La Henryteca del Cine

Digger: Sed testigos del fin del mundo

2026-10-01T15:30:00.000+02:00

Escrito por John Doe

En “Digger” (2026), el hombre más poderoso del mundo se embarca en una misión frenética para demostrar que es el salvador de la humanidad antes de que el desastre que él mismo ha desencadenado lo destruya todo.

El mundo se está acabando. El mundo se va a la mierda. Muchas películas se han hecho sobre esta cruda y dura realidad, pero pocas se han atrevido a criticar las personas que han sido responsables del mismo suceso, con una perspectiva directa y sin tapujos. A lo bote pronto, recientemente podemos hablar de “Okja” (2017), con una mirada claramente medioambiental, o “No mires arriba” (2021), que apostaba por usar la comedia para adentrarnos en una reflexión sobre el fin de nuestros tiempos a nivel de los poderosos. Esta semana, la nueva obra del director mejicano Alejandro González Iñárritu, “Digger”, llega a nuestras pantallas para ofrecernos una nueva propuesta crítica sobre los tiempos que vivimos… y los que podríamos vivir.

El guion de la película ha sido construido a ocho manos, sin incluir que la historia original incluía, incluso a una quinta persona, Jez Butterworth. El propio director del film, Alejandro González Iñárritu, escribe junto a Alexander Dinelaris, quién escribió junto a él “Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia)” (2014), Nicolás Giacobone, responsable también de la película mencionada y otros films del director mejicano como “Biutiful” (2010) o “Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades” (2022), y Sabina Berman, quien debuta como colaboradora de Iñárritu, pero tiene experiencia escribiendo para Arturo Ripstein o Christian Keller films como “La tía Alejandra” (1980) o “Gloria” (2014). Es complicado hablar del guion de la película sin destripar mucho su historia, incluso al principio del film hay un mensaje pidiendo que no se hable de sus secretos a los demás, invitándoles a ir a verla para descubrir la experiencia por ellos mismos.

La trama empieza con el magnate del petróleo Digger Rockwell despertando en su mansión y encontrándose con que una de sus petrolíferas en Groenlandia ha provocado un desprendimiento de un iceberg gigantesco, que se acerca peligrosamente hacia Europa, amenazando con acabar con la vida de millones de personas, y tiene que encontrar una manera de lidiar con la situación. Es un punto de partida muy interesante y la construcción del personaje de Digger, que parece salido totalmente de “¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú” (1964), hace que sintamos una increíble curiosidad (que no empatía) por saber cómo actuará el egoísta, desvergonzado y cruel multimillonario. A partir de ahí, la película es un total descenso hacia los infiernos de un personaje cruel que toma las peores decisiones posibles pensando sobre su persona y su fortuna por encima del bien común. Decenas de personajes desfilan por la pantalla, cada uno más caricaturesco que el anterior, para demostrar que, aunque exista gente con buen corazón e intenciones, no son nada si por encima tienen personas sin escrúpulo alguno que están dispuestas a ignorarles y provocar el efecto contrario. Es una película valiente y no tiene ningún temor a tirarnos en cara todas las malas decisiones que hemos tomado, como sociedad, para cargarnos el mundo en el que habitamos, sabiendo que podríamos haberlo habitado.

Aunque el código del film sea mayoritariamente comedia, su afán por estirar a sus personajes hacia el extremo hace que se tambalee en una fina línea entre la crítica ácida y la parodia más absurda. Además, es muy reiterativa y cuando se repite el mensaje una y otra vez al final puede crear una desconexión con el espectador, especialmente cuando dicho mensaje interpela a las propias personas que lo están contemplando. Eso sí, el tramo final del film es un ejercicio de metacine crítico que funciona estupendamente dentro del conjunto y hará salir reflexionando de la sala a más de una persona que haya conectado con su propuesta, a la vez que alejará a mucha otra gente que haya encontrado el film una burla estúpida y de proporciones desmedidas. Es, sin duda una apuesta muy arriesgada por parte de guion y dependerá de cada uno decidir si entre o no en su juego. Al menos, podemos agradecer el intento de hacer algo tan fresco y difícil.

Tom Cruise es la absoluta estrella del film. Caracterizado de una forma bastante impresionante, el actor conocido por films como la saga “Misión imposible” (1996-2025), “Top Gun (Ídolos del aire)” (1986), “Minority Report” (2002) o “El último samurái” (2023); interpreta el magnate Digger Rockwell. Cruise se acerca más a su interpretación en “Tropic Thunder, ¡una guerra muy perra!” (2008), dónde daba vida al irreverente Les Frossman, un poderoso ejecutivo con aires de superioridad y bastante caricaturesco, acercándose peligrosamente a la sobreactuación digna de las peores películas del amado Nicolas Cage. Aun así, Tom parece encontrar un equilibro bastante bueno entre la exageración y el retrato de personaje avaricioso, ignorante y cruel, ofreciendo la que sea, posiblemente, una de las mejores interpretaciones de su carrera, depende de cómo se mire y, a la vez, una de sus peores.

Muchos espectadores encontraran su Digger pasadísimo de vueltas, aunque es algo que viene marcado por guion y con sentido dentro de la misma obra, pero si se dejan llevar por el tono cómico y ácido del film, podrán encontrar una interpretación brillante, muy divertida cuando se lo permite y totalmente irreverente (¡ese discurso en la ONU!) que demuestra que el actor neoyorkino, a sus 64 años, aun tiene mucho por decir. Otro actor que también está estupendo, a su manera, es John Goodman. A Goodman lo conocemos por películas como “El gran Lebowski” (1998), “Argo” (2012) o “Calle Cloverfield 10” (2016). Goodman está divertidísimo interpretando al presidente de los Estados Unidos Compson. Su personaje está en constante decadencia y tiene una presencia arrolladora, por lo que es muy importante encontrar el equilibrio entre la comedia y el miedo que imbuye su personaje, especialmente en la primera mitad del film, y Goodman lo borda estupendamente. Sin duda, una interpretación que dará mucho que hablar en la temporada de premios.

Riz Ahmed, conocido por la comedia “Four Lions” (2010), la cruda miniserie “The Night Of” (2016) o la estupenda “Sound of Metal” (2019), da vida al pobre científico Dr. Ganesh. Ganesh es el responsable medioambiental de la compañía de Digger y tiene la mala suerte de contar todos los detalles de las catástrofes que van sucediendo, intentando aguantar el temple ante el egoísmo imperante de las altas esferas, hasta que se entrega totalmente a la desgracia. Ahmed brinda una muy buena interpretación y sirve como el contrapunto empático del film que funciona estupendamente. Podemos estar horas comentando el inacabable casting, pero por el film pasan rostros de la talla de Sandra Hüller, Michael Stuhlbarg, Jesse Plemons o Emma D'Arcy, mucho más cometidos que sus allegados, pero a la vez divertidos y con interpretaciones bastante buenas.

Cómo ya comentábamos, el film viene dirigido por Alejandro González Iñárritu. Iñárritu ha dirigido obras de verdadero culto como “Amores Perros” (2000), “21 gramos” (2003), “Babel” (2006) o “El renacido” (2015). A lo largo de los años ha ido desarrollando un estilo propio que lo ha caracterizado y en “Digger” es uno de los sitios donde más se acentúa. La película tiene un claro planteamiento. En todo momento filma a sus personajes con planos algo contrapicados, deformando los cuerpos de ricos, poderosos y otros seres de las altas esferas, haciéndonos ser partícipes de la acción sintiéndonos como si fuéramos pequeñas hormigas a la merced dichos individuos que pueden decidir sobre nuestro futuro. Es una apuesta arriesgada, pero la mantiene perfectamente durante casi todo el metraje del film, solo rompiendo la perspectiva cuando algunos personajes de clase baja aparecen, dominados y sentenciados por las decisiones del propio Digger. Además, Alejandro opta por planos muy cerrados cuando sus caricaturas empiezan a tomar decisiones fatales, como sugiriendo que no podemos escapar de dicho mundo, aunque quisiéramos, siendo engullidos por estos seres sin empatía. Dicha apuesta se rompe, en la mayoría de los casos, para ridiculizar a los mismos personajes en grandes set pieces y decorados perfectamente medidos, cegados por su avaricia, ofreciendo una comedia con planos super abiertos que los hace parecer simples monigotes haciendo pantomimas. Una apuesta difícil pero que casa muy bien con el tono y el mensaje de la misma.

Tras ganar los Oscar a Mejor Fotografía por “Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia)” y “El renacido”, Emmanuel Lubezki vuelve a colaborar, una vez más, con su colega mejicano para fotografiar su película. Lubezki también es conocido por fotografíar films como “La princesita” (1995), “Sleepy Hollow” (1999), “El nuevo mundo” (2005), “Hijos de los hombres” (2006), “El árbol de la vida” (2011) o “Gravity” (2013), trabajo por el que ganó también un Oscar. Aunque la cámara se mueva poco en esta ocasión, los movimientos están muy medidos mediante grúas o railes y no hay mucha cámara en mano, solo en las contadas ocasiones donde la trama se rompe. La iluminación está sumamente cuidada y juega un papel esencial para adentrarnos en la fantasía presentada y romperla cuando la ocasión lo requiera. El color es interesante. Normalmente el color en los trabajos de Emmanuel es vívido y tiene una pátina como de ensueño. En “Digger”, la apuesta está en hacerla lo más fea y real posible, asemejando su imagen a los films grises y desalmados que han ido apareciendo en los últimos años, acercando el film lo más posible a la realidad, aunque eso genere rechazo, ya que es totalmente la intención de la película.

El diseño de producción es bastante impresionante.

La película trascurre en muchos escenarios ficticios que han sido cuidadosamente fabricados en sets. Desde la opulente mansión de Digger a la sede de la ONU en Europa o incluso el interior del Air Force One. Todo tiene una construcción intencionadamente teatral, como si viviéramos en una gran representación de la que no podemos ser partícipes y solo observar. Cómo ya apuntábamos, todos los elementos han sido cuidadosamente colocados para crear composiciones ajustadas por el director, con elementos prácticos que crean una comedia física entre absurda y genial. Los diseños de vestuario, maquillaje y peluquería crean unos personajes super alocados pero que tienen un sentido propio dentro del film. Digger es una caricatura perfecta de un magnate tejano con el vestuario que le caracteriza. La decadencia del Presidente ofrece una visión ridícula del mismo e incluso hay una progresión en los personajes secundarios. Finalmente, el equipo de efectos prácticos denota un amor enorme para hacer de la película lo más física posible, con elementos de paisaje que explotan o incluso un gato robot de lo más divertido y asqueroso. Todo combina perfectamente con los efectos digitales añadidos y hacen que pasen lo más desapercibidos posible.

Finalmente, la banda sonora ha sido compuesta por el joven músico Cosmo Sheldrake. Sheldrake debuta en el largometraje de ficción, aunque ya había participado en la música de los documentales “Descending the Mountain” (2021) y “Where Is Heaven?” (2023). Sheldrake apuesta por unas composiciones muy minimalistas para “Digger”, ofreciendo pequeñas notas que recalcan la tensión de la situación y que solo explotan a medida que el problema va creciendo, pasando de pequeños pianos e instrumentos de cuerda a rebotes de enormes instrumentos de viento y tambores que recuerdan un poco a las composiciones de Hans Zimmer. No hay una búsqueda para emocionar ni distraer al espectador con las melodías, sino que apuesta por dejar hablar a los personajes (y hablan mucho) y hacer que sean sus acciones las que marquen la tonalidad del film. Una apuesta muy acertada, aunque eso no haga lucir al músico inglés, cosa que le honra.

En definitiva, “Digger” es una apuesta arriesgadísima que critica sin tapujos no solo a las grandes esferas, su afán de riqueza por encima de todo y su ignorancia sobre los problemas medioambientales y sociales del mundo, sino también a nosotros, simples espectadores, que decidimos estar de acuerdo por seguir teniendo nuestras comodidades. Una comedia ácida brillantemente o desastrosamente interpretada y dirigida que camina peligrosamente entre la genialidad y el bochorno y que dividirá, sin duda, a gran parte de su audiencia.

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##check## Lo bueno

El guion no tiene miedo a decir todo lo que piensan sus responsables, para bien o para mal.
Cruise brinda una de las mejores (o peores) interpretaciones de su carrera y se disfruta.
Una apuesta de dirección con un claro mensaje.

##times## Lo malo

El constante interpelo a la audiencia puede generar mucho rechazo.
Las interpretaciones rozan tanto la sobre exageración que pueden incomodar.
Explotan, quizás demasiado, el recurso del gato de Digger.

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Ambientación 8.0

Decorados perfectamente construidos con una apuesta teatral.

Desarrollo de Personajes 7.0

Hay una evolución en el cruel Digger que resulta satisfactoria a la vez que incomoda por su final.

Argumento / Guión 8.5

Generará mucho debate, pero si entras en su propuesta es muy buena crítica a la sociedad actual.

Banda Sonora 6.5

Aunque sea muy minimalista casa perfectamente con el conjunto y es bella.

Entretenimiento 7.5

Se basa mucho en largas conversaciones, pero lo estrambótico de las situaciones las hacen sumamente entretenidas.

Montaje / Innovación técnica 8.0

Una apuesta arriesgadísima que se agradece enormemente. Si entras en su propuesta es genial, sino te genera mucho rechazo.

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Puntuación Total 8 / 10

Fuente Imágenes: Warner Bros España

Pack Predator; Edición especial 4 películas

2026-10-01T14:30:00.000+02:00

Por Enrique Bellón.

La saga de ciencia ficción y acción espacial por excelencia regresa al mercado doméstico en una pack recopilatorio definitivo de alta calidad visual. El Pack "Predator: Colección 4 Películas" nos permite revivir las cacerías del extraterrestre más letal del cine a través de sus cuatro entregas cinematográficas principales: desde el clásico original de culto de John McTiernan hasta la desatada visión de Shane Black, pasando por la selva urbana noventera y el lejano planeta de caza. Distribuido en nuestro país por Divisa Films (20th Century Studios), este pack es una adquisición obligatoria para hacer rugir los altavoces y poner a prueba los televisores 4K.

La colección abarca las cuatro sangrientas batallas de la franquicia:

Depredador (1987): El mayor Alan "Dutch" Schaefer (Arnold Schwarzenegger) y su comando de élite se enfrentan a un cazador invisible e imbatible en la jungla centroamericana.
Depredador 2 (1990):La cacería se traslada a la calurosa y violenta selva de asfalto de Los Ángeles, donde el teniente Mike Harrigan (Danny Glover) descubre que la criatura ha vuelto.
Predators (2010): Un grupo de mercenarios y asesinos de élite capitaneados por Royce (Adrien Brody) son lanzados a un planeta alienígena utilizado como reserva de caza privada por una nueva raza de Depredadores.
The Predator (2018):Los cazadores más mortíferos del universo regresan más fuertes e inteligentes tras genéticamente mejorarse con ADN de otras especies.

La imagen

El comportamiento de las transferencias nativas a las 2160p en este pack varía según la época de cada producción, pero ofrece una calidad global formidable. La primera entrega luce una restauración 4K sensacional que eliminó el agresivo filtro DNR de pasadas ediciones en Blu-ray, recuperando el grano cinematográfico orgánico de la cinta. El uso del HDR10 y Dolby Vision potencia drásticamente la visión térmica de las criaturas, el verdor de la vegetación, las explosiones y los fluidos de sangre alienígena, manteniendo un nivel de detalle en las sombras y un contraste sobresaliente en las cuatro películas.

Imagen: 1.85:1 / 2.39:1 (según película) 4K (2160p)

HDR: Dolby Vision / HDR10

El sonido

El apartado sonoro es una auténtica fiesta de graves y efectos envolventes. La pista original en inglés de la entrega de 2018 se presenta en un espectacular Dolby Atmos, mientras que las entregas clásicas cuentan con imponentes mezclas en formato DTS-HD Master Audio 5.1 que sacan un partido brutal al inconfundible chasquido del cazador, los disparos de plasma y la icónica música instrumental de Alan Silvestri. Por su parte, los doblajes en castellano cuentan con pistas DTS 5.1 / DTS-HD MA que destacan por una excelente limpieza en los diálogos y una pegada atronadora.

