Con el encabezado que le he puesto a esta entrada creo que ya sabéis más o menos por dónde van a ir los tiros. Pero quizás no os imagináis hasta qué punto: Metal Gear Solid V ha sido el primer juego de la saga donde un servidor se ha planteado de forma muy seria el abandonarlo en mitad de la aventura y venderlo.
Lo comentaba con algunos amigos mientras iba jugando: si esto no fuera un Metal Gear lo hubiera mandado a la mierda a las 20 horas de juego.

A todas las sagas le llegan su momento. Ya pasó con Final Fantasy (mi saga favorita), también le sucedió a Silent Hill (mi segunda saga favorita), y ahora, muy a mi pesar, le llega el turno a Metal Gear (la tercera). Seguid leyendo y os cuento el por qué.

Metal Gear Solid V es el peor juego, con mucha diferencia, de toda la saga, y lo es por una única razón: es el enésimo intento de una compañía japonesa por adaptar un juego oriental al público occidental. O lo que es lo mismo; hacer un Metal Gear para la gente a la que nunca le han gustado los Metal Gear.
¿Qué consecuencias trae esto? Que lo que antes era el empeño de un equipo por contar una historia, aunque ello conllevara sacrificar jugabilidad, ahora es la obsesión por lograr que alguien que solo juega a Call of Duty no se aburra manejando a Snake. Aunque eso suponga pegarle una patada en la boca a todos los fans que, con nuestra fidelidad, hemos hecho que la saga Metal Gear esté donde esté.

Antes de seguir, vamos a aclarar algo. Porque como ya es habitual en estos casos, siempre hay un grupo de gente que intenta manipular la verdad ironizando e interpretando la situación como mejor le conviene.
El problema de MGSV no es que haya pocas cinemáticas. De la misma forma que el problema de Final Fantasy XIII no fue que era muy lineal. ¿Lo pilláis?
Definitivamente la decisión de relegar todo el peso argumental a cintas de audio, en vez de mostrarlo en escenas, es un problema, pero no es eso lo que convierte a MGSV en un mal juego.

Lo que convierte a MGSV en un mal juego (y lo repito por tercera vez: mal juego) es su desastroso desarrollo.
Ese empeño por ofrecer libertad jugable efectivamente ha hecho que Metal Gear Solid V ya no sea una aventura lineal, pero a cambio de estropear por completo la experiencia de juego, de caer en constantes contradicciones jugables y argumentales o incluso perderte algunas de las escenas más importantes de la trama solo porque ¡sorpresa, quisimos hacerla opcional!

¿Y qué significa estropear la experiencia de juego? Algo tan simple como hacer una historia que se puede contar en 10 horas y alargarla para que el juego no acabe hasta las 50. ¿Y cómo se hace eso? Obligando al jugador a repetir una y otra vez la misma situación con distintos escenarios. “Rescata a un prisionero”, “elimina a un objetivo”, “recupera los planos de la base enemiga”. Esos tres tipos de situación, con alguna leve variante, es lo que tendremos que hacer una y otra vez durante 50 horas. Y ojo, estoy hablando únicamente de las misiones de historia, porque las secundarias son exactamente lo mismo pero con menor dificultad.
En serio, Kojima, ¿qué es esto?

Muy de vez en cuando, cada 3 o 4 misiones principales, la historia comienza a avanzar, aunque con cuentagotas, y siempre mediante cintas de escucha opcional, no vaya a ser que el cani del Call of Duty se aburra y saque el disco de la consola.
Es cierto que las primeras horas en MGSV son una experiencia increíble, porque jugablemente es lo mejor que han hecho nunca, pero cuando superas la barrera de las veinte horas, echas la vista atrás y ves que la historia no ha avanzado nada, y que has estado haciendo siempre lo mismo, empiezas a cabrearte. Esa situación comienza a hacerse cada vez más cuesta arriba cuando siguen pasando más y más horas, y siguen mandándote una y otra vez a hacer la misma misión.

El colmo de este despropósito llega cuando completamos el capítulo uno y vemos que para seguir avanzando en la historia, es decir; para que nos sigan saliendo misiones ‘importantes’ que hacen avanzar la trama, tenemos que hacer sí o sí misiones secundarias (o repetir algunas principales en dificultad extrema).
Dejando a un lado el chiste fácil sobre que existan misiones secundarias que son obligatorias, esta situación es lo que consigue quemar del todo al jugador. No solo hay que aguantar una batería de misiones ‘principales’ insulsas, llenas de paja y repetitivas, sino que además nos obligan a hacer cosas tan fascinantes como ‘captura a un oso pardo’ para que precisamente esas misiones ‘principales’ se desbloqueen.
En serio, Kojima, te lo vuelvo a preguntar, ¿qué es esto?

Como veis, no todo es tan simple como decir que hay pocas cinemáticas e ironizar en twitter sobre ello, que queda muy guay. El mismo juego, con las mismas pocas cinemáticas, condensado en 10-20 horas podría haber sido extraordinario. Incluso manteniendo toda esa inmensidad de misiones secundarias insulsas, solamente haciéndolas opcionales de verdad, sin obligar al jugador a pasar por ellas. Pero, como ya he dicho, el problema es que MGSV es un juego mal diseñado, mal estructurado y mal ejecutado.

Y es que no solo hay un problema estructural. A la hora de afrontar esas misiones también hay que fruncir el ceño.
Por culpa de esa sobrevalorada libertad, no son pocas las veces que tendremos que repetir tramos de 10-20 minutos porque el autoguardado funciona cuando le da la gana y donde le parece oportuno.
A la hora de asignar la valoración final de la misión también se ven cosas raras. Como recibir mayor puntuación yendo con el lanzagranadas que intentando hacerlo en sigilo, pero que a la vez te estén quitando puntos por haber matado a gente.
El criterio de valoración de lo bien o mal que lo has hecho es demasiado confuso, dando la sensación de que a veces se premia más el ir a lo loco que el hacerlo bien.
Soy consciente de que el rango S solo se obtiene en perfecto sigilo. Pero en una partida normal, sin buscar el perfeccionismo, sale casi siempre más rentable sacar el lanzamisiles. Y eso nunca debería ocurrir en un juego de infiltración.

Desconozco las razones por las que Kojima ha parido tal esperpento, pero viendo el capítulo inacabado que se ha filtrado por ahí, es muy posible que todo tenga que ver con las presiones de Konami por acortar el periodo de lanzamiento y el presupuesto.
Quién sabe, pero no creo que sea casualidad que Hideo Kojima y su equipo dejen Konami justo cuando hacen el peor Metal Gear de la saga. Es obvio que algo ha tenido que ocurrir.

Por suerte para los fans, y pese a todo, Kojima sigue siendo Kojima. Y eso quiere decir que cuando menos te lo esperas, en mitad de algo tan malo como MGSV, te encuentras con una de las mejores escenas jugables/argumentales que probablemente jamás se han hecho en la historia del medio (el episodio de la cuarentena; ya me contaréis). Escena al nivel de la tortura de Ocelot o el combate contra Psycho Mantis en MGS1, el hangar de MGS2, el combate contra The Sorrow o The Boss en MGS3, o la escena del pasillo en MGS4. Y fijaos qué casualidad, eso ocurre en uno de los poquísimos momentos donde todo es lineal y no hay apenas libertad jugable. ¡Qué sorpesa, quién lo iba a decir!

