Kino, TV & Co

Rezension: "Wer ist Hanna?"

2011-06-12T10:31:00.009+02:00

Die Faszination eines Films resultiert nicht immer aus der erzählten Geschichte. Natürlich nicht. Handlung ist stets nur ein Element im Zusammenspiel von Bildern, Tönen, Geräuschen und Dialogen. Diese Erkenntnis ist nun keine Sensation. Immerhin funktionieren, um nur ein Beispiel zu nennen, zahlreiche Filme des Suspense-Großmeisters Hitchcock auch (aber natürlich nicht nur) völlig losgelöst von ihren narrativen Rahmenbedingungen. Warum die Vögel in Hitchcocks gleichnamigen Klassiker Amok laufen, ist für den Spannungs- und Unterhaltungsbogen des Films erst einmal völlig unwichtig. Atmosphäre, die sich aus dem Seherlebnis des Films ergibt, ist oftmals also nicht nur der Weg, sondern auch das Ziel. „Wer ist Hanna?“ wirkt auf ähnliche Art und Weise. Ein Film, der eher assoziativ funktioniert, als das er sich auf einen konsistenten und logischen Rahmen fokussiert. Regisseur Joe Wright gelingt so ein Crossover aus Roadmovie-, Coming-of-Age- und Actionelementen, das sich in seiner ausdrucksstarken Bild- und Tonsprache durchaus sperrig, dafür aber umso interessanter präsentiert. Das Abheben von dem typischen Hollywood-Einheitsbrei, der natürlich von einem Großteil des Kinopublikums nachgefragt wird, ist folgerichtiges Resultat dieses Unterfangens. Anders als in den standardisierten Actionfilmen Marke Bruckheimer oder Bay funktioniert die Actionszene in „Wer ist Hannah?“ als punktiert eingesetztes Stilmittel eskalierender sowie implodierender Realitäten und nicht als reiner Selbstzweck.

Dass Filme stets durch visuelle und auditive Codierungen funktionieren, wird in „Wer ist Hanna?“ bereits durch die Exposition verdeutlicht. Taucht die Kamera tief hinab in das kalte weiß einer arktisch-verschneit wirkenden Landschaft, fällt das Auge auf einen weißen Schwan, der in seiner majestätischen Erhabenheit inmitten dieser lebensfeindlichen Landschaft irritiert. Es geht in dieser Szene jedoch nicht um das Tier an sich, sondern um die Metaphern und Codierungen, die sich mit dem Schwan verbinden. Seine herausragende Stellung in Mythos und Märchen lässt das von Wright nur kurz eingefangene Bild zu einer Allegorie gerinnen, die sich wie ein roter Faden quer durch den Film zieht. Zu Beginn dieser Erzählung befindet sich die titelgebende Hanna (Saoirese Ronan) noch inmitten der von ihrem Vater (Eric Bana) geschaffenen Grenzen, der sie – aus einem zunächst nicht ersichtlichen Grund – von der modernen Zivilisation isoliert und zur toughen Kampfmaschine ausbildet. Der Tod des von ihr mit Pfeil und Bogen erlegten Hirsches gerät zur ritualisierten Handlung, dessen Wiederholung zu einem späteren Zeitpunkt den Kreis schließen wird. Gleichzeitig vollzieht sich mit der Jagd das Ende eines Initiationsprozesses, der Hanna zu einer autark handelnden Persönlichkeit macht. Ihr Vater überlässt ihr die Entscheidung, ob sie nun auf die Jagd nach der mysteriösen Marissa Wiegler (Cate Blanchett) gehen, oder noch warten möchte. Hanna fühlt sich bereit, drückt den Knopf des Peilsenders und verlässt in der Folge den sie schützenden Kokon des Waldes.

„Wer ist Hanna?“ begreift sowohl seine Protagonistin als auch deren Nemesis als Figuren mit märchenhaftem Anstrich. Hanna ist folglich nicht nur durch die technisierte und kommunikative Umgebung der von uns als normal empfundenen modernen Zivilisationen herausgefordert, beeindruckt und bedroht, sondern wird vielmehr aus den Buchseiten des Märchens hinein in das Hier und Heute katapultiert. Mit anderen Worten: „Wer ist Hanna?“ vertauscht geschickt die Ebenen und kehrt diese sowohl für die Protagonistin als auch für den Rezipienten um. Was für den Rezipienten Wirklichkeit ist, ist für Hanna Märchen und vice versa. Folglich findet die finale Auseinandersetzung zwischen Hanna und Wiegler nicht auf den Straßen Berlins, sondern inmitten eines stillgelegten und verfallenen Märchenparks statt. Grimms böser Wolf verschmilzt geradezu bildlich mit der bösen Hexe zu einem Kosmos der Bedrohung, der nur und ausschließlich von Hanna bezwungen werden kann. Wright konstruiert einen Film, dessen Realitäten schwammig sind und der sich über seine Stimmungen und Gefühle erzeugenden Bilder seine Bahn bricht. Wie in den meisten Märchen vollzieht sich der Kampf zwischen Gut und Böse dabei durch schiere und bloße Gewalt. Die kleine Gretel stößt die böse Hexe in den Ofen und lässt sie verbrennen. Hanna bricht das Genick der Frau, die sie für Wiegler hält, mit einer Leichtigkeit als ob sie ein Streichholz in zwei Hälften zerteilen würde. In einer Gesellschaft (wie der unsrigen), die Gewalt dankenswerterweise für gewöhnlich ablehnt, muss die Drastik von Grimms (oder anderen Märchen) antiquiert erscheinen, oder eben – wie im Fall von „Wer ist Hanna?“ Unbehagen erzeugen.

Die kaltblütige Killerin Hanna passt nun wirklich nicht in das Bild des kleinen Mädchens, das im 21. Jahrhundert als Idealtypus gilt. Film ist auch in diesem Fall wieder nicht nur ein Medium zum Erzählen von Geschichten, sondern auch für Transfer und Modernisierung, denn es ist ein überaus düsteres Märchen welches da in „Wer ist Hanna?“ erzählt wird. Wright macht diesen Bezug immer wieder deutlich, manchmal sogar deutlicher als er müsste. Die Realität des Hier und Jetzt wird mit den im Film auftauchenden Figuren kontrastiert und gebrochen. Das junge britische Mädchen, mit dem sich Hanna anfreundet, ist überzeichnete Karikatur, gleiches gilt für Hannas Verfolger samt dessen „Neonazi-Schläger“. Wiegler hingegen ist das Paradebeispiel der bösen Hexe. Zwar schön, jedoch kaltblütig und manisch bis zum Erbrechen. Eingefangen wird dieses überaus interessant Szenario, dessen Konstante der stilistische Bruch ist, von der Kamera von Joe Wright. Mal schnell, dann wieder langsam, geradezu elegisch und erhaben, wird Hannas Geschichte von Wright beeindruckend bebildert. Spielt insbesondere die junge Ronan auf bemerkenswertem Niveau, vollzieht sich das Gesamtkunstwerk „Wer ist Hanna?“ jedoch erst durch den zugehörigen und herausragenden Soundtrack von den Chemical Brothers. Kino ist nicht immer Kunst. In diesem Fall schon. - Fazit: 8 von 10 Punkten.

Rezension: "The Tourist"

2011-01-09T15:59:00.007+01:00

Mit dem ersten Film gleich zu höchsten Weihen gekommen, vom eigenen Erfolg berauscht, von der Bühne des Kodak Theatre den begehrten Goldjungen in die Höhe gestemmt, in der Heimat gefeiert: Florian Graf Henckel von Donnersmarck. 2007 sorgte sein Stasi-Drama„Das Leben der Anderen“ für Furore. Von der Mehrheit als Meisterwerk gefeiert, von Wenigen verrissen, haben Film und Regisseur ohne Zweifel polarisiert. Dies hat sich der seit seinem Debütfilm von Hollywood umgarnte von Donnersmarck jedoch ein Stück weit auch selbst zuzuschreiben. Seine oftmals abgehobenen und teils auch arrogant wirkenden Interviews in diversen großen Tageszeitungen boten die ideale Angriffsfläche für Spott und Häme, die sich – so viel war bereits im Vorfeld sicher – über den ehrgeizigen Regisseur ergießen würden, sollte sein zweiter Film bei Kritik und Publikum durchfallen. Nach langem Zaudern und Überlegen entschied sich Donnersmarck schließlich für starbesetztes Blockbusterkino, um seinen zweiten Film zu inszenieren. Johnny Depp und Angelina Jolie, zwei der gefragtesten Schauspieler der Gegenwart, sollten als Zugpferde fungieren, um den Regisseur Florian Graf Henckel von Donnersmarck vor der traumhaften Kulisse Venedigs auf die zweite Karrierestufe zu heben. Das Drehbuch der Wahl: Ein von diversen Drehbuchautoren (darunter auch Donnersmarck) zigmal umgeschriebenes Hollywood-Remake des französischen Films „Anthony Zimmer“ aus dem Jahr 2005.

Auf seiner Reise durch Europa trifft der Mathematikleher Frank (Johnny Depp) im Zug von Paris nach Venedig unvermittelt auf die schöne Elise (Angelina Jolie). Diese setzt sich zu dem etwas fahrig und unbeholfen wirkenden Amerikaner und wickelt ihn nach allen Regeln der Kunst um den Finger. In Venedig angekommen, bietet ihm die geheimnisvolle Schöne an, sie in ihr Hotel zu begleiten. Die Luxussuite bezieht der verdutzte Frank mit großen Augen, noch größer seine Augen als sich Elise als Fanks Ehegattin ausgibt. Es folgt ein romantisches Abendessen im Kerzenschein von Venedig, ein Frank betörender Kuss auf dem Balkon der Suite und dann – so ein Pech – eine einsame Nacht auf der immerhin überaus weichen Couch. Am nächsten Morgen ist Elise verschwunden, dafür taucht ein Killerkommando auf, dass es auf den armen Mathelehrer abgesehen hat. Zwar gelingt Frank die Flucht, doch mittlerweile dämmert auch ihm, dass er in eine Geschichte hereingeraten ist, die er weder kontrollieren noch durchschauen kann. Dabei ist der Kinobesucher – wie so oft – schlauer als Frank. Denn was er nicht weiß, wir aber schon: Ein gewisser Alexander Pearce hat Elise damit beauftragt, in den Zug nach Venedig zu steigen und dort eine Person ausfindig zu machen, die ihm in Aussehen und Statur ähnelt, damit dieser für Pearce gehalten wird.

Wenn „The Tourist“ nicht in dem Maß begeistern kann, wie man sich das vielleicht im Vorfeld erhofft hat, liegt das nicht zuletzt an der derzeitigen Einfallslosigkeit von Hollywood selbst. Angesichts der amerikanischen Masche fremdsprachige Filme in schöner Regelmäßigkeit mit großer Starbesetzung für den heimischen Mark neu aufzulegen, vermag es nicht Wunder zu nehmen, dass sich da auch immer wieder das sprichwörtliche Mittelmaß wiederfinden lassen wird. Letztlich ist nämlich bereits das französische Original „Anthony Zimmer“ eine laue Nummer, die bis auf Sophie Marceau nichts sonderlich Aufregendes zu bieten hatte. Florian Henckel von Donnersmarck ist nun damit gescheitert, dem ohnehin nicht sonderlich gelungenen Drehbuch des Originals neue Facetten abzugewinnen, die aber nötig gewesen wären, um der ganzen Nummer einen etwas gelungeneren Anstrich zu verpassen. So bleibt das Verwirrspiel, das in „The Tourist“ erzählt wird, über weite Stecken bemüht und in seiner inneren Logik noch viel weniger konsistent. Allerdings kann wohl auch davon ausgegangen werden, dass sich Donnersmarck auch keine sonderlich große Mühe gegeben hat, diesbezüglich Abhilfe zu schaffen. So bleibt „The Tourist“ eine routiniert erzählte Thriller-Komödie, die gerne so wäre wie „Über den Dächern von Nizza“; in diesem Versuch allerdings relativ schnell von den Dächern von Venedig purzelt.

Dass es von Donnersmarck in „The Tourist“ vor allem um die Inszenierung und weniger um die Geschichte gegangen ist, ist dann auch allzu offensichtlich. Dessen Bestreben, das Hollywood vergangener Jahrzehnte wieder aufleben lassen, resultiert dann allerdings eher in der Abbildung der donnersmarckschen Vorstellung dieses Filmstils, als in einer Referenz an die alten Meister wie etwa Alfred Hitchcock. Gleichwohl gehört die ausgelebte Sehnsucht des deutschen Regisseurs nach diesem nach heutigen Maßstäben etwas antiquiert wirkenden Inszenierungsstil noch zu den gelungenen Aspekten des Films. Charme, Eleganz und Leichtigkeit versucht Donnersmarck in seinen Bilder an allen Ecken und Ende zu versprühen: Die Lippen rot, die Kleidung elegant, die Bewegungen lasziv, Venedig strahlend in der Sonne, die musikalische Untermalung mit Bombast. Sogar geraucht wird, wenn auch ganz korrekt mit elektrischer Zigarette. Doch Optik allein, selbst wenn sie dem Betrachter mit aller Wucht vor Augen gehalten wird, macht aus einer kleinen Nummer noch lange keine große Oper. Dazu braucht es Darsteller, die miteinander harmonieren, ihre Rollen nicht nur spielen, sondern ausstrahlen. Die Kinogeschichte ist voll von diesen Paaren, so wie Humphrey Bogart und Ingrid Bergman oder Cary Crant und Grace Kelly. Johnny Depp und Angelina Jolie sind allerdings keines dieser Paare für die Geschichtsbücher Hollywoods.

Während sich Angelina Jolie in ihrer Rolle um die Präsenz bemüht, die unter dem roten Lippenstift ertränkt wird, ist die größte Enttäuschung des Films wohl Johnny Depp. Dieser bietet letztlich nicht mehr, als den oftmals reichlich verwirrt dreinschauender Naivling ohne echte Ausstrahlung. Dass Depp mehr kann, hat er oft genug bewiesen. In „The Tourist“ bleibt er seine Klasse allerdings schuldig. So bleibt der finale Kuss zwischen beiden Darstellern nicht mehr als eine laue Nummer zwischen der Lösung des Rätsels und dem finalen Abspann. Letztlich ist „The Tourist“ bei all den angesprochenen Kritikpunkten jedoch beileibe kein Totalausfall, die sich summierenden Schwächen sind jedoch evident. Folglich hat sich Florian Graf Henckel von Donnersmarck mit diesem Remake am Ende keinen großen Gefallen getan. Sein zweiter Film ist letztlich sein sehr beliebiger Film. Dabei ist „The Tourist“ durchaus unterhaltsam, hat den einen oder anderen gelungenen Moment zu bieten, doch letztendlich wird ihm das Schicksal all jener Filme bestimmt sein, die größer sein wollten, als sie wirklich sind. Noch in fünfzig Jahren wird man sich ansehen und daran erinnern, wie Cary Grant über die Dächer Nizzas klettert. Johnny Depps Ausflug über die Dächer Venedigs wird dies nicht vergönnt sein. – Fazit: 5 von 10 Punkten.

Rezension: "The Pacific"

2010-12-14T15:30:00.010+01:00

Europa, 8. Mai 1945. Mit der bedingungslosen Kapitulation Nazi-Deutschlands findet der Zweite Weltkrieg, der sechs Jahre zuvor von Deutschland entfesselt wurde, in Europa ein Ende. Im Pazifik geht das Sterben und Töten jedoch unvermindert weiter. Erst am 2. September 1945 wird das japanische Kaiserreich nach dem Abwurf der verheerenden Atombomben auf Hiroshima und Nagasaki ebenfalls kapitulieren. 2010 jährten sich diese Schlaglichter der Weltgeschichte zum 65. Mal. Seit jenen Tagen sind ganze Generationen von diesen Ereignissen direkt oder indirekt beeinflusst und geprägt worden. Die Veteranen, die auf den Schlachtfeldern der Welt kämpften und litten. Die Überlebenden des Holocaust und anderer im Krieg begangener Verbrechen gegen die Menschlichkeit. Die Täter, die viel zu oft nicht zur Rechenschaft gezogen wurden und sich in eine Nische in der Nachkriegsgesellschaft suchten. Die ungezählten Menschen, die durch den Krieg Angehörige, ihr Hab und Gut oder gar ihre Heimat verloren. Aber auch die nachgeborenen Generationen sind durch die Geschehnisse der Jahre 1939-1945 und den damit verbundenen politischen und gesellschaftlichen Implikationen der Folgejahre gezeichnet worden. Michael Geyer hat dies mit dem „Fortleben der Toten“ beschrieben, die in Form von institutionalisierten Gedenkritualen fortleben und die tief im kollektiven Gedächtnis der Gesellschaften verankert sind. [1] Und nun, am Beginn des 21. Jahrhunderts, ist ein Scheitelpunkt erreicht. Die Welt befindet sich in einem in den letzten Zügen liegenden Generationenwechsel von erlebter hin zu ausschließlich erinnerter Geschichte. Mit anderen Worten: Die Zeitzeugen werden immer weniger und in dem Maße, wie Zeitzeugenberichte abnehmen werden, wird die massenmediale und – im Fall des Spielfilms – fiktionalisierte Vermittlung des Zweiten Weltkrieges an Bedeutung zunehmen.

Deswegen sind Produktionen wie „Band of Brothers“ oder „The Pacific“ niemals nur rein unterhaltender Natur, sondern sind essentieller Bestandteil der Erinnerungskultur. Edgar Wolfrums These das Film und Fernsehen mittlerweile die Grundversorgung der Gesellschaft mit Geschichtsbildern übernommen hätten, ist somit beizupflichten, auch wenn diese massenmediale Form des Umgangs mit Vergangenheit nur ein – obgleich wichtiger – Global Player im engmaschigen Geflecht Geschichtsbilder konstruierenden Institutionen darstellt. [2] Dabei verraten uns Spielfilme und/oder Fernsehserien weniger etwas über die Vergangenheit, als über die aktuelle Sicht auf die Geschichte. Um mit Siegfried Kracauer zu sprechen: Filme sind stets Spiegel einer bestehenden Gesellschaft, in dem sich psychologische Dispositionen kollektiver und individueller Mentalitäten abbilden. [3] Im Fall des Genres Kriegsfilms kommt jenes Phänomen hinzu, dass Gerhard Paul als dialektisches Verhältnis zwischen Krieg und Film bezeichnet hat: „Keine anderen Ereignisse haben den Film [...]so sehr geprägt wie die großen Kriege des 20. Jahrhunderts, und kein Medium hat den Krieg in der Wahrnehmung und Erinnerung des 20. Jahrhunderts so sehr geformt wie der Film.“ [4] Dieses Verhältnis ist in den letzten Jahrzehnten natürlich einer Entwicklung unterworfen gewesen, die stets auch von dem abhängig war, was sich das Kino zu zeigen erlauben konnte. Für gewöhnlich wird Steven Spielbergs „Der Soldat James Ryan“ als Auftakt einer neuen Körperlichkeit in der Kriegsdarstellung begriffen. Die in der Filmrezeption herausragend rezipierten ersten 25 Minuten, in denen Spielberg die alliierte Landung am Omaha Beach inszeniert, haben in ihrer visuellen Drastik sicherlich Bilder geschaffen, die dazu geeignet scheinen, in der gesellschaftlichen Vorstellung dieses Ereignisses als Ikonen zu fungieren.

Die ausgehend von „Der Soldat James Ryan“ entstandene Miniserie „Band of Brothers“, die von Steven Spielberg und Tom Hanks produziert wurde, führte diese Entwicklung weiter – jedoch unter gänzlich anderen qualitativen Gesichtspunkten. Wo sich der Kinofilm offensichtlich den gängigen dramaturgischen Wegepunkten anpasste und letztlich nicht mehr als Kitsch und Pathos bot, erwies sich die HBO-Serie als herausragendes Beispiel fiktiver Geschichtsvermittlung, das sich in Inszenierung und Charakterisierung der Protagonisten (bis auf wenige Ausnahmen) als überaus reflektiert präsentierte. Dies begann bereits mit dem für die Serie produzierten Intro, das auf äußerst geschickte Art und Weise die Grenzen zwischen Historie und Fiktion verschmolz. Letztlich ist dies stets grundlegendes Charakteristikum von Filmen oder Serien, die – wie im Fall von „Band of Brothers“ oder eben „The Pacific“ – auf (schriftlichen) Erzählungen von Zeitzeugen basieren. Sie sind ihrer subjektiven Perspektive freilich niemals objektiv, sondern bieten einen isoliert-persönlichen Blick auf vergangene Ereignisse. Deswegen ist es umso wichtiger, dass derartige Produktionen aus dieser Tatsache keinen Hehl machen, sondern dies für den Rezipienten klar kennzeichnen. Bei „Band of Brothers“ gelang dies den Machern immer wieder auf luzide und künstlerisch hochwertige Art und Weise, im Fall von „The Pacific“ beginnt dies bereits mit dem erneut herausragenden Intro. Das stilistisch in Sepiatönen gehalten und durch das Element der Kohleportraits gebrochene Intro symbolisiert nicht weniger, als die konstruierte (in diesem Fall „gemalte“) Natur der Geschichtsschreibung, die ja letztendlich niemals mehr als eine standortgebundene Erzählung ist.

