La Casa de los Horrores - Críticas de cine

Crítica de La noche de enfrente

2013-05-18T12:59:00.000+02:00

Hay un placer, un tanto malsano, otro tanto ceremonioso, francamente emotivo, en poder disfrutar de la última obra de Raúl Ruiz, rodada antes de fallecer hace unos meses, especialmente teniendo en cuenta que, exactamente eso, la película versa sobre la recapitulación vital, la memoria, la muerte y el traslado espiritual. Ciertamente, y sin ánimos de frivolizar, la vislumbre del fin del camino, la intuición de la muerte cercana inspira al artista lo coloca en una posición a menudo creativamente privilegiada, otorga al resultado final un aura trascendental; y si así es, el canto del cisne de Ruiz ha resultado en un bellísimo pasado de cuentas con su propio catálogo referencial y su repertorio de recuerdos, de sensaciones, de vivencias. Sea como autohomenaje, sea como puesta en cuarentena de su propio rigor autoral, La noche de enfrente tiene, al fin y al cabo, tanto de tributo a su pasado -al pasado de todo un país, Chile- como de autodesimitificación.

Pero en el fondo no deja de ser una especie de mirada proustiana a su propia vida. Ruiz tiene su propia magdalena, su propio desencadenante emocional, sus propias encarnaciones del yo pretérito y -que la cosa también habla de la cinefilia- tiene hasta su propio Rosebud, ese cacofónico Rododendro que evoca facetas que él mismo creía desvanecidas en el peso de la experiencia. Y con la ayuda de los objetos, pero también de las sensaciones visuales y auditivas o incluso de las figuras claves en su formación -se pasean por estas imágenes las encarnaciones de Beethoven y Long John Silver-, el cineasta se expone a sí mismo.

Y así es. Lo cierto es que La noche de enfrente no esconde su condición de pura recreación lo-fi de tiempos pasados. Tanto es así -Ruiz siempre ha rodado con presupuestos paupérrimos- que el resultado global tiende a mostrarse en casi todo momento desnaturalizado, falseado, ya sea mediante superposiciones evidentes -chromas forzados- o mediante el tratamiento de choque de la fotografía y el virado de color, que busca casi autoparódicamente los amarillentos y ocres propios de la evocación del pasado más rancia. Del mismo modo, las interpretaciones son deliberadamente teatrales, y no temen caer en la declamación, como tampoco en la pura lírica, en el recitado poético. Es el artificio premeditado que permite articular el discurso desde el punto de vista que más le convenga. Desde una vertiente teatral, operística, literaria o autobiográfica; clásica o moderna; lo que se preste, lo que se le antoje.

Porque La noche de enfrente es, además de una película moderna en su propia flexibilidad, una nueva muestra de total libertad, tanto autoral como narrativa. No es raro que a momentos se agolpen los tonos, los argumentos, los recursos. Que los saltos temporales inexplicados guíen la historia mediante una dulce anarquía. Que la narración se rija más por la lógica de los sueños y la memoria que por el devenir rígido y causal de los acontecimientos. Sin temor a caer en lo chocante, en lo absurdo, en lo patético, en lo surrealista o en lo emotivo.

Pero es que todo ello no sólo se debe a la reivindicación de un autor que, hace poco, ya lo hacía con el mero hecho de pretender contar de manera extensísima parte de la Historia reciente de Portugal (Misterios de Lisboa); sino también a la propia idiosincrasia conceptual de la película. Queridos espectadores, parece decir Raúl Ruiz, déjense llevar, porque esto habla de espíritus, de fantasmagorías, de la difusión entre los límites metafísicos, de la ruptura de las barreras entre la vida y la muerte. Esto es, en el fondo, una reivindicación de la vida en su forma más pura: esa que, en la esfera del recuerdo y del imaginario colectivo -de la que ha pasado a formar parte el realizador- a menudo es más intensa que en el ámbito terrenal. Si la Tierra está poblada de fantasmas vivos, otros fantasmas que por el contrario ya no la pisan se mantendrán vivos en nuestra memoria.

Raúl Ruiz. En el recuerdo.

8/10

Por Xavi Roldan

Concurso: ¡Gana dos Blu-Ray de Las sesiones!

2013-05-17T18:00:00.000+02:00

Ha sido la película indie sensación de la temporada, como no podía ser de otro modo. No tanto por su argumento, hecho para gustar en todo caso, sino por la increíble interpretación de una Helen Hunt entregada en cuerpo y alma a su papel. Su fantástico trabajo eclipsa y de qué manera a un John Hawkes que tampoco lo tiene sencillo precisamente: interpreta a un hombre postrado en la cama, prácticamente inmóvil por una enfermedad degenerativa, que decide recurrir a una especialista para no morir siendo virgen. Película emotiva y entrañable donde las haya, que ahora sale a la venta de la mano de Fox España en DVD y Blu-Ray. Y para celebrarlo, ¡tenemos dos copias en alta definición de Las sesiones que pueden ser vuestras!

Si las queréis, tan sólo debéis escribirnos un email a lacasadeloshorrores@gmail.com con vuestros datos postales y la respuesta a la siguiente pregunta:

Si bien esta vez no pasó de la nominación, ¿por qué película ganó Helen Hunt el Oscar a la mejor actriz secundaria?

Rápido, ¡Mándanos tu respuesta antes de las 23:59 del 24 de mayo! (promoción válida sólo para España. Los ganadores serán notificados por email)

Querida Diane, ESPECIAL UPFRONTS (CBS)

2013-05-17T14:00:00.000+02:00

El turno de la cadena exitosa que nunca sabe qué cancelar. Incluso las series con malos datos de la CBS superan a los éxitos de otras cadenas. Con semejante suerte el número de pilotos siempre resulta más reducido. Igualmente muchas de las series en antena ya cuentan con una larga trayectoria y su final es cuestión de tiempo o límite de talonario... Pero el caso es que ahora mismo se disponen a estrenar son 3 dramas y 5 comedias.

Hostages
Ellen Sanders (Toni Collete, United States of Tara) es una prestigiosa cirujana que días antes de operar al presidente de los Estados Unidos es secuestrada junto a su familia. Los atacantes tienen un mensaje claro: el presidente debe morir o su familia lo hará. Drama conspiratorio con un cast de lujo (Tate Donovan, Dylan McDermott...) y producida por Jerry Bruckheimer. Contará con una duración reducida y ese puede ser su mayor aliciente.

Razones para creer: Su protagonista y el cuidado apartado técnico de todas las producciones de Bruckheimer.

Intelligence
Con un chip en el cerebro, Gabriel (Josh Holloway, Lost) se transforma en una base de datos humana. Es capaz de conectarse con cualquier tecnología sin entrar en contacto físico, acceder a datos en la red y recrear escenas de un crimen. Sus cualidades serán perseguidas y contará con la ayuda de la CIA. Junto a Holloway, Marg Helgenberger (CSI) o Meghan Ory (Once Upon a Time). Patinazo sólo apto para fans.

Razones para creer: Joss Holloway. Todas los integrantes del #TeamSawyer tendrán una cita semanal.

Reckless
Segundo drama legal para el canal que emite The Good Wife. En está ocasión se trata de una serie más desenfadada con Cam Gigandet (Rompiendo las reglas) y Anna Wood (Deception) interpretando a dos abogados enfrentados por un caso de acoso sexual. Las tensiones se transforman en algo más sexual con el paso del tiempo. Muy profesionales.

Razones para creer: Cri, cri, cri...

The Crazy Ones
Serie sobre una empresa de publicidad donde padre (Robin Williams) e hija (Sarah Michelle Gellar) comparten labores. Simon es un genio y como con todo genio la locura viene en el pack. Sus ideas son rompedoras y arriesgadas, algo que trae de cabeza a su serena hija. Sitcom hecha para el lucimiento de Williams y con altas probabilidades de cargarse el mito.

Razones para creer: Robin Williams es como Will Smith pero en blanco y con cara de señor que te invita a caramelos en un parque.

Mom
Otra serie más de Chuck Lorre. En esta ocasión tenemos a Christie (Anna Faris, Una conejita en el campus), una alcohólica en desintoxicación que vive junto a su hija y su madre (Allison Janney, The West Wing). Todo son baches para Christie en su relación familiar, laboral... el mantenerse sobria es su único triunfo. Ante tanta desgracia la chica consigue sacar buen humor y sonreír.

Razones para creer: Anna Faris es una gran cómica pero esta serie no le hace justicia.

We Are Men
Un joven es abandonado en el altar. Para rehacer su vida se traslada a un complejo de apartamentos para soleteros. En ese lugar encontrará una banda de maduritos con espíritu joven y ganas de marcha. Los cuatro buscarán el amor de su vida noche tras noche o al menos se divertirán encontrándolo.

Razones para creer: Jerry O´Connell en su faceta parodia es entretenido... pero por favor, ponte una camiseta.

The Millers
Cuando Nathan Miller (Will Arnet, Arrested Development) confiesa a sus padres que se ha separado, su padre toma la iniciativa de abandonar a su mujer (Margo Martindale, Justified). Madre e hijo comienzan una vida juntos en una dinámica muy incomoda. La serie está creada por Greg Garcia (Me llamo Earl, Raising Hope).

Razones para creer: El tándem Arnet-Garcia debería funcionar pero sus primeras imágenes son bastante sosas.

Friends with Better Lives
Con la misma premisa de todos años nos encontramos con una sitcom sobre un grupo de amigos que pasado un tiempo se replantean sus vidas. Algunos están casados, otros siguen siendo unos ligones y otros han contraído matrimonio con su trabajo. Veremos si alguno tiene valor de afrontar su situación.

Razones para creer: La única sorpresa puede ser ver a James Van der Beek tras su memorable paso por Don´t Trust the B**** in Apartment 23.

Por Iñaki Arriaga (SavemeBarry)

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Descubre las novedades que nos traen la Fox, la ABC y la NBC

Estrenos de la semana (17 de mayo)

2013-05-17T06:55:00.002+02:00

Se acerca un puente (al menos por algunas geografías peninsulares), momento de lujo para que los cines recuperen un poco el ánimo tras una serie de semanas de las que sólo se salva Tony Stark. Y sin embargo, las carteleras se renuevan con un sólo reclamo comercial que, me da a mí (y es puro presentimiento) no va a funcionar todo lo bien que se espera. En todo caso, calidad hay, y toca buscarla de nuevo en Europa, y de nuevo en una producción muy pequeñita, centrada en un niño de diez años absolutamente inolvidable...

Kauwboy
Se trata de Kauwboy, propuesta que nos llega de Holanda y que presenta a un chaval que vive bien lejos de las condiciones ideales: a solas con un padre con tendencia a los excesos y las salidas de tono, en una casa muy sencilla, y sabiendo de su madre poco o nada. Con estas salva la vida a un pájaro caído del nido, con quien entabla una relación de amistad verdadera que no tardará en significar mucho más para su evolución, su desarrollo emocional y para la aceptación de su situación vital. Una película pequeñita, sumamente austera y cercana, que no tarda en descubrirse como lo más destacado de la semana por su facilidad para emocionar a base de bien.
Lee la crítica de Kauwboy

El gran Gatsby
Claro que nadie irá a verla, porque quienes se acerquen al cine lo harán para ver la nueva revisión del clásico de F. Scott Fitzgerald, esta vez a cargo de Baz Luhrmann. Tras calmarse un poco con la muy reivindicable Australia, el director de Moulin Rouge vuelve a tirar de barroquismo y petardeo para contar la historia que ya conocemos sólo que ahora, en lugar de Robert Redford y compañía, están Leonardo DiCaprio, Carey Mulligan y Tobey Maguire. ¿Resultado? Bien si entras en el juego, pero ya puestos esperábamos más locura, menos contención... Algo que aliviara la evidente losa de sus casi 150 minutos. Pero es lo que hay, Luhrmann quiere por encima de todo rendir pleitesía a la obra original sin perder por ello su firma de autor. Con todo, recomendable.
Lee la crítica de El gran Gatsby

The Lords of Salem
Era de esperar que esta película generara polémica casera, y a la hora de la verdad no ha defraudado. Quien esto escribe encontró que la película de Rob Zombie era un verdadero horror cuando le tocó sufrirla en el pasado festival de Sitges. En cambio, el otro 50% de La Casa se declara fan incondicional de esta suerte de mezcla, pasada por un prisma retro-gótico (o así) entre el Polanski de La semilla del diablo y el Lynch de... bueno, de Lynch. Dicen que es de terror, dicen que es original y personalísima. Que es un riesgo, y en eso sí estoy de acuerdo... Siempre y cuando así se considere para la salud mental del espectador. Pero Xavi parece bastante entero tras verla, así que será cosa mía.
Lee la crítica de The Lords of Salem

Por lo demás, francamente, poca cosa. Seguramente, lo que más llame la atención aparte de las tres películas mentadas sea Indignados porque, ya se sabe, va de los Indignados y seguro que muchos de los indignados que se indignaban por no tener dinero ni para comer desembolsarán los 10€ de la entrada de este documental que dirige el panfletario Tony Gatlif. Habrá quien también pique el anzuelo de Marea letal, y acuda a verla esperando ver una de acción submarina, como Inmersión letal, o un divertimento como Turistas. Nada de esto parece tener la nueva película del director de todas ellas, un John Stockwell de quien lo que mejor se dice es que ha conseguido hacer una suerte de documental a lo Buceando entre tiburones conducido por Halle Berry. Tratándose de un estreno que lleva posponiéndose lo indecible, nos asusta el nivel de despropósito al que pueda haber llegado la cinta.
Quedan tres, las tres españolas a las que esta vez se les augura un devenir comercial aún peor que de costumbre. Por un lado esta Ali, drama social con una joven que vive en el país de Ali evitando encarar el país de Alicia al que antes o después deberá acceder (sic, juro que en su sinopsis pone algo así). Por otro El cosmonauta, quizás la más apetecible: Nicolás Alcalá escribe y dirige la historia del primer cosmonauta ruso que, en 1975, fue a la Luna y no regresó jamás. La gracia está en las transmisiones de radio que hace llegar, afirmando que sí ha llegado de vuelta a la Tierra, y se la ha encontrado desierta. Curioso. Cierra el trío La última isla otra Alicia debiendo enfrentarse a una realidad a la que al principio le daba la espalda escondida en sus mundos de videojuegos. Pues vale.

