La Cueva del Picaflor

El Daguerrotipo

2012-01-23T03:16:00.001+01:00

El nacimiento de la fotografía es una historia alambicada, protagonizada por pioneros que intentaron con todo su ahínco fijar una imagen fugaz en un medio físico y perdurable. Fue el francés Joseph-Nicéphore Niepce (1765 – 1833) el primero que consiguió avances realmente notables en esta empresa. Rico terrateniente, dedicó varios años a la búsqueda de un método realmente efectivo para la captura de imágenes. Aunque parece que consiguió otras con anterioridad, la primera “fotografía” que ha sobrevivido nos muestra una vista desde la ventana del estudio que Niépce tenía en Le Gras (Saint-Loup-de-Varennes). La imagen fue tomada hacia 1827 y para ello fue necesaria una exposición de 8 horas. Aunque el procedimiento era todavía muy rudimentario, sin duda era una gran avance técnico.

Pero Niepce no supo rentabilizar su invento. Tras intentar en vano interesar a la Royal Society británica, se asoció con Louis-Jacques-Mandé Daguerre (1787 – 1851), un pintor experto en la técnica de la cámara oscura y en la fabricación de dioramas, con el objeto de perfeccionar su descubrimiento. Durante el año de 1829, ambos hombres trabajaron codo con codo, consiguiendo disminuir drásticamente el tiempo de exposición necesario para la obtención de imágenes (ahora unas dos horas). También fundaron una sociedad comercial para la explotación del invento. Ambos siguieron investigando, pero a la muerte de Niepce en 1833, este fue sucedido como socio por su hijo Isidore, que no supo como seguir con las investigaciones de su padre. Mientras, Daguerre siguió mejorando la técnica. Aprovechó la impericia de su joven socio para modificar los términos del acuerdo en su favor, con lo que la sociedad pasó a denominarse Daguerre-Niepce (y no a la inversa, como hasta ese momento) y posteriormente sólamente Daguerre, condenando al olvido a Niepce. Cuando Daguerre estuvo en condiciones de dar a conocer al mundo su descubrimiento, tuvo buen cuidado de silenciar el nombre de su socio y atribuirse todo el mérito, ocultando el hecho de que todo el procedimiento se basaba en los primeros hallazgos del difunto inventor.

A pesar de todo, Daguerre merece buena parte del crédito, pues consiguió imágenes muy nítidas y más sencillas de obtener gracias a sus propias innovaciones. Su Vista del Boulevard du Temple (1838) fue considerada durante mucho tiempo la primera fotografía de la historia, antes del redescubrimiento de la de Niepce y otras del propio Daguerre. Su invento, el daguerrotipo, se popularizó muy rápidamente, pues Daguerre supo sacarle una gran rentabilidad frente a otros procedimientos fotográficos de menos éxito, como la heliografía o el talbotipo o calotipo. El avispado inventor se aseguró el apoyo de las autoridades francesas, que compraron la patente a cambio de una sustanciosa pensión para Daguerre y los herederos de Niepce. Al ser liberado de derechos de autor, el procedimiento se extendió por toda Europa y Estados Unidos, donde el daguerrotipo gozó de una gran y prolongada aceptación, incluso cuando la fotografía ya se había impuesto en el resto de países.

Como no podía ser de otra manera, el daguerrotipo acabó siendo sustituido por la verdadera fotografía, mucho más fácil y cómoda de realizar. El hecho de que una exposición de 10 a 40 minutos fuera necesaria, de que cada daguerrotipo es una obra única imposible de duplicar o de pasar a un soporte más manejable como el papel, el problema de que la imagen resultante siempre estaba invertida horizontalmente, o de que para la impresión de la imagen en la placa metálica fuera necesario manipular productos químicos altamente tóxicos, condenaron la técnica a una muerte inevitable. Técnicas más avanzadas que permitían una más fácil y rápida reproducción de las instantáneas tomadas, como la del colodión húmedo, se impusieron en pocos años (hacia 1855). Estos nuevos procedimientos permitían obtener imágenes en negativo que después podían convertirse en positivos sobre el papel. Pero el daguerrotipo disfrutó de un inusitado éxito durante unas pocas décadas. Nos han quedado instantáneas y paisajes urbanos de la época gracias a él, que se han convertido en verdaderos tesoros de gran valor histórico. La prolongada exposición impedía reflejar la vida y el ajetreo real que se vivía en las grandes ciudades, así que donde más brilló el daguerrotipo fue en el retrato. Fotógrafos como Nadar (Gaspard-Félix Tournachon, 1820 – 1919) inmortalizaron a lo más granado de la sociedad de la época. Otros como los Hermanos Bisson se especializaron en la reproducción de grandes monumentos europeos o en documentar grandes gestas como la ascensión al Montblanc. También se produjo el difícil encuentro entre la pintura y la fotografía, entonces polémico, como en los trabajos conjuntos del fotógrafo Jean-Louis-Marie-Eugène Durieu (1800 – 1874) y el pintor romántico Eugène Delacroix.

