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Deutschsprachig

• Andreas Levers zeigt in 10 Schritten die Bearbeitung eines seiner Architekturbilder.

• SpiegelOnline hat einen Nachruf auf den deutschen Reportagefotograf Horst Faas, der mehr als ein Jahrzehnt die Kämpfe in Vietnam dokumentierte.

• Neue Monroe-Fotos von 1962.

• PhotoNews hat eine schöne Rezension zu “I Love Shanghai” von Aryan Mirfendereski.

• Ignant stellt die Streetfotografin Anna Delany vor mit ihren beeindruckenden Schwarzweißaufnahmen aus Neuseeland und New York.

• Geo hat faszinierende Fotos von der Unterwasserwelt des Nordpazifiks.

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International

• 500px stellt Bilder aus Haiti von Robin Moore vor.

• Photoshop fürs wahre Leben.

• Portraits vor der Glasscheibe von Neil Bedford.

• Carrie Schneider fotografiert ein brennendes Haus zu verschiedenen Jahreszeiten.

• Atton Conrad malt mit Licht Kleider auf seine Modelle.

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Neuerscheinungen und Tipps vom Foto-Büchermarkt

• Stern hat mit Nummer 67 ein Portfolio-Buch herausgebracht: Das Portfolio von Volker Hinz. Aber auch die anderen Bände sind durchaus zu empfehlen.

• Das Fotobuch Wilder Mann von Charles Fréger zeigt die Suche nach der mythologischen Figur des Wilden Mannes. Fréger hat dafür achtzehn europäische Länder besucht.

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Videos

Simon Carter fotografiert Klettersportler und wird dabei selbst zum Akrobat.

Hallo Magda! Erzähl unseren Lesern doch erst einmal ein wenig von Dir: Wer bist Du, was machst Du und vor allem wie bist Du zur Fotografie gekommen?

Ich hatte eine sehr kurze Episode als „Modell“, in der ich zuerst mit ihr in Kontakt kam und die mich direkt zur analogen Fotografie führte. Aber davor schaute ich mir immer schon gern Bilder an und mein Vater fotografierte immer viel als Amateur, was auch einen gewissen Einfluss auf mich gehabt haben muss. Ich selbst fotografiere jetzt seit zwei Jahren.

Neben der Fotografie bin ich von Tieren fasziniert. Ich träume davon, einmal Pferde zu fotografieren. Ich habe einen Mann und eine Katze, beide sind meine besten Modelle. Ich arbeite als Büroangestellte bei einer Fluggesellschaft.

Du portraitierst ja hauptsächlich Menschen. Was gibt Dir das und was mach Dir daran Spaß?

Ich liebe es, Menschen zu fotografieren. Es ist spannend, ihnen zu zeigen wie ich sie sehe. Ich hoffe, meine Bilder von ihnen sagen viel über meinen Stil aus, über mich und was ich an ihnen mag. Es ist unglaublich, das man jemanden auf so viele verschiedene Weisen zeigen kann.

Es ist nie mein Ziel, ihr wahres, echtes Ich zu zeigen. Sondern, etwas Interessantes und Außergewöhnliches durch sie zu zeigen. Etwas so sehr Anderes, Verschiedenes von dem, was sie wirklich sein könnten oder sind. Ich bin fasziniert von menschlichen Gesichtern, Bewegungen, Gesten, ihrem Aussehen, ihren Blicken, ihrer Körpersprache, ihrer Weiblichkeit, Männlichkeit, Sensibilität, Erotik, Sinnlichkeit und Kraft.

Während des Fotografierens muss ich eins zu eins Kontakt mit der Person haben, die ich portraitiere. Ich wollte nie, dass meine Fotos umstritten oder schockierend sind. Aber ich wollte immer, dass sie außergewöhnlich sind, einen für einen Moment lang halten oder einem in Erinnerung bleiben.

Ich fotografiere nur mit analogen Kameras. Ich schätze die Mystik und Magie an ihnen. Ich bin vor allem von Klassikern inspiriert. Was ich am meisten an Fotografen und Fotografinnen schätze, ist ein eigener Stil.

Vielleicht könntest Du ein einen näheren Einblick darauf geben, warum Du lieber privat zu zweit mit einer Person fotografierst.

Ich mag es nicht, währenddessen andere um mich herum zu haben. Ich möchte die Atmosphäre und Umgebung so natürlich wie möglich halten. Innerhalb dieser kurzen Zeit müssen wir versuchen, ganz intim und persönlich miteinander zu sein.

Es ist wichtig für mich, eine vertrauensvolle und komfortable Atmosphäre zu schaffen. Diese macht die Hälfte des zufriedenstellenden Ergebnisses aus, das wir zusammen erschaffen haben, das ganze Herz reingesteckt und das so sehr unser Eigen wurde.

Du sagst, Du fotografierst nur mit analogen Kameras. Was ist an ihnen so mystisch und magisch für Dich? Hast Du schon mal digital fotografiert oder besitzt Du vielleicht sogar eine digitale Kamera? Oder sagst Du generell, dass Dir so etwas nicht ins Haus kommt?

Ich benutze überhaupt keine digitalen Kameras. Als ich mich von der Fotografie faszinieren lassen habe, startete ich mit analogen Kameras und die Liebe blieb. Ich mag die Wirkung, die das Analoge ausstrahlt, die Tiefe, die Multidimesionalität, die spezifische Atmosphäre, das Gefühl von Magie und die Qualität der Bilder. Es ist etwas so Reales, nichts Digitales.

Ich bin sicher, diese Kameras haben ihre eigenen Seelen. Ich mag Tradition, ich mag die Tatsache, dass manche Dinge nie sterben können und für Jahrzehnte benutzt werden können, vielleicht etwas verändert, aber sie währen immer noch fort. Außerdem fühle ich mich nicht sehr wohl in der Welt der neuen Technologien, also passt mir das ganz gut.

Bearbeitest Du Deine Fotos digital nach?

Bearbeiten? Nein. Ich habe eine gute Kamera, sie macht die ganze Arbeit für mich. Ich befreie die Negative von Staub und korrigiere einige Kratzer. Ich habe nicht viel Wissen oder Fähigkeiten in der digitalen Bearbeitung und tatsächlich brauche ich sie auch nicht.

Der größte Spaß den ich habe, ist, wenn das Bild so wird, wie ich es geplant habe, wie ich es mir vorgestellt habe. Wenn dies nicht der Fall ist, wenn es schlecht belichtet ist oder die Tonalität oder etwas anderes nicht stimmt, dann schmeiße ich es einfach weg.

Ich habe gesehen, dass die meisten Deiner Bilder schwarzweiß sind. Was magst Du am meisten an schwarzweiß?

Ich bevorzuge Schwarzweißaufnahmen, weil ich sie geheimnisvoll finde, was wahrscheinlich auf meiner Faszination von klassischen Dingen beruht. Gute Schwarzweißfilme geben eine super Tönung und Stimmung.

Zu Beginn sagtest Du, dass Du den eigenen Stil eines Fotografen schätzt und dass Du hoffst, dass Deine Bilder viel über Deinen eigenen Stil aussagen. Wie würdest Du Deinen eigenen Stil beschreiben und welche Künstler inspirieren Dich?

Ich habe keine Ahnung, wie ich meinen Stil beschreiben soll. Es ist schwierig, über solche Dinge zu sprechen, es ist besser, es zu zeigen als es zu beschreiben, aber ich hoffe, er ist erkennbar und ansprechend. Es wäre nicht originell, wenn ich sagen würde, ich liebe Avedon. Ich bin eher durch den Stil und die Emotion, die Fotografien vermitteln, inspiriert.

Hattest Du schon einmal Momente in der Zeit, in der Du fotografierst, in denen einfach nichts so funktioniert  hat, wie du es Dir vorgenommen hast? Wie überstehst Du solche Zeiträume?

Manchmal war es so, ja; ich denke, es geht jedem mal so. Es ist ein schreckliches und frustrierendes Gefühl, aber gleichzeitig auch heilend. Motivation, um es besser zu machen, sich mehr zu konzentrieren, mehr nachzudenken, mehr zu fühlen und einfach weiter zu machen.

Gibt es eine außergewöhnliche Situation oder einen Moment, an den Du Dich besonders gut zurückerinnern kannst, der Dir stark in Erinnerung geblieben ist?

Das war die Zeit, als ich beschloss, dass ich mir das Fotografieren beibringen will. Ein Freund, der Fotograf ist, lieh mir seine Lubitel aus und ich begann. Ich wusste nicht, was, wo und so weiter, so dass fast der ganze Film schief ging. Nur eines der Bilder war so lala. Es war ein Bild von meinem Mann. Ich schaue mir oft dieses Bild an, es erinnert mich an den Anfang und bringt mich zum Lächeln.

Was sind Deine Pläne für die Zukunft? Möchtest Du mal als Fotografin arbeiten?

Die Fotografie ist meine größte Leidenschaft. Es wäre schön, Leidenschaft und Beruf miteinander zu kombinieren. Obwohl ich kein Typ dafür bin, ein eigenes Unternehmen zu leiten, also könnte es schwierig sein, sich zu organisieren. Zur Zeit mache ich es aus Spaß, ich will mich entwickeln und wir werden sehen, was die Zukunft bringen wird.

Danke für dieses Interview, Magda!

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Wer mehr von Magdas Fotos sehen möchte, findet sie auf Flickr, ihrem Blog und auch auf facebook.

Das Interview mit Magda habe ich auf Englisch geführt und anschließend auf Deutsch übersetzt.

Ich habe weder die tatsächliche Auflösung eines Sensors der Kamera XY getestet, noch habe ich mit einem bestimmten Objektiv irgendwelche seltsamen Testkarten abfotografiert. Da guck’ ich mir lieber das Testbild nach Sendeschluss an. Sendeschluss? – Egal…

So – was habe ich denn getestet?

Manche von Euch haben sicherlich schon einmal von den vergleichsweise günstigen, aber dennoch sehr lichtstarken Festbrennweiten von Walimex gehört. Ich wollte einfach wissen, warum die Dinger so günstig sind und wie schwer die eventuellen Abstriche wiegen. Irgendwo muss ja schließlich ein Haken sein, wenn man für eine Festbrennweite mit 85mm und f/1.4 nur 299€ auf den Tisch legen muss. Aber dazu später mehr.

Erst einmal gilt mein Dank der Firma Foto Walser, die mir freundlicherweise das eben angesprochene Walimex pro 85/1.4 IF Objektiv und das Walimex pro 14/2,8 Weitwinkelobjektiv für diesen Bericht zur Verfügung gestellt haben. Ob man unbedingt ein „pro“ in den Namen des Objektivs packen muss, lasse ich jetzt mal unkommentiert.

