La Henryteca del Cine

Send Help; Análisis del combo UHD + Bluray

2026-06-06T15:00:00.000+02:00

Por Enrique Bellón.

El ansiado regreso de Sam Raimi al terror psicológico con toques de humor negro y gore aterriza en el mercado doméstico en una espectacular edición en formato 4K UHD. "Send Help (Enviad Ayuda)" nos traslada a un escenario paradisíaco reconvertido en una auténtica pesadilla física y mental, permitiendo apreciar la impecable y colorida fotografía de Bill Pope con una fidelidad técnica superior. El sello de 20th Century Studios nos ofrece un pack técnico formidable que distribuye Divisa Films en su formato físico, para disfrutar de este survival salvaje.

Linda (Rachel McAdams), una hipercompetente empleada de oficina, y Bradley (Dylan O'Brien), su arrogante y privilegiado jefe, se convierten en los únicos supervivientes de un catastrófico accidente de avión que los deja varados en una isla desierta de Tailandia. En un entorno hostil donde los roles corporativos carecen de valor, la lucha por sobrevivir da paso a un tenso y sangriento enfrentamiento de voluntades en el que el verdadero peligro podría no ser la naturaleza, sino ellos mismos.

La imagen

La transferencia nativa en 4K UHD ofrece una fidelidad visual impresionante, logrando equilibrar a la perfección los hermosos e intensos paisajes de las playas tropicales con la crudeza explícita de sus secuencias de acción. El uso del HDR potencia enormemente la iluminación natural del sol, extrayendo una textura orgánica excelente en la arena, el agua y la vegetación de la selva, mientras que en las escenas nocturnas mantiene unos negros profundos y una nitidez milimétrica en los rostros sudorosos.

Imagen: 2.39:1 4K (2160p)
HDR: Dolby Vision / HDR10

El sonido

El apartado sonoro es una auténtica delicia inmersiva. La pista original en inglés viene masterizada en un brutal Dolby Atmos (con base Dolby TrueHD 7.1) que envuelve la sala con el rugido de la tormenta, el crujir de la maleza y los sutiles sonidos de la fauna isleña. Por su parte, el doblaje en castellano cuenta con una cuidada pista DTS 5.1 Digital Surround que ofrece unos diálogos muy nítidos e integra de manera impecable la estupenda banda sonora de suspense compuesta por Danny Elfman.

Audio:
Inglés - Dolby Atmos (7.1)
Castellano - DTS 5.1 Digital Surround
Español latino - Dolby Digital Plus 7.1

La edición

Una propuesta técnica impecable en su estuche Amaray estándar que reúne el disco 4K y el Blu-ray complementario. El diseño artístico de la portada utiliza el cartel promocional original de cines, reflejando de maravilla el aislamiento y la opresión que sufren los protagonistas de esta sangrienta odisea.

Precio: 26,99 €

Características técnicas

Contenido Ultra HD Blu-ray + Blu-ray

Imagen 2.39:1 4K (2160p)

HDR HDR10 / Dolby Vision

Audio Inglés - Dolby Atmos

Castellano - DTS 5.1

Alemán - Dolby Digital Plus 7.1

Francés - Dolby Digital Plus 7.1

Italiano - Dolby Digital Plus 7.1

Español latino - Dolby Digital Plus 7.1

Canadiense - Dolby Digital Plus 7.1

Inglés para invidentes - Dolby Digital 2.0

Subtítulos Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Canadiense, Checo, Danés, Español latino, Finés, Noruego, Polaco, Sueco, Inglés para sordos

Precio 26,99 €

Extras

Blu-ray

Escenas eliminadas.

Enviad Tomas Falsas - Tomas falsas divertidísimas.

Preparando la caza del jabalí - Únete al director Sam Raimi en la creación de esta escena épica e inolvidable.

Del despacho a la isla - Rachel McAdams y Dylan O’Brien detallan su experiencia durante el rodaje.

Convertirse en Linda Liddle - Rachel McAdams y los diseñadores de vestuario y maquillaje describen la creación del estilo de Linda.

Instinto de supervivencia - Sigue a Rachel McAdams mientras aprende los fundamentos para sobrevivir en la naturaleza.

SOS: Sonidos de supervivencia - Danny Elfman detalla su proceso creativo al componer la banda sonora.

Audiocomentario de Sam Raimi y la productora Zainab Azizi.

Valoración Global

[accordion]

Calidad de imagen 8.5

Una transferencia espectacular. La definición y viveza de los colores del entorno natural, junto con una impecable nitidez general firmada por Bill Pope, hacen de este 4K una experiencia visual de primer nivel.

Calidad Sonora 9.0

La mezcla original en Dolby Atmos destaca por una excelente espacialidad inmersiva que te transporta de lleno a los peligros de la isla, mientras que la mezcla en castellano destaca por su contundencia y limpieza.

Contenido extra 7.0

Aunque incluye piezas muy interesantes sobre el rodaje con Raimi y el excelente trabajo del dúo protagonista, se echa de menos un audiocomentario del director que desgranase los entresijos de la cinta..

La edición 8.5

20th Century Studios firma un disco técnico de referencia absoluta para disfrutar en casa. Una adquisición obligatoria para los fanáticos del suspense violento y el inconfundible sello cinematográfico de Sam Raimi.

Galería de imágenes

Fuente; Divisa Films

Scary Movie (2026): Reutilizando la misma fórmula una y otra vez

2026-06-05T16:50:17.875+02:00

Por Enrique Bellón.

La trama de esta nueva entrega de "Scary Movie" (La sexta) funciona directamente como una secuela espiritual y un "requel" (reboot/secuela) de las películas originales. Ha pasado un cuarto de siglo. Cindy Campbell (Anna Faris) y su inseparable y caótica amiga Brenda Meeks (Regina Hall) se ven obligadas a reunirse con los hermanos Ray (Shawn Wayans) y Shorty (Marlon Wayans). ¿El motivo? El mismísimo asesino enmascarado (Ghostface) que los acechó hace 26 años ha regresado a las andadas.

El hilo conductor imita la estructura de las nuevas películas de Scream (2022) y Scream VI, donde los supervivientes originales deben proteger a una nueva generación de jóvenes (encabezada por la hermana menor de Cindy, llamada Tuesday) mientras caen en un sinfín de situaciones ridículas que se mofan de la cultura actual. La película deja desde el primer momento su tono loco e irreverente con una historia realmente deslabazada que superpone gags sin mucha cohesión.

Casi todas las películas de terror son parte de la parodia, aunque la línea principal de la historia es la de Scary Movie,. El cine de terror ha cambiado muchísimo desde la última entrega en 2013, y los hermanos Wayans no han dejado títere con cabeza.

Algunas de las principales parodias de esta nueva entrega de Scary Movie son:

M3GAN: La famosa muñeca asesina de la inteligencia artificial aparece recreada con una danza exagerada y absurda.
Smile: El perturbador juego de las sonrisas malditas protagoniza gran parte de los gags visuales del tráiler y del filme.
El "Terror Elevado" y A24: Hay mofas directas hacia películas más psicológicas o de autor (como Midsommar o Talk to Me).
Terrifier 3: El despiadado payaso Art the Clown tiene su propio segmento paródico ambientado en Navidad.
The Substance & Sinners: Parodian los estrenos y fenómenos de terror más sonados de los últimos tiempos.
Merlina / Wednesday: Se incluye un personaje que es una copia exacta llamada "Tuesday" (Martes).
Hay más referencias como Longlegs, Weapons y por supuesto la integración de escenas completas de Scream.

Lo más importante de esta película es que marca el regreso de los hermanos Wayans a la franquicia después de 25 años. Keenen, Shawn y Marlon abandonaron la saga tras Scary Movie 2 (2001) por disputas creativas y financieras con el estudio Miramax (entonces controlado por los hermanos Weinstein). Esta es la primera vez en casi dos décadas que vuelven a escribir juntos un guion original.

Anna Faris declaró en entrevistas previas que solo aceptaría volver a interpretar a Cindy si Regina Hall (Brenda) regresaba con ella, y si el cheque valía la pena. Cumplieron ambas condiciones. Cameos e invitados: La película cuenta con un desfile de rostros conocidos de la cultura pop estadounidense. Aparece el streamer Kai Cenat, leyendas de la comedia como Chris Elliott y Cheri Oteri (que vuelven a la saga), y un hilarante cameo de Kenan Thompson imitando a un accidentado Michael Jackson.Banda sonora urbana: La canción principal de la película es una colaboración original titulada "Hoes", interpretada por Lizzo y Sexyy Red.

La película se burla de frente de la cultura de la cancelación, el uso de pronombres y las dinámicas de las redes sociales actuales (por ejemplo, con una escena muy comentada en un vagón de metro repleto de asesinos seriales). Hay un humor más transgresor e irreverente de lo que solemos ver en el cine actual, rompiendo límites y con un nivel que transgrede el Woke.

Nos encontramos por tanto con esta "Scary movie" ante lo que podemos esperar, una entrega cumplidora y divertida pero que no acaba de funcionar como historia sino más bien como compilación de chistes, con diferente profundidad y mejor o peor funcionamiento. Una nueva entrega que cumple sin brillo, que atraerá a su público y que dentro de poco tiempo será olvidada, como muchas de las películas a las que referencia.

Valoración:

Fuente Imágenes: Paramount Pictures

La escalera de Jacob

2026-06-05T15:00:00.000+02:00

Por Enrique Bellón.

El aclamado clásico de culto del terror psicológico, dirigido por Adrian Lyne y protagonizado por un soberbio Tim Robbins, llega por primera vez en una esperada restauración en formato 4K UHD. "La escalera de Jacob" se presenta con una calidad técnica superior, permitiendo apreciar la febril e inquietante atmósfera de su fotografía y sus visionarios efectos visuales con una nitidez nunca antes vista. Divisa Films, en una magnífica colaboración con el catálogo de StudioCanal, es la encargada de traernos esta joya indispensable.

Tras regresar a casa de la guerra de Vietnam, el cartero neoyorquino Jacob Singer intenta evitar que los jirones de su vida terminen de deshilacharse mientras sufre una serie de inquietantes visiones fragmentadas y alucinaciones cada vez más extrañas. A medida que su cordura se desvanece y el límite entre la realidad y el delirio se vuelve peligrosamente difuso, Singer busca desesperadamente la verdad sobre su condición y lo que realmente le ocurrió a su unidad militar en el frente.

La imagen

La transferencia en 4K UHD ofrece una fidelidad visual impresionante, respetando de manera impecable el grano cinematográfico original y la textura orgánica de la cinta. La remasterización dota de una profundidad de color excelente a los deprimentes escenarios urbanos de Nueva York y optimiza drásticamente el contraste en las secuencias de pesadilla y en los perturbadores pasillos del hospital, manteniendo intacta la tenebrosa intención artística original de su director.

Imagen: 1.85:1 4K (2160p)
HDR: Dolby Vision / HDR10

El sonido

La pista de audio de la versión original ha sido codificada en un notable DTS-HD Master Audio 5.1 sin pérdidas, proporcionando una claridad excepcional y una inmersión envolvente fundamental para adentrarse en la paranoia del protagonista. Por su parte, la edición preserva el icónico y nostálgico doblaje en castellano de toda la vida en una pista monoaural que respeta fielmente su mezcla original de cines, manteniendo los diálogos perfectamente limpios y audibles.

Audio:
Inglés - DTS-HD Master Audio 5.1
Castellano - Dolby Digital 1.0 Mono
Inglés - DTS-HD Master Audio 2.0 Estéreo

La edición

Una fantástica propuesta de catálogo que rinde homenaje a una obra de culto que ha servido de inspiración confesa para grandes hitos del terror contemporáneo y los videojuegos (como la saga Silent Hill). La edición viene presentada en un estuche Amaray estándar con un diseño de carátula sobrio y oscuro que captura a la perfección la opresión psicológica de la película.

Precio: 26,99 €

Características técnicas

Contenido Ultra HD Blu-ray + Blu-ray

Imagen 1.85:1 4K (2160p)

HDR HDR10 / Dolby Vision

Audio Inglés - DTS-HD Master Audio 5.1

Castellano - LPCM 1.0

Inglés - LPCM 2.0

Subtítulos Castellano

Precio 26,99 €

Extras

Ultra HD Blu-ray

En los peldaños de La escalera de Jacob (VOSE).

Tráiler (VOSE)

Blu-ray

Galería de imágenes.

Valoración Global

[accordion]

Calidad de imagen 9.0

Una restauración formidable. El salto respecto a las viejas ediciones domésticas es enorme; la gestión de las texturas orgánicas y el contraste lavado en las sombras de las alucinaciones lucen exactamente como Adrian Lyne pretendía.

Calidad Sonora 8.5

La pista 5.1 en su idioma original destaca por una excelente espacialidad inmersiva que realza los ruidos sutiles de la paranoia urbana. La pista en castellano está limitada por sus condiciones de origen, pero se agradece la total ausencia de ruidos parásitos.

Contenido extra 7.5

Aunque incluye un documental retrospectivo de estreno realmente valioso y rico en datos, los coleccionistas más exigentes echarán en falta la recopilación de todos los comentarios y escenas eliminadas del pasado.

La edición 8.5

Una edición técnica sobresaliente para una película indispensable. El trabajo de autoría propia de Divisa es impecable y hace justicia a un pilar fundamental del terror psicológico moderno.

Galería de imágenes

Fuente; Divisa Films

Backrooms: El terrorífico espacio liminal

2026-06-04T14:48:00.000+02:00

Escrito por John Doe

En “Backrooms” (2026), después de que el paciente de una terapeuta desaparece en una dimensión más allá de la realidad encontrada en su propio negocio de muebles, ella debe aventurarse en lo desconocido para salvarlo.

Los espacios liminales son lugares vacíos o abandonados que generan incomodidad, inquietud y malestar. Espacios que llegan a ser surrealistas por su construcción pero que también pueden ser simples como unas oficinas abandonadas en un lugar onírico. En 2019, dichos espacios crecieron en popularidad después de que un usuario anónimo publicó en el foro 4chan un espacio liminal llamado The Backrooms. Desde entonces, miles de espacios han ido surgiendo en internet en distintos portales de internet, incluso creándose cortometrajes o videojuegos al respecto. Uno de estos creadores llamó tanto la atención de la gente que la productora A24 decidió contratarle para hacer un largometraje basado en el fenómeno. Este es el caso de Kane Parsons y este viernes llega a nuestras pantallas el resultado de dicho experimento: “Backrooms” (2026).

Para escribir la adaptación al largometraje de la saga de cortos que tanta fama dieron a Parsons, el jovencísimo director ha contado con la ayuda del escritor veterano Will Soodik, quién es conocido por escribir episodios de series tan conocidas como “Homeland” (2013), “Los Borgia” (2014), “Ash vs Evil Dead” (2015) o “Westworld” (2022). Entre los dos, cogieron el vastísimo mundo presentado en el universo “Backrooms”, partiendo de los cortometrajes, los videojuegos y las leyendas de los foros, y crearon una trama que le acompañara. El punto de partida es un triste vendedor de muebles que lidia con el divorcio con su mujer mientras va a terapia sin muy buenos resultados. Al encontrar un portal que lo lleva a la trastienda infinita en su propio negocio, dicho hombre desarrolla una obsesión que arrastra a todos los que le rodean.