En EE UU el daguerrotipo tuvo una gran repercusión en la sociedad y han quedado múltiples ejemplos de retratos individuales o de grupo, familiares u oficiales, firmados por fotógrafos anónimos o reconocidos como George Smith Cook (1819 – 1902) o Mathew Brady (1823 – 1893), el hombre que supo dejar testimonio de la Guerra Civil Americana. Fue entonces cuando encontramos lo que será el germen del fotoperiodismo, que documentó los grandes progresos de la humanidad y las vicisitudes de la sociedad de su tiempo.

El misterioso Odilon Redon

2011-12-31T14:20:00.001+01:00

El simbolismo fue el arte de lo onírico, de la exploración de las emociones que surgen de lo más profundo del alma humana. Uno de los más destacados exponentes de esta corriente artística fue el francés Odilon Redon (1840-1916). Desde muy pequeño, el joven Redon practicó el dibujo con asiduidad, aunque la presión paterna le obligó a intentar ingresar en la escuela de ingeniería. Su fracaso en las pruebas de admisión le produjo una gran frustración. Redon fue básicamente un autodidacta que no consiguió el reconocimiento público hasta muy avanzada su carrera. Sus perturbadores dibujos y grabados en blanco y negro (noirs) le dieron la fama, aunque a partir de 1900 los abandonó para sumergirse en el color, aunque el carácter de su obra siguió siendo sumamente opaco y misterioso para el observador. Cerradas en sí mismas, parecen surgir del silencio para volver a hundirse en él. Figuras contemplativas o ensimismadas, selvas petrificadas y colores suspendidos en el papel. Ojos gigantescos que nos miran, arañas con rostro humano, naturalezas muertas en el más estricto sentido de la palabra. Si hay un artista que nos ha mostrado el mundo de los sueños, ese ha sido Redon.

Feliz Navidad 2012

2011-12-22T18:16:00.001+01:00

Feliz Navidad, feliç nadal, Feliz Nadal, Merry Christmas, Joyeux Noël, Buon Natale, Feliz Natal, geseënde Kersfees, gëzuar krishtlindjet, frohe Weihnachten, عيد ميلاد مجيد, З Калядамі, Весела Коледа, veselé vánoce, 圣诞快乐, 즐거운 성탄절 되세요, Sretan Božić, glædelig jul, veselé vianoce, vesel božič, häid jõule, Hyvää joulua, Nadolig Llawen, καλά Χριστούγεννα, חג מולד שמח, क्रिसमस की शुभकामनाएँ, vrolijk kerstfeest, boldog karácsonyt, selamat hari natal, nollaig shona, gleðileg jól, メリークリスマス, priecīgus Ziemassvētkus, Linksmų Kalėdų, Среќен Божиќ, il-milied it-tajjeb, god jul, کریسمس مبارک, Wesołych Świąt, Crăciun fericit, С Рождеством, Срећан Божић, krismasi njema, maligayang pasko, สุขสันต์ วัน คริสต์มาส, mutlu noeller, З Різдвом, giáng sinh vui vẻ, לעבעדיק ניטל, para todos, mis mejores deseos para estas fiestas.

Stardust, capítulo VII. Aquellos tiempos que no volverán: Rita Hayworth

2011-11-28T17:36:00.001+01:00

Margarita Carmen Cansino (New York, 1918-1987), conocida para siempre como Rita Hayworth, fue una de las más rutilantes estrellas femeninas del Hollywood dorado. Hija de Eduardo Cansino, bailarín sevillano, adoptó el apellido de su madre Volga Hayworth. Comenzó su carrera como bailarina junto a su padre y bajo su nombre real, pero su belleza pronto fue descubierta para el cine. Su primer gran papel fue el de Doña Sol en Sangre y Arena (1941), a la que siguieron el musical Las Modelos (1944) y sobre todo, Gilda (1946) donde interpretó el rol que hizo de ella un icono sexual. Después su carrera comenzaría un lento declive, aunque con grandes hitos todavía, como la en su momento incomprendida La Dama de Shangai (1947) a las órdenes de su marido en aquellos días, Orson Welles. La película fue un fracaso en su día, tal vez por el cambio radical de imagen que lucía la Hayworth (pelo corto y rubio platino). Sin embargo, ha pasado a la historia como un gran clásico del cine.