Wiederum aufgeteilt in zehn Episoden, ist dieser Standort in „The Pacific“ unverkennbar von Clint Eastwoods jüngsten Meilensteinen im Kriegsfilmgenre determiniert. Mit „Flags of our Fathers“ und „Letters from Iwo Jima“ desavouierte Eastwood nicht nur den amerikanischen Mythos des Glorious War in dem er eines der bekanntesten Kriegssymbole der Vereinigten Staaten dekonstruierte, sondern nahm sich in „Letters“ noch dazu der Perspektive der unterlegenen Japaner an. So vermag es nicht zu verwundern, dass auch in „The Pacific“ das duchkalkulierte propagandistische Spiel mit emporgehobenen Kriegshelden thematisiert wird, die dazu benutzt wurden, die für die Kriegsführung eminent wichtigen Kriegsanleihen zu beschaffen. Ebenso konsequent ist es, dass Spielberg und Hanks die Schlacht um Iwo Jima mehr oder weniger außen vor lassen, da es zu diesem Thema nach den beiden Eastwood-Filmen ohnehin nicht mehr viel hinzuzufügen gegeben hätte. Stattdessen gefällt „The Pacific“ darin, sich anderen, unbekannteren Geschehnissen des Pazifikkrieges zuzuwenden. So entfällt ein Großteil der Serie auf die Schlacht von Peleliu, die drei Folgen eingeräumt bekommt. Guadalcanal, Cape Cloucester und schlussendlich Okinawa sind die weiteren Auseinandersetzungen, die innerhalb der Serie angesprochen werden. Die restlichen Episoden und das ist der große Unterschied zu „Band of Brothers“, widmen sich den Geschehnissen an der Heimatfront, zu der die Serie immer wieder zurückkehrt, einem kurzen Zwischenspiel in Melbourne sowie der abschließenden Episode, die sich der unmittelbaren Nachkriegszeit annimmt.

Dabei folgt „The Pacific“ den Schicksalen von drei Marines, deren Geschichten und Biographien, als Vorlage zur Serie fungieren. Dabei erweisen sich insbesondere die Handlungsstränge um Eugene Sledge (Joseph Mazzello) und Robert Leckie (James Badge Dale) als überzeugend ausgearbeitet, während dies für die Handlung um den mit der Medal of Honor ausgezeichneten John Basilone (John Seda) nur eingeschränkt gilt. Überhaupt erweist sich die Entscheidung die Handlung der Serie auf drei Schultern zu verteilen als zweischneidiges Schwert. Auf der einen Seite gelingt „The Pacific“ so natürlich eine breitere Perspektive einnehmen zu können, auf der anderen Seite jedoch muss dies unweigerlich zu Sprüngen führen, die die Handlung brechen. Wirklich zu kritisieren ist jedoch das Feindbild, das in „The Pacific“ gezeichnet wird. Leider ist dies – und das ist ja die große Stärke von Eastwoods Zwillingsfilmen über den Pazifikkrieg – nicht vorhanden, bzw. beschränkt sich auf die gängigen Stereotypen. Anders als bei „Band of Brothers“, in dem die Handlung vorrangig einer bestimmten Gruppe folgte, hätte man sich bei einer Serie, die mit „The Pacific“ überschrieben ist, ein wenig mehr Differenzierung gewünscht. Nicht zuletzt deshalb, weil sich mit den Vereinigten Staaten von Amerika und dem japanischen Kaiserreich zwei Parteien gegenüberstanden, die über völlig andere Mentalitäten verfügten. Letztlich bleibt dies aber der einzige größere Kritikpunkt einer Serie, die ansonsten ihrem Anspruch auf reflektionierte Unterhaltung gerecht wird.

Pathos und Gloria findet sich nämlich auch in „The Pacific“ an kaum einer Stelle wieder. Ähnlich wie bei seinem großen Bruder, ist auch in diesem Fall das einzige wirklich pathetische an der Serie die musikalische Untermalung des Vorspanns. Abseits dessen nähert sich die Serie den Soldaten zwar mit großem Respekt, scheut aber nicht davor zurück, den Krieg als das zu zeigen was er war: Nämlich ein einziger großer Wahnsinn, der nicht nur zahllose Leben gefordert, sondern selbst die Überlebenden nachhaltig gezeichnet hat. Es sind überaus harte Bilder, mit denen die Serie den Zuschauer immer wieder konfrontiert. Dabei setzt sich fort, was sich seit einigen Jahren innerhalb des amerikanischen Kriegskinos andeutet. Die Darstellung amerikanischer Kriegsverbrechen im Zweiten Weltkrieg ist nicht länger ein Tabu, sondern wird unmissverständlich thematisiert. Damit erteilen Spielberg und Hanks als ausführende Produzenten der Glorifizierung des Krieges eine noch deutlichere Absage als in „Band of Brothers“ bereits geschehen. Wenn sich die Marines nach tagelangen Kämpfen zwischen Leichenbergen ausruhen und sich die Zeit mit apathischer Mine damit vertreiben, kleine Steine in den offen liegenden Schädel eines gefallenen japanischen Soldaten, indem sich Regenwasser und Gehirnmasse stauen, zu werfen, ist für Pathos endgültig kein Platz mehr. „The Pacific“ setzt den Männern, die im Pazifik kämpften und starben keinesfalls ein pathetisch aufgeladenes Denkmal, sondern erzählt viel mehr eine Geschichte über den Wahnsinn, den sich Menschen anzutun bereit sind. Insgesamt mag „The Pacific“ seinem Bruder was die Narration angeht leicht unterlegen sein, was die inhaltliche Reflektion angeht, gelingt es der Serie allerdings noch einmal deutlich an Qualität zuzulegen. Darstellerisch und inszenatorisch spielt „The Pacific“, wie die meisten HBO-Produktionen, ohnehin auf höchstem Niveau. – Fazit: 9 von 10 Punkten.

Zur Ausstattung: Wie auch im Fall von „Band of Brothers“ werden die einzelnen Episoden mit einer kurzen Einführung versehen, die die durch Zeitzeugeninterviews ergänzt werden. In Verbindung mit dem umfangreichen Bonusmaterial, das in der DVD-Veröffentlichung auf einer separaten DVD zu finden, erweist sich die Tinbox zur Serie als überaus gelungene Veröffentlichung, die der Qualität der Serie gerecht wird.

[1] Geyer. Michael: Vorm Fortleben der Toten. Überlegungen zu einer Geschichte der Kriegstoten. In: Davis, Belinda, Londenberger, Thomas und Wildt, Michael (Hrsg.): Alltag, Erfahrung, Eigensinn. Historisch-anthropologische Erkundungen. Frankfurt a. M. 2008, S. 425-441.

[2] Wolfrum, Edgar: Neue Erinnerungskultur. Die Massenmedialisierung des 17. Juni 1953. In: Aus Politik und Zeitgeschichte (APuZ), (41/2003), S. 33–39. hier: S. 36.

[3] Kracauer, Siegfried: Das Ornament der Masse. Frankfurt a. M. 1963, S. 279, und Kracauer, Siegfrid: Von Caligari zu Hitler. Eine psychologische Studie des deutschen Films. Frankfurt a. M. 1979, S. 12.

[4] Paul, Gerhard: Krieg und Film im 20. Jahrhundert. Historische Skizze und methodologische Überlegungen. In: Chiari, Bernd, Rogg, Matthias und Schmidt, Wolfgang: Krieg und Militär im Film des 20. Jahrhunderts. München 2003, S. 3-79, hier: S. 13.

Rezension: "Machete"

2010-12-12T14:07:00.003+01:00

„Machete“ eignet sich als perfektes Beispiel um zu demonstrieren, warum sich nicht aus jeder guten Idee ein ebenso guter Film machen lässt. Als Robert Rodriguez und Quentin Tarantino vor einigen Jahren im Zuge ihres „Grindhouse“-Projekts eine Reihe von Faketrailern drehen ließen, machten die zwei Macheten-Minuten mit Danny Trejo ziemlich Laune. Insbesondere Trejo drängte in der Folge darauf, aus diesem Faketrailer einen wirklichen Film zu machen. Rodriguez erhörte schließlich dessen Wunsch und bescherte der coolsten Nebenrolle der Welt seine erste, aber nicht ganz so coole Hauptrolle. Dabei liegt es keinesfalls an Trejo, dass „Machete“ letztlich nicht funktioniert. Angereichert mit einer ganzen Riege von illustren Stars und Sternchen über Robert de Niro, Jessica Alba, Michelle Rodriguez, Lindsay Lohan bis hin zu Steven Seagal, entpuppt sich Rodriguez Langfassung von „Machete“ als überraschend zähflüssige Angelegenheit. Warum in einem Film, der erkennbar auf Trash gebürstet ist, so unglaublich viel gesabbelt werden muss, will sich dem geneigten Zuschauer nicht erschließen. Geht es in der Exposition des Films noch zügig und äußerst launig zur Sache, verfängt sich Rodriguez in der Folge viel zu oft in pseudopolitischen Gelaber über den amerikanisch-mexikanischen Grenzkonflikt, den erstens keine Sau interessiert, weil zweitens eine Trashorgie wie „Machete“ schlicht und ergreifend nicht der Platz ist, um ein solches Thema aufzubereiten. So hangelt sich der Film von einer Actionszene zur nächsten und versackt ansonsten in Dialogzeilen, die in den seltensten Fällen wirklich zünden. Was cool wirken soll, erscheint zumeist einfach nur aufgesetzt, oder ist – was noch schlimmer ist – äußerst redundant. Was bleibt, sind einige wenige Lichtblicke, in denen Rodriguez für kurze Zeit den Spaßfaktor erreicht, dem er die meiste Zeit vergeblich hinterher hechelt. Letztlich mag sich Danny Trejo mit „Machete“ einen persönlichen Wunsch erfüllt haben, einen großen Gefallen hat ihm Rodriguez mit diesem Film allerdings nicht getan. Prädikat: Enttäuschend. – Fazit: 5 von 10 Punkten.

Nicolas Cage Losing His Shit!

2010-11-22T23:23:00.002+01:00

Blogmäßig ist hier ja mal wieder seit einiger Zeit tote Hose. Das ist zu bedauern, im Moment aber leider nicht zu ändern. Demnächst geht es hier aber auch mal wieder irgendwann weiter. Aber das Folgende ist zu gut, um es zu ignorieren. Nicolas Cage, von mir durchaus hoch geschätzt, mit einer leichten Tendenz zum Overacting, bekommt die Krise. Und das mehr als vier Minuten lang. Das ist ganz großes Entertainment. Ich möchte fast sagen: Ich lachte... Einziges Manko: DAS HIER fehlt.

via: Equilibrium

Rezension: "Ondine - Das Mädchen aus dem Meer"

2010-10-31T10:42:00.005+01:00

Es war einmal vor nicht (allzu) langer Zeit, da verfing sich eine junge Frau in dem Fangnetz eines irischen Fischers. So oder so ähnlich erzählen sich die Menschen seit Jahrhunderten Geschichten, Fabeln und Märchen, in denen seltsame Wesen aus dem Meer die eine oder andere Rolle zu spielen haben. So gab der sagenumwobene König Artus – tödlich verwundet – sein nicht minder berühmtes Schwert Excalibur der Herrin vom See zurück, von der er es einst erhielt. Oder denken wir an die Loreley. Noch heute ist der Lorelyfelsen, am Ufer des Rheins gelegen und nach der legendären Nixe, deren betörender Gesang die Seemänner in ihr nasses Grab beförderte, benannt, Anziehungspunkt für unzählige Touristen. Die Zeichentrickschmiede Walt Disney sorgte mit ihrem Klassiker „Ariel“ schließlich dafür, dass die kleine Meerjungfrau nicht nur den Lesern von Hans Christian Andersens Märchen ein Begriff wurde, sondern auf der ganzen Welt bei Groß und Klein ein Publikum fand. Mit „Ondine – Das Mädchen aus dem Meer“ versucht sich nun Neil Jordan an einer erneuten Erzählung über die Wesen aus dem Wasser, die – fast immer weiblich und wunderschön – entweder selbst nach Erlösung suchend, oder aber als Verderben bringende Sirenen fester Bestanteil menschlicher Mythensysteme geworden sind.

Es ist Morgen wie jeder andere, als der Fischer Syracuse (Colin Farrell) sein Boot besteigt und in der Hoffnung auf einen guten Fang aufs Meer hinausfährt. Der trockene Alkoholiker, der von den Bewohnern des kleinen Küstenorts nur abschätzig Circus genannt wird, erträgt sein Leben in stillem Schmerz. Von seiner immer noch trinkenden Frau getrennt lebend, die gemeinsame Tochter lebensbedrohlich an den Nieren erkrankt, lebt der melancholische Syracuse von einem Tag zum Nächsten. Doch dieser Tag ist kein Tag wie jeder Andere. Riesengroß seine Überraschung, als er eine junge Frau (Alicja Bachleda-Curuś), die sich in seinem Netzt verfangen hat, aus der kalten See fischt. Offensichtlich fast ertrunken, erholt sich Frau, die sich selbst Ondine nennt, relativ schnell. Ins Krankenhaus will sie jedoch nicht. Niemand soll sie sehen und so ringt sie dem Fischer das Versprechen ab, sie in seinem kleinen Haus direkt am Strand zu verstecken. Als Syracuse seiner Tochter Annie (Alison Barry), einen Tag später diese Geschichte als Märchen verkauft, hält diese die mysteriöse Fremde für eine Selkie. Da Syracuse jedoch kein sonderlich begabter Geschichtenerzähler ist, schöpft das aufgeweckte Mädchen bald Verdacht und macht sich heimlich auf den Weg zu dem Strandhaus ihres Vaters, wo sie tatsächlich auf Ondine, das geheimnisvolle Mädchen aus dem Meer, trifft.

Neil Jordan ist mit „Ondine“ ein kleiner, aber zumeist feiner Film gelungen, der in seiner melancholischen und zurückhaltenden Bedächtigkeit zum Innehalten einlädt. Die malerisch anmutende kleine Ortschaft, in der die Zeit stehen geblieben scheint, wird von traumhaften Landschaftsaufnahmen eingerahmt, die die rauen Schönheit der irischen Natur einzufangen vermögen. Zusammen mit der dazu passenden, romantisch angehauchten musikalischern Untermalung macht sich Jordan vor allem in der ersten Hälfte seines Films daran, den märchenhaften Ursprüngen seiner Erzählung Rechung zu tragen. So entwickelt sich Ondine für den mürrischen Fischer zum doppelten Glücksfall. Nicht nur das ihre Gesänge dem bislang vom Fangpech verfolgten Syracuse urplötzlich volle Netze bescheren, kommen sich die Beiden auch zwischenmenschlich näher. Die zarte Bande wird jedoch schnell auf die Probe gestellt, was die Grundstimmung von „Ondine“ ziemlich apprupt vom Märchen zum Thriller kippen lässt. Zwar gelingt es Jordan die beiden Teile des Films stimmig miteinander zu verbinden, nichts desto trotz ist die plötzliche Verortung des Films inmitten der Abgründe der menschlichen Gesellschaft ein durchaus schmerzhafter Akt. Glücklicherweise verleiht die Entzauberung des Märchens zu Gunsten von Suff, Verbrechen und Tristesse dem Film zwar einen geerdeten Anstrich; vermag ihn jedoch nicht zu brechen.

Dies ist nicht zuletzt auch den beiden Hauptdarstellern zu verdanken. Colin Farrell und Alicja Bachleda-Curuś, auch im wirklichen Leben liiert, legen ihre Charaktere mit der nötigen emotionalen Zerrissenheit an, die erforderlich ist „Ondine“ über die Zeit zu tragen. Gerade Farrell gefällt in seiner Verkörperung des irischen Fischers, der mit lakonischer Melancholie, aber auch Ironie, seinen zumeist grauen Alltag zwischen kranker Tochter, trinkender Ex und leerem Fischernetz bewältigt. Als überaus gelungen muss auch die Leistung von Alison Barry bezeichnet werden, die die oftmals etwas altkluge wirkende Tochter mit jener Portion kindlicher Verletzlichkeit ausstattet, die in zahlreichen anderen Filmen fehlt und die Figur davor bewahrt, ins Nervige abzurutschen. Insgesamt ist Neil Jordan mit „Ondine“ ein in der Summe schöner, Fernweh erzeugender Film gelungen, der – ohne groß zu glänzen – weitestgehend frei von Schwächen geblieben ist und dabei stets zwischen sagenumhauchter Erzählung und lebensweltlicher Erdung pendelt. Und auch wenn dieser Schwenk innerhalb der Erzählung durchaus schroff daherkommt, kehrt Neill am Ende des Films dann doch wieder zu den märchenhaften Ursprüngen zurück, mit denen er „Ondine“ beginnen ließ: Und wenn sie nicht gestorben sind, dann leben sie noch Heute. – Fazit: 7,5 von 10 Punkten.

Rezension: "Ein russischer Sommer"

2010-10-16T14:36:00.006+02:00

Lew Nikolajewitsch Tolstoi gehört zu den berühmtesten Literaten der Weltgeschichte. „Krieg und Frieden“, Tolstois Magnum Opus, hat bis Heute unzählige Leser wahlweise begeistert, oder aber ob dessen gewaltigen Umfangs gequält. Selbstredend ist besagtes Werk Gegenstand zahlreicher Literaturverfilmungen geworden, die sich – mal mehr und mal weniger gelungen – an einer Adaption der Romanvorlage versuchten. In „Ein russischer Sommer“ hingegen steht weniger das künstlerische Schaffen des russischen Schriftstellers im Vordergrund, sondern dessen letztes Lebensjahr, das von zahlreichen inneren und äußeren Konflikten geprägt war. Auf Grund seiner offen kommunizierten, Politik und Kirche harsch kritisierenden, Ansichten von der Obrigkeit unter ständiger Beobachtung gestellt, 1901 schließlich gar exkommuniziert, sollte Tolstoi seinen Lebensabend noch dazu im ständigen Konflikt mit seiner Frau Sofia Tolstoi verbringen. Diese lehnte Tolstois Plan, die Rechte an seinen Werken nach dessem Tod dem russischen Volk zu vermachen, ab. Ob dieser Streitigkeiten kam es schlussendlich zum Bruch zwischen den Eheleuten, so dass sich Tolstoi auf den Weg zu seiner letzten Reise machte. Tolstoi sollte jedoch nicht weit kommen. An einer Lungenentzündung erkrankt, starb Tolstoi von der Weltpresse umringt am 20. November 1910 in einem kleinen Banhofshäuschen inmitten Russlands.

Der zum Teil in Deutschland gedrehte und von Michael Hoffman inszenierte Film basiert auf dem gleichnamigen Roman des amerikanischen Schriftstellers Jay Parini, der sich der letzten Station im Leben Tolstois annimmt. „The Last Station“, wie Roman und Film im Original benannt sind, erweist sich im direkten Vergleich zur deutschen Übersetzung also als ungleich gelungenerer Titel eines Films, der sich daran versucht, die Beziehung zwischen Lew und Sofia Tolstoi in den Vordergrund zu rücken. Mit Christopher Plummer und Hellen Mirren konnten für den Film zwei hervorragende Charakterdarsteller gefunden werden, die das stete Wechselspiel zwischen Annäherung und Entfremdung auf nuancierte und tiefgründige Art und Weise umsetzen. Allerdings zeigt sich mit zunehmender Spielzeit, dass die beiden Hauptdarsteller die beiden einzigen Asse im Ärmel eines ansonsten nur in Teilen vollständig überzeugenden Films sind. Gelingt es Regisseur Hoffman ein ausdifferenziertes Bild des um die Werke Tolstois schwelenden Konflikts zu zeichnen, das sich keineswegs einfach auf die eine oder andere Seite schlägt, fehlt es „Ein russischer Sommer“ ansonsten an der nötigen Tiefe, die sich vor allem an der viel zu eindimensionalen Zeichnung des von Paul Giamatti gespielten Tolstoianers Wladimir Tschertkow manifestiert, der zum ultimativen Gegenspieler von Sofia Tolstoi stilisiert wird.

