la covata malefica

noreply@blogger.com (duffogrup) — Wed, 09 Apr 2014 17:02:00 +0000

Occulto Italia. Rituali psichedelici nel bel paese

noreply@blogger.com (duffogrup) — Mon, 07 Apr 2014 09:39:00 +0000

I pantaloni di Joaquin Phoenix e la faccia di Bruce Willis su Dead Parrot

noreply@blogger.com (duffogrup) — Mon, 31 Mar 2014 09:38:00 +0000

Possessioni sonore: 100 modern soundtracks du Dead Parrot

noreply@blogger.com (duffogrup) — Tue, 25 Mar 2014 10:33:00 +0000

Z di zombie su Dead Parrot

Donne che corrono con i caproni: The Lords of Salem

noreply@blogger.com (alunno Proserpio) — Mon, 26 Nov 2012 11:31:00 +0000

Dopo aver celebrato e fatto implodere in un colpo solo l'horror postmoderno con lo splatter da freak show di La casa dei 1000 corpi, realizzato l'unico omaggio credibile a Peckinpah e al western nichilista degli anni settanta con The Devil's Rejects ed essersi confrontato con discreti risultati con un doppio remake ingombrante (Halloween 1 e 2), Rob Zombie realizza il suo film più ambizioso, The Lords of Salem (visto in anteprima italiana al Torino Film Festival).

C'è però un problema: per il barbuto Rob l'ambizione ha a che fare con strane forme di estasi cinematografica. E l'estasi, come sanno bene San Carlo Borromeo, Guillermo del Toro e Joel-Peter Witkin, ha sempre a che fare con due cose: il corpo e il rito. I rituali zombiani sono quelli di una subcultura pop imbevuta di musica metal e gotico americano, che si muove tra la riattualizzazione di una delle mitologie nere per eccellenza, quella delle streghe di Salem, e l'omaggio a una tipologia di film che Rob Zombie doveva tenere in qualche scaffale nascosto della sua videoteca: gli horror satanici degli anni '70.

E il corpo è quello della bionda mogliettina Sheri Moon Zombie, che diventa la diva assoluta di The Lords of Salem, e dall'occhio del marito viene celebrata, spogliata, adorata, fecondata e consegnata a un'orgia di visioni allegramente oltraggiose.

Sheri Moon è Heidi, dj radiofonica di Salem che riceve l'omaggio di uno strano disco dal potere ovviamente malefico. Da qui parte una discesa agli inferi condita da simpatiche e malvagissime streghe in pensione uscite da una puntata perversa di La signora in giallo, uno studioso di stregoneria con la barbetta, grottesche profanazioni delle alte sfere cattoliche, apparizioni di demoniache presenze nella cucina dell'appartamento. E roghi, capre, fuochi nella notte, autunno dell'anima e rinascita del principio femminile come in un libro di self-help wiccan in cui l'auto-realizzazione ha a che fare col metttere al mondo il figlio del diavolo.

Naturalmente tutti sappiamo che c'è una maledizione che aspetta dietro l'angolo, che le perfidie degli inquisitori di qualche secolo fa richiedono sanguinosa vendetta. E sappiamo che, trattandosi di una rielaborazione in salsa Rob Zombie di uno dei generi più deliranti e depravati di tutti i tempi - la satanexploitation post Charles Manson, Post Polanski e post Esorcista – i punti forti di questo film non saranno esattamente una logica stringente e una sceneggiatura di ferro.

E sappiamo infine che l'inizio di The Lords of Salem, per quanto suggestivo e ben fotografato (da Brandon Trost) sarà solo un trampolino di lancio per qualcosa d'altro. Questo qualcosa d'altro è un finale che incrocia in un calderone stregonesco le sequenza acide di 2001, i rituali mistico-trash della Montagna Sacra e le leccature cromatiche del miglior horror stilizzato e psichedelico (da Mario Bava a Dario Argento e Jean Rollin).
E qua le cose diventano interessanti: Rob Zombie prende il volo e si lancia in un confronto con tutte le correnti più estreme dell'arte contemporanea: dai corpi deformati del neobarocco freak di Witkin alle composizioni da coroner stiloso di Andres Serrano, dai videoritratti luminosi di Bob Wilson all'estetica da white trash in passerella delle foto di Terry Richardson, il tutto condito con il simbolismo esasperato di Matthew Barney e l'estetica black metal che negli ultimi tempi sta invadendo le gallerie di mezzo mondo. Tra crocifissi al neon, sacerdoti satanici con la faccia di cartapecora bavosa, Sheri Moon con il face painting da stregonessa norvegese, un teatro apocalittico che sta tra Eyes Wide Shut e Mulholland Drive, ci si prepara alla venuta di un anticristo che sembra un cicciobello deforme con problemi di gestione della rabbia.

Stronzata assoluta, passo falso, delirio di onnipotenza? Celebrazione delle Donne che Corrono Con i Lupi e i Caproni? Oppure ingresso in un pantheon di film genialmente sballati? Ai posteri l'ardua sentenza. Intanto tutti al cinema (sperando che esca nelle sale...), pronti ad ascoltare le reazioni di almeno metà del pubblico, che rivorrà indietro il biglietto. Mentre l'altra metà ringrazierà Rob e il suo genio visionario, che in un tempo di film esangui e prevedibili ci consegna all'estasi diabolica.

Problemi per un nuovo millennio

noreply@blogger.com (duffogrup) — Fri, 26 Oct 2012 15:21:00 +0000

Come ogni anno ad ottobre si è svolta a Solvay la conferenza sullo stato della musica leggera nel mondo. Nonostante l'assenza giustificata di artisti quali Justin Bieber, Shakira, Tokyo Hotel, Sick Tamburo e Psy, non sono mancati i momenti divertenti e interessanti. In particolare l'edizione del 2012 si è aperta con un fuori programma: David Hilbert cantante e leader dei tedeschi Mathematics ha preso la parola ed ha proposto all'uditorio un elenco di 20 problemi:

1) Il folk rock italiano è veramente italiano?

2) La musica indie ha la forza di imporsi senza condizionamenti al mercato o è il mercato a condizionare la produzione di musica indie?

3) Ha senso parlare di generi musicali diversi senza collegarli a movimenti culturali diversi?

4) Il peso dell’eredità del rock progressive è una delle cause della mancata diffusione a grandi livelli della musica punk e di quella metal in Italia?

5) La funzione delle riviste musicali è venuta meno con l’avvento del web e dei suoi strumenti di condivisione e comunicazione?

6) Perchè la politica e l’impegno sono sparite dalle tematiche dei cantautori main stream italiani?

7) La pratica del remixaggio è la capacità dei DJ contemporanei di creare nuovi collegamenti tra realtà musicali esistenti oppure è il sintomo di una loro carenza creativa?

8) Le radio commerciali hanno un dovere di critica e quindi di scelta sulla musica che trasmettono?

9) La moda potrà avere ancora un influsso sulla musica come lo ebbe fino agli anni ‘70?

10) Perchè la musica brasiliana, nonostante molte hit internazionali, non è mai riuscita a diventare main stream fino all’arrivo del latin pop?

11) I reality musicali, limitando la gara all’esecuzione canora, non confinano l’idea di musicista a quella di “bella voce”?

12) Il rock demenziale è un vero genere?

13) Ci devono essere dei limiti alle tematiche che la musica può trattare?

14) Esistono musicisti che realmente possono essere considerati come ascolti fondamentali per chi si avvicina alla musica rock? E per la musica elettronica?

15) Il comportamento degli spettatori e il loro grado di coinvolgimento devono essere considerati nel giudizio nei confronti della performance del musicista?

16) Quale dovrebbero essere le politiche dei Festival musicali per superare il loro carattere di occasionalità?

17) Ci sono dischi degli anni 2000 che abbiano realmente ispirato ed influenzato musica, arte e costume dalla loro pubblicazione in poi?

18) Le cover band hanno un’utilità?

19) Qual’è il prezzo giusto per un CD? E per un Mp3?

20) Ha ancora senso il concertone del Primo Maggio?

Chi si voglia cimentare nella soluzione di uno dei problemi posti da Hilbert sappia che il premio per chi ci riuscirà consiste in un mp3 smaltato della canzone Gangnam Style a cappella realizzata dai Pentatonix.

Piccolo dizionario del cacciatore di fantasmi: O-S

noreply@blogger.com (alunno Proserpio) — Sun, 14 Oct 2012 15:18:00 +0000

O come Oneohtrix Point Never. Alias Daniel Lopatin, cresciuto a Chicago da genitori di origine russa. Utilizza vaste campiture sonore ricavate da sintetizzatori analogici, oscillando tra malinconiche aperture melodiche e lunghe sequenze di ronzii cosmici. Ricorda un certo Krautrock atmosferico e ripetitivo, a base di tastierone a dilatazione lenta, ma è anche in contatto con il noise meno brutale (si senta Replica, del 2011) e con la circolarità ipnotica di gruppi americani come gli Emeralds. Il fatto che poi lavori su concept legati a misteriosi spedizioni spaziali di astronauti russi e invochi l’esistenza di "Zone senza gente" ci fa capire come un’unica corrente di strane alterazioni spazio-temporali attraversi di questi tempi i quattro angoli della terra, fino a lanciarsi come un unico segnale analogico, nel cosmo siderale.

P come The Prisoner, la serie per eccellenza per chi voglia capire cosa diavolo mettevano nel tè gli inglesi negli anni Sessanta. Lavaggio del cervello, droghe psicotrope, palloni bianchi come sorveglianti, spionaggio e scienza del comportamento, uomini identificati da numeri. Incubo di sorveglianza e trionfo del versante più “freak” della swinging London, questo capolavoro partorito dalla mente di Patrick McGoohan (che interpreta il protagonista) e George Markstein è semplicemente uno dei più stravaganti trip che si possano fare restando nei limiti della legalità. Tutto in un villaggio (realmente esistente in Galles) fatto di candide casette. In pratica, la partita a Croquet con i fenicotteri di Alice dilatata all’infinito in una casa di cura per funzionari dell’impero britannico.

Q come Bernard Quatermass, lo scienziato creato da Nigel Kneale per una serie di episodi televisivi negli anni '50 (che ha generato poi libri, film e serial radiofonici), è un'altra delle figure chiave per comprendere la genealogia dell’idea di Hauntology. In Quatermass & The Pit, adattato per il cinema nel 1967, gli scavi per la metropolitana di Londra portano alla luce un veicolo extraterrestre caduto sulla terra nei tempi antichi. Le creature extraterrestri generano negli esseri umani visioni fantasmatiche, fenomeni allucinatori, forme di possessione e di psicocinesi. Nell’episodio finale della serie cinematografica, The Quatermass Conclusion, del 1980, in un futuro caratterizzato da segni di disgregazione sociale strane evocazioni cosmiche vengono fatte nel cerchio megalitico di Stonehenge. Non dimenticherà queste atmosfere da degradazione thatcheriana, tribalismo post punk e culto folklorico new age Alfredo Cuaron nel suo I figli degli uomini. In generale, Nigel Kneale è uno dei numi tutelari della weirdness televisiva inglese e vale la pena ricordare anche The Stone Tape, del 1972, in cui un racconto di fantasmi si innesta su una riflessione sull'uso di strumenti di registrazione sonora e video. Puro distillato hauntologico.

R come Michael Reeves. Regista inglese morto molto giovane e autore di almeno due capolavori, Witchfinder General (1968), con Vincent Price nella parte di Matthew Hopkins, il generale incaricato di cacciare le streghe nell’era di Cromwell, e The Sorcerers (1967), stravagante storia di controllo mentale e omicidi in una londra tutta locali notturni e moto Triumph. È un po’ il simbolo dell’influenza del cinema dell’orrore e del soprannaturale sull’immaginario hauntologico. La campagna inglese nel suo potere perturbante e il rapporto con il periodo della guerra civile è lo stesso dell’altro capolavoro diabolico, Blood on Satan’s Claw, diretto da Piers Haggard nel 1970: per la serie, se trovi il teschio di una figura demoniaca mentre stai arando il tuo campicello, meglio lasciarlo dove sta. La campagna inglese oscilla sempre tra il sogno di un recupero pastorale e l'idea che sotto la tranquillità dei cottage immersi nel verde e dei ruscelli che scorrono placidi fra i pascoli si possano celare segreti che è meglio non svelare.