Crítica de El gran Gatsby (The Great Gatsby)

2013-05-16T19:19:00.000+02:00

Si bien esta la más reciente versión de El gran Gatsby, nueva boutade grandilocuente de Baz Luhrmann -le pese a quien le pese, un autor autor- es, ya de salida, una de esas películas a las que irreflexivamente se califica de perfecta generadora de odios y adhesiones a cantidades parejas, lo cierto es que esto tiene visos de futura obra incomprendida. El exceso rebosante de sus planteamientos formales, el tratamiento -aparentemente- operístico de sus propuestas temáticas y el mero hecho de adaptar una de las mayores y más importantes novelas americanas del siglo XX le van a reportar hordas de fans con distinto grado de autoconsciencia y también derrotistas detractores que preconizarán -de nuevo- el fin del sentido común en el arte. Con poco termino medio en cualquier caso. Y como añadidura probablemente las propuestas de Luhrmann generen ríos de tinta entorno a la adecuación de las formas utilizadas a un mensaje que, admitámoslo, es delicado.
Claro, llevar a su propio terreno un texto tan sagrado como el de Francis Scott Fitzgerald podría parecer a priori y en el mejor de los casos una temeridad. En el peor, un ejercicio postmoderno histérico, reprochable y condenable en virtud de la búsqueda total del clasicismo, la universalidad, la intemporalidad.

Pero considerar algo así sería quedarnos un poco en la superficie. Porque es innegable que el resultado de este Gatsby se adscribe en gran medida al universo psicotrópico del australiano responsable de Romeo + Julieta, que el espíritu puramente lúdico y frívolo de Moulin Rouge se ha vuelto a apoderar del texto de base. Que aquí priman las formas histriónicas, la pulverización de los límites del gusto convencional, la transgresión de géneros, estéticas y tonos. Pero tampoco es menos cierto que, al final, el discurso forma una incuestionable unidad que trasciende su bestial tendencia al choque.

Me explico con más detalle. El gran Gatsby es, en sus planteamientos iniciales, más que una película un hiperespectáculo enfebrecido. Un gran circo al mismo tiempo mayestático y decadente. Una reconstrucción de un tiempo y un lugar que probablemente sólo hayan existido de esta manera en las idealizaciones posteriores que nos hemos construido gracias a la literatura y al cine. Y de eso -especialmente cine- hay mucho en la propuesta de Luhrmann, centrada en el Nueva York de las Ziegfeld Follies, del Times Square más bullicioso, de los locales con gigantescas arañas de cristal y collares de perlas largos como intestinos. En una Costa Este en plena jazz age que combatía la ley seca con más alcohol y que servía como hervidero de fiestorros salvajes y celebraciones del hedonismo en mansiones de herederos de emporios surgidos a la sombra de la primera Guerra Mundial.

Pero también un panorama al borde del colapso de los valores, del desuso total que debería llegar con la Gran Depresión, de la caída de los magnates. Un escenario sombrío escondido bajo el oropel y la luz de los focos. El caldo de cultivo que ve surgir a un Jay Gatsby, figura misteriosa por excelencia, soltero deseado, multimillonario aficionado al buen vivir que revivirá amores perdidos en el pasado y trazará amistades abrasivas para el futuro. Y un decorado perfecto para un Baz Luhrmann que vuelve a dar salida a su sentido kitsch de la representación de las altas sociedades. Su Gatsby, tan apegado a esa época -ya decimos, casi fantasiosa- quiebra lógicas temporales en su armazón formal: resulta tremendamente postmoderno y petardísimo, descompensado en su narrativa y pastichista en su selección musical (por donde pasan ramalazos de charleston con autotune, homenajes facilones a Gershwin, versiones imposibles -de Beyoncé, de U2, de Amy Winehouse- y hasta momentos de hip hop anacrónico). Puro esteticismo desprejuiciado que colinda directamente con el feísmo en un ramillete de decisiones tan conscientes de si mismas que calificarlas de erróneas sería inútil.

La propuesta de Luhrmann es, al margen de un posible derroche o escasez de originalidad, esencialmente rompedora. O mejor dicho, confrontadora. Decimos que su unidad conceptual va fortaleciéndose a medida que avanza la película, pero lo cierto es que los referentes son dispares y se van agolpando sin aparente orden pero con innegable empuje: desde las referencias al mudo americano pasando por el cine de la UFA (guiños a Pabst o Murnau), las propuestas estéticas del Disney clásico, la comedia hollywoodiense de los 30 y los 40 de Sturges, el melodrama americano de los 50, los dramas más decadentes del Fassbinder de mediados y finales de los 70 o incluso la infravalorada versión de Jack Clayton de 1974.

Technicolor, grúas por doquier, reconstrucciones digitales cuasihorteras, dinamismo cartoon, vitalistas homenajes a la Gran Manzana con técnica time lapse en un plano concreto que hace pensar en una portada de Miles Davis. Y sin embargo, a pesar de su esquizofrenia cromática, poco a poco El Gran Gatsby se va tintando de negro. Luhrmann parece ser cada día más consciente de la caducidad de la urgencia fiestera, de la llegada irremisible del otoño; de modo que en su segunda mitad la película empieza a languidecer, a tornarse grave, oscura. La fuerza imponente y contagiosa de sus inicios va dejando paso a un drama más madurado, más turbulento, en el que el personaje central -también gracias a una impecable interpretación de DiCaprio- va cobrando su dimensión trágica y va conectando progresivamente con los rasgos que lo definían en la novela, encontrando sus propias metáforas de los mismos temas de los que hablaba Fitzgerald. Las canciones densas de The xx van tomando la banda sonora a golpe de bajo poderoso y la cosa termina encaminándose hacia una conclusión fantasmagórica, solemne y melancólica, y no por ello menos grandilocuente, casi buscadamente demodée en su apropiacionismo de los códigos del drama más ceremonioso.

Sí, esta El Gran Gatsby, muy emplumada y aún más empolvada, puede herir sensibilidades. Y desde luego no será del gusto de todos los paladares, especialmente de los que dejan embriagarse periódicamente por las palabras sutiles y la profunda capacidad simbólica del texto original de Fitzgerald. Pero como decimos su inicial modus operandi hipercinético y farlopero esconde una posterior mirada amarga hacia la caída de los mitos y la humanización de los dioses paganos. Y lejos de traicionar el espíritu original le da una nueva dimensión acorde con los tiempos que corren. Deslavazada, bastarda e irritante. Pero también grave, profunda y afectada. Y si eso no es capturar el zeitgeist de la (alta) sociedad actual, no sé qué lo será.

7/10

Por Xavi Roldan

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Fotos

Querida Diane, ESPECIAL UPFRONTS (ABC)

2013-05-16T07:19:00.004+02:00

La ABC conoce a sus espectadores (mujeres y familias) y esta temporada se aleja de arriesgadas propuestas para cumplir con lo esperado. Culebrones, familias de todo tipo y el punto atrevido en sus sitcoms jóvenes. Tocará ver si consiguen ordenar la parrilla de forma menos epiléptica. Por el momento estos son sus 6 dramas y sus 6 comedias.

DRAMAS

Marvel´s Agents of S.H.I.E.L.D.
Poco falta por decir del masterplan de Marvel por sacarnos hasta los últimos cuartos. Tampoco nos vamos a quejar mientras las cosas sigan así de bien. Tras su hitazo en las grandes pantallas, Joss Whedon (Los Vengadores) no abandona el mundo de los cómics y los adapta a su medio natural, la televisión. Los agentes de SHIELD protegen a la humanidad de los héroes, villanos y toda la gente con cualidades especiales.

Razones para creer: Whedon es confianza y el regreso de Clark Gregg como el Agente Phil Coulson eleva todo el proyecto de manera significativa. La niña bonita de la ABC.

Betrayal
Drama culebronesco entre dos desconocidos y su atracción fatal. Sara (Hannah Ware), una fotógrafa en un matrimonio congelado, ve en Jack (Stuart Townsend) la llama necesaria para volver a sonreír. Su pasional affaire se complica cuando el marido de ella es el abogado que hará la vida de Jack imposible. Drama de telefilm y poco cosa más.

Razones para creer: Tiene cierto aroma a película de los noventa pero ninguna estrella llamativa. James Cromwell se dejará ver tras su gran trabajo en American Horror Story: Asylum.

Killer Women
Remake de la serie argentina Mujeres Asesinas. La trama sigue a Molly Parker (Tricia Helfer, Battlestar Galactica), la única mujer Ranger en la frontera de Texas y México. Entre guacamole y música de mariachis (el trailer es un chiste), Molly se enfrentará a traficantes y amantes peligrosos. Faltará ver si la serie resulta ser en realidad tan paródica como aparenta.

Razones para creer: Es una producción de Sofia Vergara (Modern Family) y clama al cielo por una aparición suya. El momento tiroteo en la iglesia es asombroso.

Mind Games
Tercera serie de Kyle Killen tras sus fracasos alabados, Lone Star y Awake. Si el gafe no fuera suficiente, añadir a la formula al serial killer Christian Slater. Suicidio televisivo en toda regla. La trama no deja de ser peculiar. Una empresa se encarga de manipular a terceros para favorecer la respuesta deseada. Una trama ambiciosa pero entre el ridículo y la genialidad.

Razones para creer: Las propuestas de Killen siempre merecen la pena pero debemos caminar con sumo cuidado... peligro de cancelación incluso antes de nacer.

Once upon a time in Wonderland
Con su serie madre en plena crisis (descenso de audiencia y graves problemas argumentales), ABC propone un spin off de Once Upon a Time centrado en el personaje de Alicia y su país de las maravillas. Las fantasías de una joven Alicia terminan por encerrarla en un manicomio. La noche antes de sufrir una lobotomía, sus amigos “del otro lado” la rescatan y comienzan una aventura por el amor verdadero. Cromas sangrantes y efectos muy humildes son la marca OUAT.

Razones para creer: Una trama focalizada en un personaje favorecerá el desarrollo de la historia. Ha ido a parar a la franja maldita de la parrilla del canal.

Resurrection
Pese a un argumento muy similar al fenómeno francés de Les Revenants, parece no haber conexión entre ambas producciones. Un niño aparece en medio de la nada sin articular palabra. Cuando por fin consiguen identificarlo descubren que se trata de un niño muerto hace 30 años. Sigue el esperado shock de los padres y de un pueblo consternado por el suceso. Emociones a flor de piel en una serie que tendrá difícil mantener el interés semana a semana.

Razones para creer: Visualmente es muy atractiva y parece tener actores bastante resolutivos.

COMEDIAS

Lucky 7
Remake de la serie británica The Syndicate. Un grupo de humildes trabajadores en un taller-supermercado-gasolinera juegan el mismo número de lotería hasta una mágica noche donde consiguen el premio gordo. Sus vidas pegan un cambio radical, tanto para ellos como para todos los que les rodean. La original pecaba de indiferente, veremos si aquí lo consiguen.

Razones para creer: ha conseguido mantener la esencia de la serie británica en el salto.

Super Fun Night
Esperada comedia para la nueva chica comodín de las comedias. Rebel Wilson protagoniza esta serie sobre tres amigas sin demasiadas aptitudes sociales y sus esfuerzos por pasar la mejor noche de sus vidas. Semejantes especímenes nos dejarán gags muy divertidos y locos. Wilson se entrega al completo sin un ápice de vergüenza. Promete y mucho.

Razones para creer: Esa gran protagonista se basta y se sobra.

Back in the Game
Otro drama familiar. En esta ocasión tenemos un equipo de baseball con niño poco dotado para el deporte. Terry Jr. (Maggie Lawson) y su padre (James Caan) tomarán la iniciativa e intentarán preparar al equipo. Ella aportará apoyo moral y él tortazos de realidad. Puede ser un éxito en la amplia audiencia familiar de ABC.

Razones para creer: James Caan incluso en una serie familiar merece atención. No horroriza en exceso.

Trophy Wife
Una atractiva Malin Akerman (Watchmen) se convierte en la tercera esposa de un padre de familia. En plena reforma de su vida de soltera-fiestera, la esposa trofeo tendrá que convivir con sus nuevas obligaciones y las molestas ex-esposas. Niños, problemas escolares y miradas asesinas no son problema para la divertida joven. Es una bomba.

Razones para creer: Con cierto recuerdo a Bad Teacher, Akerman enfrentándose a Marcia Gay Harden merece una oportunidad. Pinta muy divertida.