Audio:

Inglés - Dolby Atmos / DTS-HD Master Audio 5.1 (según película)

Castellano - DTS 5.1 / DTS-HD Master Audio 5.1

Francés - DTS 5.1 / DTS-HD Master Audio 5.1

Alemán - DTS 5.1 / DTS-HD Master Audio 5.1

La edición

Una presentación en estuche estuche múltiple de grosor especial (Fattay) protegido por una elegante funda de cartón (Slipcase) que reúne un total de 8 discos: 4 discos Ultra HD Blu-ray con las películas en 4K y 4 discos Blu-ray estándar con sus equivalentes en alta definición y los materiales adicionales de cada filme.

Precio: 59,99 €

Características técnicas

Ultra HD Blu-ray + 4 Discos Blu-ray (Pack 4 Películas) |

Imagen: 1.85:1 / 2.39:1 4K (2160p) |

HDR Dolby Vision / HDR10

Audio: Inglés - Dolby Atmos / DTS-HD MA 5.1

Castellano - DTS 5.1 / DTS-HD MA 5.1

Alemán - DTS 5.1 / DTS-HD MA 5.1

Francés - DTS 5.1 / DTS-HD MA 5.1

Subtítulos: Castellano, Inglés para sordos, Francés, Alemán, Italiano, Holandés |

Precio: 59,99 €

Valoración Global

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Calidad de imagen 9.0

Una colección impresionante a nivel visual. Salvar la película original del desastre del filtro antiguo y devolverle su grano cinematográfico en 4K nativo es un triunfo absoluto. El tratamiento del color con HDR10 y Dolby Vision en todas las películas es impecable.

Calidad Sonora 9.0

Mezclas potentes y dinámicas en todas las entregas. La espacialidad del sonido de las armas de fuego y la icónica banda sonora suenan con una nitidez y un empaque de graves que llenan la sala por completo.

Contenido extra 8.5

Al recopilar los discos Blu-ray completos con todo su material pretérito, la cantidad de comentarios de audio, documentales sobre el diseño de Stan Winston y escenas eliminadas convierten al pack en un archivo fundamental de la saga.

La edición 8.5

Un pack recopilatorio con una relación calidad-precio excepcional por disco. Reunir en una única caja las cuatro entregas principales en Ultra HD Blu-ray es la mejor manera de disfrutar de la franquicia de ciencia ficción en formato físico.

Galería de imágenes

Fuente: 20th Century Studios / Divisa Films

Scream 7: Análisis de la edición Steelbook UHD

2026-09-30T14:30:00.000+02:00

Por Enrique Bellón.

La esperada edición en caja metálica (Steelbook) 4K Ultra HD + Blu-ray de "Scream 7" (Scream 7: Las Reglas de la Masacre), el regreso de Neve Campbell en el papel de Sidney Prescott bajo la dirección del guionista original Kevin Williamson, distribuida en España por Divisa Films (bajo el sello de Paramount Pictures).

El slasher por excelencia del cine de terror moderno regresa al formato doméstico por la puerta grande. "Scream 7" marca el esperado y definitivo retorno de la reina del género, Sidney Prescott, en una sangrienta entrega que vuelve a poner patas arriba las reglas de las sagas de terror. La película debuta en una codiciada edición limitada en estuche metálico (Steelbook) que exprime al máximo las capacidades del formato 4K UHD, permitiendo apreciar la nitidez, los encuadres de suspense y las brutales secuencias de acción con una calidad técnica de referencia. Arvi Licensing es la encargada de traer esta joya de coleccionista a nuestras estanterías.

Años después de lograr una aparente tranquilidad lejos de las sombras de Woodsboro, Sidney Prescott (Neve Campbell) se ve obligada a enfrentarse nuevamente a sus peores pesadillas cuando una nueva y despiadada encarnación de Ghostface comienza a sembrar el pánico en su círculo más cercano. Con las reglas de los "retornos de franquicia" y los "finales de trilogía" más impredecibles que nunca, Sidney deberá unir fuerzas con viejos conocidos y nuevos supervivientes para desenmascarar al asesino antes de que el recuento de víctimas se cobre la sangrienta factura definitiva.

La imagen

La transferencia nativa a 2160p ofrece una fidelidad visual deslumbrante que respeta la textura cinematográfica orgánica de la producción. La combinación de la resolución 4K con la tecnología Dolby Vision eleva las secuencias nocturnas y de penumbra a un nivel superior: los negros son densos, profundos y milimétricos, mientras que el contraste en los brillos de la hoja del cuchillo y la vibrante intensidad del color de la sangre destacan con una tridimensionalidad y nitidez orgánica fascinantes.
Imagen: 2.39:1 4K (2160p)
HDR: Dolby Vision / HDR10

El sonido

El apartado sonoro es un espectáculo inmersivo diseñado para poner a prueba los nervios del espectador. La pista original en inglés viene masterizada en un sobrecogedor Dolby Atmos que aprovecha los canales de altura para recrear el crujir de los suelos, los susurros de la voz del asesino al teléfono y los bruscos sobresaltos con una direccionalidad pasmosa. Por su parte, el doblaje en castellano cuenta con una potente pista en formato DTS-HD Master Audio 5.1 que destaca por una impecable nitidez vocal en los diálogos y una pegada contundente en la banda sonora de suspense.

Audio:
Inglés - Dolby Atmos (Dolby TrueHD 7.1 compatible)
Castellano - DTS-HD Master Audio 5.1
Alemán - Dolby Digital 5.1
Francés - Dolby Digital 5.1

La edición

Una presentación de auténtico lujo en estuche metálico (Steelbook) de tirada limitada. El acabado exterior destaca por un diseño minimalista e impactante centrado en la renovada máscara de Ghostface y el icónico teléfono rojo, incluyendo en su interior tanto el disco Ultra HD Blu-ray con la película en 4K como el disco Blu-ray en alta definición y los contenidos adicionales de la edición.
Precio: 32,95 €

Características técnicas

Contenido Ultra HD Blu-ray + Blu-ray (Caja Metálica Steelbook)
Imagen 2.39:1 4K (2160p)
HDR Dolby Vision / HDR10
Audio
Inglés - Dolby Atmos
Castellano - DTS-HD Master Audio 5.1
Alemán - Dolby Digital 5.1
Francés - Dolby Digital 5.1
Español latino - Dolby Digital 5.1

Subtítulos Castellano, Inglés para sordos, Francés, Alemán, Español latino, Holandés, Danés, Finés, Noruego, Sueco
Precio 32,95 €

Extras

(Todos los contenidos adicionales se incluyen en el disco Blu-ray complementario)
El regreso de Sidney Prescott (Así se hizo): Un completo documental centrado en el retorno de Neve Campbell a la franquicia y el debut de Kevin Williamson tras las cámaras como director (18 min).
Nuevas reglas, nuevos cuchillos: Un análisis detallado de la deconstrucción del género slasher que plantea esta entrega y las complejas coreografías de las escenas de los asesinatos.
La voz del terror: Entrevista entre bambalinas con Roger L. Jackson sobre la evolución y grabación de la inolvidable voz telefónica de Ghostface.
Comentario de audio del director Kevin Williamson y el equipo de producción.
Escenas eliminadas y tomas falsas (12 min).

Valoración Global

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Calidad de imagen 9.5

Una transferencia 4K nativa formidable. La profundidad que otorga el Dolby Vision en las escenas de persecución a oscuras y el nivel de detalle en los vestuarios y maquillajes convierten al disco en una maravilla técnica.

Calidad Sonora 9.5

LLa mezcla original en Dolby Atmos es una auténtica clase magistral de diseño de sonido en el terror, mientras que la pista DTS-HD MA en castellano ofrece una contundencia sobresaliente en los momentos de mayor tensión.

Contenido extra 8.5

Contar con el audiocomentario de Kevin Williamson y reportajes enfocados en el regreso del reparto original hace que esta sección sea sumamente disfrutable para los amantes de la saga.

La edición 9.5

Paramount y Divisa nos brindan un lanzamiento redondo. El acabado del estuche metálico y la intachable calidad audiovisual hacen de este Steelbook una compra obligada para culminar la colección de la saga en formato físico.

Galería de imágenes

Fuente; Divisa Films

Cobertura Festival de San Sebastián 2026 (74 Edición)

2026-09-29T20:00:00.000+02:00

Un año más (y van 10) viajamos a Donosti para cubrir el Zinemaldi, se trata del Festival Internacional de cine de San Sebastián en este caso en su 74 Edición de 2026, una semnana donde la capital vasca se convierte en el centro neurálgico del cine patrio y europeo, veamos como ha sido la aventura y procedamos a desgranar estos días en que la ciudad se envuelve y empapa de cine y sus protagonistas.

Películas:

The Housewife

Nueva York, 1964. Joseph Lelyveld (Tye Sheridan), un joven y ambicioso periodista del New York Times, recibe una pista tras las investigaciones del famoso cazador de nazis Simon Wiesenthal: un antiguo oficial nazi responsable de atrocidades durante la Segunda Guerra Mundial vive oculto en un tranquilo barrio residencial de Queens. The Housewife (2026) es un thriller dramático de suspense psicológico basado en hechos reales, dirigido por Ben Shirinian y protagonizado por Naomi Watts junto a Tye Sheridan y Luke Evans.

Al investigar a la familia, Joseph entabla relación con Hermine Ryan (Naomi Watts), una encantadora ama de casa de origen austriaco perfecta y devota, aparentemente ajena a cualquier sospecha. Sin embargo, a medida que el periodista se adentra en la vida del matrimonio, la investigación da un giro inquietante: la fachada de ama de casa ejemplar esconde una escalofriante dualidad y un pasado atroz cometido durante el Holocausto, lo que pondrá a prueba la integridad periodística y moral del joven reportero.

Naomi Watts presentó el filme en el marco del certamen y fue una de las grandes figuras de la edición (recibiendo además el prestigioso Premio Donostia por su trayectoria). Pero si hablamos de la película nos encontramos ante una historia que sólo se sustenta en base a la actuación de Watts como una ama de casa al comienzo inocente y luego no tanto junto a la investigación periodística con falta de emoción.

La historia es conocida y su ejecución si bien entretenie no tiene mayor brillo, siendo dentro de su género muy inferior a la que podría ser referente del género, "La caja de música", siendo una película que se deja ver pero que no sorprende y que sirve como un impulso para poder entregar el premios Donostia a Naomi Watts.

Puntuación: 6.5

5 Minutos más

Una pareja en plena crisis de relación decide alquilar una casa rural aislada en el campo para intentar solucionar sus problemas. Al llegar, se reúnen con el agente inmobiliario que les muestra la vivienda y les hace entrega de las llaves. Sin embargo, justo antes de que el encargado los deje solos, ocurre un evento inexplicable: el tiempo salta hacia atrás exactamente 5 minutos. A partir de ese instante, no solo ellos sino el mundo entero quedan atrapados en un bucle temporal sin fin donde las 18:35 vuelven inevitablemente a ser las 18:30. Atrapados en una repetición constante y caótica, la pareja y el agente deberán lidiar con el colapso de la realidad, sus propios miedos y la angustia de estar condenados a vivir los mismos cinco minutos una y otra vez.

5 minutos más (2026) es un thriller de ciencia ficción con toques de comedia negra y terror concebido por Berto Romero, dirigido por Javier Ruiz Caldera (Superlópez, Anacleto: Agente secreto) y protagonizado por Javier Cámara, Berto Romero y Belén Cuesta. La película se ha presentado en la Sección Oficial de la 74.ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián (2026), destacando por su ambiciosa apuesta formal construida a base de planos secuencia en bucle, rodados de manera individual como plano-secuencia.

Nosotros pudimos visionar la película y asistir a la rueda de prensa y constatar que se trata de una interesante vuelta de tuerca a los viajes en el tiempo, Berto Romero firma un guion sorprendente y sólido que además es respaldado por un gran trabajo de dirección y actores. Una película llena de evolución de personajes, crítica social y humor negro donde de una manera casi teatral la historia desprende emoción y acción. Una de las mejores y mayores sorpresas del festival desde mi punto de vista y que no debeis perderos.

Puntuación: 8.0

Los miserables (2026)

Francia, primera mitad del siglo XIX. Tras cumplir 19 años de trabajos forzados por robar un trozo de pan, Jean Valjean (Vincent Lindon) sale en libertad condicional convertido en un paria. Redimido por la compasión de un obispo, Valjean decide romper su condicional y reconstruir su vida bajo una falsa identidad, llegando a convertirse en un próspero industrial y alcalde devoto. Sin embargo, su destino queda sellado por dos fuerzas opuestas: la implacable persecución del inspector Javert (Tahar Rahim), un hombre obsesionado con la ley estricta que lo busca sin descanso, y la promesa hecha a la moribunda Fantine de cuidar y proteger a su joven hija, Cosette. A través de décadas de agitación política, miseria social y la sangrienta rebelión de junio en París, la historia entrelaza la búsqueda de justicia, el amor filial y la redención en una Francia al borde de la revolución.

Los Miserables (Les Misérables, 2026) es una nueva apuesta cinematográfica del clásico inmortal de Victor Hugo, dirigida por el cineasta francés Fred Cavayé y protagonizada por un reparto estelar encabezado por Vincent Lindon como Jean Valjean y Tahar Rahim como el inspector Javert. La película ha tenido su estreno mundial en la Sección Oficial a Concurso de la 74.ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián (2026), destacando como una de las producciones europeas más ambiciosas del año por su fidelidad al texto literario original y un enfoque visceral y realista.

Nos encontramos ante la que posiblemente sea la más fiel y realista adaptación del libro de Victor Hugo, una superproducción impecable en realización que se toma pocas libertades creativas, esa que es su fortaleza también es en parte su debilidad, pues poco aporta a los que somos algo seguidores de esta gran historia. En lo técnico y actoral nos hayamos ante una obra redonda, donde se respira el ambiente de la época y unos personajes realmente sólidos, casi 3 horas de metraje que se pasan volando y que son realmente recomendables, no alcanza el sobresaliente por ser una historia tantas veces vista.

Puntuación: 8.5

La bola negra

"La bola negra" entrelaza las vidas de tres hombres en tres épocas distintas. Sus historias están unidas de forma transversal por el deseo, la represión de la sexualidad, la herencia del dolor y la memoria histórica homosexual en España. El eje conceptual de la trama nace del encuentro de dos fuentes literarias:La obra inacabada de Lorca: Federico García Lorca dejó escritas apenas unas cuatro páginas de una obra dramática incompleta titulada La bola negra, en la que abordaba abiertamente la homofobia y la marginación.

Basado parcialmente en 'La piedra oscura', el texto teatral escrito por Alberto Conejero que explora la figura de Rafael Rodríguez Rapún, militar y uno de los últimos amores de Lorca durante la Guerra Civil. A través de esta premisa, la película no se plantea como un biopic tradicional sobre Lorca, sino como una reflexión sobre la vivencia, el trauma generacional y la necesidad de seguir viviendo a pesar del sufrimiento histórico.

Principalmente agradezco y destaco especialmente la valentía con la que aborda un tema tan complejo y por su mensaje de resonancia humana, siendo una obra fundamental para quienes hayan sufrido persecución o coacción en la libre expresión de su sexualidad. Así mismo tiene un impacto visual y dramático en su parte final que deja huella, si bien las historias (en especial la contemporanea) tiene desigual fuerza. Sin embargo nos encontramos ante una propuesta sólida y notable que merece el visionado y cuya evolución en sus directores les puede llegar a alcanzar cotas muy grandes en este mundo del cine, teneis nuestra reseña completa aquí.

Puntuación: 8.5

Sacamantecas

Sacamantecas (2026) es un crudo thriller histórico de época y suspense psicológico dirigido por David Pérez Sañudo (Ane) y protagonizado por Antonio de la Torre junto a Patricia López Arnaiz. Su estreno se ha llevado a cabo dentro de las Galas RTVE de la 74 edición del festival de cine de San Sebastián.

Álava, finales del siglo XIX. La comarca vive aterrorizada por una serie de macabras desapariciones y brutales asesinatos de mujeres y niños en los caminos rurales. En medio del pánico colectivo y la superstición popular que alimenta el mito del "hombre del saco", las sospechas recaen sobre Juan Díaz de Garayo (Antonio de la Torre), un humilde e insustancial campesino de aspecto inofensivo que esconde la personalidad del primer asesino en serie documentado en la historia de España.

