La proposition

On savait tout de même au visionnage de ce trailer que Replaced allait être un platformer en « 2,5D ». Néologisme un peu grossier à mon goût mais qui désigne, faute de mieux, un jeu essentiellement en 2D dont l’esthétique, et plus rarement la mécanique, jouent fortement sur la profondeur de champ. Il proposait un style visuel très inspirée des œuvres de cyberpunk des années 80, Blade Runner en tête (dont, si vous ne l’aviez pas deviné à son portrait, votre humble serviteur est un pathétique fanboy). On savait que le gameplay inclurait des phases de combats à l’animation extrêmement fluide et cinégénique. Mais jusqu’à ce début d’année et la sortie d’une démo, on en savait pas beaucoup plus. Et une fois cette démo entre les mains, même si l’esthétique était à la hauteur de la promesse, on était en droit de se demander si le gameplay, bien que non-exhaustif, n’allait pas nous laisser un peu sur notre faim.

Le pouce sur la molette du Wingman

Alors qu’en est-il vraiment ? Dans sa première dizaine de minutes, le moins qu’on puisse dire c’est que Replaced ménage le suspense en prenant bien son temps. Notre perso est lent ce qui nous permet de nous en mettre plein les mirettes en traversant de somptueux environnements, certes, mais nous amène aussi à nous demander quand surviendra le prochain rebondissement narratif ou le prochain challenge ludique. Et puis, doucement mais sûrement, on nous apporte un hub avec ses personnages secondaires bavards, des petits « lore-dumps » qui nous expliquent que la diégèse n’a pas des années 80 que l’apparence puisqu’elle en est tout bonnement une version alternative (une uchronie donc). On nous met dans les mains un pistolet-matraque dysfonctionnel qui ne peut tirer qu’une seule fois après l’avoir utilisé pour frapper les mutants qui peuplent les alentours de Phoenix City… On nous apprend à parer, rouler, renvoyer des tirs dans des confrontations à la Batman Arkham Asylum. Bref, on découvre peu à peu que Replaced n’est pas qu’une carte postale.

Cool. Mais le jeu est-il bon ? Une question dont la réponse va évidemment varier selon les sensibilités mais il y a tout de même deux défauts ou plutôt imperfections objectives qu’il convient de relever. D’une part la maniabilité est lente et lourde à l’instar de vieux cinematic-platformers tels que Flashback ou Prince of Persia (le jeu DOS/Apple de 1989, pas les jeux 3D post 2000) ce qui n’est pas un problème en soi mais pourrait rebuter certains. Et surtout, en de rares occasions, cela créer des situations un peu trop frustrantes. J’ai en tête un passage spécifique où le joueur est pourchassé par un drone et où, pour avoir une chance de ne pas se faire rattraper et tuer (une nouvelle fois), il faut pousser le stick de déplacement avant même que l’image soit revenue du fondu au noir qui ponctue la mort précédente.

L’autre petit souci est malheureusement le revers de la médaille des superbes décors dans lesquels on évolue : il sont, hélas, parfois un peu difficile à lire. Rien d’absolument indéchiffrable et abusivement imperceptible (comme dans un Tintin au Tibet sur SuperNes célèbre pour cette tare). Mais, malgré tout, nos cerveaux de joueurs dressés à la peinture jaune sur le moindre rebord auquel s’accrocher peinent parfois à repérer la route à suivre et on se retrouve occasionellement à ne plus presser le moindre bouton sur le pad, observant l’image pendant quelques secondes en se demandant ce que les développeurs attendent de nous. Et, hélas, ce n’est pas pour nous proposer d’éventuels salles cachées ou chemins alternatifs : dans l’ensemble, Replaced ne propose quasiment aucun backtracking.

Irremplaçable

Alors, oui, on a l’impression que j’en dis plus de mal que de bien. Et pourtant, même en mettant de côté mon biais de «client » je ne peux pas dire que Replaced soit un mauvais jeu ni même médiocre. Déjà parce que, au risque de me répéter c’est une expérience visuelle à se taper le cul par terre. Le simple plaisir de contempler la photographie des environnements se suffirait presque à lui même. Par ailleurs, s’il est perfectible et peu innovant, le gameplay est suffisamment abouti pour qu’il ne se ressente pas comme une pénible contrainte avant d’accéder au prochain moment « fond d’écran ». Mieux, il m’est arrivé dans certains combats d’avoir un début d’arcade-fever, enchaînant sans ciller les tentatives infructueuses et jubilant après une succession de mouvements efficaces.

En définitive, Replaced est un jeu « honnête » même si vous êtes le genre de rabat-joie qui ne se laisse pas séduire par un emballage qui brille. Mais si vous êtes capable de revisiter des mécaniques de jeu un peu convenues en échange du simple plaisir de vous rincer l’œil, vous tenez là un titre qu’il serait vraiment dommage de manquer.

Cet article [Test] Replaced est apparu en premier sur Kiss My Geek.

Sol Cesto, c’est quoi ?

Roguelite né des esprits de Géraud Zucchini – alias Doc Géraud – et de Chariospirale, Sol Cesto propose d’enchaîner les niveaux pour affronter des créatures et des boss ainsi que d’améliorer son expérience au fur et à mesure des tentatives d’exploration à l’aide d’achat de nouvelles capacités, de nouveaux personnages ou encore en débloquant de nouveaux items disponibles dans les magasins que vous rencontrerez lors de votre run. Son point de départ narratif est de vous expliquer que le soleil a disparu et qu’il vous faut descendre dans les tréfonds d’une grotte pour le récupérer. Jusque là, à part le pitch narratif, Sol Cesto semble assez classique dans sa catégorie.

La particularité du jeu est qu’il vous fait évoluer dans des tableaux successifs de 4×4 cases (dont vous devez en explorer un certain nombre pour pouvoir passer au tableau suivant) en vous permettant uniquement de choisir une ligne, et pas une case précise. De base, vous avez donc une chance sur quatre de tomber sur la case que vous visez. Évidemment, si certaines cases sont des bonus (trésors, objets de vie), d’autres comportent des ennemis avec tout un tas de caractéristiques différentes (force, comportement, switch d’un style à un autre entre deux actions, power boost en fonction de certains événements…) et d’autres encore, des pièges qui restent même après que vous ayez visité la case.

Il reviendra au joueur d’utiliser les possibilités du jeu pour créer son build à chaque run et ainsi influer sur les forces du personnage et les différents événements de la partie. Le premier élément est assez attendu et simple puisqu’il s’agit de la puissance physique et magique de votre personnage, permettant de battre des ennemis de force égale ou inférieure sans vous blesser ou de prendre x dégâts (x = leur force moins la vôtre) quand vous tombez sur leur case. Ces puissances peuvent (rarement) être améliorées en visitant la forge. Vous avez aussi évidemment des objets (disponibles chez le marchand ou au début de votre run) qui vous permettent tout un tas d’actions différentes, de la simple potion de vie aux armes plus ou moins sophistiquées et plus ou moins aléatoires, en passant par des clefs vous permettant directement de passer au niveau suivant (même contre les boss).

Dent-se avec les monstres

Là où ça devient vraiment intéressant, c’est quand on commence à s’amuser avec le système des dents. Car à l’instar d’un bon (ahem !) vieux Thénardier prêt à fouiller les cadavres des insurgés pour leur arracher les dents et les revendre, vous, c’est à des statues que vous allez les arracher pour garnir vos gencives affreusement vides. Moins vautour, pas beaucoup moins glauque. Il n’empêche que ces dents ont des caractéristiques essentielles puisqu’elles vous offrent littéralement un pouvoir sur l’aléatoire du jeu pour essayer de le maîtriser. Ainsi, certaines vous permettront de déclencher un événement bénéfique à certaines conditions (ex : désactiver un piège à chaque coffre ouvert, affaiblir des ennemis pendant un tour après en avoir tué trois, etc), tandis que d’autres modifieront carrément les statistiques du jeu, augmentant (ou au contraire amoindrissant) vos chances de tomber sur un certain type de cases. Ces dents viendront souvent avec une contrepartie qu’il vous appartiendra soit de transformer en chance via le reste de votre build, soit de subir… Ou encore d’effacer ces « malus » par un moyen que je vous laisserai découvrir. Au joueur de trouver les bonnes synergies.