Rita fue en la realidad una persona de carácter generoso y apacible, muy lejos de su imagen en la gran pantalla, prototipo de bomba sexual. Sufrió en sus comienzos las duras imposiciones de los grandes estudios cinematográficos, que la obligaron a cambiar de imagen, atenuando sus rasgos hispánicos. La sometieron a estrictas dietas para perder peso, y le hicieron teñir y cambiar el nacimiento de su famosa cabellera mediante electrolisis. En los últimos años sufrió un grave deterioro de su salud mental a causa del Alzheimer, que le fue diagnosticado tardíamente. Vivió en un casi completo retiro hasta el día de su muerte.

El Hombre que se comió a si mismo

2011-11-14T11:43:00.001+01:00

La Mitología griega está llena de mitos con características, como poco, sorprendentes. Son historias muy antiguas, cuyo origen se pierde en la noche de los tiempos, cuando la cultura helena todavía estaba en su fase de cristalización. En ellas, los dioses parecen convivir en una esfera muy cercana a los humanos. Sin embargo, se muestran muy celosos de sus prerrogativas y castigan cruelmente a éstos con penas a veces singulares. He aquí uno de estos relatos:

Erisictón era un monarca tesalio, hermano de Tríopas. Ensorbecido por su poder, no temía a los dioses ni les rendía el culto debido. Su insolencia le llevó a cometer muchos desacatos contra ellos. La gota que colmó el vaso fue cuando Erisictón osó talar un bosque que estaba consagrado a la diosa de las cosechas, Deméter. De nada sirvieron las repetidas advertencias que los Inmortales le hicieron para que no cometiera tal profanación. La propia diosa, tomando la forma de la sacerdotisa Nicipe, intentó convencer a Erisictón para que no llevara a cabo sus propósitos, pero éste llegó a amenazarla con la muerte mientras blandía el hacha con la que estaba cortando los sagrados árboles. El rey cumplió con su amenaza y el bosque fue destruido. No tenía miedo de las consecuencias, pues su soberbia le cegó hasta el punto de creerse superior a los Olímpicos.

Pronto sentiría Erisictón en sus propias carnes el látigo de la venganza divina. Deméter ideó un refinado castigo contra el sacrílego, que nunca pensó que su caída estaba tan cercana. La diosa le envió a Némesis (la Venganza) y a Limo (el Hambre) contra el impío, para que le infligieran un terrible castigo. Se apoderó de Erisictón un hambre devoradora, imposible de mitigar de manera alguna. En poco tiempo, se comió todos sus rebaños, y consumió hasta la última de sus riquezas para conseguir más pitanza. Hundido en la más negra de las pobrezas, pues nada ya le quedaba, se vio obligado a vender a su hija Mestra como esclava. Aquí la historia añade nuevos sabores al guiso, pues nos dice que la princesa poseía el extraño don de cambiar de forma. Este poder se lo había concedido el dios Poseidón, de quién había sido amante en otro tiempo. Así, la muchacha mudaba de apariencia y volvía a casa de su padre, que procedía a venderla otra vez a un nuevo incauto. Por desgracia para Erisictón, ni siquiera esta treta fue suficiente, pues su hambre era cada vez más feroz. Esta llegó al paroxismo, y el pobre desgraciado acabó comiéndose a sí mismo. Intriga pensar como realizaría semejante operación, pero el mito no se molesta en dar más detalles.

Hasta aquí la historia de Erisictón, otro ejemplo típico del castigo divino del hombre demasiado orgulloso. La diferencia está en lo sibilino del castigo y en los curiosos detalles del cuento, que revelan su antiquísimo origen.

