La Casa de los Horrores

Crítica de "50 Hombres Muertos", por el Capitán Spaulding

2009-11-09T19:07:00.001+01:00

No deja de suponer una lástima que las apariciones de Jim Sturgess en nuestra cartelera se sucedan a ritmo de cuentagotas. Tras las fugaces apariciones de las mediocres "Across the Universe" y "21 Black Jack", al inglés pudimos verle recientemente en uno de los más débiles espectáculos de Sitges '09 ("Heartless", cuya crítica aparecerá en unos días por aquí) y ahora estrena por la puerta trasera "50 Hombres Muertos", drama con la problemática del IRA mediante que, si bien se antoja como la mejor de su carrera, sigue sin hacer justicia a las aptitudes de tan explotable actor (y eso aun tratándose de una producción para su lucimiento).

El principal bache que debe superar el espectador de "50 Dead Men Walking" es aceptar que, a lo largo de sus casi 120 minutos, va a ser testigo por enésima vez de la misma y trillada historia del héroe anónimo que se convierte en jugador de dos equipos encontrados (el Ejército Republicano Irlandés por un lado y la policía que intenta detenerlo por el otro) a fin de salvar al mayor número de vidas humanas posible.

Poco o nada podrá sorprender a quien haya visto desde "La Lista de Schindler" a "La Sombra del Diablo", "En el Nombre del Padre" o cualquier otra producción que haya arrojado algo de luz bien en la cuestión del terrorismo irlandés o de personajes reconvertidos a topos de cualquier índole. Decepción a la que desde luego no ayuda el prólogo del film, situado once años después de los acontecimientos narrados: en Canadá, un Sturgess barbudo y melenudo intenta arrancar su coche sin suerte, para ser atacado por un encapuchado que le descarga un cargador entero en su pecho.

A partir de ahí, Kari Skogland (directora y firmante de la adaptación del libro en que se basa la película) se equivoca en otorgar demasiado peso a determinados momentos de la vida de Martin (Sturgess), de intuible terminación, al tiempo que propone un juego de mentiras, engaños y secretos de evolución igualmente previsible.

Y es que como de costumbre, conforme el protagonista progresa en su estatus de delincuencia (comienza com oun ladronzuelo de pacotilla para introducirse poco a poco en la maquinaria del IRA), también lo hacen sus exigencias como topo, formando de su vida una vorágine de desazón cada vez mayor.

Obviamente, todo ello se traduce en tiranteces con sus amistades y familiares, pero sobre todo en un estado emocional progresivamente deteriorado y hundido. En fin, nada nuevo bajo el sol.

Por otra parte, bien cierto es que por aquí ocasionalmente hemos dado un mayor peso a las formas (cómo se cuenta una historia) que al contenido (qué se cuenta), pero esta vez no puede decirse demasiado de la dirección de Skogland, que se antoja tan fría como su ambientación geográfica y carente de personalidad, pecando si acaso de cierto nerviosismo perceptible en una molesta tendencia a la confusión en las escenas de acción

En el apartado positivo, cabe reconocerle a "50 Hombres Muertos" una línea creciente de la tensión, fruto de la montaña imparable que se forma de tan escueto grano de arena, lo cual evita un total desentendimiento por parte de un espectador que, además, agradecerá el acertado humor con el que se dibuja principalmente el personaje principal.

Justamente este es el que se lleva el gato al agua, gracias a la más que correcta actuación de Jim Sturgess, a quien no le tiembla el semblante aun a sabiendas de la relevancia de su papel y de su personaje en el film, sobre el que prácticamente giran todos sus minutos. Acompaña al británico el perennemente apelucado Sir Ben Kingsley, presencia siempre bienvenida y a quien, por una vez, el implante capilar no deja demasiado evidencia.

Por lo demás, poco que añadir acerca de una película de personaje interesante y argumento comprometido (coletilla que siempre gusta), que sin embargo peca de no reservar novedad alguna para el espectador mínimamente asiduo al cine. Pese a ello, nunca acaba de hacerse excesivamente pesado su visionado, por lo que si bien nunca acabe de convencer, puede ser disfrutad tranquilamente en una de estas tardes gélidas con que se nos está presentando la Navidad.

5,5/10

David Fincher prepara nueva película reuniendo a los responsables de "Seven"

2009-11-09T15:37:00.008+01:00

Buenas noticias para los fans del policíaco clave de los 90, porque según cuenta Comingsoon, el director de Denver se encuentra en estos momentos preparando nuevo material tras el buen sabor de boca dejado por sus últimas películas.

Esta vez se trata de la adaptación de la novela de Max Ehrlich "The Reincarnation of Peter Proud", en la que un profesor decide indagar el origen de sus pesadillas recurrentes para descubrir que tienen mucho que ver con una posible vida pasada, donde también estarían presentes una misteriosa mujer y su hija.

La novela en cuestión ya conoció una adaptación guinoizada por el propio Ehrlich y dirigida en 1975 por J. Lee Thompson, y que aquí se estrenó como "La reencarnación de Peter Proud".

La nueva "Peter Proud" estará escrita por el guionista de "Seven", Andrew Kevin Walker, también encargado, al alimón con David Self, del libreto de la próxima sensación "The Wolfman". La producción correrá a cargo de Michael DeLuca (también en "Seven") y del propio Fincher. Ahora, la pregunta obligada es ¿volverá a protagonizar Brad Pitt?

Por su parte, tras "Zodiac" y "El curioso caso de Benjamin Button" (y con "The Social Network" aún en proceso de producción) el realizador se ha revelado como uno de los nombres norteamericanos a tener en cuenta, más que un simple (aunque eficiente) creador de golosinas cinéfilas y triquiñuelas audiovisuales. Una carrera ascendente, en fin, que puede reafirmarse con esta nueva "Peter Proud".

(Por cierto, en La Casa esperamos con ansias otro proyecto de Fincher, en este caso en tareas de productor: la adptación a animación de "El bruto", la burrísima serie de Eric Powell de la que nos confesamos fans irredentos)

Se da a conocer la lista de nominados a los Premios del Cine Europeo

2009-11-07T21:23:00.003+01:00

Entre tanta marea de notícias y novedades hollywoodienses podía parecer que hubiéramos despistado nuestra cinefilia más europeísta pero, para alivio de nuestros lectores más gafapastosos, nada más lejos de la realidad. Siempre con el cine menos comercial en mente, acabamos de enterarnos de la lista de nominados a los Premios del Cine Europeo (o European Film Awards para los amigos de lo internacional), que se han hecho públicos durante el actual Festival de Cine Europeo de Sevilla, el cual por cierto empezó ayer.

Lo que viene ahora es que los dos mil y pico miembros de la EFA voten sus preferidas y den a conocer los afortunados durante la próxima ceremonia, el 12 de diciembre en Bochum (Alemania).

La lista de nominados, a golpe de mouse.

MEJOR PELÍCULA EUROPEA
FISH TANK, de Andrea Arnold (Reino Unido)
LÅT DEN RÄTTE KOMMA IN (Déjame entrar), de Tomas Alfredson (Suecia)
UN PROPHETE, de Jacques Audiard (Francia)
THE READER (El lector), de Stephen Daldry (Alemania, Reino Unido)
SLUMDOG MILLIONAIRE, de Danny Boyle (Reino Unido)
DAS WEISSE BAND (El lazo blanco), de Michael Haneke (Alemania, Austria, Francia, Italia)

DIRECTOR EUROPEO
Pedro Almodóvar por LOS ABRAZOS ROTOS
Andrea Arnold por FISH TANK
Jacques Audiard por UN PROPHETE
Danny Boyle por SLUMDOG MILLIONAIRE
Michael Haneke por DAS WEISSE BAND (El lazo blanco)
Lars von Trier por ANTICHRIST (Anticristo)

ACTOR EUROPEO
Moritz Bleibtreu en DER BAADER MEINHOF KOMPLEX (R.A.F. Facción del Ejército Rojo)
Steve Evets en LOOKING FOR ERIC
David Kross en THE READER (El lector)
Dev Patel en SLUMDOG MILLIONAIRE
Tahar Rahim en UN PROPHETE
Filippo Timi en VINCERE

ACTRIZ EUROPEA
Penélope Cruz en LOS ABRAZOS ROTOS
Charlotte Gainsbourg en ANTICHRIST (Anticristo)
Katie Jarvis en FISH TANK
Yolande Moreau en SERAPHINE
Noomi Rapace en MÄN SOM HATAR KVINNOR (Millennium 1: Los hombres que no amaban a las mujeres)
Kate Winslet en THE READER (El lector)

GUIÓN EUROPEO
Jacques Audiard & Thomas Bidegain por UN PROPHETE
Simon Beaufoy por SLUMDOG MILLIONAIRE
Gianni di Gregorio por PRANZO DI FERRAGOSTO (Vacaciones de Ferragosto)
Michael Haneke por DAS WEISSE BAND (El lazo blanco)

MEJOR FOTOGRAFÍA
Christian Berger por DAS WEISSE BAND (El lazo blanco)
Anthony Dod Mantle por ANTICHRIST (Anticristo) y SLUMDOG MILLIONAIRE
Maxim Drozdov & Alisher Khamidkhodzhaev por BUMAZHNY SOLDAT
Stéphane Fontaine por UN PROPHETE

PREMIO DE LA EXCELENCIA DE LA ACADEMIA EUROPEA
Francesca Calvelli por el montaje de VINCERE
Catherine Leterrier por el diseño de vestuario de COCO AVANT CHANEL (Coco, de la rebeldía a la leyenda de Chanel)
Waldemar Pokromski por el maquillaje y peluquería de DER BAADER MEINHOF KOMPLEX (R.A.F. Facción del Ejército Rojo)
Brigitte Taillandier, Francis Wargnier, Jean-Paul Hurier & Marc Doisne por el diseño de sonido de UN PROPHETE

COMPOSITOR EUROPEO
Alexandre Desplat por COCO AVANT CHANEL (Coco, de la rebeldía a la leyenda de Chanel)
Jakob Groth por MÄN SOM HATAR KVINNOR (Millennium 1: Los hombres que no amaban a las mujeres)
Alberto Iglesias por LOS ABRAZOS ROTOS
Johan Söderqvist por LÅT DEN RÄTTE KOMMA IN (Déjame entrar)

(fuente: http://www.europeanfilmacademy.org/2009/11/07/nominations-for-the-european-film-awards-2009/)

Segundo tráiler de "Despicable Me"

2009-11-07T17:39:00.000+01:00

Puede que el título no os suene de nada (aquí va a llamarse "Gru"). Que el argumento de entrada no presente nada del otro mundo (un trío de jovenes deben desbaratar el maligno plan de un supervillano, el tal Gru, para robar... ¡la Luna!). Puede incluso que el tráiler no os diga absolutamente nada. De hecho visto lo visto de momento la cosa parece más un reciclaje de "Los increíbles" que nada. Pero cuando vemos el plantel de voces, constituido por una de las mayores reuniones de ídolos cómicos de La Casa entonces, por lo menos nosotros, nos quedamos ojopláticos, con la boca hecha automáticamente agua y una cita ineludible más en nuestro calendario cinéfilo particular, concretamente en el próximo agosto.

