la covata malefica

Te lo faccio vedere io il cambiamento

noreply@blogger.com (alunno Proserpio) — Sat, 04 Feb 2012 09:58:00 +0000

Ecco l'ultima trovata del PS francese, che punta tutto sulla comunicazione virale: un video che dovrebbe essere brioso, frizzante e capace di inventare un formidabile meme cultural-politico. Un meme sotto forma di nuovo gesto. Un nuovo gesto? Certo, come la V di vittoria di Winston Churchill con il sigaro in bocca, la doppia V di Tricky Dickie Nixon, il pugno chiuso di Tommy Smith a Messico '68, i segnali in codice dei rapper e delle gang di strada, o l'immortale vaffanculo a due di dita degli inglesi al pub.
Quale sarà questo gesto capace di entrare nell'immaginario collettivo e di imporsi a un'intera nazione, facendo apparire anche i compassati funzionari usciti da Science Po come emuli degli scugnizzi gesticolanti del Rione Sanità? È un movimento compiuto con gli avambracci posti in posizione parallela e mossi avanti indietro e lateralmente in modo scomposto. L'effetto dovrebbe essere qualcosa che assomiglia, con moltissima fantasia, al segno = e che porta il malcapitato esecutore a raggiungere straordinarie vette comiche. Il motto è Le Changement est maintenant (il cambiamento è adesso), e non mi è ben chiaro cosa dovrebbero significare questi strani gesti, ma l'effetto è incredibile: i rappresentanti del PS assomigliano, se va bene, ai classici pollastri spennati o a dei volatili cui i misteri dell'evoluzione abbiano precluso la capacità di volare, se va male, a un comitato di mutilati di Verdun o a un gruppo di rachitici da cronicario del libro Cuore intenti a compiere i pietosi esercizi di riabilitazione inflitti dalle suore.
Poche volte si è visto qualcosa di più imbarazzante, e colpisce vedere all'opera personalità del calibro di Jack Lang e del musicista Benjamin Biolay. Pare che nel tentativo di battere i rivali sul loro stesso terreno, Sarkozy stia già pensando di reclutare alcuni seguaci di Joseph Pujol, alias il petomane, per suonare la Marsigliese.

François Hollande : Le changement c’est maintenant, la chorégraphie ! - Video

IL GRANDE COMPLOTTO - seconda parte

noreply@blogger.com (duffogrup) — Fri, 16 Sep 2011 14:01:00 +0000

Tribunale di Frosinone - Aula Penale B - piano primo, 12 marzo 1983

(omissis)

- Ossequi signor Presidente.

- (Presidente Saccomanni) Ma che ossequi signor... signor...

- Passalacqua Casimiro Signor Presidente.

- Signor Passalacqua qui non si ossequia nessuno. Buongiorno è più che sufficiente.

- Mi scusi signor Presidente. Buongiorno signor Presidente.

- E basta pure col signor Presidente. Veniamo al dunque. Chiedo cortesemente al cancelliere di portare alla corte i documenti agli atti indicati con il numero 152 e 153 “Verbale di interrogatorio del Sig. Passalacqua Casimiro effettuato in data 15 ottobre 1984 e allegato” che, chissà come mai, non vedo nel mio fascicolo. E perfavore, faccia aprire le finestre che oggi si muore pure dal caldo.

- (Cancelliere Futi) Ho già provveduto a mandare il fattorino a prenderlo nell'ufficio di cancelleria, signor Presidente.

- (Sostituto Procuratore Sacchin) E allora quando arriva gli dica se può farne una copia per il Pubblico Ministero che la mia devo averla dimenticata nell'altra borsa.

- (Presidente Saccomanni) Faccia fare pure una copia per il Dottor Sacchin che se deve mandare pure lui il fattorino ci mettiamo due anni a finire ‘sto dibattimento. Intanto andiamo avanti. Signor Passalacqua legga il foglio che le è stato consegnato prima dal cancelliere.

- consapevole della responsabilità morale e giuridica che assumo con la mia deposizione...

- Signor Passalacqua deve leggere più forte perchè qua siamo tutti un po’ duri d’orecchi.

- Mi scusi signor Presidente. Consapevole della responsabilità morale e giuridica...

- Eeeeeeh... ecche è?? Ma siamo al mercato qua?

- Ma me l’ha detto lei signor Presidente.

- Legga a voce normale. Non sussurri, non urli. Normale. Avanti, senza paura.

- Sì

- Oh bravo! Procediamo... e queste finestre? Le vogliamo aprire sì o no? Dov’è il cancelliere?

- (Sostituto Procuratore Sacchin) E’ in bagno signor Presidente. Le apro io.

- (Passalacqua) Consapevole della responsabilità morale e giuridica che assumo con la mia deposizione, mi impegno a dire tutta la verità e a non nascondere nulla di quanto è a mia conoscenza.

- (Presidente Saccomanni) Perfetto adesso dichiari le sue generalità.

- Le?

- Le generalità. Dica come si chiama, data e luogo di nascita e residenza.

- Passalacqua Casimiro, nato a Roma il 9 settembre 1929.

- Eh. E poi?

- E poi che?

- E poi la residenza!

- Ah sì. Residente in via della Porta Vecchia 28...

- …

- …a Roma.

- Ooooh, e ce l’abbiamo fatta.

(omissis)

- (Sostituto Procuratore Sacchin) Signor Passalacqua abbiamo capito che lei nel 1982 si trovava temporaneamente a dimorare nel comune di Alatri dove svolgeva il lavoro di operaio non qualificato nell’azienda agricola di proprietà dell’imputato Gelli Licio, la ditta Product Two.

- (Passalacqua) Sissignore.

- E lo vide mai il signor Gelli in azienda quando lavorava là?

- Eeeh... tante volte Eccellenza.

- Lo ha mai sentito parlare di soldi? Ne ha mai parlato con lei? Magari si è lasciato scappare qualcosa riguardante dei soldi che dovevano arrivare dall’America.

- Nooooo, il signor Gelli era un galantuomo. Non parlava mai di soldi in pubblico. E con me proprio non parlava mai. Solo un giorno mi rivolse la parola e tutti gli altri operai erano invidiosi.

- E si ricorda cosa le disse in quell’occasione?

- Mi sembra... “leva dal cazzo quel trattore, coglione”

(omissis)

- (Presidente Saccomanni) Signor Passalacqua quindi, da quello che lei sostiene, dal marzo 1982 all’aprile 1983 non avete mai piantato o seminato niente sui campi del signor Gelli?

- (Passalacqua) Nossignore.

- Ma possibile che nei tredici mesi che lei ha lavorato in quella ditta non le sia mai venuto un minimo dubbio che ci fosse qualcosa di strano in questo fatto.

- No signor Presidente. E poi c’avevamo tanto da lavorare che non avevamo tempo di farci domande come questa.

- E che dovevate fare se non piantavate niente?

- C’era da scaricare tutti quegli esplosivi che arrivavano coi camion. E bisognava stare attenti signor Presidente. Ci stavano i missili da sistemare nei magazzini sottoterra. E una volta alla settimana il signor Gelli voleva che noi operai si lucidasse tutti i lingotti d’oro che c’aveva in cantina col Cif per non graffiarli.

Continua.

Retromanie e stravaganze

noreply@blogger.com (duffogrup) — Mon, 05 Sep 2011 21:29:00 +0000

Non ho ancora messo le mani sulla versione italiana del nuovo libro di Simon Reynolds, Retromania, per cui la mia conoscenza in merito è mediata dai contributi del Signor Hulot a cui devo senz'altro far incontrare l'Alunno Proserpio, altro grande conoscitore dell'opera reynoldsiana. Faccio questa doverosa premessa perchè volevo scrivere un paio di post con alcune considerazioni marginali che magari sono già state trattate da Reynolds nel libro ma non ho avuto ancora la possibilità di controllare o che forse con il libro non hanno proprio nulla a che fare.

Qualche giorno fa mentre guidavo mi è capitato di incrociare un signore, avrà avuto sessant'anni o qualcuno in più, che guidava una moto d'epoca. Forse una Guzzi. La moto era tenuta benissimo anche se l'applicazione di un paio di bandierine al sedile del passeggero ne minavano l'accuratezza. Il centauro retromaniaco costituiva chiaramente una figura stravagante rispetto alla normalità dei motociclisti che vedo in giro. L'etimologia del termine stravaganza, l'atteggiamento di chi viaggia (conduce una vita) al di fuori (della normalità), calzava a pennello con l'impressione che ho avuto. La domanda, come sosteneva Antonio Lubrano, sorge spontanea: da quando e perchè la retromania dovrebbe essere stravagante? Io ho sempre dato per scontato che per spiccare dalla massa fosse necessario un elemento di novità, un'idea mai venuta in mente a qualcun'altro, in parole povere originalità.

La minigonna di Mary Quant non è di per sè un'invenzione di sartoria rivoluzionaria, a scoprire le gambe delle ragazze ci avevano già pensato in tanti, basti pensare ai vestiti delle ballerine di charleston degli anni '20 o al babydoll che è degli anni '50 mentre Twiggy indossa la mini della Quant solo nel 1963. Quello che è nuovo e rivoluzionario nella minigonna, è il fatto di indossare quel vestito in pubblico, di essere l'unica a mostrare le gambe in mezzo a tutte le altre donne che portano gonne lunghe o tailleur. Portare la minigonna dava un duplice segnale: agli uomini sussurrava "ehi, guarda che belle gambe che ho, ti piacerebbe venire a ballare i Beatles con me?", alle donne urlava "ehi, io sono giovane, sono fiera del mio corpo e indosso vestiti all'ultima moda. Voi appartenete ad un mondo vecchio che non è più il mio". La minigonna è stravagante ma non è retromania, è rivoluzione. Proprio come la minigonna, le avanguardie artistiche nascono da movimenti consolidati e se ne distaccano consapevolmente. E' proprio questa intenzionalità che ne determina l'importanza. Gli artisti d'avanguardia forse non avranno le idee molto chiare su dove andare a parare e quali mezzi utilizzare, ma sanno benissimo da cosa si distaccano e il prezzo da pagare per poterlo fare è essere considerati stravaganti.

Diverso è il discorso per quei movimenti che non vogliono staccarsi dal passato, anzi lo cercano e lo usano a proprio vantaggio. Traggo un esempio dal post che il Signor Hulot dedica al Nothern Soul, movimento musicale retromaniaco nato in Inghilterra negli anni '70: "Gli amanti del northern soul, con eleganza neo-mod, usavano abiti a tre bottoni e camicie Ben Sherman, giravano in scooter e inghiottivano tonnellate di pillole, oltre a celebrare un culto della blackness che, paradossalmente, era molto distante dalla cultura nera che nel periodo era prevalente in America nei primi anni settanta, piena di pantaloni a zampa, capigliature afro e coloratissimo soul psichedelico. Ecco qui uno degli aspetti della retromania: fare di qualcosa che è già fuori moda la cosa più cool del momento". Qui siamo chiaramente in presenza di retromania e l'elemento di novità è sfruttare un passato distante da quello dei giovani inglesi per essere i più strani e fighi della festa, per essere stravaganti appunto. Non c'è niente di rivoluzionario. Si è stravaganti per essere cool, si è fuori moda per essere sulla cresta dell'onda. Ma come le onde, si sa, sono destinate a infrangersi sulla riva, così questi movimenti retromaniaci sono destinati spesso ad esaurirsi dopo breve tempo. Nel decennio che ha visto nascere il fenomeno britpop si è brevemente riaffacciata l'estetica mod. I ragazzi che tra il finire degli anni '80 e i primi '90 scimmiottano nello stile i mod degli anni '60 non hanno in realtà alcun tratto in comune con loro. Provengono da due società profondamente diverse, appartengono a due culture probabilmente incompatibili. L'unico punto che li accomuna è quello di girare in vespa indossando il parka. Ma mentre i mod originali sono l'avanguardia rivoluzionaria (assieme ai rockers) della gioventù inglese che si oppone alla conservatrice società britannica, i nipotini esauriscono in breve tempo la loro retromania ascoltando i fratelli Gallagher e ricercando esasperatamente un look canonizzato ormai da decenni di agiografia patinata sulle riviste di musica. Certo rispetto ai dark, agli ultimi punk e agli altri gruppi e movimenti di quegli anni quei primi pseudo mod devono aver spiccato per la loro diversità. Ma tutto si è esaurito lì, in breve tempo. Per alcuni versi è lo stesso atteggiamento dei musicisti indie barbuti, individuati dall'Alunno Proserpio, o del cappello a tuba di Slash. Aiutano ad identificare l'appartenenza ad un gruppo alternativo alla maggioranza. Portati all'estremo arrivano anche a distinguere il singolo all'interno del gruppo stesso. Esiste lo stravagante più stravagante degli altri, alla fine però anche per lui non c'è molta strada da fare. Paradossalmente, se si persevera nella stravaganza, passata la moda, rimane il segno distintivo: il marchio di fabbrica.

Ormai chi si immagina più Mark Everett senza barba o Slash senza cappello? Farebbe strano vederli così.

Dove sta l'elemento di novità nel vecchio motociclista? Non penso che sia possibile trovarlo. La sua retromania, se vogliamo chiamarla così, è devozione per il passato ma non in funzione del presente. Non cerca di essere rivoluzionario rispetto agli altri motociclisti, ormai il tempo delle Guzzi è passato da un pezzo e guidarne una non dimostra niente. Non vuole nemmeno essere alla moda perchè questa muta a velocità incredibile mentre ai motoraduni si vedono sempre le stesse moto d'epoca possedute sempre dagli stessi appassionati (che, a differenza delle moto, risentono del passare degli anni). Quello che queste persone si limitano a fare è possedere un frammento del passato e dedicarsi costantemente alla sua conservazione. Forse sono dei nostalgici, questo non posso saperlo. Sicuramente sono dei preservatori e in un mondo in cui consumare (in tutti i sensi) sembra l'unica ragione d'essere, preservare per forza di cose è sinonimo di stravaganza.

BARBE E BAFFI

noreply@blogger.com (alunno Proserpio) — Fri, 02 Sep 2011 10:15:00 +0000

Mi ricordo, sarà stato il 1985, e la sola idea che sul mio volto liscio potesse spuntare anche un unico solitario pelo mi pareva remota come la fine della Guerra fredda. Eppure, c'era un mio compagno di classe, la cui situazione ormonale e pilifera non era molto diversa dalla mia, che aveva una vera e propria ossessione per le basette. Periodicamente veniva da me e con l'aria di chi è iniziato a segreti preclusi al resto dei mortali, esibiva la sua assoluta assenza di basette come se fosse un segno di guerra. Aveva gli occhi azzurri, e tempo dopo ho associato questo fatto, il mostrare cioè le guance imberbi e le basette tagliate fino alla base delle tempie, alla pratica della mensur, i combattimenti rituali dei cadetti tedeschi, che si sfregiavano la faccia tutti contenti ed esibivano le cicatrici sulle guance come estrema prova di coraggio. Anche loro avevano gli occhi azzurri.

Allora, questo mio compagno di classe si vantava non di essere imberbe, bella forza, ma di essere costretto a tagliarsi con frequenza quasi giornaliera le basette – cosa in effetti abbastanza improbabile – ed esibiva questa assenza di basette come un modo per essere assolutamente di gran moda. Perché nel 1985 nessuno portava le basette, tantomeno la barba. Alle medie, poi, men che meno, e anzi i pochi barbuti lo erano per evidenti problemi ormonali o per difetto di studio ed eccesso di bocciatura. Insomma, la barba, il baffo e la basetta erano marchi piuttosto infamanti, che denotavano una qualche mancanza, qualcosa di lombrosiano, oserei dire.