Stardust, capítulo VI. Aquellos tiempos que no volverán: Gloria Swanson

2011-11-10T01:29:00.001+01:00

Gloria Josephine Mae Svensson (1899-1983), conocida como Gloria Swanson, fue una de las más rutilantes estrellas del Hollywood mudo. Aunque consiguió sobrevivir a la irrupción del cine sonoro (de hecho había estudiado canto y poseía una buena voz) su popularidad menguó hasta el punto de provocar su prematura retirada de la gran pantalla. Fue recuperada en 1950 por Billy Wilder para El Crepúsculo de los Dioses (Sunset Boulevard), donde interpretaba a Norma Desmond, una antigua estrella del cine mudo en completa decadencia. El papel era en gran medida autoparódico, y la Swanson lo afrontó a pesar de la opinión en contra de muchas de sus compañeras de generación, como Mary Pickford o Mae Murray. Este es paradójicamente su papel más recordado. A pesar del gran éxito de la película, solo volvió a ponerse ocasionalmente delante de las cámaras en los siguientes años.

Bugsy Siegel

2011-11-07T20:15:00.001+01:00

Esta es la historia del hombre que inventó Las Vegas. Benjamin Siegelbaum, el hijo de unos pobres emigrantes judíos de origen ucraniano, nació y creció en Brooklyn, viendo como su padre trabajaba como un mulo para ganar unas pocas monedas. Fue entonces cuando decidió seguir el camino más fácil hacia el éxito. Muy joven se unió a otros muchachos sin escrúpulos, Meyer Lansky y Moe Sedway, con quienes formó una pequeña banda que se dedicó a extorsionar a los tenderos de Lafayette Street a cambio de su protección.

El pequeño negocio creció rápidamente gracias al robo de coches, la explotación del juego ilegal y el contrabando en todo New York y New Jersey. El éxito les permitió establecer contacto con otros jovenes ambiciosos, los italianos Charles Lucky Luciano y Frank Costello, que aspiraban a dominar el negocio del crimen en la costa este. Siegel y Albert Anastasia se convirtieron en los ángeles de la muerte de Luciano, que se sirvió de ellos para eliminar al capo Joe Masseria y después a su rival Salvatore Maranzano (ambos en 1931). Luciano se convirtió en el capo di tutti capi y protegió a Siegel, a pesar de que se había atraido el odio de demasiada gente a causa de su carácter violento y desequilibrado. Se había ganado a pulso su apodo de Bugsy (gusano), mote que lo enfurecía hasta el punto de presumir de que nadie le había llamado así a la cara y había vivido para contarlo.

Los años de la Ley Seca fueron una época dorada para el clan de los Genovese y para Bugsy. Sin embargo, Luciano hubo de enviar a Siegel a San Francisco para protegerle de las iras de sus múltiples enemigos. Ni siquiera su protección era suficiente para mantenerle a salvo de las iras que provocaba su salvaje manera de hacer negocios. En Hollywood Bugsy se encontró cómodo alternando con las estrellas de cine (y extorsionándolas de paso). Allí trabajó junto a su nuevo lugarteniente, Mickey Cohen. Sin embargo, su participación en el asesinato del soplón Harry Greenberg junto a su cuñado Whitey Krakower por orden de Louis Lepke le trajo serios problemas que recomendaron un nuevo cambio de aires.

El negocio del contrabando de licores había menguado notablemente desde el levantamiento de la Ley Seca y Bugsy buscó nuevos horizontes en su carrera. Siempre deseó verse legitimado en los círculos hollywoodienses y pensó que en el desierto de Nevada estaría su salvación. Consiguió el apoyo financiero de Luciano para levantar el primer casino en lo que hasta entonces había sido la modesta población de Las Vegas. Este sería el Hotel Flamingo (1946), Sin embargo, las ambiciones megalómanas de Siegel fueron determinantes para el fracaso de la operación. El presupuesto inicialmente previsto se disparó y a finales de año Bugsy debía a sus jefes más de 6 millones de dólares. Estos sospechaban seriamente de la honradez de su subordinado, al que acusaban en secreto de estar desviando fondos en su propio beneficio. La realidad no era exactamente esta, pero Siegel se vio obligado a inaugurar el local prematuramente, cuando éste no estaba realmente en condiciones de albergar un negocio rentable. Muchas de las celebridades invitadas a la premiere no acudieron, y el Flamingo tuvo que cerrar para ser reabierto posteriormente. Sin embargo, ya era demasiado tarde para Bugsy: el 20 de junio de 1947, mientras se encontraba en el salón de la casa de su novia, Virginia Hill, fue acribillado a balazos. La primera bala le entró por el ojo izquierdo, suficiente para matarlo. Lucky Luciano había decicido acabar de una vez por todas con el problema.

