l' esteta Dio-nisiaco

for sale <------

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La Pazzia: unica forma di normalità! --> per whipart.it

2010-06-08T04:36:00.000-07:00

Il fonema ‘pazzia’ ha un’origine incerta, ma probabilmente deriva dal greco ‘pathos’, che significa sofferenza e dal latino ‘patiens’ (paziente, malato), concentrando dunque il significato sull’esperienza dolorosa anziché sulle bizzarrie e le stravaganze del folle. Ancora: nelle antiche società umane, la follia possedeva una forte connotazione mistica, ritenendola derivante dall’influsso di qualche divinità (l'epilessia, ad esempio, per questo motivo, veniva chiamata da Ippocrate 'morbo sacro). Il trattamento della follia era dunque di tipo mistico-religioso, praticato dai sacerdoti del tempio, che tentavano di alleviare i sintomi con riti e preghiere. Tentando anche di interpretare i sintomi del folle come se fossero dei messaggi provenienti da entità sovrannaturali.

In sostanza il 'pazzo' è colui che soffre. E' colui che può essere, addirittura, concepito come un mezzo fra una realtà ed un'altra. Una 'pazzia' così intesa trova, naturalmente, il suo campo d'azione nel mondo dell'arte.

L'arte ha a che fare con le passioni, quelle intense e dolorose. Apre, al contempo, le porte per realtà altre. L'arte vede ciò che un'intera generazione non riesce a vedere. L'arte ha il potere di sublimare il dolore! Ed è proprio il dolore che accomuna gli autori che tratteremo. Il disagio di una condizione esistenziale che vola al di sopra del tempo e delle generazioni, che denuncia la perdita di valori basici proprio quando tutti quanti ne stanno affermando degli altri nuovi. E' quel sentirsi cosi legati alla terra e al suo equilibrio con tutte quante le cose da odiare se stessi quando si vedono i propri simili perdere la loro natura umana in cambio di surrogati elettrificati. Questo li strugge, li annienta lentamente, li fa ammalare. Li rende umani, troppo umani, in un mondo di ciborg ciechi, sordi e non vedenti.

Per gli artisti questo stato di sensazioni, questo dolore impotente ma creativo, traspare, a volte non volendo, dalle loro opere, Michelangelo, ad esempio nel dipingere il volto di San Bartolomeo mentre mostra al Giudice il coltello nella sistina, riportò nelle pieghe della pelle del martirio un dolorante autoritratto, frutto probabilmente, il suo malessere, di turbamenti religiosi. Francisco Goya, nel Saturno (1820-23 Madrid Museo del Prado) tela dipinta quando ormai completamente sordo, solo e in preda all'angoscia, volle esprimere con estrema crudezza probabilmente un significato politico: Saturno che divora uno dei suoi figli sembra simboleggiare il tiranno che divora i suoi sudditi, un´allusione dell'artista, fortemente avvilito dalle vicende politiche europee e spagnole, a Ferdinando VII. Munch nel suo conosciutissimo urlo (Il Grido,1893, Oslo, Nasjonalgalleriet) raffigura un uomo che si rifiuta di sentire il suo stesso urlo di dolore: il particolare clima culturale e politico favorisce il rifiuto di essere messi di fronte alle proprie angosce esistenziali. L'alterazione ai fini espressivi della realtà, della forma e del colore: contorni dissolti, forme indefinite, colori irreali, contrastanti, sono il mezzo attraverso il quale l'artista perviene ad una personalissima interpretazione dell'angoscia esistenziale dell'uomo. ''Sentii un urlo attraversare la natura: mi sembrò quasi di udirlo. Dipinsi questo quadro, dipinsi le nuvole come sangue vero. I colori stavano urlando. '' (E.Munch)

Uno degli ultimi dipinti realizzati da Van Gogh è questo campo di grano (Campo di grano con corvi, 1890, Amsterdam, Rijksmuseum Vincent van Gogh). dalla pennellata vorticosa e tormentata. A proposito di questo quadro scrisse: "... ho ancora dipinto tre grandi tele. Sono immense distese di grano sotto cieli tormentati, e non ho avuto difficoltà per cercare di esprimere la tristezza, l´estrema solitudine". Ma non andando molto lontano e guardando alla contemporaneità potremmo benissimo citare Bill Viola con i suoi poetici video d'artista, Paolo Troilo in cui l'autoritratto diventa solo un momento di riflessioni su noi persona e noi società, gli Ontroerend Goed che con la loro perfomance Internal, all'interno dell'ultima edizione di Uovo festival 2010 hanno ricordato agli spettatori l'importanza della comunicazione, del contatto, del nostro riscoprirci disarmati.