En cuanto a la historia, estamos también ante la más floja de la saga. Llegando por momentos a parecer que estamos ante el guión de un Resident Evil más que en el de un Metal Gear.
Y cuando digo que la historia es floja os estoy diciendo que hasta los Metal Gear Acid me parecían más interesantes que esto.
Lo gracioso es que, una vez más, Kojima sigue siendo Kojima, y el desenlace consigue ser una bofetada tan grande al jugador que probablemente nunca lo olvide. Una de las rupturas del cuarto muro más grandes, bestias, salvajes y desproporcionadas que se han hecho nunca en un videojuego.

No voy a spoilear nada, solo deciros que no hagáis caso a los grandes medios que decían que no hace falta jugar al resto de Metal Gear para disfrutar The Phanton Pain. No solo sí es necesario haberlos jugado a todos (incluso los de MSX), sino que es el único Metal Gear de la saga cuya historia afecta a todas las entregas, pasadas y futuras, y es imposible entender toda la magnitud de su significado sin haberse mamado el resto de juegos.

Lamentablemente dos genialidades aisladas no convierten 50 horas de tedio en un buen juego. Hay quien dice que Metal Gear tenía que innovar, que era necesario que evolucionara, pues llevaban mucho tiempo anclados en lo mismo.
Creo que se puede evolucionar sin tener que convertir algo tan grande como Metal Gear en un Far Cry descafeinado.
Seguramente alguno me recuerde que ya existían cosas como Revengeance. Pero con Revengeance todos sabíamos lo que había. Con Phantom Pain Kojima nos ha engañado, y es imposible no sentirse decepcionado por ello.

A diferencia del programa anterior, esta vez hemos tocado cosas de actualidad, como el reciente E3 o el último gran RPG de la temporada; The Witcher 3.
También dedicamos gran parte del podcast a hablar sobre la versión para Nintendo DS de Ni No Kuni y su extraordinaria traducción al español.

Una vez más, ¡disfruten y comenten!

Pinche aquí para ver el vídeo

–iTunes.
–Ivoox.

Antes de empezar a hablar de él hay que aclarar varias cosas. Lo primero y fundamental: Xenosaga no es Xenogears, de la misma forma que Lost Odyssey no es Final Fantasy. ¿Sabéis por dónde van los tiros? Quiero decir con esto que pese a compartir equipo de desarrollo, lo conseguido en Xenogears no se ha vuelto a repetir, al menos en este primer episodio que es el que analizo.

Apunta maneras, y es algo endiabladamente complejo, pero la sombra de ese gigante de PlayStation es demasiado alargada.

Dicho esto, sí hay que tener en cuenta que Xenosaga I no es otro JRPG más dentro del catálogo de PS2. Es un juego muy especial con unas ideas en su desarrollo totalmente alejadas de lo que estamos acostumbrados. Ya el subtítulo es toda una declaración de intenciones: Der Wille zur Macht. O lo que es lo mismo: Voluntad de poder. Xenosaga lleva como título, en cada una de sus entregas, una obra del filósofo Friedrich Nietzsche.
No es por casualidad, ya que precisamente esa idea que muestra Nietzsche en su reflexión es uno de los puntos dentro de la historia de Xenosaga.

Ante este panorama, como era de esperar, todo el peso de su desarrollo recae en el argumento. Xenosaga es una historia que se cuenta mediante las herramientas que un videojuego ofrece. Hay que tenerlo muy claro porque ya en sus primeras horas recibimos la primera bofetada: somos testigos de una secuencia de vídeo de 50 minutos de duración. Cuidado con esto. Como decía más arriba, toda una declaración de intenciones y una muestra esclarecedora de lo que nos vamos a encontrar durante nuestra aventura.
Aquí hay que leer muchísimo, muchos datos y conceptos bastante espesos que obligan al jugador a estar despierto y atento a todo lo que va viendo. Pues como ya se podía intuir, la historia no es precisamente sencilla de seguir. En parte porque, como ocurría en Xenogears, empezamos en mitad de un conflicto que ya lleva mucho tiempo desarrollándose.

Nos encontramos en un futuro muy lejano donde el ser humano se ha expandido por el universo formando colonias y habitando otros planetas de la galaxia.
Unos misteriosos seres conocidos como Gnosis están atacando estas colonias en busca de no se sabe muy bien qué, pero todo indica que está relacionado con el descubrimiento de un extraño artefacto conocido como Zohar, del que se dice fue el responsable de la desaparición de la tierra.
Este Zohar es uno de los puntos claves del argumento en Xenosaga, pues todo la trama gira en torno a él. Y es que aunque se conoce muy poco de su funcionamiento, al menos de cara al jugador, se sabe que tiene un inconmensurable poder y por ello todas las sociedades y gobiernos lo anhelan. Lo que acaba desembocando en conflictos a gran escala.
Mientras tenemos esta especie de guerra fría (y no tan fría) de fondo, la corporación más importante de la galaxia, Industrias Vector, trabaja en la construcción de un androide de batalla capaz de combatir a los Gnosis. Este androide con nombre en clave KOS-MOS (Kosmos Obey Strategical Multiple Operation Systems) se convierte en el único arma efectiva capaz de combatir contra estos seres.
En mitad de todo este fregado, ahora sí, tenemos a Shion Uzuki, la “protagonista” de la historia, una jovencísima ingeniera de 23 años responsable principal del diseño de KOS-MOS.

Una de las cosas que más llaman la atención cuando uno se pone a jugar a Xenosaga, y que probablemente ya os hayáis dado cuenta leyendo la introducción de la historia que os he narrado, es la aparente poca importancia de ese rol mal llamado ‘protagonista’. Sí, Shion es lo que comúnmente se le suele llamar protagonista, pero a diferencia de otros JRPG genéricos llenos de clichés, aquí este personaje es solo uno más. No es un elegido místico que debe luchar contra el mal, ni un héroe cuya fortaleza se sacan de la manga para hacer frente a una situación extraordinaria y nada creíble.
Shion Uzuki es solo una simple ingeniera que se ve envuelta en una conspiración de mil demonios. Tiene su obvia importancia dentro de la trama, pero es solo un actor más dentro de este inmenso teatro que es Xenosaga. Al menos, repito, lo que se puede ver en este primer episodio de la saga.

Xenogears era una historia de ciencia ficción que a veces se camuflaba en un entorno de fantasía. En Xenosaga nos encontramos ya directamente con un argumento 100% de ciencia ficción pura y dura. Y recalco lo de dura porque, como ya dije más arriba, no es fácil de seguir el hilo por la cantidad datos, conceptos y situaciones que se nos vienen encima desde el primer minuto.

El hecho de que ahora estemos ante una ciencia ficción más clásica conlleva que su desarrollo jugable también se vea afectado. Especialmente en todo lo relacionado a escenarios, ya que durante la inmensa mayoría de tiempo estaremos moviéndonos entre naves espaciales.
Hay gente que acusa al juego de ser muy repetitivo precisamente en ese aspecto. Y aunque puedan tener razón, hay que tener en cuenta que argumentalmente está todo más que justificado. Creo que no es un aspecto con el que haya que ser especialmente duro. Como ya he dicho anteriormente, en Xenosaga lo jugable está al servicio de lo argumental. Y obviamente si quieres contar esta historia tienes que sacrificar ciertos aspectos en su desarrollo.