¿Que quién consitutye semejante all star interpretativo? Vedlo vosotros mismos para comprobarlo, después de un clic

Por cierto, ya hubo un tráiler anterior:

Pósters de "The Wolfman" y "Kick Ass"

2009-11-07T11:40:00.004+01:00

Breve post para traeros un par de nuevos pósters que nos han alegrado esta mañana de sábado: por un lado el de "The Wolfman", sobrio y elegante, en la linea del look oscuro y barroco que parece que va a transmitir la película (¿podía ser de otro modo?).

Por otro lado, una serie de carteles de "Kick Ass", la adaptación del recomendable homónimo de Mark Millar y John Romita jr. y que se dice que es "una de las películas de superhéroes más entretenidas de los últimos años". De momento, doy crédito.

Los pósters, al igual que sus respectivas películas, tienen pintas estupendas y ya nos han hecho marcar en nuestras apretadas agendas el 12 de febrero como fecha de estreno en USA para el licántropo de Benicio del Toro y el 16 de abril para "Kick Ass"...

(Para ver los pósters, clica en "Read more")

Crítica de "Ingrid", por el Capitán Spaulding

2009-11-06T20:42:00.000+01:00

Cualquier extranjero, algo marciano, que se disponga a estudiar a los habitantes de Barcelona desde el punto de vista del cine más reciente, seguramente acabe pensando que estamos todos locos.

Para no complicar las cosas, pongamos que tan peculiar cinéfilo se presenta a un festival como el que ha invadido la catalana localización de Sitges a lo largo de la primera quincena de octubre del 2009, con su objetivo siempre fijo entre ceja y ceja y por tanto asistiendo a las proyecciones de las dos películas que, en dicho año, han tenido como marco geográfico sendos bloques de apartamentos de la Ciutat Comtal: "[Rec]2" e "Ingrid". Bien, en la primera se nos ve zurrándonos de lo lindo contra nuestros vecinos (infectados, eso sí); en la segunda, copulando como animales de fiesta en fiesta, drogándonos y fantaseando con el dolor al que tratamos como forma de arte. ¡Para que luego le reprochemos a Woody Allen su visión de Barcelona!

Semejante reflexión viene a cuento de que más bien poco puede decirse de la dichosa "Ingrid": un trailer sumamente engañoso (y van) que daba pistas sobre un ejercicio cinematográfico experimental acerca del el BDSM (Bondage, Disciplina, Sumisión y Masoquismo... cuánto nos ha enseñado la trilogía de Stieg Larsson) esconde en realidad una película de argumento prácticamente nulo, presentada de manera más bien formal y académica y, sobre todo, sorprendentemente timorata con la temática tratada.

A fin de cuentas, la película del catalán Eduard Cortés tan sólo va de una chica rara, que cuenta con una casa sin puertas (en la que realiza fiestas pasadas de vuelta), unos gustos realmente extraños y parece ser que le va lo duro. Pero de todo ello apenas se atisba evolución a lo largo de todo el metraje: salvo en sus últimos diez minutos, nada progresa, empeora o se torna más enfermizo. En vez de ello, conocemos a un hombre recién separado que se muda al mismo bloque de pisos en que habita Ingrid, y que muestra cierto interés hacia ella hasta el punto de investigar sus supuestos secretos. De nuevo, todo cae en saco roto. La relación entre ambos queda estancada en su primer saludo (con la consiguiente pérdida de interés por parte del espectador), y la obsesión que el nuevo llegado demuestra súbitamente hacia la chica apenas se entiende más allá del clásico vecinita cachonda de toda la vida.

Descartado por completo, por tanto, el aliciente de un argumento que ni siquiera menciona la anunciada temática de las redes sociales (según parece, la cinta iba a llamarse algo así como "Myspace/Ingrid"), al espectador le quedaría enfrentarse al amenazador empaque artístico que prometían tanto el trailer como la temática a tratar y, sobre todo, la verdadera Ingrid a quien el director conoció mediante su artístico site personal.

Afortunadamente, la película se muestra de lo más normal, abogando por un montaje inusitadamente comedido al que dar gracias. Y es que los escasos momentos en que Cortés opta por anabolizar su trabajo, éste se torna muy molesto, especialmente debido a una banda sonora en muchas ocasiones terrible (valga como ejemplo de todo ello el concierto cyber-punk de una de las fiestas en Can Ingrid).

Dicho apartado sonoro merece, por otro lado, un aparte, pues pese a su más bien desafortunado resultado, la cinta opta por incluir en escena diversos artistas autóctonos, que en falso directo ofrecen su irregular carta de presentación en una atrevida apuesta (la única) digna de elogio.

Por lo demás, lamentablemente, el visionado de "Ingrid" sirve para poco más que disfrutar de uno de los actores catalanes actuales más interesantes (Eduard Farelo) y para descubrir a una muy atractiva y convincente Elena Serrano (la Ingrid de "Ingrid").

Ni sus antes citados diez minutos finales (en los que sí parece asomar la cabeza cierto estudio del dolor/arte) logran alzar mínimamente el vuelo, con una conclusión tan previsible como mal introducida hasta el punto de poder despertar alguna que otra carcajada en la sala.

Por supuesto, huelga decir que discursos sobre el dolor o el narcisismo como forma artística, críticas sociales o demás apartados de interés, brillan por su total ausencia en una película que, a lo sumo, provocará cierta aprensión en sus escasísimas muestras de violencia visual.

Al final, cuando Ingrid se dirige al espectador en un primer plano para anunciar que "se acabó" (y no especificaremos más para no entrar en spoilers), lo único que éste puede hacer es suspirar aliviado.

2/10 (Por cierto, el primer pase de "Ingrid" en Sitges '09 llegó a ser abucheado pese a ser una producción catalana.)

Nuevo trailer de Sherlock Holmes

2009-11-06T02:20:00.001+01:00

Y entonces fueron tres. El tercero es ya este trailer de la aproximación de Guy Ritchie a los personajes creados por Sir Arthur Conan Doyle que no aporta nada nuevo, pero sí más grande, más largo y sobre todo, más ruidoso. Se confirma la vertiente cómica-socarrona proporcionada por el dúo protagonista (Jude Law y un Robert Downey jr. que se interpreta cada día más a si mismo y a nosotros estupendo que nos parece), la obligatoria acción desenfrenada, las reconstrucciones tipo combustion y la camaradería a lo buddy movie con acento británico.

Le tenemos ganas. La veremos el próximo enero.

Estrenos de la semana (6 de Noviembre)

2009-11-05T20:51:00.002+01:00

¡Estrenamos cara y aprovechamos la ocasión para actualizar, organizar y ampliar contenidos! El primer síntoma de dicho plan renove viene marcado poresta mini-sección semanal, en la que anunciaremos todos los estrenos destacando nuestras preferencias y linkando las críticas que hayamos sido capaces de realizar. Dicho lo cual, esperamos que pueda serviros, y nos lanzamos al turrón.

Este viernes la actualidad cinematográfica viene marcada por el cine español, con el esperado estreno de la notable "Celda 211". Luís Tosar y compañía se confirman como la opción más apetecible del weekend, del que destacan dos más que decepcionantes producciones de ciencia-ficción y el retorno de dos grandes estrellas de Hollywood, como son Meryl Streep y Richard Gere.

De las que no hemos visto, ninguna nos llama particularmente la atención, por lo que nuestra recomendación semanal pasa, en el estreno de esta sección, por el genial trabajo realizado por Daniel Monzón y su aventura carcelaria. Ni Cameron Díaz ni Dannis Quaid logran motivarnos con sus "The Box" y "Pandorum".

A la Deriva

Dir.: Ventura Pons. Int: María Molins, Roger Coma, Fernando Guillén

Anna es una enfermera de vuelta de un duro trabajo en una ONG en África. Ahora trabaja de noche como guarda de seguridad en un exclusivo centro de salud, un lujoso hotel spa situado en Can Mora de Dalt en Sant Vicenç de Montalt, en el Maresme.

Celda 211

Dir.: Daniel Monzón. Int: Luis Tosar, Marta Etura, Alberto Ammann, Antonio Resines

El día en que comienza a trabajar en su nuevo destino como funcionario de prisiones, Juan se ve atrapado en un motín carcelario. Haciéndose pasar por un preso más, luchará para salvar su vida e intentar dar fin a la revuelta. El joven tendrá que jugársela a base de astucia, mentiras y riesgo, sin saber todavía qué paradójica encerrona le ha preparado el destino...

Leer crítica del Capitán Spaulding

Eloïse

Dir.: Jesús Garay. Int.: Diana Gómez, Ariadna Cabrol, Laura Conejero

Asia, una chica de 18 años, está en el hospital en estado de coma. Su madre y su novio, Nathaniel, la cuidan. Poco a poco iremos viendo los acontecimientos que llevaron a Asia hasta el hospital, sus relaciones con su madre, sus amigas y su novio, y, sobre todo, con Eloïse, una enigmática chica que la introducirá en un mundo de nuevas sensaciones. Con ella, Asia revivirá un doloroso episodio de su pasado, que su madre no está dispuesta a que salga a la luz.