Es ist unbestritten, dass es in „Ein russischer Sommer“ weniger um die Nächstenliebe und eines asketische Lebensweise predigende Bewegung geht – die Tolstoianer – die von den Lehren des russischen Schriftstellers inspiriert waren. Vielmehr steht das Portrait zweier Beziehungen im Fokus des Interesses. Die eine Beziehung steht nach mehr als 50 Jahren an ihrem Ende. Die andere hingegen steht erst an ihrem Anfang. James McAvoy und Kerry Condon (bekannt als Octavia in der TV-Serie „Rom“) verkörpern die beiden jungen Tolstoianer Walentin und Mascha, die sich im unmittelbaren Umfeld des Literaten Tolstoi zu lieben lernen. Wenn diese Beziehungen aber in ein ganz bestimmtes Gesellschaftsgefüge – in diesem Fall der Tolstoianer – eingepasst werden, wäre eine Kontextualisierung, die über das Kratzen an der Oberfläche hinausgeht von Nöten gewesen. Letztlich bleibt dies jedoch nicht die einzige Schwäche eines Films, der noch dazu etwas unentschlossen zwischen komödiantischen und dramatischen Elementen hin und her pendelt. Warum etwa der von McAvoy gespielte Walentin bei jeder passenden und unpassenden Gelegenheit ob seiner Nervosität niesen muss, erschließt sich nicht wirklich und funktioniert als Pointe auch nur eingeschränkt. Letztlich lebt „Ein russischer Sommer“ also von seinen beiden extrovertiert und leidenschaftlich auftretenden Schauspielern, die den Film zu einer lohnenswerten Angelegenheit machen, sowie der Dramatik, die sich hinter dem letzten Lebensjahr des weltberühmten Literaten Lew Nikolajewitsch Tolstoi verbirgt. Die deutsche DVD erweist sich dabei letztlich als ebenso solide wie der Film an sich und wartet mit den obligatorischen Extras wie verpatzte Szenen, Interviews bis hin zu einem Making Of auf. – Fazit: 6 von 10 Punkten.

Rezension: "Jud Süß - Film ohne Gewissen"

2010-10-09T13:37:00.005+02:00

Deutsche Filme über den Nationalsozialismus sind vor allem deshalb interessant, weil sie neben der eigentlichen Handlung per se etwas über den aktuellen kulturellen und politischen Erinnerungsprozess einer Gesellschaft verraten. Im sich aktuell vollziehenden Übergang von erlebter zu ausschließlich erinnerter Geschichte an das nationalsozialistische Terrorregime, spiegeln sich in den Filmen erinnerungskulturelle Fragen, Debatten und Konflikte, die in fiktionaler und populärkulturell aufbereiteter Form verhandelt werden. Neben der seit einigen Jahren in der Bundesrepublik intensiv diskutieren Frage, ob eine perspektivische Öffnung des Erinnerungsdiskurses zu Gunsten deutscher Opfergruppen zulässig ist, oder ob es sich dabei nicht doch um eine Form des Geschichtsrevisionismus handeln würde, rückt mittlerweile vor allem die Art und Weise, wie sich in fiktiver Form mit dem nationalsozialistischem Erbe auseinandergesetzt wird, in den Fokus des Interesses. Mussten die Nazis im internationalen Spielfilm quer durch die Genres – vom Historienfilm bis hin zur Sexploitation – schon immer als ideale Bösewichte herhalten, geht man in Deutschland mit diesem Thema naturgemäß weitaus sensibler um. Dass Sensibilität bisweilen aber auch einen Hang zur Übervorsichtigkeit impliziert, zeigt sich dabei immer wieder aufs Neue.

So hängt die offensichtlich zum bundespolitischen common sense gehörende und vom Feuilleton mit schöner Regelmäßigkeit begierig aufgenommene Frage „Darf man das?“ immer wieder dann wie ein Damoklesschwert über einer Filmproduktion, wenn ein vermeintliches Tabu gebrochen oder sich dem Schreckensgespenst des Nationalsozialismus auf andere Art und Weise abseits ausgelatschter Pfade ritualisierter Gedenkkultur genähert wird. „Darf man Hitler als Mensch zeigen?“ war der von den Machern des „Untergangs“ offensiv lancierte, die eigentliche Intention des Filmes bewusst verschleiernde, angebliche Tabubruch, der von den Rezipienten in der Folge dementsprechend schnell als Scheindebatte entlarvt wurde. „Darf man sich über Hitler lustig machen?“ - Was Chaplin bereits 1940 durfte, darf man in Deutschland natürlich noch lange nicht. Und so bekam es Dani Levy 2007 angesichts des sich über ihm senkenden Damoklesschwerts mit der Angst zu tun, so dass „Mein Führer – Die wirklich wahrste Wahrheit über Adolf Hitler“ letztlich als Satire versagen und wie ein Kartenhaus in sich zusammenstürzen musste. Im letzten Jahr fragte man schließlich: „Darf man Hitler und seine Vasallen – der Historie diametral entgegen gesetzt – in einem Kino ermorden lassen?“ Da Quentin Tarantino aber bekanntlich Quentin Tarantino ist, interessieren ihn solche deutsche Befindlichkeiten herzlich wenig. Und wenn nun ein Uwe Boll um die Ecke kommt und den industriellen Massenmord in Auschwitz inszenieren will, ist die erneute Frage nach dem „Darf man das?“ schon vorprogrammiert. Und um die Frage an dieser Stelle schon einmal zu beantworten: Natürlich darf Uwe Boll das. Eine pluralistisch-demokratische Gesellschaft muss dies aushalten. Andererseits muss man nicht alles, was man darf, auch tatsächlich in die Tat umsetzen. Und überhaupt evoziert dies nur die berechtigte Frage, ob in der Erinnerungskultur die Kultur nicht doch bisweilen verloren zu gehen droht.

Natürlich soll und darf sich also auch Oskar Roehler auf der fiktiven Basis eines Spielfilms mit dem Entstehungskontext des berühmtesten und auf Grund seiner handwerklichen Perfektion sowie der damit verbundenen Suggestionskraft schlimmsten Propaganda-Machwerks aus der Goebbels’schen Filmschmiede auseinandersetzen. „Jud Süß“ wurde seinerzeit von mehr als zwanzig Millionen Deutschen gesehen, und sollte in der Folge vor allem mit den Namen Veit Harlans und Ferdinand Marians verbunden sein. Während Hauptdarsteller Marian nach dem Krieg an dieser Rolle zerbrach, musste sich auch Regisseur Harlan Zeit seines Lebens mit seiner Beteiligung an „Jud Süß“ auseinandersetzen; das mit seiner Biographie direkt verbundene Lüth-Urteil des Bundesverfassungsgerichts gehört bis heute zu den herausragenden Grundsatzurteilen in Sachen freier Meinungsäußerung. Dieses Recht wurde – wenn man es so ausdrücken will – dem Film an sich nach 1945 abgesprochen. In Deutschland bis heute unter Verschluss, darf der Film nur unter strengen Auflagen gezeigt werden. Die Frage, ob dies in Zeiten von YouTube und sonstiger kommunikativer Vernetzung tatsächlich noch ein geeignetes und wirksames Werkzeug staatlicher Geschichtspolitik ist, sei einmal dahingestellt. Wie dem auch sei: Ein Film über den Film „Jud Süß“ musste in Deutschland auch 65 Jahre nach Ende des Zweiten Weltkrieges Debatten nach sich ziehen. Folgerichtig forderte der Zentralrat der Juden ein Verbot von Roehlers Film. Dazu ist dann doch nicht gekommen. Gleichwohl mussten sich Roehler und seine Schauspieler nach der Weltpremiere auf der Berlinale einige Pfiffe und Buhrufe gefallen lassen. Warum eigentlich?

Ende der Dreißiger Jahre wird der aufstrebende österreichische Schauspieler Ferdinand Marian (Tobias Moretti) von Propagandaminister Goebbels (Moritz Bleibtreu) für die Hauptrolle seines zu drehenden Propagandafilms „Jud Süß“ ausgesucht. Ein Film, der sich –keinesfalls plumpe Propaganda – mit den Größen des internationalen Kinos messen lassen soll. So diktiert es Goebbels seinem Regisseur Harlan (Justus von Dohnányi) ins Hausaufgabenbuch. Marian soll den laut Drehbuch durchtriebenen Juden Joseph Süß Oppenheimer spielen, der sich das Vertrauen seines Herzogs erschlichen und zum eigenen Vorteil ausgenutzt hat. Marian, der sich nie als sonderlich politisch verstanden hat, zögert und ziert sich. Er will die Rolle nicht, schmeißt Goebbels gar wutentbrannt einen Aschenbecher vor die Füße – und spielt die Rolle zum Missfallen seiner jüdischen Ehefrau Anna (Martina Gedeck) am Ende trotzdem. „Jud Süß“ wird ein voller Erfolg und verhilft Marian zu dem Ruhm, den er immer wollte. Gleichzeitig aber dämmert ihm mit der Zeit, mit wem er da eigentlich paktiert hat. Zusehends dem Alkohol verfallen, seine Frau betrügend, wandelt sich Marian zum Schatten seiner Selbst.

Oskar Roehler ist mit „Jud Süß – Film ohne Gewissen“ sicherlich einer von der Anlage her interessantesten deutschen Filme über dieses spezifische Stück deutscher Zeitgeschichte gelungen. In seiner Filmsprache weniger einer sklavischen Rekonstruktion historischer Ereignisse gleichend, präsentiert sich „Jud Süß – Film ohne Gewissen“ als tragödienhaftes Kammerspiel, in dem bisweilen reichlich dick aufgetragen wird. Dabei lebt der Film vor allem von seinen zwei Hauptdarstellern. Moritz Bleibtreu liefert mit seiner Interpretation des Joseph Goebbels sicherlich eine der besten darstellerischen Leistungen seiner bisherigen Karriere ab. In der Überakzentuierung des rheinischen Akzents Goebbels’ geradezu karikierend angelegt, dazu mit ausladender Gestik sowie einem gleichsam überbetont nachziehenden Bein ausgestattet, spielt Bleibtreu einen Verführer von geradezu mephistophelischem Format. Wenn sich Bleibtreu alias Goebbels leise, diabolisch grinsend an seine Opfer heranschleicht, kann man den Schwefel geradezu riechen. Bleibtreu steht mit Moretti ein Darsteller gegenüber, der seinen Marian als charmanten, gleichzeitig aber auch naiv wirkenden wienerischen Lebemann anlegt, der sich bereitwillig verführen lässt und dessen Leben langsam aber sicher aus dem Ruder läuft. Aus dem Ruder läuft allerdings mit zunehmender Spielzeit auch Roehlers Film. Gelingt es „Jud Süß – Film ohne Gewissen“ in der ersten Hälfte zu überzeugen und einen interessanten und fiktionalisierten Einblick in den Entstehungskontext des berühmt-berüchtigten Originals zu vermitteln, verliert der Film in der zweiten Hälfte zusehends die Balance. Marians Reise durch die besetzten Gebiete – wo er mit ansehen muss, wie sein Film dazu genutzt wird, Wehrmacht und SS aufzustacheln – ist ebenso wenig überzeugend umgesetzt wie der Abstecher in die Zeit nach 1945.

Ohnehin ist dann doch einiges an Roehlers Film problematisch. Dies gilt weniger für die dezidiert das Recht der künstlerischen Freiheit einfordernden Szenen, wie jene, in der Marian die Frau eines Lagerkommandanten (Gudrun Landgrebe) im Bombenschein, die Vergewaltigungsszene aus „Jud Süß“ imitierend, am geöffneten Fenster nimmt, sondern für den intentionalen Anspruch des Films, den Roehler in diesem Film offensichtlich vertritt. Vieles, was in „Jud Süß – Film ohne Gewissen“ erzählt wird, ist ja nun bekanntlich historisch nicht verbürgt, sondern aus dramatischen Gründen in das Narrativ implementiert worden. Das gilt für die jüdische Ehefrau, die Marian ebenso wenig hatte wie den jüdischen Freund Adolf Deutscher, den er erst bei sich versteckt, bevor dieser dann doch denunziert und deportiert wird. Es ist offensichtlich, dass in "Jud Süß - Film ohne Gewissen" Marians Beweggründe Goebbels zu Willen zu sein, angesichts seiner jüdischen Frau in einem anderen Licht erscheinen müssen. Dies stellt jedoch erst einmal grundsätzlich kein Problem dar, liegt es doch erstens im spezifischen Naturell des Spielfilms begründet zu fiktionalisieren, und zweitens wird der Tenor der Goebbels’schen Verführung und der Verführbarkeit Marians dadurch nicht geschmälert. Roehler jedoch wollte offenbar mehr als eine fiktionalisierte Reflexion: „Hitler oder Goebbels sind im Kino der letzten Jahre immer Knallchargen. Entweder in Komödien oder in irgendwelchen pseudohistorischen Filmen, die nicht wirklich erzählen, was da passiert ist. Ich glaube, dass mein Film eine Möglichkeit ist, den Leuten diese Geschichte nahezubringen. […] Ich habe mich haargenau an die Fakten und das gut recherchierte Drehbuch von Klaus Richter gehalten.“ (Quelle)

Und genau an diesem Punkt muss der Film natürlich wie ein Kartenhaus in sich zusammenfallen. Einmal abgesehen von der Tatsache, dass Bleibtreus Goebbels natürlich eine Knallcharge par exellance ist, muss man über den groben Stuss, den Roehler hier zum Besten gibt, fassungslos den Kopf schütteln. Vermittelt „Jud Süß – Film ohne Gewissen“ beim Sehen durchaus den Eindruck eine fiktionalisierte und dramatisierte Form einer vergangenen Geschichte zu sein, straft sich Roehler selbst Lügen. Wer seinem Protagonisten eine jüdische Ehefrau andichtet, um nur mal das offensichtlichste Beispiel anzuführen, und auch ansonsten reichlich dick aufträgt, gleichzeitig aber davon schwadroniert, einen sich an Fakten haltenden Film abgeliefert zu haben, hat offensichtlich einiges nicht verstanden. Wie passend, das Roehler im gleichen Interview noch den schönen Satz „Die Leute bei uns in Deutschland haben überhaupt kein Geschichtsbewusstsein“ zum Besten gibt. Man kann sich des Eindrucks nicht erwehren, dass hier ein Mann von sich auf Andere geschlossen hat. Letztlich bricht Roehler mit seinen Äußerungen, mit denen er nicht hinter dem Berg halten konnte, dem Film das Genick und schmälert so einen – Moretti und Bleibtreu sei Dank – eigentlich rundum unterhaltsamen Film. Und was sagt uns dieser Film nun zum Stand der deutschen Erinnerungskultur? Quentin Tarantino hat im letzten Jahr mit „Inglourious Basterds“ unzweifelhaft eine Tür geöffnet, durch die Oskar Roehler gleich einmal auch hindurch schreiten wollte. Leider aber hat er dabei offensichtlich den Schlüssel der Erkenntnis vergessen, ist mit dem Kopf gegen die verschlossene Tür geknallt, und hat sich eine blutige Nase geholt. – Fazit: 5 von 10 Punkten.

Rezension: "Resident Evil - Afterlife"

2010-09-26T14:33:00.005+02:00

Hast du nichts zu erzählen, dann lass es wenigstens gut aussehen und ordentlich krachen. Nach diesem Motto funktionierten und funktionieren nicht nur unzählige Actionfilme von „300“ bis hin zu „Transformers“, sondern auch die „Resident Evil“ - Reihe, die nun schon ihren vierten Ableger spendiert bekommen hat. Seitdem sich Milla Jovovich 2002 zum Ersten Mal fiesen Zombies stellte, die als Resultat eines fehlgeschlagenen Experimentes die Menschheit bedrohen, sind nunmehr Acht Jahre vergangen. In diesen Jahren entwickelte sich die Adaption des gleichnamigen Videospiels zu einem überaus rentablen Franchise, dass jedoch – man muss es so deutlich sagen – sukzessiver schwächer geworden ist. Konnte Teil Eins noch relativ gut gefallen, zeigte sich spätestens bei „Resident Evil – Extinction“, Ableger Nummer Drei, dass der ganzen Angelegenheit langsam aber sicher die Luft auszugehen drohte. Irgendwann reicht es eben nicht mehr Milla Jovovich durch die Gegend hüpfen zu lassen, um im Kinosaal begeisterte Reaktionen zu evozieren. Da traf es sich gut, dass James Cameron Ende des letzten Jahres der Filmindustrie mit seiner 3D-Technologie ein neues Spielzeug in die Hände gegeben hat. Das Ende vom Lied war abzusehen: „Resident Evil – Afterlife“ kommt – natürlich – in 3D.

Ein Jahr nach Ende des dritten Teils. Alice (Milla Jovovich) hat sich mit ihren geklonten Alice-Kolleginnen erfolgreich bis nach Tokio durchschlagen können. Dort macht sie mit dem ansässigen Quartier der Umbrella-Corporation kurzen Prozess und fegt einmal ordentlich durch. Dies nimmt Oberfiesling Albert Whesker (Shawn Roberts) selbstredend persönlich und beraubt Alice ihrer Superkräfte. Leider vergisst Whesker dabei auf sein Flugzeug zu achten und knallt gegen den nächsten Berg. Alice überlebt selbstredend den Crash und macht sich auf die Suche nach Arcadia, der letzten von gesunden Menschen bevölkerten Stadt, die sich inmitten von Alaska befinden soll. In Alaska findet Alice jedoch nur eine verwirrte Claire Redfield (Ali Larter). Ein klassischer Fall von dumm gelaufen; nächste Ausfahrt: Los Angeles. Inmitten der zerstörten Stadt angekommen, treffen die Beiden auf eine Gruppe Überlebender, die sich in einem Gefängnis verschanzt haben. Da sich die aber die fiesen Zombies durch den Boden gewühlt haben, ist es dort nicht mehr sicher. Ein Ausbruch muss her. Das Ziel: Arcadia. Wie sich herausstellt keine Stadt, sondern ein Schiff, das vor der Küste von Los Angeles hin und her dümpelt. Gesagt, getan und auf los geht’s los.

Für „Resident Evil – Afterlife“ hat es sich zum Ersten Mal seit Teil Eins Paul W. Anderson, der sich auch stets für die Drehbücher der Reihe verantwortlich zeigte, wieder auf dem Regiesessel gemütlich gemacht. Er dachte wohl, dass 3D ein großer Spaß sei, den er sich unmöglich entgehen lassen kann. Und damit sind wir auch direkt am Herzstück des Films angelangt. Man mag an „Resident Evil – Afterlife“ kritisieren, was man will. Man muss dem Film jedoch zu Gute halten, dass er sich darum bemüht hat, die 3D-Technologie vernünftig einzusetzen, und nicht nur als nachträgliches Gimmick zu missbrauchen (so wie im Fall von „Kampf der Titanen“), um noch schnell auf den fahrenden Erfolgszug aufzuspringen. Und was soll man sagen? Dieser Film ist der beste Beweis dafür, dass 3D im Moment nicht mehr als eine optische Spielerei ist, die allerdings hervorragend dazu geeignet ist, Filme, die nur von ihren visuellen Spielereien leben, spürbar aufzuwerten. Die Handvoll Actionszenen, die von Anderson auf den Punkt inszeniert werden, machen unfassbar viel Laune. In 3D umherfliegend Patronenhülsen, durch die Luft wirbelnder Mörtel, auf das Publikum zurasende Wurfsterne, sowie nicht zuletzt die nun in der dritten Dimension metzelnden Milla Jovovich – all dies macht im Verbund mit dem knackigem Soundtrack ziemlich Laune.

