El mundo de la música ha sido honrado por algunos músicos muy exitosos a lo largo de los años. Desde Kanye West hasta Rihanna, los músicos se ganan bien la vida con sus esfuerzos musicales, pero no todo proviene solo de la música. La mayoría de estos artistas tienen empresas comerciales exitosas que les dan mucho dinero.

Echemos un vistazo a los 10 músicos más ricos del mundo y su patrimonio neto. Si bien muchos incursionan en el mundo de los bienes raíces, algunos tienen sus propias empresas y productos de marca.

1. Kanye West – $6.6 mil millones

A pesar de sus conocidos problemas, el controvertido compositor vocal y de hip-hop sigue viendo su estatus de celebridad como un beneficio y siempre está ansioso por participar en proyectos relacionados con los negocios.

Tiene propiedades inmobiliarias, una empresa creativa y está vinculado a Gap. Su cartera de inversiones inmobiliarias tiene un valor de alrededor de $ 160 millones. GOOD Music, DONDA y KW Foods LLC están valoradas en alrededor de mil millones de dólares. Solo Yeezy generó más de $ 5 mil millones en ingresos para sus negocios.

2. Rihanna – $1.7 mil millones

Será mejor que tengas su dinero, porque Rihanna vale bastante. La cantante de 32 años se ha hecho un nombre no solo en la industria de la música sino también en el mundo de los negocios.

Ella tiene su propia línea de moda, línea de belleza y línea de lencería. Los tres negocios son inmensamente exitosos y han ayudado a Rihanna a amasar una fortuna de $1.7 mil millones.

3. Jay-Z – $ 1.4 mil millones

Uno de los raperos más conocidos del mundo, Shawn Carter, también conocido como Jay-Z, tiene un patrimonio neto de 1400 millones de dólares. No solo tiene su propio sello discográfico, Roc Nation, que es el hogar de músicos famosos, sino que también es dueño de Tidal.

No se detiene allí: Armand de Brignac y el coñac D’Ussé también están en su haber. Por último, ha realizado sabias inversiones en bienes raíces.

4. Paul McCartney – $ 1.3 mil millones

Ser parte de The Beatles tiene sus ventajas, solo pregúntale a Paul McCartney. El músico de 78 años tiene un patrimonio neto de 1.300 millones de dólares y es uno de los músicos más ricos del mundo.

Por lo general, gana $ 50-70 millones cuando está de gira y, si no está de gira, aún recibe regalías y tarifas de licencia de sus pistas, así como derechos de publicación de otros artistas en MPL Communications, su compañía editorial.

5. P. Diddy – $900 millones

P. Diddy, también conocido como «Puff Daddy», comenzó como DJ y luego se convirtió en rapero. En 1994 fundó Bad Boy Records y produjo algunos de los mayores éxitos de la historia del rap. Su patrimonio neto es de $ 900 millones y parece que todavía está recibiendo más.

Además de su éxito musical, también es un empresario de gran éxito. Es dueño de la compañía de ropa Sean John, que tiene ganancias anuales de $525 millones. También tiene una participación minoritaria en Ciroc, una empresa de bebidas alcohólicas.

6. Madonna – $850 millones

Esta chica material es la primera mujer en esta lista y tiene un valor de $ 850 millones. Madonna es conocida como la «Reina del Pop» y es una de las artistas musicales más vendidas de todos los tiempos. Durante su carrera de cuatro décadas, ha vendido más de 300 millones de álbumes en todo el mundo.

Además de ser un ícono de la música, Madonna también es una exitosa mujer de negocios. A lo largo de los años, se asoció con H&M y Dolce & Gabbana y lanzó su propia línea de moda llamada Material Girl. También tiene una línea de productos de belleza llamada MDNA Skin. De todas sus inversiones, su participación en bienes raíces es la más valiosa, con un valor estimado de $ 80 millones.

7. Celine Dion – $800 millones

La cantante canadiense está preparada de por vida con su patrimonio neto de $ 800 millones. Celine Dion ha estado en la industria de la música durante más de tres décadas y ha vendido más de 220 millones de álbumes en todo el mundo. Eso no es todo: también es una de las artistas de gira con mayor recaudación de todos los tiempos, ha realizado giras y ha vendido espectáculos en Las Vegas durante años.

Cuando no está de gira o grabando música nueva, Celine hace malabarismos con muchos negocios. Fundó la cadena de alimentos Nickels Restaurant y tiene una exitosa línea de moda, Celinununu. Además de sus proyectos comerciales, también es dueña de Les Productions Feeling Inc. y es la cara de los cosméticos L’Oréal.

8. Bono – $700 Millones

Este músico irlandés es mejor conocido como el líder de U2. El verdadero nombre de Bono es Paul David Hewson y tiene un patrimonio neto de $700 millones. No solo gana regalías por estar en una de las bandas de rock más populares del mundo, sino que también tiene muchas otras empresas comerciales.

Bono es cofundador de Elevation Partners, una firma de capital privado. También ha invertido en varias empresas, incluida Facebook.

9. Dolly Parton – $650 millones

¡Todos aman a Dolly! La nativa de Tennessee comenzó su carrera como cantautora en 1967 y ha lanzado éxitos como «Jolene», «I Will Always Love You» y «9 to 5» que la convirtieron en un ícono en la industria de la música country .

Obtiene un poco menos de $ 20 millones en regalías de canciones de Whitney Houston Alone. Lo que es más, es que ella tiene una carrera empresarial muy exitosa.

Dollywood es un parque temático que atrae a 3 millones de personas por año, establecido en asociación con Herschend Family Entertainment. También es propietaria de un sello discográfico Dolly Records y otros negocios. Con su riqueza, dona activamente a muchas organizaciones benéficas a través de su Fundación Dollywood.

10. Dr. Dre – $500 millones

Otro rapero que rompe el banco con su inmenso patrimonio neto es Dr. Dre. Es responsable de producir algunos de los mayores éxitos de la historia del hip hop, como «Nuthin’ but a ‘G’ Thang» y «California Love».

El hombre de 56 años tiene un patrimonio neto de $ 500 millones y la mayor parte provino de la venta de Beats Electronics a Apple por $ 3 mil millones. Fue uno de los cofundadores de la compañía y todavía gana regalías como productor de Apple Music. También fundó Aftermath Entertainment. Además, la cartera de bienes raíces de Dre tiene un valor impresionante de $ 80 millones.

Conclusión

Desde el rap hasta la música pop , estos músicos han hecho una fortuna en la industria. No solo han vendido millones de discos, sino que también se han aventurado en otros negocios, haciéndolos aún más ricos.

Lo que es aún más fascinante es que se espera que su patrimonio neto crezca aún más en los próximos años. Esta lista de los músicos más ricos es la prueba viviente de que el atractivo del dinero y la fama es innegable, pero lograrlo no es pan comido.

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En Irlanda, si arrojas una piedra en cualquier dirección, es probable que golpees a un cantante u otro músico. Irlanda está llena de cantantes increíbles en una variedad de géneros, por lo que es prácticamente imposible enumerar a los mejores, ¡pero al menos puedo nombrar algunos de los más famosos!

Bono, el líder de la banda de U2, es posiblemente el cantante irlandés más famoso de todos los tiempos. Sin embargo, no está solo: Enya, Sinéad O’Connor y Van Morrison también nacieron en Irlanda y se convirtieron en íconos musicales globales.

Cuando algunas personas piensan en la música irlandesa, a menudo piensan en la música celta , los actos folclóricos irlandeses y la gaita irlandesa . Pero Irlanda también nos ha dado algunos de los mejores cantantes de las últimas décadas. En esta lista, puedes encontrar a 20 de los cantantes más populares de Irlanda.

Descargo de responsabilidad estándar para que la gente no se dé por vencida: esta no es una lista definitiva y no está clasificada en orden de popularidad. Aunque sin duda, algunas personas seguirán dando a conocer que una persona en particular está en esta lista (es decir, el octavo cantante en la lista).

1. bono  

A menudo se cita a U2 como una de las mejores bandas de todos los tiempos (¡o al menos una de las más famosas!), y no tendrían ni la mitad del encanto si no fuera por su carismático líder. Más que un simple músico, el cantante principal de U2, Paul David Hewson, mejor conocido como Bono, es un activo activista y filántropo con más de 20 premios Grammy a su nombre.

Además de ser uno de los ejemplos más impresionantes de longevidad en la música rock , U2 fue pionero en el sonido Big Music, que combinaba influencias post-punk con un ambiente inspirado en himnos y listo para el estadio. Sus discos de los 80 a menudo se encuentran entre los mejores de la historia, particularmente si considera los discos seminales «War» y «The Joshua Tree».

Bono es uno de esos personajes más grandes que la vida cuya influencia no se puede describir solo en términos musicales. Recibió el título de caballero honorario en 2007, apoyó y presionó a favor de muchas causas humanitarias y administró una firma de capital privado valorada en 1900 millones de dólares. Es fácilmente uno de los irlandeses más famosos que jamás haya existido.

Sin embargo, los irlandeses tienden a tener opiniones bastante encontradas sobre Bono por una variedad de razones, que generalmente es objeto de mucha confusión para cualquiera que no sea de Irlanda (lea más sobre eso aquí ). De hecho, a veces me encuentro defendiendo y criticando a Bono en la misma frase.

2. Enia  

La música celta tradicional todavía tiene un lugar en la sociedad moderna, pero ¿es todo gracias a Enya? Este nativo de Gweedore, condado de Donegal, reinventó sin ayuda el sonido de la música celta al combinarlo con influencias tan dispares como la música new age, pop y clásica.

Como resultado, Enya se convirtió en uno de los músicos irlandeses con más ventas de todos los tiempos y obtuvo cuatro premios Grammy. También fue nominada a un Premio de la Academia por la canción “ May It Be ”, incluida en la banda sonora de “El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo”.

Una cantante mezzosoprano extremadamente talentosa que depende en gran medida de grandes arreglos clásicos y teclados eléctricos, Enya es conocida por hacer música que suena relajante y grandiosa a la vez. Al igual que los sonidos de la tradición gaélica irlandesa, la música de Enya es la banda sonora perfecta para la naturaleza y uno de los tesoros culturales más valiosos de Irlanda.

3. Hozier  

¿Recuerdas 2013? Uno de los aspectos más destacados del año fue el lanzamiento de “Take Me to Church”, la canción que convirtió al cantante irlandés Hozier en una sensación mundial. El éxito de Hozier fue inesperado, sí, pero inevitable. Desde que «Take Me to Church» comenzó a sonar en la radio, siguieron muchas baladas poderosas y llenas de reverberación, lo que demuestra la influencia de Hozier en la escena pop.

La popularidad sin igual de «Take Me to Church» fue difícil de seguir, pero Hozier siempre ha demostrado que no es un éxito de un solo éxito. Si bien sus siguientes canciones no encabezaron las listas, sus álbumes de estudio «Hozier» y «Wasteland, Baby!» ayudó a establecerlo como uno de los mejores cantautores del género Pop Soul.

Es posible que los oyentes ocasionales ya se hayan olvidado de Hozier, pero los verdaderos fanáticos de la música fueron lo suficientemente inteligentes como para quedarse y presenciar su desarrollo como artista. Hoy en día, no hay duda de que Hozier se encuentra entre los mejores cantantes de Irlanda, pero lo mejor es que todavía tiene mucho que dar.

4. Sinéad O’Connor

Era el año 1987. Fue entonces cuando un joven artista de Irlanda comenzó a hacer olas con un álbum debut ahora clásico titulado «The Lion and the Cobra». Era audaz y calva, intrépida y de ojos azules. Combinando letras frágiles y elocuentes con una actitud art-pop inventiva, Sinéad O’Connor estaba lista para gobernar el mundo.

El álbum debut de O’Connor sigue siendo el mejor, en gran parte debido a la combinación de influencias de rock alternativo, música gótica y folk celta en un solo paquete. Su mayor éxito, sin embargo, fue el seguimiento «No quiero lo que no tengo», que incluía la exitosa canción «Nothing Compares 2 U», que en realidad fue escrita por el difunto Prince. Sigue siendo una de las mejores canciones de principios de los 90.

Sinead O’Connor es otra cantante irlandesa con puntos de vista políticos y sociales muy fuertes, y nunca tuvo miedo de expresarlos. Se convirtió en una figura extremadamente polarizadora cuando rompió una foto del Papa en Saturday Night Live en 1992.

Todavía activa hoy, O’Connor se ha centrado en crear conciencia sobre los derechos de las mujeres y los ideales contra la guerra. Cambió su nombre a Shuhada’ Sadaqat en el 2018.

5. Van Morrison

Sir Van Morrison es un cantante de Irlanda del Norte, su influencia musical que lo abarca todo es tal que sería una pena dejarlo fuera de la lista. Lanzando discos desde 1967, este nativo de Belfast es uno de los máximos representantes mundiales del género musical Blue-Eyed Soul.

Morrison se hizo famoso por primera vez por su trabajo con la banda Them, pionera del rock and roll británico inspirado en el R&B de mediados de los 60. Sin embargo, sus mejores trabajos fueron los influyentes álbumes en solitario que lanzó entre finales de los 60 y principios de los 80. La cálida «Semanas astrales», la romántica «Danza de la luna» y la espiritual «Común» son tres de sus mejores.

Sus canciones a veces se denominan soul celta, pero la música de Morrison no pertenece a ningún lugar y es aclamada en todo el mundo. Si bien interpreta a la perfección el personaje del animador, Morrison es mejor conocido por explorar temas profundamente trascendentales.

6. Dolores O’Riordan

Dolores O’Riordan lanzó dos álbumes de estudio en solitario, pero pasó la mayor parte de su carrera trabajando como cantante principal de la banda de rock irlandesa The Cranberries. Más que una simple banda de rock de Irlanda, The Cranberries eran inconfundiblemente irlandeses: después de todo, se hicieron famosos por combinar técnicas de canto tradicionales como lamentos y cantos tirolés con una actitud de rock alternativo directo.

Liderados por el acento de Limerick de O’Riordan, The Cranberries fueron la respuesta irlandesa a Nirvana en el auge del rock alternativo de principios de los 90 y encabezaron las listas con sencillos tan queridos como «Zombie», «Dreams» y «Salvation». Lamentablemente, O’Riordan terminó falleciendo en 2018 y se lamentó mucho en toda Irlanda.

La muerte de O’Riordan fue el final de The Cranberries, pero sus grabaciones vocales finales aún se incluyeron en el álbum póstumo «In the End», lanzado en 2019.

7. Gilbert O’Sullivan  

El nativo de Waterford, Gilbert O’Sullivan, comenzó a publicar discos a finales de los años 60 y no ha parado desde entonces. En su último álbum de estudio, «Driven», O’Sullivan aún cuenta con el típico estilo de música de rock suave que ayudó a convertirlo en uno de los cantautores más queridos de la Isla Esmeralda.

La música de O’Sullivan es perfecta para un día soleado y encarna los aspectos más optimistas de sus dos principales influencias musicales: Bob Dylan y The Beatles. También es conocido por su estilo de percusión al tocar el piano y sus letras de observación, claramente inspiradas en Paul McCartney.

Un profesional que siempre pone su música en primer lugar, O’Sullivan admitió una vez que se negó a salir en la cima de su carrera porque temía que eso dañaría su composición . Creo que esto resume completamente la dedicación de O’Sullivan a su arte.

8. Niall Horan 

Sería fácil para un snob de la música descartar a One Direction. Honestamente, definitivamente soy uno de esos snobs musicales. Ni siquiera quería agregar a Niall Horan a esta lista, pero por alguna razón seguí escribiendo. ..

Dicho esto, es uno de los cantantes irlandeses más famosos. One Direction fue una de las bandas de chicos más vendidas de todos los tiempos, también era un grupo de música con orientación comercial que se formó en un programa de telerrealidad.

Y, sin embargo, a los miembros anteriores de One Direction les está yendo bien, incluido el propio Niall Horan de Irlanda. El orgullo de Mullingar-Westmeath, Horan sorprendió al mundo cuando lanzó su álbum debut en solitario «Flicker» en 2017, y demostró estar en mejor forma con el seguimiento de 2020 «Heartbreak Weather». Si bien su música no se trata de reinventar la rueda, sus canciones son composiciones pop-rock finamente elaboradas, listas para la radio y maduras.