Si hay algo que destaca por encima de todo en Xenosaga es la calidad de sus escenas de vídeo. Monolith le ha puesto un especial interés en ofrecer secuencias de vídeo que, aunque están hechas con el motor del juego en su mayoría, son de una altísima calidad, donde se apela sobre todo a la espectacularidad cinematográfica.
Para que os hagáis una idea, me ha recordado mucho a lo que se puede ver en la saga Metal Gear Solid. Estas escenas, de hecho, son prácticamente la única forma que Xenosaga tiene para contarnos la historia. Lo cual le da un plus de espectacularidad, ya que todas ellas están dobladas al inglés y, además, acompañadas de una banda sonora de infarto.
Hay realmente muy pocos diálogos ingame trascendentes para el argumento, y cuando lo que se va a contar es de importancia para la trama, siempre se da el salto a escena de vídeo.

Volviendo al tema del desarrollo. Xenosaga mantiene la estructura clásica de todo JRPG, con enfrentamientos no aleatorios, pero sí con combates por turnos.
Estos combates resultan ser una evolución de lo que se pudo ver en su día en Xenogears, donde cada tipo de ataque era asignado a un botón del mando, pudiendo hacer combinaciones más o menos efectivas según los enemigos con los que te enfrentas.
Es un sistema mucho más complejo, pero eso acaba desembocando en bastantes quebraderos de cabeza al jugador, lo cual en realidad, y según la persona, no tiene por qué ser algo malo.
Personalmente nunca en mi vida me había pasado lo que aquí: atrancarme en absolutamente todos los jefes del juego. Del primero al último. Y esto me pasaba porque tristemente estoy ya demasiado acostumbrado a juegos donde para ganar el combate no te tienes que preocupar más que en pulsar el botón de ataque y, si acaso, de vez en cuando lanzar alguna cura.

Con ese pensamiento en Xenosaga, ya digo, no pasas ni del primer boss. Ya no se trata solo de tener que subir niveles, que también. Aquí cada combate requiere una especial atención por parte del jugador. Todos los enemigos, y especialmente los jefes, siguen una mecánica concreta que has de saber contrarrestar si quieres tener un mínimo de opciones de salir victorioso.
Aparte de esto, también has de tener cuidado con el desarrollo de los personajes. El juego no se molesta demasiado en explicar el funcionamiento de la asignación de puntos en los atributos y habilidades de cada miembro del grupo, por lo que es de vital importancia pararse unas cuantas horas hasta comprenderlo en su totalidad si no queréis que os pase lo que a mí.
Hay un complejo sistema en la mejora de los personajes que no se limita solo a subir el nivel y ya está. Equipo, técnicas, habilidades, atributos, Mechas. Hay bastante chicha por descubrir en todo este sistema y desde luego no voy a cometer la locura de profundizar en ello aquí o esto se haría eterno.

Sí quiero hablaros un poco de la implementación de los mechas en los combates. Porque para quien venga de Xenogears se llevará la sorpresa de ver que esta vez te puedes subir y bajar de uno en mitad de la batalla.
Alguien seguro que estará pensando que eso pone en clara desventaja a los enemigos del juego, convirtiendo los combates en un paseo. Monolith tuvo esto en cuenta y para compensar esa desventaja añadió ciertas restricciones.
Lo primero: que para curar a los mechas (y solo mientras no estás combatiendo) necesitas unos objetos que no son precisamente baratos de comprar (especialmente porque el dinero escasea cosa mala). De un plumazo se aseguran que no abusas de ellos en combates normales.
Lo segundo, y más peliagudo, es que si mueres mientras vas subido a un mecha… no te pueden resucitar. Lo que obliga al jugador a pensárselo muy bien antes de utilizarlos contra un boss.
A causa de esto veréis que lo más común es no utilizarlos nunca, porque al final acaban dándote más preocupaciones que alegrías.
En mi experiencia puedo decir que los usé bastante, y que si no fuera por ellos me hubiera resultado imposible derrotar al boss final del juego.
Precisamente lo bueno de este sistema de combates es que tiene un gran abanico de posibilidades a la hora de afrontarlo. Es el jugador el que decide cómo actuar en él, y no al revés, como ocurre en muchos de los sistemas de combates por turnos.

Lo último que cabría señalar en cuanto al desarrollo del juego es que, como todo buen JRPG, contiene una gran cantidad de secretos y cosas opcionales que realizar (¡hay casino!). Se agradece bastante la inclusión de minijuegos para poder descansar de tanta seriedad. El ritmo de la acción aquí no deja lugar al respiro, estando pasando cosas constantemente, así que cada pequeño descanso que vamos encontrando es recibido con los brazos abiertos.
Por lo demás, existe un buen equilibrio entre mazmorras, historia y exploración. Y aunque es cierto que algunas de estas mazmorras se pueden hacer excesivamente pesadas, al final acaba siendo satisfactorio gracias a la mejor recompensa que el juego puede ofrecer cuando las completas: escenas de vídeo donde se profundiza en el argumento. Que, os recuerdo, es el pilar principal de Xenosaga.

Antes de terminar con el análisis quiero hacer una pequeña reflexión sobre las sensaciones finales que me ha dejado el juego tras completarlo.
Evidentemente me ha gustado muchísimo pero, viniendo de Xenogears, quizás me esperaba algo más.
El principal problema que acarrea este primer episodio de Xenosaga es que se nota muchísimo que forma parte de una trilogía, y que lo que vemos aquí es prácticamente una introducción de toda esa inmensidad de historia. Quiero decir con esto que durante todo el juego se plantean un buen puñado de incógnitas de las que solo unas pocas de ellas son resueltas. Por tanto, he aquí el dilema: ¿cómo valorar un juego cuya historia está inconclusa y de la que solo se desvela una pequeñísima parte de ella?
Da un poco de vértigo mirar desde cierta perspectiva todo esto y ver que con tantísimas líneas de diálogos solo nos encontramos en realidad ante el prólogo de la verdadera historia de Xenosaga. Es por ello que pese a tener muy infundadas sospechas de que probablemente se trate de una de las historias más grandes jamás contadas en el medio, hasta que no complete los siguientes capítulos no quiero pronunciarme acerca de su calidad.

Xenosaga es un videojuego con bastante complejidad, tanto en el aspecto jugable, que supone todo un reto, como en el argumental. Es esa la razón por la que me resulta muy complicado recomendarlo a todo el mundo sin antes conocer muy bien cuáles son sus gustos. Incluso gustándote los JRPG puede no ser de tu agrado, pese a su indiscutible calidad.
No todos los juegos son para todo tipo de jugadores, por muy bien hechos que estén. Y mientras que algunos de ellos se ambientan en Mundo Champiñón, otros cogen como base una reflexión de Nietzsche para desarrollarse, a la vez que sobrevuelan ideas de fondo que recuerdan a algunos relatos de Philip K. Dick. ¿Entendéis lo que quiero decir?

Xenosaga no es solo diversión, no es solo un videojuego. Hay algo más. Y no todo el mundo está dispuesto a asumir que un videojuego pueda ser algo más.
Mi opinión sobre este tema ya la conocéis, así que inevitablemente he quedado prendado de él, con unas ganas terribles de saber cómo continúa todo. Así que espero que nos veamos pronto en el análisis del episodio dos.

Siempre he tenido una extraña unión con ese país, y lo increíble es que no lo descubrí hasta hace relativamente poco tiempo. Cuando empecé a atar cabos y pude ver lo mucho que simpatizaba con algunas de las ideas y valores que aquel lugar transmitía.

