La Cueva del Picaflor

Rafael Sanzio–Entierro de Cristo

2014-02-09T00:11:00.001+01:00

Rafael Sanzio ya era un pintor de éxito notable cuando hacia 1505 recibió un importante encargo por parte de Atalanta Baglioni, miembro de una de las más importantes familias de Perugia. De hecho, el encargo no era más que una obra votiva en memoria del fallecido hijo de la comitente, Grifonetto Baglioni, que en el verano de 1500 había intentado hacerse con el poder en la ciudad a costa de la vida de su pariente, el terrible condotiero Gian Paolo Baglioni. La intentona acabó mal y Atalanta tuvo que presenciar el asesinato del hijo a manos de los esbirros de su primo.

La obra, conocida como Entierro de Cristo o Santo Entierro fue una de las primeras pinturas de gran formato y complejidad que ejecutó el joven artista, hasta ahora especializado en cuadros de pequeño formato y reducido número de figuras, tales como sus hermosas Madonnas, que tanta fama le habían dado. En su primera idea, el cuadro tuvo una composición mucho más conservadora. De hecho, no era sino una Lamentación sobre el cuerpo de Cristo muerto, muy similar a la que Pietro Perugino, su maestro, había ejecutado en 1495. La preocupación de Rafael es evidente, a la luz de la gran cantidad de bocetos que realizaría durante los dos siguientes años sobre el tema. Poco a poco, un concepto mucho más dinámico fue tomando forma en la mente del artista. La escena dejó de ser una lamentación para transformarse en un entierro o más exactamente, un traslado del cuerpo de Cristo. Formando una gran V que domina toda la composición, son dos poderosas figuras masculinas las que sostienen a Cristo exánime, mientras a su alrededor una serie de personajes expresan las más diversas actitudes. A la izquierda podemos ver a Nicodemo y Juan Evangelista en actitud resignada y desconsolada, respectivamente. María Magdalena sostiene el brazo muerto del Salvador con emocionante ternura. Ella sirve de nexo de unión con las figuras de la parte derecha del cuadro, donde podemos observar un grupo de figuras femeninas que sostiene el cuerpo de la Virgen, desmayada de dolor ante la visión de su hijo difunto. Esta segunda escena es una especie de doble reflejo, físico y espiritual. Por un lado, rememora el episodio de la muerte de Grifone ante los ojos de su madre. Por otra parte, parece una repetición casi exacta de la escena que representan los actores principales. El paisaje es hermoso, típicamente rafaelesco, pero a la vez simbólico: a la izquierda la Santa Cueva, a la derecha el Calvario, con sus cruces todavía enhiestas.

La obra es fantástica, intensamente bella en su colorido, pero sobre todo, nerviosa y dinámica, pues los personajes interactúan entre sí con toda naturalidad, algo insólito para la época. El juego de las miradas es prodigioso, la diversidad y elegancia de las posturas todavía nos sorprenden. En su momento, fue todo un aldabonazo para sus contemporáneos, que vieron surgir ante sus ojos a un nuevo dios de la Pintura. El joven Sanzio tenía tanto talento como el huraño Miguel Angel o el extravagante Leonardo, pero pronto demostraría una habilidad para las relaciones públicas muy superior a la de sus rivales. Poco después se convertiría en el gran hacedor de la Corte de los Papas, y nadie fue capaz de hacerle sombra en lo restante de su corta vida.

Rafael desplegó toda su sabiduría en el Entierro de Cristo, y no tuvo reparo alguno en tomar lo mejor de los maestros que le habían precedido, como Perugino o Andrea Mantegna. Incluso es palpable la influencia de Miguel Angel, notoria en algunas figuras como la del mismo Cristo, o una de las mujeres del extremo derecho, que adopta una postura muy similar a la Virgen del Tondo Doni. Fue para él una suerte de aprendizaje que le permitiría afrontar con seguridad posteriores encargos de gran envergadura, como las Estancias Vaticanas.

La Pala Baglioni está firmada y datada RAPHAEL URBINAS MDVII (Rafael de Urbino 1507) y forma conjunto con otras pinturas de entidad menor, ahora conservadas en diversos museos. Sobre la escena principal se hallaba un Dios Padre Bendiciendo rodeado de ángeles, y bajo ella, a modo de predela, las Virtudes Teologales: Fe, Esperanza y Caridad, flanqueadas por angelitos cada una de ellas. Estas alegorías enlazan con el significado del cuadro principal y con la dura historia de Atalanta Baglione. El retablo permaneció en su ubicación original hasta 1608, en que fue confiscada por esbirros del cardenal Scipione Borghese. El papa, intentando aplacar a los enfurecidos peruginos, envió sendas copias realizadas por dos grandes maestros del momento, Giovanni Lanfranco y el Giuseppe Cesari, conocido como Il Cavalier d’Arpino. En 1797 las tropas francesas robaron la obra, que formó parte del Museo Napoleón. Sin embargo, el Congreso de Viena decretó la devolución de los bienes expropiados a la Santa Sede, y desde 1815 el Entierro se conserva en la Galleria Borghese de Roma.

The Cars–Candy-O (Live)

2014-01-10T17:43:00.001+01:00

Candy O, I need you
Sunday dress, ruby ring
Candy O, I need you so
Could you help me in?

Purple hum, assorted cards
Razor lights you'll bring
And all to prove you're on the move
And vanishing

Candy O, I need you so
Candy O, I need you so

Edge of night, distract yourself
Obstacles don't work
Homogenize
Decentralize
It's just a quirk

Different ways to see you through
All the same in the end
Peculiar your star, a that's who you are
Do you have to win?

Candy O, I need you so
Candy O, I need you so

Suzuki Harunobu

2014-01-09T15:10:00.001+01:00

Suzuki Harunobu (1725-1770) fue uno de los más famosos maestros del del Ukiyo-e, el arte del grabado en madera. Además de su personal estilo, muy imitado con posterioridad, fue un revolucionario, que introdujo nuevas técnicas dentro de su arte.