Te guste Horan o no, el hecho es que este joven de Irlanda se está haciendo un nombre incluso después de dejar One Direction.

9. Danny O’Donoghue

Es gracioso que Danny O’Donoghue sea mejor conocido por ser el cantante principal de The Script. Después de todo, su vida se lee como tal. Hijo de un músico irlandés, no quería trabajar en la industria de la música cuando era niño, pero terminó uniéndose a una banda de chicos llamada Mytown a mediados de los 90.

Después de encontrar un éxito relativo con Mytown, O’Donoghue siguió su sueño de hacerse famoso al mudarse a Los Ángeles y trabajar con gente como Britney Spears y Boyz II Men. Tomó lo que aprendió en Los Ángeles de regreso a Dublín a principios de la década de 2000 y formó la banda The Script, en última instancia, el boleto dorado a la fama y la fortuna que estaba buscando.

Con éxitos tan queridos como «Hall of Fame», «Superheroes» y «Breakeven», The Script se estableció rápidamente como uno de los actos de rock más populares de Irlanda. Ahora conocidos internacionalmente, ayudaron a poner el rock irlandés en el mapa una vez más e incluso le dieron a O’Donoughue un lugar en el programa de televisión The Voice UK.

10. Dermot Kennedy  

En la era de las redes sociales y el autotune , es refrescante encontrar a un músico con un talento tan natural como Dermot Kennedy. Este nativo de Rathcoole trabajó en su oficio cantando y tocando la guitarra en la calle, y eso aún se muestra en sus presentaciones en vivo. Es crudo y auténtico, pero también es un compositor maduro.

A pesar de que Kennedy solo ha lanzado dos álbumes de estudio, sus canciones populares suenan como si hubieran sido escritas por un músico que ha estado haciendo el trabajo durante mucho tiempo. Más o menos como el canto y la guitarra de Kennedy, su composición parece venir sin esfuerzo.

Kennedy una vez describió su música como un esfuerzo de combinar folk y hip-hop, y eso resume por qué sus melodías suenan tan familiares y tan refrescantes al mismo tiempo. Es sin duda uno de los talentos emergentes más prometedores de Irlanda en los últimos años.

11. Bob Geldof

Como cantante principal de la clásica banda de rock irlandesa The Boomtown Rats, Bob Geldof merece ser nombrado entre los 20 mejores cantantes irlandeses de todos los tiempos. Además de ayudar a los Boomtown Rats a inventar canciones tan clásicas como «I Don’t Like Mondays» y » Rat Trap «, Geldof también es un personaje único, conocido por su trabajo como activista político y actor.

Protagonizó la icónica película de 1982 “Pink Floyd – The Wall” y recibió el título de caballero honorario por su trabajo humanitario en África. Un encantador y provocador siempre joven, Geldof lanzó cinco álbumes de estudio desde mediados de los años 80, el último de los cuales se tituló sugerentemente «Cómo componer canciones populares que venderán».

Bob Geldof recibe opiniones mixtas similares de los irlandeses que Bono, lo que, de nuevo, tiende a ser bastante confuso para aquellos que no son de Irlanda.

12. Phil Lynott 

El difunto Phil Lynott nació en West Bromwich, Inglaterra, pero eligió Dublín, la ciudad natal de su madre, como punto de apoyo para trabajar. Fue allí donde fundó Thin Lizzy, una de las bandas irlandesas de rock pesado más influyentes de todos los tiempos.

Un bajista maravilloso y un compositor inteligente, Lynott se inspiró en Jimi Hendrix y Motown Records y fusionó el rock psicodélico y el soul para crear un sonido único. La mayoría de los álbumes de Thin Lizzy se consideran obras maestras, pero el seminal «Jailbreak» de 1976 a menudo aparece como uno de los mejores álbumes de Hard Rock jamás lanzados.

Tristemente, Thin Lizzy se separó a finales de los 70 y Lynott estaba un poco perdido sin sus compañeros de banda. Lanzó algunos discos en solitario y comenzó nuevos proyectos (incluido el grupo Grand Slam), pero finalmente sucumbió a una adicción severa a las sustancias. Falleció en 1986 a la trágicamente joven edad de 36 años.

13. Rory Gallagher  

Incluido entre los 60 mejores guitarristas de todos los tiempos por la revista Rolling Stone, Rory Gallagher fue posiblemente el mejor guitarrista de rock que jamás haya salido de la Isla Esmeralda. El orgullo de Cork, Irlanda, Gallagher vendió la friolera de 30 millones de discos antes de fallecer en 1995.

A menudo comparado con otros grandes de la guitarra como Eric Clapton y Brian May, la marca de Blues Rock de Gallagher le permitió tener éxito comercial y de crítica. Si bien algunas de sus canciones incluían voces, su música era esencialmente instrumental.

Hoy en día, Gallagher es una figura tan icónica en Irlanda que puedes encontrar una estatua de bronce de tamaño real del hombre en Ballyshannon, condado de Donegal, tocando un solo épico, por supuesto, en su firma Stratocaster. También aparece en sellos oficiales irlandeses.

14. Christy Moore  

La historia de cómo Christy Moore se convirtió en una de las cantantes irlandesas más queridas de todos los tiempos es digna de… bueno, ¡una canción de Christy Moore! Moore, ex empleado bancario, visitó Inglaterra durante una huelga de trabajadores de doce semanas y acabó familiarizándose con la escena popular local. Después de conocer a muchos compañeros músicos que amaban la música tradicional irlandesa tanto como él, Moore nunca volvió a trabajar en el banco.

Con los amigos que hizo en Inglaterra, Moore comenzó a construir una notable carrera musical, tanto como solista como miembro de grupos como Planxty y Moving Hearts. Purista, siempre arraigó sus composiciones en el folk tradicional irlandés de inspiración celta. Sin embargo, lo que lo distingue es su asombrosa habilidad para contar historias.

Después de lanzar música nueva incansablemente durante casi tres décadas, Moore redujo su carga de trabajo a finales de los 90. A pesar de que canta con humor al respecto en canciones como » Delirium Tremens «, su estado de salud en declive fue en muchos sentidos el resultado de su adicción al alcohol durante años. No obstante, todavía está activo hoy y lanzó el álbum «Flying Into Mystery» en 2021.

15. Imelda mayo  

Cuando alguien ve las palabras ‘rockabilly’ e ‘Irlanda’ en la misma oración, solo le viene a la mente un nombre: Imelda May. Nacida y criada en el barrio obrero de The Liberties, en Dublín, May amasó fama y fortuna dando nueva vida al género rockabilly.

Podría pensarse que limitar su producción al rockabilly es una de las debilidades de May. Eso no es cierto. A pesar de que esta auténtica rockera irlandesa siempre ha sido leal a su papel de revivalista, le ha dado un giro nuevo y moderno al género rockabilly con la ayuda de su enérgica y potente banda en vivo.

Además de hacer que el rock de los 50 vuelva a ser genial, May también se distingue por su presencia carismática en el escenario y su encanto imposible de resistir. ¡Una de las mejores reinas del rock de Irlanda!

16. María Doyle Kennedy  

¿Qué tan talentosa es Maria Doyle Kennedy? Bueno, es una de las cantantes más influyentes de Irlanda, ¡y la música ni siquiera es su ocupación número uno! Quizás mejor conocida por su trabajo como actriz, esta nativa de Clontarf, Dublín, ha lanzado 10 álbumes en solitario desde principios de la década de 2000 y trabajó como cantante principal del grupo de folk-rock The Black Velvet Band.

Aunque The Black Velvet Band fue lo que la motivó a trabajar en el mundo del espectáculo, desde entonces Kennedy ha estado más ocupada apareciendo en películas y programas de televisión tan populares como «The Commitments», «Downton Abbey», «Outlander» y «Dexter».

En la música, María está en su mejor momento cuando está acompañada por su esposo y ex compañero de banda de The Black Velvet Band, Kieran Kennedy. Casados ​​desde 1988, han dado la bienvenida al mundo a cuatro hijos.

17. Shane MacGowan  

De todos los géneros de música pop-rock inspirados en el folclore celta, se puede decir que el punk celta es el más divertido. Los mejores representantes del estilo son los legendarios The Pogues, liderados por el igualmente icónico Shane MacGowan. Rebelde y sin disculpas, es probablemente el cantante de punk irlandés más famoso que jamás haya existido, a pesar de que nació en Pembury, un pueblo de Kent, Inglaterra.

Si bien vale la pena mencionar el material en solitario de MacGowan (e incluye colaboraciones con grandes como Nick Cave y Sinéad O’Connor), la gran mayoría de su carrera la pasó con The Pogues. Sus discos de los 80 son muy aclamados, y «Rum Sodomy & the Lash» de 1985 figura como el disco de rock celta número uno de todos los tiempos en sitios web como RateYourMusic.

Una leyenda indiscutible del rock irlandés, MacGowan recibió el premio Lifetime Achievement Award del noveno presidente de Irlanda, Su Excelencia Michael D. Higgins, en 2018.

18. Lucas Kelly 

Ningún acto musical habla mejor de la nostalgia irlandesa que The Dubliners. Después de mudarse de Irlanda a Inglaterra en los años 60 y enamorarse de la escena del renacimiento del folk local, Luke Kelly decidió que era hora de volver a Dublín para llevar las buenas noticias a los irlandeses.

Junto con otros músicos irlandeses icónicos, Kelly fundó The Dubliners, que sigue siendo una de las bandas más influyentes que jamás haya salido de la Isla Esmeralda. Contrariamente a la opinión popular, el nombre del grupo se debe a un libro de James Joyce , no a la ciudad donde se creó.

Con su pelo y barba pelirrojos, su voz de bardo y sus letras cargadas de política, Kelly era inconfundiblemente irlandés y su música también. Falleció en 1984 después de años de luchar contra la adicción al alcohol. Se lanzaron dos álbumes solistas póstumos bajo su nombre: «Luke’s Legacy» y «The Performer».

19. Ronnie Drew  

Ronnie Drew, uno de los máximos caballeros de la música irlandesa, fue miembro fundador de los legendarios The Dubliners y cantó música folclórica tradicional irlandesa como pocos lo han hecho. Falleció en 2008, a la edad de 73 años, dejando atrás muchos de los queridos discos de los dublineses y álbumes en solitario/colaborativos.

Se necesita ser irlandés para comprender completamente cuán cerca de los corazones de uno pueden estar las canciones y las actuaciones de Drew. Sin embargo, la gama completa de su influencia es mejor comprendida por los oyentes no irlandeses en la canción tributo » The Ballad of Ronnie Drew «, que presenta a casi todos los artistas irlandeses significativos que existen, desde Bono y Sinéad O’Connor hasta Bob Geldof y Christy. moore

20. María Negra  

Sin restarle nada al talento de Enya, es una pena que Mary Black nunca llegara a alcanzar la misma fama internacional que su compatriota. Al igual que Enya, Black reinventó la música celta tradicional, brindándole un toque pop refrescante que está muy influenciado por la música clásica y otras formas de música folclórica.

Si Enya combinó música celta y New Age, Black hizo lo mismo con música celta y Adult Contemporary. El resultado es un sonido igualmente pacífico, inspirador y espiritual que le valió la admiración de casi todos en su país natal, pero que merecía llegar a más oyentes.

Si bien algunos de sus discos tuvieron mucha difusión en los Estados Unidos, a saber, «No Frontiers» de 1989, Black ha sido en su mayor parte uno de los secretos mejor guardados de la música irlandesa. ¡Un secreto que vale la pena desbloquear!

Conclusión

Irlanda es un país repleto de notables talentos musicales y uno de los estilos de música folclórica tradicional más fértiles de Europa, y sería un crimen desestimarlo. Ninguna colección de música estará completa sin los mejores artistas de la hermosa Isla Esmeralda.

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Si eres un amante de la música, sabes que los servicios de transmisión como Spotify hacen que escuchar música sea más fácil. Pero, ¿alguna vez te has preguntado cómo sería si tus hábitos de escucha de Spotify se convirtieran en un recibo? Hay una aplicación que hace precisamente eso: Receiptify convierte tus reproducciones de Spotify en un recibo.

Receiptify es una forma divertida de visualizar tu gusto musical. Si tiene curiosidad por ver cómo se ve su hábito de escuchar Spotify en un recibo, ¡siga leyendo!

¿Qué es Receiptificar?

Receiptify es una aplicación basada en la web que convierte tu hábito de escuchar Spotify en un recibo. Simplemente conecte su cuenta de Spotify y Receiptify generará un recibo personalizado, imprimible y descargable para sus hábitos de escucha.

Le muestra sus 10 mejores canciones, los nombres de los cantantes, la duración e incluso un código de barras para completar el aspecto del recibo. También puede encontrar su nombre y la fecha en el recibo para que sepa que es exclusivo para usted.

¿Cómo se utiliza Receptify?

Receiptify es extremadamente fácil de usar. Solo dirígete al sitio web de Receiptify y conecta tu cuenta de Spotify. Así es como se ve su página de inicio:

Después de iniciar sesión correctamente y aceptar los términos y condiciones, accederá a su recibo de Spotify personalizado. También tiene la opción de descargar la imagen si desea guardarla para sus registros o compartirla con sus amigos.

Aquí hay una foto de muestra de cómo se ve:

¿Cuáles son otras aplicaciones interesantes relacionadas con Spotify de terceros?

Si eres fanático de Spotify, probablemente hayas usado algunas de las muchas aplicaciones de terceros que funcionan con el popular servicio de transmisión de música. Aquí hay algunas aplicaciones más interesantes relacionadas con Spotify además de Receiptify que vale la pena revisar.

1. Oscurecer

La aplicación Obscurify te dará una pista de cuán único es tu gusto musical. Es de uso gratuito y los resultados siempre son emocionantes. Desde sus géneros principales hasta cuán único es su gusto musical, puede identificar qué hace que sus hábitos de escucha sean especiales.

2. Paisaje musical

MusicScape convierte su hábito de escuchar Spotify en un hermoso paisaje visualizado. Es una gran manera de ver tu música bajo una luz completamente nueva. Además, ¡podrías encontrar tu nuevo fondo de pantalla favorito!

3. Afinidad zodiacal

¿Alguna vez te has preguntado con qué canciones eres más compatible según tu signo zodiacal? Zodiac Affinity te dará la respuesta. Es una forma divertida de agregar un poco de magia a su experiencia de escuchar música.

4. Caleidosincronía

Kaleidosync convierte su experiencia de escuchar música en una experiencia visual. Con sus imágenes coloridas, es la manera perfecta de añadir algo de emoción a tu música.

Conclusión

¡Es divertido saber que hay una manera de convertir su hábito de escuchar Spotify en un recibo real! Receiptify es una gran herramienta que te permite hacer precisamente eso. Además, es de uso gratuito, por lo que no hay razón para no probarlo. También puede probar otras aplicaciones de terceros relacionadas con Spotify, como Obscurify o Zodiac Affinity, para descubrir algo nuevo.

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Cuando se trata de los mejores bateristas de todos los tiempos, es una tarea bastante difícil destacar solo a algunos. Hay innumerables bateristas que han dejado su huella en la industria de la música, con su velocidad del rayo, ritmos complejos, o por su gran influencia y marca en la música sola.

Acepté el desafío y compilé una lista de los 30 mejores bateristas de todos los tiempos. Esta lista incluye algunos de los bateristas más influyentes y tiene en cuenta sus habilidades, influencia y trabajo a lo largo de los años.

1. Juan Bonham

Un baterista que cambió la percusión del rock para siempre. Una leyenda. John “Bonzo” Bonham de Led Zeppelin es uno de los bateristas más influyentes del mundo. Es más conocido por sus trillizos, patada rápida y dinámica asombrosa.

John Bohnam no solo tenía una técnica increíble, sino que también era rápido con la batería. Sigue siendo una gran influencia e ídolo para muchos bateristas jóvenes que aspiran a convertirse en grandes bateristas. 