La trama es sencilla y cuenta con dos protagonistas. Hay una sutileza en contar ambos trasfondos de personaje. Quizás en el caso de la psicóloga es más gráfico, pero nuestro pobre Clark está cogido muy por encima, solo revelando más de su personalidad en el giro de la parte final. Los diálogos son algo flojos, siendo algo forzados en algunas ocasiones, pero a la vez también proporcionan momentos cómicos que funcionan y ayudan a aligerar la tensión constante del conjunto. El resto es pura exploración de un mundo desconocido. A primera vista podría parecer algo aburrido y monótono, pero la película va descubriendo nuevos detalles y elementos que hacen mantener la atención del espectador hasta descubrir el pastel final del asunto. Además, se nota un amor infinito por el material de origen, ya que los fans podrán reconocer muchas habitaciones, elementos, diseños e incluso guiños a las numerosas leyendas de “Backrooms”, cosa que es de muy agradecer.

Los dos rostros principales del film son actores muy aclamados y reconocidos. Por una parte, el triste y atormentado Clark es interpretado por Chiwetel Ejiofor, actor que recordamos por papeles como “Negocios ocultos” (2002), “Serenity” (2005), “Hijos de los hombres” (2006), “American Gangster” (2007), “Marte (The Martian)” (2015) o “12 años de esclavitud” (2013), papel por el que se llevó una nominación al Oscar a Mejor Actor. Los personajes de “Backrooms” no demandan una interpretación revolucionaria, pero sí es cierto que si Clark no estaba ajustado podía caer en la caricatura. Por suerte, Eijofor conoce muy bien a su personaje y construye un hombre traumado e inestable con un patetismo que vira entre la comedia y la tristeza, sin alejarnos de estar a su lado hasta que se cambia de protagonista.

Por otra parte, la psicóloga Mary Kline está interpretada por la estrella del momento: Renate Reinsve. La noruega se está comiendo el mundo gracias a sus recientes interpretaciones en “Oslo, 31 de agosto” (2011), “La peor persona del mundo” (2021), “A Different Man” (2024), “Descansa en paz” (2024), la miniserie “Presunto inocente” (2024), “Valor sentimental” (2025), con la que obtuvo una nominación al Oscar a Mejor Actriz, y la más reciente, “Fjord” (2026), ganadora a Mejor Película en el festival de Cannes de este año. Reinsve demuestra que no solo se mueve por el cine independiente, sino que también puede trabajar en mayores producciones con Mary. Mary tiene un pasado interesante que le ha hecho mella en su personalidad, y la noruega sabe coger ese aspecto para romper emocionalmente su personaje muy lentamente hasta llegar a la desesperación y el terror más puro en su tramo final. Cómo apuntábamos, no son interpretaciones legendarias, pero ambos actores hacen un muy buen trabajo con los personajes que tienen. Completan el reparto los jóvenes Finn Bennett y Lukita Maxwell y el veterano del cine independiente y el terror Mark Duplass, quién fue contratado por un papel muy corto con la excusa de ayudar al joven director con su primer largometraje, pero que terminó dejándole con sus decisiones al ver su precisión.

Detrás de las cámaras repite la directora Emma Tammi, quién dirigió la interesante “Tierra maldita” (2018), “Into the Dark: Delivered” (2020), “Into the Dark: Blood Moon” (2021) o algunos capítulos para las series “Into the Dark” (2018-2021) o la serie podcast “The Left Right Game” (2020-). Tammi parece ser directora de encargo, ya que no hay casi muestra de estilo en la película. La directora utiliza travellings y movimientos de cámara puramente para acompañar la acción y enfatizar dinamismo cuando los personajes tienen secuencias de acción o la tensión crece junto a los animatrónicos. Hay algún punto de vista interesante, haciendo partícipe la visión de los animales robóticos, pero en general la puesta en escena es bastante sencilla, no queriendo distraer a los espectadores de la trama principal ni querer hacer algo más interesante que seguir contando la trama y las historias de los personajes principales. Hay algo que molesta y es la absoluta negación de cualquier violencia, haciendo que quede toda en segundo plano o simplemente se intuya bajo el agua, algo que la productora Blumhouse ha ido recalcando en sus últimos films como “M3GAN” (2022) y su secuela “M3GAN 2.0” (2025), queriendo abarcar a un público más amplio y no arriesgando en hacer las películas demasiado sangrientas para no molestar a padres que acompañen a sus pequeños al cine o a las personas más aprensivas que busquen una experiencia de terror muy suave.

La elección de Kane Parsons como director de “Backrooms” ha sido todo un tema online. El director se convierte en el director más joven de la historia de A24 en realizar una película, elección acertadísima ya que el film ya ha confirmado que también ha dado a Parsons ser el director más joven de la historia en tener su película en el número uno de taquilla de Estados Unidos. Kane tiene solo veinte años, diecinueve cuando empezó a rodar el largometraje. Había mucha incertidumbre con su habilidad tras las cámaras, pero el joven director ha sabido demostrar un pulso narrativo asombroso. La gran virtud de Parsons es filmar el escenario de la película para que genere una incomodidad desoladora durante todo el metraje. Cada habitación y cada elemento de su mundo da mal rollo y bringa un malestar imperante que dice mucho del poder creativo de Kane. La película se consta de numerosos planos generales que encajan el espacio engullendo a sus personajes, siendo un decorado asolador que se come, casi literalmente, a Clark y sus amigos. A la vez, Parsons utiliza planos cortos y medios con un ligero contrapicado, reforzando un malestar en el encuadre que va acorde del mal rato que están pasando los personajes. Quizás Kane aun no sea un director de actores extraordinario, pero sí que sabe muy bien como tratar el espacio de su mundo.

Para darle el apoyo tras las cámaras, el director de fotografía escogido es Jeremy Cox, director de fotografía con numerosos cortometrajes a sus espaldas y responsable de la fotografía de los recientes “La ironía del amor” (2025) o “Keeper” (2025). Se nota que ha habido buena conexión con Parsons, ya que ambos directores trabajan la imagen para deformarla y acompañar a la psique de sus personajes. Además, la iluminación es muy artificial, con casi la totalidad del film pasando en interiores, recalcando los espacios liminales y/o oníricos, creando una plasticidad en la imagen que casa mucho con el mensaje de su escenario y el mundo que se ha creado a su alrededor.

El diseño de producción es otro de los platos fuertes del film. Se nota un cariño excepcional en la creación de los espacios liminales que van distorsionando el escenario de formas absurdas, pero a la vez están construidos con un estudio detrás super interesante, haciendo que cada habitación, por extraña o extrema que parezca, se siente completamente parte del universo que habita, sin desencajar en el mundo, a pesar de su diseño extraordinario. Se nota que ha habido una pasión para hacer lo máximo de efectos prácticos posibles y los añadidos digitalmente, que tampoco abundan demasiado, están bien resueltos, aunque algún diseño final puede chirriar un poco. Los equipos de maquillaje, peluquería y vestuario han hecho un buen trabajo en diseño de los protagonistas, aunque tienen pocos cambios, pero brillan especialmente en el diseño de las criaturas del interior de Backrooms y la organización que estudia el fenómeno, haciendo ilusión directa a lo establecido anteriormente en otros productos de la saga.

Para terminar, la banda sonora ha sido compuesta por el canadiense Edo van Breemen y el propio director del film, Kane Parsons. A Van Breemen lo conocemos por ser compositor habitual en producciones de A24 como la ya mencionada “Keeper” o “The Monkey” (2025), además de participar en “Brats: las jóvenes estrellas de los 80” (2024) o “Afflicted” (2013). Por otra parte, Parsons viene de ir componiendo todas las bandas sonoras de sus cortometrajes, por lo que ya tenía por mano construir sonidos perfectos para sus espacios liminales. Entre los dos fabrican una banda sonora que brilla muchísimo en la película, reforzando asombrosamente la sensación de incomodidad y malestar presente en todo el film con sonidos de sintetizadores distorsionados o instrumentos digitales, creando una atmósfera como de que algo no encaja o no va bien, siendo esto una de las piezas centrales de todo el concepto de las “Backrooms”. Inquietante.

En resumen, “Backrooms” se construye como una de las propuestas más originales en el cine de terror de los últimos tiempos. Una atmósfera super bien cuidada que ha sido dirigida con mucho pulso y que, gracias a sus cuidados diseños, la banda sonora incomodísima y los actores empujando el proyecto, a pesar de no tener los diálogos o el argumento más trabajados de los últimos tiempos, consigue incomodar y hacérnoslo pasar realmente mal en sus casi dos horas de duración. Una gran recomendación para disfrutar o sufrir en los cines.

Trailer:

Fuente Imágenes: Elástica Films

He-Man y los Másters del Universo: Desafio en Eternia

2026-06-03T17:04:31.278+02:00

Por Enrique Bellón.

Después de mucha expectación y buenos comentarios llega a nuestras pantallas la reinvención de "He-man y los Másters del Universo. Todo comienza en el lejano planeta Eternia, gobernado por unos justos reyes. El pequeño príncipe Adam no es exactamente el guerrero que su instructor de combate, Duncan (Man-At-Arms), desearía. Cuando las fuerzas del mal asaltan el reino, Adam es enviado a la Tierra en secreto para protegerlo junto a la Espada del Poder. Sin embargo, la espada se pierde durante el viaje y el niño queda varado en nuestro planeta.

15 años después, Adam (interpretado por Nicholas Galitzine) es un veinteañero un tanto inadaptado que trabaja ¡en el departamento de Recursos Humanos de una oficina! y que intenta convencer a todo el mundo de que sus recuerdos sobre un planeta mágico son reales. Su vida cambia por completo cuando recupera la espada y es localizado por su amiga de la infancia, Teela (Camila Mendes), quien lo lleva de vuelta a casa. Al regresar, descubre que Eternia ha sido conquistada y devastada por el terrible hechicero Skeletor. Para liberar a su pueblo, Adam deberá alzar la espada, asumir su destino y transformarse en He-Man, el hombre más poderoso del universo.

Desde que la película original de Dolph Lundgren fracasara en taquilla en 1987, Hollywood ha intentado levantar un proyecto de acción real de He-Man hasta en seis ocasiones. Por el banquillo de directores pasaron nombres como John Woo, Jon M. Chu o los hermanos Nee antes de que Travis Knight consiguiera rodarla definitivamente. Travis Knight (Bumblebee, Kubo y las dos cuerdas mágicas), es el encargado de traernos esta reinvención de los héroes desde un tono loco y desenfadado pero con un nivel de entretenimiento pocas veces visto.

En el elenco tenemos a He-Man / Príncipe Adam interpretado por Nicholas Galitzine (Red, White & Royal Blue). Físicamente ha tenido que muscularse de forma notable para el papel, interpretando a un Adam muy humano, algo patoso pero de gran corazón. Skeletor es interpretado por un irreconocible Jared Leto, con un sorprendentemente divertido en el papel, capturando la esencia del villano pero también la locura y humor que hizo franquicias como Transformer, Dragones y Mazmorras y similares triunfar.

Aunque inicialmente el proyecto estuvo en manos de Sony Pictures durante muchísimos años de desarrollo, la película finalmente se ha materializado como una gran coproducción entre Mattel Films y Amazon MGM Studios, encargándose Sony de la distribución internacional en cines fuera de Estados Unidos

He-man y los Masters del Universo bebe claramente en lo visual y su tono del mundo de Thor, todo recreado de una manera ejemplar. Nos encontramos ante un film de casi 145 minutos que funciona como un tiro, que es trepidante y entretenido y que debería funcionar de manera impecable como buen Blockbuster definido así. Con un humor lo suficientemente loco para ser divertido pero que no llega a lo absurdo y con algunas sorpresas (¿Cameos? ¿Guiños a otras películas?) que os harán echar más de una carcajada, una historia de personajes simples y mundos fantásticos que funciona impecablemente.

Valoración:

Trailer:

Fuente Imágenes: Sony Pictures Releasing

La silla; Un asiento un tanto incómodo

2026-05-30T23:06:04.368+02:00

Por Nacho Cañas.

La silla es una de esas películas que se construyen sobre una idea mínima y la estiran hasta ver si aguanta o se desinfla antes el espectador. Jaime Lorente se aleja de su registro más habitual para meterse en un papel más contenido, el de un escritor de thrillers obsesionado con llevar el realismo demasiado lejos, demasiado rápido.

La historia arranca con una premisa sencilla pero incómoda: un autor que decide experimentar en carne propia lo que luego quiere escribir, y acaba atrapado en una situación que claramente no estaba en el plan. Prácticamente todo ocurre en un único espacio, con una intención clara de generar claustrofobia y tensión constante. El resultado tiene algo de experimento, algo de thriller psicológico y algo de “esto igual no era tan buena idea como parecía en el guion”. Aun así, su duración corta juega a favor y evita que se haga pesada.

La película se apoya casi por completo en Jaime Lorente, que aquí intenta salir de su zona cómoda. Interpreta a un escritor de novelas de misterio que vive obsesionado con la verosimilitud de lo que escribe, hasta el punto de querer llevarlo al extremo físico. Es un cambio de registro interesante, más contenido, menos impulsivo, aunque no siempre perfectamente afinado.

El resto del reparto funciona como apoyo alrededor de ese núcleo central, pero está claro desde el principio que todo depende de él y del espacio en el que está atrapado. La película no tiene intención de expandirse demasiado: no hay subtramas ni distracciones, todo gira alrededor de la misma situación y de cómo se va tensando.

Hay algo bastante evidente en el tono: referencias constantes a Stephen King, no tanto copiando historias concretas, sino más bien esa idea del escritor atrapado por su propia obsesión, o del miedo que nace de lo cotidiano llevado al extremo. La película se mueve bien en ese terreno durante buena parte del metraje, sobre todo cuando apuesta por lo simple: una situación cerrada, incómoda y cada vez más difícil de controlar.

El problema es que, en algunos momentos, el intento de subir la intensidad deriva en situaciones que pierden credibilidad. Y ahí la película empieza a tambalearse entre el thriller serio y algo que roza lo involuntariamente cómico. No lo busca, pero aparece. Y una vez aparece, cuesta ignorarlo. La premisa funciona: un escritor que quiere entender mejor lo que escribe y acaba atrapado dentro de su propio experimento. Es una idea potente porque juega con algo muy reconocible, la obsesión creativa llevada al límite.

El desarrollo mantiene el interés gracias a la situación en sí, más que por la complejidad del guion. El espectador quiere saber cómo sale de ahí el protagonista, no tanto por la lógica del camino, sino por la tensión de la situación. Y eso sostiene la película durante bastante tiempo.

El problema aparece cuando el guion empieza a empujar demasiado ciertas decisiones o giros. No es que la historia se rompa, pero sí que en algunos momentos pide al espectador un salto de fe un poco grande. Eso hace que el tono no siempre sea consistente: a ratos es un thriller contenido y a ratos parece querer ser algo más extremo de lo que su propia lógica permite.

En lo técnico es una película bastante contenida, pero bien resuelta dentro de sus límites. La puesta en escena apuesta claramente por el encierro, usando el espacio único como herramienta principal de tensión. Eso ayuda a reforzar la sensación de agobio sin necesidad de grandes artificios. El montaje es clave aquí. Mantiene un ritmo constante y evita que la película se estanque, algo que habría sido fácil teniendo en cuenta lo limitado del escenario. No hay grandes altibajos en la edición, lo cual juega a favor de la sensación de continuidad.

El sonido y la música acompañan sin buscar protagonismo. Funcionan más como refuerzo emocional que como elemento narrativo, ayudando a mantener la tensión cuando la historia lo necesita. La silla es una película pequeña, de una sola idea, que se sostiene principalmente por su protagonista y por la tensión del planteamiento. Tiene momentos bastante efectivos, sobre todo cuando confía en su premisa y no intenta complicarse demasiado.