Alumno de Nishikawa Sukenobu, sus primeros tiempos fueron como artista de la escuela Torii. Pero fue en la última etapa de su carrera cuando empezó a destacar, gracias a la protección de un grupo de cultos samurais que patrocinaron al artista. Gracias a su influencia, fue elegido par realizar una serie de calendarios impresos que se convirtieron en los primeros nishiki-e (impresiones de brocado). El apoyo económico brindado por sus mecenas le permitió experimentar con materiales de alta calidad, tanto en las tintas de impresión como en las maderas (cerezo en lugar de catalpa) utilizadas para los bloques de imprenta. Así, Harunobu pudo emplear hasta diez colores diferentes en sus grabados, cuando hasta la fecha el máximo habían sido tres a lo sumo. Es característico el grosor de su capa de color, que da a sus creaciones un efecto más opaco. El presupuesto nunca fue un problema para el artista.

De esta manera, Harunobu pudo publicar en 1765 el primer nishiki-e totalmente en color.

Estilísticamente, fue también el iniciador de una serie de temas que hicieron gran fortuna entre los maestros de siguientes generaciones. Para empezar, se alejó del estilo paisajístico hasta entonces imperante y situó sus grabados en escenarios de interior, con figuras de aspecto delicado, casi aniñado. Fue el gran ilustrador de la vida de sus contemporáneos, pues retrató no solo a cortesanas o actores de kabuki, sino que también dirigió su atención a personajes más populares como los vendedores ambulantes. También fue uno de los primeros en dar color al fondo de sus grabados mediante una técnica llamada tsubushi. No fue su creador, pero sí el que más partido supo sacarle.

Casi un Leonardo

2013-12-31T20:45:00.001+01:00

Alrededor de la deslumbradora figura de Leonardo da Vinci creció un pequeño grupo de artistas que recogieron su legado con mayor o menor fortuna. Uno de los más desconocidos es Fernando Yáñez de la Almedina, pintor olvidado durante siglos cuya memoria ha sido recuperada en los últimos años. Junto al también español Hernando Llanos marchó a Italia para colaborar con el maestro en la ejecución de los frescos de La Batalla de Anghiari. Tras el fracaso del proyecto, volvió a España, pero sus obras posteriores revelan un conocimiento profundo del arte italiano, pues es indudable que en su producción ejercieron notable influencia no sólo Leonardo, sino otros maestros como Filippino Lippi o Perugino.

La Santa Catalina de Alejandría que se conserva es una pintura misteriosa y hermosa a la vez, pues no sabemos en qué circunstancias fue pintada ni para quién. Se fecha hacia el año 1510, y para cualquier aficionado, la elegante figura de la santa mártir tiene una evidente aire leonardesco. Es probablemente una de las obras maestras olvidadas de la pintura española y su visión resulta todo un impacto para el visitante desprevenido. Elegancia, hermoso colorido, ajustado diseño y un personaje que parece haberse escapado de La Virgen de las Rocas.

Feliz Navidad 2013

2013-12-24T01:00:00.000+01:00

Feliz Navidad, Bon Nadal, Feliz Nadal, Merry Christmas, Joyeux Noël, Buon Natale, Feliz Natal, geseënde Kersfees, gëzuar krishtlindjet, frohe Weihnachten, عيد ميلاد مجيد, З Калядамі, Весела Коледа, veselé vánoce, 圣诞快乐, 즐거운 성탄절 되세요, Sretan Božić, glædelig jul, veselé vianoce, vesel božič, häid jõule, Hyvää joulua, Nadolig Llawen, καλά Χριστούγεννα, חג מולד שמח, क्रिसमस की शुभकामनाएँ, vrolijk kerstfeest, boldog karácsonyt, selamat hari natal, nollaig shona, gleðileg jól, メリークリスマス, priecīgus Ziemassvētkus, Linksmų Kalėdų, Среќен Божиќ, il-milied it-tajjeb, god jul, کریسمس مبارک, Wesołych Świąt, Crăciun fericit, С Рождеством, Срећан Божић, krismasi njema, maligayang pasko, สุขสันต์ วัน คริสต์มาส, mutlu noeller, З Різдвом, giáng sinh vui vẻ, לעבעדיק ניטל, para todos, mis mejores deseos para estas fiestas.

Una Fábula del Greco

2013-12-14T17:12:00.001+01:00

Domenico Theotokopulos es uno de los más singulares artistas de la historia. Con un estilo absolutamente libre totalmente adelantado a su época, fue mal comprendido por sus contemporáneos. Sus obras religiosas irradian una extraña espiritualidad, y sus retratos tienen la cualidad de aunar un crudo realismo con un misticismo a veces incomprensible para el espectador contemporáneo. Ninguna fotografía es capaz de reproducir la extraña sensación que nace de la contemplación directa de sus obras, a ser posible en su ubicación original. Personajes venidos de un tiempo lejano se presentan ante nuestros ojos, espectrales, grandiosos e imponentes.
Este es uno de sus cuadros menos conocidos, su "Fábula" o "Muchacho encendiendo una candela junto a un mono y un loco", una de esas obras a los cuales los expertos no acaban de encontrarle un significado a ciencia cierta. ¿Puro divertimento o mensaje oculto u olvidado? Probablemente lo segundo, pero hoy por hoy no lo sabemos.

Dante a la Puerta del Infierno

2013-10-23T19:40:00.001+02:00

La Divina Comedia, Infierno, Canto III, vs. 1-9

Cuando Dante, guiado por Virgilio, llega a las puertas del Infierno, se encuentra con la siguiente inscripción. Transcribimos el pasaje en dos versiones diferentes, una con mayor sabor lírico, otra más literal y algo ruda:

“Por mí se va a la ciudad doliente,

por mí se va en el eterno dolor,

por mí se va con la perdida gente.

