La Colméia

Danica

2012-03-08T23:03:00.000-03:00

"Seu cigarro está pra acabar, assim como o turno do astro sol, que vai se pondo ao fundo. Uma visão privilegiada para quem mora no apartamento número 94, da torre 1. Condomínio Joy Dimension. Um dia já foi uma bela réplica dos prédios da famosa orla de Miami Beach. Não haver uma praia ali, era mero detalhe. Já foi um prédio cor salmão, que pela noite, abandonava a cor clara, para gritar com seu magenta neón. Mas isso foram outros tempos e ela nem era residente naquela época. O portal do prédio, estava velho e sujo. Apenas chegando muito perto, era possível uma leitura do pórtico. Era um arco em cor de madeira e o letreiro também da mesma cor. Porém, de noite era outro grito neón, dessa vez verde. Danica lembra ter lido aquilo apenas uma vez, quando chegou com suas malas, acompanhada de três amigas. Todas traziam bagagens e sonhos. As amigas se foram com o tempo e os sonhos também. Eles não caíram na promessa do pórtico do condomínio: “Uma outra Dimensão!”. Bastaram algumas semanas e o apartamento tornou-se mera extensão da realidade. As quatro jovens descobriram a vida no Lacienda. E que uma vez vivendo ali, não escapariam de formas santificadas. E, fora Danica, todas as outras saíram de lá com seus pecados em busca do paraíso. Danica preferia viver no inferno com seus próprios demônios e os dos outros. Não faria como Ana, que foi mandante do assassinato da esposa de seu marido, para que assim, pudessem se casar e ele a sustentasse. Nada contra Ana, as duas ainda se falam normalmente, foram mais amigas e hoje se respeitam. Mas Danica não colocaria tanto esforço por uma “estável”. Não. Lana virou a rainha branca. Começou a vender cocaína durante as noites, entre um intervalo de um programa e outro. Ficou “famosa” demais pela cidade, resolveu mudar para Europa. Com os contatos certos, o corpo quase perfeito e sua habilidade com facas, logo tornou-se “La Reine Blanche”. Engraçado era que ela não usava drogas. Quando cheirou pela primeira vez, enquanto estava em um hotel em Nice, comemorando a maior venda de sua vida, ela teve uma arritmia cardíaca e morreu. Barbie, foi a primeira a sair. Usou de seu corpo para pagar bons estudos. Hoje é uma vice-presidente da maior imobiliária do país. Nunca mais ela pisou novamente em Lacienda e fez uma visita para Danica. Todas foram viver com seus pecados no paraíso, Lana já na versão 2.0. O cigarro de Danica atinge o filtro, o sol se foi, a noite chega e o celular pode tocar a qualquer momento. Ela descola o tórax da janela e desliza o vidro que a fecha. Não há mais as cortinas floridas que ela trouxe de sua casa. Certa vez bebeu tanto, no nascer do sol, que ascendeu um cigarro e o foi ver a aurora do dia. Distraída, deixou o cigarro ao lado do braço direito. Adormeceu ali mesmo e só acordou com o cheiro de tecido queimado. Queimou o único resquício de sua adolescência. Porém, ela realmente não ligava para isso. Não mais. Com a ajuda das luzes da noite, ela tateou procurando o interruptor e o empurrou para cima. Uma luz fraca surgiu no teto do apartamento. Era entre o amarelo e o laranja, não se decidia. Apesar de fraca, foi suficiente para Danica avistar o sofá. Estava envolto em um lençol azul marinho e dividia a sala apenas com a TV. Haviam mais coisas ali, na época de ouro. Quando, uma a uma, as meninas foram saindo, algumas coisas também foram. Mas a maioria, Danica trocou por drogas e dinheiro. Dinheiro que logo virou bebida. Agora ela podia contar nos dedos as coisas que haviam no apartamento. Sofá velho, lençol azul marinho, pequena mesa retangular, que era suporte da TV usada e velha. Antes, era uma televisão bem mais nova, muito bonita. Virou um saquinho de açucar, com resquícios de cocaína. Depois de alguns dias, a abstinência do quadrado mágico, foi maior do que a abstinência de crack e Danica conseguiu a velha televisão usada, ficando assim, estável. Havia uma cama arrumada, mas raramente usada. Danica gostava de dormir no sofá, assistindo ao talk-show do Skinny. Ao lado do sofá, um cinzero preso em um pedestal. E era só, mais nada. Danica deitou-se ao sofá e procurou algo com sua mão próxima às nádegas. Não encontrou, pois aquilo não existia mais. Levantou-se, foi até a TV. Apertou o botão preto que estava próximo à pequena luz vermelha. A princípio não houve imagem, apenas o som de risadas falsas. Pelo horário, era o seriado “Missy Mississipi”. Mais uma reprise. Era tão velho, preto e branco, sem graça, de tanto que fora reprisado. Danica odiava o seriado. Voltou ao sofá e deitou-se novamente. A imagem surgiu de repente na tela preta. Sua calcinha estava com o lado esquerdo sendo engolido por suas flácidas nádegas. Ela meteu a mão por debaixo da calça, ajeitou a roupa de baixo e ficou assistindo “Missy Mississipi”. Riu de algumas piadas, ascendeu mais um cigarro. Começou a escutar tiros do lado de fora, carros passando correndo. Uma noite quente de verão. O mundo se agita o triplo do habitual. Sentiu vontade de urinar. Levantou-se e foi até o banheiro. Baixou as calças com força, para ter certeza de que levava a calcinha junto e sentou no vaso limpo. Era uma casa limpa, apesar da precariedade do prédio e da falta de móveis. Aliviou-se, tragando seu cigarro. Não era o favorito. “Ei, Lucky, me vê um maço de Liberty”, ela perguntou. “Jan, sinto muito xuxu, mas acabou meu estoque de Liberty”. Ela pensou, que deveria parar de comprar cigarros com Lucky. Ele já foi um bom revendedor, mas perdeu espaço nos últimos anos. “Ele não tinha tanta sorte assim” ela pensava enquanto a urina dourada descia de sua vagina. “Então me da um Boulevard mesmo”. Ela não suportava um Boulevard. Até o nome, ela não suportava. Gosto ruim, cheiro ruim, tudo ruim. “Por que merda eu pedi um Boulevard, então? Eles são mais baratos Dani, você sabe disso.” Terminou o cigarro e terminou de urinar. Danica levantou-se, subiu a calcinha e depois sua calça preta. Puxou a descarga, enquanto puxava outro cigarro do maço. Tossiu. “Isso que dá fumar, Danica. E ainda por cima, fumar um maço de Boulevard.” Era o último. Ascendeu-o e depois foi lavar as mãos. Jogou uma água no rosto e tentou se olhar no espelho, mas este estava todo trincado. Haviam dez Danicas ali e ela ficou com preguiça de analisa-las. Andando vagarosamente para seu sofá, ela assistia de longe os créditos do seriado, mas não ficou nem feliz e nem triste com isso. De sopetão, a caixa preta apagou-se. Danica suspirou, como quem já se cansou de algo. Já haviam dias em que a TV estava com esse surto de desligar-se sozinha. Continuou sua caminhada desprenteciosa. Quando estava à frente do aparelho, agachou-se e viu-se com o reflexo da tela. Notou alguns furinhos na sua face. Não muitos, mas um sinal da idade. O cabelo estava preso com um coque. A cor oscilava entre um loiro falso e o castanho escuro veridadeiro da raiz. Os olhos, pequenos e escuros. Usava um top cinza decotado. Apalpou os seios, para certificar-se de que o implante continuava ali. Ainda imaginava que um dia, a coisa ia escapar dali e sair quicando pela sala ou pior, durante um programa. Ela ainda travava quando um cliente, afoito por peitos, metia os dentes e os apertava. Estavam firmes, do jeito que ela e os outros gostam. Estava a mesma coisa de sempre, nenhuma novidade. Ligou a TV de novo, tornou a deitar-se ao sofá, fumando o último Boulevard. Agora, o programa era “Lei da Sobrevivência”. Pequenos documentários de pessoas que sobreviveram à uma provação horrível da vida. Danica nunca via algum programa sobre sobreviventes do Lacienda. Quem sabe hoje? É, ela tinha algumas pequenas expectativas da vida que a faziam esquecer certos absurdos. O programa estava pra começar, a abertura no seu encerramento. Quando o narrador pôs-se a falar, o celular tocou. Hora de trabalhar."

Capitão América: O Primeiro Vingador

2011-07-31T22:08:00.002-03:00

Depois dos dois primeiros Homem de Ferro e Thor, a Marvel Studios fecha o ciclo de filmes pré Vingadores, o filme que estreará em 2012 e será composto por todos os heróis apresentados até agora em seus filmes. O encerramento de tal ciclo se deu com Capitão América: O Primeiro Vingador.

A trama é a seguinte: durante a Segunda Guerra Mundial, um jovem franzino Steve Rogers (Chris Evans) quer se alistar no exército a qualquer custo, mesmo tendo problemas fisiológicos que viram a atrapalha-lo na guerra. Mas seu espírito altruísta encanta um cientista, o alemão Abraham Eskine (Stanley Tucci), que dá uma chance para Rogers mostrar seu potencial e ser escolhido para um experimento de supersoldado e ajudar seu país na guerra contra uma unidade especial nazista, a organização Hidra liderada pelo megalomaníaco Caveira Vermelha (Hugo Weaving)

O filme sempre foi uma incógnita no filão de super-heróis. Trata-se de um herói que carrega a bandeira de um país nitidamente. Diferente de Superman, que é um exemplo do sonho norte-americano, o Capitão é um exemplo militar e patriótico para os yankees e carrega consigo toda essa ideologia. Porém, como todo super-herói dos quadrinhos, o universo do "bandeiroso" é aberto e a abordagem poderia não se prender aos valores que serviram de gênese do personagem.

Mas aí temos que lembrar da proposta da Marvel Studios. Ela é despretensiosa. São blockbusters que visam um público geral. Foi assim com todos os seus filmes. Não se pode esperar dessa leva, algo mais denso e profundo como O Cavaleiro das Trevas. Ainda mais quando tais filmes têm que ficar se amarrando entre si para gerar um outro. Tudo isso limita o trabalho das pessoas envolvidas, como já discuti na minha resenha de Thor.

Pode soar redundante, mas sim, Capitão América funciona da mesma forma que Thor. Porém, consegue ser ainda mais raso e problemático que o filme do deus do trovão. Dirigido por Joe Johnston (do fraco O Lobisomem), o filme tem como protagonista o ator fanfarrão de comédias adolescentes e ex-Tocha Humana Chris Evans (Quarteto Fantástico, Scott Pilgrim Contra o Mundo). Johnston se mostra novamente um diretor sem firmeza. Cenas forçadas, outras com erros de continuação, um filme sem ritmo algum. Novamente, isso pode ser pelo fato do filme ser um prequel dos Vingadores, mas não se nota aqui que Johnston quisesse dar um cara ao seu filme. Nem a tentativa de se parecer um um Indiana Jones marombado consegue convencer o público de que há ali alguma identidade. Chris Evans até que tentou se ater à um papel mais sério, mas depois que seu corpo é modificado, parece que a Evans se sentiu a vontade de emprestar a tonalidade cômica que fez seu currículo em Hollywood. O elenco de apoio é competente. Tommy Lee Jones como Coronel Chester Philips não destoa em momento algum em seu papel, sendo carrancudo do começo ao fim. Hugo Weaving se destaca apenas pela sua presença, mas dessa vez o papel não ajudou muito. As motivações do vilão Caveira Vermelha são supérfluas e sem muita explicação. Funcionaria em dias anteriores (pode até funcionar para pessoas com síndromes maniqueístas), mas tal vilania hoje em dia já não agrada, nem é novidade.

A história é corrida. Tudo acontece rapidamente. As cenas de ação são fracas, bem fracas. Pra variar, no final, quando se esperava um combate direto, de porradaria entre o herói e o vilão, tudo tem que ser limado para levar o filme à uma moralidade vazia. Há certos momentos bizarros onde a trilha sonora não se encaixa com o enredo, dando uma sensação inversa para o espectador.

Pra não dizer que o filme é completamente ruim, as cenas em que acontece uma certa metalinguagem foram bem sacadas. A ironia de Steve Rogers vestir o uniforme clássico das HQ's durante sua turnê publicitária de guerra; garotos segurando "gibis" do Capitão América (cuja capa é a original n°1 da cronologia dos quadrinhos). Tudo de uma forma bem humorada. Pena que o filme tente mesmo dar muito espaço para os acontecimentos "sérios" ali propostos.

Diverte em certo momento, mas no final, Capitão América: O Primeiro Vingador deixa um gosto vazio para o espectador. Nenhuma piada será levada pra frente (como "Essa bebida é ótima! Outra!" de Thor e "É, eu posso voar" de Homem de Ferro). Vamos esperar pra ver se esse Capitão América consegue se dar melhor no vindouro Vingadores.

Resenha Musical - To Record Only Water For Ten Days (John Frusciante)

2011-07-11T16:08:00.000-03:00

A história de John Frusciante no meio musical poderia servir muito bem para qualquer roteirista de Hollywood realizar um filme moralista, de superação através do trabalho e da dedicação. O (por enquanto) ex-guitarrista do Red Hot Chili Peppers era apenas mais um devoto fã da banda californiana. Idolatrava Hillel Slovak e seu estilo de tocar. Quando Slovak faleceu devido uma overdose de heroína, o fã foi escolhido para preencher o vazio deixado pelo guitarrista. Definitivamente o sonho de qualquer um em situação parecida. Mas por que Hollywood não se apropriou da linda história de conto de fadas de Frusciante? Bom, talvez pelo fato da mesma não poder ser encarada dessa forma, pois a vida não para. Não é igual final de novela onde o casamento coroa o happy ending.

O nova-iorquino fez sua carreira com os Chili Peppers e foi obrigado a lidar com a fama da banda, que cada vez mais crescia. O encontro com as drogas foi inevitável e Frusciante logo se viu afundado no vício com a heroína. Isso o afastou dos Peppers, quando ele deixou a banda pela primeira vez em 1992. No frenesi de seu vício, Frusciante gravou seus dois primeiros álbuns solos (Niandra Lades and Usually Just a T-Shirt e Simle from The Streets you Hold) até aceitar a reabilitação. Depois de se livrar do vício de heroína, o excelente guitarrista, mais experiente e maduro, retornou ao Red Hot Chili Peppers precisamente em 1999. Mas ele ainda precisava exorcizar seus próprios demônios. E foi em To Record Only Water for Ten Days que o guitarrista fez o seu ritual de libertação.