The Goldbergs
Los 80 son el marco para las discusiones familiares de los Goldbergs. Sus fotos recuerdan a La tribu de los Brady, pero a puerta cerrada sus peleas son el orden del día. Con un esquema casi idéntico al de The Middle, aquí no encontramos ni una tercera parte de la diversión que nos proporciona la familia Heck.

Razones para creer: Lo siento pero no.

Mixology
Diez solteros en un bar. Argumento simple pero que pretenden estirar a lo largo de toda una temporada. Su formato de temporada por noche es lo más llamativo de esta comedia coral. Muchas caras nuevas y alguna reconocible. No será Happy Endings pero cubre la necesidad de una “comedia de amigos”.

Razones para creer: Su formato es curioso y tiene puntazos inesperados.

Por Iñaki Arriaga (SavemeBarry)

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Trailer completo de Riddick

2013-05-15T21:02:00.002+02:00

Ya sabéis, porque os lo habremos dicho infinidad de veces, que por lo menos uno de los responsables de La Casa es fan de la saga Riddick desde que la descubriera, como quien no quiere la cosa, en sus años mozos. Por lo tanto, alegría al canto. La tercera entrega cinematográfica, que lleva por título únicamente Riddick, presenta trailer completo en aras de su estreno parael tercio final de este mismo año. Vuelve a los mandos David Twohy; vuelve ante las cámaras Vin Diesel. Y acompaña al de A todo gas nada menos que Katee Sackhoff. Vale, y Karl Urban, Dave Bautista y Jordi Mollà. La cosa va de épica fantacientífica. Universos lejanos, hostias como panes y alienígenas por doquier (tratar de resumir mejor las dos anteriores entregas es imposible). Elementos más que de sobra para seguir salivando con este renovado interés por la otrora defenestrada ciencia-ficción. Vamos, que yo ya estoy mordiéndome las uñas. Trailer, aquí mismo:

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SPLASH PAGE. Los cómics actuales que no te puedes perder (vol. 11: abril/mayo 2013)

2013-05-15T18:00:00.000+02:00

Por cuestiones que no vienen demasiado al caso, el mes pasado tuvimos que renunciar al habitual Splash Page. De modo que en esta ocasión solapamos dos entregas en una, damos ración nutrida para suplir un par de meses de mono. Ya conocéis nuestra falta de rigor con las cronologías en lanzamientos tebeísticos, pero hacemos lo que podemos, y más ahora: sí, algunos de estos cómics tienen ya dos o tres meses de vida. Pero nunca es tarde si la dicha es buena, supongo. Y esto son quince dichas que calidad superior, de todo y para todos. Mainstream y alternativo, autor y pijameo, de todo un poco, pero mucha chicha en todo. Una docena y cuarto de grajeas para saborear durante las próximas semanas hasta nuestra siguiente entrega. A leer, malditos.

BRIAN MICHAEL BENDIS Y STUART IMMONEN - La nueva Patrulla-X #1

No nos engañemos, todo esto de Marvel NOW!, última ocurrencia de la Casa de las Ideas para relanzar sus colecciones y poner en marcha nuevas andaduras con distintos o iguales personajes, está siendo un auténtico mogollón. Como en todo relanzamiento/operación comercial de entrada a uno se le dispara el interés y se le obturan las cañerías con todo tipo de material. Del bueno, del malo, del muy bueno y del peor. Y luego vienen los batacazos y desencantos. Pero, eso sí, siempre hay una serie que destaca sobre el resto, una que se convierte en imprescindible por derecho propio, una por las que el resto de editoriales serían capaces de matar. Y si para DC esa ha sido recientemente el Batman de Snyder, Marvel puede gallardear sin pudor con esta Nueva Patrulla-X que se nos ha sacado de la manga el viejo Brian Michael. Y, sí, es una puta maravilla. Despojada de aquellos tics algo molestos (*eufemismo) que han solido lastrar la narrativa habitual del escritor, esto es material muy, muy fresco. Y muy, muy respetuoso. Hacia todos. Lector y personajes. Porque esto es uno de los mejores homenajes al material clásico (a aquellos primeros números de Lee y Kirby y también a las historias de toda la vida, incluida las de inmediatamente después de la Segunda Génesis) que podíamos esperar. Una colección de aventuras que une, vía viaje temporal, a aquella primera y entrañable Patrulla con los nuevos, desencantados, desgastados tipos-X. Una reflexión sobre el devenir del grupo mutante y del tebeo superheroico comercial en general que, de paso, se convierte en La Serie Que Hay Que Leer y en la única grapa que puede hacerle sombra al Lobezno de Aaron. Sí, el momento es ahora. Y la serie, La nueva Patrulla-X. Lo más.

CHARLES BURNS - La colmena

El maestro Burns. Uno de los tipos que más alegrías malsanas nos ha regalado, uno de los autores que mejor nos lo ha hecho pasar a base de jodernos la vida. Este señor que ahora está embarcado en una trilogía del malrollismo que, para colmo de males, no sólo acude a sus idearios adolescentes, a sus iconografías basadas en el American Way of Life de los 50, sino que ahora el cabrón ha tirado de recursos estéticos y guiños conceptuales a un grande. De alguna retorcidísima manera, este tríptico que se iniciaba con Tóxico y sigue ahora con La colmena podría ser lo que hubiera ocurrido si, en un fenómeno de esguince temporal extraño, David Cronenberg se hubiera dedicado al cómic y hubiera creado a Tintín. Pero los guiños al reportero belga se suceden en lo que sin embargo es sólo la epidermis de algo mayor y más profundo. No sé muy bien qué, porque la lógica es esquiva, pero sí sé que, como de costumbre fascina, perturba y deja huella en lo que, además, es un tebeo tan bien dibujado y entintado como siempre, pero que además está rematado con un colorido plano deliciosamente inquietante. La conclusión de esto puede ser de infarto.

NACHO CASANOVA - Pornográfica

¿Cuál es la línea que separa el erotismo de la pornografía? Pues en realidad no lo sé, pero la verdad es que dibujada por el puño de Casanova esa línea se presenta más fina, sinuosa y sugerente que nunca. El coautor de El coche de Intisar se ha atrevido a regalar a quien quiera dejarse llevar por el poder de la sexualidad tebeística una colección de relatos picantes, eróticos o directamente explícitos que confeccionan un álbum juguetón pero también honesto. Una especie de catálogo del erotismo en el cómic que explora a su manera (como tantos han hecho con anterioridad) las posibilidades visuales y narratológicas del juego de la seducción y el coito, de la caricia y el susurro, del jugueteo y la embestida. Porque, sí, Pornográfica puede entenderse como un libro dedicado al hedonismo, al disfrute, a la pura recreación visual gracias a esa plasticidad anatómica que tan bien transmite Casanova, a menudo con cuatro trazos tan simples como inteligentemente encontrados y ejecutados; pero también es un ejemplo de dominio de los distintos tempos narrativos, de planificación precisa y milimétrica aun siempre orgánica, de articulación entre diálogo y silencio. Un álbum sensual y sugerente, poético y deslenguado, cargado de buenas vibraciones y que no conoce la palabra tabú: no es que lo rompa, es que, simplemente, no le interesa.

NATHAN EDMONSON Y TONCI ZONJIC - ¿Quién es Jake Ellis?

Otra de las miniseries Image que, sin esperárselo mucho ni siquiera ella misma, puede colarse con facilidad entre las sorpresas de la temporada. Por lo menos en el apartado noir que tan bien se les da a todos sabemos quienes. Porque esto va de lo mismo de siempre, pero más divertido que de costumbre: un hombre metido en un embrollo que le supera pero ayudado por su propia consciencia, un Jake Ellis que parece haber cobrado vida dentro de su aparentemente malfuncional cabeza. Ayuda esencial para un pobre Bourne de a pie que pretende esclarecer las sospechosas circunstancias de su pasado y diluir un poco el negro que parece adueñarse de su presente. Lo que en términos de tebeo de acción se traduce en un puñado de aventuras hipercinéticas poco novedosas pero innegablemente bien ejecutadas: la narrativa de Edmondson es fluida y dinámica sin atropellarse a sí misma, y el dibujo de Zonjic resulta elegante en su clacisismo, conciso en la sencillez de su trazo (cercano al de Martín o Pulido) y arrollador en sus planificaciones. Otro de esos de los de no cambiar las cosas, con todo lo mal que están, pero sí capaz de aligerar el tránsito que supone pasarlas. Esto es, diversión a tope. Esperando el segundo tomo como locos.

MATT FRACTION Y DAVID AJA - Ojo de Halcón: Seis días en la vida de...

Y si hace un rato hablábamos de la mejor grapa que posiblemente publicará Marvel en España en los próximos meses, tampoco se queda atrás esta otra serie regular que en cambio nos llega en tomo. Y que se coloca junto con el Daredevil de Waid en lo mejor de Marvel editado en este formato hoy. Casi, si me apuráis, superándolo. Porque Fraction nos sirve, no sé muy bien cómo lo ha hecho, un buen surtido de aventuras absolutamente intemporales, ingeniosas hasta el repelús y altamente graciosas. Con un ritmazo increíble, con un regusto -sí, otra vez- a clásico y con esa cpacidad por volvernos a hacer soñar como nos hacían soñar los tebeos de pijamas hace tanto tiempo que ni lo recordamos. Y es que hay que aprovechar ahora el tirón del que goza ahora el supergrupo vengador para dar salida a estos personajes que estaban un poco más olvidados que los habituales MVP's de la franquicia. De este modo, las historias se mantienen un poco más en los márgenes (ajenas a crossovers, por ejemplo) y pueden moverse más a sus anchas y por coordenadas distintas. Así que sí, todo muy bien. Estupendo, perfecto, compra obligatoria. Pero cuidado, hablemos ahora en serio. Aquí quien se lleva el gato al agua no es otro que David Aja. El vallisoletano despacha un trabajo excepcional, inaudito en capacidad expresiva y narrativa. Un prodigio de secuenciación imaginativa, homenajística, casi vanguardista. Casi a ratos chriswariana. Y cuando no está él, lo substituye Javier Pulido. Nada más que decir. Bueno, sí, que si hace falta, venderos un órgano para conseguirlo.

GABRIELLA GIANDELLI - Interiorae

Interioridades. Y un edificio en la portada. Toca meterse entre las habitaciones, los pasillos, los rellanos de un edificio que se diría reverso existencialista de 13 Rue del Percebe, con sus personajes de historias mínimas a los que se intuye densos presentes y aturullados pasados. Indescifrables futuros. Pero obviamente las interioridades del título se refieren justo a eso: a las zonas más profundas de las psiques, nostalgias y deseos de ese grupo humano. Comparten momentos fugaces y anécdotas minúsculas, pero sus destinos quedan íntimamente ligados por un enorme conejo antropomorfo, testigo de las soledades e incomunicaciones. Sí, un conejo antropomorfo. Y heraldo, además, de la Gran Oscuridad, la masa informe de tenebra que acecha en los bajos para, durante la noche, retroalimentarse de lo que ella misma genera: los sueños de fracaso y las expectativas no respondidas. Esto es, las pesadillas. Impresionante tebeo de halo naïf y alcance tremendamente adulto. Sereno, profundo, doloroso e impactante en su combinación de cotidianía y ensoñación.

EMMANUEL GUIBERT - La infancia de Alan

Si a la llegada de La guerra de Alan a nuestro país se la pudo tildar de auténtico acontecimiento tebeístico, no menos revuelo debería levantar esta, llamémosla así, precuela de las memorias de Alan Ingran Cope narradas por él mismo y dibujadas por Emmanuel Guibert, uno de los artífices de la esencial El fotógrafo. Especialmente tras su reconocimiento en el prestigioso festival de Angoulème. Aquí Guibert se remonta un poco más atrás en el tiempo, cuestionándose qué ocurrió antes de la Guerra y decide hurgar en los primeros años de un chaval nacido en la América de principios del siglo XX. En su entorno familiar y afectivo. En la fauna de una época idealizada por el cine que merece de constantes revisiones que pongan en su lugar cada uno de sus elementos.
El resultado es un profundo, profundísimo retrato de la inocencia, un nuevo realto clásico de coming of age. Un testimonio de vivencias en un mundo ya perdido en el recuerdo de la mitificación. De las primeras sensaciones de melancolía, miedo, alegría y dolor por la pérdida. Un emotivo testimonio gráfico de una vida que se presenta intensa y melodramática, pero que no tendría por qué serlo bajo la pluma y los lápices de Guibert, auténtico mago del detalle, de la sutileza, de la planificación narrativa en pos de la emoción más pura y verdadera. Sí, La infancia de Alan es un tebeo-acontecimiento. Y de los gordos. Me da lo mismo que suene a topicazo: nadie debería perdérselo.