Hace tiempo que la gente me está pidiendo que hable en Legend SK de cine. Hoy es el día. Voy a hablaros de una de mis películas favoritas de todos los tiempos: Encontré al Diablo.

Antes de nada, por supuesto, debo decir que no soy ningún especialista en cine. No os podría hablar de los valores de producción de ninguna película. Tampoco he estudiado arte dramático, ni siquiera he tenido interés nunca en ello.
Lo que quiero decir con esto es: si pretendéis que mi opinión aquí tenga algún tipo de valor objetivo, mejor que cerréis la web y visitéis a Carlos Boyero. A quien, por cierto, esta película le parece una aberración.

Mientras que cada vez hay más gente que consume cine, lee novelas, o juega a videojuegos pensando constantemente en las cosas que están mal en ellos, para luego poder despotricar por internet, sin disfrutar de la experiencia, yo me muevo más por las emociones. Por las cosas que me transmite.
Por poneros un ejemplo, no han sido pocas las veces que he valorado un videojuego muy por encima de lo que debería solo porque ciertos aspectos que para mí son determinantes, como la historia, consiguen solapar esos defectos.
¿De verdad una experiencia tan increíble como The Walking Dead (el videojuego) la vas a valorar mal porque “¡Eh, que realmente no hay tanta libertad y al rejugarlo veo que me han engañado!”. Chico, tú eres tonto.

Digo todo esto porque soy consciente de que I Saw the Devil no es una película que haga todo bien, que su duración es excesiva, que su argumento no es original. Pero, que me cuelguen si lo que he visto no ha conseguido emocionarme como ninguna de esas ‘películas objetivamente perfectas’ ha hecho nunca.

Kyung-chul, interpretado por el gran Choi Min-sik, es un asesino en serie que se dedica a engañar a jovencitas para matarlas y traficar con sus cuerpos (no especifico más; es bastante impactante cuando lo descubres viéndolo).
Un día elige a la víctima equivocada: la hija de un jefe de policía. Esposa de Kim Soo-hyeon, también agente de policía secreto. Éste queda profundamente afectado por el suceso, y especialmente por cómo se llevó a cabo, por lo que se promete a sí mismo, y a su esposa muerta, que le devolverá al asesino todo el daño causado… multiplicado por mil.

Hay algo que me encanta del cine coreano, lo primero es su visceralidad a la hora de narrar sucesos. Y segundo, lo mucho que les gusta explotar la temática de la venganza.

Sé que es moralmente reprobable, y puede que me gane algún que otro levantamiento de ceja, pero me gustan tanto las películas de venganzas porque simpatizo mucho con esa idea. No solo creo que el ojo por ojo no tiene nada de malo, sino que en ocasiones lo veo hasta necesario.

Encontré al Diablo es una película de venganza. Pero no es una más, en ella se puede ver una de las venganzas más bellas, impactantes y bien narradas que un servidor se haya encontrado en película alguna.
Es tan buena, en parte, porque el planteamiento y la ejecución de esa venganza no es nada típico. El protagonista considera que simplemente matando al asesino no le devuelve todo ese daño causado, por lo que decide torturarlo física y psicológicamente.
El problema es que nuestro desquiciado asesino no se queda con los brazos cruzados. Y no todo va a ser tan fácil para Kim Soo-hyeon.
El duelo interpretativo que se da entre estos dos actores es increíble. De esos que cuando coinciden ambos en la misma secuencia acabas aguantando un poco la respiración.

Una de las razones que hacen a esta película tan impactante es su violencia tan explícita. Al límite de lo que se podría considerar como gore.
Es cierto que muchas de las escenas quizás se podrían haber mostrado de distinta forma, y parece que solo están ahí para escandalizar. Pero yo creo que son el catalizador ideal para que el espectador visualice toda esa rabia y dolor que el protagonista siente.

También sirve para crear esa sensación de incomodidad moral en la mente del espectador. Intento explicarme: cuando uno ve por primera vez al protagonista de la historia torturar salvajemente al asesino, es imposible no sentir cierto alivio, al menos si tienes un mínimo de empatía. Es perfectamente normal (o eso espero) disfrutar viendo que alguien que ha hecho tanto daño ahora lo está pasando mal.
Pero ese maniqueísmo en el comportamiento de ambos personajes empieza a presentar ciertas ambigüedades conforme avanza la historia.
Kim Soo-hyeon parece no conformarse nunca, y su salvajismo a la hora de castigar al malo comienza a crear divisiones morales en la mente de los espectadores. ¿De verdad merece la pena convertirse en un monstruo para cazar a otro monstruo?

El título de Encontré al Diablo nunca deja claro, aunque se intuye, hacia quién va dirigido. ¿Es el protagonista quien encuentra al diablo? ¿O es precisamente el asesino quien encuentra al Diablo en nuestro protagonista?

Como digo, toda la película navega en una dualidad moral que hace al espectador reflexionar. Y aunque el mensaje que se deja al final termina siendo esclarecedor (y demoledor) sobre el posicionamiento de su director hacia este hecho, sigue siendo el espectador el que tiene la última palabra sobre si todo ese camino, toda esa venganza, merece la pena llevarse a cabo.

En definitiva, Encontré al diablo ha sido para mí una de las grandes sorpresas del ya por sí sorprendente cine coreano. Esta película, en mi ranking personal, es capaz de competir de tú a tú con obras maestras como Seven, otra de mis grandes favoritas.
Si os gustan los thrillers de asesinos en serie, creo que es obligatorio que la veáis.

Pinche aquí para ver el vídeo

Para terminar ya con esta primera incursión al cine en Legend SK debo deciros que, si me hacéis caso y la buscáis, por favor la veáis en su idioma original. El cine coreano doblado al español pierde bastante.

Y si os gusta, por favor, ¡comentad! No sé si haré más veces algo así en el blog. Todo depende de vuestras respuestas.

Era una página web que mostraba una especie de habitación luminosa donde se suponía que tenías que encontrar algo inusual en ella, pero solo si te fijabas muy bien en todos los detalles.

Cuando llevabas medio minuto observando la imagen, aparecía la cara de la niña del Exorcista a la vez que por los altavoces se escuchaba un molesto grito. Por supuesto, el susto que te pegabas era de campeonato.

Five Nights at Freddy’s es exactamente eso, pero pagando por ello. Forma parte de un subgénero llamado ‘screamers’. O como yo lo le llamo: terror mal hecho.

No me molestaría tanto que juegos así triunfen si no fuera porque después te encuentras comentarios como estos:

Unos de los mejores juegos de terror

Es el mejor juego de terror que he jugado en mi vida

El mejor juego de horror del mundo

Es el mejor juego que haya jugado

No he querido poner los comentarios donde la gente dice que la historia es buenísima, porque quiero terminar esta entrada sin cabrearme demasiado.

Este tipo de juegos, donde el único fin es asustarse de forma injustificada, es el plato perfecto para todos esos Youtubers que hacen entretenimiento basura, actuando y exagerando cada momento para atraer así a una mayoría de público preadolescente a la que le encanta ver a alguien pasarlo mal.

