Zwei Mädchen, die kichernd nackt einen Hügel hinunterrollen, und das Gesicht des Jungen, der sie dabei beobachtet, in Edgar Reitz‘ Die andere Heimat.

Spaghettisauce in Mundwinkeln in Blau ist eine warme Farbe.

Die Britney Spears Piano Hommage Szene in Spring Breakers.
http://www.youtube.com/watch?v=kD8hbg67u5c

„I don’t see a lot of money here.“ (Inside Llewyn Davis)

Das Ende von Captain Philipps. „It’s not my blood.“

Selbstzerstörung I: Blue Jasmine.

Gravity, bzw. die völlige Abwesenheit selbiger im ersten überzeugenden 3D-Film seit Avatar.

Daisy und die wehenden Vorhänge in The Great Gatsby.

Die konsequent durchgehaltene Kinderperspektive in What Maisie Knew (Das Glück der großen Dinge).

Manche Szenen will man lieber vergessen. Mit der Folterszene aus Only God Forgives gelingt mir das nicht.

Nicole Kidman in The Paperboy (den ich dem anderen Lee-Daniels-Film dieses Jahres, The Butler, sehr vorziehe).

„The floor can carry your weight now.“ (Upstream Color)

Dass ein Teeniefilm wie Beautiful Creatures Henry Miller, Salinger, Bukowski und Burroughs in die Vorstellungswelt seines Publikums schmuggelt.

Take this Waltz: eine Montage, die einmal nicht die alte Liebe schematisiert, sonden zeigt, wie schnell auch die neue schal werden kann.

Die Fotostudio-Szene in The Master. Selbstzerstörung II, aber natürlich ganz anders als bei Woody Allen.

Before Midnight: Ob sie streiten, sich lieben, philosophieren oder in einer Kirche Blow-Job-Witze erzählen. Von mir aus können Jesse und Celine auch den Abwasch machen – ich würde zusehen.

Eine Bärenfalle, eine Säge, eine Flasche Whisky und ein Stück Holz zwischen den Zähnen: Amputation, Berliner-Schule-Style in Gold.

„If you’re happy and you know it clap your fat!“ (Paradies: Hoffnung)

Die vielen kleinen Mini-Pianos im Nachspann von Behind the Candelabra (Liberace – zuviel des Guten ist wundervoll).

The Story of Film entfacht zudem eine unbändige Lust, die besprochenen Filme zu besorgen, entweder um lange klaffende Bildungslücken zu schließen, oder um sie noch einmal zu sehen, weil man hier wieder an ihre Großartigkeit erinnert worden ist. Einiges habe ich deshalb auf DVD/Blu-Ray gekauft, anderes habe ich längst in der Sammlung und rückte es im Regal auf einen besseren Platz.  

Aber so sehr die heimische Filmsammlung wichtig bleibt, umso mehr spielen Streamingdienste eine Rolle. Ich habe den weltgrößten und maßgeblichen, Netflix, mittels The Story of Film auf sein filmhistorisches Gedächtnis getestet und dazu eine Liste auf Letterboxd.com angelegt: Wie viele der in Cousins‘ Dokumentation erwähnten Werke sind dort zu finden? Die Antwort ist sehr ernüchternd: ganze 45 von 497, also 9,05 Prozent (gerechterweise muss man sagen, dass einige der Filme, vor allem aus der Kinofrühzeit, nur minutenlange Kurzfilme sind). Das liegt nicht daran, dass Cousins‘ Auswahl besonders ausgefallen wäre (das ist sie nicht, auch wenn sein Blick wesentlich breiter und internationaler ist als in herkömmlichen Filmgeschichten). Netflix hat durchaus fast alle Filme, aber die weitaus meisten nur als DVD, nicht bei Netflix Instant. Auf dem Weg zu einem Online-Filmarchiv sind wir also noch nicht so weit gekommen, wie ich gedacht hätte. Bei manchem hilft natürlich Youtube, und dabei besonders die Film-Suchmaschine Pegleg, aber sehr zuverlässig ist dieser Weg natürlich nicht. 

In diesem sehr ansehenswerten Interview spricht Mark Cousins über The Story of Film und seine Motivation, dafür um die Welt zu reisen, mit einer Kamera im Rucksack (welch traumhafte Vorstellung: um die Welt reisen und berühmte Filmregisseure interviewen!). Er sagt, dass er vor allem den Kanon erweitern wollte: Bisher sei Filmgeschichte oft „racist und unfair to women directors“ gewesen, also sehr zentriert auf weiße Männer. Er spricht auch davon, dass viele Filmliebhaber schlicht nichts über das Kino jenseits von Europa und den USA wissen. Viele blinde Flecken. Cousins dagegen nimmt sich Zeit für das afrikanische Kino, und auch das indische, und hat mir damit endlich zu der Erkenntnis verholfen, dass Indien nicht stets Bollywood ist. Erst kürzlich hatte ich ja nach einigen Kinobesuchen in Indien davon berichtet, wie merkwürdig die Bollywood-Phantasiewelt ist, wenn man in Jaipur auf der Straße steht. Von Pather Panchali (1955), einem enthusiastisch, mit viel Liebe von Cousins beschriebenen Film, besorgte ich mir jetzt gleich die DVD, einen schönen Satyajit-Ray-Dreierpack von Artificial Eye (Pather Panchali gehört übrigens auch zu jenen Filmen, die in voller Länge über Pegleg zu finden sind.). Er hat mich jetzt endgültig dazu gebracht, in die indische Filmgeschichte einzutauchen. An meiner vorherigen Blindheit hat auch Netflix nichts ändern können.