S come Mark E. Smith. Forse dal punto di vista strettamente musicale, il signor Fall, vale a dire l’uomo più scorbutico del mondo (oltre che la persona dotata della peggior pronuncia inglese tra coloro che camminano su questa terra) non ha molto a che vedere con tutto questo. Ma il suo modo di evocare l’orgoglio della working class in mezzo al declino dei paesaggi urbani attraverso vicende in cui vengono convocati l’orrore bucolico e folklorico dei romanzi di Arthur Machen, i Cut up di Burroughs e i fantasmi vittoriani di Montague Rhodes James lo rende degno del titolo di Gran Sacerdote della loggia mancuniana degli evocatori di spettri. E poi un disco di stregonerie sonore come Hex Enduction Hour in fondo non è tanto distante dagli esperimenti più dissonanti e immersivi di alcuni musicisti di oggi (penso a Caretaker, ad esempio). In fondo basta un titolo, "Psychik Dancehall", dal secondo disco dei Fall, Dragnet, per dire tutto.

Sei ore, nove tempi, diciotto bobine...

noreply@blogger.com (duffogrup) — Fri, 31 Aug 2012 18:54:00 +0000

A volte succede che un impedimento momentaneo generi conseguenze gravi, quasi irrimediabili. Ieri sera la cronica mancanza di segnale Rai all'ora di cena mi ha costretto a sintonizzare il televisore sull'unico telegiornale visibile in quel momento: il TG4. Il servizio che ha attirato la mia attenzione e che mi ha fatto andare di traverso la cena, aumentare il bruciore di stomaco e provocato cattiva digestione, era dedicato alla mostra del cinema di Venezia. Il giornalista, con tono idiota, sbeffeggiava i film che erano passati alla mostra negli anni passati, magari vincendo premi, e che poi in sala avevano registrato zero o quasi affluenza di pubblico. In particolare venivano citati dal minus habens redazionale "il Faust di tale Sokurov" e i film di "Kitano Takeshi", di cui sfidava gli spettatori a citare un titolo. Immagino che per un protozoo del genere il massimo sarebbe veder proitettato I soliti idioti in sala grande e magari premiato con la Coppa Volpi il vecchio Mandelli. Io non ho niente contro I soliti idioti , non andrei mai a vederlo ma non mi sento di prendere in giro chi lo fa. Nel caso particolare mi fa quasi piacere che il film abbia avuto successo e spero che Mandelli decida al più presto di sciogliere gli Orange, abbandonare la musica e darsi totalmente al cinema. Trovo stupido sparare ad altezza critico prendendo per il culo cinepanettoni, benvenuti al nord-centro-sud, idioti soliti e non, preti televisivi, carabinieri televisivi, cani poliziotto televisivi, poliziotti televisivi cani e preti di varia gerarchia. E' l'altra faccia della medaglia dello squallido servizio mediaset. Criticare le mancanze artistiche di certi film è legittimo e doveroso ma prima di criticare bisogna contestualizzare. Venezia non è il contesto giusto per i film di cassetta, come un cinema multisala ripieno di diciassettenni la vigilia di Natale non è il contesto ideale per il Faust di tal Sokurov. La mia sarà una visione schematica ma se si vuole incominciare a considerare il cinema come industria culturale che ce la fa con le proprie gambe e smette di prostituirsi col politico di turno forse un po' di idee chiare non guastano.

Dopo cena, guardando Superquark, tra un paesaggio islandese e due mocciosi geniacci degli scacchi hanno mandato in onda un servizio sulla grande crescita delle produzioni cinematografiche e televisive in Brasile avvenuta negli ultimi vent'anni. Da un solo film prodotto in Brasile e proiettato in sala nel corso del 1995 sono passati a più di cento nell'ultimo anno. Il merito di questa esplosione produttiva è stato di una legge indirizzata alle aziende operanti nel settore che ha permesso di defiscalizzare una parte dei loro utili in cambio di investimenti nella produzione di fiction e film brasiliani e invece penalizzando chi non lo fa. In questo modo solo il fatto di investire porta guadagno all'azienda che così è più propensa anche a garantire maggiore indipenza artistica. Detta così non fa una piega infatti il servizio invitava a prendere spunto dall'esempio brasiliano per rilanciare l'industria cinematografica italiana. Purtoppo non è così semplice. L'Italia un sistema produttivo ce l'ha già e un tempo era uno dei più importanti del mondo: cinecittà prima di produrre disoccupati produceva i kolossal. Il Brasile è partito da zero e, nonostante qualcuno pensi il contrario, quasi sempre questo si traduce in un vantaggio perchè non ti porti dietro il peso di rami secchi, distorsioni e paludi umane. Pensiamo a cosa è saltato fuori negli anni scorsi da varie inchieste riguardo alle raccomandate del Centro Sperimentale di Cinematografia o sulla gestione di Rai Cinema. Certo si può obiettare che non ci si deve dimenticare di tutto il know how che il cinema italiano ha accumulato dagli anni ' 50 ad oggi, ma siamo sicuri che questo know how sia ancora al passo coi tempi? Che serva a darci qualcosa in più rispetto a cinematografie più giovani? O non è più vero dire che il cinema italiano ha vissuto per molti anni di rendita sulla grandezza del passato? C'è poi un ultimo problema che è quello fondamentale: mancano i soldi. Mancano per i teatri, mancano per i campi di bocce, mancano pure per i film. Per la politica non mancano ma quello è un altro discorso. Pensare di concedere ancora soldi sottoforma di sgravi fiscali a questo sistema produttivo è inaccettabile nei confronti di chi le tasse le paga. Non si può continuare a fare così male e a dare spunti a gente come Brunetta, che anni fa utilizzava il caso cinema italiano per sparare contro gli sprechi della cultura di sinistra. Non si può far finta che il cinema italiano negli anni non abbia ricevuto molto dai cittadini italiani sottoforma di contributi ma ben poco in forma di biglietti. Se l'idea degli addetti è di invertire questa tendenza bene, altrimenti non c'è ricetta brasiliana che tenga.

Azzano XXX: la notte erotica di Jarvis Cocker

noreply@blogger.com (alunno Proserpio) — Sat, 14 Jul 2012 17:44:00 +0000

Dopo aver esplorato le meraviglie delle bancarelle musicali della Fiera di Azzano e aver gustato l'equivalente italico del fish & chips, vale a dire porchetta e patatine, ci avviamo allo spiazzo sassoso in cui si andranno ad esibire i Pulp. Vediamo la fine del concerto dei bravi Mystery Jets, molto stimati a casa loro e non troppo noti da noi. Per fortuna siamo riusciti ad evitare il prescindibile Mandelli con i suoi Orange, che già avevamo avuto l'occasione di ascoltare in tutto il loro splendore da Oasis dei piccoli prima dei Wombats, qualche anno fa.

Siamo tutti qui per loro, ovviamente, i grandi di Sheffield, ma soprattutto per lui, lo spilungone adorabile, il poeta della working class, il disarticolato Jarvis Cocker.

Alcune scritte in retroproiezione su un'enorme zanzariera ci danno il benvenuto, anche se un'errata trascrizione ci accoglie con un memorabile "Caio, come state?" precipitandoci in una imbarazzante situazione mondana da ventennio (dare del Voi al posto del Lei), quasi in un convenevole mondano da romanzo di Guido Da Verona. L'intro è un oscuro vortice elettronico e le scritte vanno avanti intavolando uno strano dialogo da macchina di Turing con il pubblico. Un attimo prima di arrivare all'esasperazione, il concerto inizia. La rete-schermo cade e siamo in piena estasi pop inglese. Jarvis è inghiacchettato e incravattato, elegante come ci si aspetta. Che sia una specie di funzionario del governo inglese, probabilmente con agganci spionistici con Mosca, come in un libro di Le Carrè?

Jarvis Coker è barbuto e sexy, e ha pure gli occhialoni da servizio sanitario anni cinquanta. La voce è profonda e con mossettine stravaganti riesce ad essere carismatico pur con tutti i suoi dinoccolati centimetri di altezza. Completo scuro, cravatta rossa, cintura di pelle che fatica a tenergli la camicia dentro i pantaloni, riusciamo a capire cosa lo rende un grande. Semplicemente, il cantante dei Pulp si inserisce nella grande tradizione inglese dei vendicatori della working class, il ragazzo che esce dalla provincia e dai casermoni brutalisti in cemento armato per conquistare il mondo (soprattutto il versante femminile) con provocazioni poetiche e movimenti di bacino.

foto di @platipuszen

Sembra di vedere un incrocio tra Gainsbourg, Michael Caine e un nerd da scuola d'arte: puro orgoglio proletario che domina la folla mandando tutti in estasi con prodigiose divaricazioni delle gambe da trampoliere e singulti sessuali. I Pulp sono stati e sono un paradosso: degli chansonnier pop con la voglia di sperimentare con l'elettronica e capaci di evocare immagini cinematografiche, che dopo una lunga gavetta si sono trovati in mezzo a un fenomeno col quale avevano poco a che fare (il brit-pop). E che, come ha già notato qualcuno, piazzano non si sa come in classifica l'incredibile Common People: sei minuti di lotta di classe e guerra tra i sessi su una devastante base che è una macchina ritmica uscita dritta dai primi dischi dei Neu!. Cioè krautrock con un groove incalzante sormontato dalla voce spezzata e le variazioni di tono di Jarvis Cocker, che passa dal canto al grido rabbioso al sussurro con una naturalezza che rimane ancora oggi impressionante.

Allora, il concerto è perfetto. Per la prima e probabilmente unica discesa in Italia della banda, la scaletta è fatta tutta di classici. Con alternanza tra inni da cantare e saltare, come Do you Remember the First Time e Disco 2000, vene intimistiche (Something Changed e Bad cover version rimangono due delle piu belle canzoni d'amore intellettuale mai scritte) e paranoie sussurrate da disadattato feticista (I Spy, Underwear e Pencil Skirt). Arrivano a sorpresa Bar Italia ("abbiamo aspettato diciassette anni per suonare questa canzone qui da voi", dice Jarvis) e il fantastico disco dub di Acrylic Afternoon.

Jarvis Cocker è un geniale osservatore sociale e Sorted For E's & wizz, cronaca di una disastrosa esperienza di rave, è il grande film sull'ecstasy che nessuno ha mai girato. Ma il frontman è soprattutto un istrione che saltella, si attorciglia, gesticola, scende tra il pubblico, beve whisky e prosecco, legge alcune frasi in italiano che ha annotato su un foglio di carta. Due momenti mi rimangono impressi: This is hardcore, con malatissime pose erotiche sull'amplificatore, è un manifesto alla violenza implicita dei rapporti di coppia e una sinfonia fumosa con atmosfere da noir sadico degne di Dirk Bogarde. E poi arriva Lei. Che è una canzone e non una persona (e questo forse è il problema del letterato asociale Jarvis Cocker). Ed è naturalmente Common People. "Chiamatemi Nostradamus", dice J. prima di attaccarla, "perché penso di sapere che canzone volete". Partono le prime note ed è un boato. Duffo e platipuszen danzanti sono in forma come non li vedevo da tempo. La liberazione attraverso la musica e il ritmo (come notava Simon Reynolds, i Pulp sono stati l'unica band brit-pop a mettere sesso e groove nei loro suoni) rimane il grande segreto della musica pop. E i Pulp possiedono la formula per attivarla. Questa banda di inglesi con facce da ragionieri (© Duffo) e con una tastierista, Candida Doyle, che è in contatto medianico con le follie elettroniche degli anni settanta ma sembra uscire da una foto dell'austerity dei tempi di Atllee, ci ricorda che in questo settore bisogna saper scrivere soprattutto belle canzoni. E Common People è semplicemente una delle canzoni più belle degli ultimi vent'anni. Jarvis Cocker per quei sei minuti è il centro del mondo, l'inizio e la fine di tutto, e sa di esserlo. Praticamente il bosone di Higgs che canta e si dimena in camicia Brooks brothers e pantaloni di velluto. Punto e basta. Anzi no, arriva anche un bis, ed è Mis-Shapes. Forme deviate di pop elegantissimo. Dal loro capolavoro "Different Class". Che dice già tutto.

Un'altra classe. Fine.