El peligro de la popularización de este tipo de juegos es que desgraciadamente vivimos en un mundo donde las modas son las que marcan la tendencia del medio y guían el sector hacia un camino u otro. No vale aquello de si no te gusta no lo compres, esa fue la frase que más me repitieron cuando hace bastantes años me quejaba por aquí de la estafa de los DLC, y todos sabemos cuál es la situación actual.
Tristemente los videojuegos ya no es preocupación de cuatro frikis, ahora juega hasta la abuela. Y precisamente esa abuela tiene más influencia en el medio que tú.
A alguien a quien no le guste el género, se la sudará. A mí, que lo amo, todo esto me sienta como una patada en el estómago.

Five Nights at Freddy’s, y todos los cientos de clones aparecidos tras su popularización, son juegos de usar y tirar cuyo valor como producto de entretemiento es nulo. Son basura; hez descompuesta cuya mecánica de ensayo-error es un insulto no ya solo a los que nos gusta el género de terror, sino a cualquier persona aficionada a los videojuegos.

Prueba fehaciente del valor que tienen estos productos, y en particular Five Nights at Freddy’s, es que en menos de un año de su lanzamiento se ha convertido en una saga de tres entregas. Con la cuarta ya anunciada.
No tengo nada que reprocharle a su creador, él sabe mejor que nadie la calidad tan nefasta que tienen sus juegos, y por eso está intentando exprimir la gallina lo máximo posible mientras el efecto hipnótico dure entre su público.

Pero, como decía más arriba, desde el punto de vista de alguien que ha crecido con Alone in the Dark, y después Silent Hill, que algo como Five Nights at Freddy’s se convierta en la tendencia a seguir es motivo para alarmarse. Más si cabe cuando el género no es que esté pasando precisamente por su mejor momento.

Hace poco hubo una oleada parecida a raíz del éxito de Amnesia. Con la diferencia de que ese juego sí era un producto de muchísima calidad hecho por un equipo que ya había demostrado manejarse de lujo en el género con su saga Penumbra.
La consecuencia de esa moda nos trajo cientos de clones malos de Amnesia, pero también alguno que otro brillante, como Outlast, hecho por gente que ya había participado en juegos de renombre en la industria.

En Five Nights at Freddy’s no hay nada que rescatar. No es posible que a partir de ahí nazca un juego que con esa base consiga hacer algo bien. La basura solo engendra basura. Y si la tendencia en el género va a ir por ahí, mejor saltar del barco a tiempo.

Hacer terror no es algo fácil. Y no hablo solamente en el ámbito de los videojuegos. Seguro que a muchos de vosotros os ha pasado estar viendo alguna película de género y reíros en alguna escena en la que se supone tendría que provocaros miedo. Es bastante humillante para un creador presenciar algo así. Y esto ocurre porque transmitir una emoción como esa es harto complicado.
Por ello es que muchas veces se abusa de la técnica bautizada por mí como ‘sustos palomiteros’. Es decir: poner frente a la cámara algo inesperado y subir el volumen para que el espectador/jugador se lleve el susto. Esto no tiene ningún mérito, pero usado adecuadamente puede complementar de forma estupenda un tipo u otro de atmósfera.

Volviendo a los videojuegos, los desarrolladores menos talentosos abusan de esta técnica para compensar su incapacidad de transmitir miedo mediante la psicología.
Siempre suelo poner el mismo ejemplo: Resident Evil, y su particular némesis; Silent Hill. La cara y la cruz de hacer terror. Mientras que el primero se basa casi exclusivamente en esos sustos palomiteros, el segundo consigue aterrorizar sin ningún tipo de trampa. Solo manipulando inteligentemente lo que el jugador ve y escucha a cada paso de su aventura.

Pongo a Resident Evil como ejemplo de terror mal hecho porque, tal y como está la situación, ese tipo de terror me parece gloria comparado con lo que tenemos hoy en día. Y no hablemos ya si lo comparamos con esa basura que protagoniza esta entrada: Five Nights at Freddy’s.

Pero, ¿cómo podemos pedirle a los desarrolladores que se curren un buen juego de terror si después nos encontramos con cosas como esta?

Como siempre, los medios haciendo correctamente su trabajo. ¡Qué vergüenza!

Teniendo en cuenta todo lo dicho más arriba, ¿alguien se sorprende de que Konami haya decidido cancelar Silent Hills y anunciar que se van a dedicar a hacer juegos para móviles?

Que cada uno ate cabos.

Quien haya escuchado el podcast del Templo lo sabrá, pero para quien no: compré Bloodborne el mismo día del lanzamiento, cosa que hago con muy poquísimos juegos. Y hasta hace unos cuantos días no me lo había terminado. Eso es sin duda síntoma de que las cosas no van muy bien.

El primer día jugué más de seis horas seguidas, los días siguientes fue bajando la frecuencia más y más. Hasta que, ya os imagináis, incluso me tiraba días sin probarlo. Voy a intentar explicar el por qué de este hecho.

Con Dark Souls me encontré ante un dilema importante: era mucho mejor juego que Demon’s Souls, pero porque básicamente era un plagio (con todas las letras) que mejoraba al original. Igualmente a la hora de valorarlo no me pareció tan grave: Es la misma compañía, por tanto aceptamos a Dark Souls como secuela espiritual y dejamos a un lado el tema de la originalidad. Era un juego enorme, y mejoró lo que ya había, que no era precisamente poca cosa.

Con Bloodborne la cosa cambia. Se repite la fórmula, pero ya lo que ofrece no es mejor que lo anterior. Por tanto tenemos a otro plagio que ya no solo no mejora a su antecesor, Dark Souls, ni siquiera al juego original: Demon’s Souls. ¿Es justo valorarlo de forma tan alta teniendo esto en cuenta?

Dios me libre de acusar a Bloodborne de ser mal juego, ni siquiera mediocre. Sigue siendo algo enorme, probablemente lo mejor que se ha lanzado en la actual generación. Pero ya os digo: la fórmula empieza a resentirse. Y lo hace, quizás, por culpa de los propios desarrolladores.
Inexplicablemente Bloodborne es un juego con muchísimos menos secretos que Dark Souls, con un arsenal de armas y armaduras ridículo, con una variedad de escenarios también inferior y con un sistema de desarrollo de personajes lamentable. Prácticamente no hay bifurcaciones a la hora de elegir qué tipo de cazador quieres ser, y eso bajo mi punto de vista es un grave error que mata gran parte del encanto de la saga.
También empeora el modo online, en el que un servidor se ha llegado a tirar 40 minutos esperando para poder jugar con alguien.
Y después, para rematar, tenemos los famosos y pesadísimos tiempos de carga, los cuales por suerte se han amenizado con el último parche.
¿Qué le ha pasado a From Software?
Ya sabéis que soy un férreo defensor de la dificultad tan elevada que siempre ha tenido esta saga. Pero esta vez en Bloodborne me he encontrado con algo que no me ha gustado nada: muertes injustas. No han sido pocas las veces que he muerto porque al intentar atacar a alguien la cámara ha hecho un extraño y le he pegado al aire, ocasionando un contraataque mortal. Y quiero hacer hincapié en el tema de “injusto”. Me he pasado Dark Souls con teclado y ratón, sé perfectamente cuándo una muerte es por culpa del jugador y cuándo por culpa del juego.
En Bloodborne, tristemente, a veces toca palmar porque el juego así lo quiere. Por suerte no es algo que ocurra tan frecuentemente. Si no es que directamente lo hubiera abandonado a la primera de cambio.