Eins der ersten Bilder von Beautiful Creatures (IMDB-Link) zeigt den Ich-Erzähler Ethan mit der Nase in Kurt Vonneguts Slaughterhouse-5. In Ethans Zimmer sieht man später noch weitere Bücher, nicht irgendwelche, sondern eine Art Best-Of einst (meist wegen des Vorwurfs vulgärer Spracher oder der Obszönität) verbotener Werke: Henry Millers Tropic of Cancer, J.D. Salingers Catcher in the Rye, Naked Lunch von William S. Burroughs. Dann ist noch von Harper Lees To Kill a Mockingbird die Rede und viel von Charles Bukowski, genauer gesagt von dessen Gedichtsammlung You Get So Alone Sometimes That It Just Makes Sense. Es ist, als holte Ethan sich seine Buch-Tipps aus Gerichtsakten statt aus dem Feuilleton. Und Lena, die geheimnisvolle Neue an der Schule, sammelt Gedichte, die sie in einer Szene an den Wänden ihres Mädchenzimmers aus dem Nichts auftauchen lässt (denn Lena ist eine Hexe, auch wenn sie dieses Wort nicht so gerne hört, sie bevorzugt die Bezeichnung Caster.).

Dass dies der Kanon eines in der amerikanischen Provinz heranwachsenden Jungen sein soll, ist natürlich extrem unglaubwürdig (immerhin: er kommt aus einer family of letters), aber dennoch eine schöne Vorstellung. Noch unwahrscheinlicher: Ein Provinzkino, das zwar, wie wir am Anfang erfahren, immer alle Filmtitel falsch schreibt, aber dennoch Gilda (1946) zeigt, den Film, in dem Rita Hayworth nur ihre Handschuhe auszieht, man aber glaubt, einem waschechten Striptease zugeschaut zu haben, die angebliche Existenz eines solchen Kinos in der heutigen Zeit ist freilich ebenso unglaubwürdig. Aber darum geht es nicht. Die Gilda-Referenz wird vielmehr kühn für eine Verführungsszene verwendet, die sogar kurzzeitig schwarzweiß daherkommt, in einer Seitengasse neben dem Kinogebäude, dort macht eine Hexe mit Femme-Fatale-Zügen sich einen schwachen Mann gefügig. Ach so, Jane Austen wird auch einmal erwähnt, in einem ziemlich pfiffigen One-Liner Lenas.

Man kann nun einen Film, der intellektuell tut und intellektuell posierende Teenager bei der ersten Liebe zeigt, durchaus für doof halten, für angeberisch. Aber warum sollte man? Ethans nonkonformistische Literaturauswahl ist Spiegelbild seines unbedingten Willens, das bornierte Südstaaten-Provinznest zu verlassen, in dem er aufwächst. Ob die Zielgruppe allerdings die Aufforderung zum Ungehorsam, die in den literarischen Verweisen verborgen liegt, entziffern kann, weiß ich nicht. Ein Anstoß für das ein oder andere Leseabenteuer sollte aber schon drin sein. 

Die Vorliebe für Literatur (die, wie ich höre, auch schon in den Romanvorlagen von Kami Garcia und Margaret Stohl vorhanden ist) ist eins der Dinge, die diese Jugendfilmserie vom Vorbild der Twilight-Filme abhebt, weshalb Beautiful Creatures verdient hat, nicht bloß als der Film in Erinnerung zu bleiben, der besser ist als Twilight. Jeremy Irons und Emma Thompson reichern die junge Darstellerriege mit viel Spielfreude an, besonders Thompson macht die Hexerei offenbar richtig Spaß. Und der Film ist übrigens auch lustig. Ethan (Alden Ehrenreich) und Lena (Alice Englert) müssen sich nicht immer nur schmachtend ansehen, sondern liefern sich Wortgefechte unterhaltsamster Art, manchmal sogar etwas schmutzig: Als Ethan aus Angst vor Entdeckung aus Lenas Zimmer fliehen muss, lässt sie kurzerhand die Pflanzen an der Hausfassade emporklettern. Und Ethan, während er aus dem Fenster steigt, fragt beeindruckt: „Kannst du alles so wachsen lassen?“

An der Stelle bekam ich im Kino einen Lachanfall. Ethan hat seinen Henry Miller offenbar wirklich sehr aufmerksam gelesen.