Bonham murió el 25 de septiembre de 1980, a la edad de 32 años, mientras se preparaba para una gira. Poco después, Led Zeppelin se disolvió. Pero es, sin duda, que su influencia se deja sentir en la música aún hoy.

2. amigo rico

Muchos fanáticos y músicos dicen que Bernard «Buddy» Rich es el mejor baterista de todos los tiempos. Buddy Rich fue un compositor, director de orquesta y uno de los bateristas más influyentes del mundo.

Su forma de tocar se componía principalmente de patrones súper complejos, improvisaciones y rellenos ultrarrápidos. Como baterista de jazz, influyó en muchos bateristas de rock y aún continúa haciéndolo. Si no estás familiarizado con su música, este solo de batería del concierto de las Américas te convencerá de su asombrosa técnica.

3. Neil Peart

Neil Peart es conocido principalmente por su notable forma de tocar la batería con la banda Rush. También es uno de los bateristas más técnicos y precisos de la historia del rock. Cuando ves a Neil Peart y su grandiosa batería de 360 ​​grados compuesta por más de 30 piezas, no puedes evitar preguntarte qué podría encontrar y qué se le ocurriría a continuación.

Su estilo de interpretación único tiene influencias de muchos géneros diferentes, como el reggae, el latín, el swing y el jazz. A menudo toca en firmas de tiempo impares, junto con sorprendentes rellenos de batería, su forma de tocar la batería es tan única y de gran importancia para muchos músicos.

4. Gavin Harrison

Gavin Harrison ha establecido una reputación como uno de los bateristas más emocionantes del mundo como miembro de The Pineapple Thief, Porcupine Tree y King Crimson. Es uno de los mejores bateristas progresivos modernos.

Gavin también ha lanzado dos libros instructivos de percusión titulados Rhythmic Perspectives y Rhythmic Illusions. Con una carrera activa de más de 40 años, Harrison no muestra signos de detenerse y consolidar su huella en la música.

5. Stewart Coland

The Police es sin duda la banda de reggae-rock más popular de la historia. El corazón del sonido y la sensación de The Police eran los ritmos jazzísticos de Copeland con una técnica de interpretación sincopada poco convencional.

Stewart Copeland mezcló constantemente acentos y adornos de estilo reggae con ritmos rocosos. También emplea con frecuencia sonidos de baquetas cruzadas y divisiones de toms melódicos.

Después de que la Policía se disolvió, Copeland estableció una carrera componiendo bandas sonoras para películas, televisión, ballets, óperas y juegos.

6. Keith Luna

Keith Moon, con su técnica de percusión disruptiva, impredecible y errática, es sin duda uno de los mejores bateristas de rock & roll de todos los tiempos. Con sus rellenos frenéticos, agitados y locos, es la fuerza impulsora detrás de The Who.

Fue uno de los primeros bateristas en usar bombos dobles en el escenario. Disfrutó experimentando con timbales y platillos, generando ritmos y rellenos inusuales mientras guiaba a la banda como un chef de orquesta.

7. Phil Collins

Phil Collins es uno de los bateristas y músicos más influyentes y famosos, con 150 millones de discos vendidos en todo el mundo. No solo dejó una huella en el mundo de la percusión sino también en el mundo de la música. Su exitosa carrera como solista, su carrera en Genesis así como su participación en Brand X son gemas para la música en su conjunto.

Phil Collins es conocido por sus increíbles tonos de batería, además de sus increíbles habilidades y técnica de batería. Fue uno de los primeros en adoptar la batería y los sonidos electrónicos. Usó el Roland CR-78 y el Roland TR-808 con Genesis, que revolucionaron los enfoques de producción de percusión.

8. panadero de jengibre

Ginger Baker es un baterista de rock que ayudó a redefinir el papel de la batería y se convirtió en una superestrella en el proceso. El Sr. Baker ganó la atención mundial por su enfoque refinado pero agresivo de la batería cuando se unió a la enormemente famosa banda británica Cream en 1966, junto con el guitarrista Eric Clapton y el bajista Jack Bruce.

Blind Faith es un segundo proyecto del que Ginger Baker formó parte junto a Steve Winwood y Eric Clapton. “Beware of Mr. Baker” es un documental estadounidense de 2012 sobre la leyenda que fue Ginger Baker.

9. Terry Bozzio

Terry Bozzio es un baterista increíble, conocido principalmente por ser el baterista de Frank Zappa durante los 70 y tocar con la banda de rock progresivo Missing Persons durante los 80. 

Ha establecido un enfoque distintivo de jazz y fusión mundial que eleva la batería de un simple ritmo de fondo a una fuerza impulsora creativa. Bozzio, en esencia, está haciendo añicos todas las suposiciones convencionales sobre la batería. Incluso ha inventado nuevos instrumentos como resultado de su técnica.

10. Clyde Stubblefield

Clyde Stubblefield, quien creó las bases del estilo de percusión funk, es conocido principalmente por tocar con James Brown. El estilo de interpretación creativo de Clyde influyó en muchos géneros, como R&B, hip-hop y jazz fusión.

Sus ritmos maravillosos y el uso creativo de la caja distinguen su estilo de interpretación. Stubblefield se convirtió en un baterista legendario debido a sus excelentes ritmos rodantes, chasquidos en la caja y uso vertiginoso del bombo. Sus ritmos son frecuentemente sampleados en el hip hop hoy en día.

11. Bill Bruford

Bill Bruford, conocido como uno de los mejores bateristas de rock progresivo, es un baterista y percusionista virtuoso que ha tocado con bandas de renombre como Yes, Genesis y King Crimson. Combina las características técnicas del jazz con la energía dinámica y explosiva del rock para crear el sonido de un “sabio del funk polimétrico”.

Con sus magistrales improvisaciones y excelentes pistas orquestales de batería progresiva, inspiró a muchos bateristas, como Danny Carey, Mike Portnoy y Chad Smith.

12. Dave Grohl

Dave Grohl, líder de Foo Fighters, es uno de los bateristas más influyentes de los 90. Antes de crear los Foo Fighters, Dave era baterista de Nirvana, donde ganó una inmensa popularidad y un estatus legendario por sus habilidades con la batería.

También tocó las introducciones de batería más icónicas y es una gran inspiración para muchos jóvenes bateristas. Aunque ahora rara vez toca la batería, sigue siendo uno de los bateristas de rock más icónicos.

13. Mitch Mitchell

John Graham «Mitch» Mitchell es conocido principalmente por su trabajo en Jimi Hendrix Experience. Es un baterista más de esta lista que ingresó al Salón de la Fama del Rock and Roll a principios de los 90.

La forma de tocar de Mitch Mitchell estaba influenciada por el jazz, era rápida y compleja. Disfrutó tocando varios maravillosos y complejos patrones rudimentarios al compás de las melodías y los riffs de la canción. Lamentablemente, falleció a la edad de 62 años en 2008, pero su legado sigue vivo.

14. Ringo Starr

Ringo Starr de The Beatles es uno de los bateristas más influyentes de todos los tiempos. Es un baterista increíblemente estable y altamente confiable con una técnica simple que popularizó el rock ‘n’ roll e influenció a muchos bateristas.

Con su enfoque simple, Ringo Starr es ampliamente considerado como un baterista pop. Para apreciar el genio de Ringo Starr, escuche las grabaciones de batería aisladas de canciones como Rain, donde se puede escuchar su interpretación de batería sutil, constante y confiable.

15. Tony Williams

Tony Williams se unió al quinteto de Miles Davis. Incluso en sus primeras actuaciones y grabaciones con Davis, Williams demostró que no solo había dominado el lenguaje de percusión de jazz de sus predecesores, sino que estaba listo para llevar la percusión de jazz al siguiente nivel.

Fue una gran influencia para muchos bateristas legendarios como Terry Bozzio, Bill Bruford, Billy Cobham, Vinnie Colaiuta, Dave Weckl y muchos más. Muchos músicos consideran a Williams el primer baterista de «fusión».

16. Danny Carey

Danny Carey de The Tool es uno de los mejores bateristas de rock progresivo de la actualidad. Tiene una técnica de percusión inusual centrada en la geometría, con patrones de percusión característicos polirrítmicos e inspiradores de asombro.

Danny estudió tabla, un instrumento de percusión indio, extensamente para mejorar la coordinación de las manos, así como varios rudimentos de batería con los pies para dominar el contrabajo y el hi-hat.

17. Charlie Watts

Charlie Watts fue el héroe desconocido detrás del éxito de The Rolling Stones, permaneciendo a menudo a la sombra de las luminarias Mick Jagger y Keith Richards. Sus extraordinarios ritmos de batería similares a látigos y su estilo de tocar elegante y preciso infundieron vida a la banda, lo que permitió a otros miembros un gran margen de maniobra.

Antes de los Rolling Stones, Charlie comenzó como baterista de jazz, lo que se puede ver en su estilo de tocar. Por lo general, no usaba el hi-hat cuando estaba tocando el tambor. Este método produjo un sonido de caja más aislado, similar a un látigo, lo que le dio a su sonido de batería un carácter distinto.

18. Dave Weckl

Dave Weckl es uno de los bateristas de jazz-fusión más exitosos. Es uno de los bateristas más técnicos que puede tocar sin esfuerzo y perfectamente cualquier género. Obtuvo fama principalmente por ser el líder de Dave Weckl Band.

Su estilo de interpretación se distingue por los ritmos infecciosos, las melodías memorables y las complicadas patadas sincopadas con un virtuosismo excepcional. Dave ha colaborado con muchos artistas diferentes, incluidos Paul Simon, Robert Plant de Led Zeppelin, Mike Stern y Madonna.

19. David Lombardo

Dave Lombardo es el baterista y cofundador de la banda de thrash metal Slayer. Es conocido por sus patrones de bajo de doble bombo ultrarrápidos. Es conocido como el “Padrino del Contrabajo”, y su estilo de tocar es agresivo y rápido, con ritmos pesados ​​de doble compás.

Una cosa que Dave dominó, aunque no muchos bateristas de metal lo han hecho, es mantener la dinámica sin dejar de ser un baterista agresivo y duro. Un hecho divertido sobre Dave Lombardo es que es zurdo pero toca con una batería para diestros.

20. Chad Smith

Chad Smith es el hombre detrás de las leyendas del funk-rock Red Hot Chili Peppers. Tiene un estilo de juego distintivo que se encuentra entre John Bonham y Clyde Stubblefield, a quienes Smith idolatra.

El estilo de interpretación de Smith se distingue por su uso de notas fantasma, ritmos de 4/4 contundentes y patrones de hi-hat de corcheas no rectas. Es sin duda uno de los bateristas más importantes de la historia de la música tardía, con sus ritmos funky y ásperos.

21. Bill Ward

Bill Ward de los titanes del heavy metal Black Sabbath fue un pionero de la percusión del heavy metal. Su estilo puede considerarse enérgico, dinámico, fuerte, orquestal y ruidoso. Ward descubrió que su forma de tocar estaba en su punto más alto cuando mostraba a los otros instrumentistas en las canciones centradas en riffs de guitarra de Sabbath.

Bill, junto con Bonzo, Ginger Baker, Mitch Mitchell y Keith Moon, ayudaron a definir la posición del baterista en una banda de rock moderna, con su enfoque centrado en la combinación ideal de sensación y técnica.

22. Alex Van Halen

Alex Van Halen, conocido por su dinámica y fuerte técnica de percusión, a veces se pasa por alto como músico a la sombra de su hermano, vocalista y guitarrista Eddie Van Halen. El tono cálido de la caja de Van Halen, junto con el tono cálido de la guitarra de Eddie, generaron el distintivo «sonido marrón».

Su uso de tom-toms y ritmos de swing agitados en canciones como Hot For Teacher es la partición legendaria que demuestra su talento. Estaba constantemente haciendo lo que la banda requería, ya fuera rápido o lento, con precisión y consistencia.

Cuando su mano se fracturó en cuatro lugares durante un concierto en 1984, colocó la baqueta en su mano y tocó con la misma precisión.

23. Mike Portnoy

Mike Portnoy es ampliamente considerado como uno de los mejores bateristas de rock progresivo de todos los tiempos, gracias en gran parte a su innovador trabajo con Dream Theater.

Muchos años después, después de Dream Theater, todavía se le considera uno de los bateristas más escandalosos y trabajadores de la escena actual. Ha grabado más de cincuenta álbumes y veinticinco videos, la mayoría de los cuales los hizo con Dream Theater.

24. Travis Barker

Travis Barker de Blink-182 es uno de los mejores bateristas punk. Con su enfoque estrafalario y su extraordinario manejo de las baquetas, elevó la percusión punk a un nuevo nivel. Durante los últimos 25 años, Travis ha sido uno de los bateristas más influyentes.

Travis es famoso por tocar rudimentos de marcha con acentos inusuales en el tambor que se ha convertido en el puente característico de Blink-182.

25. Tony Allen

Tony Allen, quien co-creó uno de los subgéneros más exquisitos de la música groove, Afrobeat, con la vocalista y activista Fela Kuti, merece un lugar en la lista de los mejores bateristas de funk de todos los tiempos.

Durante casi cuatro décadas, ha perfeccionado un estilo singular que revienta de vida, palpita con humor rítmico y envía al público al éxtasis de una fiesta de baile.

26. Sheila E.

Sheila E. es una baterista y percusionista de clase mundial, mejor conocida por ser la baterista de Prince. También colaboró ​​con algunos de los músicos más exitosos y aclamados de todos los tiempos, incluidos Marvin Gaye, Beyoncé, Herbie Hancock y Diana Ross.

Con más de 45 años en la industria de la música y un asombroso currículum como baterista, Sheila E. sigue siendo una fuerza impulsora en el mundo de la música.

27. Mel Taylor

Mel Taylor de The Venture es uno de los raros bateristas que se han hecho un nombre a través del trabajo duro y la dedicación para mejorar toda la industria de la música. Realizó giras y grabó con The Ventures de 1962 a 1996.

En el video enlazado arriba, puedes ver al genio jugando y al showman que solía ser Mel. La batería no era suficiente, así que decidió tocar el bajo con sus baquetas.

28. Jimmy Van Eaton

Jimmy (JM) Van Eaton actuó en muchas sesiones de Sun Records en Memphis, agregando ese toque adicional a muchas pistas. Su colaboración con Jerry Lee Lewis fue increíble; tocaron en perfecta sincopación.

A pesar de trabajar con una gran cantidad de artistas únicos, también fue miembro semipermanente de la famosa banda de Billy Lee Riley, The Little Green Men.

29. Taylor Hawkins

La actuación de Taylor Hawkins de Foo Fighter estuvo marcada por rellenos de batería magníficamente pulidos, versos aéreos basados ​​en golpes entrecortados y una sonrisa dentuda que nunca abandonó su rostro.

Hawkins trabajó anteriormente como baterista de gira para Alanis Morissette, así como para la banda experimental progresiva Sylvia y su propio proyecto en solitario, Taylor Hawkins And The Coattail Riders.

30. Ian Paice

El icónico baterista y cofundador de Deep Purple, Ian Paice, es uno de los músicos más asombrosos en la historia del rock, a pesar de no ser el baterista más técnico. Muchos bateristas de rock y metal fueron influenciados por su increíble velocidad y sus excelentes combinaciones de pies y manos.

La afirmación de que fue el jugador más rápido de su época puede corroborarse fácilmente con el video del solo de batería de Ian en The Mule. Ian Paice también tenía golpes únicos inigualables y un uso a la velocidad de la luz del pedal de un solo bombo.

Conclusión

Crear una lista como esta es un trabajo casi imposible. Muchos bateristas talentosos han dejado marcas significativas a lo largo de sus carreras musicales. Y definitivamente, cada músico tendrá su versión de este tipo de lista, pero no hay duda de que estos 30 bateristas son uno de los bateristas más influyentes de la industria.

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El bajo juega un papel crucial en la música, y algunos de los éxitos más memorables no serían lo mismo sin él. Esta lista incluye 15 bajistas que tomaron el instrumento por asalto.