El problema es que no siempre controla bien el equilibrio entre lo creíble y lo exagerado, y eso hace que en algunos puntos pierda fuerza. Aun así, su duración corta evita que esos problemas pesen demasiado. No es una película redonda, pero sí coherente dentro de su propia propuesta. Un thriller claustrofóbico con ideas interesantes que, a veces, se le escapan un poco de las manos.

Valoración:

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Puntuación Total 5.5 / 10

Trailer:

Fuente Imágenes: AF Pictures

El drama; La incómoda sinceridad

2026-05-30T00:02:24.376+02:00

Escrito por John Doe

“El drama” (2026) cuenta la historia de una pareja felizmente comprometida que se ve puesta a prueba cuando un giro inesperado de los acontecimientos trastoca por completo la semana de su boda. No hay ninguna duda de que Zenday y Robert Pattinson son dos de los actores del momento. El público tenía muchas ganas de verlos trabajar juntos, pero, por alguna razón, nunca habían compartido proyecto interpretativo hasta ahora.

Ambos afrontan “El drama”, la nueva pesadilla incómoda del aclamado director Kristoffer Borgli, un reflejo de nuestra realidad que dará mucho que hablar en los siguientes meses y que llega a nuestras pantallas este mismo viernes.

Kristoffer Borgli vuelve a ponerse con la escritura de su propio film, firmando la película en solitario. El director noruego ha escrito todos los films que ha dirigido, incluyendo sus mayores hits, “Sick of Myself” (2022), película en la que exploraba el ansia de la sociedad moderna para ser el centro de la atención, o “Dream Scenario” (2023), dónde un profesor veía su vida arruinada cuando millones de extraños empezaban a verle en sus sueños y pesadillas, explorando la parte oscura del foco mediático. En “El drama”, Borgli vuelve a usar el código de humor negro para hablar de una realidad muy imperante en nuestros tiempos: la cultura de la cancelación y el ansia por sentirse mejor que los demás. Una pareja a punto de casarse se encuentra en medio de los preparativos para su boda junto a sus mejores amigos cuando una de ellos propone jugar a un juego sobre verdades y revelar secretos ocultos del pasado, desestabilizando su relación y la relación con el mundo que les percibe tras una confesión inesperada.

El guion de “El drama” es uno de sus platos fuertes. A pesar de que su giro fue filtrado hace meses y el mundo se volcó en ridiculizarlo, la trama sabe retorcer su punto más frágil para hacerlo un punto de partida muy interesante y hacernos reflexionar sobre la gravedad de la situación presentada y cómo actuaríamos frente a ella. Usando los códigos de la comedia negra, el film va retorciendo una incomodidad que no deja de apretarnos contra el asiento, haciéndonos partícipes de lo que están sufriendo, especialmente, sus dos protagonistas, envueltos en, válgame la redundancia, un drama del que no pueden escapar. En ese sentido, el desarrollo narrativo se siente como una bomba de relojería que inevitablemente sabemos que va a explotarnos en la cara en su tramo final, y así lo consigue.

El problema es que el humor que escoge Kristoffer para ilustrar esta historia se aleja un poco del propuesto en su anterior film, “Dream Scenario”, donde un aturdido Nicolas Cage era el foco del humor y no incomodaba al espectador, sino que lo invitaba a ser partícipe del absurdo problema en que su protagonista estaba envuelto. En “El drama”, el director noruega se pasa un poco con la seriedad y la acidez y, si que es verdad que en algunos momentos lanza unas asociaciones o hipocresías fomentadas por algunos de sus personajes, en forma de chiste, que terminan siendo divertidísimas, no podemos evitar sentirnos mucho más incómodos, ya sea por la seriedad del asunto tratado o por lo cerca que está de la propia realidad que estamos viviendo, muy alejado de la fantasía de su anterior película.

El punto de partida es bastante sencillo y, dado que la trama y el material original del que parten estas películas, se esperaba al menos un mínimo de trama algo más adulta. El problema principal de “Mortal Kombat II” es que la trama es super sencilla, no ofrece apenas sorpresas y las que parecen ser inesperadas pasan un poco porque sí, porque es lo que tiene que hacer avanzar el guion. En ese sentido, no parece que hayan querido trabajar mucho este aspecto del film. Lo mismo pasa con el desarrollo de sus personajes. Vale, las personalidades de los luchadores son interesantes y variadas, pero es algo que ya viene con su material de origen. Por desgracia, incluso los videojuegos parecen tener más cariño por sus personajes dándoles algo más de profundidad entre batallas mortales. Eso sí, las escenas de peleas están bien escritas y algunas son más que satisfactorias. Y al final, supongo que es lo más importante de una película como esta. Para terminar, el otro punto que chirría un poco a su conjunto es su conclusión que, aunque gira alrededor de lo presentado en el film y es algo coherente, si que se siente algo apresurado y le hubiera ido bien un poco más de respiro.

Robert Pattinson ha ido subiendo en popularidad los últimos diez años. Tras abandonar la exitosa saga de “Crepúsculo” (2008-2012) el actor inglés estaba muy desgastado. Desde entonces, Pattinson empezó a tomar riesgos interpretativos en proyectos muy alejados de la comercialidad que fueron las películas vampíricas. “Cosmopolis” (2012) y “Maps to the Stars” (2014) con David Cronenberg, “Good Time” (2017) con los hermanos Safdie, “High Life” (2018) con Claire Denis, la maravillosa “El faro” (2019) con Robert Eggers, e incluso las recientes “Mickey 17” (2025) de Bon Joon Ho y “Die My Love” (2025) de Lynne Ramsay han sido sus colaboraciones más de autor. Estas, combinadas con mega blockbusters que han sido “Tenet” (2020) o “The Batman” (2022) o las próximas “La Odisea” (2026) y “Dune: Parte Tres” (2026), han consolidado a Robert como uno de los actores más interesantes de nuestros tiempos. Su rango interpretativo ha ido creciendo y evolucionando muy positivamente, y en “El drama” nos da otra gran interpetación.

Charlie Thompson es gran parte del centro de la historia. Su personaje sufre con la gran revelación de la trama y sufrimos en sus carnes todo el estrés y la dualidad mental que está sufriendo en todo momento, haciendo Pattison uso de un patetismo magnífico, sin rozar ningún momento la caricatura, y que va aumentando con la incomodidad y el agobio que va cociendo el film, poco a poco, hasta reventar. Hay un par de escenas donde Charlie se rompe, tanto a nivel mental como físico, donde el actor inglés está sensacional. Otra interpretación más memorable a su carrera. Por otra parte, Zendaya ha crecido también mucho en los últimos años. Tras dejar su serie infantil “K.C. Agente especial” (2015-2018), la actriz californiana se unió a la factoría Marvel siendo la nueva M. J. del universo “Spider-man” (2017-2026), además de participar en otros hits comerciales como “El gran Showman” (2017). Pero lo que verdaderamente la lanzó a la fama fue su participación en la serie “Euphoria” (2019-2026), donde su Rue se llevó todas las miradas. Desde entonces, Zendaya ha participado en películas interesantes como “Malcom & Marie” (2021) o “Rivales” (2024), además de ser una de las protagonistas de la saga “Dune” (2021-2026).

El rol de Zendaya en “El drama” no exige una interpretación tan ajustada como la de su compañero de reparto, pero sigue siendo crucial. Emma Harwood es una joven atormentada por su pasado que, al revelarlo, vuelve a revivir todo el dolor y la vergüenza del error que cometió. Su personaje se va rompiendo poco a poco, pero siempre manteniendo la compostura, cosa que la californiana consigue interpretar con gran soltura. Es una contraparte muy interesante a su compañero interpretativo y entre los dos hacen un tándem delicioso.

Otros actores a destcar son Mamoudou Athie, divertidísimo como el mejor amigo de Charlie intentando salvar la situación, Alana Haim, que está en plena ola de su carrera y da vida a Rachel, un personaje con un peso enorme en la trama, o la jovencísima Jordyn Curet, quién interpreta a la sección de la juventud de Emma. Fantásticos los tres.

Como apuntábamos, detrás de las cámaras se encuentra el ya mencionado Kristoffer Borgli. El lenguaje cinematográfico que utiliza el noruego no dista mucho de sus anteriores films, consiguiendo un estilo propio de incomodidad y comedia negra a través solo de la puesta en escena. Los planos van de los generales a los medios cortos a menudo, situándonos en espacios que parecen trampas de las que no podemos escapar y solo podemos ser partícipes de las acciones de los protagonistas. Se nota que es un gran director de actores y lo demuestra teniendo un control total de la posición de los mismos y del nivel dramático, ajustándolos al tono perfecto para cada situación. No decide utilizar muchos trucos de cámara más allá de seguimientos sobre raíles y alguna situación en la que la cámara en mano es necesaria para reforzar el estrés, pero sí que juega muy bien en su montaje, siendo uno de los otros puntos fuertes del film, aportando chistes super macabros solo con cortes o asociaciones de imágenes. No explota su dirección hacia un expresismo arrebatador, pero sí que es muy consistente con sus obras.

En la dirección de la fotografía tenemos a Arseni Khachaturan, quién ha sido el encargado de fotografía films bellísimos como “Beginning” (2020) o “April” (2024) de Dea Kulumbegashvili, o “Hasta los huesos: Bones and All” (2022) de Luca Guadagnino. La fotografía de “El drama” destaca especialmente por haberse rodado en película de 35mm, cosa que parece ser esencial para el fotógrafo bielorruso, continuando la estela de sus anteriores películas. Eso, combinada con una iluminación minimalista pero ajustada para focalizar la atención en sus personajes, crea una pátina de realidad más tangible con la trama propuesta, como si fuéramos parte del escenario y estuviéramos solo espiando a sus personajes. Incluso los planos presentados, muy estáticos, revocan a esa idea de estar escondidos espiando la situación, cosa que ayuda a reforzar la imagen del film.

El diseño de producción es correcto. A primera vista parece que no destaque en demasía, pero es cierto que los escenarios escogidos, especialmente los del pasado de Emma y el de la boda en sí mismo, están construidos y decorados con mucho gusto y ayudando a la obra a percibirse más coherente. Los equipos de maquillaje, vestuario y peluquería hacen un trabajo genial diferenciando las distintas etapas de nuestros personajes y de cómo el estrés y el malestar les va pasando factura en sus estilos de vestir y apariencia física. Y finalmente cabe destacar el buen uso de efectos prácticos que, aunque no abunde demasiado, está bien representado cuando la situación lo requiere.

Para terminar, la banda sonora corre a cargo de Daniel Pemberton. Pemberton es la mente detrás de las bandas sonoras de films como las dos partes del universo animado de “Spider-Man” (2018-2023), “Aves de presa (y la fantabulosa emancipación de Harley Quinn)” (2020), “Materialistas”, la reciente “Proyecto Salvación” (2026) o “El juicio de los 7 de Chicago” (2021), proyecto por el que recibió una nominación al Oscar a Mejor Banda Sonora. Daniel sabe cuidar mucho la tensión alargada de la cinta y consigue componer una banda sonora que no abruma, pero que está siempre presenta en los momentos más críticos para hacernos desquiciar y sentirnos de lo más incómodos. Instrumentos de cuerda y algunas voces corales utilizadas enfatizan la sensación de malestar imperante en todo el film. Es un trabajo delicado que en manos equivocadas podría resultar exagerado, pero que Pemberton sabe modelar para hacer más presente la música solo y cuando el film lo requiere.

En definitiva, “El drama” es una comedia negra que incomodará a la mayor parte del público y que busca hacernos reflexionar sobre las relaciones de pareja, la cultura de la cancelación y el orgullo y la moralidad personal de cada uno de nosotros. Un guion peliagudo pero muy bien fabricado que, junto a su estupendo elenco y un trabajo de puesta en escena muy bien medido y una banda sonora delicada y crujiente, nos hacen pasar un muy mal rato junto a sus protagonistas en una pesadilla muy realista.

Valoración:

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Puntuación Total 7.5 / 10

Trailer:

Fuente Imágenes: Diamond Films

Soldado Universal; Análisis de la edición UHD 4k

2026-05-28T15:00:00.000+02:00

Por Enrique Bellón.

El indiscutible clásico del cine de acción de los noventa, dirigido por Roland Emmerich y protagonizado por las dos leyendas del género, Jean-Claude Van Damme y Dolph Lundgren, aterriza en el mercado doméstico con una esperada restauración en formato 4K UHD. "Soldado Universal" renace del músculo y los excesos de su época para lucir una nitidez soberbia que exprime al máximo el nuevo máster digital nativo. Divisa Films (bajo el catálogo de StudioCanal) es la encargada de traernos esta contundente edición.

Durante la guerra de Vietnam, los soldados Luc Deveraux y Andrew Scott se matan entre sí tras enloquecer este último. Décadas después, sus cadáveres congelados forman parte de "Unisol", un proyecto militar ultra secreto que reanima los cuerpos para convertirlos en armas de matar perfectas, desprovistas de emociones o recuerdos. Sin embargo, el pasado de ambos guerreros no tardará en salir a la superficie, desatando una brutal cacería por todo el país.

La imagen

El salto de calidad respecto al viejo Blu-ray es abismal. Partiendo de un nuevo escaneo nativo en 4K, la transferencia respeta la fina capa de grano cinematográfico original mientras eleva la definición en los rostros sudorosos, las explosiones y los uniformes tácticos. El añadido de Dolby Vision y HDR10 hace un trabajo impecable balanceando las intensas luces del desierto de Nevada y ofreciendo unos picos de brillo magníficos en las secuencias nocturnas dentro del camión de mando.

Imagen: 2.39:1 4K (2160p)
HDR: Dolby Vision / HDR10
El sonido

Por primera vez en el mercado doméstico español, la versión original en inglés se presenta en una notable pista DTS-HD Master Audio 5.1, dotando a la acción de una espacialidad y una pegada en los subwoofers que la película pedía a gritos. Por su parte, el icónico doblaje en castellano de toda la vida se mantiene en una pista DTS-HD Master Audio 2.0 estéreo que cumple con nota, ofreciendo diálogos limpios y perfectamente integrados.

Audio:
Inglés - DTS-HD Master Audio 5.1
Castellano - DTS-HD Master Audio 2.0

La edición

Una edición de catálogo directa y al grano en su estuche Amaray negro estándar para el formato UHD. La portada recupera el icónico arte original de los noventa con el cara a cara de los dos titanes, convirtiéndola en una adición indispensable para los nostálgicos de las estanterías de videoclub.

Precio: 26,99 €

Características técnicas

Contenido Ultra HD Blu-ray + Blu-ray

Imagen 2.39:1 4K (2160p)

HDR HDR10 / Dolby Vision

Audio Inglés - DTS-HD Master Audio 5.1

Castellano - DTS-HD Master Audio 2.0

Subtítulos Castellano

Precio 26,99 €

Extras

Blu-ray

Así se hizo: Armas, genes y maquinas de luchar (19 min) .

Historia de dos titanes (14 min).

Final alternativo (13 min).

Tráiler.

Galería.

Valoración Global

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Calidad de imagen 9.0

Una restauración 4K nativa formidable. La nitidez en los planos diurnos y la excelente gestión del color y el contraste gracias al Dolby Vision rejuvenecen por completo la fotografía de la película.

Calidad Sonora 8.5

Que la versión original por fin cuente con una mezcla 5.1 sin pérdidas en España es todo un acierto. El sonido en castellano está limitado a su estéreo original, pero la codificación en DTS-HD MA le otorga una robustez muy correcta.

Contenido extra 7.5

Los documentales incluidos son fantásticos para rememorar la época dorada del cine de acción, aunque se echa en falta el mítico audiocomentario del director y los actores que sí estuvo presente en antiguas ediciones internacionales..