Poi, da fuori corso generazionale, mi capita, venticinque anni dopo – che fa un quarto di secolo a ben vedere – di recarmi a qualche concerto di musica indie e alternativa e di notare una cosa strana. È pieno di ragazzi che sfoggiano barbe – colte e incolte – e persino sottili baffetti. Ora, passi per la barba, da tempo sdoganata come indicatore di una certa vena neo hippie e post centro sociale, ma i baffi, beh quelli fino a sei o sette anni fa erano l'indubbio segno di un retaggio tardo autonomo, e difatti di baffuti ne vedevo soprattutto girando per Bologna. E non a caso Bologna, direi, dato che al cinema, i primi neo-baffuti visti negli anni zero erano quelli dei protagonisti di Paz e di Lavorare con lentezza. Il baffo faceva ancora molto settanta e a pochissimi veniva in mente di sfoggiarli. Insomma, qualcosa è cambiato. Poi ho letto un articolo di Simon Reynolds sui Noughties (gli anni zero), in cui il solito geniale Simon esaminava la barba e il pelo come indicatore di una certa aria del tempo da primi dieci anni del nuovo millennio. E se ci fate caso i barbuti proliferano, i barbuti alla moda, andando da gruppi all bearded come i Band of Horses, filone indie neo-country, che avrebbero fatto la loro figura in mezzo ai Lynyrd Skynyrd, fino ai neo hippie patenti, come Fleet Foxes e Iron and Wine, ai guru dell'americana, come Will Oldham-Bonnie Prince Willy, che sulla copertina di Master and Everyone si esibiva in una foto tra il vecchio west, la guerra di secessione e il ritratto dello zio garibaldino. E che dire del volto glamour neo folk per eccellenza, Devendra Banhardt, con quella conformazione barba capelli da Sandokan bo-bo, come se Jim Morrison non avesse deciso di diventare grasso e sfatto e si fosse fuso con Gesù Cristo? In tempi non sospetti già Eels correva barbuto sul suo trattorino, come il vecchietto di Una storia vera di Lynch. La barba è poi un indicatore di stile anche nell'elettronica, da quella da fighetto finto trasandato minimal di Villalobos a quella comsico krauta di Lindstrøm, passando per James LCD Soundsystem Murphy e la sua evidente propensione alla rasatura bisettimanale.

Non va diversamente nell'area hauntologica-hipnagogica, in cui i peli facciali abbondano, soprattutto nella versione barba non troppo lunga da sperimentatore folle (Moon Wiring Club, Mordant Music, Onehotrix Point Never) e baffo rado da nerd intrappolato in una videocassetta anni ottanta (James Ferraro, Sun Araw).

E il baffo, appunto? Il baffo è quello di uno degli Hot Chip, ad esempio, o di River Cuomo dei Weezer, ma fa ancora un po' troppo sottobosco settanta, tra porno alla Boogie Nights e sadomaso durissimo alla Cruising. Molto decadente è quello di mezzi Justice, mentre è da western crespuscolare quello di Nick Cave versione Grinderman, tipo camionista predicatore sudista. Persino le CocoRosie sfoggiano baffi da comune folk newyorkese.

E ancora pensiamo a Wayne Coyne dei Flaming Lips, in realtà barbuto da tempo, che Reynolds riporta non tanto alla linea country blues da uomini veri (The Band, Allman Brothers) o a quella politicizzata (Robert Wyatt) ma a quella più raffinata del glamour urbano cocainomane tipo Laurel Canyon anni settanta (Fleetwood Mac, Eagles). E da noi? Spiccano su tutti l'iconica barba da mistico dandy di Bianconi, che ha contagiato anche il suo collega Brasini. Ques'ultimo ha però l'aria da post-autonomo e fuori corso di sociologia. E quella di Nicola Manzan alias Bologna violenta, che sembra un cattivo da film di adoratori del demonio. Tommaso Cerasuolo dei Perturbazione, invece, sfoggiava tempo fa baffoni da ferroviere anarchico. Ma il baffo musicale più potente è quello del batterista dei Lombroso, largo cinque centimetri, probabilmente ormai inestirpabile. Tipo che se decidesse di radersi alla Gillette stapperebbero spumanti per un mese.

In ogni caso i baffi per eccellenza, per me, rimangono quelli di Jon Voight in Un tranquillo weekend di paura, come un presagio di agonismo virile sul volto troppo liscio. Anticipazione delle prove iniziatiche a venire. Un po' come tagliarsi le basette quando non si hanno ancora.

NB, questo pezzo è stato originariamente scritto prima che sulle barbe scrivesse anche Maurizio Blatto su Rumore (numero di maggio 2011). Il fatto che entrambi ci siamo occupati di tema così importante per la cultura è segno dell'aria dei tempi.

Band of Horses

Bonnie Prince Willy

Devendra Banhardt

Eels

Wayne Coyne

Lindstrøm

Lombroso

Sun Araw

Sun, Slam, Slum. Una storia americana

noreply@blogger.com (duffogrup) — Sat, 13 Aug 2011 14:07:00 +0000

L'inizio della storia non è quella di un film indipendente. Hollywood 1969: due banditi nascosti in un vecchio casolare, feriti e circondati da mezzo esercito boliviano, si lanciano all'attacco verso un'onorevole morte crivellati di pallottole. I due criminali si chiamano Butch Cassidy e Sundance Kid e anche se il regista George Roy Hill preferisce concludere il film con un fermo immagine dei nostri due antieroi armi in pugno, è facile immaginarli ridotti come colabrodi, in una pozza di sangue, mentre Burt Bacharach intona Raindrops Keep Fallin' on My Head. Il buon Sundance altri non è che Robert Redford, un ruolo, un soprannome, che gli rimarrà attaccato tutta la vita. A Redford stesso piace a tal punto quel nome che nello stesso anno del film con 500 dollari mette su un hotel per sciatori tra le montagne dello Utah, ad una ventina di chilometri da Park City, e indovinate come lo chiama? Sundance Resort appunto. Gli anni passano; Redford dopo aver fatto una stangata ai danni di Robert Shaw, essersi trasformato per tre giorni in un condor e aver mandato a casa Nixon con l'aiuto di Dustin Hoffman, se ne torna ogni volta nel suo ranch dello Utah a sussurrare ai cavalli. Intanto a poca distanza gli sciatori ospiti del suo resort... sciano.

Qui entra in gioco una figura classica dei film indie, il trentenne cinefilo. Nel 1976, anno del bicentenario americano, il giovane regista Sterling Van Wagenen che lavora per lo Utah Arts Council (un agenzia statale!), mette su con John Earle della Utah Film Commission (ancora questo maledetto stato dello Utah!) un festivalino per celebrare la filmografia americana. Conclusa l'esperienza Sterling pensò che non sarebbe stata una cattiva idea ripeterla ogni anno. Arthur Knight, professore alla University of South California, gli suggerì di dedicare una parte del futuro festival ai film indipendenti a basso budget. Raccolti fondi e persone nacque lo Utah/US Film Festival. Come tanti altri volenterosi che si dedicano ad organizzare eventi e manifestazioni cinematografiche, Sterling non è un ribelle avanguardista ai margini della società, è un appassionato di cinema che ha la fortuna di lavorare nel mondo che ama e dove spera di fare molta strada, ma a differenza degli altri possiede una particolarità: è il cugino di Lola Van Wagenen, moglie di Sundance Kid alias Robert Redford. Quando viene a sapere che Sterling sta organizzando un festival nella vicina Park City, Redford si fa avanti. Il cugino famoso entra a far parte del comitato promotore e si presta a presenziare ad alcune serate. Risultato: arrivano i giornalisti, arriva il pubblico, arrivano i critici. Arriva però anche uno buco di 20.000 dollari sui costi previsti. Finita la manifestazione Sterling si reca da Robert e, dopo aver tirato fuori tutti gli articoli di giornale che elogiano il festival, gli chiede gentilmente di saldare il conto staccando un assegno. Redford non si limita a ripianare i debiti ma si spinge oltre. Propone a Sterling di riunire al Sundance Resort un gruppo di lavoro dedicato alla filmografia indipendente. Sterling accetta entusiasticamente. Da quell'iniziativa nel 1981 nasce il Sundance Institute un laboratorio permanente per dare sostegno a giovani autori e aiutarli a sviluppare le loro idee e i loro progetti ed a tradurli in film. Il Sundance Institute comincia ad attirare sempre più l'attenzione degli addetti ai lavori e si ingrandisce a tal punto che nel 1985 assume il controllo diretto del Utah/US Film Festival, ormai piegato dai problemi finanziari. Come tutte le cose che Redford tocca, ben presto anche al festival di Park City cominciano ad appioppare il soprannome Sundance e nel 1991 il cambio di nome viene ufficializzato con la nascita del Sundance Film Festival, il più importante festival americano di cinema (l'aggettivo indipendente nel frattempo si è perso per strada).

Il nostro film indie potrebbe concludersi qui, con il lieto fine. E invece no, perchè adesso entrano in scena gli irriverenti, i teppisti, i guerriglieri. Nel 1995 tre giovani registi (ormai una figura archetipica!), Jon Fitzgeral, Shane Kuhn e Dan Mirvish, presentano i loro film alla selezione per il Sundance Festival e vengono scartati. I nostri non si perdono d'animo e in un singulto di perfidia decidono di servire una vendetta molto calda e di dare vita loro stessi ad un festival, lo Slamdance, che si sarebbe tenuto a gennaio in contemporanea al Sundance proprio a Park City. Gli organizzatori dello Slamdance accusano quelli del Sundance di essere ormai una succursale di Hollywood nel midwest e di presentare come indipendenti film che non lo sono. A dispetto delle aspettative, la prima edizione, intitolata "Slamdance '95: Anarchy in Utah - The First Annual Guerrilla Intl. Film Festival", riscuote un buon successo di pubblico e gli organizzatori decidono di ripetersi l'anno successivo. Nel 2011 questa manifestazione per duri e puri dell'indipendenza commerciale ha fatto registrare il sold out a quasi tutte le proiezioni degli 83 film presentati. Redford li ha definiti parassiti ma poi ha detto che in fondo non fanno male a nessuno e che i due festival possono coesistere.

Quelli dello Slamdance sono i guerriglieri, quelli che abbattono il regime per costruire un mondo migliore. Ora però entra in scena il teppista: Brian Flemming, indovinate un po', un giovane regista. Nel 1996 anche il film di Brian è stato scartato dal Sundance. Vedendolo abbacchiato l'amico e collaboratore Keythe Farley gli propone scherzosamente di reintitolare il film "Il film vincitore del Sundance Festival", titolo/definizione da leggere sui cartelloni dei cinema. A Brian si illuminano gli occhi e dopo qualche giorno sono entrambi al municipio di Park City per chiedere il permesso per lo svolgimento dello Slumdance Film Festival (slum=baracca). L'amministrazione nega l'autorizzazione, non possono usare la parola festival e si decide così di chiamarlo Slumdance Experience. L'esperienza, in realtà quasi una truffa per dare un po' di visibilità al loro film, costa 1700 dollari. Quasi tutto il denaro è per l'affitto di otto giorni di un vecchio magazzino della fabbrica di biscotti Mrs. Fields.

Vengono proiettati sette film e diversi cortometraggi e il vincitore della rassegna viene premiato con la consegna del Ratto d'oro. Il tutto si svolge naturalmente in concomitanza del Sundance e dello Slamdance. Nella loro follia riescono a coinvolgere anche Tim Robbins che si fa vedere ad una proiezione addentando un sigarone fumante. Alla fine Brian butta giù addirittura una piccola guida in 12 punti: How to Start Your Own Film Festival.

Qui finisce la nostra storia come l'avevamo cominciata. Con due simpatici delinquenti che circondati da centinaia di fucili carichi di NO prefersicono saltare fuori e giocarsi il tutto per tutto pistole alla mano. Keythe e Brian, i veri Butch Cassidy e Sundance Kid.

IL GRANDE COMPLOTTO - prima parte

noreply@blogger.com (duffogrup) — Sun, 31 Jul 2011 15:05:00 +0000

Tutto ha inizio a Roma la notte tra il 21 e il 22 aprile 1981. Presso palazzo Chigi si svolge una riunione segreta a cui partecipano l’allora Presidente del Consiglio, Arnaldo Forlani, il Capo di Stato Maggiore della Marina Greca, Ammiraglio Papacostantinou, Bettino Craxi, Umberto e Susanna Agnelli, Massimo D’Alema, Adriano Sofri, Paolo Valenti, Tanino Liberatore, Franco Causio e Rigoberta Menchù. La riunione era stata convocata da Craxi con il pretesto di richiedere spiegazioni direttamente a Forlani riguardo al nulla osta che, proprio quel pomeriggio, il Consiglio dei Ministri aveva rilasciato per le tappe italiane del Combat Rock Tour dei Clash. Il segretario del PSI, spalleggiato da Valenti, Causio e la Menchù (che pochi giorni prima aveva attaccato duramente Strummer e compagni sulle pagine de Les Inrockuptibles accusandoli di imborghesimento e di aver abbandonato al proprio destino la causa sandinista) chiese espressamente al presidente di tornare sui propri passi e negare l’autorizzazione ai concerti. All’insolita veemenza con cui i quattro si scagliavano contro le influenze destabilizzanti che quel tour avrebbe causato sulla scena punk italiana, si contrapponeva la calma aristocratica degli Agnelli e di Sofri, nonché la proverbiale fermezza greca dell’Ammiraglio Papacostantinou.

Sofri replicava a Craxi che negando quei concerti si sarebbero buttati all’aria anni di lavoro sotto copertura, di condizionamento e di infiltraggio e che sarebbe stata una pazzia esacerbare gli animi a sinistra proprio nel momento in cui l’operazione disimpegno cominciava a dare i primi frutti, come l’esperimento televisivo a Milano aveva ampiamente dimostrato. Umberto Agnelli, oltre ad appoggiare l’intervento di Sofri, dicendo di parlare anche a nome del fratello (che in quei giorni si trovava in vacanza sul Perito Moreno in Patagonia), sosteneva che una decisione negativa sui Clash avrebbe attirato ancora una volta le ire del Primo Ministro inglese Tatcher e che la FIAT non poteva permettersi altre rimostranze sindacali presso gli stabilimenti Autobianchi di Birmingham e dello Yorkshire.

Forlani non sapeva che pesci pigliare e intanto Liberatore, apparentemente infastidito dall’atteggiamento intransigente di Causio e della Menchù, si limitava a fare disegnini e a scarabocchiare il proprio blocco d’appunti, mentre D’Alema era impegnato a stenografare il verbale della riunione.

Proprio quel verbale, vergato dall’inchiostro e dal sudore del futuro primo Presidente del Consiglio post comunista, è stato ritrovato nel 2010 all’interno di un’intercapedine nascosta sotto al famigerato armadio della vergogna, nascosto presso un locale sotterraneo di una sede segreta del SISMI in via Gradoli a Roma. Lo scritto è stato diffuso nei mesi scorsi da vari organi di stampa e da esso Ascanio Celestini ha tratto un monologo che è stato trasmesso ieri sera durante una puntata de La Storia siamo noi di Giovanni Minoli.