Por supuesto, ninguna lista como esta puede ser absolutamente definitiva, pero tenga la seguridad de que todos los bajistas aquí merecen ser considerados entre los mejores.

1. Carol Kaye

La lista no puede comenzar sin mencionar a la gran Carol Kaye. Uno de los bajistas más prolíficos de la historia de la música, con una carrera de más de 50 años, Kaye es verdaderamente un pionero en lo que respecta a tocar el bajo.

Carol Kaye nació en Washington, en 1935. Nació en una familia de músicos desde el principio: su padre era músico de jazz. Desde temprana edad, se dedicó a la música y recibió su primera guitarra a la edad de 13 años. Primero se la conoció por seguir el camino de una guitarrista de jazz antes de cambiar al bajo en 1963.

Ha aparecido en más de 10,000 grabaciones, es autora de libros de tutoría de bajo, venerada como una de las mejores bajistas de sesión de todos los tiempos, podía crear una línea de bajo pegadiza en solo minutos. No es de extrañar que su nombre sea tan elogiado en el mundo del bajo, y por una buena razón.

2. Meshell Ndegeocello

Michelle Lynn Johnson o “Meshell Ndegeocello” es otra gran bajista. El músico nacido en Alemania incursiona en varios géneros, incluidos el jazz, el reggae, el soul, el funk y muchos más. No solo es una gran bajista, sino que también es una cantautora con muchas melodías en su haber.

Nacida en 1968 en Berlín, Alemania, Michelle también nació en una familia algo musical, su padre era saxofonista. Se mudó a los EE. UU. para seguir su carrera artística y, por supuesto, lo logró.

Su forma de tocar es funky, incorporando mucha técnica de slap que emite ese ambiente funk. Puedes escuchar su solo de bajo vinculado arriba y tratar de no mover demasiado la cabeza con la melodía pegadiza. Meshell Ndegeocello está ciertamente entre los grandes, siendo nominado para muchos premios Grammy y ganando uno también.

3. Esperanza Spalding

Esperanza Emily Spalding es una sangre joven en esta lista, pero aparece por una buena razón. Esta bajista ganadora de 5 premios Grammy asistió al Berklee College of Music, donde perfeccionó sus habilidades, al mismo tiempo que era autodidacta en el arte de la guitarra y el bajo.

Esperanza nació en 1984 en Portland, Oregón, y comenzó su viaje musical a una edad MUY temprana. Tocó el violín a la edad de 5 años y finalmente aprendió y cambió a la guitarra y el bajo. Siendo autodidacta, domina no solo el bajo y la guitarra, sino también el contrabajo y también es vocalista.

Rockeando el bajo sin trastes, su ritmo no tiene paralelo y puedes probarlo en el enlace de arriba. Además de ganar premios Grammy, también ganó un Boston Music Award y un Soul Train Music Award. No hace falta decir que Esperanza Spalding es una fuerza en el mundo del bajo femenino.

4. Ronda Smith

Rhonda Smith es otra bajista funky, mejor conocida por trabajar con Prince y Jeff Beck. Este bajista nacido en Canadá tuvo un comienzo temprano con la música, incursionando con instrumentos como la guitarra, el teclado e incluso un cuerno barítono, antes de finalmente decidirse por el bajo.

Estudió música de jazz en la Universidad McGill en Montreal para perfeccionar sus habilidades, lo que finalmente le valió el premio al «Mejor álbum de jazz contemporáneo». Conocida por su colaboración de 10 años con Prince, también trabajó con Chaka Khan, Beyoncé y muchos más artistas.

Sus habilidades con el bajo implican un conocimiento complejo de todo el jazz que se muestra en su pantalla vinculada arriba. Su sentimiento es perfecto y sus habilidades de improvisación ciertamente brillan cuando es el centro de atención. Verdaderamente, ella es una de las mejores en hacerlo.

5. Tal Wilkenfeld

Otra bajista joven pero muy consumada en esta lista es Tal Wilkenfeld. A pesar de ser joven, su repertorio musical abarca desde rock hasta folk e incluso música indie. Por no hablar de su profundo interés por la música jazz.

Tal nació en 1986 en Sídney, Australia, y ya se ha ganado el premio al «Jugador nuevo más emocionante del año» y el «Premio a la pistola joven». Todo esto tiene sentido cuando ves su historial de colaboración. Esto incluye a Prince, Toto, Jeff Beck, Keith Urban y muchos otros grandes artistas.

A pesar de haber estado en el juego solo durante 20 años, Tal Wilkenfeld es una bajista prolífica y su calma y conocimiento del bajo realmente brillan cuando escuchas uno de sus solos. El enlace de arriba es un verdadero testimonio de cómo toca el bajo con facilidad y eficiencia.

6. Tina Weymouth

Si alguna vez has oído hablar de los Talking Heads, probablemente ya sepas quién es Tina Weymouth. Es miembro del Salón de la Fama del Rock and Roll con una carrera de casi 50 años. Es una música estadounidense y miembro fundador de la popular banda.

Martina Michèle Weymouth nació en 1950, en Coronado, California. Su carrera musical comenzó a una edad muy temprana. Su enfoque minimalista para tocar el bajo surgió cuando la banda necesitaba un bajista, momento en el que comenzó a aprender a tocar el instrumento en ese momento.

No hace falta decir que, con un golpe del destino que colocó a Tina detrás de un bajo, ella ha estado detrás de algunas líneas de bajo memorables y bailables que son responsables de algunos de los mayores éxitos de Talking Heads.

7. Gail Ann Dorsey

Gail Ann Dorsey es probablemente más famosa por su larga carrera como bajista de David Bowie. No solo eso, sino que está asociada con muchos nombres famosos con los que ha grabado como Lenny Kravitz, Charlie Watts, Boy George y muchos más.

La nativa de Filadelfia, Pensilvania, nació en 1962 y comenzó su viaje musical con la guitarra a la temprana edad de 9 años. A la edad de 14 años, obtuvo su primer bajo, pero aún no había comenzado su viaje con el bajo. De hecho, era vocalista cuando comenzó su carrera, antes de pasar al modo de bajo completo con David Bowie.

Su estilo es funky con un poco de influencia rock con la influencia country y pop añadida también. Con más de 30 años en la industria de la música, es fácil ver por qué está en la lista.

8. Jengibre Pooley

Ginger Pooley es un nombre que probablemente reconozcas si alguna vez has sido fanático de The Smashing Pumpkins. Si bien es mayormente conocida por sus años con la banda, también es una artista solista con el nombre de Ginger Sling.

Ginger Reyes nació en Chicago, Illinois en 1977 y comenzó su viaje musical cuando aún estaba en la escuela secundaria. Con un sentido para escribir y tocar en diferentes bandas, eventualmente se convirtió en la nueva bajista de The Smashing Pumpkins en 2007.

Aunque su colaboración con la banda duró poco, ha tenido una buena cantidad de éxitos memorables con su enfoque sencillo y minimalista para tocar el bajo.

9. Kim Gordon

No solo bajista, sino también guitarrista y vocalista, Kim Gordon es probablemente más conocido como miembro de la banda Sonic Youth. Graduada del Otis College of Art and Design, siguió su carrera en Nueva York antes de formar la famosa banda en 1981.

Kim nació en Rochester, Nueva York en 1953 y tiene más de 40 años de experiencia en la industria de la música. Durante su carrera, ha lanzado más de 10 álbumes con varios grupos (incluso en solitario).

Con influencias de rock alternativo, experimental y punk-rock, encarna el enfoque minimalista y contundente de tocar el bajo. Todavía fuerte, es natural que sea una de las mejores bajistas femeninas.

10. Kira Rössler

Todos los fanáticos del hardcore-punk apreciarán la siguiente entrada en esta lista: Kira Roessler. El bajista de Black Flag ha tenido una carrera muy larga y también es un editor de diálogos ganador de un premio Emmy, algo que no se ve todos los días.

La nativa de New Haven nació en 1961 y comenzó a aprender a tocar el piano cuando tenía solo 6 años. Tocó durante 5 años y decidió dejarlo. Luego, solo 3 años después, tomó un bajo y encontró su pasión. Después de escucharla tocar, la banda Black Flag la invitó a reemplazar a un miembro fundador.

Su estilo de tocar es un atasco influenciado por el punk-rock de líneas de bajo contundentes y raíces de rock alternativo. Puedes escuchar su actuación y oler su forma de tocar.

11. Laura Kennedy

La fallecida bajista Laura Kennedy fue probablemente más conocida por su papel en la banda Bush Tetras. La banda estadounidense de post-punk logró un éxito moderado y tuvo algunos cambios de miembros a lo largo de los años.

Laura Kennedy tocó durante muchos años con la banda, siendo la base con un sonido de bajo apasionante hasta su trágico fallecimiento. La banda era muy respetada, incluso sin lograr el éxito general. Laura tuvo su parte justa que jugar en eso, sin lugar a dudas.

12. Enid Williams

Enid Williams es una música consumada con los dedos sumergidos en muchos aspectos de la industria de la música. Se sabe que el bajista de Girlschool realizó giras junto a Black Sabbath, Rush y Uriah Heep.

Enid comenzó a actuar a la temprana edad de 14 años y después de comenzar Girlschool, incluso realizaron una gira con Motorhead y lanzaron su álbum debut «Demolition». Después de todos esos años, en 2015, Girlschool se embarcó en una gira, una vez más con Motorhead.

Su estilo de tocar implica una gran cantidad de bajo potente, contundente y directo que funciona muy bien con su música.

13. Wanda Oritz

Wanda Ortiz o Steph Harris, como se la conoce, es la bajista de la banda tributo de mujeres: The Iron Maidens. Jugando con algunas bandas cuando era joven, más tarde se unió a la banda tributo y todavía se mantienen fuertes.

Wanda nació en Huntington Beach, California en 1968 y comenzó a tocar el bajo cuando solo tenía 9 años. ¡Su historia es un proyecto escolar que salió bien! Tomando el brillo del instrumento a una edad muy temprana, se embarcó en su viaje de bajo, aprendiendo el contrabajo y más tarde, el bajo eléctrico.

Su estilo de tocar, como puedes imaginar, implica mucho trabajo de dedos para las canciones de ritmo rápido que ella hace sin esfuerzo y construye una base sólida para embellecer todos los demás instrumentos.

14. Gail Greenwood

Gail Greenwood es nativa de Rhode Island, mejor conocida por tocar el bajo en Belly y L7. Originalmente tocaba el cuerno barítono, luego cambió a la guitarra antes de ser contratada para tocar el bajo en la banda Throwing Muses.

Se dedicó a la música a una edad temprana y ahora tiene una carrera activa sustancial de más de 40 años, sin signos de desaceleración. Su estilo es muy juguetón y su técnica es acertada. Es conocida por su electrizante presencia en el escenario y la energía que proyecta.

15. Abby Travis

Terminando esta lista está la bajista de gira Abby Travis. Con casi 40 años en la industria de la música, Travis se ha hecho un nombre como una exitosa bajista de gira.

Nacida en West Hartford, Connecticut en 1969, Abby Travis ha acumulado un gran currículum a lo largo de los años, siendo el bajista y, a menudo, el corista de muchos grupos. A pesar de todo esto, ha lanzado 4 álbumes en solitario propios.

Su estilo es bastante simple pero efectivo, toca sin esfuerzo y sus habilidades para el canto también son bastante buenas. No es de extrañar que figure como miembro de muchos grupos musicales activos y de gira.

Resumen

Desde Carol Kaye hasta Abby Travis, muchas bajistas han dejado su huella en la música a lo largo de los años. Si bien el bajo todavía se considera un instrumento dominado por hombres, estas mujeres discrepan cuando se trata de tocar habilidades, influencias y éxito.

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Los años 80 fueron una década asombrosa para la música, caracterizada por el auge del hair rock, la popularidad de la música metal, el surgimiento del post-punk y la democratización de la música pop impulsada por sintetizadores. Desde Depeche Mode hasta Metallica, las bandas de los 80 también han estado entre las mejores y más queridas.

En esta lista, puedes encontrar las 40 mejores bandas de los 80 que causaron el mayor impacto en el mundo de la música en ese momento.

40. Eurítmica

Popularizado por el éxito inolvidable » Sweet Dreams (Are Made of These) » y dirigido por la carismática Annie Lennox, el dúo londinense de synth-pop Eurythmics sonaba tan descaradamente a los 80 que se disolvió poéticamente en 1990.

Desde entonces, Eurythmics ha realizado algunas reapariciones para realizar giras en vivo y grabar dos nuevos álbumes, pero su producción principal se lanzó durante los años 80. Con la friolera de 75 millones de discos vendidos en todo el mundo, Eurythmics fue anunciado como uno de los miembros del Salón de la Fama del Rock and Roll de 2022.

39. Hermana retorcida

La banda de heavy metal de Nueva Jersey, Twisted Sister, capturó dos de las principales tendencias del rock de los 80: el uso de maquillaje y el antiautoritarismo, y las exageró hasta niveles casi caricaturescos. El resultado fue una serie de éxitos consecutivos que deberían ganarles un lugar en cualquier lista de las mejores bandas de los 80.

Dirigida por el extraño Dee Snider (que se vestía como un extravagante metalero del siglo XIX), Twisted Sister estuvo activa entre 1972 y 1989 antes de regresar en 1997 y disolverse definitivamente en 2016.

Sus hilarantes videos musicales de » I Wanna Rock » y » We’re Not Gonna Take It «, presentando al actor de «Animal House» Mark Metcalf como el estereotipo «adulto», continúan viviendo en la imaginación popular hoy en día.

38. Veneno

Mucho antes de que el reality show «Rock of Love» recibiera críticas decepcionantes , Poison era en realidad uno de los mejores representantes del glam rock en los Estados Unidos y vendió la impresionante cantidad de 50 millones de discos en todo el mundo.

Su apogeo llegó en el apogeo de la era del glamour: los años 80, por supuesto. Liderados por el símbolo sexual Bret Michaels, Poison estaban en su mejor momento con «Look What the Cat Dragged In», un álbum multiplatino con una portada que parece un anuncio de una peluquería para hombres .

Poison tuvo éxito durante toda la década de los 90 y sigue activo en la actualidad.

37. serpiente blanca

Antes de los 80 llegaron los 70, y fue en los 70 cuando el cantante de rock David Coverdale se hizo un nombre. Después de dejar Deep Purple, formó Whitesnake, un grupo aún activo que se encontraba entre los mejores actos de hard rock inglés que el mundo haya visto.

Aunque la música de Whitesnake gritaba más fuzz de los 70 que glam de los 80, tuvieron un gran éxito durante la década de los Yuppies y abrazaron el sonido típico del rock comercial de la época sin perder nunca su esencia.

Un verdadero fanático del rock debería amar cualquier álbum de Whitesnake, pero su séptimo disco (el homónimo «Whitesnake») es quizás el ejemplo más equilibrado de su arte.

36. La caída

Activos entre 1976 y 2018, la banda inglesa The Fall fue uno de los actos post-punk definitivos de los años 80, lo que, teniendo en cuenta la competencia, no fue poca cosa.

En la era del glam metal, tiene sentido que una banda como The Fall lograra atravesar las grietas y ganar seguidores de culto con su actitud autista, arreglos toscos, conciertos en lugares pequeños y una visión depresiva de la sociedad.

Si el glam se trata de tomar el rock de estadio clásico y hacerlo aún más grandioso, el post-punk, como se ve en la música de The Fall, se trata de crear un punk matizado sin perder la agresividad y el atractivo.

35. Escorpiones

Los Estados Unidos y el Reino Unido son el hogar de la mayoría de los grandes actos de hard rock de los años 80. Pero, con más de 100 millones de discos vendidos en todo el mundo, los todavía activos Scorpions son la fabulosa excepción alemana.

Scorpions ha existido, con numerosos cambios de formación, desde 1965, pero estuvo en su mejor momento durante la década que vio caer el muro de Berlín, un evento histórico importante que abordaron brillantemente en su balada » Wind of Change «.

El álbum de estudio más nuevo de los mejores rockeros de Alemania se lanzó en 2022 y se titula «Rock Believer». Podría decirse que lo mejor es el seminal «Blackout», lanzado en 1982.