La edición 8.5

Una propuesta de catálogo excelente por parte de Divisa Films. Recuperar este pilar de la acción noventera con esta calidad audiovisual es un auténtico regalo para los fans del género.

Galería de imágenes

Fuente; Divisa Films

‘Spider-Noir’: el héroe más cansado de Marvel encuentra su mejor versión en las sombras

2026-05-27T15:00:00.000+02:00

Por Isabel Polo Campos.

‘Spider-Noir’: el héroe más cansado de Marvel encuentra su mejor versión en las sombras

Cuando parecía que el género de superhéroes comenzaba a agotarse entre fórmulas repetidas y universos compartidos imposibles de seguir, ‘Spider-Noir’ aparece como una rareza inesperadamente fresca. Nicolas Cage toma al personaje arácnido surgido del universo alternativo de Marvel y lo transforma en un homenaje oscuro (a la vez que brillante) y elegante al cine noir clásico. Estreno en Prime Video el 27 de mayo.

La mezcla de detectives atormentados, corrupción urbana y violencia contenida crea una estética visual muy poderosa. Lejos de intentar competir con el espectáculo masivo de otras producciones, la serie entiende que el género también puede sobrevivir desde lo pequeño, decadente, y seguir siendo hipnótico

Ambientada en una versión alternativa de Nueva York en los años de la ley seca, ‘Spider-Noir’ sigue a un investigador privado marcado por el pasado, atrapado entre conspiraciones criminales, corrupción política y una ciudad consumida por la violencia que por momentos recuerda más al Gotham de los cómics clásicos, que al Nueva York habitual de Marvel. Aunque mantiene elementos reconocibles del mito de Spider-Man, la serie se acerca mucho más a los clásicos de detectives que al relato típico de superhéroes contemporáneos.

Gran parte del éxito de la producción recae sobre Nicolas Cage, quien presenta una versión del personaje que mezcla cinismo, agotamiento emocional y una presencia casi fantasmal que encaja perfectamente con el tono de la serie. Cage evita caer en la caricatura y convierte al protagonista en una figura más trágica que superheroica.

Uno de los aciertos de la serie es comprender que su protagonista funciona mejor como un personaje roto que como un superhéroe convencional. ‘Spider-Noir’ se construye como un relato detectivesco bastante sólido donde el misterio y las relaciones personales tienen más peso que la acción en sí.

El reparto secundario funciona bien dentro de este universo decadente y ayuda a reforzar la sensación de estar viendo un thriller noir clásico disfrazado de adaptación de cómic. La narrativa puede avanzar lentamente en algunos episodios, pero nunca pierde del todo la tensión ni la personalidad visual que sostiene la serie.

En cuanto a lo visual, ‘Spider-Noir’ es, probablemente, una de las producciones más interesantes que ha realizado Marvel en imagen real; la última producción visualmente parecida podría ser ‘Werewolf by night (2022)’, un mediometraje donde también se jugó con la producción en B/N y a todo color. La fotografía abraza muy bien la estética noir, utilizando contrastes marcados, sombras densas y composiciones que recuerdan constantemente al cine criminal de los años 40. Aun viéndola en color, esos detalles se notan, pues hay escenas que parecen directamente extraídas de una novela.

En la banda sonora predomina el jazz que ambienta y acompaña perfectamente el tono melancólico de la historia. El montaje evita el ritmo frenético típico del género y permite que las escenas respiren, algo que ayuda mucho a la construcción de la atmósfera.

A nivel técnico, la serie abusa un poco de los efectos digitales; cuando aparecen, están constantemente en primer plano y no quedan tan bien integrados dentro del tono de la producción como se esperaría a estas alturas. Hay una clara intención de recuperar el lenguaje del cine noir clásico: iluminación agresiva, calles húmedas, humo constante, clubes nocturnos y una sensación constante de fatalismo... Sin embargo, cuando aparecen escenas de acción, el enfoque no prioriza tanto la tensión como el espectáculo excesivo de la puesta en escena.

‘Spider-Noir’ demuestra que todavía es posible contar historias de superhéroes con personalidad propia. La serie encuentra su fuerza en la creación de la atmósfera, el noir clásico y en un protagonista cansado del mundo que lo rodea. Nicolas Cage sostiene el peso del proyecto con enorme carisma y convierte esta reinterpretación en una de las propuestas más interesantes y adultas que ha dado Marvel en los últimos años.

No llega para reinventar el género, pero sí para recordar algo importante: a veces, los superhéroes funcionan mejor cuando dejan de parecer dioses y vuelven a caminar entre sombras.

Valoración:

Fuente Imágenes: Amazon Prime Video

Love me tender: la maternidad como campo de batalla

2026-05-26T22:08:26.663+02:00

Por Isabel Polo Campos.

Hay películas que buscan emocionar al espectador desde el drama evidente, y otras, que prefieren deslizarse bajo la piel hasta dejar una sensación incómoda. ‘Love me tender’, dirigida por Anna Cazenave Cambet y protagonizada por Vicky Krieps, forma parte del segundo grupo. Este drama francés adapta la novela autobiográfica de Constance Debré presentando una historia íntima sobre identidad, maternidad y libertad personal. Estreno en cines el 22 de mayo.

La cinta retrata el derrumbe personal y judicial de una mujer que decide vivir con honestidad su identidad y termina pagando un precio devastador por ello. Más que una historia sobre orientación sexual o conflictos familiares, la película es un retrato descarnado de la libertad individual frente al peso de las instituciones, los prejuicios y la maternidad entendida desde una mirada tradicional. La interpretación magnética de Krieps logra conmover sin caer en el sentimentalismo fácil.

La película, lejos de los excesos melodramáticos, apuesta por un tono humano, pero contenido, lo que puede resultar a ratos fría. Lo que comienza como el retrato de una mujer reconstruyendo su vida, termina convirtiéndose en una reflexión sobre los vínculos familiares y el precio de vivir con honestidad.

El conflicto central funciona al no caer nunca en el blanco o negro. La historia explora cómo la sociedad, las instituciones y los vínculos afectivos pueden convertirse en una presión constante para quienes deciden apartarse del modelo tradicional de vida. Todo se desarrolla con una sensación incómoda de desgaste emocional progresivo, algo que la película transmite con bastante sensibilidad.

Visualmente, la cinta presenta una puesta en escena sencilla, pero efectiva. La fotografía hace uso de tonos suaves que contrastan con el peso emocional del metraje, creando una atmósfera cálida incluso en los momentos más dolorosos.

La banda sonora es minimalista y discreta, pero muy funcional. El montaje, por su parte, apuesta por escenas contemplativas que refuerzan la sensación de realismo, aunque en algunos tramos el ritmo termina resintiéndose un poco.

‘Love me tender’ es un drama íntimo y delicado que encuentra su fuerza en la honestidad emocional de su protagonista. Vicky Krieps sostiene prácticamente toda la película con una interpretación brillante que convierte el dolor contenido en algo totalmente real. No es una película para el gran público; tampoco busca ofrecer respuestas fáciles, pero quienes logren conectar con la sensibilidad de la cinta, podrán encontrar en ella una obra madura, incómoda y profundamente humana.

Valoración:

Fuente Imágenes: BTeam Pics

Minority Report; Edición especial Steelbook 4k + Bluray

2026-05-26T16:09:39.076+02:00

Por Enrique Bellón.

El aclamado thriller de ciencia ficción de Steven Spielberg protagonizado por Tom Cruise llega en una espectacular e indispensable restauración en formato 4K UHD. Esta esperada edición en caja metálica (Steelbook) de "Minority Report" permite apreciar la particular y contrastada cinematografía de Janusz Kaminski con una precisión técnica nunca antes vista, respetando su grano original y su icónica paleta cromática desaturada. 20th Century Fox es la encargada de producir esta joya de coleccionista que distribuye Divisa Films.

En el año 2054, la ciudad de Washington ha erradicado los asesinatos gracias a "Precrimen", un sistema basado en tres seres mutantes llamados Precogs que son capaces de visualizar los crímenes antes de que ocurran. Todo cambia drásticamente cuando John Anderton, el jefe de la unidad, es señalado por el sistema como el próximo asesino de un hombre al que ni siquiera conoce, obligándole a huir para demostrar su inocencia

La imagen

La restauración nativa en 4K es una auténtica maravilla para los puristas del cine. Kaminski utilizó un proceso químico agresivo en el negativo original (bleach bypass) para darle ese aspecto tan frío, metálico y sobreexpuesto. El HDR10 maneja esta agresividad visual a la perfección, logrando que los blancos brillantes no pierdan detalle y que los negros de los callejones mantengan una profundidad y texturas soberbias sin alterar la intención artística original de Spielberg.

Imagen: 2.39:1 4K (2160p)
HDR: HDR10 / Dolby Vision

El sonido

La pista de audio ha sido meticulosamente remezclada y refinada. El imponente diseño de sonido futurista brilla especialmente en las secuencias de persecución con las mochilas propulsoras (jetpacks) y los coches magnéticos, ofreciendo una direccionalidad impecable y un rango dinámico brutal que saca el máximo partido a la banda sonora compuesta por John Williams.

Audio:
Inglés - Dolby Atmos
Castellano - Dolby Digital 5.1
Alemán - Dolby Digital 5.1

La edición

Una edición de auténtico lujo en formato Steelbook. El estuche metálico cuenta con un diseño minimalista que evoca las interfaces holográficas que Anderton utiliza en la película, con un acabado en brillo que la convierte de inmediato en una pieza central para cualquier estantería de coleccionistas.

Precio: 32,95 €

Características técnicas

Contenido Ultra HD Blu-ray + Blu-ray

Presentación Estuche metálico (Steelbook)

Imagen 2.40:1 4K (2160p)

HDR HDR10 / Dolby Vision

Audio Inglés - DTS-HD Master Audio 5.1

Castellano - Dolby Digital 5.1

Alemán - Dolby Digital 5.1

Francés - Dolby Digital 5.1

Italiano - Dolby Digital 5.1

Japonés - Dolby Digital 5.1

Inglés - Dolby Digital 5.1

Checo - Dolby Digital 2.0

Polaco - Dolby Digital 2.0

Subtítulos Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Checo, Danés, Finés, Japonés, Neerlandés, Noruego, Polaco, Sueco, Inglés para sordos

Precio 32,99 €

Extras

Blu-ray

Ultra HD Blu-ray

Comentario de producción: Con el equipo técnico y expertos en la obra cinematográfica de Spielberg.

El futuro según Steven Spielberg: Un vistazo retrospectivo sobre cómo los asesores tecnológicos de la película predijeron el mundo actual (25 min).

Blu-ray

Dentro de Precrimen: Reportaje detallado sobre el diseño de la interfaz del sistema y las tecnologías de 2054 (20 min).

Los Precogs y el Templo: Análisis conceptual sobre el "estanque" y los personajes de Agatha, Arthur y Dashiell.

Desglosando los efectos visuales: El trabajo de ILM en las escenas de acción clave (32 min).

Archivos de producción: Secuencias de previsualización digital, guiones gráficos y galerías de arte conceptual.

Valoración Global

[accordion]

Calidad de imagen 9.5

Una transferencia espectacular. Podría asustar a quienes no conozcan el estilo de la película, pero el grano cinematográfico y el contraste lavado de su fotografía lucen exactamente como Spielberg quería, potenciados de forma excelsa por el Dolby Vision.

Calidad Sonora 9.5

La nueva pista Dolby Atmos en inglés es sumamente inmersiva y llena la sala con efectos envolventes de naves y disparos sónicos, mientras que la pista en castellano cumple con nota manteniendo una gran nitidez en los diálogos.

Contenido extra 8.5

Se agradece que se mantengan todos los documentales clásicos heredados del formato Blu-ray original, los cuales siguen siendo increíblemente interesantes por su profundidad y valor de producción.

La edición 9.5

La presentación en formato Steelbook es preciosa y el salto de calidad respecto al viejo Blu-ray es abismal. Una pieza de colección imprescindible para los amantes de la ciencia ficción de los 2000.

Galería de imágenes

Fuente; 20th Century Fox / Divisa Films

28 Años después: El templo de huesos; Análisis de la edición combo 4k / Bluray

2026-05-25T14:07:19.290+02:00

Por Enrique Bellón.

El inesperado y rápido spin-off de la saga apocalíptica de Danny Boyle y Alex Garland llega en una espectacular edición en formato 4K UHD. "28 años después: El templo de huesos" nos sumerge de nuevo en un mundo devastado por el virus de la rabia. Sus desoladores paisajes y su asfixiante atmósfera con una calidad técnica superior. Sony Pictures es la encargada de traernos esta edición doméstica, de la mano de Arvi Licensing.

Décadas después de los eventos originales, la sociedad intenta reconstruirse entre las ruinas del viejo mundo, pero una nueva y letal mutación del virus amenaza con extinguir los últimos bastiones de la humanidad. Un grupo de supervivientes deberá adentrarse en "El templo de huesos", un territorio hostil y sagrado donde se esconde la clave para la supervivencia... o la perdición absoluta.

La imagen

La transferencia en 4K ofrece una fidelidad visual impresionante, combinando texturas digitales crudas con una nitidez soberbia. El uso del HDR realza notablemente la profundidad de los negros en las oscuras catacumbas del templo y dota de un realismo sobrecogedor a las escenas diurnas de la Bretaña desolada.

Imagen: 2.39:1 4K (2160p)
HDR: Dolby Vision / HDR10

El sonido

La pista de audio ha sido diseñada para ofrecer una experiencia inmersiva y aterradora. El nuevo mix aprovecha los canales de altura para recrear el eco constante del templo y los violentos ataques de los infectados, mientras que la icónica y distorsionada banda sonora mantiene un rango dinámico brutal.

Audio:
Inglés - Dolby Atmos (Dolby TrueHD 7.1 compatible)
Castellano - Dolby Digital 5.1
Francés - Dolby Digital 5.1

La edición

Una edición de lanzamiento muy cuidada que rinde homenaje al regreso de una de las sagas de terror de culto más importantes del siglo XXI. Destaca por un diseño de carátula minimalista y oscuro que captura a la perfección la opresión de la película.

Precio 26,95 €

Características técnicas

Contenido Ultra HD Blu-ray + Blu-ray

Imagen 2.39:1 4K (2160p)

HDR HDR10 / Dolby Vision

Audio Inglés - Dolby Atmos

Castellano - DTS-HD Master Audio 5.1

Alemán - DTS-HD Master Audio 5.1

Francés - DTS-HD Master Audio 5.1

Inglés - DTS-HD Master Audio 5.1

Francés para invidentes - Dolby Digital 5.1

Subtítulos Inglés, Castellano, Alemán, Francés, Árabe, Portugués, Turco

Precio 26,95 €

Extras

Comentario de la directora Nia DaCosta.

Detrás de cámaras: Sangre nueva, El doctor y el diablo, Bajo la ira.

Escena eliminada.

Escenas infectadas: tomas falsas

Valoración Global

[accordion]

Calidad de imagen 9.5

Espectacular transferencia 4K que combina la crudeza visual característica de la saga con los beneficios del HDR, logrando un contraste perfecto en las zonas sombrías del templo.

Calidad Sonora 8.5

La pista Dolby Atmos en su versión original es una auténtica delicia para los amantes del terror, ofreciendo una espacialidad agresiva y una potencia contundente en los momentos de tensión, la pista en nuestro idioma cumple perfectamente sin tanto brillo.