Torniamo agli eventi di quella notte e a quelli che li seguirono.

Dopo due ore di reciproche accuse, culminate con Liberatore che urlando definisce Causio il Peron del Tavoliere, la riunione viene aggiornata per cercare di calmare gli animi e di evitare lo stallo. Mentre la Menchù prepara il caffè e Valenti imita i telecronisti di 90° minuto per divertire gli altri, Craxi si apparta con Sofri e palesa il vero motivo di quella convocazione straordinaria: la spartizione di una maxi tangente di 80 milioni di dollari che la Food and Drug Admnistration (FDA) avrebbe pagato per la vendita di 1100 missili Cruise da installare attorno alle basi di Aviano, Sigonella e Montepulciano; un affare da 900 miliardi di lire per le aziende americane di armamenti.

Il meccanismo era semplice: il denaro della FDA sarebbe stato versato interamente a mezzo traveler’s cheque e voucher turistici in tranche di 10 milioni di dollari ognuna ad agenzie de I Viaggi del Ventagilo sparse in tutto il mondo. Questi titoli a loro volta sarebbero stati scambiati alla borsa agricola di Milano con sacchi di sementi di soja americana contaminata da vendere, con il benestare del Ministero dell’Agricoltura, ad ignari coltivatori italiani.

Continua.

ON THE ROAD IN GARFAGNANA ovvero ITINERARIO PASCOLIANO

noreply@blogger.com (alunno Proserpio) — Tue, 26 Jul 2011 14:19:00 +0000

Particolarmente memorabile, durante il viaggio in Toscana e Liguria di inizio luglio - col gruppo duffocovata al gran completo – la visita alla casa di Giovanni Pascoli. Dopo lunghe e perigliose corse sui tornanti della Garfagnana, con Duffo al volante, degno erede delle mitiche corse in salita che tanto rallegrarono gli anni settanta italiani, e dopo attraversamenti di borghi ridenti, ci si recò a Castelnuovo Garfagnana. Castelnuovo, oltre ad essere un'amena località con annessa fortezza estense, fu a suo tempo governata dall'Ariosto, e non ci si toglie dalla testa l'idea che l'assegnazione fosse stata una punizione, o un anticipo di vendetta per le generazioni costrette a perdere la vista e il senno sui poemi cavallereschi.

A Castelnuovo Garfagnana si assiste a un fenomeno curioso e forse di origine soprannaturale, vale a dire un afflusso pomeridiano sconsiderato di clientela alla locale sede di una celebre banca senese. Nel giro di quindici minuti, mentre cerchiamo di riaverci dalla fatiche del viaggio scolando cochecole e acque e menta come se piovesse (non eravamo ancora stati iniziati alle meraviglie della cedrata, avverrà a Genova), notiamo almento venti persone che entrano nella banca, tutte dotate di misterioso foglietto. Essendo quelli i primi giorni della crisi in borsa, non riusciamo scacciare dalla testa l'idea che tutto nasca da Castelnuovo, e che broker senza scrupoli si siano dati appuntamento in Garfagnana per dare l'assalto ai bastioni borsistici.

Si prosegue dunque. Prima per Barga, per inerpicarci fino al primo punto immancabile del nostro Pascoli Tour: il praticello chiamato Arringo, antico luogo di comizi e declamazioni, già cantato dal sommo poeta con il suo solito stile vivace e solare:

"Ora nell’Arringo ruzzano in qualche ora del giorno i vostri ragazzi: nei Lavelli non sono più nemmeno le vecchie ossa — il camposanto è morto anch’esso —: solo il Duomo raccoglie in sè tutte le vostre memorie e glorie, e parla a tutta la valle con la voce soave e profonda delle sue campane".

Poi si scende passando nei pressi del teatro comunale in cui nel 1911 venne pronunciato dal poeta il celebre discorso "La grande proletaria s'è mossa", col quale, in pieno italian style, un signore la cui maggiore esperienza di battaglia furono i certami virgiliani, esortava il popolo alla guerra in Libia.

Il borgo è comunque bello, il caldo torrido, i turisti pochi, gli italiani assenti. Molte chiese e chiesette, un bel San Cristoforo ligneo nel Duomo, un educandato delizioso, splendida vista sugli appennini. Dopo un ottimo gelato allo zenzero accanto all'ennesima chiesetta, si riparte per Castelvecchio affidandoci alla perizia navigatoria del cellulare di Duffo, che ci porta a destinazione senza troppe giravolte e deviazioni. In auto si discetta di Pascoli, della passione per le sorelle, si fanno pettegolezzi infondati, anche se stranamente non cediamo alla nota propensione per la cronaca nera ed evitiamo di fare ipotesi sull'ammazzamento di Pascoli padre.

Si arriva alfine sotto la casa del Poeta, a Castelvecchio. Il parcheggio è deserto e accanto vediamo una pizzeria che dev'essere chiusa da tempo immemorabile. La viuzza in salita per accedere al buen retiro del romagnolo scoraggia anche i più intrepidi, e si opta per dare un'occhiata dal di sotto a quella che si presume essere la casa pascoliana. Poi è anche lunedì, probabile giorno di chiusura. Si intravvede un porticato, decidendo che con certezza è la dimora del poeta, permettendoci così di raccontare ai posteri che "ci si è stati". Un rimpianto, però: solo ora scopro che alla casa avremmo trovato un buon liquore intitolato al poeta, chiamato il "Luigino". Dedica di sicuro buon gusto, dato che Pascoli morì per le conseguenze del suo alcolismo.

Nella foto, un Pascoli senza dubbio ben carico di "Luigino" si appresta ad arringare un gruppetto di aficionados.

Scott Pilgrim vs Me

noreply@blogger.com (duffogrup) — Fri, 22 Jul 2011 11:36:00 +0000

Un approccio scientifico alla visione di Scott Pilgrim vs The World si limiterebbe a prendere atto che il film con Michael Cera fa registrare un inequivocabile 10 sulla scala Proserpio, come si può facilmente verificare rileggendo il seminale post sul New Indie Cinema dell'Alunno P. Scrivo di più: Scott Pilgrim è talmente indie che può essere considerato allo stesso tempo l'apoteosi di questo genere e la pietra tombale di una fugace stagione cinematografica che ha contraddistinto il passaggio del secolo.

Mentre guardavo il film devo ammettere che non riuscivo a divertirmi molto, trovo il richiamo al mondo dei videogiochi ormai fuori tempo massimo. Non sono riuscito a compiere quell'azione mentale tipica del lettore di fumetti che consiste nell'escludere il tempo esterno ed entrare nella bolla che ti permette di rileggere Dick Fulmine, Geppo e Nonna Abelarda anche a vent'anni di distanza. Forse non sono più capace di creare quella bolla o forse è colpa del film, fatto sta che non sono riuscito ad appassionarmi ai personaggi e alla trama. Durante la visione, però, due dettagli mi hanno colpito: i capelli multicolor di Ramona e la citazione dei Pixies, ufficializzatori del raggiungimento dello status di band indie di successo per qualsiasi gruppo abbia la fortuna di fargli da spalla.

Per quanto riguarda il taglio di Ramona che cambia colore dopo ogni mostro di fine livello, mi sono immediatamente tornati alla mente, come penso a molti altri, i capelli di Clementine in Eternal Sunshine of the Spotless Mind. Non è un richiamo banale: si tratta di una figura ben precisa nell'immaginario del pubblico destinatario del film, la cosiddetta Manic Pixie Dream Girl. Questo personaggio femminile, costante nelle proprie caratteristiche (essere carino, stravagante, stralunato, portatore di guai e, in un certo senso, disinteressato al proprio destino) è fondamentale per il protagonista dei film new indie perchè l'innamoramento nei suoi confronti è la spinta che lo porta alla fine ad affrontare la vita con un nuovo punto di vista più "adulto" e consapevole. Propongo all'Alunno Proserpio di inserire a tal proposito un undicesimo punto alla sua scala. Il discorso non cambia se cambia il sesso. Lo stesso Micheal Cera è Manic Pixie Dream Boy di uno dei pochi new indie movie girato dal punto di vista di una ragazza: Juno. E' in questo che Scott Pilgrim pur essendo a mio parere un film senza originalità è l'apoteosi del genere indipendente perchè ha tutti gli elementi che lo contraddistinguono. Ma perchè ce li ha? Lo dice il film stesso con la battuta sui Pixies, ce li ha perchè sono necessari per essere indipendenti e di successo. E' per questo che Scott Pilgrim è la fine stessa di questo genere: tutti gli elementi che fanno di questo film un perfetto film indipendente non hanno nessun vero motivo d'essere e rendono solo palese che questo film in realtà è un falso, non è sincero.

Date queste premesse qualcuno potrebbe ribattere che è proprio della filosofia postmoderna, che è alla base dell'idea stessa di nuovo cinema indipendente, insinuare consapevolmente nello spettatore il dubbio sulle reali intenzioni dell'autore. Dovrei chiedermi se anche per i film indipendenti degli anni 2000 non sia giunto il tempo di diventare classici con cui giocare, confondere lo spettatore ed ammiccare alle comuni esperienze. Scott Pilgrim sarebbe così il pioniere di un nuovo livello di postmodernità al cinema, probabilmente insieme ad un altro film, tratto anch'esso da un fumetto indipendente, Kick Ass. Un dubbio lecito e verosimile ma che non voglio pormi. Questo ragionamento mi spingerebbe verso un'impostazione mentale che non voglio sperimentare, quella delle persone che all'avvento del nuovo cinema indipendente non l'hanno riconosciuto o peggio lo hanno banalizzato perchè ne hanno riconosciuto solo il riflesso di ciò che lo aveva preceduto. Nella pigrizia mentale che mi attanaglia, o nella paura che tutto ciò che ho scritto venga tradotto in "stai diventando un matusa", preferisco considerare Scott Pilgrim vs The World un perfetto film new indie che non mi ha fatto saltare sulle poltroncine del cinema.

PICCOLO DIZIONARIO DEL CACCIATORE DI FANTASMI: J-N

noreply@blogger.com (alunno Proserpio) — Wed, 20 Jul 2011 14:57:00 +0000

J come Julian Cope. Ex cantante dei Teardrop Explodes, con una ragguardevole carriera solista alle spalle, è colui che ha riportato in auge e fatto diventare immensamente cool il Rock Cosmico Tedesco (Krautrocksampler) e la musica giapponese degli anni sessanta e settanta (Japrocksampler). A suo tempo ha contribuito a riposizionare Liverpool sulla mappa musicale del post punk e creato una sorta di personale via alla psichedelia degli anni zero, bucolica ed elettrica allo stesso tempo. Instancabile studioso di monumenti megalitici (dall’Inghilterra alla Bretagna, passando per la Spagna e la Sardegna), è un fervente ammiratore dei druidi e degli allucinogeni. Non so se gradirebbe stare in questa rassegna, ma è un grandissimo e io ce lo metto, proprio per la sua capacità di creare strani ibridi tra pastoralismo britannico, paganesimo e musiche eccentriche. Imperdibile dal vivo con giubbottino di cuoio senza maniche e cappellone da ufficiale.

Questo è il suo sito.

K come K Punk (ovvero Mark Fisher) forse il principale teorico della hauntology. Il suo blog è sempre pieno di intuizioni sorprendenti e di interventi in cui la posta in gioco politica si sposa a una costante attenzione per le traiettorie musicali e cinematografiche. Sulla rivista Wire è uno dei più attenti investigatori delle declinazioni imprevedibili che la hauntology continua a seguire. Tra gli oggetti di attenzione segnalati dal buon Mark (oltre a quelli citati in questo dizionario), Position Normal, Black to Comm, Vindicatrix. Come ogni buon studioso un po' snob, usa il meno possibile (sicuramente meno di quanto faccia io) la parola che inizia per H.

L come Ley Lines. Sono le linee di energia che avvolgono la terra, secondo alcune credenze che risalgono ai tempi dei druidi. Se siete italiani le avrete incontrate magari in un vecchio numero di Martyn Mystère. Se siete inglesi, potreste esservi imbattuti in questo strano fenomeno guardando Children of the Stones, serie per ragazzi di superculto della metà degli anni settanta (capitata anche da noi sulla RAI, ha infestato i miei ricordi per anni). Racconta la storia di un astrofisico e del figlio che si recano in un villaggio della campagna inglese per condurre degli studi su fenomeni elettromagnetici. Le pietre del titolo sono i giganteschi megaliti che circondano il villaggio e che rimandano a un misterioso evento cosmico che, avvenuto forse migliaia di anni fa, sembra aver reso la ridente cittadina di Milbury il centro di una complessa vicenda fanta-archeologica. La disposizione dei megaliti corrisponde all’intreccio delle Ley Lines, naturalmente.

M come Moon Wiring Club. Creatore di una personalissima declinazione del genere, più spostata sull’immaginario anni ’80. In un suo mixtape si possono trovare la colonna sonora di Zombi 2 di Fulci accanto ad annunci pubblicitari della TV inglese, sigle di telefilm vicino a melodie dolciastre eseguite da tastiere vintage. Anche lui ossessionato dal rapporto tra dimensione bucolica e salti nel continuum del tempo, appare come una sorta di figura di congiunzione tra la linea hauntologica inglese e quello che va sotto il nome di Hypnagogic Pop, sviluppato negli Stati Uniti. Oltre a essere un musicista, è un grandissimo grafico che crea immagini riconoscibili e inquietanti: delicate figurine adolescenziali immerse in un’estetica a metà tra Alice, una rivista per ragazzini del 1982 e un mazzo di tarocchi.

Dà sue notizie su Facebook

N come Noggin the Nog. Ma Anche Bagpuss, i Clangers, Ivor la locomotiva. Tutte creature del genio dell’animazione artigianale Oliver Postgate. I suoi cartoni animati hanno formato l’immaginario visuale di generazioni di piccoli inglesi. Che non hanno trovato strano seguire le avventure di bizzarre creaturine spaziali che parlano con una specie di curioso fischiettio, o che un grosso gatto di pezza a strisce bianche e rosa possa prendere vita e mettersi ad ascoltare le storie di un picchio di legno mentre una banda di topolini mette in moto un piccolo organo a canne magico. I Radiohead hanno usato un tipico immaginario postgatiano nel video di There There.

(continua)

Le lettere precedenti del Dizionario si trovano QUI (A-D) e QUI (E-I)

Come l’Italia fece fuori il più grande clarinettista del jazz

noreply@blogger.com (duffogrup) — Sat, 16 Jul 2011 12:49:00 +0000

Il documentario Io sono Tony Scott, realizzato da Franco Maresco, uno dei Ciprì & Maresco, è dedicato all'incredibile vita del clarinettista jazz numero uno al mondo, come lo stesso Tony Scott amava definirsi. La carriera di Anthony Sciacca, alias Tony Scott, ha la forma di un'iperbole: ad un inizio sfolgorante accanto agli altri grandi del bebop segue una discesa lenta e sempre più umiliante. Il documentario si apre con un'immagine desolante: Paolo Bonolis che, invece di rendere omaggio ad uno dei grandi musicisti del novecento, riesce a trasformare un'intervista a Tony in una sadica presa per il culo di un vecchietto un po' suonato. Nel 1970 Scott ha infatti la pessima idea di trasferirsi in Italia, un paese culturalmente arretrato e in cui perfino il jazz viene ideologizzato. Il mondo del jazz italiano si comporta come ci si aspetta: Tony viene da subito osannato, poi poco a poco emarginato, alla fine disprezzato ed evitato. Il documentario non è però agiografia, buona parte delle sfighe di Tony sono frutto delle sue ossessioni e delle sue manie di protagonismo che tendono a sopraffare chiunque tenti di stargli vicino. Non vengono nemmeno nascosti i problemi psicologici di cui soffriva e che trovano una possibile causa in uno strano e drammatico evento accadutogli in Indonesia alla fine degli anni '60. Il documentario merita una visione anche solo per la mole di materiale che Maresco è riuscito a recuperare. Unica pecca la lunghezza, qualche sforbiciata non influirebbe sull'interesse ma immagino che sia un compito duro cercare di contenere il racconto di una vita come quella di Tony Scott, il clarinettista jazz numero uno al mondo.