Julie y Julia

Dir.: Nora Ephron. Int.: Amy Adams, Meryl Streep, Jane Lynch

Basada en dos historias reales, la última película de Nora Ephron narra la historia de Julie Powell (Amy Adams), una joven que siente que está desperdiciando su vida y que decide dedicar un año a preparar todas las recetas de “Dominando el Arte de la Cocina Francesa”, clásico libro de cocina de la célebre cocinera Julia Child (Meryl Streep). Así, Julie decide aprender a cocinar a su manera con la legendaria cocinera Julia. Durante el año que supone su experiencia como alumna de Child, escribe cada día sus experiencias en un blog que ganará múltiples adeptos.

Pandorum

Dir.: Christian Alvart. Int.: Dennis Quaid, Ben Foster, Cam Gigandet

Dos miembros de la tripulación de una nave espacial, el Teniente Payton (Dennis Quaid) y el Cabo Bower (Ben Foster), se despiertan en sus cámaras de hibernación sin recordar nada de lo que ha sucedido: ni quiénes son, ni cuál era su misión o por qué, aparentemente, son los únicos supervivientes. Conforme se adentren en las zonas más profundas de la nave, descubrirán que no están solos, y desvelarán el terrible misterio que rodea la desaparición del resto de la tripulación y de los pasajeros. Pronto se darán cuenta de que mantenerse con vida es mucho más importante de lo que puedan imaginarse: es el único modo de evitar la extinción de la raza humana.

Leer crítica del Capitán Spaulding

Siempre a tu Lado

Dir.: Lasse Hallström. Int.: Richard Gere, Joan Allen, Sarah Roemer

Remake de la película japonesa Hachiko monogatari, dirigida en 1987 por Seijirô Kôyama. Basada en una historia real, narra la historia de un profesor de universidad que acoje a un perro vagabundo en una estación. Tras recabar información sobre el animal, el profesor descubre que el perro iba a los andenes a diario, desde hacía semanas, para esperar el regreso de su amo, pero éste había muerto en un accidente en la ciudad. Hachiko empezará una nueva vida al lado de su nuevo amo, pero a éste también le cambiará la vida al descubrir los lazos que se pueden crear entre un animal y una persona...

The Box

Dir.: Richard Kelly. Int.: Cameron Diaz, James Marsden, Frank Langella

Estamos en el año 1976. Norma Lewis (Cameron Diaz) es profesora en un instituto privado y su marido, Arthur (James Marsden), es ingeniero de la NASA. Son, en todos los aspectos, una pareja normal que lleva una vida normal en las afueras de la ciudad con su hijo Walter, de 9 años... hasta que un hombre misterioso con un rostro horrible y desfigurado aparece en su puerta y presenta a Norma su propuesta de vida alternativa: la caja. Norma y Arthur, que sólo tienen 24 horas para decidirse, se enfrentan a un dilema moral imposible. Lo que no saben es que, decidan lo que decidan, ya han empezado a desencadenarse terribles consecuencias. Pronto descubren que no pueden controlar las ramificaciones de su decisión y que éstas se extienden mucho más allá de su destino.

Leer crítica de John Blutarsky

Alec Baldwin y Steve Martin presentarán la gala de los Oscar 2010

2009-11-05T20:11:00.006+01:00

Estamos de enhorabuena, porque por mucho que nos gustara la performance que Hugh Jackman protagonizó el año pasado, la Academia ha anunciado que los próximos presentadores de la gala de los Oscar serán Steve Martin y Alec Baldwin, este último redescubierto como nuevo mito cómico por algunos de nosotros gracias a su papel en la serie creada por Tina Fey "30 Rock".

De momento, la organización ha dicho que mientras que creen que Martin aportará su experiencia por haber dirigido la gala en dos ocasiones anteriormente, Baldwin dará una "personalidad completamente nueva" al evento.

Descubriremos si la cosa cuaja la madrugada del 7 de marzo del año que viene. Podéis leer más aquí.

Crítica de "The Box", por John Blutarsky

2009-11-05T00:25:00.009+01:00

En las últimas tres o cuatro temporadas televisivas norteamericanas se está dando un curioso y preocupante fenómeno de reducción de los niveles cualitativos en las series más populares. Según este, las cadenas están buscando su next big thing y nuevo buque insignia de modo tan frenético que los resultados creativos se están viendo menguados a pasos agigantados.
La culpa de ello, claro, la tienen Damon Lindelof, Carlton Cuse y su magna "Lost" (iremos volviendo a la dichosa isla durante unos cuantos años), auténticos causantes de que las networks gasten esfuerzo y dinero a espuertas intentando tomar su propio Vuelo 815 pero consiguiendo sólo estrellarse estrepitosamente antes de salir siquiera del aeropuerto.
El resultado y problema de esta tendencia es que al final se acaba sacrificando la credibilidad de la trama, la consistencia de los personajes y la verosimilitud de las situaciones, que son en definitiva los pilares que se van cimentando poco a poco y que sostienen toda buena serie, en favor del éxito más inmediato y fulgurante.
Pasó con "Jericho", pasa con "Heroes" y está a punto de pasar con otra que no me atrevo a nombrar por no ganarme enemistades, pero que me parece tan fraudulenta como las anteriores.

Salvando las distancias, algo parecido le ocurre a "The Box", artefacto con más tendencia hacia algunos de los peores tics televisivos que hacia los principios de una producción cinematográfica sólida.

Pero vayamos a palmos.

Tras el batacazo que supuso "Southland Tales" en 2006 (no la vio casi nadie, y ahí me incluyo a mí mismo), segunda película tras el destacable debut "Donnie Darko" (2001), Richard Kelly contraataca con lo que debería ser su salto de madurez en esta adaptación de un relato breve de Richard Matheson ("Button, Button" se debería haber quedado en eso, relato breve) pero, como decía, el chaval tiene prisa por terminar su puzzle psicológico pretendiendo que encima todo se sostenga en perfecto equilibrio.

El punto de partida (agradezcámoslo a Matheson) es potentísimo: una pareja de padres con graves problemas económicos (Cameron Díaz y James Marsden) reciben un día la visita de un enigmático hombre (Frank Langella) que les promete un millón de dólares a cambio que pulsen el botón rojo de una caja, gesto que provocará la muerte inmediata de una persona a quien no conocen absolutamente de nada en algún lugar del mundo.
Las dudas evidentes hacen presa de la pareja y... Me paro aquí. No quisiera destripar lo que sigue a nadie, así que podéis leer el resto del comentario con toda tranquilidad.

Sea como sea, lo que sí es evidente lidiando con una trama de tal calibre es que la psicología de los personajes tiene que estar cuidada al milímetro. Nos encontramos ante un dilema vital con un impacto bárbaro, representado en una situación aparentemente simple de "máximo beneficio y mínimo riesgo", pero con unas ramificaciones morales que da vértigo sólo pensar. Y aquí es donde la cosa empieza a hacer aguas por todas partes, a lo que me refería en el primer párrafo.
Las prisas por empezar a retorcer la emoción, y también por empezar a colar golpes de efecto propios de un cine de terror o suspense de lo más simple (ay, ese susto por aquí; ay, ese personaje injustificadamente inquietante por allá) llevan al director y guionista a descuidar la verosimilitud dejándonos para el recuerdo escenas tan ridículas como la de la primera aparición de cierto estudiante y su escena con el personaje de Cameron Diaz.

Y claro, no es sólo la verosimilitud lo que se abandona a la primera de cambio, sino también, más sangrante aún, la complejidad psicológica. Queda menospreciada y minimizada la encrucijada a la que los personajes se enfrentan y reducida a un "¿lo hacemos o no?" que de tan simple anula automáticamente las posibilidades que el juego podía ofrecer, centrando su interés en la "acción" más que en la "reacción".

Decía antes que la película flirtea peligrosamente con la ficción televisiva más facilona, y no hace ascos a meternos doblada una estructura montada a base de cliffhangers y un tratamiento del suspense en constante espera a la siguiente pausa publicitaria, perdón, bloque argumental. A resultas de todo esto, sambenito al canto: "The Box" termina siendo poco más que una tvmovie de sobremesa de lujo, y si se salva de tan deshonrosa descripción es por el empaque visual del conjunto. Enseguida iré a ello.
En el plano interpretativo, la cosa no es muy alentadora. Cameron Diaz hace de Cameron Diaz/modalidad-drama, lo cual no suele ser nada del otro jueves en una actriz que (por lo menos a mí) puede colar bastante en comedia. Marsden no tiene planta como ingeniero de la NASA y menos como el aspirante a astronauta que se le supone, y ninguno de los dos dan lo que se requiere de ellos como padres sobrepasados por las circunstancias.
Frank Langella sí, está bien, CGI facial incluído. Pero su papel, clásico caramelo interpretativo (se trata de un tipo misterioso y de dudosas motivaciones) no debe suponer ningún problema para un actor que sólo luciendo rostro ya derrocha clase.
Como remate de lo comentado hasta aquí, "The Box" gasta un cierto regusto misógino no calculado y que lógicamente no ayuda nada a la valoración final.

Llegados a este punto podría terminar la crítica más o menos aquí y quedarme tan ancho con el destrozo, pero estaría siendo algo injusto, porque algunas cosas sí se salvan de la quema.
Y es que uno de sus puntos fuertes es de los de peso. Vaya si lo es: pese a sus casi dos horas de conspiranoia, duda existencial, actividades cuasiparanormales y teorías de "ciencia fringe" (que las hay, y muchas) la película no se hace pesada. Respondiendo a lo que comentaba anteriormente respecto a su estructura en forma de cliffhangers y giros extraños, el constante y siempre efectivo "¿pero qué coño está pasando aquí?" que experimenta el espectador y que le dura toda la película hace renovar en todo momento su interés, aunque sólo sea por el morbo de ver por dónde sale todo y comprobar que finalmente "de todo esto no puede resultar nada sensato".

Se agradece por otro lado que una película que se pretende tan poliédrica deje al final todos los cabos argumentales más o menos atados. Hay algún detalle que puede quedar sin explicación, pero su estructura cíclica queda resuelta de manera práctica, bonita y con un precioso lazo para regalo.
Además cabe destacar una realización bastante apañá, solvente en la creación de atmósferas opresivas y enrarecidas y vestida elegantemente con una fotografía fría y rasposa, recreando unos años 70 bastante logrados (casi casi como los del "Zodiac" de Fincher). De hecho, haciendo un pequeño acto de fe (y mirando con los ojos así un poco entornados) podría recordarnos lejanamente a los thrillers psicológicos setenteros a lo "La conversación" (Francis Ford Coppola, 1974).