Contenido extra 8.0

Aunque se echan en falta más entrevistas con el reparto, los documentales sobre el regreso de Boyle y Garland y el diseño de producción cumplen con creces las expectativas de los fans.

La edición 9.0

Una propuesta técnica impecable en el salto a las tres décadas de franquicia. Una compra obligada para los amantes del cine postapocalíptico en formato físico.

Galería de imágenes

Fuente; Sony Pictures / Arvi Licensing

Boogie Nights; Edición combo 4k y Bluray

2026-05-23T15:00:00.000+02:00

Por Enrique Bellón.

El aclamado drama de Paul Thomas Anderson sobre la industria del cine para adultos en los años 70 llega en una esperada restauración en formato 4K UHD de "Boogie Nights", permitiendo apreciar la riqueza de su cinematografía y su ambientación de época con una calidad técnica superior, Divisa Films es la encargada de traernos esta edición.

Eddie es un joven que sueña con ser actor cuando le descubre Jaca Hormer, un director de cine porno que considera su trabajo como una forma de arte. Eddie se cambia el nombre por el de Dirk Diggier y se sumerge por completo en el estilo de vida y las relaciones de la industria del porno de los últimos años 70.

La imagen

La restauración en 4K ofrece una fidelidad visual impresionante, manteniendo el grano cinematográfico original de la cinta y mejorando notablemente la profundidad de los colores y el contraste en las escenas interiores y nocturnas

Imagen 2.35:1 4K (2160p)
HDR HDR10

El sonido

La pista de audio ha sido remasterizada para ofrecer una mayor claridad en los diálogos y un rango dinámico más amplio en su icónica banda sonora setentera, fundamental para el ritmo de la película

Audio Inglés - DTS-HD Master Audio 5.1
Castellano - Dolby Digital 5.1
Alemán - Dolby Digital 5.1

La edición

Una edición de lujo que rinde homenaje a este clásico del cine moderno. Destaca por un diseño de arte que captura la estética de los 70 y un empaquetado elegante que la convierte en una pieza de coleccionista.

Precio 21,95 €

Características técnicas

Contenido Ultra HD Blu-ray + Blu-ray

Imagen 2.35:1 4K (2160p)

HDR HDR10

Audio Inglés - DTS-HD Master Audio 5.1

Castellano - Dolby Digital 5.1

Alemán - Dolby Digital 5.1

Francés - Dolby Digital 5.1

Español latino - Dolby Surround 2.0

Subtítulos Castellano, Alemán, Francés, Coreano, Danés, Español latino, Finés, Holandés, Noruego, Sueco, Inglés para sordos

Precio 21,95 €

Extras

Ultra HD Blu-ray

American Cinematheque (nuevo) – Paul Thomas Anderson y John C. Reilly.

Preguntas y respuestas con Paul Thomas Anderson y John c. Reilly.

Escenas adicionales (29 min).

Vídeo musical de “Try” - Michael Penn (3 min).

Los archivos de John C. Reilly: Tomas falsas y secuencias extendidas (35 min).

Comentario del director Paul Thomas Anderson.

Comentario del cast: Don Cheadle, Heather Graham, Luis Guzman, William H. Macy, Julianne Moore, John C. Reilly, Mark Wahlberg, y Melora Walters.

Blu-ray

Preguntas y respuestas con Paul Thomas Anderson y John c. Reilly.

Escenas adicionales (29 min).

Vídeo musical de “Try” - Michael Penn (3 min).

Los archivos de John C. Reilly: Tomas falsas y secuencias extendidas (35 min).

Comentario del director Paul Thomas Anderson.

Comentario del cast: Don Cheadle, Heather Graham, Luis Guzman, William H. Macy, Julianne Moore, John C. Reilly, Mark Wahlberg, y Melora Walters.

Valoración Global

[accordion]

Calidad de imagen 9.0

Excelente restauración 4K que respeta el grano original, añadiendo una profundidad de color y contraste que revitaliza la fotografía de Anderson.

Calidad Sonora 9.5

La pista DTS-HD MA proporciona una claridad excepcional, logrando que tanto los diálogos como la cuidada selección musical se escuchen con gran fidelidad.

Contenido extra 8.5

La inclusión de comentarios de audio y documentales retrospectivos añade un valor narrativo y académico esencial para una obra de este calibre.

La edición 9.0

Una edición técnica sobresaliente y muy cuidada en su diseño, ideal para los seguidores del director que buscan la versión definitiva en formato físico.

Galería de imágenes

Fuente; Divisa Films

Ahora me ves 3; Análisis de la edición especial Steelbook

2026-05-22T15:00:00.000+02:00

Por Enrique Bellón.

La esperada tercera entrega de la saga de ilusionistas llega al mercado doméstico en una espectacular edición Steelbook, esta versión de "Ahora me ves 3" está diseñada para los coleccionistas que buscan una pieza única en su estantería. De la mano de Arvi licensing nos llega esta cuidada edición metálica que contiene el DVD y el Bluray.

En esta nueva aventura, Los Cuatro Jinetes se enfrentan a un desafío que pondrá a prueba no solo sus habilidades de prestidigitación, sino también su lealtad, mientras intentan ejecutar el truco más grande que jamás hayan concebido...

La imagen

Muy buena en lo visual, imagen brillante y nítida.

Imagen 2.39:1 4K (2160p)

El sonido

Grandisimas pistas sonoras potentes y bien ecualizadas.

Audio Inglés - DTS-HD Master Audio 5.1
Castellano - DTS-HD Master Audio 5.1

La edición

Edición muy bien acabada, sin embargo con extras muy limitados.

Precio 34,95 €

Características técnicas

Contenido Ultra HD Blu-ray + Blu-ray

Presentación Estuche metálico (Steelbook)

Imagen 2.39:1 4K (2160p)

Audio Inglés - DTS-HD Master Audio 5.1

Castellano - DTS-HD Master Audio 5.1

Subtítulos Castellano

Precio 34,95 €

Extras

Evento internacional con los fans.

Detrás de las cámaras.

Valoración Global

[accordion]

Calidad de imagen 9.5

La implementación de HDR10 y Dolby Vision, que ofrecen una nitidez y un rango dinámico excepcionales.

Calidad Sonora 9.5

Gran calidad de las pistas de audio, destacando la inmersión lograda por el Dolby Atmos en la versión original y la robustez del 7.1 en castellano.

Contenido extra 7.0

Se valora positivamente la inclusión de entrevistas técnicas y escenas eliminadas, lo cual aporta valor , si bien falta variedad.

La edición 9.0

Un steelbook con un diseño de alta calidad, muy atractivo y vistoso.

Galería de imágenes

Fuente; Arvi Licensing

Zootropolis 2; Análisis de la edición Steelbook Bluray

2026-05-21T17:04:48.236+02:00

Por Enrique Bellón.

Tras el arrollador éxito en salas de cine, la esperada secuela de Disney aterriza en el mercado doméstico. Zootrópolis 2 llega en una cuidada edición Steelbook que permite a los fans revivir la aventura de Judy Hopps y Nick Wilde con una calidad técnica excelente, de la mano de Divisa Films nos llega este magnífico y colorido Steelbook.

Esta continuación expande el universo de la metrópoli animal con nuevos casos y personajes, manteniendo el nivel de detalle y humor que caracterizó a la primera entrega. Los policías novatos Judy Hopps y Nick Wilde se ven envueltos en un gran misterio cuando Gary Serpiéntez llega a Zootrópolis y pone patas arriba la metrópolis de los mamíferos. Para resolver el caso, Judy y Nick deben infiltrarse en zonas inesperadas de la ciudad, en las que su creciente camaradería se pone más a prueba que nunca.

La imagen

Muy buena en lo visual, echamos en falta una opción 4k, este tipo de películas brillan especialmente en ese formato.

Imagen 2.39:1 1080p

El sonido

Gran implementación sonora.

Audio Inglés - DTS-HD Master Audio 7.1
Castellano - DTS 5.1
Catalán - DTS 5.1

La edición

Edición muy bien acabada y con muschos extras, lástima que no sea con formato 4k.

Precio 25,99 €

Características técnicas

Contenido 1 Disco

Presentación Estuche metálico (Steelbook)

Imagen 2.39:1 1080p

Audio Inglés - DTS-HD Master Audio 7.1

Castellano - DTS 5.1

Catalán - DTS 5.1

Inglés para invidentes - Dolby Digital 2.0

Subtítulos Castellano, Inglés para sordos

Precio 25,99 €

Extras

Cuidadores y cuidadoras del zoo - ¡Acompaña al guionista y director Jared Bush y al director Byron Howard en un recorrido por Walt Disney Animation Studios! Echa un vistazo entre bastidores mientras abren las puertas para conocer al reparto y al equipo técnico, y compartir todo el trabajo realizado para dar vida a la película.

Una ciudad llena de estrellas - Conoce a los fantásticos actores de doblaje de Zootropolis 2, mientras los cineastas comparten la alegría de contar con el reparto original y cómo cada nuevo papel encontró a su pareja perfecta.

¡Cualquiera puede dibujar! - Dibuja junto al supervisor de animación Benson Shum mientras habla de su papel en Zootrópolis 2 y guía a los espectadores para dibujar al nuevo castor favorito de todos, ¡Nibbles!

Secretos Zoorprendentes - Descubre referencias y personajes sorprendentes de algunas de tus películas favoritas de Walt Disney Animation Studios, ocultos a lo largo de la película, junto con datos curiosos.

Momentos estelares ante el micro - Entra en la cabina de grabación para disfrutar de muchas risas y diversión entre bastidores. ¡Descubre cómo el divertido reparto da vida a sus personajes!

El carrito de golosinas - Conoce al alegre equipo detrás del carrito de las golosinas, que lleva sonrisas y aperitivos por los pasillos de Disney Animation para mantener a los artistas del estudio llenos de energía y motivación.

"Zoo", Vídeo Musical de Shakira - Celebra la amistad y la aventura con Shakira en su vídeo musical de la nueva canción de la película, «Zoo».

Escenas eliminadas - Echa un vistazo a las escenas que no se incluyeron en el montaje final, con una introducción general de los directores Jared Bush y Byron Howard.

¿Qué hay en la caja?

Pero ¿dónde se han metido?

Hospital Animal

Festival en el desierto

Clawhauser rastrea a Judy

Un aprieto en el museo

La familia de Clawhauser

Valoración Global

[accordion]

Calidad de imagen 9.5

Definición y color vibrante.

Calidad Sonora 9.5

Pistas de audio dinámicas y envolventes.

Contenido extra 7.5

Buen aporte de escenas eliminadas y contenidos interactivos.

La edición 9.0

Un steelbook con un diseño de alta calidad, muy atractivo para los seguidores de la saga.

Galería de imágenes

Fuente; Divisa Films

The Mandalorian and Gorgu; Universo extendido

2026-05-20T18:10:33.542+02:00

Por Enrique Bellón.

Esta semana llega a nuestros cines el salto a la gran pantalla de The Mandalorian con el largometraje The Mandalorian y Dorgu, la historia retoma la relación paterno-filial entre Din Djarin (el mandaloriano) y su aprendiz Grogu. Tras la caída del Imperio, la Nueva República recluta a ambos para realizar misiones de protección y persecución de los señores de la guerra imperiales que aún operan como un "Remanente Imperial" en la galaxia.

Con un mayor nivel de medios y una puesta en escena magnífica "The mandalorian y Dorgu" se plantea como un paso adelante dentro de la franquicia, llevando una de las aventuras de nuestro cazarecompensas a un nuevo nivel. No es una película ambiciosa, es un ejercicio de entretenimiento que busca atraer a toda la familia y para ellos mantiene muchos de los elementos de la serie como el humor y el carisma de sus protagonistas.

Si bien la historia comienza interesante y con contundencia le cuesta un poco arrancar, dando un tercer acto muy satisfactorio por su volumen y sobre todo por estar plagado de guiños a los más acérimos de Star Wars. Dentro del reparto destaca Pedro Pascal que regresa como el protagonista, Din Djarin, Sigourney Weaver que se une al elenco en un papel clave, siendo uno de los fichajes más comentados. y de mayor peso pese a su escasa presencia. Jonny Coyne: Retoma su papel como uno de los líderes imperiales.

Está dirigida por Jon Favreau, quien ha sido la pieza clave detrás de la serie original. Si bien la película está diseñada para ser una aventura épica que pueda disfrutar cualquier espectador, se recomienda estar al tanto de las tres temporadas de la serie The Mandalorian (disponibles en Disney+). Esto ayudará a entender mejor la evolución de Din Djarin desde cazarrecompensas hasta convertirse en una figura relevante de la galaxia y en la Nueva República, aunque es disfrutable sin tener ese background, así mismo se entiende mejor la historia de Grogu y su conexión con la Fuerza a raíz de la serie.

La película cuenta con una mayor escala cinematográfica, con batallas espectaculares, incluyendo enfrentamientos contra los icónicos caminantes AT-AT, así como luchas cuerpo a cuerpo y confrontación contra todo tipo de monstruos de todas las partes de la galaxía, y en mútltiples escalas.

The mandalorian y Gorgu cuenta con una factura técnica notable, muchos efectos pero no excesivos y un acabado visual y sonoro impecable. En cuanto a su desarrollo tiene problemas y fallos, la historia es muy simple y una vez pasado el momento nostálgico de los personajes involucrados su carisma es casi inexistente, siendo unos malos ausentes y de poco peso, lo cual unido a una historia esquemática y previsible hace que la película no alcance un mayor nivel que el de un entretenimiento correcto sin más.

[message]

##check## Lo bueno

El acabado técnico y sonora.
Es muy divertida.
Los dos protagonistas y su particular química.

##times## Lo malo

Historia de un episodio extendida, le falta grandeza.
Los malos son muy flojos.
Le cuesta arrancar.

[accordion]

Ambientación 8.5

Muy buena sin deslumbrar.

Desarrollo de Personajes 6.0

Muy simple.

Argumento / Guión 5.0

Muy flojo, sin profundidad y previsible.

Banda Sonora 8.0

Magnífica aunque lejos de ser tan icónicas como las originales.

Entretenimiento 9.0

Muy divertida.

Montaje / Innovación técnica 8.5

Tecnicamente muy buena.

[message]

Puntuación Total 6.5 / 10

Trailer:

Fuente Imágenes: Disney Pictures

La Bestia; Familia y rencores

2026-05-15T21:00:00.000+02:00

Por Enrique Bellón

La Bestia sigue a Patton James (interpretado por Daniel MacPherson), un antiguo campeón de MMA que se ha mantenido alejado del cuadrilátero durante años. Sin embargo, su vida cambia drásticamente cuando su hermano menor, Malon, se ve envuelto en una situación de peligro extremo debido a conflictos con figuras criminales. Para salvar a su familia y resolver sus problemas financieros, Patton se ve obligado a retomar su carrera y regresar a la jaula. Con la ayuda de su antiguo y experimentado entrenador, Sammy (Russell Crowe), deberá prepararse para un último y brutal enfrentamiento contra el actual campeón, un luchador despiadado que busca destruir su legado.

El legendario Russell Crowe no solo protagoniza la cinta como el entrenador Sammy, sino que también participó activamente en el proyecto como coguionista y productor, involucrándose profundamente en el desarrollo de la historia. Su papel en la historia es mucho más tangencial de lo que podríamos esperar, siendo el reclamo para los cines más que un papel real.

Para garantizar que las escenas de combate se sientan reales y viscerales, la producción contó con la colaboración de ONE Championship, una de las organizaciones de artes marciales mixtas más importantes del mundo, utilizando sus instalaciones y recursos para dar realismo a las peleas. La película tiene un fuerte sello australiano, con gran parte del equipo técnico y artístico (incluyendo a Daniel MacPherson, Luke Hemsworth y el director Tyler Atkins) proveniente de este país.