Chi voglia sentire Tony Scott suonare e lasciar perdere le ciance vada al minuto 1 e 56 secondi.

Provateci voi o The Freaky Boys part II

noreply@blogger.com (alunno Proserpio) — Tue, 24 May 2011 16:31:00 +0000

Il rock è sempre stato strettamente legato al sesso. Il fascino ormonale trasudato dai grandi animali da palcoscenico fa pienamente parte del loro successo e del loro status di icona. Iggy Pop che salta sudato a petto nudo, i movimenti lenti e fatali da dioniso elettrico di Jim Morrison, Mick Jagger con il broncio e il passo scanzonato da ragazzaccio: la scossa sessuale è altrettanto importante della loro musica. Anche le capigliature stylish, gli stivaletti, gli abiti perfettamente tagliati dei Beatles erano un modo per contrabbandare la pericolosità sessuale del quartetto di Liverpool sotto l'aria da bravi ragazzi.

Eppure, a giudicare da questo video, non sempre questa equazione pare valida.

Senza raggiungere le vette di surreale coreografia di I get Around, ritroviamo comunque i grandissimi Beach Boys in versione freak. Sono senza dubbio capitati lì per caso: Brian Wilson, con le braccia incrociate e quasi immobile è già un uomo di mezza età che non sa trovare il suo posto nel mondo, il classico venditore d'auto depresso del Midwest. Nessuno potrebbe dire che quest'uomo è un genio, anche a causa dei pantaloni che salgono ben oltre l'ombelico e lo proiettano nell'empireo della middle class anni cinquanta. Dennis riesce a essere quasi umano, dato che evidentemente gli hanno ingiunto di non muovere le braccia per vitare le ben note mosse scimmiesche già evidenziate in un post precedente. La mascella volitiva fa intuire il gran scopatore degli anni successivi, ma l'ineffabile camicia a righine da commesso di gelateria inibisce qualunque spinta sensuale.

Mike Love, utlimo a destra, è sempre più vicino alla calvizie, ma riesce a dare una botta di vita alla situazione accennando, attorno a 1'42'' ad alcuni passi di danza che lo consegnano all'eternità della nerditudine. Si segnala anche per come tiene alzato il ginocchio sinistro, con un movimento in grado di generare mal di schiena cronici alla Jack Kennedy (al minuto 1.55 è straordinario come riassuma la posizione in stile belle statuine). Al Jardine è sempre piccolissimo, col testone e una riga tra i capelli che gli gira attorno alla testa andando a fissarsi sulla nuca. Si segnala per un passettino da camminatore che utilizza per cercare di tenere disperatamente il tempo. È comunque un cuor contento, bambino portato al luna park o in gita premio per aver finalmente preso la sufficienza in matematica. Carl Wilson, al centro, svetta, in tutti i sensi. L'inquadratura fa spiccare ancora di più la sua statura da gigante buono, il volto è quello di un bambino privo di malizia, una figura garroniana che in playback fa salire al cielo il suo divino falsetto tenendo per tutto il tempo le mani a coprire il pacco, tipo prima comunione. Un doppio mento infantile ne denuncia la lontananza da quello stereotipo surf-macchine-donne che costituiva il nucelo tematico dei Beach Boys dei tempo d'oro, evidenziando ancora di più la natura assolutamente psichedelica e straniata del tutto. Brecht e Ionesco messi assieme non avrebbero potuto fare di meglio. Poi c'è la musica, e qui mi ripeto, scrivetela voi una cosa del genere, se ci riuscite.

Viaggio alla fine delle Tenebre

noreply@blogger.com (alunno Proserpio) — Mon, 28 Feb 2011 17:04:00 +0000

Inizia nella pioggia dello Yorkshire, come un prologo alle tenebre poliziesche del Red Riding Quartet di David Peace. Continua come la storia dell'elaborazione psicotica di un lutto. E poi esplode in un proliferare di trame spionistiche, agenti doppi e tripli, intrighi internazionali. Omicidi, incidenti, intercettazioni, hackeraggio ante litteram, membri del Civil Service che non si capisce da che parte stiano, plutonio. Finisce come una lacerante parabola sul bene e sul male, sulla sopravvivenza della terra, sullo scegliere da che parte stare, fatta ad ogni costo.

Edge of Darkness, di cui è uscito qualche tempo fa il remake con Mel Gibson (diretto dallo stesso regista e intitolato, in italiano, Fuori controllo), è semplicemente uno dei massimi capolavori televisivi di tutti i tempi, capace di mescolare dramma poliziesco, spy story, ecologia, paranoia e apocalisse. Ma soprattutto, questa serie del 1985 diretta da Martin Campbell (made in BBC, naturalmente) è una parabola politica di rara lucidità e preveggenza (Chernobyl arriverà qualche mese dopo la messa in onda). Per scriverla, lo sceneggiatore Troy Kennedy Martin è partito infatti da una serie di eventi ben precisi, tra cui il celebre discorso di Reagan che darà il via al progetto delle guerre stellari in chiave antisovietica e il forte investimento Thatcheriano sull'energia e gli armamenti atomici (nella serie a un certo punto vediamo la Iron Lady sostenere, in un dibattito televisivo, la necessità di puntare sui missili Trident). Ma la genialità del racconto sta nel costruire la vicenda attorno a una serie di passaggi simbolici ben precisi, che trasformano la ricerca della verità del detective Craven, che vuole sapere perché sua figlia sia stata uccisa, prima in una discesa agli inferi (rappresentati dalla centrale nucleare di Northmoor) e poi in una quête filosofica per la sopravvivenza della terra.

Per Edge of Darkness Kennedy Martin ha pescato a piene mani da varie fonti, decostruendo il crudo realismo della messa in scena attraverso inserti fantastici (le apparizioni del fantasma della figlia Emma all'allucinato Craven) e filtrando il tutto attraverso una chiave esplicitamente arturiana: un'interpretazione data dall'autore è quella che vede Craven come il Green Man, difensore mitico della terra e della natura, preso nella lotta tra i due cavalieri, Jedburgh, il cavaliere teutonico, difensore dei confini orientali, e il perfido Grogan, il templare, l'uomo dei traffici occulti e del denaro.

Jedburgh è l'uomo della CIA e di San Michele (il protettore dell'agenzia, appunto), che viaggiando tra una missione nel Salvador e una partita a golf incrocia la sua strada con quella di Craven. E Craven è incerto se portare avanti una vendetta personale o se accettare il fluire delle cose, nella fiducia che un giorno Gaia, la terra-organismo, ritroverà un nuovo equilibrio in una omeostasi raggiunta forse attraverso l'eliminazione del genere umano.

La follia di Craven (interpretato dallo straordinario Bob Peck, ma tutti gli attori sono magnifici, a partire da Joe Don Baker nella parte di Jedburgh) è quella dell'uomo oppresso dal senso di colpa che va verso il crollo nervoso. Ossessionato progressivamente dagli alberi, uomo pianta (come non pensare all'albero contorto come metafora della follia di The Shout diSkolimowski)

sempre più lontano dagli uomini, alla ricerca della verità, gravato dal peso del lutto (prima della figlia era morta la moglie) e di un passato vissuto dalla parte dello Stato, anche a costo di tremendi compromessi (è stato in Irlanda, a combattere l'IRA con mezzi poco ortodossi), Craven è un personaggio difficile da dimenticare.

Uscire dalla psicosi, per lui, non significa ricomporre l'unità funzionale dell'io, ma accedere a una sorta di connessione cosmica sacrificale. L'ultima inquadratura, che non anticipo, dice tutto. La terra sull'orlo del baratro nucleare è forse una parente radioattiva della Waste Land di Eliot e negli archetipi dei cavalieri arturiani e dei cicli della rinascita sta la chiave di quest'opera unica. Occorreranno anni per rivedere qualcosa del genere in televisione (ancora in Inghilterra, con la miniserie Children of the Earth di Torchwood). Ma qui siamo davvero di fronte a un miracolo di concentrazione e di economia narrativa, in cui il ritratto cupo dell'Inghilterra della Thatcher, delle lotte per il potere economico e dei conflitti sindacali viene reso attraverso lo sguardo di un uomo guidato ormai da una determinazione cieca. L'eccezionale carica allegorica della narrazione è la stessa che ritroviamo ad esempio nel Sandman di Gaiman: un concentrato di codici che si incrociano in una narrazione su più livelli, dove il gotico incontra Sherlock Holmes e la potenza del teatro elisabettiano si mescola alle scissioni psicotiche di cui parla lo psichiatra Laing, e l'ipotesi di Gaia di Lovelock si lega agli incidenti nelle centrali nucleari.

E questa complessità di registri si coglie già in una delle prime scene. Emma è appena stata uccisa. Craven entra in camera della ragazza, tocca le sue cose, le annusa. I suoi vestiti, i suoi libri, in un cassetto dei documenti. Un vibratore, segno della distanza che lo separa dalla vita indipendente della figlia. I manifesti politici alle pareti. Un orsacchiotto. Frammenti di un rapporto padre e figlia ormai spezzato. Craven si sofferma a lungo su ogni oggetto e la sequenza apparentemente patetica comincia a trasformarsi in una scena ossessiva. Ma c'è qualcosa che non va. Un contatore geiger. E poi una pistola. Craven sul letto della figlia, lo sguardo nel vuoto, la pistola in una mano e l'orsacchiotto nell'altra, comincia la sua discesa agli inferi, lo spettatore entra nella mente del poliziotto. Sul giradischi una canzone di Willie Nelson, Time of the Preacher (che tornerà alla fine, chiudendo il cerchio). L'atmosfera è sospesa. E le parole della canzone gettano una sensazione di ineluttabile corsa verso la distruzione. "It was the time of the preacher in the year of 01 /Now the lesson is over and the killing's begun". E si inizia a sprofondare nella notte, nelle tenebre, oltre the edge of darkness. I fiori neri spunteranno e forse il mondo, sotto lo sguardo triste dell'uomo verde, rinascerà dalle proprie ceneri.

A Journey Through Time and Space

noreply@blogger.com (alunno Proserpio) — Mon, 03 Jan 2011 16:42:00 +0000

Howard Moon ha i baffi e gli occhi piccoli. Adora il jazz d'annata e in particolare lo scat (avete presente? Quelli che fanno be bop con la bocca). È educato, timido, fondamentalmente insicuro, uno che si prende molto sul serio ma alla fine passa inosservato. Ha un senso di superiorità mal riposto che lo spinge a cacciarsi sempre in situazioni imbarazzanti. Cerca di trovare il suo posto nel mondo dedicandosi alla scrittura, alla poesia, al Djing, al commercio, alle esplorazioni. Ha una inclinazione perversa per le giacche di velluto, per le toppe ai gomiti, per i Weather Report.

Vince Noir ha i capelli di Rod Stewart e gli occhi azzurri. È un mod, ma più per lo stile che per la musica. Veste con tutine di lustrini che farebbero sembrare Ziggy Stardust un sobrio impiegato del ministero della guerra. È strafottente, effeminato, idolatrato dalle ragazze. Qualsiasi cosa faccia, e fa tutto con stile assoluto, non riesce a non avere successo. Adora Mick Jagger, Gary Numan e la musica elettronica. Soprattutto adora non prendere sul serio Howard Moon.

Poi c'è Naboo lo sciamano, enigmatico, piccolo e dotato di mantello, turbante e poteri magici. Il massimo segno di disprezzo nei confronti di Howard e Vince consiste nel ruotare su se stesso come un pupazzetto e dar loro la schiena. Possiede una riserva di libri di magia bianca nera e beige e svariate pozioni. Il suo migliore amico e animale familiare è Bollo. Bollo è un gorilla che parla, ha gli occhi azzurri e scrive a Peter Jackson.

Quando Vince e Howard lavoravano come inservienti allo Zooniverse, il loro capo era Bob Fossil. Un tizio che la pancia che veste con un completo pantaloni e camicia carta da zucchero, danza come un ossesso, è assolutamente gay e stronzo all'inverosimile. Di animali non ne sa nulla, nemmeno i nomi, e odia i visitatori e i bambini.

Se mettete assieme tutti questi ingredienti, avrete la serie più scoppiata degli ultimi decenni, The Mighty Boosh. Una successione di gag surreali, avventure psichedeliche, battute assurde, musica e creature incredibili.

Una puntata dei Mighty Boosh potrebbe includere un incontro di boxe contro il Killeroo, il canguro assassino; oppure un remake del Tranquillo weekend di paura con tanto di vecchio montanaro perverso; una gita al Lago Nero, nel cui fondo vive Old Gregg, una creatura mostruosa con la capigliatura di alghe che adora dipingere aquerelli, l'Irish Cream e rapire uomini aitanti di cui si innamora. Potrebbe apparire The Hitcher, una sorta di supercattivo cockney col cilindro e una gigantesca mentina sull'occhio, uscito dai quartieri della Londra dei tempi di Jack lo Squartatore. Oppure Milky Joe, pupazzetto con una noce di cocco al posto della testa e seguace dell' esistenzialismo francese.

Una volta Vince e Howard hanno persino sventato la fine del mondo, sconfiggendo la temibile vecchietta satanica un attimo prima del Nanageddon. E come dimenticare la lotta con il Black Frost, durante la ricerca del gioiello di Kukundu, in un perfetto omaggio ai grandi esploratori vittoriani e ai film della Hammer?

Ma cos'è The Mighty Boosh? È il parto delle menti molto molto malate e molto molto alterate di Julian Barratt e Noel Fielding, che in Inghilterra hanno dato vita a una serie di superculto (tre stagioni) a tournee trionfali, a una serie radiofonica. Anche a un libro, The Mighty Book of Boosh, di cui sono fiero possessore. La serie, senza troppo curarsi della continuity, salta da uno zoo a un appartamento di Dalston a un negozio (Nabootique) di Camden. Le storie viaggiano su piani di realtà molto diversi, come se i Monty Python avessero abbandonato ogni minima velleità logica per immergersi in visioni a base di musicisti psichedelici degli anni sessanta (con capelli afro completi di porticina da cui escono oggetti magici, lo so che è strano, ma è così), un cattivo fatto di nastri di di videocassette, una luna ritardata, un gruppo di lupi mod, una loggia di sciamani, Brian Ferry, il jazzista cieco Lester Corncrake, un uomo con la faccia di formaggio di nome Tommy Noodle, che canta una canzoncina che dice "Cheese is a kind of meat, a tiny little beef". Il tutto con dosi abbondanti di effetti speciali e soprattutto un sacco di musica (scritta da Barratt): electro-pop anni ottanta, techno, ballate cockney, beat anni sessanta, jazz, elettronica sperimentale, punk, heavy metal, nu rave, glam rock, fusion, hip hop. E poi c'è il Crimp, canzoncine a cappella cantate all'unisono, un ibrido tra rap, scat e filastrocche per bambini strani.