Autant vous dire qu’en tant que fan de NBA (où les statistiques sont une véritable religion) ayant fait un mémoire sur les milieux chaotiques, la perspective de jouer sur des stats pour orienter mon jeu m’est apparue très vite des plus réjouissantes ! Et je sais que certains d’entre vous sont en train de maugréer dans leur barbe (ou dans celle du voisin, on ne juge pas) en pensant que les calculs vont rendre tout ça trop compliqué et que le jeu n’est donc pas pour eux. Que nenni ! L’interface est pour le coup plutôt claire et simplifie grandement l’adoption des mécaniques de Sol Cesto puisqu’on trouve en bas de l’écran un rappel des modificateurs de stats mais aussi, directement sur les lignes avant de choisir, un rappel de votre pourcentage de chances de tomber sur chacune des cases. Pas d’excuse pour les phobiques des maths, donc.

Sel Cesto

Pour autant, le jeu est-il ultra fluide et accessible ? Pas vraiment. Vous me direz que ce n’est pas un problème pour un roguelite puisqu’on attend du challenge et même, osons le dire, un peu de frustration. C’est ce qu’on se dit par exemple quand on meurt sur l’avant-dernier tableau après avoir construit un build du feu du Soleil parce qu’on est tombés deux fois de suite sur une case avec moins de 10% de risques d’apparition. Après tout, c’est une preuve que le jeu ne triche pas avec son concept d’aléatoire. Ca n’empêche pas qu’on a envie de jeter son SteamDeck contre le mur mais « c’est le jeu ma pauvre Lucette » (oui, j’ai des refs de vieux, c’est parce que je le suis). C’est déjà un peu plus énervant quand le jeu vous oblige à enchaîner les runs jusqu’à l’avant-dernier biome inclus pour récupérer des pierres afin de débloquer le dernier niveau mais que la seule pierre manquante n’apparaît pas pendant plus de dix runs d’affilée (oui, c’est du vécu).

Mais à mon sens, le plus dérangeant dans Sol Cesto, c’est sa gestion du mystère. Les explications sont très, mais alors très succinctes. Dans certains cas, ça peut être marrant. C’est le cas avec certains pouvoirs de dents ou d’objets qui nous paraissent incompréhensibles au premier abord et qu’on ne comprend qu’en les testant. Ca peut même être grisant quand c’est complètement caché et qu’on tombe dessus par hasard (c’est le cas avec la fusion pouvoir du personnage + certains objets par exemple). Mais ce manque d’explications rend le début du jeu très confus : on ne comprend pas vraiment ce qu’on fait, pas vraiment ce qu’on pourrait faire autrement et, fatalement, certains seront dégoûtés avant d’arriver au moment où tout commence à faire sens. Pas de bol, ça veut dire que beaucoup pourraient abandonner avant les 2h fatidiques pour se faire rembourser.

Dans le même esprit de « gestion du mystère », je dois bien avouer que je suis dubitatif face à certains choix de mise en avant ou non. Je ne vais pas vous révéler quoi mais vous pouvez par exemple découvrir des interactions marrantes et bénéfiques sur certains tableaux que vous ne soupçonnez pas au départ. Ce n’est mis en avant nulle part, ce qui fait que quand on le découvre par hasard, c’est vraiment valorisant et fun. A l’inverse, certains éléments sont fortement mis en avant, sans explication, sans contexte et là, ça nous donne juste l’impression de passer à côté d’un truc. Je vais prendre l’exemple d’un objet qui arrive assez vite (je l’ai eu en moins de deux heures) : la flûte. Quand vous la débloquez, vous avez un texte spécial, un succès (je crois, de mémoire), bref, on vous fait savoir que c’est une étape importante ! Pourtant, aucune explication sur ce que c’est , ce que ça fait ou comment ça marche. Alors on se dit qu’on comprendra sûrement par la suite. Sauf que non, on n’y revient pas. Avant d’écrire ce test, j’ai dû aller chercher sur internet ce que c’était parce qu’au bout de 20h de jeu et après avoir retrouvé le Soleil (soit le but du jeu, quand même), je n’avais toujours pas d’indice sur cette maudite flûte.

Il est mort, il est mort le soleil ?

Des imperfections, il y en a donc. Mais c’est normal pour un jeu, encore plus porté par seulement deux personnes. Le constat est pourtant sans appel : comme je vous l’ai dit, ça fait plus de 20h que je joue, en moins de deux semaines et en ayant à côté de ça un emploi du temps chargé. C’est donc bien que Sol Cesto réussit son coup ! Il faut dire que la frustration des morts perçues comme injustes n’est rien par rapport au plaisir de la découverte de toutes les façons d’influencer le jeu et de combiner les pouvoirs, les objets, les dents, et caetera. Mieux : au fil de vos descentes dans cette grotte maudite, vous allez assez rapidement et naturellement débloquer de nouveaux personnages, avec de nouveaux styles de jeu. L’occasion de tester plusieurs approches et de choisir avec laquelle vous voulez avancer en premier.

C’est le premier gros avantage de Sol Cesto pour améliorer sa rejouabilité à mon sens. Car si chaque personnage a évidemment son propre design qui vous parlera plus ou moins (mention spéciale au mage qui a des petites vibes Vivi/Bibi et me donne envie de relancer une énième fois FFIX, même si je pense qu’il a plus été inspiré par le Mickey de Fantasia), il vient surtout avec son set d’objets de départ, sa capacité à avoir plus ou moins d’objets, sa force physique et magique, son pouvoir « passif » (bannir certains ennemis, laisser quelque chose derrière quand il prend des dégâts, etc) et son pouvoir du soleil, un pouvoir spécial qui se recharge en visitant des cases et qui change radicalement la façon de jouer (le guerrier peut choisir une colonne au lieu d’une ligne, le magicien peut lier deux cases pour résoudre la deuxième lorsqu’il tombe sur la première, le lézard peut choisir un carré de quatre cases au lieu d’une ligne, etc). Ils ont également leur propre histoire, leur propre fin lorsqu’ils récupèrent le soleil au fond de la grotte mais tout ça, vous le découvrirez par vous-mêmes.

Bref, en plus de l’envie naturelle de tester d’autres builds, Sol Cesto ajoute assez d’éléments pour renouveler l’expérience de jeu et ainsi nous donner envie d’y revenir encore et encore ! Il y a toutefois un obstacle à cette vie sur le long terme. Car si on a bien envie de reprendre la partie, un frein de taille persiste : la longueur des runs. Le nombre de tableaux nécessaires pour arriver au bout d’une run étant assez conséquent et le jeu reposant entièrement sur vos choix et donc vos réflexions, vous pouvez oublier l’idée de faire une run en dix minutes. Tablez plutôt sur 45 minutes. Rien de rédhibitoire mais je pense que le jeu aurait gagné à avoir des runs plus courtes.

Et enfin, mes deux centimes qui sont vraiment très personnels mais on ne sait jamais, si un des papas du jeu passe par ici et que mon idée lui plaît, je ne crache pas dessus. Il manque un rien pour rendre l’expérience encore plus agréable sur SteamDeck (déjà bravo d’avoir rendu ça lisible sur un « petit » écran) et préparer sa sortie éventuelle sur consoles : la compatibilité mode manette. On est sur un jeu à choix où la réactivité n’est (quasiment) jamais un enjeu, ce serait sympa de pouvoir sélectionner sa ligne à la manette plutôt que passer par le trackpad. Mais là, on pinaille vraiment.

Cet article [Test] Sol Cesto est apparu en premier sur Kiss My Geek.

Vous reprendrez bien un peu de dystopie écologique !

Aphelion est un jeu d’aventure et d’action narratif à la troisième personne, prenant place sur Persephone, une planète glacée et inconnue située aux confins du système solaire. Nous sommes en 2060 et, déjà, la Terre est devenue inhabitable. Trope de la dystopie SF oblige : l’humanité mise ses derniers espoirs sur la découverte de ce neuvième astre. (Pour une fois !) c’est l’agence spatiale européenne (ESA) qui est au cœur de l’histoire en envoyant la mission scientifique Hope‑01, composée de deux astronautes chevronnés, Ariane Montclair et Thomas Cross, qui seront chargés de confirmer tous les espoirs portés sur cette planète.