O álbum abre com a canção “Going Inside” e serve exatamente para que o ouvinte se dê conta que a viagem é pessoal, interna, introspectiva (You don’t throw your life away / Going inside / You get to know who’s watching you/And who besides you resides). Além da guitarra distorcida e acústica, Frusciante se apropria de batidas e efeitos sintetizadores para ambientalizar a sua jornada interna. A influência de bandassynthpop dos anos 80, é nítida e da um tom de obscuridade. Claro, tudo dentro da proposta de artista. Outra influência de John Frusciante na obra, são as referências espirituais que surgiram durante sua recuperação.

Talvez pelo fato do álbum ser muito introspectivo e um tanto sombrio, não teve uma recepção popular calorosa. As guitarras estão abafadas e por vezes somem durante as fortes batidas eletrônicas, usadas de forma um tanto exageradas. O álbum se intensifica quando a parte sintetizada faz um lindo diálogo com a crueza das guitarras acústicas, como por exemplo em “The First Season”. É notável em To Record Only Water For Ten Days que as peças musicais estão apenas tentando se juntar. As canções são curtas e objetivas. Cumprem seu papel de introspecção, pois não há muito a se dizer sobre os sentimentos ali expostos.

Um dos pontos mais interessantes desse álbum passa a ser os curtos interlúdios instrumentais. Em “Ramparts” e “Murders”, as melodias falam por si só. Como na maioria das instrumentais (as sinceras, é claro) são nessas faixas em que a melancolia transborda e o ouvinte se vê em empatia com o artista. Não que o resto do álbum não tenha belas melodias e toda a melancolia da situação, mas especificamente nos interlúdios é que conversamos um pouco com Frusciante (talvez pela ausência das palavras e situações específicas) fazendo um reverso da primeira canção, um“going outside”. Porém, logo em seguida mergulhamos em sua igreja novamente para o caminho final do exorcismo.

É na parte final que as canções adquirem batidas mais presentes e melodias mais esperançosas. A voz de John torna-se mais calma e aguda. A tensão vai se libertando. Aliás, isso nos levará de volta ao título do álbum. Para Frusciante, “gravar água por dez dias” seria o mesmo que dizer que sua obra foi realizada em dez períodos diferentes. Se no início somos convidados a adentrar nos sentimentos peculiares do músico, quando entramos em seu período final, aparentemente, o músico já havia lidado com seus demônios interiores.

Frusciante voltaria a lançar novas canções de sua carreira solo em 2004 em inspiração contínua, pois naquele ano lançou três álbuns: Shadows Collide With People, The Will To Death e A Sphere In The Heart Of Silence onde ele repetiria essa experiência folk/eletronica em uma execução mais madura. Porém, esse já consolidado artista jamais abandonou sua veia psicodélica e introspectiva, que o coloca quase no mesmo patamar de Elliott Smith.

*texto publicado originalmente no blog Tequila Radio

A Justiça é Cega...e Caveira

2011-06-15T13:47:00.001-03:00

A sinopse é épica. Bombeiros vândalos e terroristas invadem o Quartel Central do Corpo de Bombeiros do Rio de Janeiro. Lá, fazem bombeiros justos, mulheres e até crianças como reféns. Armados perigosamente com marretas, os terroristas demandam que o governo libere um aumento absurdo nos salários da classe, que já ganha generosos R$ 950,00, dinheiro público que poderia ser investido em mais estádios para a Copa do Mundo. Indignado com a atitude dos criminosos, o Senhor Governador Sérgio Cabral, envia os heróis do Rio de Janeiro. A tropa de elite, capaz de lidar com as situações mais perigosas e tensas. Quando a solução é a força, a sociedade recorre ao BOPE.

Parece o roteiro de um vindouro Tropa de Elite 3. Talvez foi assim que trabalhou a mente de Sérgio Cabral, ou foi isso que ele tentou demonstrar, ao ficar sabendo da situação que ocorreu entre os dias três e quatro desse mês. Mas minha análise vai um pouco mais a fundo nessa questão. É engraçado ver como o BOPE (Batalhão de Operações Especiais), que serve ao poder público, além de ter se tornado um argumento eleitoreiro por parte do governo do RJ, agora serve de contexto para ilegitimar a luta justa de trabalhadores. Isso não é culpa dos soldados da corporação militar, já muito bem retratados nos filmes de José Padilha. Eles acreditam que fazem o bem. O problema é a administração governamental por trás da corporação.

Força Policial e os Bombeiros "vândalos"

Para quem não sabe, um grupo de mais de 400 bombeiros invadiu há uma semana e meia o Quartel Central, no centro da cidade do Rio de Janeiro para reivindicar melhorias salariais na classe. Para reprimir o motim, a cadeira de segurança do governo do estado, enviou o BOPE. Sim, os bombeiros cometeram o crime de motim previsto pelas leis militares. Tenho certeza que eles sabiam disso. Mas isso pode tirar as justificativas levantadas pela classe? Esse ato extremo, com certeza se deu depois de tentativas de diálogos falhos com os representantes. Nada justificaria o ato dos bombeiros? Discordo. Eles fizeram sua voz arder nos ouvidos do estado. Ironicamente, logo depois do "motim", o governo anuncia um reajuste salarial para a classe dos bombeiros. Acham mesmo que se não houvesse o alarde, esse reajuste seria feito? O ato foi longe de ser legal perante a lei, mas isso o transforma em ato anti-ético? É de se pensar. É de pensar também pelo fato de Cabral chorar por causa de royalties de petróleo, ao mesmo tempo que não sente empatia pelo "choro" dos bombeiros.

Mas o que a administração do BOPE tem a ver com isso? Simples. Cabral utiliza-se dessa carta na manga para "sujar" atos justos que possam prejudicar o seu governo. O BOPE virou sinônimo da luta contra o crime e de justiça. Uma corporação formada por incorruptíveis, que são treinados para uma guerra contra o "mal" generalizado da cidade. A imagem da Polícia Militar do estado, ficou muito manchada por conta do sucesso de Tropa de Elite 2 e a corporação "caveira" virou coqueluche nacional. A ação seria muito questionável, segundo a lógica de Cabral, caso a PM tomasse conta da situação. Porém o tiro parece ter saído pela culatra. A entrada do BOPE com armas letais no Quartel, onde as esposas e filhos dos manifestantes se encontravam (e quem disser que isso foi pensado como "escudo" na manifestação, favor pensar antes de falar), foi exposta por vários veículos de comunicação. Cabral foi no mínimo um tanto ingênuo na sua atitude, pois não contava com a repercussão negativa do ato.

Sérgio Cabral ou Sérgio Mobral?

Não sejamos ingênuos também em achar que Folha, Globo, Estadão e outros, fizeram esse "bem social" de informar em detalhes a ação por bondade. Sabemos que Cabral faz parte da base aliada da presidente Dilma e que tais veículos não simpatizam com o PT, sendo um deles de forma declarada. Não sou petista, mas sou estudante de jornalismo e essa prática de cutucar sutilmente aqueles que não agradam, é um tanto hipócrita.

A questão é que nós como cidadãos e os mais de 10 milhões que assistiram Tropa de Elite 2 sabemos (ou deveríamos saber) que o BOPE é uma entidade necessária atualmente, mas que surgiu do descaso do estado com a infraestrutura pública. É um fator reativo e muito específico. O BOPE não pode ser usado como propaganda eleitoral, nem como símbolo da justiça. Ações como a dos bombeiros, se resolvem no diálogo e poderiam ter sido evitadas caso houvesse uma comunicação justa e transparente entre as partes envolvidas.

Capitão Nascimento, símbolo do BOPE

Como diz o bordão do BOPE, "Missão dada é missão cumprida". A pergunta que fica é: Quem dá a missão?

Magneto - Testamento

2011-06-10T15:58:00.000-03:00

X-Men: Primeira Classe chegou aos cinemas faz uma semana. Um dos pontos altos do longa é a trama que envolve o jovem Erik Lehnsherr em sua busca por vingança. Muita gente deve ter saído do cinema tocado pela história triste, que envolvia o nazismo e sua caça aos judeus. Como todo mundo sabe, X-Men surgiu nos quadrinhos e as histórias no cinema são adaptações. Para quem sentir curiosidade, a Panini lançou ano passado o encadernado Magneto Testamento, uma história fechada que nos leva à infância de Max Eisenhardt, o nome de batismo do Magneto dos quadrinhos.

Capa Brasileira

A história é bem construída. O "problema" talvez seja criar uma personalidade dócil ao futuro maior vilão mutante. A família de Max é muito boa uns com os outros, sua criação é bem saudável. Fica muito difícil acreditar no enorme desvio de caráter que transformará Max em Magneto. No mínimo, a guerra e toda a tragédia que viveu nos campos de concentração, deixariam o jovem reprimido. Talvez a descoberta de seu poder pode ter mudado tudo.

No mais, é uma bela história e os desenhos de Carmine Di Giandomenico são únicos. O traço pode estranhar no começo por sua simplicidade, mas depois acostuma-se. A maior virtude do desenhista é a dinâmica nas cenas de ação. Tudo parece realmente mover-se como na cena em que Max arremessa uma lança, de ponta de ferro, mais longe que seus colegas de classe. Aliás, é sútil como o autor, Greg Pak, consegue demonstrar a inocência de todos que não percebem o poder mutante de Max. Seu pai diz que o filho tem olhos aguçados. E a medida em que fica mais claro a utilidade dos poderes do jovem Magneto na trama, achamos que eles serão cruciais em momentos angustiantes. Greg Pak caminha o leitor, mas o surpreende de forma gratificante.

A influência de uma das maiores HQ's da história é nítida no roteiro de Pak e também na arte de Giandomenico. Maus está ali, em quase todas as cenas, principalmente quando somos levados à Auschwitz. Não que a HQ tente copiar a obra prima de Art Spiegelman, mas a toma como base, pois os relatos em Maus são os mais verídicos retratados em quadrinhos.

Magneto Testamento não é uma obra prima, mas para os fãs de quadrinhos é uma visão a mais do universo e do passado de um dos maiores vilões (ou não) das HQs.

Estado Laico Segundo as Leis de Deus

2011-06-09T16:36:00.009-03:00

É interessante notar, como muitas pessoas acham que a República Federativa do Brasil, mais precisamente sua constituição, foi criada de acordo com as leis de Deus. O pior disso, é saber que as pessoas que têm o poder, estão levando tais convicções para dentro de onde deveriam deixa-las de lado. Bolsonaros estão por toda parte e usam e abusam de frases do tipo: "Graças à Deus" "A vontade de Deus" "O senhor Jesus" como argumentos para suas decisões políticas.

Charge de Cau Gomez

Todos fomos surpreendidos no começo do mês passado quando o Supremo Tribunal Federal reconheceu a união estável entre pessoas do mesmo sexo, ou união homoafetiva. Isso foi uma vitória para uma classe tão reprimida na nossa chamada "democracia". Ainda estamos longe de uma nação livre de preconceitos e homofobia, mas este foi um passo muito importante para caminharmos à uma plena democracia (algo que acredito ser quase impossível numa sociedade capitalista, mas tudo bem, estamos tentando ao menos).

Porém, não foi surpresa alguma quando nos deparamos com o contra-ataque de pessoas que não eram a favor de tal direito. Tais pessoas não escondem que seus argumentos são baseados nas leis de Deus, ou seja, são argumentos de base religiosa. Ok, todos têm direito de escolher o caminho que quiser e suas convicções sobre o mundo. Mas o que pouquíssimas pessoas entendem, é que o Brasil é um estado laico. "Mas Melchior, o que significa isso?". Se você realmente não sabe, explico:

Num Estado Laico, o governo NÃO apoia e NÃO se opõe também à questões religiosas, sendo essas para serem tratadas separadamente. Ou seja, não é possível que o governo leve em consideração argumentos religiosos para realizar suas leis. Tais leis também, não podem favorecer qualquer religião. E quando se diz que o estado não se opõe à qualquer religião, isso não quer dizer que ele deve aceitar toda e qualquer reivindicação religiosa.

Pois bem, ao menos o Supremo não levou em conta esses argumentos certo? Bom, não tá sendo bem assim. Ocorre que existe um projeto de lei andando pelo congresso que visa sustar (anular) a união homoafetiva. O Projeto foi criado pelo deputado João Campos de Araújo (PSDB/GO). Porém, como homem da lei (em duas instâncias, pois além de deputado, Araújo é delegado de polícia) o deputado obviamente não poderia fazer esse projeto baseado claramente em questões religiosas. O ponto que o projeto se baseia é de que a Constituição brasileira é clara ao definir a união estável, expressamente entre um homem e uma mulher. Sim, realmente a Constituição define isso. Mas não é essa mesma Constituição que diz no Artigo 3°, item III que a República Federativa do Brasil tem como objetivo fundamental erradicar a pobreza e a marginalização e reduzir as desigualdades sociais e regionais? Ora, a lei de união homoafetiva se inclui aqui! Enquanto isso emendas constitucionais são feitas cada vez para aumentar a pobreza, a marginalização, aumentar as desigualdades sociais. A nossa Constituição é atrasada e foi feita por mãos quase tão vis quanto àquelas da Ditadura. Quando utilizamos desse artifício da emenda para caráter democrático real alguém tenta, usando o mesmo argumento que a valida, invalida-la. E o pior, isso é aceito. No fundo, o deputado esta se baseando em fundamento religioso e fingindo não ver que a constituição não é de Deus. Não foi escrita por Ele. É no mínimo curioso o fato de que o deputado Araújo saiu em carreata junto com outro candidato a deputado estadual, o Pastor Elismar Veiga.

Outdoor do Pastor Silas Malafaia, um dos maiores críticos ao homossexualismo

Enfim, está rolando uma enquete* agora na página oficial da Câmara dos Deputados. Nela, pergunta-se a nós, cidadãos do estado laico, o seguinte:

"Você concorda com o projeto (PDC 224/11) que susta a decisão do Supremo Tribunal Federal (STF) de reconhecer a união homoafetiva?"

São duas respostas possíveis:

"Sim, porque a Constituição é clara ao definir a união estável, a entidade familiar expressamente entre um homem e uma mulher."

"Não, porque com o reconhecimento da união estável os casais do mesmo sexo passam a ter direito a herança, pensão alimentícia e benefícios previdenciários."