Paralelamente, la investigación policial se cruza con la mirada de una de las primeras mujeres que intenta ejercer el periodismo de sucesos en la época (Patricia López Arnaiz), quien busca desentrañar si los crímenes son obra de un monstruo mitológico o el reflejo de la miseria, la violencia estructural y el colapso moral de una sociedad rural ahogada por la pobreza.

Además de contar una historia atractiva la película cuenta con un gran reparto y una ejecución técnica impecable, pero sin embargo adolece de una ejecución fria y distante, un preocupante problema de ritmo y ante todo una aproximación extraña a la historia que no es lo suficientemente artística ni comercial, una película que se queda en tierra de nadie y que se hace realmente pesada, dejando a sus protagonistas intentando salvarla, gracias a ello se deja ver pero poco más.

Puntuación: 5.0

Minotaur

Rusia, otoño de 2022. Gleb (Dmitriy Mazurov) es un próspero y frío director ejecutivo de una empresa de logística que vive con su mujer Galina (Iris Lebedeva) y su hijo adolescente en una lujosa casa acristalada. Su acomodada rutina se ve sacudida cuando las autoridades locales le exigen reclutar a 14 empleados de su propia plantilla para enviarlos al frente de batalla como cuota obligatoria de reclutamiento militar.

Mientras Gleb recurre a astutos vacíos legales y contrataciones ficticias para cumplir la cuota sacrificando a inocentes, sospecha que su esposa mantiene una relación extramatrimonial con un fotógrafo. A partir de ese momento, la doble crisis profesional y conyugal desencadena una historia mucho más oscura.

Minotaur es una película que se mueve entre el thriller y el drama con un trasfondo político. Una historia de crisis matrimonial en un entorno complicado, si bien se trata de una película bien planificada, su ritmo lento y su carencia de definición la lastran de una manera importante. Ninguna de las historias ni los personajes tienen el suficiente pero o carisma para atraernos de manera definitiva, eso nos lleva a que los casi 140 minutos de metraje se hagan eternos.

Además tenemos el problema de que la parte más política o reivindicativa pasa de puntillas, siendo tangente a la historia de la pareja y las complicaciones amorosas, que además tienen una frialdad y distancia de lo más curiosa, una verdadera pena.

Puntuación: 4.0

Ruega por Nosotras

Ruega por nosotras (2026) es un impactante drama histórico dirigido por Daniel Monzón (Celda 211, El niño, Las leyes de la frontera) con guion coescrito junto a su habitual colaborador Jorge Guerricaechevarría. La película ha tenido su estreno mundial dentro de las Proyecciones Especiales de la Sección Oficial (fuera de concurso) de la 74.ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián (2026).

España, años 70. Ana (Zoe Bonafonte) es una adolescente recluida por su propia familia en un centro del Patronato de Protección a la Mujer, una institución opresiva amparada por el régimen franquista y gestionada por órdenes religiosas para "reeducar" a jóvenes consideradas rebeldes, "extraviadas" o inmorales.

Nos encontramos ante la clásica película carcelaria en este caso con el transfondo del final de la dictadura y las relaciones entre niñas de telón de fondo. Unos personaje bien construidos e interesantes pero no demasiado desarrollados ni originales. Las actrices hacen un trabajo notable pero sin embargo el conjunto queda lejos de sus mejores trabajos, ya lejos queda la sorprendente "Celda 211".

Se trata en todo caso de un film interesante pero que no transgrede ningún límite, las protagonistas sufren de la represión de una institución hecha para castigarlas, no para reconducirlas. Mejora bastante en la parte final cuando las relaciones humanas de las amigas protagonistas suben de nivel, en resumen una propuesta simple y poco arriesgada.

Puntuación: 6.0

Hope

En la tranquila y remota localidad portuaria de Hopo Port, un misterioso descubrimiento en las afueras altera por completo la paz de la comunidad. Una criatura monstruosa y desconocida emerge sembrando el caos y amenazando con destruir todo a su paso. Este es el punto de partida de Hope una película de acción y ciencia ficción Coreana.

La narración entrelaza de forma vibrante tres frentes de desesperada lucha por la supervivencia: el jefe del puesto policial local (Hwang Jung-min), una decidida agente de policía (Jung Ho-yeon) y un experimentado grupo de cazadores (encabezados por Zo In-sung) que se adentran en el denso bosque sin saber que pasarán de ser los cazadores a las presas. A este caótico escenario se suma la irrupción de misteriosos forasteros internacionales (unos inidentificables Michael Fassbender y Alicia Vikander), desencadenando un conflicto implacable de escala cósmica cargado de tensión, acción pura y un toque de humor negro característico del director.

Nos encontramos ante casi 3 horas de película, sin embargo la primera hora es realmente una genialidad, con una introducción de la acción, los personajes y el humor. Nos encontramos ante un gran ejemplo del cine de acción y monstruos, que es realmente entretenida y pasa a toda velocidad.

Hope tiene una realización impecable y verdaderos momentos adrenalínicos. La realización técnica es magnífica, aunque algunas escenas bajan un poco el nivel pero es asumible. La única pega es su final, algo absurdo y fuera del resto de la historia, algo que no te esperas y no tiene sentido, por lo demás es pura diversión a vivir en una sala.

Puntuación: 7.5

La Invitación (The Invite)

Joe (Seth Rogen) y Angela (Olivia Wilde) son un matrimonio acomodado que atraviesa una apática crisis de pareja tras años de convivencia. Para romper la monotonía y calmar la tensión constante, Angela decide convocar a una cena informal en su piso a sus desinhibidos vecinos de arriba: Pina (Penélope Cruz) y Hawk (Edward Norton). Estamos ante una adaptación de la obra teatral de Cesc Gay "Sentimental" que llega dirigida por la propia Olvia Wilde.

Una película que sorprende por lo bien que funciona y lo bien que encajan todos los elementos en cada momento, con un elenco de actores perfectos en sus papeles. Sobresale especialmente Penélope Cruz que vuelve a moverse con soltura entre un elenco realmente notable. Lo que comienza como una reunión vecinal educada e incómoda se descontrola rápidamente cuando Pina y Hawk admiten sin tapujos su estilo de vida liberal, sus orgías periódicas y la intensa vida sexual que Joe y Angela escuchan a diario a través del techo. La velada deriva en una escalada de confesiones sin filtro, celos reprimidos, humor ácido y una insólita propuesta que pondrá a prueba los límites morales y los cimientos afectivos de ambas parejas.

Con un humor y un metraje muy ajustados la película se desarrolla de manera notable y nos deja disfrutar de unas actuaciones muy notables, como hemos citado. En cuanto a ejecución la propia Olivia Wilde dirige esta obra de teatro en formato de película y lo hace con soltura, sin complicaciones. Todo ello hacen que "La invitación" sea una propuesta muy recomendable.

Puntuación: 7.5

The man I love

The Man I Love (2026) es un intimista y delicado drama romántico de corte queer dirigido por el cineasta independiente estadounidense Ira Sachs (Passages, El amor es algo extraño). Ahora llega al festival de San Sebastián con un prometedor reparto y una historia intimista.

Nueva York, finales de la década de 1980. Jimmy George (Rami Malek) es un aclamado actor y creador de la escena teatral underground del Downtown neoyorquino. Tras atravesar graves complicaciones de salud derivadas del VIH/Sida que han afectado notablemente a su memoria y sus capacidades cognitivas, Jimmy intenta reincorporarse a la vida cotidiana y subirse de nuevo a los escenarios.

A través de un relato pausado y lleno de sensibilidad, la película acompaña a Jimmy en su frágil proceso de recuperación personal y artística. A su lado está Dennis (Tom Sturridge), su devota pareja y cuidador, y Brenda (Rebecca Hall), su hermana. Lejos de centrarse únicamente en el dolor de la epidemia, el filme explora la belleza, el deseo, la complicidad de los afectos y el impulso irrefrenable de seguir creando arte y amando aun en los momentos de mayor vulnerabilidad.

The Man I love es una de esas historias lentas que intenta transmitir la soledad y complejidad de su protagonista con sutileza. Lo cierto es que si bien el trabajo de Malek es notable, el resto de la película da la impresión de pretexto para su lucimiento, más que un relato con entidad propia. Esta historia de un actor/actriz conceptual cuyos demonios interiores y libertad sexual acaban destruyéndole así como todo lo que le rodea no acaba de ser más que una exhaltación de ese propio exceso, sin mayor profundidad, sólo se salva por el gran trabajo de su protagonista con un par de escenas brillantes.

Puntuación: 4.5

Fatherland

Fatherland (2026) es un depurado y sobrio drama biográfico e histórico dirigido por el aclamado cineasta polaco Paweł Pawlikowski (Cold War, Ida). Tras competir en la Sección Oficial del Festival de Cannes, la película se ha presentado en la Sección Perlak de la 74.ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián (2026), donde principalmente hemos podido valorar esta historia magnificamente actuada.

La historia nos ubica en Alemania, 1949, donde el celebre escritor y premio Nobel de Literatura Thomas Mann (Hanns Zischler) regresa a su país tras dieciséis años de exilio forzado en Estados Unidos para ser homenajeado en el marco del bicentenario de Goethe. Sin embargo, la nación a la que vuelve está destrozada y fracturada en dos bloques antagónicos bajo la sombra emergente de la Guerra Fría. Acompañado en un desafiante viaje por carretera por su hija Erika Mann (Sandra Hüller) —actriz, escritora y figura clave de la resistencia antinazi—, Thomas debe recorrer una patria llena de ruinas físicas y morales. A medida que cruzan las fronteras entre el Este y el Oeste, el viaje saca a la luz la profunda brecha ideológica y los rencores enquistados dentro de la propia familia Mann, obligando al autor a enfrentarse a las contradicciones de su papel como intelectual, la culpa colectiva de Alemania y la amarga imposibilidad del retorno al hogar.

Nos hayamos ante una película rodada en blanco y negro, que llama la atención por su sobriedad, los diálogos lentos y llenos de silencios donde poco a poco se va trabajando a la pareja protagonista. Ambos actores mantienen un gran nivel, y si bien la película funciona como crítica a la guerra, algo muy habitual en el director, pero no acaba de cuajar en cuanto a ritmo o emoción. Todo se siente algo elitista y poco cercano, no es como en otras de sus historias que uno se puede sentir identificado, correcta pero no sobresaliente.

Puntuación: 6.0

Glaxo

Glaxo (2026) es un drama de época, suspense y política dirigido por el galardonado cineasta argentino Benjamín Naishtat (Rojo, Puan). Basada en la aclamada novela homónima del escritor argentino Hernán Ronsino, la película ha competido en la Sección Oficial de la 74.ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián (2026). El filme explora la memoria fragmentada, las traiciones personales y la gestación del terrorismo de Estado en la Argentina de la segunda mitad del siglo XX a través de las vidas de un grupo de habitantes de un pueblo industrial.

En un pequeño y aparente pueblo de la provincia de Buenos Aires dominado por la sombra de una gran fábrica farmacéutica (Glaxo), la narración entrelaza cuatro épocas distintas (1959, 1966, 1973 y 1984) a través de los testimonios de cuatro personajes conectados por el deseo, el renor y la culpa. Nos encontramos ante un aparente thriller que nos muestra las diferencias de clases y el impacto de nuestras acciones.

Un grupo de jovenes, una pareja extraña acomodada y un triángulo amoroso sirven de acelerante para esta historia que se narra de manera visualmnente impecable, pero a la que le cuesta avanzar y lo hace de una forma irregular. Poca importancia tiene el trasfondo político y la historia tampoco es demasiado compleja, por lo que a pesar del buen trabajo de sus protagonistas la película no enamora.

Puntuación: 5.5

My father's shoes

My Father’s Shoes (Obuvkite na bashta mi, 2026) es un austero e intimista drama búlgaro dirigido por el cineasta Hristo Simeonov. Pudimos visionar la película en su estreno mundial en la Sección New Directors de la 74.ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián (2026) junto al elenco de la película. En su realización el film destaca por su aproximación sobria y observacional a los traumas familiares heredados y el duelo silenciado en el ámbito rural.

Mima (Valeria Varbanova) es una joven marcada por la ausencia prolongada de su padre y la relación con una madre distante e inflexible, Boyka (Tanya Shahova). La rutina de ambas se fractura cuando llega la noticia del fallecimiento del padre en el extranjero y su cadáver es trasladado de vuelta al pueblo natal, esto sirve de detonante para una historia llena de silencios y sensaciones, tal vez demasiado contemplativa.

No está mal ejecucada esta "My father's shoes" sin embargo se convierte en una historia muy simple, el reconocimiento de este hombre que les abandonó años atrás y la complejidad de asumir un pasado lleno de matices y rencores. Lo principal es la falta de dinamismo y el ritmo irregular que acaban lastrando de manera definitiva el conjunto.

Puntuación: 4.o

Wild horse nine

Wild Horse Nine (2026) es una mordaz sátira política y comedia negra escrita y dirigida por el aclamado cineasta y dramaturgo británico-irlandés Martin McDonagh (Almas en pena de Inisherin, Tres anuncios en las afueras, Escondidos en Brujas), una nueva historia llena de humor negro y grandes actores.

Tras su aclamado paso por el Festival de Venecia —donde John Malkovich conquistó la Copa Volpi al Mejor Actor—, la película desembarcó como una de las grandes estrellas de la Sección Perlak de la 74.ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián (2026) donde pudimos verla.

La historia nos situa en Chile, 1973. En los meses previos al golpe de Estado contra Salvador Allende, los agentes veteranos de la CIA Chris (John Malkovich) y Lee (Sam Rockwell) son enviados en una absurda misión de observación a la remota e imponente Isla de Pascua por orden de su jefe en la oficina central, MJ (Steve Buscemi). Entre las icónicas estatuas moái, la paranoia de la Guerra Fría y el choque de métodos entre el cínico veterano y su acelerado protegido, la rutina se quiebra cuando Chris traba amistad con un par de jóvenes estudiantes universitarias locales y rebeldes (Mariana di Girolamo y Ailín Salas).

El papel del oficial de la CIA MJ (el jefe de Malkovicv y Rockwell) estuvo inicialmente asignado a Mark Ruffalo, quien tuvo que retirarse del proyecto semanas antes de iniciar la filmación por conflictos de agenda, siendo sustituido por Steve Buscemi

Nos encontramos ante una obra que claramente proviene de McDonagh, una historia llena de humor negro y negatividad, una buddy movie crepuscular donde brilla especialmente Malkovic. La realización es simplemente impecable y nos situa en este entorno cerrado, donde se van planteando las historias y personajes que desenvocan en un final impactante e inesperado en cierto modo, muy propio de las historia de este director. No es mi película favorita del director pero admito que tiene cierto atractivo.

Puntuación: 6.5

En el corazón de la bestia

Tras un aterrador accidente aéreo, en “El corazón de la bestia” (2026), el oficial de las Fuerzas Especiales James Belmont y su perro de combate, Odin, quedan varados en lo más profundo de la naturaleza salvaje de Alaska. Juntos, se ven obligados a librar una brutal lucha por la supervivencia contra los elementos.

El diseño de producción es bueno, aunque la cinta no depende de un diseño espectacular para funcionar. El film fue rodado en Nueva Zelanda, especialmente en la Isla Sur, falseando una Alaska espectacular. Los paisajes son bellísimos y los momentos donde la acción tiene que fluir más están construidos de forma muy natural, sintiéndose parte del mismo escenario y para nada falseados. El diseño de los personajes está realizado con cariño y, a pesar de que los personajes solo tienen un look, los departamentos de vestuario, maquillaje y peluquería consiguen modificar lo suficiente a Brad Pitt y al pequeño Uber II para que haya una evolución en cómo lucen ambos amigos, mascados por el terreno y las pruebas que deben ir superando muy a su pesar. Los efectos prácticos lucen por su realismo y, aunque la secuencia de vuelo se siente algo artificial, los efectos digitales son buenos en su gran mayoría.

En resumen, “En el corazón de la bestia” es una cinta de supervivencia de lo más entretenida con un Brad Pitt muy cometido en su papel y un fantástico perro actor llamado Uber II que conquistará el corazón de todo aquel que se atreva a contemplar su historia. No revoluciona el mundo del cine, pero entrega totalmente lo que promete y no aburre, podeis leer la reseña extendida aquí.

Puntuación: 6.5

Más allá de la sociedad de la nieve

Más allá de la sociedad (2026) es una emotiva serie documental de tres episodios producida por J.A. Bayona, Belén Atienza y Sandra Hermida, tuvo su estreno durante el 74 Festival de cine de San Sebastián fuera de concurso donde pudimos verla completa.