Gatti a Downing Street

noreply@blogger.com (alunno Proserpio) — Sun, 08 Apr 2012 14:30:00 +0000

Humphrey in un'immagine d'epoca, attorniato dai giornalisti

Treasury Bill, Peter, Munich Mouser, Nelson, Peter II. Nel momento in cui la politica del vecchio continente sembra sprofondare nella palude della recessione e di fronte all'avanzare di nuovi pericoli, sono questi i nomi – eccellentissimi ma ignoti al di fuori di alcune cerchie ristrette di sobri funzionari usciti da Oxford o da Cambridge – ai quali la tradizione dell'occidente dovrà affidarsi per rinascere allo splendore del passato. I sunnominati sono solo alcuni tra gli infaticabili civil servant che, con il titolo di Chief Mouser to the Cabinet Office, hanno fatto in modo che, nei secoli, i venerandi muri e le vetuste intercapedini di Downing Street (o, in alternativa, dello Home Office o del Ministero del Tesoro) fossero al riparo dall'invasione di ratti, topi e altri animaletti fastidiosi. Si dice che l'usanza sia stata introdotta, al pari di molte altre stranezze (non ultima la Chiesa d'Inghilterra), da Enrico VIII.

Certo, obietteranno i soliti pedanti tenendo in mano il Who's Who dei felini illustri, questi straordinati gatti inglesi hanno potuto fregiarsi del titolo solo in via ufficiosa, e questo grazie al clamore sollevato dai giornalisti attorno alla loro attività di ineffabili cacciatopi ministeriali. A tutti costoro ricorderemo però che almeno in un caso le ferree logiche che reggono la macchina organizzativa del Civil Service hanno effettivamente portato alla nomina ufficiale del Chief Mouser to the Cabinet Office .

Parlo naturalmente di Humphrey, trovatello bicolore che ebbe l'incarico di tenere in scacco i sorci di Downing Street nel 1989, svolgendo le proprie mansioni con assiduità e metodo fin oltre la metà degli anni novanta. L'eredità gattesca che pesava sulle sue spalle bianche e nere era in effetti delle più impegnative. Il suo predecessore era nientemeno che lo straordinario Wilberforce, che svolse il suo incarico (seppure ufficioso) nelle stanze del numero 10 di Downing Street tra il 1973 e il 1987. Dalle finestre della sua celebre residenza, Wilberforce vide scorrere di fronte alle sue mobili pupille l'Inghilterra della grande crisi economica e del glam rock, accompagnando le alterne vicende di personaggi del calibro di Edward Heath, Harold Wilson, Jim Callaghan. Fu presente anche all'insediamento di Margaret Thatcher, la quale, in occasione di un viaggio a Mosca, comprò al gatto una scatola di sardine (unico segno di apprezzamento mai concesso dalla Lady di Ferro a qualcosa che venisse da oltrecortina). Si può perciò dire che Wilberforce abbia fatto gli onori di casa al fior fore della classe politica inglese. Va detto, per spiegare la cosa, che il Chief Mouser to the Cabinet Office è, in effetti, un Civil Servant a tutti gli effetti e non è perciò proprietà di un qualsivoglia ministro. Qualunque collega del Civil Service, appartenente alla razza felina o a quella umana, accoglierebbe con un sorriso una simile idea balorda, sapendo bene che è il ministro l'ospite e il funzionario il padrone di casa.

Larry, Chief Mouser to the Cabinet Office in carica

Humphrey, pur dovendo confrontarsi con l'eredità di Wilberforce, è stato popolarissimo tra gli inglesi. Anche a lui è toccato in sorte di vivere una stagione politico-sociale fuori dal comune: l'era che ha visto la Lady di Ferro passare la mano allo scintillante Tony Blair, transitando per l'impettito John Major, l'uomo talmente grigio da confondersi con la nebbia londinese. Dai trionfi dei torys alla Cool Britannia, dai new romantics al brit pop, da George Michael ai Pulp e ai Portishead, da Lady D a Cherie Blair. E Humphrey, fedelissimo, sempre pronto a cacciare topi, giorno e notte, ha saputo mantenere la fiera indipendenza di un autentico Civil Servant, conscio felinamente di una semplice verità: se i ministri vanno e vengono, i funzionari ministeriali orbitano nei cieli dell'eternità burocratica.

La vita di Humphrey non è stata avara di avventure. Con i suoi modi calmi e pacati rischiò di finire sotto le ruote della limousine di Bill Clinton. Una volta uscì di casa perdendosi e dopo qualche tempo venne persino avviata una procedura di morte presunta. Il Times per l'occasione pubblicò il suo obituary. Il gatto venne ritrovato alcuni mesi dopo nel Royal Army Medical College (e dove, se no?), sano e salvo. In un'altra occasione, nel 1994, venne accusato di aver fatto fuori dei pettirossi. Ne seguì uno scandalo, con tanto di interpellanze e dichiarazioni ufficiali. Humphrey uscì tuttavia a testa alta dalla vicenda e anni dopo, a seguito di una confessione da parte di un giornalista, si seppe che si era trattato solo di una notizia infondata, montata ad arte per creare il caso.

Al momento del pensionamento, nel 1997, girarono voci incontrollate. Secondo una versione, dietro il ritiro del gatto ci sarebbe stato lo zampino della puntuta moglie di Tony Blair (fonti riservate hanno parlato di una forma di allergia da parte della first lady). Si disse persino che Humphrey fosse stato assassinato! Tanto era il lustro acquisito da Humphrey, capace ormai di oscurare l'astro nascente del New Labour, che la cosa sembrò plausibile. Finalmente, nel novembre dello stesso anno, una delegazione di giornalisti venne condotta in gran segreto nell'abitazione londinese in cui il servitore dello stato stava godendosi, in discreta salute, la meritata pensione. Si dice che vivesse con due anziani londinesi (immagino due ex membri del MI5), ma mi piace pensare che abbia accolto la delegazione giornalistica sorseggiando del gin in un club riservato in modo esclusivo a gatti e civil servant.

Ah, quasi dimenticavo, il nome Humphrey gli era stato affibbiato, in modo appropriato, in onore di un altro grande acchiappatopi, l'illustre Sir Humphrey Appleby, il Permanent Secretary della serie Yes, Minister, civil servant per antonomasia.

Dopo un periodo di vacanza durato dieci lunghi anni, Humphrey ha avuto un successore: Sybil. Dall'anno scorso, l'incarico è affidato ai sapienti artigli di Larry.

Paperi e tapirlonghi

noreply@blogger.com (alunno Proserpio) — Sun, 01 Apr 2012 14:24:00 +0000

Lo stile è quella cosa che contraddistingue un artista – sia esso un pittore, uno scrittore, un regista – da un altro. Il segno di un'unicità, l'impronta che indica il passaggio di un certo animale creativo invece di un altro. Certo, facile col tempo imparare a riconoscerlo, uno stile. Uno squalo in salamoia di Damien Hirst, un bambino imbalsamato di Cattelan, una circonvoluzone epigastrica gaddiana, una linea di cristallo infuocato di Calvino, una carezza visiva di Bertolucci, un fraseggio di modernismo romano di Dario Argento. Questione di abitudine e di esercizio, frequentazioni assidue, piccole attenzioni ai dettagli.

La prima volta che ho capito il senso della parola stile avrò avuto dieci o undici anni. Leggendo Topolino c'erano delle storie che, sia pure nell'assenza dell'indicazione del loro autore, avevano un sapore particolare. Storie bizzarre, spesso basate sulla caccia a un tesoro occultato in luoghi esotici. Di solito, la scoperta dell'esistenza del tesoro serviva a strappare Paperone a un periodo di depressione ed era accolta dal nipotame come un'auntetica calamità. La partenza per la spedizione in terre remote avveniva in orari antemeridiani e vedeva l'impiego di bizzarre macchine zoomorfe. In quelle storie il maggiordomo di Paperone, Battista, aveva di frequente un ruolo attivo, mentre a Paperino toccava, sotto la minaccia di lunghi papiri debitori, svolgere i lavori di fatica.

In quei viaggi si incontravano popolazioni esotiche, animali appartenenti a linee evolutive eccentriche. Il tutto con il condimento di strane burocrazie da affrontare, leggi economiche strampalate e ordinamenti di accademie impossibili che, anni dopo, avrei incontrato negli organi antiaccademici della Patafisica.

Il titolo minimo di un luminare, in questi racconti di paperi, era quello di "biprofessore" o "tridottore". Di solito, a separare Paperone da un tesoro era qualche cavillo kafkiano, un rito degno del potlatch, strani tabù che nemmeno Marcel Mauss o Levi-Strauss avrebbero saputo ricondurre a un ordine logico o simbolico. Erano variazioni su un tema costante, portate avanti con l'ostinazione di un'artista che ha capito quale sia la sua strada e la persegue senza tentennamenti. Un Carl Barks preso in un formidabile trip psichedelico, un antropologo della stirpe leggera degli eroi ariosteschi, uno zoologo eccentrico esperto di "besti", un mappatore di tic linguistici da commendatori e da "egregi" in genere. Senza saperlo imparavo a riconoscere uno stile.

A me ora vengono in mente, in quanto a libertà e invenzione comico-fantastica, Popeye e Gargantua. Scusate se è troppo.

L'autore di quelle storie era Rodolfo Cimino, sceneggiatore delle avventure dei paperi, maestro di stile. E sapere che nessun altro racconterà più le gesta dei tapirlonghi fiutatori, dei calabroni bombardoleros e del tridentauro mi rende un po' triste.

Chi ha paura dei ricordi?

noreply@blogger.com (duffogrup) — Sun, 11 Mar 2012 08:17:00 +0000

Slobodan Milosevic è morto. Qualcuno ha festeggiato, qualcuno se ne dispiace (perché questo gli permetterà di evitare la condanna, certa, del tribunale dell’Aja), qualcun altro, specie a Belgrado, fa la fila da ore davanti al suo corpo nella camera ardente allestita dai suoi ex compagni di partito e compra il ricordino su una delle bancarelle all’entrata. Si parla molto di come sia morto, se avvelenato o colpito dalla giustizia divina. Certo, a quella umana è sfuggito per sempre, ma con lui rischia di essere sepolto anche il ricordo dei crimini da lui commessi. Uno dei più efferati è stato il famigerato massacro di Srebrenica, più di 7.000 fra uomini e ragazzi uccisi, quasi 30.000 i civili, tutti donne e bambini, deportati, nel 1995, dietro l’angolo di casa nostra. Per 10 anni se ne è negata persino l’esistenza. Il Tribunale internazionale per i crimini nella ex-Jugoslavia l’ha giudicato un genocidio con tutti i crismi e persino il governo della repubblica serba ha finito con l’ammettere che quello di Srebrenica è stato un crimine perpetrato dalle sue forze militari (le stesse cui è stato ufficialmente ordinato di non prendere parte ai funerali di Milosevic). Per ricordare, ci possiamo far aiutare dai libri, le trasmissioni televisive dell’epoca (per chi ha avuto la lungimiranza di registrarle), le testimonianze, i documentari. Ce n’è uno del 2005 molto interessante, una produzione Croazia-Serbia-Paesi Bassi, realizzato dalla giornalista e reporter di Belgrado Mina Vidaković, che ha voluto con questo lavoro “celebrare” a suo modo i dieci anni degli accordi di pace di Dayton (novembre ’95). Si intitola Izvan razumne sumnje (Al di là di ogni ragionevole dubbio) e apre con le dichiarazioni di Telford Taylor, procuratore capo al processo di Norimberga, il quale disse che non si poteva dubitare dell’esistenza dei campi di concentramento, che non ci sarebbe dovuto essere mai alcun ragionevole dubbio su quello che era stato commesso. Anche sulla scia di dichiarazioni come questa, l’Europa uscita dalla Seconda guerra mondiale giurò che orrori come quelli della Shoah non si sarebbero più ripetuti.