(seit 4. April 2013 im Kino)

Der Film kam am Tag unserer Ankunft in Mumbai ins Kino. Zu den damaligen Anschlagsorten gehörte auch unser Hotel, das Taj Mahal Palace. Ebenso ein Bahnhof, ein Krankenhaus und das Café Leopold, wo wir gleich zu Beginn unseres Aufenthaltes einkehrten (okayer Masala Sandwich, der Kellner vergaß die mit dringlicher Bitte bestellte Literflasche Wasser). In der örtlichen Presse kommt der Film nicht gut weg. Ich konnte drei Zeitungen mit aktuellen Filmkritiken ausfindig machen, alle drei veröffentlichten Verrisse, jeweils ausdrücklich bedauernd, dass Regisseur RG Varma schon wieder nicht zu alter Form zurückgefunden hat.

The Attacks of 26/11 ist in der Tat ein schrecklicher Film. Gleichwohl hatte ich den Eindruck, das er das Publikum ergriff. Wir gingen am dritten Tag hinein, als die Mundpropaganda schon Wirkung zeigen konnte, und die 15.30-Vorstellung an einem Sonntag war sehr ordentlich gefüllt. Ich sprach mit einem jungen Inder, der mit seiner Freundin dort war. Ihm hatte ein Freund empfohlen, in den Film zu gehen, jeder Einwohner Mumbais müsse ihn sehen, auch wenn es weh tue. Ich fragte ihn, vor allem aber wohl mich selbst, ob man die Nachstellung dieser schrecklichen Ereignisse wirklich noch einmal erleben will. „We can never forget“, sagte er nur.

Aber wie kann ein Film wie dieser bei der Bewältigung des Traumas helfen? Er ist ultra-brutal und folgerichtig ab 18 freigegeben (was die Drei-Generationen-Familie, die in unserer Reihe saß, nicht davon abhielt ein Kind mitzubringen, das zum Zeitpunkt der Terroranschläge bestenfalls gerade geboren war – und das auch bei durchschnittenen Kehlen und aufplatzenden Köpfen keinen Mucks von sich gab). An mehreren Anschlagsorten wird auf die immer gleiche Weise erzählt: Unschuldige künftige Opfer werden visuell etabliert, dann beginnt die Schießerei, oft in Zeitlupe, die hassverzerrten Gesichter der Terroristen, einzelne, vergebliche Versuche polizeilicher Heldentaten. Die Szene in der Lobby des Taj Mahal Hotels ist mit seinen lachenden und freundlichen Menschen, seinen stets hilfsbereiten Sari-Damen an der Rezeption gedreht wie ein Werbevideo des Hotels, nicht wie ein Film über das schreckliche Massaker, das sich Sekunden später dort ereignete.

Als die Lobby dann voller Leichen liegt, hört man das Schreien eines kleinen Kindes. Eine Hotelangestellte, die es retten will, wird erschossen. Das Schreien erstirbt dann wenig später, als off-camera ein letzter Schuss abgefeuert wird. Das Kind muss Lucy gewesen sein, der letzte Name, und der einzige ohne Familienname, auf dem Gedenkstein für die 32 Todesopfer im Hotel, heute eingraviert in einem Innenhof neben dem Frühstückssaal.

Wenn Bollywoodgetöse in einem Film einmal wirklich unpassend ist, dann in diesem. Alle Register des Actionkinos werden gezogen, der realistische Anspruch, der behauptet wird, ist andauernd durch die Anrufung bekannter visueller Muster unterbrochen. Der aufdringliche Einsatz der Musik dient nur dazu, das durch die Bilder ausgelöste Gefühl zu verstärken, als sehe man der Verfilmung eines x-beliebigen Drehbuchs zu. Und obwohl der Vorspann behauptet, man stelle keine Religion über die andere, sind doch an mehreren Stellen Abbildungen von Hindu-Gottheiten im Vordergrund ins Bild gerückt, während im Hintergrund die (von Muslimen begangenen) Verbrechen stattfinden. Der Gedanke an unterschwellige Propaganda muss nicht zutreffend sein, aber er liegt nicht sehr fern, wenn man diese Einstellungen sieht.

Ganz ähnlich wie im Hotel laufen auch die Szenen im Bahnhof, im Krankenhaus und ganz zu Beginn im Café Leopold ab. Im zweiten Teil steht der Polizeichef im Vordergrund. Seine Aussage vor einem Untersuchungsausschuss (in einem Raum mit einem riesigen Gandhi-Bild an der Wand) bildete bereits von Anfang an die Struktur des in Rückblenden erzählten Films. Nun wird der einzige überlebende Attentäter mit den Leichen seiner neun Mittäter konfrontiert, worauf er theatralisch zusammenbricht. Der Polizeichef, die einzige wirklich entwickelte Figur des ganzen Films, tritt dem auf dem Boden kauernden Mann in den Hintern. Dann hält er einen längeren Monolog über die wahren, friedlichen Ziele des Islam (der Film lief auf Hindi ohne Untertitel, deshalb weiß ich das nur über Dritte).