Pese a la cadena de despropósitos ya mencionada, hay cosas que sí mejora Bloodborne. El sistema de combates, por ejemplo, es una delicia, mucho más rápido, más difícil de dominar y con elementos diferenciadores como las armas de fuego, necesarias para dejar al enemigo atontolinado y poder rematarlo con tu arma base.
Esta vez, por fin, sí es algo diferente a lo visto en juegos anteriores, un leve cambio de fórmula que le viene a la saga como un soplo de aire fresco.
Repetir de forma idéntica tres veces el mismo sistema de Demon’s Souls hubiera sido un error.

Gráficamente esta vez no da vergüenza ajena, como sucedía con anteriores Souls, aunque eso nunca haya sido un problema.
Al principio me quejaba de que la variedad de los escenarios era escasa, sí, pero a cambio se compensa con un enfermizo detallismo y un diseño artístico, a mi parecer, muy superior a Dark Souls. Yharnam se respira muy diferente a todo. En algún sitio leí que mientras vas caminando por esa ciudad abandonada a su suerte parece que realmente vas oliendo a piedra mojada y sangre. Y no puede ser más cierto: la ambientación es espectacular, y eso es algo que no se puede negar.
En ese sentido el juego consiguió conquistarme al ser el que mejor respresenta la pesadilla Lovecraftiana, algo que también tenían anteriores títulos, pero no de forma tan descarada y perfecta. Es imposible no acordarse de La sombra sobre Innsmouth mientras paseas por Yharman.

Y hablando de Lovecraft, hay otro detalle más en el que Bloodborne destaca por encima de sus antecesores: el terror. Gran parte de la aventura parece que estamos en un juego del género.
Normalmente en la saga Souls vas siempre con miedo. Pero a la muerte. Porque en caso de encontrártela de frente perdías gran parte de un valioso progreso. Con Bloodborne también sucede eso, pero se suma el miedo al entorno por sí mismo. Susurros, pasos, golpes, Bloodborne tiene un alto contenido de terror psicológico, responsable de que el jugador lo pase realmente mal jugando. Es de los pocos juegos que han conseguido hacerme soltar algún grito. Cuidadín con eso.
Este es, bajo mi punto de vista, el detalle que lo hace escalar puestos en mi baremo particular y que consigue que me olvide levemente (solo levemente) de lo tedioso que me ha resultado completarlo por culpa de, ya digo, la tercera repetición de la fórmula de Demon’s Souls.

Al final, una vez completado, el sabor que me deja en la boca es agridulce. Mejora algunas cosas, pero en conjunto lo veo un paso por detrás de lo que ya había antes. Y eso es algo que From Software no se puede permitir teniendo en cuenta el alto nivel de reciclaje de ideas que contienen todos sus títulos. Dicho de otra forma: cualquier otra compañía, con cualquier otro juego, hubiera recibido muchísimos más palos por esto. Demos suerte que aún no le ha llegado el turno a esta saga. Aunque, si siguen por este camino, mucho me temo que acabará pasando.

Aún me queda por jugar a Dark Souls 2, que espero hacerlo en su port de PS4. Creo que ese será el detonante que me haga ver si realmente la fórmula se me ha atragantado, o es que directamente Bloodborne no ha sabido dar la talla.

De momento, antes de aventurarme, prefiero no hablar más de la cuenta.
Manténganse a la espera, no se olviden de cerrar sus puertas con llave al caer la noche, y por todo lo sagrado: no le abran a nadie.

Acepté sin pensármelo y el resultado es lo que vais a ver y escuchar más abajo.
En este programa hemos querido hablar de un JRPG de Dreamcast bastante desconocido para el gran público: Skies of Arcadia. Y, ya que estamos, le hemos dado un pequeño repaso a Final Fantasy XIV.

No es lo único que podréis escuchar, pero prefiero que lo descubráis por vosotros mismos. Es un podcast muy largo, unas cuatro horas de duración, pero teniendo en cuenta que cada capítulo es mensual, creo que incluso se puede llegar a hacer corto.

Tenéis varias formas de escucharlo. La mejor, en mi opinión, por Youtube con la increíble edición de Jin. Pero si queréis, también podéis descargarlo vía Ivoox o iTunes. Os dejaré los enlaces.

No me enrollo más. Bienvenidos al Templo de Bahamut:

Pinche aquí para ver el vídeo

–Ivoox.
–iTunes.

Si hay algo que esté mal, la culpa probablemente sea mía, que es mi primera vez. En caso de que todo os guste, el mérito es de mis compañeros.
Sean libres de comentar lo que quieran, tanto aquí como en el canal de Youtube. Propongan cosas, pregunten. Escuchamos siempre a la gente y aceptamos muchas de las propuestas.

Aprovecho para decir que tengo pensado escribir unas cuantas cosas en el blog. Incluido análisis de Skies of Arcadia y Bloodborne. Vamos a ver si poco a poco retomo el asunto…
¡Hasta más ver!

He querido recopilar en esta entrada algunos de ellos. Especialmente aquellos que son más visuales. Por ejemplo, hay cientos de referencias escritas que solo los más enfermos sabemos apreciar; nombres de NPC’s, localizaciones, misiones, músicas, etc. Esos no he querido tenerlos en cuenta, me he centrado en aquellos que no hace falta mucha explicación para comprenderlos. Y que con un simple pantallazo se ven claramente.

También he querido evitar cosas demasiado obvias que forman parte del universo de la saga y no creo que se le pudieran considerar guiños. Como los Chocobos, o enemigos clásicos como los Cactilios, Bomb, invocaciones como Ifrit, Shiva, Ramuh, etc.

Vamos a ello.

1. Guerreros de la luz.

Como en todo MMORPG, FFXIV contiene gran cantidad de seres invocables, llamados minions, que te pueden acompañar durante la aventura. Son simples adornos sin ninguna utilidad en combate.

Uno de esos minions es un guiño directo a los guerreros de la luz de las primeras entregas de la saga. Es un cristal que aleatoriamente invoca a un guerrero, un mago blanco o un mago negro.

2. Puntero.

El famoso puntero en forma de mano señalando también se encuentra en FFXIV como minion. Otro guiño a las entregas clásicas de la saga.

3. Cuerno de invocador.

Uno de los elementos característicos de los invocadores en varias entregas de la saga, y especialmente en FFIX, es el cuerno que les sale de la frente a las personas con este don.
El job de invocador de FFXIV posee equipamiento en la cabeza con adornos de cuernos, en clara alusión a ello.

4. Warrior of Light.

El famoso guerrero de la luz que vemos en la portada del primer Final Fantasy puede ser replicado en FFXIV consiguiendo todas las partes de su armadura. No es tarea fácil, sobre todo porque el casco solo se obtiene con la edición coleccionista. Pero ahí está la posibilidad.

A su vez, también está disponible una minion a su imagen.

5. Psicodemon.

Una las cosas más impresionantes de FFXIV es ver a monstruos clásicos de la saga replicados en el imponente motor gráfico de Square Enix.
Psicodemon fue uno de los monstruos característicos de la caverna de Marsh en el Final Fantasy I original. Y aquí vemos que tiene su respectiva versión.

6. Kraken.

El famoso boss Kraken de FFI también hace acto de presencia como boss final en FFXIV. Se puede encontrar en dos de las mazmorras High End del juego. Hullbreaker Isle y Sastasha Hard.

7. Magos negros.

Otro de los elementos diferenciadores de la saga son los magos negros y sus peculiares ropajes. FFXIV imita ese estilo ofreciendo un set de equipamiento que se asemeja mucho a lo visto en los FF clásicos y, como no, en FFIX.