JONATHAN HICKMAN Y NICK PITARRA - Los Proyectos Manhattan, vol. 1

Ucronía de ucronías, Los Proyectos Manhattan, serie hot en el actual catálogo de la ya de por si hot Image presenta uno de los siglos XX más hijoputiles que se recuerdan. El planteameinto base es, además de ¿qué ocurriría si algunos de los grandes genios de la física de los últimos cien años -por aquí pasan Einstein, Oppenheimer y Feynman- fueran además unos cabronazos locos y asesinos? En fin, un poco asesino sí terminó siendo Oppenheimer, pero se entiende. Pero no, hay más. ¿Qué ocurriría si el conocido "Proyecto Manhattan", la estrategia que llevó a cabo el lanzamiento de la bomba en Hiroshima y Nagasaki, fuera la tapadera para algo aún más gordo? Y entiéndase por más gordo las barrabasadas para-científicas, legendariourbanísticas que se le puedan a uno imaginar: contactos con civilizaciones extraterrestres, colaboracionismo con los nazis, desarrollo de tecnología biónica hiperavanzada... Una serie abierta que apuesta sin complejos por lo bizarro (parte de ello lo pone el trazo nervioso y a ratos psicótico de Pitarra), por lo revulsivo, por la ruptura de esquemas. Y que se va construyendo a si misma a tropezones y desequilibrios (buscados todos ellos), a base de ideas alucinantes, teorías salvajes y planteamientos anómalos donde el señor Hickman, desligado de las restricciones de una major, puede dar salida a toda su furia fantacientífica, a su pasión por la ficción cuántica y sus obsesiones übernerd. Muy genial.

ROBERT KIRKMAN Y RYAN OTTLEY - Invencible, vol. 16: Guerra viltrumita

Si en nuestra anterior entrega splashera asistíamos a un momento esperado en una de las series madre de Robert Kirkman, en esta ocasión somos testigos de otro anticipadísimo culmen de la otra obra con mayúsculas del autor. Esa guerra viltrumita que pone frente a frente a Invencible con el cabronazo de Conquest. En otras palabras, la resistencia de la Tierra ante el invasor salvaje, hipercolonizador del planeta Viltrum, para más inri, lugar que guarda las esencias y raíces del propio Invencible. Y ya se sabe, aquí lo que se despacha es una cantidad de sangre, vísceras y miembros estallados inaudita, una serie de batallas con el factor épico disparado hasta el infinito en una de las conclusiones temáticas más bestias que vayamos a tener en el cómic mainstream de 2013. Eso es lo que es Invencible. Pero no sólo. Y es que la serie mantiene casi intactas sus constantes, si bien ha reducido un poco las dosis de humor de sus primeros pasos: aroma de cómic superheroico de toda la vida, sinergia arrolladora entre los elementos, creatividad a chorro volcada en el diseño de personajes, escenarios y cacharros (gran parte de la culpa de ello la tiene un pletórico, cada día más, Ryan Ottley) y una capacidad para el asombro epatante. Claro, después de tantos números (setentaylargos publicados aquí), las cosas no son lo que eran en un principio. Pero, menos mal, siguen siendo casi igual de divertidas.

SATOSHI KON - Regreso al mar

Probablemente la reedición de manga más importante del mes, este tomo del fallecido Satoshi Kon recopila la serie que el nipón publicaba a primeros 90 y nos recuerda que estamos injustamente ante uno de las menos valorados autores del panorama japonés, por lo menos en el terreno del manga. Porque, sí, la historia no es el colmo de la originalidad (un pueblo pesquero de la costa japonesa está inmerso en una leyenda según la cual tras 60 años de incubación sus habitantes deberán retornar al mar un presunto huevo de sirena), su mensaje ecologista y sus tiranteces entre tradición y modernidad ya los hemos vivido antes. Pero, qué narices, es (era) Satoshi Kon, era hablar de uno de los mejores narradores secuenciales -y no: ojo a sus animes- que conoció el país en los últimos veinte años. Y es, en fin, una de las obras más sensibles y aventureras, uno de los más importantes legados que nos dejó el responsable de Perfect Blue. Un tomo con un argumento, estructura narrativa y secuenciación muy cinematográficas que se lee del tirón pero se saborea con calma, dejándose uno empapar por el agua salada. Disfrutando de la perfección gráfica de un Kon a quien no le sentaba grande el calificativo de genio, de prodigio de la expresividad y el movimiento. Y dejándose llevar por esta pequeña gran epopeya que nos va conduciendo, entre brumas de costumbrismo y visos de historia extraordinaria, hacia un clímax hiperemocional y esa sensación de que en un futuro uno podrá volver a la historia y sentirse atrapado por ella de nuevo a un nivel más allá de lo racional.

ANDERS NILSEN - Grandes preguntas

Delicia surrealista, las grandes preguntas que plantea este tomo suelen estar relacionadas con la génesis del mismo y, más pragmáticamente, con su fin: ¿cómo demonios se puede escribir algo tan bueno? y ¿habría alguna posibilidad de que su lectura no terminara jamás? Afortunadamente, estamos ante un tomo voluminoso, uno en la línea de excelencia formal y temática de Fulgencio Pimentel que, en colaboración con Sins Entido han editado esta maldita maravilla. Un compendio de retazos de vida protagonizados por estúpidos gorrioncillos. Tan simple y tan complejo. Y lo de estúpidos es un decir, claro, porque -y ahí es realmente donde se da el título al libro- estos simpáticos funny birds se interrogan a sí mismos sobre cuestiones de pura metafísica, sobre existencialismo avanzado y, en fin sobre los mecanismos que rigen su cotidianía, su rutina y determinan su lugar cósmico. El resultado es hilarante, fresquísimo, adictivo, descreído, serio y totalmente despiporrante al mismo tiempo. Hasta que, de repente, uno se da cuenta de que han entrado en la ecuación más animales (casi símbolos arcaicos) y de que con ellos lleva varios cientos de páginas inmerso en un sistema profundo de alegorías, mitos y, sí, grandes preguntas de metafísica elevada. Para colmo todo está dibujado con un minimalismo exquisito, hiperexpresivo en su simplicidad y precioso en sus rupturas de la planificación convencional. Se habla de libro del año. De momento, lo dejamos en un rotundo must read.

SETH - G. N. B. Doble C. La Hermandad de Historietistas del Gran Norte

Hermanado con su anterior Wimbledon Green, esta G. N. B. doble C. es la novela gráfica que podría nunca haber sido, el complemento perfecto que no habría existido. Como una especie de proyecto maldito, uno de los dos autores canadienses más importante del momento (el otro es Chester Brown, duh) dio por imposible esta especie de mapeado de una escena comiquera inexistente para dedicarse de pleno a la historia de Wimbledon, el coleccionador compulsivo de tebeos canadienses que nunca existieron. Véase la estrecha relación. La Hermandad de Historietistas del Gran Norte cataloga todos esos autores, incunables, tendencias y coleccionistas que parecen existir sólo en la mente de Seth, pero a los que logra dotar de una viva humanidad, de tridimiensionalidad. La Historia paralela del cómic winnipeg de Seth está llena de aciertos deliciosos, de sonoros fracasos, de carambolas del destino, de integridad de valores y abandono de los mismos. Lleno de personajes que respiran y que cartografían, muy sutilmente, el espectro sentimental humano. Más -conscientemente- disperso que Wimbledon Green, pero casi tan esencial y exactamente igual de bellamente encuadernado.

VIVÈS / RUPPERT & MULOT - La gran Odalisca

Polina fue una cumbre. Y después -ignoremos el orden de publicación original y centrémonos en nuestras tierras- todo se fue dispersando un poco. Los melones de la ira fue una divertida astracanada, pero chirriaba en más de un punto y de dos. Y esos pequeños cuadernillos costumbristas que se han ido editando posteriormente siempre terminaban dejando con ganas de más cantidad y más profundidad. Por eso tenemos que saludar lo nuevo de Bastien Vivès (en colaboración con Ruppert y Mulot) con alegría. Porque no sólo resulta una vuelta a los altos niveles (no, El gusto del cloro, En mis ojos y Polina siguen insuperadas) sino que ahora se trae un pequeño cambio de rumbo. No un juego abierto con otro género, como ocurría en Por el imperio, sino más bien un ensanche de su propia cosmogonía, de su temática habitual: las relaciones entre veinteañeros. Porque aquí lo que entra por los ojos es una historia de ladronas trufada de secuencias de acción imposibles (increíblemente dibujadas, faltaría), triquiñuelas de películas de espías y aire de revisitación de Los ángeles de Charlie. Pero es que el bueno de Vivès no puede estarse de colarnos en los intersticios de la trama de suspense la historia de la relación entre estas tres jóvenes turbulentas, dotándolo a todo de una frescura casi costumbrista totalmente renovadora. Se devora de una tacada y da provecho hasta el siguiente.

JIM WOODRING - Frank, vol. 3 - La cuerda del laúd

Tercer volumen de los cuatro que dedica la editorial Fulgencio Pimentel a recopilar íntegramente las aventuras de Frank, el gato lisérgico de Jim Woodring. Y tercer acontecimiento imperdible que tenemos en año y medio para los simpatizantes del underground USA. Y aunque aquí el formato cambia, las constantes se mantienen: toca compilar las historietas breves que parió el autor y diseminó a lo largo de revistas y publicaciones (y que incluso le valieron algún que otro premio de prestigio); pero se mantiene intacta, a pesar de las breves duraciones, la capacidad brutal de epatar, de absorver al lector hacia las mismas espirales viciadas de acontecimientos que se encadenan no se sabe muy bien siguiendo qué leyes de la física: aquí la secuencialidad la desencadenan mutaciones, excreciones y planos narrativos que se estiran a sí mismos a través de grietas en distintas capas de realidades. Y todo sin mediar palabra. Excepto en una de ellas, las historietas de Frank son rigurosamente mudas en texto pero hiperexpresivas en imagen: una reivinidicación de la capacidad para el relato puramente visual y una prueba palpable del poder para provocar infinitas reacciones que tiene la fisicidad del dibujo de Woodring. De otro mundo. Pero literal.

MARI YAMAZAKI - Thermae Romae

La revelación manga de la temporada no contiene grandes dosis de ultraviolencia (que a veces está muy bien, ojo), ni plantea escapes surrealistas hacia lugares que ponen en jaque la cordura o la credulidad del lector. Ni siquiera aparece un tentáculo o un mecha (y perdonadme la ristra de tópicos, sabéis que somos muy de manga). No, la gran sorpresa nipona del momento la acaba de dar -o está a punto de ello- una suerte de comedia histórica con tintes de ciencia-ficción en la que un arquitecto frustrado de la Roma clásica viaja mediante un agujero de gusano en unos baños públicos al Japón actual. Como suena de gracioso y como suena de posibilista: especialmente teniendo en cuenta que el insospechado timelord involuntario es capaz de volver a su lugar y su época con una serie de conocimientos adquiridos para poner patas arriba el establishment patricio. Obra de Mari Yamazaki, gran conocedora del mundo clásico, he aquí un seinen jolgorial que suple lo tosco de su trazo con frescura, desparpajo y cachondeo. Y que del jitazo que ha supuesto en su país de origen hasta ha generado anime y una peli que incluso tendrá secuela.
Norma. Primer volumen. Vale, queremos más. Ya.

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Querida Diane, ESPECIAL UPFRONTS (FOX)

2013-05-15T07:14:00.001+02:00

La temporada 2012-13 ha sido una de las peores para las series de Fox. Las propuestas no han cuajado entre los espectadores a excepción de ese aborto llamado The Following. Y no parece que vayan a cambiar mucho las cosas de cara a la temporada que viene. Un año más, el canal sigue apostando por las comedias familiares aunque encontramos algún proyecto de verdadera buena pinta. Entre los dramas vemos series nuevas buscando cubrir otras terminadas (Fringe, House...). Detalle curioso que incluso hayan decidido resucitar 24 para una miniserie de despedida. Veamos los 4 dramas y las 5 comedias escogidas.

DRAMAS

Almost Human
De nuevo una producción de J.J. Abrams en este policíaco futurista muy del estilo Yo, robot. Seguiremos a John Kennex (Karl Urban, Dredd), un agente de policía que vuelve al trabajo tras una lesión en su pierna. Con una prótesis biomecánica, Kennex acepta a regañadientes a su nuevo compañero, un androide con mejores dotes humanitarias que el propio agente humano. Una ciudad futurista y efectos muy cinematográficos para una propuesta atractiva pero sin un futuro claro.

Razones para creer: Nos encontraremos a la bella Minka Kelly (Friday Night Lights) y su creador ha sido guionista de Fringe.

Gang Related
Enésimo drama de criminal infiltrado entre la policía. De los creadores de A todo gas la serie se centrará en un grupo de policías en su lucha contra un rey de la droga. Persecuciones, dobles caras y dilemas morales. Puede funcionar como una versión light de The Shield o The Wire, pero eso es aventurar demasiado.

Razones para creer: Contar con Terry O´Quinn siempre llama la atención pese a sus pocos aciertos tras el final de Lost.

Sleepy Hollow
Curioso el giro argumental al mítico relato del jinete sin cabeza. Utilizando el mismo nombre que la película de Tim Burton, su versión televisiva modernizará la trama transportando a Ichabod Crane (Tom Mison) al presente. Un héroe fuera de lugar y una ambientación muy cercana la fantasía gótica de los flashbacks de The Vampire Diaries. Apuesta muy arriesgada y con un público muy focalizado.

Razones para creer: Tiene todas las papeletas para ser una aberración pero tiene algún ingrediente atractivo. Puede crecer con otros monstruos.

Rake
El profesional malhumorado que fue House encuentra un sustituto a su altura en Rake. Remake de la serie australiana del mismo nombre, con todo el peso de la misma sobre Greg Kinnear. Enamorado de una prostituta, matones buscándole y líos varios para un abogado genuinamente bueno. Parece una serie de la cadena Showtime en lugar de un drama de Fox. Esto puede ser un freno continuo.