Hier verändert sich das Verhalten des Publikums. Bisher war es, für eine indische Kinovorstellung, sehr ruhig im Saal gewesen, und ich bin mir ziemlich sicher, in den Gesichtern der Zuschauer um uns herum Schock und Ergriffenheit gesehen zu haben. Hin und wieder gab es aus einigen Ecken Gelächter, wenn die Polizei ins Bild kam, vermutlich ist das als Kritik an deren offensichtlicher Überforderung zu verstehen. Jetzt aber, mit dem überlebenden Terroristen am Boden, läuft eine Woge der Genugtuung, gemischt mit Erleichterung, durch den Saal. Es wird geklatscht, vereinzelt gibt es auch Zwischenrufe, wenn das zu einer Fratze verzerrte Gesicht des Mannes ins Bild kommt. Vielleicht is es das, was für die Zuschauer in Mumbai funktioniert: zuerst die Wiederholung, quasi wörtlich, mit den gewohnten, bekannten Mustern des Unterhaltungskinos erzählt, aber dieses Mal nicht zum Vergnügen, sondern zur Qual. Und dann Genugtuung, vielleicht auch Rache, mit der täuschenden Augenzeugenschaft des modernen Zeitalters, dem Kino. Ajmal Qasab, so heißt der Terrorist, wurde erst Ende vergangenen Jahres hingerichtet, rechtzeitig genug also, um diese Szene noch in den Film aufzunehmen. Als der Henker ihm die Schlinge um den Hals legt, ist es im Kino vollkommen still.

Nach dem Film gingen wir noch einmal ins Leopold’s, auf ein paar Bier und um uns zu fragen, was dieser Film wohl bezwecken wollte. Zwischen den Tischen lief ein Kind mit einer Spielzeugpistole herum. An diesem Ort, in diesem Moment, war das ein sehr verstörender Anblick.

„There is nothing like Raj Mandir anywhere in the world. It is not a cinema, it is a tourist attraction.“ Die Worte von B. R. Chopra, gemeinsam mit den Huldigungen anderer indischer Regisseure eingraviert auf einen leuchtenden Tisch, auf dem eine mit frischen Blumen gefüllte Vase steht, sind ganz offensichtlich wahr: Der Tisch selbst ist umgeben von fotografierenden Touristen, indischen wie europäischen. Das Raj Mandir in Jaipur (Rajastan), eröffnet in den 1970er Jahren, 1133 Plätze, ist in der Tat ein Erlebnis, ganz sicher das schönste Kino, das ich je gesehen habe. Es ist die dinggewordene Hybris des Bollywoodkinos: von allem zu viel, in eine schöne Form gegossen.

Die asymmetrische Fassade wirkt auf den ersten Blick wie ein Betonungetüm, steckt auf den zweiten mit seinen manchmal harten, manchmal geschwungenen Linien aber voller bemerkenswerter Details. Im Foyer steht eine Nachbildung des Gebäudes, zur Schau gestellt in einer Vitrine, geschmückt mit einer Miniaturversion des Filmplakats des Eröffnungstages: Charas (1976). Wenn man durch den eher unscheinbaren Eingang in das Foyer gelangt, wird man überrascht von der Weite, die sich plötzlich auftut. An der Decke hängen Kronleuchter, rechts geht eine geschwungene Treppe zu einer Empore hinauf, die auf ihrer hinteren Seite über eine Rampe zurückgeführt wird. In der Mitte des Raumes steht der blumengeschmückte Leuchttisch mit den Zitaten indischer Regisseure, an den geschwungenen Wänden sind lounge-artige Sitzgelegenheiten angeordnet, überall verteilt Verzierungen im Art-Deco-Stil, aber mit Wucht.

Ich bin in einer 18.30-Uhr-Vorstellung. Das Foyer füllt sich schnell, etwa ein Viertel der Gäste sind westliche Touristen, aber auch die Inder fotografieren sich fleißig gegenseitig. Im Saal setze ich mich möglichst weit nach vorne, in der Hoffnung, dort mehr reguläre Kinobesucher anzutreffen (Tickets kosten 70, 100 oder 200 Rupien – ein Euro, ein Euro vierzig oder zwei Euro achtzig). Das Kino ist zur Hälfte leer, das Publikum sitzt dennoch brav durchnummeriert auf zugewiesenen Plätzen. Als ich mich in eine sonst leere Reihe setze, will der Platzanweiser mein Ticket sehen, lässt mich dann aber gewähren.

Es läuft Special 26 (Special Chabbis, 2013) von Neeraj Pandey, ein Film, der in der IMDB immerhin acht Sterne erhalten hat. Auf Hindi, ohne Untertitel. Es geht um eine Gruppe schnauzbarttragender Männer, die sich als Steuerfahnder ausgeben und bei aufwändig gedrehten, vorgetäuschten Razzien Geschäftsleute ausnehmen. Ein ebenfalls schnauzbart tragender Polizist kommt ihnen auf die Schliche, stellt ihnen eine Falle, zieht am Schluss aber den Kürzeren. Das Ganze ist auf eine Art inszeniert, die man wohl „flott“ nennen muss, mit Splitscreens, schnellen Ortswechseln und vorwärtstreibender, perkussionslastiger, aber auch sehr redundanter Musik. Am meisten im Gedächtnis bleibt mir ein immer wiederkehrendes Motiv: entschlossen dreinblickende Männer, die schnellen Schritts auf die sich rückwärts bewegende Kamera zugehen.