So weit so gut. Die Kehrseite von der Medaille ist jedoch, dass abseits der optischen Brillanz, die immer wieder aufblitzt, gähnende Leere herrscht so weit das Auge reicht. So gehören die Dialoge sicherlich zum absolut dämlichsten, was seit längerer Zeit im Kino zu sehen war. Hinzu kommt eine absolut verschlafen wirkende Synchronstimme von Jovovich, die den Eindruck eines auf Valiums gesetzten Faultiers erweckt. Inhaltlich ist bei dem Franchise ohnehin schon immer Hopfen und Malz verloren gewesen. Nach dem Ausflug in dunkle Gewölbe (Teil Eins), einer ganzen Stadt (Teil Zwei), sowie einer unfassbar anödenden Wüste (Teil 3), geht’s nun ab nach Los Angeles. Wieso, Weshalb, Warum? Selbst wer fragt, bleibt in diesem Fall dumm. Letztlich ist dies aber auch egal. Dass Anderson nichts mehr einfällt, zeigt sich nicht zuletzt daran, dass er sich reichlich hemmungslos aus dem Bauchladen des Actionfilms bedient. Von „Matrix“ bis „Blade II“ ist. Ähnlichkeiten sind keinesfalls zufällig, und stets gewollt. Insgesamt bleibt zu sagen, dass es sich bei „Resident Evil – Afterlife“ – 3D sei Dank – um einen über weite Strecken unterhaltsamen No-Brainer handelt, den man sich aber nur ansehen sollte, wenn man Gefallen an der optischen Spielerei der dritten Dimension findet. Der Rest ist nämlich gewöhnliche Kost von der Stange, der niemandem hinter dem Offen hervorlocken dürfte. – Fazit: 6 von 10 Punkten.

Happy Birthday

2010-09-19T13:09:00.002+02:00

Fotos: Dolorix

Nun wäre es fast an mir vorbei gegangen, aber es ist wie es ist und man kann es nicht ändern. „Kino, TV & Co“ wird heute schon ganze drei Jahre alt. Wer hätte das vor drei Jahren gedacht? Ich sicherlich nicht. Da trifft es sich doch gut, dass es hier in den letzten Wochen sogar wieder ein wenig was zu lesen gab. Es geht also weiter, keine Sorge, auch wenn im Moment einfach andere Dinge im Vordergrund stehen. In diesem Sinne bedanke ich mich wie immer bei all meinen stillen, aktiven oder sonstigen Lesern. Schaut auch in Zukunft regelmäßig rein und diskutiert fleißig mit. Bis dahin: Einen schönen Sonntag.

Rezension: "Smokin' Aces"

2010-09-14T14:17:00.006+02:00

Das Kino eines Quentin Tarantino oder eines Guy Ritchie erfreut sich seit Jahren anhaltender Beliebtheit. Da vermag es natürlich nicht zu verwundern, dass deren stilistischen Eigenarten und deren Ideen ganz gerne mal von Anderen kopiert werden. Dies liegt in der Natur der Sache und ist prinzipiell gar nicht weiter schlimm. Zwischen Kopieren und Verstehen besteht jedoch bisweilen ein gewaltiger Unterschied. Nichts ist peinlicher, als wenn auf Zwang ein Stil kopiert werden soll, den man abseits der glänzenden Oberfläche nicht verstanden hat. Noch peinlicher – obschon das schwerlich möglich ist - ist es allerdings, wenn man es noch nicht auf einmal auf die Reihe bekommt, das glänzende Etwas, das sogar der sprichwörtliche Blinde mit dem Krückstock erkennen würde, einzufangen und für die eigenen Zwecke zu nutzen. Joe Carnahans missratender Bastard von einem Film „Smokin' Aces“, der so gerne wie Tarantino oder Ritchie wäre, ist einer dieser Fälle. Das ist umso überraschender, als Carnahan mit „Narc“ einst einen grundsoliden Copthriller inszeniert hat, der sich durchaus sehen lassen kann. „Smokin' Aces“ gleicht jedoch dem sprichwörtlichen Griff in die Keramik, misslingt dem Film doch so ziemlich alles, was misslingen kann.

Primo Sparazza (Joseph Ruskin), einer der letzten Clan-Chefs der Cosa Nostra liegt im Sterben. Vor seinem Dahinscheiden gibt der Alte noch den Befehl aus, den bei der Mafia in Ungnade gefallenen Buddy „Aces“ Israel (Jeremy Piven) ins Jenseits zu befördern. Um sicher zu gehen, dass Israel auch tatsächlich das Ticket in die ewigen Jagdgründe löst, lässt Sparazza eine Prämie von Einer Million Dollar für Israels Herz ausloben. Diese absurd hohe Summe bestärkt die ermittelnde Polizei darin, Buddy Israel zum Kronzeugen der laufenden Ermittlungen gegen Sparazza zu machen. Das Problem dabei: Israel befindet sich nicht in der Gewalt der Polizei, sondern für Jeden gut zugänglich in einer Hotelsuite in Nevada zwischen Koks, Blackjack und Nutten. Deswegen werden die FBI-Agenten Richard Messner (Ryan Reynolds) und Donald Carruthers (Ray Liotta) von ihrem Vorgesetzten Stanley Locke (Andy Garcia) damit beauftragt, Israel in Schutzhaft zu nehmen, bevor der künftige Kronzeuge – und damit die Ermittlungen – ernsthaften Schaden nehmen. Selbstredend machen sich aber nicht nur Messner und Carruthers auf den Weg nach Nevada, sondern eben auch das schlimmste Geschmeiß, was das kriminelle Milieu zu bieten hat.

Nachdem Carnahan die reichlich ungelenke Exposition der ganzen Chose erst einmal hinter sich gebracht hat, kennt „Smokin' Aces“ nur noch eine Richtung. Mit Vollgas voraus in den Untergang. Was sich als Handlung tarnt, und sich tatsächlich erdreistet gegen Ende auf einmal einen auf Moral und Ernst machen zu wollen – der Gipfel der Lächerlichkeit – ist reine Staffage, um die auf cool getrimmten, dabei aber keinesfalls coole Baller-Äääktschnn in nicht nur blutiger, sondern auch absolut dämlicher Art und Weise zu inszenieren. Wo Gewalt bei Quentin Tarantino niemals reiner Selbstzweck ist und Guy Ritchie, vor allem in seinen früheren Filmen, ein wunderbares Gespür für echte Typen besitzt, beweist Carnahan, dass er mit „Smokin' Aces“ absolut, aber auch absolut gar nichts verstanden hat. Da rennen wild gewordene und saublöde Nazi-Klischees sabbernd und grunzend durch die Gegend, während wilde Killerlesben zum großangelegten Showdown rüsten. Das ist weder cool, noch unterhaltsam, sondern geistiger Dünnpfiff aller ersten Güte.

Das schlimme dabei: Hat Carnahan inhaltlich schon nichts zu bieten, vermasselt er den Film so also auch noch inszenatorisch. Was für gewöhnlich als launiges Style over Substance durchgewunken werden könnte, erweist sich im Fall von „Smokin' Aces“ als no Substance, no Style. Ganz starke Leistung. Da passt es absolut ins Bild, das auch die Darsteller verbraten werden, als ob man diese im 99-Cent-Laden um die Ecke vom Grabbeltisch erstanden hätte. Ray Liotta und Andy Garcia glänzen durch darstellerische Abstinenz, Ryan Reynolds mit abwesendem Charisma. Jeremy Piven, Ben Affleck, Chris Pine. Alle – mitgehangen, mitgefangen – fest verwoben im ganzen Elend dieses traurigen Desasters. Die größte Lachnummer ist allerdings das Schauspieldebüt von Alicia Keys, für gewöhnlich wunderbare Sängerin, hier jedoch dermaßen auf Krampf gegen ihr Image gebürstet, dass es nur noch lächerlich ist. Während sich Keys also mit diversen fucks durch die Handlung bitched (huch, wie verrucht), sehnt man sich nur noch der erlösenden Gnade des Endes entgegen. Das wartet dann mit einem vermeintlich grandiosen Twist auf, zeugt jedoch vielmehr davon, wie wenig „Smokin' Aces“ die Vorbilder, die der der Film vergeblich zu zitieren sucht, verinnerlicht hat. Was für ein Dreck. – Fazit: 2 von 10 Punkten.

Rezension: "Friendship"

2010-09-12T11:30:00.003+02:00

Die DDR lebt. Zumindest auf der Leinwand. Und damit steht sie nicht allein. Auch das zweite große Kapitel deutscher Zeitgeschichte, das Dritte Reich, erfreut sich seit Jahren einer stabil bleibenden Hochkonjunktur. Das Interesse der Fernseh- und Kinozuschauer an der fiktiven Aufbereitung historischer Stoffe gehört somit nicht nur zu den unumstößlichen Konstanten im Filmkalender, sondern verlagert den Prozess der doppelten Vergangenheitsbewältigung, den sich die deutsche Gesellschaft seit der Wiedervereinigung zu stellen hat, auch und vor allem in die Populärkultur. Im Fall der fiktiven Aufarbeitung und Thematisierung der DDR-Geschichte, sicherlich auch wegen des geringen Zeitabstands seit dem Mauerfall, ein schwieriges Thema, gelingt dies – naturgemäß – mal mit mehr und mal mit weniger Erfolg. Schwappte noch vor einigen Jahren die so genannte Ostalgie-Welle durch das Land, wurde diese in den letzten Jahren von ernsteren Stoffen abgelöst. Zu nennen ist hier sicherlich zuvorderst „Das Leben der Anderen“, der insbesondere mit dem Gewinn des Oscars für den besten fremdsprachigen Film große Aufmerksamkeit erregte. Im Fall von „Friendship“ fällt es jedoch schwer, den Film in die eine oder die andere Kategorie einzuordnen. So präsentiert sich der Film als wilder Road Trip durch die Genres, was „Friendship“ einerseits äußerst interessant macht, andererseits jedoch auch immer wieder mal ein Bein stellt.

Ostberlin kurz nach dem Fall der Mauer. Die beiden besten Kumpels Veit (Friedrich Mücke) und Tom (Matthias Schweighöfer) überlegen, was sie mit ihrer neugewonnenen Freiheit anstellen wollen. Insbesondere Tom, der sich nie so recht in die Ordnung des ostdeutschen Staates einpassen konnte, träumt von den Versprechungen des Westens. So kommt ihm der Plan von Veit nach San Francisco zu fliegen und dort nicht nur die Golden Gate Bridge zu besuchen, sondern auch seinen Vater, der schon vor Jahren aus der DDR geflohen ist, zu überraschen. Unglücklicherweise reicht das Geld der beiden Freunde nur für einen Flug bis nach New York. Aber wo ein Wille ist, ist auch ein Weg und so stehen Tom und Veit einen Tag später inmitten des Big Apples. Ausgestattet mit ihren noch zu DDR-Zeiten gedrehten Amateurfilmen, zweifelhaften Englischkenntnissen, sowie der sagenhaften Summe von 55 Dollar, beginnt ein wüster Road Trip quer durch die amerikanische Weite, der sie ihrem großem Ziel langsam aber sich näher bringt.

„Friendship“ ist keineswegs reine Fiktion, sondern beruht auf den Erlebnissen des Filmproduzenten Tom Zickler, der nach dem Fall der Berliner Mauer zusammen mit seinem Freund eine Reise durch die Vereinigten Staaten unternahm. Einiges von dem, was Tom und Veit auf ihrer Reise durchleben, ist also mit Sicherheit von den Erlebnissen Zicklers inspiriert. Wie bereits angedeutet, gelingt Regisseur Markus Goller mit seinem Film eine ganze Menge, jedoch leider nicht Alles. Zwar fängt Goller, wohl auch auf Grund der Tatsache, dass er selbst in den USA lebt, die amerikanische Weite wunderbar ein, inhaltlich kann „Friendship“ jedoch nicht vollständig überzeugen. Gerade der dramaturgische Kniff gegen Ende, der den Film überdeutlich von dem Ostalgiestempel befeien soll, wirkt – so löblich das Ansinnen durchaus ist – ein wenig zu aufgesetzt, zumal in „Friendship“ bis dahin wenig bis gar nicht hinterfragt wird. Dass es sich bei der Verquickung von Komödie und Drama um eine anspruchvolle und äußerst schwierig umzusetzende Filmform handelt, wird im Fall von „Friendship“ überdeutlich. Dass der Film nichts desto trotz funktioniert, hat er dann vor allem den beteiligten Schauspielern zu verdanken.

Während Matthias Schweighöfer äußerst solide agiert, ist es Friedrich Mücke, der vor allen Anderen zu überraschen weiß. Mücke spielt überaus nuanciert und zurückhaltend, dabei stets auf den Punkt gebracht. Ihm gelingt so der schwierige Spagat zwischen vordergründiger Pointe und emotionaler Tiefe. Wäre das Drehbuch so vielschichtig angelegt gewesen, wie Mücke spielt, hätte „Friendship“ sicherlich in andere Sphären vordringen können. So aber verlässt sich der Film auf seine mal mehr und mal weniger gelungen umgesetzten skurrilen Abenteuer, die die beiden Freunde auf ihrer Reise überstehen müssen. Das Spiel mit den Klischees, hüben wie drüben, gehört dabei zu den narrativen Eckpfeilern des Films, ebenso wie die leider viel zu stereotype Dreiecksgeschichte um eine Frau (gleichwohl von Alicja Bachleda-Curuś formidabel verkörpert), die alsbald zwischen den beiden Freunden steht. Gleichwohl handelt es sich bei „Friendship“ in der Summe über eine durchaus gelungene deutsche Komödie. Dies ist bei all den unlustigen deutschen Filmen, die mit schöner Regelmäßigkeit auf die Kinobesucher losgelassen werden, schon einmal eine ganze Menge wert. – Fazit: 7 von 10 Punkten.

Kurz und Knackig Vol. 8

2010-09-08T19:02:00.009+02:00

„Battle Royale“ (2000)

Meine Ausflüge in die asiatische, respektive japanische Filmwelt sind äußerst rar gesät. Auch die Sichtung von „Battle Royale“ wird an dieser Tatsache nicht sonderlich viel ändern, auch wenn das Gezeigte durchaus als unterhaltsam bezeichnet werden darf. Wie zu lesen ist, löste „Battle Royale“ selbst in Japan eine Diskussion über Gewaltdarstellung in den Kinos aus, was wohl zur Folge hatte, dass der Film für Jugendliche unter 16 Jahren nicht freigegeben wurde. Was daran jetzt so bemerkenswert sein soll, erschließt sich allerdings nicht wirklich, muss doch nach Sichtung des Films konstatiert werden, dass der Film – so wie in Deutschland geschehen – eher ab 18 und nicht ab 16 Jahren freigegeben werden sollte. Der Film, der von einem dystopischen Japan erzählt, in dem einmal im Jahr eine durch den Zufall bestimmte Klasse von Neuntklässlern auf eine verlassene Insel verfrachtet wird, wo sich die Gören dann bis zum Tod bekämpfen sollen – nur der letzte Überlebende erhält die Möglichkeit in die Zivilisation zurückzukehren – ist nämlich durchaus starker Tobak. Erstaunlicherweise ist jedoch festzustellen, dass in dem Kinder-Schlachtfest, um es mal plastisch auszudrücken, zu wenig gemetzelt und zu viel debattiert wird. Da nämlich auch im Fall von „Battle Royale“ gilt, dass einem die Figuren ebenso egal sind, wie das ganze Gesülze drum herum, erweist sich der Film abseits seiner dann doch durchaus blutigen Actionsequenzen als ziemlich zäh und bemüht. Insgesamt also ein durchaus unterhaltsamer, letztlich aber nicht weiter bemerkenswerter Abstecher in die halbseidene Welt des japanischen Genrekinos – Fazit: 6 von 10 Punkten.

„Ein (un)möglicher Härtefall“ (2003)

Eine romantisch angehauchte Komödie von den beiden Coen-Brüdern? Die Frage, ob dies gut gehen kann, ist angesichts des Oeuvres der beiden Regisseure mit der Vorliebe für schräge Filme durchaus berechtigt, letztlich allerdings nicht ganz eindeutig zu beantworten. Zunächst einmal ist festzuhalten, dass ein Coen ein Coen ist. Auch im Fall dieses, geht man nach der Inhaltsangabe , so eindeutigen Chick flicks ist von der ersten Minute an offensichtlich, dass man es hier mit einem Coen-Film zu tun hat. Schräge und narzisstische Charaktere, sowie immer mal wieder überzeugende Situationskomik führen dazu, dass sich der geneigte Coen-Jünger auch in diesem Film heimisch fühlen darf. Leider vermag „Ein (un)möglicher Härtefall“ jedoch nicht vollständig zu überzeugen. Die Geschichte um den von Clooney gespielten Scheidungsanwalt Miles Massey, der sich mehr Gedanken über das Bleichen seiner Zähne, als um seine Mitmenschen macht, sowie der Heiratsschwindlern Marilyn Rexroth, von Catherine Zeta-Jones verkörpert, hat sicherlich Potential, wird aber zu selten ausgeschöpft. Selbstverliebter Karrierist verknallt sich in eiskalte Herzensbrecherin. End of the Story. Was die Chance eröffnen würde, ein urkomisches Intrigenspiel aufzuziehen, kommt leider viel zu kurz. Stattdessen verplempern die Coens viel zu viel Zeit, um Figuren und Setting einzuführen, und dann – wenn alles angerichtet ist – ist plötzlich Schluss. Damit krankt der Film an dem gleichen Übel, das wenige Jahre später auch „Burn after Reading“ fast das Genick brechen wird. – Fazit: 6,5 von 10 Punkten.

„Get Smart“ (2008)

Dass „The Office“-Star Steve Carrel ausgeprägtes komödiantisches Talent besitzt, stellt der Amerikaner nicht nur im Fernsehen, sondern auch immer mal wieder im Kino unter Beweis. „Jungfrau (40), männlich, sucht…“ sowie „Little Miss Sunshine“ seien an dieser Stelle exemplarisch genannt. „Get Smart“ darf nun dieser Liste ohne große Bedenken hinzugefügt werden. Die äußerst vergnügliche Agentenkomödie punktet dabei nicht nur mit gekonnter Situationskomik, sondern profitiert vor allem auch vom Zusammenspiel seiner beiden Hauptdarsteller. So steht Carrel die wieder einmal bezaubernde Anna Hathaway zur Seite und in Sachen Humor in nichts nach. Basierend auf der gleichnamigen Serie von Mel Brooks aus den Sechziger Jahren, entspinnt sich ein mit zunehmender Spielzeit immer flotterer Spaß, der mit spielender Leichtigkeit die Laune zu verbessern mag. Ein echtes Feel Good Movie wie man es sich häufiger wünschen würde. Nicht zu ernst, aber auch nicht zu albern. Ohne großen Anspruch, aber auch nicht zu dämlich. Woran sich unzählige Filme die Zähne ausgebissen haben, scheint hier praktisch im vorbeigehen zu funktionieren. Es kommt nicht häufig vor, dass ich mir eine Fortsetzung wünsche, in diesem Fall hätte ich allerdings keinerlei Einwände. Einstweilen muss ich mich jedoch dringend Carells neuem Film „Date Night“ zuwenden, auch wenn die Kritiken trotz des Mitwirkens von Tina Fey eher gemischt ausfielen. – Fazit: 8 von 10 Punkten.

„Der letzte König von Schottland“ (2006)

Anfang der Siebziger Jahre kam in Uganda Idi Amin an die Macht. Dessen Diktatur sollte in den knapp zehn Jahren seiner Herrschaft zwischen 300000 und 400000 Menschen das Leben kosten. „Der letzte König von Schottland“ verhandelt Amins Tyrannei einerseits auf der Basis tatsächlicher Ereignisse, sowie andererseits anhand der gleichnamigen Romanvorlage von Giles Foden. Dies ist schon allein deshalb reizvoll, weil hier von vornherein versucht wird, ein dunkles Kapitel der Historie fiktiv zu erzählen, und so darauf verzichtet wird, einem Spielfilm einen quasidokumentarischen Charakter zu verleihen. Bernd Eichinger sollte sich daran mal ein Beispiel nehmen, wenn er sich das nächste Mal an einer historischen Verfilmung versucht. Leider macht aber auch „Der letzte König von Schottland“ bei Weitem nicht alles richtig. Zwar gibt es an der völlig zu Recht oscarprämierten Performance von Forest Whitaker nichts auszusetzen, für seinen Nebenpart James McAvoy kann dies allerdings nur eingeschränkt behauptet werden. Mag es McAvoy zunächst noch gelingen den jovialen und etwas naiven Charakter des frischgebackenen Arztes, der sich von dem Charme des Diktators um den Finger wickeln lässt, annehmbar zu verkörpern, gilt dies für die Darstellung der Läuterung seiner Figur eben nicht mehr. Dies allerdings ist für den Film ein echtes Problem, wie überhaupt konstatiert werden muss, dass der von Kevin Macdonald inszenierte Film mit zunehmender Spielzeit sukzessive schwächer wird. So ist der offensichtlich empfundene Zwang am Ende noch auf drastische Bilder der Gewalt zurückgreifen zu müssen, auch der Tatsache geschuldet, dass man vorher nicht genug Wert auf die Ausdifferenzierung der verschiedenen Facetten des Diktators gelegt hat. Was bleibt ist ein überragender Whitaker, der die teils eminenten Schwächen des Films jedoch nicht vollständig zu überdecken vermag. – Fazit: 7 von 10 Punkten.