Razones para creer: El trabajo de Greg Kinnear huele a premios y este hecho puede ser un gran aliciente en las poco premiadas series del canal. Aunque repito: el peso de ser una serie de network.

COMEDIAS

Brooklyn Nine-Nine
Comedia laboral sobre un grupo de detectives en una comisaría de Brooklyn. Al puro estilo Parks and Recreation (comparte creadores), veremos actitudes rocambolescas y personajes hilarantes. Tiene todos los ingredientes para ser el mejor estreno del canal pero necesita conquistar al público. La Fox resiste peor los datos de audiencia que la NBC, verdadero hogar de esta producción. Promete.

Razones para creer: Su cast es una delicia con Andy Samberg (SNL), Andre Braugher (Last Resort) y Terry Crews (Los mercenarios). Atención al trailer y al cameo de un genio actual de la comedia.

Enlisted
La historia de tres hermanos en una base militar. La familia Hill serán los protagonistas de esta comedia con un grupo de reclutas nada ordinario. Como si de un Community militar se tratara, los secundarios son un espectáculo bastante estrambótico. Sin ser ninguna maravilla puede entretener y cubrir las necesidades de carne del público femenino. Encabezan el reparto Geoff Stults (The Finder), Chris Lowell (Veronica Mars) y Parker Young (Suburgatory).

Razones para creer: Necesitan explotar muy bien la parte weird de sus secundarios ya que los hermanos jóvenes no parecen aportar demasiado.

Dads
Primera sitcom de imagen real para Seth MacFarlane (Padre de familia, American Dad). Dos jóvenes promesas en la creación de videojuegos ven su rutina alterada cuando sus padres se mudan a vivir con ellos. Los cascarrabias ancianos ven la oportunidad de parasitar a sus hijos en todo lo posible. Sus primeras imágenes son demasiado sosas para el humor picante y sangrante de MacFarlane.

Razones para creer: Sus protagonistas (Seth Green y Giovanni Ribisi) tienen pedigree.

Surviving Jack
Cuando su mujer vuelve al trabajo, Jack Dunlevy (Chris Meloni, Oz) se implica en la vida de sus hijos. Ambientada en 1990, supone la apuesta más floja del canal. Dejando de lado su época, no hay ningún aliciente o elemento atractivo.

Razones para creer: Fe ciega en Chris Meloni a.k.a. ninguna.

Us & Them
Gavin (Jason Ritter, Parenthood) y Stacey (Alexis Bledel, Las chicas Gilmore) son dos jóvenes que sólo se conocen por Internet. Sus familias no lo entienden, sus amigos desconfían y por ello acceden a una cita doble. El encuentro resulta incomodo y diferente a lo esperado pero la química entre ambos planta una semilla de amor verdadero. Poca risa fácil y mucho momento dulce.

Razones para creer: La pareja protagonista es una monada y nos reencontramos con Jane Kaczmarek (Malcolm in the Middle).

Por Iñaki Arrieaga (SavemeBarry)

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Los upfronts de la NBC

Crítica de Kauwboy

2013-05-14T18:00:00.004+02:00

Por devaneos curiosos del destino, últimamente están coincidiendo en nuestras carteleras diversas producciones que tienen en los niños el principal foco de atención. Después de Nana, hace apenas un par de semanas se estrenaba la francesa Tomboy, magnífico mini relato sobre una niña de diez años que aún debe acabar de encontrarse a sí misma. Y en el mismo universo podría ubicarse ahora la holandesa Kauwboy, aunque esta vez se trate de un niño, de edades similares, que se amolda como puede a la complicada situación familiar de que dispone. Se parecen en cuanto a que también esta es una producción pequeña y sencilla, de escuetísima duración y medios, que casi podría describirse como un haiku pasado a fotogramas (juraría que Xavi ya definió así a alguna de las dos en sus críticas). Luego, en la práctica, hay diferencias sensibles; pero en esencia, ambas películas tienen la agradecida voluntad de colocar el punto de vista a la altura de un infante para dilucidar cómo afronta situaciones adversas a las que ni siquiera debería tener acceso o peor aún, a las que los adultos creemos que no tiene acceso. Y otro factor común: si bien sea inferior a su hermanastra gala, Kauwboy se convierte en una de las destacadas de la temporada.

Y lo hace por no alejarse demasiado de la cercanía y la simplificación (que no simpleza), sendos leitmotiv de este universo cinematográfico. El niño que se nos presenta, la familia de la que forma parte, la relación con sus compañeros de colegio, y con el pájaro a quien rescata de un accidente y que sirve como entramado principal, se antojan absolutamente realistas, cotidianos. Lejos, en definitiva, de grandes aspavientos dramáticos si bien sus vidas no estén exentas de ellos. Sin ánimo de destripar más de lo debido, el proceso de maduración de esa amistad entre el niño y su inesperada mascota no es sino el reflejo de un tema todavía más palpable y terrenal, a la par que adulto por cierto. Como era de esperar, Boudewijn Koole (director y guionista a cuatro manos, junto a Jolein Laarman) optan por una presentación igualmente austera y natural, en su mayor parte limitada a planos muy cercanos al protagonista. Se detienen en sus miradas, en las expresiones faciales del estupendo actor Rick Lens. En sus silencios. En definitiva, se respira en Kauwboy una humanidad prácticamente total.

Prácticamente, sí, porque aquí vienen las curvas. De manera progresiva, el cineasta va dejando su impronta en una serie de decisiones artísticas cuestionables. Poco a poco, ralentíes y momentos muy próximos al videoclip van haciendo acto de presencia hasta tornarse abusivos, restando buena parte del impacto de alguna de sus secuencias emocionalmente más intensas. Por el contrario, otros recursos estilísticos sí resultan más atractivos (esos cortes con fotogramas congelados), pero en general, acaban gozando de una potencia mucho más genuina aquellos pasajes en que sencillamente, se recurre a las interpretaciones (y al guión) como armas. Ahí están el primer exabrupto del padre, la conducción temeraria del mismo, o el cumpleaños feliz que canta el niño a grito pelado. Son pequeños tachones que acompañan a un giro más que previsible. Y por este motivo, Kauwboy acaba rayando un poco por debajo de sus aspiraciones iniciales.

Pero que una cosa no quite la otra: la película de Koole sigue siendo emotiva, humana, realista, creíble y sincera. De aquellas capaces de ponerte el corazón en un puño de manera casi inmediata, para luego dejarte ir con una gran, radiante sonrisa en la cara. Y eso bien merece una oportunidad, ¿no?
8/10
Por Carlos Giacomelli

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Crítica de Tomboy
Crítica de Nana

Querida Diane, ESPECIAL UPFRONTS (NBC)

2013-05-14T07:17:00.000+02:00

It´s been a while... lo sé. Hemos vuelto (Diane y un servidor) en la semana más emocionante de todo seriefilo activo. La de los Upfronts, la semana en la que las principales networks anuncian las renovaciones y cancelaciones definitivas. Además presentan las series que llegarán en septiembre o en su defecto en midseason. Empezamos por la NBC. El canal del pavo real, tras cancelar prácticamente toda su cartera de sitcoms (Go On, The New Normal, 1600 Penn, Guys with Kids, Whitney…), nos muestra su apuesta por el repunte definitivo de audiencia. Con la segunda temporada de Hannibal en el limbo, NBC ha dado luz verde a 8 dramas y 6 comedias.

DRAMAS

The Blacklist
La primera gran apuesta se centra en un drama de investigación con muchas similitudes a El silencio de los corderos. Cuando un famoso criminal (James Spader, Boston Legal) se entrega al FBI, sorprende su petición de hablar con la novata agente Elizabeth Keen (Megan Boone). El misterioso hombre, ofrece información para capturar a otros fugitivos entre secretos y un masterplan oculto.

Razones para creer: Su premisa simple puede sorprender viendo que el director de su piloto es Joe Carnahan (respetado desde esa espléndida Infierno blanco). Su actriz principal es una novata y puede ser el mayor fallo, pero tampoco conocíamos a Jennifer Garner antes de ser Sidney Bristow.

Believe
De la mano de Alfonso Cuarón (Hijos de los hombres) y J.J. Abrams (Lost, Fringe) llega el high concept del canal. La seguridad de una niña con increíbles poderes recae en un fugitivo destinado a protegerla de las amenazas que surjan en su huida. Entre los secundarios tenemos a Kyle MacLachlan (Twin Peaks), Sienna Guillory (pronto en Luther) o Jamie Chung (Sucker Punch).

Razones para creer: Alfonso Cuarón ha demostrado tener buen ojo a la hora de elegir proyectos y pese al tufillo a la fallida Touch, creemos que puede sorprender si se lo permiten.

Chicago PD
Spin off del éxito sorpresa del canal, varios actores de Chicago Fire arrancan su andadura en solitario. Siguiendo al departamento de policía del distrito 21 nos reencontramos con el corrupto sargento Voight (Jason Beghe) y el detective Antonio Dawson (Jon Seda, Treme) entre nuevos rostros. Tania Raymonde (Lost), Scott Eastwood (hijo de Clint) o Kelly Blatz (Glory Daze) son algunos de estos recién llegados.

Razones para creer: Nadie esperaba nada de Chicago Fire y ha resultado ser el estreno más solido de los estrenos en networks. Esperemos que sepan repetir la misma formula pero con identidad propia. La trama con jefe corrupto nos recuerda a The Chicago Code.

Crisis
Un autobús escolar es secuestrado por un grupo criminal, en su interior se encuentran los hijos de los mayores diplomáticos internacionales. Ante semejante condicionante las prioridades se vuelven primitivas y tocará ver hasta donde pueden llegar en sus peticiones de rescate. Interesante punto de partida pero sin dejar muy claro hacia donde crecerá.

Razones para creer: Su protagonista es Gillian Anderson (Expediente X) tras sus aventuras británicas. Resultará curioso ver cómo se desenvuelve en un drama serializado de largo recorrido.

Dracula
De los productores de Dowton Abbey llega una revisión del mítico personaje. En pleno Londres victoriano, Dracula (Jonathan Rhys Meyers, Los Tudor) seduce a jóvenes damas, es anfitrión de grandes espectáculos y lucha contra fieros caza-vampiros. Las intenciones ocultas del famoso conde buscan venganza para aquellos que terminaron con la vida de su esposa, reencarnada en una joven dama (Jessica de Goul, Arrow).

Razones para creer: Es una apuesta arriesgada (tanto visual como argumentalmente) y tiene muchas probabilidades de ser un éxito o un gran fracaso. Por lo pronto arrancar en la noche de los viernes indican lo segundo.

Crossbones
La NBC se ha vuelto loca. No hay otra explicación para encargar un drama pirata y colocar a John Malkovich interpretando a Barbanegra. La serie colocará a un infiltrado entre los navegantes del famoso pirata. Su misión será terminar con el capitán pero los ideales de Barbanegra harán mella en el joven.

Razones para creer: Una network no puede soportar las necesidades de una serie de este tipo. Cambiad de canal y disfrutad con Black Sails de Starz.

The Night Shift
Nuevo intento por encontrar un drama médico de éxito. En este caso nos encontramos con el turno de noche de un hospital y su frenético ritmo. No hay grandes nombres asociados al proyecto. Uno de sus creadores llega desde 90210.

Razones para creer: su director es Pierre Morel (Venganza). No es gran cosa.

Ironside
Remake de la serie policíaca del mismo nombre, la historia nos presenta a el efectivo detective Robert Ironside postrado en una silla de ruedas. Su condición no es obstáculo para ser un tipo duro e incluso le proporciona una nueva perspectiva (WTF?!) sobre los crímenes. Blair Underwood se hace con el papel protagonista en un acierto de casting.

Razones para creer: La elección de Underwood puede que sea lo único acertado.

COMEDIAS

About a boy
Adaptación de la película protagonizada por Hugh Grant y Nicholas Hoult, Un niño grande. Un hombre encantado con su soledad aprovecha las visitas de su pequeño vecino para conquistar a mujeres. La relación entre el niño y su ligón vecino ira creciendo.

Razones para creer: Me cuesta encontrarle un punto a favor, tocará esperar a ver un trailer.

The Michael J.Fox Show
Tras su paso por The Good Wife, Michael J.Fox estrena una serie muy personal (hasta el punto de titularla con su propio nombre). En ella interpretará a un famoso periodista retirado y con parkinson. La vida en familia resulta un torbellino con su vitalidad eléctrica. Entre humor atrevido y mucho cariño, la serie seguirá el regreso a la televisión del padre de familia.

Razones para creer: No tendrá el valor que requiere para ser una serie perfecta pero se ven ganas y bastante conexión entre todas las partes de la serie. Puede ser grande.

The Family Guide
El divorcio de la familia Fisher resulta no ser tan común como esperamos cuando descubrimos que el marido es un invidente y su mujer una hippie. Entre dos figuras paternas tan peculiares, sus hijos se las verán para crecer sin problemas en un núcleo familiar tan inestable.

Razones para creer: J.K. Simmons y Parker Posey interpretando al matrimonio era demasiado perfecto para ser real. Tras ser escogida, Parker Posey ha abandonado la serie. Jason Bateman será el narrador.