Ein paar technische Daten müssen ja leider sein, sonst macht so ein Bericht irgendwie auch keinen Sinn. Und letztlich möchte ich ja herausfinden, ob es sich lohnt, ein günstiges Walimex zu kaufen oder doch lieber etwas länger zu sparen und bei der deutlich teureren Konkurrenz zuzugreifen. Daher muss man ja gezwungenermaßen ein wenig vergleichen:

Das 85mm ist 72mm lang, 78mm im Durchmesser und wiegt 480g. Alles im Rahmen also. Die Lichtstärke von f/1.4 ist eigentlich über jeden Zweifel erhaben. Okay, Größe und Gewicht sind jetzt vielleicht die langweiligsten aller technischen Details, aber man kann vom Gewicht her schon ein wenig auf die Qualität der Verarbeitung schließen. Zum Vergleich: Das Sony SAL-85F14Z wiegt 560g und kostet übrigens das 5-Fache. Das Walimex scheint zumindest schon einmal kein Plastikeimer zu sein, wie viele der günstigen Einsteiger-Objektive, die man überall findet.

Das Objektiv ist innenfokussierend mit einer Naheinstellgrenze von ca. 1 Meter (beim Sony SAL-85F14Z sind es 85mm). Das Objektiv besitzt 9 Linsen in 7 Gruppen und es handelt sich hier um eine Technik, bei der zum Scharfstellen nicht alle, sondern nur eine oder wenige Linsengruppen im Inneren verschoben werden. Das Filtergewinde mit 72mm Durchmesser dreht sich nicht beim Fokussieren des Objektivs und der Schwerpunkt bleibt nahezu gleich. Das Objektiv verfügt über eine Achtblätter-Blende, die sehr plastische Lichteffekte ermöglicht. Damit die Lichttransmission auf einem sehr hohen Niveau bleiben kann, wurden alle Linsen mit Antireflexschichten bedeckt.

— Walimex

Das 14mm ist 95,6mm lang, 87mm im Durchmesser und wiegt 530g. Es gibt bestimmt irgendwo lichstärkere Weitwinkelobjektive, aber f/2.8 ist ja jetzt nicht unbedingt schlecht. Auch hier ein ähnliches Objektiv von Sony zum Vergleich: Das SAL-20F28 wiegt 285g, ist aber mit 53mm Länge auch deutlich kürzer. Ehrlich gesagt wundert es mich auch ein bisschen, dass ein 14mm-Objektiv fast 10cm lang ist, aber das soll mich eigentlich nicht weiter stören.

Die überragende Abbildungsleistung ist dem optischen Linsensystem zu verdanken. Dieses besteht aus zwei asphärischen ED-Linsen (Extra Low Dispersion), welche die chromatische Aberration verringern. Somit entstehen Aufnahmen mit einer ausgewogenen Farbbalance. Die fest verbaute Gegenlichtblende verhindert zudem den störenden, seitlichen Lichteinfall und Linsenreflexionen, die zu Kontrastverlust führen würden.

— Walimex

Das klingt ja alles eigentlich ziemlich gut. Und ich muss ehrlich zugeben, ich war trotzdem noch mehr als skeptisch. Als das Paket ankam, war ich wirklich gespannt, was mich denn jetzt erwarten würde. Ich dachte: „Pass auf, jetzt fällt dir bestimmt so’n Plastikding in die Hand, wie die günstigen 50mm 1.8er Varianten von Canon, Nikon oder Sony.“

Weit gefehlt! Die Objektive sind wirklich hochwertig verarbeitet. Kein Plastik, alles aus Metall, schön schwer. Fühlt sich alles sehr wertig an. Okay! Nun also dranklemmen, fotografieren und testen.

Wie gesagt, ich habe keine Testkarten fotografiert und ich wollte auch nicht wissen, ob das Objektiv zum Rand hin vielleicht etwas unschärfer wird. Ich habe einfach beide Objektive so genutzt, wie ich auch meine vergleichbaren benutze. Da ich hauptsächlich Landschaftsfotos mache und ab und zu mal jemanden portraitiere, passte das ganz gut.

Und auch hier war ich – wie bei der Verarbeitung – von der subjektiven Bildqualität absolut überzeugt. Die Landschaftsbilder des 14mm sind knackscharf und die Schärfe des 85mm in Verbindung mit dem echt sahnigen Bokeh bei Offenblende sehen wirklich lecker aus. Und wie war es so, damit zu fotografieren? Nervt der Autofokus rum oder stimmt sonst irgendetwas nicht? Passen die Dinger denn richtig an den Anschluss?

Wo ist verdammt nochmal der Haken?

Was man in der ersten Euphorie über den günstigen Preis vielleicht übersehen kann, ist, dass es sich um komplett manuelle Objektive handelt. Was heißt das? Kein Autofokus und auch sonst kann man nicht wirklich viele Einstellmöglichkeiten der Kamera nutzen, weil das Objektiv keinerlei Daten an die Kamera weitergibt.

Das heißt, dass Ihr im M-Modus fotografieren müsst und dass Ihr manuell fokussieren müsst. Auch die Blende müsst Ihr direkt am Objektiv einstellen. Durch die wirklich tolle Verarbeitung macht es aber auch richtig Spaß, manuell zu fokussieren. Der Fokussierring läuft nicht zu leicht und nicht zu schwer – sondern genau so, wie es sein soll. Etwas, was ich von den günstigen 50mm 1.8er Festbrennweiten nicht behaupten kann.

Wenn man also eher dazu neigt, das zu fotografierende Motiv genau zu betrachten, sich beim Fotografieren Zeit lässt und nicht unbedingt Schwerlastzüge im Vorbeifahren fotografieren möchte, kann sich manuelles Fokussieren sogar entschleunigend und somit positiv auf das Fotografieren auswirken.

Was allerdings zu einem kleinen Problem werden kann, ist die direkte Blendenwahl am Objektiv. Dadurch blendet das Objektiv auch wirklich direkt ab. So, als würdet Ihr, sofern Ihr eine habt, die Abblendtaste drücken. Soll heißen, der Sucher wird bei höheren Blendenzahlen deutlich dunkler, was es dann leider manchmal schwierig machen kann, die Schärfe zu beurteilen.

Das ist besonders beim Einsatz des 14mm im Landschaftsbereich je nach Lichtverhältnissen etwas fummelig. Da kann dann aber, je nach Kamera, der vergrößerte Live-View-Modus recht hilfreich sein. Apropos 14mm im Landschaftsbereich: Irgendwie kam meine Kamera mit der Lichtmenge nicht immer wirklich zurecht. Nicht immer stimmte die empfohlene Belichtungszeit, die ich im Sucher gesehen habe. Das war teilweise etwas verwirrend.

Ansonsten sind es wirklich sehr gute Objektive, die ihrer automatischen Konkurrenz in Sachen Bildqualität in nichts nachstehen. Das fehlende Filtergewinde am 14mm stört mich allerdings ein bisschen. Aber es gibt ja auch andere Mittel und Wege, einen Filter anzubringen.

Wer also eher langsam fotografiert, wer hauptsächlich ruhenden Motive fotografiert, wer sich Zeit lassen möchte beim Fotografieren, wer gerne mit geringer Schärfentiefe arbeitet, der sollte sich die Walimexe durchaus mal genauer ansehen.

Solltet Ihr Euch aber eher dazu berufen fühlen, ein Formel-1-Rennen zu dokumentieren, dürfte das manuelle Einstellen am Objektiv doch ein wenig zu langsam sein. Ich möchte hier keine allgemeine Kaufempfehlung geben, und auch nicht generell davon abraten. Denn es kommt doch sehr auf den Einsatzbereich an.

Mir persönlich kommen die Objektive jedenfalls sehr entgegen, weil sie einen gewissen Technikfaktor aus der Fotografie nehmen. Ich kann mich nicht mehr komplett auf die Kamera verlassen. Ich muss mir die Zeit nehmen, über mein Motiv und darüber, wie ich es abbilden möchte, nachzudenken. Das kann und sollte man natürlich auch mit einem AF-Objektiv tun. Trotzdem wirkt das Manuelle auf mich aber sehr entschleunigend und das ist gut so!

Und zum Schluss noch einmal ein kleines Fazit in Listenform. Ist ja schließlich ein Testbericht.

Pro:
Preis
Lichtstärke
Verarbeitung
Bildqualität
Manuelles Objektiv

Kontra:
Manuelles Objektiv
Abblenden blendet direkt ab, nicht nur zum Auslösen
Das 14mm hat meine Kamera bei der Lichtmessung etwas verwirrt. Bin mir selbst nicht sicher, was da los war.

Es gibt sicherlich exaktere „Testberichte“ als diesen hier. Ich verliere bei denen aber immer nach drei Zeilen die Lust am Weiterlesen. Letztlich ist es doch eigentlich interessanter zu erfahren, ob ein Fotograf mit einem bestimmten Objektiv in einem bestimmten Einsatzbereich zufrieden ist oder nicht.

Was also mich und die zwei getesteten Festbrennweiten von Walimex angeht: Mit dem 85mm bin ich absolut zufrieden und überlege, es mir anzuschaffen. Wäre am 14mm ein Filtergewinde dran, wäre ich auch damit zufrieden.

25. März – 30. Juni 2012 • Fotofestival Knokke-Heist
Belgien (Knokke-Heist)

Noch einen ganzen Monat lang lohnt es sich, den Urlaub oder einen Wochenendausflug in Belgien mit einem Schlenker zum Badeort Knokke-Heist an der belgischen Küste zu verbinden. Unter dem diesjährigen Namen „Wonderland“ lädt das Festival dazu ein, auf einer als Radroute konzipierten Open-Air-Ausstellung die Arbeiten von sechs Fotografen mit Motiven und Orten auf der ganzen Welt zu entdecken.

Außerdem gibt es weitere Ausstellungen, die im örtlichen Casino, Museum und Kulturzentrum stattfinden und noch bis zum 10. Juni zu sehen sein werden. Auf der Webseite des Festivals werden die sechs ausstellenden Fotografen ausführlich mit Fotos, Videos und Interviews präsentiert. Und das Beste: Das ganze Fotofestival kann man völlig kostenlos besuchen!

» http://www.fotofestival.be/de/info.html

20. April – 8. Juli 2012 • RAY – Fotografieprojekte Frankfurt/RheinMain
Region Frankfurt/Main

Die erste Ausgabe von RAY steht unter dem Thema „ZEIT“, mit dem sich 40 Künstler in der Hauptausstellung „MAKING HISTORY“ auseinandergesetzt haben. Sie ist an drei zentralen Standorten in Frankfurt zu sehen und bezieht auch Video und Film in die Fotografie mit ein. Außerdem gibt es zahlreiche weitere Ausstellungen, Vorträge und Workshops in Frankfurt und Umgebung.