El relato comienza exactamente en el punto donde termina La sociedad de la nieve: tras el milagroso rescate en la cordillera de los Andes de los 16 supervivientes del vuelo 571 de la Fuerza Aérea Uruguaya. La docuserie explora las consecuencias humanas, psicológicas y sociales vividas a lo largo de más de cinco décadas. A través de un cruce entre los supervivientes y, por primera vez de forma conjunta, los familiares de quienes no regresaron, el documental aborda la culpa del superviviente, el duelo familiar, el escrutinio mediático y el choque emocional que supuso el regreso a casa.

Además, muestra un viaje en el que parte del elenco joven de la película viaja al Valle de las Lágrimas después del rodaje de la serie, para encontrarse en el lugar del accidente con las personas reales a las que interpretaron, todo ello con interesantes entrevistas tanto de los supervivientes como del equipo de la película.

Se trata de una serie muy dirigida a los mayores fans de la historia, que se centra no tanto en la producción de la película de Bayona sino más bien en lo relativo a la historia que lo inspiro, con un buen ritmo y una duración adecuada plantea ciertos elementos muy relevantes e interesantes del proceso de vuelta y el impacto en la sociedad de esta historia real.

Puntuación: 7.0

The Debut

The Debut (El gran debut, 2026) es una comedia dramática con tintes de musical dirigida, escrita y producida por Jesse Eisenberg (When You Finish Saving the World, A Real Pain). La película compitió en la Sección Oficial a Concurso de la 74.ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián (2026), alzándose con el Premio Feroz Zinemaldia 2026 otorgado por la Asociación de Informadores Cinematográficos de España.

En una pequeña ciudad de provincias de Nueva Jersey, una ama de casa madura (Julianne Moore) decide dar un giro radical a su monótona existencia persiguiendo el sueño que aparcó décadas atrás: convertirse en actriz de teatro musical. Para ello, decide acudir a las audiciones de una pequeña producción local independiente dirigida por un exigente, histriónico y excéntrico director teatral (Paul Giamatti), intentando perseguir su sueño.

Nos encontramos ante un homenaje al teatro y la actuación, a lo largo del intenso y caótico proceso de ensayos, el choque de egos, las frustraciones creativas y las vulnerabilidades de la protagonista, que se encuentra de manera inesperada con un pequeño papel sirve para construir esta comedia negra, llena de mensaje y donde Julianne Moore se postula a los Oscars del próximo año.

A través de un tremendo viaje la protagonista irá descubriendo el verdadero precio y la belleza del arte en vivo, la identidad y la valentía de buscar una segunda oportunidad así como reconstruyendo un ego apagado con la ayuda del personaje de Giamatti que crece de manera monumental durante el metraje. Eisenberg se vuelve a postular para convertirse en el nuevo Woody Allen con esta pequeña gran historia

Puntuación: 9.0

Con esto finalizamos la cobertura del festival de San Sebastian en su edición de 2026, han sido pocos días en esta ocasión, pero muy intensos. Más de 15 películas y ruedas de prensa de estrellas nacionales (Javier Cámara, Berto Romero, Belén Cuesta) e internacionales (Brad Pitt, Naomi Watts) así como mucha pasión por el cine, hasta pronto SSIFF.

Coyote Vs Acme; La leyenda sigue viva, legalmente

2026-09-28T20:30:00.000+02:00

Escrito por John Doe.

En “Coyote vs. Acme” (2026), y tras fallarle los productos Acme una vez más de la cuenta en su tenaz persecución del Correcaminos, Wile E. Coyote decide contratar a un abogado anunciado en vallas publicitarias para demandar a la Corporación Acme.

A finales de 2023, con la película ya completamente rodada y finalizada, Warner Bros. Discovery anunció la cancelación de la película “Coyote vs. Acme” para deducir impuestos por pérdidas, repitiendo lo que pasó con la película “Batgirl”, que fue totalmente acabada pero nunca vista por el público. Tras una enorme indignación entre artistas, espectadores y fans por querer ocultar la obra por motivos financieros, Warner Bros. Permitió buscar compradores y la pequeña productora Ketchup Entertainment compró los derechos de distribución, salvando la obra del olvido. Finalmente, tras estrenarse en Estados Unidos con gran éxito entre crítica y público, por fin llega a nuestras pantallas.

La película consigue una hazaña excepcional. El film es de lo pocos de toda la historia que está basado íntegramente en un artículo de opinión del The New Yorker escrito por Ian Frazier en 1990, donde el escritor se preguntaba si, después de centenares de intentos fallidos de Wile E. Coyote de atrapar al Correcaminos con productos ACME, este debería denunciar a la compañía por ineficiencia en su catálogo. El artículo cautivó al director y productor James Gunn y al guionista y productor Jeremy Slater y ambos decidieron comprar los derechos de esa historia para desarrollarla. En ese momento entró en escena la guionista Samy Burch, conocida por escribir los guiones de “Late Fame” (2025) y “Secretos de un escándolo” (2023), trabajo por el que recibió una nominación al Oscar a Mejor Guion Original. La trama de “Coyote vs. Acme” empieza como el articulo que mencionábamos. Wile E. Coyote está cansado de fallar miserablemente con sus artilugios de la casa Acme y, al ver un anuncio de un abogado que promete compensaciones si dichos productos fallan, decide ir a la gran ciudad y contratar sus servicios para, al menos, conseguir una compensación. Es muy curioso ver una película de los Looney Tunes convertida en una cinta judicial, pero funciona tremendamente bien.

Los clásicos acontecimientos de dichas cintas: primer encuentro con el enemigo, recolección de pruebas e intentar encontrar aliados que apoyen el caso y poder ganar el ansiado juicio. Lo bueno de ser una película que adapte la clásica serie animada es que cuenta con decenas de cameos de los personajes de la franquicia y el humor que tanto les característica y, aunque el protagonista sea Coyote, el peso narrativo cae en su abogado, Kevin Avery, su sobrina Paige y el proceso que corren para intentar llevar su caso a la victoria. El recorrido trazado es sumamente divertido e incluso introduce una trama de conspiración que eleva al conjunto para hacer una lectura de las grandes corporaciones y de cómo se aprovechan de los ciudadanos para sacar el máximo beneficio posible, cosa que le sienta estupendamente. Además, el misterio de la trama junto a las bromas y gags constantes hacen que el ritmo sea muy bueno y fresco. Genial.

El reparto humano está capitaneado por Will Forte como Kevin Avery, el abogado al cargo de todo el asunto legal. A Forte lo conocemos por sus papeles en la serie “El último hombre en la Tierra” (2015-2018) o “Las cuatro estaciones” (2025-2026) o películas como “Nebraska” (2013) o “Súper empollonas” (2019). Forte es la víctima de mil bromas y desgracias que sufre junto a su cliente, Wilie E. Coyote, ya sea con productos Acme, amenazas de dicha compañía o con planes alocados del simpático coyote. Su papel como el abogado Avery tiene la mayor evolución de personaje, por lo que puede explorar de varias formas a su abogado. Kevin empieza muy pasota y poco a poco va implicándose con el caso y recuperando la ilusión por su trabajo, haciendo un recorrido muy satisfactorio y emotivo. Will se abre a bromear y jugar con la situación física. Aun así, se nota que hay una marcada dirección de actores para que estén más contenidos que los propios personajes animados, ya que estos son totalmente explosivos y una interpretación más alocada acabaría sobrecargando la cinta.

Paige es interpretada por la joven Lana Condor. A Condor la hemos visto en series como “Clase letal” (2019), “¡Qué susto, tía!” (2022) y en películas como la trilogía de “A todos los chicos de los que me enamoré” (2018-2021) o “X-Men: Apocalypse” (2016). La energía de Lana es muy palpable en el film, siendo su personaje el que anima a tomar acción contra los problemas casi todas las veces. Paige es una joven abogada que quiere luchar por lo que es justo y hace recuperar la ilusión a más de un personaje, siendo un rayo de luz en el conjunto. Finalmente, el antagonista, el abogado Buddy Crane, es interpretado por el carismático John Cena. A Cena lo tenemos muy visto últimamente gracias a sus papeles como Peacemaker en “The Suicide Squad” (2021) y su propia serie “Peacemaker” (2022-2025), además de aparecer en films como “Fast X” (2023) “Ricky Stanicky” (2024) o “Jefes de estado” (2025). A pesar de tener una actitud chulesca, Cena está bastante controlado en este papel, ofreciendo una actitud amenazante, pero con los pies en la tierra, cosa que crea una disociación bastante divertida respecto a su gran tamaño. Además de estos actores, la película cuenta con las participaciones de actores como Tone Bell, Martha Kelly, Luis Guzmán y decenas de actores de doblaje de los dibujos animados originales que ponen todo su empeño para hacer de la experiencia lo más inmersiva y nostálgica posible.

La dirección corre a cargo de Dave Green. Green dirigió algunas películas que implicaban el uso de seres animados junto a personas reales como “Tierra a Eco” (2014) o “Ninja Turtles: Fuera de las sombras” (2016), además de participar en algunos rodajes como asistente de producción. Dicha experiencia le ha ido muy bien al tratar “Coyote vs. Acme”, ya que es una peli que mezcla actores reales con personajes animados al más puro estilo de “¿Quién engañó a Roger Rabbit?” (1988). Además, el director utiliza trucos de cámara como elementos en segundo plano o movimientos de cámara rápidos para enfatizar algunas de las bromas que presenta el guion, ayudando a que todo se siente más ergonómico y divertido.

Brandon Trost es el encargado de la dirección de la fotografía. Trost es un veterano de la fotografía en films de comedia como “Juerga hasta el fin” (2013), “La entrevista” (2014) o “The Disaster Artist” (2017), además de fotografiar películas en las que intervienen elementos digitales como las dos secuelas de “Sonic: La película” (2022-2024). La fotografía de “Coyote vs. Acme” no destaca por ser espectacular visualmente, pero sí que hay un tratamiento de la luz y el color divertido, asociando ciertos elementos visuales a los villanos, la conspiración y la parte que toman nuestros protagonistas. Además, junto a las grúas y movimientos de cámara ya mencionados y los encuadres pensados para mostrar o esconder personajes y otros elementos, hacen que las imágenes tengan un refuerzo visual muy rico para que la comedia crece gracias a cómo está fotografiada.

El diseño artístico es igual de divertido. No está llevado al extremo, pero sí que el departamento de arte hace un gran trabajo trasladando el mundo animado de los “Looney Tunes” a la gran pantalla. Escenarios han sido creados para hacer puramente gags visuales de destrucción o para jugar con sus objetos y elementos siendo en parte creaciones de la mente perversa de Wilie E. Coyote o lugares del mundo real que parecen retorcerse para acabar siendo totalmente disparatados. Destacan especialmente los mundos secretos a los que llegan con un objeto específico y que dan mucho jugo a los paisajes aburridos de Albuquerque, Nuevo México. Los vestuarios y maquillaje y peluquería de las personas no cambia en demasía, jugando al estereotipo de los personajes animados que siempre llevan los mismos ropajes, pero sí que hay un cuidado especial para hacer que cada personaje tenga una personalidad propia, algo que se resalta, especialmente, con los personajes animados, ya sean nuevos o los clásicos de la franquicia. Finalmente, el departamento de efectos visuales digitales hace un trabajo espectacular integrando a los personajes animados en el mundo humano en el que habitamos, jugando también con el departamento de efectos prácticos para hacer gags visuales en los que intervienen decenas de personajes y que integran fantásticamente en el mundo presentado de forma muy divertida.

Finalmente, la banda sonora está compuesta por Steven Price. Price es conocido por componer algunas bandas sonoras legendarias como las de las películas “Attack The Block” (2011), “Corazones de acero” (2014), “Baby Driver” (2017) o “Gravity” (2013), trabajo por el que ganó el Oscar a Mejor Banda Sonora. En “Coyote vs. Acme”, Steven hace un trabajo precioso componiendo una banda sonora orquestal de lo más divertida en la mayor parte del tiempo, pero que sabe cómo ponerse emotiva en los momentos cruciales del film, consiguiendo acompañar el peso narrativo del drama y el clímax de una forma fantástica gracias a sus instrumentos de cuerda delicados y escogidos con un gusto impecable. No tiene canciones que pasarán a los anales de la historia, pero consigue que sus melodías sean algo que se recuerden y se estudien para otros films parecidos. Apuntar, también, que el film utiliza algunos buenos temas pop puestos en los momentos justos, sin llegar a saturar, y que se disfrutan por su calidad.

En definitiva, “Coyote vs. Acme” es una divertidísima película familiar sobre un juicio pendiente entre uno de los personajes más icónicos de la televisión y la empresa que le fastidió toda su vida. Una reflexión sobre las corporaciones y la motivación en la vida con un humor muy bueno, un diseño de producción y efectos increíbles y una banda sonora preciosa. Una cinta rescatada del olvido que perdurará en nuestra memoria.

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##check## Lo bueno

Un guion divertidísimo que transforma una película judicial en toda una aventura..
La banda sonora es muy bonita y emotiva.
La nostalgia de reencontrarse con personajes de nuestras vidas.

##times## Lo malo

A veces abusan demasiado de chistes.
El ritmo es muy bueno, pero le falta un poco de calma en los momentos más emotivos.
Que haya sido tan olvidada y no tenga una promoción cómo se merezca.

[accordion]

Ambientación 8.0

Mucha variedad de escenarios y elementos sacados puramente de los dibujos animados.

Desarrollo de Personajes 7.5

Los personajes principales tienen una evolución muy bonita, los secundarios quedan algo relegados y planos.

Argumento / Guión 8.5

Divertidísimo guion con un ritmo bastante bueno y momentos emotivos.

Banda Sonora 8.5

Composiciones muy bellas con momentos emotivos y temas pop bien escogidos.

Entretenimiento 8.0

Un ritmo espectacular, bromas muy divertidas y un misterio que te atrapa.

Montaje / Innovación técnica 8.5

Combinar dibujos animados con personas reales es todo un reto y salen más que victoriosos. La dirección es correcta, pero funciona como un tiro.

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Puntuación Total 8 / 10

Fuente Imágenes: Beta Fiction Spain

'Tender Loving Care', de Mike Leigh, se alza con la Concha de Oro de la 74ª edición del Festival de San Sebastián

2026-09-27T22:17:36.199+02:00

El largometraje Tender Loving Care (Reino Unido), dirigido por Mike Leigh, ha ganado la Concha de Oro de la 74ª edición del Festival de San Sebastián, además del Premio del Jurado al mejor guion, escrito por el propio Leigh. El filme del cineasta británico también ha conseguido la Concha de Plata a la mejor interpretación protagonista para la actriz Kate O'Flynn, un galardón ganado ex aequo con Asta Kamma August por su papel en Markens grøde / Growth of the Soil (Noruega-Dinamarca-Alemania). Asimismo, esta obra dirigida por Hans Petter Moland se ha alzado con el Premio del Jurado a la mejor fotografía para Oskar Dahlsbakken.

El Premio Especial del Jurado ha recaído en Bian Jing / Border (Hong Kong-EEEU-Corea del Sur), dirigida por Ah Biao, autor de un trabajo "audaz tanto en su forma cinematográfica como en su explicitud sexual y que, gracias a la rotundidad de su mirada, revela la aparición de un nuevo talento de primer orden en el cine mundial".

La Concha de Plata a la mejor dirección ha recaído en Amanda Kernell, autora de Garrat du váimmu / Brace Your Heart (Suecia-Noruega-Dinamarca-Islandia-Bulgaria), mientras que Javier Cámara ha sido reconocido con la Concha de Plata a la mejor interpretación de reparto por su trabajo en 5 minutos más / 5 More Minutes (España). El actor español ya ganó la Concha de Plata ex aequo con Ricardo Darín, su compañero de reparto en Truman (2015).

El cineasta Ira Sachs ha presidido el jurado oficial encargado de conformar el palmarés junto al director y guionista Genki Kawamura, la guionista Catherine Paillé, la actriz y productora Alice Braga, la intérprete Patricia López Arnaiz, el actor Bill Skarsgård y el productor Mike Goodridge.

OTROS PREMIOS OFICIALES

Body of Glass (Alemania-Francia), primera película de Naëmi Ada, ha logrado el Premio Kutxabank-New Directors, cuyo jurado ha incluido una mención especial para The World Before (Corea del Sur-Japón-Francia), el segundo largometraje de Yoon Dan-bi.