Lamentavelmente, o SIM está ganhando. Não sabemos se essa enquete muda alguma coisa, mas pelo menos temos algo a nosso alcance que podemos fazer. Eu já fiz minha parte, independente de religião, orientação sexual ou visões filosóficas. Fiz baseando-me no que nossa própria nação prega: democracia, laicismo, proteção à vida e outras coisas mais.

* A enquete foi encerrada no dia 10, um dia depois da publicação desse post e o SIM venceu (55% contra 45% do NÃO)

Promoção Castro

2011-06-07T12:12:00.000-03:00

Pessoal, lembram da HQ Castro cujo review você leu com exclusividade aqui? A Editora 8INVERSO vai sortear mais dois exemplares da revista. Se você se interessou, é só fazer o seguinte:

Seguir a @8INVERSO no Twitter e retuitar a mensagem abaixo. Ao atingirmos a marca de 1.000 seguidores, sortearemos os livros e enviaremos gratuitamente. A mensagem a ser retuitada é:

Sigo a @8INVERSO, dei RT nesta mensagem e concorro ao sorteio de exemplares da #HQ CASTRO se a editora atingir mil seguidores!

Boa oportunidade galera. Aproveitem aí!

X-Men: Primeira Classe

2011-06-05T17:26:00.004-03:00

Juro que eu temia muito por esse filme, depois dos decepcionantes X-Men 3 e X-Men Origens: Wolverine. Quando o elenco e personagens começaram a se formar fiquei mais preocupado ainda (Zoe Kravitz como a mutante Angel? Um cara pra suprir a ausência do Noturno?). Sério, esse filme tinha tudo para ser ruim. Nem o bom diretor Matthew Vaughn (Kick-Ass) parecia que ajudaria. Apenas um detalhe me confortava: Bryan Singer, diretor dos dois primeiros filmes, estava na produção. Bom, o resultado catapultou meu pessimismo la pra Krypton e queimei a língua.

O filme retoma a cena inicial de X-Men - O Filme, em que um jovem Erik Lensherr no campo de concentração e separado dos pais, demonstra pela primeira vez seu poder de magnetismo. Isso atrai a atenção de Dr. Schmidt/Sebastian Shaw (Kevin Bacon) que vai usar Erik para experimentos. No futuro, Erik busca vingança contra Shaw e isso o fará cruzar seu caminho com um jovem Charles Xavier e a CIA, que querem deter um plano megalomaníaco, que inclui a crise dos mísseis em Cuba, do líder do Clube do Inferno.

Os personagens estão muito bem construídos. James McAvoy como o jovem Xavier consegue passar a imagem de um homem cheio de vida (galante e divertido), mas que ao mesmo tempo tem um norte que lhe toma toda a atenção: a pesquisa sobre sua condição de mutante. Temos neste filme uma grande ênfase em Mística que nos dois primeiros filmes foi interpretada por Rebeca Romijn Santos (fazendo um cameo muito bacana), mas que tinha poucas falas, porém presença marcante. Aqui ela é interpretada por Jennifer Lawrence (Inverno da Alma) como uma adolescente naquela fase de aceitação, mas o caso dela é bem mais peculiar. Michael Fassbender (Bastardos Inglórios) como Magneto, não poderia ter sido escolha melhor. O ódio é nítido em seu olhar durante boa parte do filme, mas Fassbender consegue alternar muito bem para olhares mais fraternos quando necessário. Nicholas Hoult, o (até então) eterno Marcus de Um Grande Garoto faz um Hank McCoy muito competente. Grande, desengonçado, tímido. Um nerd como o próprio Hank na juventude deveria ser. Caleb Jones e Lucas Till fazem respectivamente Banshee e Destrutor, não com tanto destaque quanto os já citados. Destrutor, é Alex Summers. Sim, se você notou que o sobrenome é familiar, está correto. Nos quadrinhos ele é o irmão mais novo de Scott Summers, mais conhecido como Ciclope. Porém o filme não cita qualquer ligação entre os dois. Falha? Provavelmente sim se não fizerem uma sequência que explique melhor essa ligação.

A história é muito bem construída, sem grandes furos, só aqueles pequenos permitidos. Um ponto no mínimo estranho é que o filme parece mais longo do que é. São 2 horas e 10 minutos de projeção, mas as várias situações que ocorrem parecem alongar a trama. Acontece que tudo se fecha perfeitamente no fim. Cenas épicas são construídas e não vão decepcionar amantes de X-Men ou amantes de cinema. É interessante também como o diretor Matthew Vaughn muda o ritmo das imagens na cena em que os mutantes estão treinando seus poderes. É como se fosse um pedaço de algum episódio de X-Men Evolution.

X-Men: Primeira Classe é divertido, mas muito humano, diferente de Thor que apenas diverte. O que faz dele muito melhor. A melhor adaptação de HQ's do ano até agora.

For Ian

2011-05-18T17:08:00.002-03:00

Uma pausa nos posts mais 'sérios' no La Colméia. Esse poema eu fiz exatamente o ano passado quando completavam-se 30 anos sem Ian Curtis, eterno frontman do Joy Division. Particularmente eu gosto desse poema e apesar de não estar no contexto do blog, fica aqui a nossa homenagem (pois sei que todos que escrevem por aqui gostam de Joy Division). Valeuzão e até a próxima!

For Ian

You could have lived.

You could have hold your impulses and break the Isolation.

You could have lived another Twenty Four Hours.

You could have wasted your time with those Dead Souls.

You could have listened to The Sound Of Music just one more time.

You could have lived another three Decades.

But all you would have seen is the Disorder.

And the world breaking like Glass.

You would have seen a world on a constant Day Of The Lords.

A world afraid of exposing it's Failures.

So tonight we make this Ceremony.

We celebrate The Eternal you became.

We understand that the Atmosphere was too much for you.

We understand why Love Will Tear Us Apart.

IC.JD. 18/05/1980

Resenha - Thor

2011-05-09T11:07:00.001-03:00

Thor é o primeiro filme do gênero adaptação de quadrinhos a chegar aos cinemas esse ano. Teremos ainda Capitão América - O Primeiro Vingador e Lanterna Verde fechando o ciclo quadrinhos em 2011. Para fazer esta resenha, é bom frisar o que a Marvel Studios tem como plano com seus últimos filmes lançados. Como visto nos dois primeiros Homem de Ferro e em Incrível Hulk, todos os filmes estão ligados preparando o terreno para um vindouro filme de uma das equipes de super-heróis mais famosas dos quadrinhos: Os Vingadores. Sabe-se então, que o diretor de Thor, Kenneth Branagh, não teve assim tanta liberdade criativa, pois seu filme teria de lidar com referências já propostas pelos antecessores da Marvel. É aí que tenho de dar os parabéns ao que foi feito.

A trama é simples. Thor é um ser de uma Asgard diferente daquela que temos retratada. No filme isso se deve pela percepção equivocada que nós, humanos, obtivemos desses seres que teoricamente são de uma dimensão diferente, mas que está interligada com nosso planeta. Essa Asgard confrontou-se com Os Gigantes de Gelo, que atacaram a Terra em algum momento e assim travaram um guerra sangrenta que acabou com a derrota dos Gigantes. Odin, o "Pai de Todos" de Asgard estabeleceu um acordo de trégua com seus inimigos. É com a história dessa batalha que Odin doutrina seus filhos Thor e Loki, para que um dos dois venha a ser seu substituto como rei de Asgard. Passam-se anos e Thor esta para suceder seu pai, mas no dia de sua posse ocorrem alguns problemas e o deus do trovão acaba por discutir e afrontar Odin, que acaba exilando Thor para que este aprenda sobre humildade. Tudo isso sendo um plano de seu irmão Loki, o deus das "traquinagem". É claro que o "campo de treinamento" de Thor acaba sendo a Terra. Mais precisamente numa cidadezinha do novo México.

Na primeira parte, somos apresentados a Asgard. Claro que trata-se de um lugar surreal, mas toda mitologia é baseada na lógica e percepção humana. Aqui temos um lugar que contém aspectos da nossa realidade, principalmente nos planos interiores. Porém, nos planos onde temos uma visão externa desse mundo novo, é tudo muito pouco empático. O que vemos são monumentos sem fim, mas sem calor humano. Apesar das cores vivas, o ambiente de Asgard é frio. Concreto demais. Somos apresentados ao seus representantes, aos guerreiros da corte, mas pouco se é dito sobre o seu povo. É certo que se o filme acontecesse apenas em Asgard, Kenneth Branagh teria aprofundado essa questão. Nota-se que há um ritmo natural nas cenas que se passam fora do plano terrestre. Mas infelizmente, esse não era o contexto do filme. Quando Thor vai para seu exílio, o filme perde seu ar épico e poético. Nada mais justo, pois estamos nos dias atuais e ainda por cima nos EUA.

Na parte das atuações, Chris Hemsworth cai bem como Thor. A prepotência inicial do deus nórdico é nítida e bem natural. Uma atuação que surpreende também é a de Tom Hiddleston como Loki. É incrível como o ator expressa o malandro deus nos olhares. O olhar de cachorro abandonado engana muita gente mesmo e chegamos certa hora a ter pena do personagem Anthony Hopkins como Odin não há o que dizer. Hopkins sempre se dá bem em papéis que necessitam de uma intimidação tanto física quanto intelectual. Natalie Portman ainda arranca suspiros com sua beleza, mas dessa vez seu papel não é emblemático, porém cumprido de maneira competente. Não dava pra exigir muito da recém oscarizada. Existem outros personagens que parecem ter grande importância, mas que vão apagando-se durante a projeção. Parece novamente dicas do diretor para dizer que linha ele queria levar com Thor, mas não se esqueçam do início do post. Tudo tem que ser ligado no fim.

É certo que Thor serve de peão para o filme dos Vingadores. Isso fica claro com a chegada do personagem principal ao nosso planeta. A trama fica simples apoiando-se em melodrama romântico. O ritmo cai e apesar de ser baseado em mitologia nórdica, temos uma tragédia grega com toda a parte "catarsica". Apesar disso, não decepciona ou chateia. Quando tem que se fazer dois filmes em um, a chance de sair algo ruim é grande. Mas o diretor segura como pode e consegue dar graça ao que seria uma desgraça. O filme não é um marco, é bem medíocre. Medíocre sem ser ser ruim. Vale a diversão.

3 animações inspiradas no universo 8 bits

2011-05-02T23:44:00.000-03:00

Eba, lá vem eu de novo com mais uma lista! Vamos lá, não tô muito afim de escrever e, juro, os vídeos dispensam qualquer introdução ou comentário. Não são novos, mas aposto que nem todos conhecem (eu pelo menos conheci eles não faz uma semana ---- atrasaaaaado, but!).

Espero que gostem :)

1 - A história do mundo e seu triste fim

Deixe de lado o mau-humor tipicamente ateu e se divirta com a história do mundo tal qual a Bíblia nos conta.

2 - Viagem

Animação feita com Lego e música 8 bits. Antes de assistir esse vídeo, recomenda-se não usar drogas (depois tá liberado, ok?!).

3 - O mundo 8 bitizado

Esse curta é incrível. Você vai ficar 2 minutos e meio pensando em como o Patrick Jean, diretor do vídeo, é um filho da p#*%$.

***

Conhece algum que não está nesta lista, mas é tão bom quanto (ou melhor que) estes? Bota nos comentários!

:P

Zimmerman, seus Herdeiros e o Topo de 10 Melhores Covers de Dylan.

2011-05-01T20:25:00.015-03:00

Vocês já escutaram a música “Knockin’ On Heaven’s Door” - Guns N’ Roses?

Já ouviram falar de Dylan ???

Realmente todo mundo já ouviu essa famosa música, querendo ou não, e são poucos aqueles que desconhecem Dylan.

Mas e Zimmerman??

Robert Allen Zimmerman nascido em maio de 1941 na cidade de Duluth, músico e compositor de sucesso que passou sua infância escrevendo e contemplando as canções pouco Pop na região de Minnesota (Naquela época o estilo de música gospel era o popular), mas muito tendenciosas para sua época, falamos do Blues e principalmente o Folk Music.

Essas paixões harmoniosas foram as suas primeiras inspirações para começar a dedicar a sua vida à arte musical, ouvindo o rádio escrevia poemas, canções e o que for que um garoto de 10 anos deseje escrever, até desenvolver um tino musical singular. Teve uma vida muito pretensiosa ao sucesso aprendendo violão e piano apenas imitando as músicas que ouvia, já em sua adolescência formou uma banda de blues que durou pouco tempo, pois trocou a guitarra pelo violão e o estilo folk. Foi motivado pelo som de Hank Willians, Little Richard, Johnnie Ray, Muddy Waters, Gene Vicent and the Blue Caps, John Jacob Niles, Odetta, Dave Van Ronk e em destaque Woody Guthrie,

criando então seu próprio estilo musical mesclando essas influências com seu próprio senso artístico.

O nome Zimmerman sequer chegou ao conhecimento do público, esse jovem talentoso de fato obteve muita fama, mas foi atendendo pelo nome artístico Bob Dylan que conquistou a sua própria geração (e todas as próximas), essa idéia era apenas uma referência impulsiva ao poeta galês Dylan Thomas. Um pseudônimo, o talento instrumental prodigioso, o caráter excêntrico, um chapéu, uma gaita de boca cromática, um violão e as composições introspectivas que evidenciavam uma visão crítica, todas essas características tornaram Bob Dylan um ícone na mídia e referência musical, e embora no início não tenha sido sua intenção ele foi um dos revolucionários da música protestante. Simplesmente cansado do cenário em que convivia cercado de guerras e conflitos sócio-políticos como movimentos feministas, o favoritismo aos negros e aos homossexuais, todos esses movimentos de direitos civis eram sustentados pelas suas músicas, juntamente com Joan Baez e Peter, Paul and Mary. Logo foi cercado de estudantes universitários que apoiavam sua música e o levavam como seu porta-voz, e como símbolo da insatisfação e da rebeldia.

Já chegou à escrever o livro “Tarântula”, fez desenhos no livro “Drawn Blank” e pinturas na exposição “The Drawn Blank Series”. Dylan foi um músico que escrevia, escrevia e escrevia praticamente cada momento de sua vida, cada experiência, refletindo assim nas suas letras o protesto, as reclamações, insatisfações e opiniões que amadureciam em sentimentos assim como seu autor. Afinal há várias fases diferentes para suas composições onde chegavam a ser mais particulares visando sua própria experiência, ou a fase cristã logo após seu divórcio de 77 passou a compor música Gospel.