Mais l’aventure commence dans le chaos. Le vaisseau s’écrase lors de son atterrissage, séparant les deux membres de l’équipage sur cette planète hostile. Blessé, Thomas est laissé pour mort, tandis qu’Ariane se lance dans une course désespérée à travers des paysages gelés et instables, confrontée à des phénomènes altérant la réalité et à une menace tapie sous la glace. Seule, équipée de simples outils d’exploration (grappin, réservoir d’oxygène, etc.), elle doit survivre, retrouver son partenaire et comprendre ce qui se cache réellement sur Persephone, dernier espoir de l’humanité…

(Apheli)On joue ! 

Le mystère autour de la disparition de Thomas perdure assez peu puisque, très rapidement, nous sommes amenés à jouer les deux personnages tour à tour et à progresser ainsi dans l’histoire avec chacun des points de vue.

Le jeu repose en grande partie sur des phases de plateforme assez basiques. On passe une grande partie de l’aventure à escalader des structures rocheuses ou glacées qui se ressemblent beaucoup, avec un gimmick central : le bouton X pour s’agripper à une paroi friable, sollicité jusqu’à l’épuisement. Ces phases deviennent malheureusement très vite très répétitives. Jusqu’à donner parfois l’impression de servir avant tout à étirer artificiellement la durée de vie. Heureusement, cela ne se fait pas trop au détriment du rythme narratif. Celui-ci se révèle dirigiste, avec des phases imposées dont certaines sont assez dispensables… surtout lorsqu’elles manquent de variété ou de précision. En effet j’ai enchaîné à certains moments les morts un peu frustrantes pour des raisons de bounding boxes pas claires, laissant sur mon visage une moue un peu crispée. Je m’en serais bien passée. On remerciera les points de sauvegarde fréquents, bien que leur placement soit inégal : certains passages plus « exigeants » (laissons les gros guillemets) étaient étonnamment mal dosés, ce qui m’a faite grincer des dents à plusieurs reprises.

Je ne peux pas non plus passer sous silence les quelques bugs bloquants dans les décors, peu nombreux mais suffisants pour avoir cassé mon immersion à quelques moments.

Accumulés, ces petits défauts finissent par hacher le rythme et affaiblir l’impact émotionnel de certaines séquences… C’est dommage, mais rien qui ne ternisse l’expérience globale ou, mieux, qui ne puisse être corrigé par un patch !

Le scénario intrigue et fonctionne bien sur le plan émotionnel même si, comme je le disais plus haut, il s’appuie sur de nombreux tropes de la science‑fiction dont le fameux : « l’humanité est à l’agonie et cherche une nouvelle planète pour survivre ». Ou encore « ouille ouille ouille je n’ai plus d’oxygène ». Et l’indispensable « attention un extra-terrestre menaçant… mais est-il vraiment si méchant ? » Bien que l’exercice soit mené de façon tout à fait propre, il en est souvent très scolaire. Je comprends l’intention de garder un discours lisse et grand public pour préserver les ventes, mais cette absence de prise de risque de la part de DON’T NOD sur l’écriture me laisse quelques regrets quand on connaît leur palmarès sur ce sujet…

Concernant la relation entre Ariane et Thomas, c’est clairement l’un des moteurs du jeu. Leur passé commun, marqué par une relation laissée en suspens, apporte de la densité à l’écriture. Et leur lien devient peu à peu un véritable fil conducteur, une bouée de survie au milieu d’un monde qui leur est hostile et incompréhensible. Le gameplay presque asymétrique entre les deux protagonistes, quoi que peu original (là encore), est une idée intéressante qui apporte de l’épaisseur au scénario. On notera malgré tout que le concept aurait pu être davantage approfondi, les différences de jouabilité restant minimes.

Big up également à la mise en avant de l’ESA – ce qui nous change de la NASA – un choix rarement vu dans les productions du genre et qui contribue à l’identité du jeu !

Quant à la conclusion elle me laissera un léger goût d’inachevé : Aphelion n’ose pas entièrement assumer une fin plus amère et fataliste, ce qui aurait renforcé son originalité et la cohérence de son propos jusqu’au bout. Mais c’est dans la droite lignée de sa proposition un peu timide. J’ai du mal à leur en vouloir et j’en devine les raisons sans trop de peine…

Pas mal non ? C’est français !

S’il y a une chose qu’on ne peut pas retirer à Aphelion : c’est la réussite de son visuel. Les paysages de Persephone offrent de magnifiques panoramas malgré une palette dominée par la glace et le désert, un choix logique au regard du contexte narratif et des conditions extrêmes de la planète.

De même, la mo-cap et les animations subliment le jeu des acteurs très convaincants et participent pleinement à l’immersion.

Quant à la musique, elle m’a fait découvrir le travail du compositeur de cinéma franco-tunisien Amine Bouhafa (Timbuktu, Gagarine) et vient agrémenter de façon sobre mais efficace l’ambiance mélancolique et oppressante de l’aventure. Une jolie surprise !

D’Aphelion je retiendrai surtout son ambiance, sa direction artistique convaincante et une écriture timide mais au niveau (minimum) qu’on peut attendre du Studio. Malheureusement, ça n’est pas toujours mis en valeur par des phases de plateforme trop répétitives et parfois imprécises… Pour autant il s’en sort bien et son rythme n’en pâtit pas trop, tout comme la frustration liée à ses imprécisions qui reste relative. Ce double A de SF narratif aurait gagné à mieux calibrer son gameplay, ce qui n’en fera probablement pas un titre fort de 2026 ni un jeu qui marquera la ludographie du Studio mais… pour un peu moins de 40€ et une demie douzaine d’heures de jeu il reste une proposition honnête au vu du contexte actuel de DON’T NOD.

Après Jusant qui m’avait transportée et Banishers que j’avais adoré, Aphelion reste assez lisse. La réalisation soignée et sans grosse prise de risque lui assurera, je l’espère, une jolie sortie, notamment sur le Game Pass. Croisons les doigts pour que ça aide le groupe à poursuivre aussi sereinement que possible sa transformation et sa remontée de la pente (qui devrait être boostée par son projet Netflix à venir)… Et en espérant découvrir d’ici un an ou deux un nouveau jeu avec davantage de personnalité, comme nous y étions habitués avec leurs premiers titres… qui sait ?

Cet article [Test] Aphelion est apparu en premier sur Kiss My Geek.

Maribel, île en mer

Tout commence sur l’île de Melyor, ou plus précisément dans la baie d’Alevin, où votre héros, anonyme, s’apprête à rejoindre son meilleur ami, le prince Kylian (Kiefer dans la version originale). Tout est calme sur Melyor, un peu trop même. Tout est calme dans le monde entier car, visiblement, Melyor est la seule île existante. Les jours sont donc paisibles pour nos deux compères et leur amie Maribel, la fille du maire de la baie d’Alevin. Mais notre bon prince n’est pas dupe : il y a forcément autre chose quelque part. Impossible que ce monde ne soit peuplé, en tout et pour tout, que des habitants de l’île de Melyor.

Effectivement, rapidement, notre groupe met la main sur quelques fragments de tablettes et sur un étrange sanctuaire. Une fois les fragments assemblés, voilà nos amis transportés sur une toute nouvelle île à la culture totalement différente. Pire, en plus de voyager à travers l’espace, il semble bien que nos joyeux drilles aient également voyagé à travers le temps, plus précisément quelques siècles avant leur époque. Une fois revenus dans le présent, notre groupe se rend compte avec stupéfaction que cette nouvelle île est également apparue dans leur ligne temporelle.

Cette base scénaristique représente la quasi-totalité de la boucle narrative de ce Dragon Quest VII. On trouve des fragments de tablette d’une certaine couleur, on les assemble pour visiter une île dans le passé, on résout les mystères de cette île puis on visite son pendant dans le présent. Raconté comme ça, le pitch de ce remake peut faire peur et laisser craindre une rapide lassitude. Ce serait heureusement sans compter sur une écriture et une narration absolument délicieuses.