Wie in einem indischen Kino nicht anders zu erwarten, geht das Publikum mit. Die jungen Männer in der Reihe vor mir lachen viel und pfeifen auf zwei Fingern; man unterhält sich während des Films, und die Aufforderung, das Mobiltelefon nicht zu benutzen, wird kollektiv ignoriert. Einer steht immerhin auf und verlässt den Saal, als er angerufen wird. Kleine Kinder schreien und werden von ihren Müttern hinausgebracht. Die einzige Song-and-Dance-Szene des Films nimmt jemand vor mir mit einer Kleinbildkamera auf, noch eine Reihe davor tut ein Blackberry dasselbe.

In der Pause wird die Beleuchtung des Saals grün.

Eine deutsche Touristin, mit der ich mich in der Pause unterhalte, erzählt von ihrem ersten Indienaufenthalt vor zwanzig Jahren. Damals sei in den Kinos mehr los gewesen, dies hier, heute im Raj Mandir, sei harmlos. Ich nicke beeindruckt.

An den wenigen Bollywoodfilmen, die ich gesehen habe, störte mich meist ihre schiere Länge und schmalzige Handlung. Jetzt stört mich daran vor allem, wie sehr diese Filme die Realität des Landes ausblenden, in dem sie entstehen. Die Handlung mag noch so ambitioniert sein und den Konflikt mit Pakistan oder die Verkommenheit der Bürokratie zum Thema haben, oder sich einer menschenfreundlichen Wir-sind-alle-Brüder-Philosophie bemächtigen (Swades, 2004): Nirgendwo sieht man das, was man auf indischen Straßen jederzeit sieht: extreme Armut und extreme Verschmutzung. Auf dem Weg zum Kino sah ich einen Mann am Straßenrand liegen, regungslos, Lumpen am Körper, eine Wolke aus Uringeruch, eine zweite aus Fliegen. Kühe stehen oft auf einem Abfallhaufen und suchen nach Essbarem, wenn ihnen gerade niemand eine Tüte Gras (keinerlei Wortspiel beabsichtigt) spendiert. Ich bin natürlich nach dem bisschen Herumreiserei hier kein Indienexperte, sondern genau so ein ignoranter Tourist wie alle anderen auch, und es liegt mir fern, Elendsschwärmerei zu betreiben. Aber diese Dinge sind über-offensichtlich. Gibt es eigentlich keinen indischen (Neo)Realismus? Und wenn nein: warum nicht? Oder kenne ich diese Filme bloß nicht? Und wenn das so ist: warum? Über Hinweise von kundiger Seite wäre ich sehr dankbar.

Bei Special 26 fällt mir das nun wegen der zweitweiligen räumlichen Nähe besonders auf. Die Straßen in Delhi, auf denen die schnauzbarttragenden Con-Männer unterwegs sind, sind dieselben, die ich vor wenigen Tagen gesehen habe. An ihren Rändern leben ganze Familien in Zelten aus Plastikfolie und Pappe. Der Film spielt 1987, aber ich glaube nicht, dass dies der Grund für die systematische Ausblendung der hiesigen Realität ist. Eine kurze Szene spielt in Delhis Altstadt, vor der Jamma Moschee. Sie muss in aller Herrgottsfrühe gedreht worden sein, und selbst dann wirkt die Straße unnatürlich leer und leise. Bollywood ist ein potemkinsches Dorf. Am Connaught Place das gleiche, geisterhafte Bild. Die Verfolgungsszene dort, das muss auch gesagt werden, ist allerdings ziemlich spektakulär. Der reale Verkehr von Delhi eignet sich wohl nicht für Verfolgungsjagden. Die wären schon nach wenigen Metern zu Ende.

Special 26 endet dann mit dem blamierten Polizisten, eine Szene, die lange ausgekostet wird und für viel Hallo im Publikum sorgt. Viele der westlichen Touristen sind bis dahin schon gegangen. Die meisten aber sind die ganzen zweieinhalb Stunden geblieben – was ja dann irgendwie doch für Bollywood spricht.

(mehr Fotos und ein Video nach dem Klick)

Zum zweiten Mal hintereinander sind alle Nominierten bereits vor der Oscar-Verleihung in Deutschland zu sehen, Le Mis folgt mit seinem heutigen Kinostart als letzter. Das ist eine unbedingt erfreuliche Entwicklung – früher musste man den Filmen immer hinterherlesen, und in der Prä-Internet-Zeit war das bekanntermaßen sehr schwierig. Schade ist allerdings, dass die Zuschauer diese Möglichkeit kaum nutzen: Außer Django Unchained und Life of Pi ist kein Kassenerfolg darunter. Offenbar ist die große Zahl der Nominierten daran schuld, „weil die Aufmerksamkeit auf zu viele Filme verteilt ist und damit unwirksam wurde„. Seit 2010 können bis zu zehn Filme nominiert werden, davor waren es fünf. Andererseits schaffen es auf diese Weise auch Produktionen in die Best-Picture-Kategorie, die früher ignoriert worden wären: Beasts of the Southern Wild gehört in diesem Jahr dazu, davor waren es der großartige Winter’s Bone oder der Animationsfilm Oben.