Robert Allen Zimmerman, o Bob Dylan, hoje é uma lenda viva, este ano irá completar 70 anos de idade, com mais de 50 anos de carreira recebendo inúmeras homenagens, tributos e referências de seus diversos fãs.

O documentário “No Direction Home” (por Martin Scorsese) narra a carreira de Bob Dylan.

O filme “I’m Not There” conta com 6 intérprete de Dylan, Christian Bale (Batman Begins), Richard Gere (Uma Linda Mulher), Heath Ledger ( Batman: O cavaleiro das trevas), Julianne Moore (Magnolia), Cate Blanchett (O aviador) e Charlotte Gainsbourg (21 gramas) que retratam a vida do músico.

A banda Radiohead, faz uma breve referência à música “Subterranean Homesick Blues” com sua canção intitulada “Subterranean Homesick Alien” do álbum, OK Computer.

David Bowie, em 1971 escreve a uma canção para Dylan justamente a “Song For Bob Dylan”.

A HQ de Alan Moore, “Watchmen”, no capítulo X – “Two Riders were Approaching”, faz referência à canção "All Along The Watchtower".

A série japonesa Cowboy Bebop (por Shinichiro Watanabe) possui referências, no mangá com um dos capítulos intitulado “Like a Rolling Stone”, e um filme “Heaven’s Door”.

O Livro de Jonathan Lethem, “ A Fortaleza da Solidão”, Um dos personagens principais se chama Dylan Edbus.

A série Lost, (por Jack Bender, Stephen Willians, Tucker Gates e Paul A. Edwards) uma das cenas da 3ª temporada, possui uma referência ao vídeo “Subterranean Homesick Blues”.

O Livro infantil de Paul Rogers, “Forever Young”, referência à canção de mesmo título.

"O movimento foi ampliado por artistas 'folk' como uma filha novaiorquina de imigrantes e um jovem trovador de Minnesota, que souberam captar as dificuldades e as esperanças das pessoas que não eram governadas da mesma maneira, como apenas as canções podem fazer." (Barack Obama em referência à Joan Baez e Bob Dylan).

Muitas músicas de Dylan servem de trilha sonora para filmes e séries sem contar com as bandas e músicos covers espalhados pelos continentes. São cerca de 10 mil músicos, alguns de fama "restrita" apenas à sua região, outros mundialmente famosos, todos eles interpretando as centenas de composições, criando sua própria versão em Punk, Pop, Metal, Rap, Rock, Reggae, Português, Inglês, Japonês, Italiano... não havendo limites em nacionalidade nem em gêneros musicais. Esses covers acabam criando uma grande confusão, como o caso de "Knockin’ on Heaven’s Door", essa excelente composição teve um grande proveito para o Guns N’ Roses que criou sua própria versão de sucesso indubitável fazendo parte do repertório oficial da banda. Para esta música ainda também temos a versão de Eric Clapton, The Byrds,Grateful Dead, The Radiators, o brasileiro Zé Ramalho, Avril Lavigne, Sisters Of Mercy e U2 .

Outra canção com autoria abstrata é "All Along The Watchtower", interpretada principalmente por Hendrix, Allman Brothers Band, Dave Matthews Band, Pearl Jam e Neil Young.

Músicos mundialmente famosos como Bee Gees, Pink Floyd, Ramones, Alanis Morissette, Willie Nelson, Elvis Presley, Joe Cocker e Stevie Wonder, também possuem versões covers.

As bandas recordistas de covers de Dylan (praticamente ganham a vida com esses covers) são as americanas Ratdog, Jerry Band Garcia, Grateful Dead, The Radiators, Bob Walkenhorst, Max Creek, Cubensis, Yonder Mountain String Band, Tim O’Brien e o Alemão Michel Montecrossa.

Nas versões brasileiras, contamos com Engenheiros do Hawaii, Fagner, Renato Russo, Tribo de Jah, Caetano Veloso, além de um álbum de Zé Ramalho, “Zé Ramalho canta Bob Dylan.’

Sem um testamento legal e com apenas 20 anos de idade, Bob Dylan começou a deixar legados para cada apreciador de suas canções e para os músicos das próximas gerações que são tidos como os herdeiros de suas letras, seu estilo e sua atitude, estas sãos as suas heranças fora do testamento, que fazem refletir e inspiram à massa musical. Afinal, o que seria do Guns N’ Roses sem o Zimmerman.

São milhares de versões, que estão listadas no site dylancoveralbums.com

"Grave men, near death, who see with blinding sight
Blind eyes could blaze like meteors and be gay,
Rage, rage against the dying of the light."
- Dylan Thomas

(trecho de "Do not go gentle into that good night")

10. Pearl Jam - Masters of War

A Música ganhou as características da banda grunge de Seattle, assim como All Along The Watchtower, Forever Young, I Shall Be Released, e Times They Are A-Changin’.

(Masters Of War possui versões de Ben Harper, The Roots, Cher e Pete Seeger).

9. Jim, James And Calexico - Goin’ to Acapulco

Parte da trilha sonora de I’m Not There, versão do vocalista e guitarrista Jim James e a banda Calexico que possui um instrumental cativante.

(Goin’ to Acapulco possui versões de Black Crowes e The Yoricks)

8. Nick Drake – Don’t Think Twice it’s Alright

O talentoso compositor britânico Nick Drake escolheu uma música que se adéqua magistralmente ao seu estilo, assim como sua versão de Tomorrow is a Long Time.

(Don’t Think Twice it’s Alright possui versões de The Allman Brothers Band, Johnny cash, Eric Clapton, Indigo Girls , Elvis Presley, Peter,Paul And Mary, Odetta, Davey Graham, Cher, Joan Baez, Arnaldo Baptista e Zé ramalho)

7. Sonic Youth – I’m Not there

Música trilha de I’m not there, a banda norte-americana conta com uma melodia de voz de os graves do contrabaixo. Sonic Youth também possui uma versão de Sitting On A Barbed Wire Fence.

6. Rage Against The Machine – Maggie’s farm

Essa versão se torna mais agressiva na voz Zack de La Rocha e ao som da guitarra de Tom Morello, que extraem cada trecho da música como um manifesto.

(Maggie’s farm possui versões de The blues band, Grateful Dead, Richie Haven , The Last Waltz Ensemble, U2 e Muse).

5. The Swell Season & Liam - Forever Young

Os irlandeses Glen Hansard e Liam O Maonlai e a tcheca Markéta Irglová, interpretam uma linda versão de voz, piano e violão. The Swell Season, banda de Makéta e Glen, ainda possui cover de You Ain't Goin' Nowhere. Lembrando também que Glen Hansard e a banda The Frames, tem covers das músicas, You're A Big Girl Now, the Man In Me, Girl From The North Country e Oxford Town, vale a pena escutar todas... (A musica tem ainda tem versões com as bandas, The Pretenders, Johnny Cash Black crowes GarciaJerry Band, Grateful Dead e U2).

4. Richie Havens – Just Like A Woman

O músico americano já chegou a tocar na cerimônia de posse da presidência de Bill Clinton, o que posso dizer é: -"Vão procurar mais músicas dele!".

Ele interpreta diversas músicas de Dylan, como All Along the Watchtower, I Pity The Poor Immigrant, It's All Over Now, Baby Blue Lay Lady Lay, License To Kill, License To Kill, Times They Are A-Changin', Sad-Eyed Lady Of The Lowlands , e Tombstone Blues.

3. Rolling Stones - Like a Rolling Stone

Like a Rolling Stone “coverizada” pelo The Rolling Stones, lembrando que "Rollin' Stone" era uma música de Muddy Waters e foi inspirada nela que a banda auto intitulou-se The Rolling Stones , a música possui versões de Hendrix, Phil Lesh & Friends, Pink Floyd, REM, Ramalho, Zé, Al Stewart , Green Day, B.B King, Bob Marley, e Lenny Kravitz.

2. White Stripes - Love Sick

Particularmente considero essa versão até mesmo melhor do que a original, a dupla Norte-Americana Jack e Meg White criou uma atmosfera peculiar para essa canção assim como para Isis, Ballad Of Hollis Brown, It's Alright Ma, I'm Only Bleeding, One More Cup Of Coffee (Valley Below) e Outlaw Blues.

1. Jimi Hendrix - All along the Watchtower

Óbvio demais? Eu sei, mas é difícil tirar do primeiro lugar o influente Hendrix, considerado por muitos um dos melhores guitarristas ele guia a canção na versão onde uma lenda faz cover de outra lenda.

All Along The Watchtower ainda possui uma versão muito boa de Dave Matthews Band, na minha opinião a banda também soube interpretar muito bem a música.

Hendrix ainda tem versões de Can You Please Crawl Out Your Window?, Drifter's Escape, Like A Rolling Stone e Tears Of Rage.

Zangão Universitário - Trabalho de Sociologia

2011-04-20T12:14:00.000-03:00

Um post um pouco diferente hoje. Não sei se muitos sabem, mas estou cursando jornalismo pela PUC- Campinas, começando esse ano mesmo. Este blog serve de treinamento e aprimoramento das técnicas escritas e críticas que vou aprendendo durante a passagem dessa vida. Abaixo, vocês podem conferir o trabalho que fiz para a matéria de sociologia onde o objetivo era fazer uma mistura de jornalismo com conceitos de um dos sociólogos de grande influência do pensamento moderno: Émile Durkheim. Para isso, criei personagens fictícios, uma revista fictícia e uma entrevista metafísica e...fictícia. Espero que gostem.

Entrevista com o sociólogo Emílio Marques (através do médium Carlos Xavier)

Sociólogo que cometeu suicídio há uma semana sem deixar explicações, fala à Plutões por meio de sessão espírita.

Como sabe, o compromisso da revista “Plutões” é buscar informações sejam suas fontes confiáveis ou não, deixando em aberto a interpretação de seu público. Nossa admiração pelo cientista social Emílio Marques nunca foi novidade para nossos leitores, quando publicávamos seus ensaios na coluna social (a primeira e verdadeira coluna social de um jornal). Seu suicídio foi uma surpresa para todos da redação, mas trouxe também um sentimento de indignação, pois Marques não deixou bilhete algum, justificando seu ato. Para sanar um pouco do sentimento indigno, partimos então para o campo não científico e esperamos que nossos queridos leitores entendam o propósito dessa sessão. Fomos até o interior do Espírito Santo, procurar o popular médium Carlos Xavier, especialista em incorporar os espíritos de suicidas. A polícia já utilizou algumas de suas transcrições para resolver casos antes tomados como homicídios, algo que causou polêmica entre a comunidade científica. Em um dos casos, Xavier mandou uma carta à polícia dizendo que um jovem havia cometido suicídio e que seu amigo estava sendo acusado injustamente do crime. Porém, logo comprovou-se que o amigo realmente havia assassinado o jovem. Xavier culpou a polícia por forçar a confissão do amigo para que suas transcrições fossem desmerecidas. Ficou no ar uma dúvida quanto o caráter de Xavier, mas não somos nós que vamos julga-lo aqui. Em sua casa humilde, na cidade de Boa Esperança, foi executada a sessão espírita. Segue abaixo a entrevista que o suposto Marques nos deu, através do famoso médium Carlos Xavier:

Revista Plutões: Pode nos dar uma garantia que você é Emílio Marques?

Xavier/Marques: Que tipo de garantia você precisa?

R.P.: Fale-nos a data de seu nascimento.

X/M: Vinte de fevereiro de mil novecentos e sessenta e dois.

R.P.: A data confere. Senhor Marques, poderia nos explicar os motivos que o levaram a cometer suicídio?

X/M: Foi obviamente por uma questão social. As normas sociais e seus direcionamentos governamentais não condiziam com as minhas aspirações em relação à formação de sociedade. Havia uma anomia social.

R.P.: Então, estas normas sociais desagradáveis ao seu ponto de vista, não estavam em seu controle?

X/M: Veja bem, se partirmos dos primórdios da sociologia, encontraremos as explicações de que fatos sociais,são totalmente exteriores ao indivíduo. Já estão ali quando este é colocado no mundo. Também são coerctivios, nos levando a entender o mundo de forma não genuína e pura, obrigando nossos atos. Fora a generalidade, onde um evento se dissemina por toda sociedade. É uma luta injusta do ponto de vista do indivíduo.

R.P.: O indivíduo está a mercê da sociedade nesse caso?

X/M: Sim. Ao não compactuar com os ideais sociais seu distanciamento torna-se inevitável e fatal.

R.P.: É como um organismo não desejado, uma anomalia mesmo?

X/M: Exato. As nossas sociedades modernas agem conforme um organismo vivo, onde cada um exerce suas funções para que o funcionamento geral seja positivo. Mas se um dos organismos está enfraquecido ou não está compatível com o seguimento da vida, logo ele será expelido direta ou indiretamente.

R.P.: A possibilidade de se lançar o indivíduo para outro campo social também está fora de cogitação?

X/M: Nestes tempos sim, pois as sociedades são praticamente capitalistas e diferem muito pouco uma da outra. O comunismo voltou ao campo filosófico e o socialismo é ainda uma incógnita.

R.P.: Há diferenças entre o comunismo e o socialismo?

X/M: O comunismo pode ser associado à idéia de utopia que permeia há milênios na filosofia, começando com Platão. Já o socialismo surge em meados do século XIX, como uma resposta a acontecimentos históricos.

R.P.: O teu suicídio então, podemos entender que foi uma libertação de controle social?

X/M: Pode-se dizer que sim. Mas não vamos esquecer que o indivíduo é social por natureza e precisa conviver assim para sobreviver. Porém quando sua identidade é totalmente apagada para o seguimento padrão social, a sociedade já não age de forma social, mas sim de forma individual espalhando apenas uma ideologia. Algumas pessoas ainda teimam em enxergar os fatos sociais com certa surpresa e os afastam de sua compreensão. É apenas analisando estes fatos como coisas que vamos exercer um pensamento lógico e objetivo sobre a sociedade que nos cerca.

R.P.: Ok. Queremos agradecer o seu empenho em nos conceder estas explicações. Nossos leitores, mesmo que não acreditem em espiritismo, com certeza vão tirar algo dessa conversa.

X/M: Não acredito em espiritismo também, mas é do meu interesse exercer esta função social e era uma oportunidade rara. Então, eu que agradeço o papel de vocês.

Resenha - Castro

2011-04-06T16:25:00.000-03:00

Capa da edição Brasileira

Depois da prévia que fiz aqui sobre a HQ Castro, era questão de tempo para que uma resenha fosse realizada. Sem mais lero-lero, vamos à ela.