Questa è pazzia, questo è dolore profetico. Questo è Dionisio che si incontra, scontrandosi con Apollo. Questa è la vita! E' quella sensazione che ti impone di rimanere bambino, quella piacevole sofferenza che ti dona la saggezza. E per essere saggi bisogna inevitabilmente essere folli

2010-03-06T10:15:00.000-08:00

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La triade quasi perfetta di West/Mirage al PiM spazio scenico. ---> per teatrimialno.it

2010-03-06T04:45:00.000-08:00

Fino al 1 Marzo il palinsesto del PiM ospiterà la ricerca su spazio, luce e corpo di Papier e Pannitto.West/Mirage coinvolge due diverse realtà di ricerca, una coreografica di Annika Pannitto e una che lavora sulla visione spazio/luce dei Keramik Papier. Questa collaborazione nasce in funzione di un progetto complesso in cui interagiscano differenti livelli di sperimentazione ognuno con il proprio linguaggio, e con la finalità di rendere gli spettatori termini ultimi di un'elaborazione stratificata: uno spazio assoluto, attraversato contemporaneamente dalla luce, dal suono e dal corpo.

Annika Pannitto (nata a Campobasso nel 1981) si forma al S. Carlo di Napoli e all'Accademia Nazionale di Danza dove si diploma nel ‘02. Nel ‘08 è una dei coreografi Choreoroam, un progetto di The Place di Londra, Operaestate Festival Veneto, British Council e Dansateliers di Rotterdam.

Keramik Papier è un binomio artistico con base a Roma nato nel '03, aperto alle contaminazioni. Nel ‘08 dirige il festival di eventi performativi BESTIARIo. Partecipa alla finale del Premio Scenario '07 al Santarcangelo Festival. Collabora in differenti modi con la rivista d'arte Drome Magazine. Da un lato un corpo inquieto che quasi rifiuta le regole che lo governano, sia in senso motorio che comportamentale, che quasi ad istiga alla prevaricazione; dall'altro, un corpo che desidera perdersi in una condizione di precarietà legata alla percezione di uno spazio che non offre chiari punti di riferimento. Il movimento è asciutto, nitido, compatto, il centro del corpo è mobile. Il lavoro sulla luce e sullo spazio guida lo sguardo dello spettatore dalla visione globale a quella di un particolare come attraverso una telecamera (Zoom).

Non stupisce che tale spettacolo si sia piazzato fra i primi 10 posti al premio Equilibrio'09 realizzato con il sostegno di Dansateliers di Rotterdam DE.MO/Movin'Up, infatti la musica, lo studio della luce e la considerazione dello spazio si pongono come il grande potenziale di questo progetto. Se per un festival in cui decine di compagnie e di artisti si esibiscono, la sua durata è funzionale, per la messa in scena in un teatro i soli 20 minuti, dei quali si compone, sembrano pochini: certo è che il pubblico ha apparezzato decisamente la breve illusione, il miraggio.

Marzo si apre all'insegna della moda, orgoglio milanese al Palazzo Morando. --- > per coolhunateritaly.it

2010-03-06T04:36:00.000-08:00

Il Sindaco Moratti, con gli Assessori Finazzer Flory e Terzi inaugurano il nuovo spazio dedicato a cultura, arte e stile. Si ospiteranno le importanti collezioni di tessuti, abiti e accessori fino ad oggi conservate presso le Civiche Raccolte d’Arte Applicata del Castello Sforzesco.
L’apertura del nuovo spazio si inserisce all’interno di “Just a Look”, programma di iniziative promosse dall’Assessorato alla Cultura del Comune di Milano in collaborazione con Louis Vuitton in occasione della settimana della moda milanese.

Si propongono 4 esposizioni dal 2 marzo al 2 maggio 2010, nonchè una selezione del patrimonio di dipinti e abiti storici dalle Civiche Raccolte Artistiche del Castello Sforzesco sarà protagonista della mostra dal titolo “Milano e lo stile di una città tra Settecento e Novecento”, promossa nobile, integrato e migliorato sotto il profilo espositivo.all’Assessorato alla Cultura e curata da “Memoria&Progetto” e allestita al piano nobile. Al piano terra sarà inaugurato da “The Thread of Dreams – Frette 2010 / 1860”, una vasta esposizione di collegamento tra il “passato” ed il “futuro” promossa dall’Assessorato alla Cultura e da Frette, in collaborazione con le Civiche Raccolte Storiche, le Civiche Raccolte Grafiche e Fotografiche, le Civiche Raccolte Artistiche, in occasione dei 150 anni di attività della Maison. Forse iE ancora, spazio a due accurate mostre: “Dettagli di moda. Gli anni Venti e Trenta nella collezione Mangiameli” e “La Collezione Tirelli. Costumi dell’atelier tra cinema e teatro", curata dal Premio Oscar Gabriella Pescucci, testimonianza di alta creatività, rinnovamento ed eccellenza unica al mondo.