Welcome to the family
El amor adolescente (y un inoportuno embarazo) obliga a dos familias a unir posturas. Las diferencias ideológicas entre la clase media norteamericana y la latina se agravan con la rivalidad previa entre los dos patriarcas. NBC lleva mucho tiempo buscando su Modern Family y se nota.

Razones para creer: Pese a su aspecto humilde, el trailer tiene varios puntos divertidos.

Undateable
Un joven descarado se propone enseñar a su nuevo grupo de amigos todo lo necesario para conseguir una cita y salir triunfante de ella. No será tarea fácil viendo el aspecto de todos ellos. Socarronería en un cursillo para ligar por fascículos. Podéis apuntaros.

Razones para creer: Su protagonista Chris D´Elia (Whitney) es bastante divertido cuando se lo propone y puede resultar entretenida.

Sean saves the World
Cuando os preguntan ¿cuál el personaje más gay de la televisión estadounidense? Todos responderéis: El de Will & Grace. Efectivamente, Sean Hayes vuelve a interpretar a un personaje homosexual viendo que su "yo" hetero no le ha funcionado. En esta ocasión será un hombre divorciado con una hija adolescente que se traslada a vivir junto a él.

Razones para creer: Ninguna, el chiste dejó de hacer gracia hace mucho tiempo. Y no está Megan Mullally.

Por Iñaki Arriaga (SavemeBarry)

Los agentes de SHIELD también presentan trailer

2013-05-13T15:38:00.001+02:00

En la semana de la actualidad televisiva por excelencia (la de los upfronts, las renovaciones y las cancelaciones), la nueva serie de Joss Whedon presenta trailer para la próxima campaña de la ABC. Agents of SHIELD, la que se espera que salve de una vez a la cadena de ese pozo en el que parece estar metida cada vez que toca presentar una serie nueva. El tiro parece seguro: el director de Los Vengadores no se aleja del universo Marvel, y esta vez desvía su mirada hacia la organización S.H.I.E.L.D. (E.S.C.U.D.O., en según qué traducción de cómics) capitaneada, con el permiso de Nick Furia, por el agente Coulson (Clark Gregg). Lo cual no deja de resultar curioso, si se ha visto la película antes mentada. Sea como sea, pinta a fuegos artificiales por todo lo alto, a inversión de las gordas, y a posibilidad de cameos superheroicos. ¿Dónde hay que firmar?

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¿Es ese Hulk?

DVD-Crítica de Grizzly

2013-05-13T11:00:00.000+02:00

Lo que tienen los grandes éxitos, al menos antes de la existencia de la productora Asylum¹, es la generación de exploits, a cuál más burdo. El ejemplo más obvio, si bien no el primero ni mucho menos, es el de Tiburón: en 1975 fue un jitazo de los gordos, y eso provocó infinidad de pseudosecuelas e imitaciones, que se limitaban a cambiar a un bicho por otro y santas pascuas. Es el caso de Grizzly (ahora editada por A contracorriente films), estrenada apenas un año después del boom de Spielberg, y que cambia tiburones gigantes por un oso ídem, manteniendo más o menos intacto todo lo demás. A saber: una bestia más grande de lo normal cargándose a quienes invaden su hábitat natural; un grupo de turistas poniéndole las cosas fáciles al animal por hacer oídos sordos a los consejos de los profesionales, y los salvadores de la función: un pequeño grupo protagónico con el cazador, el ranger del parque y algún ayudante más. Lo dicho, explotación de la fórmula en estado puro, de aquellas de títulos de entrada sobreimpresos en amarillo chillón, a ritmo de clarinetes y violines y de grandes planos aéreos. De aquellas que no esconden sus limitaciones presupuestarias ni su espíritu descaradamente sacacuártico. Pero qué bien entran a veces, ¿verdad?

Cierto es que vistas hoy en día, todas las pelis-con-bicho anteriores a la época digital (y manteniendo a los grandes al margen, claro) tienen algo de entrañable en su decepción. Porque todas, por un u otro motivo, decepcionan; pero a su vez tienen algo a lo que aferrarse. En el caso que nos ocupa, sin duda, es su condición de setentera a matar: algunos detalles los hemos ido diciendo antes, pero hay más, empezando por su imagen hiper-panorámica (respetada en la edición que nos ocupa), o por su cantidad de detalles visuales ya sumamente desfasados: todo fotograma de Grizzly está trufado de hippies, pantalones tejanos por encima del ombligo y camisas a cuadros de leñador. Y a otros niveles, más. Como los grandes discursos que coquetean con el New Age, las actuaciones dignas películas pornográficas, la acostumbrada moraleja lanzada a los morros del espectador (lo de siempre: si alguien te dice que no acampes ahí que es peligroso, NO acampes ahí), o el propio tempo de la cinta, que tras una primera secuencia de supuesta tensión, da paso a un arco y medio de presentación y disposición de fichas con algún salpicón de terror (ejem) aquí y allá.

Sólo que un espíritu retro, como cabo al que aferrarse, ciertamente suena a poco. Toca hablar de la decepción, la decepción que siempre sobreviene a quien pretende recuperar esta clase de ¿clásicos? de serie Z, pero que puede llegar de diversos orígenes, escociendo algunos más que otros. Y esta vez lo hace por la peor de las vías. Grizzly falla en lo único en que podía triunfar: es condenadamente aburrida. Y lo es por querer tomarse demasiado en serio a sí misma, lo que le infiere, de entrada, un ritmo demasiado monótono que desemboca en el hastío y el rechazo. Salvo que realmente se pretenda hacer un esfuerzo de aúpa, eso lleva al rechazo de un espectador que no dejará pasar ni uno solo de sus innumerables defectos. Y claro, si se abre la caja de pandora...

Sale a relucir lo peor: una película incapaz de generar el más mínimo sentimiento de tensión, que tarda poco en olvidar su faceta divertida, y que está resuelta con mucha, mucha torpeza. Pese a los planos aéreos iniciales, su escasez de medios es evidente y queda plasmada en las escasas muertes que provoca el oso gigante, en las que la cámara sigue únicamente a los humanos, recurriendo a primeros planos de sus horrorizados rostros para evitar mostrar a la bestia asesina (eso sí, lo compensa con un punto más de gore de lo habitual). Pero claro, llega un momento, sus minutos finales, en los que sí debe mostrarse el oso por evolución lógica de la cinta, y casi hubiese sido mejor acabar antes: se trata de un oso normal y corriente, y nadie hace nada por maquillarlo mínimamente con alguna maqueta o plano que juegue con las perspectivas; diríase de hecho que se trata de imágenes de archivo la mayor parte del tiempo.

Quedan un par de secuencias para el recuerdo: dos momentos, uno animal, el otro humano, de una crudeza muy explícita e inesperada, animan un poco el cotarro abriendo un tercio final algo más acertado. Es aquí, en estos minutos finales, en los que Grizzly hace acopio de un inesperado espíritu guasón en el que destroza un cliché (el habitual renacimiento de quien dábamos por muerto) y tira de exceso para su encuentro final. Esa es la tónica que se esperaba desde el principio, la verdadera clave del éxito de los exploits cuando se saben incapaces de colmar otras necesidades, sean éstas despliegue de recursos o generación de terror puro. Una pena que ocurra demasiado, demasiado tarde.

Por Carlos Giacomelli

Y en el DVD...
A contracorriente films edita esta película en DVD sin demasiados aspavientos: la imagen (que conserva el formato panorámico original) no goza de ningún trabajo especial ni mucho menos el sonido, presentado en simple estéreo Dolby Digital para la versión original y mono en castellano. Además, los extras se limitan a las fichas técnico-artísticas y el trailer, por lo que la adquisición de la película se antoja tan sólo obligada para los apasionados de las monster movies, sean de la calidad que sean. Lo mejor, eso sí, es su precio: menos de 9 € si se compra vía Amazon...

________________
1 La compañía que, cuando sale un pelotazo comercial, lo plagia cambiando ligeramente el nombre y llegando a estrenar su versión incluso antes del lanzamiento de la original. Algunos ejemplos: Transmorphers, Abraham Lincoln versus Zombies, Paranormal Entity o 2012 Doomsday

Paren el mundo. Primer trailer de la nueva temporada de Arrested Development

2013-05-13T09:24:00.001+02:00

Podríamos decir que nuestra vida de teléfilos ha conducido hasta este momento. Y estaríamos mintiendo. Pero muy, muy poquito, porque uno de nuestros sueños está a punto de cumplirse. Y es que ya podemos encargando ya las lápidas, porque el 27 de mayo, cuando ya nos hayamos tragado del tirón todos los nuevos episodios de Arrested Development que tienen su fecha de estreno el día anterior por Netflix, podremos irnos al otro barrio. Y lo haremos en paz. Esto es, con permiso de la gente de Wernham Hogg y del señor David (vale, y de Louie), la mejor comedia que se ha visto en pequeña pantalla en los últimos quince años, justo en ese fructífero periodo que empezó cuando terminó Seinfeld y la comedia televisiva estuvo en peligro de morirse.
Así que habemus trailer y aquí, menos las tetas en blur de Gudy Greer, están todos y todo: el garfio de Buster, el coche escalera, The Final Countdown, Tobias, los shorts vaqueros de Tobias (no se ven explícitamente, pero sabemos que están ahí), la casa modelo... Oh, esperad, falta Liza Minnelli. Pero sí, todo lo demás está.
La hiperfelicidad era esto. El mejor lunes del año.

Ha fallecido Constantino Romero

2013-05-12T09:14:00.003+02:00

Y en un domingo soleado de un año que no puede ser más jodidamente negro para el mundo del arte español nos quedamos no de piedra, no, demolidos. Porque pocas personalidades más carismáticas pasaron por la televisión de los ochenta y los noventa, porque el teatro (Sweeney Todd) cobraba fuerza atronadora cuando estaba él y especialmente porque pocos supieron imprimir un tono tan personal, elegante y riguroso al mundo del doblaje. Porque con él se van infinidad de recuerdos catódicos (El tiempo es oro, por Dios, absoluto clásico televisivo), una manera vitalista de entender el espectáculo y especialmente un buen puñado de personajes de los que cimentaron nuestra cinefilia en nuestra más tierna infancia. Sí, para nosotros han muerto Darth Vader, Terminator, Mufasa, el Bond de Roger Moore y muchos personajes con el rostro de Clint Eastwood.
Estaba jubilado, sí, pero casi todos considerábamos que lo teníamos aún por aquí. A los 65 años, nos deja LA VOZ.
Terriblemente tristes.

Crítica de Pietà

2013-05-11T18:56:00.000+02:00

Dice el tópico que madre no hay más que una. Y si algo tienen los tópicos es un alto porcentaje en concentración de verdad. Así que si por aquellos designios de la biología o giros del destino te toca una madre un poco psicópata, no vas a tener más remedio que joderte, aunque tus actividades tampoco sean precisamente las que caracterizan a un hijo modélico. El que protagoniza la cinta que nos ocupa es nada menos que un cobrador a sueldo con métodos poco ortodoxos y poco amigos del seguro de vida de sus víctimas. Un tipo salvaje, malnacido y eficaz a quien un día se le presenta una señora que asegura ser su madre, que le abandonó décadas atrás.
De modo que como una nueva cara del poliédrico sistema de intereses universales que protagonizan la filmografía de Kim Ki-duk (no hay más que pensar en ello: en este señor todo son temas sencillos, que no simples), la maternidad es el tema central en esta su nueva Pietà. En esta su nueva piedra en un historial caracterizado por la disparidad de masas y colores, en un currículum eminentemente irregular y, probablemente por eso, poderosamente interesante: puede que balanceando la cantidad de películas cuestionables (Bad Guy, Dream, Amén) supere a la de hitos intachables (La isla, Hierro 3, Samaritan Girl), pero pasiones, el coreano, levanta. Arriesga y no siempre convence. Pero se moja. ¿O quizá no tanto?

Quizá con Pietà, un poco a medio camino de todo, el realizador se haya mostrado casi demasiado conservador, algo plegado a unas formas preestablecidas, a un cierto proceder formulaico y reiterativo, a un lugar de pulcritud en resultados demasiado profiláctica. Y claro, hay que reconocerle méritos a su nueva película -así lo creyó el jurado de Venecia al aflojarle el León de Oro el pasado año-, pero tampoco se le pueden dejar de poner pegas. Pegas, como decimos, basadas en lo aparentemente inútil en eficacia revulsiva de unos planteamientos ya poco sorprendentes, del tratamiento ya conocido de ciertas perversiones ya vistas.

Y atención, la película no va totalmente falta de cargas emocionales, ni renquea en plantear situaciones de intensidad y espectro emotivo variables a través de convenciones genéricas del thriller. En realidad logra cotas de emoción estimables gracias a sus argumentos que, no por crispados, casi histriónicos, fluyen menos. Pero probablemente su alcance sería mayor de haber buscado más una mayor ruptura tonal y formal, no necesariamente aumentando los niveles de turbación.