Amour:

Der beste Film unter den neun, mit natürlich null Chancen, zu gewinnen. Michael Hanekes Ballade über das Alter und den Tod (in einem Film, der dennoch „Liebe“ heißt!) dürfte der einzige der Nominierten sein, der auch in Jahrzehnten noch Bestand hat.

Argo:

Unterhaltungskino mit Anspruch, in der Oscar-Season mit zahlreichen Preisen überhäuft und deshalb Favorit. Es gibt über diesen Film nichts schlechtes zu sagen.

Beasts of the Southern Wild:

Über diesen Film schon eher: Ich mochte ihn sehr (wenn auch nicht ganz so sehr wie ich erwartet hatte), viele Leute hassen ihn. Die impressionistische, strikt aus der Sicht eines Kindes gefilmte (die Kamera ist meist in der Hüfthöhe der Erwachsenen) Geschichte ist aber, das müssen auch die Kritiker zugestehen, ein originelles Debütwerk.

Django Unchained:

Der neue Tarantino ist wie erwartet großartig, wenn auch nicht ganz so großartig wie der Vorgänger Inglorious Basterds. Und Christoph Waltz ist auch wieder toll, sollte aber dieselbe Masche nicht noch ein drittes Mal durchziehen.

Le Misérables:

Mir ist klar, dass man Musicals mögen muss, um sich in diesem Film wohlzufühlen. Warum ihm aber so viel an Hass grenzende Ablehnung entgegenschlägt, ist mir schleierhaft. Mir gefällt der Film sehr. Ich wollte eigentlich näher erläutern, warum, hatte aber keine Zeit für einen längeren Text. Man möge mir also bitte einfach glauben.

Life of Pi:

Beim neuen Ang Lee war ich angesichts des Trailers sehr misstrauisch, ja, in keinen der Filme dieser Aufzählung bin ich mit so viel Skepsis gegangen wie in diesen. Statt der erwarteten spirituellen Überdosis Esoterik habe ich aber einen mitreißenden Film gesehen, der aus seiner eigentlich unmöglichen Erzählsituation das Allerbeste herausholt. Und das Ende versöhnte sogar mein Agnostikerherz.

Lincoln:

West Wing in Zeitlupe. Auch hier ein Meister am Werk: eigentlich unmögliche Erzählsituation – es geht um die Durchsetzung eines Gesetzes – mit großtmöglicher Spannung und Geschicklichkeit umgesetzt. Spielberg setzt dazu auf schauspielerische Kabinettstückchen und pathetische Reden direkt aus der Gerichtsdrama-Tradidion des amerikanischen Films. Funktioniert alles wunderbar.

Silver Linings Playbook:

Nicht nur als bester Film nominiert, sondern auch in allen vier Schauspielerkategorien – etwas, das sehr selten vorkommt. Dazu gehört ein glänzend agierender Robert de Niro, der zum ersten Mal seit Jahren in einem wirklich guten Film mitspielt. Silver Linings Playbook kommt sehr nah an das, was man als Sophisticated Comedy bezeichnen und stets in einer glorreichen Hollywood-Vergangenheit verortet. Verliert auch nach der zweiten Sichtung nichts. Mein Favorit, wenngleich ich eher auf Lincoln oder Argo als Gewinner tippe.

Zero Dark Thirty

Der wichtigste Film dieses Oscar-Jahrgangs. An der Kinokasse in Deutschland erwartungsgemäß ziemlich untergegangen, in den USA mit einer Pro-Contra-Folter-Diskussion zerredet. Spannendes, politisch relevantes Actionkino. Wird natürlich nicht gewinnen.

Trailer aller neun Nominierten:

Die Oscar-Show Sonntagnacht werde ich leider nicht sehen können (bin im Urlaub), aber irgendwo in Indien wird mich die Nachricht vom Gewinner erreichen. Deshalb gebe ich dieses Jahr auch keinen Tipp ab.

„I won’t be satisfied until people want to hear me sing without looking at me.“

„Men do not see me. They just lay their eyes on me.“

(Marilyn Monroe, 1. 6.1926 – 5.8.1962)

„We’re going to see Peggy Martin.“ – „Who is Peggy Martin?“ – „She is the new darling of Burlesque.“ – „Burlesque?“ – „Yeah, have you ever seen one?“ – „I can’t say I have.“ – „Oh, you haven’t lived!“ (Ladies of the Chorus, 1948. Marilyns erste Hauptrolle) 

Love Happy (1949), ein Marx-Brothers-Film. Man achte auf den Dampfstoß, der aus der Pfeife austritt.

Love Nest (1951): Der besorgte Blick der Ehefrau (June Haver) auf die Sexbombe in der Nachbarschaft. Marilyns Nebenrolle ist nicht die eines Showgirls, aber mit lasziver Musik und einer Auskleide-Szene wird sie deutlich als Männertraum inszeniert. 