La justicia movió a mi alto hacedor:

Hízome la divina potestad,

la suma sabiduría y el primer amor.

Antes de mí ninguna cosa fue creada

sólo las eternas, y yo eternamente duro:

¡Perded toda esperanza los que entráis!”

ΩΩΩΩΩΩΩΩΩ

“A la ciudad de los lamentos se va por mí,
por mí, al dolor sempiterno;
por mí se llega a la raza de los condenados;
mi gran arquitecto fue inspirado en la justicia;
me construyó el divino poder,
la sublime sabiduría y el amor primitivo.
Nada se creó antes que yo,
si se exceptúa lo eterno; también soy eterno.
Los que penetráis aquí esperanza.”

Stardust, capítulo VIII, aquellos tiempos que no volverán: Ann Sheridan

2013-08-01T14:11:00.001+02:00

Nacida Clara Lou Sheridan (Denton, TX, 1915 – Los Angeles, CA, 1967), debuto en el cine (1934) gracias a un concurso de belleza cuyo premio era figurar en una película de la Paramount. Desaprovechada durante años, cambió de aires y se fue a la Warner Brothers (1936), donde adoptó el nombre de Ann Sheridan. Su carrera comenzó a despegar, sobre todo gracias a su papel de Laury Ferguson en el clásico de cine negro Angeles con sucias (1938), junto a James Cagney y Humphrey Bogart. Otros hitos de su carrera fueron Dodge, ciudad sin ley (1939) junto a Errol Flynn, They Drive by Night (1940) con George Raft, El hombre que vino a cenar (1942) con Bette Davis, Kings Row (1942) con el futuro presidente Ronald Reagan, o La novia era él (1949) con Cary Grant. En los 50s su estrella decayó rápidamente y le fue difícil encontrar buenos papeles, desplazada por nuevas estrellas femeninas mucho más jóvenes. Murió en 1967, víctima de un cáncer de esófago (siempre fue una fumadora empedernida) justo cuando su carrera comenzaba a remontar gracias a la televisión.

Inolvidable en sus papeles de chica de la puerta de al lado, capaz de dirigirse de tú a tú a sus partenaires masculinos.

Un Paño Negro

2013-07-05T14:25:00.001+02:00

De los miles de visitantes que diariamente irrumpen en las grandes salas del Palazzo Ducale veneciano, pocos advertirán un discreto detalle en la decoración de la Sala del Mayor Consiglio, la estancia más majestuosa del viejo edificio.

Dicha sala se halla decorada con los grandes hitos y victorias de la historia de la Serenísima, pintadas por los mejores pintores venecianos. Destaca el gigantesco Paraíso obra de Tintoretto, todo un prodigio de grandiosidad. Justo debajo del techo podemos ver retratados a todos los Dux de Venecia que en la historia fueron. Estos retratos forman una larga serie que abarca todo el perímetro del salón. No son demasiado visibles, pero si hacemos un pequeño esfuerzo podremos leer las inscripciones laudatorias que acompañan a cada uno de ellos.

Sin embargo, si observamos atentamente, veremos que al fondo a la izquierda, falta un retrato. Bien, la realidad es que no falta, sino que en su lugar se ha representado una especie de sábana negra que cubre la zona donde teóricamente tendría que verse la efigie de un dux. Sobre el paño podremos leer una inscripción en latín en letras doradas:

“HIC EST LOCUS MARINI FALETRO DECAPITATI PRO CRIMINIBUS”

(Este es el lugar de Marin Falier, decapitado por sus crímenes)

Pues bien, este es uno de los más célebres casos de damnatio memoriae de la historia. El castigo que un estado aplica a los traidores más allá de la muerte: la condena al olvido.

¿Quién fue Marino Falier? ¿Qué gran crímen cometió para que su propia patria condenara su memoria después de haberlo elevado a la más alta dignidad de la República? Para saberlo tenermos que retroceder nada menos que al siglo XIV. Estamos en el más glorioso período de la historia veneciana. Los barcos de la Serenísima dominan las principales rutas comerciales del Mediterráneo y aportan continuamente grandes cantidades de riqueza a la ciudad de los canales. Marino Falier es uno de los más destacados aristócratas por su riqueza y por sus grandes servicios al estado. Ha sido general victorioso de sus ejércitos y afortunado diplomático en la Corte Papal de Avignon. Cuando en 1354 el dux Andrea Dandolo fallece hay un gran consenso a la hora de elegir a su sucesor, que no es otro que el respetado senador Falier.

Sin embargo, la situación en Italia era cada vez más inestable por aquellos días. La mayoría de las ciudades vecinas habían abandonado el sistema oligárquico y republicano para ponerse en manos de hombres fuertes que asumían el poder y se arrogaban títulos y prebendas de carácter principesco. Tal vez Falier concibiera en su cabeza la idea de que lo que Venecia necesitaba era el gobierno de un hombre fuerte. Lo cierto es que la Historia le atribuye motivos más triviales a su intento de hacerse con el poder en su patria. Se dice que concibió un gran odio a las más alta nobleza veneciana (a la que por otra parte él mismo pertenecía) a consecuencia de una ofensa cometida contra su esposa por un joven aristócrata, y que no había sido castigada a su satisfacción.

El caso es que el viejo dogo organizó una conspiración junto a otros descontentos con el poder de la oligarquía y fijó para el día 15 de abril de 1355 la ejecución de su plan, que consistía básicamente en atraer a sus enemigos a la Piazza de San Marco, delante del Palacio Ducal, para eliminar a los principales representantes del stablishment veneciano y dejar descabezado cualquier intento de resistencia. Acto seguido, el viejo Falier sería proclamado Príncipe de Venecia.

Lo que ocurrió es que varios de los conjurados no guardaron la necesaria circunspección y las noticias del complot llegaron pronto a oídos del Consejo de los Diez, la instancia secreta que controlaba una gran red de espionaje fuera y dentro de la propia Venecia. Reunidos en secreto, abrieron una rápida investigación que dejó bien a las claras el grado de implicación del propio dogo en la confabulación.