Auf der Webseite des Festivals gibt es viele Filme mit Blicken hinter die Kulissen und Statements der Macher des Festivals zu sehen. Auch kann man sich dort detailliert über die Hauptausstellung sowie die fotografischen Partnerprojekte in den weiteren Institutionen der Kooperation informieren.

» http://www.ray2012.de/

26. Mai – 3. Juni 2012 • Fotofestival: Umweltfotofestival
Ostseeheilbad Zingst

Ab dem kommenden Samstag wartet das Umweltfotofestival mit einem fast unüberschaubar großen Programm auf: Neun Tage sind vollgestopft mit Workshops zu allen erdenklichen Themen, teilweise speziell für Kinder. Außerdem gibt es natürlich Vorträge, Vernissagen, Führungen durch die Fotoschauen, Multivisionsshows und Preisverleihungen des deutschen Fotopreises und des Nachwuchs-Fotowettbewerbs.

Das war aber noch nicht alles. Abgerundet wird das Programm durch weitere Angebote wie die Fotomärkte, auf denen Hersteller ihre Technik präsentieren, Fotoshootings ausstellernder Künstler, Segeltouren und Greifvogelshows. Dazu gibt es einen festivaleigenen Gottesdienst und abends auf der Seebrücke die Bilderflut XXL, anschließend Musik in Form von Konzerten oder einer Lounge mit DJ. Wow!

» http://www.erlebniswelt-fotografie-zingst.de/fotofestival.html

2. – 30. Juni 2012 • Browse Foto Festival
Berlin Kreuzberg

Einen Monat lang verwandelt sich Berlin Kreuzberg mit über 80 Ausstellungen deutscher und internationaler Künstler an über 50 Ausstellungsorten in ein einziges großes Fotomuseum. Von Cafés bis Galerien gibt es Fotos an den unterschiedlichsten Orten zu sehen, an denen man es sich auch gemütlich machen kann. Das Thema der zweiten Ausgabe des Festivals lautet „between the lines“ und widmet sich schwerpunktmäßig der Dokumentar- und Pressefotografie.

In der Profiwoche vom 18. – 22. Juni finden Workshops, Gespräche, Bild- und Fachvorträge sowie Panels zu ganz unterschiedlichen Themen statt, bei denen sich Fotografen, interessiertes Publikum und alle anderen treffen. Als „Specials“ gibt es außerdem ein Live-Crowdfunding, eine Filmpremiere und eine Filmvorführung sowie das jährlich frei in der ganzen Stadt stattfindende Fête de la musique.

» http://www.browse-fotofestival.de/

13. – 17. Juni 2012 • LUMIX Festival für jungen Fotojournalismus
Hannover

Zum dritten Mal organisiert vom Studiengang Fotojournalismus und Dokumentarfotografie der Hochschule Hannover findet das Festival in den futuristischen Pavillons auf dem Expo-Gelände statt. Zu sehen gibt es 60 Ausstellungen von Studenten und Fotoreportern bis 35 Jahre und 22 Multimedia Stories, die auf dem Festival präsentiert und ausgezeichnet werden.

Dazu gibt es abendlichen Vorträge international bedeutender Fotografen und die Verleihung mehrerer Awards während des Festivals. Das Rahmenprogramm bietet außerdem Portfolio-Sichtungen, Vorträge, Podiumsdiskussionen und eine Technikschau an. Alle diesjährig ausgestellten Multimedia Stories sowie die Vorträge der vergangenen beiden Festivals können außerdem auf der Webseite des Festivals angesehen werden.

» http://www.fotofestival-hannover.de/

16. Juni – 17. Juli 2012 • Paderborner Fototage
Paderborn

Die zweiten Paderborner Fototage stehen unter dem Motto „Im Auge der Betrachtung“ und werden nicht von Galeristen oder Fotografen, sondern von Fotografie-Enthusiasten organisiert. Sie wollen neben dem fotointeressierten Publikum auch unbeteiligte Mitmenschen mit dem Medium Fotografie konfrontieren, indem für die Ausstellungen ungewöhnliche Räume wie zum Beispiel Friseursalons, Cafés oder Malerläden im Alltag der Stadt gewählt werden.

Neben 40 Ausstellungen bieten auch die Paderborner Fototage ein rundes Rahmenprogramm mit Workshops und weiteren Sonderveranstaltungen wie einer Exkursion durch Paderborn oder einer Ballonfahrt an. Genug Möglichkeiten also, um lokale und besonders junge Fotografen mit internationalen Künstlern in Dialog treten zu lassen – ein besonderer Schwerpunkt, den die Macher sich gesetzt haben.

» http://www.paderborner-fototage.de/die-paderborner-fototage-2012/

26. Juni – 1. Juli 2012 • f/stop – 5. Festival für Fotografie
Leipzig

„The History of Now“ heißt es in Leipzig, auch hier liegt der Schwerpunkt auf der Dokumentarfotografie und der Problematik der fotografischen Berichterstattung. In drei Gebäuden auf dem Gelände der Leipziger Baumwollspinnerei finden sich eine Gruppenausstellung, eine Fotobuchausstellung, eine Einzelausstellung und eine Klassenausstellung. Am 30. Juni gibt es außerdem eine Veranstaltungsreihe mit mehreren Vorträgen.

Damit nach den zehn Tagen Festival etwas bleibt, hat f/stop ein Crowdfunding für den Festivalkatalog gestartet. Auf 150 Seiten kann man dann später noch einmal durch die Arbeiten blättern, die auf dem Festival zu sehen waren. Für Spenden zum Katalog gibt’s als Gegenleistung je nach Spendenhöhe Poster, Tickets zum Festival, das aktuelle Festival-Shirt, den fertigen Katalog und (exklusive) Führungen mit den Kuratoren durch die Ausstellung.

» http://www.f-stop-leipzig.de/

2. September – 7. Oktober 2012 • Noorderlicht
Niederlande (Heerenveen/Oranjewoud, Drachten)

Noch ein Festival im nahegelegenen Ausland, das sich im Frühherbst perfekt mit Urlaub oder einem Wochenendausflug in den Niederlanden kombinieren lässt: Noorderlicht steht in diesem Jahr unter dem Thema „landscape as the illusion of nature“. Dabei stehen Fotografien im Mittelpunkt, die das spannungsgeladene und vielschichtige Verhältnis des Menschen zur Natur thematisieren.

Momentan entscheidet die Jury darüber, welche Arbeiten der über 1.600 Fotografen, die sich beworben haben, ausgestellt werden. Am Ende werden die Einzelbilder und Serien in Form einer Erzählung angeordnet, wie Kapitel in einem Buch, die verschiedene Aspekte des aktuellen Themas beleuchten. In drei Museen und auch unter freiem Himmel finden die Ausstellungen ihren Platz und schlagen somit auch wieder die Brücke zu Landschaft und Natur.

» http://www.noorderlicht.com/en/photofestival/photofestival-2012/

1. – 30. September 2012 • 21. Internationale Photoszene
Köln

Den ganzen September lang bietet die 21. Internationale Photoszene etwa 60 fotografische Ausstellungen in verschiedenen Museen und Galerien in Köln. In der Woche parallel zur Photokina werden besonders viele Aussteller erwartet – momentan berät die Jury des Festivals noch über die Bewerbungen. Voraussichtlich in der nächsten Woche wird das Programm auf der Webseite des Festivals verfügbar sein.

Ein Teil der Ausstellungen widmet sich speziell dem China-Jahr, das 2012 in Köln gefeiert wird. So zum Beispiel die große Ausstellung „Architekturfotografie made in China“ im Museum für Angewandte Kunst, in der Arbeiten von chinesischen Fotografen denen westlicher Kollegen gegenübergestellt werden. Diese und einige andere Ausstellungen werden sogar noch über den September hinaus zu sehen sein.

» http://www.photoszene-koeln.de/

18. – 23. September 2012 • Photokina
Köln

Wer kennt sie nicht? Alle zwei Jahre ist es wieder soweit und die Welt der Fotografie pilgert in die Messehallen nach Köln zur weltweit bedeutendsten Messe zum Thema. Wieder werden über 1.200 Hersteller und Dienstleister ihre Produkte vorstellen und dabei jeden denkbaren Aspekt der Fotografie abdecken. Drum herum gibt es wieder verschiedene Wettbewerbe, Ausstellungen, Preisverleihungen, Live-Übertragungen im WebTV-Format und Aktionen in ganz Köln verteilt.

Anders als bei den anderen hier vorgestellten Festivals geht es auf der Messe vor allem darum, Produkte vorzustellen und zu verkaufen. Aber auch, wenn man nicht mit dem Gedanken spielt, sich eine neue Kamera oder eine neue Linse zuzulegen, lassen sich hier ebenso interessante Künstler entdecken und Randgebiete der Fotografie erleben, mit denen man sich sonst kaum beschäftigt.

» http://www.photokina.de/

28. – 29. September 2012 • bild.sprachen
Gelsenkirchen

Die Fotografiemesse bild.sprachen hat sich selbst zur Aufgabe gemacht, Fotografie an der Schnittstelle zwischen Gebrauchsfotografie (Design) und Kunst zu zeigen und zu unterstützen. Insbesondere rückt sie dabei den bisher weniger stark beachteten Fotografiestandort Ruhrgebiet ins Blickzentrum. Das heißt allerdings nicht, dass es nur lokale Künstler zu sehen gibt – auch internationale Bezüge sind vorhanden.

Professionelle Fotografen und Nachwuchsfotografen, Bild- und Werbeagenturen, Fotounternehmen, Fotobuchverlage, Multimedia-Dienstleister sowie private und öffentliche Hochschulen stellen aus und präsentieren ihre Angebote, Dienstleistungen und Bildsprachen. Daneben gibt es auch hier Fotoausstellungen und ein vielfältiges Rahmenprogramm aus Präsentationen, Informationsveranstaltungen und Podiumsdiskussionen.

» http://www.bildsprachen.de/

17. – 21. Oktober 2012 • FotoDoks
München

Auch bei den Fotodoks geht es um aktuelle Dokumentarfotografie, die in jedem Jahr unter einem anderen Festivalthema und mit Blick auf ein wechselndes Gastland betrachtet wird. 2012 steht unter dem Motto „ACHTUNG?! – RESPEKT, KONTROLLE, VERÄNDERUNG.“ und als Gastland ist Großbritannien dabei. Noch bis Anfang Juli läuft die Bewerbungsfrist für Fotoarbeiten, die zum Thema passen. Diese werden während des Festivals als Ausstellung im Stadtmuseum präsentiert und im Rahmen des Wettbewerbs auch ausgezeichnet.