A obra é dividida em três capítulos, uma pequena introdução e um epílogo. Em todas as partes (menos o epílogo) estaremos sobre a ótica do fotojornalista alemão Karl Mertens, que ao ler uma entrevista que Fidel Castro deu ao New York Times durante sua estadia em Sierra Maestra, resolveu ir para Havana registrar os momentos que a revolução cubana vivia. É ele quem narra a HQ. Ao alcançar o acampamento de Fidel, Karl conhece alguns dos guerrilheiros e estes lhe contam as histórias de Fidel. Desde sua infância até o atual momento, a primeira parte serve para apresentar aos leitores um jovem e abastado Castro, filho de fazendeiros. Logo na infância já vemos ali um jovem convicto e teimoso, indo de frente com a ordem estabelecida em seu entorno. Um exemplo: aos 12 anos, Fidel já instigava os funcionários de seu próprio pai a se rebelarem através de greves, que reivindicavam melhorias nas condições de trabalho dos camponeses. Vale lembrar que o autor Reinhard Kleist recorreu ao biógrafo Volker Skierka, especialista na vida de Castro, para dar mais veracidade aos relatos enquadrados. Vemos a formação acadêmica do revolucionário e seus primeiros embates com os graúdos que comandavam Cuba naquele momento. Por ser uma obra que mistura ficção aos fatos, Kleist até brinca com isso ao inserir um dos mafiosos mais famosos do mundo em uma das cenas. Fica claro, então, que nesta primeira parte somos apresentados ao passado de Castro e como se deu sua formação revolucionária. Os problemas de Cuba são claros, quando é refém de gangsteres americanos, que fazem do país o seu quintal lucrativo, com o pretexto de gerar dinheiro e empregos. Também lemos o primeiro encontro do líder cubano com um jovem argentino de convicções parecidas, porém mais globais, chamado Ernesto. Somos apresentados também à um Fidel mulherengo, que encanta as mulheres, mas parece não ama-las como ama a revolução, deixando-as amarguradas, enciumadas, distantes e, em alguns casos, vingativas. De forma sútil, também vemos o lado amoroso do protagonista, ao se apaixonar por Lara, uma guerrilheira que acredita nos ideais de Fidel.

Capa orginal

Na segunda parte, somos lançados ao êxito da revolução com a renúncia de Fulgencio Batista. O foco desta parte é a formação política que se da na Cuba pós-revolução. A ascensão de Castro ao tornar-se chefe de Estado, as primeiras desavenças com o governo norte-americano, a aliança com a União Soviética, as duvidosas atitudes do sistema aos chamados contrarrevolucionários e as sanções que foram impostas ao país, refletindo em controles sociais. Porém agora muitos mais da ótica do povo, representados pelo protagonista e seus amigos, do que de uma ótica narrada. As coisas parecem acontecer de fato nesta parte. Aqui podemos dizer que o caráter de Fidel é colocado em questionamento, mas não de forma vil. Os contra-argumentos do líder cubano não permitem que seus ideais sejam manchados, ao comparar suas atitudes com a de outros países. Kleist consegue humanizar aquele que muitos tratam como um ser mitológico. Há uma certa ironia do autor ao descrever as inúmeras tentativas de atentado à Castro, quando as retrata com desenhos de estilo infantil, como que demonstrando a mentalidade dos anti-Castro. Chama a atenção também o encontro de Castro com o então vice-presidente americano Nixon, que já agia de formas maquiavélicas e não públicas no governo de Eisenhower. Durante o entrave, há uma "quebra" dos quadros demonstrando ali o racha entre os dois governos. A famosa Crise dos Mísseis é retratada através da ótica de Fidel, que foi deixado de lado das negociações entre EUA e URSS. Nota-se na segunda parte, um distanciamento de Castro com seu povo, ao contrário da primeira parte, onde estamos muito focados no seu passado. Parece que quase não há empatia para com o líder cubano. Isso é sentido ao vermos vários dos homens de confiança da revolução cubana, debandarem ou desaparecerem misteriosamente.

Imagem do site oficial do autor

Na terceira parte, o tempo avança abruptamente e estamos já em 2010 com o protagonista e narrador já velho e suas expectativas com a Cuba socialista. É um capítulo bem menor, talvez pela dificuldade em se estabelecer um futuro certeiro para o país. Com a renúncia de Fidel e sua vida chegando ao fim, é possível dizer que o socialismo em Cuba está perto do fim? São perguntas que ficam no ar.

Uma das páginas da edição brasileira

Talvez o ponto negativo da HQ seja em não aprofundas nos personagens fictícios propostos por Kleist. Em certos momentos eles se tornam desnecessários e pouco profundos. O protagonista é realmente Karl Mertens ou Castro? Como material histórico, Castro é impecável. Portanto, acho que a obra funcionaria mais como uma biografia do que uma narrativa de ficção. O ponto de vista de Karl fica muito subjetivo quando este mistura-se com os fatos históricos.

Em termos técnicos, a 8INVERSO faz um bom trabalho com papel e impressão, mas peca em poucos momentos na parte de revisão ortográfica, mas nada que comprometa o entendimento do leitor. A capa brasileira, na minha opinião faz mais jus à Fidel do que a original. Para quem tem curiosidade sobre a vida de Fidel Castro e os acontecimentos desde a revolução cubana até sua tomada ao poder da ilha, é uma leitura rica em detalhes e uma nova forma de enxerga-lo através da ótica única dos quadrinhos.

Dados Técnicos:

Autor: Reinhard Kleist

Tradução: Margit Neumann e Michael Korfmann

Páginas: 288
Preço: R$ 51,00

Topo 10+1 - Melhores Adaptações de HQ's para o Cinema

2011-04-01T15:44:00.003-03:00

Vamos pro meu segundo Topo. Vou unir duas das coisas que tenho mais facilidade para descorrer em questão de arte: Cinema e Quadrinhos. Pra quem ainda não entendeu a posição +1, eu explico: é um mérito especial, que a torna mais que as outras posições. Explicado? Bora lá então...

Nos últimos anos, tem sido enorme o crescimento de adaptações de quadrinhos para cinema. Esse ano não será diferente, onde contaremos com quatro grandes adaptações: Thor, Green Lantern e X-Men: First Class. Entre reais obras de arte e bombas de bosta, resolvi elencar as 10 que acho as mais importantes e bem executadas.

10 - Homens de Preto

Acho que esse será uma surpresa pra maioria de vocês. Sim, Homens de Preto tem suas origens nos quadrinhos. Lançada em 1990, "The Men In Black" contava a história de uma organização que tinha como princípios básicos caçar qualquer atividade super-humana na Terra e elimina-la. Tudo isso para moldar o nosso planeta de acordo com os interesses da agência. O tom é muito mais sombrio do que o do filme, não? Mas funcionou muito bem, dando uma grande popularidade que a HQ nunca teve.

9 - Homem de Ferro

Com certeza este filme foi uma das maiores surpresas do ano de 2008. Todos tinham uma grande expectativa com O Cavaleiro das Trevas. Mas Robert Downey Jr e seu Tony Stark (ou Tony Stark e seu Robert Downey Jr.) chegaram por fora e mostraram grande competência com um filme leve e divertido, porém tocando em questões delicadas como o mercado bélico e suas ironias. Jon Favreau mostrou-se um diretor surpreendente e nada bobo. Imaginem o que ele teria feito com Homem de Ferro 2 se houvesse mais tempo? Ele já mostrou-se descontente com os prazos da sequência e a fez mesmo assim. Agora, por que será que Favreau abandonou a direção do terceiro filme?

8 - X-Men

Acho que coloquei este mais pelo contexto do que pela qualidade da película em si. Não que X-Men seja um filme ruim de doer. Serviu muito bem para introduzir o que viria a ser uma trilogia. Mas como eu disse, é o contexto que importa aqui. X-Men foi lançado em 2001 e ajudou muito ao reaquecer as adaptações de quadrinhos, que estavam no limbo desde o fatídico Batman & Robin de Joel Schumacher, que foi a gota d'água para os estúdios. Não vamos esquecer também que o filme dos mutantes foi o primeiro blockbuster de personagens da Marvel, sendo muito bem recebidos pelo público.

7 - Estrada Para a Perdição

Também mais um que passa despercebido como adaptação de quadrinhos. A história praticamente é a mesma contada no filme, mas acredito que o filme tenha trabalhado muito melhor as relações entre os personagens e acrescentando o personagem de Jude Law que não havia na HQ. A parte religiosa, que é algo recorrente nos quadrinhos, teve menos importância no filme, o que achei positivo. Mais um caso em que a adaptação para o cinema ficou mais popular que a obra original.

6 - Batman

A primeira ida do homem morcego aos cinemas blockbusters foi muito bem sucedida. Tim Burton fez um trabalho competente, usando muito das origens pulps de Batman. Ambientando o filme num clima noir, com direito aos capangas utilizando-se das famosas Thompsons (metralhadoras), o sucesso foi imediato apesar das ressalvas à Michael Keaton no papel de Bruce Wayne/Batman. Particularmente, acho que Keaton fez um papel competente, tirando a parte física. Precisa-se que eu comente sobre Jack Nicholson como Coringa?

5 - Homem-Aranha

Esse por vezes estaria na primeira posição do meu Topo. Eu cresci tendo Homem-Aranha como meu super favorito. E quando o filme saiu, foi de chorar. Sam Raimi fez um ótimo trabalho nessa adaptação, fazendo um filme divertido e emocionante, o que sempre foi a proposta do Homem-Aranha. Com o meu amadurecimento pessoal, esse filme foi deixando de ser meu favorito, mas não perde a importância pelo seu trabalho redondo e competente. É um exemplo de filme simples, porém bem feito.

4 - Homem-Aranha 2

Quase redundante, mas tem uma grande explicação para isso aqui. Neste filme, Sam Raimi praticamente fez um repeteco da trama anterior com algumas recalchutadas bacanas que talvez tivessem faltado no primeiro filme. Alguns diálogos foram melhorados, os efeitos ficaram um pouco melhores. Não houve aqui uma mudança enorme, mantendo a simplicidade da história. Faz sentido Homem-Aranha 2 estar uma posição à frente de seu predecessor. É o mesmo só que um pouquinho melhor

3 - X-Men 2

Diferente dos dois filmes do aracnídeo, a sequência de X-Men teve grandes melhoras. A começar pela atuação de Hugh Jackman que finalmente sentiu-se a vontade em seu Wolverine. A trama também desenvolve-se, aprofundando no ponto de vista social. Quando a equipe de Charles Xavier junta-se com o que seria o protótipo dos Acólitos, equipe de mutantes liderada por Magneto e seu ideal de supremacia do gene X, somos forçados a questionar quem são os verdadeiros vilões ou se realmente existem vilões no mundo. Os efeitos visuais evoluem ao nos depararmos com as garras de Wolverine muito verossímeis e o fogo de que Pyro maneja. Ah sim, e a cena bacana da bala na testa de Logan sendo extirpada.

2 - Batman Begins

Com o sucesso das adapatações de quadrinhos nos anos 2000, vimos apenas grandes sucessos dos heróis Marvel. A DC estava ficando para trás e pouco se ouviu de seus projetos cinematográficos. Foi quando anunciaram o reboot da franquia Batman. Aqui era um perigo, pois a queda realmente foi danosa com o já dito Batman & Robin. Mas Christopher Nolan acertou novamente quando em 2005, Batman Begins chegou aos cinemas mundiais sem decepcionar. O recomeço era nítido e a temática muito mais séria e realista ficou escancarada, trazendo alívio e esquecimento das merdas feitas por Joel Schumacher. Christian Bale por hora, é o Batman definitivo, trazendo ironia e sentimento para o dúbio Bruce Wayne. Afinal, quem é a máscara? O empresário ou o morcego?

1 - Superman

Muitos desconhecem este filme. Essa geração pouco se lembrará do homem que mostrou que voar era possível. Esta para mim, é a adaptação mais fiel de quadrinhos já realizada na história, tanto visualmente como ideologicamente. Será difícil supera-la, que fique claro. Os tempos são outros, os personagens já sofreram mil mudanças de caráter. Mas naquela época, Superman ainda era Superman. O escoteiro, o homem de cueca por cima das calças. A película realizada em 1978, trouxe toda a inocência da era de ouro do herói. Christopher Reeve em seu duplo papel, conseguia diferenciar perfeitamente Clark Kent de Kal-El. Marlon Brando como Jor-El, pai kriptoniano de Kal, é de uma presença forte e inesquecível. Margot Kidder como a irreverente Lois Lane, trouxe um dinamismo à trama inigualável. Richard Donner fez o impossível na época (e até hoje para alguns diretores, infelizmente): Ele nos fez acreditar que Superman era real.

+1 - O Cavaleiro das Trevas

Se Superman é a adaptação mais fiel dos quadrinhos, O Cavaleiro das Trevas é a adaptação perfeita, na minha opinião. Vejam bem, fidelidade e perfeição são muito diferentes. Christopher Nolan pegou conceitos de anos de Batman, mas utilizou-se disso apenas como referências visuais e um pouco na formação de caráter dos personagens. Porém, o que há nessa sequência de Batman Begins é a capacidade filosófica que ela lança ao indivíduo, apropriando-se de conceitos da nossa realidade. O bem vs. O mal. Mas e quem está no meio? Como se porta nessa guerra? Teria de fazer uma extensão para explicar as tiradas incríveis que este filme lança sem parecer piegas. Para mim, a melhor obra de Christopher Nolan. E claro, a melhor adaptação de HQ para cinema...por enquanto. Quem sabe o terceiro filme possa superar?

É isso aí galera, se gostaram opinem. Se não gostaram, opinem e acrescentem a opinião de vocês. Até a próxima!

Iron Maiden - The Final Frontier World Tour 2011

2011-03-29T17:32:00.018-03:00

Uma das maiores bandas de heavy metal do mundo se apresentou no estádio do Morumbi na noite de sábado dia 26. 50 mil fãs participaram do primeiro show da turnê do álbum The Final Frontier, o 15º álbum de estúdio da banda, no Brasil. É a nona vez que o Iron Maiden faz shows em solo nacional e eu estava presente mais uma vez.