El día previsto para la toma del poder amaneció con los puntos neurálgicos de la ciudad tomados por las fuerzas del gobierno y con diez de los confabulados colgados de las ventanas del Palacio Ducal. Marino Falier fue arrestado y juzgado sumarísimamente. El anciano reconoció todos los cargos y asumió su fatal destino. El día 18 fue llevado al patio interior del palacio y fue despojado de todas las insignias de poder. Después fue decapitado y su cadáver expuesto para público escarnio. Todos sus bienes fueron confiscados excepto una cantidad para su viuda.

Venecia eligió rápidamente un nuevo dogo y borró de la memoria histórica al hombre que había intentado acabar con la República a pesar de haber sido elevado a la máxima dignidad. Algunos años después de su muerte se ordenó borrar su efigie del friso de los dogos y cubrirlo con el paño negro que ahora vemos. Si no hubiera sido así, su rostro miraría, a modo de cruel ironía, el maravilloso espectáculo de los bienaventurados que disfrutan de la vida eterna en un el Paraíso que años después Tintoretto pintó para mayor gloria de Venecia.

The Darkness–Everybody Have a Good Time

2012-10-02T14:02:00.001+02:00

Grace Potter & The Nocturnals–Stars

2012-08-23T20:45:00.001+02:00

Remedios Varo

2012-08-15T16:36:00.001+02:00

Entre los artistas españoles del pasado siglo XX, uno de los más desconocidos es la pintora surrealista Remedios Varo (Anglès, 1908 – Ciudad de México, 1963), cuya obra personalísima merecería un reconocimiento mayor del que tiene a día de hoy en su país natal, donde ha sido olvidada totalmente. Mayor huella dejó en México, adonde la artista marchó cuando tuvo que abandonar una Francia invadida por el ejército nazi.

Artista precoz, ingresó en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde fue una de las primeras alumnas de su sexo. Más tarde se trasladó a París, donde se introdujo en los círculos surrealistas próximos a André Breton. Allí conoció al poeta Benjamin Péret, con quien se casó y compartió los primeros años de exilio. Cuando la Guerra Civil estalló en España, Varo apoyó al bando republicano, lo que a la larga le impediría regresar a su país.

Tras una estancia en Venezuela, la artista se instaló definitivamente en México (1949), donde pasaría el resto de su vida. Allí sobrevivió ganándose la vida como artista publicitaria e ilustradora entomológica, hasta que su último marido, el político austriaco Walter Gruen, la animó a concentrarse en su propio arte.

La obra de Varo es intensamente personal. Como buena surrealista, intentó plasmar en sus pinturas los más recónditos secretos de la mente humana. Sus diseños son profundamente oníricos, de temas un tanto crípticos y misteriosos. La influencia del Bosco, uno de sus artistas favoritos, es a menudo patente. Sus obras transmiten un extraño sentimiento, gracias a sus paisajes irreales y fantasiosos, y a esos personajes que parecen mirar al interior de si mismos mientras el silencio parece envolverles, sea cual sea la acción que se represente. Extraña mezcla de influencias, sus obras oscilan entre el surrealismo más puro y una especie de primitivismo neoflamenco cuajado de referencias científicas o autobiográficas. Ni más ni menos que una ventana con vistas al interior de la mente de una artista a veces profundamente hermética.

Leyendas griegas: Nauplio y Palamedes

2012-06-25T11:30:00.001+02:00

La epopeya troyana es de sobra conocida por la inmensa mayoría del público; incluso se han hecho unas cuantas películas con lo más granado del star system hollywoodiense. Lo del Caballo de Troya es un lugar común, incluso entre personas que realmente desconocen de donde proviene la expresión. Pero dejando a un lado la trama principal de la historia, encontramos narraciones paralelas desempeñadas por personajes a veces bastante desconocidos. Uno de estos “spin-offs homéricos” está protagonizado por el astuto Palamedes, al que toda su sabiduría no le sirvió para ponerse a salvo de la venganza del todavía más taimado Ulises.

Nuestro héroe era, junto a Éax y Nausimedonte, uno de los tres hijos de Nauplio. También era primo del rey Menelao de Esparta y su principal consejero. Fue él quién consoló al desesperado monarca cuando el troyano Paris raptó a su esposa Helena. Asimismo formó parte de la embajada griega (junto a Ulises y el propio Menelao) que llegó a Troya para reclamar a la prófuga y arreglar el asunto de manera amistosa.

Como es sabido, fracasaron en su misión y la guerra quedó declarada. Llegó el momento de reclamar la comparecencia de los aliados. Por desgracia, no todos parecían muy dispuestos a empuñar la lanza por una afrenta que en el fondo sólo afectaba al honor de los Tindáridas (o sea, los hijos del rey Tindáreo, Menelao y Agamenón). El más remiso fue Ulises (Odiseo para los griegos) que recurrió a una de sus habituales tretas: se fingió loco, y para demostrar de desvarío, unció a su arado a un buey y un asno, y se puso con ellos a sembrar de sal sus campos. El truco no engañó a Palamedes, que desbarató el numerito de Ulises colocando Telémaco, el pequeño hijo de éste, en el camino del arado. Por supuesto, el padre se detuvo para no matar al infante, y se descubrió como más cuerdo de lo que quería aparentar. Ulises tuvo que ir a la guerra contra su voluntad, pero nunca olvidó la afrenta de Palamedes, que pagaría su astucia con creces.