We’re Not Married (1952), Marilyn beim Schönheitswettbewerb: „Like her?“ – „Well, that’s really something!“ – „My wife.“ – „Oh, beg your pardon.“ – „Well, it’s all right. Keep looking!“ – „Much obliged!“  

Don’t Bother to Knock, 1952 –  Ein Ausnahmefilm im Werk Marilyns, die hier keine Verführerin spielt, sondern eine recht ernsthafte Rolle verkörpert. Die Orchestrierung der (männlichen) Zuschauergruppe ist ganz ähnlich wie in zahlreichen späteren Filmen, aber die Blicke ruhen nicht fasziniert-lüstern auf einer Sängerin im offenherzigen Kleid, sondern fasziniert-besorgt auf einer Psychopathin, die gerade versucht, sich umzubringen. (Die Rolle des Showgirls, das alle Musiknummern des Films übernimmt, wird von einer anderen Frau gespielt, von Anne Bancroft in ihrer ersten Filmrolle.)  

Oben auf dem Sprungbrett steht der vor jugendlichem Leichtsinn sprühende Cary Grant und fragt: „Everybody looking at me?“ Nein, ganz bestimmt nicht. – Monkey Business, 1952  

„Get out the fire hose!“ Der feine Unterschied zwischen dem männlichen und dem weiblichen Blick auf Marilyn und ihr unverschämtes Kleid. – Niagara, 1953 

Gentlemen Prefer Blondes (1953): „Das ist alles andere als zynische und liebenswürdige Unterhaltung: Es ist ein böses, intelligentes und unerbittliches Werk“, schrieb Françcois Truffaut bekanntlich über diesen Film. Wie recht er hat, kann man an diesen lüsternen Gesichtern ablesen. 

River of No Return, 1954 – Eine Frau, ein Kleid und eine Gitarre besorgen die Zivilisierung rauer Goldgräber. 

„‚Cuz after you get what you want you don’t want what you wanted at all!“ Die Wahrheit des Songtextes ist schwer vorstellbar, dazu sind die Blicke auch hier zu bewundernd und/oder begierig. Aber zum Zeitpunkt des mediokren There’s No Business Like Show Business (1954) war Marilyn Monroe die ewige Showgirl-Rolle längst leid. 

The Seven Year Itch (1955): „The Repressed Urge of the Middle-aged Male: Its Roots and Its Consequences.“ Tom Ewell aus der Perspektive der Göttin von Upstairs. 

Bus Stop (1956): Wieder ein Saal voller Männer, wieder Marilyn, die in ihrer Mitte singt, dieses Mal in einem ausdrücklich schäbigen Kleid. Und dieses Mal sind die Kerle völlig ignorant und stieren lieber in ihr Bier. Bis auf einen, Bo Decker (Don Murray), der sie in diesem Moment zum ersten Mal erblickt. 

„Wie eine Götterspeise auf Beinen!“ – Some Like It Hot, 1959 – Die falschen Frauen Tony Curtis und Jack Lemmon sind beeindruckt von den Bewegungen einer echten.  

„My name is Lolita. And I’m not supposed to play – with boys!“ Tony Randall und Yves Montand, beide schon längst keine boys mehr, sehen MM zu, wie sie es doch tut. Diskret, aus dem Dunkeln. Let’s Make Love, 1960. Marilyns vorletzter Film und ihr letzter Auftritt als Showgirl.

„As computers were exploding into the public sphere, and regular folks were just getting used to seeing them in the workplace, or home, a group of geniuses at the vanguard of the technology were trying to teach it what seemed like an almost unimaginable skill — could these machines, these glorified calculators, ever conquer the human world champion in chess?“

Die Spenden sind natürlich von der Steuer absetzbar. (via Lukas Foerster)

Es wäre dem Film zu wünschen, dass die Finanzierung noch klappt. Papa Gold erzählt von einem promiskuitiven Slacker in Berlin, gespielt von Lass selbst, der seit zehn Jahren nicht mit seiner Mutter gesprochen hat und dessen Stiefvater (der Theaterschauspieler Peter Trabner, durchaus eine Entdeckung) plötzlich vor der Tür steht, um das zu ändern. Gedreht mit nicht wackelnder Handkamera und für den sagenhaft niedrigen Betrag von 2.500 Euro, ist Papa Gold eine stimmungsvoll und mit Blick für den Berliner Szene-Lokalkolorit inszenierte Geschichte über das Erwachsenwerden – eines jener Projekte, bei denen man den Eindruck bekommt, die Beteiligten hätten einen guten Teil ihres eigenen Lebens verfilmt.

Regisseur Lass schwört auf Improvisation und, so nennt er es, auf eine „umgedrehte Herangehensweise“. Man nimmt die Drehorte, die zur Verfügung stehen, und passt das Skript entsprechend an. So kam es zu einer Szene in einer Zahnarztpraxis.