Os portões se abriram às 15:10 e os primeiros metaleiros que passaram a noite esperando entraram no estádio. Às 19:30 a banda Cavalera Conspiracy, banda formada pelos irmãos Max e Igor Cavalera, ex-Sepultura, subiu no palco para fazer o show de abertura da noite. Divulgaram seu novo álbum entre outras musicas da carreira e ainda mandaram os clássicos do Sepultura como Refuse/Resist, War for Territory, Roots Bloody Roots, dando uma animada no publico.

Após o show de abertura os roadies começaram a arrumar o palco para o grande momento da noite. Exatamente as 21 horas as luzes do estádio se apagaram enquanto se ouvia Doctor Doctor do UFO e todo fã de Iron Maiden sabe o que isso significa, que em instantes o sexteto entraria no palco. Assim que a musica acabou, nos telões exibia o vídeo de abertura, a introdução de Satelite 15...The Final Frontier começava, com algumas explosões e uma viajem pelo espaço e o fundo do palco iluminado imitando estrelas. Terminando o vídeo as luzes do palco se acendem fazendo todos entrarem em euforia vendo Dave Murray, Adrian Smith, Steve Harris, Janick Gers, Nicko

McBrain e Bruce Dickinson, tocando Satelite 15...The Final Frontier, a primeira musica do novo album. No refrão todos cantava juntos com Bruce. Depois foi a vez de El Dorado, onde Bruce começava a explorar as plataformas que corriam em torno do palco e gritar “Scream For me São Paulo”, sem contar que o fundo do palco mudava de acordo com a musica. O show seguiu com um clássico de 1984, do álbum Powerslave, 2 Minutes to Midnight e The Talisman, outra musica recente da banda. Hora de Bruce fazer contato com o publico. Sempre carismático e bem humorado Mr. Dickinson arranha um português saudando o publico com “Boa Noite! Obrigado!” e ainda brinca um pouco dizendo” Ninguém viu este show que estamos tocando para vocês. Guardamos energia para o Brasil. Sei que vocês têm de ir à igreja amanhã, mas vamos mantê-los aqui por um tempo” e mandou outra musica nova pra galera, Coming Home. Vejo essa musica como uma dedicatoria a todos que de uma forma direta e indireta fazem parte da turnê da banda, todas as pessoas que se conhecem nesse caminho. Depois foi a vez de tocarem Dance

of Death do álbum homônimo de 2004, com Janick Gers tocando violão nesta faixa.

The Trooper deu continuidade no set list com Bruce vestindo uniforme vermelho de cavaleiro e hasteando a bandeira inglesa. Sem contar a sincronia das 3 guitarras nesta musica, uma sonoridade impecável. Tocaram duas musicas do album Brave New World de 2000, The Wicker Man e Blood Brothers, esta dedicada a todos os fãs do Iron Maiden pelo mundo, com uma homenagem especial aos japoneses devido aos fortes terremotos ocorridos no começo do mês. When the Wild Wind Blows foi a última música do álbum novo. A partir daí, só clássicos da banda foram executados, The Evil That Men Do com aparição da mascote da banda Eddie de 4 metros de altura andando pelo palco, chegou ate a tocar guitarra durante musica. Fear of The Dark foi à próxima, e se ouvia “OOHH OOOOOHHHH OOHH OOHH” ecoando pelo estádio.

A primeira parte do show foi fechada com Iron Maiden e outro Eddie apareceu no fundo do palco, mas apenas seus dedos, ombro e cabeça, este fez sua primeira aparição da turnê no Brasil.

O bis começou com The Number of The Beast com outro boneco ao fundo imitando a “besta” mesmo. Outra música que não falta no setlist o Iron é Hallowed Be Thy Name em outra apresentação perfeita. A ultima música do show foi Running Free, uma das primeiras música da banda ainda com Paul Di’anno nos vocais. Enquanto era tocada, Bruce apresentava a banda e dizia que não importa o que o Iron Maiden fizer, eles viram sempre tocar em São Paulo. E foi assim que mais uma passagem da banda por São Paulo se encerrou.

Com mais de 30 anos de carreira e seus integrantes com mais de 50 anos de vida o Iron parece cada vez melhor, que nem vinho. A harmonia da banda é incrível. Os solos de guitarra cada vez mais técnicos e com bastante feeling. Dave Murray sola muito. Adrian Smith é um compositor e um guitarrista e tanto. Janick Gers alem de tocar muito bem tem uma presença de palco arrasadora, arremessando guitarra pra cima e dançando enquanto toca. O baixo do Steve Harris pesado como sempre, o considero um dos melhores baixistas do mundo. Nicko McBrain fica escondido atrás de sua enorme bateria e não para um minuto com suas batidas pesadas. E não podemos esquecer Bruce Dickinson, sabe mesmo agitar os fãs, o tempo todo fazendo a platéia cantar com ele.

Espero que o Iron Maiden volte logo para São Paulo, um show que vale a pena ver milhões e milhões de vezes, porque cada apresentação é única e sempre melhor que a outra.

Chipmusic - Trocando uma guitarra por um Game Boy

2011-03-21T09:53:00.002-03:00

Esse post é uma homenagem à todos que entendem a arte que há por trás dos videogames e como eles moldaram uma geração inteira.

Pra iniciar este post, tive de recorrer para um artifício que ultimamente tenho evitado ao máximo: memória emocional. Mas seria inevitável neste caso. Seria inevitável lembrar da década de 90, quando ganhei misteriosamente e sem entender muito bem um novo mini-game. Mas aquele era diferente. Maior que o normal, pesado até. Entrada para quatro pilhas. Muito diferente daqueles jogos que iam apenas uma daquelas baterias redondinhas (elas ainda existem?). Porém, quando eu liguei aquele pequeno console, posso dizer que muita coisa mudou. Ok, não era super colorido como meu SNES (Super Nintendo), mas tinha algo mágico nele. Eu poderia levar para onde eu quiser! Sim, estou falando do meu Game Boy e sua primeira versão.

Primeira versão do Game Boy

Na época eu não tinha muita habilidade e passávamos por dificuldades financeiras. Não tinha muitos cartuchos para minha diversão. Porém, eu adorava mesmo aquele pequeno trambolho. Fez parte da minha infância, adolescência e também atualmente. Queriam o que? Eu sou da geração eletrônica! Um detalhe importante, que ficou cravado na minha inconsciência, foram as musicas dos jogos. Aquele som único que, apesar das suas limitações, produziam melodias bem contagiantes. Algumas delas, chegavam a ser cantaroladas. Hoje em dia, quem (dessa geração) não sente um prazer ao arriscar imitar o tema do Mario? Ou aquela introdução épica de Pokémon? Ou quem não sente um arrepio ao escutar toda o soturnismo da trilha sonora de Metroid? Enquanto alguns mais velhos lembram com carinho de cantigas de escola, nós adoramos fazer o baixo das fases de subterrâneas de Mario Bros. (durudurudurum).

Essa geração cresceu. Hoje estamos entre os 20 e os 30. Muitos já se afastaram desse mundo, talvez pela pressão de uma postura mais madura e adulta. Outros, acharam nesse meio um modo de se expressar, de fazer arte. É aqui que entra o cenário atual musical. Você sabia que aquelas musiquinhas que nos remetem aos velhos tempos, hoje são gêneros musicais? Estou falando de chiptunes, nintendocore, chipmusic, etc. Alguns caras que cresceram no mundo dos 8-bits (aqueles jogos velhos onde os pixels eram aparentes), acharam um modo de modificarem seus Game Boys e agora fazem belas melodias que remetem ao som daquela época. Mas engana-se quem pensa que isso é uma brincadeirinha normal. Os realizadores desse tipo de som entendem de música e dão duro para a construção de sua arte. E não é brincadeira quando digo que eles realmente utilizam os portáteis para construção do som!

Nullsleep, um dos mais famosos chiptuners

Pixelh8, que também é um educador musical

Esses "malucos" graças a internet, conseguiram se juntar e são muito unidos, criando comunidades virtuais para divulgação de seus trabalhos. É muito interessante que eles distribuem muitas de suas canções e até alguns álbuns gratuitamente. Um dos mais famosos locais para esse compartilhamento é o 8bitpeoples. Existem artistas de todo o mundo, inclusive do Brasil. É um bom local para descobrir mais sobre esse estilo musical que a cada ano cresce mais e vai ganhando espaço. Existe até um festival próprio para os chiptuners: o Blip Festival. No Brasil a cena ainda é relativamente tímida se compararmos com outros países, porém, seu crescimento é notável. Na mesma linha do 8bitpeoples, temos o coletivo Chippanze que funciona da mesma maneira, porém com os artistas brasileiros do meio. Tivemos alguns festivais pontuais como o 8bit Game People que rolou durante o FILE Hipersonica 2009 (Festival Internacional de Linguagem Eletrônica) trazendo nomes internacionais de peso como Sabrepulse, Covox e Bitshifter. Claro que haviam artistas nacionais como Pulselooper, um dos integrantes do Chippanze.

Pulselooper: chiptuner do Brasil

O hoje a chipmusic invade até os cinemas e os games atuais. Quem assistiu Scott Pilgrim Vs. The World sabe do que estou falando. O filme é baseado na HQ de Brian O'Malley, que faz uma homenagem incrível aos games. Fora as referências visuais videogamisticas, para aumentar essa atmosfera, o filme recorreu também para a chipmusic em algumas cenas. Acompanhando o lançamento do longa, saiu também para PS3 e Xbox 360 o game homônimo ao filme. Se os gráficos e a jogabilidade remetem aos famosos beat'em ups dos anos 90 (Final Fight, Streets of Rage), os desenvolvedores recorreram para a banda Anamanaguchi para a realização da trilha sonora do game (trilha sonora para a construção desse post).

Anamanaguchi e sua trilha para o jogo Scott Pilgrim Vs The World

A chipmusic realmente é um presente daqueles que só o acaso e o tempo podem proporcionar ao mundo. É surpreendente notar como uma geração apaixonada utilizou de algo teoricamente "obsoleto" para realizar uma arte inigualável. É compreensível que muitos não consigam apreciar esse movimento por não serem filhos dessa geração gamer. Talvez por isso a chipmusic ainda tem ares underground, pois seu público é (ainda) muito focado. Mas quem sabe em breve o reconhecimento como movimento musical seja entregue à essa geração apaixonado pelos 8-bits?

Prévia - 8INVERSO traz HQ "Castro" para o Brasil

2011-03-16T11:31:00.011-03:00

Hoje o La Colméia vem com uma informação bem bacana. Como"especialista" em histórias em quadrinhos aqui no blog e por termos interesse em temas políticos, lhes apresento uma prévia com belas imagens de uma nova HQ que em breve estará desembarcando por aqui. Trata-se de Castro, escrita e desenhada por Reinhard Kleist lançada no fim do ano passado e que será publicada pela editora 8INVERSO.

Clique na imagem para ampliar

Reinhard Kleist é autor das também HQ's Johnny Cash - Uma Biografia e Elvis, - esta última organizada junto com Titus Ackermann - ambas também com seus direitos adquiridos pela 8INVERSO e muito bem recebidas pela crítica. Baseando-se em pesquisas sobre a vida do ícone cubano e também em uma viagem que fez à Havana em 2008, Kleist cria uma narrativa onde um jornalista se interessa pela vida de um revolucionário na Cuba de 1958: Fidel Alejandro Castro Ruz. Como em uma das imagens desse post, percebe-se que a história vai além da revolução cubana que derrubou o ditador Fulgencio Batista.

Porém, para fazer essa prévia, precisamos conhecer quem está por trás deste lançamento. Sabemos que material Kleist teve de sobra para escrever uma obra mais próxima possível da verossimilhança, mas será algo que saberemos apenas quando tivermos a obra em mãos. Seu trabalho com a biografia em quadrinhos de Johnny Cash não ficou abaixo do esperado segundo críticos (infelizmente ainda não li apesar de fã do trabalho de Cash). Pode ficar ruim se pender muito para a "direita" tanto quanto para a "esquerda". Mas, como eu disse, o autor parece estar com uma boa base para desenvolver a narrativa (Kleist teve apoio de Volker Skierka, biógrafo de Fidel que também assina o prefácio de Castro). É possível notar pela prévia que os traços de Kleist não tendem para a um tom chargista, tentando ser realista, porém cartunesco ao mesmo tempo para que o efeito de empatia seja maior. O preto e branco reforça a idéia de se aproximar da verdade não fazendo com que as cores "falem" por si.

É grande a chance de que Castro torne-se uma obra indispensável. Seja para os adoradores, seja para os contra a sua postura, seja apenas para curiosos deste que, sem dúvida, foi um dos ícones do século XX. Só perderá seu valor se acontecer da obra tornar-se partidária, como dito anteriormente. E claro, assim que a HQ estiver em mãos e lida por completo, uma resenha será colocada no blog, podem ficar tranquilos.

"Condena-me, não importa, a História me absolverá." - Famosa frase de Fidel Castro em La Historia me absolverá, pronunciamento de 16 de outubro de 1953. Será que esta "estória" o absolverá?

“Castro”, graphic novel da 8INVERSO sobre Fidel Castro

Texto e ilustrações: Reinhard Kleist

Tradução: Margit Neumann

Páginas: 288
Preço: R$ 51,00

!Atualização: Galera, a 8INVERSO está sorteando dois exemplares de Castro. Basta ter uma conta no twitter e dar um RT. Mais informações por aqui!

O Cinema Francês Hoje (e a adorável Amelie)

2011-03-14T06:24:00.000-03:00

Quando pensamos em cinema francês, rapidamente nossos pensamentos nos transportam para a Nouvelle Vague, grande movimento e principal expoente da 7ª arte na França, sem esquecer é claro de toda a escola vanguardista da década de 1920 e do realismo poético das décadas de 30 e 40.
Hoje os tempos são outros e a situação é um tanto quanto diferente.
O cinema francês teve (e ainda tem) papel importantíssimo na tradução do que a própria palavra "cinema" quer dizer. Vale lembrar que os próprios irmãos Lumiére eram franceses.
Podemos notar que o cinema francês no quesito produção, porta-se muito bem no momento e já há alguns anos.
Um país que ocupa aproximadamente 40% do mercado local pode orgulhar-se pois em outros países, usando
como exemplo o Brasil, que, dificilmente consegue abarcar mais de 10% do mercado, ficando sempre atrás das produções estrangeiras.
Mesmo assim, alguns acreditam que a produção francesa tem graves problemas, principalmente quando se pensa no futuro.
O cinema francês traz consigo um forte problema de concentração de produção. Fala-se que a cada 20 filmes de sucesso 1 é originário de uma produtora independente.
Hoje praticamente toda a produção francesa depende da associação com as redes de TV.
O principal "problema" enfrentado é que já nota-se um certo grau de "preferência" das TV's quanto ao tipo de filme que será produzido.
Em outras palavras: As redes de TV tem mostrado interesse em grandes produções, com elenco conhecido e roteiros de grande apelo comercial.
O cinema "diferencial", aquele que não se preocupa em apenas divertir ,que sempre foi o grande atrativo do cinema produzido na França está ficando cada vez mais difícil de produzir-se.
Ou seja, mesmo no interior de uma situação privilegiada como a do cinema francês, a grande briga é pelo financiamento do filme dito "de arte", sem o qual nenhuma cinematografia funciona, progride ou se justifica.