„Der Tag, an dem die Erde stillstand“ (2008)

Es ist wirklich zum Schmunzeln, wenn man liest, dass Keanu Reeves für Regisseur Scott Derrickson die einzige Wahl für die Besetzung des außerirdischen Botschafters in „Der Tag, an dem die Erste still stand“ gewesen ist. Warum das so ist, erschließt sich, wenn man sich ins Gedächtnis ruft, dass One Face Reeves immer dann gut ist, wenn er mit seinem einzigen stoischen Gesichtsausdruck durch den Film stiefeln darf. Leichtes Spiel für Reeves also. Aber auch ansonsten erweist sich das Remake des gleichnamigen Vorgängers aus den Fünfziger Jahren, hier nun natürlich von der Metaphorik des Kalten Krieges befreit, als solide Science-Fiction Unterhaltung. Insbesondere der flotte Beginn, der die Erdenbürger mit einem urplötzlichen, alles zerstörenden Einschlag eines unbekannten Objekts konfrontiert, erweist sich als überaus gelungen. Der weitere Verlauf kann allerdings nicht halten, was der erfrischende Auftakt verspricht. Die dem Film zu Grunde liegende Botschaft des Films – Trottel Mensch zerstört die Erde – wird dem Publikum in der Folge mit dem Holzhammer eingetrichtert. Übertroffen wird dies nur noch von der stereotypen Darstellung der amerikanischen Regierung, die in ihrem militärischen Aktionismus natürlich alles falsch macht, was es falsch zu machen gibt. Zu Gefallen wissen in diesem Film hingegen die Darsteller. Jaden Smith, einer der Sprösslinge von Will Smith, präsentiert sich auch ohne seinen Vater als überzeugender Jungdarsteller, während der kleine Auftritt von John Cleese sicherlich zu den gelungensten Momenten des Films gehört. Jennifer Connelly schließlich müht sich redlich ihrer recht eindimensionalen Rolle ein wenig Profil zu verleihen, was ihr glücklicherweise auch gelingt. – Fazit: 5,5 von 10 Punkten.

„Street Kings“ (2008)

Kennst du Einen, kennst du Alle. „Street Kings“ erweist sich als erneuter Versuch Korruption und Verbrechen innerhalb der Polizei zu thematisieren. Und um es von Beginn an zu sagen: Diesen Film hätte es wahrlich nicht gebraucht. Ein vom Dienst gezeichneter Cop (Keanu Reeves), mit – natürlich – tragischer Lebensgeschichte ballert sich durch den Sumpf der amerikanischen Gesellschaft, während in seiner eigenen Behörde Zustände wie in Sodom und Gomorrah herrschen. Reeves, der in „Street Kings“ wenig überzeugend agiert – braucht es doch mehr als einen Gesichtsausdruck - ist in diesem Fall allerdings nur das Geringste von zahlreichen Übeln. Über die Tatsache, dass James Ellroy bei dem Drehbuch mitgeschrieben hat, denkt man am Besten gar nicht erst großartig nach, oder aber man versucht sich einzureden, dass er sicherlich und hoffentlich kaum etwas dazu beigetragen hat. In all den bemühten Stereotypen und Klischees des Genres, versucht sich „Street Kings“ als vermeintlich intelligent konstruierter Thriller zu verkaufen, was kolossal fehlschlägt. Der Plot des Films ist nämlich in etwa so überraschend wie Sonne im Sommer. Forest Whitaker verkommt in „Street Kings“ zu allem Überfluss zu einer eindimensionalen Karikatur. Einzig der aus „House“ bekannte Hugh Laurie vermag in dem Film wirklich zu überzeugen. – Fazit: 5 von 10 Punkten.

Rezension: "Inception"

2010-09-05T15:12:00.006+02:00

Christopher Nolan gilt bei nicht Wenigen mittlerweile als neuer Stern am Blockbusterhimmel, weil er der seichten, dabei gleichzeitig so beliebten Massenware, so der Konsens neuen Glanz verliehen hat. Das Publikum darf ausnahmsweise wieder mitdenken, muss sich Gedanken machen über eine Geschichte, die verschachtelt, engmaschig verwoben und somit nicht leicht zu knacken ist. Endlich mal wieder ein Film, über den es hinterher zu reden lohnt. Nun ist das alles mit Sicherheit nicht ganz falsch. Nolan ist tatsächlich ein sehr guter Film gelungen, der eine ansprechende Story mit tollen Bildern und Effekten garniert hat. Nichts desto trotz erscheint es mir nicht angebracht, dass die Rezeption des Films vor allem diesen Aspekt preist, um „Inception“ in den Rang eines Meisterwerks zu erheben. Denn sind wir doch einmal ehrlich: Ist es nicht traurig genug, dass das, was eine Selbstverständlichkeit sein sollte, nämlich eine halbwegs intelligente Geschichte zu erzählen, im Blockbusterkino zu solch einem Alleinstellungsmerkmal verkommen ist, dass dessen Erschaffer nun mit einem Heiligenschein beweihräuchert zum Erlöser des Sommerkinos stilisiert wird? Nun ist das alles nicht das Problem von Christopher Nolan, sondern Sache der Rezeption. Und folglich darf der Mann, der mit „Batman Begins“ und insbesondere „The Dark Knight“ bewiesen hat, dass er massentaugliche Stoffe mit Ecken und Kanten versehen kann, für sich in Anspruch nehmen, einen ziemlich gelungenen Film abgeliefert zu haben.

Dom Cobb (Leonardo DiCaprio) ist ein Dieb und Spion der besonderen Art. Er dringt im Auftrag seiner Klienten in die Träume anderer Menschen ein, um deren geheimste Gedanken zu stehlen. Dass dieses Unterfangen nicht ohne Risiken verbunden ist, erfahren Cobb und sein Team am eigenen Leib, als der Auftrag, dem Industriellen Saito (Ken Watanabe) dessen Geschäftsgeheimnisse abzuluchsen, kolossal fehlschlägt. Von nun an ist Cobb in Saitos Hand, und soll bei dessen Geschäfstkonkurrenten Fisher (Cillian Murphy) eine Inception, das Meisterstück eines jeden Traumdiebs, durchführen. Unter einer Inception wird das Einpflanzen eines fremden Gedankens in das Hirn des Delinquenten verstanden. Im Fall Fisher soll dieser dazu gebracht werden, den Konzern seines Vaters nach dessen Tod zu Saitos Vorteil zu zerschlagen. Cobb willigt schließlich in die riskante Operation ein. Nicht zu letzt deshalb, weil ihm Saito im Erfolgsfall die Möglichkeit zur Rückkehr nach Amerika und damit zu seinen Kindern in Aussicht stellt. In den USA wird Cobb wegen dem vermeintlichen Mord an seiner Frau Mal (Marion Cotillard) gesucht. Um die Inception durchführen zu können, versammelt Cobb in der Folge ein Team um sich, dass aus Arthur (Joseph Gordon-Levitt), dem Organisator, Ariadne (Ellen Page) der Architektin der zu erschaffenden Traumwelten, sowie aus dem Täuscher Eames (Tom Hardy) und dem Chemiker Yusuf (Dileep Rao) besteht. Als die Vorbereitungen abgeschlossen sind und sich Fisher in der Gewalt von Cobb und seinem Team befindet, beginnt eine gefährliche Reise tief hinab in die Welt der Träume, die dadurch erschwert wird, dass Cobb in seinem Unterbewusstsein von einer Projektion seiner verstorbenen Frau verfolgt wird.

Nun ließe sich über die Interpretation von „Inception“ mit Sicherheit vortrefflich streiten. Nichts ist so wie es scheint, das gilt auch in diesem Film und Nolans letzter Kamerashot auf das Totem von Cobb, den drehenden Kreisel, ist nur der für den Zuschauer offensichtlichste Clou, um beim Kinopublikum das große Aha-Erlebnis zu evozieren. Abseits dessen hat der Film bereits eine ganze Reihe weiterer Interpretationen hervor gebracht. „Inception“, verstanden als ein großer Traum Cobbs und gleichzeitige Analogie auf das Filmemachen an sich – eine Interpretation die ich zum Beispiel besonders reizvoll finde. Wie man Nolans neusten Film verstehen möchte, liegt in der Tat an einem selbst. Wesentlicher für die Bewertung sind neben der bewusst offen gestalteten Deutungspotentiale freilich ganz andere Dinge. Nolans Reflexion über die Macht der Träume, die Geschichte an sich, ist nicht ohne Reiz. Allerdings – und das ist ebenso unumstößlich – betritt Nolan bei diesem Thema weder Neuland, noch setzt er hier Maßstäbe. So beeindruckend seine Traumwelten gerade zu Beginn von „Inception“ durchaus sein mögen (so sind die sich verschiebenden und sich spiegelnden Häuserschluchten von Paris, die dem Willen der Architektin Ariadne folgen, sicherlich echtes Eye Candy), bleibt festzuhalten, dass Nolan sehr bedacht darauf ist, seinem Publikum nicht zuviel zuzumuten. Nolans Traumwelt ist, so verschachtelt sie auf den ersten Blick auch sein mag, recht linear. Dies schlägt sich auch in der visuellen Inszenierung seiner Traumwelten wieder. Das affektive, surreale und damit emotionale Traumgerüst eines David Lynch wird man in „Inception“ nicht finden.

Weil sich die Komplexität des Films nicht auf der visuellen Ebene abspielt, verankert Nolan die avisierte Vielschichtigkeit seines Filmes auf der erzählerischen Ebene. Der Clou, dass sich die Protagonisten irgendwann nicht mehr nur in einem Traum, sondern in einem Traum im Traum, gar in einem Traum im Traum im Traum befinden, ist ein zwar wirkungsvoller aber natürlich wiederum auch beliebiger Taschenspielertrick, den Nolan aus dem Hut zieht. Das tut dem Vergnügen zwar keinen Abbruch, wirft allerdings die berechtigte Frage auf, ob die von Nolan im Film aufgestellten Regeln einer kritischen Überprüfung standhalten würden. Je tiefer Cobb in die diversen Traumschichten vorstößt, desto unübersichtlicher wird die gesamte Angelegenheit, was von Nolan mit Sicherheit auch genauso intendiert worden ist. Doch ist es ohnehin nicht primär die Story an sich, sondern – wie bereits erwähnt – das Gesamtpaket, das „Inception“ zu einem rundum gelungenen Film werden lässt. Oszilliert die Optik in „Inception“ zwischen echtem Hingucker (Paris, Cobbs & Mals Stadt) und Langeweile (Ödnis im Schnee), ist es vor allem der zwar recht abwechslungsarme dafür aber absolut atmosphärische Score von Hans Zimmer, der zu Gefallen weiß.

Auch darstellerisch gibt es mit Sicherheit kaum etwas zu bemängeln. Leonardo DiCaprio erweist sich in „Inception“ ein weiteres Mal als souverän agierender Darsteller, dessen Rolle hier allerdings ein wenig zu sehr an seine Interpretation des Edward „Teddy“ Daniels aus Scorseses „Shutter Island“ erinnert. Gleichwohl ist zu konstatieren, dass sich DiCaprio in den letzten Jahren zu dem nachgefragtesten Schauspieler seiner Generation entwickelt hat, der in kürzester Zeit mit Größen wie Scorsese, Mendes oder nun eben Nolan zusammenarbeiten durfte. Ansonsten ist es eine große Freude Ken Watanabe wieder auf der Leinwand erleben zu dürfen, der – abgesehen von seinem wenig überzeugenden Gastspiel in „Mitternachtszirkus“, zu den wahren Könnern seines Fachs („Letters from Iwo Jima“) gezählt werden darf. Marion Cottilard, längst kein Geheimtipp mehr, darf in „Inception“ sicherlich den interessantesten Part verkörpern. Es ist ihre Darstellung der düsteren Femme Fatale, die am längsten im Gedächtnis bleiben dürfte. Für Ellen Page gilt dies allerdings nicht, die – wie auch die anderen drei Protagonisten aus Cobbs Team – recht austauschbar erscheint. Michael Caine schließlich gefällt mit einem kleinen Gastaufritt vor allem auch deshalb, weil Caine prinzipiell gefällt – egal was er gerade zu spielen hat.

Insgesamt ist Christopher Nolan der bislang beste Film des Jahres gelungen, was allerdings – ohne „Inception“ abqualifizieren zu wollen – weniger dem Film an sich, sondern dem in der Summe doch bislang recht schwachen Kinojahr zu verdanken ist. Nimmt sich Nolan zu Beginn angenehm viel Zeit um Welt und Figuren zu erklären, entspinnt sich in der Folge ein über weite Strecken packender Film, der in einzelnen Momenten eine geradezu atemberaubende Dynamik entfaltet, die Nolan allerdings nicht über die gesamte Spielzeit aufrechtzuerhalten vermag. Gerade in dem „Schnee-Level“ macht sich die weitestgehend kreativarme Umsetzung der jeweiligen Traumwelt negativ bemerkbar, ohne freilich zu einem Totalausfall zu werden Letztlich ist dies jedoch eine durchaus passende Analogie auf den gesamten Film an sich. Es ist bei Weitem nicht alles Gold was glänzt, doch wann immer es sich bei „Inception“ nicht um Gold handelt, ist es zumindest Silber. Dass dies weitaus mehr ist, als das mittlerweile fast nur noch Blech und Schrott produzierende Blockbusterkino Hollywoods für gewöhnlich hinbekommt, steht außer Frage. Gleichwohl täte man gut daran, sich in Erinnerung zu rufen, dass Nolans Streben nach intelligenter Unterhaltung sicherlich kein Grund für einen solch explodierenden Sturm der Euphorie ist, wie ihn der Feuilleton zum Kinostart dieses auch so ausgezeichneten Films entfesselt hat. – Fazit: 9 von 10 Punkten.

FFF: "Four Lions"

2010-09-02T17:25:00.004+02:00

Sich über verblendete Fundamentalisten und schwachsinnige Ideologien hemmungslos lustig zu machen, ist eine der schönsten Traditionen des Kinos. Schon Charlie Chaplin hat dies gewusst, und den großen Diktator als kleines Würstchen entlarvt. „Four Lions“, der auf dem diesjährigen Fantasy Filmfest hoffentlich den „Fresh Blood“-Award gewinnen wird, führt nun dem internationalen Terrorismus seine eigene Schwachsinnigkeit vor Augen. Der Tatsache, dass sich überall auf der Welt Verblendete im Namen irgendeines Gottes in die Luft sprengen, um möglichst viele Unschuldige aus dem Leben zu reißen, kann und sollte man manchmal mit blankem Hohn begegnen. Genau dies ist dem Briten Chris Morris mit seinem Spielfilmdebüt, das bereits auf dem Sundance Festival hoch gelobt wurde, gelungen. Morris präsentiert in „Four Lions“ vier angehende Suicide Bombers aus der britischen Mittelschicht, die sich bei ihrem ach so frommen Ansinnen ungeschickter als der sprichwörtliche Elefant im Buckingham Palace anstellen. Zwei von Ihnen fliegen hochkant aus einem pakistanischen Ausbildungslager für Terroristen, der dritte im Bunde stattet Krähen mit mobilen Sprengsätzen aus. Last but not least ist da auch noch der Konvertit, der Schlimmste von Allen. Sein Plan: im Namen Allahs eine Moschee in die Luft sprengen. Dies würde, so sein Plan, die moderaten Moslems gegen die westliche Gesellschaft aufwiegeln, und den Dschihad endgültig entfesseln.

„Four Lions“ erweist sich als ultimatives Gagfeuerwerk, das sich vierer dermaßen bescheuerter Protagonisten bedient, dass es eigentlich schon gar nicht mehr feierlich ist. Chris Morris gelingt in diesem Film eigentlich fast alles, so gut wie nichts schlägt fehl. Politisch unkorrekt, in bester Tradition des berühmten britischen Humors, wird kein Blatt vor dem Mund genommen. Doch nicht nur die angehenden Terroristen, sondern auch der staatliche Sicherheitsapperat bekommt sein Fett weg. Nun ist „Four Lions“ mit Sicherheit keine tiefschürfende Reflexion über den Ursprung des internationalen Terrorismus, dies muss der Film auch gar nicht sein. Satire und Humor reichen völlig aus, um den großen Humbug des Tods im Namen Gottes zu entlarven. Man soll und man darf an diesem Film Spaß haben, befreit auflachen, wenn Köpfe wie wild und her geschüttelt werden, um die Fotos der Überwachungskameras unscharf werden zu lassen. Oder wenn SIM-Karten verspeist werden, um der Ortung durch die Behörden zu umgehen. Mit Arsher Ali, Riz Ahmed, Kayvan Novak und Nigel Lindsay haben sich in „Four Lions“ vier international unverbrauchte Gesichter versammelt, die großes komödiantisches Talent beweisen, und von denen man in Zukunft hoffentlich noch mehr sieht. Das wahre Meisterstück ist Chris Morris jedoch gegen Ende des Films gelungen. Ihm gelingt etwas ganz Besonderes, auf das ich hier nicht eingehen kann und will. Wer den Film gesehen hat, wird hoffentlich wissen, wovon ich spreche. „Four Lions“ ist, so viel sei gesagt, spätestens auf DVD eine Pflichtveranstaltung. “Fuck Mini Babybels!“ – Fazit: 9,5 von 10 Punkten

FFF: "Centurion" & "Tucker and Dale vs Evil"

2010-08-29T12:41:00.011+02:00

"Centurion"

Selbst im antiken Römischen Reich gab es Orte, an denen man sich lieber nicht aufhielt. Dazu gehörten ohne jeden Zweifel auch die Grenzgebiete an der Peripherie des Reiches. Britannien war einer dieser Orte, an denen sich die römischen Legionen ununterbrochen mit einheimischen Stämmen wie den Pikten herumschlagen mussten. Doch damit soll nun, so entscheidet Rom, endgültig Schluss sein. Die Legio IX unter der Führung von Titus Flavius Virilus wird in Marsch gesetzt, um im Piktenland einmal ordentlich aufzuräumen. Die Legion gerät jedoch – heimtückisch verraten – in den dichten Wäldern Britanniens in einen Hinterhalt und wird bis auf eine Handvoll Überlebender niedergemetzelt. Das überlebende Sextett versucht sich in der Folge, stets verfolgt von einer Gruppe Pikten, zu den eigenen Linien durchzuschlagen. Nach Marshalls gescheitertem Versuch dem Endzeitkino der Achtziger Jahre mit „Doomsday“ ein Denkmal zu setzen, durfte man gespannt sein, wie sich der Brite auf dem Gebiet des Sandalenfilms schlagen würde. In „Centurion“ zeigt sich nun, dass Fokussierung und Konzentration wahre Wunder bewirken kann. Litt „Doomsday“ neben einigen anderen Schwächen vor allem auch an der Unentschlossenheit des Geschehens, präsentiert sich Marshalls Historienkracher als gefälliges antikes hide and seek.

Überaus gefällige, in einen kühlen Blauton getauchte Landschaftsaufnahmen verleihen dem simplen, dafür aber recht stringenten Versteckspiel eine hübsche Atmosphäre, die mit der erwarteten Härte angereichert wird. In seinen Schlachtszenen präsentiert sich „Centurion“ als wohltuende Alternative zum mainstreamigen, von allen Ecken und Kanten befreiten Hochglanzgemetzel der großen Blockbuster, in denen der Schlachtentod immer wieder blutbefreit sowie geradezu leicht erscheint. Überdies implementiert Marshall mit Axelle Carolyn und Olga Kurylenko zwei Darstellerinnen, die aus dem üblichen Genreeinerlei auszubrechen vermögen. Gerade Kurylenko präsentiert sich als dem männlichen Actionhelden gleichberechtigte, von jeglicher Romantisierung befreite Amazone, die ganz selbstverständlich den Kommandanten der Legio IX im Zweikampf dahinschlachten darf. Insgesamt erweist sich „Centurion“ somit als unterhaltsames Actionspektakel ohne großen Anspruch, das insgesamt zu überzeugen vermag. Allerdings mangelt es den Protagonisten ein wenig an der Charakterisierung, so dass Darsteller wie Domic West oder Michael Fassbender beliebig und austauschbar erscheinen. – Fazit: 7 von 10 Punkten.