“Vorrei sottolineare- continua Finazzer Flory – la gratuità a tutte le mostre allestite in questo spazio magico e misterioso dove, in occasione dell’inaugurazione, ho voluto mettere in scena, come in un teatro, tutti i cinque sensi, per offrire un’emozione completa e compiuta al visitatore-spettatore. Non solo immagine – conclude l’assessore alla Cultura - ma anche musica, profumi, un bicchiere di vino per stimolare il gusto e un “angolo” dove toccare gli oggetti che costituiranno il percorso estetico del museo”.

2010-02-21T11:46:00.000-08:00

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All'Atir la Cleopatràs di Testori. --> per tetarimilano.it

2010-02-21T11:27:00.000-08:00

Quando nel 2005 il Festival Teatrinmovimento di Bassano del Grappa chiese all’attrice Arianna Scommegna di partecipare con una lettura di Cleopatràs di Giovanni Testori, dimostrò subito una forte attrazione e un senso di appartenenza a quella materia, a quei corpi, a quella lingua così legata alla città di appartenenza, Milano. A quella forza che faceva della scrittura un qualcosa di feroce, impetuoso, scioccante. Lo scorso anno chiese a Gigi dall’Aglio se voleva accompagnarla in questo viaggio Testoriano, così ne nacque una collaborazione preziosa e creativa come lei stessa ha confermato durante un' intervista:

«Sono andata da Gigi Dall’Aglio, mio maestro alla Grassi, a chiedergli la regia. La parola di Testori è alta e difficile, ma anche sanguinolenta. Avevo bisogno di Gigi, lui riesce a dare corpo anche a lingue difficili». (A.S)

Cleopatràs è uno degli ultimi lavori di Arianna. Ha debuttato il primo settembre 2009 al festival L’ultima luna d’estate ad Olgiate Molgora nel Lecchese. È uno dei Tre lai, lamenti di morte scritti da Giovanni Testori e pubblicati postumi nel ‘94. Si tratta di tre lamenti di morte che altrettante figure femminili – Cleopatra e poi Erodiade (Erodiàs) e la Madonna (Mater Strangosciàs) – rivolgono al loro amato. Cleopatràs tocca tutti i tasti del rimpianto per la perduta ricchezza della vitalità e sono proprio gli elementi più concreti della vita ad ossessionare la mente allucinata della morente: i cibi, le bevande, i vestiti, le canzoni, le vacanze... l’attaccamento alla propria terra, a quel regno d’Egitto che nella riscrittura testoriana diventa uno spicchio di Lombardia tra i due rami del lago di Como.

Grandioso e travolgente il testo (pensare che Testori l’abbia scritto sul letto d’ospedale poco prima di morire, fa capire quante risorse la vita a volte riservi…) Grande anche lei, l’attrice sola in scena con il ragazzo-ragazza violoncellista (Chiara Torselli). Entra in scena con il grande abito “regale” color panna tutto lindo. La scenografia si compone di un trono ligneo, forse testimonianza della decadenza. Di un Antonio misto fra totem e giocattolo, utensili di scena. La recita ha inizio e mentre il testo insegue la geografia dell’alta Brianza testoriana, Arianna/Cleopatra-s traccia le strade e i paesi su se stessa, intingendo le mani nel verde, nel rosso e colandosi l’azzurro dei laghi. Strade e luoghi diventano una geografia sul corpo. Sino all’epicentro, Lasnigo, là dove tutto nasce.

In un gioco linguistico che sfrutta le capacità sonore e musicali di ogni fonema le parole divengono musica, giocano nevrotiche con le loro assonanze, entrano dentro confuse esattamente come confusa e nevrotica appare la bocca che le partorisce. E da qui il rapporto con la musica.

«Testori nel testo dice che Cleopatra parla ad un ragazzo intagliato nella lamiera. Noi volevamo rendere tutto carne. Abbiamo pensato che questa figura potesse unirsi a quella di un musicista, visto come elemento di attrazione sessuale o come angelo della morte». In scena Chiara Torselli accompagna al violoncello il lamento della Regina d’Egitto. Le arie pucciniane, inserite da Testori nella drammaturgia di Cleopatràs, si fondono nell’interpretazione di Dall’Aglio, con canzoni popolari lombarde. «Anche Testori ha mischiato pezzi di Antonio e Cleopatra di Shakespeare al dialetto milanese. Stessa operazione abbiamo fatto noi con la musica».

Non perdetela.

2010-02-16T03:21:00.000-08:00

2010-02-16T03:18:00.000-08:00

mi cerco e non mi ritrovo..