Tutto molto inglese, ovviamente, come i limerick di Edward Lear, le vecchiette che giocano al Bingo e Marc Bolan.

Welcome to a Journey through time and space to the world of the Mighty Boosh!

Scrittori al cinema

noreply@blogger.com (alunno Proserpio) — Sun, 24 Oct 2010 13:21:00 +0000

Si scherzava, nelle lunghe code sotto la pioggia battente di Pordenonelegge, col Duffo, riguardo al nome di Cortellessa. Forse non è un nome, ma un soprannome, e dei più calzanti, appiccicato a un figuro intabarrato sempre pronto ad estrarre la sua navaja e a farla scattare con un colpo di polso, il mantello arrotolato sull'altra mano, come in certe risse romanesche dei bei tempi andati.
(Ma come faranno a combattere, tutti questi albanesi e senegalesi e napoletani e veronesi e figli della suburra post-pasoliniana, visto che indossano solo strettissime magliette di D&G poco utili in funzione protettiva, vuoi mettere con una giacchetta di fustagno o con un parka?).
Si ipotizzava, allora, che il critico letterario prendesse il nome dal suo strumento di morte, la cortellessa (variante romana del “cortel” o del “corteass” veneto), appunto, e che fosse sempre pronto a sguainarla a fronte di insulti e provocazioni da parte di altri esponenti del mondo letterario. Invece si tratta di un ragazzone corpulento e barbuto (non può non venire in mente Battiston, anche se certo assomigliasse a Orson Welles avrebbe altro impatto, sul grande schermo).
Allora, inizia il suo (e di Luca Archibugi) film, Senza Scrittori; anzi no, non inizia. C'è prima del film un dibattito. Ottima occasione per ribaltare i rituali nannimorettiani di chi considera ancora il cinema come qualcosa su cui dibattere, o su cui dibattersi, in un amplesso che magari il film, poverino, non avrebbe poi tanto gradito. Ma tanto il film è di Cortellessa e ci può fare tutto il sesso che vuole (ora, in senso tecnico, questa si chiama masturbazione, o sega mentale e corporale). Ma, insomma, c'era proprio bisogno di venti minuti o più di confronto a tre sul valore di un film che nessuno del pubblico aveva ancora visto? Quindi, si va al cinema e ci si trova al teatro, con tre attori, in ordine Francesco Cataluccio, simpatico toscano, che come tutti i toscani ha sempre in agguato il sorrisino da “ti piglio per il culo”. Di Cataluccio ricordo alcune introduzioni davvero memorabili a Gombrowicz e un bel libro di peregrinazioni mitteleuropee, e pur essendo un uomo di fascino colto (del genere pelato dalla voce profonda e l'occhio ironico, a qualcuno piacciono) mi delude un po' perché m'ero fatto di lui un'immagine di omino piccolino e sfigato, da personaggio di Ferdydurke, insomma, schiacciato dalla morsa del potere. Invece ha l'aria, sia detto con simpatia, di quello che la morsa del potere la manovra, dandoci dei bei giri. In fondo è uno che, cresciuto in Feltrinelli, è stato direttore editoriale di Bruno Mondadori e poi di Bollati Boringhieri, non proprio un outsider, dunque. E infatti nel dibattito pre e post film non sembra proprio metterci l'anima, va in souplesse, come a dire “ma a me che mme frega”.
Stefano Salis, dal canto suo, che si occupa di temi legati all'editoria sul supplemento domenicale del Sole 24 ore, ha un'aria non simpaticissima, ma non può che conquistare i favori del pubblico con i suoi interventi in disaccordo con Cortellessa e che iniziano quasi sempre con frasi del tipo: “Non riesco a tenermi, te lo devo proprio dire”. Insomma, il barbuto Salis, (da distinguere dal barbuto Cortellessa, il primo ha la barbaccia nera di chi si è rasato la prima volta a otto anni, mentre il secondo sfoggia una barbetta adolescenziale da indie rocker, adatta al volto delicato di bimbo a quattro dimensioni) non ci sta, non condivide le tesi del film. Ma quali saranno, le tesi?
Insomma, il quadro è il seguente: il film ancora non si è visto e Cortellessa è d'accordo (con se stesso), Salis in disaccordo (con Cortellessa), Cataluccio pensa signorilmente ai cazzi propri.
E dunque, mentre dal pubblico si leva qualche mugugno per il lungo confronto iniziale, il film, in mezzo ai consueti problemi tecnici, incomincia. E devo dire che non è male, se riusciamo a dimenticarci di Cortellessa vestito di rosso che fa un po' il Michael Moore senza averne però l'aggressività ideologica (e questo è bene) e i soldi (questo fa sì che il film sia un po' abborracciato, non è proprio un'inchiesta, non è un documentario d'autore, non si sa bene cosa sia). Per un sostenitore della letteratura alta come Cortellessa, certi giochi di inquadratura sono un po' scontati (come dire, sarà pure cresciuto a pane e Gadda, ma come documentarista siamo più dalle parti di Minoli e il montaggio è da “Le Iene”, e non quelle di Tarantino), del tipo che se mi inquadri una vecchiaccia col trucco al premio strega e non sei Von Stroheim, quello che vedi è una vecchiaccia ripresa col trucco in primo piano. Ma, per farla breve, il film guardatevelo (cosa credevate, questa è l'introduzione, il dibattito, mica il film), non è male, non capita tutti i giorni di guardare in faccia certe persone che prendono certe decisioni e ci fanno arrivare certi libri. C'è Tiziano Scarpa, venezianissimo e baffuto, che fa il modesto, il “che ci faccio qui”, e si porta a casa lo Strega. C'è Scurati che fa se stesso, cioè l'archetipico compagno delle medie che era un piacere prendere a calci nel culo, e che dichiara di non starci, con questo giochetto della società letteraria. C'è Franchini, che attenzione, sembrerebbe anche lui l'archetipico compagno delle medie di cui sopra, ma pratica ogni genere di arte da combattimento, quindi, come dire, cattiva idea metterla sul confronto fisico, a meno che non si abbia in tasca, che ne so, una 357 magnum o almeno una cortellessa a serramanico. Franchini è il direttore editoriale della narrativa Mondadori. È il signore che sceglie (o contribuisce a scegliere) buona parte del menu letterario che ci viene propinato nelle librerie. Ecco, a film finito, facendo la solita figura dello stalker da fiera della letteratura, sono intervenuto per provare a dire che quel Franchini mi pare uno non proprio contentissimo del mestiere che fa, perché ha l'atteggiamento di quello che dice “Sì, in effetti pubblico un sacco di merda, roba che poi per espiare mi devo far prendere a mazzate sul ring, ma è la merda che poi permette di pubblicare roba buona, tipo Moresco”: Perché è questo il senso del film, l'eterna lotta tra il bene e il male, tra letteratura di qualità e letteratura di massa, tra Cristi Polverizzati, che Cortellessa, facendo sfoggio di modestia, definisce il nuovo Gadda (lo sfoggio di modestia è verso se stesso, dato che l'ha pubblicato lui, nella sua collana presso l'editore Le lettere) e Mazzantini. E indicativo mi pare l'episodio strappalacrime, quando Cortellessa vede i ragazzi dello staff del festival di letteratura di Mantova che, al momento di scegliere il loro autore da invitare, invitano la Mazzantini e Cortellessa ci rimane malissimo. Generando la compassione del pubblico. Che adesso, a tarda ora, si è un po' rotto i coglioni, e aspetta la fine del film, che è un elegiaco elogio del festival di Topolò, del tipo piccolo e bello, il volontariato salva la cultura, con tanto di poetessa che declama versi non proprio di grande impatto. Al punto che alla fine, al momento del dibattito vero, Cataluccio dichiara che allora tantovale la Mazzantini, se poi il bel festival di Topolò invita simili autori.
Colpisce e fa riflettere, come si diceva un tempo, il momento, anche questo da libro Cuore, in cui Cortellessa narra le tristi vicende di alcuni aspiranti lettori del sunnominato Cristi polverizzati. Costoro si recano presso una libreria Feltrinelli, in momenti diversi, non in processione, spero, solo per essere liquidati dal commesso con un tipico “Il libro non esiste, l'editore non esiste, la collana non esiste!”. A parte che questa faccenda genera in me il ricordo proustiano del giornalaio che c'era vicino a casa mia, maestro nel tacciare di non esistenza qualsiasi pubblicazione di cui fosse sprovvisto, e che scopro quindi antesignano dei feltrinelliani, la cosa merita un piccolo approfondimento. Prima cosa, Cortellessa dice, affranto, che i malcapitati sono stati “addirittura quattro”, sostenendo in modo non del tutto velato che si tratta di un complotto ai danni suoi, di Cristi Polverizzati, dell'editore Le Lettere e della buona letteratura in genere (da Cuore alle conspiracy theories, neanche De Lillo e Pynchon). A parte che usare quattro suoi conoscenti come dato statistico nemmeno il Cavaliere lo farebbe, forse solo il Paolo del Debbio dei bei tempi, ma in questo caso c'è da dubitare delle capacità cognitive dei cavalieri che fecero l'impresa: che i commessi della Feltrinelli non vengano selezionati alla Normale di Pisa è cosa nota, che esista una cosa che si chiama internet, qualcuno lo sa, che ci siano alcuni siti, tra cui quello di Le Lettere, in cui si può compiere un'operazione incredibile, come ordinare dei libri, pare che sfugga a tutti i dibattenti. Che non replicano nel modo più semplice: cioè che se ci sono così tanti lettori in attesa di leggere il nuovo Gadda, si suppone che costoro, oltre a una solida cultura letteraria, abbiano quantomeno un'intelligenza nella norma, e che siano così in grado di attivarsi per compiere operazioni di portata sovrumana, tipo ordinare un libro su IBS, andare in un'altra libreria, mandare affanculo il commesso Feltrinelli.
Allora in sintesi sintesi (cercate in rete i lunghi scambi tra Cortellessa e il resto del mondo per le sfumature, per esempio questo), Cortellessa dice viva i bei tempi andati in cui era tutta campagna e c'era più spazio per la letteratura di qualità, (e guardacaso, aggiungo io, c'era una bella compagine di persone che decretava cosa era qualità e cosa no), e abbasso i tempi presenti in cui un ragazzo bravo, intelligente e di buone letture riesce ad arrivare a una cattedra universitaria per scoprire che quello di intellettuale è un mestiere in via di estinzione, come gli arrotini e le signore friulane col fazzoletto nero in testa che intrecciavano le gerle. Salis dice “Ma che cazzo dici, Cortellessa! Oggi c'è moltissima più gente che legge, magari anche la Mazzantini, ma ben vengano le masse istruite”, (e se poi, aggiungo io dovessi decidere di non recensire più sul Domenicale, che ne so, Mondadori o Bompiani, chi mi paga lo stipendio?). Cataluccio dice poco, racconta della figlia, che non le piace Marcovaldo e che la scuola ci ha rovinato Manzoni (che è l'equivalente, nel mondo dei lettori forti, di dire “negri di merda” alla festa della Lega, si dice per strappare l'applauso). E la figlia, poverina, non ci esce proprio bene, nella storia, non sveglissima, parrebbe, alla sua età. E poi il messaggio che passa è agghiacciante: mentre noi siamo a Pordenonelegge ad attendere la rivelazione e il sapere assoluto, la genetica non la controlli, e ragazzi, chissà che ti venga fuori qualcuno che legge la Mazzantini, oppure Baricco,o La Solitudine dei Numeri primi, che chiunque lo abbia scritto, quel libro, il titolo è proprio bello.

La östalgie l'è una bruta bestia: una talpa.

noreply@blogger.com (duffogrup) — Thu, 21 Oct 2010 18:35:00 +0000

Su Repubblica.it Flaminia Festuccia scopre l’esistenza di una Germania östalgica che organizza tour alla scoperta della DDR; a bordo di una Trabant si vanno a visitare i simboli della divisione e del regime comunista tedesco: lungo il muro, nella zona del Checkpoint Charlie, o alla scoperta di Berlino Est. Per quel poco che ho letto e visto in tv e al cinema, mi sono fatto un’idea un po’ diversa su questo fenomeno. Penso che l’östalgie vada oltre al ricordo dei luoghi, della marca di un auto o, come si vede su Good bye, Lenin!, del vasetto di cetriolini di Stato. Nessuno poi, a meno di non essere un masochista politico o il nipote di Honecker, può avere nostalgia per il regime politico della DDR e per la Stasi. L’östalgie per coloro che la provano è da intendersi più come una sensazione perenne di mancanza. Diversamente da quanto si pensi i tedeschi orientali vivevano un luogo e un tempo costantemente permeato dai costumi e dai prodotti occidentali. Un bell'esempio in questo senso è dato dal documentario Here We Come sul movimento break dance in DDR (visto a Trieste durante la rassegna Walls of Sound del Trieste Film Festival 2009) .

I pochi oggetti della loro vita quotidiana, che altro non erano se non succedanei di quelli desiderati, nella nostra società paradossalmente sono diventati l’oggetto stesso del desiderio degli östalgici in quanto racchiudono il ricordo dell’antica voglia di libertà. E' la nostalgia per quello che non avevano, il ricordo del desiderio di qualcosa che non potevano avere. Questa idea mi spinge a fare un paragone azzardato. L’östalgie è sostanzialmente molto simile alla nostalgia che avvertono i trentenni nei confronti dei cartoni e dei telefilm degli anni ‘80. Anche in questo caso il vero oggetto della saudade generazionale non sono le trasmissioni stesse che, tranne qualche raro esempio, riviste oggi sono effettivamente carenti sia da un punto di vista tecnico che di sceneggiatura. Quello che provoca nostalgia è il ricordo di un desiderio inconscio, della voglia che il mondo di tutti i giorni diventasse come quello raccontato da quei cartoni, un mondo dove i cattivi hanno quello che meritano, dove il ripetersi delle giornate passate a studiare e lavorare lascia spazio alla magia e alla scienza impossibile e dove a tutti è concessa la possibilità di cambiare totalmente la propria vita solamente indossando una maschera colorata.

E’ a questa categoria di nostalgici che sento di appartenere, come del resto l’alunno Proserpio di cui non posso che citare il leggendario post sui legami tra i Barbapapà e la R.A.F.. Nel mio immaginario di bambino si riconoscono degli intrusi provenienti dall'est comunista, fuggiti tanto tempo fa da oltre cortina e arrivati nel mio televisore quasi sempre via Capodistria. Ne cito alcuni tanto per dare un tocco in più di östalgie.

Bolek e Lolek. Dalla Polonia arrivano due ragazzini che, senza proferire parola, vivono avventure fantastiche, il più delle volte solo nella loro immaginazione. Creati da Wladyslaw Nehrebecki nel 1964.