Eppure, ne sono avvenuti molti durante la guerra nella ex-Jugoslavia e quasi tutti sono stati negati o sminuiti da chi li ha commessi. Nel caso di Srebrenica, nonostante le prove (che sono tantissime), le testimonianze e le confessioni, c’è ancora chi nega il genocidio o minimizza il numero delle vittime. Fra queste persone c'era anche Milosevic, che nel documentario viene mostrato in montaggio alternato con il racconto delle vittime sfuggite al massacro e i filmati realizzati proprio dalle unità militari che compirono il massacro, mentre parla di esagerazioni e complotti contro la sua persona per farlo apparire il mostro che non è. Peccato che sulle sue parole sfilino le immagini della presa della città, del rastrellamento dei suoi abitanti, delle esecuzioni e dei corpi gettati nelle fosse comuni, le dichiarazioni dei periti forensi e le confessioni di alcuni degli esecutori materiali. I morti? Ogni guerra ha le sue vittime. Le esecuzioni? Una montatura dell’Europa. I deportati? Propaganda anti-serba. Milosevic è stato ucciso? Ma se non è nemmeno morto!
by platipuszen 17/03/2006

Buon compleanno, capitano Stubing!

noreply@blogger.com (duffogrup) — Tue, 28 Feb 2012 08:02:00 +0000

Il 28 febbraio di 81 anni fa nasceva a Mount Kisko (nello stato di New York), Gavin MacLeod (all’anagrafe Allan See), l’indimenticato e rassicurante capitano Stubing della serie TV Love Boat. Allan cresce a Pleasantville, New York. Dopo essersi diplomato al college e aver fatto il servizio militare, si trasferisce nella grande mela, dove fa diversi lavori fra cui l’usciere e il ragazzo dell’ascensore al Radio City Music Hall (famoso teatro della città, dove si esibiscono regolarmente anche le mitiche Rockettes, un gruppo di ballerine di cui fa parte all’epoca anche Joan, che diventerà la prima moglie di Allan e da cui l’attore avrà 4 figli, prima di divorziare nel 1970). Nel 1956 muove i primi passi a Broadway, con la produzione "A Hatful of Rain", che gli offre un po’ di visibilità e la possibilità di partire alla volta di Los Angeles in cerca di fortuna. Le parti arrivano, ma sono molto piccole o limitate a ruoli di spalla in qualche poliziesco. Qualche apparizione ne Gli eroi di Hogan e in diversi film (Operazione sottoveste, Hollywood Party, Quelli della “San pablo”, ecc.) che non basta però a dargli la popolarità. Allan, che ormai è diventato Gavin, si barcamena così fino al 1972, quando finisce la sua carriera da cattivo e inizia un nuovo corso con il personaggio di Murray Slaughter, il giornalista pacioso e tranquillo della serie Mary Tyler Moore.
Grazie alla popolarità del telefilm, Gavin entra in tutte le case degli americani, diventando uno di famiglia. Il suo destino è segnato per sempre: Gavin non si scrollerà più di dosso quell’aria innocua e sorridente. Aria che viene confermata e sancita per l’eternità da un’altra famosissima serie del 1977, Love Boat appunto. Qui interpreta il buon capitano Merrill Stubing, che ad ogni puntata accoglie e coccola sulla sua nave da crociera, la Pacific Princess, passeggeri in cerca di una vacanza da sogno e del grande amore. Arriva il grande successo, ma anche l’impossibilità di aspirare a ruoli diversi, più difficili o magari drammatici, che a lui piacerebbero ma in cui il pubblico non lo vuole vedere.

Da qui nascono i suoi problemi con l’alcolismo e con la seconda moglie Patti (sposata nel 1974), da cui divorzia nel 1981. Sorprendentemente, Gavin riesce a riprendersi dalla crisi, si risolleva, risposa la seconda moglie e scrive addirittura un’autobiografia, “Back on Course.”, in cui racconta i suoi trascorsi con l’alcool e il divorzio. Continua la sua carriera, soprattutto televisiva, e continua a comparire in moltissimi programmi e serie televisive, più o meno note, fra cui JAG Avvocati in divisa, La signora in giallo e Il tocco di un angelo (solo per citare le serie conosciute in Italia) e in pubblicità di navi da crociera. Tutti però lo ricorderemo sempre sorridente, col cappello sotto braccio e la (quasi) pelata comparire sullo schermo della nostra TV in una sigla folle, insieme al suo equipaggio sgangherato, sulle note eterne di "mare profumo di mare, nella mente io voglio sognare..." di Little Tony.

by platipuszen 28/02/06

Ghost: dal Giappone con rumore

noreply@blogger.com (duffogrup) — Mon, 27 Feb 2012 08:02:00 +0000

Domanda: la musica può ancora sorprendere? Risposta: Ascoltate i Ghost. In Stormy Nightsè l'ultimo disco in studio della band giapponese partorita nel 1984 da Masaki Batoh, dopo un incontro ravvicinato con un kappa o con qualche altro benevolo youkai protettore del genio musicale. Batoh, deus ex machina del gruppo, che nella vita di tutti i giorni fa l’agopuntore, si batte per la liberazione del Tibet ed è attivo in varie battaglie politiche (con una scelta estrema ma coerente ha dichiarato che non farà più tour negli usa finché Bush rimarrà al potere), è lo psicopompo che conduce le anime fluttuanti degli ascoltatori in un trip che vola tra ballate di sapore celtico e colorate esplosioni elettriche. Solo che nelle sue mani i due estremi cortocircuitano per deflagrare in una fantasmagorica visione sonora in cui la morbidezza di un flauto e di un arpeggio di chitarra può impattare nella furia percussiva di un raga-bolero epico (Water Door Yellow) o in una folle marcia scandita dai timpani (Gareki no toshi). Così nel giro di pochi istanti i Ghost fanno implodere la melodia senza tempo di un pezzo come Motherly Bluster in un gioioso delirio noise in cui sax, chitarre, piano, sintetizzatori e strumenti inventati (come il misterioso Springer) riportano il suono a un grembo magmatico e rumoroso (senza che il rumore diventi fastidio, ma piuttosto presenza e materia, cellula che vibra, come nei quasi trenta minuti di Hemicyclic Anthelion). I Ghost sono una perfetta macchina sonora che unisce la trance sciamanica degli Amon Düül II ai canti tibetani alla psichedelica più heavy. Free rock e improvvisazione possono convivere in un improbabile ed elegantissimo abbraccio con un’euforia tribale quasi metal (si veda la poderosa cover, con tanto di cornamuse, di Caledonia dei Cromagnon). In Stormy Nights si chiude con la dolcezza crepuscolare di Grisaille, che riavvolge il disco su se stesso, ripartendo dall’inizio, come nel principio-fine del Finnegan’s Wake Joyciano. Masaki Batoh, puro genio freak.

by alunno Proserpio 06/03/07

Post-Punk 1978 – 1984

noreply@blogger.com (duffogrup) — Thu, 23 Feb 2012 15:50:00 +0000

Post- punk, ovvero introversione nevrotica contro la furia distruttiva del punk. Tentativo di superare le barriere e di irrompere in nuovi territori. Territori sonori e mentali lontani mille miglia da quelli del rock di matrice americana. Se il punk era ribellione posticcia, anarchia di maniera, rabbia infantile assorbita nell’onda mainstream, il post- punk è musica che accompagna il passaggio verso l’età adulta. Come gli adolescenti, il post - punk ha le gambe troppo lunghe e si arrampica goffo lungo strani alberi genealogici musicali. Niente chitarre pesanti e ritmi in 4/4, ma battiti secchi di rullanti in controtempo, charleston che punteggiano strutture quasi jazzate. Incursioni nel reggae e nello ska, in un funk freddo e essenziale. La chitarra abbandona gli assoli e si ripiega su un suono percussivo. Chitarre scarne e secche, oppure stridule, con delay che prolungano i suoni come scie e tagli su una tela. Le tastiere e l’elettronica portano i suoni a nuovi livelli di sintesi e di alterazione. Il basso disegna linee impossibili, sorregge la voce, le permette di abbandonarsi a declamazioni teatrali, accompagnandola attraverso aperture dub. Oppure frantuma il ritmo con scomposizioni continue, diventa spina dorsale di un insetto meccanico. Gli antenati sono oscuri futuristi italiani, i collage sonori di Zappa, le sperimentazioni di Eno, il Bowie berlinese, il suono depurato dei Kraftwerk. L’immaginario viene dai libri di Ballard, dai paesaggi post industriali, dalle avanguardie. Inghilterra sotto la pioggia, depositi di rottami, collage dadaisti. Il post- punkè la musica degli studenti d’arte inglesi, dei proletari che non accettano di degradarsi a macchiette buone per l’ennesimo inno dei Clash. Le canzoni citano scrittori e artisti, i testi esplorano paesaggi mentali. Da qui partono parabole diversissime: P.I.L., Joy Division, Young Marble Giants, Wire, New Order, Cabaret Voltaire, Gang of Four, Fall. Ma anche D.A.F., Japan, Human League. Simon Reynolds - faccia da Harry Potter e cultura musicale enciclopedica - racconta la loro vicenda componendo e ricomponendo in microstorie le traiettorie di decine di band, etichette e scene. Da Manchester a Leeds, da New York a Sheffield arriva un’onda creativa senza precedenti (e qualcuno la chiama infatti New Wave). Post- punk 1978 – 1984 Sembra un epitaffio, in realtà è una bibbia di settecento pagine sui sette anni che avrebbero potuto cambiare il mondo. E che hanno cambiato la musica.

S. Reynolds, Post-Punk 1978-1984, Isbn, 2006,

by alunno Proserpio 20/12/06

Postmoderno 2: The great Leprecano's feud

noreply@blogger.com (duffogrup) — Wed, 22 Feb 2012 08:21:00 +0000

C'è una grande faida interna alla Tana del Leprecano che va avanti da molto tempo. Sotto lo sguardo assonnato e sconsolato della platy, il sottoscritto e l'alunno Proserpio (già maestro Perboni) da anni ci affrontiamo, anche violentemente, su due questioni: l'uso del termine postmoderno, argomento su cui il maestro ha scritto "un post filologico" per la vecchia tana, e sulla possibilità e utilità di definire il genere del cinema horror.

Lo scontro, come tutte le faide che si rispettino tra redneck e cajun, è inframmentato da periodi di calma bucolica ed improvvise vampate di violenza fisica e verbale, che si scatenano anche da piccole scintille. In questo caso la scintilla è un articolo apparso sul sito di Repubblica "Fonzie all'attacco di Nanni Moretti" di Michele Serra. Lo scopo dell'articolo quello di dare una spiegazione ad uno dei problemi più spinosi del mondo intellettuale italiano contemporaneo: come giustificare il fatto che ti piace Happy Days e, allo stesso momento, ti piacciono i film di Moretti. E' il dilemma amletico della cultura italiana, ammettere che può piacere la cultura alta e allo stesso tempo la cultura bassa. Serra sostiene che la soluzione è la distinzione: "tenendo ben presenti le differenze di calibro, le diverse (come dire?) temperature intellettuali di Happy Days e di Ecce Bombo, decidiamo dunque di annetterceli entrambi. Perché non è vero che bisogna amare sia il "basso" che l'"alto". Bisogna, potendo, amare il meglio dell'alto e il meglio del basso".

Il dilemma non sembrerebbe avere a che fare direttamente con la nostra faida sul postmoderno, infatti Serra non cita nemmeno il termine, eppure secondo me può dare spunti interessanti. Finora abbiamo sempre analizzato la postmodernità della singola opera, Kill Bill di Tarantino per esempio, ma il vero problema sta nell'emergere negli ultimi venti/venticinque anni di una cultura che viene definita postmoderna. Questo termine ha la stessa funzione della soluzione di Serra, non serve a niente, se non a tamponare alcune lacune terminologiche o ideologiche. Non sai come definire l'ultimo libro di Umberto Eco? Postmoderno! Non sai come definire la musica di Beck? Postmoderna! Tarantino? hmm...Postmoderno! Con lo stesso processo logico, se sei un intellettuale di sinistra e adori i film di Moretti puoi giustificare la tua predilizione per Happy Days dicendo che è "il meglio" che emerge dalla mondezza televisiva. Qui però non si tratta solo di qualità si tratta di generi ben precisi ed individuabili che vengono più o meno inconsciamente ignorati. Mettere insieme cose che non hanno nulla a che vedere perchè non si vede altro modo di uscire dal problema di classificazione, non risolve un bel nulla. Se estremizziamo l'esempio la soluzione di Serra appare ancora più inutile. Uno a cui piacciono i film di Bergman e allo stesso tempo Goldrake si giustificherebbe dicendo che entrambi sono il meglio nel loro ambito culturale. Il fatto è che per me non c'è soluzione: o non devi giustificarti per niente in quanto non ha senso, è la stessa distinzione tra alta e bassa cultura ad essere sbagliata in partenza; oppure si accetta la distinzione tra alto e basso e allora non sei giustificabile e rimarrai sempre uno strano a cui piacciono allo stesso tempo i film impegnati e i cartoni televisivi.