34. Rata

Formada en San Diego, California, Ratt es considerada una de las bandas más influyentes que surgieron de la fértil escena hair metal de Los Ángeles en los años 80.

Dirigido por el cantante Stephen Pearcy (el único miembro fundador restante de Ratt), este grupo de música totalmente estadounidense todavía activo fue principalmente famoso durante la década del glamour y lanzó sencillos consecutivos que encabezaron las listas de éxitos antes de disolverse temporalmente en 1992.

Tenían un gran cabello, una gran presencia en el escenario, riffs pegadizos y más de un gancho de estadio memorable: ¿qué más necesitabas para triunfar en los años 80?

33. Lágrimas de miedo

Una de las grandes noticias musicales de 2022 fue el regreso del dúo de Somerset Tears for Fears, con el lanzamiento del disco “The Tipping Point”. Formado por los cantautores multiinstrumentistas Curt Smith y Roland Orzabal, Tears for Fears poseía el sonido New Wave de los años 80.

Duran Duran también podría estar aquí, pero Tears for Fears era más ordenado, con un sonido más moderno y más consistente que sus contrapartes de Birmingham. Su obra maestra de 1985, «Songs From the Big Chair», es uno de esos raros álbumes en los que cualquier canción suena como un sencillo y eso es tan refrescante hoy como lo fue cuando salió a la venta por primera vez.

32. Van Halen

Antes del fallecimiento de Eddie Van Halen , Van Halen era una de las bandas de hard rock más duraderas y exitosas del mundo. Activos desde los años 70, fueron un acto musical listo para el estadio que abarcó una década con muchos éxitos a su nombre y más de 80 millones de discos vendidos en todo el mundo.

En los años 80, el grupo de California estaba en su mejor momento, encabezando espectáculos con entradas agotadas y presentando algunas de las presentaciones en vivo más enérgicas que Estados Unidos haya visto jamás. Fieles al espíritu de la época, también vestían de forma extravagante y lucía magníficos peinados.

Van Halen lanzó seis álbumes de estudio en los años 80, incluidos los aclamados «Women and Childen First» y «1984».

31. Devo

Devo, a veces estilizados como DEV-O, fueron pioneros del estilo New Wave y una de las primeras bandas importantes de synth-pop del mundo. Sus pegadizos riffs de teclado con una sola mano y sus característicos sombreros rojos siguen siendo tan inequívocamente de los 80 como el calentador de piernas. Sin embargo, no se equivoquen: anteponiendo la sustancia al estilo, Devo sabía cómo hacer grandes canciones.

Aunque fue lanzado en 1978, el álbum debut seminal de Devo, “Q: Are We Not Men? R: ¡Somos Devo!” ayudó a impulsar su exitosa carrera en los años 80 y fue recibido con entusiasmo tanto por críticos como por fanáticos.

Antes de disolverse en 1991, esta banda de Akron, Ohio, se basó en letras satíricas, compases extraños y detalles electrónicos disonantes para diferenciarse de toda la música.

30. Mötley Crüe

Es triste que la vida amorosa del baterista Tommy Lee haya ocupado más titulares a lo largo de los años que la música de Mötley Crüe per se. Después de todo, este talentoso grupo de glam rock de Los Ángeles merece ser catalogado como uno de los mejores actos musicales de los años 80.

Totalmente envuelto en el espíritu del glamour de los 80, Mötley Crüe era conocido por su enfoque hedonista de la música y las presentaciones en vivo. Fueron populares a lo largo de los años 80, pero tuvieron que esperar hasta 1989 para conseguir su primer disco número uno: el amado “Dr. Sentirse bien.»

Anti-intelectual, sensorial y firmemente espectacular, la carrera de Mötley Crüe encarna muchos de los mejores rasgos del rock de los 80.

29. Modo Depeche

Como un presagio de lo que estaba por venir, la banda de música electrónica Depeche Mode se formó en 1980. Prácticamente imparables desde entonces, fueron pioneros del synth-pop clásico y la sonoridad New Wave de la década, pero lo hicieron a su manera peculiar. .

Con base en Essex, Depeche Mode sonaba (y sigue sonando) como ninguna otra banda en el mundo, combinando pegadizas melodías de teclado con inquietantes sonidos electrónicos, melodías profundas, ritmos bailables y toques de goticismo.

Describir su sonido como oscuro sería exacto, pero vago. Aunque Depeche Mode navega por el lado sombrío de la música pop (algunos de sus álbumes incluso están etiquetados como discos de ‘onda oscura’), no hay escasez de luz y humanidad en sus canciones contagiosas.

28. rubia

No quiero ser malo con el genio del guitarrista Chris Stein, pero ¿Blondie vendería 40 millones de discos en todo el mundo si no fuera por el encanto irresistible de su cantante Debbie Harry? Como uno de los máximos símbolos de belleza de los años 80, Harry fue la ‘it girl’ que llevó a Blondie a lo más alto de las listas.

Para ser justos, los dos mejores álbumes de Blondie, “Parallel Lines” y “Eat to the Beat”, fueron lanzados a finales de los 70. Sin embargo, su popularidad se mantuvo a lo largo de los años 80.

Teniendo en cuenta que eran lo más candente en la ciudad de Nueva York (que era el lugar candente para estar en la década de los yupis), la marca New Wave impulsada por el reggae de Blondie merece figurar en cualquier lista de música de los 80.

27. Hablar Hablar

Lo más loco del grupo londinense Talk Talk es que sonaban simultáneamente ochenteros y antiochenteros. Antes de disolverse en 1991, la banda de Mark Hollis, Lee Harris y Paul Webb escribieron algunos de los álbumes más influyentes de la década, incluido el inolvidable «Spirit of Eden».

Mientras que algunos describen a Talk Talk como una de las primeras bandas post-rock del mundo, el término Art Rock encaja mucho mejor con su sonido. Se basaron en gran medida en grandes atmósferas y matices tímbricos, pero también sabían cómo absorber la música que se estaba haciendo a su alrededor e incorporaron pegadizas líneas de sintetizador, ganchos listos para el estadio y apasionadas voces de barítono en su música.

Lejos de caer en el olvido, Talk Talk sigue siendo recordada como una de las mejores bandas de todos los tiempos a más de dos décadas de dejar la escena.

26. CA/CC

¿Estos chicos realmente necesitan una presentación? La banda que los australianos conocen como Akka Dakka ha sido uno de los grupos de rock más importantes del mundo desde finales de los 70.

En los años 80, eran casi tan grandes como lo son hoy, liderados brillantemente por el carismático “escolar” Angus Young. Lanzaron algunos de sus álbumes más importantes en ese entonces, comenzando con el seminal “Back in Black”.

«Back in Black», «For Those About to Rock (We Salute You)» y «You Shook Me All Night Long» son solo tres de sus muchos éxitos de los 80.

25. Aerosmith

Aerosmith de Steven Tyler y Joe Perry fue una de las mejores bandas de rock de los años 80, pero llegaron allí siguiendo las pautas clásicas del género: sexo, drogas y rock & roll. En la era del hair rock, las contagiosas presentaciones en vivo de Aerosmith conservaron la autenticidad que ya los había hecho famosos en los años 70.

Perry y el guitarrista Brad Whitford dejaron la banda a principios de los 80 debido a disputas internas, pero regresaron para una exitosa gira de regreso en 1984. Desde entonces, la banda de Boston se ha fortalecido e incluso consiguió una residencia de conciertos en Las Vegas en 2019. .

24. Duendecillos

Al igual que Aerosmith, Pixies también se fundó en Boston, Massachusetts. Los dos grupos de rock, sin embargo, no podrían ser más diferentes. En lugar de centrarse en un sonido de blues de la vieja escuela, Pixies tenía la vista puesta en el futuro desde el principio. Ayudaron a definir el futuro del indie al crear éxitos tintineantes como » Here Comes Your Man » y fueron pioneros en la sonoridad de rock alternativo más áspera que luego llegaría a la radio convencional a principios de los 90.

Inspirados en el surf rock de los 60 y sin miedo a probar los límites del volumen con sus álbumes de noise-pop 4AD, Pixies fue uno de los actos musicales más singulares de los 80 y merece estar entre las bandas estadounidenses alternativas más influyentes del siglo XX.

Pixies lanzó tres álbumes de estudio en la Década Yuppie y todos fueron grandes éxitos comerciales y críticos. El inconfundible «Doolittle», sin embargo, es por mucho su trabajo superior.

23. División de alegría

La banda de post-punk Joy Division se disolvió en 1980. Entonces, ¿qué están haciendo en esta lista? Bueno, Ian Curtis y compañía lanzaron el influyente álbum “Closer” en 1980 pero, sobre todo, idearon todos los arquetipos principales que caracterizarían al post-punk inglés de los años 80.

Fruto de una sociedad obrera inglesa deprimida que veía a su juventud enganchada al sonido del punk, Joy Division se formó poéticamente después de que dos de sus integrantes asistieran a un concierto de los Sex Pistols. El trágico suicidio de Curtis a la edad de 23 años condujo al final precoz del grupo, que luego dio paso al aún más influyente New Order.

22. Megadeth

El heavy metal es un término general que define a muchas de las mejores bandas de los 80, pero hay una clara diferencia entre glam metal y… ¿verdadero metal? Más preocupado por la velocidad de sus riffs que por la calidad de su maquillaje, Dave Mustaine fundó los favoritos del thrash metal Megadeth en 1983 y cambió el sonido del metal para siempre.

Con más de 38 millones de discos vendidos en todo el mundo, Megadeth sigue estando entre los favoritos del género e hizo algunos de sus mejores trabajos en los años 80. Su obra maestra del thrash de 1986 «Peace Sells… But Who’s Buying?» es quizás su mejor muestra de ese período.

21. prisa

Si bien es difícil negar que Estados Unidos es la capital mundial del hard rock, una de las mejores bandas en la historia del género nació en Toronto, Canadá. Antes de disolverse en 2018, Rush le mostró al mundo que hay más en Canadá que grandes alces y jarabe de arce.

Dirigido por el incansable Alex Lifeson, Rush llegó a la corriente principal en los años 70, pero mantuvo su popularidad durante los años 80. La consistencia es una de las razones por las que pueden ser considerados uno de los mejores grupos de hard rock jamás conocidos por el hombre.

Solo en la Década Yuppie, escribieron al menos cuatro álbumes de obras maestras de todos los tiempos: «Permanent Waves», «Moving Pictures», «Signals» y «Grace Under Pressure» (todos lanzados sucesivamente entre 1980 y 1984).

20. Los chicos de la tienda de mascotas

En la década de los grandes peinados, los alardes y la pirotecnia en el escenario, Neil Tennant y Chris Lowe aún lograron triunfar siendo los hombres más inteligentes del pop . Sus singles de synth-pop contagiosamente bailables los ayudaron a vender más de 50 millones de discos en todo el mundo y a convertirse en el dúo más exitoso en la historia de la música del Reino Unido según el Libro Guinness de los Récords.

Si bien Pet Shop Boys nunca ha dejado de lanzar música nueva desde 1981, es innegable que sus mejores trabajos llegaron en los años 80. Para una muestra de lo que este talentoso dúo londinense es capaz de hacer, recomendaría su álbum seminal de 1987 «Actually».

19. XTC

Si tuviste un amigo hipster durante los años 80, es muy probable que su banda favorita fuera XTC. El grupo Andry Partridge fue pionero en el sonido New Wave en los años 70 y lo combinó con múltiples influencias en la década siguiente para construir una de las discografías pop más consistentes del siglo XX.

Desde música electrónica y ska hasta proto-Britpop y música hardcore experimental, XTC lo hizo todo. Fueron amados por los críticos durante décadas, pero su pieza de resistencia siempre será el «Skylarking» infundido con psicodélicos.

18. Guns N’ Roses

La historia de Guns n’ Roses se lee como una ruina. Después de pasar 15 años haciendo una «obra maestra», Axl Rose y compañía vieron su álbum de 2008 «Chinese Democracy» rígido y muchos los consideraron ‘terminados’.

Pero antes de todo eso, el grupo que popularizó al guitarrista con sombrero Slash fue amado casi unánimemente por los fanáticos del rock, y se puede decir que los años 80 fueron su mejor década.

Aunque Guns n’ Roses tuvo un gran éxito en los 90, su momento más emocionante fue en los 80, cuando sacudieron el núcleo de la escena del rock con su increíble debut «Appetite for Destruction».

17. REM

Los autores de la canción más triste jamás lanzada , REM, fue una banda estadounidense de rock alternativo que dominó la imaginación de la escena indie durante la mayor parte de los años 80. Formados en Georgia en 1980, fueron uno de los primeros grandes grupos de rock en profundizar en el agujero negro de las emociones humanas, posiblemente inspirando a Nirvana y Radiohead.

Incluso es difícil calcular cuán influyente pudo haber sido el grupo de Michael Stipe para sus pares en la escena alternativa. Pero REM estaba lejos de ser un fenómeno de nicho. Antes de disolverse en 2011, vendieron la friolera de 85 millones de discos, atrayendo tanto al público general como a los snobs de la música hardcore.

16. BESO

Al igual que el musical «Cats» fue el símbolo del Broadway de los 80, KISS fue el estandarte de rock definitivo al que todas las demás bandas glam se vieron obligadas a jurar lealtad. Teniendo en cuenta que KISS ya era enorme en los 70, no es ridículo decir que, en cierto modo, predijeron o inventaron cómo se vería y sonaría la música rock de los 80.

Paul Stanley, Gene Simmons, Peter Criss y Ace Frehley estuvieron entre los primeros rockeros del mundo en darse cuenta de que el talento para el espectáculo era la mitad del juego. Su habilidad para dar un gran espectáculo les permitió vender más de 100 millones de discos en todo el mundo y convertirse en una de las bandas más reconocidas en la historia de la música rock.

15. La cura

A pesar del nombre, la música de The Cure se propagó como un virus y llegó desde Crawley, West Sussex al mundo. Los padres del rock gótico fueron liderados desde el principio por el carismático Robert Smith, el único miembro fundador sobreviviente de The Cure, y se encontraban entre las bandas más influyentes de los 80.

Incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 2019, The Cure redefinió la genialidad de los 80 y desafió muchos de los prejuicios inherentes de su sociedad con canciones tan memorables como » Boys Don’t Cry «. Elegir su mejor disco es una tarea casi imposible, pero el seminal «Desintegración» debería ser una apuesta segura.

14. Juventud sónica

Los chicos de Sonic Youth son los adolescentes que todos los adolescentes sueñan con ser. Thurston Moore, Lee Ranaldo y Kim Gordon, con un aspecto casi demasiado genial como para molestarse, estuvieron a la vanguardia del rock de la ciudad de Nueva York durante tres décadas e hicieron algunos de sus mejores trabajos en los 80.

Separados en 2011 como veteranos y auténticas leyendas, estos tres iconos del rock alternativo permanecieron juntos durante 30 años y produjeron una de las discografías independientes más influyentes que cualquier aficionado a la música pueda imaginar. Su obra maestra de 1988, “Daydream Nation”, presenta canciones tan emblemáticas como “ Candle ”, “ Silver Rocket ” y “ Teen Age Riot ”.

Por su ruidosa sonoridad anti-pop y su actitud despreocupada (casi prediciendo el Shoegaze de los 90), la música de Sonic Youth fue apodada No Wave en los 80.

13. Los Kennedy Muertos

Los más audaces provocadores de San Francisco, California, Dead Kennedys nunca tuvieron miedo de abordar los temas más controvertidos. Desde su nombre (una referencia a John F. Kennedy) hasta el alucinante “ California Uber Alles ” (haciéndose eco de la Alemania nazi), la banda de la incendiaria Jello Biafra era más que un grupo punk, era EL punk de los 80.

En una década en la que los riffs sencillos de los Ramones y los Sex Pistols tomaban formas nuevas y más extrañas bajo el apodo de post-punk, los Dead Kennedys tenían que demostrar que el punk (incluso sin el post) no estaba muerto. Hicieron su trabajo con total perfección.