Ya en tierras de Ilión, Palamedes fue uno de los principales jefes griegos en la primera fase de la guerra. Con su sabiduría habitual mantuvo la moral de las tropas a pesar de los presagios adversos y fue capaz de garantizar el suministro de vituallas en territorio enemigo, cuando el propio Ulises había fracasado miserablemente en esta misión. El era el principal consejero de los grandes reyes, y esto parecía protegerle de la inquina de sus enemigos, que deseaban su destrucción a pesar de todas sus buenas acciones. La tradición griega hace de él el inventor de algunas letras del alfabeto (se dice que inventó la Y al ver una bandada de grullas en el cielo), o de otras cosas útiles para la humanidad, como los números, la balanza, los dados o el juego de damas y una versión primitiva del ajedrez. Es uno de los sabios por antonomasia de la tradición helena. Su recuerdo llega a la actualidad, pues su nombre lo lleva una mariposa, obras de arte como una estatua de Antonio Canova y diversas publicaciones relacionadas con el ajedrez.

El genio maléfico de Ulises acabó por imponerse, que organizó un elaborado complot para provocar la caída definitiva de su íntimo enemigo. Obligó a un prisionero frigio a componer una supuesta carta del rey Príamo de Troya en la que éste agradecía los servicios prestados por Palamedes. Después de matar al prisionero para no dejar testigos, hizo circular la carta por el campamento griego. Remató la faena sobornando a uno de los servidores de su rival para que escondiese oro y diversas alhajas bajo la cama de su amo. De nada le sirvieron sus buenos servicios al príncipe: fue condenado por el consejo de los reyes y lapidado por todo el ejército.

La sangre del inocente revertiría sobre la cabeza de sus verdugos. Nauplio, el padre del ajusticiado, no tardó demasiado en enterarse de la injusta muerte de su hijo. Se presentó en el campamento exigiendo justicia y clamando venganza, pero sus exigencias no fueron satisfechas en absoluto. Mal hicieron los griegos en no atender al indignado anciano, pues este no era un cualquiera: en su juventud había sido uno de los Argonautas, y llegó a pilotar la nave Argos en la parte final del viaje. Además era conocido como un experto navegante, y era tan astuto o más que su hijo.

El viejo, despechado, comenzó un tour por todas las cortes griegas, donde esperaban las esposas de los reyes el regreso de sus maridos. A todas les contó que sus esposos habían encontrado nuevas esposas en tierras troyanas, y que pensaban traerlas con ellos a su regreso. Algunas de las mujeres se suicidaron de desesperación, pero otras, como Clitemnestra, la esposa de Agamenón, Meda, la de Idomeneo de Creta o Egialea, la de Diomedes (uno de los principales instigadores de la muerte de Palamedes) prepararon a sus esposos un amargo regreso. Para unos fue la más ignominiosa de las muertes, para otros consistió en verse expulsados de su patria y convertidos en foragidos. Irónicamente, fue Penélope, la esposa de Ulises, la única que no cayó en el engaño de Nauplio y siguió siendo fiel a su esposo.

Pero Nauplio también se vengó de los griegos de formas más directas. Cuando éstos regresaban victoriosos y cargados de riquezas a sus casas, el anciano se apostó en el cabo Cafareo y encendió una gran hoguera. Las naves de los dánaos (otro nombre de los griegos de entonces) se dirigieron hacia los acantilados, pensando que era puerto seguro. La mayoría de ellas se hundieron en lo más negro del mar junto con gran parte del botín.

Tal fue la terrible venganza de Nauplio, que así castigó la iniquidad de los griegos.

The Doors, icono

2012-04-15T03:00:00.001+02:00

Volavérunt

2012-03-24T11:42:00.001+01:00

En el manuscrito que se conserva en el Museo del Prado, y que se tiene por autógrafo del propio Francisco de Goya, el capricho se explica de la siguiente manera:

“El grupo de brujas que sirve de peana a la petimetra, más que necesidad, es adorno. Hay cabezas tan llenas de gas inflamable, que no necesitan para volar ni globo, ni brujas”

Sin embargo, como en casi toda la serie, la ilustración parece albergar en su interior significados paralelos, ocultos a la mirada de la mayoría de los mortales. Junto al apóstrofe moralizante, convive lo personal y lo impublicable.

Porque la bella bruja de semblante afligido parece no ser otra que Cayetana de Alba. Los términos en que se basó la relación entre el artista y la aristócrata no acaban de estar claros, pero Goya nos ha dejado en sus obras algunas pistas que nos hacen sospechar que en algún momento ésta trascendió lo profesional. Chocante es cuando menos el retrato de la duquesa conservado en la Hispanic Society de New York, en el que la dama luce en su mano sendos anillos, con las palabras Goya y Alba. El dedo de la misma mano apunta al suelo, donde puede verse escrito en tierra y a los pies de la retratada otra vez las palabras Solo Goya. La primera de ellas fue tapada en algún momento posterior a su creación, por alquien que tal vez la consideró comprometedora.

Volviendo al grabado, el personaje femenino ostenta en su cabeza sendas alas de mariposa, símbolo de la inconstancia y la fragilidad. Pueden tomarse como un reproche de amante despechado, igual que el título Volavérunt (“volaron” en latín), tomado en el sentido de pérdida, de algo que se fue para no volver. Y sin embargo, como siempre, Goya consigue velar el significado profundo de la ilustración, si es que éste existe realmente, y no son estas elucubraciones, parafraseando al propio artista, monstruos producidos por la razón de otras mentes.