Pero en fin, que al final la cosa queda como un cuento moral pesimista aunque inofensivo, de preocupante desnortamiento psicológico y, a su pesar, más cerca del Stephen King de "La tienda" que de la garra de, por ejemplo, aquella bomba de relojería que era "Un plan sencillo" (Sam Raimi, 1998). Un producto que puede encontrar su público, no digo que no, pero probablemente la mayoría lo disfrute cómodamente repantigado en un sofá un domingo a las cinco de la tarde.

4/10

Crítica de "Petit Indi", por Bill Haverchuck

2009-11-04T21:31:00.013+01:00

Existen muchos tipos de cineastas y muchas formas de clasificarlos. Mientras unos se aferran a la historia y son incapaces de dirigir sin ella, hay otros que prefieren contar por el mero hecho de contar, a menudo usando la historia casi como pretexto. En “Petit Indi”, el director catalán Marc Recha prefiere el bosque a las personas, los pájaros al mundo urbano, la introversión a la extroversión y, sí, la forma al contenido. Como leí en alguna parte, Recha es de esos directores que saben cómo rodar un árbol, tarea por supuesto mucho más dificil de lo que parece.

La historia de “Petit Indi” casi carece de importancia, la verdad. Muestra de ello es, sencillamente, que se nos cuente de una forma tan sugerida. En particular, Recha decide no poner incisión alguna en los momentos más dramáticos del film, sino que prefiere complementarlos -o incluso sustituirlos- por recursos mucho más autorales que signifiquen un acercamiento más personal con intenciones dirigidas a alcanzar una cierta profundidad moral. En concreto, Recha se centra en inspeccionar cómo su personaje se toma las situaciones a las que se enfrenta más que en darles motivo, incluso olvidándose a veces de resolverlas ((SPOILER) como es el caso de las líneas argumentales de la madre o del dinero, por ejemplo (FIN SPOILER)), y pocas cosas de las que suceden en la película tienen una repercusión posterior en términos argumentales. Recha suple esta carencia, en cambio, dando a Arnau, su protagonista, la responsabilidad de ejercer como punto de apoyo a todo lo que ocurre en la película. De hecho, no sólo todo lo vemos a través de su extraña percepción (la naturaleza y el aislamiento urbano, la calidez de la familia y la introspección de la soledad) sino que, más aún, todo parece estar justificado para que el propio Arnau pueda desarrollarse como personaje. Por ejemplo, en la secuencia del concurso de canto de caderneres, probablemente la mejor de la película, Recha nos ofrece un interesante montaje a cuatro bandas en el que intercala desordenadamente un plano del pájaro de Arnau en pleno canto, un primer plano del rostro de Arnau observándolo entre el público, un primer plano de sus manos agarrando con fuerza la barra donde está apoyado y un plano totalmente distinto de dos capgrossos (o sea “cabezones”, que son tradicionales en las fiestas mayores catalanas) en una colina, creando así un todo que sugiere, por un lado, la insistente intención de Recha en filtrar todo lo que ocurre por el punto de vista del chico (la conexión evidente establecida entre los tres primeros planos comentados) y, a la vez, en exponernos cuán extraño es el espectáculo al que el espectador está asistiendo y del que Arnau, sin embargo, está disfrutando (extrañez que se intenta transmitir a través del plano de los capgrossos). En resumidas cuentas, la historia, mínima, se subordina a su protagonista, que por ello se sublima.

A esta relación entre historia y personaje dos elementos habría que sumar para tener una visión más o menos buena de lo que es y sobre todo pretende ser “Petit Indi”: el uso de la naturaleza y el constante debate entre realismos y simbolismos que aparece en la película.

En primer lugar, el tratamiento de la naturaleza es francamente interesante, no sólo por su inteligente uso de los contrastes con el mundo exterior (la familia de Arnau vive a la orilla del río Besòs, en una zona muy natural pero a pocos quilómetros de Barcelona) sino, de nuevo, por la conexión que Recha establece entre ésta y su personaje principal, así como por los paralelismos establecidos entre los contrastes de una y las dualidades del otro. En referencia a esto último, y dado el profundo amor que Arnau siente por los seres vivos y por el ecosistema que le envuelve, el entorno natural en el que el personaje habita se nos muestra tanto hostil como amable acorde con su propio estado anímico. Por ejemplo, mientras la cara de la moneda aparece en el concurso de canto, la cruz se nos muestra en las carreras de galgos, sin ser coincidencia que (SPOILER) mientras en el primer caso Arnau sale vencedor (gana el concurso), en el segundo sale perdiendo (le roban el dinero que le había sido confiado) (FIN SPOILER). El ejemplo más claro a todo esto lo tenemos, por supuesto, en la escena final, aunque otros elementos representan estas dualidades, estos contrastes, de forma más explícita: los planos de las torres de electricidad y la montaña, los del río y la fábrica de cerveza e incluso aquellos en los que se muestra el trato que Arnau da al zorro malherido que se encuentra y, nuevamente, el que se da a los perros del canódromo.

Para mí, sin embargo, uno de los mayores desafíos de “Petit Indi” es comprender su tono, la intención con la que Recha nos cuenta la historia. ¿Se puede contar una historia realista desde una óptica simbólica? ¿Cuál es el punto en el que el simbolismo se apodera de la historia? ¿O se trata simplemente de que Recha sólo pretende dejar una huella como “autor”, sin ir más allá? A mi entender, a pesar de que Recha usa, y de forma reiterada, claros recursos fílmicos que le desvían de “la forma habitual de contar las cosas”, éstos no deben entenderse como casos aislados en una historia contada desde el realismo, sino más bien como ejemplos puntuales en una historia que en ningún momento deja, precisamente, de esquivarlo. Es por algo el hecho de que no se ponga énfasis en los aspectos más dramáticos, como demuestra un personaje principal absolutamente apático ante todo lo que le ocurre (en este sentido, la limitadas cualidades como actor del debutante Marc Soto juegan a su favor) o el final abrupto con el que la cinta se cierra. También el resto de personajes, en sus papeles mínimos, dan a la historia este aire tan enrarecido y ajeno, como de un mundo que, visto desde la indiferente perspectiva de Arnau, está un poco loco. Por tanto, en general, la gran cantidad de simbolismos que aparecen a lo largo del metraje (la incomunicación de los personajes expresada a través del canto de los pájaros, los animales como expresión de los estados anímicos de Arnau, el mundo habitado por personas extrañas…) inducen a pensar que nos encontramos ante una película que tiene mucho más de fábula que de historia realista.

Es en el cómo contar la historia donde Recha se la juega, y mi veredicto es que aguanta el tipo con bastante aplomo. Vale, es cierto que no todos los directores del mundo son capaces de rodar satisfactoriamente ese tipo de películas frías, de personajes extraños con conductas extrañas, de largos silencios y pocas palabras, a las que un director de la talla de Kieslowski nos tenía acostumbrados. Recha no es Kieslowski, claro, ni tampoco es Kaurismäki, ni por asomo. Pero, sea como sea, “Petit Indi” es un acercamiento a un cine bastante más avanzado al que estamos acostumbrados en este país, y al que no todo el mundo es capaz de aspirar.

8/10

Kevin Williamson anuncia nueva trilogía de "Scream"

2009-11-04T17:05:00.011+01:00

Un amigo mío me decía una vez en defensa de los asesinos del cine de los 70 y los 80 y de paso cargándose la saga de "Scream" que "no hay por dónde coger una película donde el asesino se va tropezando por todas partes".

Cuánta razón. "Scream" supuso la banalización y simplifacación definitiva del género desde un punto de vista muchísimo más paródico que reverencial pero, engañifa, presentado como todo lo contrario.

Así que pese a que creo que la primera tenía un puntito y la segunda daba un giro metalíngüístico con cierta (sólo cierta) gracia, la saga del asesino con cara de "El grito" de Munch ha sido probablemente de lo peor que le ha pasado al cine de terror en los últimos quince años. Aunque sólo sea por la cantidad de exploits ("Sé lo que hicísteis el último verano" y de ahí en adelante) y parodias ("Scary Movie") que ha generado.

Pues bien, ahora el ideólogo de la saga y creador de la mucho más terrorífica "Dawson crece", Kevin Williamson, anuncia nueva trilogía.

La intención de Williamson es que Neve Campbell vuelva a poner su costillar al alcance del ghostface de turno y que Courteney Cox y David Arquette, probablemente la pareja más uncool de Hollywood, estén ahí de nuevo para secundarla, acompañados de un nuevo grupo de actores y actrices que pongan pechuga y hemoglobina a discreción.

Wes Craven, por su lado, parece mostrar interés en las ideas de Williamson, aunque aún no hay nada confirmado. Sinceramente, no me cuesta imaginármelo aceptando...

La cuarta película transcurrirá 10 años después de los hechos relatados en la tercera parte y servirá como introducción para unas quinta y sexta entregas de dudosa necesidad.

Lo leíamos hace un rato aquí...

Romero revisited: trailer de "The Crazies"

2009-11-04T08:45:00.000+01:00

Esta mañana nos hemos despertado horrorizados (en el buen sentido) con el trailer de "The Crazies", remake de una enferma película de George Romero no tan conocida como su saga zombie, pero aun así más que interesante. Prometemos reseña en breve y como Dios manda.

Sobre su nueva adaptación, destaca el nombre de su director, Breck Eisner, por ser el temible cineasta tras las cámaras de "Sahara" y por tener en su poder dos de las próximas producciones estadounidenses más... peculiares: "The Creature from the Black Lagoon" y "Flash Gordon".

Afortunadamente, de los dos guionistas del remake (que aparece más de 40 años después del original) uno, Kosar, destaca por haberse encargado en años anteriores de la acertada revisión de "La Matanza de Texas", de el libreto de la suculenta "El Maquinista" y de la menos interesante "Terror en Amityville" (por supuesto, versión del 2005).

Por último, los rostros más reconocibles del reparto son los de Timothy Olyphant y Radha Mitchell, cuyos devenires profesionales en la gran pantalla son lo suficientemente irregulares (o directamente decepcionantes) como para no saber qué esperar de ellos.