El filme marca el debut en un papel dramático importante para la popular cantautora australiana Amy Shark, quien interpreta a un personaje llamado Rose, la hija de Russell Crowe y la entrenadora real de nuestro héroe. La película ha recibido una clasificación R (para mayores de 18 años), debido a su lenguaje, la crudeza de la violencia en los combates y el tono intenso y oscuro del drama familiar que la sostiene.

La Bestia da lo que promete, una historia de venganza, redención y acción, con unas actuaciones justitas y una trama muy vista, que brilla especialmente en los momentos de acción y con todos los cánones del cine de lucha que en su momento la propia Rocky implantó.

[message]

##check## Lo bueno

Magnífica factura técnica.
Muy buenas peleas.

##times## Lo malo

No da demasiada pena la muerte del hermano del prota.
Las actuaciones muy justas y la presencia de Crowe meramente testimonial.
No deja de ser la formula de siempre del luchador con corazón que vuelve por necesidad / venganza.

[accordion]

Ambientación 7.0

Correcta.

Desarrollo de Personajes 6.0

Bastante Planos.

Argumento / Guión 5.0

Muy simple.

Banda Sonora 7.0

Música adecuada y bien integrada.

Entretenimiento 6.5

Bastante entretenida.

Montaje / Innovación técnica 7.5

Montaje ágil y escenas de lucha muy top.

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Puntuación Total 6.5 / 10

Fuente Imágenes: Tripictures

Mortal Kombat II: Una trama a mamporros

2026-05-15T16:33:27.172+02:00

Escrito por John Doe.

En “Mortal Kombat II” (2026), los campeones favoritos de los fans, a los que ahora se une el mismísimo Johnny Cage, se enfrentan entre sí en la batalla definitiva, sin cuartel y sangrienta, para derrotar el oscuro reinado de Shao Kahn, que amenaza la existencia misma del Reino de la Tierra y sus defensores.

En 1992, la compañía de videojuegos Midway apostó por lanzar al mercado de las recreativas el videojuego de lucha “Mortal Kombat”. La popularidad del videojuego creció como la espuma gracias a sus gráficos realistas y la cantidad insana de sangre y vísceras que ofrecían sus personajes al luchar literalmente hasta la muerte. Tanto es, que el videojuego tuvo una trilogía de secuelas de arcades y fueron lanzados paralelamente en consolas de todo tipo, desde la Game Boy, la Game Gear, la Master SYstem, Super NES, Playstation e Xbox, además de otras secuelas y consolas.

Desde entonces, la franquicia ha ido ganando popularidad por su violencia, el diseño de sus personajes y la diversión siempre imperante que han emanado sus videojuegos. Tal es su éxito que een 1995 el director Paul W.S. Anderson quiso llevar la aventura a la gran pantalla con la primera adaptación cinematográfica del juego, “Mortal Komat” (1995). La película fue algo criticada por la prensa, pero gustó a fans e incluso tuvo una secuela, “Mortal Kombat: Aniquilación” (1997), pero terminó siendo algo desastre. Veinticuatro años después, Warner Bros quiso probar a volver a sacar películas de la franquicia estrenando el reboot “Mortal Kombat” (2021) que, aunque no convenció por su calidad, estaba llena de referencias y sangre que gustaron a los fans y había cierto amor por la saga detrás. Esta semana, cinco años después, llega a nuestras salas su secuela, “Mortal Kombat II” (2026).

El guion corre a cargo e Jeremy Slater. Slater escribió películas como “El efecto Lázaro” (2015), “Los 4 fantásticos” (2015), “Pet” (2016), “Death Note” (2017) o “Godzilla Y Kong: El Nuevo Imperio” (2024), además de escribir episodios para series como “El exorcista” (2016-2017), “Caballero Luna” (2022) o “Umbrella Academy” (2019-2024). La secuela de la cinta de 2021 empieza con un prólogo que nos pone en contexto del reino de Edenia y nos presenta algunos de los nuevos personajes de la cinta, Kitana, Jade, la reina Sindel y los secuaces de Shao Kahn. El emperador malvado llega a Edenia para luchar su décimo combate que si gana le otorgará el dominio del mismo. Con el resultado evidente, la cinta hace una elipsis de tiempo para situarnos en el presente, donde el terrible Shao Kahn quiere hacer lo mismo con nuestro reino, la Tierra, pidiendo que los diez mejores luchadores del planeta sean elegidos para participar en dicho torneo, reencontrándonos con viejas caras conocidas y conociendo al nuevo protagonista de la cinta, el infame Johnny Cage.

El caso con el apartado narrativo de “Mortal Kombat II” es bastante curioso. Por momentos, la cinta se siente como si tuviera demasiada exposición. Hay una constante de bombardeo de nombres, explicaciones sobre como funciona su mundo, las reglas, las vidas de los personajes nuevos, … y a veces se siente como si faltar mucha información en otros aspectos. Algunos de los nuevos personajes se introducen sin saber casi nada de ellos y por qué tienen las sociedades o los poderes que tienen ni como han llegado a ellos, siendo esto una parte bastante importante en toda la trama de la película. Y hablando de trama… El punto de partida es bastante sencillo y, dado que la trama y el material original del que parten estas películas, se esperaba al menos un mínimo de trama algo más adulta. El problema principal de “Mortal Kombat II” es que la trama es super sencilla, no ofrece apenas sorpresas y las que parecen ser inesperadas pasan un poco porque sí, porque es lo que tiene que hacer avanzar el guion. En ese sentido, no parece que hayan querido trabajar mucho este aspecto del film. Lo mismo pasa con el desarrollo de sus personajes. Vale, las personalidades de los luchadores son interesantes y variadas, pero es algo que ya viene con su material de origen. Por desgracia, incluso los videojuegos parecen tener más cariño por sus personajes dándoles algo más de profundidad entre batallas mortales. Eso sí, las escenas de peleas están bien escritas y algunas son más que satisfactorias. Y al final, supongo que es lo más importante de una película como esta.

La gran estrella de esta entrega es Karl Urban. Urban ha ido ganando popularidad los últimos años gracias a su participación en la serie “The Boys” (2019-2026) como Billy Butcher. Además de esto, el actor es recordado por participar en la mítica trilogía de “El señor de los anillos” (2001-2003) como Eomer, por estar en las nuevas películas de “Star Trek” (2009-2016) o en otra adaptación de videojuego algo descafeinada, “Doom: La puerta del infierno” (2005). Urban parece ser una elección perfecta para Johnny Cage. Cage es chulesco, bromista, decadente y un parguela, cosas que Karl parece interpretar a la perfección. El actor neozelandés adopta todos los gestos y los tics míticos del personaje y consigue ser divertidísimo. La otra gran estrella de esta entrega es Adeline Rudolph. A Rudolph la hemos visto en “El mundo oculto de Sabrina” (2018-2020), “Riverdale” (2021), la serie de “Resident Evil” (2022) o los recientes films “Hellboy: El hombre retorcido” (2024) y “Do Not Enter” (2025). Se nota que la actriz británica tiene ganas de lanzar su carrera a más proyectos, ya que da todo de sí interpretando a Kitana.

A pesar de no tener una escritura muy elaborada de su personaje, Rudolph lo encarna con mucha dignidad y sorprende en las escenas de acción. Vuelven a la saga Jessica McNamee, Josh Lawson, Ludi Lin, Mehcad Brooks, Lewis Tan, Damon Herriman, Chin Han, Tadanobu Asano, Joe Taslim, Hiroyuki Sanada y Max Huang como los luchadores míticos de la saga en una línea interpretativa muy similar a la anterior entrega. Finalmente, de las nuevas caras, las cuales se componen por Tati Gabrielle, Ana Thu Nguyen, Desmond Chiam o CJ. Bloomfield, el más destacable es el temible Martyn Ford interpretando a Shao Kahn, una mole enorme de carne dispuesta a acabar con todo lo que se le ponga por delante, teniendo una presencia aterradora y amenazante.

Detrás de las cámaras repite Simon McQuoid, quién se encargó de dirigir también la anterior entrega. Curiosamente, antes de dirigir “Mortal Kombat” McQuoid solo había dirigido un anuncio bancario para la televisión. A pesar de que la edición hace que se siente algo troceada, parece que Simon tiene un buen ojo para las escenas de peleas y hacer lucir a sus luchadores, siendo estas lo que más destacan de la película. Parece que se ha intentado hacer un ritmo más pausado en el resto del film, pero por exigencias de guion y sobresaturación de elementos acaba abrumando algo la acumulación de conceptos. Quizás la peor parte de la película son la recreación de algunas escenas míticas o gestos que, en el lenguaje del videojuego están bien integradas, pero que en el lenguaje totalmente diferente del cine acaban siendo algo ridículas e incluso dan algo de vergüenza. A pesar de todo esto, el lenguaje utilizado es algo correcto, sin destacar especialmente ningún atrevimiento en el apartado de dirección, más allá del uso de las grúas y los movimientos de cámara, especialmente en el tercer acto de la película, donde el ritmo acaba siendo enérgico y a toda marcha.

La dirección de fotografía está firmada por el australiano Stephen F. Windon. F. Windon es muy conocido por haber fotografiado numerosos blockbusters como casi todas las entregas de la saga “A todo gas” (2001-2023) desde “A todo gas: Tokyo Race” (2006), “Star Trek sin límites” (2016), “Sonic: la película” (2020) o la reciente “Estado eléctrico” (2025). Su dirección fotográfica no destaca en demasiado, consiguiendo looks muy comerciales sin aportar mucho artísticamente. Eso sí, cuando le dejan usar colores neón o muy chillones parece crear imágenes que al menos tienen un valor pictórico interesante. Por desgracia, en “Mortal Kombat II” estos momentos son muy escasos, y los pocos que destacan a nivel lumínico o fotográfico se ven muy saturados y como si no pegaran en el conjunto. No obstante, técnicamente es aceptable y tiene elementos de grandes producciones que están al nivel de su presupuesto.

El diseño de producción de "Mortal Kombat II" destaca especialmente en sus dos escenarios principales, el pueblo Edenia y el templo en la Tierra, cuidados con bastantes detalles y que hacen sentirnos parte de un mundo completo. Por desgracia, el resto de escenarios se sienten muy artificiales e incluso que no son parte del mismo universo, como si los hubieran puesto ahí puramente por hacer referencias a los videojuegos y sin una cohesión con el resto expuesto. Eso sí, dichos escenarios que vienen directamente de la saga de videojuegos están bien representados y apenas un par se sienten muy artificiales y digitales, cantando bastante frente al resto. El CGI es algo barato, pero lo compensa con muchísima sangre e incluso algunas vísceras que acaban satisfaciendo a los fans y los que busquen la violencia desmedida marca de la casa. Los vestuarios, maquillajes y peluquerías hacen lo que pueden para adaptar a los actores al material original con resultados algo divisivos. Algunos personajes más suaves como Jax o Johnny Cage son muy creíbles, pero casi todo el resto se siente como si estuvieran llevando disfraces algo baratos. Esto es un problema cuando se quiere representar tan fielmente los estilos originales, que, si no se adaptan bien, terminan cantando por su búsqueda fallida de fidelidad. Una pena. Eso sí, el apartado de efectos prácticos hace un trabajo más que solvente.

Finalmente, la banda sonora está firmada por Benjamin Wallfisch, un nombre enorme dentro de la industria que nos ha regalado grandes composiciones para películas como “V de Vendetta” (2005), “Blade Runner 2049” (2017), las dos partes de “IT” (2017-2019), “Alien: Romulus” (2024) o “El hombre invisible” (2020), trabajo por el que fue nominado a un premio Emmy, además de trabajar en la banda sonora de la anterior película de la saga. Las composiciones de Wallfisch adaptan bastante bien las melodías míticas de los videojuegos y refuerzan ese sentimiento de épica cuando la situación lo requiere, mezclando guitarras y sonidos pesados con composiciones más orquestrales. Por desgracia, hay una sobresaturación musical y acaba abrumando algo que casi todas las escenas tengan una música acompañando la acción sin casi ni respirar, pero no es tanto culpa del compositor británico como de la edición y la decisión, entendemos que, de producción, de tener que poner música para compensar otras carencias. Destaca especialmente el remix de la canción de la saga que ha fabricado para los créditos finales.

En resumen, “Mortal Kombat II” es un producto regular que se mantiene en pie por lo entretenidas que son sus peleas. Una trama bastante mediocre con unos diseños fieles a los videojuegos, pero poco ergonómicos y que, a pesar de contar con actores algo entregados a la propuesta, mucha sangre y vísceras, no consigue compensar que sea un producto algo fallido por sus ansias de hacer referencias más que de construir una historia coherente y de calidad. Eso sí, a los fans de la saga les va a encantar.

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##check## Lo bueno

Las constantes referencias a la saga original, sus entornos y personajes.
Que apuesten por hacerla sangrienta y gore, cosa que pedía a gritos.
Karl Urban tiene un carisma desmedido y sigue demostrándolo con creces.

##times## Lo malo

El argumento es bastante mediocre y roza lo ridículo.
A pesar de contar con muchos personajes no hay casi ninguno con un trasfondo sólido.
El diseño de producción es algo justo y podrían haber mejorado muchos aspectos.

[accordion]

Ambientación 5.5

Algunos escenarios son buenos, otros adaptan bien los juegos, pero la mayoría son algo mediocres, esto tiene cierto delito en una producción de esta embergadura.

Desarrollo de Personajes 4.0

No hay profundidad en casi ninguno y se echa mucho de menos.

Argumento / Guión 4.5

Demasiado simple. Demasiado mediocre. Muchas cosas pasan porque ha querido el guion..

Banda Sonora 6.0

Aunque se abuse de ella, tiene un aura de epicidad constante.

Entretenimiento 6.5

Tiene un ritmo casi demasiado rápido pero las peleas son bastante disfrutables.

Montaje / Innovación técnica 6.0

Muy comercial sin buscar ninguna innovación técnica destacable. Un montaje demasiado apresurado y abrumador en el apartado sonoro. Una pena.

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Puntuación Total 5.5 / 10

Fuente Imágenes: Sony Pictures Releasing

Anunciadas las nominaciones a la 10ª edición de los Premios Fugaz, los galardones más relevantes del cortometraje español

2026-05-14T15:30:00.000+02:00

Esta semana se han dado a conocer las nominaciones a unos de los premios más relevantes del panorama español. La organización de los Premios Fugaz, considerados los galardones más relevantes del panorama del cortometraje español, ha dado a conocer el listado definitivo de candidatos en las 21 categorías de su décima edición. “Montecarlo 67” parte como el cortometraje más nominado, con 13 candidaturas, por delante de “Cara de cona” y “Ser un hombre”, que alcanzan 10 nominaciones cada uno. La lista de títulos con mayor presencia se completa con “In Memoriam” y “Chicken Jazz”, ambos con 7 candidaturas, y “Una vocal”, que obtiene 4.

Como gran novedad de esta edición, se amplían a 10 los títulos nominados en la categoría de Mejor Cortometraje, con el objetivo de reforzar la representatividad del premio y reflejar con mayor amplitud la calidad de los trabajos seleccionados. Esta decisión permite que la categoría principal ofrezca una mirada más completa sobre la diversidad creativa, narrativa y formal del cortometraje español actual, en un año especialmente significativo para el certamen por la celebración de su 10º aniversario.

