Macchiaioli were the subject of an exhibition at the Chiostro del Bramante in Rome, October 11, 2007 – February 24, 2008, and also at the Villa Bardini in Florence, March 19 – June 22, 2008. Another exhibition of the Macchiaioli was held at the Terme Tamerici in Montecatini, Italy, August 12, 2009 – March 18, 2010.

Jackson Pollock Depression

2012-03-20T07:40:00.003-07:00

We want to speak about Jackson Pollock art, life and depression

Jackson Pollock was one of the most influential and controversial painters of the twentieth century. He was an alcoholic with a quick temper and quick fists. He once said: “The problem isn’t painting; it’s what to do when you aren’t painting.” Indeed, his problem was not painting!

Jackson Pollock studied art in California (along with two of his five brothers) He took his studying very seriously and focused for a while on anatomical drawings. He later moved to New York where he worked for several years (1938-1943) for the Federal Arts Project. The FAP was the visual arts arm of the Great Depression Era’s New Deal. Its primary goal was to employ out of work artists. These artists were hired primarily to create art for public spaces. FAP artists are reputed to have created more than 200,000 works of art from posters to murals, some of which stand as the most significant pieces of public art in the USA. Jackson Pollock was one of these artists.

However, Jackson Pollock is best known for his Action Painting. Action painting (also sometimes called Gestural Abstraction) is a technique where paint is spontaneously splashed, dribbled or smeared onto the canvas as opposed to being carefully and mindfully applied with a paintbrush. This style was widespread in the 1950’s and 1960’s and is closely linked with Abstract Expressionism. The term “Action Painting” was coined by American art critic Harold Rosenberg in 1952. This style of painting focuses on art as a process rather than just a finished product. The act of creation itself is the point and not just the painting alone.

In 1945 Jackson Pollock married fellow artist Lee Krasner. They lived together for several years on a small homestead in The Springs near East Hampton. It is possible to visit the Pollock- Krasner House and Studio Center. In the studio you are provided with special padded slippers and you can walk across the paint laden floor, the very spot where many of Jackson Pollock’s masterpieces were created.

Sell Artworks

2012-03-18T17:16:00.003-07:00

Buy Artworks

2012-03-18T17:13:00.001-07:00

Famous Living Painters

2012-03-14T11:38:00.001-07:00

Damien Hirst born in 1965

For the Love of God 2011

Away from the flock(1995)

The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living (1991)

Damien Hirst

Дэ́мьен Стивен Хёрст (англ. Damien Hirst; 7 июня 1965, Бристоль, Великобритания) — английский художник,предприниматель, коллекционер произведений искусства, а также самая знаменитая фигура группы Young British Artists, доминирующая на арт-сцене с 1990-х годов.

По оценкам Sunday Times, Херст является самым богатым живущим художником в мире — на 2010 год его состояние оценивалось в £215 миллионов. В начале своего карьерного пути Дэмьен тесно сотрудничал с известным коллекционеромЧарльзом Саатчи, но нарастающие разногласия привели к разрыву в 2003 году.

Смерть — центральная тема в его работах. Наиболее известная серия художника — Natural History: мертвые животные (включая акулу, овцу и корову) в формальдегиде. Знаковая работа — ''Физическая невозможность смерти в сознании живущего'' (англ. The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living): тигровая акула в аквариуме сформальдегидом. Данная работа стала символом графической работы британского искусства 1990-х и символом Britart во всем мире.

В сентябре 2008 года Херст продал полное собрание Beautiful Inside My Head Forever на аукционе Sotheby’s за £111 миллионов ($198 миллионов), тем самым побив рекорд для аукциона с одним художником.

Дэмиен Херст родился в Бристоле, вырос в Лидсе. Его отец был механиком и продавцом машин, он оставил семью когда Дэмиену было 12. Его мама, Мэри, была художником-любителем . Она быстро потеряла контроль над сыном, которого дважды арестовывали за кражи в магазинах.^[1]. Сначала Дэмиен учился в художественной школе в Лидсе, затем, после двух лет работы на строительных площадках Лондона, попытался поступить в Central Saint Martins College of Art and Design и в какой-то коледж в Уэльсе. В итоге, он был принят в Goldsmith College (1986-89).Биография

В 1980-х Goldsmith College считался новаторским: в отличие от других школ, которые собирали у себя студентов, не сумевших поступить в настоящий колледж, школа Goldsmith привлекала к себе немало талантливых студентов и изобретательных преподавателей. Goldsmith ввела у себя инновационную программу, которая не требовала у студентов умения рисовать или писать красками. За последние тридцать лет подобная модель образования получила широкое распространение во всем мире.

Как студент школы, Херст регулярно посещал морг. Позже он заметит, что многие темы его произведений берут начало именно там.

В июля 1988 году Херст курировал получившую известность выставку Freeze в пустом здании администрации лондонского порта в лондонских доках; на выставке были представлены работы семнадцати студентов школы и его собственное творение - композиция из картонных коробок, раскрашенных малярными латексными красками. Сама выставка Freeze тоже была плодом творчества Херста. Он сам отбирал работы, заказывал каталог и планировал церемонию открытия.Freeze стала стартовой точкой для нескольких художников объединения YBA; кроме того на Херста обратил внимание известный коллекционер и покровитель искусств Чарльз Саатчи.