Foxy Shazam–I Like It

2012-03-15T02:01:00.001+01:00

Big magic woman
Oh you got me
Under your spell
You hypnotize
Me with your hips and thighs
I wear these shades
So when I stare
No one can tell
So c'mon! (c'mon, c'mon, c'mon)
Show me a little more (c'mon, c'mon, c'mon)
Thats the biggest black ass I've ever seen
And I like it, I like it
Thats the biggest black ass I've ever seen
And I like it, I like it, a lot
My gangsta girl
With the wavy curl
And a sexy
Street talking slang
You mesmerize
Me and you mess with I
When you booty pop and drop it
Like it aint no thing
Ha! (c'mon, c'mon, c'mon)
Show me a little more (c'mon, c'mon, c'mon)
Thats the biggest black ass I've ever seen
And I like it, I like it
Thats the biggest black ass I've ever seen
And I like it, I like it, a lot
Thats the biggest black ass I've ever seen
And I like it, I like it
Thats the biggest black ass I've ever seen
And I like it, I like it
Thats the biggest black ass I've ever seen
And I like it, I like it
Thats the biggest black ass I've ever seen
And I like it, I like it, a lot
Thats the biggest black ass I've ever seen
And I like it, I like it
Thats the biggest black ass I've ever seen
And I like it, I like it

Bueno, tal vez sea incorrecto políticamente, pero definitivamente… I LIKE IT

El Daguerrotipo

2012-01-23T03:16:00.001+01:00

El nacimiento de la fotografía es una historia alambicada, protagonizada por pioneros que intentaron con todo su ahínco fijar una imagen fugaz en un medio físico y perdurable. Fue el francés Joseph-Nicéphore Niepce (1765 – 1833) el primero que consiguió avances realmente notables en esta empresa. Rico terrateniente, dedicó varios años a la búsqueda de un método realmente efectivo para la captura de imágenes. Aunque parece que consiguió otras con anterioridad, la primera “fotografía” que ha sobrevivido nos muestra una vista desde la ventana del estudio que Niépce tenía en Le Gras (Saint-Loup-de-Varennes). La imagen fue tomada hacia 1827 y para ello fue necesaria una exposición de 8 horas. Aunque el procedimiento era todavía muy rudimentario, sin duda era una gran avance técnico.

Pero Niepce no supo rentabilizar su invento. Tras intentar en vano interesar a la Royal Society británica, se asoció con Louis-Jacques-Mandé Daguerre (1787 – 1851), un pintor experto en la técnica de la cámara oscura y en la fabricación de dioramas, con el objeto de perfeccionar su descubrimiento. Durante el año de 1829, ambos hombres trabajaron codo con codo, consiguiendo disminuir drásticamente el tiempo de exposición necesario para la obtención de imágenes (ahora unas dos horas). También fundaron una sociedad comercial para la explotación del invento. Ambos siguieron investigando, pero a la muerte de Niepce en 1833, este fue sucedido como socio por su hijo Isidore, que no supo como seguir con las investigaciones de su padre. Mientras, Daguerre siguió mejorando la técnica. Aprovechó la impericia de su joven socio para modificar los términos del acuerdo en su favor, con lo que la sociedad pasó a denominarse Daguerre-Niepce (y no a la inversa, como hasta ese momento) y posteriormente sólamente Daguerre, condenando al olvido a Niepce. Cuando Daguerre estuvo en condiciones de dar a conocer al mundo su descubrimiento, tuvo buen cuidado de silenciar el nombre de su socio y atribuirse todo el mérito, ocultando el hecho de que todo el procedimiento se basaba en los primeros hallazgos del difunto inventor.

A pesar de todo, Daguerre merece buena parte del crédito, pues consiguió imágenes muy nítidas y más sencillas de obtener gracias a sus propias innovaciones. Su Vista del Boulevard du Temple (1838) fue considerada durante mucho tiempo la primera fotografía de la historia, antes del redescubrimiento de la de Niepce y otras del propio Daguerre. Su invento, el daguerrotipo, se popularizó muy rápidamente, pues Daguerre supo sacarle una gran rentabilidad frente a otros procedimientos fotográficos de menos éxito, como la heliografía o el talbotipo o calotipo. El avispado inventor se aseguró el apoyo de las autoridades francesas, que compraron la patente a cambio de una sustanciosa pensión para Daguerre y los herederos de Niepce. Al ser liberado de derechos de autor, el procedimiento se extendió por toda Europa y Estados Unidos, donde el daguerrotipo gozó de una gran y prolongada aceptación, incluso cuando la fotografía ya se había impuesto en el resto de países.

Como no podía ser de otra manera, el daguerrotipo acabó siendo sustituido por la verdadera fotografía, mucho más fácil y cómoda de realizar. El hecho de que una exposición de 10 a 40 minutos fuera necesaria, de que cada daguerrotipo es una obra única imposible de duplicar o de pasar a un soporte más manejable como el papel, el problema de que la imagen resultante siempre estaba invertida horizontalmente, o de que para la impresión de la imagen en la placa metálica fuera necesario manipular productos químicos altamente tóxicos, condenaron la técnica a una muerte inevitable. Técnicas más avanzadas que permitían una más fácil y rápida reproducción de las instantáneas tomadas, como la del colodión húmedo, se impusieron en pocos años (hacia 1855). Estos nuevos procedimientos permitían obtener imágenes en negativo que después podían convertirse en positivos sobre el papel. Pero el daguerrotipo disfrutó de un inusitado éxito durante unas pocas décadas. Nos han quedado instantáneas y paisajes urbanos de la época gracias a él, que se han convertido en verdaderos tesoros de gran valor histórico. La prolongada exposición impedía reflejar la vida y el ajetreo real que se vivía en las grandes ciudades, así que donde más brilló el daguerrotipo fue en el retrato. Fotógrafos como Nadar (Gaspard-Félix Tournachon, 1820 – 1919) inmortalizaron a lo más granado de la sociedad de la época. Otros como los Hermanos Bisson se especializaron en la reproducción de grandes monumentos europeos o en documentar grandes gestas como la ascensión al Montblanc. También se produjo el difícil encuentro entre la pintura y la fotografía, entonces polémico, como en los trabajos conjuntos del fotógrafo Jean-Louis-Marie-Eugène Durieu (1800 – 1874) y el pintor romántico Eugène Delacroix.

En EE UU el daguerrotipo tuvo una gran repercusión en la sociedad y han quedado múltiples ejemplos de retratos individuales o de grupo, familiares u oficiales, firmados por fotógrafos anónimos o reconocidos como George Smith Cook (1819 – 1902) o Mathew Brady (1823 – 1893), el hombre que supo dejar testimonio de la Guerra Civil Americana. Fue entonces cuando encontramos lo que será el germen del fotoperiodismo, que documentó los grandes progresos de la humanidad y las vicisitudes de la sociedad de su tiempo.