Riportando il discorso sul postmoderno, alla luce della necessaria e naturale differenziazione per generi della cultura, è ancora più evidente l'inutilità del termine così come viene usato adesso in tv, nei giornali e sul web. Se per postmoderno si intende solo un opera che viene realizzata mettendo insieme elementi di generi e linguaggi diversi allora non ha senso neanche più parlare di generi, perchè tutto a quel punto diventa postmoderno e tutto diventa indistinguibile. Secondo me invece, un film dovrebbe essere sempre individuabile, cioè riuscire a determinarne l'appartenenza ad un genere con sufficiente precisione. E' vero che ci sono degli esempi, citavo prima Tarantino, che difficilmente possono essere definiti in maniera univoca, cioè assimilati ad un genere piuttosto che a un altro senza alzare il solito polverone delle lamentele degli appassionati di entrambi. Per questo penso si possa usare tranquillamente il termine multigenere e in un secondo tempo l'indicazione dei vari generi toccati dall'opera.

Tutto finito? No, perchè postmoderno ora viene anche usato come sinonimo di un più generale modo di considerare l'opera d'arte. Senza scomodare Walter Benjamin ma sembra che postmoderno sia ormai sinonimo di riscoperta e valorizzazione di tutte quelle opere che non nascono con l'aurea di alta cultura. Se ti piace Lino Banfi basta che tu dica che è postmoderno e poi puoi fare una retrospettiva dei suoi film con la Fenech a Venezia. Scusate ma non funziona così. L'arte popolare esiste dai tempi delle avventure seicentesche di Simplicissimus di Grimmelshausen ed è stata quasi codificata negli anni '50 e '60 del novecento nell'ambito della popart. Se proprio dovevano creare un termine per indicare la cultura pop contemporanea, che chiaramente ha delle differenze da quella di decenni fa, allora potevano usare popmodernismo invece che un termine coniato da Lyotard per indicare tutt'altro. Ormai la nostra intellighenzia culturale, oltre ad essere modaiola ed ignorante è diventata anche poco originale o, proprio come direbbe Lyotard, è postmoderna.

by duffogrup 21/01/07

Commento dell'alunno Proserpio (già maestro Perboni): Mi piace l'idea di popmodernismo come alternativa al postmoderno. L'unico passaggio che non condivido dell'articolo è quello sull'idea di genere come contenitore riconoscibile: anche il genere è una convenzione, dato che scrittori come Stevenson mettevano negli stessi racconti l'avventura, le sfumature horror, la riflessione filosofica, oppure Poe mescolava ipotesi scientifiche, fantastico, giallo e terrore. Il genere in quanto tale mi sembra una "unità di misura" poco utile per definire le cose. Sono d'accordo però che l'ondata postmoderna ha portato a giocare con i generi in modo insensato e gratuito, quindi ben vengano scrittori e registi che accettano di stare dentro il genere.

Chiosa di duffogrup: Chiaramente i generi sono una convenzione, che però non ho creato io, ci sono sempre stati. O meglio, diciamo che fino all'800 suddividere la letteratura, il teatro o l'opera in generi non aveva molto senso. Dall'esplosione dell'arte popolare invece i generi si sono cristallizzati e in alcuni casi, per esempio il noir, sono stati quasi codificati. D'altronde tu stesso dicevi che il noir si differenzia dal giallo anche per una differenza strutturale, la non circolarità tra situazione iniziale e finale. Per quanto minimi secondo me i caratteri di riconoscibilità dei generi esistono e non è giusto usarli quando fa più comodo, come per esempio fa la totalità dei critici della carta stampata.

Il pomeriggio della repubblica

noreply@blogger.com (alunno Proserpio) — Sun, 19 Feb 2012 15:43:00 +0000

Bim Bum Bam, il pupazzo rosa Uan, il cane bianco Spank, i tuoi capelli d'oro Lady Oscar, i tuoi capelli gialli e rossi Mirko dei Bee Hive. E su tutto la voce canterina di Cristina D'Avena, da Bologna. Il coro dell'Antoniano come luogo di incubazione di un progetto di lobotomizzazione totale. Parodiando il complottismo del "paese del sangue e del mistero" (e quale modo migliore per parodiare un complotto che disseminare tracce di eventi veri, eventi falsi, eventi credibili, come nel Pendolo di Focuault?), ecco il grande complotto pantelevisivivo, con Cristina D'Avena nel ruolo della Voce.

Se Generazione Bim Bum Bam di Alessandro Aresu (uscito da poco per Mondadori) avrà almeno un eterno merito, sarà quello di aver messo nello stesso parallalelepipedo gutenberghiano il nome di Marrabbio e quello di Walter Benjamin. Ma cos'hanno in comune il filosofo del materialismo messianico e il cuoco nipponico ma dagli evidenti tratti partenopei che scorrazzò insopportabile sugli schermi televisivi degli anni Ottanta? Intendo oltre ai baffi, naturalmente.

Per scoprirlo dovrete leggere Generazione Bim Bum Bam, che oscilla paurosamente tra l'intuizione folgorante e la chiacchiera da Bar Sport dei tempi andati, in cui, invece dei tipici avvinazzati di paese intenti a discutere della scala mobile e dei baffi di Zaccarelli, troviamo dei neotrentenni che hanno come massimo punto di riferimento, appunto, Bim Bum Bam. Ecco, anche se sembra una critica, per me questo vuol dire che è un libro da leggere, perché come ogni buon libro che cerca di parlare del presente e del futuro prossimo, inizia costruendo un mondo che assomiglia al nostro e che tuttavia ha qualcosa di sbagliato, un particolare fuori posto, che getta una luce diversa su quello che fino ad allora abbiamo considerato in un certo modo. Tipo il finale della Casa delle finestre che ridono, col prete e tutto, se capite cosa intendo.

Allora, in questo mondo non-del-tutto-come-il-nostro, la responsabile dei programmi per ragazzi della Fininvest Alessandra Valeri Manera va a Bologna a prendere Cristina D'Avena per usarla come voce dell'Impero del male. Con una valigetta piena di soldi, passa sotto all'orologio della stazione che continua a girare, perfettamente fermo, nell'eternità degli anni di piombo. Siamo nel 1981, tutto è già finito, tutto è già ricominciato. Ha un progetto: usare quella voce per sottomettere le menti dei piccoli balilla teledipendenti al progetto di lobotomizzazione totale. Dietro c'è Mister B., ovviamente.

Oppure no. Dall'altra parte dello specchio ci sono milioni di ex balilla televisivi che sono cresciuti a pane (o merendine) e Bim Bum Bam. Il contenitore definitivo per lo svago pomeridiano. Folgorazioni giapponesi con stacchetti stucchevoli (agli occhi di noi pionieri, con solo un paio d'anni in più, ma testimoni della prima esplosione giapponese, anarchica, fracassona, sediziosa, da allarme sociale) e futuri Paoli Bonolis. C'è Spank, in quella fetta di tempo catodico, e c'è Lady Oscar. (Che per noi nati un po' prima naturalmente è quella dei Cavalieri del Re, ma se qualcosa insegna questo libro è che ognuno ha la sua sigla di Lady Oscar, come ognuno immagina a suo modo la voce di Walter Benjamin*). In questo contenitore sono cresciute coscienze. La coscienza, per essere qualcosa di più rispetto a un versione un po' più evoluta dell'ombelico, ha bisogno di criteri di riconoscimento. Ecco allora il senso del libro: la generazione Bim Bum Bam è fatta da quelle schiere di ex bambini nati tra il 1975 e il 1990, per i quali la voce di Cristina D'avena è più familiare di quella della loro mamma (ma non del loro nonno, e questo è un punto importante). Sono quelli che si riconoscono in Spank. Se vi pare poco, considerate che la nostra coscienza politica è stata orientata da gente il cui unico merito è stato quello di essere presente a una manifestazione in un giorno qualsiasi tra il 1968 e il 1977 sventolando dei tessuti rossi e urlando in coro slogan in rima baciata, aspirando - nel caso dei maschietti - ad entrare nei jeans delle compagne alfine liberate.

I Bimbumbamiani sono una generazione che ha come causa comune quella di aver introiettato il senso dell'esistenza in lunghi pomeriggi catodici durante i quali il passaggio del tempo era dato non dalla parabola solare, ma dalla successione delle sigle dei cartoni giapponesi. La sigla di Spank sta quindi per loro a metà tra Proust e la voce del Dottor Mabuse; la luminescenza dello schermo televisivo vale quanto tutte le ideologie. E qua si scontrano le due versioni della storia. Perché per i più vecchi, o per i più saggi, o per quelli che hanno "ma vatti a leggere un libro che è meglio" come mantra eterno, questa è la generazione dei senza cervello, degli analfabeti di ritorno, della carne da cannone elettorale per Mr B.

E se non fosse così?, si chiede l'autore. E se la questione fosse quella di far capire, prima di tutto ai diretti interessati, che questa è una generazione che conta (in tutti i sensi) e che i campioni del mondo di dietrologia e complottismo e di mali storici dell'Italia hanno forse definitivamente rotto i coglioni? E che stringi stringi, forse, a rimboccarsi le maniche come hanno fatto i cinesi, qualcosa di buono potrebbe venire fuori (ecco, i cinesi sono la parte meno convincente del libro, la geopolitica dei nonni Dengxiaopinghiani non convince, è un po' buttata là, con un tono da "sono diventati una superpotenza e i treni arrivano in orario" che sa da chiacchiera, ma se c'è uno che potrebbe diventare un gran saggista trasversale alla Berselli forse è proprio Aresu, qua lo dico, qua lo nego). Il grande gedankenexperiment, il "che cosa succederebbe se" che il nostro sembra invitarci a fare, è questo: cosa accadrebbe se finalmente tutti i Bimbumbamiani si accorgessero che il pomeriggio è finito, che c'è ancora un po' di luce fuori, che c'è un paese da salvare e che è ora di uscire a giocare e dire, semplicemente, "ci siamo e possiamo fare delle cose"?

Cosa mi sarebbe piaciuto trovare di altro in questo libro? Un po' più di analisi e meno domande a effetto, qualche lume sul rapporto tra la generazione Bim Bum Bam e quella degli zii e dei fratelli maggiori.

Infine, mi sarebbe piaciuto vedere Marrabbio suicida a Port Bou al posto di Benjamin, con Walter che fugge in Giappone e poi in Cina. Diventa nonno di Licia e consigliere artistico di Deng Xiaoping. E si scopre che, alla fine, Mister B. è lui. Ma questa sarebbe un'altra storia. Oppure no?

* In realtà, per chi fosse proprio curioso della voce di Benjamin, una possibilità c'è di sentirla. Su UbuWeb è infatti presente l'audio di una serie radiofonica per bambini degli anni '30, curata proprio dal nostro.

Assalti psichici: Natas e Steeple Remove

noreply@blogger.com (duffogrup) — Sat, 18 Feb 2012 10:50:00 +0000

Ma chi l’ha detto che il rock per essere interessante deve essere per forza anglosassone? Voglio segnalare due dischi di notevole valore psicotropo provenienti dall’Argentina e dalla Francia. La terra di Maradona e di Borges non è solo patria di tangueros e gauchos, ma anche di rocciosi metal kids cresciuti iniettandosi per via auricolare dosi fuori controllo di Kyuss e Stooges. I Natas sono un trio che suona dell’ottimo stoner rock, desertico e acido al punto giusto, che farà la felicità del popolo degli orfani dei Kyuss. El Hombre Montaña è cantato tutto in spagnolo, e immerge l’ascoltatore in un trip che lo porta attraverso la pampa in fiamme, a contemplare tramonti di fuoco lungo una lingua di deserto che corre idealmente da Buenos Aires fino alla Valle della morte. I Natas (provate a leggerlo al contrario) scaricano ondate di heavy blues, tra mitologie che sembrano uscite da Jodorowsky e sferzate anni ‘70. Niente di rivoluzionario, ma in giro non ci sono tanti gruppi che suonano del buon vecchio rock desertico e stonato con questa attitudine.