Das Begleitprogramm des Festivals befindet sich noch in der Planung und wird kurz vor Beginn des Festivals auf der Webseite verfügbar sein. Ein Rückblick auf die letzten Jahre lässt erwarten, dass es wieder Podiumsdiskussionen, Vorträge, Werkgespräche und die FotoDoks-Preisverleihung mit anschließender Party gibt. Im letzten Jahr waren die meisten Veranstaltungen kostenfrei – eine perfekte Gelegenheit, um neue Künstler zu entdecken und mit anderen Interessierten ins Gespräch zu kommen.

» http://www.fotodoks.de/

19. Oktober – 25. November 2012 • Europäischer Monat der Fotografie
Berlin

Der Monat der Fotografie in Berlin wird unter dem Thema „Der Blick des Anderen“ stehen und dabei unter anderem die Auswirkungen von internationalen Migrationsbewegungen betrachten, die zu einer verändernden Weltordnung führen. Der Blick des Anderen bringt immer „das Eigene“ und „das Fremde“ in Gegenüberstellung und Dialog, die Spannung zwischen Betrachter und Betrachtetem ist in der Fotografie allgegenwärtig.

Beim größten deutschen Fotofestival können wir erwarten, dass es während der fünfwöchigen Festivalphase ähnlich viel zu sehen gibt wie bei der letzten Ausgabe vor zwei Jahren, als in 120 Partnerinstitutionen wie Galerien, Museen, Botschaften, Landesvertretungen, Fotoschulen, Projekträume und Kulturinstitutionen insgesamt 140 Ausstellungen und 250 Veranstaltungen zu aktueller und zeitgenössischer Fotografie geboten wurden.

» http://www.mdf-berlin.de/

26. – 28. Oktober 2012 • Internationales Naturfotofestival
Lünen

Auch das Internationale Naturfotofestival feiert in diesem Jahr mit der inzwischen 20. Ausgabe ein Jubiläum. Rund um alle Arten der Naturfotografie wird es auch hier Ausstellungen, Vorträge, Bildershows, Seminare, Workshops, Produktpräsentationen und einen Fotomarkt für Fototechnik geben. Dazu gibt es noch die Preisverleihung und Ausstellungseröffnung des Wettbewerbs „Europäischer Naturfotograf des Jahres 2012“ und des internationalen „Fritz Pölking Preises 2012“.

Zu einem Teil der Veranstaltungen ist der Eintritt sogar frei und bereits ab dem 18. Juni beginnt der Kartenvorverkauf für alle kostenpflichtigen Angebote. Obwohl das Festival erst Ende Oktober stattfindet, kann man sich auf der Webseite bereits jetzt detailliert über das Programm informieren. Die beteiligten Künstler werden in Bild und Text ausführlich vorgestellt und machen neugierig auf ihre Vorträge und mehr.

» http://www.gdtfoto.de/content.php?siteloc=42

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Haben wir weitere Festivals für Fotografie vergessen, von denen Ihr wisst? Dann immer her damit, in den Kommentaren ist Platz dafür.

Es ist so schwer, zu beschreiben, was mir das Fotografieren bedeutet, denn es ist nicht so, dass mir die Luft zum Atmen genommen wird, wenn ich monatelang nicht fotografieren kann. Es ist eher so, dass ich eine ganze Weile nicht einmal Lust habe, die Kamera anzuschauen.

Mal, weil ich mich selbst entmutige, dann weil die Luft einfach raus ist oder ich andere Dinge treibe, die mich glücklich machen und träumen lassen – ich mache Entwürfe fürs Studium, streiche ein Zimmer neu, laufe mit ausgestreckter Hand durch die Läden und fühle an allem, nähe, bastle und klebe Inspirationen mit buntem Tesafilm in ein Buch.

Dann überkommt es mich plötzlich wieder, es kribbelt allein beim Gedanken ganz schrecklich in meinen Armen und in meinem Kopf – das passiert immer, wenn mein ganz, ganz tiefes Interesse geweckt ist, mich zu beflügeln scheint und das ist das Zeichen: Ich muss wieder fotografieren.

Die Fotografie ist für mich eine unheimlich emotionale Angelegenheit. Einen Plan habe ich dabei nie. Denn es ist einfach so, dass mich ein Plan eher verunsichert und ich fühle mich unheimlich eingeengt. Wenn es ums Fotografieren geht, leide ich nämlich an schrecklichen „Stimmungsschwankungen“ und das, worauf ich gestern noch Lust hatte, interessiert mich heute so gar nicht mehr, deswegen bedeutet mir diese Spontanität unheimlich viel.

So kann ich ganz planlos, je nach Gefühl des Tages entscheiden, was passiert. Außerdem liegt es mir sehr am Herzen, vor dem Shooting viel, viel Zeit mit dem Modell zu verbringen, gemeinsam zu lachen und sich aufeinander einzustimmen, stundenlang zusammen den Kleiderschrank zu durchwühlen, sie so näher kennen zu lernen und dann ganz nach Laune zu entscheiden, wie Make-up und Frisur aussehen sollen.

Meistens schminke und frisiere ich die Mädels selbst und auch wenn es sich eigenartig anhört, für mich ist diese ganze Vorbereitung immer ein so intimer Moment, dass spätestens dann meine Stimmung komplett auf das Fotografieren umschwenkt und ich mich dem Modell sehr verbunden fühle. Ohne diese Verbundenheit funktioniert nämlich nichts, ich habe es schon versucht: Blöde Stimmung, blöde Bilder, blöder Tag. Deswegen mag ich nicht mehr auf die Zeit mit dem Modell verzichten.

Bei all der Spontanität steht doch eine Kleinigkeit auf dem Plan: Wir gehen immer raus, weil ich natürliches Licht so liebe. Auf langen Autofahrten beobachte unheimlich gern die Farbstimmung, die in der Luft liegt. Manchmal scheint das irgendwie magisch zu sein. Ich liebe es, wenn das Licht ganz sanft ist und das Gesicht berührt, durch die Haare leuchtet und mich durch die Linse manchmal blendet.

Und genau so sehr liebe ich Gräser, Bäume und Büsche – ich mag, wie sie im Wind hin und her schaukeln und was für Schatten sie werfen, wie sie Gesichter verdecken, wie die Zweige pieken und die Haut ein wenig kratzen, wenn ich mich wieder für die richtige Perspektive in sie hineinstürze.

Ich liebe es, mit Festbrennweiten zu arbeiten und um das Modell herumzutanzen, weil ich nur so ein Gefühl für sie und die Umgebung bekomme. Liebe es, mich und das Modell ein wenig im Dreck zu wälzen, sie in die Büsche reinkrakseln zu lassen und den Matsch, der meine Schuhe manches Mal durchnässt und auch die Hektik, wenn die Sonne fast untergegangen ist und ich doch eigentlich noch gar nicht fertig bin, will ich irgendwie nicht missen. Das gehört einfach alles dazu, zu einem fabelhaften Tag.

Dann habe ich auch ein totales Faible für Farbspiele, die ich eigentlich gar nicht sehe, sondern eher fühle und genau die versuche ich in die Bilder zu bekommen. So, dass allein die Farbe schon für eine Stimmung sorgt, wie ich sie in dem Moment hatte. Mal dramatisch, mal ganz sanft. Aber wenn ich so durch meine Arbeiten klicke, fühlt es sich manchmal irgendwie an, als wären alle Bilder, selbst die dramatischen, gehaucht. Aber vielleicht bilde ich mir das auch nur ein.

Mehr als das, was es draußen so gibt und dem, was sich in meinem Kopf abspielt, brauche ich eigentlich nicht für meine Bilder. Ich nehme mir keinen Assistenten mit, der Reflektoren hält, sondern bin immer allein mit dem Modell und mit dem was uns umgibt. Ich interessiere mich nicht für Technik, will nicht auf dem neusten Stand sein.

Ich finde, dass viel zu viele Neueinsteiger, aber auch alte Hasen sich zu sehr dafür interessieren und dabei die Emotionen völlig außer acht lassen. Denn auch mit einer super Ausrüstung macht sich ein fesselndes Bild nicht von selbst. Horcht doch lieber in Euch hinein und versucht, Euch nicht an die Technik zu klammern! Auf technische Perfektion kommt es auch gar nicht so an, sondern auf das Gefühl, das Ihr erlebt und vermittelt.

Ja, mich reizt eigentlich nur dieses Gefühl, das ich nicht recht beschreiben kann, das mich für den Moment aber erfüllt. Und ich erfreue mich an dem Gedanken, dass es da ein paar Menschen gibt, mit denen ich mein Gefühl teilen kann und hoffe, dass ich ihnen vielleicht mit dem einen oder anderen Bild ein schönes Gefühl in den Kopf, ins Herz, am besten in den ganzen Körper pflanzen kann.

Mehr möchte ich auch gar nicht und glaube, dass es genau das ist, was mir die Fotografie bringt und was mir so viel bedeutet: Ein schönes Gefühl in meinem Bauch und meinen Armen und meinem Kopf, die dann so schrecklich schön kribbeln, wenn ich es brauche.

Hallo Marwane. Danke, dass Du Dir die Zeit für ein Interview mit uns nimmst. Zu allererst, erzähl uns doch mal ein wenig über Dich. Wer bist Du, was machst Du?

Ich bin ein junger, aufstrebender, französischer Fotograf. Für mich ist die Fotografie nur ein Hobby. Bevor ich mich in sie verliebte, habe ich viel gezeichnet und ich denke, dass man das auch in meinen fotografischen Arbeiten sehen kann.

Ich studiere an einer Wirtschaftshochschule. Aber um die Wahrheit zu sagen, wäre ich im Moment lieber ein Vollzeit-Künstler. Aber wie ich gehört habe, sind die Zeiten gerade hart und mir fehlt auch der Mut zu diesem Schritt.

Was war denn Deine erste Begegnung mit der Fotografie? Warum hast Du eine Kamera in die Hand genommen und weitergemacht?

Traurigerweise, weil ich für ein Blog ein Foto von mir brauchte. Einer meiner Freunde zeigte mir deviantArt und dann erstellte ich dort und auf flickr einen Account. Ich entdeckte, dass man mit einer Kamera auch Kunst machen kann.

Ich kaufte meine DSLR im Juni letzten Jahres. Davor hatte ich nicht die Zeit, um zu fotografieren, aber mir war klar, dass ich an einem bestimmten Zeitpunkt anfangen würde, ernsthaft Fotos zu machen. Im letzten Sommer hatte ich dann sozusagen die beste Zeit meines Lebens:

Ein freier Monat, ich draußen in der Wildnis, heißes Wettter… in dieser Zeit machte ich meine „Human Series“. Ich bin eigentlich sehr introvertiert und die Fotografie ist manchmal ein Vorwand, um mich von anderen zu isolieren – und trotzdem hilft es mir, mich mehr mit anderen Menschen zu verbinden: Zum Beispiel über das Internet.