Sous ses atours chatoyants, Dragon Quest VII offre à vivre de nombreuses petites histoires aux enjeux, à première vue, relativement limités. Pas question ici de sauver le monde, de renverser un tyran ou de faire tomber une méga-corporation. Dragon Quest VII c’est le souffle de l’aventure et des histoires à hauteur d’homme. Des histoires qui font pratiquement toujours mouche et qui, même si le contexte semble classique ou déjà vu, parviennent toujours à nous surprendre ou à nous émouvoir, comme cette île où tous les habitants ont été transformés en animaux, ou cette autre dont les habitants ont tous été changés en pierre, sauf une personne qui veille sur les statues des villageois depuis des décennies.

Toutes ces petites histoires finissent bien sûr par dessiner une fresque bien plus grande, mais quel plaisir que de suivre la destinée de toutes ces îles et de leurs habitants, surtout quand la narration s’accompagne d’une direction artistique aussi cohérente avec son propos !

Laisse-moi Kiefer la vibe avec mes mates

Dès les premiers screenshots, la direction artistique de ce Dragon Quest VII Reimagined a surpris autant qu’elle a pu diviser. Là où Square aurait pu s’appuyer sur le travail déjà effectué dans ses remakes HD-2D, le studio japonais a choisi de donner vie aux îles de DQVII sous forme de sublimes dioramas en 3D, avec des personnages faisant penser à de petites figurines, tout en conservant et en cultivant le côté SD. Impossible de rester insensible au magnifique menton de Kylian ou à la bonhomie du personnage principal.

Au-delà de sa direction artistique, Dragon Quest VII est également très solide techniquement, avec notamment des effets de texture sur les vêtements absolument sublimes. Le jeu tourne d’ailleurs parfaitement sur Switch 2 et Steam Deck et, clairement, l’expérience se prête particulièrement à ce genre de device. Dragon Quest oblige, on reste en terrain connu au niveau des systèmes.

Si le travail de remake est irréprochable sur la partie artistique, il en va de même pour le rythme. Même si certains puristes regretteront la disparition de certains passages, les équipes de Square ont su faire les coupes nécessaires. Pour rappel, dans sa version d’origine, le prologue de ce Dragon Quest VII s’étalait facilement sur 10 à 12 heures avant de voir ne serait-ce que le premier combat. Ici, le prologue tient sur deux petites heures et de nombreux passages ont également été raccourcis, quand ils n’ont pas été simplement supprimés (comme le casino, le Monster Park ou quelques îles annexes). Il en résulte une aventure bien plus condensée et bien mieux rythmée. Si le titre original se bouclait en plus de 100 heures, cette version Reimagined peut être complétée en moins de 80. L’aventure est également plus digeste grâce à de nombreuses améliorations de « quality of life ».

Vieux Gabo

Première amélioration notable : fini les combats aléatoires. Désormais, tous les monstres sont visibles directement sur la carte du monde. Un coup réussi permet d’infliger un peu de dégâts avant le début du combat, qui se déroule toujours au tour par tour. Si la différence de niveau entre le groupe et le monstre est trop élevée, celui-ci est éliminé directement et rapporte un montant d’or, d’expérience et d’expérience de vocation minime.

Gros changement également au niveau des vocations, le système de jobs de ce DQVII. Si, dans l’opus original, il n’était possible de n’équiper qu’une seule vocation à la fois, il est désormais possible d’en équiper deux différentes sur chacun des protagonistes. Un changement qui permet d’expérimenter pas mal de combinaisons.

Comme dans de nombreux remakes du genre, il est bien entendu possible d’augmenter ou de diminuer l’XP gagnée, l’or, les dégâts infligés ou reçus. Et c’est là que ce Dragon Quest VII montre sa plus grande faiblesse. Si Dragon Quest VII sur PlayStation, et même sur son remake DS, étaient des jeux à la difficulté relevée, ce remake offre un challenge beaucoup trop simple. Pour rendre son jeu le plus accessible possible, Square laisse la possibilité au joueur de toucher à pratiquement toutes les métriques du jeu. Que ce remake diminue la difficulté par rapport au jeu original, soit, mais, comme le rappellent certains fans, « Dragon Quest, c’est des maths » : en offrant au joueur la possibilité de toucher à toutes les jauges, on finit par obtenir un jeu déséquilibré.

Pas question ici de jouer les « true gamerz » qui pensent que chaque victoire doit se mériter dans le sang et la sueur, mais un mode facile doit être équilibré pour offrir un défi accessible au plus grand nombre. En donnant la possibilité de toucher à la moindre variable du jeu, Square demande au joueur de faire lui-même ce travail d’équilibrage. Le danger, en rendant le challenge trop trivial dans ce Dragon Quest VII, est, du fait de sa structure assez répétitive, de lasser beaucoup trop vite. Si les fans de RPG s’attendent à une expérience exigeante, ils risquent de vite déchanter.

Rien de bien dramatique au final, mais quel dommage que ces soucis d’équilibrage viennent ternir l’aura de ce chef-d’œuvre.

Cet article [Test] Dragon Quest VII : Reimagined est apparu en premier sur Kiss My Geek.

(P)review

Disons-le d’emblée, je n’ai pas réussi à aller au-delà des 2 heures et demi de jeu. À ma plus grande déception, 1348 Ex Voto m’est tombé des mains. From « l’un de mes jeux les plus attendus de 2026 » à celui de « alt+F4 » real quick. Laissez-moi vous détailler ce voyage aussi court qu’intense.

Vergogna, fallimento

1348 Ex Voto est une occasion ratée, et j’en suis verte de rage. Sur le papier, le premier titre de Sedleo avait tout pour lui. Mais manette en main : c’est l’évidence très vite. Le jeu passe complètement à côté de sa promesse.

Je l’avais déjà pressenti lors du test de la démo pendant le Steam Néo Fest. Hé oui, je n’avais pas résisté à l’envie de poser les paluches sur ce jeu que j’attendais tant. C’est pourtant la mâchoire crispée que j’ai posté mon premier avis sur Bluesky au sortir d’une démo de… 14 minutes.

Malheureusement c’est un râtage total C’était l’une de mes attentes 2026 (notamment pour sa DA) et cette démo, en plus d’être trop courte (14mn !), affiche des graphismes au ras des pâquerettes, une DA tristoune, des problèmes de caméra et un système de combat nullach’… Je suis super déçue !

[image or embed]

— Eskarina_ (@eskarinaunderscore.bsky.social) 28 février 2026 à 22:28

Et pour cause. Bien que courte (pour laisser le doute persister, peut-être ?), la démo en dévoilait déjà beaucoup sur le problème de qualité du jeu,

Pleine de naïveté positivité je m’étais dit que la démo serait probablement réajustée d’ici à la sortie : en débloquant un mode graphismes haute qualité, quelques options d’accessibilité, un peu d’équilibrage « et voilà »… ?

Que nenni.

Artigiano di (scarsa) qualità

1348 Ex Voto, c’est l’histoire d’Aeta, une fille de noble, chevalier en devenir, qui part à la recherche de Bianca, une servante prête à entrer au couvent qui s’est retrouvée séparée d’elle suite à l’attaque sanglante de leur village.

La première chose qui m’a chiffonnée d’emblée, c’est le contraste entre la Direction Artistique qu’on avait pu apercevoir dans les trailers et… la qualité technique des graphismes dignes (sans exagérer) de la PS3. Ce qui continue de m’étonner c’est que les visuels officiels ne donnent pas l’impression d’être aussi laids – la version PS5 est-elle plus avantageuse à ce niveau ? Je n’en sais rien, en attendant je vous partage une capture d’écran de ma version PC pour que vous compreniez de quoi je parle :

Pour un titre AA on n’attend pas des miracles mais… il y a un minimum. On est dans le résolument moche avec un soin minimal pour les personnages principaux, et presque inexistants pour les PNJ.