"Tucker and Dale vs Evil"

„Tucker and Dale vs Evil“ verdiente sich bereits bei dem Hamburger und Berliner Publikum des Fantasy Filmfest Bestnoten. Hannover wird dieser Empfehlung nun folgen. Regisseur Eli Craig ist es im Zuge seines Regiedebüts gelungen dem Slasher, genauer gesagt dem Backwood-Slasher, tatsächlich neue Facetten abzugewinnen. Tucker (Alan Tudyk) and Dale (Tyler Labine) sind die besten Freunde. Niemals würden sie auch nur einer Fliege Leid antun können. Alles was sie wollen ist gekühltes Dosenbier sowie ein paar entspannte Tage in deren neuen Ferienhaus. Leider sehen die beiden Kumpels aber weder sonderlich vertrauenswürdig aus, noch sind sie sonderlich clever. Als sie dann im Wald auf eine Gruppe urlaubender College-Teenies treffen, die Tucker and Dale für durchgeknallte Hillbilies halten, ist der Schlamassel vorprogrammiert. Dabei wollten die Beiden doch nur helfen und trotzdem bricht im tiefen Wald schon bald blutigstes Chaos aus, dem ein Teenager nach dem anderen zum Opfer fällt.

Einer der Gründe warum „Tucker and Dale vs Evil“ so gut funktioniert, ist die Beibehaltung der genretypischen Elemente bei gleichzeitiger Verkehrung. So sind sowohl die bedrohlich aussehenden Hinterwäldler, als auch die überdrehte Collegegruppe von nebenan vorhanden. Die Perspektive von „Tucker and Dale vs Evil“ ist jedoch verschoben. Während die vermeintlichen Psychopathen in Wirklichkeit nette Kerle sind, werden sie von den Teenangern, die ihr Urteil basierend auf dem Genuss der genretypischen Streifen treffen, als gemeingefährliche Monster gesehen. Das führt zu zahlreichen skurrilen Situationen, die ebenso blutig wie zum Brüllen komisch sind. Nun ist die Konzeption eines Films natürlich nur ein Aspekt, der niemals so gut funktioniert hätte, hätte sich der Film nicht auch seinen beiden Protagonisten gewidmet. Man spürt in „Tucker and Dale vs Evil“ einfach die Liebe zum Detail, die sich vor allem auch auf die beiden Hauptdarsteller überträgt. Alan Tudyk und Tyler Labine bilden ein kongeniales Duo mit blindem Verständnis und großem komödiantischen Gespür. Dass es für Eli Craig dann nicht für die höchsten Weihen reicht, liegt daran, dass „Tucker and Dale vs Evil“ das Tempo in der zweiten Hälfte spürbar zurücknimmt, um sogar noch eine kleine Botschaft unter das Volk zu bringen. Insgesamt erweist sich der Film jedoch als großartiger und morbider Klamauk, den man sich nicht entgehen lassen sollte. – Fazit: 8,5 von 10 Punkten.

Rezension: "Salt"

2010-08-25T19:22:00.019+02:00

Ein schäbiges Drecksloch irgendwo in Nordkorea. Zwischen Schmutz und Ratten windet sich ein gequälter, ausgemergelter Körper. Ohne Hoffnung auf Rettung dahinvegetierend, das Ende eines vermasselten Einsatzes stets vor Augen. Stets wissend, dass der eigene Arbeitgeber keinen Finger für eigene Rettung rühren wird, ziehen die Tage vorbei. Doch dann, eines Tages, die unverhoffte Freiheit. Ein Gefangenaustausch ist das Ticket aus der Hölle zurück in die Freiheit.

Evelyn Salt (Angelina Jolie) ist wieder auf freiem Fuß. Moment! Evelyn Salt? Ja, richtig gehört. Was sich verdächtig nach dem Beginn des Bond-Abenteuers „Stirb an einem anderem Tag“ anhört, markiert auch in „Salt“, dem neuen Film von Philip Noyce, den Startschuss eines in der Folge gutklassigen Agenten-Thrillers. Die 007-Anleihe erweist sich im übrigen als durchaus passgenau. Angelina Jolie nutzt die Möglichkeiten, die sich ihr durch die Rolle der gestählten Doppelagentin ergeben, um sich abseits ihrer semioptimalen Croft-Interpretation in einem Genre zu beweisen, dass sich seit einigen Jahren in Form des Bourne-Reihe sowie dem Reboot des Bond-Franchise bar jeglicher Ironie präsentiert. In dem weitestgehenden knackig und humorlos inszenierten Thriller mit moderatem Härtegrad, der nebenbei eine modernisierte Cold-War-Reloaded-Gedächtnisnummer abfackelt, ist es die omnipräsente Jolie, die „Salt“ ihren kühl-anziehenden Stempel aufdrückt. Tom Cruise, der ursprünglich für den Film vorgesehen war, hätte das auch nicht besser machen können. Zwar hätte „Salt“ sich ein gerade zum Ende des plötzlich ein wenig ins unentschlossenen wirkenden Plots ein wenig mehr fokussieren sollen, letztlich ist Noyce jedoch ein bemerkenswert straighter Action-Thriller mit starker Protagonisten gelungen. Unterstützung erfährt die Aktrice dabei von Liv Schreiber, der das spielt, was er zuletzt immer gespielt hat, sowie dem in Hollywood noch unverbrauchten und von Brad Pitt empfohlenen August Diehl. Dieser hat den Love Interest von Evelyn Salt zu spielen, ein Rollentypus, den er nach eigener Aussage früher immer gehasst hat. Aber wenn man die Möglichkeit bekommt Angelina Jolie zu küssen, muss man eben Kompromisse eingehen. – Fazit: 8 von 10 Punkten.

Rezension: "From Paris with Love"

2010-08-23T19:35:00.008+02:00

Vor zwei Jahren schickte Pierre Morel Liam Nesson auf eine Vendetta quer durch Paris. Obgleich „96 Hours“ als Actionfilm ohne weiteres funktioniert, sah ich mich in meiner Besprechung gezwungen Ideologiekritik zu üben, was ich nicht sonderlich gerne und dementsprechend auch nicht gerade häufig mache. Ohne doppelten Boden, ohne jegliche Ironie, metzelte sich Morels Held auf der Suche nach dem entführten Töchterchen durch die Story, an deren Ende nicht nur Töchterchens Befreiung, sondern zu allem Überfluss auch noch die Versöhnung mit der Ex-Frau stand. Während es also übel aufstoßen musste, dass sich „96 Hours“ in Konzeption, Bildsprache, und durchaus auch in der Visualisierung der Action viel zu ernst nahm, die Methoden seines Helden also per se legitimierte, kam der Film bei dem Kinopublikum überaus gut an. Aus rein unterhaltungstechnischen Gründen ist das auch ohne Probleme nachvollziehbar. Und so vermag es wenig Wunder zu nehmen, dass auf Pierre Morels ersten Streich der Zweite zugleich folgen sollte. Und weil alle Beteiligten in Paris offensichtlich viel Spaß hatten, fungiert die Stadt der Liebe nun auch in „From Paris with Love“ als überaus ansehnliche Kulisse.

Der CIA-Angestellte James Reese (Jonathan Rhys Meyers) arbeitet in Paris als persönlicher Assistent des US-Botschafters. Dies soll jedoch nur der Anfang einer großen Karriere sein, sieht sich der gebildete und mehrsprachige Absolvent einer amerikanischen Eliteuniversität insgeheim doch als moderner James Bond-Verschnitt, der seine höchstgeheimen Aufträge diskret und kultiviert zu einem erfolgreichen Abschluss bringt. So ist seine Freude umso größer, als sich seine Freundin Caroline (Kasia Smutniak) nicht nur eines abends mit ihm verlobt, sondern er noch dazu den Auftrag erhält dem besten Mann der CIA, Charlie Wax (John Travolta), zu assistieren. Dies scheint Reeses große Chance zu sein, endlich dem Austauschen von Nummernschildern und dem Verwanzen von Gebäuden entfliehen zu können. Bekanntlich soll man aber mit seinen Wünschen überaus vorsichtig sein. So findet sich Reese nicht nur alsbald inmitten eines internationalen Terrornetzwerks wieder, sondern muss sich noch mit seinem impulsiven neuen Partner herumschlagen, der getreu der Divise handelt: Erst schießen, dann fragen.

„From Paris with Love” erweist sich als mindestens ebenso rasant, wie sein Vorgänger, ohne sich jedoch dabei zu ernst zu nehmen. Dabei verlässt sich der von Luc Besson produzierte Film ganz auf John Travolta, der Jonathan Rhys Meyers zum austauschbaren Sidekick degradiert. Als glatzköpfiger, bärtiger und kratzbürstiger Terroristenschreck mit der großen Klappe und der noch größeren Wumme, poltert Travolta durch den Film, dass es eine wahre Freude ist. Travoltas stets an der Grenze zum Overacting balancierende Spiel, das nicht von ungefähr an „Im Körper des Feindes“ erinnert, erweist sich als größter Trumpf des Films. Zu erzählen hat Pierre Morel nämlich mal wieder herzlich wenig. Die Geschichte um ein internationales Terrornetzwerk hat man in dieser oder andere Form schon unzählige Male im Kino erleben dürfen und ist auch nicht weiter von Interesse. Ansonsten verlässt sich „From Paris with Love” auf das, was auch schon in „96 Hours“ funktioniert hat: Weitestgehend kompromisslose Action- und Gewaltsequenzen verleihen dem Film eine harte Note, die jedoch im Gegensatz zu „96 Hours“ allein schon auf Grund der überdrehten Art von Travolta zu einer nicht ernst zu nehmenden Karikatur abgemildert wird.

So gelingt es „From Paris with Love” als in der Summe überzeugender Actionfilm zu reüssieren, auch weil hier ein weiteres Mal die handwerklich absolut gefällige Machart des französischen Action- und Thrillerkinos demonstriert wird. Die deutsche DVD-Veröffentlichung erweist sich im Übrigen als ebenso überzeugend, wie der Film an sich. In eine der zurzeit als modisch geltenden Steelbooks verpackt, wartet die bild- und tontechnisch einwandfreie DVD mit den mittlerweile üblichen Extras wie einem Making Of oder Interviews mit Cast & Crew auf. – Fazit: 7 von 10 Punkten.

Die DVD zum Film wird am 27.08.2010 veröffentlicht

A Closer Look: "Now I can die and go to Heaven."

2010-08-18T10:19:00.004+02:00

„Now I can die and go to Heaven.“

Ich weiß noch, wie ich „Million Dollar Baby“ vor einigen Jahren zum ersten Mal im Fernsehen gesehen habe. Im Glauben einen typischen amerikanischen Sportfilm à la „Rocky“ zu sehen, wurde ich von Eastwood in der zweiten Hälfte eines Besseren belehrt. Schon damals, obgleich durch für die Filmwirkung nicht gerade förderlichen Werbepausen unterbrochen, zog mir der mit insgesamt vier Academy Awards ausgezeichnete Film den Boden unter den Füßen weg. Seit jenem Tag habe ich den Film nun bestimmt schon ein halbes Dutzend Mal gesehen, und er hat nichts von seiner Wirkung eingebüßt. Clint Eastwood ist durch seine Western mit Sergio Leone sowie seine Rolle des dreckigen Cop Callahan berühmt geworden. Sein wahres Genie zeigt sich meiner Meinung nach aber erst in seinen Regiearbeiten. Es gibt kaum einen gegenwärtigen Regisseur, der mit so wenig so viel zu erzählen hat. Selbst wenn es nur um ein Stück Zitronenkuchen geht, hat man das Gefühl das Eastwood mit dieser einen Szene alles gesagt hat, was in „Million Dollar Baby“ wichtig ist.

Quellennachweis: Abbildung aus "Million Dollar Baby". © Kinowelt

Rezension: "Das Zimmer im Spiegel"

2010-08-08T20:31:00.006+02:00

Für die Sichtung und die Besprechung des deutschen Independentfilms „Das Zimmer im Spiegel“ unterbreche ich meine mir selbst auferlegte Blogpause. Primär wegen der inhaltlichen Nähe zu meiner aktuell zu schreibenden Abschlussarbeit gesehen, hat sich der Film von Rudi Gaul zumindest in dieser Hinsicht als wenig hilfreich erwiesen. Die Zeit des Nationalsozialismus steckt zwar den Rahmen des Films ab, ist aber ansonsten nicht wirklich von Bedeutung. Abgesehen davon erweist sich dieses ambitionierte, und mit äußerst geringen Mitteln entstandene Projekt jedoch als interessantes Kammerspiel zwischen Angst und Einsamkeit, gekleidet in expressionistischen Bildern. Dass dies über weite Strecken recht annehmbar gelungen, in der Summe jedoch nicht frei von Schwächen ist, lässt sich in meiner Besprechung beim MANIFEST nachlesen. ~~Im Übrigen sei an dieser Stelle darauf hingewiesen, dass der unter der Besprechung stehende Kurztext zur DVD nicht von mir stammt!~~

Filmtagebuch Juni 2010

2010-06-29T13:30:00.005+02:00

„Blood & Chocolate“ (4/10)

Billig produzierter, vor allem billig inszenierte und gespielte Werwolfaction, die erkennbar auf der Erfolgswelle von „Underworld“ und „Twilight“ mitschwimmen möchte. Dies gelingt jedoch nicht, säuft die Regiearbeit von Katja von Garnier doch bereits vor dem ersten Vollmond ab. Bezeichnenderweise ist das einzige Gruselige an dem Machwerk das Mitwirken von Katja Riemann, von dem hölzernen Nichts, das sich in dem Film Antagonist schimpft, fange ich besser gar nicht erst an. Was bleibt ist ein Filmtitel, der besser ist als der Film, und ein Trailer der dem Film in nichts nachsteht; mit Ausnahme des Songs am Ende.

„Die letzte Legion“ (4/10)

Rom ist am Ende. Genau wie ich, ob der katastrophalen Leistung von Ben Kingsley, den ich selten so schlecht gesehen habe, wie in diesem Film. „Die letzte Legion“ selbst ist dann nicht mehr als die x-te Variation der Artuslegende, ausgestattet mit dürftigen Actionsequenzen, dümmlichen Dialogen und einer Aishwarya Rai, die so plump in die Geschichte eingewoben ist, dass es eine Beleidigung des Zuschauers gleichkommt. Und bei diesem nervigen Dreikäsehoch als letzten Imperator Roms ist es kein Wunder, dass das römische Reich untergegangen ist.

„Erin Brockovich“ (9/10)

Nein, Julia Roberts musste man für diese Rolle keinen Oscar in die Hand drücken; gut gespielt hat sie aber trotzdem. Überhaupt ist die ganze Angelegenheit eine ziemlich runde Sache, die ich mir immer wieder ansehen könnte. Deswegen ist „Erin Brockovich“ – tut mir leid das sagen zu müssen – auch einer meiner Lieblingsfilme. Hübsche Bürohilfe hält ihren Boss auf Trab und bringt nebenbei einen raffgierigen Konzern zu Fall. Einfach nur schön!

„Geschenkt ist noch zu teuer“ (7/10)

Tom Hanks kann lustig, vor allem in den frühen Jahren seiner Karriere. Im direkten Vergleich ist zwar „Meine teuflischen Nachbarn“ der von mir favorisierte Film, nichts desto trotz geht auch diese Komödie in Ordnung, auch wenn sie doch immer wieder arg vorhersehbar geraten ist.

„Inglourious Bastards“ (8/10)

Wurde auch Zeit: Nach dem Basterds-Knaller von Quentin Tarantino war es schon längst überfällig sich auch mal mit der Vorlage zu beschäftigen. Enzo G. Castellaris „Ein Haufen verwegener Hunde“ erweist sich als runde Angelegenheit, die vor allem ob der zusammengewürfelten Combo aus Deserteuren ordentlich Laune macht. Letztlich jedoch um einiges harmloser, als ich vorher erwartet hatte. Warum der Film keine Jugendfreigabe erhalten hat, bzw. mittlerweile erhalten hat, ist kaum ersichtlich. Aber die Wege der FSK sind ja bekanntlich in den seltensten Fällen ergründbar.

„The Messenger“ (7/10)

Der bislang letzte Film den ich im Kino gesehen habe und dann war es gemessen an meinen Erwartungen auch noch eine Enttäuschung. Nach starker erster Hälfte gleitet der Film, der ein ebenso wichtiges wie interessantes Thema behandelt, in eine im direkten Vergleich mit dem gelungenen Beginn belanglose zweite Hälfte ab, die neben der obligatorischen und in diesem Fall wenig begründeten Romanze nicht mehr viel zu bieten hat. Nichts desto trotz: Woody Harrelson, der hier zeigt was er für ausgezeichneter Darsteller ist, und Steve Buscimi in einem an die Nieren gehenden Moment, retten den Film über die Ziellinie.

„Dänische Delikatessen“ (8/10)

Ein absoluter Knaller. Der dänische Film braucht sich vor Hollywood ebenso wenig zu verstecken, wie vor dem Rest Europas. Insbesondere die schwarzen Komödien von unserem nördlichen Nachbarn sind in den seltensten Fällen zu verachten. Dabei ist „Dänische Delikatessen“ nicht nur Komödie, sondern über weite Strecken auch noch absolut gelungenes Drama. Im Übrigen gefiel mir die dem Film zu Grunde liegende Pointe ziemlich gut, und – ich habe es an anderer Stelle schon einmal kurz angemerkt – wenn Mads Mikkelsen mit von der Partie ist kann ohnehin nicht mehr viel in die Binsen gehen.

„Ein Quantum Trost“ (7/10)

Die Zweitsichtung hat es noch mal eindrucksvoll unter Beweis gestellt: Die Neuausrichtung des Bond-Franchise ist genau mein Ding. Wenn Forster seine zu Beginn doch sehr exzessive Wackelarie zu den Akten gelegt hat, überzeugt auch das zweite 007-Abenteuer mit Daniel Craig in der Hauptrolle. Kleine Anmerkung: Beim erneuten Sehen ist noch mal deutlich geworden, dass der Film das falsche Bondgirl in die ewigen Jagdgründe geschickt hat. Gema Arterton als Strawberry Fiels ist eindeutig verschenkt worden. Schade.

„Invictus“ (8/10)

Aus gegebenem Anlass und weil es einer der besten Filme des bisherigen Kinojahres war, sofort nach Erscheinen der DVD noch einmal gesichtet. Erwartungsgemäß kam der Film auf Englisch gleich noch ein wenig besser, auch wenn sich bestätigt, dass Eastwood in der zweiten Hälfte leicht abbaut. Nichts desto trotz ein toller Film, mit vielen tollen Momenten. Ich liebe den Augenblick, wenn Pienaar (Damon) seiner Familie Finaltickets mitbringt, und auch an die Haushälterin gedacht hat. Diese Szene ist von der betreffenden Darstellerin so großartig gespielt, dass es eigentlich Schande wäre „Invictus“ auf Freeman und Damon zu reduzieren.

„True Blood“, Staffel 3.1-3 (9, 9, 7/10)

Der dritten Staffel habe ich mir großer Spannung entgegen gefiebert und bin bislang – nach einem Viertel der Staffel – nicht enttäuscht worden. Die bisherige Ausrichtung der Season lässt eine Fokussierung auf die Lebensgeschichten der einzelnen Protagonisten vermuten. Wenn man diese Karte vernünftig ausspielt, dann könnte Staffel drei das Highlight der bisherigen Serie werden. Und wer immer noch auf die Verwirklichung des „Grindhouse“-Faketrailers „Werewolf Women of the SS“ wartet, braucht nur „True Blood“ zu sehen. Toll.

„Lady Gaga – Alejandro“ (7/10)

Von Lady Gaga kann man ja halten was man will, aber sie hat es verstanden dem Musikclip neues Leben einzuhauchen. Warum das Musikvideo tot sein sollte habe ich ohnehin nie verstanden. Nur weil die Zeiten von MTV und Konsorten vorbei sind? Da hat jemand wohl die Dynamiken des Internets nicht verstanden: Kurzfilme oder Clips sind ja nun mal wie geschaffen wie YouTube. Die Gaga-Lady hat das verstanden und inszeniert ihre Clips nicht nur das Medienereignis sondern auch als Kunstwerke. In „Alejandro“ gibt’s nun eine Homoerotik, ein wenig Blasphemie, dazu noch eine Fascho-SS-Ästhetik an der die Riefenstahl wohl ihre Freude gehabt hätte (Die Amis kommen nicht von los), und – natürlich - eine halbnackte Lady Gaga.

TV-Empfehlungen für die Woche vom 28.06.10 - 04.07.10

2010-06-28T12:04:00.001+02:00

proudly presented by Tan, Flo & C.H.

Das hat man eben davon, wenn man selbst mit schlechtem Beispiel voran geht. Nachdem ich mir letzte Woche eine Auszeit gegönnt habt, lässt sich diese Woche nun Tan entschuldigen. Aber immerhin bin ich nun wieder mit dabei. Und Flo? Der schreibt, und schreibt, und schreibt... Immerhin etwas auf das man sich verlassen kann.