*********

Seguindo na linha Cinema Francês, deixo aqui a resenha e a dica de um filme recente e bastante comentado, mas nem por isso menos importante: O Fabuloso Destino de Amelie Poulain.

Começo dizendo a máxima: O Fabuloso Destino de Amélie Poulain não pode ser considerado um filme comum. É gratificante assistir um filme bem equilibrado em diversos aspectos, pricipalmente bem equilibrado entre a comédia e o drama. Simples e encantador.
Dirigido por Jean-Pierre Jeunet e produzido na França, conta a história de Amelie Poulain.
Desde a sua infância, Amelie sempre foi reclusa da maioria das pessoas, o que num primeiro momento, já torna sua "chegada" ao mundo, conturbada demais.
É órfã de mãe que morrera em circunstâncias não muito bem esclarecidas. Como animal de estimação tinha um peixe, que, talvez retratasse as perturbações futuras de sua dona pois tinha crises e eventualmente tentava o suicídio. Por fim, seu pai, que era médico, dificilmente aproximou-se da filha, talvez por falta de tempo, talvez por falta de afeto, enfim, geralmente aproximava-se da filha apenas para examiná-la como um paciente qualquer.
Com um histórico familiar como esse não seria de se esperar que a menina vivesse isolada, sem amigos para brincar ou divertir-se como uma criança comum.
Amelie cresce. Uma bela moça que trabalha como garçonete e mora sozinha em um apartamento em Paris. Um dia encontra em sua residência uma caixa de "segredos" pertencente a um antigo morador. Amelie então decide encontrar o dono do artefato. Após o sucesso da empreitada e comovida com a reação do dono, Amelie começa a repensar a sua vida e acaba por descobrir que lhe falta o combustível para a sua verdadeira felicidade: um grande e generoso amor.
Estéticamente o filme é um deleite visual: A fotografia é lindíssima. Muito bem trabalhada, forte em detalhes, muito colorida e de um "amarelo" envolvente. Movimentos de câmera incomuns na maioria das vezes e um tratamento digital refinado. Talvez seja o ponto alto do filme e tecnicamente muitos consideram a parte que merece mais méritos em toda a produção.
Difícil também não deixar de encantar-se pela primorosa trilha sonora composta por Yann Tiersen. Acredito que Yan envolveu-se de tal forma com o projeto que conseguiu transmitir fielmente o clima e a sensação que Jean Pierre gostaria de transmitir. Com um “sem fim” de intrumentos (banjo, violão, acordeon, piano, harpa, mandolin entre outros...) Yan Tiersen já consagrou a trilha do filme a um clássico absoluto.
O roteiro apesar de simplista e não trazer nada inovador tem muita qualidade e foi muito bem escrito. Acredito ser esse o ponto forte do filme, porém raramente alguém comenta isso, julgando-o como "apenas mais um filme" com fotografia bonita. A forma com que Jean-Pierre Jeunet nos conduz para dentro da vida de Amelie com a belíssima atuação de Audrey Tautou é forte, é intensa.
O padrão utilizado pelo diretor mesclando drama e comédia, amparado por um narrador ao estilo "documentário expositivo" dá a tônica do interesse do público pelo filme. Torna o filme leve, fato que não é muito comum em um filme que tem a carga dramática que o Fabuloso Destino de Amelie Poulain carrega em suas entrelinhas. A narração acaba por prender a atenção do público pois geralmente aparece de forma rápida e repleta de detalhes que ajudam a construir o enredo, principalmente no que diz respeito ao caráter da personagem principal.
O público fica na "ânsia" de saber que rumo tomará a vida da "comum" Amelie que de garotinha tímida e reclusa torna-se o centro de uma cadeia de boas ações para todos que a rodeiam. E, em contra partida busca sem saber direito quem ou o que preencherá o vazio que sente em relação aos seus sentimentos. Fato é que Amelie consegue driblar a maioria dos seus problemas nessa quase "cruzada" pela felicidade. Sua e dos outros.
O Fabuloso Destino de Amélie Poulain é um filme sobre pessoas comuns que desejam realizar seus sonhos.

O Fabuloso Destino de Amélie Poulain

Titulo original: (Le Fabuleux Destin d'Amélie Poulain)
País: França (2001)
Direção: Jean-Pierre Jeunet
Elenco: Audrey Tautou , Mathieu Kassovitz , Rufus , Yolande Moreau , Jamel Debbouze
Duração: 120 min
Gênero: Drama / Comédia

O rock não morreu

2011-03-09T23:16:00.000-03:00

Como diria Zappa, ele apenas ficou com um cheiro estranho.

É fato que o rock no mainstream anda decepcionando, sepultado num caixão colorido de letras clichês e melodias padronizadas, mas isso não é motivo para desespero dos velhos (de idade ou não) reclamarem do gênero musical.

O rock não está morto, mas fragmentou-se ao infinito. Não existe rock, mas punk rock, indie rock, rock caipira, pop rock, samba rock, rock progressivo, grunge, glam, britpop, hard, garage, aaaaaaaaahhh, et ceeeetera, pô!

Hoje em dia tem rock pra todo mundo, tem rock até pra quem não gosta de rock. Vou usar só exemplos brasileiros pra ilustrar minha opinião, 3 exemplos. Aí vão:

Charme Chulo

Véi, essa banda foi a melhor coisa que minha ex-namorada me apresentou. Charme Chulo toca um rock caipira, sentimental, às vezes ácido (como todo sentimento pode ser). São lá de Curitiba e lançaram o primeiro EP em 2004.

Aliás, Curitiba é um polo do rock, tem dezenas de bandas que arrebentam (ou arrebentaram em seu curto período de existência). Cito: Sabonetes, Terminal Guadalupe, Mordida, Blindagem, Poléxia, Anacrônica, Pelebrói Não Sei, enfim. Recomendo todas!

Jumbo Elektro

O Jumbo Elektro não vou tentar definir se não vai ficar algo mais maluco que o som deles. É rock eletrônico. Ponto. Ponto? Conheci eles através de um depoimento que deram para um livro sobre o velho Frank Zappa de guerra, fiquei fascinado com o visual pós-moderno dos caras e fui atrás das músicas deles na internet. Não poderia ter uma surpresa melhor.

O clipe abaixo encaixou-se bem com este texto, pois brinca com a questão dos ídolos do rock e com a idéia d’ “o rock está morto”.

Vale conferir também Cérebro Eletrônico, banda de rock alternativo que deu origem ao JE. :)

Rock Rocket

Outra banda paulista, agora aproveito pra indicar uma banda mais punk, mais porra louca, mais alcoólica, que tive a oportunidade de ver ao vivo, no Bar do Zé aqui em Campinas. Os caras do Rock Rocket tem um PUUUUTA presença de palco e o som enérgico ajuda bastante.

Bem, é isso. Tem várias outras bandas de rock no Brasil que merecem mais destaque do que têm. Quem quer música boa hoje tem de garimpar na internet.

Pessoal, indiquem nos comentários outras bandas de rock da atualidade que vocês curtam e aproveitem também pra discutir se o rock morreu ou não. Meu texto acaba aqui, mas o post, enquanto vocês comentarem, não tem fim.

:)

Cinema: Só Para Ver?

2011-03-03T16:36:00.002-03:00

Frequentemente, quando questionadas sobre qual a parte de uma produção audiovisual e ou cinematográfica é mais importante na qualidade da obra final, a grande maioria das pessoas tendem a apostar na fotografia, outros no elenco, outros ainda na “onisciência” de um grande diretor e “esquecer” do áudio. Isso não é um problema apenas dos “consumidores” do produto. É um problema comum e recorrente na maioria dos estúdios e produtoras.
Preocupados principalmente com o quesito fotográfico do filme, esquecem-se que, para conseguirem transmitir a mensagem que querem e transportar o espectador para o “lado de lá”, o som é de suma importância para o êxito do trabalho.
Geralmente, o que acontece é que cada setor da produção pensa única e exclusivamente na sua parte sem pensar nos problemas que isso pode causar ao áudio como por exemplo, o diretor do departamento de efeitos especiais que visualiza e projeta uma “linda chuva” pela janela (em uma locação com telhado de zinco), ou o responsável pelo figurino que constrói dezenas de colares (barulhentos e chacoalhantes) para os personagens que usarão microfone de lapela. Isso sem contar nos técnicos de outras áreas como o pessoal da elétrica e maquinária e o pessoal da fotografia que geralmente tratam o técnico de áudio como o “chato do som” no set.

Técnico de som e sua mesa

Por motivos como esses e para passar uma maior credibilidade em alguns sons apresentados no decorrer de um produto audiovisual é que recorre-se a técnica da dublagem e do “foley”.
Não me refiro aqui nem a “dublagem/versão” no que diz respeito a tradução ou versão do conteúdo falado no filme para um idioma qualquer, mas sim na dublagem como recurso de melhora do áudio captado, seja por problemas técnicos ou por impossibilidade de captação direto.
Voltemos ao exemplo citado acima, “uma linda chuva pela janela (em uma locação com telhado de zinco)”. Agora, imaginemos que, nessa janela há um casal e eles conversam. É óbvio que na pós produção o diálogo ficou prejudicado pelo barulho da chuva no telhado, necessitando assim de uma dublagem das falas para que o assunto em questão seja inteligível. É exatamente a esse tipo de dublagem que me refiro aqui. Os atores originais então são chamados após o término da gravação da cena ou do projeto todo, entram em estúdio e recriam o diálogo como na gravação original e ambos são sincronizados: a cena gravada anteriormente e o áudio gravado em estúdio.
Vale ressaltar que os mais puristas discordam dessa técnica, pois dizem que a “essência da atuação” dos atores perde-se completamente no processo de dublagem (o que, de fato, não deixa de ser uma verdade), porém, levando-se em consideração que aproximadamente 80% dos diálogos dos filmes produzidos nos estúdios de Hollywood sejam frutos de dublagens e a maioria do público nem se dá conta, essa questão já pode ser classificada como mérito do ator ou atriz.
Mas agora, façamos o contrário. Imaginemos que sim, a cena com a “linda chuva pela janela (em uma locação com telhado de zinco)” teve todos os cuidados mínimos necessários para uma ótima captação do áudio do diálogo da cena ( foram colocados panos felpudos para reduzir o barulho das gotas de água no telhado, as máquinas de chuva foram cobertas para abafar o barulho dos motores e colocadas o mais longe possível do set...) enfim, captação de áudio perfeita. Ainda assim temos um problema: com tantos cuidados o barulho da chuva ficou imperceptível e obviamente é necessário para a composição da cena. Nesse caso recorre-se ao processo de “foley”.
O foley é uma técnica antiga, que tem o nome de seu “criador” Jack Foley, amplamente usada até os dias de hoje e nada mais é que a “dublagem” dos efeitos sonoros existentes nos filmes, isto é, todo e qualquer som que não seja diálogo ou trilha como o tilintar de uma niqueleira com moedas, os passos de uma pessoa em uma floresta, o cavalgar de um cavalo em um terreno arenoso, o som de uma porta abrindo ou, como no exemplo citado, o som da chuva em um telhado.

Existem estúdios gigantescos especializados nessa técnica com todo tipo de objetos e quinquilharias para recriação de qualquer tipo de som que seja necessário.
Diferentemente da dublagem por “problemas” técnicos, o foley vem somente a acrescentar qualidade sonora ao filme visto que os profissionais da técnica recriam os sons que dificilmente conseguiriam ser captados com precisão ou com a intensidade necessária para dar o tom de realismo cada vez mais presente no cinema atual.
Não acho que a dublagem “original” seja um grande problema. Como já citado, ela é quase imperceptível para a maioria das pessoas.
O problema aparece quando a função de “aperfeiçoamento” do som captado deixa de ser a função principal da técnica de dublagem e passa a ser a técnica padrão para “salvamento” de falhas que poderiam ter sido facilmente evitadas com um bom planejamento de gravação, com o trabalho em equipe, com o aval do técnico de áudio para gravação nesta ou naquela locação, com um bom trabalho do set como um “todo” enfim, uma real preocupação com o áudio da produção em questão que, ao final das contas tem uma relevância muito maior para a qualidade final do filme do que a maioria das pessoas imagina.

Nota: Resenha criada após a leitura de "Carta Aberta do Seu Departamento de Som" de John Coffey.

Topo 4+1 - Piores substitutos das HQ's

2011-02-24T15:08:00.000-03:00

Depois do Top 5 de clipes dos anos 80 feito pelo Rafael, vou requentar um bem bacana e engraçado que fiz na época do Q de Quadrinhos. Esse vai em "homenagem" para os piores substitutos de heróis de quadrinhos. Muitos surgindo nos anos 90, a época desesperada dos gibis. Achei que estava tendo uma idéia original, mas foi mais inspirada em um Podcast do Melhores do Mundo.

4 - John Henry Irons (Superman)

John Irons é herói de segundo escalão da DC, como Aço (que teve filme homônimo de 1997 com Shaquille O'Neal no papel principal) e "substituiu" Clark Kent, depois da fracassada e famigerada "Morte do Superman". Na verdade, ele diz que não queria substituir o escoteiro alienígena, mas carregar o espírito que ele representava. Tudo bem, tudo lindo, mas se não era pra substituir, pra que usar o S no peito? É como se a Coca-Cola "morresse" e a Pepsi muda a embalagem pra vermelho e usasse as garrafas com o formato patentiado da Coca. Tava de olho era na carreira de primeiro escalão na DC, isso sim. E tá, vai dizer que o S dele é de "Steel"? Por não ser substituto, mas um oportunista, fica com a quarta posição.

3 - John Walker (Capitão América)

John (de novo) foi um cara que perdeu o irmão no Vietnã e queria honrar seu irmão, indo pro exército. Ele recebeu uma dispensa "honrosa" do exército (incompetência?) e aí escutou que um cara podia lhe dar poderes. Agora todo poder, ele deu a louca de peitar o Capitão América como o Super-Patriota. Só de tentar peitar o lendário, ele já não bate bem.