Lo irónico es que el Flamingo acabó triunfando y se convirtió en el local de moda en los siguientes años. En manos del Sindicato del Crimen prosperó y se transformó en un rentable negocio. Las Vegas se convirtió en el emporio del juego que todavía es. El violento Bugsy fue un visionario.

Soundgarden–Searching With My Good Eye Closed (live)

2011-11-02T20:59:00.001+01:00

Nos hacemos viejos… recordemos cuando el grunge dominaba de manera aplastante el panorama musical del planeta Tierra. Aquellos días en que nos tropezábamos por la calle con improbables clones de Kurt Cobain, Eddie Vedder o Chris Cornell. Aquí va un video del grupo de este último, Soundgarden, en su mejor momento. La canción no es de las más conocidas de la banda, pero sí una de mis favoritas personales… 20 años no es nada, qué febril la mirada, ya lo decía el tango.

Happy Halloween !!

2011-10-31T08:56:00.001+01:00

The Beatles, icono

2011-10-13T02:04:00.001+02:00

Izanagi e Izanami

2011-09-29T18:45:00.001+02:00

Esto no es historia, es mitología, pero es el relato de cómo los antiguos japoneses creían que había sido creado el mundo. Todas las civilizaciones tienen su propio mito de la creación; casi siempre son historias crudas y a menudo escatológicas, que nos dejan entrever el nacimiento de una cultura todavía balbuceante.

Izanagi e Izanami son las dos deidades creadoras de la cosmogonía japonesa. No nacieron de la nada, muy al contrario, eran los descendientes en séptima generación de una tríada de misteriosos dioses primigenios, sin forma ni personalidad definida. Cuando los dioses celestiales decidieron crear el mundo, encargaron la misión a la pareja más joven de dioses hermanos. Para ello, les entregaron una gigantesca lanza recamada de gemas.

Desde el Puente Flotante del Cielo, Izanagi comenzó a remover la alabarda en las entrañas de las aguas informes; poco a poco se formó la primera de las islas, la de Onogoro. Allí descendieron los dos dioses y construyeron un palacio, que fue su residencia.

Después, la celestial pareja se unió físicamente para poder crear la Tierra, sin embargo sólo pudieron concebir a un niño sanguijuela (hiru-go) y a la deforme isla de Awa. Preocupados, subieron a la Esfera Celeste para consultar a los dioses. Estos les dijeron que habían realizado el rito de la procreación de manera incorrecta, pues Izanami había sido la primera en hablar.

Izanagi e Izanami repitieron el rito y, ahora sí, engendraron a todas las islas del Japón y a un gran número de deidades. Sin embargo, la última de estas, el dios del fuego Kagutsuchi, abrasó los genitales de su madre al salir al exterior. Izanami enfermó y murió, no sin que antes nacieran todavía nuevos dioses de sus vómitos y sus heces.

Desconsolado y furioso, Izanagi desenvainó su espada de diez palmos y decapitó al Dios del Fuego. De la sangre vertida por el arma y del cuerpo inerte nacieron también multitud de deidades.

Izanagi intentó recuperar a su fallecida esposa. Para ello, viajó a Yomi, el País de las Tinieblas. Cuando llamó a las puertas del reino oscuro, le abrió el espíritu de Izanami. Era demasiado tarde, pues la diosa ya había comido los alimentos de la región de la muerte, lo que hacía imposible su retorno. O no, tal vez había una posibilidad, pero Izanagi debía esperarla y no intentar penetrar en el Reino de las Tinieblas ni intentar verla antes de su regreso.

Sin embargo, Izanami tardaba mucho e Izanagi, impaciente no pudo aguantar más y penetró en la oscuridad iluminado con una antorcha que él mismo había fabricado con su peineta. Horrorizado pudo contemplar el cuerpo putrefacto de su amada. Izanami, furiosa y humillada, lanzó en su persecución a todas las fuerzas de los infiernos. Izanagi consiguió franquear las puertas del Averno y bloquearlas con una gran roca. Ya a salvo, rompió su vínculo matrimonial con el espectro:

- ¡Si me haces ésto, cada día mataré a mil humanos! – protestó el fantasma de Izanami.

- Si tu haces eso, cada día haré nacer a mil quinientos – respondió Izanagi.

De esta manera, la Pareja Celestial se separó para siempre.