Das klingt ja erst einmal wie ein Widerspruch. Hat die Fotografie Dein persönliches Leben verändert?

Manchmal fühle ich mich, als hätte ich eigentlich zwei Persönlichkeiten. Einerseits bin ich ein Wirtschaftsstudent, der sich wirklich für Ökonomie und Politik interessiert, der es genießt, Anzüge zu tragen und die Finanzpresse zu lesen.

Aber die Fotografie half mir, eine neue Seite zu entdecken. Eine Perönlichkeit, die Kunst und alle möglichen Arten von Kreationen genießt, ebenso wie barfuß im Wald herumzulaufen, obwohl ich vorher wahnsinnig auf Hygiene bedacht war.

Die Natur zu erkunden, während ich früher die Art sonderliches Kind war, die sich in Bücher vertieft und fast nie das eigene Zimmer verlässt. Also, ja – ich denke, die Fotografie hat mir einfach geholfen, mir bisher unbekannte innere Potentiale erkennen.

Während das ja großartig klingt. Wie reagieren denn die Menschen auf diese zwei Seiten von Dir?

Bevor ich diese Frage beantworten konnte, habe ich ein paar meiner Freunde dazu befragt. Sie sagten, dass es großartig ist, weil ich dadurch nicht einfach in eine Schublade gesteckt werden kann, dass ich aufgeschlossen bin, obwohl einige Leute denken, dass ich eigenartig bin. Ein Freund sagte mir, dass ich in einer priviligierten Position sei, die man beneiden könnte, weil ich sozusagen „das Beste von beiden Welten“ hätte.

Aber eigentlich ist das nur so, weil ich nicht den Mumm habe, um mich für eine der beiden Seiten zu entscheiden. Ich wäre lieber gänzlich ein Künstler. Aber im Moment weiß ich nicht recht, welchem Pfad ich am besten folgen sollte. In Wirklichkeit ist es also sehr frustrierend.

Meistens bist Du Dein eigenes Modell. Warum? Und wie fühlt es sich an, sich so öffentlich zu präsentieren, oft sogar sehr nackt?

Ich wurde das schon so oft gefragt, dass ich sogar ein kurzes Essay darüber geschrieben habe für eine Hausarbeit in Englisch. Ich werde jetzt nicht die ganzen 3.000 Worte des Dokuments hier einfügen, aber Selbstportraits bedeuten mir sehr viel. Ich mache Selbstportraits, um meine kreative Identität zu erforschen, meine Gefühle zu kanalisieren und mein Selbstbewusstsein zu stärken. Es ist eine Art Therapie.

Wenn ich kreativ bin, möchte ich aktiv werden, deshalb spiele ich auch alle Rollen. Und wenn ich schon mit Modellen arbeite, dann wähle ich die Kleidung aus, mache das Make-up und mime die Posen. Aber die meisten meiner Selbstportraits könnten auch nichts anderes als Selbstportraits sein: Ich denke, dass ich niemanden finden könnte, der auch nur die Hälfte von dem machen würde, was ich getan habe.

Ich saß auf einem brennenden Stuhl, habe mich selbst ungezählte Male verletzt, habe die schmutzigsten Dinge auf meinem Körper und Haar verteilt, lag im Winter nackt in einem kalten Fluss, während es schneite, schwamm mit dem Fernauslöser zwischen den Zähnen zu der Stelle, an der ich mich fotografieren wollte. Es schert mich nicht, wenn ich dabei komisch aussehe.

Und vor allem bin ich immer da, wenn ich mich selbst brauche, ich muss also keinen Termin finden und was noch dazu gehört, ich habe einfach Zeit. Es sind nur ich, ich und nochmal ich, es macht die Dinge so einfach. Ich denke nie daran, was die Leute über meine Arbeiten sagen werden; darüber, dass ich nackt seltsame Dinge tue oder nicht – es ist mir wirklich egal.

Was sind wiederkehrende Themen in Deinen Arbeiten, was möchtest Du zeigen oder erzählen?

Natur und Menschen. Ich mag urbane Umgebungen nicht so sehr, ich bin ein Junge vom Land. Ich zeige kaum Zivilisation, denn ich mag es, meine Hauptakteure in der Wildnis zu isolieren. Ich mag auch Traurigkeit; eine Emotion, die oft in meinen Bildern vorkommt.

Zudem bin ich von Gefühlen der Lethargie inspiriert, denn ich möchte, dass die Welt „angehalten“ aussieht. Ich möchte, dass die Zeit außen vor ist, ich sehe direkt in die Kamera, um Emotionen besser zu transportieren und manchmal bediene ich mich an den Gesten von Tänzern, um mehr Anmut zu erreichen.

Basierend auf dem Kampf der Kulturen und dem Kampf meiner inneren Ichs habe ich ganze Serien gemacht. Ich bin ein großer Fan der Geschichtswissenschaft. Ich denke, dass unser früherer Kolonialismus eine Menge darüber aussagt, was wir sind.

Aber abgesehen von diesen Beispielen gilt für den Rest meiner Werke, dass jedes einzelne eigenständig ist und dass ich meine Bilder nicht „zerdenke“. Es ist ein Prozess, der viel mehr unterbewusst stattfindet.

Das heißt, Du hast keine „Interpretationen“ zu Deinen Arbeiten? Wie taucht die Idee für eine Arbeit auf, entwickelt und vollendet sich dann im fertigen Bild?

Sehr oft sind meine Bilder improvisiert, ich mache spontan Dinge vor der Kamera. Ich gehe einfach raus, ohne dass ich Ideen im Kopf habe und lasse mich dann von dem Ort inspirieren, den ich finde, von Requisiten, die ich mitgebracht habe und vor allem vom Licht!

In der Nachbearbeitung bearbeite ich manchmal nur die Farben und manchmal versuche ich wiederum etwas vollkommen anderes und Ungeplantes, wie etwa, das Bild auf den Kopf zu stellen und so etwas. Das Ergebnis ist die Summe aus den zufälligsten Versuchen.

Das macht es erst zum Spaß, denn wenn alles geplant wäre, die ganze Zeit, dann würde es am Ende anstrengend werden. Die Vorstellungskraft sollte niemals von einem vorher festgelegten Pfad verschlossen werden.

Ich erinnere mich daran, dass Du einmal erwähntest, dass Deine Werke auf einige Betrachter hochgradig christlich wirken, ohne dass Du das beabsichtigt hättest. Was denkst Du über solche Interpretationen?

Das ist komplett damit verbunden, dass Gemälde aus der Renaissance schon seit meiner Kindheit meine hauptsächliche Inspiration sind. Als ich sehr jung war, zeichnete ich Madonnen, obwohl meine Familie nicht christlich ist.

Ich habe auch ein Foto von mir als Märtyrer am Kreuz gemacht. Aber selbst, wenn ich nicht eine unmittelbar christliche Szene darstelle, sind einige Themen an sich sehr christlich, zum Beispiel das Thema des Leidens. Aber ich denke, dass diese Wirkung vor allem durch meine Bildreferenzen entsteht.

Du hast vorhin schon ein anderes spannendes Thema angesprochen: Nachbearbeitung. Was machst Du in diesem Schritt und was bedeutet es für Deine Arbeiten? Wo siehst Du Grenzen, was würdest Du in der Nachbearbeitung niemals tun?

Mein Prozess der Nachbearbeitung macht die Leute immer sehr neugierig. Meistens spiele ich mit selektiven Farbanpassungen und den Kurven. Um das tun zu können, muss ich dafür Aufnahmen machen, die so bunt wie nur möglich sind, mit einer schönen orangen Sonne.

Einmal fotografierte ich eine Hochzeit und zeigte der Hochzeitsplanerin die Fotos, die ich gemacht hatte. Sie sagte, dass sie schön seien und fragte mich, wie ich sie bearbeitet hätte. Allerdings hatte ich ihr die Bilder auf meiner Kamera gezeigt, sie waren daher vollkommen unbearbeitet.

Es ist also eine Kombination von Nachbearbeitung und Vorbereitung, ich bin kein digitaler Maler. Es ist ärgerlich, wenn die Leute annehmen, dass alles manipuliert sei. Dass dieser Stuhl auf den Fotos nicht brannte, obwohl er es tat und ich mich auch fast verbrannt hätte. Wenn sie glauben, dass ich mich einfach in einen falschen Hintergrund hineinmontiert hätte und wenn sie denken, dass ich ein Studio besitzen und dort alles kreieren würde.

Dabei ist gerade das genaue Gegenteil der Fall: Ich mag es, die echte Welt künstlich aussehen zu lassen. Es ist viel beeindruckender. Ich mag es, der realen Welt, die ich fotografiere, einen malerischen Anblick zu geben. Bevor ich anfing, zu fotografieren, habe ich gezeichnet und gemalt, die Gemälde aus der Renaissance sind immer noch meine größte Quelle der Inspiration. Indem ich sie kopiert habe, lernte ich, zu zeichnen.

Ich mag es auch, meine Bilder alt aussehen zu lassen, indem ich entsprechende Themen, Kulissen und Texturen benutze. Irgendwie habe ich eine alte Seele. Mein Schlafzimmer sieht aus wie ein alter Dachboden, nur mit Holzmöbeln und Zeug, das ich sammle. Daher überrascht es die Leute nicht, wenn sie meine Arbeiten sehen. Es reflektiert wahrhaftig meine ruhige und romantische Persönlichkeit.

Was sind Deine Pläne und Träume für die Zukunft? Wohin willst Du mit der Fotografie?

Natürlich sind meine Zukunfsträume und -pläne nicht identisch. Ich wünschte, ich wäre talentiert und selbstsicher genug mit meinen Arbeiten, um alles andere aufzugeben und ausschließlich Künstler zu sein. Aber ich werde einfach meinen Abschluss machen und dann weniger Zeit für die Fotografie haben.

Kurzfristiger betrachtet will ich jedoch, dass meine Fotografie stärker handgefertigt wird, vielleicht mit selbst hergestellten Requisiten, insgesamt konzeptioneller und weniger naiv.

Marwane, ich danke Dir sehr für dieses Interview. Ich wünsche Dir für Deine Zukunft das Beste und freue mich schon sehr auf Deine nächsten Arbeiten!

Marwane Pallas’ Arbeiten könnt Ihr auf seiner Webseite, deviantArt, flickr, 500px und Facebook sehen.