En total, la lista reúne 111 candidaturas repartidas en 21 categorías, con 34 de los 60 cortometrajes de la 'shortlist' convertidos en nominados, lo que supone más de la mitad de los títulos que habían superado el primer corte. Ese reparto permite que la fase final no quede reducida a unos pocos favoritos y deja espacio para obras con presencia en categorías principales, interpretativas, técnicas y artísticas.

En las categorías interpretativas figuran nombres de largo recorrido como Ángela Molina, Ramón Barea, Tamar Novas o Carlos Santos, junto a perfiles más jóvenes y reconocibles como Veki Velilla y Sofía Otero, ganadora esta última del Oso de plata en Berlín a la mejor actriz por “20.000 especies de abejas”. Su presencia refuerza una de las ideas centrales de estos premios, que el cortometraje sigue siendo un espacio de trabajo y reconocimiento para intérpretes de primer nivel, más allá de su condición de formato breve.

Samuel Rodríguez, co-director de CortoEspaña, entidad organizadora de los premios, señaló: “Celebrar diez ediciones y llegar a estas nominaciones con una selección tan amplia nos recuerda por qué nacieron los Fugaz. Queríamos que el cortometraje tuviera un espacio propio, serio y reconocible dentro del audiovisual, y esta edición demuestra que ese espacio sigue creciendo gracias al trabajo de creadores, productoras, festivales y profesionales de todo el sector”.

El palmarés incluye también la categoría de Mejor Largometraje, una presencia singular dentro de unos premios dedicados al cortometraje y que funciona como guiño al diálogo natural entre ambos formatos.

La 'shortlist' previa estuvo compuesta por 60 cortometrajes (40 de ficción, 10 de animación y 10 documentales) seleccionados entre más de 600 obras presentadas. Todos ellos han sido valorados por una comisión de más de 1.800 profesionales del sector que ha determinado tanto los nominados como los futuros ganadores.

Además, los galardones vuelven a contar con una red de 77 festivales colaboradores, integrada por 53 festivales amigos y 24 festivales calificadores. El objetivo de esta iniciativa es darles cobertura informativa, apoyar su labor, invitarles a la gala y poner en valor su papel dentro del circuito. En el caso de los festivales calificadores, el cortometraje ganador en sus certámenes obtiene acceso directo a la 'shortlist', reforzando el vínculo de los Fugaz con el circuito de exhibición y con el recorrido real que las obras construyen a lo largo del año.

La gala de entrega de premios tendrá lugar el próximo 22 de junio en la emblemática Sala 25 de los cines Kinépolis Ciudad de la Imagen (C. Edgar Neville, s/n, Madrid), con un aforo para 1.000 asistentes.

Lo que revelan las nominaciones

Más allá de los cortometrajes con mayor número de nominaciones, la lista deja recorridos especialmente significativos. “Chicken Jazz” consigue 7 candidaturas sin estar presente en la categoría de Mejor Cortometraje, lo que la convierte en una de las propuestas más fuertes en apartados técnicos, artísticos e interpretativos. Su caso resulta especialmente llamativo porque no responde al patrón habitual de una obra que acumula nominaciones al estar también situada en la categoría principal.

También destaca “El Fantasma de la Quinta”, único cortometraje de animación que compite además en la categoría de Mejor Cortometraje. Su presencia en el apartado principal refuerza una de las lecturas más interesantes de esta edición, al confirmar que la animación puede ir más allá de su propia categoría y entrar en la conversación general de los premios.

La presencia femenina en la dirección sigue siendo uno de los datos relevantes de esta edición. Entre los 34 cortometrajes procedentes de la 'shortlist' que han logrado alguna candidatura, 13 cuentan con participación femenina en la dirección, lo que supone un 38,2 %. El dato vuelve a ser especialmente visible en animación, donde 4 de los 6 títulos nominados están dirigidos por mujeres. En ficción, 7 de los 23 cortos nominados tienen presencia femenina en la dirección, mientras que en documental la cifra es de 2 de 5. También destaca la categoría de Mejor Dirección Novel, donde 3 de las 5 candidaturas corresponden a mujeres.

La pluralidad lingüística de la 'shortlist' se mantiene también en las nominaciones. Entre los títulos nominados, 7 incorporan lenguas cooficiales y 8 son multilingües, con presencia de catalán, gallego, árabe e inglés. El dato refuerza una de las líneas visibles de esta edición, la de un cortometraje español que no responde a una única lengua ni a un único registro expresivo.

En lo temático, las nominaciones mantienen una fuerte presencia de trabajos vinculados a la enfermedad, la discapacidad y la tercera edad. 14 de los 34 cortos nominados abordan estas cuestiones, lo que representa más del 40 % de los títulos que han pasado a las candidaturas. A ello se suman 7 cortos centrados en temas sociales, políticos, interculturales o migratorios, 3 vinculados a memoria histórica, guerra o conflicto y 5 con temática medioambiental.

Uno de los datos más llamativos es que los 5 cortos de temática medioambiental presentes en la 'shortlist' han conseguido alguna nominación. Se trata de “Insondable”, “M.A.T. (Molt alta tensió)”, “Señuelo”, “Vencejos” y “Último superviviente a bordo”. Esta presencia confirma el peso de la sensibilidad ecológica en la edición sin desplazar otros enfoques, ya que las nominaciones combinan preocupación social, intimidad emocional y propuestas de género.

Aunque el drama sigue siendo el tono dominante, la lista final no dibuja una edición uniforme ni especialmente solemne. Entre los cortos nominados 15 incorporan drama, pero también hay 10 que se mueven en la comedia o la comedia negra y otros 10 que transitan por terrenos como la ciencia ficción, el terror, el thriller o propuestas de género más difíciles de clasificar. El resultado es una selección marcada por la carga social y emocional, pero también por la variedad formal y narrativa.

La edición mantiene además una presencia territorial amplia, aunque con Madrid como principal polo creativo. De esta manera, 16 tienen dirección residente en Madrid si se incluyen codirecciones y residencias compartidas, seguida por Cataluña, con 6, y la Comunidad Valenciana, con 5. En cuanto a rodajes, aparecen 14 territorios distintos, entre ellos Madrid, Cataluña, Comunidad Valenciana, País Vasco, Baleares, Extremadura, Asturias, Castilla y León, Canarias, Castilla-La Mancha, Andalucía, Cantabria y Galicia, además de trabajos rodados parcialmente fuera de España.

Diez años de trayectoria

Nacidos en 2017 de la mano de CortoEspaña, los Premios Fugaz se plantearon desde el primer día como un reconocimiento profesional al cortometraje, decidido por la propia industria a través de la Comisión CortoEspaña. En ese recorrido, el certamen ha ido ampliando su alcance y su ambición, con un salto muy visible ya en sus primeros pasos, cuando pasó de 9 categorías en la primera edición a 18 en la segunda y ha seguido creciendo hasta el actual marco de 21.

La gala también ha acompañado esa consolidación con una progresión lógica de espacios. La primera edición se celebró en 2017 en la Cineteca de Madrid y la segunda tuvo lugar en 2018 en el Palacio de la Prensa. Desde 2019, la sede principal se asienta en Kinépolis Ciudad de la Imagen, un salto de escala que encaja con la dimensión que han ido adquiriendo los premios dentro del sector.

Con nueve ediciones ya celebradas, el palmarés acumula más de 150 galardones entregados y una lista de nombres y títulos que funciona como termómetro anual del formato corto. En paralelo, el Fugaz de Honor ha distinguido trayectorias como las de Miguel Rellán, Javier Fesser, Daniel Sánchez Arévalo, Asunción Balaguer, Beatriz Carvajal o Eduard Fernández, y en 2025 se sumó Arantxa Echevarría. Ese mismo año, además, el certamen incorporó dos categorías que ampliaron el perímetro de los premios, “Mejor Cortometraje Hispanoamericano” y “Mejor Cortometraje de Escuela”, abriendo una vía estable hacia Latinoamérica y hacia los nuevos talentos del ámbito formativo.

Los Premios Fugaz cuentan con el apoyo de Kinépolis, Cervezas Alhambra, The Core School, Instituto del Cine de Madrid, Welab, Hot Perrote, Gobo, Da Vinci Productions y Excena, además del respaldo institucional del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA) y la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), haciendo posible que estos galardones continúen siendo el gran punto de encuentro del cortometraje español.

Las ovejas detectives; Un crimen en el pasto

2026-05-07T18:38:00.005+02:00

Por Enrique Bellón.

En "Las ovejas detectives" George Hardy (Hugh Jackman) es un pastor que vive en las afueras de Denbrook, Inglaterra. Es un hombre solitario que prefiere la compañía de su rebaño a la de los humanos, por lo que cada noche les lee novelas de misterio y asesinatos en voz alta. Lo que George no sabe es que sus ovejas no solo entienden cada palabra, sino que son ávidas seguidoras de las reglas del género policial.

Cuando George aparece muerto en condiciones sospechosas, la policía local se muestra totalmente incompetente. Es entonces cuando el rebaño, convencido de que George ha sido asesinado, decide aplicar todo lo aprendido en los libros para encontrar al culpable. El problema es que, como ovejas, sus métodos de investigación son un tanto... peculiares.

Basado en la novela original de Leonie Swann (Glennkill) que se ambienta en Irlanda, la película trasladó la acción a un pintoresco pueblo inglés llamado Denbrook, contándo la historia de con un tono muy blanco que por momentos recuerda a "Babe El cerdito valiente", pues si bien el mundo animal no se comunica con el mundo real creando dos alternativas paralelas, la historia si los enlaza, sobre todo a traves de un relato agradable y divertido.

Al igual que en el libro, la película está llena de guiños a Agatha Christie y Sherlock Holmes. Por ejemplo, la oveja líder se llama Lily (con voz de Julia Louis-Dreyfus), pero mantiene ese espíritu deductivo de "Miss Marple". Esto hará las delicias de los fans de las películas de asesinatos clásicos, lo cual unido a unos personajes excesivos, casi estereotipos provoca que se trate de un entretenimiento para prácticamente toda la familia, que con un relato simple cumple en todo momento.

"Las ovejas detectives" ha cambiado de título un par de veces, pero finalmente ha llegado a los cines como The Sheep Detectives (aunque en algunos mercados se anunció originalmente como Three Bags Full). Dirigida por Kyle Balda (conocido por su trabajo en Minions y Gru 3), está coronada de un elenco principalmente británico una constelación de actores encabezados por Hugh Jackman interpreta a George Hardy, el pastor. Entre otros tenemos a estrellas incluyendo a Emma Thompson, Julia Louis-Dreyfus, Bryan Cranston, Chris O'Dowd y Patrick Stewart.

Para representar a las ovejas, se utilizó una mezcla de efectos prácticos y CGI de última generación para lograr que los animales se vean realistas pero sean capaces de transmitir las complejas emociones y diálogos del guion de Mazin.

Por tanto con esta Las ovejas detectives nos encontramos en un término medio entre "Puñales por la espalda" y "Babe el cerdito valiente", con un tono de comedia inglesa exagerada que puede funcionar perfectamente como entretenimiento para toda la familia, si bien simple es funcional y divertida.

[message]

##check## Lo bueno

Personajese entrañables.
Las ovejas están muy bien integradas.
Es divertida y se deja ver.

##times## Lo malo

Personajes demasiado caricaturescos.
Demasiado infantil en muchos elenmentos.

[accordion]

Ambientación 7.5

Muy correcta y funcional.

Desarrollo de Personajes 6.5

Muy de cuento, estereotipados y exagerados.

Argumento / Guión 6.5

Simple pero con algunos diálogos salvables.

Banda Sonora 6.0

No sobresale mucho.

Entretenimiento 8.5

Una buena diversión para toda la familia.

Montaje / Innovación técnica 8.5

Magníficamente llevada a cabo, elegante y muy bien integrada.

[message]

Puntuación Total 7 / 10

Fuente Imágenes: Sony Pictures releasing

Strangers Capítulo final; ¿Cómo se crea un monstruo?

2026-05-01T21:00:00.001+02:00

Por Enrique Bellón.

La última entrega de la trilogía, Strangers: Capítulo Final (2026), cierra el ciclo de terror dirigido por Renny Harlin con un enfoque más centrado en el origen de los asesinos y el destino psicológico de Maya. Continuando con la trama de las dos primeras películas se alarga de manera desde una primera parte prometedora y que busca el ahondar en los orígenes y la construcción de los asesinos en serie.

Las nuevas películas de la trilogía se filmaron de manera simultánea en solo 52 días durante el año 2022.La trama comienza exactamente donde terminó el Capítulo 2, tras el accidente de Maya, por lo que es esencial haber visto las anteriores para seguir el hilo.

A diferencia de la película original de 2008 que mantenía el misterio absoluto, esta entrega profundiza en quiénes son los enmascarados, presentándolos como figuras vinculadas a una extraña comunidad en el pueblo. Una de las curiosidades más comentadas es la exploración de si Maya, tras sufrir tanta violencia, terminará por unirse a sus captores o convertirse en una fuerza igual de oscura.

El veterano del terror Richard Brake (conocido por Barbarian) interpreta al Sheriff Rotter, un personaje clave que conecta los secretos del pueblo con los asesinos. Siendo ese personaje que sabemos que es perturbador y que si bien es prometedor, acaba convirtiendose en un meme, sobre todo en su parte final.

Strangers capítulo final es una película muy pretenciosa que busca una complejidad ineherente que no está por ninguna parte. Cuando se centra en la locura o la violencia cruza funciona, incluso los momentos de los orígenes de los enmascarados, pero sin embargo la parte final es caótica y realmente pretenciosa, dejandonos con un mal sabor de boca y con una sensación de que no hay necesidad de tanta película para contarse lo que se cuenta, como fan del slasher la siento muy innecesaria.

[message]

##check## Lo bueno

Algunos momentos sobre los orígenes de los enmascarados.
Hay escenas de muertes muy bien coregrafiadas y que muestran contundencia.

##times## Lo malo

Innecesaria.
Es muy pretenciosa y no acaba de funcionar.

[accordion]

Ambientación 6.0

Correcta.

Desarrollo de Personajes 4.5

Mucho más excesiva de lo que requieren.

Argumento / Guión 3.0

Absurdo.

Banda Sonora 6.0

Funcional.

Entretenimiento 5.5

No entretiene demasiado.

Montaje / Innovación técnica 5.5

Lleno de lugares comunes, sin sorpresas.

[message]

Puntuación Total 4.5 / 10

Fuente Imágenes: Diamond Films

El diablo viste de Prada 2; Atrapados en el mundo real

2026-04-30T00:11:00.002+02:00

Por Enrique Bellón.

Esta semana se estrena después de más de 20 años la segunda entrega de la icónica "El diablo viste de Prada", la comedia sobre el mundo de la moda y las jefas tóxicas que rompió taquillas hace décadas. La historia nos sitúa 20 años después de la original. Miranda Priestly se enfrenta al declive de las revistas impresas y a un mundo digital que no perdona. Sin embargo para salvar su imperio, Miranda necesita la ayuda de su antigua asistente, Emily Charlton, quien ahora es una poderosa ejecutiva en una gran firma de lujo.

Por su parte, Andy Sachs regresa no como una novata, sino como una editora de reportajes consolidada en Runway, atrapada nuevamente en el órbita de su antigua jefa, impactada por un cambio drástico en su vida y un mundo donde lo real cada vez importa menos, lo importante son las apariencias pero las de las redes y el mundo digital.

Lo mejor sin duda de esta "El diablo viste de Prada 2" el "trío dinámico" original que está de vuelta, hablamos de Meryl Streepcomo la icónica Miranda Priestlym, Anne Hathaway como Andy Sachs. Emily Blunt como Emily Charlton, así como Stanley Tucci como el indispensable Nigel. Se unen al elenco actores como Kenneth Branagh, Simone Ashley (Bridgerton) y Lucy Liu.