Bien que les panoramas italiens soient plutôt réussis, les textures sont datées, les décors très vides, et les zones d’exploration trop souvent sans intérêt ce qui n’encourage pas à les parcourir. D’autant que la maniabilité du personnage est gauche et que c’est parfois un calvaire de grimper un obstacle ou de se déplacer dans des ruines. On ajoute à ça une gestion de la caméra approximative et tout est réuni pour vous donner envie de faire un tout droit vers l’objectif sans vous attarder sur le reste. Seules les animations faciales et l’acting rattrapent un peu le coup mais créent une dissonance d’autant plus forte avec la piètre qualité des modèles 3D…

La deuxième chose qui a plaqué ma motivation au sol, ce sont les sensations manette en main. Je vous en parle quelques lignes au-dessus : c’est presque désagréable de déplacer l’héroïne qui peine à grimper un obstacle et qui chute lourdement avec une longue animation pour se remettre debout. Des dizaines de fois. Sans parler des bugs ponctuels qui vous bloquent plusieurs secondes lors de vos passages d’une zone à l’autre – très nombreux d’ailleurs, pour masquer (bien maladroitement) les temps de chargement à foison.

Mais le pire, c’est en combat. J’évoquais plus haut les problèmes de caméra qui peuvent mettre en difficulté quand on est contraint·e d’enchaîner les esquives jusqu’à se retrouver plaqué·e aux contours du décor. Ce système d’esquive, parlons-en : il est imprécis, ce qui en fait un élément frustrant quand on sait que le jeu vous autorise 5 touches avant de mourir. Au global, la difficulté est assez mal dosée (je suis assez convaincue que la jouabilité ne facilite rien) et l’absence totale d’options d’accessibilité, en plus d’être problématique en soi, ne permet malheureusement pas d’ajuster l’expérience.

Outre le fait que les combats ne soient pas agréables et satisfaisants à jouer, il faut aussi dire qu’on nous répète à l’infini la même combinaison de 3-4 ennemis. Avec le même skin. Et les mêmes attaques. Attaques qu’on répétera nous-mêmes avec Aeta puisqu’à part enchaîner les coups rapides (posture à 1 main) ou les coups lents (posture à 2 mains), on n’a pas une variété de coups beaucoup plus grande à notre disposition. La lourdeur globale des mouvements (que l’on pourrait prêter à l’intention de réalisme ?) met en défaut le plaisir de jeu, brouille les pistes et n’aide pas à s’approprier le timing des attaques pour savoir quand contrer ou esquiver, ce qui résulte trop souvent sur un game over non mérité… Je salue la volonté de s’inspirer des « Arts Martiaux Historiques Européens » comme Sedleo le met en avant, encore faut-il que ça reste ludique et plaisant…

Alors certes, il y a un système de progression qui permet de « muscler » l’héroïne mais qui n’a pas, me concernant, permis de renouveler l’expérience ou de moins pâtir de la difficulté. Vous pourrez aussi trouver quelques « amulettes » ou morceaux d’épée qui vous permettront de pimper Aeta – vous les trouverez en fouillant les environnements… si vous n’en avez pas été découragé comme j’ai pu l’être pour les raisons citées plus tôt. Il vous faudra ensuite comprendre par vous-même comment fonctionne l’inventaire, dénué de toute explication – une sobriété qu’on retrouve à tous les niveaux et qui fait peut-être écho au contexte global du jeu et à sa visée historique mais qui en devient presque trop fade tellement les potards ont été poussés à fond…

Chevalière sans queue ni tête

Je ne m’épancherai pas sur la qualité narrative du jeu que je n’aurai pas eu les moyens d’apprécier dans son intégralité, néanmoins si je m’en tiens à mes premières heures de jeu l’histoire se résume à un sombre cliché de princesse enlevée, un schéma que j’aimerais ne plus avoir à vivre en 2026 dans un jeu autre qu’un Mario (et encore). La principale tentative d’originalité résidait dans l’inversion des rôles traditionnels en mettant une femme dans la position du chevalier mais ça n’est que très peu exploité. Au final, le jeu ne dit rien de nouveau sur la place de la femme dans la société, alors que le sujet semblait pourtant propice à une réflexion plus profonde.

À noter également l’absence de doublage italien, un comble pour un jeu qui semble vouloir miser sur le réalisme et l’immersion.

Malgré plusieurs tentatives pour comprendre ce que 1348 Ex Voto veut proposer, impossible d’y trouver pour moi un plaisir ludique ou narratif. Après 2 grosses heures de jeu (sur un titre qui en promet 6 à 9) et des combats refaits entre cinq et dix fois pour certains, la frustration a totalement pris le dessus. Bien que j’aie à mon actif des dizaines de jeux d’action-aventure de tous acabits, je me suis totalement remise en question, jusqu’à me demander si ça n’était pas moi qui passais à côté de quelque chose. J’ai même été jusqu’à contacter le service de presse pour demander si des options d’accessibilité existaient pour me faciliter le jeu et me permettre de me concentrer sur l’aspect « aventure » plutôt qu’action mais… je n’ai jamais reçu de réponse (j’imagine bien qu’ils ont d’autres flagellants à fouetter en période de sortie !). Je n’ai malheureusement pas eu le courage d’aller jusqu’au bout pour voir si la narration rattrapait le coup, les défauts accumulés ayant eu raison de ma patience. Je me suis précisément arrêtée juste après le premier combat de boss, face à un banal affrontement contre 3 flagellants que j’ai dû recommencer une dizaine de fois avant de raccrocher. Un combat semblable aux 20 précédents, qui ne semblait pas justifier d’une difficulté particulière, et qui m’a convaincue que j’étais pas venue ici pour souffrir, okay ?

Mon expérience se résume donc à une succession de tableaux sans véritable intérêt, aux mêmes ennemis copiés-collés, par nombre de 2 ou 3 ou 4 selon qu’on veuille augmenter (bien artificiellement) la difficulté, et des maladresses techniques qui donnent une impression d’ensemble d’un jeu raté, qui manque de finition et d’accessibilité, ce qui le fait passer à côté de son intention de base dont je suis pourtant la cliente typique... Un constat assez aligné avec son prix de 25€ qui m’avait surprise à l’origine et que je comprends mieux maintenant.

On pourra au moins lui reconnaître un chose : une com’ et un travail marketing très réussis qui auront fait tenir l’illusion jusqu’au bout.

Cet article [Test] 1348 Ex Voto est apparu en premier sur Kiss My Geek.

NAIADorable

NAIAD est une fable écologiste où vous incarnez une… naïade, ces nymphes aquatiques vivant en eaux douces. Ce petit jeu apparemment sans prétentions sort fin 2024 et se présente comme étant « créé avec amour par un solo dev : HiWarp », Elwin Gorman de son véritable nom. Il aura fallu 5 ans à cet artisan espagnol pour mettre sur pied l’intégralité de son jeu : du game design en passant par la DA, le dev, la composition musicale, le sound design et même les typos. C’est bien simple : HiWarp a tout fait de A à Z. Et cet amour, cette générosité, transpirent de partout dans son titre.

Les critiques ne s’y trompent d’ailleurs pas puisque NAIAD a décroché plus d’une dizaine de récompenses et des notes très flatteuses dans les médias spécialisés. Le titre s’inscrit en plein dans la mouvance des « wholesome games » qui mettent l’accent sur la bienveillance, la douceur, la positivité et les émotions réconfortantes… Autant de choses dont on a bien besoin en ce moment ! #Relaxing #Cozy #Immersive #Peaceful #Wholesome #ASMR #Atmospheric #Unique #Adorable #Beauty #Colorful sont autant de hashtags que HiWarp attache à son jeu et il ne vous ment pas : vous allez être servis en coziness ! Pas de mort, pas de violence et pas d’IA générative sont autant de promesses mises en avant qui en font une œuvre d’autant plus recommandable, notamment pour le jeune public !

C’est une bonne situation ça, Naïade ?

En tant que Naïade, votre objectif est simple : vous laisser entraîner par le courant des rivières.

Se la couler douce, donc ? Hé bien pas tant que ça !

Parce que sur, sous et autour de la rivière : il se passe beaucoup de choses ! Qui vont attirer votre attention ou nécessiter votre aide… Oh un caneton qui a perdu sa maman ! Tiens une plante fânée à laquelle je peux redonner toute sa vie grâce à mon chant… Ne serait-ce pas un poisson que je pourrais guider vers le courant suivant ? Et ici, une grenouille que je pourrais rapprocher d’un nénuphar ? NAIAD fourmille de petites choses mignonnes à faire, de succès (extrêmement) nombreux à débloquer pour un pic de dopamine bien mérité, et qui vous permettront de « grandir » à quelques étapes clés du jeu (sorte de level up) et d’ainsi gagner en vitesse et en dextérité dans vos mouvements.