Christians Empfehlungen der Woche

Montag, 28.06.10

„Manderlay“ (SWR, 23.30 Uhr)

Ich stelle diese Woche mal ganz unter das Motto Filme zu empfehlen, die ganz bestimmt ganz superkalifragilistischexpiallegetisch sind. Lars von Trier steckt mir mit seinem „Antichrist“ immer noch in den Knochen, der bislang auch der einzige Film des Dänen ist, den ich bislang gesehen habe. „Manderlay“ wiederum interessiert mich vor allem wegen Willem Dafoe. Der – so ist zumindest mein Eindruck – oftmals unterschätze Dafoe gehört meiner Meinung nach zu den besten und interessantesten Schauspielern seiner Generation – trotz oder gerade wegen seiner durchaus vorhandenen Tiefpunkte seiner Filmographie.

Mittwoch, 30.06.10

„Sleepy Hollow“ (Sat 1, 22.55 Uhr)

Ist der Burton, den ich mir immer wieder ansehen könnte. Eigentlich kann ich dies von den meisten Filmen des begnadeten Filmemachers behaupten. Nichts desto trotz versteige ich mich an dieser Stelle zu der Bemerkung, dass „Sleepy Hollow“ mein Lieblingsfilm des Regisseurs ist. Das liegt zum einen am Thema und dem damit verbundenem düsteren und nebligen Setting, und zum Anderen an Christina Ricci und Johnny Depp. Ricci ist leider viel zu selten in vernünftigen Rollen zu sehen, und Depp nimmt in diesem Film bereits einiges von dem vorweg, was ihn später als Jack Sparrow zu einem der gefragtesten Schauspieler der Welt machen wird.

Donnerstag, 01.07.10

„Zurück in die Zukunft“ (Vox, 20.15 Uhr)

Wenn man sich auf die Suche nach einem Film machen wollte, der nahezu perfekt ist, dann hätte man in „Zurück in die Zukunft“ einen geeigneten Kandidaten gefunden. Großartiger Spaß, den ich – wie den im vorigen bereits erwähnten Burton-Spaß – immer wieder guten Gewissens empfehlen kann. Und das obwohl ich mit Michael J. Fox gar nicht so viel anfangen kann.

Freitag, 02.07.10

„Gegen die Wand“ (ARD, 23.30 Uhr)

Gestern hat die deutsche Fußballnationalelf England mit 4:1 vom Platz gefegt. All die jungen Özils, Khediras und Boatengs wirbeln über den Platz, verleihen der DFB-Elf einen ganz neuen Anstrich und zeugen von einer sich wandelnden Gesellschaft, die sich mit Migration und Mulikulturalität auseinandersetzen muss. Was im Fußball Özil ist, ist im deutschen Film Fatih Akin, der mit seinen Filmen zwischen den Welten wandelt. „Gegen die Wand“ , preisgekrönt und kontrovers diskutiert, steht bei mir immer noch ungesehen im Schrank. Das sollte sich bald einmal ändern.

Samstag, 03.07.10

„Wächter des Tages“ (RTL, 22.35 Uhr)

Zu dem Film kann ich, abgesehen von der Tatsache das ich ziemlich gespannt bin, nicht viel sagen. Sicher ist nur, dass ich den ebenfalls von Timur Bekmambetovs inszenierten ersten Teil „Wächter der Nacht“ ziemlich gelungen finde, stellt das russische Fantasyspektakel doch eine äußerst interessante Alternative zu dem üblichen Hollywood-Einerlei dar. Wenn der zweite Teil also da anknüpft, wo der Vorgänger endete, kann eigentlich nicht mehr schief gehen.

Christians Warnung der Woche

Sonntag, 04.07.10

„Date Movie“ (Pro 7, 20.15 Uhr)

Es gibt Filme die man nicht gesehen haben muss, um zu dem Schluss zu kommen, dass sie zu nichts zu gebrauchen sind. Mehr ist zu diesem Film nicht zu sagen. Vielleicht eins noch: Bevor ich mir diesen Film ansehe, wird die Hölle zufrieren.

Flos Empfehlungen der Woche

Donnerstag, 01.07.10

„Kika“ (ARD, 00.35 Uhr)

Almodóvars von der Kritik schlecht rezipiertester Film, selbst noch nicht gesehen, aber hier rumliegen (also ähnlich wie zuletzt). Gibt wie immer einige bekannte Gesichter, so zum Beispiel Verónica Forqué („¿Qué he hecho yo para merecer esto!!“), Victoria Abril (siehe letzte Woche) und Rossy de Palma („Mujeres al borde de un ataque de nervios“). Mit seinen männlichen Darstellern (z.B. Peter Coyote) war Almodóvar dagegen mal wieder unzufrieden (siehe „La ley des deseo“). Vielleicht hätte ARD besser daran getan, statt „Kika“ das Meisterwerk des Mannes aus La Mancha, „Todo sobre mi madre“, auszustrahlen. Oder „La flor de mi secreto“. Oder „Carne trémula“. Naja, wie dem auch sei, Spaniens größter Regisseur neben/seit Luis Buñuel dürfte, könnte, sollte durchaus stets einen Blick wert sein. Und damit rette ich mich hinüber zum nächsten Tipp.

„Sprich mit ihr“ (ARD, 02.30 Uhr)

In seinem vierzehnten Film räumt der Auteur seinem üblichen Humor wenig Platz ein. Lediglich sein Film im Film, „El amante menguante“, als reflektorisches Element für Benignos Gefühle, lässt ein paar Schmunzler zu, steht jedoch auch repräsentativ für die darauffolgende Vergewaltigung. Erfreulicherweise ist Almodóvar in den letzten zwei Jahrzehnten reifer geworden, weshalb er nunmehr mit Vergewaltigungen sicherer umgeht, anstatt sie in zweideutiger Weise als Verweis auf den Franquismus zu missbrauchen (siehe seinen beiden Erstlingswerke). „Hable con ella“ ist ein Film über vier Figuren, der wenig über diese Figuren verrät. Das Innenleben von Benigno, Marco, Lydia und Alicia bleibt dem Publikum leider oft verwehrt. „Wer liebt, der spricht“, fasst Almodóvar die Prämisse des Filmes im Audiokommentar zusammen. Leider spricht „Hable con ella“ nicht ganz so gut zum Zuschauer, wie es bei seinem Vorgänger („Todo sobre mi madre“) der Fall gewesen ist.

„Beautiful Girls“ (3Sat, 22.25 Uhr)

Einer meiner Lieblingsfilme und dies nicht nur - aber auch - weil Natalie Portman mitspielt. Ein sehr schöner Film, des leider verstorbenen Ted Demme, über verblichene Träume, die Unart des Erwachsenwerdens und die Rückkehr in eine nostalgische Vergangenheit. Eine Geschichte, die nie alt wird, und stets aufs Neue unterhält. „Beautiful Girls“ erzählt von Freundschaft und von Liebe, vom Loslassen und vom Festhalten, von Verlust und von Gewinn. Damals war Matt Dillon noch jemand, dessen Namen man kannte. Uma Thurman, Mira Sorvino und Lauren Holden ergänzen die weibliche Riege, zu der auch Rosie O'Donnell und Annabeth Gish zählt. Den Film besitze ich - natürlich - ebenfalls auf DVD und habe ihn (aus Gründen, die hier den Platz sprengen würden) seither im Gegensatz zum unteren Film auch schon des Öfteren gesehen. „Where it began, I can't begin to know when, but then I know it's growing strong (...)“.

Freitag, 02.07.10

„Gilbert Grape - Irgendwo in Iowa“ (RTL 2, 20.15 Uhr)

Einer von Lasse Hallstöms gelungeneren Filmen. Früher der einzig erträgliche DiCaprio-Streifen, weil er hier einen Behinderten spielt. Lebt allerdings primär vom jungen Johnny Depp, wobei ich nie verstanden habe, wie sich so jemand in Juliette Lewis (weder im Film, noch im realen Leben) verlieben konnte. Besonders stark ist die Szene, wenn Darlene Cates, die hier die übergewichtige Mutter spielt, zum ersten Mal seit Ewigkeiten - ich sag mal: Jahren - das Haus verlässt, um ihren Leo von der Polizeistation abzuholen. Gefangen zwischen familiärer Verpflichtung und dem jugendlichen Wunsch nach Unabhängigkeit muss Depp in „What's Eating Gilbert Grape“ Tag für Tag die richtige Entscheidung treffen. Hab ich mir vor vielen Jahren (2004?) auf DVD geholt, weil ich ihn so mag, aber seither nicht angesehen.

Sonntag, 04.07.10

„Lost Boys 2: The Tribe“ (Pro7, 23.30 Uhr)

Zwar noch nicht gesehen, dürfte auch nicht der über-Film sein, aber Corey Feldman und die Rückkehr der Lost Boys, das ist im Grunde doch mehr als man braucht. Außer den Frog Brothers (in gewissem Sinne, Newlanders Szenen haben es nicht in den fertigen Film geschafft, dafür kehrt er im dritten Teil nun zurück) gibt es dann auch keine bekannten Gesichter (Sutherland und Patric hatten wohl besser zu tun bzw. sind zum Teil ja auch ins Jenseits befördert worden, Haim wäre gerne zurückgekehrt, was dann aber nicht klappte, s. „The Two Coreys“). Als Schmankerl wartet dann in einer der Nebenrollen noch die leckere Autumn Reeser („The O.C.“) auf. Für Fans von „The Lost Boys“ also wohl mit Abstrichen geeignet. Für Feldman-Fans dagegen Pflicht.

Flos Warnung der Woche

Dienstag, 29.06.10

„Interview“ (NRD, 00.00 Uhr)

Der holländische Satiriker und Regisseur Theo van Gogh war speziell mit seinen antisemitischen und anti-islamischen Bemerkungen angeeckt. Wenig verwunderlich also, dass er durch die Hand eines islamischen Fundamentalisten auf offener Straße ermordet wurde. Vor seinem Tod hatte er geplant, in den USA drei seiner Filme neu zu drehen. Jene Aufgabe wollten nun seine Freunde und Kollegen fortführen. Der Schauspieler Steve Buscemi fungierte in „Interview“, dem gleichnamigen Remake von van Goghs 2003er Werk, nicht nur als Hauptdarsteller, sondern auch als Regisseur. Das Schubladen-Denken des Filmes, welches zu Beginn noch zum Schmunzeln ist, geht einem dann nach der Hälfte des Filmes nur noch auf den Zeiger. Der im dritten Akt platzierte Twist, der sich erst in der Schlussszene „offenbart“, ist dann letztlich nur genauso armselig, wie es bereits der gesamte zweite Akt war. Im Nachhinein verkommt „Interview“ somit zu einem aufgeblasenen Haufen Nichts, welches glücklicherweise bereits nach achtzig Minuten zu Ende geht.

Und wer unseren Urteilen nicht traut, oder weiterführende Anregungen benötigt, den verweise ich gerne auf die folgenden Kollegen, die ebenfalls im wöchentlichen Turnus ihre Empfehlungen unter das Volk bringen: Freitags beim Zeitverschwender/Künstliche Welten und Hard Sensations, sowie Sonntags bei Blockbuster-Entertainment. Und der ganz besonderen TV-Tipp der Woche lässt sich (manchmal) bei Intermoviession finden (ebenfalls Sonntags).Und schließlich gibt es noch jede Menge (unkommentierte) TV-Tipps in derAstronautenbar.

Foto: „One less TV“ by Kevin Steele, lizenziert unter CC-BY-NC

TV-Empfehlungen für die Woche vom 21.06.10 - 27.06.10

2010-06-20T19:09:00.004+02:00

proudly presented by Tan, Flo & C.H.

Tans Empfehlungen der Woche

Mittwoch, 23.06.10

„Der Gefallen, die Uhr und der sehr große Fisch“ (Tele 5, 20.15 Uhr)

Ja, diesen Titel könnte man durchaus als sehr ungewöhnlich betrachten. Und ungewöhnlich bringt einen meist dazu über den Rand zu sehen. Was man erblickt, ist eine Satire mit gemindertem Anspruch, aber mit französisch-britischen Humor, der erfahrungsgemäß sehr unterhaltend sein kann. Ein Klavierspieler der sich für den Messias hält und einen Löffel voll Blasphemie ergeben eine gute Mischung für einen erheiterten Mittwochabend.

Donnerstag, 24.06.10

„Little Children“ (ARD, 22.45 Uhr)

Nach einigen Kurzfilminszenierungen debütierte der Schauspieler Todd Field erfolgreich mit dem Drama „In the Bedroom“ als Regisseur. Erst 5 Jahre später wagte er sich an seinen zweiten richtigen Film. „Little Children“ erzählt die Geschichten mehrer verzweifelter Figuren. Verzweifelt jeder auf seine Weise, von der unglücklichen Mutter und Ehefrau, gefangen im Alltag, über den faulenzenden Familienvater, bis hin zum pädophilen Nachbarschaftsschreck. Das Gesellschaftsdrama ist durchgehend schwer und überschattet von Bitterkeit. Nichts zum Entspannen und nichts für zwischendurch. Man muss dem Film schon seine ganze Aufmerksamkeit schenken, um nicht ganz dem aufbauenden Gefühl der Traurigkeit zu verfallen. Unterstrichen wird die Geschichte durch die guten Darstellungen von Kate Winslet und Patrick Wilson.

Samstag, 26.06.10

„Eine Frau sieht rot“ (Rbb, 01.15 Uhr)

Nach einer Vergewaltigung wendet sich das Model Chris an die Polizei und mit Hilfe einer Anwältin kann sie den Täter vor Gericht bringen, allerdings erfolglos. Die Aussage des Täters wird als glaubwürdig wahrgenommen und er wird freigesprochen. Nach mehreren Zwischenfällen sucht Chris einen Ausweg auf ihre Weise. Viel darf man von der unharmonischen und gewalttätigen Geschichte nicht erzählen, denn das Drama versucht seine Handlung nicht zu verstecken, sondern entblößt jede Unruhe und Aggression ohne Bedenken. Mit einigen spannenden Elementen versucht sich der Film auch in Richtung Thriller. Die beiden Hauptdarstellerinnen Margaux und Mariel Hemingway sind die Enkelinnen des amerikanischen Schriftstellers Ernst Hemingway. Als kämpfende Anwältin zeigt sich Anne Bancroft von ihrer harten Seite. Kein Film für schwache Gemüter.

Sonntag, 27.06.10

„Hinter dem Horizont“ (RTL 2, 20.15 Uhr)

Oh ja, der Film hat seine Fehler; und nicht gerade wenig. Die Geschichte über einen Vater der seiner Familie in den Tod und somit an einen benannten besseren Ort folgt, gleicht einer Achterbahn. Von gefühlvoll bis zu hinzu kitschig, von ergreifend bis seeenlos. Ein unendliches auf und ab. Beständig und ohne Frage berührend ist die visuelle Ansicht des Dramas mit Robin Williams. Die Bilder vieler farbenprächtiger Landschaften und anderen Spielereien machen den Film dann doch sehenswert und die Effekte wurden mit einem Oscar belohnt. Schwächen hin oder her, einmaliges Anschauen tut nicht weh.

„Ein perfekter Ehemann“ (Pro 7, 04.40 Uhr)

Was weiß ich? So gut wie nichts; das spielt aber auch in diesem Fall keine große Rolle. Ein Bühnenstück von keinem geringeren als Oscar Wilde aus dem Jahre 1895, verfilmt 104 Jahre später mit Cate Blanchett und Julianne Moore. An diese kreative wundervolle Kombination kann man sich auch unwissend wagen und auf eine gelungene Komödie hoffen.

Tans Warnung der Woche

Donnerstag, 24.06.10

„Step Up“ (Pro 7, 11.05 Uhr)

Dieses hip-hop-artige Rumgetanze und Rumgehopse auf dem Bildschirm ist meist geschichtslos und übertrieben bis hin zum Mond und zurück. Grundsätzlich wird eine Welt veranschaulicht, in der gesellschaftliche Barrieren weggetanzt werden können. Außenseiter werden zu Helden, alltägliche Probleme werden auf unergründlicheweise aus dem Weg geräumt. Der etwas andere amerikanische Traum wird alle paar Jahre neu aufgesetzt, mit der gleichen gesichtlosen Handlung und den gleichen ausdruckslosen Schauspielern, nun gut, die Musik passt sich wenigstens der Zeit an. Wer inszeniert solche Filme heutzutage freiwillig? Und wer will das heute noch sehen?

Flos Empfehlungen der Woche

Montag, 21.06.10:

„Mein Freund aus Faro“ (ARD, 22.45 Uhr)

Vielleicht nicht einer der besten Filme der Woche, aber sicherlich eine löbliche Erwähnung wert, weil „Mein Freund aus Faro“ einer der wenigen deutschen Filme ist, die ich nicht nur im Kino gesehen habe, sondern die sich vom restlichen Scheißdreck der Herren Edel, Eichinger und Co. exzellent absetzt. In der Tat weiß Auteurin Nana Neul durchaus gelungen die gegenwärtige Jugend in ihrem Portrait in eine zeitlose Geschichte zu verpacken und dennoch ungemein authentisch zu wirken. Vorab sei jedoch gesagt, dass obschon die Geschichte laut Regisseurin auf einer wahren Geschichte basiert, sie nicht sonderlich innovativ ist. Dabei muss sie dies nicht zwingend sein, wirkt allerdings letztlich doch nur wie ein deutscher Abklatsch von Kimberly Peirces „Boys Don’t Cry“. Nichtsdestotrotz ist es für einen deutschen Film eine beachtliche Leistung - wenn auch mit inhaltlichen und sozialkritischen Mängeln - und innerhalb des nationalen Wettbewerbs somit ein kleines „Juwel“.

Mittwoch, 23.06.10:

„Ich glaub, ich steh im Wald“ (RTL 2, 02.55 Uhr)

Ich sagte es ja, RTL 2 ist zum Abschlabbern für seine High-School-Komödien, auch wenn Amy Heckerlings übergeiler Debütfilm „Fast Times at Ridgemont High“ (wer auf den deutschen Titel kam, weiß ich nicht, wurde vermutlich seiner Zeit im Yps-Heft als Gewinnspiel ausgelobt) aus der Feder des talentierten Cameron Crowe zu bescheuerter Zeit läuft. Wer nicht schlafen kann oder immer schon mal eine der besten High-School-Komödien aller Zeiten sehen wollte (vollgestopft mit jungen Hollywood-Stars von Sean Penn über Forest Whitaker hin zu Jennifer Jason Leigh - nackt!- und anderen) der ist hier an der richtigsten aller richtigen Adressen angelangt. Allein der masturbierende Judge Reinhold, die nackte Phoebe Cates und die daruntergelegten The Cars sind eine Sichtung wert und wer mit Penns Spicoli eine von Hollywoods unsterblichen Kultfiguren kennen lernen möchte, darf sich den Film ohnehin nicht entgehen lassen. Abgesehen von der Uhrzeit fällt mir kein Grund ein, warum nicht jeder von euch den Film ansehen sollte. Und da es Aufzeichnungsgeräte gibt, negiere ich jedes unentschuldigte Missen von „Fast Times at Ridgemont High“. Für die deutsche Synchronisation übernehme ich allerdings keine Gewähr.

Donnerstag, 24.06.10:

„Fessle mich“ (ARD, 00.30 Uhr)

Die Almodóvar-Reihe geht weiter - sogar chronologisch diese Nacht - und mit „¡Átame!“ trifft man auf einen der wenigen Filme mit pointiertem Untertitel („A love story…with strings attached!“). Das Ende einer Ära, wie es Hauptdarsteller Antonio Banderas selbst nannte, markierte dies doch den letzten Film der beiden Spanier … bis zu diesem Sommer (sie drehen demnächst „La piel que habito“). Almodóvars achter Spielfilm, den dieser selbst als romantisches Märchen ansieht, führte in den USA ob seiner Handlung (liebestoller Jüngling hält Objekt der Begierde als Geisel, bis diese sich in ihn verliebt) zu einer neuen Altersfreigabe, dem „NC-17“. Die Handlung selbst ist nur bedingt ernst zu nehmen, wirkt im dritten Akt etwas sehr konstruiert, macht aber grundsätzlich Spaß. Die Sex-Szene ist vermutlich der Klassiker in „¡Átame!“ und in der Tat sehr gut und authentisch inszeniert worden. Banderas' internationaler Durchbruch, der ihm seinen Weg nach Hollywood ebnen sollte. Der Bessere der beiden Filme, die wieder mal zu unsittlicher Zeit laufen.