La piccola talpa (Krtek). A casa mia le talpe di solito ricevevano delle badilate in testa ma questa qui, disegnata da Zdeněk Miler nel 1957, era sempre la benvenuta. I cartoni raccontano le vicissitudini della piccola talpa alle prese con il mondo. Fino al 2002 il cartone è stato realizzato dal leggendario Krátký Film di Praga, ceco come la talpa.

Pat & Mat. Fantastica serie cecoslovacca realizzata da Lubomír Beneš a passo uno. La serie racconta i disastri perpetrati da due tra i più grandi idioti nella storia dell’animazione nel realizzare anche il più banale tra i lavoretti fai da te, in un escalation di catastrofi che solitamente inizia con un chiodino nel muro e finisce con la demolizione di un appartamento. Alla fine però una soluzione la trovano sempre.

La regina delle nevi. Da piccolo questo film russo del 1957 mi faceva letteralmente cagare addosso. Le scene con la splendida e terribile regina si guardavano tra le dita delle mani, posizionate strategicamente davanti agli occhi e da chiudere a scatto al momento delle scene più impressionanti. Ancora adesso viene usato come spauracchio nei confronti dei miei nipoti.

La famiglia Mezil. Una serie molto conosciuta perchè andava in onda su Rai 2 ma pochi sanno che in realtà proviene dall’Ungheria e il primo episodio è del 1969. La seconda serie è quella che preferisco: il figlio Aladar ogni sera va in giro per lo spazio con il suo cane su di un astronave gonfiabile.

Il coniglio con le orecchie a scacchi (Kockásfülű nyúl) e Gustavo (Gusztáv) li vedevo ma ammetto di non ricordarmi quasi niente di loro.

La mela, il totem e Walter Benjamin

noreply@blogger.com (duffogrup) — Sun, 03 Oct 2010 18:19:00 +0000

Perchè a Wittgenstein, Freddy Nietzsche e Spinoza hanno intitolato degli influenti blog italiani e a Walter Benjamin solo la triste rubrica dei libri del TG1 diretto (senza superpoteri) dal Clark Kent de noantri Gianni Riotta? Perchè tutti pronunciano Walter Bengiamin, neanche parlassero di Holly e Benjamin? Si può avere più sfiga di uno che si uccide per non cadere in mano ai nazisti il giorno prima di ricevere il lasciapassare per entrare in Spagna e salvarsi?

Questi sono solo alcuni degli interrogativi che la figura del filosofo tedesco fa sorgere ancora oggi. Ma non è di questo che voglio parlare. Uno dei suoi saggi più conosciuti, tra l'altro è l'unico che ho letto, è L'opera d'arte nell'epoca della sua riproducibilità tecnica. Già citare il titolo alle feste ti fa fare bella figura con le ragazze, se poi sai cosa ci ha scritto il Walter diventi l'idolo della serata. Stringendo, nel saggio Benjamin sostiene che le moderne tecnologie hanno fatto venir meno il concetto di autenticità dell'opera d'arte. Hanno fatto venir meno l'aura, la sacralità, che era parte stessa dell'oggetto originale e lo trasformava in opera d'arte, oggetto di ammirazione e venerazione. Il saggio è del 1936 eppure alle feste va ancora forte.

Nell'attuale epoca digitale, dove i bambini prima imparano a schiacciare ctrl+c/ctrl+v e poi a dire Photoshop, questa teoria appare un eufemismo. L'oggetto unico, l'opera originale dell'artigiano, lo Stradivari, non esiste più. L'aura ormai la troviamo attaccata solo sugli oggetti antichi delle collezioni, dei musei, a condimento del feticcio di un fan.

Ciò nonostante, ad ennesima riprova che in filosofia come con il maiale non si butta mai via niente, mi sembra che proprio nell'epoca in cui l'oggetto come unicum è annichilito l'aura in realtà non è sparita, si è trasferita dall'oggetto materiale al brand. La Apple ne è l'esempio lampante. Gli i-Oggetti (iPad,iPod,iPhone) hanno acquisito un'aura simile a quella dell'opera d'arte, anzi ormai banalmente vengono definiti oggetti di culto. In realtà mai termine mi è sembrato più appropriato: è un culto, una religione in cui il totem è bianco e ha gli angoli smussati. Gli adepti di questa religione vedono l'aura che circonda l'Iphone ma è un aura che non deriva da miracolose caratteristiche che ne fanno un oggetto unico e irripetibile: è un cellulare con le stesse funzioni che hanno molti altri cellulari. Non si sa perchè abbia l'aura, non si sa da dove venga, da chi gli è stata data, ma ce l'ha. Quando leggo articoli e post che pongono gli i-cosi ai vertici del creato mi viene da chiedere, ma sei sicuro? Ma chi lo dice questo? Quando cerco di discutere sulle differenze tra Mac e Pc (e le innumerevoli sottocategorie di questi due maxi insiemi), differenze che ci sono e non lo metto in dubbio, con dei sostenitori della Mela mi sembra di parlare con qualcuno che difende la fede in una discussione tra credenti e atei. Io non vedo l'aura forse perchè non credo. E in quanto non credente sono Pc. Ma anche Walter Benjamin lo sarebbe stato.

Piccolo Dizionario del Cacciatore di Fantasmi E-I

noreply@blogger.com (alunno Proserpio) — Sat, 25 Sep 2010 08:07:00 +0000

E come Evocazione. Esistono, secondo gli spiritisti, due modalità per chiamare gli spiriti e le creature infernali. L’evocazione, che porta la creatura a comparire davanti a colui che l’ha chiamata. L’invocazione, che fa entrare la creatura all’interno del corpo e della mente di colui che effettua il rituale. Come dire che i fantasmi li possiamo evocare davanti a noi, e provare a creare una relazione positiva con essi, o possiamo farci possedere da essi, con il rischio di sprofondare nel caos e nella psicosi. La hauntology è un rapporto controllato con la dimensione del fantasma, un tentativo di venire a patti con esso prima che prenda forma con troppa brutalità e sia lui a controllarci. È questo, credo, il senso politico della teoria del revenant di Derrida e, per usare una formula pseudoderridiana, potremmo dire che il luogo della hauntology è la differenza tra evocazione e invocazione, il limite in cui questi due movimenti si confondono. E in un momento in cui ben altri fantasmi dalla messa in piega impeccabile vengono alla mente pensando allo scenario politico inglese (quando invece il culto della Cool Britannia del new labour di Blair era un modo di azzerare il passato), sarà interessante vedere cosa succederà in terra d’Albione.

F come Figli degli uomini. Non posso dire che quello di Cuarón sia un capolavoro, ma l’immagine di un’Inghilterra balcanizzata, con funzionari statali raffinati che vivono in ambienti ultramoderni collezionando quadri e reperti pop (tipo il maiale volante dei Pink Floyd), mentre fuori impazzano attentati terroristici e i quartieri popolari sono ridotti a scenari di battaglia, contrapposta al sogno bucolico di un ritorno in campagna (con un Michael Caine magnifico figlio dei fiori) evidenzia una volta di più la doppia spinta tra passato e futuro che caratterizza un certo immaginario british. In colonna sonora, ampio utilizzo di Dubstep. Il segno dei tempi.

G Come Ghost Box. Forse è da qui che è iniziato tutto, sapendo che la hauntology per sua natura è una questione di ritorni e ripetizioni, non di prime volte. La label della scatola dei fantasmi (creata da Julian House e Jim Jupp) è un luogo di evocazioni in cui l’estetica modernista, a base di geometrie rigorose e programmi di educazione scientifica, si sposa con le antiche leggende della terra di Albione. Da questo incontro tra scienziati in giacca e cravatta, utopisti sociali e druidi intenti a richiamare antiche presenze con l’ausilio di venerabili sintetizzatori modulari nasce un’atmosfera carica di potenziale evocativo. Il titolo di una raccolta della label dice tutto: Ritual & Evocation. Altre opere imprescindibili uscite su Ghost Box, quelle dei Belbury Polys (in copertina del secondo, From an Ancient Star una luce violetta cala su alcuni monoliti) e il progetto di Jon Brooks The Advisory Circle, che nel 2008 ha prodotto Other Channels, abitato da voci di annunci televisivi e frammenti di filmati educativi per gli scolaretti degli anni settanta, alternati a melodie lounge che si perdono in uno stupore catatonico prolungato.

G come Geogaddi. Visto che tutte queste riflessioni ci riportano a un cortocircuito tra presente e passato e a comprendere come sia difficile definire dei punti di origine, uno dei contributi più significativi alla hauntology prima che questo termine venisse utilizzato in ambito musicale è senza dubbio il capolavoro dei Boards of Canada, del 2002. Il duo scozzese ha creato con questo disco una macchina per l' evocazione dei fantasmi praticamente perfetta: crepitii di vecchi vinili, improvvise evocazioni pastorali, voci distanti di bambini che appaiono sotto strati di sintetizzatori analogici per deformarsi poco a poco, annunci da televisione pubblica che sfociano su beat ossessivi, il tutto immerso in un flusso elettronico morbido ed evocativo. C'è sempre qualcosa di inquietante e propriamente haunting nei Boards of Canada, non fosse altro per i misteriosi richiami numerologici e i messaggi cifrati che rendono l'ascolto di Geogaddi un'esplorazione di territori misteriosi, come camminare in un paesaggio di campagna pieno di nebbia, in attesa che qualcosa si manifesti ed esca fuori dai cespugli o dal bordo del sentiero. Tra linee di basso create usando la successione di Fibonacci, riferimenti ai culti davidiani e richiami esoterici, Geogaddi è un unico trip pischedelico che dura esattamente 66,6 minuti.

H come Owen Heaterley. Il suo blog sitdownmanyourabloodytragedy non è dedicato in modo esplicito all’hauntology, ma è un luogo di pellegrinaggio indispensabile per capire la geografia urbana inglese nel suo rapporto tra passato e futuro. Indagatore del modernismo, cultore del brutalismo architettonico, cultore di Bertolt Brecht e Dziga Vertov, ci permette di capire come il sogno di un paradiso per la classe operaia fosse in primo luogo una visione di spazi urbani. I fantasmi abitano un’interzona tra un complesso di appartamenti in cemento armato e un piccolo villaggio di campagna. I fantasmi sono innanzitutto figli del sogno mai realizzato della Nuova Gerusalemme di Harold Wilson. Dopo Militant Modernism, dovrebbe pubblicare una Guida alla Nuove Rovine Britanniche. Titolo che è tutto un programma.

I come Investigating Witch Cults in the Radio Age. Con un titolo così il disco realizzato nel 2009 dai Broadcast assieme a Focus Group non avrebbe nemmeno bisogno di essere il capolavoro che poi in realta è per segnare un momento fondamentale nella nostra riflessione. Tutta la hauntology potrebbe stare in questa idea di antichi culti di streghe che rinascono nell’era della radio. La musica è una sorta di immaginaria colonna sonora di un serial occulto andato in onda a metà degli anni settanta. Retrofuturismo psichedelico attraverso una nebbia di morbidi suoni distorti, con come fonte di ispirazione dichiarata le visioni della Hammer e telefilm come Sky (un ragazzo alieno ossigenato che cade sulla terra) o The Owl Service.

ma anche

I come Italia ovvero Esiste una via italiana alla hauntology? Non mi pare, anche se sul versante letterario alcuni libri sembrano indicare una direzione possibile. Prendiamo Medium di Giuseppe Genna: inizia come il racconto della scoperta del corpo del padre morto per poi diventare una sorta di spy story delirante, che unisce le teorie della presenza aliena di Peter Kolosimo a missioni segrete oltrecortina nella Germania Est di Honecker. La capacità di evocare incroci storici e psicogeografici capaci di raccontare quello che sarebbe potuto succedere in corrispondenza di certe biforcazioni della vicenda italiana fanno di Genna un evocatore di fantasmi estremamente potenti, in grado di coniugare prospettiva cosmica e materialità del corpo usando frammenti di memoria collettiva piantati nella psiche del singolo (come nella rilettura della vicenda di Alfredino Rampi compiuta in Dies Irae). Per guardare in tutt’altra direzione, si potrebbero citare i libri di Daniele Benati: in questo caso il fantasma è un effetto del paesaggio, un’emanazione della nebbia che sale pesante dalla pianura padana. Silenzio in Emilia, ad esempio, è un ininterrotto flusso di visioni e apparizioni che appaiono nei buchi del discorso. Storie strampalate che circolano di voce in voce come le leggende di paese. In fondo, anche i Wu Ming giocano con i fantasmi quando nei loro romanzi aprono la narrazione a punti di vista realmente “altri” (come con la televisione di 54 o con le evocazioni musicali e aliene di New Thing). E la musica? Mah…

(la prima parte del dizionario A-D la puoi leggere QUI)

Supermarket Robespierre

noreply@blogger.com (duffogrup) — Mon, 20 Sep 2010 14:56:00 +0000

"E la grande banca non più locale con sede in Via Rivoluzione d'Ottobre"

Offlaga Disco Pax.

Leggendo un articolo di Repubblica sul fenomeno delle clone towns, cioè quelle città in cui le vie principali, quelle abitualmente dedicate allo shopping, sono ormai dominate da negozi appartenenti a grandi catene di distribuzione, mi è tornata alla mente una conferenza tenuta da Slavoj Zizek l'anno scorso a Pordenone. Le sei tesi presentate dal filosofo sloveno, interessanti e intorcolate come solo Zizek sa fare, spiegavano che l'affermazione di uso comune che identifica come post-ideologico l'attuale momento storico sia una pura illusione e che invece le ideologie sono ben presenti tra noi. La parte della conferenza che mi è venuta alla mente alla lettura dell'articolo è la terza tesi, quella dove Zizek sostiene "che la post-ideologia sia l’ideologia predominante del capitalismo del dopo sessantotto". In parole povere il capitalismo di terza generazione, quello venuto dopo i capitani di industria e i manager delle multinazionali, quello che non si basa su strutture gerarchiche monolitiche e che viceversa tiene in considerazione l'iniziativa dei dipendenti e il loro benessere, quello che ha un occhio di riguardo per l'ambiente e che cerca un contatto diretto col cliente per venire incontro alle sue esigenze, soprattutto attraverso le nuove tecnologie, sia portatore consapevole e strenuo difensore di un'ideologia che possiamo chiamare post-ideologia. In questo tipo di capitalismo "dal volto umano" il prodotto non è solo utilità di consumo e nemmeno solo status (un bene di lusso ha un'utilità molto bassa ma è ostentazione di ricchezza) ma è ideologia, Zizek allo scopo cita una campagna pubblicitaria di Starbucks: “Non è solo quello che compri. È quello a cui credi.” Oltre lo slogan la campagna è ancora più esplicita: "quando compri Starbucks, anche se non te ne rendi conto, stai comprando qualcosa di più grande di una tazza di caffè. Stai partecipando a un’etica del caffè" o anche "C’è una buona atmosfera di caffè. Oh, e una piccola parte del prezzo di una tazza di caffè Starbucks aiuta ad arredare il locale con sedie comode, buona musica, e la giusta atmosfera per sognare, lavorare e chiacchierare. Abbiamo tutti bisogno di posti così al giorno d'oggi. Non c’è da stupirsi se è così buono.”