Das Interview habe ich mit Marwane auf Englisch geführt und anschließend übersetzt.

Nachdem mein erster Artikel über Wassertropfenfotografie sehr gut angekommen ist, kommt hier nun ein weiterführender Artikel, der sich wieder mit dem Thema der kunstvollen Inszenierung von Flüssigkeiten beschäftigt. Dieses Mal erläutere ich weitere Techniken, die auch mit fotografischer Grundausrüstung realisierbar sind, in der Hoffnung, dass sich einige selbst an der wundervollen Welt der Tropfen, Flüssigkeiten und Farben versuchen.

Kronen

Als Erstes gehe ich auf die wohl beliebteste Form bei Einsteigern ein: Die Krone. Um sie in einer gefüllten Wasserschale einzufangen, reicht ein Tropfen Wasser aus. Aber die schönsten Kronen entstehen, wenn ich sie auf einer Plexiglasplatte produziere – eine Glasplatte ist leider nicht zu gebrauchen, da sie eine doppelte Spiegelung erzeugt.

Hierfür muss ich am Aufprallpunkt etwas Flüssigkeit platzieren: Es bietet sich an, farbiges Wasser oder Milch zu benutzten. Ohne diese Basis würde keine Krone entstehen, sondern nur eine flache Scheibe, deren Ränder nicht in die Höhe ragen.

Alternativ kann ich auch einen dünnen Wasserfilm auf der Plexiglasplatte verteilen. Dadurch spare ich mir das Auftragen des ersten Tropfens. Ich kann zwar keine so farbenfrohen Kronen erzeugen, aber das lästige Säubern nach jedem Versuch wird hinfällig.

Wie üblich in der Tropfenfotografie ist es besser, mit verdicktem Wasser zu arbeiten. Auf schwarzem Hintergrund benutzte ich sehr gern Sahne, diese hat genau die richtige Konsistenz und bildet einen sehr guten Kontrast zum Hintergrund. Allerdings ist die Beleuchtung etwas kniffliger als vor einem hellen Hintergrund.

Double Pillar

So habe ich eine Technik getauft, die ich vor Kurzem entdeckt habe. Mit ihr lassen sich nur sehr schwer schöne und ruhige Formen erzeugen, dennoch sind die Ergebnisse mehr als sehenswert.

Um derartige Bilder zu erschaffen, benötige ich zwei Tropfen, die in einem bestimmten Abstand zueinander synchron ins Wasser fallen. Die entstehenden Wassersäulen ziehen sich dabei gegenseitig an und vereinigen sich zu einer einzelnen Säule, auf der ich einen dritten Tropfen platziere. Für solche Aufnahmen werden mindestens drei Ventile benötigt, die unabhängig voneinander angesteuert werden.

In Planung sind bereits Aufnahmen mit vier Säulen, doch leider habe ich es noch nicht zustande gebracht, alle vier Säulen im Mittelpunkt zu vereinen. Bis jetzt ist es mir lediglich gelungen, drei Säulen auf einen Nenner zu bringen. Doch den Gedanken mit vier Säulen habe ich noch nicht verworfen und er wird zu gegebener Zeit wieder in Angriff genommen. Von Misserfolgen lasse ich mich nicht kleinkriegen.

Farbexplosionen

Diese Aufnahmen machen sehr viel Spaß. Man hat jedoch so gut wie keinen Einfluss auf das Ergebnis. Dennoch können dabei sehr beeindruckende Bilder entstehen.

Das Prinzip ist einfach: Ein Luftballon wird über einen Lautsprecher gestülpt und dient als Membran, auf der ich die Farben platziere. Als Basis gebe ich einen Teelöffel verdicktes Wasser auf die Membran, mit einer Pipette gebe ich Farbe hinzu. Das hat den Vorteil, dass die Formen etwas länger zusammenhalten, bevor sie zerreißen. Durch Musik wird die Membran in Schwingung versetzt und dadurch springen die Tropfen in unterschiedlichsten Formen nach oben.

Anfangs habe ich Bässe aus Technomusik verwendet oder mit Frequenzen eines Tongenerators gearbeitet. Doch mit der Zeit bin ich dahinter gekommen, dass das nicht optimal ist. Jetzt benutze ich ein Keyboard, um die Töne zu erzeugen. Das hat den Vorteil, dass ich nur einen Ton benötige und die Farben sich nicht so sehr mischen. Dadurch ist es möglich, noch ein zweites oder drittes Bild mit den gleichen Farben zu machen, ohne dass es eine braune Suppe wird.

Meine Kamera löse ich über einen Soundtrigger aus. Somit kann ich gezielt steuern, wann die Kamera auslösen soll. Es geht aber auch ohne, jedoch hat man dann weit weniger Kontrolle und benötigt unter Umständen mehr Versuche.

In meinen aktuellen Bildern habe ich noch einen fallenden Tropfen in die Farbexplosionen eingebracht. Dieser soll beim Zusammenstoß mit der nach oben springenden Farbe einen Schirm erzeugen. Da ist aber viel Zufall im Spiel, da ich nie weiß, wie sich die Farbe nach oben bewegt.

Was bei solchen Aufnahmen noch wichtig ist: Jede Kamera hat eine Auslöseverzögerung (Shutter Lag). Das heißt, wenn die Kamera auslöst, ist die Action schon vorbei. Das kann ich umgehen, indem ich in einem abgedunkelten Raum fotografiere und über die Blitze auslöse. Die Auslösung sollte dabei recht früh erfolgen. Je später die Blitze ausgelöst werden, umso stärker reißen die Formen ab und enden im Tropfenchaos.

Bei meinen Aufnahmen bevorzuge ich einen schwarzen Hintergrund. Um das zu erreichen, bestücke ich meine Blitze mit Lichtformern (Snoots). Dadurch wird Streulicht gering gehalten und nur punktuell beleuchtet. Um auf Nummer Sicher zu gehen, benutzte ich im Hintergrund noch eine schwarze Platte zur Abschirmung.

Cream Flow

Bei dieser Methode werden keine technischen Hilfsmittel, wie etwa die Zeitsteuerung, benötigt. Es reichen Kamera, Stativ, Pipette, Fernauslöser und ein externer Blitz aus. Als Wasserbehälter benutzte ich ein sehr kleines Aquarium. Zuerst wird der Behälter mit Wasser gefüllt und die Kamera so ausgerichtet, dass sie in einem Winkel von ca. 10-20° von unten auf die Wasseroberfläche fokussiert. Die Kamera muss komplett manuell eingestellt werden.

Meistens fotografiere ich solche Bilder mit einer sehr kleinen Blende von maximal f/16, um möglichst alles scharf zu bekommen. Als Belichtungszeit benutze ich grundsätzlich 1/160s, damit funktionieren meine Funkauslöser am zuverlässigsten. Die Blitzleistung darf auch bei diesen Aufnahmen nicht zu hoch gewählt werden. Zwar sind die Bewegungen nicht sehr schnell, dennoch kann man durch eine zu lange Abbrenndauer Bewegungsunschärfe ins Bild bekommen.

Es gibt verschiedene Methoden, um Farbe ins Bild zu bekommen. Entweder ich färbe die Kaffeemilch oder Sahne mit Lebensmittelfarbe ein oder ich benutze farbige Folien am Blitzgerät.

Wenn alles soweit eingestellt ist, kann es auch schon losgehen mit dem kreativen Teil: Mit der Pipette tröpfle ich Milch in das Becken und löse fleißig die Kamera aus. Da die Flüssigkeit ziemlich langsam absinkt (je höher der Fettanteil, umso langsamer sinkt sie) kann ich mehrmals auslösen. Die Bilder drehe ich in der Nachbearbeitung dann um 180°.

Alternativ kann ich auch einen hellen Hintergrund verwenden und als Flüssigkeit Tinte ins Wasser tropfen. Damit lassen sich ebenfalls sehr ansprechende Bilder erzeugen. Durch den hellen Hintergrund ist diese Variante auch einfacher zu beleuchten.

Soap Film

Um Seifenfilm zu fotografieren, ist keine großartige Technik nötig. Wie bei den Cream-Flow-Bildern benötige ich ein Stativ, Fernauslöser und einen externen Blitz.

Ich habe mir einen Ring von ca. 5 cm Durchmesser aus Draht geformt und diesen mit Wolle umwickelt. Durch die Wolle platzt der Seifenfilm nicht so schnell, da er mit Flüssigkeit versorgt wird. Der kniffligste Teil ist die Beleuchtung und der richtige Winkel des Seifenfilms zur Kamera. Die Kamera darf nicht parallel zum Seifenfilm positioniert werden. Es braucht einen kleinen Winkel von bis zu 5°, um ihn auf den Bildern sichtbar zu machen.

Ich beleuchte die Bilder indirekt über einen weißen Reflektor, den ich U-förmig gebogen habe. In die Mitte des Reflektors habe ich ein Loch für das Objektiv geschnitten. Den Blitz richte ich auf den Reflektor, dadurch wird der Seifenfilm beleuchtet. Als Hintergrund benutzte ich eine schwarze Pappe. Auch farbliche Hintergründe sind möglich, die besten Erfahrungen habe ich allerdings mit schwarz gemacht – damit ist die Leuchtkraft der Farben am intensivsten.

Ich hoffe, dass ich Euch mit diesem Artikel inspirieren konnte, vielleicht den einen oder anderen Versuch nachzustellen. Die Möglichkeiten, mit Wasser kreativ zu sein, sind schier endlos. Das ist auch ein Grund, warum ich diese Art der Fotografie so lange betreibe. Ihr findet noch weitere Bilder auf meiner Homepage und falls es Fragen gibt, stehe ich natürlich gerne zur Verfügung.

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Deutschsprachig

• Den ganzen Juni lang wird Berlin Kreuzberg Schauplatz des Browse Foto-Festivals mit 80 Ausstellungen und Veranstaltungen. Es gibt unglaublich viel zu entdecken!

• Ihr seid Eltern und Eure Sprösslinge beginnen auch schon, sich für Fotografie zu interessieren? KameraKinder und Knipsclub sind zwei pädagogisch betreute Fotocommunities speziell für Kinder bis 12 Jahre.

• Foodfotografie in Verbindung mit Makrofotografie: Essen im Miniatur-Format.

• Unser Redakteur Michael im Talk mit Olaf Bathke. Es geht um Landschaftsfotografie, Planung und Bildbearbeitung. In der Aufzeichnung werden auch einige Bearbeitungsbeispiele erläutert.

• Portraits gegen den Laubbläser.

• Der BUND ruft zum Fotowettbewerb „Dein Grün in der Stadt“ auf. Einsendeschluss ist der 30. Juni. Zu gewinnen gibt es Adobe Photoshop CS5 im Wert von über 1.000€, Umhängetaschen und mehr.