Dalla Francia, più precisamente dalla Normandia, vengono invece gli Steeple Remove, con il loro stupefacente Radio Silence. Il quintetto normanno invece di essere cresciuto con Maigret e col calvados sembra essere stato in ammollo in un bagno di acido lisergico fuoriuscito da un’astronave di Crauti volanti. Anche loro, come i Natas, cercano di assemblare suoni capaci di alterare la psiche dell’ascoltatore, gettando un ponte tra timpano e neuroni. La loro psichedelia, però, è cosmica ed elettronica. Immaginate un incrocio tra il Krautrock più mantrico e percussivo, tipo Neu! e quello elettrico e sperimentale dei Can, con deliranti aperture di elettronica a bassa fedeltà all’americana e di hard rock astrale alla Hawkwind. Il tutto condito da un cantato soffuso, che rischia di essere inghiottito da una batteria macinatutto, dalle pulsazioni neurolettiche del basso e dalla chitarra che si mette a centrifugare loop pieni di feedback. Un po’ come se gli Air avessero scelto di mettere in musica un romanzo di Science fiction tedesca degli anni ‘70, tra aiuole artificiali, mutanti in pelle nera e autostrade lanciate nel vuoto cosmico.

by alunno Proserpio 05/12/06

Il commento di duffogrup: Ormai è chiaro il tuo piano caro alunno. Vuoi farmi diventare pazzo, schizzofrenico, dissociato. Per recensire gli sconosciuti Natas mi citi Neu! e Can come fossero in cima alle classifiche di mezzo mondo. LA verità è che mi vuoi confondere. Ho contollato su wikipedia ed è venuto fuori che non è vero, come affermi tu, che gli ultimi 8 SanRemi li ha vinti Antonella Stacconilnano. Non esiste neppure. Ti inventi nomi assurdi come Filippo Chiacchioli, Genny Magnacavallo, i Gen Rosso e i Gen Verde, Michele Zarrillo, apposta per confondermi. Ho capito il tuo gioco. Non mi fregherai più. Approposito... sto ascoltando il cd dei Superstar Priscilla's Rocketmen ed è molto bello, peccato le paillettes che si attaccano dappertutto.

La chiosa dell'alunno Proserpio (già maestro Perboni): Caro Duffo, ho già in serbo una recensione in cui invoco gruppi realmente storici, come gli Amon Duull II, i LA Dusseldorf e gli Ash Ra Tempel. Va anche detto che all'estero nelle interviste vengono citati gruppi italiani notissimi come Rovescio della MEdaglia, Raw Power, Jalisse e il bambino (o era un castrato) che cantava la sigla di Ranatan.

Postmoderno

noreply@blogger.com (duffogrup) — Fri, 17 Feb 2012 09:01:00 +0000

Duffo si lamenta dell’uso che si sente fare un po’ dappertutto del termine postmoderno. Arbore è postmoderno, così come Chiambretti. Postmoderni sono i blog, il cinema di Tim Burton, i fumetti di Alan Moore. Come dire che tutto è postmoderno e niente lo è. Ad esempio, si dice che Tarantino sia postmoderno. Perché? Perché spezzetta il racconto, infarcisce le inquadrature di citazioni, mescola cinema alto e cinema basso, incrocia Godard con Fulci. Fa un cinema bastardo, nel senso buono del termine, con un montaggio che centrifuga il linguaggio cinematografico. Allora anche Striscia la notizia è postmoderno, così come la Corrida di Corrado e il Festival di Venezia di Marco Müller che dedica uno spazio ai Re della serie b italiana. Ma da dove viene il termine postmoderno? Nel 1979 un filosofo francese, Jean Francois Lyotard scrive un rapporto sul “sapere” per conto del governo del Quebec (a proposito, South Park, che dichiara guerra al Canada è PM). In questo rapporto, poi pubblicato col titolo La condizione postmoderna, il filosofo riprende un termine nato nell’ambito dell’architettura per descrivere la condizione del sapere contemporaneo.

Lyotard dice che il postmodernismo è caratterizzato dalla crisi e dall’impossibilità di quelli che lui chiama “grandi racconti”. I grandi racconti sono quelle grandi architetture – filosofiche, scientifiche e letterarie – che cercano di dare un ordine generale al mondo e al sapere. La fine dei grandi racconti significa, per Lyotard, la fine della visione ottimistica che, ad esempio in Hegel e Marx, ma anche nell’Illuminismo, vedeva nella storia una lunga autostrada verso un ideale compimento finale: lo spirito assoluto per Hegel o il trionfo del proletariato per Marx sono modi per legare il processo storico al progresso sociale. Oppure, ancora, il PM segna per Lyotard la fine dell’ideale della scienza come spiegazione generale del mondo, sogno di trasparenza e di sapere assoluto: con il principio di indeterminazione o con il teorema di Gödel anche la scienza si è trovata davanti ai limiti della sua possibilità di spiegare il mondo. Come dire che se la modernità era caratterizzata da una forma di ottimismo e dal sogno di uno sviluppo e di una crescita verso il meglio, il PM, rinunciando, sulla scia di Nietzsche (che diceva che non ci sono verità, solo interpretazioni), all’idea che sia possibile raggiungere una verità assoluta, diventa una specie di filosofia “postuma”: dopo la morte della storia e dei grandi racconti rimane solo la meditazione infinita sulla pluralità di linguaggi che l’uomo ha a disposizione. Ecco perché possiamo trovare, ad esempio in Tarantino, un montaggio da Nouvelle vague, scene da film di spadaccini cinese e musiche da spaghetti western in unico racconto. Se non c’è più una gerarchia di verità, Aristotele non è più vero di Elvis e Mario Bava può stare accanto a Fellini. Fin qui tutto bene. Il Postmoderno ci fa fare un bel salto in avanti, senza rete. Ma come si dice all’inizio di L’odio di Kassovitz, il problema non è la caduta, ma l’atterraggio. Vediamo alcune delle ricadute che il discorso fatto fin qui può avere sulla narrazione. In letteratura, ad esempio, con il PM viene a cadere l’idea che abbia un senso continuare a raccontare storie tradizionali, con un inizio, uno svolgimento e una fine. Anche Joyce, si potrebbe dire, ha frantumato la narrazione. La differenza è che Joyce, distruggendo la narrazione tradizionale, cerca di scrivere un libro “assoluto”. Joyce non crede nella letteratura tradizionale, ma crede comunque nella possibilità da parte della letteratura di ricreare un’immagine “vera” del mondo, anche se la sua verità è la babele dei linguaggi o la giornata dublinese di un uomo qualunque che ripete le peregrinazioni di Ulisse. I postmoderni, seguendo Lyotard, non cercano più di scrivere “Il” libro, ma fanno affondare la narrazione in testi frantumati e pieni di citazioni e mescolanze stilistiche.

La differenza rispetto a Joyce è che lui credeva ancora nella possibilità di dare un ordine, mentre loro abbandonano la narrazione al ribollire del caos. Il problema è che il Postmoderno, come le bugie, ha le gambe corte. Il fatto di non poter arrivare a una verità assoluta non vuol dire abbandonare ogni tentativo di trovare verità relative. Altrimenti tra Antonio Ricci e Philip Dick o tra Vacanze di Natale e Magnolia o i Tenembaum non ci sarebbe alcuna differenza. Per questo, se i Simpson sono postmoderni nel loro citazionismo sfrenato, sono qualcosa di più nel momento in cui, attraverso la critica della società e il filtro dell’ironia, ci lasciano comunque una forma di verità: l’idea, ad esempio, che Monty Barnes sia uno stronzo o che il pietismo televisivo (le cucuzzate) siano una cosa da avvoltoi. In questo senso, al di là delle definizioni, il PM ci insegna ad abbandonare le cornici della tradizione e a fare a meno dei vincoli delle narrazioni “classiche”. Ma questo non vuol dire nascondere il nulla sotto il tappeto di un termine altisonante. Non dobbiamo infatti dimenticarci che a contare davvero è la capacità di continuare a dare un senso a quello che succede attorno a noi e trasmetterci emozioni. Akira di Otomo forse è postmoderno, ma il suo modo di mescolare i codici riesce sempre a “far male”. Grandi scrittori PM, come Thomas Pynchon o D.F Wallace, fanno esplodere l’architettura del romanzo, ma riescono comunque a costruire storie appassionanti. Insomma, possiamo fare a meno di questo termine troppo generale per cercare di osservare da vicino i casi specifici: al di là delle etichette, ci sono storie ben raccontate e storie raccontate male. Immaginando il PM come l’entrata in una dimensione caotica e incasinata, continuo ad apprezzare quello che diceva Italo Calvino nel suo saggio Sfida al labirinto. Se l’esperienza dell’individuo contemporaneo è simile a quella di un viandante che gira alla cieca in un labirinto, compito della letteratura (e della narrazione in generale) è quello di cercare di dare un senso al percorso e di cercare una via d’uscita. Anche se magari è solo l’ingresso in un altro labirinto. Insomma, c’è un postmoderno che si arrende al labirinto e uno che continua a sfidarlo, costruendo mappe per cercare di venirne fuori. Io preferisco questa seconda strada.

by alunno Proserpio 21/08/06

Pierino in my mind

noreply@blogger.com (duffogrup) — Thu, 16 Feb 2012 09:43:00 +0000

Questa mattina mentre mi spezzavo la schiena in ufficio, spostando e ordinando fotocopie, mi è venuto in mente Giorgio Ariani e ho pensato che avrei dovuto scrivere un post per celebrare non solo lui ma tutti i Pierini del grande schermo. Nel pomeriggio ne parlavo con l'alunno Proserpio (già maestro Perboni), mentre guardavamo le mascherine più tristi che la piazza del paese ricordi dall'occupazione austroungarica. Stasera, staccandomi un attimo da Fahrenheit ultimo gioco torrentizzato, mi sono accorto che su 7 Gold stavano dando proprio l'immortale capolavoro del Pierino fiorentino (anche se nato a Ferrara).

Vuoi vedere che avevo letto da qualche parte la guida tv e il buon Giorgione Ariani ha incominciato a vagare nel mio subconscio, pronto a farsi vivo proprio il giorno della programmazione? Comunque lo prendo come un segno del destino e mi metto a compiere ricerche filologiche sull'argomento. Su IMDB sono elencati 14 titoli italiani che contengono il nome Pierino. Il corto Il Natale di Pierino è addirittura del 1910 (segno che l'utilizzo del nomignolo nelle barzellette va ricercato almeno al XIX secolo) e venne seguito a breve, immagino a seguito dell'enorme successo, da altri due titoli: La trovata di Pierino del 1911 e l'anno seguente Il compito di Pierino. Confidiamo che queste seminali pellicole vengano al più presto recuperate e proiettate alle Giornate del cinema muto di Pordenone, magari sonorizzate dai Marlene Kuntz.

Segue poi una lunga astinenza fino al 1959 quando viene realizzato Pierino Salvadanaio, raccolta di fiabe e filastrocche a pupazzi per bambini diretta da Filippo Paolone, misteriosamente catalogata da IMDB come documentario e che credo poco abbia a che fare con le barzellette.

Dal 1978 l'apoteosi. Esce infatti L'infermiera di campagna dove Tony Raggetti interpreta Pierino. Il film viene poi ribattezzato con il grandioso titolo di Pierino messo comunale, praticamente spione, mentre per il mercato americano diventa Emanuelle in the country. Nel 1981 esce Pierino contro tutti primo film con Alvaro Vitali. Il successo è tale che nello stesso anno esce il ributtante Pierino il fichissimo interpretato da Maurizio Esposito (attore privo di qualsiasi talento comico) e un altro film di Vitali viene puerilmente rititolato come Pierino, medico della SAUB. Il 1982 è l'anno di grazia. Vitali bissa il successo del primo film con Pierino colpisce ancora che stritola al box office nell'ordine: Pierino la peste alla riscossa con l'imbarazzante Ariani, Che casino... con Pierino! con l'allora (e tutt'oggi) sconosciuto Roberto Gallozzi e addirittura Quella peste di Pierina (versione femminile dell'eroe nazionale) interpretato da Marina Marfoglia, che giustamente chiuse lì la propria carriera. Il pubblico comunque si stufò ben presto anche di Vitali che invece non si rassegnò e, negli anni '90, cercò di riportare in auge il personaggio con tre film: Pierino torna a scuola (1990), Pierino Stecchino (1992) e L'antenati tua e de Pierino (1996), ma perfortuna solo il primo venne distribuito, coi disastrosi risultati che erano facilmente prevedibili. Inevitabile poi è arrivata anche per Pierino la versione porno Pierino la peste 2 con l'Angelica Bella nazionale (che poi è ungherese). Il 2 del titolo non serve identificarlo come continuazione di un altro pornazzo ma a distinguerlo, per una questione di diritti, da una commedia francese del '63 Bébert et l'omnibus distribuita da noi come Pierino la peste. Adesso Pierino al cinema non c'è più ma rimmarrà sempre nei nostri cuori e nelle nostre barzellette preferite, lui e il suo filo di pipì, lui e il suo metro di merda.