Sea como sea, el caso es que el trailer nos ha gustado lo suficiente como para albergar algo de ilusión, y recordar las buenas sensaciones que en su día supuso el gran remake: "Amanecer de los Muertos".

A ver qué os parece a vosotros.

Por cierto, lo hemos visto en Cinempatía.

Crítica de "Un Lugar Donde Quedarse (Away We Go)", por el Capitán Spaulding

2009-11-03T20:16:00.003+01:00

“Away We Go” es el título que recibe la nueva película de Sam Mendes (tras un “Revolutionary Road” injustamente olvidado el año pasado), director que alcanzó un estatus casi divino desde su debut (“American Beauty”) pero que ahora parece haberse convertido en el foco de toda la ira que albergan los mismos que, curiosamente, en su día lo bañaron en oro. Quizás para evitar un nuevo e hiperbolizado acoso crítico, Mendes reaparece ahora disfrazado de cineasta indie, y con un guión firmado por Dave Eggers (escritor de la novela en que se basa “Donde Habitan los Monstruos”) y su mujer Vendela Vida, presenta uno fabuloso viaje por varios rincones de Norteamérica por parte de una pareja en busca de hogar.

John Krasinski y Maya Rudolph encarnan a dos futuros padres (Burt y Verona) descontentos con su vida actual. Su casa es terrible, sus respectivos trabajos decepcionantes, su coche ronronea y prácticamente nada les une a su ciudad. Por eso mismo, al quedarse embarazados, deciden dar un cambio radical a su vida conjunta, y emprenden un recorrido por diferentes ciudades a fin de encontrar, definitivamente, el mejor hogar para su creciente familia. Por el camino, huelga decirlo, personajes y situaciones de todo tipo irán provocando variaciones en sus intenciones y recorrido geográfico.

Seguramente, “Un Lugar Donde Quedarse” (su título español se suma a la carrera por la peor traducción de la historia) no sea una película perfecta. Su argumento no pasará a la historia por su originalidad, y menos aun sus distintas situaciones o la evolución personal de los dos protagonistas.

Además, lo que hasta hace poco podría haberse considerado como un acierto, el empeño por mantenerse dentro de los cánones del cine independiente a todos sus niveles, hoy en día supone más bien una lacra, al significar una importante pérdida de personalidad emergente de su corrección formal y artística.

Analicemos: buenos actores aunque muy alejados de la condición de estrellas, limitación presupuestaria visible en el tono intimista y en ocasiones casi dogmático de un director que buscaría convertirse en el último protagonista (siendo éste un claro recurso para obtener todo lo contrario), y banda sonora tan excelente como impersonal, con temas que podrían haber salido directamente del tracklist de “Juno”, “Como la Vida Misma”, “Lars y Una Chica de Verdad”, etcétera. Todo ello lo hemos visto u oído en demasiadas últimamente, siendo una fórmula que comienza a dar alarmantes muestras de agotamiento.

Sirva todo ello para situar en su justa medida las expectativas que podría albergar el nuevo trabajo de Mendes, para evitar exageradas exaltaciones y decir, desde ya, que esta tampoco es la nueva obra maestra del británico director.

Definidos los limites, toca ahora justificar la elevada puntuación que con que concluye la reseña, y es que pese a sus adversidades, “Away We Go” es una gran película.

Partiendo por unos personajes quizás excesivamente aJunoados pero aun así sorprendentemente adorables, el objetivo final de Mendes y compañía no es más que una llamada a la esperanza, un foco de radiante luz en un mundo últimamente sumido en la más densa opacidad. Ciertamente, un haz de positividad general suele ser propuesta recurrente en el cine indie, pero cada vez resulta más complicado encontrarla expresada de manera tan sutil, entrañable y emotiva como ocurre en esta ocasión.

Para ello, todo en su guión se presenta exageradamente agrandado, como si de un mundo onírico a caballo entre el cuento de hadas y la pesadilla más lúgubre se tratara, buscando esclarecer de manera radical bien y mal, positivo y negativo.

Así, a la pareja protagonista, balsa de aceite perspicaz, inteligente y culta, se contraponen los diversos secundarios que pueblan su viaje, demoníacos personajes atormentados por fantasmas del pasado, desilusiones del presente y poco esperanzadores futuros. Vemos a los padres de Burt, egoístas hasta decir basta; a los diversos contactos que la pareja conserva en las respectivas ciudades que visitan, movidos por dudosos ideales, odios ocultos hacia su familia o traumas variopintos; o a los hermanos de cada uno, asolados por desgracias e inseguridades. Por cierto, geniales todos ellos, desde los futuros abuelos interpretados por Jeff Daniels y Catherine O'Hara a la desquiciante Maggie Gyllenhaal.

Todo ello se nos presenta en forma de quiméricos capítulos (uno por cada ciudad que se visita) cuyo nivel de excentricidad a la hora de describir personajes desciende al ritmo en que se acrecienta el esmero por infundir en el espectador los más vívidos sentimientos, conforme se descubre la verdadera y frágil identidad de cada uno (escondida tras tan aparatosos disfraces) y se simpatiza con la lucha que los protagonistas llevan a cabo por sobrevivir en tan entristecido universo.

Una última pega debe destaparse a este aspecto, pues de todos ellos, curiosamente el último mini-episodio se convierte en el más apático de todos, significando cierto impedimento rítmico rápidamente solventado por el previsible aunque no por ello menos sensible epílogo.

Haciendo cuentas, lo que queda tras ver "Away We Go" es una gratísima sensación de alegría y positividad, de ensanchamiento del alma y ternura exacerbada. Poco importa que el recurso de alterar la realidad e hiperbolizar acontecimientos y descripciones pueda ser un recurso fácil: que a día de hoy una película sea capaz de transmitir tantos y tan intensos sentimientos, bien merece nuestra atención y gratitud. Aunque quizás todo ello se deba simplemente a lo adorable que resulta John Krasinski y lo mucho que veneramos por aquí al actor de "The Office".

7,5/10

Empieza el rodaje de "Déjame entrar" visto por Hollywood

2009-11-03T17:06:00.009+01:00

Más concretamente ayer, 2 de noviembre, en Nuevo Mexico y de la mano de Overture Films.

Supongo que todos coincidiremos en que el material de partida es excelente. De hecho, para quien esto escribe "Déjame entrar" (Tomas Alfredson, 2008) ha sido uno de los puntos álgidos cinematográficos del año que ya va terminando. Una visión audaz y renovada de unos códigos y una temática, la vampírica, en un contexto que empieza a estar bastante saturado del asunto, con overbooking de chupasangres de colmillos de leche y exceso de efervescencia goth.

Si a ello le sumamos que el encargado de dirigir la cosa va a ser Matt Reeves, pues las expectativas no hacen más que aumentar.

A quien no le suene la campanilla, recordemos que Reeves dirigió la fabulosa "Monstruoso" (aka "Cloverfield"), que a su vez supuso un soplo de aire fresco en su género casi a la altura de "The Host" y se convirtió en uno de los mejores blockbusters de la temporada pasada.

Pues bien, Reeves afirma sentir un gran respeto hacia la película original y dice tener la intención de dar una visión distinta, trasladando el foco de atención hacia un escenario puramente americano. La verdad es que si entiende "escenario puramente americano" del mismo modo que lo hicieron los Coen en "Fargo", Atom Egoyan en "El dulce porvenir" o Paul Schrader en "Aflicción" por poner tres ejemplos más o menos recientes, el resultado (por lo menos a nivel visual) no distará mucho del original sueco...

La pareja de niños protagonistas va a estar interpretada por Chloe Moretz y Kodi Smit-McPhee (futuro valor infantil gracias a su presencia en "La Carretera"), a quien acompañarán intérpretes de la talla de Richard Jenkins o Elias Koteas, además de Sasha Barrese o Cara Buono.

Puede terminar siendo una mierda sobrecocinada, sí. Pero de entrada no pinta nada mal...

PRINCE MEGAHIT: habemus trailer

2009-11-03T02:13:00.008+01:00

Si os consideráis nostálgicos de "Prince of Persia", aquel bombazo que sacudió los pecés de medio mundo allá por 1989... ya os podéis ir olvidando del pixelado arcade original, porque del "Prince of Persia" original esto sólo tiene el nombre.
Jake Gyllenhaal se calza babucha y empuña cimitarra en este enésimo frenesí digital con sello Disney, nuevo salto mortal con tirabuzón en el género "aventuras adrenalínicas" y aspirante a revientataquillas del verano que viene.
Para hacernos una idea, esto es como "Piratas del caribe", pero con arenas del desierto. Como "La momia", pero... bueno, como "La momia".

"Prince of Persia: the Sands of Time" cuenta además entre sus filas con Gemma Arterton, Alfred Molina y Ben Kingsley intentando dar un poco de lustre a un conjunto dirigido por -y yo ya no sé por dónde coger a este hombre- Mike Newell ("Cuatro bodas y un funeral", "La sonrisa de Mona Lisa", "Harry Potter y el cáliz de fuego") y producido por el inevitable Jerry Bruckheimer.

En los alrededores de mayo de 2010 os estaremos contando aquí mismo qué nos ha parecido. Mientras tanto:

Crítica de "Bienvenidos a Zombieland", por el Capitán Spaulding

2009-11-02T19:52:00.000+01:00

Con un buen puñado de alabanzas (estadounidenses) bajo un brazo, y el premio del público en el pasado festival de Sitges en el otro, llega a nuestras carteleras la (pen)última sensación revienta-taquillas, un “Bienvenidos a Zombieland” que, sólo en los EEUU, lleva amasados la friolera de 70 millones de dólares habiendo costado poco más de 20. Todo un éxito teniendo en cuenta el género en que nos encontramos.

Jesse Eisenberg (a quien habremos visto antes, por fin, en “Adventureland”), Woody Harrelson, Abigail –Miss Sunshine- Breslin y la supersalida Emma Stone protagonizan una comedia con zombis que dirige el prácticamente desconocido Ruben Fleischer, y que trata la típica lucha por la supervivencia humana desde la comedia y la parodia de clásicos, derrochando sano humor a base de cerebros destrozados, huidas trepidantes y estudios sobre el existencialismo juvenil.