Dans NAIAD tout est mignon – ou presque ! Vous vous doutez bien que, dans le cahier de toute fable écologiste, se cache un agent pollueur dont le but va être de perturber votre progression et de vous faire réfléchir à l’importance du tri sélectif. Vous n’y échapperez pas ici, néanmoins le message est passé de façon assez douce et pas trop tapageuse. Ce qui pourra, aux yeux de certain.es, donner l’impression que ça manque d’impact voire que c’est un peu trop naïf… « So what? »

Mais ce qui frappe tout de suite manette en main, c’est le « flow » : se laisser entraîner par le courant, donner une petite impulsion pour accélérer sa course aquatique, avec le bruissement des bulles dans les oreilles… SAH QUEL PLAISIR ! Une véritable réussite dans un écrin de couleur chatoyantes et une musique douce – un bel exemple de DA « à taille humaine » pourtant très réussie… Chaque petit détail compte dans NAIAD et vous récompense.

Ne vous laissez donc pas tromper par son âme poétique à l’extrême : il faudra vous armer de courage si vous voulez terminer le jeu à 100% ! Collecter tous les poèmes, toutes les essences, faire toutes les rencontres, retrouver toutes les notes de musique, observer toute la faune sont autant d’étapes que l’encyclopédie vous proposera de débloquer. Derrière ça on retrouve une boucle de gameplay qui se renouvelle seulement à certains moments clés du jeu et qui pourra parfois sembler un peu répétitive… Il faut dire que pour un jeu ramassé sur une demie dizaine d’heures, la quantité de contenu proposé est assez vertigineuse !

Une fois la fin venue, on vous invitera d’ailleurs à recommencer le jeu puisqu’après tout… c’est ça, le cycle de l’eau, non ?

Cet article [Test] NAIAD est apparu en premier sur Kiss My Geek.

Beaucoup de bruit pour une statuette

Clair Obscur : Expédition 33 (COE33), donc, est un RPG de fantasy sorti le 14 avril 2025, après avoir été annoncé pour la première fois lors du Xbox Game Showcase de 2024 dans une indifférence qui ne laissait rien présager de son futur succès critique et commercial. En effet, 5 mois plus tard, le studio Sandfall Interactive (Sandfall), studio français fondé par d’anciens employés d’Ubisoft, se targuait d’avoir vendu 5 millions de copie de son jeu (sans inclure dans cette statistique tou.tes les abonné.es du Xbox Game Pass ayant également pu y jouer par ce biais). Ce succès ira crescendo jusqu’à la fin d’année, à peine éclipsé par des sorties non moins notables et de qualité toutes aussi inattendue (le puzzle-game indépendant Blue Prince, l’extraction-shooter Arc Raider …). Malgré cette concurrence lors des différentes cérémonies de récompense des jeux publiés cette année, COE33 écrase tout : 9 prix aux Game Awards, 6 aux Golden Joystick Awards et, c’est là que les choses se compliquent, 2 prix dont le « Meilleur jeu de l’année » aux Indie Game Awards.

Les choses se compliquent car avant même que ces récompenses ne lui soient décernées, le doute commence à poindre : si jusqu’à présent personne n’avait remis en question le statut d’indépendant du studio de Montpellier, est-il juste, dans un contexte doucement compétitif, de le comparer à d’autres dont le personnel se compte sur les doigts d’une mains et dont les budgets ne sont clairement pas du même ordre de grandeur ?

Ces doutes vont s’amplifier à l’occasion d’un coup de théâtre, le 21 décembre, qui voit les organisateurs des Indie Game Awards retirer leurs deux récompenses au studio en réaction à une déclaration des développeurs confirmant l’usage, au cour de la production, d’outils IA. Un geste qui ne manquera pas, par phénomène de chambre d’écho, de déchaîner les esprits sur le web, du côté des détracteur.ices de cette technologie comme de celui des fans du jeu prenant sa défense.

Pour finir, même si l’image de marque de Sandfall s’est vu légèrement ternie par ces nouvelles, souvenons-nous que tout ceci n’aura en rien diminué le succès commercial du jeu.

Ah ça IA, ça IA , ça IA !

Avant de poursuivre il convient de préciser que ce qui est reproché à Sandfall est bien l’usage d’IA génératives. Il est d’autant plus dur de comprendre et prendre position dans ce débat que les forces du marketing brouillent les pistes en associant le sigle de deux lettres jusqu’au firmware de votre micro-ondes. Par souci de clarté dans le présent article, convenons que nous ne l’utiliserons ici qu’en référence à cette nouvelle technologie dont on cherche encore à définir l’usage, ses implications et son éthique.

A la suite de sa privation par les Indie Game Awards, Sandfall a choisi d’humblement reconnaître sa non conformité aux exigences de sélection de l’organisme, se contentant de préciser que leur usage de l’IA se limitait à la création de placeholders (des contenus utilisés temporairement au cour du processus de création de leur jeu) dont certains auraient pu ne pas être retirés par mégarde au moment de la sortie. C’est peu ou prou le même argumentaire que proposait Swen Vincke le 16 décembre 2025, pour la défense de son studio, Larian, créateur de Baldur’s Gate 3, nul autre que le prédécesseur de COE33 au titre de jeu de l’année.

Face à ces déclarations, les détracteurs de l’IA opposeront qu’il s’agit d’une stratégie de relation publique visant à apaiser les esprits (damage-control dans le jargon). Les plus connaisseur.euses soulèveront d’ailleurs que n’importe quel cube de couleur fuchsia ou autre point d’interrogation flottant (tels qu’on en retrouve parfois dans certains jeux) auraient suffit en tant que placeholder. En face d’eux, les défenseurs des studios rétorqueront qu’il est absurdement sévère de condamner une œuvre entière pour la seule existence d’un détail à peine constatable dans une production audiovisuelle interactive aussi vaste et dont le mode de création n’a, a priori, pas justifié le remplacement d’un.e quelconque travailleur.euse humain.e.

Le problème et que, sur ce dernier point, si Swen Vincke et Guillaume Broche (le directeur de Sandfall) semblent de bonne foi, il ne coûterait rien au président ou à la présidente d’un studio moins scrupuleux.se d’être aussi relativiste alors qu’il ou elle a effectivement licencié ou n’a pas recruté une personne remplacée par cet outil. En effet jusqu’à présent aucun organisme officiel ou non n’a pour responsabilité d’aller mesurer ou certifier l’usage ou non-usage de l’IA dans une entreprise. Et quand l’information est involontairement révélée, il ne coûte pas grand-chose de se fendre d’un petit « oups !» et de balayer l’histoire sous le tapis.

Quand bien même un tel contrôle existerait, difficile de quantifier et donc comparer ce qu’un développeur et une IA peuvent produire. Si l’usage de l’outil pose question quant à la valeur de l’esprit humain et de ce qu’il peut produire, il serait naïf de croire que son bannissement systématique mettrait fin à ce questionnement.

Sa place est-elle dans un musée?

Toute cette réflexion est intimement liée, bien qu’éventuellement indépendante, à une toute autre préoccupation : le statut de développeur indépendant. Si les Indie Game Awards n’ont pas remis ce statut en question pour Sandfall, beaucoup de personnes en revanche se sont plaintes de voir le studio rafler des récompenses réservées à cette catégorie, estimant qu’il ne répond pas à ces critères. Le jeu vidéo indépendant n’est effectivement pas apparu soudainement avec ses codes précis permettant de le distinguer de structures créatives estimées industrielles. Aussi, même s’il reste assez facile de placer certains studios de leur côté de la « barrière », d’autres comme Sandfall pourraient être positionnés différemment selon la perspective. Certains font du critère de l’effectif une priorité, d’autres, le budget. Et d’autres encore, estiment que les développeurs peuvent bien être des milliers et se rouler dans des piscines de billet tout en ayant droit au titre, tant que leur création n’est pas influencée par des financiers décisionnaires n’ayant cure du produit final (tant qu’il est rentable bien entendu).