Tony Raggetti

L'infermiera di campagna

Maurizio Esposito

Pierino il fichissimo

Marina Marfoglia

Quella peste di Pierina

D Boon e i Minutemen

noreply@blogger.com (duffogrup) — Wed, 15 Feb 2012 08:21:00 +0000

Quando nel dicembre del 1985 il furgone guidato dalla sua ragazza si rovescia e lui, sbalzato fuori nel sonno dal portellone posteriore, muore sul colpo, Dennes Dale Boon, meglio noto come D Boon, ha ventisette anni. Dal gennaio del 1980 strapazza la chitarra e canta nel gruppo che ha formato con il suo amico d’infanzia Mike Watt, che suona il basso. Il gruppo si chiama Minutemen, dal nome delle milizie delle colonie americane che combatterono contro gli inglesi per l’indipendenza. I Minutemen sono una delle più grandi band del punk americano e smettono di esistere nel momento stesso in cui D Boon cessa di vivere. Nati dalla ceneri dei Reactionaries, il precedente gruppo di Watt e Boon, i Minutemen possono contare, oltre che sulla pirotecnica chitarra e sul basso vertiginoso dei due leader, sul drumming preciso e fantasioso di George Hurley e danno vita nel giro di soli cinque anni a una delle esperienze musicali più originali di tutti gli anni ‘80. Pur essendo nati nel clima teso e violento dell'hardcore californiano, del quale si possono considerare i padri assieme ai fondamentali Black Flag, i Minutemen si distinguono subito dalla marea della sottocultura americana per un’impronta sperimentale e realmente anarchica. Invece di scegliere la via dei due accordi sparati a palla, decidono di seguire le orme del grande sperimentatore blues Captain Beefheart e mescolano nei loro pezzi l'asprezza senza compromessi del punk alla frammentazione cubista della new wave, il tutto sorretto dalla voce secca di Boon, in contatto diretto con la grande tradizione del songwriter cantastorie. La via all'estremismo musicale del trio di San Pedro non passa allora attraverso la violenza sonora fine a se stessa dell'Hardcore, ma si articola in una progressiva destrutturazione delle forme musicali tradizionali americane, che vengono passate nel frullatore di un funk epilettico e di testi senza compromessi, che mescolano l’opposizione alla politica americana ai racconti di disperazione urbana. Ne viene fuori una sorta di punk d'avanguardia, giocato sui duelli tra il basso in primo piano di Watt, autentico metronomo di funk punk e la chitarra da bluesmen bianco di Boon, mentre la batteria di Hurley inventa ritmi dispari attraverso potenti variazioni a metà tra il jazz e il rock. I Minutemen sono una sorta di Talking Heads molto più punk e proletari, privi di ambizioni arty, e se il ciccione Boon, sudato e mal rasato, è l'esatto opposto dell'elegante e nevrotico Byrne, la capacità compositiva dei Minutemen nel loro capolavoro Double Nickels on the Dime disgrega allegramente quella dei più celebrati newyorkesi per energia e inventiva. Scegliendo di restare legati alla SST di Greg Ginn (fondatore e chitarrista dei Black Flag) i Minutemen sono stati un esempio di coerenza indie prima che questo termine venisse sdoganato, e hanno aperto la strada ad esperienze di libertà sonora come quelle di band del calibro di Primus e Pixies (Boon è il gemello più elettrico e politicizzato dell'altro fat genius, Frank Black). Dal più diretto Punch Line, del 1981, passando per l’evoluzione di What Makes a Man Start a Fire? del 1983, arrivano al già citato Double Nickels on the Dime, del 1985: più di quaranta canzoni e abbozzi sonori che emergono e si dissolvono come frammenti pescati da un magma di rock energetico e funkeggiante e che sono forse il culmine gioioso e libero del post punk americano. Questo disco lancia ancora oggi segnali al futuro, proponendosi come una delle opere fondamentali della musica degli anni ‘80. Il tutto prodotto da tre ragazzi californiani che hanno chiuso troppo presto la loro storia. Ancora oggi Mike Watt, che ha continuato prima con i fIREHOSE e poi da solista la sua strada, quando gli chiedono "Che tipo di bassista sei?", lui risponde sempre allo stesso modo "Sono il bassista di D Boon".

Post by alunno Proserpio 07/05/07

Te lo faccio vedere io il cambiamento

noreply@blogger.com (alunno Proserpio) — Sat, 04 Feb 2012 09:58:00 +0000

Ecco l'ultima trovata del PS francese, che punta tutto sulla comunicazione virale: un video che dovrebbe essere brioso, frizzante e capace di inventare un formidabile meme cultural-politico. Un meme sotto forma di nuovo gesto. Un nuovo gesto? Certo, come la V di vittoria di Winston Churchill con il sigaro in bocca, la doppia V di Tricky Dickie Nixon, il pugno chiuso di Tommy Smith a Messico '68, i segnali in codice dei rapper e delle gang di strada, o l'immortale vaffanculo a due di dita degli inglesi al pub.
Quale sarà questo gesto capace di entrare nell'immaginario collettivo e di imporsi a un'intera nazione, facendo apparire anche i compassati funzionari usciti da Science Po come emuli degli scugnizzi gesticolanti del Rione Sanità? È un movimento compiuto con gli avambracci posti in posizione parallela e mossi avanti indietro e lateralmente in modo scomposto. L'effetto dovrebbe essere qualcosa che assomiglia, con moltissima fantasia, al segno = e che porta il malcapitato esecutore a raggiungere straordinarie vette comiche. Il motto è Le Changement est maintenant (il cambiamento è adesso), e non mi è ben chiaro cosa dovrebbero significare questi strani gesti, ma l'effetto è incredibile: i rappresentanti del PS assomigliano, se va bene, ai classici pollastri spennati o a dei volatili cui i misteri dell'evoluzione abbiano precluso la capacità di volare, se va male, a un comitato di mutilati di Verdun o a un gruppo di rachitici da cronicario del libro Cuore intenti a compiere i pietosi esercizi di riabilitazione inflitti dalle suore.
Poche volte si è visto qualcosa di più imbarazzante, e colpisce vedere all'opera personalità del calibro di Jack Lang e del musicista Benjamin Biolay. Pare che nel tentativo di battere i rivali sul loro stesso terreno, Sarkozy stia già pensando di reclutare alcuni seguaci di Joseph Pujol, alias il petomane, per suonare la Marsigliese.

François Hollande : Le changement c’est maintenant, la chorégraphie ! - Video

Il grande complotto - seconda parte

noreply@blogger.com (duffogrup) — Fri, 16 Sep 2011 14:01:00 +0000

Tribunale di Frosinone - Aula Penale B - piano primo, 12 marzo 1983

(omissis)

- Ossequi signor Presidente.

- (Presidente Saccomanni) Ma che ossequi signor... signor...

- Passalacqua Casimiro Signor Presidente.

- Signor Passalacqua qui non si ossequia nessuno. Buongiorno è più che sufficiente.

- Mi scusi signor Presidente. Buongiorno signor Presidente.

- E basta pure col signor Presidente. Veniamo al dunque. Chiedo cortesemente al cancelliere di portare alla corte i documenti agli atti indicati con il numero 152 e 153 “Verbale di interrogatorio del Sig. Passalacqua Casimiro effettuato in data 15 ottobre 1984 e allegato” che, chissà come mai, non vedo nel mio fascicolo. E perfavore, faccia aprire le finestre che oggi si muore pure dal caldo.

- (Cancelliere Futi) Ho già provveduto a mandare il fattorino a prenderlo nell'ufficio di cancelleria, signor Presidente.

- (Sostituto Procuratore Sacchin) E allora quando arriva gli dica se può farne una copia per il Pubblico Ministero che la mia devo averla dimenticata nell'altra borsa.

- (Presidente Saccomanni) Faccia fare pure una copia per il Dottor Sacchin che se deve mandare pure lui il fattorino ci mettiamo due anni a finire ‘sto dibattimento. Intanto andiamo avanti. Signor Passalacqua legga il foglio che le è stato consegnato prima dal cancelliere.

- consapevole della responsabilità morale e giuridica che assumo con la mia deposizione...

- Signor Passalacqua deve leggere più forte perchè qua siamo tutti un po’ duri d’orecchi.

- Mi scusi signor Presidente. Consapevole della responsabilità morale e giuridica...

- Eeeeeeh... ecche è?? Ma siamo al mercato qua?

- Ma me l’ha detto lei signor Presidente.

- Legga a voce normale. Non sussurri, non urli. Normale. Avanti, senza paura.

- Sì

- Oh bravo! Procediamo... e queste finestre? Le vogliamo aprire sì o no? Dov’è il cancelliere?

- (Sostituto Procuratore Sacchin) E’ in bagno signor Presidente. Le apro io.

- (Passalacqua) Consapevole della responsabilità morale e giuridica che assumo con la mia deposizione, mi impegno a dire tutta la verità e a non nascondere nulla di quanto è a mia conoscenza.

- (Presidente Saccomanni) Perfetto adesso dichiari le sue generalità.

- Le?

- Le generalità. Dica come si chiama, data e luogo di nascita e residenza.

- Passalacqua Casimiro, nato a Roma il 9 settembre 1929.

- Eh. E poi?

- E poi che?

- E poi la residenza!

- Ah sì. Residente in via della Porta Vecchia 28...

- …

- …a Roma.

- Ooooh, e ce l’abbiamo fatta.

(omissis)

- (Sostituto Procuratore Sacchin) Signor Passalacqua abbiamo capito che lei nel 1982 si trovava temporaneamente a dimorare nel comune di Alatri dove svolgeva il lavoro di operaio non qualificato nell’azienda agricola di proprietà dell’imputato Gelli Licio, la ditta Product Two.

- (Passalacqua) Sissignore.

- E lo vide mai il signor Gelli in azienda quando lavorava là?

- Eeeh... tante volte Eccellenza.

- Lo ha mai sentito parlare di soldi? Ne ha mai parlato con lei? Magari si è lasciato scappare qualcosa riguardante dei soldi che dovevano arrivare dall’America.

- Nooooo, il signor Gelli era un galantuomo. Non parlava mai di soldi in pubblico. E con me proprio non parlava mai. Solo un giorno mi rivolse la parola e tutti gli altri operai erano invidiosi.

- E si ricorda cosa le disse in quell’occasione?

- Mi sembra... “leva dal cazzo quel trattore, coglione”

(omissis)

- (Presidente Saccomanni) Signor Passalacqua quindi, da quello che lei sostiene, dal marzo 1982 all’aprile 1983 non avete mai piantato o seminato niente sui campi del signor Gelli?

- (Passalacqua) Nossignore.

- Ma possibile che nei tredici mesi che lei ha lavorato in quella ditta non le sia mai venuto un minimo dubbio che ci fosse qualcosa di strano in questo fatto.

- No signor Presidente. E poi c’avevamo tanto da lavorare che non avevamo tempo di farci domande come questa.

- E che dovevate fare se non piantavate niente?

- C’era da scaricare tutti quegli esplosivi che arrivavano coi camion. E bisognava stare attenti signor Presidente. Ci stavano i missili da sistemare nei magazzini sottoterra. E una volta alla settimana il signor Gelli voleva che noi operai si lucidasse tutti i lingotti d’oro che c’aveva in cantina col Cif per non graffiarli.

Continua.

Retromanie e stravaganze

noreply@blogger.com (duffogrup) — Mon, 05 Sep 2011 21:29:00 +0000

Non ho ancora messo le mani sulla versione italiana del nuovo libro di Simon Reynolds, Retromania, per cui la mia conoscenza in merito è mediata dai contributi del Signor Hulot a cui devo senz'altro far incontrare l'Alunno Proserpio, altro grande conoscitore dell'opera reynoldsiana. Faccio questa doverosa premessa perchè volevo scrivere un paio di post con alcune considerazioni marginali che magari sono già state trattate da Reynolds nel libro ma non ho avuto ancora la possibilità di controllare o che forse con il libro non hanno proprio nulla a che fare.