El Premio Horizontes Make & Mark y el Premio DAMA de la Juventud han recaído en La ilusión de un verano sin fin / The Illusion of an Everlasting Summer (Argentina-EEUU), debut de Alessandra Sanguinetti que ya consiguió el Leopardo de Oro de su sección, Cineasti del Presente, y el premio a la mejor ópera prima en el Festival de Locarno. La mención especial ha sido para Moscas / Flies (México-España), con la que Fernando Eimbcke ganó en 2025 el Premio de la Industria WIP Latam en San Sebastián y que este año ha competido en la Berlinale.

El Premio Zabaltegi-Tabakalera ha sido para Teenage Sex and Death at Camp Miasma (Adolescencia, sexo y muerte en Campamento Miasma) (EEUU-Canadá), filme de Jane Schoenbrun seleccionado en Un Certain Regard del Festival de Cannes y ganador de la Queer Palm. La mención especial ha sido para el largometraje A veces me entra tristeza, otras veces rebelión / Sometimes Sadness, Sometimes Rebellion (Argentina-España), que brindó a María Aparicio el Premio a la mejor dirección en las Giornate degli Autori del Festival de Venecia.

El cortometraje Dihapus dari peta / Erased from the Map (Indonesia), de Maarij Reka (Film & Television Institute Art Indonesia Yogyakarta, Indonesia), ha logrado el Premio Laboratorio de Cine y Audiovisual Tabakalera-Nest, que ha entregado una mención especial a Ningú borda / Nobody Barks (Nadie ladra) (España), de Júlia Coldwell Serra (ESCAC, España).

El nuevo Premio SGAE a la mejor música original, destinado a una de las películas que compiten en la Sección Oficial, ha sido para Amine Bouhafa, autora de la partitura de 7h40 ce matin-là / Milo (Francia), dirigida por Nicole Garcia.

Burgundy (EEUU), largometraje de Michael Dweck y Gregory Kershaw estrenado en la sección Venice Open del Festival de Venecia, ha cosechado el Premio Culinary Zinema, mientras que Txakun txakür (Francia-España), dirigida por Elsa Oliarj-Inès, ha obtenido el Premio Irizar al cine vasco.

El Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián que eligen las espectadoras y espectadores de la sección Perlak ha sido para La bola negra (España-Francia), el filme de Javier Calvo y Javier Ambrossi que en Cannes se alzó con el Premio a la mejor dirección ex aequo con Pawel Pawlikowski (Vaterland / Fatherland). Además, el Premio del Público a la mejor película europea ha sido para NAZA, de Yuval Abraham y Rachel Szor, que ganó el Premio Especial del Jurado en Venecia.

Por último, el Premio Eusko Label ha recaído en los cortometrajes Esperantza (Esperanza) (España) y Eskuak / Hands (Manos) (España), con los que Josu Ozaita y Mikel Urretabizkaia han logrado el primer y el segundo galardón, respectivamente. Además, en el concurso de cortometrajes de temática social, el primer trabajo reconocido con el Premio Loterías ha sido Prejuicios (España), de Javi Prada, y el segundo, Headscarf (España), de Lucía Saavedra.

Premios oficiales – FIAPF

CONCHA DE ORO A LA MEJOR PELÍCULA

Tender Loving Care

Mike Leigh (Reino Unido)

País(es) de producción: Reino Unido

PREMIO ESPECIAL DEL JURADO

Bian jing / Border

Ah Biao (China)

País(es) de producción: Hong Kong - EEUU - Corea del Sur

CONCHA DE PLATA A LA MEJOR DIRECCIÓN

AMANDA KERNELL (Suecia)

Garrat du váimmu / Brace Your Heart

País(es) de producción: Suecia - Noruega - Dinamarca - Islandia - Bulgaria

CONCHA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN PROTAGONISTA (ex aequo)

KATE O’FLYNN (Reino Unido)

Tender Loving Care

País(es) de producción: Reino Unido

ASTA KAMMA AUGUST (Suecia)

Markens grøde / Growth of the Soil

País(es) de producción: Noruega - Dinamarca - Alemania

CONCHA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACIÓN DE REPARTO

JAVIER CÁMARA (España)

5 minutos más / 5 More Minutes

País(es) de producción: España

PREMIO DEL JURADO A LA MEJOR FOTOGRAFÍA

OSKAR DAHLSBAKKEN (Noruega)

Markens grøde / Growth of the Soil

País(es) de producción: Noruega - Dinamarca - Alemania

PREMIO DEL JURADO AL MEJOR GUION

MIKE LEIGH (Reino Unido)

Tender Loving Care

País(es) de producción: Reino Unido

Otros premios oficiales

PREMIO KUTXABANK-NEW DIRECTORS

Body of Glass

Naëmi Ada (Alemania)

País(es) de producción: Alemania - Francia

Mención especial

The World Before

Yoon Dan-bi (Corea del Sur)

País(es) de producción: Corea del Sur - Japón - Francia

PREMIO HORIZONTES MAKE & MARK

La ilusión de un verano sin fin / The Illusion of an Everlasting Summer

Alessandra Sanguinetti (EEUU)

País(es) de producción: Argentina - EEUU

Mención especial

Moscas / Flies

Fernando Eimbcke (México)

País(es) de producción: México - España

PREMIO ZABALTEGI-TABAKALERA

Teenage Sex and Death at Camp Miasma (Adolescencia, sexo y muerte en Campamento Miasma)

Jane Schoenbrun (EEUU)

País(es) de producción: EEUU - Canadá

Mención especial

A veces me entra tristeza, otras veces rebelión / Sometimes Sadness, Sometimes Rebellion

María Aparicio (Argentina)

País(es) de producción: Argentina - España

PREMIO LABORATORIO DE CINE Y AUDIOVISUAL TABAKALERA-NEST

Dihapus dari peta / Erased from the Map

Maarij Reka (Indonesia)

País(es) de producción: Indonesia

Film & Television Institute Art Indonesia Yogyakarta (Indonesia)

Mención especial

Ningú borda / Nobody Barks (Nadie ladra)

Júlia Coldwell Serra (España)

País(es) de producción: España

ESCAC (España)

PREMIO SGAE A LA MEJOR MÚSICA ORIGINAL

AMINE BOUHAFA (Francia - Túnez)

7h40 ce matin-là / Milo

Nicole Garcia (Francia)

País(es) de producción: Francia

PREMIO CULINARY ZINEMA

Burgundy

Michael Dweck (EEUU), Gregory Kershaw (EEUU)

País(es) de producción: EEUU

PREMIO IRIZAR AL CINE VASCO

Txakun txakür

Elsa Oliarj-Inès (Francia)

País(es) de producción: Francia - España

PREMIO DEL PÚBLICO CIUDAD DE DONOSTIA / SAN SEBASTIÁN

La bola negra

Javier Calvo (España), Javier Ambrossi (España)

País(es) de producción: España - Francia

PREMIO DEL PÚBLICO CIUDAD DE DONOSTIA / SAN SEBASTIÁN A LA MEJOR PELÍCULA EUROPEA

NAZA

Yuval Abraham (Israel), Rachel Szor (Israel)

País(es) de producción: Reino Unido

PREMIO DAMA DE LA JUVENTUD

La ilusión de un verano sin fin / The Illusion of an Everlasting Summer

Alessandra Sanguinetti (EEUU)

País(es) de producción: Argentina - EEUU

PREMIOS EUSKO LABEL

PRIMER PREMIO EUSKO LABEL

Esperantza (Esperanza)

Cortometraje

Josu Ozaita (España)

País(es) de producción: España

SEGUNDO PREMIO EUSKO LABEL

Eskuak / Hands (Manos)

Cortometraje

Mikel Urretabizkaia (España)

País(es) de producción: España

PREMIOS LOTERÍAS

PRIMER PREMIO LOTERÍAS

Prejuicios

Cortometraje

Javi Prada (España)

País(es) de producción: España

SEGUNDO PREMIO LOTERÍAS

Headscarf

Cortometraje

Lucía Saavedra (España)

País(es) de producción: España - Reino Unido

Premios de Industria

PREMIOS WIP LATAM

PREMIO DE LA INDUSTRIA WIP LATAM

A Contracorriente Films, Deluxe Content Services Spain, Elamedia Estudios, Laserfilm Cine y Video, Nephilim Producciones y Pecera Estudio

Lovers Go Home!

Juan Sebastián Mesa (Colombia)

País(es) de producción: Colombia - España - Canadá - Francia

PREMIO EGEDA PLATINO INDUSTRIA AL MEJOR WIP LATAM

Galerna

Tatiana Huezo (El Salvador)

País(es) de producción: México - España

PREMIOS WIP EUROPA

PREMIO DE LA INDUSTRIA WIP EUROPA

A Contracorriente Films, Deluxe Content Services Spain, Elamedia Estudios, Laserfilm Cine y Video, Nephilim Producciones y Pecera Estudio

Me Fjalë Tjera / In a Manner of Speaking

Val Jashari (Kosovo)

País(es) de producción: Kosovo - Montenegro

PREMIO WIP EUROPA

Me Fjalë Tjera / In a Manner of Speaking

Val Jashari (Kosovo)

País(es) de producción: Kosovo - Montenegro

PREMIOS DEL XV FORO DE COPRODUCCIÓN EUROPA-AMÉRICA LATINA

PREMIO AL MEJOR PROYECTO DEL XV FORO DE COPRODUCCIÓN EUROPA-AMÉRICA LATINA

Los Inexpertos / The Amateurs

Felipe Solari Yrigoyen (Argentina)

País(es) de producción: Chile - Argentina - México

PREMIO DALE! (DESARROLLO AMÉRICA LATINA-EUROPA)

Las ilusiones / The illusions

Ingrid Pokropek (Argentina)

País(es) de producción: Argentina - España

ARTEKINO INTERNATIONAL PRIZE

El último sonidero / Mourning Sound

Selma Cervantes (México)

País(es) de producción: México

PREMIOS IKUSMIRA BERRIAK

PREMIO SIDERAL

Akira

Ekain Albite (España)

País(es) de producción: España - Georgia

PREMIO CASA WABI - ESCINE

The Spirit Healer is Away for the Weekend

Inês Nunes (Portugal)

País(es) de producción: Portugal

PREMIO TANTA

Akira

Ekain Albite (España)

País(es) de producción: España - Georgia

PREMIOS ZINEMALDIA STARTUP CHALLENGE

Mejor proyecto español

Pixentinel

Luis Zabala (España)

País(es) de producción: España

Mejor proyecto europeo

Virtual location scouting

Antti Ahokoivu (Finlandia)

País(es) de producción: Finlandia

Mención especial al emprendimiento

Virtual location scouting

Antti Ahokoivu (Finlandia)

País(es) de producción: Finlandia

PREMIOS DEL XXII FORO DE COPRODUCCIÓN DE DOCUMENTALES LAU HAIZETARA

PREMIO EPE-IBAIA-ELKARGI

"HAMAKA / THE HAMMOCK" Alfonso García

Producido por: Basque Films

España

PREMIO MUSIC LIBRARY&SFX

"PAJARRACOS / SHADY BIRDS" Zaira Zanguitu

Producido por: Señor y Señora

España

PREMIO DOGWOOF

"DIFFERENT COLORS OF SABIR" Safaa Khatib

Producido por: Philistine Films - Ginevra Films

Palestina-Italia

Otros premios

PREMIO RTVE - OTRA MIRADA

Soudain / All of a Sudden (De repente)

Ryusuke Hamaguchi (Japón)

País(es) de producción: Francia - Japón - Alemania - Bélgica

PREMIO DE LA COOPERACIÓN ESPAÑOLA

Cinco años, cuatro meses / Five Years, Four Months

Juan Miguel Gelacio (Colombia), Esteban Hoyos García (Colombia)

País(es) de producción: Colombia - EEUU

PREMIO AGENDA 2030 EUSKADI BASQUE COUNTRY

Ceniza en la boca / Ashes

Diego Luna (México)

País(es) de producción: México - España

PREMIO TRANSFORMA MAKE & MARK

Tender Loving Care

Mike Leigh (Reino Unido)

País(es) de producción: Reino Unido

GRAN PREMIO FIPRESCI A LA MEJOR PELÍCULA DEL AÑO

One Battle After Another (Una batalla tras otra)

Paul Thomas Anderson (EEUU)

País(es) de producción: EEUU

Premios Honoríficos

PREMIOS DONOSTIA

Werner Herzog

Naomi Watts

PREMIO ZINEMIRA

Jose Ramon Soroiz

Premios paralelos

PREMIO FIPRESCI

Muyou no hito / In My Father's Room

Maha Harada (Japón)

País(es) de producción: Japón

PREMIO FEROZ ZINEMALDIA 2026

The Debut (El Debut)

Jesse Eisenberg (EEUU)

País(es) de producción: EEU

PREMIO GIDOI + SGAE AL MEJOR GUIONISTA DE EUSKAL HERRIA 2026

Alauda Ruiz de Azúa (España)

Los domingos / Sundays

Alauda Ruiz de Azúa (España)

País(es) de producción: España - Francia

PREMIO SEBASTIANE 2026

Tangles

Leah Nelson (Canadá)

País(es) de producción: Canadá - EEUU

PREMIO LURRA – GREENPEACE

Tristan Forever

Tobias Nölle (Suiza), Loran Bonnardot (Francia)

País(es) de producción: Suiza

PREMIO SIGNIS

Tender Loving Care

Mike Leigh (Reino Unido)

País(es) de producción: Reino Unido

Mención especial

Vicentina pede desculpas / On Behalf of My Son (Las disculpas de Vicentina)

Gabriel Martins (Brasil)

País(es) de producción: Brasil

PREMIO ATENEO GUIPUZCOANO

Muyou no hito / In My Father's Room

Maha Harada (Japón)

País(es) de producción: Japón

PREMIO CINE E INFANCIA RTVE & UNICEF ESPAÑA

Josephine

Beth de Araújo (EEUU)

País(es) de producción: EEUU

Mención especial

Le corset / Iron Boy (Iron Boy)

Louis Clichy (Francia)

País(es) de producción: Francia - Bélgica

Fuente: Festival de Cine de San Sebastián

En el corazón de la Bestia; El mejor amigo del hombre

2026-09-25T15:30:00.000+02:00

Escrito por John Doe

El cine de supervivencia siempre ha sido algo que ha llamado la atención al público general desde el principio de los tiempos. Películas como “¡Viven!” (1993), “Náufrago” (2000) “127 horas” (2010) o incluso “Gravity” (2013) han ido cautivando los corazones tanto de la crítica como del público en general. Parece que al ser humano le atrae ver cómo otra persona sufre en las condiciones más extremas y tiene que luchar para salir con vida de la situación en la que se ha metido, con mayor o menor medida. Este viernes llega a nuestras pantallas una nueva cinta en la que un humano debe sobrevivir a un accidente que podría ser mortal, “En el corazón de la bestia”. Y no está solo: le acompaña su mejor amigo, su perro.

El guion está firmado por Cameron Alexander. Alexander dirigió varios anuncios comerciales para marcas como Gucci o videoclips para la banda Polyphia, pero solo había escrito algunos cortos anteriormente, siendo “En el corazón de la bestia” su primer trabajo de largometraje. La premisa del film es sencilla: un veterano de guerra y su perro soldado adoptado hacen un viaje a Alaska con avioneta, para descansar, conectar con la naturaleza y alejarse del trauma que les dejó a ambos la guerra. Pero durante la estancia, mientras conduce la avioneta, al soldado le da un infarto y se estrella en medio de la nada. Heridos y aturdidos, ambos deben recorrer una distancia colosal para llegar a la carretera más próxima y salvar sus vidas. Con un punto de partido tan sencillo y apenas dos personajes, incluyendo un perro, el film corre riesgo de parecer repetitivo o incluso aburrido.