12. Bon Jovi

Cerca de 9 millones de personas viven en Nueva Jersey. Sin embargo, es casi imposible encontrar uno que no esté orgulloso de provenir del mismo estado estadounidense que le dio Bon Jovi al mundo.

El orgullo de Sayreville, Nueva Jersey, Bon Jovi es otra banda fenomenal lista para el estadio, solo de guitarra, gritos de gancho y glam-rock de los años 80.

Y, sin embargo, el grupo de Jon Bon Jovi puede ser el mejor, al menos según las pautas de los 80. Sus canciones más famosas vivirán en tu cabeza durante meses, incluso si no quieres, y su contagiosidad puede ayudar a explicar por qué han vendido más de 130 millones de discos a lo largo de los años.

Para bien o para mal, Bon Jovi es como suena el rock multiplatino: no solo en los años 80, sino ahora mismo.

11. Nuevo orden

De las cenizas de la depresiva Joy Division nació un grupo de synth-pop/post-punk que encapsuló por completo el espíritu de los 80 y creó algunas de las mejores pistas de la década para discotecas.

De suicidas a bailarines, los ex miembros de Joy Division, Bernard Sumner y Peter Hook, demostraron que había más en su oficio que el carisma de Ian Curtis al lanzar cinco álbumes de estudio que cambiaron las reglas del juego en los años 80. ¿Lo mejor? Posiblemente la melancólica “Power, Corruption & Lies”.

New Order continuó empujando el sobre antes de disolverse en 1993. Desde entonces, hicieron dos reapariciones: la primera en 1998 y la segunda en 2011.

10. U2

El mundo era diferente en los años 80: por un lado, U2 no era (todavía) la banda de rock más grande del planeta. No fue sino hasta 1980 que Bono, The Edge y compañía se presentaron al mundo con su gran debut “Boy”, poniendo a Irlanda en el mapa del rock.

Si bien hoy es casi un cliché elogiar el trabajo de U2, su producción en los años 80 fue como un soplo de aire fresco en la escena del pop-rock, en gran parte debido a su innovadora combinación de post-punk y rock de estadio, un sonido que resume el década como ninguna otra.

9. reina

Otra banda que no necesita presentación, Queen es verdaderamente un fenómeno que abarca una década. Enorme en los años 70 y todavía grande cuando Freddie Mercury falleció a principios de los 90, este icónico grupo de Londres se encontraba naturalmente entre las mejores bandas de los 80.

Si nunca has cantado uno de los himnos de los estadios de los 80 de Queen, probablemente necesites salir más de casa. «Flash’s Theme», «I Want It All», «Under Pressure» y «Who Wants to Live Forever» son solo algunos de los éxitos que se les ocurrieron durante la Década Yuppie.

8. Judas Priest

A pesar de que los discos de los años 70 de las leyendas del heavy metal de Birmingham, Judas Priest, ya han sido universalmente reconocidos, fueron prácticamente ignorados en el momento de su lanzamiento. Fundada en 1969, la banda tuvo que esperar hasta principios de los años 80 para conseguir finalmente el reconocimiento que merecía.

El éxito comercial del icónico álbum de 1980 “British Steel” permitió a Judas Priest sumergirse de lleno en el panteón del metal, un lugar del que nunca han salido desde entonces.

Avance rápido hacia el futuro, y Judas Priest ha vendido más de 50 millones de discos (como se indica en su página de Wikipedia) y aproximadamente 1 billón de piezas de mercadería (como lo declaro yo mismo). En 2022, finalmente fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll.

7. Kraftwerk

¿Crees que la música moderna apesta ? Bueno, el grupo alemán altamente influyente Kraftwerk creó el futuro del pop , por lo que pueden tener algo que ver con eso. 

Cansados ​​de la fascinante repetitividad de sus discos Krautrock de principios de los 70, Kraftwerk cambió el mundo de la música para siempre al imaginar cómo debería sonar el robot pop. La música equivalente a una novela de ciencia ficción de Isaac Asimov, Kraftwerk fue lo más cercano que los años 80 llegaron a estar en el futuro.

Todavía activa y de gira, esta incansable banda de Düsseldorf cruzó todas las barreras de la música electrónica e introdujo al público mayoritario en los sonidos de equipos tan extraños, para el estándar de la época, como el Vocoder y el Minimoog. Se clasifican como una de las bandas más influyentes de todos los tiempos, y mucho menos de los años 80.

6. Cabezas parlantes

Cuando comienza una nueva década, los fanáticos de la música a menudo buscan pistas sobre lo que está por venir. En 1980, nadie necesitaba tener el poder deductivo de Sherlock Holmes para darse cuenta de que “Remain in Light”, de los Talking Heads, fue el disco definitorio de los 80.

Combinando New Wave y post-punk con una miríada de otras influencias (desde Afrobeat y Club hasta arreglos tipo Peter Gabriel), “Remain in Light” es un disco de otro mundo que suena tan refrescante hoy como lo hizo en el momento de su lanzamiento. Sin sonar como nada más, parece encapsular todo el pop estadounidense de los 80 en una cáscara de nuez deliciosamente positiva.

Liderados por el brillante David Byrne, Talking Heads tienen otros discos casi tan buenos y estuvieron a la vanguardia de la escena musical de la ciudad de Nueva York hasta su disolución en 1991.

5. Motorhead

Hasta que Lemmy murió en diciembre de 2015, Motörhead era la banda de heavy metal que hacía que todos los demás parecieran maricas.

Si bien es una tontería poner una marca de tiempo en el catálogo de uno de los mejores actos de la historia del rock, es justo decir que Motörhead disfrutó de uno de los mejores períodos de su carrera durante los 80. Comenzaron la década con estilo, lanzando el memorable «Ace of Spades» y terminaron con el mismo estilo, gracias a un álbum de 1987 titulado simplemente «Rock ‘n’ Roll».

Motörhead se convertirá en uno de los actos de rock más geniales que jamás haya tocado la superficie de la Tierra. Su sonido era una combinación de todo lo bueno del metal y el punk, tanto en términos de musicalidad como de actitud.

4. Los Smith

El tiempo no ha sido amable con Morrissey, el cantante principal de The Smiths. Pero antes de que se convirtiera en un meme en línea debido a sus puntos de vista políticos relativamente desagradables, Morrissey fue el cantante principal de lo que podría decirse que es el acto de indie rock más impactante de los años 80.

The Smiths lanzaron sus cuatro álbumes de estudio entre 1984 y 1987, en lo que tiene que ser el período artístico más prolífico que haya presenciado la ciudad de Manchester. Hoy en día, todos son recordados como obras maestras en su género, desde la introspectiva «The Smiths» hasta la sarcástica «Strangeways, Here We Come».

3. Asesino

Activa entre 1981 y 2019, Slayer fue una de las bandas de thrash metal más influyentes de todos los tiempos. Su producción inicial a menudo se acredita como la mejor, lo que puede ayudar a explicar por qué se ubican tan alto como una de las mejores bandas de los 80.

Slayer vendió más de 20 millones de discos en todo el mundo, pero ese número (enorme por cualquier medio) debe ponerse en el contexto del nicho de thrash relativamente pequeño. Lo que realmente hace que Tom Araya, Kerry King, Dave Lombardo y Jeff Hanneman sean tan geniales es la pura musicalidad que se puede encontrar en cada una de sus composiciones supersónicas.

Hoy, Slayer sigue siendo la banda que deberías mostrarle a tus amigos cada vez que digan «No soy un fanático del metal».

2. Metálica

Metallica vendió más de 125 millones de discos en todo el mundo. Y sí, son una banda de metal. Los tipos que la mayoría de los oyentes casuales asocian con el género metal, Metallica, han pasado por todo desde 1981: eran un acto de culto, llenaron estadios, irrumpieron en la corriente principal, perdieron algunos de sus fanáticos principales y continuaron empujando la envoltura.

Los verdaderos metaleros pueden no estar de acuerdo con el camino que Lars Ulrich o James Hetfield han elegido, pero ningún verdadero fanático del rock se atrevería a dejar a Metallica fuera de la lista de las mejores bandas de los 80. Después de todo, casi todos sus mejores trabajos, incluida la impresionante sinfonía de metal que es «Master of Puppets», se lanzaron en los años 80.

1. Doncella de Hierro

Todos, incluso las personas a las que no les importa el heavy metal, conocen las palabras ‘Iron Maiden’. Se refieren a una banda de Leyton, East London, que ha estado activa desde mediados de los 70 y lanzó la mayoría de sus discos seminales en los 80. Pero llamar a Iron Maiden «una banda» puede ser literalmente profano.

Después de todo, el heavy metal es una religión oficial , y Iron Maiden es su máxima deidad. A lo largo de los años, este grupo de gran influencia vendió más de 200 millones de discos. Claro, eso es mucho menos que los 600 millones de álbumes vendidos por The Beatles, pero solo 40 millones menos que los vendidos por The Rolling Stones.

Si eso no te da una idea de cuán grande es Iron Maiden en el contexto del nicho de metal, nada lo hará. Los años 80 fueron la era dorada de la música metal, por lo que tiene sentido que los Dioses del Metal ocupen el puesto número uno en nuestra lista de los 80 principales.

Conclusión

Es casi un lugar común compadecer a los 80 como la década que acabó con la autenticidad de los 60 o la música política de los 70. Pero más que la era que creó los cimientos del pop convencional comercial, los años 80 fueron una época llena de grandes bandas, grandiosos shows en vivo y canciones tan pegadizas que se pegan a nuestros cerebros como chicle.

Desde el pop cosmopolita de los Talking Heads hasta los riffs asquerosamente rápidos de Slayer, los 80 fueron tan abundantes en calidad como cualquier otra década en la historia de la música del siglo XX.

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Tidal y Spotify son dos de los mejores servicios de transmisión y ambos deberían satisfacer las necesidades de cualquier oyente de música. Tidal es mejor que Spotify cuando se trata de su calidad de transmisión superior, sin embargo, Spotify tiene un plan gratuito y podría decirse que tiene características de descubrimiento ligeramente mejores en su plan premium.

Estos dos gigantes de la industria del streaming son muy difíciles de separar. Si bien Spotify es mucho más popular que Tidal, este último parece haber sido diseñado específicamente para combinar las funciones principales de Spotify con un enfoque adicional en el audio de alta resolución. No hace falta decir que Tidal es un digno rival del mejor servicio de transmisión de música del mundo.

Elegir entre los dos depende de las prioridades de cada oyente. Si la calidad del sonido y la remuneración de los artistas es algo que te importa mucho, entonces Tidal debería ser el mejor servicio de transmisión para ti. Si la facilidad de uso, la asequibilidad y la compatibilidad muy alta están en su lista de prioridades principales, entonces Spotify lo tiene cubierto.

Para ver cómo se compara Spotify con otras plataformas de transmisión populares, consulte nuestras reseñas de Spotify vs. Apple Music y Spotify vs. YouTube Music .

Precios y planes gratuitos

Spotify toma la delantera aquí. Si bien los planes de suscripción básicos de Spotify y Tidal cuestan $ 9.99 por mes en los Estados Unidos, debe pagar $ 19.99 por mes para tener acceso a la biblioteca de música HiFi de Tidal de archivos Free Lossless Audio Codec (FLAC).

Lamentablemente, Tidal también se pierde un plan anual cohesivo . Mientras que Spotify Premium puede ser tuyo por un año por el precio de $99, la suscripción anual de Tidal de $79.99 ($119.99 si quieres acceder a esos dulces archivos de audio FLAC) solo está disponible si compras algunos productos de terceros calificados, una consecuencia de su asociación con el minorista de electrónica de consumo Best Buy. Naturalmente, sus planes familiares también difieren.

Para los usuarios que no quieren gastar un centavo, Spotify también es la mejor opción . Si bien los anuncios molestos son todo lo que tienes que soportar si quieres usar Spotify gratis para siempre, el plan gratuito de Tidal dura solo 30 días, apenas tiempo suficiente para explorar una fracción de su enorme biblioteca de música.

Esta tabla resume claramente los precios superiores y los planes gratuitos de Spotify:

Calidad de transmisión

No hay dudas sobre esto: la calidad de transmisión superior es prácticamente todo el modelo comercial de Tidal, y cumplen esa promesa . Seguro que no ayuda que la versión Hi-Fi de Spotify siga sin estar disponible para los usuarios a pesar de estar “casi fuera” desde febrero de 2021 .

El hecho de que Spotify sea la plataforma de transmisión con la base de usuarios más grande del mundo solo hace que sea aún más increíble que sus pistas de música de la más alta calidad se reproduzcan a una velocidad decepcionante de 320 kbps. Lo creas o no, algunas de las canciones en la biblioteca de música de Spotify no superan los 128 kbps, un nivel de compresión de música con el que la mayoría de los oyentes no se han visto obligados a lidiar desde los días lejanos del reproductor MP4 portátil.

Tidal, por otro lado, brinda a sus suscriptores premium archivos y transmisiones FLAC sin pérdidas con una calidad de CD máxima de 1411 kbps. El extenso catálogo de música de alta fidelidad de Tidal es el sueño de cualquier audiófilo, así que no dudes en gastar un poco más si buscas un sonido de calidad maestra. Naturalmente, necesitaría buenos parlantes o auriculares para procesar el audio de nivel HiFi.

Catálogo de música

Esta batalla también va para Tidal, pero aquí la diferencia entre los dos servicios de streaming es mínima . Si bien Tidal está años luz por delante de Spotify en lo que respecta a la calidad de transmisión, su catálogo de música supera al de Spotify en lo que parece un mero tecnicismo.

Según sus sitios web oficiales, Tidal y Spotify tienen una biblioteca musical de “90 millones de canciones” y “más de 80 millones de canciones”, respectivamente. La diferencia es que Tidal también brinda acceso a más de 450.000 videos musicales de alta calidad, lo cual es útil si disfrutas viendo algo mientras escuchas a tus artistas favoritos.

Por otro lado, Spotify tiene una extensa biblioteca de podcasts. La más popular y probablemente conocida es Joe Rogan Experience, que tiene una función de video (incluso en la aplicación móvil para iOS y Android).

Experiencia de usuario

La experiencia del usuario siempre es relativa, pero es justo llamarlo un empate en este caso . Navegar por Tidal y Spotify es muy similar, ya que las dos plataformas de transmisión se basan en interfaces idénticas. Usan diseños intuitivos y elegantes que deberían ser fáciles de navegar, incluso para los principiantes en tecnología. Los menús de la barra lateral y de búsqueda de sus aplicaciones de escritorio no se distinguen de manera significativa.

Para dar crédito donde se debe, diría que Spotify merece tomar la iniciativa simplemente porque su diseño inspiró claramente el de Tidal. En otras palabras, ellos estaban allí primero. Pero para evitar la división de pelos, digamos que no hay nada sustancial que separe la experiencia del usuario de Tidal y Spotify.

Descubrimiento de música

Si bien los algoritmos de recomendación de Tidal y Spotify seguramente son diferentes, son bastante similares: no serán correctos todo el tiempo, pero lo ayudarán a encontrar toneladas de música nueva y genial si les da la oportunidad.

Siento que Spotify tiene un motor de descubrimiento y recomendación de música ligeramente mejor en comparación con Tidal, pero es una cuestión de preferencia personal.

Ambos servicios de transmisión tienen sólidas listas de reproducción nuevas que salen a diario y cuentan con excelentes mezclas personalizadas como ‘My Daily Discovery’ y ‘Mixes for You’ (para Tidal) y ‘Discover Weekly’ y ‘Release Radar’ (para Spotify). Puede descubrir fácilmente nuevos álbumes, géneros y artistas.

Las listas de reproducción de Tidal y Spotify se pueden integrar sin esfuerzo en las plataformas de redes sociales más populares (facebook, instagram, etc.), lo que significa que puede compartir fácilmente nuevos descubrimientos musicales con amigos.

Compatibilidad

La compatibilidad de Tidal y Spotify no debería decepcionar a nadie , ya que puedes usar ambos servicios de transmisión prácticamente en cualquier lugar. Ambos están disponibles para Google Chromecast, Apple AirPlay, la mayoría de los televisores inteligentes (la aplicación Tidal es incluso una función integrada en AndroidTV), la mayoría de los relojes inteligentes e incluso sistemas de música para varias habitaciones, como el sistema Sonos.