Que a estas alturas se tenga la esperanza de encontrar una película de zombis (o infectados) original es una utopía tan grande como el creer que la crisis económica actual acabará con la llegada de la Navidad. El género, muy apreciado por otra parte, ha sido explotado en prácticamente todas sus facetas a lo largo y ancho de sus casi ochenta años de vida, por lo que hoy en día la gracia reside en introducir conceptos propios de otra clase de cine en él, como son el humor o, algo más atípico, el estudio social (por así llamarlo) más cercano al cine indie o las peripecias de auteur de la casa Apatow -el mero hecho de que compartan escena tanto Eisenberg (actor cómico muy joven salido de la televisión) como la joya en bruto Breslin ya da buena muestra de ello.

Ambos ingredientes, aunque sobre todo el primero, son los objetivos de "Zombieland", que se podrían resumir en repetir por enésima vez la misma historia desde la frescura de un enfoque relativamente novedoso. Porque si bien ya habíamos disfrutado de algún que otro horror-comedy-with-zombies, lo cierto es que en raras ocasiones lo habíamos hecho desde el punto de vista más comercial y americanizado, o lo que es lo mismo, valiéndose de las tres normas que parecen imperar en Hollywood cuando de una producción así se trata: que la acción jamás abandone un papel protagónico, que siga la corriente y el tono de las comedias post-adolescentes recientes, y que lance algún que otro puñal a un género, una clase social, o celebridad. De esas tres premisas se aprovechan Fleischer y compañía hasta su extenuación, lo que lleva a 90 minutos adictivamente divertidos, en ocasiones sobresalientes, de una aventura de ritmo constante y sumamente estudiado, cuyo último interés reside en saber cómo concluirá.

Lo que importa es ver la siguiente hazaña de sus héroes, la próxima patochada, un nuevo caso de tensión sexual entre protagonistas. Y el director es plenamente consciente de ello.

Por eso, "Bienvenidos a Zombieland" brilla gracias al todopoderoso tándem masculino, con un Woody Harrelson absolutamente delirante y de química perfecta con Jesse Eisenberg, cuyo personaje parece haber empollado a conciencia la "Guía de Supervivencia" de Max Brooks; gracias a las tretas de las engañosamente adorables chicas que completan el reparto; y gracias a una primera hora de metraje donde no sólo acción, humor y evolución de personajes se antojan notablemente engarzados, sino que cuenta con veinte de los mejores momentos cómicos de la historia reciente del cine.

Ahora bien, lo difícil del tinglado supone aguantar el mismo ritmo a lo largo de toda la película, y en esta ocasión se percibe cierta sensación de desinflado general conforme el prescindible entramado se adentra en su clímax. Curiosamente (o no) esta es justamente la parte en que "Zombieland" abandona casi en su totalidad el humor del que ha ido haciendo gala hasta el momento, y centra sus esfuerzos en la acción pura y dura tanto como en el desarrollo de la trama, dejando por tanto una de las tres normas imperativas de lado y a la vez la que mejor funcionaba: el humor.

Y es que ante casos como el que nos ocupase descubre que el cine, a fin de cuentas, no es más que un juego de equilibrios.

Pese a dicho borrón, no cabe duda de que "Bienvenidos a Zombieland" es una comedia sumamente entretenida y válida para todo el mundo, de su ritmo compacto y regular al que ayuda una duración de lo más comedida y un humor francamente acertado. La sola presencia de un Harrelson estelar ya bastaría para catapultar la película a la categoría de comedia del año, pero no contenta con ello, se reserva una sorpresa con las iniciales B.M. que le sirve para alcanzar, literalmente, la gloria.

Pocas veces un servidor se ha reído tanto en un cine, y aún menos sabiéndose un mero asistente más a la comunión de risas que se vivió en la festiva presentación de la cinta en Sitges '09. Lástima de esos pequeños fallos que impiden que nuestro recorrido por Zombieland sea perfecto.

8/10

Nos deja José Luis López Vazquez

2009-11-02T16:48:00.009+01:00

Acabamos de enterarnos vía Las Horas Perdidas del triste fallecimiento de tan emblemático actor, símbolo de toda una generación y que junto con ilustres compañeros de batallas, como el también difunto Rafael Azcona, fue dueño de una forma propia de entender el cine, tanto el cómico como el dramático.

Presente en algunas de las mejores películas de la historia del cine español, López Vázquez trabajó con algunos de los más destacados directores que ha dado este país, caso de Luis García Berlanga (apareció en "Novio a la vista", "Los jueves milagro", "La escopeta nacional" o en las fundamentales "El verdugo" y "Plácido"), Marco Ferreri (estuvo en "El pisito" o en la no menos imprescindible "El cochecito) o Carlos Saura (en "Mamá cumple cien años" o "La prima Angélica", más obras maestras). Y apareció en películas tan populares (y populistas) como "Tres de la cruz roja" (Fernando Palacios), "Historias de la televisión" (José Luis Sáenz de Heredia), "Sor Citroen" (Pedro Lazaga) o en la estupenda "Atraco a las tres" (José María Forqué).

Últimamente se había prodigado bastante en televisión, donde participó en series como "Periodistas" u "Hospital central", pero sin duda uno de sus papeles más recordados por todos en dicho terreno fue el del protagonista de la terrorífica y muy notable "La cabina", de Antonio Mercero .

El actor ha fallecido hoy en su casa madrileña después de larga enfermedad a la edad de 87 años y nosotros, aunque no sorprendidos, nos hemos quedado un poquitín con cara de tontos, además de (tenía que decirlo) de eternos admiradores, amigos, esclavos y siervos.

Por cierto, el homenaje Casero llegará próximamente con la inclusión de una de sus mejores películas en el ciclo de Fantaterror patrio. Permaneced atentos...

"Lost 6" ya tiene fecha

2009-11-02T14:42:00.002+01:00

Todos los amantes de las series estadounidenses saben que en los próximos meses van a sufrir un momento antes-y-después en sus vidas con la emisión de la última temporada de "Perdidos" (sí, aún nos corre un escalofrío por la espalda cuando lo decimos en voz alta), en una season 6 que podría definirse como el acontecimiento más esperado de la historia reciente de la televisión. Ea.

Pues bien, desde hoy (leído por aquí) sabemos cuándo fijar la cuentas atrás: el miércoles 20 de enero vuelve, de manera oficial (¿y a nivel mundial?), la serie que ha marcado a toda una generación y de la que todo el mundo habla.

Recordemos que la sexta temporada de "Perdidos" constará de 18 episodios (de los cuales dos dobles: el primero y el último), y que aunque se nos había prometido una emisión regular y semanal, parece ser que sufrirá un parón de algunas semanas con motivo de los juegos olímpicos de invierno.

Poco menos de tres meses es lo que nos queda, pues, para repasar conceptos o ponernos al día...

Críticas breves: "Toy Story 3D" y "Mi vecino Totoro", por John Blutarsky

2009-11-01T12:12:00.006+01:00

Qué felices nos tienen con el rescate por partida doble, y con una semana de por medio, de dos cumbres de la animación reciente, dos representantes ilustres de sendas maneras de hacer cine de animación distanciadas estilística y técnicamente entre sí pero imprescindibles por igual.
Y es que si dos productoras hay que se lleven el gato al agua en esto de la animación de unos años a esta parte, esas son Studio Ghibli y Pixar Studios. Pixar y Ghibli. Pues eso, "Toy Story" y Totoro de nuevo en cine, la americana en versión 3D. La japonesa a pelo.
Lo dicho, felices.

La reedición de "Toy Story" (1995), como decía, aprovecha el reciente (ejem, EJEM) boom del 3D y dota literalmente de profundidad y relieve a unas imágenes ya conocidas, por lo que el resultado tiene una parte positiva y una negativa. Lo bueno es que puesto que la película no se concibió pensando en el 3D, no se ve obligada a entregarse al onanismo estereoscópico, y no supedita su planificación al constante empeño de impresionar al espectador, por ejemplo con el trillado plano de objeto acercándose directamente a cámara que sí, será muy molón las primeras dos veces, pero estará vacío de significado las siguientes cincuenta.
Pero exactamente el mismo motivo representa la parte negativa: justo ese no-enfoque originario hacia el 3D implica que tampoco se aprovechen todas las capacidades estéticas y narrativas que dicho sistema puede ofrecer, especialmente con la habitual exuberancia visual de las propuestas de nuestros geniecillos de Emeryville, California, como han demostrado recientemente con "Up".
En cuanto al resto de cualidades técnicas, vienen determinadas por los tres lustros que separan "Toy Story" de "Wall·E", en mi opinión lo mejor de Pixar hasta la fecha. Las texturas, la expresividad, los movimientos, la interacción de los objetos con el entorno han ido mejorando, pero las bases ya estaban ahí, la semilla ya estaba plantada, y al fin y al cabo el resto son futesas.
Y todo lo demás ya lo sabíamos de antes. "Toy Story" es una demostración de clase y elegancia en la realización (John Lasseter, jefe de todo esto), un diseño de personajes (especialmente centrado en Woody y Buzz) por el que mataría cualquier guionista de humor, un sentido del gag físico/verbal afinadísimo y con momentos de auténtica antología. Y lo remata una puesta en escena diáfana y, cómo no, una historia que de tan pura llega a todo el mundo.

Sorprende ver cómo ha cambiado el panorama y sin embargo cómo se mantiene todo igual al mismo tiempo, porque en animación 3D, en animación a secas o en cine familiar, quince años después Pixar aún domina el cotarro, mientras que el resto... bueno, el resto hacen lo que pueden.

Excepción hecha, claro, de los chicos de Ghibli.