Porque de eso, Pietà va más o menos sobrada. Su capacidad de incomodación es notable gracias, principalmente, a una cuidada puesta en escena que radicaliza lo íntimo para contraponerlo al inesperado estallido de violencia o mal rollo, articulando un juego de ambivalencias (Ki-duk es uno de los más destacados cultivadores de esa tan oriental tendencia de balanceo entre la crueldad extrema y la delicadeza quebradiza), un pivotaje que juega tanto a su favor como en su contra: el salto del thriller al drama maternofilial, el choque entre costumbrismo tradicional y la llegada inminente de nuevas estructuras sociales, los ramalazos de humor negro entre secuencias decididamente oscuras, funcionan. Las reflexiones sobre los impulsos de crueldad y la necesidad de compasión tienen distintos grados de sutileza y pueden aportar nuevos matices al discurso global del director. Y la mirada al recuerdo, el peso de la memoria y la volatilidad del pasado quedan bien plasmados no sólo en la historia central, sino también en su puesta en imágenes, a través de ese barrio deprimido, suburbio de Seul, a las puertas de su destrucción.

Sin embargo, la parte formal incurre a ratos en ese exceso de comodidad molesta de la que hablábamos. Y si Pietà tiene momentos de gran plasticidad natural, no es menos cierto que muchos otros se recrean en un esteticismo forzado, e incluso la propuesta resulta a ratos visualmente inane y perezosa. Lo cual no logra disimular la familiaridad y simplicidad de su discurso sobre la redención, de su ocasional simbología relgiosa y de las disquisiciones sobre la violencia y la venganza, otro de los temas centrales en la obra del director; y no logra hacernos olvidar que en el fondo esta es una película despojada de la poderosa capacidad de sugerencia de sus obras mayores. Que si quiere marcar un nuevo hito en la representación cinematográfica de las contradicciones morales derivadas de la violencia, inevitablemente fracasa.

A pesar de todo al final, y salvando todos los inconvenientes, la cosa queda arreglada y presentable. Como siempre, todo en el cine de Kim Ki-duk puede reducirse a un ítem: tiempo narrativo. Y ahí el realizador se muestra intachable, dotando a su película de un peso específico y una apariencia (general, visual pero también tonal y textual) compacta y sólida. Erigiéndose como un motivo más de división para el público de cine más o menos autoral. Vuelve la eterna pugna entre lo genuino, lo original y lo visceral, entre estilo y contenido, entre narcisismo y discurso que se concreta, una vez más, y no será la última, en una película de Kim Ki-duk.

Pero agarrémonos a la calma y el temple: ni tanto ni tan poco.

6'5/10

Por Xavi Roldan

DVD-Crítica de Made in USA (Kentucky Fried Movie)

2013-05-10T16:49:00.002+02:00

John Landis es uno de los maestros del terror (a tenor de la serie homónima emitida, con más pena que gloria, entre 2005 y 2007 en la cadena Showtime) gracias a Un hombre lobo americano en Londres y a, bueno, al corto Thriller que sirvió para el videoclip de la canción homónima de Michael Jackson. Pero a nosotros nos pone infinitamente más su faceta humorística, y preferimos considerarle como uno de los redefinidores de la comedia norteamericana. Demonios, en este sentido, su carrera es envidiable: sólo por Desmadre a la americana y Granujas a todo ritmo ya cuenta en su casillero con más películas míticas que la mayoría de directores dedicados a las risas. Y sin duda cabe añadir al dúo la que iniciaba su trío cómico por excelencia, esta Made in USA que seguramente sea más conocida por su título original (The Kentucky Fried Movie) y que ahora edita A contracorriente, no sin un gran riesgo por su parte. Y no por la trascendencia de la película: tras el debut en forma de comedia de terror titulado El monstruo de las bananas, la que nos ocupa es fundamental en el apuntalado de la filmografía de Landis; no, el riesgo surge de la condición de inclasificable de la cinta, de su humor extraño, absurdo y cambiante que puede chocarle a más de uno.

Para poner en situación al lector que jamás haya oído hablar de la película, un apunte: ya no es tanto el hecho de que tras las cámaras se encuentre quien se encuentra en su primer asalto a la comedia pura. Es que Made in USA supone también el debut de un trío de guionistas que se acabarían convirtiendo en los capitostes absolutos del género justo cuando Landis cedía su trono para probar suerte con el terror. David Zucker, Jim Abrahams y Jerry Zucker, los ZAZ responsables de Aterriza como puedas, Agárralo como puedas o Top Secret!, empezaban su andadura cinematográfica en 1977 con esta película, tour de force desquiciado y desquiciante, que aglutina mil y un estilos de película diferentes y gags que navegan entre lo picante y lo familiar, lo grotesco y lo absurdo, lo original y lo paródico. Se trata de una sucesión de sketches de diversa duración y contenido, que en algunos casos sirven de conexión argumental y en otros, simplemente, de fogonazos o exabruptos momentáneos.

La idea, y ojo que se las trae, parece clara: componer una suerte de programación televisiva de variedades puramente norteamericana. Eso incluye noticiarios, ficción, anuncios y adelantos de próximos estrenos… hasta la supuesta franja horaria parece respetarse con una temperatura en aumento hasta un colofón final que roza el cine erótico. Tarda poco, nada en verdad, en descubrirse la principal fuente de inspiración que por otra parte, ni los ZAZ ni John Landis esconden: ver Made in USA viene a ser algo así como un episodio del Flying Circus de los Monty Python trasladado a los Estados Unidos, conservando prácticamente intacto ese humor tan extraño de los ingleses (en no pocas ocasiones se diría que ni siquiera se molesta en buscar la risa del espectador), sin que por ello se tenga la sensación de estar frente a un mero exploit. Al contrario, por muy mutante que sea la que nos ocupa mantiene una personalidad fortísima, que es la que a la postre acaba logrando la perdurabilidad.

Y es que unos gags pueden salir mejor que otros; sus sketches pueden antojarse insuficientes o eternos (el de la parodia de Bruce Lee); y algunos momentos pueden resultar más incómodos (el de la blacksploitation) que divertidos. Ya lo decíamos al principio, Made in USA es un riesgo porque más que una comedia, es un reto al espectador. Pero es de aquellas cintas que por un motivo u otro, no se olvidan. Una película que conforme se consume va formando de manera automática e inmediata un universo particular que queda en el recuerdo. Te sientas a verla sin saber muy bien por qué, sigues viéndola sin tenerlo del todo claro, pero cuando acaba da la sensación de que podría haber durado siete horas más y tú, maldita sea, te hubieras quedado delante de la tele a mirar. Y eso es la magia del cine en estado puro. Bueno, eso… y un tío disfrazado de gorila liándola en un estudio de televisión, que siempre bien.

Por Carlos Giacomelli

Y en el DVD…
A contracorriente films es quien se encarga de distribuir Made in USA en España. Lo hace con una única edición en DVD que incluye un tráiler (de cuatro minutos, eso sí) y las habituales fichas técnica y artística. Poquita cosa, pero a saber las condiciones en que debe pulular la cinta en todo caso. Cinta que, por cierto, aglutina diversos estilos en función del sketch, por lo que es de imaginar que el formato aguanta el tipo de manera más que correcta. El sonido, 2.0 digital mono tanto en inglés como en castellano, queda a años luz de cualquier virguería en alta definición actual, pero ha sido depurado lo suficiente como para, al menos, permitirse un visionado audiovisual correcto, que ya es.

Va de tele: primeros instantes de SHIELD y... ¿el regreso de 24?

2013-05-10T13:41:00.001+02:00

Llevamos una racha de algo apagadita de noticias, mientras esperamos que la temporada estiva reavive el interés por la gran pantalla, y las cadenas televisivas presenten en unos días sus respectivas parrillas de cara a las próximas temporadas.
Así que nos fijamos en detalles, detalles que nos ponen. Como el primer vídeo de Agents of SHIELD., esa serie centrada en el universo Marvel que prepara Joss Whedon para la ABC que promete trailer inminente, pero que de momento ha filtrado apenas seis segundos de lo que podría ser Hulk en acción (o la Abominación, uno de los enemigos más mortíferos del gigante esmeralda). O como el insistente rumor del regreso de la serie 24. Tras varios años tonteando con la idea de saltar a la gran pantalla, parece ser que Howard Gordon, productor de aquella y de la exitosa Homeland, ha propuesto un argumento totalmente nuevo para recuperar al agente Jack Bauer que, sí, volvería a ser interpretado por Kiefer Sutherland. Huelga decir que la Fox estaría más que encantada con el proyecto, y nosotros... bueno, nosotros vamos a cambiarnos la ropa interior. Mientras tanto, dadle al sigue leyendo para el vídeo marvelita.

Primer trailer + póster de Gravity

2013-05-10T09:08:00.001+02:00

Alfonso Cuarón es un tío con películas (Y tu mamá también) más interesantes que otras (Harry Potter y el prisionero de Azkaban), que a poco que pudo, nos descubrió su sumo buen gusto para la ciencia ficción con la ignorada pero encomiable Hijos de los hombres. Película, esta última, que también sirvió para descubrir a un director francamente estimulante (ese plano secuencia en el edificio), sensación que ya se había empezado a percibir con su cortometraje incluido en el recopilatorio Paris, je t'aime.
Sea como sea, sci-fi + buen director siempre garantiza salivación por nuestra parte, así que contentísimos estamos ante la noticia del trailer de Gravity por confirmar, antes que nada, que la película existe. Y es que ha sido una producción más que turbulenta, con constantes retrasos y cambios de reparto que han acabado con situar a (glub) Sandra Bullock como protagonista acompañada de George Clooney (ya lo vimos en plan espacio, en Solaris) en un rol que se intuye, de las imágenes que veréis a continuación, mucho más secundario.
La cosa va de la doctora Ryan Stone, que vuelve a casa tras un periplo espacial junto al astronauta Kowalsky, cuando algo falla y se ven compuestos y sin nave. En el espacio. Pinta. Estará lista para octubre... ¿Sitges?

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...Y su resurrección en forma de pareja protagonista
Los problemas de Gravity...

Especial. Nuestro Top 5 de películas sobre el juego

2013-05-10T06:56:00.000+02:00

Hay días de esos en que a uno le apetece ponerse tonto, dejar la actualidad un poco de lado (no ocurre mucho nada en el mundo del cine en estos últimamentes) y dar pábulo a su cinefilia más juguetona. Esa que nos impulsa a clasificarlo todo porque sí y sin demasiada justificación, a confeccionar listas jerarquizando nuestras preferencias respecto a un tema y varios días después preguntarnos en realidad por qué pusimos una antes que la otra. Ya sabéis, el divertido mundo de las listas. ¿Y qué tema más cinematográfico para todo ello que el de los casinos, las apuestas y los jugadores profesionales compulsivos? ¿Quién no se ha vuelto loco esperando ese giro de la ruleta que cambie el destino, que se lo haga perder o ganar todo de golpe al De Niro o al Pesci de turno? El naipe da bien en pantalla, las timbas son poderosas fuentes de suspense thrilleresco, los hustlers son figuras figuras atractivas con un acentuado aura de romanticismo macarra. Las Vegas y Mónaco son escenarios eternos que todos quieren visitar una y otra vez. Es y siempre ha sido así. Y a nosotros nos encanta.
Así que, de manera bastante aleatoria y con un ánimo puramente lúdico (nunca mejor dicho), nos lanzamos a elaborar nuestro top 5 de películas sobre el juego. Y luego ya, en los comments, os quedáis a gusto con vuestras propias preferencias.
Adelante pues...

5 - Miedo y asco en Las Vegas (Terry Gilliam, 1998)
Pequeña trampa, claro. Miedo y asco en Las Vegas no centra su atención entorno al mundo del juego, ni tampoco transcurre en un casino. Pero, a raíz de sus cualidades alucinatorias y en virtud del material del que partía, los escritos de Hunter S. Thompson, auténtico gurú de lo opiáceo y figura de culto literario total, la película de Terry Gilliam se convirtió al poco de su estreno en un título incansablemente reivindicado por los amantes de lo bizarro. Y no era para menos. El trip que llevaba a un dislocado Johnny Depp y a un peor Benicio del Toro a través del desierto de Nevada hacia Las Vegas cargados de todo tipo de sustancias prohibidas contenía suficientes dosis de épica lisérgica como para convertir a Michael Haneke en un fan de Tom Jones.

4 - Ocean's Eleven (Steven Soderbergh, 2001)
Sólo George Clooney y Brad Pitt podían substituir (si no en encanto sí por lo menos en impacto popular) a los protagonistas de La cuadrilla de los once original: Frank Sinatra, Dean Martin y Sammy Davis jr. Y sólo Steven Soderbergh podía mejorar esa misma versión dirigida por Lewis Milestone en 1960. Sí, mejorar. Porque Lewis Milestone fue un señor a quien le acreditamos brutales obras maestras. Pero esta no era una de ellas. Oh, en cambio haced la prueba: vista más de diez años después, y obviando sus irregulares secuelas, la de Soderbergh (de quien aún podemos ver en cines Efectos secundarios, por cierto) se mantiene como una comedia entretenidísima, una hiperingeniosa película de grandes golpes y una reunión en la cumbre de estrellazas quitahipos. Un divertimento, sí, pero rodado como Dios.

3 - Casino (Martin Scorsese, 1995)
Martin Scorsese intentaba repetir en 1995 la gesta que había conseguido un lustro antes con Uno de los nuestros: ilustrar las clases criminales de Estados Unidos, o por lo menos, alguno de sus sectores, mediante un fresco vivo y rabioso que diera constancia del devenir de la sociedad occidental forjada a partir de la II Guerra Mundial. Sólo que en este caso partía del novelón de Nicolas Pileggi (Casino: amor y honor en Las Vegas) para montar un drama negruzco a mayor gloria de los dueños de los grandes Casinos de Las Vegas. Pero a parte de ello, Casino transpiraba una fuerza cinética, una narrativa operística y una tensión dramática cercana a la de la citada, todo en una película apasionante que a la postre regalaba a Sharon Stone uno de los mejores personajes de su carrera.