Ecco, se io metto in relazione la tesi di Zizek con i dati forniti con l'articolo dedicato al fenomeno delle città clone comincio a preoccuparmi. Non è tanto il fatto che l'esplosione del fenomeno Sturbucks rischia di far sparire il Bar Sport come luogo folcloristico, quello purtroppo è nella logica dell'economia di mercato e io non so come rispondere ad un obiezione del tipo "Se non ti piace Starbucks puoi fare a meno di andarci". Il problema è che il successo di Starbucks e l'omologazione delle caffetterie cittadine porta con sé anche l'omologazione delle ideologie che vivono nelle varie caffetterie verso quella dominante che l'azienda ha fatto propria. Poniamo caso che la politica di customer reception di Starbucks vieti espressamente ai propri dipendenti, pena licenziamento, di esprimere qualsivoglia commento di natura politica. Questa è ideologia pura e semplice. La politica viene esclusa da uno dei suoi luoghi di dibattito per eccellenza, la caffetteria, per seguire il precetto politicamente corretto dell'apolitica nel mondo degli affari, come a dire: nessuno da Starbucks verrà mai biasimato per le proprie idee siano di destra o di sinistra, siamo qui solo per offrire un buon caffè. E' un atteggiamento legittimo ma inquietante, come viene giustamente sostenuto nell'articolo di Repubblica sta diventando una questione di democrazia perchè ogni pensiero non previsto nell'ideologia propria dell'immagine aziendale viene bandito tout court. Quindi addio alla figura del barista politicamente schierato con cui si poteva parlar male di Peppone o di Don Camillo. Qualcuno può obiettare che questo è un caso estremo, poniamo allora un'eventualità più concreta. Cosa succede se la più grande catena di librerie decide di non vendere più gli autori antigovernativi? La gente andrà nelle periferie per comprare i loro libri o più semplicemente molti di questi autori cominceranno a trovare serie difficoltà ad essere pubblicati? Essendo pessimista di natura propendo per questa seconda ipotesi. L'esistenza in questo paese di asset politico-culturali-industriali simbiotici tipo Governo-Mondadori-Mediaset non fa altro che peggiorare il mio pessimismo. Penso comunque che esista ancora una soluzione semplice e immediatamente praticabile: preservare il più possibile l'esistenza dei piccoli negozi locali in quanto irrinunciabili dispense di ideologie alternative a quelle imposte dall’omologazione cultural-consumistica continuando ad acquistare da loro e non dalle grandi catene. Come diceva quello slogan: prevenirne uno è meglio che curarne cento.

Autumn Songs '10

noreply@blogger.com (duffogrup) — Fri, 17 Sep 2010 19:49:00 +0000

Icarus Himself - Digging HolesMonarchy - Black The Colour Of My HeartPVT - WindowMenomena - Taosof Montreals - Cocquet CocquetteM.I.A. - XXXOBorn Ruffians - The Ballad Of Moose BruceBritish Sea Power - Come wander with meMountain Man - Soft SkinFloating Action - 50 LashesRubik - WastelandTennis - MarathonThe Divine Comedy - At the Indie DiscoFilm School - Heart Full of PentagonsSchool of Seven Bells - WindstormWeekend - Coma summerHouses - Endless Spring

Nuovi strani mondi

noreply@blogger.com (duffogrup) — Fri, 10 Sep 2010 06:15:00 +0000

Assieme al viaggio nel tempo, al salto in un'altra dimensione ed alla perdita della memoria, l'esistenza di universi alternativi è uno degli artifici narrativi da più tempo utilizzati nel mondo dei fumetti. Marvel e DC hanno prodotto episodi speciali, saghe ed intere serie, ambientati in universi differenti rispetto al nostro o, per meglio dire, alle Terre alternative dove vivono Batman, Uomo Ragno, X-Men e compagnia. Universi che a volte si sovrappongo dando origine agli amati-odiati crossover. Il fenomeno esplose durante i primi anni '80, causa ed effetto di quella bolla speculativa che mise quasi in ginocchio l'industria fumettara americana. Il giudizio dei fan sul moltiplicarsi delle realtà alternative non è mai stato unanime, a chi ringrazia per la quantità di materiale nuovo che può trovare ogni mese in fumetteria si contrappongono da sempre i puritani della continuity che acquistano solo la serie originale. Il tentativo di arginare il fenomeno compiuto con la pubblicazione di Crisis on Infinite Earths e di riportare le testate DC all'interno di una continuity comune si può tranquillamente dichiarare fallito se nel 2005 viene pubblicata la miniserie Infinite Crisis. Restano però le storie. E' indubbio infatti che, anche se l'intento di svuotare il più possibile le tasche dei lettori è palese, queste deviazioni, che possiamo chiamare anche escamotage, hanno fornito nuove possibilità e spunti ancora inesplorati a disegnatori e sceneggiatori di personaggi che apparivano ormai stanchi e appesantiti da situazioni sempre simili e dialoghi ripetitivi.

A memoria mia nei fumetti made in Italy questo espediente non è mai stato utilizzato in maniera sistematica. In Bonellilandia durante le brevi fasi di boom editoriale di una testata la strategia tipica non era quella di esplorare, se non universi, almeno strade alternative ma venivano creati spin off e collane dedicate ai personaggi spalla delle serie principali. Nacquero così Legs Weaverl, Agenzia Alfa, Zona X e una quantità di speciali dedicati a Chico, Miss Angie, Groucho. Storie slegate dalla continuity ma facenti parte dello stesso universo narrativo. Al contrario dell'America, dove obbittivamente hanno esagerato, in casa Bonelli sono sempre andati coi piedi di piombo, timorosi di indisporre il lettore tradizionalista. Nel caso di Martin Mystere si è arrivati al paradosso per cui, in un albo, Martin, Java e Diana sono stati fugacemente catapultati in una strana dimensione e costretti ad assumere uno strano aspetto cartoonesco tutto per collegare alla continuity originale la serie di cartoni per ragazzi realizzata in Francia qualche anno fa. Io non so se Castelli e Recagno tengano veramente in considerazione le lamentele di quei lettori che non accettano il minimo cambiamento o se siano solamente dei perfezionisti nostalgici, gelosi dei loro personaggi e schiavi dell'abitudine tanto da applicare alla lettera il voluminoso manuale dell'immutabilità Bonelli, che si vocifera venga fatto imparare a memoria ai nuovi assunti della casa editrice. Sicuramente devono essere degli estimatori della The Wold Newton Universe Crossover Chronology.

Mi piacerebbe che per contrappasso tutti e due, assieme a Sergio Bonelli, venissero scagliati in un universo alternativo: Castelli, mite professore di storia del giornalismo americano a Princeton, quando indossa il suo cappello a tesa larga si trasforma in un avventuroso archeologo che gira il mondo alla ricerca di antiche reliquie circondato da procaci assistenti; Recagno, questore a Bologna alla fine degli anni '70, coadiuvato da procaci poliziotte combatte una battaglia personale contro i centri sociali e le radio libere, usando il pugno di ferro in particolare contro i rivoluzionari fumettisti del Male; Bonelli è un vecchio papero che, con indosso solo un golfino d'angora, passa le sue giornate a contare e lucidare le sue monete che tiene sigillate in un gigantesco deposito. A parte il becco d'anatra, il resto è reale.

PS: nell'albo allegato all'ultimo speciale estivo di MM Castelli e Recagno si prendo bonariamente in giro e fanno fuggire Martin dalle solite storie e dal solito giubbino.

Goru Goru: le grandi spalle della letteratura

noreply@blogger.com (duffogrup) — Mon, 06 Sep 2010 13:56:00 +0000

La grandezza di uno scrittore sta anche nella sua capacità di dar vita ai personaggi minori. È un po’ come al cinema: cosa sarebbe il Mistero del Falco senza l’ambiguo Sidney Greenstreet e lo schizzato Peter Lorre? Harry Potter senza Ron e Hermione? Totò senza Peppino? Ecco allora la classifica dei cinque personaggi minori più cool della storia della letteratura.

1) Goru Goru (David Copperfield di Charles Dickens). Dickens è un genio nel creare personaggi secondari. Gli basta pochissimo – un tic verbale, una caratteristica fisica, un comportamento bizzarro – per dar vita a un comprimario indimenticabile. Pensiamo solo a Wemmick di Grandi Speranze, impiegato inappuntabile che ogni giorno, all’ora del tè, dal tetto del suo cottage, spara una salva con un cannone in miniatura. Ma la vera miniera di comprimari è David Copperfield. Il Signor Micawber, cerimonioso spiantato dal cuore d’oro; il perfido Uriah Heep che nasconde l’ambizione dietro un eccesso di umiltà; il garzone del macellaio che si unge la testa con una la sugna magica capace di donargli una forza sovrumana. Con personaggi del genere uno scrittore di oggi ci camperebbe una vita. Ma niente e nessuno può superare il Goru Goru man, un vecchio terrificante che vive in un bugigattolo da straccivendolo. David vorrebbe vendergli la giacchetta per raggranellare qualche penny. Ma ogni volta il vecchio lo caccia urlando frasi insensate (“Oh, i miei occhi e le mie braccia, cosa vuoi? Oh, i miei polmoni e il mio fegato…”) e intercalando alle imprecazioni un verso incomprensibile, Goru Goru appunto, che terrorizza a morte il povero David.

2) Beppina (La Cognizione del dolore di C.E. Gadda). Pescivendola di poche parole, la Beppina sans culottes (nel senso di senza mutande) è nota per la sua mania di pisciare all’impiedi, in modo sbrigativo e “amazònico”. La Beppina è una Tina Pica all’ennesima potenza e vale da sola (con le sue quasi omonime Peppa la lavandaia e Pinina) la fatica di farsi le salite impervie della Cognizione del Gran Lombardo.

3) Palamède de Charlus (Alla ricerca del tempo perduto, di M. Proust). Definire minore uno dei più grandi personaggi della Recherche può essere una forzatura. Ma, come succede con i caratteristi, ogni sua apparizione è un must e con il suo corpo imponente e le sue manie occupa tutta la scena. Che si trovi a corteggiare un custode o a farsi beffe dei parvenues parigini, il Barone è un perfetto mix di cialtroneria e classe.

4) Pew (L’isola del tesoro, di R.L. Stevenson). Pirata cieco e malvagio oltre ogni limite. Appare un paio di volte all’inizio del libro, ma la sua immagine cenciosa e putrida non si dimentica. Finisce degnamente sotto gli zoccoli dei cavalli.

5) Zio Toby (Tristram Shandy di L. Sterne). Ex ufficiale inglese in congedo con la fissa di ricostruire le battaglia famose nell’orto dietro casa. È svanito, gira sempre con l’inseparabile valletto Trim e incarna il tipico gentleman di campagna, innocuo e un po’ matto, che non ha niente da fare tutto il giorno.

By alunno Proserpio

Come Fabri Fibra: Voglio andare in Inghilterra!

noreply@blogger.com (duffogrup) — Thu, 02 Sep 2010 10:10:00 +0000

Pubblici deliri

noreply@blogger.com (duffogrup) — Tue, 24 Aug 2010 14:02:00 +0000

Qualche giorno fa ascoltando Fahrenheit ho seguito con piacere un'intervista al critico Andrea Cortellessa su Alfabeta 2, rivista letteraria che contribuisce a redigere, e più in generale sul momento dell'editoria in Italia. Pur trovando interessanti ed in gran parte condivisibili le argomentazioni di Cortellessa ho ancora una volta avuto la sensazione che gli addetti di quel settore non vadano mai oltre un certo tipo di considerazioni, all'apparenza estremamente critiche col sistema ma, stringi stringi, diplomatiche nei confronti di tutti. Stesso discorso mi sento di farlo anche verso chi si occupa di cinema, teatro, arte e cultura in genere. Ogni volta sento precise elencazioni delle cose che non vanno in un determinato settore senza poi procedere ad un'indicazione di chi o cosa ha provocato questi problemi. Cortellessa confessa le sue perplessità sulla vera utilità dei festival letterari che, anche se animati da pregevolissime intenzioni, finiscono per essere una vetrina per gli autori che cavalcano l'onda della notorietà, acquisita certamente non per meriti letterari. Si viene così a creare un moto circolare uniforme per cui l'autore più richiesto (e pagato) dai festival è quello la cui faccia si vede d'appertutto, in tv e sui fustini del detersivo, in quanto richiama più pubblico e ciò lo rende ancora più famoso, ridando slancio all'intera operazione. In questo modo si può facilmente salire le scale dei festival, dalla sagra del libro di Pinzellacchere, passando per Pordenonelegge e approdando al mitico Festival della Letteratura di Mantova. E' implicita nel discorso di Cortellessa la considerazione che gli stessi festival dovrebbero dare più spazio ad autori significativi anche al costo di rinunciare ad una buona fetta di pubblico, tanto più che vengono finanziati copiosamente con contributi pubblici.

Mi spiace ma è un discorso che ho sentito già mille volte da chi si occupa e lavora con la cultura. Quello che non dice Cortellessa è che tutto il sistema dei festival costituisce un circolo chiuso, viziato già all'origine proprio a causa dei contributi che i festival ricevono. E' un rapporto diretto: i soldi che arrivano dai finanziamenti pubblici sono tanto maggiori quanto più la manifestazione ha visibilità sugli organi di informazione che a sua volta è direttamente proporzionale all'affluenza di pubblico. Quando si ha a che fare con la politica bisogna tener presente sempre due cose: tendenzialmente al politico non interessa nulla dell'aspetto culturale di qualsivoglia evento e che nessun politico si lascerebbe scappare la possibilità di farsi fotografare mentre stringe mani a intellettuali e gente comune. Il finanziamento è il prezzo elargito per il servizio che viene concesso.

Cosa si può fare? Intanto secondo me è ora di finirla di prendersela con quell'entità astratta e indefinita nota come il “Sistema della Cultura in Italia”. Non se ne può più di frasi come: “In Italia non siamo capaci a fare sistema”. Ma sistema de che?? A questo punto, se questa è la reazione, meglio fare nomi e cognomi, almeno ti togli delle soddisfazioni. Il problema è che poi in Italia non ci puoi più lavorare. Prendersela con i politici, le case editrici o meglio ancora con gli autori vipparoli è, benchè giustissimo moralmente, pericoloso e soprattutto inutile. Questi soggetti non hanno volontà propria, vanno là dove li porta il denaro. Per far partire un vero cortocircuito e mandare in tilt le piccole e grandi cricche, gli addetti dovrebbero cominciare a puntare il dito verso l'elemento imprescindibile di queste manifestazioni: il pubblico. Identifichiamolo.

Pubblico di massa. Collettivista. Sceglie chi e cosa andare a vedere sulla base di classifiche, trasmissioni televisive, premi estivi, rubriche della posta del cuore. Il pubblico di massa solitamente giura fedeltà eterna ad un autore, anche al rischio di ritrovarsi in situazioni imbarazzanti quando l'ispirazione dei tempi d'oro se n'è andata da un pezzo, emblematico in questo senso è il dramma dei fans di Vasco Rossi e degli U2. Il numero anche in questo caso fa la forza e il pubblico di massa si convince che nell'opere del suo diletto c'è ancora qualcosa di grande.

L'attenzione verso l'autore prescelto è assoluta e non lascia spazio per gli altri. Nessuna pietà soprattutto verso i giovani: scrittori emergenti che fanno conferenze davanti ai parenti, nuove band indipendenti che si beccano bottiglie da 2 litri in testa se hanno l'impudicizia di suonare come spalla al concerto dell'Artista, cortometraggi e documentari proiettati davanti a sale vuote. Non gli interessa il futuro, ama il passato e vuole che il presente lo rispecchi. E' questo il pubblico a cui si deve indirizzare un festival che NON ha interesse ad innovare e a far conoscere giovani talenti ma che si accontenta di avere un numero di presenze sufficiente a giustificare almeno un articolo su un quotidiano locale dove sia presente la locuzione “assessore alla cultura”.