Nos encontramos ante una historia menos fresca, más contenida, que al no sorprender tampoco consigue dejar la huella que nos dejó la primera entrega. Se trata de una clásica historia de lucha de un medio por sobrevivir y de la lucha de los personajes por sus egos y sus valores. La película se sostiene con una ejecución impecable y un grupo de actores que son capaces de hacer de sus papeles mucho más, especialmente brillante esta Tucci, como siempre siendo un "roba escenas".

Streep sigue siendo magnética si bien su papel se nota algo suavizado por los tiempos que corren, pero aún así consigue despuntar cuando aparece por la pantalla. En todo caso "El diablo viste de Prada 2" vuelve con menos fuerza que la original, siendo una secuela al uso, que si bien tiene muchas caras conocidas y sopresas, no acaba de ser una comedia que tiene más de aprovechamiento de la nostalgia que de calidad por si sóla, aún así podemos definirla como un entretenimiento ligero y nostalgico para muchas edades.

[message]

##check## Lo bueno

El regreso del elenco original.
La crítica de la sociedad.
Las sorpresas y nuevas incorporaciones.

##times## Lo malo

Le falta frescura.
El guion se nota suavizado.
La historia principal carece de interés, se nota como un pretexto para la narrativa.

[accordion]

Ambientación 8.5

Muy buena, adecuada.

Desarrollo de Personajes 7.5

Bastante bueno.

Argumento / Guión 6.0

Guion funcional pero sin demasiado interés, le falta garra incluso en algunos diálogos.

Banda Sonora 7.0

Muy correcta.

Entretenimiento 7.5

Cumplidora y divertida.

Montaje / Innovación técnica 7.5

Un montaje ágil y divertido.

[message]

Puntuación Total 6.5 / 10

Fuente Imágenes: 20th Century Fox / Disney España

Michael; Gozando de la leyenda

2026-04-22T23:35:00.006+02:00

Por Enrique Bellón.

Esta semana llega a nuestras pantallas una de las películas más esperadas del año, se trata de "Michael" un nuevo biopic musical sobre una de las leyendas del Pop más grandes de todos los tiempos. Contada desde el punto de vista familiar (son productores y supervisan el film) nos encontramos ante un acercamiento a la leyenda musical creado por y para sus fans.

Como en la mayoría de los biopics musicales este "Michael" posee la clásica elipsis narrativa donde la historia comienza cerca del final y nos trae los detalles de cómo un joven niño de Gary, Indiana se abrio paso al olimpo de los cantantes más famosos de todos los tiempos y lo hace de manera muy entretenida, centrado principalmente en el elemento musical y en el personaje que todo lo absorve.

El protagonista es Jaafar Jackson, sobrino real del cantante, en su debut cinematográfico, que sobre todo maneja las coreografias y los bailes de manera ejemplar, ciertamente por su estructura y enfoque la parte actoral sin ser mala no es exigente pues nos muestra los principales complejos y motivaciones de un cantante que buscaba sobre todo independizarse y que tuvo desde su infancia una relación muy tóxica con el padre de familia, Joseph Jackson, un personaje realmente repulsivo que se ve que no era muy valorado dentro de la familia.

Joseph Jackson muestra ese punto de tirania y exigencia que llega a límites insospechados y que en el fondo provocó que Michael perdiera su infancia y tuviera problemas serios para relacionarse, para socializar. Por otra parte la relación materna es sencilla pero entrañable y el mejor punto de la historia familiar, pues la relación con sus hermanos pasa muy de puntillas.

Se justifica y explica mucha de la personalidad de Michael como parte del Síndrome de Peter Pan; El síndrome de Peter Pan describe a adultos que evitan responsabilidades, compromisos y madurar, manteniendo comportamientos infantiles o adolescentes. Acuñado por el Dr. Dan Kiley en 1983, se caracteriza por el miedo a crecer, dependencia emocional, egocentrismo y baja tolerancia a la frustración. Esa búsqueda de cariño, ese miedo a revelarse y sobre todo la búsque de aprovación, algo de lo que no disfrutaba.

"Michael" evita meterse en charcos demasiado profundos, dedicándose a explotar la imagen, la música y las coreografias más conocidas del rey del Pop. Se nota que la película no quiere complicarse y sigue al pie de la letra la estructura de Bohemian Rhapsody, con sus altibajos durante el metraje en cuanto a efusividad y no finalizando con el final de Jackson sino más bien uno de sus momentos cumbre y una gran actuación.

Jaafar Jackson ensayó la coreografía con tanta intensidad que llegó a bailar hasta que sus pies sangraron o se durmieron. Otra curiosidad es que no usaron imitadores; la película utiliza las grabaciones vocales originales de Michael para las escenas de canto.

Antoine Fuqua (conocido por Training Day y The Equalizer) es el director de la obra, un muy buen director que se ha movido al cine puramente comercial y que aquí claramente dirige por encargo esta película de poco más de 2 horas que preveemos funcionará de manera impresionante en taquilla. Sin embargo podemos reprocharle la falta de riesgo y la falta de profundidad de los secundarios, los miembros de la familia y las tramas secundarias, aun así es muy disfrutable.

[message]

##check## Lo bueno

Gran trabajo del protagonista, que aun no pareciéndose demasiado maneja de manera impecable parte de coreografías.
La película respira música del Rey del Pop.
Es muy entretenida y acaba muy arriba.

##times## Lo malo

No toca temas escabrosos.
Los personajes secundarios no se desarrollan prácticamente.
Es demasiado fotocopia de Bohemian Rapsody.

[accordion]

Ambientación 8.5

Magnífica, se hicieron grandes trabajos para que fuera lo más realista posible.

Desarrollo de Personajes 6.0

Muy planos, el personaje de Michael es atractivo pero le falta arriesgar.

Argumento / Guión 5.0

Demasiada copia de la estructura del típico Biopic musical moderno.

Banda Sonora 9.5

El alma de la película.

Entretenimiento 8.5

Muy entretenida.

Montaje / Innovación técnica 8.5

Montaje ágil y bien realizado por Fuqua.

[message]

Puntuación Total 6.5 / 10

Trailer:

Fuente Imágenes: Universal Pictures

Nadie 2; Análisis de la edición combo UHD y Bluray

2026-04-12T15:00:00.002+02:00

Por Enrique Bellón.

Una de las continuaciones más esperadas llega a nuestros hogares en diversos formatos, hablamos de Nadie 2 de Universal Pictures y distribuida por Arvi Licensing, las aventuras de este asesino de la CIA retirado y sus problemas llega a un nuevo nivel en esta continuación. Nosotros hemos podido analizar la edición standard Bluray/UHD si bien hay edición bluray simple y una edición especial steelbook.

Cuatro años después de enfrentarse involuntariamente a la mafia rusa, Hutch sigue manteniendo con la organización criminal una deuda de 30 millones de dólares que trata de saldar poco a poco con una serie interminable de golpes contra matones internacionales. Pese a disfrutar como siempre de la faceta más trepidante y física de su «trabajo», Hutch y su esposa Becca se sienten agotados y distanciados. Para intentar remediarlo, deciden llevarse a sus hijos de escapada al mismo lugar al que Hutch iba de vacaciones con su hermano Harry cuando eran pequeños.

La imagen

Muy buena en lo visual, ambos formatos 4k soportados.

Imagen 2.39:1 4K (2160p)
HDR HDR10 / Dolby Vision

El sonido

Gran implementación sonora.

Audio Inglés - Dolby Atmos
Castellano - Dolby Digital Plus 7.1

La edición

Edición muy bien acabada y con muschos extras, lástima que la calidad de la película en sí no ayude demasiado.

Precio 26,99 €

Características técnicas

Contenido Ultra HD Blu-ray + Blu-ray

Imagen 2.39:1 4K (2160p)

HDR HDR10 / Dolby Vision

Audio Inglés - Dolby Atmos

Castellano - Dolby Digital Plus 7.1

Francés - Dolby Digital Plus 7.1

Italiano - Dolby Digital Plus 7.1

Subtítulos Castellano, Francés, Italiano, Holandés, Inglés para sordos

Precio 26,95 €

Extras

Escenas eliminadas.

Detrás de las cámaras.

Valoración Global

[accordion]

Calidad de imagen 9.0

Magnífica calidad visual.

Calidad Sonora 9.5

Impecables pistas de audio tanto en VO como nuestro idioma.

Contenido extra 5.0

Muy flojo en cantidad y sin subtitular en español.

La edición 7.0

Edición cumplidora que pierde puntos por la escasez de extras y que no están subtitulados.

Galería de imágenes

Fuente; Arvi Licensing

Gaua Edición Coleccionista

2026-04-11T15:00:00.003+02:00

Por Enrique Bellón.

Una de las películas más aclamadas del cine español llega ahora a nuestros hogares de la mano de Divisa Films, se trata de Gaua. La nueva creación de Paul Urkijo que nos llega ahora en formato normal y en esta edición especial llena de "Chuches" que podeis ver en nuestro reportaje fotográfico al final de la reseña.

Montañas vascas, siglo XVII. En plena caza de brujas, Kattalin huye de su marido, abandonando el caserío en mitad de la noche. Perdida en la negrura del bosque, siente una presencia que la persigue. En su camino, se topa con tres mujeres que, mientras lavan la ropa junto al río, comparten cuentos de miedo y habladurías del pueblo. Para su asombro, Kattalin acabará convirtiéndose en parte de esas mismas historias.

La imagen

No es la mejor calidad de imagen, además de no ser 4k es incluso imagen entrelazada.
Imagen 2.39:1 1080i

El sonido

Gran pista sonora.

Castellano - DTS-HD Master Audio 5.1

La edición

Maravillosa la edición de gran calidad en cuanto a su presentación con gran número de accesorios y además slipcover en esta edición coleccionista.

Precio 26,99 €

Características técnicas

Contenido 2 Discos

Presentación Digipak con funda

Imagen 2.39:1 1080i

Audio Euskera - DTS-HD Master Audio 5.1

Castellano - DTS-HD Master Audio 5.1

Euskera - LPCM 2.0

Castellano - LPCM 2.0

Castellano/euskera para invidentes - Dolby Digital 2.0

Subtítulos Euskera, Castellano, Gallego, Inglés, Euskera para sordos, Castellano para sordos

Precio 26,99 €

Extras

Blu-ray de la película

Audiocomentarios del director en Castellano y en Euskera.

Blu-ray de extras

Making of.

Breakdown de VFX.

Cómo se hizo: Los grabados de Gaua.

Video: Construcción del bosque.

Fotos rodaje.

Galería de fotos.

Galería arte conceptual.

Storyboard.

Time lapses de maquillaje.

Teaser VO y VOSE.

Tráiler VE, VO y VOSE.

Valoración Global

[accordion]

Calidad de imagen 8.0

Rica en colorido pero mejorable.

Calidad Sonora 9.5

Impecable y contundente.

Contenido extra 9.5

Otro punto a su favor.

La edición 9.5

Gran presentación rica en extras tanto dentro del disco como fuera.

La Henryteca del Cine

Send Help; Análisis del combo UHD + Bluray

La imagen

El sonido

La edición

Características técnicas

Valoración Global

Galería de imágenes

Fuente; Divisa Films

Scary Movie (2026): Reutilizando la misma fórmula una y otra vez

Valoración:

Fuente Imágenes: Paramount Pictures

La escalera de Jacob

La imagen

El sonido

La edición

Características técnicas

Valoración Global

Galería de imágenes

Fuente; Divisa Films

Backrooms: El terrorífico espacio liminal

Trailer:Fuente Imágenes: Elástica Films

He-Man y los Másters del Universo: Desafio en Eternia

Valoración:

Trailer:Fuente Imágenes: Sony Pictures Releasing

La silla; Un asiento un tanto incómodo

Valoración:

El drama; La incómoda sinceridad

Valoración:

Trailer:

Fuente Imágenes: Diamond Films

Soldado Universal; Análisis de la edición UHD 4k

La imagen

El sonido

La edición

Características técnicas

Valoración Global

Galería de imágenes

Fuente; Divisa Films

‘Spider-Noir’: el héroe más cansado de Marvel encuentra su mejor versión en las sombras

Valoración:

Fuente Imágenes: Amazon Prime Video

Love me tender: la maternidad como campo de batalla

Valoración:

Fuente Imágenes: BTeam Pics

Minority Report; Edición especial Steelbook 4k + Bluray

La imagen

El sonido

La edición

Características técnicas

Valoración Global

Galería de imágenes

Fuente; 20th Century Fox / Divisa Films

28 Años después: El templo de huesos; Análisis de la edición combo 4k / Bluray

La imagen

El sonido

La edición

Características técnicas

Valoración Global

Galería de imágenes

Fuente; Sony Pictures / Arvi Licensing

Boogie Nights; Edición combo 4k y Bluray

La imagen

La restauración en 4K ofrece una fidelidad visual impresionante, manteniendo el grano cinematográfico original de la cinta y mejorando notablemente la profundidad de los colores y el contraste en las escenas interiores y nocturnasImagen 2.35:1 4K (2160p)HDR HDR10

El sonido

La pista de audio ha sido remasterizada para ofrecer una mayor claridad en los diálogos y un rango dinámico más amplio en su icónica banda sonora setentera, fundamental para el ritmo de la películaAudio Inglés - DTS-HD Master Audio 5.1Castellano - Dolby Digital 5.1Alemán - Dolby Digital 5.1

La edición

Características técnicas

Valoración Global

Galería de imágenes

Fuente; Divisa Films

Ahora me ves 3; Análisis de la edición especial Steelbook

La imagen

Muy buena en lo visual, imagen brillante y nítida.Imagen 2.39:1 4K (2160p)

El sonido

Grandisimas pistas sonoras potentes y bien ecualizadas.Audio Inglés - DTS-HD Master Audio 5.1Castellano - DTS-HD Master Audio 5.1

La edición

Características técnicas

Valoración Global

Galería de imágenes

Trailer:

Fuente Imágenes: Elástica Films

Trailer:

Fuente Imágenes: Sony Pictures Releasing

La restauración en 4K ofrece una fidelidad visual impresionante, manteniendo el grano cinematográfico original de la cinta y mejorando notablemente la profundidad de los colores y el contraste en las escenas interiores y nocturnas

Imagen 2.35:1 4K (2160p)
HDR HDR10

Muy buena en lo visual, imagen brillante y nítida.

Imagen 2.39:1 4K (2160p)

Grandisimas pistas sonoras potentes y bien ecualizadas.

Audio Inglés - DTS-HD Master Audio 5.1
Castellano - DTS-HD Master Audio 5.1

Muy buena en lo visual, echamos en falta una opción 4k, este tipo de películas brillan especialmente en ese formato.

Imagen 2.39:1 1080p

Gran implementación sonora.

Audio Inglés - DTS-HD Master Audio 7.1
Castellano - DTS 5.1
Catalán - DTS 5.1

Trailer:

Fuente Imágenes: Disney Pictures

Trailer:

Fuente Imágenes: Universal Pictures

Muy buena en lo visual, ambos formatos 4k soportados.

Imagen 2.39:1 4K (2160p)
HDR HDR10 / Dolby Vision

Gran implementación sonora.

Audio Inglés - Dolby Atmos
Castellano - Dolby Digital Plus 7.1

No es la mejor calidad de imagen, además de no ser 4k es incluso imagen entrelazada.
Imagen 2.39:1 1080i

Gran pista sonora.

Castellano - DTS-HD Master Audio 5.1