Las consolas de juegos son lo único que marca la diferencia . Si bien Spotify se ejecuta sin esfuerzo en las consolas de Sony y Microsoft, Tidal aún debe realizar una inversión real en el mundo de los juegos. Si lo tuyo es escuchar a tus artistas favoritos mientras juegas a Playstation o Xbox, esto puede suponer un problema.

Letra

Cuando se trata de letras, Spotify tiene una ligera ventaja sobre Tidal , principalmente debido a la integración de un modo Karaoke que es ideal para fiestas en casa y para divertirse cantando sus canciones favoritas.

Es el único detalle que distingue a Tidal y Spotify, ya que ambos tienen una biblioteca de letras muy decente para acompañar sus canciones. En ambas plataformas de transmisión, es posible que las letras no siempre estén disponibles, no funcionen a la perfección o no encajen al 100 % con las palabras de la música, pero esa es la consecuencia perdonable de tratar de poner palabras en más de 80 millones de pistas musicales.

Escucha sin conexión

Este es un atractivo inquebrantable , ya que no hay diferencia en el valor de la escucha sin conexión proporcionada por Tidal y Spotify. En ambos casos, puedes descargar pistas y escucharlas más tarde en tus dispositivos sin estar conectado a la web. Sin embargo, debe obtener una licencia paga antes de recibir autorización para realizar descargas.

¿Quién paga más a los artistas?

Suena redundante, pero lo diré de todos modos: si no fuera por los artistas musicales, Tidal y Spotify no existirían. Si dar a los creadores lo que es suyo por derecho es algo que valoras mucho como oyente de música, te recomiendo que te suscribas a Tidal.

El valor de pago por transmisión (PPS) asociado con todas las plataformas de transmisión varía ampliamente según muchos factores, pero no hay duda de que Tidal recompensa a sus artistas de manera más justa que Spotify. Mientras que Tidal paga un estimado de $0.0125 por transmisión a los artistas, el PPS de Spotify se ubica en $0.0043 decepcionantes. Esto significa que un músico necesita obtener 229 reproducciones en Spotify para ganar $ 1, mientras que solo 80 deberían ser suficientes para obtener la misma cantidad en Tidal.

Para obtener más información, consulta nuestro artículo sobre cuánto paga Spotify a los artistas .

Veredicto

Después de analizar todos los aspectos principales que diferencian a Tidal y Spotify, estas son mis conclusiones:

Si puede ahorrar unos cuantos dólares adicionales para pagar una suscripción premium a Tidal con acceso a archivos FLAC, le aconsejo que lo haga . La calidad de transmisión de audio es una de las características más importantes de cualquier servicio de transmisión y, posiblemente, el aspecto que más impacta en la experiencia de escuchar música.

Los audiófilos, los músicos profesionales, los fanáticos de la música incondicional y casi cualquier persona que ya posee un sistema de sonido costoso debería optar por Tidal en lugar de Spotify basándose solo en este factor. Eso no quiere decir que Tidal sea fundamentalmente superior a Spotify.

Si no quiere gastar un centavo en un servicio de transmisión, Spotify no es solo su mejor opción, sino su única opción una vez que finaliza el período de prueba de 30 días de Tidal . También es genial que Spotify tenga un plan de suscripción de $ 99 por año, mientras que el precio anual de Tidal es demasiado complicado e inexplicablemente vinculado a compras no relacionadas que debe realizar en Best Buy.

El acceso a cerca de medio millón de videos musicales de alta calidad en Tidal es una gran característica, pero ¿es suficiente para convencer a los jugadores de optar por un servicio de transmisión que no está disponible en ninguna consola convencional? Supongo que no lo es.

Por otro lado, Tidal es mucho más justo con los artistas , las personas que realmente importan en todo esto, que Spotify. Tidal es una de las dos principales plataformas de transmisión en el mundo donde los creadores ganan más de un centavo por reproducción: esto significa que estás apoyando significativamente a tus artistas favoritos cuando los transmites en Tidal, algo que no sucede del todo en Spotify.

Al final, depende de usted elegir el servicio de transmisión que más se adapte a sus necesidades. Sin embargo, creo que esta guía comparativa debería ayudarlo a ver los aspectos más fuertes y más débiles de cada plataforma de transmisión . Como comentario final, me gustaría decir que, a pesar de sus fallas, tanto Tidal como Spotify se encuentran entre las mejores aplicaciones para escuchar música en el mercado en este momento.

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La gente todavía compra CD y el formato está en aumento por primera vez desde el comienzo del milenio. Si bien los CD están lejos de ser el formato de música grabada de más rápido crecimiento en la actualidad (ese título pertenece al vinilo), muchos coleccionistas de música todavía compran CD y hay muchos lanzamientos de CD nuevos.

En muchos sentidos, los CD son técnicamente mejores que los discos de vinilo . Tienen mejor calidad de sonido, mejor separación de canales estéreo y mayor durabilidad. Sin embargo, los CD son menos encantadores que los vinilos y, por esa razón, a menudo se los considera la segunda mejor opción para los coleccionistas de música acérrimos.

Sin embargo, no siempre fue así: los CD solían ser el número uno antes de que las ventas se desplomaran considerablemente a principios del milenio .

Según la revista Wired y Pitchfork , las ventas de CD cayeron un 97% entre 2000 (su año pico) y 2020 , pasando de la impresionante cifra de $19.9 mil millones a la decepcionante cifra de $483 millones en solo veinte años. Sin embargo, a partir de 2020, las ventas de CD han ido en aumento, lo que demuestra que todavía hay futuro para un formato que muchos ( incluido Jme ) consideraban muerto.

Entonces, ¿estamos presenciando un revival de CD? ¿Y hay un lugar para los CD en nuestra industria musical dominada digitalmente? Lamentablemente, la respuesta corta es… Más o menos.

¿Cuántas personas todavía compran CD?

Según el último informe de la base de datos de ventas de música de EE . UU . publicado por la Recording Industry Association of America (RIAA), el volumen de ventas del formato CD fue de 46,6 millones, lo que significa que los CD vendieron más que los discos de vinilo (con ventas anuales de solo 39,7 millones). ¿Significa esto que los CD han recuperado su lugar como el formato de música número uno en los Estados Unidos?

Bueno, no tan rápido. Mientras que las ventas de CD crecieron un 47,7 % en solo un año, las ventas de vinilo crecieron un asombroso 67,3 % durante el mismo período . Cuando sumas el hecho de que las ventas de discos de vinilo han estado creciendo constantemente desde 2007, es fácil ver por qué el vinilo todavía puede considerarse el rey indiscutible de las ventas de música grabada.

Sin embargo, el futuro parece brillante para el CD que alguna vez se olvidó , ya que 2021 resultó ser el año de transición durante el cual las ventas de CD comenzaron a aumentar por primera vez desde el comienzo del milenio. La RIAA no es la única fuente que señala el regreso del CD: la tendencia es aún más evidente en la base de datos de música y en el sitio web del mercado Discogs.

Los CD están volviendo – dice Discogs

Si bien los CD siguen siendo el segundo formato más vendido en Discogs, no se puede negar que están regresando. Discogs es uno de los sitios web de mercado de música más populares del mundo y constituye una fuente viable para comprender el valor actual del formato de CD . En otras palabras, las cifras de ventas de Discogs son un buen indicador de cómo se comportan los coleccionistas de música en general.

En este informe , la gente de Discogs afirmó el regreso del CD y respaldó su opinión con algunos hechos fríos y duros. La cantidad de CD que se encuentran a la venta en la plataforma ha crecido de manera constante durante los últimos años, pasando de menos de 5 millones en 2017 a cerca de 15 millones en 2022 (un aumento de más del 450%).

Durante el mismo período, la cantidad de ventas de CD registradas en Discogs también creció de manera impresionante, pasando de menos de 2 millones en 2017 a poco menos de 4 millones a fines de 2021 . Se espera que el aumento del 208% informado por el sitio web del mercado de la música continúe en 2022, aunque dichos datos aún no están disponibles.

Parece que tanto los fanáticos de la música antigua como los nuevos están interesados ​​en agregar nuevos CD a sus colecciones. Sin embargo, todavía es demasiado pronto para decir si el reciente aumento en las ventas de CD continuará durante la próxima década (al igual que los vinilos), o será un fenómeno temporal, tal vez como una mera consecuencia de las ventas de discos registradas en el altura de la pandemia.

Por ahora, el panorama general todavía parece mostrar que la popularidad del CD no está a la altura de la popularidad del disco de vinilo y que el formato probablemente nunca volverá a sus niveles de tracción anteriores al siglo XXI.

Las causas de la caída del formato CD

Hay dos fenómenos principales responsables de la caída del formato de CD. El más significativo es la democratización del archivo de audio digital , ampliamente disponible a principios del milenio. El segundo es el aumento de la popularidad del disco de vinilo , que alguna vez fue considerado obsoleto por la industria de la música.

La Internet

Las ventas de música en CD valieron casi $ 20 mil millones en 2000, el año en que se hizo común por primera vez descargar música ilegalmente de Internet. Descargar música de Napster de forma gratuita era tan común que, décadas después de su desaparición, medios como The Guardian todavía lo culpan de casi destruir la industria de la música .

Napster comenzó a recibir un serio odio en 2001 y finalmente desapareció, dando paso a una gran cantidad de sitios web de torrents de música y blogs especializados que distribuyen copias de CD de forma gratuita a través de sitios web de alojamiento de archivos como Rapidshare y Mediafire. De ahí comenzó la caída del CD: ¿por qué pagar por un objeto físico cuando puedes obtener la misma música de alta calidad por el precio de nada?

El único obstáculo para descargar música de Internet era la reacción contra la piratería, que a veces dificultaba que la gente encontrara las canciones que buscaba. Pero tan pronto como la descarga de archivos de audio comenzó a ser un inconveniente, aparecieron sitios web de transmisión de música y cambiaron el juego .

Volviendo a las cifras más recientes de la RIAA, vale la pena señalar que las ventas de descargas alcanzaron los 209,3 millones, eclipsando los 46,6 millones de ventas de CD registradas durante el mismo período .

el disco de vinilo

Los oyentes casuales de música ahora se dedican a la transmisión, pero a los coleccionistas de música todavía les gusta comprar copias físicas de sus álbumes favoritos. Lamentablemente para el CD, sin embargo, el siglo XXI fue el siglo del regreso del vinilo . Medios como GQ se quejaron de que los hipsters aumentaron las ventas de vinilos en 2016, pero una cosa es segura: la tendencia no ha desaparecido y las ventas de vinilos han aumentado cada año desde que se publicó ese artículo.

Veredicto

Sí, la gente todavía compra CD, y las ventas de CD han aumentado por primera vez desde principios del siglo XXI . Sin embargo, solo el tiempo dirá si los CD volverán como los vinilos o si su aumento de popularidad no es más que una moda pospandemia.

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En los EE. UU., los músicos ganan un promedio de $21.5K por año, y la mayoría (61%) informa que el dinero que gana con la música no es suficiente para llegar a fin de mes. El estudio más positivo sobre los ingresos de los músicos muestra que los músicos recaudan hasta $ 35K al año, y la mayor parte del dinero proviene de espectáculos en vivo.

El estudio reciente más completo sobre los ingresos de los músicos fue realizado por la Asociación de Investigación de la Industria Musical (MIRA) y el Centro de Investigación de Encuestas de la Universidad de Princeton. Los resultados del estudio se compartieron en medios como Digital Music News y la revista Magnetic y muestran que el salario medio anual de un músico estadounidense es de alrededor de $ 21.5K .

Si bien el estudio también señaló que el músico estadounidense promedio ganaba hasta $ 35K por año , vale la pena señalar que esta suma también incluye ingresos que no están relacionados con la música . Esta no es una buena noticia para cualquiera que esté considerando una carrera musical.

Además, el músico estadounidense promedio debe inscribirse en una serie de trabajos diferentes (desde presentaciones en vivo hasta lecciones de música) para obtener su salario anual . Es por eso que la mayoría (61%) de los músicos estadounidenses medianos afirman que el dinero que ganan con la música no es suficiente para pagar sus gastos básicos .

En el otro lado del espectro, los que más ganan en la industria de la música tienen dinero más que suficiente para vivir cómodamente .

¿Cuánto ganan los mejores músicos?

Los mejores músicos del mundo pueden ganar hasta $590 millones en un solo año . A fines de 2021, Bruce Springsteen ganó la friolera de $ 500 millones después de vender su catálogo editorial a Sony, uno de los sellos discográficos más grandes del mundo . Con un patrimonio neto de 1400 millones de dólares, el rapero estadounidense Jay-Z ganó 470 millones de dólares solo en 2022 .

La lista de los músicos mejor pagados también incluye a artistas como Paul McCartney, Kanye West, Rihanna, Bono, Madonna y más.

Tenga en cuenta que estos casos de éxito son la excepción, no la regla , en la industria de la música. Por cada músico millonario que hay, hay cientos de miles de músicos con ingresos bajos o muy modestos.

¿Cómo ganan dinero los músicos promedio?

Un estudio realizado por Future of Music Coalition y compartido por medios como Output concluyó que la mayoría de los ingresos de un músico promedio proviene de presentaciones en vivo (27%). Menos del 6% de la asignación de ingresos de un músico proviene de grabaciones de sonido (es decir, ventas de álbumes y derechos de ejecución).

El mismo estudio determinó que la docencia es la segunda mayor fuente de ingresos para un músico estadounidense medio (22 %), seguida del trabajo como músico asalariado (20 %), el trabajo de sesión (11 %), las composiciones (6,3 %), las grabaciones de sonido. (5,6%) y mercancías (1,6%).

Tenga en cuenta que una parte significativa del (poco) dinero que ganan los músicos con las composiciones y las grabaciones de sonido puede provenir de organizaciones de derechos de ejecución . El estudio de la Coalición del Futuro de la Música también señala que el 6,4% de los ingresos de los músicos proviene de otras fuentes, que pueden incluir cosas como regalías de transmisión, trabajo por encargo y monetización de las redes sociales .

Finalmente, el mismo estudio determinó que la mayoría de los 4.453 músicos encuestados trabajaban en múltiples tareas relacionadas con la música al mismo tiempo . De todos los músicos que ingresaron a la encuesta, solo un tercio (33%) obtiene más del 75% de sus ingresos anuales en tareas relacionadas con la música.

¿Cuánto ganan los músicos tocando en vivo?

La mayoría de los músicos obtienen la mayor parte de su dinero de los espectáculos en vivo. Pero, ¿eso significa que a los músicos se les paga justamente por sus presentaciones en vivo? Bueno no exactamente. Desconocido para los músicos de rango medio , por ejemplo, puede obtener tan solo $ 0 cuando se presenta en los principales festivales de música .

Si bien los cabezas de cartel de los festivales de música pueden ganar hasta $4 millones por un espectáculo de una hora , el músico estadounidense promedio necesita luchar (quizás incluso para cubrir sus propios gastos) para presentarse en vivo en los principales festivales de música como SXSW. Obtenga más información leyendo nuestro artículo sobre cuánto se les paga a los artistas por los festivales de música .

¿Cuánto ganan los músicos con los servicios de streaming?

El estudio mencionado anteriormente realizado por Future of Music Coalition se publicó en 2011, lo que significa que probablemente no estaban a la altura de la importancia de la transmisión en línea en el entorno musical actual. Pero, ¿son los servicios de transmisión la nueva fuente de ingresos que los músicos medianos necesitan tan desesperadamente?

Todas las pruebas apuntan a lo contrario. En los Estados Unidos, los servicios de transmisión más populares pagan a los artistas entre $0,0188 y $0,0013 por reproducción . Esto significa que, a menos que sea un artista muy popular, le resultará muy difícil ganar un salario anual decente en sitios web como Tidal y Spotify .