„High Heels - Die Waffen einer Frau“ (ARD, 02:10 Uhr)

Auch „Tacones lejanos“ verfügt über eine Szene mit Kultpotential, namentlich die Nachrichtensendung mit etwas anderem Ausgang. Ursprünglich sollte der Film von der Mutter zweier Töchter handeln, die bei einem Hausbrand vermeintlich ums Leben kommt. Fans des Auteurs wissen, dass dieses Handlungsgerüst später in „Volver“ eingewebt werden würde. Für manche Biographen ist „Tacones lejanos“ Almodóvars melodramatischster Film, der neben Ingmar Bergman auch Douglas Sirk Referenz erweist. Als Melodram funktioniert der Film allerdings nicht ganz so gut, wie als ein etwas unernster Thriller. Victoria Abril, die zuvor bereits in „¡Átame!“ die Hauptrolle übernommen hat, gelingt eine schöne Wandlung. Es ist ihr Film, woran auch Almodóvars Muse Marisa Paredes wenig ändert. Probleme bereitet „Tacones lejanos“ sein zweiter Akt mit der Gefängnisszene, die nicht wirklich überzeugen will und der familiären Gegenüberstellung, die zu langatmig ausfällt. Dafür hat der Film eine der schönsten Schlusseinstellungen in der Vita des Mannes aus La Mancha.

„Event Horizon“ (Kabel 1, 20.15 Uhr)

Mit seinen großen Vorbildern von Kubrick und Scott (der gesamte Film ist gespickt mit Referenzen, angefangen mit der bildlichen Überleitung vom Paramount Logo in die eigentliche Handlung, dies setzt sich im Laufe des Filmes fort, wenn Querverweise zu „2001“, „The Shining“, „Alien“ oder „Vertigo“ eingebaut werden) kann sich Anderson mit „Event Horizon“ zwar nicht messen, aber ein Meisterwerk wollte sein Film sicherlich auch nie sein. Den Kultstatus, welchen der Film nach seiner DVD-Veröffentlichung erfuhr, wurde er da schon eher gerecht. Man mag es dem Film verzeihen, wenn er hin und wieder etwas aus der Bahn gerät. Die Atmosphäre stimmt dennoch. Zwar wirken die Effekte teilweise etwas künstlich, dennoch ordnen sie sich der Handlung unter. Von dem Schauspielerensemble stechen wenig überraschend speziell Fishburne und Neill hervor, die Beide sehr engagiert bei der Sache sind. Insgesamt ist „Event Horizon“ ein liebenswerter Horrorfilm, den man in sein Herz schließt, auch wenn er seine Fehler hat.

Flos Warnung der Woche

Samstag, 26.06.10:

„Run, Fatboy, Run“ (ProSieben, 20.15 Uhr)

Nein, es handelt sich hierbei nicht um die Uli-Edel-Adaption der sportlichen Aktivitäten des hoch geschätzten Kollegen Moviescape, sondern um eine weitere seichte Komödie rund um den Briten Simon Pegg. Dass dieser jedoch nur lustig ist, wenn er unter der Regie von Edgar Wright hantiert, macht diese 0815-Komödie voller typischer hollywood'scher Zoten aus der Feder der nervigen „Friends“-Tröte David „Ross“ Schwimmer unwahrscheinlich misslungen. Typ will Frau, haut vorm Altar ab, sieht sie aber wieder, da gemeinsames Kind, und kriegt erneut Torschlusspanik (in umgekehrter Form), als das Ekel Hank Azaria (der einzige Silberstreif am Horizont) um deren Hand anhält. Da empfiehlt sich eher noch „How to Lose Friends and Alienate People“.

Christians Empfehlungen der Woche

Tja, und ich? Ich besitze diese Woche die Frechheit Tan und Flo für mich schuften zu lassen, mich selbst aber wegen akuten Zeitmangels entschuldigen zu müssen. Ich weiß: Schande über mein Haupt! Wenn ich diese Woche Filme empfohlen hätte, dann wäre auf jeden Fall „Little Children“ das Highlight der Woche. Kate Winslet ist eine Göttin vor deren Schauspielkunst man sich nur verneigen kann. Die Streifen von Almodóvar sind, das glaube ich Flo ungesehen, mit Sicherheit ebenfalls nicht zu verachten, und was „Ich glaub, ich steh im Wald“ angeht: Auch wenn ich die Euphorie meines Kollegen nicht teile, sollte man Penns Spicoli in der Tat mal gesehen haben. In diesem Sinne: ich muss weg…

Foto: „One less TV“ by Kevin Steele, lizenziert unter CC-BY-NC

TV-Empfehlungen für die Woche vom 14.06.10 - 20.06.10

2010-06-13T15:36:00.004+02:00

proudly presented by Tan, Flo & C.H.

Tans Empfehlungen der Woche

Montag, 14.06.10

„Match Point“ (ZDF, 22.15 Uhr)

Ich mag weder die Schauspieler besonders noch den Regisseur, aber der Film weiß mehr als zu überzeugen. Ein Ex-Tennisprofi trifft auf die Tochter einer Londoner High Society Familie. Im Alltagsleben angekommen, macht Schwägerin Nola, eine erfolglose amerikanische Schauspielerin, jagt auf den Familienneuankömmling und eine aggressive Affäre nimmt ihren Lauf. Interessant einen europäischen Blickpunkt durch die Brille eines Vollblut-New-Yorkers zu sehen. Woody Allen entscheidet sich für kein spezielles Genre, und mutet sich so ein wenig zu viel zu. Der Film ist dennoch gelungen.

Mittwoch, 16.06.10

„Eine Frau unter Einfluss“ (Rbb, 00.00 Uhr)

Auf diese Ausstrahlung warte ich schon seit dem ich den Film „Opening Night“ mit Gena Rowlands gesehen habe. John Cassavetes, bei beiden Filmen Regisseur, hat eine Vorliebe für komplexe und improvisierte Handlungen. Der Mittelpunkt in beiden Filmen ist eine psychisch labile Frau. Auch hier übernimmt Ms. Rowlands die Hauptrolle. Bin sehr gespannt.

„The Producers – Frühling für Hitler“ (3Sat, 20.15 Uhr)

Nein, dies ist nicht das Remake aus dem Jahre 2005, sondern das Original des Komödiantengenies Mel Brooks von 1968. Erfolglose Produzenten versuchen mit einem zum Scheitern verurteilten Theaterstück über Adolf Hitler die Investoren über den Tisch zu ziehen und dann das Weite zu suchen. Doch ihr Plan scheint nicht ganz aufzugehen, die Musikrevue erweist sich als großer Erfolg. Mel Brooks begegnet der Geschichte, wie jedem seiner anderen Filme, mit sehr viel überladenem Humor. Der Oscar für das beste Originaldrehbuch, garantiert gute Unterhaltung, die ziemlich weit unter der Gürtellinie geht. Perfekt.

Sonntag, 20.06.10

„Gothika“ (Pro 7, 22.10 Uhr)

Der einzige Horrorfilm den ich mir freiwillig und gerne ansehe und dessen Handlung für mich nachvollziehbar ist. Die Geschichte ist geprägt von Spannung und hält in jeder Ecke und jedem Zimmer - Schauplatz ist eine Art Gefängnis-Schloss - einen Schock bereit. Die Darsteller, darunter Halle Berry, Penelope Cruz und Robert Downey Jr., spielen ihre Rollen glaubhaft und machen einen guten Gruselfilm komplett.

„Vermisst“ (Arte, 20.15 Uhr)

Um was geht es? Militärregierung, Militärputsch, Ausnahmezustand und Ausgangssperren. Eigentlich wäre ich jetzt schon desinteressiert und entmutig mir diesen politischen Thriller anzuschauen. Wären da nicht die Aussage einiger, die ihn als „fesselnd“ und „zum nachdenken“ beschreiben. Also gut, schließlich spielt ja Alleskönner Jack Lemmon, mit Unterstützung von Sissy Spacek, mit. Auf geht’s.

Tans Warnung der Woche

Dienstag, 15.06.10 Uhr

„Der Pate III“ (HR, 23.30 Uhr)

Diese Woche gibt es einen klaren Verlierer. Während „Der Pate“ ohne Frage ein Meilenstein war und „Der Pate II“ sich auch noch auf die sichere Seite beförderte, kann der dritte Teil das Niveau nicht halten. Aber was macht Nr. 3 falsch? Die Fehlbesetzung von Sophia Coppola, die fade und langatmige Handlung, die Abweichungen vom letzten Roman. Alles irgendwie lieblos und einfach daher inszeniert. Selbst Al Pacino und Diane Keaton scheinen keine richtige Lust zu haben. Wie so oft, kann ein weiterer Teil eines Meisterwerkes nicht überzeugen.

Christians Empfehlungen der Woche

Montag, 14.06.10

„Alien“ (Kabel 1, 22.05 Uhr)

Ridley Scotts „Alien“ gehört bereits zum festen Kanon der Filmgeschichte. Alles wichtige zu dem Film scheint dabei bereits gesagt. Revolutionierte das Actiongenre, weil es eine Frau an die Spitze stellte, beeindruckte durch klaustrophobisches Grauen und gehört somit zu Recht zu den Meilensteinen des Sci-Fi-Horros. Warum das so ist, das zeigt sich bei jeder erneuten Sichtung, verliert der Film doch auch bei der x-ten Wiederholung nichts von seiner Wirkung. Wer keine Lust auf Fußball verspürt, der ist an diesem Montag, wie auch über weite Strecken der restlichen Woche bestens versorgt.

„Match Point“ (ZDF, 22.15 Uhr)

Ich mag sowohl die Schauspieler(in) besonders, als auch den Regisseur und somit vermag es nicht Wunder zu nehmen, dass ich den Film als überaus gelungenen betrachte. Gleichermaßen der beste London-Allen, wie auch der beste Johannsson-Allen. Ein Film über die britische Oberschicht, über Glück, Moral, Schuld und Sühne. Vor allem aber Unterhaltung auf sehr hohem Niveau, an dem aus kaum etwas auszusetzen gibt Wie schrieb ich in meiner Besprechung zu „Match Point“ so schön? Spiel, Satz und Sieg, Mr. Allen!

Mittwoch, 16.06.10

„Armee der Finsternis“ (Tele 5, 22.15 Uhr)

Sam Raimis „Armee der Finsternis“-Trilogie genießt mittlerweile ebenfalls Kultstatus. Und bei jedem Genrefreund beginnen die Augen zu leuchten, wenn Bruce Campbell und die obligatorische Kettensäge in einem Satz genannt wird. Ich selbst stehe dieser Trilogie, insbesondere was den ersten und den zweiten Teil angeht, nicht ganz so euphorisch gegenüber. Mein Liebling ist da schon der Abschluss des Dreiklangs, weil „Armee der Finsternis“ nicht ganz so bierernst daherkommt, wie es insbesondere der erste Teil tut. So präsentiert sich der Film als äußerst vergnüglicher Gruselkost, die nicht zu verachten ist.

Donnerstag, 17.06.10

„Brokeback Mountain“ (ARD, 22.45 Uhr)

In Ang Lees “Brokeback Mountain” gelang Heath Ledger wohl die beste Leistung in seinem viel zu früh zu Ende gegangenen Leben. Lee gelingt mit diesem Drama nicht nur ein eindringliches Portrait zweier Liebenden, sondern thematisiert gleichermaßen gesellschaftliche Tabus und Zwänge, die den Einzelnen zu Grunde richten können. Das alles ist ebenso großartig gespielt, wie inszeniert (allein die Naturaufnahmen sind absolut umwerfend), und nochdazu durch die Tatsache, dass diese schwule Liebe auch noch in das Western- und Cowboy-Genre eingepasst wird, mit zusätzlicher sozio-struktureller Brisanz versehen.

Sonntag, 20.06.10

„Blue Velvet” (Tele 5, 22.10 Uhr)

Dennis Hopper verkörpert in „Blue Velvet“ einen der widerwärtigsten Bösewichte der Filmgeschichte. Abseits dessen hat David Lynch mit diesem Film einen der besten Filme der Neunziger Jahre geschaffen, der in jeder Hinsicht perfekt ist und einen tiefgründigen Blick auf den Schmutz wagt, der unter der Oberfläche schlummert. Viel mehr gibt es in meiner Besprechung zu diesem Meisterwerk zu lesen.

Christians Warnung der Woche

„Wes Craven präsentiert Dracula“ (Pro 7, 00.25 Uhr)

Katastrophal miese und neumodische Verfilmung der Dracula-Legender, bei der sich der alte Blutsauger wohl im Grabe umdrehen würde, müsste er diesen Schund sehen. Der Film steht in direkter Linie zu Filmen wie „Van Helsing“ und „Blade Trinitiy“ die den transylvanischen Fürsten ebenfalls zur absoluten Witznummer degradieren. Um diesen Film macht man so man am Besten einen großen Bogen.

Flos Empfehlungen der Woche

Mittwoch, 16.06.10

„Frühling für Hitler“ (3SAT, 20.15 Uhr)

Mel Brooks Debütfilm ist letztlich doch gelungener als das Broadway-Adaptions-Remake vor fünf Jahren mit Broderick und Lane, da kurzweiliger. Primär sehenswert wegen seines dritten Aktes, wenn die tatsächliche Aufführung beginnt, die sich vom desaströsen Happening zum umjubelten Bühnenhit entwickelt (allein Textzeilen wie „I was born in Dusseldorf und that is why they call me Rolf“ oder „Don't be stupid, be a smarty, come and join the Nazi party!“ sind komödiantisches Gold). Hier lässt sich ungleich besser über den „Fuehrer“ lachen, als in anderen, missrateneren Vehikeln wie Levys „Mein Führer“ oder Tarantinos „Inglourious Basterds“.

„Moulin Rouge“ (Super RTL, 20.15 Uhr)

Musicals empfehle ich ungern in der synchronisierten Fassung, aber wenn das deutsche Fernsehen einen der fünf besten Filme des letzten Jahrzehnts ausstrahlt, dann ist das eine Erwähnung wert. Der unglaublich talentierte Baz Luhrmann liefert mit „Moulin Rouge!“ sein bisheriges Meisterwerk ab. Großartig besetzt (selbst Kylie Minogue stört nicht), mit einem großartigen Bühnenbild, einem noch großartigeren Soundtrack mit unwahrscheinlich großartigen Liedern (z.B. „Come What May“) sorgt in seiner Summe nicht nur für einen großartigen, sondern einen makellosen, perfekten Film über das Schönste aller Themen: die Liebe („I will love you, until the end of time“).

Donnerstag, 17.06.10

„Das Gesetz der Begierde“ (ARD, 00.50 Uhr)

Leider bisher noch nicht gesehen, jedoch zu Hause stehen. Sehr löblich, dass die ARD nun eine Almodóvar-Reihe präsentiert - wenn auch nicht in chronologischer Folge und seine Frühwerke negierend. Über die Auswahl kann man ohnehin streiten, der brillante „Todo sobre mi madre“ entfällt zum Beispiel ganz, aber in der Not frisst der Teufel Fliegen. Hier versuchte sich der Mann aus La Mancha in „La ley del deseo“ Ende der Achtziger zum ersten Mal an seiner eigenen Kurzgeschichte „La visita“, die er Anfang der Siebziger geschrieben hat und 2004 nochmals sehr viel ausführlicher mit „La mala educación“ adaptieren würde. Läuft aber wie vermutlich auch die anderen sieben Filme der Reihe in der deutschen Fassung und nicht OmU, wodurch Almodóvars Filme leider einiges an Atmosphäre verlieren.

„Frauen am Rande des Nervenzusammenbruchs“ (ARD, 02.30 Uhr)

Almodóvars internationaler Durchbruchsfilm läuft zu behämmerter Zeit (die ja quasi erfordert, dass man den Film aufzeichnet), ist aber sehr lohnenswert anzusehen. „Mujeres al borde de un ataque de nervios“ brachte dem spanischen Auteur nicht nur eine Oscarnominierung ein, sondern logischerweise damit auch Ruhm und Anerkennung im Ausland. Herzhaft komisch und toll besetzt, mit vielen seiner Musen (Rossy de Palma, Julieta Serrano, Antonio Banderas, Kiti Manver, Chus Lampreave) und allen voran Carmen Maura. Dies sollte der letzte von sieben Filmen sein, die Almodóvar mit der Maura gedreht hat, basierend auf einer persönlichen Zerstrittenheit, die erst mit „Volver“ 18 Jahre später wieder aus der Welt geräumt wurde. Läuft in der ARD sogar in HD (wer das Equipment hat).

Samstag, 19.06.10

„Der Frühstücksclub“ (RTL II, 12.30 Uhr)

Man sollte RTL II eigentlich knutschen, für all seine High-School-Filme, die es im Vormittagprogramm versendet. Zumindest etwas Rehabilitation für all die „Frauentausch“- und sonstigen TV-Verbrechen der Privaten. Vielleicht ist „The Breakfast Club“ die Mutter aller Schulfilme, John Hughes’ krönendes Meisterwerk, unsterblich, nicht nur weil es mit Simple Minds’ „Don’t You (Forget About Me)“ abschließt. „You see us as you want to see us... In the simplest terms, in the most convenient definitions. But what we found out is that each one of us is a brain...and an athlete… and a basket case… a princess… and a criminal. Does that answer your question?... Sincerely yours, the Breakfast Club.”

Flos Warnung der Woche

Samstag, 19.06.10

„Insomnia - Schlaflos“ (Vox, 20.15 Uhr)

Es gibt diese Woche ein paar schlechte Filme und allesamt laufen sie auf Vox. Chris Nolans Remake von Erik Skjoldbjærgs gleichnamigem und ungleich gelungenerem Film von 1997 weiß weder in seinem (nicht vorhandenen) Spannungsaufbau zu überzeugen und schon gar nicht mit seinen völlig fehlbesetzten Darstellern. Liest sich natürlich schön: Pacino, Williams und Swank. Alle einen Oscar gewonnen, Swank sogar zwei. Aber ich sag es immer wieder gerne: ein Oscar macht noch keinen guten Schauspieler. Und auch nicht jeder Schauspieler ist für jede Rolle geschaffen. In seiner Summe ist der Film also so daneben, wie der deutsche Titel. Entweder „Insomnia“ oder „Schlaflos“ - aber dann bitte nicht beides.

Foto: „One less TV“ by Kevin Steele, lizenziert unter CC-BY-NC

In eigener Sache

2010-06-12T12:16:00.002+02:00

Es ist ruhig auf diesem Blog geworden. Für meine Verhältnisse sogar ziemlich ruhig Seit knapp zwei Wochen wartet die Besprechung von „The Messenger“ darauf von mir geschrieben zu werden (Starke erste Hälfte, dann ebenso stark nachlassend). Im Moment kann ich mich jedoch einfach nicht dazu aufraffen meine rar gesäte freie Zeit - Arbeit über Arbeit – mit dem Schreiben von Texten zu verbringen. Schließlich ist es Sommer, und nicht minder wichtig: Meine Masterarbeit steht an und wartet darauf geschrieben zu werden. Und wer den ganzen Tag mit dem Lesen und Schreiben wissenschaftlicher Texte verbringt (wenn ich denn endlich mal dazu kommen würde), der verspürt wenig Lust auch noch nach Dienstschluss in die Tasten zu hämmern. Außerdem hat gestern die Fußball WM begonnen, was mein Zeitkontigent für Kinobesuche und Rezensionen noch mehr beschneiden dürfte. BTW: Diese Vuvuzelas gehen mir jetzt schon auf den Geist. Was ich damit sagen will: Kino, TV & Co wird für einen längeren Zeitpunkt in die Sommerpause gehen. Sommerpause ist in diesem Fall nicht gleichbedeutend mit der vollständigen Stilllegung des Blogs zu verwechseln (zumindest die TV-Tipps wird es weiterhin geben), sondern eher als sehr reduziertes Programm zu begreifen, das ich hier zumindest die nächsten drei Monate anbieten werde. Aber wer weiß: Vielleicht packt mich in ein paar Wochen auch schon wieder die Lust am Schreiben, und die Sache sieht schon wieder ganz anders aus. Einstweilen wünsche ich meinen Lesern einen schönen Sommer und vor allem eine fröhliche und ereignisreiche Fußballweltmeisterschaft. Ich freu mich schon auf Morgen, tippe auf ein 3:0 unserer Jungs, und werde die folgenden vier Wochen ganz unter das Motto stellen: Neben „Acker, Acker, Wacker, Wacker“ gibt’s vor allem „Waka Waka“!