El misterioso Odilon Redon

2011-12-31T14:20:00.001+01:00

El simbolismo fue el arte de lo onírico, de la exploración de las emociones que surgen de lo más profundo del alma humana. Uno de los más destacados exponentes de esta corriente artística fue el francés Odilon Redon (1840-1916). Desde muy pequeño, el joven Redon practicó el dibujo con asiduidad, aunque la presión paterna le obligó a intentar ingresar en la escuela de ingeniería. Su fracaso en las pruebas de admisión le produjo una gran frustración. Redon fue básicamente un autodidacta que no consiguió el reconocimiento público hasta muy avanzada su carrera. Sus perturbadores dibujos y grabados en blanco y negro (noirs) le dieron la fama, aunque a partir de 1900 los abandonó para sumergirse en el color, aunque el carácter de su obra siguió siendo sumamente opaco y misterioso para el observador. Cerradas en sí mismas, parecen surgir del silencio para volver a hundirse en él. Figuras contemplativas o ensimismadas, selvas petrificadas y colores suspendidos en el papel. Ojos gigantescos que nos miran, arañas con rostro humano, naturalezas muertas en el más estricto sentido de la palabra. Si hay un artista que nos ha mostrado el mundo de los sueños, ese ha sido Redon.

Stardust, capítulo VII. Aquellos tiempos que no volverán: Rita Hayworth

2011-11-28T17:36:00.001+01:00

Margarita Carmen Cansino (New York, 1918-1987), conocida para siempre como Rita Hayworth, fue una de las más rutilantes estrellas femeninas del Hollywood dorado. Hija de Eduardo Cansino, bailarín sevillano, adoptó el apellido de su madre Volga Hayworth. Comenzó su carrera como bailarina junto a su padre y bajo su nombre real, pero su belleza pronto fue descubierta para el cine. Su primer gran papel fue el de Doña Sol en Sangre y Arena (1941), a la que siguieron el musical Las Modelos (1944) y sobre todo, Gilda (1946) donde interpretó el rol que hizo de ella un icono sexual. Después su carrera comenzaría un lento declive, aunque con grandes hitos todavía, como la en su momento incomprendida La Dama de Shangai (1947) a las órdenes de su marido en aquellos días, Orson Welles. La película fue un fracaso en su día, tal vez por el cambio radical de imagen que lucía la Hayworth (pelo corto y rubio platino). Sin embargo, ha pasado a la historia como un gran clásico del cine.

Rita fue en la realidad una persona de carácter generoso y apacible, muy lejos de su imagen en la gran pantalla, prototipo de bomba sexual. Sufrió en sus comienzos las duras imposiciones de los grandes estudios cinematográficos, que la obligaron a cambiar de imagen, atenuando sus rasgos hispánicos. La sometieron a estrictas dietas para perder peso, y le hicieron teñir y cambiar el nacimiento de su famosa cabellera mediante electrolisis. En los últimos años sufrió un grave deterioro de su salud mental a causa del Alzheimer, que le fue diagnosticado tardíamente. Vivió en un casi completo retiro hasta el día de su muerte.

El Hombre que se comió a si mismo

2011-11-14T11:43:00.001+01:00

La Mitología griega está llena de mitos con características, como poco, sorprendentes. Son historias muy antiguas, cuyo origen se pierde en la noche de los tiempos, cuando la cultura helena todavía estaba en su fase de cristalización. En ellas, los dioses parecen convivir en una esfera muy cercana a los humanos. Sin embargo, se muestran muy celosos de sus prerrogativas y castigan cruelmente a éstos con penas a veces singulares. He aquí uno de estos relatos:

Erisictón era un monarca tesalio, hermano de Tríopas. Ensorbecido por su poder, no temía a los dioses ni les rendía el culto debido. Su insolencia le llevó a cometer muchos desacatos contra ellos. La gota que colmó el vaso fue cuando Erisictón osó talar un bosque que estaba consagrado a la diosa de las cosechas, Deméter. De nada sirvieron las repetidas advertencias que los Inmortales le hicieron para que no cometiera tal profanación. La propia diosa, tomando la forma de la sacerdotisa Nicipe, intentó convencer a Erisictón para que no llevara a cabo sus propósitos, pero éste llegó a amenazarla con la muerte mientras blandía el hacha con la que estaba cortando los sagrados árboles. El rey cumplió con su amenaza y el bosque fue destruido. No tenía miedo de las consecuencias, pues su soberbia le cegó hasta el punto de creerse superior a los Olímpicos.

Pronto sentiría Erisictón en sus propias carnes el látigo de la venganza divina. Deméter ideó un refinado castigo contra el sacrílego, que nunca pensó que su caída estaba tan cercana. La diosa le envió a Némesis (la Venganza) y a Limo (el Hambre) contra el impío, para que le infligieran un terrible castigo. Se apoderó de Erisictón un hambre devoradora, imposible de mitigar de manera alguna. En poco tiempo, se comió todos sus rebaños, y consumió hasta la última de sus riquezas para conseguir más pitanza. Hundido en la más negra de las pobrezas, pues nada ya le quedaba, se vio obligado a vender a su hija Mestra como esclava. Aquí la historia añade nuevos sabores al guiso, pues nos dice que la princesa poseía el extraño don de cambiar de forma. Este poder se lo había concedido el dios Poseidón, de quién había sido amante en otro tiempo. Así, la muchacha mudaba de apariencia y volvía a casa de su padre, que procedía a venderla otra vez a un nuevo incauto. Por desgracia para Erisictón, ni siquiera esta treta fue suficiente, pues su hambre era cada vez más feroz. Esta llegó al paroxismo, y el pobre desgraciado acabó comiéndose a sí mismo. Intriga pensar como realizaría semejante operación, pero el mito no se molesta en dar más detalles.