Porque esta recuperación de "Mi vecino Totoro" (1988) nos recuerda que la genialidad que gasta el maestro Hayao Miyazaki y los suyos no es cosa de los últimos años, sino que viene de lejos (y si no recordad aquella maravilla llamada "Conan, el niño del futuro", de 1978).
Y ahora podemos volver a comprobar que las constantes del cine de Miyazaki ya estaban ahí. Elementos que aparecen en sus posteriores hitos (desde "La princesa Mononoke" hasta "Ponyo en el acantilado", pasando por "El viaje de Chihiro", "El castillo ambulante" y exceptuando, quizá, "Porco Rosso") ya están presentes en "Totoro"; a saber, una premisa argumental sencilla que sirve como excusa para dejar fluir la fantasía y la imaginación, un leve pero crítico mensaje ecologista, la presencia de elementos y criaturas tradicionales de la cultura japonesa y la convivencia de lo cotidiano con mundos que tienen un sistema propio de reglas no explicadas, sólo mostradas.
Formalmente tampoco encontramos demasiada diferencia. La técnica es la misma, dada la cabezonería con que Miyazaki se aferra al tradicional 2D (y que nosotros agradecemos), y la calidad de la animación es levemente inferior, aunque sorprendentemente poco teniendo en cuenta que estamos ante una película con más de 20 años. Es cierto que no demuestra el virtuosismo gráfico de algunos momentos de sus últimas películas, pero eso no le impide llegar a cotas de emoción similares.
En resumen "Totoro" es un producto 100% Miyazaki, con sus personajes entrañables, sus valores positivos que no hipotecan la libertad del argumento y no renuncian a la madurez desde su enfoque infantil, su trazo limpio y alegre habitual del anime y, cómo no, con esas maravillosas partituras de Joe Hisaishi, carne de cualquier "grandes éxitos de las bandas sonoras recientes".

Si no la habéis visto, este es el momento perfecto. Si lo habéis hecho, creedme, volver a ella en pantalla grande es una auténtica gozada.

"Toy Story" 9'5/10
"Mi vecino Totoro" 9/10

Entrevista a Jac Schaeffer, directora de "TiMER"

2009-10-31T12:17:00.017+01:00

Ni vampiros, ni zombies. Una de las películas que más gracia nos hizo del Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya -Sitges '09 fue la comedia romántica "TiMER" (cuya crítica a cargo de nuestra compañera EME podéis leer POR AQUÍ). Nos dejó tan buen sabor de boca, que nos pusimos a buscar la manera de contactar con su directora para realizarle una entrevista. Jacqueline Schaeffer, que debuta en la dirección de largometrajes con éste, se mostró encantada con la propuesta, y aquí tenéis el resultado.

La Casa: Este es tu debut cinematográfico. ¿Quién es Jac Schaeffer?

Jac Schaeffer: Wow, ¡buena pregunta! Veamos... Soy una cineasta americana que descubrió querer ser directora a los catorce años. Adoro el chocolate... Es muy difícil contestar a eso. Supongo que me defino a mí misma como una storyteller, tanto a nivel personal como profesional. Creo que las historias son la manera más mágica de conectar con la gente, tanto a nivel interno como externo por medio de la experiencia humana. And it’s a good time.

LC: ¿Cuáles son tus referentes?

JS: ¿Te refieres a mis influencias artísticas? (Porque si te refieres a mis modelos de conducta son gente como Ghandi o mi madre). Pero si hablamos de las carreras a las que aspiro emular, entonces mis heroes cinematográficos son John Hughes, Mike Nichols, Luc Besson, Charlie Kaufman, Sophia Coppola, Cameron Crowe, Lisa Cholodenko y Billy Wilder, por citar unos pocos.

LC: Centrémonos en “TiMER” ¿De dónde sale la idea? ¿Cuánto de autobiográfico hay en tu película?

JS: La idea de la película surgió a partir del noviazgo de mi hermano. Mi madre tenía uno de esos Countdown to the Big Day clocks, esos relojes que te dicen cuánto falta hasta el día de tu boda (lo cual podría ser un invento puramente americano). Yo estaba emocionadísima con el hecho de que mi hermano hubiera encontrado su media naranja pero me jorobaba bastante seguir soltera. Pensaba que si hubiese tenido uno de estos relojes mágicos para mi vida sentimental, podría haberme relajado y ser una mucho mejor dama de honor. Pero por supuesto, pensándolo fríamente me di cuenta de que conocer tu destino romántico sería causa de todo tipo de problemas.

En cuanto a cómo de autobiográfica es la película, es difícil de cuantificar. Todos los personajes son distintas versiones de mí misma. Oona es mi cara brillante, esperanzada y romántica. Steph es mi lado hastiado, pesimista y herido. Mikey representa el modo en que veo el mundo cuando estoy centrada y despejada. Marion es el cajón de sastre para mis tendencias neuróticas. Pero por supuesto también hay parte de mis amigos y familia en la mezcla. Mentiría si dijera que todos los diálogos son fruto de mi creación. Algunas de las personas especiales de mi vida me permitieron citarlas en el guión ¡y las adoro por ello!

LC: Si realmente existiera en el mercado un producto como el TiMER, ¿lo usarías? ¿sería un producto con éxito?

JC: Con toda seguridad tendría mucho éxito, no me cabe la menor duda. La cultura occidental prioriza el amor y el romanticismo sobre prácticamente todo lo demás, así que la gente se abalanzaría sobre él. Ahora bien, ¿compraría yo uno? Tengo que admitir que no, porque el principal mensaje de mi película es que obsesionarse con el reloj no es manera de llegar a una vida plena. ¡Pero vaya si me sentiría tentada!

LC: ¿Crees realmente que se puede llegar a una situación en que la tecnología supere a los sentimientos a la hora de encontrar a tu media naranja? ¿El amor verdadero está por encima de tecnologías... y edades?

JC: No lo creo, eso sería terrible. Creo (y espero) que el amor verdadero superará cualquier artilugio que la humanidad pueda crear.

LC: “TiMER” se enfoca principalmente a un público femenino, pero sin embargo recurres a temática propia de la ciencia-ficción, preferido por el sexo opuesto. También aparecen historias para todas las edades ¿Es el tuyo un mensaje de advertencia universal?

JC: Es que en realidad mi película no busca ser ningún aviso. Pero sí que es cierto que me tomé muchas molestias para asegurarme de que la película no sólo atrajera a mujeres de entre 20 y 30 años. Entiendo que tales maravillosas criaturas constituyen mi principal audiencia, pero espero que cuando la vean hombres y, en general, gente de todas las edades puedan encontrar lineas argumentales y perspectivas con las que sentirse identificados.

En referencia al elemento sci-fi, me encanta el género y todas esas increíbles películas que supuestamente van dirigidas a los hombres. De ahí que no sorprenda que todas esas influencias emerjan en mi trabajo.

LC: ¿Estás contenta con la acogida recibida en el festival de Sitges?

JC: ¡Desde luego! El público estuvo maravilloso.

LC: ¿Has podido disfrutar del Festival de Sitges? ¿Qué tres películas mencionarías como las más destacables?

JC: Ooooh, mis favoritas fueron: "Bienvenidos a Zombieland", "Infectados (Carriers)" y "Haeudae (Tidal Wave)".

LC: En Sitges hemos podido visionar cintas como la tuya, dramas existenciales, terror espacial... ¿Qué futuro le espera a la sci-fi?

JC: Buena pregunta. No tengo ni idea, y eso lo bonito de ello. Estos géneros buscan que forcemos nuestra imaginación hasta su límite. Estoy esperando encontrar la próxima película que nos impacte tanto como en su momento hicieron “Star Wars” y “Matrix”. Lo que sí pienso es que las mezclas de géneros son cada vez más frecuentes, cosa que me encanta. “Star Wars” era un western ubicado en el espacio (algo que sin embargo no era tan obvio). Hoy en día los cineastas parecen más claros con sus impulsivas mezclas, como ese drama alienígena/mockumentary que es “District Nine”. ¡Quiero ver más combinaciones osadas de géneros!

LC: ¿Qué te parece la relación éxito-estrella? Hasta ahora, una película romántica sólo triunfaba según el nombre de su protagonista, aunque películas como “(500) Días...” parecen cambiar la situación: ¿puede llegar “TiMER” a ser un sleeper?

JC: ¡Dios te oiga! Sería estupendo que “TiMER” se convirtiera en un sleeper. Hoy en día sólo parecen entenderse como sleepers películas de terror de carácter indie, como demuestra el reciente y enorme éxito de “Paranormal Activity”. En los 90, cualquier pequeña producción podía valerse por sí misma. Mientras que ahora pequeños dramas y comedias las pasan canutas para ver la luz del día. Espero que gracias al éxito de “Paranormal Activity” la industria sea capaz de dar un salto de fe y dé más oportunidades a películas menores de todo tipo.

LC: ¿Tiene distribución a nivel comercial?

JC: ¡Aún no, pero nos falta poco! De hecho, si queréis apoyar la película por favor suscribiros al newsletter en TiMERthemovie. Os avisaremos cuando la película se estrene y esté disponible en DVD. También podéis uniros a nuestro grupo de Facebook y seguirnos en Twitter.

LC: Para acabar, ¿qué planes de futuro tienes? ¿Alguna idea para tu próxima película?

JC: Tengo un montón de ideas, pero por desgracia ahora mismo no puedo hablar de ellas. Pero me encantaría que siguiéramos en contacto para poderos avisar cuando nazca mi próximo proyecto.

Jac Schaeffer, junto a Rikki Jarrett y Jennifer Glynn (productoras) en Sitges. Foto: EME

Hasta aquí la entrevista. Por supuesto, acabamos el post agradeciendo la colaboración, esfuerzo e interés de Jac Schaeffer, y deseamos que la película tenga todo el recorrido comercial que se merece ¡esperamos verla de nuevo lo antes posible!

Crítica de "The Descent: Part 2", por el Capitán Spaulding

2009-10-30T15:32:00.003+01:00

De todas las películas que se dejaron ver por el festival de Sitges '09, ésta era la que más esperaba, y no por la necesidad de su existencia precisamente.

Ciertamente, la primera y genial "The Descent" contenía un final abierto fácil aunque no necesariamente continuable (como la práctica totalidad de películas de terror), pero las sensaciones legadas por Marshall fueron tan gratificantes que, cuando unos años más tarde supimos de su secuela, un servidor casi gime de gusto.

El problema, claro, es que el listón también estaba demasiado alto.

Algo nada descabellado por mi parte fue pues acercarme a este "The Descent: Part 2" con las expectativas moderadamente rebajadas, con ganas pero también cierto remoloneo, no fuera a ser que la decepción fuera mayúscula. Pues ni por esas, oiga.