Ein Erotikfilm mit Anspruch, ein Wuppertal-Krimi mit Schwebebahn, eine Science-Fiction-Parodie mit Nazis

Nur bei der Musik ist das Sparen schwierig, da gibt es Verwertungsrechte und Verträge, die ausgehandelt werden wollen. Einzig dafür wurde die Crowdfunding-Maschine angeworfen, der Film selbst ist längst abgedreht und geschnitten. Die Musik von Bands wie The Bran Flakes, Cuckoo Chaos und Height with Friends dient hauptsächlich in mehreren Montagesequenzen als Untermalung: ein spaßiger Einkauf im Supermarkt, Melancholie nach dem Rausschmiss, auch mehrere Mädchen-wechsel-Dich-Sexszenen (mit nackter Haut ist Papa Gold durchaus großzügig, ebenso mit Jump Cuts, die es in fast jeder Szene gibt). Lass sagt, er könne sich „diesen Film nicht komplett ohne Musik vorstellen. Einzelne Tracks könnte man eventuell austauschen, aber einige Lieder sind so einzigartig und der Schnitt so auf sie abgestimmt, dass es sinnlos und falsch wäre“.

In der in Deutschland noch sehr jungen Crowdfunding-Szene (das Portal startnext.de ging erst im vergangenen Oktober online) ist Papa Gold ein Sonderfall; nicht nur wegen des verhältnismäßig kleinen Betrages von gerade etwas über zweitausend Euro, sondern auch, weil der Film schon fertig ist.
Andere wollen erst noch gedreht werden, wie der Erotikfilm (mit Anspruch!) Hotel Desire mit Anna Maria Mühe. Mit großen Namen verbinden sich auch gleich größere Summen. 170.000 Euro sollen gesammelt werden, dafür wird kein Portal wie startnext.de benutzt, sondern eine eigene Webseite, auf der man als Appetitanreger zwei Minuten lang einen nackten Frauenkörper unter der Dusche sehen kann. Und dahinter steht kein 27-Jähriger, der den Film einsam und allein in seiner Wohnung schneidet, sondern die Produktionsfirma Teamworx.

Ähnlich geht der Wuppertal-Krimi (mit Schwebebahn!) King Ping vor, allerdings ohne nackte Frau, dafür mit jeder Menge Anleihen beim Film Noir. King Ping hat ein veranschlagtes Budget von 1,2 Millionen Euro, die auch auf herkömmlichen Wegen, einschließlich Product Placement, aufgebracht werden sollen.

Als Dankeschön erhalten die Förderer in der Regel T-Shirts, ein Treffen mit der Crew oder eine namentliche Erwähnung am Ende des Films. Letzteres kostet bei Papa Gold 61 Euro, bisher hat aber noch niemand so viel auf einmal gezahlt. Bei Hotel Desire schlägt das Abspann-Mäzenatentum mit 250 Euro zu Buche, bei King Ping sogar mit 500 Euro – dafür springt dann aber auch ein kurzer Auftritt im fertigen Film heraus.

Tom Lass: „Die Masse geht ein größeres Risiko ein als ein kalkulierender Produzent.“

Die Gleichung „Filmfinanzierung gegen Komparsenrolle“ ist aber nicht so leicht, wie sie sich anhört. Und ordentliches Crowdfunding zu veranstalten ist nicht unbedingt weniger kompliziert, als einen Förderantrag auszufüllen. Die Macher der Science-Fiction-Satire Iron Sky (mit Nazis!) basteln seit Jahren an ihrem Werk und haben jüngst in einem Blogbeitrag detailliert ausgeführt, wo die Schwierigkeiten liegen. Sie hatten es nicht geschafft, über das Internet 300.000 Euro aufzutreiben. Ihr Fazit:

„Crowd Funding is not the goldmine of Internet filmmaking. It takes a huge heap of hard work, a lot of spamming, a realistic goal, and a very clear message.“

Für Tom Lass besteht die Schwierigkeit darin, das eigene Projekt bekannt zu machen: „Unser größtes Problem ist, dass wir noch keinerlei Fan-Base haben. Weder im Internet noch sonstwo. Ein Musiker, der schon Youtube Videos mit durchschnittlich 100.000 Views hat, kann über die gleichen Kanäle viel effektiver Crowdfunding betreiben als wir.“
Dennoch ist er optimistisch: „Ich gehe davon aus, dass Crowdfunding einen hohen Stellenwert bei künftigen Filmproduktionen einnehmen wird. Es könnte für ungewöhnlichere Projekte eine Chance sein, die auf herkömmlichen Wegen nie finanziert werden würden. Die Masse geht eventuell unterbewusst ein größeres Risiko ein als ein kalkulierender Produzent.“
Und weiter: „Außerdem wäre nicht mehr alles in den Händen verschiedener Fördergremien. Wichtig ist, dass Crowdfunding nicht den Charme der jungen Idealisten verliert, wenn es von etablierten Firmen als Werbestrategie missbraucht wird. Außerdem darf die Qualität der beworbenen Projekte nicht sinken, wenn irgendwann jeder darin eine schnelle Einnahmequelle sieht.“

Bleibt die ganz grundsätzliche Frage, warum man als Konsument neben den Kino-Eintrittsgeldern und DVD-Leihgebühren weiteres Geld für Filme ausgeben sollte. Startnext begründet das mit dem Anspruch, ein Instrument zur Mitgestaltung der Kulturlandschaft zu sein. Die Science-Fiction-Filmer von Iron Sky haben eine wesentlich simplere Antwort parat. „Hauptsächlich“, so erklären sie selbstbewusst in ihrer Projektbeschreibung, „weil es der coolste Film dieses Jahres werden wird.“