Por suerte, Cameron construye la trama con gracia, ofreciendo pruebas, obstáculos y problemas paulatinamente, sin llegar a agotar, para que la acción fluya estupendamente y entretenga en toda la duración de la cinta. En films de supervivencia se corre el riesgo de que todos los problemas acumulados terminen resultando de lo más exagerados y surrealistas. No es el caso de “En el corazón de la bestia”, donde Alexander introduce dichos bits de forma plausible y con sentido, creando un recorrido con obstáculos pero que tienen cierto sentido dentro del conjunto. Es curioso que se haya introducido un segundo personaje humano en medio del film, un explorador veterano que se encuentra a la pareja y pasan una noche de amistad juntos, pero se entiende que está puesto para introducir contexto del pasado del protagonista, James Belmont, y del pequeño Odin, de forma más descriptiva y poco sutil, pero al final es lo que pide la trama. El guion no da mucho más, termina con un bonito mensaje sobre los perros de guerra veteranos e invita a la adopción, pero tampoco pretende más. Es un film sencillo pero honesto.

La película está capitaneada por el mítico Brad Pitt. No hace falta presentación alguna para Pitt, pero lo reconocemos por films como “Entrevista con el vampiro” (1994), “Seven” (1995) “El club de la lucha” (1999), “Malditos bastardos” (2009) o “12 años de esclavitud” (2013) y “Érase una vez en… Hollywood” (2019), papeles por los que se llevó el Oscar a Mejor Actor de Reparto. Pitt está muy cometido en su personaje de James Belmont. Belmont es un personaje duro y muy atormentado por la guerra, por lo que le cuesta expresión emoción. Por lo tanto, Pitt interpreta al veterano con un perfil bajo, sacando la emoción cuando de verdad está en momentos límite, demostrando que dentro de la coraza del personaje hay un gran amor para su perro, Odin, y para la vida que pueda tener este. Hablando de Odin, el perro que lo interpreta, Uber II, está totalmente sensacional. En pocas ocasiones se ha visto a un compañero canino demostrando tanta emoción y empatía hacia su amo. El papel de Odin tiene muchas marcas y necesidades y Uber II demuestra su buen adiestramiento consiguiendo hitos que muy pocas veces se han llegado a ver con caninos de verdad. Toda una estrella.

Para terminar, el ganador de un Oscar a Mejor Actor de Reparto por “Whiplash” (2014), J.K. Simmons, da vida a Walter Boone, el simpático explorador que se encuentra con la pareja en medio de la nada. Su personaje tiene tan poca implicación en la trama que su interpretación es correcta, pero no se puede explorar más ni con su personaje ni con un inexistente recorrido emocional. Y tampoco lo necesita. Finalmente, la joven canadiense Anna Lambe aparece muy al final para terminar de dar un cierre a la trama y, como en el caso de J. K. Simmons, su personaje es tan anecdótico que poco se puede extraer de él. Correcta.

La dirección del film viene firmada por David Ayer. Ayer ha tenido una filmografía algo irregular, marcada principalmente por buenos films de acción como “Sin tregua” (2012) o “Corazones de acero” (2014) que combinó con otros films del mismo género de menor calidad como “Escuadrón suicida” (2016), “Bright” (2017), “Cuenta pendiente” (2020), “Beekeeper: El protector” (2024) o “A Working Man” (2025). Ayer está mucho más contenido en este film, dejando de lado planos imposibles y movimientos de cámara extremos, centrando mucho más su visión en el personaje de Pitt y su colega perruno. Eso no significa que la cinta no haya estado dirigida con buena mano, y ciertamente Ayer demuestra tener buen ojo para la acción componiendo set pieces que llegan a ser impresionantes por el calibre de las mismas, destacando especialmente una que ocurre en relación a un puente de madera y un río con unas corrientes de lo más peligrosas. Se nota que hay cierta complicidad con Pitt, ya que ambos trabajaron juntos en la ya mencionada “Corazones de acero” y ambos parecen entender qué se busca a nivel de interpretación. Parece ser que David intenta un camino de dirección más comedido y, aunque no es perfecto, es un buen camino a seguir.

El ganador del Oscar a Mejor Fotografía por “Avatar” (2009), Mauro Fiore, es el encargado de componer las imágenes del film. Fiore es todo un veterano en la industria y ha firmado la fotografía de films como “Training Day (Día de entrenamiento)” (2001), “La isla” (2005), “The Equalizer (El protector)” (2014) o “Spider-Man: No Way Home” (2021), entre muchas otras. El director de fotografía italiano tiene una gran experiencia con cintas de acción y lo demuestra ofreciendo buenos movimientos de cámara que enfatiza la acción y el peligro. La composición lumínica es bastante buena y hay un cierto interés en diferenciar las distintas zonas del gran bosque con distintas tonalidades de luz, además de marcar el paso del tiempo con el mismo tratamiento lumínico. Las lentes escogidas hacen brillar los espacios naturales y, en general, ofrecen una fotografía muy bella.

Para terminar, Jared Michael Fry vuelve a colaborar con David Ayer para componer la banda sonora de su film. Michael Fry firmó las bandas sonoras de “Beekeeper: El protector” y “A Working Man”, además de componer también para la película “Safehouse” (2023). Aunque no tenga una amplia experiencia, el compositor ofrece un trabajo ajustado a la cinta, componiendo una banda sonora contenida, al igual que la interpretación de Pitt, a una acción muy de personaje, solo remarcando los momentos más emocionantes y al límite, sin llegar a sonar exagerada, algo que puede pasar con películas del mismo estilo. El problema con la banda sonora viene cuando, ya haya sido por decisión del director o desde producción, se ha decidido introducir la mítica canción de Ludovico Einaudi, “Nuvole Bianche”, cosa que saca un poco al espectador de la magia cinematográfica al ser una composición tan reconocida y usada. Una pena.

[message]

##check## Lo bueno

Uber II se come la pantalla todas las veces que aparece.
La trama tiene los suficientes bits de acción para entretener.
Una dirección de fotografía y unos paisajes de lo más bellos.

##times## Lo malo

La necesidad de contar la trama de forma muy explícita
Que no haya espacio para la emoción humana o explorar distintas interpretaciones.
La introducción de un tema de Ludovico Einaudi sobra totalmente

[accordion]

Ambientación 7.0

Muy bonitos paisajes de Nueva Zelanda que lucen espectaculares.

Desarrollo de Personajes 5.5

No hay evolución alguna más allá de la pura supervivencia y el sacrificio.

Argumento / Guión 6.0

Muy entretenido guion lleno de obstáculos y retos de la naturaleza.

Banda Sonora 6.5

Una banda sonora bella que se ve ensuciada por la canción escogida.

Entretenimiento 7.0

Muy entretenida y con distintas situaciones que son de lo más frescas.

Montaje / Innovación técnica 7.5

Una muy buena fotografía y una dirección de la acción mucho más cometida que en anteriores films del director. Un paso adelante.

[message]

Puntuación Total 6.5 / 10

Fuente Imágenes: Paramount Pictures

La bola negra; ¿Dónde reside el amor y la libertad?

2026-09-24T22:44:45.749+02:00

Por Enrique Bellón

"La bola negra", una de las películas más esperadas del Festival de San Sebastián y en general del cine español, es un largometraje de más de dos horas y media dirigido por Javier Calvo y Javier Ambrossi («Los Javis»). La historia transcurre a lo largo del tiempo, tomando como punto de partida la Guerra Civil Española para abordar, de manera indirecta, la figura y el universo de Federico García Lorca. A través de esta premisa, la cinta plantea una reflexión profunda y compleja sobre las vidas no heterosexuales, la vivencia del deseo y la represión.

La película entrelaza las vidas de tres hombres en tres épocas distintas. Sus historias están unidas de forma transversal por el deseo, la represión de la sexualidad, la herencia del dolor y la memoria histórica homosexual en España. El eje conceptual de la trama nace del encuentro de dos fuentes literarias:La obra inacabada de Lorca: Federico García Lorca dejó escritas apenas unas cuatro páginas de una obra dramática incompleta titulada La bola negra, en la que abordaba abiertamente la homofobia y la marginación.

Aunque la propuesta estética es impecable, el desarrollo narrativo peca en ocasiones de ser excesivamente pausado o "nimio". Esto genera que ciertas escenas desconecten ligeramente al espectador del hilo principal de la historia, sobre todo porque intenta mezclar un realismo y una dureza con imágenes casi oníricas, en especial hay una escena en una playa que me sacó de la historia.

A nivel técnico y cinematográfico es una auténtica «locura». La realización no muestra el más mínimo fallo, destacando por su gran belleza compositiva y ejecución, hay planos y escenas que son poesia, parecen cuadros y todo ello nos deja una impresión de película de alto nivel. La película no muestra a Lorca como un personaje tradicional actuando en pantalla, sino como una figura fantasmagórica, una resonancia o un eco que planea sobre toda la historia

Miguel Bernardeau y Patrick Criado dan vida a los personajes inscritos en la línea temporal de la Guerra Civil, asumiendo el peso de la relación basada en los últimos días de Rafael Rodríguez Rapún y sus compañeros en el frente, siendo sin duda el corazon de la historia, y bordando sus personajes.El reparto está magníficamente guiado, logrando interpretaciones muy sólidas, especialmente el desconocido protagonista que es lo que más brilla junto a la presencia fugaz pero contundente de una Penélope Cruz en plena forma. Destacar la presencia testimonial pero curiosa de Antonio De La Torre o Glenn Close, en papeles de poco peso, al menos de guion.

Pese a llegar con las expectativas muy altas y no alcanzar la fascinación total que ha provocado en general en la crítica, la película resulta sumamente entretenida y necesaria. Principalmente agradezco y destaco especialmente la valentía con la que aborda un tema tan complejo y por su mensaje de resonancia humana, siendo una obra fundamental para quienes hayan sufrido persecución o coacción en la libre expresión de su sexualidad. Así mismo tiene un impacto visual y dramático en su parte final que deja huella, si bien las historias (en especial la contemporanea) tiene desigual fuerza. Sin embargo nos encontramos ante una propuesta sólida y notable que merece el visionado y cuya evolución en sus directores les puede llegar a alcanzar cotas muy grandes en este mundo del cine

[message]

##check## Lo bueno

Visual y emocionalmente poética.
Un final emotivo.
Gran trabajo de los protagonistas, sobre todo de la historia principal en la guerra civil.

##times## Lo malo

Los tres hilos temporales son irregulares en intensidad e interés.
Hay escenas que pueden sacarte de la historia.

[accordion]

Ambientación 9.0

Impecable, sobre todo la parte de la Guerra Civil.

Desarrollo de Personajes 8.5

Magnífica en la historia principal, no tanto en la contemporánea.

Argumento / Guión 9.0

Original y evocador.

Banda Sonora 8.0

Muy adecuada.

Entretenimiento 8.5

No aburre en ningún momento.

Montaje / Innovación técnica 9.5

Una verdadera master class de dirección y puesta en escena.

[message]

Puntuación Total 8.5 / 10

Fuente Imágenes: Elástica Films

Resident Evil: ¿Por fin una adaptación a la altura?

2026-09-17T20:00:00.000+02:00

Por Ricardo Marín.

5 años después de la mejorable “Bienvenidos A Raccoon City”, Zach Cregger, director de “Weapons” y “Barbarian” nos trae una nueva aproximación a la saga de Resident Evil, que ya dio que hablar desde su concepción, pues dijo que no adaptaría ningún juego (y ya sabemos cómo le fue eso a Anderson, ¿verdad?). ¿Qué tal le habrá salido? Pues veámoslo.

Como comentaba antes, esta versión no adapta ningún videojuego, así que contamos con una historia nueva y personajes nuevos, ambientado en una línea alternativa con respecto a los juegos. El elenco está liderado por Austin Abrams como Bryan, un repartidor de material sanitario. Está acompañado por Zach Cherry, Kali Reis, Paul Walter Hauser y Johnno Wilson, como personajes secundarios.

Esta reinvención de la saga sigue a un desafortunado mensajero medico (Abrams) encargado de entregar un paquete a un hospital remoto. Pronto se encuentra atrapado en medio de una epidemia y debe luchar contra hordas de criaturas mutantes para sobrevivir.

El personaje que más desarrollo tiene es Bryan, ya que es el protagonista. Al comienzo de la cinta le vemos con problemas familiares que intentará ir corrigiendo mientras lucha por sobrevivir en una Raccoon City apocalíptica. El resto de personajes no tiene mucho desarrollo pues son secundarios.

La banda sonora de Hays Holladay y Ryan Holladay no está mal, aunque es un poco estridente en algunos momentos. Los efectos especiales son particularmente buenos, con un CGI muy potente y que no desentona.

Resident Evil es una gran película basada en videojuegos, a pesar de que solo hay algunos guiños a estos. No esperéis una trama relacionada con los videojuegos, pero sí podéis esperar sentir el miedo, el no saber que hay tras una esquina y la sensación de la adrenalina recorriendo tu cuerpo cuando consigues cargarte al zombie que llevaba tiempo molestando. Consigue crear algo nuevo en un universo que ya ha vivido muchas cosas y lo hace muy bien.

[message]

##check## Lo bueno

La historia es muy buena y está bien llevada.
Los efectos especiales destacan para bien.
Adapta bien el miedo que sientes al jugar a los juegos.

##times## Lo malo

Pocas referencias, y sin importancia, a los juegos.

[accordion]

Ambientación 10

Todos los escenarios funcionan muy bien, transmitiendo una sensación de peligro constante.

Desarrollo de Personajes 8.5

El protagonista tiene buen desarrollo, pero los secundarios no tienen nada.

Argumento / Guión 9.0

Es una trama completamente nueva pero que sabe qué quiere contar y lo cuenta muy bien.

Banda Sonora 8.0

No está mal, pero a veces es muy estridente y molesta.

Entretenimiento 9.5

Es disfrutable de principio a fin, empatizas mucho con el protagonista.

Montaje / Innovación técnica 9.5

Es disfrutable de principio a fin, empatizas mucho con el protagonista.

[message]

Puntuación Total 9 / 10

Fuente Imágenes: Sony Pictures Releasing España

El Ministerio para la Transformación Digital y de la Función Pública, patrocinador único de la sección de industria del Festival de San Sebastián

2026-09-09T19:30:00.000+02:00

El Consejo de Ministros ha aprobado hoy un real decreto por el que concede al Festival de San Sebastián una subvención directa por valor de 500.000 euros, destinada a la consolidación del apartado dedicado a la industria de este certamen, el único español de clase A, la máxima categoría que reconoce la Federación Internacional de Asociaciones de Productores Cinematográficos (FIAPF) y a la que pertenecen también los festivales de Cannes, Venecia o la Berlinale. Así, el Ministerio para la Transformación Digital y de la Función Pública será patrocinador único de las actividades de industria del Festival. El objetivo de la iniciativa es consolidar esta sección, que actúa como punto de encuentro entre productores, inversores, plataformas, distribuidores, fondos e instituciones, facilitando debates estratégicos, networking, desarrollo de proyectos, innovación, acceso a financiación y proyección internacional del talento español.

Para ello, el real decreto contempla actuaciones como el refuerzo del Encuentro de Inversores Creativos y de la Jornada sobre el Futuro del Audiovisual que, organizada por el Ministerio para la Transformación Digital y de la Función Pública, convoca cada año al sector audiovisual español y a agentes internacionales, y que este año tendrá lugar el domingo 20 de septiembre en el Kursaal bajo el lema ‘El nuevo guion del audiovisual. Diversidad, inversión y futuro’. También servirá para impulsar el programa Zinemaldia & Technology y para aumentar a 30.000 euros la dotación del premio al mejor proyecto español del Zinemaldia Startup Challenge.

Según ha destacado el ministro Óscar López en el diálogo que ha mantenido este martes en la sede ministerial junto a José Luis Rebordinos, actual director del Zinemaldia, “con esta apuesta por el Festival de San Sebastián, reforzamos una infraestructura que resulta estratégica para el audiovisual español, por su capacidad para atraer inversión, crear oportunidades, conectar talento con financiación internacional y proyectar la imagen de España como Hub audiovisual europeo”.

Por su parte, José Luis Rebordinos ha agradecido el apoyo del Ministerio para la Transformación Digital y de la Función Pública, que “servirá para consolidar un crecimiento del apartado de Industria que lleva produciéndose ininterrumpidamente desde hace más de una década”. “Edición tras edición aumenta el número de personas acreditadas de industria, que el año pasado alcanzó el máximo histórico de 2.411. Este patrocinio dará un impulso aún mayor a actividades como Zinemaldia & Technology o al Encuentro de Inversores Creativos que cada año reúne en San Sebastián a importantes personalidades internacionales del sector audiovisual”, ha manifestado.