• Hat noch jemand Kameras für 110 Film im Schrank? Lomography stellt ihn wieder her. Den Anfang macht ein Schwarzweißfilm und man kann hoffen, dass demnächst noch mehr kommt.

• Tobias Bräuning gewann mit einem bunten Tropfenfoto in der Kategorie “split second” beim Sony World Photography Award 2012. Bei DW TV gibt’s ein Interview mit ihm, Blicke hinter die Kulissen in seinem Heimstudio und Highspeed-Aufnahmen der Tropfenkollisionen.

• Für Kurzentschlossene: Sunbounce veranstaltet Workshops mit Profis in Zingst an der Ostsee vom 26. Mai bis 3. Juni. Je nach Workshopleiter zu unterschiedlichen Themen rund um Fotografie und Lichtsetzung. Kiel Magazin verlost einen Platz im Workshop am 13./14. Oktober.

• Hinter der Frage „Ist Twitter ein Selbstbedienungsladen?“ verbirgt sich der interessante Fall einer Urheberrechtsfrage. Es geht um Fotos und 120 Millionen Dollar.

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International

• The Shepherds way von Dima Gomberg über das Leben von Schäfern mit wunderschönen und auch blutigen Bildern. Auch seine anderen Serien sind absolut sehenswert!

• Eine sehr schöne und amüsante Umsetzung alte Bilder neu darzustellen, zeigt die Serie „Supermodels“ von Gregor Schuster und Daniel Wetzel.

• We Wanted Beer – New York in Zeiten der Prohibition.

• Unterwasserfotos von gesunkenen Schiffen und Flugzeugen.

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Neuerscheinungen und Tipps vom Foto-Büchermarkt

„From Polaroid to Impossible“* des Hatje Cantz Verlag zeigt mit 230 ausgewählten Polaroid-Arbeiten auf 192 Seiten im Großformat 25x32cm eine faszinierende Bandbreite von Material und Techniken des erst kürzlich vorm Aussterben geretteten Sofortbildfilms.

In „BILDBEWERTUNG mit dem Doppelten Dreieck: Die MAGIE der Fotografie oder das GEHEIMNIS herausragender Bilder“* liefert Martin Zurmühle ein umfassendes System zur Beurteilung von Fotos anhand der Faktoren Technik – Komposion – Wirkung und Motiv – Idee – Zeitgeist. Auf über 200 Seiten in tiefer Einblick in die Perspektive von Bildkritikern, die hilft, die eigenen Fotos zu verbessern.

„Fabrik“* ist die Neuauflage des Bildepos von Jakob Tuggener, das zu seiner Zeit wenig Beachtung fand, obwohl es heute als Meilenstein gilt. In der Ästhetik des Stummfilms zeigt es das zerstörerische Potential ungebremsten technischen Fortschritts. 72 beeindruckende Aufnahmen auf 132 Seiten mit einem aktuellen Nachwort.

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Videos

Ed Karshi zeigt Bilder aus 30 Schaffensjahren Street- und Dokumentationfotografie, die ursprünglich aussortiert wurden, weil jemand direkt in die Kamera schaut und erläutert die vielschichtigen Beziehungen zwischen Betrachter und Abgebildetem, die sich durch den Blickkontakt verändern.

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ShiKai Tseng macht Lochkamera-Aufnahmen auf mit lichtempfindlicher Emulsion bestrichene Objekte, zum Beispiel Vasen. Was herauskommt, ist nicht mehr Fotografie, sondern angewandte Kunst.

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“Dark Side of the Lens”, im letzten Jahr zigfach ausgezeichneter Kurzfilm mit Wahnsinnsaufnahmen eines Surfers und Fotografen, der dem Ozean verfallen ist.

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Hinter den Kulissen: Vögel im Studio fotografieren.

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So wird die Leica M9-P »Edition Hermès« hergestellt.

* Das ist ein Affiliate-Link zu Amazon. Wenn Ihr darüber etwas bestellt, bekommen wir eine kleine Provision, Ihr bezahlt aber keinen Cent mehr.

Das Buch, eine Assemblage aus 50 Bildern, poetischen Texten sowie sachlichen Bildanalysen, enthält unter anderem das um 90° gedrehte und auf den ersten Blick vielleicht banale Bild einer Wasserpfütze. Durch die Kombination mit einer erstaunlichen Bildanalyse entpuppt es sich allerdings zu etwas unerwartet Neuem. Was da geschehen ist, soll auch Euch hier nicht vorenthalten bleiben.

Vexierbilder in der schier unübersichtlichen Vielfalt der städtischen Umgebung zu entdecken – darum geht es mir bei meinen zahlreichen, fast täglich unternommenen Streifzügen. Die Fotos sollen beim Betrachter Erinnerungen, Assoziationen, Gedanken und Bilder auslösen, die über das unmittelbar Sichtbare hinausgehen.

Durch die gewählte Perspektive oder das gezeigte Detail geraten die Dinge der alltäglichen Wirklichkeit in Bewegung und treten in den Spielkreis einer deutenden Fantasie. So bummle ich durch die Stadt und horte Ansichten, die ihre je eigenen Geschichten erzählen, wie auch die folgende: Ich stehe in einem überdachten Durchgang, wo sich Wasserpfützen gebildet haben. Ich bin fasziniert von der präzisen Linienführung und den organischen Formen mit den wenigen, aber klaren Spiegelungen.

Ich mache ein paar Fotos, kurz nach der Rückkehr zeige ich sie meiner Herzensdame auf dem Laptop und ihr fällt unwillkürlich eine Geschichte dazu ein. Sie glaubt, eine erstaunlich gut erhaltene Wandmalerei eines bisher unbekannten, archaischen Volkes vor Augen zu haben und schnell hat sie ein paar Details zur möglichen Entstehungsgeschichte parat: Vermutlich handelt es sich um die Darstellung einer rituellen Begegnung eines Kriegers und einer Kriegerin.

In der rechten Figur ist die Kriegerin zu erkennen, in ihren fließenden Formen erinnert sie an Pflanzliches und ihr Körper und ihr Kopf zeigen gleich mehrfach die Formen der weiblichen Brust. Ihren Helm hat sie rechts hinter sich abgelegt.

Die linke Figur ist dagegen eindeutig als männlicher Krieger zu identifizieren, aufrecht stehend, mit stolzgeschwellter Brust und kleinem Kopf auf einem breiten Stiernacken. Krieger und Kriegerin sind beim rituellen Austausch der Waffen gezeigt, sie messen und präsentieren die Wurfspeere und tauschen diese, was als Zeichen des gegenseitigen Respektes gedeutet werden kann.

Dass der männliche Krieger links in seiner Haltung leicht nach hinten kippt und in labiler, zurückweichender Haltung dargestellt ist, könnte, wie meine Herzensdame vermutet, auf den langsamen Verfall des patriarchalischen Einflusses und eine damit verbundene Stärkung des Matriarchats innerhalb dieses Volkes hindeuten.

Ihre kurze Betrachtung schließt sie mit der humorigen Bemerkung, dass die genaue Datierung der Wandmalerei bisher noch ausstünde.

Ich bin bass erstaunt und kann bis heute noch nicht glauben, was alles in einer trivialen Wasserpfütze für Geschichten stecken können. Aber das Auge ist unersättlich und zusammen mit unserer Fantasie ständig dazu bereit, alles Sichtbare zu verwandeln.

aber erst, als er zu Spenden für eine Wohltätigkeitsorganisation aufrief, wurde ich wirklich hellhörig und beschäftigte mich eingehender mit den Texten unter seinen Bildern, die mehr über die Menschen erzählen, die er uns auf seine Weise zeigt.

Latoria. Miami. Wahrscheinlich mein Lieblingsbild für pure Dokumentation. Es wurde von Latoria akzeptiert, die mich so nah heranließ. Nicht gestellt oder posiert war dies ein Portrait, das – nun, ja – einfach alles zusammenfasst, was ihr momentanes Leben ist.

Ich muss sagen, dass ich ein sehr visueller Mensch bin. Obwohl mich Persönlichkeiten und Geschichten begeistern, macht mich meistens ein herausragendes Bild allein schon glücklich. Ich fange erst zu lesen an, wenn mich etwas stutzig macht.

Hinter den Arbeiten von Lee Jeffries verbirgt sich jemand, dem es gelingt, die Würde der vom hochsensiblen gesellschaftlichen Thema der Obdachlosigkeit betroffenen Menschen zu seinem Hauptanliegen zu machen und gleichzeitig diese Portraits auf künstlerische Weise zu betrachten, zu bearbeiten und sie für seine Sache zu nutzen.

Hallo Lee. Danke, dass Du Dir die Zeit für ein Interview mit uns nimmst. Erzähl uns doch zuerst einmal etwas über Dich. Wer bist Du, was machst Du?

Also, mein Name ist Lee Jeffries. Ich bin 41 Jahre alt und lebe in Manchester im Vereinigten Königreich. Ich zahle meine Rechnungen, indem ich in meiner Vollzeitbeschäftigung als Buchhalter arbeite, aber irgendetwas muss schief gegangen sein, denn viel lieber wäre ich ein Fotograf.

Salvation. Eine Zeit, in der die fotografischen Götter wirklich zu mir herabgelächelt haben. Ich hatte mich gerade mit einer Coke auf einen Bordstein in Skid Row gesetzt. Er tauchte hinter mir auf und da ich wusste, dass ich die Kamera in der Hand hatte, drehte ich mich um und schoss mehrere Bilder mit der D3. Ich wünschte, dass ich sagen könnte, dass das Gebäude der Heilsarmee im Hintergrund Absicht war, aber es war gänzlich die Arbeit derer, die auf mich runterschauten.

Wann begann Deine Leidenschaft für die Fotografie und wie hat sie sich entwickelt?

Zurückblickend war ich wohl zum ersten Mal mit 14 Jahren im Geschichtsunterricht der Fotografie wirklich ausgesetzt. Unsere Lehrerin zeigte uns Bilder von alten Soldaten aus dem Ersten Weltkrieg. Sie erklärte, dass es immer etwas Eindringliches in ihren Augen gab. Diese Begebenheit hat einen tiefen Nachhall in mir erzeugt.

Ich habe nie die Wirkung vergessen, die es auf mich hatte, aber es hat lange gedauert, bis erst vor Kurzem, als ich eine Ausgabe von „Inferno“* gekauft bekam und diese früher im Unterricht gesehenen Bilder zusammen mit denen von James Nachtwey eine Saite in mir berührt haben.