8. Crystal Tower.

Una quest llamada Crystal Tower, formada por tres raids, está basada directamente en la Crystal Tower de Final Fantasy III. En esta serie de raids podemos encontrarnos un buen número de enemigos sacados directamente de esta entrega de la saga. Os pongo unos cuantos.

8.1 King Behemoth.

8.2 Scylla.

8.3 Glasya Labolas.

8.4 Xande.

8.5 Amon.

8.6 Cloud of Darkness.

9. Onion Knight.

Con la edición coleccionista del juego podías conseguir el famoso casco del Caballero Cebolla de Final Fantasy 3.

También, como pasaba con Warrior of Light, puedes conseguir su minion.

10. Dragoon.

El set de equipamiento básico del Dragoon está basado claramente en el mismo que se podía ver en el logo de Final Fantasy IV y que se usó en posteriores remakes para el personaje de Kain.

11. ADS.

El boss ADS de Final Fantasy IV, también llamado CPU, aparece en la serie de raids de Bahamut Coil y como montura tras conseguir cien victorias en PVP.

12. Gil Turtle.

Uno de los bosses opcionales de Final Fantasy V aparece en FFXIV como enemigo normal por la zona de Central Thanalan.

13. Catoplebas.

Este enemigo apareció en varios FF, pero el diseño original en el que se basó FFXIV pertenece a la versión de Final Fantasy V.

14. Gilgamesh.

Gilgamesh es otro de los enemigos recurrentes en la saga Final Fantasy. En FFXIV tiene un papel especial más allá de los simples guiños. Forma parte de una serie de misiones secundarias y, aparte, se puede luchar contra él en uno de los Trials.

15. Armadura Magitek.

Las armaduras Magitek forman una parte bastante importante en el argumento de Final Fantasy XIV.
Cuando nos pasamos parte de la historia principal se nos da como montura una de ellas.
Con el último parche, además, cada vez que nos montamos escuchamos la mítica Terra’s Theme de fondo.

16. Ultros y Typhon.

El dúo de bosses más carismático de FFVI también pueden ser derrotados en el coliseo de Final Fantasy XIV en uno de lo combates más peculiares de todo el juego.

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¡Atentos a la música!

17. Setzer Gabbiani.

Nuestro ludópata preferido de Final Fantasy VI puede ser replicado en Final Fantasy XIV gracias a la vestimenta que se puede conseguir como recompensa en Gold Saucer.

18. Gold Saucer.

El mítico Gold Saucer de Final Fantasy VII también se puede encontrar aquí con muchas de sus características originales.
Aunque no intenta ser una copia 1:1 del juego original, sí que es imposible no morir de nostalgia la primera vez que entramos y lo vemos en funcionamiento.

19. Carreas de chocobos.

Consecuencia directa de Gold Saucer es la implementación de las carreras de chocobos, igual que ocurría en Final Fantasy VII.
Esta vez es algo mucho más complejo, con subida de niveles, aprendizaje de habilidades y posibilidad de aparear chocobos para conseguir el ejemplar más veloz posible.

20. Vestimenta de Cloud.

Hace poco se anunció que a todo jugador que lleve un total de 720 días acumulados de suscripción se le regalará el set de equipamiento de Cloud Strife que se podía ver en Advent Children.

21. Costa del Sol.

Si ya de por sí la existencia de esta localización en Final Fantasy VII es bastante sorprendente, en FFXIV también podemos encontrarla.
Una vez más no se intenta la simple imitación, sino hacerle un descarado guiño.

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22. Materias.

El sistema de materias de Final Fantasy VII también está asentado en FFXIV. Funciona de forma parecida, engarzándolas al equipo, y proporcionan un aumento de los atributos secundarios del personaje.

23. Bar Seventh Heaven.

Igual que pasaba con Costa del Sol, el famoso bar de Final Fantasy VII también está presente aquí, sirviendo además como base de operaciones para algunas misiones del juego. Aunque esta vez el parecido visual es mucho más difuso.

24. Ultima Weapon.

Uno de los bosses principales de FFXIV está inspirado en la famosa Arma voladora de Final Fantasy VII.

25. Cait Sith.

Era muy obvio que algo como Cait Sith iba a estar disponible también como minion.

26. Demon Wall.

Este enemigo aparece también en varios juegos de la saga. Pero todo el mundo lo recordará por su aparición en Final Fantasy VII. Cerca del final del disco 1.

27. Triple Triad.

El divertidísimo minijuego de cartas de Final Fantasy VIII se implementó hace no mucho en FFXIV. El funcionamiento es exactamente igual, con reglas que van cambiando según la región donde te encuentres.

28. Tonberry King.

En las ruinas Centra de Final Fantasy VIII podías enfrentarte al Rey Tomberi para conseguir después su respectiva invocación. En FFXIV también hay unas ruinas llenas de Tomberis donde se pasea su rey.

29. Diablo.

Una de las primeras invocaciones que podías conseguir en FFFVIII aparece aquí como boss final en la mazmorra The Lost City of Amdapor.

30. Zell Dincht.

En el editor de personajes de FFXIV cualquiera puede ponerse el característico tatuaje de Zell.

31. Moguris mensajeros.

En Final Fantasy IX los Moguris eran los encargados del funcionamiento del servicio postal. En FFXIV han aprovechado eso para adaptarlo al envío de mensajes privados. Solo podemos enviarlos y leerlos acudiendo a los Moguris carteros de Eorzea.
Aparte, existe también un arco de misiones secundarias donde los Moguris carteros son los protagonistas, y nosotros debemos ayudarles en la entrega de cartas.

32. Estatua del Prima Vista.

La estatua de la sirena que se podía ver en el Prima Vista de Final Fantasy IX existe en el Aleport de Western La Noscea.

33. Cacerías.

El sistema de cazas de FFXIV mediante la aceptación de misiones por medio del tablón de anuncios está inspirado en el mismo sistema que se pudo ver en Final Fantasy XII.

34. Tomate perdido.

¿Os acordáis de la primera cacería de Final Fantasy XII? Esa en la que tenías que buscar a un tomate perdido… pues en FFXIV lo tenemos como minion.

35. Snow y Lightning.

Con motivo del primer aniversario del juego lanzaron un evento temático de Final Fantasy XIII donde se podía conseguir tanto la ropa de Lightning como la de Snow.

Lo que habéis visto en esta entrada es un pequeñísimo aperitivo de los guiños y referencias que podéis encontrar durante todo el juego. Pero no solo de la saga Final Fantasy, también de otros videojuegos, música, películas o libros. Podéis consultar una amplia lista desde este enlace, que es el que me ha servido de inspiración para hacer esto.

¡Nos vemos en Eorzea!

Este ha sido posiblemente el año en el que menos actividad ha habido en el blog desde que se creó. Y mucho me temo que el camino va a seguir siendo el mismo.

Ha habido más movimiento estos últimos días, pero su proximidad con el aniversario ha sido pura coincidencia. No esperéis que la cosa remonte.
Dije que solo iba a escribir cuando me sintiera con ganas. Así ha sido y así será.

Debo agradeceros a todos los que leéis esto que aún os sigáis pasando por aquí, incluso sabiendo lo poco activo que está el blog. Es bastante satisfactorio descubrir que os seguís interesando por las cosas que escribo.

No me enrollo más. Voy a intentar hacer una promesa electoral, más para mí mismo que para vosotros: antes del siguiente aniversario me gustaría escribir algo sobre FFIX. No sé el qué, ni cuándo, pero quiero que sea algo bonito y extenso. Tengo un año para pensarlo.