La actuación se enmarca en el Plan España, Hub Audiovisual de Europa (Spain Audiovisual Hub) que, financiado con fondos europeos del Plan de Recuperación, Transformación y Resiliencia y concebido como estrategia de país, actúa desde 2021 para atraer inversión y talento, reforzar el ecosistema industrial y convertir a España en un país líder en producción audiovisual en la era digital. En concreto, refuerza los objetivos de la segunda fase del Hub, centrada en instrumentos de financiación, inversión privada, colaboración público-privada y madurez industrial, a través de la Sociedad Española para la Transformación Tecnológica (SETT). El fortalecimiento y el apoyo a toda la cadena de valor y a todos los sectores de la industria dan un paso más con esta subvención, que multiplica las posibilidades del Festival de San Sebastián como un espacio referente para la innovación, el desarrollo y la cultura audiovisual.

Fuente: Festival de cine se San Sebastián

El ciclo de cine fantástico y de terror AETERNA se consolida en la cartelera madrileña y abrirá su cuarta temporada el 12 de septiembre con una proyección especial de “Gaua” de Paul Urkijo

2026-09-08T21:00:00.000+02:00

AETERNA, el ciclo madrileño de cine fantástico y de terror nacido en 2023, afronta su cuarta temporada consolidando su presencia en la cartelera de la capital tras tres años de actividad continuada. El nuevo curso arrancará este sábado 12 de septiembre a las 22:00 horas en el mk2 Cine Paz (C/ Fuencarral, 125) con una proyección especial de “Gaua”, de Paul Urkijo, y continuará con una película diferente cada mes hasta junio de 2027.

Una programación que volverá a combinar largometrajes de culto con cortometrajes previos a la mayoría de las sesiones, al tiempo que el proyecto mantendrá sus líneas paralelas AETERNA Equis y AETERNA Nova y prepara una segunda edición de la Muestra AETERNA.

“Gaua” es el tercer largometraje de Paul Urkijo tras “Errementari” e “Irati”, con el que el cineasta vuelve a sumergirse en el imaginario mitológico vasco a través de una historia de brujería, superstición y horror rural. Para la ocasión, AETERNA ofrecerá una versión en blanco y negro del filme, presentada por el propio director y precedida por “Dar-Dar” (2020), cortometraje que sirvió como germen de “Gaua” y en el que Urkijo ya exploraba algunas de las ideas visuales y folclóricas que desarrollaría posteriormente en el largometraje.

Nueve meses de cine de culto

El 24 de octubre llegará “Asalto a la comisaría del distrito 13” (1976), el largometraje que situó a John Carpenter en el mapa internacional y donde el cineasta trasladó los códigos del western al asedio de una comisaría de Los Ángeles por parte de una violenta banda callejera. La película estará precedida por “Amor de padre” (2026), cortometraje de Caye Casas, director de “Matar a Dios” y “La mesita del comedor”.

En noviembre será el turno de “Depredador 2” (1990), secuela dirigida por Stephen Hopkins que trasladó la cacería desde la jungla centroamericana hasta un Los Ángeles sumido en el caos, con Danny Glover al frente del reparto. La película amplió además la mitología del Depredador con nuevas armas, trofeos y detalles sobre su especie que acabarían convirtiéndose en elementos reconocibles de la franquicia. La sesión tendrá lugar el sábado 21 e incluirá también “Siempre hay un monstruo” (2026), cortometraje de Gastón Haag, que se proyectará como antesala de la película.

Diciembre cerrará el año con “Horizonte Final” (1997), filme de Paul W. S. Anderson protagonizado por Laurence Fishburne y Sam Neill que convirtió una misión de rescate espacial en una suerte de historia de casa encantada a bordo de una nave. Recibida con frialdad por crítica y público en su estreno, la película fue ganando seguidores con el paso del tiempo hasta alcanzar la condición de título de culto dentro del terror y la ciencia ficción de los 90. La sesión se celebrará el sábado 19 y estará precedida por “NUS” (2023), cortometraje dirigido por Marcos de Isidoro Martín.

Con la llegada de 2027, AETERNA recuperará en enero “Temblores” (1990), dirigida por Ron Underwood y protagonizada por Kevin Bacon y Fred Ward. Se trata de una mezcla de cine de monstruos, comedia y western contemporáneo que convirtió a sus gigantescas criaturas subterráneas, los graboides, en uno de los diseños más reconocibles del fantástico de la época. Sus efectos prácticos y su particular combinación de géneros dieron pie a una extensa franquicia de secuelas y adaptaciones televisivas. Como pieza previa se proyectará el cortometraje “Cara de cona”.

En febrero, AETERNA se acercará al J-horror con “Dark Water” (2002), adaptación de un relato de Kōji Suzuki dirigida por Hideo Nakata después del fenómeno internacional de “Ringu”. Su historia de fantasmas, articulada alrededor de una madre, su hija y un edificio invadido por filtraciones de agua, formó parte de la expansión mundial del terror japonés a comienzos de siglo y dio lugar a un remake estadounidense en 2005. El pase estará acompañado por el cortometraje “Tinieblas”, que podrá verse antes de la película.

Marzo cambiará de registro con “El quinto elemento” (1997), la space opera de Luc Besson protagonizada por Bruce Willis, Milla Jovovich y Gary Oldman, una de las producciones europeas más ambiciosas de su época y especialmente recordada por su exuberante diseño visual, con vestuario de Jean Paul Gaultier y una marcada influencia del cómic francés.

En abril llegará la versión de 1990 de “La noche de los muertos vivientes”, dirigida por Tom Savini a partir del clásico de George A. Romero, que regresó también como guionista de esta nueva adaptación. Con Tony Todd y Patricia Tallman, la película actualizó el original tanto en su apartado visual como en la construcción de algunos personajes, especialmente el de Barbara, aquí mucho más activo y alejado de la indefensión de su precedente. La sesión incluirá también el cortometraje “Open Mic”.

La cita de mayo quedará en manos de “Maniac Cop” (1988), cruce de slasher y thriller policial dirigido por William Lustig a partir de un guion de Larry Cohen, con Tom Atkins, Bruce Campbell y Robert Z’Dar en el reparto. La figura del agente Matt Cordell, un policía convertido en asesino implacable, terminaría prolongando su particular leyenda a través de dos secuelas.

La temporada se despedirá en junio con “El corazón del ángel” (1987), thriller de Alan Parker protagonizado por Mickey Rourke y Robert De Niro que arranca como una investigación detectivesca para adentrarse progresivamente en el ocultismo, el vudú y lo sobrenatural. Ambientada entre Nueva York y la Luisiana de los años 50, la película mezcla cine negro, misterio y horror en una trama cada vez más turbia y perturbadora.

Los ciclos paralelos de AETERNA

La vertiente más salvaje del proyecto seguirá teniendo su espacio en AETERNA Equis, que regresará a Sala Equis con cuatro nuevas sesiones. La programación arrancará en noviembre con “Blood Feast” (1963), título pionero del cine gore dirigido por Herschell Gordon Lewis, y continuará en enero con “Cannibal! The Musical” (1993), comedia de humor negro realizada por Trey Parker antes de alcanzar la fama mundial con “South Park”. Marzo quedará reservado para “Frankenhooker” (1990), la particular revisión del mito de Frankenstein firmada por Frank Henenlotter, mientras que “Beneath the Valley of the Ultra-Vixens” (1979), de Russ Meyer, cerrará el ciclo en junio.

Por su parte, AETERNA Nova mantendrá su apuesta por los preestrenos de cine fantástico y de terror. Desde su puesta en marcha en 2024, esta línea ha presentado ya cerca de medio centenar de títulos en colaboración con distribuidoras como Filmin, DeAPlaneta, Filmax, Sony Pictures, Warner Bros. o Tripictures. La primera cita confirmada del nuevo curso será “Hope” (2026), nueva película del surcoreano Na Hong-jin, director de “The Wailing”, que podrá verse el 29 de octubre en mk2 Cine Paz antes de su estreno comercial, de la mano de MUBI España. El 11 de noviembre será el turno de “Victorian Psycho” (2026), thriller de terror dirigido por Zachary Wigon y protagonizado por Maika Monroe, que llegará a AETERNA Nova de la mano de Diamond Films.

Además, este año llegará también el sello AETERNA Toon, una nueva línea dedicada al cine de animación que se incorporará próximamente a la programación de mk2 Cine Paz. Sus sesiones recuperarán clásicos animados de diferentes estilos y épocas, acompañados por cortometrajes españoles de animación.

La Muestra AETERNA regresará en 2027

La Muestra AETERNA de Cine Fantástico regresará a Madrid en abril de 2027 con una segunda edición, tras reunir en su primera convocatoria trece proyecciones durante tres jornadas en mk2 Cine Paz y mk2 Palacio de Hielo. El programa de 2026 combinó clásicos, preestrenos y títulos inéditos, con la participación de cineastas como Jaume Balagueró y Paul Urkijo y sesiones dedicadas a películas como “Perfect Blue”, “Los sin nombre” o el preestreno en España de “Whistle. El silbido del mal”.

La nueva edición mantendrá la vocación de la Muestra como punto de encuentro para los aficionados al cine fantástico y de terror en Madrid y como espacio para reunir películas de distintas épocas y procedencias con presentaciones y encuentros con cineastas. Las fechas definitivas y la programación se anunciarán próximamente.

Toda la información sobre AETERNA está disponible en las redes oficiales de @AeternaMadrid, y en las páginas web oficiales de mk2 y Sala Equis.

Programación de la cuarta temporada de AETERNA

12 de septiembre de 2026 — “Gaua” (2026), en blanco y negro + “Dar-Dar” (2020), con presentación de Paul Urkijo.

24 de octubre de 2026 — “Asalto a la comisaría del distrito 13” (1976) + “Amor de padre” (2026).

21 de noviembre de 2026 — “Depredador 2” (1990) + “Siempre hay un monstruo” (2026).

19 de diciembre de 2026 — “Horizonte Final” (1997) + “NUS” (2023).

Enero de 2027 — “Temblores” (1990) + “Cara de cona”.

Febrero de 2027 — “Dark Water” (2002) + “Tinieblas”.

Marzo de 2027 — “El quinto elemento” (1997).

Abril de 2027 — “La noche de los muertos vivientes” (1990) + “Open Mic”.

Mayo de 2027 — “Maniac Cop” (1988).

Junio de 2027 — “El corazón del ángel” (1987).

‘One Battle After Another’, de Paul Thomas Anderson, galardonada con el Gran Premio FIPRESCI a la mejor película del año

2026-09-07T18:14:00.000+02:00

One Battle After Another (Una batalla tras otra, 2025), dirigida por Paul Thomas Anderson, ha obtenido el Gran Premio FIPRESCI al ser votada como mejor película del año 2026 por los miembros de FIPRESCI, la Federación Internacional de Críticos de Cine. Es la asociación más antigua de profesionales de la crítica y el periodismo cinematográficos que celebró su centenario en 2025. En la votación han participado 591 críticas y críticos de 69 países, que han elegido esta producción estadounidense de entre todas las estrenadas desde el 1 de julio de 2025.

Será la cuarta vez que una película de Paul Thomas Anderson consiga este reconocimiento, tras Magnolia (1999), There Will Be Blood (Pozos de ambición, 2007), que el director recibió en el escenario del Kursaal en 2008, y Phantom Thread (El hilo invisible, 2018).

El premio se entregará durante la gala de inauguración del 74º Festival de San Sebastián el 18 de septiembre. Ese mismo día se programará una proyección del filme, cuyo horario se anunciará el 7 de septiembre.

One Battle After Another fue la gran vencedora en la pasada edición de los Oscar con seis estatuillas: Mejor película, dirección, actor protagonista, actor de reparto, casting, guion adaptado y montaje.

Las otras cuatro finalistas han sido Stille Freundin / Silent Friend (El amigo silencioso), de Ildikó Enyedi, Premio FIPRESCI en Venecia; The Voice of Hind Rajab (La voz de Hind), de Kahouter Ben Hania, León de Plata - Gran Premio del Jurado en Venecia y Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián; Hamnet, de Chloé Zhao, Premio del público en los festivales de Toronto y Valladolid; y Fjord de Cristian Mungiu, Palma de Oro, Premio del Jurado y Premio FIPRESCI del pasado Festival de Cannes y que participará en Perlak.

Desde su creación en 1999 han recibido el Gran Premio FIPRESCI películas de cineastas de la talla de Maren Ade, Pedro Almodóvar, Paul Thomas Anderson, Nuri Bilge Ceylan, Alfonso Cuarón, Jean-Luc Godard, Ryûsuke Hamaguchi, Michael Haneke, Aki Kaurismäki, Abdellatif Kekiche, Kim Ki-duk, Yorgos Lanthimos, Richard Linklater, Terrence Malick, George Miller, Cristian Mungiu, Jafar Panahi, Roman Polanski, Chloé Zhao y Walter Salles.

One Battle After Another (Una batalla tras otra)

Paul Thomas Anderson (EEUU)

País(es) de producción: EEUU

Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Sean Penn, Benicio del Toro, Regina Hall, Teyana Taylor

Un exrrevolucionario, tras años apartado de la lucha, se ve obligado a volver a la acción para enfrentar a viejos enemigos en un ambiente cargado de tensión política, racismo y violencia militar... Adaptación modernizada de la novela Vineland, de Thomas Pynchon (1990), sobre los movimientos radicales de los años sesenta.

Warner Bros. Pictures presenta “Una batalla tras otra,” escrita, dirigida y producida por Paul Thomas Anderson, protagonizada por los ganadores de los premios Oscar y BAFTA, Leonardo DiCaprio, Sean Penn, Benicio Del Toro y Chase Infiniti.

Bob, el ya acabado revolucionario (DiCaprio) existe en un estado de paranoia y drogado. Sobrevive desconectado de los demás con Willa, su enérgica y auto-suficiente hija (Infiniti). Cuando su malvado archienemigo (Penn) reaparece al cabo de 16 años y ella desaparece, el ex radical lucha para encontrarla. Tanto la hija como el padre, tienen que luchar contra las consecuencias del pasado de éste.

Anderson dirige su propio guion. Los productores son los nominados a los Oscar y los BAFTA , Adam Somner, Sara Murphy y Anderson, con Will Weiske como productor ejecutivo.

Fuente: Festival de cine se San Sebastián

‘El desencanto’ de Jaime Chávarri inaugurará Klasikoak, que rescatará largometrajes de Lisa Cholodenko, Ana Díez, Milos Forman, Pere Portabella, Jacques Tati, Fernando Trueba, Andrzej Vajda y Agnes Varda

2026-09-04T18:24:00.000+02:00

El desencanto (1976), la película de Jaime Chávarri que hace 50 años sus responsables retiraron de la programación del Festival de San Sebastián, inaugurará la sección Klasikoak de la 74ª edición del certamen. Será el primero de nueve títulos entre los que también figuran trabajos de Lisa Cholodenko, Ana Díez, Milos Forman, Pere Portabella, Jacques Tati, Fernando Trueba, Andrzej Vajda y Agnès Varda.

La selección de obras restauradas ha sido dada a conocer hoy en la sala de cine de Tabakalera por los responsables del Festival de San Sebastián, José Luis Rebordinos, y de la Filmoteca Vasca, Joxean Fernández, quienes han presentado además los distintos carteles de las tres programaciones que integran la iniciativa Klasikoak: la sección homónima del Festival; su retrospectiva clásica, dedicada en esta edición al director y guionista José Giovanni; y el ciclo coorganizado con Filmoteca Vasca, que contará con Casablanca como el primero de los once títulos que se proyectarán entre octubre y diciembre en Vitoria, Pamplona, San Sebastián, Bilbao y San Juan de Luz.

Así, en total, bajo la marca Klasikoak se ofrecerán entre septiembre y diciembre 40 títulos repartidos en 101 proyecciones de clásicos antiguos y modernos, tanto películas consagradas como hallazgos.

Klasikoak, concebido como un festival de cine clásico expandido en el tiempo y en el espacio, es un programa que no está planteado “como un mero ejercicio de nostalgia”. “Lo que proponemos es contemplar el cine del pasado con los ojos del presente porque las películas no permanecen inmutables. En cada nueva proyección nuestra manera de mirarlas puede cambiar y, de hecho, un clásico de hace 50 o 60 años nos puede hablar de temas muy vigentes y servir para nos hagamos nuevas preguntas”, ha señalado Rebordinos.