Para ganar $ 1 en Spotify , por ejemplo, necesitaría llegar a 229 reproducciones (en promedio según estos datos). Eso es fácil para artistas como Drake, que han acumulado hasta 200 millones de dólares solo en Spotify. Pero para los músicos prometedores y con dificultades, unas pocas miles de reproducciones de Spotify por año es lo mejor que se puede conseguir. Al final, el dinero de Spotify puede no ser suficiente para pagar una buena cena.

Puedes conocer más en nuestro artículo cuánto pagan los servicios de streaming a los artistas .

¿Se puede ganar la vida como músico?

Ser músico profesional es algo con lo que sueñan la mayoría de los músicos aficionados. Y aunque pasar de ser un artista de medio tiempo a un profesional de tiempo completo puede ser difícil, hay muchos ejemplos que muestran que es posible ganarse la vida como músico .

Un estudio de la serie Mythbusting del sitio web Future of Music que involucró a 5,371 músicos promedio que residen en los Estados Unidos concluyó que más del 40% de los encuestados pasan 36 horas o más trabajando en música cada semana (lo que los convierte en profesionales). Incluso más de los encuestados (42%) dijeron que obtienen todos sus ingresos de tareas relacionadas con la música .

¿Vale la pena estudiar música?

La encuesta Future of Music también encontró que el 60% de los músicos estadounidenses encuestados tenían un título en música , lo que significa que completar un título en música podría ser útil para ganarse la vida como músico. Sin embargo, sería cauteloso sacar una conclusión solo de este porcentaje, y la respuesta a esta pregunta no es clara. En muchas áreas de la industria de la música, la experiencia práctica es más importante que tus calificaciones. Profundizamos más en esto en nuestro artículo » ¿Vale la pena un título en música ?».

¿Los DJ ganan más dinero que otros músicos?

Los DJ no necesariamente ganan más dinero que otros músicos. Mientras que los mejores DJ del mundo ganan millones por sus servicios, los DJ promedio y sin experiencia tienen que soportar pagos que van desde $ 50 a $ 250 por conciertos que pueden durar varias horas . Puede obtener más información en nuestro artículo » cuánto ganan los DJ «.

Conclusión

El negocio de la música es duro y despiadado para ganar dinero. Sin embargo, es posible ganarse la vida en él. Puede trabajar de manera constante como músico y vivir cómodamente con sus ingresos relacionados con la música, incluso si no es famoso y toca frente a millones de personas cada dos semanas. ¿Es un ajetreo? Seguro, ¡y la competencia es dura!

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Los monitores internos, o IEM, son dispositivos similares a los auriculares que los músicos usan para monitorear mezclas personalizadas mientras tocan en vivo. Sin IEM, los músicos pueden tener dificultades para escuchar lo que están tocando. Los IEM resuelven este y otros problemas de monitoreo relacionados con el escenario.

Hay diferentes tipos de IEM y sistemas de monitoreo asociados. Pero antes de explorar los entresijos de cómo funcionan los IEM, es importante comprender qué es el monitoreo y por qué los IEM son tan importantes para los músicos de escenario.

¿Qué es el monitoreo?

La monitorización es la capacidad que tiene un músico para escuchar lo que está tocando mientras toca en directo. Para ofrecer una actuación sólida en el escenario, los músicos deben poder escuchar con precisión lo que ellos y sus compañeros de banda están tocando.

Cuando vas a ver un espectáculo en vivo, puede parecer que todos pueden escuchar fácilmente lo que está haciendo cada músico. Pero los músicos en el escenario no escuchan la misma mezcla que se está reproduciendo para la multitud. El sonido que escucha la multitud proviene de un conjunto de altavoces de megafonía (PA) cuidadosamente equilibrados por un ingeniero de audio.

Los músicos están al otro lado de los altavoces PA. En el escenario, todo puede sonar confuso, especialmente si se trata de instrumentos amplificados y baterías. La cacofonía es tal que, sin una supervisión correcta, los vocalistas, bajistas y teclistas pueden tener dificultades para escuchar lo que tocan , y mucho menos lo que hacen sus compañeros de banda.

Podría decirse que tocar en vivo sin monitoreo era posible cuando la música era principalmente acústica. Pero con el surgimiento de la música eléctrica y electrónica, la necesidad de encontrar soluciones de monitoreo para músicos se volvió más urgente que nunca. Fue entonces cuando se introdujo el concepto de monitores de escenario , también conocidos como cuñas.

¿Qué es un monitor de escenario o cuña?

Una cuña es un altavoz que se dirige al músico en lugar de dirigirse a la multitud . La mezcla que pasa por la cuña se puede moldear según las necesidades del músico. La función de una cuña es ayudar a los músicos a ofrecer mejores actuaciones al permitirles monitorear con precisión lo que ellos y sus compañeros de banda están tocando.

En términos más simples, las cuñas son los parlantes negros que generalmente puedes ver en el escenario sentados frente a cada músico . Las cuñas se colocan detrás de los altavoces PA y se equilibran según las preferencias de la banda. La mezcla de monitores generalmente la elabora el ingeniero de audio interno, pero los lugares más grandes pueden tener un segundo ingeniero solo para ese propósito.

Las cuñas revolucionaron la interpretación musical porque permitieron a los músicos escuchar con mayor precisión lo que sucedía en el escenario. Todavía son la norma en el mundo de la música, especialmente para las bandas que recién comienzan o tocan principalmente en lugares pequeños. Sin embargo, las cuñas están lejos de ser la solución de monitorización ideal .

El problema de las cuñas

Imagina que eres Alex Van Halen, el baterista de Van Halen, a mediados de los 90. Estás de gira por el mundo y actuando en vivo todas las semanas con nada más que cuñas. Debido a que tu batería es extremadamente fuerte y quieres escuchar lo que hacen tus compañeros de banda, necesitas que tus cuñas suenen aún más fuerte. Esto está causando serios daños a tus oídos (probablemente la mayor desventaja de la música que podamos imaginar).

Lo que es aún peor es que tus cuñas son tan fuertes que los micrófonos de tu batería las recogen, generando una retroalimentación desagradable que perjudica tu interpretación. Y si eso no fuera suficiente, no puedes simplemente moverte libremente porque tu mezcla de escenario cambiará drásticamente según tu posición en el escenario.

Esto es más que un escenario hipotético. Después de todo, Alex Van Halen tuvo problemas con el monitoreo del escenario a mediados de los 90 y fue responsable de ordenar el primer par de IEM personalizados. Fue entonces cuando Ultimate Ears creó el primer conjunto de IEM profesionales, ayudando a Alex Van Halen y a miles de otros músicos a lidiar con casi todos sus problemas de monitoreo.

IEM frente a monitores de escenario o cuñas

Tanto los IEM como las cuñas pueden reproducir mezclas personalizadas cuidadosamente diseñadas por un ingeniero de audio. Pero la gran diferencia entre los IEM y las cuñas es que los IEM son auriculares que cada músico puede colocarse en la oreja, mientras que las cuñas son altavoces que se colocan en un área determinada del escenario.

Esta diferencia crucial resuelve prácticamente todos los problemas identificados por Alex Van Halen y muchos otros músicos. Estas son las razones principales por las que los IEM son mejores que las cuñas como solución de monitoreo:

• Volumen bajo : debido a que los IEM se colocan dentro del oído, los músicos no necesitan subir el volumen para escuchar con precisión sus mezclas personalizadas. Esto significa que no se lastimarán los oídos mientras actúan en vivo, evitando problemas graves como el tinnitus .
• Cancelación de ruido : todos los que alguna vez usaron un par de Apple Earpods saben que los auriculares son muy buenos para cancelar el ruido ambiental. Al usar IEM, los músicos están menos expuestos a la cacofonía que ocurre a su alrededor en el escenario, lo que significa que pueden escuchar sus mezclas personalizadas con mayor precisión.
• Sin retroalimentación : mientras que los micrófonos en el escenario captarán el sonido proveniente de las cuñas, los IEM no harán ningún ruido. Esto significa que la posibilidad de retroalimentación del micrófono es prácticamente nula cuando todos los músicos en el escenario usan IEM en lugar de cuñas.
• Libertad para moverse : debido a que los IEM se colocan dentro del oído del músico, él o ella pueden moverse libremente por el escenario sin afectar su mezcla de monitoreo. Esto significa que los músicos pueden interactuar con la audiencia y sus compañeros de banda sin dañar sus mezclas de monitoreo personalizadas.

¿Cómo funcionan los IEM?

A diferencia de los auriculares supraaurales, los IEM son muy pequeños. Por esa razón, están alimentados por controladores de armadura balanceada (BA) que usan una señal electrónica para hacer vibrar una lengüeta balanceada entre dos imanes. El movimiento de la lengüeta se transfiere luego a un diafragma que envía una señal de sonido clara al oído.

Los auriculares supraaurales son lo suficientemente grandes como para albergar un par de altavoces pequeños. Pero debido a que deben caber dentro del oído de una persona, los IEM deben confiar en los controladores BA. Estos controladores BA no son todos iguales, ya que transportan diferentes frecuencias. Algunos controladores BA están mejor preparados para manejar frecuencias bajas, otros frecuencias medias, etc.

Por esta razón, los músicos tienden a pagar más para obtener IEM con muchos controladores BA . Sin embargo, es posible obtener una buena mezcla de IEM con tan solo tres o cinco controladores BA, especialmente si puede contar con la ayuda de un ingeniero de audio talentoso.

IEM frente a auriculares supraaurales

Debido a que tienen parlantes más grandes y un formato que ofrece un mayor nivel de cancelación de ruido ambiental, los audífonos supraaurales brindan una mejor calidad de sonido que los IEM . Sin embargo, no se usan en el escenario por razones estéticas.

Una cosa es ir a ver un set de DJ y ver al DJ usando un par de auriculares para colocar sobre las orejas. Otra es pagar para ver a tu banda favorita tocar en vivo y darte cuenta de que todos parecen estar listos para una fiesta LAN.

Aunque los IEM son más limitados que los audífonos que se colocan sobre las orejas en términos de calidad de sonido, hacen que los músicos se vean mejor y se muevan más libremente en el escenario . Es por eso que los IEM son el estándar de monitoreo en lugar de los auriculares para colocar sobre las orejas.

Puedes aprender más sobre este tema aquí .

IEM universales frente a IEM personalizados

Los IEM universales pueden ser utilizados por cualquier persona y están diseñados para adaptarse al oído humano estándar . Están disponibles en la mayoría de las tiendas de música. Los IEM personalizados están diseñados específicamente para el oído de un músico . Deben solicitarse con anticipación y hacerlo incluye una visita obligatoria a un audiólogo que escaneará y creará un molde personalizado de sus oídos.

Los IEM personalizados son mucho más difíciles de conseguir y más caros que los IEM universales. Sin embargo, tienen varias ventajas. Son más cómodos , más fáciles de limpiar y proporcionan un aislamiento acústico superior .

Lo entiende: los IEM funcionan con controladores BA y son la solución de monitoreo ideal para músicos en vivo. Pero, ¿cómo funcionan de verdad? ¿Y cómo llegan allí las mezclas personalizadas en primer lugar?

Para responder a esta pregunta, debemos entender cómo funciona un sistema de monitoreo IEM.

¿Cómo funcionan los sistemas de monitorización IEM?

Los sistemas de monitoreo IEM son responsables de llevar una señal de sonido desde un mezclador al IEM que se encuentra en la oreja del músico. Hay dos tipos de sistemas de monitoreo IEM: abiertos y cerrados, pero ambos funcionan de manera similar.

Un sistema de monitoreo IEM comienza en la mesa de mezclas . La mesa de mezclas recibe la salida de todos los instrumentos y micrófonos y se puede utilizar para equilibrar el volumen, el panorama y los efectos aplicados a cada canal de sonido. También se puede usar para enrutar mezclas balanceadas específicas a una salida específica.

La mezcla balanceada (o personalizada) luego se dirige a un transmisor . La función del transmisor es enviar la señal balanceada a un receptor de cuerpo inalámbrico conectado al cuerpo del músico . La señal del receptor de petaca inalámbrico finalmente es captada por el IEM, asegurando que la mezcla preparada en la mesa de mezclas llegue al oído del músico.

En términos más simples, para un sistema IEM inalámbrico, un músico necesita un mínimo de cuatro equipos diferentes para hacer un sistema de monitoreo IEM en casa: una mesa de mezclas, un transmisor, un receptor de petaca inalámbrico y el propio IEM. Puede comprar un sistema de monitoreo IEM completo (generalmente sin la mesa de mezclas) o cada una de las piezas por separado.

Para un sistema IEM con cable, el músico necesitaría una mesa de mezclas o una interfaz de audio, un cable o cables (XLR o TR/TRS según su paquete IEM), un paquete IEM con cable y el propio IEM.

Naturalmente, incluso con el sistema IEM inalámbrico, también necesita cables para conectar la fuente de salida original (es decir, los instrumentos y micrófonos) a la mesa de mezclas y la salida de la mesa de mezclas (es decir, la mezcla personalizada) al transmisor.

Sistemas de monitoreo IEM abiertos vs. cerrados

Mientras que los sistemas de monitoreo IEM abiertos usan la mezcla personalizada proveniente de la consola del ingeniero de audio, los sistemas de monitoreo IEM cerrados se basan en la mezcla personalizada proveniente de una consola de mezclas independiente, generalmente configurada por el músico.

Los sistemas de monitoreo IEM cerrados son más costosos para grupos con múltiples músicos o configuraciones complejas, pero pueden ser muy simples para actos con especificaciones técnicas muy básicas, como productores de música en vivo en solitario, que pueden necesitar solo usar la salida de su interfaz de audio o mezclador a su paquete IEM.

Los sistemas Cloud IEM son la solución estándar para músicos en vivo. Los sistemas de monitoreo IEM cerrados son superiores a los sistemas de monitoreo IEM abiertos por dos razones: ahorran tiempo y son más confiables.

Los sistemas de monitoreo IEM cerrados ahorran tiempo a los músicos porque los músicos no tienen que hacer sus mezclas personalizadas desde cero antes de cada actuación . Trabajar con un ingeniero de audio para crear la mezcla que se reproducirá en su IEM puede llevar mucho tiempo durante la prueba de sonido. Con un sistema cerrado, puede configurar su mezcla personalizada en casa una vez y usarla para cada show en vivo.

Los sistemas de monitoreo IEM cerrados también son más confiables porque ayudan a los músicos a evitar malos ingenieros de audio . A menos que tenga la suerte de contar con un ingeniero de audio propio, es muy probable que encuentre muchos malos en el camino. Tener su mezcla personalizada lista antes de poner un pie en el lugar es la mejor manera de asegurarse de que un mal ingeniero de audio no arruine su monitoreo y, en consecuencia, su actuación en vivo.

Dicho esto, los sistemas IEM abiertos pueden ser mucho más fáciles para configuraciones más complicadas. Por ejemplo, tratar de enrutar el sonido de múltiples micrófonos de batería a un sistema IEM en la nube no es una tarea fácil y probablemente sea mejor usar solo la salida de la mesa de mezclas.

mantenimiento IEM

Los IEM son bastante caros, así que aquí hay algunos consejos para cuidar los tuyos:

• Limpie los IEM después de cada presentación en vivo , ya que la cera de los oídos y el sudor pueden dañar el equipo.
• Preste especial atención a la cera almacenada en los puertos IEM , ya que la cera puede interferir con la forma en que suena su mezcla personalizada amortiguando ciertas frecuencias.
• No presione demasiado el volumen de los IEM . Tenga en cuenta que los IEM funcionan con pequeños controladores BA que pueden dañarse fácilmente. Sin embargo, lo más importante es que la exposición continua a sonidos fuertes puede dañar los oídos.
• Antes de comprar, elija una marca que ofrezca una buena política de reemplazo , ya que los IEM tienden a romperse fácilmente (incluso si son caros).

Conclusión

Escuchar con precisión lo que tú y tus compañeros de banda hacen en el escenario es esencial para ofrecer una actuación en vivo sólida. Si desea hacer lo mejor para sus fanáticos, desaire a esas cuñas de la vieja escuela y opte por un sistema de monitoreo IEM cerrado de alta calidad con un buen conjunto de IEM inalámbricos personalizados.

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