Izanagi procedió a purificarse después de tan horrible viaje. En las aguas del río Tachibana lavó su cuerpo y sus ropas. Durante el baño nacieron muchas más divinidades, entre ellas las más importantes del panteón japonés: Amaterasu, la diosa del Sol, nació cuando se lavó su ojo derecho, Tsukuyomi, el dios de la Luna, cuando hizo lo propio con el izquierdo, y Susano, el dios de los Mares, cuando repitió la operación con su nariz. Amaterasu será la matriarca de la dinastía imperial japonesa, pues su bisnieto Jinmu Tenno será el primer ocupante del Trono del Crisantemo.

Stardust, capítulo V. Aquellos tiempos que no volverán: Jennifer Jones

2011-09-09T20:47:00.001+02:00

Jennifer Jones (1919-2009), en la película Duelo al Sol (Duel in the Sun, 1946).

Actriz de discreto talento pero indudable belleza, fue protagonista de algunas grandes películas gracias a la protección de su marido el productor David O. Selznick. A destacar su eclosión en La Canción de Bernadette (1943) o su inolvidable papel de Perla Chávez en Duelo al Sol (1946) junto a un malvado Gregory Peck. También quedaron para el recuerdo Madame Bobary (1949) o La Colina del Adiós (Love is a Many Splendored Thing, 1955). Tras la muerte de Selznick fue retirándose progresivamente de las pantallas. Su última actuación fue en El Coloso en Llamas (1974)

Camisetas de la Cueva del Picaflor

2011-07-09T04:11:00.001+02:00

Marilyn Monroe. I Wanna Be Loved by You

2011-06-02T02:10:00.002+02:00

En recuerdo a Marilyn Monroe en lo que habría sido su 85 cumpleaños. Buen momento para volver a ver Some Like it Hot, nunca está de más.

Nicole Atkins. Vultures

2011-05-24T22:05:00.001+02:00

El vídeo no es muy allá pero es el primer single de un gran disco…

Heike Monogatari

2011-05-17T02:47:00.001+02:00

Aunque desconocida en gran medida en Occidente, Japón posee una tradición histórico-literaria de primer nivel, conformada por obras que relatan desde los míticos orígenes del país nipón hasta la era moderna. Tienen preferencia por la violenta época medieval, cuando nació la figura del samurai, el guerrero japonés. Serían algo cercano a los cantares de gesta o las sagas nórdicas, aunque hay que decir que estas crónicas figuran entre lo más granado de la literatura japonesa.

El Heike Monogatari, probablemente la saga más importante de la historia nipona, se ocupa de la convulsa etapa final de la era Heian, que desembocaría en el establecimiento del shogunato como forma de gobierno. Relata el ascenso y sobre todo, la pavorosa caída del clan de los Taira (o Heike), que pasó de acaparar todo el poder en el Japón medieval a ser exterminado hasta su último miembro.

Es una obra inmensamente rica y compleja. Combina momentos de gran tensión dramática o trepidante dinamismo con escenas francamente líricas y delicadas. Para el lector occidental puede ser algo difícil comprender la psicología de los personajes, tan diferente de la nuestra en ocasiones, pero estamos hablando de una obra maestra de la literatura universal; conforme nos sumergimos en el mundo que nos describe, esta barrera tiende a desaparecer, y no cabe más que rendirse ante la belleza y fuerza del texto.

El Heike Monogatari es ante todo una gran tragedia con personajes perfectamente dibujados: el soberbio primer ministro Kiyomori, que atraerá la ira divina con su orgullo desmedido y provocará la caída de su clan, aunque no vivirá para presenciar el desastre final, al igual que su prudente hijo Shigemori, que no podrá evitar los abusos de su padre y morirá con la certeza de que sus hijos sufrirán el castigo destinado a una estirpe maldita. No es la única figura trágica del relato: recordemos a Shigehira, que morirá ejecutado por pecados que nunca quiso cometer o al pequeño emperador Antoku, que desaparece en las olas del mar en Dan-no-ura (1185) durante la batalla que decidirá de una vez por todas la terrible guerra. Es este uno de los momentos más bellos y trágicos de la historia, donde el poeta da lo mejor de sí mismo y alcanza una de las cimas de la literatura de todos los tiempos.

Curiosamente son los vencedores Minamoto a menudo personajes más prosaicos (y antipáticos) que sus enemigos vencidos. El calculador Yoritomo se convertirá en el nuevo dominador de Japón y exterminará con fría crueldad a los últimos Taira supervivientes, olvidando incluso las más elementales reglas del honor. Su ambición alcanzará también a sus hermanos Noriyori y Yoshitsune, el joven general que había puesto el imperio en sus manos.