Pubblico di nicchia (edizione Gran Riserva). Autarchico. Usufruisce degli eventi culturali orgogliosamente di propria iniziativa. Ripudia, almeno pubblicamente, ogni input proveniente da tv e giornali. Ammette però i consigli provenienti da Radio Tre e da internet, infatti bazzica tra forum e social network alla ricerca di propri simili ed è ghiotto di riviste di settore rintracciabili solo in anguste edicole di alta montagna. Nonostante questa linea di condotta, ferma e decisa, vive una perenne dicotomia. Vorrebbe che gli autori che apprezza avessero più diffusione e fossero con maggiore frequenza al centro di dibattiti e discussioni. Al tempo stesso è insofferente al fatto che le opere di quegli autori escano dai circoli ristretti che frequenta per approdare alla fruizione di massa. Prova repulsione per il pubblico di massa, che invece non si cura di lui, e quando può lo evita. A volte però non c'è via di scampo e il pubblico di nicchia viene circondato. Succede sempre quando l'autore sta oltreassando quel confine che separa la simpatica chiacchierata rediofonica con Marino Sinibaldi dall'intervista di Vincenzo Mollica al Tg1. Sebbene sia arrivato alla conferenza con mezz'ora di anticipo occupando in ordine sparso un ventesimo delle sedie disponibili, il pubblico di nicchia comincia ad avvertire l'accorrere costante di nuovi spettatori ed un fastidioso aumento della densità umana. Qualche minuto prima dell'inizio è ormai fagocitato dal pubblico di massa e comincia a lamentarsi della commercializzazione della cultura. Gli organizzatori dei grandi festival temono la presenza del pubblico di nicchia come l'attraversamento del gatto nero. Al contrario i piccoli festival coccolano furbescamente questo pubblico e piazzano all'entrata delle sale sibillini cartelli rivolti al pubblico di massa:”IO NON POSSO ENTRARE”. Il pubblico di nicchia ripaga negli anni con partecipazione e impegno.

Pubblico indie. Cerchiobottista. Emerso prepotentemente alla fine degli anni '90 ha avuto nel primo decennio del nuovo secolo il suo periodo d'oro. Possiede caratteristiche comuni al pubblico di massa e a quello di nicchia. Come quest'ultimo non è soggetto ai condizionamenti dei media tradizionali anche se non li evita, è il pubblico che ha fatto la fortuna delle nuove serie tv ad alto budget. Come il pubblico di massa anche il pubblico indie è felice quando si trova in mezzo a tanta gente. La considera una cosa positiva e ricca di possibilità, sa tanto di brodo primordiale, soprattutto d'estate. Il panorama culturale di questo pubblico va da la corazzata Potemkin a la corazzata Kotemkin è una cagata pazzesca. Possiede la cosiddetta “bocca buona” che nel corso degli anni gli ha permesso di recuperare anche il trash meno riciclabile, robe che perfino il pubblico di massa evita accuratamente e di cui il pubblico di nicchia ignora l'esistenza. Cultore della terza via, seguace del compromesso, dipendente dal citazionismo e adoratore di postmodernità. In definitiva è il pubblico senza preconcetti e aperto alle novità ma che bada anche alla sostanza e al valore dell'offerta culturale. E' il pubblico ideale per far crescere e rendere importante e utile ogni manifestazione a cui partecipa. Ha due soli difetti: è poco riconoscibile e si rischia di scambiarlo per una delle altre specie (chi lo conosce bene sa che di solito indossa mocassini e t-shirt con scritte simpatiche); rischia di trasformarsi autonomamente in massa o nicchia senza preavviso, soprattutto quando litiga con se stesso.

Pubblico della domenica. Presenzialista. Ci sono una quantità di motivi che riescono a convincere il pubblico della domenica a recarsi ai festival culturali: accompagnare qualcuno, buttarsi sui buffett, comprare suppellettili per l'arredamento (libri, dvd, dischi). Nessuno ha a che fare con l'aspetto culturale della manifestazione. Il motivo peggiore di tutti è quello di chi va ai festival perchè “era domenica, non si sapeva cosa fare, così siamo venuti qua”. E' il pubblico che, a parte un parcheggio, non chiede nulla perchè non si aspetta nulla: quello preferito dagli organizzatori.

Questi sono i padroni dei festival, non i politici, non gli editori e nemmeno gli artisti. Cominciare a capirlo, anche a costo di ridimensionare i propri progetti, sarebbe già una gran cosa. La scelta ancora una volta è degli organizzatori, su chi vogliono puntare?

Piccolo Dizionario del Cacciatore di Fantasmi

noreply@blogger.com (alunno Proserpio) — Mon, 19 Jul 2010 18:54:00 +0000

Se la Hauntology ha a che fare con fantasmi che ritornano e non smettono di infestare i luoghi che hanno abitato da vivi, ritorno anch’io sul luogo del delitto. L’occasione è data da quello che si annuncia come il primo tentativo articolato di formulare delle idee sul tema in Italia, vale a dire la Piccola Hauntologia Scolastica che Balducci sta pubblicando su Blow Up. La forma di questa trattazione sarà quella del dizionario, per cercare di dare ordine a un tema che per sua stessa natura risulta difficilmente afferrabile. Ecco quindi una guida ragionata (e ovviamente personalissima) per il cacciatore di fantasmi.

A come L’Australiano (titolo originale The Shout). In questo capolavoro girato in Inghilterra dal regista polacco Jerzy Skolimowski, Alan Bates è un misterioso straniero che arriva in un piccolo villaggio sulla costa del Devon. Finisce in casa di un musicista sperimentale che utilizza gigantesche apparecchiature elettroniche per creare una sorta di noise ante litteram. Piccolo particolare: lo straniero dice di aver appreso dagli aborigeni, durante un suo viaggio in Australia, il segreto dell’urlo che uccide. Ambientato per buona parte nel corso di una partita di cricket tra degenti di un ospedale psichiatrico, è un capolavoro che indaga il rapporto tra istinti e razionalità, ma è anche uno dei più straordinari film sulla funzione disturbante del suono e della musica. L’ambientazione tipicamente british, il senso di disagio che lo attraversa e il continuo richiamo alla dimensione onirica ne fanno secondo me uno dei progenitori del versante più inquietante della Hauntology.

B come BBC. Non solo per l’ovvio riferimento ai grandi sperimentatori del BBC Radiophonic Workshop (tra cui ricordo almeno John Baker, Brian Hodgson e naturalmente Delia Derbyshire), ma perché la stessa idea della televisione come strumento educativo tipica della rete pubblica britannica ha fatto sì che venissero prodotti tra gli anni sessanta e i primi anni ottanta una miriade di programmi che oggi infestano i circuiti mnemonici degli hauntologisti. L’attenzione per la modernità, per la scienza, per le leggende del passato, per l’educazione dei fanciulli e delle fanciulle attraverso stranissimi clip animati sono solo alcune delle caratteristiche dello stile BBC. E ancora le animazioni di Oliver Postgate, le centinaia di puntate di Doctor Who, i balzi in avanti di World of Tomorrow. Tutti frammenti di immaginario capaci di far entrare in risonanza il passato più remoto e il futuro più stilizzato. In generale, tutta la televisione inglese rappresenta una fonte di evocazione hauntologica: serie degli anni sessanta come Owl Service (crisi adolescenziali vissute attraverso il filtro delle remote leggende gallesi del Mabinogion), The Changes (racconto neoluddista per ragazzi in cui l’umanità viene colta da furia antitecnologica) o The Edge of Darkness (noir che gravita attorno al tema del nucleare che diventa la storia di un’ossessione e poi esplode in un vortice mitologico) fanno capire molto più di mille discorsi la particolare tonalità delle evocazioni hauntologiche. La nostalgia del futuro passa anche attraverso queste visioni catodiche.

C come Caretaker. Tra i vari stregoni (o scienziati) sonori che gravitano attorno alla musica hauntologica, Leyland Kirby alias Caretaker è uno dei più radicali. I suoi lavori fino ad oggi sono come referti stesi da un neurologo impegnato a investigare i disordini della memoria. Esplorando paesaggi sonori pieni di frammenti di vecchi 78 giri, melodie da music hall, frammenti di jazz persi in torrenti di rumori di fondo, Kirby crea un genere musicale a sé, fatto di suoni in progressivo disfacimento. Se molti hauntologisti lavorano sul recupero del ricordo, lui (in dischi come Theoretically Pure Anterograde Amnesia o Persistent Repetition of Phrases) si interroga sul mistero della memoria che svanisce.

D come Derrida. Se il filosofo della decostruzione è colui che, in Spettri di Marx, ha coniato il termine Hantologie, merita senza dubbio un posto in questo dizionarietto. Ma qui mi interessa dire che Derrida è anche il filosofo che più di ogni altro ha pensato il rapporto tra eredità e futuro. Essere contemporanei significa intrattenere un rapporto con la nostra provenienza: noi, per esistere, proveniamo ed ereditiamo. In questo effetto di rinvio al passato risiede la nostra capacità di farci carico del nostro futuro. La prima iscrizione, il segno che dà inizio a qualcosa (un engramma mnemonico, una linea tracciata su una tavoletta d’argilla, un frammento di memoria del computer) non potrebbe esistere se non ci fosse già un sistema di ricezione e di archiviazione che permette di trattenerlo. La prima volta è già una ripetizione. La scrittura (il segno) è la condizione di possibilità della presenza. La memoria anticipa la coscienza. La filosofia è una questione di fantasmi.

ma anche

D come Dubstep. Che il dubstep abbia a che fare con la Hauntology forse non è un dato acquisito. Sono però convinto che la versione più oscura di questo genere, figlio dello UK Garage, del 2 Step e del Grime sia una delle musiche più fantasmatiche degli ultimi anni. I due primi dischi di Burial, con beat persi in mezzo a stazioni abbandonate e frammenti vocali intercettati da qualche radio del passato sono la colonna sonora per passeggiate piscogeografiche in mezzo a capannoni industriali in rovina e strade bagnate immerse nel buio di Londra. Da seguire anche le operazioni teorico musicali di Kode 9, fondatore dell’etichetta Hyperdub. Tra parentesi, il suo primo disco, realizzato assieme a Spaceape, si intitolava Memories of the Future.
(continua)

Così twittò Zarathustra.I limiti dell'universo

noreply@blogger.com (duffogrup) — Wed, 07 Jul 2010 11:41:00 +0000

I problemi che sorgono utilizzando Twitter e che hanno come oggetto la corrispondenza tra informazione e realtà si possono affrontare oltre che dal punto di vista oggettivo, per mezzo di strumenti specifici che andrebbero attivati direttamente sul sito, anche da quello soggettivo e cioè con la volontà e la capacità degli utenti di evitare bufale ed inesattezze attraverso l'osservanza di semplici comportamenti: selezionare al meglio chi seguire, controllare l'informazione ricevuta e ricordarsi di retwittare SOLO dopo che il controllo è stato fatto.

L'elemento soggettivo è fondamentale quando si considerano gli aspetti problematici degli strumenti di comunicazione. Prendiamo Twitter: non tutti lo usano per lo stesso motivo, non tutti lo usano nello stesso modo e soprattutto non tutti valutano i suoi contenuti secondo gli stessi livelli di scetticismo. Utilizzarlo per comunicare in modo sensato (per esempio senza trasformarlo in una chat con l'inquilino del piano di sotto) e moderato dovrebbe essere la regola per non incappare in spiacevoli effetti indesiderati. Poniamo che una persona decida di usare Twitter per cercare notizie e scambiare opinioni con altri utenti su un argomentio specifico, motivata dalla scarsità di occasioni di questo tipo nella vita reale. Se l'uso di Twitter diventa massivo, anche solo limitatamente a quell'argomento particolare, questa persona rischia di contrarre una grave forma di un particolare disturbo, che in misura diversa abbiamo provato tutti nel corso della vita, e che viene chiamato “percezione selettiva”. In poche parole corrisponde alla frase, buona per i litigi tra morosi, “ascolti solo ciò che vuoi ascoltare”. E' come avere dei tappi nelle orecchie e delle bende da pirata sugli occhi che riescono a far passare soltanto le informazioni di un certo tipo, cioè quelle che ci stanno a cuore. Che idea si può fare del mondo reale qualcuno le cui percezioni sensoriali sono massicciamente influenzate da queste informazioni parziali? E' stato dimostrato che quello che si ottiene è una visione distorta della realtà, quella fisica intendo. Il primo effetto, facilmente intuibile, è che la percezione della diffusione tra il pubblico dei propri interessi è completamente sfalsata. Più volte mi sono stupito de fatto di trovare poca gente ad assistere ad alcuni concerti o alla proiezione di film che mi interessavano. La causa di questa non corrispondenza tra le mie aspettative e la situazione reale è dovuta proprio al fatto che le dimensioni dell'universo d'interesse da me creato erano erroneamente condizionate dalle mie ricerche e dai miei contatti. In questo universo virtuale molti sono interessati a quel film indipendente quindi, secondo il mio procedimento logico distorto, le stesse proporzioni si devono rispecchiare nella realtà. Ma non è così. Per avere una visione complessiva dell'interesse che il film indie aveva suscitato su Twitter il giorno della sua uscita in Italia, avrei dovuto rapportare i twit che ne parlavano con il totale generale dei twit italiani. Se lo avessi fatto probabilmente mi sarei accorto che questo rapporto era simile a quello degli spettatori che sono andati a vedere il film rispetto a tutti quelli che si sono recati al cinema quel giorno.

Dove sta la causa della distorsione? E' proprio su questo punto che molti opinionisti da sbarco e sedicenti esperti tecnosociolog sbagliano, quando parlano di alienazione causata da un uso eccessivo di internet e dei social network in particolare, di un progressivo straniamento collettivo e di una paradossale maggior solitudine nella vita reale mascherata da vagonate di amici virtuali.Il loro intento è incolpare lo strumento quale generatore dell'anomalia introducendo una relazione falsamente lapalissiana, in realtà stupida, che al massimo potremmo usare in una campagna contro la diffusione delle armi da fuoco: l'aumento dell'utilizzo dei social network porta ad un aumento dei casi di disociazione dalla realtà, alienazione e via discorrendo. Non riescono a vedere che l'inghippo è nella testa dell'utente già nel momento in cui questi si siede davandi al monitor, Twitter al massimo fa da catalizzatore e velocizza la reazione. E' come se l'utente vivesse con due microscopi al posto degli occhiali e pensasse che il mondo sia popolato solo da batteri e amebe. L'ossessione spinge il cervello a guardare in modo distorto la realtà, più l'ossessione è grande maggiore sarà la distorsione. Pensiamo ai fanatici di un attore che nel loro delirio credono di avere qualche tipo di rapporto diretto con l'oggetto della loro fissazione. Non si può certo imputare alla tv o alle riviste di alimentare questa ossessione solo perchè pubblicano una recensionde di un film interpretato da quell'attore. Allo stesso modo Twitter può essere incolpato al massimo di essere uno straordinario strumento per reperire un'enorme mole di informazioni, di farlo velocemente e maledettamente bene.