Hasta aquí la historia de Erisictón, otro ejemplo típico del castigo divino del hombre demasiado orgulloso. La diferencia está en lo sibilino del castigo y en los curiosos detalles del cuento, que revelan su antiquísimo origen.

Stardust, capítulo VI. Aquellos tiempos que no volverán: Gloria Swanson

2011-11-10T01:29:00.001+01:00

Gloria Josephine Mae Svensson (1899-1983), conocida como Gloria Swanson, fue una de las más rutilantes estrellas del Hollywood mudo. Aunque consiguió sobrevivir a la irrupción del cine sonoro (de hecho había estudiado canto y poseía una buena voz) su popularidad menguó hasta el punto de provocar su prematura retirada de la gran pantalla. Fue recuperada en 1950 por Billy Wilder para El Crepúsculo de los Dioses (Sunset Boulevard), donde interpretaba a Norma Desmond, una antigua estrella del cine mudo en completa decadencia. El papel era en gran medida autoparódico, y la Swanson lo afrontó a pesar de la opinión en contra de muchas de sus compañeras de generación, como Mary Pickford o Mae Murray. Este es paradójicamente su papel más recordado. A pesar del gran éxito de la película, solo volvió a ponerse ocasionalmente delante de las cámaras en los siguientes años.

Bugsy Siegel

2011-11-07T20:15:00.001+01:00

Esta es la historia del hombre que inventó Las Vegas. Benjamin Siegelbaum, el hijo de unos pobres emigrantes judíos de origen ucraniano, nació y creció en Brooklyn, viendo como su padre trabajaba como un mulo para ganar unas pocas monedas. Fue entonces cuando decidió seguir el camino más fácil hacia el éxito. Muy joven se unió a otros muchachos sin escrúpulos, Meyer Lansky y Moe Sedway, con quienes formó una pequeña banda que se dedicó a extorsionar a los tenderos de Lafayette Street a cambio de su protección.

El pequeño negocio creció rápidamente gracias al robo de coches, la explotación del juego ilegal y el contrabando en todo New York y New Jersey. El éxito les permitió establecer contacto con otros jovenes ambiciosos, los italianos Charles Lucky Luciano y Frank Costello, que aspiraban a dominar el negocio del crimen en la costa este. Siegel y Albert Anastasia se convirtieron en los ángeles de la muerte de Luciano, que se sirvió de ellos para eliminar al capo Joe Masseria y después a su rival Salvatore Maranzano (ambos en 1931). Luciano se convirtió en el capo di tutti capi y protegió a Siegel, a pesar de que se había atraido el odio de demasiada gente a causa de su carácter violento y desequilibrado. Se había ganado a pulso su apodo de Bugsy (gusano), mote que lo enfurecía hasta el punto de presumir de que nadie le había llamado así a la cara y había vivido para contarlo.

Los años de la Ley Seca fueron una época dorada para el clan de los Genovese y para Bugsy. Sin embargo, Luciano hubo de enviar a Siegel a San Francisco para protegerle de las iras de sus múltiples enemigos. Ni siquiera su protección era suficiente para mantenerle a salvo de las iras que provocaba su salvaje manera de hacer negocios. En Hollywood Bugsy se encontró cómodo alternando con las estrellas de cine (y extorsionándolas de paso). Allí trabajó junto a su nuevo lugarteniente, Mickey Cohen. Sin embargo, su participación en el asesinato del soplón Harry Greenberg junto a su cuñado Whitey Krakower por orden de Louis Lepke le trajo serios problemas que recomendaron un nuevo cambio de aires.

El negocio del contrabando de licores había menguado notablemente desde el levantamiento de la Ley Seca y Bugsy buscó nuevos horizontes en su carrera. Siempre deseó verse legitimado en los círculos hollywoodienses y pensó que en el desierto de Nevada estaría su salvación. Consiguió el apoyo financiero de Luciano para levantar el primer casino en lo que hasta entonces había sido la modesta población de Las Vegas. Este sería el Hotel Flamingo (1946), Sin embargo, las ambiciones megalómanas de Siegel fueron determinantes para el fracaso de la operación. El presupuesto inicialmente previsto se disparó y a finales de año Bugsy debía a sus jefes más de 6 millones de dólares. Estos sospechaban seriamente de la honradez de su subordinado, al que acusaban en secreto de estar desviando fondos en su propio beneficio. La realidad no era exactamente esta, pero Siegel se vio obligado a inaugurar el local prematuramente, cuando éste no estaba realmente en condiciones de albergar un negocio rentable. Muchas de las celebridades invitadas a la premiere no acudieron, y el Flamingo tuvo que cerrar para ser reabierto posteriormente. Sin embargo, ya era demasiado tarde para Bugsy: el 20 de junio de 1947, mientras se encontraba en el salón de la casa de su novia, Virginia Hill, fue acribillado a balazos. La primera bala le entró por el ojo izquierdo, suficiente para matarlo. Lucky Luciano había decicido acabar de una vez por todas con el problema.

Lo irónico es que el Flamingo acabó triunfando y se convirtió en el local de moda en los siguientes años. En manos del Sindicato del Crimen prosperó y se transformó en un rentable negocio. Las Vegas se convirtió en el emporio del juego que todavía es. El violento Bugsy fue un visionario.

Soundgarden–Searching With My Good Eye Closed (live)

2011-11-02T20:59:00.001+01:00

Nos hacemos viejos… recordemos cuando el grunge dominaba de manera aplastante el panorama musical del planeta Tierra. Aquellos días en que nos tropezábamos por la calle con improbables clones de Kurt Cobain, Eddie Vedder o Chris Cornell. Aquí va un video del grupo de este último, Soundgarden, en su mejor momento. La canción no es de las más conocidas de la banda, pero sí una de mis favoritas personales… 20 años no es nada, qué febril la mirada, ya lo decía el tango.

Happy Halloween !!

2011-10-31T08:56:00.001+01:00

The Beatles, icono

2011-10-13T02:04:00.001+02:00