El ritmo de la narración no es uniforme y frecuentemente el autor nos lleva por senderos más apartados de la historia principal que nos permiten vislumbrar la mentalidad profundamente religiosa del Japón de su tiempo, así como la delicadeza de sentimientos y profunda educación que se le exigía a las clases altas por aquel entonces.

Asesinatos horrorosos y sublimes actos de generosidad y heroísmo. Momentos de profunda sensibilidad antes de emprender el combate más frenético. Piedad filial y la traición más oscura. La paz eterna del apartado santuario y la violencia más cruda ejercida por bonzos y teóricos ascetas. Poemas de amor y chistes groseros lanzados al enemigo. Todo esto lo podemos encontrar en esta épica historia.

El libro comienza con el tañido de la campana del monasterio de Gyon y finaliza con la triste y oscura muerte de la ex-emperatriz Kenreimon-in, madre del pequeño emperador difunto y última superviviente de los Heike. El autor cierra el círculo y deja que su historia se desvanezca en un silencio desolador, como añorando unos tiempos que ya nunca habían de volver. La época de esplendor del Japón budista.

Verde que te quiero verde…

2011-05-11T18:21:00.000+02:00

Bodegones

2011-05-03T20:18:00.001+02:00

Bodegones al modo de Francisco y Juan de Zurbarán.

Mirada infinita

2011-04-27T03:29:00.002+02:00

Mi abuelo

2011-04-03T02:54:00.001+02:00

Mi abuelo era zapatero en un pequeño pueblo andaluz. Llevó una vida humilde y llena de privaciones para poder sacar adelante a una familia numerosa, pues tuvo nada más y nada menos que ocho hijos a los que alimentar. Eran tiempos duros, le tocó vivir los difíciles años de la posguerra española, cuando conseguir el pan era tarea harto difícil para la gente de pocos recursos como él. Trabajó mucho y durmió poco, pensó mucho y leyó aún más pues, a pesar de su humildad, siempre profesó un respeto reverencial hacia los libros y la cultura, que intentó inculcar a sus hijos.

Duro empeño en la España de su tiempo, donde en la escuela se ponía mucho interés en enseñar a los niños a rezar que a sumar. Sin embargo, todos sus hijos fueron a la escuela, algo relativamente raro en aquella época.

Hace ya muchos años que mi abuelo murió con más de noventa años, pero todavía recuerdo aquellas tardes que me permitía compartir con él en su taller. Aquel cuarto estaba lleno de herramientas que ya no usaba, pero también de su viejos libros, de sus secretos tesoros, monedas vetustas, sellos de la antigua monarquía, recuerdos que guardaba con adoración dentro de pequeñas cajas desvencijadas, que en tiempos habían contenido productos tan prosaicos como tabaco o clavos. Me emociona pensar que quisiera pasar aquellos momentos conmigo en su santuario, pues mi madre me contaba que nunca permitió a sus hijos pequeños entrar allí. Mi abuelo podía ser muy duro si descubría algún intruso manoseando sus cosas.

Mi abuelo siempre apreció mi gusto por la lectura y me lo agradeció de diversas maneras. Durante años me envió cartas llenas de recuerdos de su vida. Había pasado años anotando sus impresiones, su juventud como soldado en Africa, sus pensamientos sobre la vida, y ahora me las mandaba a mí, convirtiéndome en algo así como el guardián de su legado, tan valioso para él. Conservo las viejas monedas de Alfonso XII, que él guardaba como un tesoro, los cromos del chocolate Ametller que coleccionó durante su infancia, donde se relatan los grandes sucesos de la guerra del 14. Retazos dispersos de una vida, sencilla y oscura tal vez, pero vivida con dignidad a pesar de la dureza de los tiempos que le tocó vivir.

Hace poco mi madre me contó que mi abuelo había sido uno de los rojos del pueblo, o por lo menos fue tildado de ello. Por este motivo le tocó vivir muchos momentos amargos en aquellos años de hierro. No lo sabía. El nunca hablaba sobre aquellos años, supongo que el miedo se quedó a vivir en su mente para siempre. La plaza del pueblo donde vivió toda su vida sigue decorada con el monumento que conmemora a los caídos de uno solo de los bandos que lucharon en aquella guerra, el ganador por supuesto. Mi abuelo fue de los perdedores. En la lista de esos supuestos héroes se repiten constantemente unos pocos apellidos, todos de familias pudientes y adictas al régimen. El pobre zapatero tuvo que vivir toda su vida en una calle dedicada a la memoria de un falangista y soportar los desprecios de la gente de bien que paseaban su vano orgullo por las calles del lugar.