2- Las tres noches de Eva (Preston Sturges, 1941)
Otra que no está centrada en el mundo del juego, pero que sin embargo contiene una de las partidas de cartas más memorables de la historia del cine. Una mano trucadísima, por supuesto, por parte de una arrolladora Barbara Stanwyck -ayudada por su padre, interpretado por Charles Coburn- que se llevaba por delante al pobre Henry Fonda, en uno de los papeles más screwball de su carrera. Momento fundacional de una relación que nace en un transatlántico y que pasará por todas las etapas de la comedia romántica y de enredo (esto es, pura montaña rusa) hasta llegar a su lógica conclusión. Y que, de paso, se convertirá no sólo en uno de los ejemplos más memorables del género sino también en una de las películas más audaces y atrevidas de los 40.

1 - El rey del juego (Norman Jewison, 1965)
El rey del juego, The Cincinnati Kid en su versión original, no transcurre en casinos ni se mueve entre las clases más poderosas de la sociedad ludófila. Todo lo contrario. Pero es que este drama con pinceladas de thriller dirigido por Norman Jewison (El Grande) en 1965 certificaba la imagen del jugador cuasisolitario (cuasi, cuidado) y lo personificaba para la posteridad en el icónico Steve McQueen. Una película que navega entre las brumas de un potente aire de clasicismo y el cool más sesentero y que va creciendo poco a poco hasta estallar en un final de antología: ese en el que McQueen se reunía finalmente en una timba mortal con su gran némesis: un gigantesco Edward G. Robinson.

Son cinco, nuestras cinco. Pero no tienen por qué ser las preferidas de todo el mundo. Habrá quien prefiera colocar Rounders en vez de Ocean's Eleven, quien no entienda que no nos hayamos decantado por El golpe y a quien le horrorice (esperamos que sean pocos) Las tres noches de Eva. Sin ir más lejos, nos hemos encontrado con otro top de películas realizado por PokerListings, centradas en el poker, nada desdeñable. Vamos, que esperamos saber las vuestras desde ya.

Estrenos de la semana (10 de mayo)

2013-05-09T22:00:00.000+02:00

Ojo no vayamos a perder toda esperanza para esta semana, no nos deprimamos con tanto material entre lo anodino y lo directamente execrable: hay un par de propuestas buenas. Bien. Genuinamente buenas. Muy bien. No para todos los gustos, quizá, no para cualquier tipo de público pero muy, muy destacables en cualquier caso. Claro, también hay alguna sosería hispana, algún cagarro norteamericano y alguna nadería con ínfulas, pero en esencia, este par de estrenos de los que os hablamos pueden arreglarle la tarde a más de uno y de dos. Así que sí, todo se va al carajo. La vida es un desastre, el cine está fatal, no hay ninguna propuesta española en Cannes por primera vez en tropecientos años. Pero por lo menos tres o cuatro horas de buen cine en una sala oscura las tenemos aseguradas. Ya se irá todo a la mierda el lunes, si eso.

El impostor
Primera de las propuestas chichudas de la semana, este es un documental que no lo parece. Los hechos que explica son tandisparatadamente parecidos a una ficción que al final uno termina por creérselos porque no tiene más remedio. Porque sabe que, en el fondo, son ciertos. Pero por el camino, el espectador es testigo de una historia superlativa contada de modo no tan riguroso como abierta y desprejuiciadamente espectacularizante: la película del debutante Bart Layton se entiende como un thriller de suspense convencional y, en última instancia, logra la función del mejor de los documentales: sacar conclusiones sociológicas y humanas sobre aquello de lo que habla. La cuestión es que a lo mejor esas conclusiones se salen de lo esperado...
Lee la crítica de El impostor

Stoker
El salto a occidente -por llamarlo de alguna manera- del reputado director coreano Park Chan-wook es una especie de thriller de suspense con tintes terroríficos que logra sobreponerse a un guión no especialmente relevante (podríamos considerarlo una especie de adaptación de La sombra de una duda) a golpe de genio visual y poder de sugerencia. Y con ello logra lo que se propone: relatar una especie de drama familiar macabro desplegando una capacidad atmosférica envidiable y tirando de recursos y temas perturbadores que desembocan en una conclusión festiva y deprimente a partes iguales. Una especie de película falsamente complaciente que va escorando hacia la fealdad temática sin abandonar nunca un tratamiento formal casi exquisito. Decepcionará a los fans de toda la vida, pero es que va por otro lado.
Lee la crítica de Stoker

Rebelde
Avalada por su nominación al Oscar (mejor película de habla no inglesa) y varios premios recibidos en algunos de los festivales de la temporada pasada, esta producción canadiense se presenta como una estupenda alternativa para los amantes del cine de autor que no quieran arriesgar con productos excesivamente inaccesibles o con pajaradas cuasiexperimentales (sus palabras, no las nuestras). Claro, quien se ponga un poco tiquismiquis podrá reprocharle a Rebelde una busqueda demasiado insistente del impacto, de la complacencia y del retruécano emocional. Pero también es cierto que esta historia bélica (ocurre en el África sumida en la guerra de guerrillas) está rodada con pulso, inventiva visual y cierta sabiduría narrativa. Atrapa, y aunque a veces suelta, cuando lo logra, se convierte en un drama muy notable sobre la desolación, la espiritualidad y la búsqueda de afecto en las situaciones más extremas.
Lee la crítica de Rebelde

El resto son dos películas ibéricas. O una y media. O tres cuartos, no sé. Porque Mussolini va a morir parece tener buena voluntad, pero no creemos que vaya a trascender demasiado en su especie de humanización de Mussolini en las últimas horas antes de su ejecución. Mientras que La mula es la película que no es, el proyecto castrado casi desde nacimiento por culpa de una serie de tirayaflojas absurdos entre productoras. Casi estuvo a punto de no terminarse de rodar y ahora casi ha estado a punto de no estrenarse. Igual el hecho de tener a Mario Casas en su reparto estira a la gente hacia las taquillas, o igual el hecho de que Mario Casas haya ganado ya algún premio por esta interpretación es una señal del fin del mundo. Yo las maletas las tengo ya preparadas y me largo en cuestión de zas.
Claro que no será a Estados Unidos, donde se prevén ¡dos! ataques a la Casa Blanca y a todo lo que se ponga por delante (ciudadanos inocentes incluídos). El primero, Objetivo: La Casa Blanca, nos llega este fin de semana y es, con perdón, una auténtica mierda. Una peli de acción como las de antes... en el mal sentido. No está mal contada, pero todo lo demás es de chiste.
Quizá habrá que buscar en Díaz: no limpiéis esta sangre el complemento que nos falte para esta semana de estrenos. Este drama italiano recrea los hechos ocurridos durante la cumbre del G8 de Génova en 2001 y, bien pensado, tira tanto hacia la espectacularización irreflexiva de lo que cuenta que, casi no, casi que volvamos a ver Iron Man 3, que por lo menos se toma a pitorreo a si misma.

Crítica de La mula

2013-05-09T18:40:00.006+02:00

No sé hasta qué punto nos corresponde, a mí y a cualquiera que se proponga escribir una crónica de La mula, hacer demasiada sangre, cebarse críticamente, poner en solfa las carencias de la película. No sé hasta qué punto, en realidad, puede considerarse La mula una película, por lo menos en tanto que resultado de una labor autoral concienzuda o siquiera de una operación económica planificada. Porque es esta una película que viene rodeada de malditismo galopante, de contratiempos en el rodaje con posterior reniega autoral, que viene marcada por las consecuencias de una batalla campal entre productoras que han convertido a este en un producto tocado de muerte nada más nacer. Detrás de La mula hay voluntad, hay oficio, podría haber talento, pero su periplo creativo desgraciado ha castrado todo eso.
Y es que un proyecto cinematográfico en raras ocasiones ha sabido abrirse camino hacia el éxito superando la estocada que supone la renuncia de su propio director antes de terminar de rodar. Se han dado casos, pero a menudo han sido desgraciados. Y ya nada queda de Michael Radford entre los créditos de la mula más que un doloroso "Anónimo" acreditado en algún cargo más o menos destacado: la dirección y el guión, co-escrito con Juan Eslava Galán, autor de la novela original que aquí se adapta. Por eso, cuesta aplicar criterios más o menos estándar, porque uno ya sabía de entrada que la cosa iba a salir mal.

Como sea, hay que ponerse serio. Nos encontramos ante una película que intenta conciliar Guerra Civil (esto es, drama bélico) con una suerte de comedia costumbrista poco ácida, menos hiriente, pero potencialmente agradable. Potencialmente. Esta historia de soldado a su pesar que se ha visto envuelto circunstancialmente en el bando de los nacionales y adopta a una mula debía servir para construir por un lado un romance juvenil (Mario Casas y María Valverde en una relación, digamos, más "madura" de lo que nos tenían acostumbrados) y por otro una visión ácida de la contienda, una radiografía de lo absurdo mediante el choque de texturas dramáticas; un poco lo que pretendiera La vaquilla de Berlanga, de la que esta parece tomar algunos préstamos argumentales.

Pero La mula parece ir por caminos más pulcros, menos pedregosos, bastante más rectos. Sí es cierto que logra huir un tanto de simplicidades ideológicas, evitando, desde luego, un hipotético proto-franquismo que muchos habían querido atribuirle antes incluso de verla terminada. Radford (por respeto a su voluntad, mejor citarlo con ese "Anónimo") aplica un cierto relativismo, decide fijarse en las personas más que en los bandos, huye de maniqueísmos y no parece importarle retratar a sus personajes como lo que, aparentemente, podrían haber sido en esa época: toscos pueblerinos acostumbrados a la pobreza moral del régimen, a gusto en el oscurantismo católico de una España que iba a empezar en ese momento su auténtico proceso de descomposición social y decadencia ideológica. Sí, esto es cierto, el retrato de ese marco no parece querer complacer a nadie, pero tampoco llega a molestar, a resultar mullido en sus implicaciones históricas, enriquecedor en sus conclusiones éticas.

De este modo, la ambientación pueblerina, los escenarios de trincheras y las eras de los entornos campestres están sinceramente logrados gracias a su pura simplicidad, a su absoluta falta de brillo, a su total desglamourización de las convenciones bélicas y, casi, del drama rural. Como si la película tratara o accidentalmente llegara a retratar un mundo donde, salvando las distancias, podrían haberse sentido a gusto Ermanno Olmi o los Taviani de los setenta. El problema es que, obviamente, el alcance de La mula no sólo está francamente lejos del de los citados sino que ni siquiera llega a sus propios planteamientos iniciales. De nuevo, se intuye una herida mortal abierta por los innumerables problemas de rodaje y postproducción.

De este modo, la tarea de sus actores principales se recibe como voluntariosa, se supone casi un acto de fe que termina dando buenos réditos en el plano interpretativo (Casas y Secun de la Rosa, estupendos, ambos por encima de Valverde), pero no en el cómputo global, torpe y descompensado. No es sólo que las imágenes se presenten sin auténtica vida, sin personalidad, y no guarden escondido ningún resorte de lenguaje cinematográfico estimulante, ni logren marcar ningún tipo de subtexto o sistema de metáforas, más allá de la relación tangencial del joven con su mula. Es que una vez perdido el capitán, el resto de responsables parecen haber querido terminar la función de manera apresurada, intentando destacar lo menos posible, como movidos por el miedo a arruinarlo todo aún más. La película se presenta coja, mal planteada y peor acabada. Con un montaje desastroso por desafinado, falto de capacidad expresiva y ajeno a cualquier tipo de trabajo de significación de unas imágenes que por sí parecen mortecinas y sin vida. No hay más que ver la cantidad de desajustes con el raccord escenográfico (de fotografía, de luz, de miradas) que se van sucediendo sin aparente inteligencia narrativa y formal. Amén de la calidad intrínseca de algunos planos que no han recibido ningún tipo de retocado posterior.

Con todo ello, no termina de calar su tono de costumbrismo cañí, porque no se sustenta en un discurso firme. Ni su guión consigue resultar sólido y creíble a partir de una premisa demasiado anecdótica y un sistema de conflictos dramáticos banales, desprovistos de fuerza o (mal) subrayados por una banda sonora decididamente vulgar, de modo que los picos de intensidad quedan forzados, poco sostenidos en una emotividad real. Con lo que al final, lo que debía haber sido una especie de farsa bélica termina siendo una farsa a secas, un proyecto de película que nunca llegó a puerto (a su puerto, al que tenía programado en su hoja de ruta) y del que, lo mejor que puede uno, es compadecerse de las intenciones de sus responsables y felicitarlos por el trabajo que han intentado hacer.

Pero por lo demás, La mula -por otro lado perfecta candidata a llenar salas gracias a su pareja protagonista- sólo puede aspirar en un nivel crítico serio a convertirse en un objeto a tener en cuenta únicamente por tener un hipotético encanto de lo fallido, por ser un nuevo emblema del malditismo cinematográfico en este país, ejemplo de un fracaso tan innegable.

4/10

Por Xavi Roldan

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Por Xavi Roldan