Pour reprendre le cas de Sandfall, on parle d’un studio d’une vingtaine de salariés (et probablement beaucoup de prestataires), une taille plutôt modeste en elle même. Pour ce qui est du budget, le studio n’a effectivement pas de producteur mais il a reçu des financement de Kepler Interactive, une maison d’édition fondée à l’origine par 7 studios indépendants. Quant à savoir à combien s’élève ce budget, là, on serait bien embêtés de devoir y répondre car le studio est resté relativement opaque sur la question. Ceci étant, certaines sources évoquent une dizaine de millions d’euros ce qui permet tout de même d’estimer qu’on est bien au delà de ce qu’une « personne seule dans son garage » (la caricature du ou de la développeur.euse indépendant.e) aurait pu mettre sur la table. Enfin, dans de nombreuses interviews, Guillaume Broche s’est montré particulièrement reconnaissant envers Kepler Interactive pour n’avoir en aucun cas interféré avec le processus de création du jeu.

Au regard de toutes ces informations et/ou estimations et en l’absence d’un consensus ferme sur ce qui fait un studio indépendant il n’est donc pas vraiment possible d’affirmer ou infirmer que Sandfall relève de cette catégorie. On peut, au pire, se contenter de la prétention au titre de cette équipe qui, a priori, les engage à une certaine éthique de travail. Mais quand vient le moment de comparer ce travail à celui d’un autre studio, puisque c’est ce que prétendent faire des institutions telles que les Game Awards, on est droit de se demander s’il est bien sérieux de ne pas tenir des comptes plus précis. Un reproche que l’on pourrait faire aux Game Awards (qui ne manqueraient pourtant pas de moyens pour le faire), mais pas aux Indie Game awards qui, par leur décision de reprendre leurs récompenses au studio (justifiée ou non, peu importe), montrent au moins la volonté de tendre vers cette équité.

Cet article Retour sur le drama Clair Obscur: Expédition 33 est apparu en premier sur Kiss My Geek.

Ton pseudo ?

Grmpf

D’où ça vient ?

C’est un peu comme les pokemons, mon nom est aussi le son que je produis…

Ton âge ?

Mon âge est vieux…
… ok, ok, 42

Où vis-tu ?

Au Mans.

Qu’est-ce que tu fais dans la vie ?

Beaucoup de choses et rien du tout à la fois. J’ai conçu des étiquettes de pot de yahourt, enseigné la langue de Shakespeare à des gosses perdus qui n’en avaient rien à faire… Ah et bien sûr je joue… genre… BEAUCOUP.

De quoi préfères-tu parler ?

La question serait plutôt, m’arrive-t-il de la fermer ? Je pourrais débattre des heures de la couleur du caleçon d’Hideo Kojima… mais avec styyyyle. Plus sérieusement je m’intéresse au JV tant dans sa technique que dans les idées qu’il véhicule ou encore son impact sur notre société.

A quoi tu joues ?

Je joue essentiellement sur PC à des jeux de styles très éclectiques. J’ai une petite prédilection pour les tacticals et les immersive-sims et une légère préférence pour la science-fiction au sens très large. Dans mon petit panthéon perso on peut trouver des choses aussi variées qu’XCom2, le Prey d’Arkane, Endless Space 2 etc.

Qu’est-ce que tu regardes ?

Pas Dragon Ball. Blague à part, mes goûts en films/séries sont aussi variés qu’en jeu vidéo mais, contrairement au cliché, même si je n’y suis pas fermé je ne me gave pas d’animation japonaise. Pour donner quelques noms en vrac : Balde Runner (celui de Ridley Scott même si le Villeneuve est sympa aussi), Règlement de compte de Fritz Lang, Les Sopranos, Cow Boy Bebop etc.

Et à quoi tu joues… sur un plateau ?

Je n’ai pas si souvent l’occasion de jouer à des jeux de de plateau. Je pratique le jeu de rôle papier quand j’en ai l’occasion. J’ai un jeu qui s’appelle pandémie auquel je jouais beaucoup… jusqu’à 2019.

Qu’est-ce que tu écoutes ?

Là encore, ça va être dur de me cerner : classique, métal, pop décérébrée, trip-hop… et des bandes-son de jeu évidemment. Je suis une groupie d’Arnaud Roy, le compositeur attitré du Studio Amplitude et de Jesper Kyd qui est… partout. Pour revenir à la musique au sens général, j’ai un certain attachement au groupe Massive Attack en tant que groupe que j’écoute depuis que je suis gamin.

Qu’est-ce que tu lis ?

Pas assez. Pardon vous demandiez quoi ? J’ai dévoré les Cantos d’Hypèrion de Dan Simmons. J’ai lu les gros classiques de nerd que sont le Seigneur des anneaux et Dune. Et… ouais, vraiment faut que je lâche le clavier et que je mette le nez dans un bouquin.

Ce que tu attends de Kiss My Geek ?

Déverser ma logorrhée de nerd dans des milliers d’oreilles inconnues qui n’ont aucune chance de représailles. Nan, en vrai, parler de JV, films etc. est quelque chose que je fais assez naturellement et avec plaisir. Autant y donner accès à ceux que ça intéresse.

Ta citation préférée ?

I’ve seen things you people wouldn’t believe… Attack ships on fire off the shoulder of Orion… I watched C-beams glitter in the dark near the Tannhäuser Gate… All those moments will be lost in time, like… tears in rain. Time to die.

Où peut-on te contacter mise à part sur le blog ?

Sur Steam !

Pour terminer… Quel est ton super pouvoir de geek ?

Partitionner mon potentiel intellectuel quand je joue : 95 % sur ce qui se passe à l’écran, 5 % pour parler comme un demeuré gâteux à mon chat.

Cet article Grmpf rejoint l’équipe de Kiss My Geek ! est apparu en premier sur Kiss My Geek.

Si vous arrivez ici sans la moindre idée de ce qu’est Citizen Sleeper, on vous renvoie vers sa review très positive. Mais si Starward Vector repose sur les même fondamentaux, n’allez pas croire que la toute petite équipe derrière le jeu s’est montrée feignante, loin de là.

Space Oddity

Dans Starward Vector, on se retrouve à nouveau dans le corps d’un dormeur, un corps synthétique dans lequel une copie de notre conscience a été projetée. Si la narration reste avant tout textuelle, le jeu démarre tambour battant avant de laisser place à un didacticiel. Il n’est pas nécessaire d’avoir joué à Citizen Sleeper pour découvrir sa suite, mais on ne saurait que trop vous recommander de prendre quelques heures pour y jouer d’abord. On retrouve l’univers, les thématiques, certains protagonistes et les mêmes mécaniques de base inspirées de TTRPG.

Même en ayant fini le premier jeu, j’ai trouvé ce didacticiel bienvenu, car les nouvelles mécaniques du titre arrivent vite et sont loin d’être négligeables. On retrouve les cycles (l’équivalent de journées dans le jeu) débutant toujours par un jet de plusieurs dès dont on affectera les résultats aux différentes tâches que l’on souhaitera réaliser. En fonction des compétences de notre personnage, chaque tâche sera associée à un malus ou à un bonus. Libre au joueur d’organiser au mieux ses cycles en fonction de ses résultats et des urgences du moment.

À cette recette de base viennent s’ajouter bon nombre de subtilités. Votre personnage va régulièrement subir du stress, matérialisé dans une jauge dédiée. Ce stress impacte les tout nouveaux points de vie de vos dès, qui sont au nombre de trois. Un dès perdant ses points de vie, c’est un dès inutilisable jusqu’à nouvel ordre. Moins de dés, c’est moins de chances pour mener rapidement à bien vos missions. Il faudra aussi parfois s’accommoder de dés « défaillants » qui ne vous offrent que 20% de succès possible à une action. Dans Citizen Sleeper 2, l’aspect survival que l’on ressentait dans les premières heures de son prédécesseur ne disparait jamais vraiment. Ici, vous manquerez toujours de quelque chose. De temps. D’un bon dès. D’une ressource. Ou de chance. Les mécaniques sont plus intriquées, pour un résultat à la fois plus punitif, mais aussi un peu moins accessible. Un mauvais enchainement de décisions douteuses et de lancés foireux peut vite se payer cher.