Die Geschichten, diese unglaublich humanitären Geschichten, die sie erzählen, entzündeten bei mir den Wunsch und das Interesse, es zu versuchen und meine eigenen Geschichten zu erzählen. Der Funke war vollkommen journalistisch. Die Leidenschaft religiös. Die weitere Entwicklung eine Kombination aus beidem.

Skid Row. Los Angeles. Ein Bild, das ein Synonym für Lee Jeffries ist.

Wie hast Du denn mit so großen Idolen wie Nachtwey im Hinterkopf angefangen, Deine eigenen Werke zu kreieren? Scheinen sie am Anfang nicht vollkommen unerreichbar zu sein?

Es war schwierig. Als Fotografen und Künstler entwickeln wir uns alle und wenn ich zu einigen meiner frühen Bilder zurückblicke, habe ich die Tendenz, zu erschaudern! Ich denke, die größte Barriere, die ich überwand, war die Angst. Als ich das erste Mal nach Skid Row in Los Angeles fuhr, war ich fast zu starr vor Angst, um aus dem Auto auszusteigen.

Ich denke, dass das eine normale Reaktion ist. Ich war erstaunt darüber, wie ruhig ich war, als ich endlich draußen war. Ich wurde jemand, den ich fast nicht wiedererkannte. Ruhig und geduldig. Mitfühlend und verständnisvoll. Ich fühlte mich als ein Teil der Gemeinde und genoss es, dort zu sein mit all den Leuten, die der Rest der Gesellschaft vergessen hatte.

Sogar bis heute vermisse ich es noch, dort zu sein. Ich vermisse es, draußen auf den Straßen zu sein. Nachtweys Bilder waren der Funke – aber ich musste erst meine eigene Fähigkeit, menschlich zu sein, bewältigen, von der ich nun fühle, dass sie unmöglich zu begreifen war, bevor all das anfing.

Overtown. Miami. Sonderbar und zweifellos faszinierend. Ich saß sogar im Auto und fuhr weg, als ich ihn im Rückspiegel bemerkte. Natürlich drehte ich um für ein Gespräch. Sehr ausdrucksstark und ich machte mehr als zwanzig Bilder, jedes für sich ein gewinnendes Bild. Ich denke, dass man als Fotograf sehr selektiv mit seinen eigenen Arbeiten umgehen und nur die allerbeste einer Serie auswählen sollte.

Wie würdest Du Deine Fotografie beschreiben – was sind wiederkehrende Motive und Themen, was möchtest Du zeigen?

Ich habe schon bei einigen Anlässen versucht, meine fotografische Philosophie zu beschreiben, sie kommt aber immer irgendwie zerknirscht rüber. Allerdings bin ich über eine Beschreibung gestolpert, die jemand anderes verfasst hat und die mich förmlich umgehauen hat. Es war, als hätte er es komplett verstanden – mich verstanden – als hätte er die Emotionen gespürt, die ich spüre, wenn ich diese Bilder mache. Diese richtigen Worte sind die folgenden:

Ich bitte um Nachsicht, aber diese Arbeiten sind absolut kein Fotojournalismus. Sie sind auch nicht als Portraits gedacht. Sondern das ist religiöse oder spirituelle Ikonografie. Das sind sehr kraftvolle Arbeiten.

Jeffries hat diesen Leuten etwas mehr gegeben als nur persönliche Würde. Er gab ihnen ein Licht in ihren Augen, das Transzendenz zeigt, sozusagen ein Lichtschimmer an den Toren von Eden. Die Klarheit in ihren Augen ist einzigartig anzusehen, als wäre Gott irgendwo da drinnen.

Er machte aus diesen Leuten mehr als nur alte, gebrochene Obdachlose, die faul auf eine kleine Gabe von einem höflichen und aufmerksamen Firmenvertreter warten. Er flößte ihnen Licht ein, nicht Dunkelheit. Sogar dem blinden Mann fließt Licht aus seinen nicht sehenden Augen.

Ich denke, dass Jeffries mit seiner Kunst beabsichtigt, diese Leute zu ehren – nicht, sie zu bemitleiden. Er ehrt diese Leute, indem er ihren Bildnissen eine größere Bedeutung gibt. Er gibt ihnen einen religiösen, spirituellen Stellenwert. Er tränkt sie mit der ikonischen Seele der Humanität.

Ich denke, das ist es, was er versucht, zumindest zu einem bestimmten Grad.

— Jack Conran. Rangefinder Forum. 2011.

5th. Downtown. Miami. Eine Aufnahme, die all die religiösen Elemente, die offensichtlichen sowie die metaphysischen, verkörpert, nach denen ich in meiner Bildwelt strebe. Ruhig und zugleich kraftvoll ist es wirklich ein persönlicher Favorit.

Wie wählst Du aus, wen Du portratierst, was verbindet Dich mit den Menschen?

Mir wurde gesagt, dass ich einen sechsten Sinn für Traurigkeit hätte, aber für mich ist es viel mehr eine religiöse und menschliche Erfahrung. Ich kann stundenlang oder sogar tagelang herumlaufen und nichts sehen. Plötzlich, scheinbar aus dem Nichts, bin ich mit einem Blick oder einer Emotion konfrontiert, die meistens von den Augen der Person ausgeht, die mich aus meinem Trott gerissen hat.

Während mein Herz etwas schneller schlägt, fühle ich mich beinahe dazu verpflichtet, diese Erfahrung mit der Kamera festzuhalten. Es ist etwas quälend Verletzendes daran, Zeuge von Traurigkeit in den Augen eines Fremden zu werden und das ist es, was die Verbindung antreibt und das Mitgefühl erzeugt.

Rome. Das erste Mal, dass ich Zeuge von Tränen wurde, die jemand weinte, den ich fotografierte. Der erste Instinkt ist, die Kamera herunterzunehmen, was ich auch tat, aber irgendwie und ich kann mich nicht erinnern warum und wie, wartete ich noch für diese eine Aufnahme ab. Die Kraft jedes Bildes ist seine Emotion.

Zuerst dachte ich, dass Dein Stil ein schwarzweißer ist, aber dann habe ich auch ein paar farbige Bilder entdeckt. Was hat es mit schwarzweiß und Farben bei Dir auf sich?

Während ich mir nicht vorgenommen hatte, nur schwarzweiße Bilder zu produzieren, nehme ich an, dass sich mein Prozess einfach in dieser Richtung entwickelt hat. Ich benutze Farben, wenn die Aufnahme es verlangt, gehe aber ausnahmslos zurück zu schwarz und weiß, weil ich fühle, dass es sich für die Thematik und meinen Stil gleichermaßen am besten eignet.

Rome. Aufgenommen auf den Straßen von Trastevere. Wieder ist hier nichts gestellt, ich war nur nah genug dran, um auf das zu reagieren, was vor mir geschah. Es ist wichtig, in der Lage zu sein, eine Aufnahme in der Nachbearbeitung ebenso zu interpretieren, wie sie überhaupt zu machen. Es hat eine Weile gedauert, bis ich sie so bearbeitet hatte und nun schüttelt mich ihr Symbolismus jedes Mal, wenn ich sie ansehe.

Du unterstützt ein Projekt namens Centrepoint. Kannst Du uns darüber etwas erzählen, wie bist Du eingebunden und warum?

Centrepoint ist eine im Vereinigten Königreich angesiedelte Wohltätigkeitsorganisation, die obdachlosen Menschen hilft und einen besonderen Schwerpunkt auf unter 25-Jährige gesetzt hat. Prinz William ist ihr Schirmherr.

Ich begann, mich dort zu engagieren, nachdem ich Michelle getroffen hatte, ein 23 Jahre altes, obdachloses Mädchen aus Schottland, die sich auf den Straßen von London wiederfand. Familienzerwürfnisse, Ausschlüsse aus der Schule, Übergangsversorgungen sind nur ein paar von vielen Gründen, warum jedes Jahr über 80.000 junge Menschen im Vereinigten Königreich Obdachlosigkeit erleben müssen.

Michelle. Obdachlose in London. Ich hatte inzwischen zwei Mal das Vergnügen, sie zu treffen. Beim zweiten Mal ließ sie mich für einige Stunden in ihre Welt ein. Ich werde nie ihre Schönheit und ihren Sinn für Humor vergessen.

Michelles Schönheit hat mich berührt. Ihre kristallblauen Augen, die ihre schmutzigen Kleider und Finger Lügen strafen. Menschen wie Michelle brauchen Organisationen wie Centrepoint, sie sind vielleicht die einzige handfeste Möglichkeit, von der Straße weg zu kommen.

Ich habe eingewilligt, mich besonders in einem speziellen Projekt zu beteiligen: Dort bringe ich einigen der Leute, denen sie helfen, den Umgang mit der Kamera bei. Die Hoffnung ist, so eine fotografische Ausstellung, ein Essay zu erhalten, wie Obdachlose andere Obdachlose durch das fotografische Medium wahrnehmen.

George. Ich habe dieses Bild ausgewählt wegen der einzelnen Elemente, die in diesem Portrait zusammenkommen, um ein Ganzes zu formen. Die Muster auf dem Kopf, die zu den Haaren führen und dort gespiegelt werden und dann zurück entlang der Narbe auf der Wange. Meiner Meinung nach ist es ein visuelles Gedicht.

Was sind Deine Pläne und Träume für die Zukunft? Hast Du andere Projekte im Kopf?

Mein unmittelbarer Plan ist es, weiterhin Fotos zu machen, die Menschen berühren. Die genug Kraft haben, um die Wahrnehmung von Obdachlosen etwas zu verändern und den Betrachter dazu anregen, deshalb etwas Positives zu tun.

Wie jeder urbane Fotograf bin ich am glücklichsten, wen ich draußen auf den Straßen unterwegs bin. Die Gerüche, die Menschen, darum geht es. Vielleicht treffe ich Dich ja irgendwann einmal dort?

Das wäre großartig. Vielen Dank für dieses Interview, Lee, und ich wünsche Dir für Deine Zukunft alles Gute!

Andy. Ich verbrachte mehr als vier Stunden mit Andy, bevor ich überaupt erwähnte, ihn fotografieren zu wollen. Wir hatten ein sehr seltsames Gespräch. Gott, telepathisch sein… überhaupt alles. Seine Dämonen sind offensichtlich.

Lees Arbeiten könnt Ihr bei flickr und 500px sehen, außerdem twittert er.

Auf der Plattform Virgin Money Giving hat Lee Jeffries eine Sammlung für Centrepoint gestartet, die Ihr unterstützen könnt. Unter allen Spendern wird ein grpßer Schwarzweißdruck des Portraits von Michelle aus einer limitierten Auflage verlost.

Das Interview habe ich mit Lee Jeffries auf Englisch geführt und anschließend übersetzt.

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