В 1989 году Херст закончил Goldsmith College. В 1990 году вместе с другом Карлом Фридманом он организовал ещё одну выставку, Gamble, в ангаре, в пустом здании завода Bermondsey. Эту выставку посетил Саатчи: Фридман вспоминает как он стоял с открытым ртом перед инсталляцией Херста под названием Тысяча лет - наглядной демонстрации жизни и смерти. Саатчи приобрел это это творение и предложил Херсту деньги на создание будущих работ.

Таким образом, на деньги Саатчи, в 1991 году была создана Физическая невозможность смерти в сознании живущего, представляющая собой аквариум с тигровой акулой, длина которой достигала 4,3 метра. Работа обошлась Саатчи в 50 000 фунтов. Акула была поймана уполномоченным рыбаком в Австралии и имела цену в 6000 фунтов. В результате, Херст был номинирован на получение премии Тернера, которая была присуждена Гринвиллу Дэйви. Сама акула была продана в декабре 2004 года коллекционеру Стиву Коэну за $12 миллионов (£6 ,5 миллионов).

Первое международное признание Херста пришло к художнику в 1993 году на Биеннале в Венеции. Его работа Разделенные мать и дитя представляла собой части коровы и теленка, помещенные в раздельные аквариумы с формальдегидом. В 1997 году увидела свет автобиография хужлэника I Want To Spend the Rest of My Life Everywhere, with Everyone, One to One, Always, Forever, Now.

Последний по времени проекта Херста, наделавший много шума, представляет собой изображение человеческого черепа в натуральную величину; сам череп скопирован с черепа европейца в возрасте около 35 лет, умершего где-то между 1720 и 1910 годами; зубы в череп вставлены настоящие. Творение инкрустировано 8601 промышленным бриллиантом общим весом в 1100 карат; они покрывают его сплошь, как мостовая. В центре лба черепа располагается большой бледно-розовый бриллиант на 52,4 карата стандартной бриллиантовой огранки. Скульптура называет За любовь Господа и является самой дорогой скульптурой живущего автора - £50 миллионов.

Famous Living Painters

2012-03-14T01:14:00.005-07:00

Jasper Johns born in 1930

Jasper Johns, Map, 1961. Museum of Modern Art New York City.

Flags, maps, targets, stenciled words and numbers were themes used by Johns in the 1960s.

Flag, Encaustic, oil and collage on fabric mounted on plywood,1954-55

Биография

Джаспер Джонс вырос в городке Аллендэйл Южная Каролина и, описывая этот период своей жизни, он сказал, «В месте, где я вырос, не было художников и искусства, я действительно не знал, что это такое». Джонс некоторое время учился живописи в университете Южной Каролины — с 1947 по 1948, в общей сложности три семестра. Затем он переехал в Нью-Йорк, где познакомился с Робертом Раушенбергом, от которого воспринял передовые идеи в современном искусстве. Работая вместе, они осваивали арт-сцену и развивали свои идеи в искусстве. На Джаспера Джонса также оказали влияние идеи Марселя Дюшана. «Велосипедное колесо» и другие редимейды Дюшана стали источником вдохновения для серии предметов, отлитых в бронзе, которую художник создал в конце 1950-х — начале 1960-х годов. В 1958 владелец галереи Лео Кастеллиоткрыл для себя Джонса во время визита в студию Раушенберга.

Творчество

Наиболее значительными произведениями Джаспера Джонса принято считать серию его ранних живописных работ, созданную во второй половине 1950-х годов. Наиболее известная работа Джаспера Джонса Флаг (1954-55), которую он нарисовал после сна об американском флаге. Его работу порой относят к нео-дадаизму, а не поп-арту, несмотря на то, что он часто использует образы массовой культуры. Ранние работы созданы с использованием таких простых образов, как флаги, карты, мишени, буквы и цифры. Трактовка поверхности часто сочная и живописная. Художник часто включает энкаустику и рельеф в свою живопись. Скульптуры Джаспера Джонса представляют собой отлитые в бронзе обыденные предметы, например электрический фонарик, лампочку или зубную щетку. Одно из наиболее известных произведений Джаспера Джонса — две бронзовые банки из-под пива.

В 1998 Музей Метрополитен в Нью-Йорке заплатил более 20 миллионов долларов за Белый флаг Джонса.

В данное время Джаспер Джонс проживает в Коннектикуте и является самым дорогим здравствующим художником

Your Favorite Armenian Painter

2012-03-12T06:26:00.001-07:00

????????????????????????

Famous Armenian Painters

2012-03-12T06:03:00.001-07:00

Minas Avertisyan

Martiros Saryan

Jean Jansem

Ashot Hovhannisyan

Arshile Gorky

Ivan Ayvazovski (Hovhannes Ayvazyan)

Jean Carzou

Crazy Pilos

2012-01-18T11:55:00.000-08:00

colours forever

2012-01-18T11:53:00.000-08:00

fineart.am

2012-01-18T11:46:00.000-08:00

P Graphic works v1

2012-01-18T11:43:00.000-08:00

Art disorder

2012-01-18T11:34:00.000-08:00