Si Citizen Sleeper 2 reste avant tout un RPG narratif, il n’oublie donc pas d’être un jeu. Cet aspect survival est aussi renforcé par une gestion des ressources plus présente. Qu’il s’agisse de carburant, de rations ou de pièces rares, il faudra régulièrement consacrer quelques cycles pour gagner quelques cryos (la monnaie locale), explorer chaque lieu, refaire le plein et ainsi se garantir quelques cycles de paix. Et pourquoi se donner autant de mal ? Pour mieux partir à l’aventure !

We Are All Made of Stars

Si l’aventure s’articule autour de quelques hubs, assez similaire à l’Œil d’Erlin du précédent opus, vous aurez cette fois régulièrement l’occasion de partir en vadrouille pour mener à bien des tâches en tout genre. Pour cela le jeu vous met à disposition votre propre vaisseau, l’Astro, ainsi qu’une carte spatiale où apparaîtront régulièrement de nouvelles destinations.

Rapidement, vous enchainerez les contrats pour lesquels vous pourrez sélectionner jusqu’à deux membres d’équipage parmi les différents PNJ prêts à partir à l’aventure avec vous. Chacun vous apportera deux dès à utiliser lors de votre aventure, pour un total de quatre actions supplémentaires à chaque cycle. Vos compagnons sont aussi sujet au stress et ils viennent aussi avec leurs propres points fort et points faibles. Charge à vous de les exploiter au mieux. Mais au-delà de ce petit renouveau côté gameplay, on apprécie surtout la porte que les contrats ouvrent sur tout un tas de situations différentes. Chaque contrat est une bulle de narration, aux tons et aux enjeux variés. La diversification est la plus belle réussite du jeu et elle permet d’enrichir considérablement l’univers qui se dessinait en toile de fond dans le premier Citizen Sleeper.

Sachez aussi que le dormeur que vous incarnez est traqué. Le jeu vous invite à vous mettre régulièrement en mouvement pour rester hors de portée de votre antagoniste. En plus des contrats, vous aurez régulièrement l’occasion de partir vers de nouvelles destinations, et donc de nouvelles intrigues. L’unité de lieu du premier jeu vole totalement en éclat. Conséquence directe, le jeu est sensiblement plus long, comptez dix à quinze heures pour en voir le bout. Les plus gourmands prendront sans doute plaisir à relancer une seconde partie pour explorer d’autres branches du scénario, en privilégiant certaines décisions ou en explorant des relations écourtées avec certains personnages.

Space Dementia

Même s’il reste parfois surprenant d’être à ce point noyé sous des pavés de texte dans un jeu, l’écriture toujours soignée de Gareth Damian Martin continue de nous porter à chaque instant. Il m’est d’ailleurs impossible de ne pas saluer l’impeccable travail de localisation du studio Riotloc (Baldur’s Gate 3, Expedition 33, etc.). Il se dégage de cette plume une réelle douceur, alors même qu’elle décrit un univers techno-futuriste un brin déprimant. Stardward Vector continue de nous nous fait aimer ses personnages et continue d’explorer en profondeur les thèmes abordés par le premier jeu. On a parfois l’impression de lire des nouvelles de Becky Chambers qui se dérouleraient dans l’univers de The Expanse.

Et c’est finalement tout le paradoxe de ce Citizen Sleeper 2. En nous faisant voyager à travers l’espace, le jeu gagne une galaxie de personnages attachants et convoque des situations que l’on découvre toujours avec beaucoup d’enthousiasme, d’autant plus lorsqu’elles nous rappellent des monuments de la SF. Mais cette même diversité vient de pair avec quelques boucles de gameplay pas toujours très palpitantes. On apprécie donc d’autant plus la présence de trois niveaux de difficultés, que l’on peut modifier à n’importe quel instant. À mes yeux, Citizen Sleeper c’est avant tout de belles histoires portées par les merveilleuses illustrations de Guillaume Singelin et la musique envoutante d’Amos Roddy. Puisque les mécaniques parfaitement épurées du premier épisode me convenaient bien, j’ai vécu le plus gros de mon aventure en mode facile pour éviter d’ajouter trop de stress à cette aventure où la sensation d’urgence est déjà bien présente.

Cet article [Test] Citizen Sleeper 2: Starward Vector est apparu en premier sur Kiss My Geek.

Après la Pluie…

Dans cette BD de Dark Fantasy qui nous projette à une époque médiévale fantasmée, on suit l’histoire de 3 ados : Pluie, Ongle et Georg. Très rapidement, on comprend que Pluie et Ongle sont deux être aux pouvoir surnaturels, des sorcières comme on se les imagine, pourchassées pour leurs talents mystiques. Elles se sont échappées de l’inquisition grâce à un jeune garçon nommé Georg. Ils sont poursuivis par le « Mage », une sorte d’inquisiteur suprême dôté lui aussi d’étranges pouvoirs…

Ils brûlent est un récit mystique et poétique sur l’identité, le traumatisme, la difficulté de guérir ainsi que sur l’amitié.

Dans Ils brûlent, Cendre et Rivière, on avait laissé Ongle, Pluie et Georg dans une cruelle situation, suite à leur combat avec le Mage.
Ongle et Pluie sont séparées. L’une, livrée à elle- même dans la forêt, perd doucement pied avec le réel et le monde des humains.

L’autre, prisonnière de l’inquisition, s’attend à une mort imminente et devient l’objet d’un jeu insidieux qui lui fait entrevoir la vraie nature de celui qu’on nomme Caphyre : Le Mage.

Ce qui reste de Georg en elles deux, n’est peut-être plus qu’un mirage.

Prison et ciel est le second volume de la saga où l’on découvre ce qu’il est advenu d’eux dans ce monde sombre et violent qui ne leur laisse aucune chance.

Rubis sur Ongle

Quelle jolie découverte inattendue que ce « Ils brûlent » ! Son jeune auteur, Aniss El Hamouri, nous livre un récit intense magnifié par un trait dont la candeur maîtrisée pourra nous rappeler celui d’un Joan Sfarr ou d’un Jérémie Moreau. Sa maîtrise des ombres et de la mise en scène nous fera également penser au talent d’un Larcenet – et même parfois d’un Inio Asano et son Bonne nuit Punpun !

Son monochrome sépia nous livre, de façon brute, les thèmes de sorcellerie et de sororité dans un monde sans concession. La religion est aussi un sujet omniprésent dans ce qu’elle a de plus crasse. Aniss El Hamouri décortique également les troubles du stress post-traumatique de ses héros, notamment en explorant le monde des rêves.

Ils brûlent est aussi beau et touchant qu’il est violent et sombre… Dans ce deuxième tome, c’est le thème du deuil qui prend le dessus. Sans trop en dévoiler, on y découvrira de nombreux éclaircissement sur le rôle de Caphyre, celui que l’on nommait le « Mage » dans le premier tome. Et bien sûr on retrouvera la suite des aventures de nos personnages…

En un mot : j’ai adoré. Le trait brut et maîtrisé tout en clair obscur, magnifique, illustre de façon poignante le destin très touchant de ces 3 enfants. Tantôt baroque, tantôt naturaliste, l’univers de fantasy sombre tombe dans tout ce que j’aime et ne pourra pas vous laisser indifférent… Bref :  J’ai hâte de découvrir le 3è tome !

Trigger warning tout de  même : vous l’avez compris, les thèmes abordés sont durs et certains passages peuvent être particulièrement crus visuellement. À éviter si vous êtes un peu dans le creux de la vague et que vous avez besoin d’une histoire feel good !

Un dernier mot pour l’exposition immersive « Prison et Ciel » qui s’installera du 21 au 23 novembre 2025 au cinéma Véo Grand-Central dans le cadre du Festival BD de Colomiers. Une séance de rattrapage est d’ores et déjà prévue au théâtre des Mazades (Toulouse) en janvier 2026.

Vous pourrez retrouver dès demain « Ils brûlent vol.2 Prison et Ciel » d’Aniss El Hamouri dans toutes les bonnes librairies au prix de 24€. C’est un gros bouquin de 232 pages en reliure souple, édité par 6 pieds sous terre que je remercie de nous avoir envoyé les ouvrages !

Cet article [Sortie BD] Ils brûlent – Tome 2 – Prison et Ciel est apparu en premier sur Kiss My Geek.