Logo depois, O C.A original, teve de abandonar o manto, a pedido do próprio governo norte-americano. Tudo não passava de um plano do Caveira Vermelha, o algoz máximo do Capitão, que ainda queria difamar a imagem do bandeira perante a sociedade americana. Para isso, ele chamou, adivinhem quem? Sim, o nóia do John Walker, achando que estaria salvando sua nação. Mas ele só fez cagada e lá foi o Steve Rogers consertar de novo.

No fim, John assumiu que ele não era feito para ser "estrela" e ficou como personagem secundário vestindo o manto do Agente Americano. Fica com a terceira posição por conseguir ser mais patriota (chato) que o Steve Rogers.

2 - Kyle Rayner (Lanterna Verde)

Kyle era um desenhista. Pronto, até então era a única coisa que sabíamos desse cara. Ganhou o anel verde que era de Hal Jordan sem muita explicação. Estava na hora errada, no lugar errado. Errado, porque Kyle foi um personagem cheio de idas e vindas depois que ingressou no universo DC. Sua personalidade parece que não existia, formando-a apenas depois de viajar pelas galáxias. Sendo assim, seu personagem não tem muita credibilidade. Em momentos, tentaram fazer de Kyle, um novo Hal Jordan (talvez os editores se arrependeram de ter matado o Lanterna Verde ícone). Por ser um "mal-caráter", fica com a segunda posição.

1 - Azrael (Batman)

Esse é um sujeito que recebeu críticas até morrer. E até reviver.

Jean-Paul Valley era um estudante nerd, mas na verdade, o último na linhagem de uma organização assassina "Ordem de São Dumas". Ele foi treinado pra ser um assassino de primeira, mas trombou com o Batman, se ajudaram e então ficaram aliados. A personalidade de Azrael não é o problema. Nem o seu jeitão de personagem dos 90's (isso, todo mundo tava na onda). O que pegou mesmo, foi quando Bruce Wayne, com a coluna destroçada, escolheu ele, para ser Batman. Um Batman cheio de traquinagens tecnológicas e armadura duvidosa. É o bastante para ele ficar na posição 1. Quase levou um ícone pro ralo. Quase, porque quem levou a franquia Batman pro lixo, foi Joel Schumacher e o seu Batman & Robin.

+1 - Ben Reilly (Homem-Aranha)

Ok. Esse é complicado. Tentem me acompanhar.

Ben Reilly surgiu como Aranha Escarlate. Um novo Homem-Aranha para os anos 90. Sim, ele é filho dessa linhagem. Tudo bem, até então. Ele era tipo, um Azrael. E, como o mesmo, chegou o dia em que assumiu o manto de Peter Parker. Certo, tudo igualzinho ao morcego. Não poderia ser pior, poderia? Sim. E foi. A Marvel deve ter achado isso mesmo. Que estava igual ao Azrael e tudo mais, que eles tinham que diferenciar do concorrente. Alguém teve, então, uma luz. Que parecia ser mais uma sombra. No meio da confusão da Saga do Clone, resolveram confundir tudo de uma vez. Em algum ponto da saga, foi dito que na verdade, Ben Reilly era o verdadeiro Homem-Aranha e que Peter Parker era o clone. Sim! Quem havia acompanhado os 30 anos de Aranha até aquele ponto, não estava acompanhando a verdadeira história, mas sim, a história de um clone. 30 anos! A Marvel, enfim, ganhou como a maior cagada já feita em HQ's. Os editores sorriram uns para os outros e disseram enfim: "Conseguimos." Depois, eles deram qualquer jeito para dizer que era tudo mentira, pegadinha. Que Peter era, de fato, o verdadeiro Homem-Aranha. E como qualquer bom funcionário temporário, Ben foi morto depois de servir o seu propósito. Por mais que eu tenha começado a acompanhar Homem-Aranha nessa fase, tenho que admitir: Ben Reilly é, definitivamente, o pior substituto de Heróis de Quadrinhos.

Enquete!

2011-02-23T17:06:00.001-03:00

Pequena pausa nos textos do La Colméia para um anúncio interno: primeira enquete do blog está aberta.

Faz tempo que gostaria de criar uma para saber o gosto de vocês e o que procuram ler. Então adicionei uma enquete ali no canto direito e gostaria muito da participação de vocês pois assim podemos fazer mais posts que interessam mais à vocês leitores.

Se algum item não estiver ali nas opções, peço que coloquem aqui nos comentários o que está faltando. É um passo importante para ficarmos mais próximos das pessoas que estão lendo o blog e que são muitas. Vocês nos leram, agora é a nossa vez de ler o sobre vocês.

Valeu e até o próximo post.

As Virgens Suicidas

2011-02-22T04:57:00.005-03:00

Sofia, a menina tímida que interpretou (terrivelmente) a Mary Corleone de O Poderoso Chefão III, carrega consigo um dos nomes mais pesados da Indústria Cinematográfica do século XX: Coppola. Tendo isso em mente, pode-se imaginar que uma pressão enorme, tanto por parte dos profissionais desse meio quanto da expectativa dos fãs de seu pai, deve ter caído sobre ela quando foi anunciada em 1999 que dirigiria e escreveria seu primeiro longa-metragem: As Virgens Suicidas. Hoje em dia Sofia tem em seu currículo quatro longas (o último deles Somewhere, de 2010), mas não deixa de ser válido mencionar o primeiro deles, já que para uma obra de estreia, um filme desse porte não pode nunca ser deixado em segundo plano.

Produzido por Francis Ford Coppola e baseado em um romance homônimo de Jeffrey Eugenides, As Virgens Suicidas mostra a fase final da vida de cinco irmãs do ponto de vista de um grupo de garotos que cultivam grande fascinação por elas. É importante mencionar a diferença de idade entre elas que é de apenas um ano, o que significa que o cenário consiste em uma casa onde vivem simultaneamente cinco garotas na adolescência. Mantidas pelos pais autoritários e religiosos em isolamento domiciliar, as irmãs Lisbon tornam-se ídolos inalcançáveis para os meninos que, sendo seus vizinhos e frequentando a mesma escola, analisam e especulam sobre cada aspecto da vida delas que são capazes de observar. Da perspectiva da narração (feita por Giovani Ribisi, ator que também está presente na obra posterior da diretora, Encontros e Desencontros), um desses garotos tenta, a partir dessa obsessão, entender os motivos que as levaram a cometer suicídio (quem disser que é spoiler, leia o título do filme) de uma maneira no mínimo bizarra. Com uma direção inspirada e controversa, Sofia conta em um turbilhão de cores, gestos e expressões uma história poderosa e comovente. A fotografia do filme é delicada, feminina e incitante, exibindo em muitos momentos um brilho ofuscante e uma aura sonhadora. A trilha sonora é impecável, contando com a introspecção eletrônica da maravilhosa banda francesa “Air” e algumas faixas da banda de rock “Sloan”.

O pontapé inicial do enredo é a tentativa de suicídio da irmã mais nova Cecilia, logo de cara deixando claro que a melancolia dessa história não será manipulada pelos recursos clássicos de suspense e drama que normalmente vemos em filmes que focam a natureza feminina – os girl flicks. Em vez disso, a diretora carrega sutilmente ao longo do filme a tristeza de uma vida limitada por dogmas culturais no contexto da juventude dos subúrbios americanos. Geralmente ao assistir a filmes que relatam “dramas adolescentes”, o que se vê é uma verborragia um tanto novelesca, além de conflitos banais que acabam por serem resolvidos magicamente por fórmulas igualmente banais.

O diferencial dessa obra é que para entender o que se passa com as irmãs Lisbon, é preciso acima de tudo observar atentamente aos detalhes, que são o ponto forte desse filme. Um bom exemplo é a cena do cinema, em que o talento de Sofia consegue de uma belíssima maneira transmitir as emoções implícitas na situação proposta, e com apenas uma frase, culminar no grande clímax da história do carismático casal que lidera o elenco das personagens, Kirsten Dunst e Josh Hartnett. Alguns críticos atiraram tomates dizendo que as personagens são superficiais e mal construídas, quando na verdade, para um observador externo, é impossível definir os sentimentos e anseios que ditam o comportamento de pessoas reais e, consequentemente, o que se vê pode não fazer perfeito sentido dentro dos parâmetros de uma história linear simplesmente por não conhecer o contexto das vidas delas por completo.

Para enxergar a realidade da (des)motivação dessas garotas é preciso imaginar o que não se vê, através de gestos e detalhes, justamente como fazem os garotos que espionam as vizinhas com binóculos para satisfazer sua curiosidade. Compreender plenamente o que se passa com elas é uma tarefa impossível, afinal sabemos que muitos pais passam a vida toda sem ter a menor pista de quem seus filhos realmente são. No final o espectador ainda se encontra sem saber exatamente o que concluir, deparando-se com um desfecho ambíguo e aberto a diversas interpretações diferentes, o que faz jus ao peso dessa história e ao realismo das circunstâncias em que ela toma forma.

Com atuações sensíveis de Kathleen Turner e James Woods, As Virgens Suicidas é um filme que pode comover ambos os gêneros, especialmente para o cinéfilo que gosta de analisar as personagens sem que sua caracterização seja mastigada e entregue de bandeja pelo autor. Não é um filme fácil, mas não pelos motivos óbvios. É perfeitamente inteligível mesmo para o espectador mais leigo, porém exige um total envolvimento com a trama e as personagens para que se compreenda o que ele realmente tem de melhor. A princípio, na história pode parecer que existe uma falta de propósito, mas pra quem gosta do Cinema que expressa através da linguagem visual, é um prato cheio e uma deliciosa viagem de sutileza e melancolia.

(Resenha publicada originalmente em Vortex Cultural, 25 de Maio de 2010)

Meus 5 clipes favoritos dos anos 80

2011-02-21T21:54:00.000-03:00

Aproveitando o texto anterior do Melchior sobre a música contemporânea, peguei o carro dele emprestado e voltei alguns quilômetros.

Vou dar uma de Rob Fleming pra relaxar, descontrair, com uma listinha amiga e educativa dos meus clipes favoritos dos anos 80.

Quem me conhece sabe que não sou afeito aos padrões, surreal, mestre de cerimônias loucas e outras bobagens. Minhas preferências estéticas não poderiam ser diferentes.

Bem, vamos lá, vou começar com um light:

Tears For Fears - Sowing the Seeds of Love

A banda, pra quem não conhece (duvido que alguém não conheça ao menos Shout ou Everybody wants to rule the world, mas), é inglesa e toca um pop rock com sintetizadores cheios de vigor, assim como a voz de Orzabal, além de possuir letras sobre os sentimentos mais primários do ser humano. É simplesmente foda.

O clipe que escolhi deles é o mais psicodélico e simbólico possível, dirigido pelo grande Jim Blashfield (que trabalhou com o Talking Heads e, recentemente, colaborou com o Weird Al Yankovic). Sowing the seeds of love chegou a ganhar dois prêmios na MTV: de melhores efeitos especiais e de vídeo inovador.

Soft Cell - Tainted Love

Esta música todo mundo conhece, daquelas baladinhas anos 80 ou das festas de aniversário dos pais.

Soft Cell é uma banda de new wave que também se deu muito bem com os sintetizadores. Fez muito sucesso com esta música, gravada originalmente por Gloria Jones, mas eles têm outras músicas tão interessantes quanto, mais perversas, sombrias, irreverentes. Recomendo o CD Non-Stop Erotic Cabaret :)

O clipe, não sei se sou exagerado, contém cenas com referências ao homossexualismo (todo mundo vestido como os romanos, um negão sem camisa fazendo ventinho nas costas do Marc, et cetera) e à pedofilia, afinal, o cara tá cantando Tainted Love para uma garotinha! Sou maluco, imagino coisas?! Não sei, assista o clipe e depois responda nos comentários:

Devo - That's Good

Não sei definir Devo. É rock, é industrial, é pop, tem sintetizador, é estranho, é distópico, é futurista (daquela safra que só a década de 80 poderia ter produzido).

Devo vem de devo-lution, não devolução, mas de-evolução, a fase que o ser humano está vivendo, de acordo com eles, de regresso, de atraso mental, vamos voltar às cavernas!

O clipe de That's Good é fantástico, nostálgico (pra mim), irônico, provocante. Aliás, chegou até a ser barrado pela censura, por causa das cenas em que uma batata frita penetra uma rosquinha e em seguida surge uma mulher um pouco agitada, nua hahaha. Imperdível!

Alphaville - Sounds Like a Melody

Devo confessar que não conhecia nada de Alphaville, além de Big in Japan, até um mês atrás, quando uma amiga apresentou esta música, à qual me viciei em menos de 30 segundos.

Alphaville é um grupo alemão de new wave, fez um PUTA sucesso com seu primeiro CD, Forever Young e depois baixou a bola, ao menos no mainstream.

O tema desta música me lembra muito videogame, a agilidade do sintetizador e o clima que ele cria. Um vídeo simples que, a partir da metade, fica estranho e ganha meu coração (owwwnnnn *-*)

Culture Club - Karma Chameleon

Conheci o Culture Club no ensino médio, mais especificamente nas aulas de filosofia com o Kaká Altheman. A gente passava aulas assistindo os clipes dele, pode isso, Arnaldo? Era maravilhoso!

O Culture Club fez parte de um "mini-movimento" musical e estético chamado New Romanticism, que revivia o imaginário punk, a música pop eletrônica, o visual extravagante. A banda se desfez em meados de 80 por causa dos problemas de Boy George com as drogas e depois se refez sem ele. Uma pena, Culture Club sem ele é nada.

O clipe de Karma Chameleon foi dirigido por Steve Barron, que também trabalhou com A-Ha e Dire Straits. Gosto da frase que Boy George usa para explicar a canção:

"The song is about the terrible fear of alienation that people have, the fear of standing up for one thing. It's about trying to suck up to everybody. Basically, if you aren't true, if you don't act like you feel, then you get Karma-justice, that's nature's way of paying you back".

Eis, então:

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É isso, deixei de citar zilhões de grupos, não coloquei nenhum brasileiro. Não é preconceito, é que não tenho clipe favorito dos grupos daqui e desta época. Curtiu? Tem algum clipe que gostaria de me indicar? Qual o seu favorito desta década? Coloque aí nos comentários e vamos complementando o post e relembrando o passado.

;)