Empecemos por el que, a todas luces, ya supone el primer error del film que dirige el debutante Jon Harris (editor de "Eden Lake", ahí lo dejo): su argumento. La demencial excusa para justificar esta nueva entrega de la que fácilmente podría convertirse en una saga directa a vídeo, altera el final de la primera parte y confirma que Sarah logra escapar de las cuevas sana y salva. Hasta aquí la cosa tiene su lógica: puede ser que sus pobres guionistas no hayan visto la versión completa de "The Descent", quedándose sin el epílogo, o si no qué demonios, ¿acaso no cambió Sam Raimi los finales de su trilogía infernal en los arranques de cada entrega?

El problema nace cuando, a ello, se le añade una investigación de nuevo en las cuevas para recuperar/salvar al resto del grupo de Sarah, lo cual fuerza a la chica a bajar de nuevo a las grutas, un día y medio después de su recuperación y estando prácticamente inconsciente en un hospital. Y para los que crean que aún tiene un pase, ahí está nuestra heroína bajando a ellas, escalado, corriendo, saltando... en plena forma vaya. Nada ¡adiós a la credibilidad!

Lo más triste de todo es que semejante premisa sirve para introducir un argumento que es prácticamente un remake del trabajo de Marshall, sin más novedad que la presencia del sexo opuesto en el grupo protagónico y algún que otro twist argumental tan disparatado como lo visto hasta ahora.

Y no, no me vale que se tiene que re-caminar lo caminado si lo que quieren es encontrar supervivientes. Que se repita el marco no tiene por qué significar que pase lo propio con la trama.

Lo que tendría que ser un aluvión de guiños a los fans de "The Descent" se convierte aquí en la propia estructura del guión, en una película que intenta, vaya por Dios, repetir sus tácticas sin suerte.

Porque este segundo descenso cuenta con menor garra, interés, medios, simpatía hacia los personajes y credibilidad (o verosimilitud si se prefiere). Y sobre todo, con una dirección carente de brillantez que allí donde debería obtener secuencias de terror claustrofóbico, fruto de la total oscuridad, consigue simple y llana confusión.

Sin movernos del mismo lado de la balanza, cabe destacar el abuso de escenas en las que objetos punzantes se clavan (en primerísimo plano) en superficies indistinguibles, con el correspondiente y siempre bienvenido chorretón hemoglobínico. Suponemos que tales secuencias sirven para satisfacer a los aficionados del gore y a la vez ocultar la escasez de recursos del film, y además sabemos que se trata de partes del cuerpo de los adorables bichos por el contexto, pero aun así, lo que vemos es tan poco que bien podrían ser bidones coloreados y llenos de ketchup aguado. Demasiado poco para tomar el relevo de un primer descenso mucho más salvaje a nivel visual.

Por otra parte, esto no pasa siempre, y cierto es que en puntuales ocasiones se nos regalan momentos realmente animales, con aplastamientos craneales en plano fijo y demás lindezas (los únicos motivos de aplauso en el primer pase de la película en Sitges '09, donde recibió una acogida de lo más fría).

Entre ellos, algún apartado pico de tensión bien orquestada, y el recuerdo del original (los gollums de las cavernas nos son tan familiares que ya empiezan a caer bien), el visionado de esta segunda parte se hace más llevadero, si bien se trate de una cinta totalmente prescindible, mediocre y de distribución natural directa a vídeo, que nunca consigue acabar de despertar sensaciones mínimamente intensas en el espectador, no digamos remotamente similares a "The Descent".

Ahora bien, si se contempla bajo el prisma de la distribución doméstica, con las limitaciones que ello comporta, puede resultar válida. Allá vosotros.

4/10

Primer trailer de la octava temporada de "24"

2009-10-30T11:38:00.004+01:00

[Ojo, si queréis permanecer vírgenes de información sobre la próxima temporada de "24" no leáis lo que sigue]

Con cierto mal sabor de boca aún presente dejado por un final que no estuvo a la altura del resto de aquella estupenda séptima temporada nos llega ahora el primer trailer de las nuevas andanzas de Jack Bauer, que afronta su octavo día con cambio de escenario pero mismas conspiraciones internacionales y mismos terroristas irritados.
En este caso el argumento parece evocar el de aquella mítica primera temporada, con la seguridad de la presidenta en riesgo (esta vez acudiendo a un encuentro diplomático en la sede de la ONU) y grandpa Bauer intentando salvar el día, y nunca mejor dicho.

Encontramos viejos conocidos (Cherry Jones, Mary Lynn Rajskub u, horreur, Elisha Cuthbert), y nuevas caras (Benito Martinez, Aceveda en "The Shield"), y con toda seguridad habrá toneladas de suspense y giros imposibles marca de la casa en lo que muy probablemente será la última temporada de la serie.
El trailer es pequeñito, sí, pero contiene grandes dosis de acción (que al final probablemente correspondan a los primeros dos capítulos) y un saludable "más de lo mismo" que hace salivar y aumentar nuestra impaciencia hasta el próximo enero.

Series de Culto de la Televisión Geek: THE GREEN HORNET. Por John Blutarsky

2009-10-29T11:02:00.006+01:00

En enero de 1966, la American Broadcasting Company, ABC para los amigos, sorprendía a propios y extraños con el estreno de la serie "Batman", flamboyante adaptación del personaje de DC y que se forjó una notable aceptación en todos los televisores estadounidenses las noches de los miércoles y los jueves.

Pero para escarnio de Adam West y su esquijama superheroico, la cadena no podía dejar pasar semejante éxito y decidió seguir exprimiendo el filón estrenando, en septiembre del mismo año, la que hoy protagoniza nuestra popera sección, nada menos que "The Green Hornet", o si lo preferís, "El avispón verde".

De gran presencia en los medios estadounidenses desde los años 30, el "The Green Hornet" años 60 tomaba sus referencias de los personajes de los seriales cinematográficos de los 40 y las series de cómics que empezaron en esa misma década, y que a su vez se basaban en los personajes originales creados por George W. Trendle y Fran Striker para una radionovela.
El baile de formatos fue provocando varios cambios en el personaje y su entorno a lo largo de los años pero finalmente, separando la paja, el grano es el siguiente: Britt Reid (Van Williams) es de día editor del diario The Sentinel (chúpate esa, Clark "sólo soy periodista" Kent) y vengador nocturno de noche. Bajo la identidad de Green Hornet, y con la inestimable colaboración de su ayudante oriental Kato (¡nada menos que Bruce Lee!) hace frente al crimen que azota las calles, sirviéndose de un arsenal de ingeniosas armas y trucos diversos.
Sencillo. El bien siempre triunfa sobre el mal gracias a nuestro héroe sin tacha y sus inteligentes artimañas.
No le pidáis más a un vigilante de los años 60, época en la que la profundidad psicológica de los héroes más o menos de carácter folletinesco estaba descuidadamente infraexplotada.

Aunque mucho menos yeyé, la serie era tan divertida como "Batman", principalmente gracias a un enfoque pretendidamente más serio (vista hoy, claro, esa "seriedad" se pone en entredicho) y mucho menos estridente que la anterior, pero con un tono oscuro que llevaba al protagonista a utilizar algunas técnicas cuanto menos dudosas en su cruzada para combatir el crimen. No era raro ver a nuestro héroe, por ejemplo, mezclándose con los bajos fondos, haciéndose pasar por traidor a la justicia para internamente desbaratar los planes del gángster de turno. Sí, señores, Green Hornet era mucho más badass que el fondoncete Batman.

Su arsenal era bastante más modesto, pero unía la sobriedad de los artilugios de "espía serio" (ahí está su Batmóvil particular: el elegante Black Beauty) con el delirio casi sci-fi (rayos aturdidores, rastreadores voladores, proyectores de ondas ultrasónicas) y lo alejaba de nuevo de la exageración no apta para daltónicos de su compañero de cadena. Elegancia ante todo.

Además, qué demonios, Kato como sidekick la daba mil patadas (ja-ja) a Robin (ni él mismo sabía si era más soso que repelente), gracias a su pinta de chófer de orgía de la alta alcurnia y con peligrosa tendencia al golpe de jiu-jitsu fulminante.
Pese a todo, y como mandan los manuales del buen programador, Batman y Green Hornet tuvieron un encuentro en un crossover localizado en la segunda temporada de "Batman" en el que Green Hornet y Kato visitaban Gotham y se enfrentaban al Dúo Dinámico en un duelo que terminaba... en empate.

Si alguien lo duda a estas alturas, "The Green Hornet" mola. Y si no, convenceos con esos planos recurrentes de un capítulo a otro (¿para qué rodar varias veces algo que va a aparecer igual en todos los capítulos?), esos efectos especiales "tan de la época" -dejémoslo así- y sobre todo su psicodélica cabecera, con la música de ese clásico "Vuelo del abejorro" reinventado por la vitamínica trompeta de Al Hirt. Justo: el mismo tema que recicló Tarantino para su primer "Kill Bill", quien, carambola, homenajeó a Kato vistiendo a sus "Crazy 88" con un antifaz muy parecido al que llevaba Lee en la serie.

Al final, "The Green Hornet" tuvo una temporada única de 26 episodios que terminó en marzo de 1967 y sirvió, entre otras cosas, para dar el espaldarazo definitivo a un Bruce Lee cada vez más de moda, especialmente en Hong Kong, donde se popularizó la serie como "The Kato Show", y a punto de convertirse en el icono mundial que le llevaría pocos años después a protagonizar la esencial "Operación Dragón" (Robert Clouse, 1973).

-Mejor episodio: El último, doble ("Invasion from Outer Space"), en el que se barajan falsas invasiones alienígenas, terroristas de medio pelo y la Bomba H, e incluye hasta una escena de acción con Green Hornet saltando desde un coche a un camión en marcha.
-Mejor momento: Después de varias oportunas intervenciones esporádicas Kato tiene su esperado momento de gloria en "The Preying Mantis", enfrentándose cuerpo a cuerpo y con todo su repertorio de "patos mareados" y "monos borrachos" al jefe de una banda de hampones chinos.

¡Nuevo trailer de "Avatar"!

2009-10-29T07:40:00.003+01:00

Fugaz actualización con el recién salido del horno trailer de "Avatar", de nada menos que tres minutazos y medio. ¿Qué os parece, en relación al anterior?