Mi abuelo calló y vivió su vida. Sé de la emoción que sintió cuando llegó la democracia y pudo ir a votar. Siempre vio como algo radicalmente injusto que la educación estuviera al alcance de sólo unos pocos privilegiados. Pudo vivir para ver una España mejor, menos provinciana y más abierta al mundo, en donde todos tuvieran el derecho a expresar su opinión, sea esta la que fuere.

Mi abuelo fue un hombre básicamente bueno, que quiso lo mejor para los suyos y para todos, que intentó siempre elevar su espíritu por encima de unos tiempos que fueron muy negros para él. Hubo muchos otros que fueron como él, personas que vivieron con dignidad a pesar de todo, refugiados en el calor del hogar, a la espera de que España saliera de un largo invierno que tardó cuatro décadas en pasar. El pudo verlo. Mi homenaje a él y a todos los que fueron como él, aunque ahora mucha gente ya no los recuerde.

La Sombra de la Geisha

2011-03-14T09:28:00.001+01:00

Fastball

2011-03-02T20:49:00.001+01:00

Hay ciertas bandas de música que ven limitada su repercusión mediática por razones estilísticas o culturales. Y no me estoy refiriendo a exquisiteces étnicas o de espíritu elitista, sino a grupos que se mueven en coordenadas aparentemente comerciales.

Un caso de este tipo serían Fastball. Tal vez los recuerdes por su éxito (relativo a este lado del Atlántico) de 1998, “The Way”. Pop rock del clásico con un toque sureño y una calidad más que notable. Una de esas canciones que se te quedan en la cabeza y acabas cantando en la ducha cuando menos te lo esperas.

Yo los ví en la tele y no tardé en comprarme el disco que incluía la canción, el excelente All the Pain Money Can Buy. Grandes canciones, de inspiración beatleniana, y con el aliciente de contar con dos cantantes-compositores dando lo mejor de sus talentos, Tony Scalzo y Miles Zuniga (allí en USA no usan la Ñ). Completa la formación el batería Joey Shuffield, que también ha tocado con Young Heart Attack.

El grupo tiene su sede en Texas, aunque su en su música no es del todo evidente. Se formaron en 1994 y ya en 1996 sacaron su primer larga duración con Hollywood Records, el todavía imperfecto Make Your Mama Proud. Dos años después aparecería el ya citado All the Pain…, que es el que les dio alguna popularidad en los States. Después vendría The Harsh Light of Day (2000), un disco que gana con las sucesivas escuchas, pero que a nivel comercial no les llevó a ninguna parte. Ya con Rykodisc sacarían Keep Your Wing On (2004) otro grandísimo disco. Su última obra hasta la fecha es Little White Lies, que vio la luz en 2009. La banda parece que ha ido perdiendo popularidad poco a poco, algo que me parece bastante injusto a la luz de la calidad de los sucesivos lanzamientos. Parece que no tienen un gran futuro por delante: su website no se actualiza desde 2008, sus actuaciones en vivo son esporádicas y parece que Zuniga se dispone a emprender una carrera en solitario.

Probablemente su propuesta es demasiado clásica para conseguir una audiencia masiva, aunque en EE UU esto no debería ser un problema tan grande, ya que allí existe un público potencial para este tipo de música. Tal vez el problema sea que los dos líderes, Scalzo y Zuniga, no tengan una gran imagen pero esto no debería ser obstáculo para cualquier aficionado a la música. Recuerda, si te gustan las CANCIONES (así, con mayúsculas) este es tu grupo. Pura orfebrería musical, estribillos tarareables y notable ejecución. Temas de tres minutos que cantarás toda la semana. Música radio-friendly pero hecha con calidad y talento. Si consigues encontrar alguno de sus discos (cada vez es más difícil, como no sea on-line) no te arrepentirás. Palabra.

Un Día En El Zoo

2010-12-16T16:13:00.002+01:00

El parque zoológico es un lugar excelente para el fotógrafo aficionado para practicar con la captura de imágenes de animales en movimiento. He aquí una pequeña muestra de lo que se puede hacer con un equipo relativamente modesto.

Arbol seco

2010-12-06T01:04:00.002+01:00

Niño de piedra

2010-11-29T02:14:00.001+01:00