2010-02-16T02:44:00.000-08:00

Cerch-Io <---

2010-02-15T12:18:00.000-08:00

ROY LICHTENSTEIN: meditations on Art alla Triennale di Milano. ---> per coolhunteritaly.it

2010-02-15T12:13:00.000-08:00

Realizzata in collaborazione con The Roy Lichtenstein Foundation e prodotta dalla Triennale di Milano e da Alphaomega Art, in collaborazione con il Comune di Milano, l’esposizione include oltre cento opere, tele per lo più di grande formato, oltre a numerosi disegni, collages e sculture provenienti da prestigiose collezioni pubbliche e private internazionali, tra le quali, per citaren alcune, il Ludwig Museum di Colonia, il Whitney Museum e il Gugghenheim Museum di New York, il Moderner Kunst Museum di Vienna.La mostra, a cura di Gianni Mercurio, rimarrà alla Triennale di Milano fino al 30 maggio e, nel mese di luglio, sarà trasferita al Ludwig Museum di Colonia, dove rimarrà aperta al pubblico fino al 3 ottobre 2010.

Nei primi anni ’50, quando Jackson Pollock incarnava il sogno di un’arte americana che aveva estinto i suoi debiti con quella europea, Roy Lichtenstein dipingeva rivisitando iconografie medievali tratte da fonti celebri come l’arazzo di Bayeux e reinterpretava dipinti come Emigrant Train di William Ranney o Washington Crossing the Delaware di Emanuel Leutze. In questa fase della sua produzione Lichtenstein mescolava i linguaggi modernisti provenienti dall’Europa con i elementi della storia e della cultura americana: gli indiani e il Far West. Nel dicembre del 1952 ha la sua prima personale alla John Heller Gallery di NewYork. Alle pareti, oltre diversi autoritratti in stile cavalleresco che lo ritraevano nei panni di eroe leggendario, sedici dipinti ispirati al tema della frontiera si richiamavano a opere ottocentesche di genere western e ad autori come Frederic Remington e Charles Willson Peale.

Questi soggetti americani, trasposti in uno stile pittorico europeo, prevalentemente cubista, prefiguravano una strada inedita da sperimentare. 'Appropriarsi' di una pittura 'storica' e liberarla dalla partecipazione emotiva ha rappresentato nei decenni successivi una delle caratteristiche più pregnanti della poetica di Lichtenstein. Su questo immaginario che guardava alla storia dell’arte piuttosto che alla storia e alla natura, Lichtenstein impresse uno stile vagamente fumettistico e ironico. Nel periodo eroico della Pop Art, Lichtenstein definisce il proprio stile e linguaggio pittorico, e inizia una rivisitazione di opere celebri di artisti del passato più o meno recente. La rielaborazione di opere di Picasso, Matisse, Monet, Cézanne, Léger, Marc, Mondrian, Dalì, Carrà, è concepita come un modo per riportare (ridurre) la dimensione e della pittura a quella di “oggetto stampato” e commercializzato. L’affermazione che la Pop art si proponesse di essere un’arte che si rivolge al mondo sembra incarnata dal soggetto che Lichtenstein sceglie per il suo World’s Fair Mural: l’immagine fresca di un’icona popolare e contemporanea in cui chiunque può riconoscersi.

Potrebbe apparire paradossale che un’arte che si rivolge al mondo si sia espressa attraverso soggetti esclusivamente bidimensionali, ma Lichtenstein sa bene che l’estetica pop costituisce la sfida più attuale di quel momento storico, perché il realismo che riflette gli aspetti più autentici della cultura americana agli inizi degli anni ’60 è un realismo edificato sul potere seduttivo dell’icona pubblicitaria e commerciale, sul sogno a due dimensioni di una società che vede attraverso lenti di celluloide la proiezione delle proprie ambizioni. Il gusto per la citazione dell’opera non è un tratto comune alla Pop art, quanto piuttosto una caratteristica peculiare della poetica di Lichtenstein. Per gli altri artisti della sua generazione la citazione di opere altrui era perlopiù un fatto occasionale, limitato a episodi circoscritti. Sin dai primi anni sessanta, quando Warhol e Wesselmann, al pari diRauschenberg o Rivers, davano prova di considerare la storia dell’arte come una sorta di serbatoio di immagini “belle e pronte”, da utilizzare all’occorrenza, Lichtenstein ha mostrato di avere un approccio all’immagine di tipo minimalista: l’ha isolata e non l’ha messa in relazione con nient’altro che se stessa.

La mostra, divisa in sezioni, comprende opere realizzate dagli anni Cinquanta agli anni Novanta e ispirate al Cubismo, all’Espressionismo, al Futurismo, al Modernismo degli anni ’30, all’astrazione minimalista, all’Action Painting, e ai generi del paesaggio e della natura morta.