Tengo también pendiente, que no se me olvida, el análisis de Majora’s Mask. Pero entre esa droga llamada FFXIV y ahora Bloodborne, creo que la cosa va para largo. Pero lo haré.

¡Hasta el año que viene, y gracias por leerme!

Pero en un giro del destino inesperado, y gracias a la generosidad de un amigo que me prestó su cuenta, pude probar y completar el famoso Episode Duscae de Final Fantay XV.

Tengo sentimientos bastante encontrados con lo que he visto. Voy a intentar explicarlo sin dejarme nada atrás.

Primero vamos a la pregunta que todo el mundo se está haciendo: -Kefka, ¿te ha gustado? Sí y no. Me gusta más o menos lo que veo, pero no para un Final Fantasy.
Hay gente que dice que la esencia de la saga no está en los combates por turnos, sino en la innovación de cada entrega. Visto así, nos podrían hacer un Final Fantasy Evolution Soccer XV y nos tendríamos que quedar conformes, porque innovar han innovado.

Vamos a ver, el problema de este Final Fantasy XV no es que se hayan cargado hasta el último resquicio que le quedaba de esencia a la saga con ese sistema de combates, más cercano a un Kingdom Hearts que a cualquier otra entrega (que hasta Final Fantasy XIII conservaba). El problema es la falta alarmante de personalidad de Square Enix a la hora de dirigir el rumbo de su saga estrella.

Os recuerdo que Final Fantasy XV es un rediseño de un juego llamado Final Fantasy Versus XIII, cuyo tiempo de desarrollo ha atravesado ampliamente el lustro. Lo que quiero decir con esto es: ¿cómo de mal organizado tiene que estar todo lo relacionado con este juego para que haya sufrido todos estos cambios? ¿De verdad es confiable que vayan a hacer algo decente con tal cacao de idas y venidas en su desarrollo? Tengo serias dudas.

Centrándonos en la demo en sí, el Episode Duscae nos sitúa en un enorme terreno de vegetación que recuerda mucho a la estepa Archylte de FFXIII. Nuestro coche está averiado, y necesitamos 25.000 guiles para pagar la reparación del taller. El único método que encuentran nuestros protagonistas para recaudar el dinero es cazar a un Bégimo que suele frecuentar esta zona. Así pues, el objetivo de esta demo es simplemente completar tal cacería.
Todo ello sirve como excusa perfecta para introducirnos en lo que se supone serán los conceptos básicos de Final Fantasy XV.

Empezamos por los combates: Action RPG puro y duro. De los que tienes hasta un botón para esquivar. Habrá a quien le guste, pero a mí esto me parece un machacabotones de cuidado. El 99% de combates los he completado quemando el botón de ataque.
Se supone que tiene su profundidad, por ejemplo el sistema de armas es diferente a lo que suele tener el género; a nuestro protagonista le crecen las espadas de las manos cuando va a atacar (al estilo Tales of Hearts R, habrá que ver cuál es la explicación argumental), y puede elegir entre varias disponibles dentro del propio combate. Cada una tiene su propia función y una habilidad característica asociada. Por ejemplo, la que yo más usaba era una que permitía hacer ataques que te recuperaban vida.

El sistema de PM también es algo totalmente nuevo. Cada vez que nos ponemos en guardia para esquivar un ataque, consumimos PM. Y lo mismo si utilizamos una habilidad.
Si el PM llega a cero, nuestro personaje acabará exhausto y no podrá defenderse de ningún ataque.

No sé si en el juego completo será distinto, pero en la demo solo podíamos manejar a un personaje, sin posibilidad alguna de decidir nada en el comportamiento de nuestros compañeros, que luchan siempre a su rollo. El resultado ante esta situación es el esperado: mueren cada dos por tres. Pero aquí Square Enix vuelve a hacer uno de sus experimentos extraños. Cuando a un personaje le baja la vida a cero, en vez de morir se queda deambulando por el escenario sin poder hacer nada mientras una segunda barra de vida va bajando poco a poco. Si otro personaje, o tú mismo, te acercas a él y le tocas la espalda (?) recupera esa vida.
Habrá que ver qué ocurre en el juego final, y si eso se traduce en una mecánica en la que es imposible morir.

En general el sistema de combates es divertido, pero tanto como lo pueda ser cualquier machacabotones que haya en el mercado. Y el único gran problema que le he encontrado es que la cámara es un sufrimiento constante. Al luchar en entornos completamente abiertos, y los enemigos poder moverse a su antojo, te encuentras con la incomodidad de tener que estar todo el rato girando la cámara para atacar. Eso o fijar un objetivo, que al final también va acompañado de esos problemas, puesto que al moverse el enemigo la cámara acaba moviéndose también, dándose unas situaciones bastante desesperante. Especialmente si peleas cerca de árboles o piedras grandes, donde directamente a veces no ves ni tu propio personaje.

En cuanto al desarrollo, si lo visto en la demo es representativo de la versión final, se pueden sacar unas cuantas conclusiones. Por ejemplo, que Final Fantasy XV va a ser un MMORPG offline. De hecho me ha recordado bastante a Final Fantasy XIV.
Es algo muy parecido, con misiones que te vas encontrando según vas explorando la zona, con la posibilidad de marcar la misión activa y que ésta te aparezca siempre como objetivo en el mapa, con esas largas caminatas entre fase y fase, con la inclusión del ciclo día y noche…
Este desarrollo por sí mismo no tiene por qué ser malo, puesto que lo verdaderamente importante es ver cómo compagina esa libertad jugable con la narración de la historia principal. Y eso en la demo no se puede apreciar. Pero todo me hace ver que se van a centrar demasiado en explotar esa “libertad” de juego y se van a olvidar de la historia, como ya hicieron en esa basura llamada Final Fantasy XIII-2.

El último aspecto a destacar en la demo es que técnicamente es lamentable. No sé a cuántos frames irá, pero no da en absoluto sensación de fluidez. Parece que va todo a trompicones, con tirones en muchos momentos. Y con demsiados bugs. Algunos graciosos como que aparezca vegetación de la nada. Otros bastante preocupantes como quedarte atrancado entre un árbol y una roca y tener que reiniciar la partida.

Además, para colmo, el aspecto gráfico ha sufrido un downgrade brutal con respecto al material enseñado al principio. Sigue siendo espectacular, pero se le ve demasiado las costuras.

Como conclusión final puedo decir que tenía muchísimas ganas de jugar a Final Fantasy XV. Y tras la demo esas ganas prácticamente han desaparecido. Ya no solo es que nos encontremos ante un juego que de Final Fantasy solo lleva el nombre. Es que también técnicamente es decepcionante. Quiero imaginar que es que estamos en una demo, y todos esos problemas de estabilidad se solucionarán en la versión final. Pero con Square Enix nunca se sabe.

Lo seguro es que Final Fantasy XV vuelve a ser una mezcla de ideas extrañas metidas en una coctelera. Lo que salga de ahí puede ser cualquier cosa.
Square Enix sigue en el rumbo de hacer JRPG para gente a la que no le gustan los JRPG. Final Fantasy para gente a la que no le gustan los Final Fantasy.
Ese, y solo ese, es el problema de por qué la saga ha ido cuesta abajo y sin frenos.

Con Final Fantasy XV se vuelve a repetir la historia.