Qualche giorno fa mentre guidavo mi è capitato di incrociare un signore, avrà avuto sessant'anni o qualcuno in più, che guidava una moto d'epoca. Forse una Guzzi. La moto era tenuta benissimo anche se l'applicazione di un paio di bandierine al sedile del passeggero ne minavano l'accuratezza. Il centauro retromaniaco costituiva chiaramente una figura stravagante rispetto alla normalità dei motociclisti che vedo in giro. L'etimologia del termine stravaganza, l'atteggiamento di chi viaggia (conduce una vita) al di fuori (della normalità), calzava a pennello con l'impressione che ho avuto. La domanda, come sosteneva Antonio Lubrano, sorge spontanea: da quando e perchè la retromania dovrebbe essere stravagante? Io ho sempre dato per scontato che per spiccare dalla massa fosse necessario un elemento di novità, un'idea mai venuta in mente a qualcun'altro, in parole povere originalità.

La minigonna di Mary Quant non è di per sè un'invenzione di sartoria rivoluzionaria, a scoprire le gambe delle ragazze ci avevano già pensato in tanti, basti pensare ai vestiti delle ballerine di charleston degli anni '20 o al babydoll che è degli anni '50 mentre Twiggy indossa la mini della Quant solo nel 1963. Quello che è nuovo e rivoluzionario nella minigonna, è il fatto di indossare quel vestito in pubblico, di essere l'unica a mostrare le gambe in mezzo a tutte le altre donne che portano gonne lunghe o tailleur. Portare la minigonna dava un duplice segnale: agli uomini sussurrava "ehi, guarda che belle gambe che ho, ti piacerebbe venire a ballare i Beatles con me?", alle donne urlava "ehi, io sono giovane, sono fiera del mio corpo e indosso vestiti all'ultima moda. Voi appartenete ad un mondo vecchio che non è più il mio". La minigonna è stravagante ma non è retromania, è rivoluzione. Proprio come la minigonna, le avanguardie artistiche nascono da movimenti consolidati e se ne distaccano consapevolmente. E' proprio questa intenzionalità che ne determina l'importanza. Gli artisti d'avanguardia forse non avranno le idee molto chiare su dove andare a parare e quali mezzi utilizzare, ma sanno benissimo da cosa si distaccano e il prezzo da pagare per poterlo fare è essere considerati stravaganti.

Diverso è il discorso per quei movimenti che non vogliono staccarsi dal passato, anzi lo cercano e lo usano a proprio vantaggio. Traggo un esempio dal post che il Signor Hulot dedica al Nothern Soul, movimento musicale retromaniaco nato in Inghilterra negli anni '70: "Gli amanti del northern soul, con eleganza neo-mod, usavano abiti a tre bottoni e camicie Ben Sherman, giravano in scooter e inghiottivano tonnellate di pillole, oltre a celebrare un culto della blackness che, paradossalmente, era molto distante dalla cultura nera che nel periodo era prevalente in America nei primi anni settanta, piena di pantaloni a zampa, capigliature afro e coloratissimo soul psichedelico. Ecco qui uno degli aspetti della retromania: fare di qualcosa che è già fuori moda la cosa più cool del momento". Qui siamo chiaramente in presenza di retromania e l'elemento di novità è sfruttare un passato distante da quello dei giovani inglesi per essere i più strani e fighi della festa, per essere stravaganti appunto. Non c'è niente di rivoluzionario. Si è stravaganti per essere cool, si è fuori moda per essere sulla cresta dell'onda. Ma come le onde, si sa, sono destinate a infrangersi sulla riva, così questi movimenti retromaniaci sono destinati spesso ad esaurirsi dopo breve tempo. Nel decennio che ha visto nascere il fenomeno britpop si è brevemente riaffacciata l'estetica mod. I ragazzi che tra il finire degli anni '80 e i primi '90 scimmiottano nello stile i mod degli anni '60 non hanno in realtà alcun tratto in comune con loro. Provengono da due società profondamente diverse, appartengono a due culture probabilmente incompatibili. L'unico punto che li accomuna è quello di girare in vespa indossando il parka. Ma mentre i mod originali sono l'avanguardia rivoluzionaria (assieme ai rockers) della gioventù inglese che si oppone alla conservatrice società britannica, i nipotini esauriscono in breve tempo la loro retromania ascoltando i fratelli Gallagher e ricercando esasperatamente un look canonizzato ormai da decenni di agiografia patinata sulle riviste di musica. Certo rispetto ai dark, agli ultimi punk e agli altri gruppi e movimenti di quegli anni quei primi pseudo mod devono aver spiccato per la loro diversità. Ma tutto si è esaurito lì, in breve tempo. Per alcuni versi è lo stesso atteggiamento dei musicisti indie barbuti, individuati dall'Alunno Proserpio, o del cappello a tuba di Slash. Aiutano ad identificare l'appartenenza ad un gruppo alternativo alla maggioranza. Portati all'estremo arrivano anche a distinguere il singolo all'interno del gruppo stesso. Esiste lo stravagante più stravagante degli altri, alla fine però anche per lui non c'è molta strada da fare. Paradossalmente, se si persevera nella stravaganza, passata la moda, rimane il segno distintivo: il marchio di fabbrica.

Ormai chi si immagina più Mark Everett senza barba o Slash senza cappello? Farebbe strano vederli così.

Dove sta l'elemento di novità nel vecchio motociclista? Non penso che sia possibile trovarlo. La sua retromania, se vogliamo chiamarla così, è devozione per il passato ma non in funzione del presente. Non cerca di essere rivoluzionario rispetto agli altri motociclisti, ormai il tempo delle Guzzi è passato da un pezzo e guidarne una non dimostra niente. Non vuole nemmeno essere alla moda perchè questa muta a velocità incredibile mentre ai motoraduni si vedono sempre le stesse moto d'epoca possedute sempre dagli stessi appassionati (che, a differenza delle moto, risentono del passare degli anni). Quello che queste persone si limitano a fare è possedere un frammento del passato e dedicarsi costantemente alla sua conservazione. Forse sono dei nostalgici, questo non posso saperlo. Sicuramente sono dei preservatori e in un mondo in cui consumare (in tutti i sensi) sembra l'unica ragione d'essere, preservare per forza di cose è sinonimo di stravaganza.

Barbe e baffi

noreply@blogger.com (alunno Proserpio) — Fri, 02 Sep 2011 10:15:00 +0000

Mi ricordo, sarà stato il 1985, e la sola idea che sul mio volto liscio potesse spuntare anche un unico solitario pelo mi pareva remota come la fine della Guerra fredda. Eppure, c'era un mio compagno di classe, la cui situazione ormonale e pilifera non era molto diversa dalla mia, che aveva una vera e propria ossessione per le basette. Periodicamente veniva da me e con l'aria di chi è iniziato a segreti preclusi al resto dei mortali, esibiva la sua assoluta assenza di basette come se fosse un segno di guerra. Aveva gli occhi azzurri, e tempo dopo ho associato questo fatto, il mostrare cioè le guance imberbi e le basette tagliate fino alla base delle tempie, alla pratica della mensur, i combattimenti rituali dei cadetti tedeschi, che si sfregiavano la faccia tutti contenti ed esibivano le cicatrici sulle guance come estrema prova di coraggio. Anche loro avevano gli occhi azzurri.

Allora, questo mio compagno di classe si vantava non di essere imberbe, bella forza, ma di essere costretto a tagliarsi con frequenza quasi giornaliera le basette – cosa in effetti abbastanza improbabile – ed esibiva questa assenza di basette come un modo per essere assolutamente di gran moda. Perché nel 1985 nessuno portava le basette, tantomeno la barba. Alle medie, poi, men che meno, e anzi i pochi barbuti lo erano per evidenti problemi ormonali o per difetto di studio ed eccesso di bocciatura. Insomma, la barba, il baffo e la basetta erano marchi piuttosto infamanti, che denotavano una qualche mancanza, qualcosa di lombrosiano, oserei dire.

Poi, da fuori corso generazionale, mi capita, venticinque anni dopo – che fa un quarto di secolo a ben vedere – di recarmi a qualche concerto di musica indie e alternativa e di notare una cosa strana. È pieno di ragazzi che sfoggiano barbe – colte e incolte – e persino sottili baffetti. Ora, passi per la barba, da tempo sdoganata come indicatore di una certa vena neo hippie e post centro sociale, ma i baffi, beh quelli fino a sei o sette anni fa erano l'indubbio segno di un retaggio tardo autonomo, e difatti di baffuti ne vedevo soprattutto girando per Bologna. E non a caso Bologna, direi, dato che al cinema, i primi neo-baffuti visti negli anni zero erano quelli dei protagonisti di Paz e di Lavorare con lentezza. Il baffo faceva ancora molto settanta e a pochissimi veniva in mente di sfoggiarli. Insomma, qualcosa è cambiato. Poi ho letto un articolo di Simon Reynolds sui Noughties (gli anni zero), in cui il solito geniale Simon esaminava la barba e il pelo come indicatore di una certa aria del tempo da primi dieci anni del nuovo millennio. E se ci fate caso i barbuti proliferano, i barbuti alla moda, andando da gruppi all bearded come i Band of Horses, filone indie neo-country, che avrebbero fatto la loro figura in mezzo ai Lynyrd Skynyrd, fino ai neo hippie patenti, come Fleet Foxes e Iron and Wine, ai guru dell'americana, come Will Oldham-Bonnie Prince Willy, che sulla copertina di Master and Everyone si esibiva in una foto tra il vecchio west, la guerra di secessione e il ritratto dello zio garibaldino. E che dire del volto glamour neo folk per eccellenza, Devendra Banhardt, con quella conformazione barba capelli da Sandokan bo-bo, come se Jim Morrison non avesse deciso di diventare grasso e sfatto e si fosse fuso con Gesù Cristo? In tempi non sospetti già Eels correva barbuto sul suo trattorino, come il vecchietto di Una storia vera di Lynch. La barba è poi un indicatore di stile anche nell'elettronica, da quella da fighetto finto trasandato minimal di Villalobos a quella comsico krauta di Lindstrøm, passando per James LCD Soundsystem Murphy e la sua evidente propensione alla rasatura bisettimanale.

Non va diversamente nell'area hauntologica-hipnagogica, in cui i peli facciali abbondano, soprattutto nella versione barba non troppo lunga da sperimentatore folle (Moon Wiring Club, Mordant Music, Onehotrix Point Never) e baffo rado da nerd intrappolato in una videocassetta anni ottanta (James Ferraro, Sun Araw).

E il baffo, appunto? Il baffo è quello di uno degli Hot Chip, ad esempio, o di River Cuomo dei Weezer, ma fa ancora un po' troppo sottobosco settanta, tra porno alla Boogie Nights e sadomaso durissimo alla Cruising. Molto decadente è quello di mezzi Justice, mentre è da western crespuscolare quello di Nick Cave versione Grinderman, tipo camionista predicatore sudista. Persino le CocoRosie sfoggiano baffi da comune folk newyorkese.

E ancora pensiamo a Wayne Coyne dei Flaming Lips, in realtà barbuto da tempo, che Reynolds riporta non tanto alla linea country blues da uomini veri (The Band, Allman Brothers) o a quella politicizzata (Robert Wyatt) ma a quella più raffinata del glamour urbano cocainomane tipo Laurel Canyon anni settanta (Fleetwood Mac, Eagles). E da noi? Spiccano su tutti l'iconica barba da mistico dandy di Bianconi, che ha contagiato anche il suo collega Brasini. Ques'ultimo ha però l'aria da post-autonomo e fuori corso di sociologia. E quella di Nicola Manzan alias Bologna violenta, che sembra un cattivo da film di adoratori del demonio. Tommaso Cerasuolo dei Perturbazione, invece, sfoggiava tempo fa baffoni da ferroviere anarchico. Ma il baffo musicale più potente è quello del batterista dei Lombroso, largo cinque centimetri, probabilmente ormai inestirpabile. Tipo che se decidesse di radersi alla Gillette stapperebbero spumanti per un mese.

In ogni caso i baffi per eccellenza, per me, rimangono quelli di Jon Voight in Un tranquillo weekend di paura, come un presagio di agonismo virile sul volto troppo liscio. Anticipazione delle prove iniziatiche a venire. Un po' come tagliarsi le basette quando non si hanno ancora.

NB, questo pezzo è stato originariamente scritto prima che sulle barbe scrivesse anche Maurizio Blatto su Rumore (numero di maggio 2011). Il fatto che entrambi ci siamo occupati di tema così importante per la cultura è segno dell'aria dei tempi.

Band of Horses

Bonnie Prince Willy

Devendra Banhardt

Eels

Wayne Coyne

Lindstrøm

Lombroso

Sun Araw