Sección Klasikoak

La inauguración de Klasikoak servirá como acto de reparación a El desencanto (1976), película de Jaime Chávarri (Madrid, 1943) que no llegó a competir en la 24º edición del Festival de San Sebastián porque sus responsables la retiraron de la programación en protesta por el asesinato del manifestante Josu Zabala a manos de la Guardia Civil. Tabakalera acoge hasta el 27 de septiembre una exposición sobre el filme y cómo su retirada fue decisiva en la posterior democratización del Festival. Tras alumbrar esta influyente disección de la familia Panero, Chávarri volvió al certamen con A un Dios desconocido (1977), Premio Perla del Cantábrico, y dirigió títulos como Las bicicletas son para el verano (1984), Las cosas del querer (1989), Besos para todos (Made in Spanish, 2000) o Camarón (Velódromo, 2005).

High Art (1998), que cuenta el romance entre una joven becaria en una empresa de revistas y una fotógrafa drogadicta, fue el primer largometraje escrito y dirigido por Lisa Cholodenko (Los Ángeles, 1964), quien después firmó títulos como Laurel Canyon (La calle de las tentaciones, 2002), Cavedweller (Regreso al hogar, 2004) y The Kids Are Alright (Los chicos están bien, 2010). Su debut compitió en Sundance, donde su guion fue distinguido con el Premio Waldo Salt, y participó en la Quincena de Cineastas de Cannes.

La sección contará además con la ya anunciada proyección de Ander eta Yul (Ander y Yul, 1988), de Ana Díez (Tudela, 1957). En una versión restaurada por la Filmoteca Vasca y EITB, esta obra destacada de la cinematografía vasca se proyectará en 4K, regresa al certamen donostiarra donde se estrenó hace 38 años, concretamente, en Zabaltegi-New Directors, y por la que se llevó el Goya a mejor directora novel.

One flew over the cuckoo’s nest (Alguien voló sobre el nido del cuco, 1975), en la que Miloš Forman (Čáslav, 1932 - Danbury, EEUU, 2018) cuenta la historia de un criminal que alega locura para ser enviado a un centro de salud mental, ganó cinco Oscars, entre ellos los de mejor película, director y mejor interpretación masculina (Jack Nicholson) y femenina (Louise Fletcher). Tras dirigir sus primeros filmes en su Checoslovaquia natal, en 1968 Forman se exilió en EEUU donde dirigió títulos tan exitosos como Amadeus (1984), The People vs. Larry Flynt (El escándalo de Larry Flynt, 1996) o Man on the Moon (1999). En España rodó Goya’s Ghosts (Los fantasmas de Goya, 2006), que contó con Javier Bardem en el reparto.

Una profesora, un escritor y un director de orquesta que coinciden en un cóctel es el punto de partida de Pont de Varsòvia / Warsaw Bridge (Puente de Varsovia, 1989), la película con la que Pere Portabella (Figueres, 1927) estuvo por última vez en la Quincena de Cineastas de Cannes. También participó en dicha sección con Nocturn 29 (1968), Vàmpir-Cuadecuc (1970) y Umbracle (1972). El cineasta catalán participó en Made in Spain en 2024 con el segmento El plan hidrológico en el filme colectivo Hay motivo.

Parade (Zafarrancho en el circo, 1974) es el último largometraje de Jacques Tati (Le Pecq, 1907 - París, 1982) y podrá verse en San Sebastián 42 años después de su estreno en Cannes fuera de concurso. Para su despedida, el director de clásicos como Jour de fête (Día de fiesta, 1949), Les Vacances de Monsieur Hulot (Las vacaciones del señor Hulot, 1953) o Mon oncle (Mi tío, 1958), regresó al music-hall para la televisión sueca en un circo de Estocolmo, recuperando los números de mimo que lo hicieron célebre.

Chicho o mientras el cuerpo aguante (una comedia didáctica) (Sección Oficial, 1982) es un largometraje de no ficción sobre la vida del cantautor y filósofo Chicho Sánchez Ferlosio a través de sus canciones de resistencia. Se trata del segundo largometraje de Fernando Trueba (Madrid, 1955), ganador del Oscar a la mejor película internacional por Belle époque (1993) y que este año presentará también en San Sebastián otra película musical, Bajañí, programada fuera de concurso como Proyección Especial de la Sección Oficial.

El Festival también volverá a mostrar Niewinni czarodzieje / Innocent Sorcerers (Los brujos inocentes, 1960), que fue una de las películas que participaron en 1961 en las II Jornadas Internacionales de Escuelas de Cinematografía en San Sebastián, y que es un retrato íntimo de la juventud urbana en la Polonia de la posguerra. El cineasta polaco Andzrej Wajda (Suwałki, 1926 – Varsovia, 2016) concursó en la Sección Oficial con Wesele (La boda, 1973), que ganó la Concha de Plata al mejor director; con Dyrygent (El director de orquesta, Premio FIPRESCI, 1980), y con Człowiek z żelaza (El hombre de hierro, 1981), que fue antes Palma de Oro en Cannes y estuvo nominada al Oscar.

También se verá en Klasikoak Sans toi ni loi / Vagabond (Sin techo ni ley, 1985), ganadora del León de Oro y del FIPRESCI en el Festival de Venecia dirigida por la pionera de la Nouvelle Vague, Agnès Varda (Ixelles, Bélgica, 1928 - París, 2019), la película recorre las últimas semanas de una joven vagabunda que aparece congelada en una zanja al sur de Francia. Entre la filmografía de la cineasta belga destacan Cléo de 5 à 7 (Cleo de cinco a siete, 1962), que compitió en Cannes; Daguerréotypes, incluido en el ciclo Cine realizado por mujeres en San Sebastían en 1978; Les plages d’Agnès (Las playas de Agnès, 2008), incluida en el ciclo .doc-Nuevos caminos de la no ficción en San Sebastián 2010, y Visages, Villages (Caras y lugares, codirigida con JR, 2017), Oeil d’Or al mejor documental en Cannes, nominado al Oscar y proyectado en San Sebastián en 2017, cuando Varda recibió el Premio Donostia.

Retrospectiva José Giovanni

Como ya se anunció recientemente un total de 20 largometrajes estrenados entre 1960 y 2001 integrarán la retrospectiva dedicada al cineasta, guionista y novelista francés José Giovanni, figura indiscutible de la gran era del cine policíaco francés. En su 74ª edición, el Festival de San Sebastián recuperará la práctica totalidad de la obra que Giovanni firmó como director, así como ocho títulos que escribió para realizadores como Jacques Becker, Jean-Pierre Melville, Jacques Deray, Claude Sautet, Henri Verneuil y Robert Enrico.

Organizado por el Festival y la Filmoteca Vasca con la colaboración de Filmoteca Española, el ciclo contará además con la publicación del libro José Giovanni. No hay vida plena sin piedad, escrito por Felipe Cabrerizo y editado por Quim Casas, crítico y miembro del comité de Selección del Festival.

El ciclo Klasikoak continúa de octubre a diciembre

La Filmoteca Vasca y el Festival de San Sebastián continuarán con la programación de Klasikoak entre octubre y diciembre. El ciclo comenzará con Casablanca (Michael Curtiz, 1942), película que la institución vasca proyecta por primera vez y cuyos protagonistas -Ingrid Bergman y Humphrey Bogart- son la imagen del cartel de esta edición. En palabras de Joxean Fernández, director de la Filmoteca Vasca, “Casablanca es un clásico entre los clásicos de Hollywood. Dirigida por un húngaro, protagonizada por una sueca y un estadounidense, con un reparto realmente internacional, pléyade apabullante de secundarios. La puesta en escena y los diálogos de Casablanca logran un insuperable aliento romántico y explicitan sus convicciones antifascistas. Para quien no la conozca, descubrirla a estas alturas del siglo XXI en pantalla grande y versión original debería ser una inolvidable experiencia íntima; revisitarla en esas mismas condiciones debería ser volver a sentir que solo las dosis secretas y exactas de talento y azar pueden parir la perfección”.

Asimismo, Fernández ha subrayado la importancia de esta iniciativa compartida: “La colaboración con el Festival de San Sebastián y con otras cinematecas refuerza nuestra red de trabajo, tanto aquí como en el ámbito internacional. Gracias a estas alianzas, podemos seguir acercando al público vasco grandes clásicos del cine. Klasikoak nos recuerda para en este ámbito lo que el filósofo y profesor Nuccio Ordine siempre ha escrito para los clásicos en la literatura: tienen una naturaleza viva y atemporal, nos enseñan el arte de vivir, nos ayudan a trabajar una mirada analítica sobre la realidad, despiertan la curiosidad desprejuiciada y cultivan nuestra empatía.

Casablanca (Michael Curtiz, 1942) se proyectará el 7 de octubre en Vitoria (Artium Museoa), el 8 en Pamplona (Golem), el 9 en San Sebastián (Tabakalera), el 10 en Bilbao (Museo Bellas Artes) y el 12 en San Juan de Luz (Le Sélect).

El programa completo, que incluirá once títulos y varias presentaciones, se anunciará a finales de septiembre.

El desencanto

Jaime Chávarri (España)

País(es) de producción: España - 1976

Inauguración

Tras la muerte del poeta oficial del régimen franquista, Leopoldo Panero, su viuda (Felicidad Blanc) y sus tres hijos (Juan Luis, Leopoldo María y Michi) se reúnen para recordar su figura. Rodada en las postrimerías del franquismo, la película se convirtió en una metáfora involuntaria de un país que empezaba a airear sus secretos y en un emblema de la Transición Española.

Niewinni czarodzieje / Innocent Sorcerers (Los brujos inocentes)

Andrzej Wajda (Polonia)

País(es) de producción: Polonia - 1960

Intérpretes: Tadeusz Łomnicki, Krystyna Stypułkowska, Zbigniew Cybulski, Roman Polanski

Clausura

La historia sigue a Andrzej, un joven médico y amante del jazz, que vive una vida despreocupada y algo cínica. Una noche conoce a una misteriosa chica llamada Pelagia y ambos inician un juego de seducción lleno de máscaras, ironía y desconfianza. A lo largo de unas pocas horas, su relación evoluciona entre la atracción y el distanciamiento, revelando la dificultad de establecer vínculos auténticos en un entorno marcado por la incertidumbre emocional.

Parade (Zafarrancho en el circo)

Jacques Tati (Francia)

País(es) de producción: Francia - Suecia - 1974

Intérpretes: Jacques Tati

Vuelta a la pista y al music-hall para Tati, quien, en el circo de Estocolmo y para la televisión sueca, graba en vídeo los números de mimo que le hicieron famoso en toda Europa. Rodeado de artistas virtuosos: músicos, payasos, acróbatas, en un ambiente de alegría y total libertad, Tati plantea la cuestión del relevo generacional y celebra la colorida inventiva de la infancia.

One Flew Over the Cuckoo's Nest (Alguien voló sobre el nido del cuco)

Miloš Forman (República Checa)

País(es) de producción: EEUU - 1975

Intérpretes: Jack Nicholson, Louise Fletcher, Will Sampson, Danny DeVito, Brad Dourif

Cuando Randle Patrick McMurphy es trasladado desde una granja-prisión a un sanatorio mental para ser evaluado, cree que allí encontrará un entorno menos restrictivo. Sin embargo, la estricta enfermera Ratched dirige la unidad psiquiátrica con mano de hierro, sometiendo a los pacientes mediante abusos, medicación y sesiones de terapia electroconvulsiva. El pulso entre el rebelde McMurphy y la inflexible Ratched pronto afectará a todos los pacientes del pabellón.

Chicho o mientras el cuerpo aguante (una comedia didáctica)

Fernando Trueba (España)

País(es) de producción: España - 1982

Intérpretes: Chicho Sánchez Ferlosio, Rosa Jiménez, Isabel Escudero

No ficción sobre la vida del cantautor y filósofo Chicho Sánchez Ferlosio, hijo del escritor falangista Rafael Sánchez Mazas y hermano del escritor Rafael Sánchez Ferlosio. La película retrata la vida cotidiana y las reflexiones de un cantautor irrepetible, por entonces alejado de la vida política y social, así como el propio dispositivo de rodaje, con Fernando Trueba dirigiendo su segundo largometraje. Un acercamiento a la vida de Chicho y su compañera Rosa a través de sus canciones de resistencia.

Sans toit ni loi / Vagabond (Sin techo ni ley)

Agnès Varda (Bélgica)

País(es) de producción: Francia - 1985

Intérpretes: Sandrine Bonnaire, Macha Méril, Stéphane Freiss

En invierno, en el sur de Francia, encuentran a una joven congelada en una zanja. Está descuidada, es una vagabunda. A través de flashbacks y breves entrevistas, recorremos sus últimas semanas, en las que acampa sola o se relaciona con diversos hombres y mujeres, muchos de los cuales proyectan sus necesidades en ella o intentan marcarle el rumbo de su vida. A través de otros encuentros, y de alguna ayuda que ella rechaza, se empuja a sí misma a estar cada vez más sola y en silencio.

Ander eta Yul (Ander y Yul)

Ana Díez (España)

País(es) de producción: España - 1989

Intérpretes: Miguel Munárriz, Isidoro Fernández, Carmen Pardo, Joseba Apaolaza, Ramón Barea, Ramón Agirre, Aizpea Goenaga, Eneko Olasagasti, Mikel Garmendia

Ander, excarcelado después de cumplir condena, vuelve a su casa paterna. El regreso le devuelve la nostalgia de una familia con la que había cortado cualquier tipo de relación y el paisaje urbano le sitúa ante un amor que llega a rozar. La vuelta le reencuentra con Yul, su mejor amigo, que probablemente le sustituyó en casa cuando él decidió marcharse. Sin embargo, la sociedad en la que viven les emplaza, sin que puedan hacer nada por impedirlo, ante un destino que se manifestará implacable.

Pont de Varsòvia / Warsaw Bridge (Puente de Varsovia)

Pere Portabella (España)

País(es) de producción: España - 1990

Intérpretes: Carme Elías, Paco Guijar, Jordi Dauder, Josep Maria Pou, Ona Planas, Francesc Orella, Pep Ferrer, Jaume Comas

Una profesora, un escritor y un director de orquesta - tres personajes, dos parejas - asisten a un gran cóctel literario. El escritor acaba de obtener el premio de novela por su obra Puente de Varsovia. El ganador contesta una tras otra las preguntas de los periodistas, pero es incapaz de hacer una síntesis del argumento de su libro. De modo que habrá que leerlo. Seguidamente, en un bosque quemado aparece vestido con un equipo de submarinista el cadáver del director de orquesta

High Art

Lisa Chodolenko (EEUU)

País(es) de producción: Canadá - EEUU - 1998

Intérpretes: Radha Mitchell, Ally Sheedy

Una joven becaria en una pequeña empresa de revistas y una fotógrafa drogadicta se enamoran lentamente mientras se explotan mutuamente para avanzar en sus respectivas carreras.

El Festival de San Sebastián reconoce a Naomi Watts con un Premio Donostia

2026-09-03T18:51:00.000+02:00

Naomi Watts, una de las actrices más talentosas y reconocidas de su generación, recibirá el Premio Donostia el sábado 19 de septiembre en una gala en el Kursaal. La actriz y productora presentará en la 74ª edición del Festival de San Sebastián el largometraje The Housewife (La esposa perfecta), debut en la dirección del canadiense Ben Shirinian.

El trabajo de Watts combina cine de autor con grandes producciones en la pequeña y en la gran pantalla. Ha estado nominada al Óscar en dos ocasiones: por su papel en 21 Grams (21 gramos, 2003), de Alejandro González Iñárritu, y por el de The Impossible (Lo imposible, Sección Oficial fuera de concurso, 2012), de J.A. Bayona.

Su consagración internacional llegó gracias a Mulholland Dr. (Mulholland Drive, 2001), de David Lynch, una interpretación considerada referente del cine contemporáneo. También ha trabajado con cineastas como Peter Jackson, David Cronenberg, Clint Eastwood, Michael Haneke, Audrey Diwan, Noah Baumbach o Rodrigo García, con quien en 2009 viajó a San Sebastián para clausurar la Sección Oficial fuera de concurso con Mother & Child (Madres e hijas).

The Housewife (La esposa perfecta), que será la Proyección Premio Donostia, es el primer largometraje de Ben Shirinian, protagonizado por Naomi Watts, Tye Sheridan, Luke Evans, Michael Imperioli y Lena Olin. Ambientado en 1964 y basado en un hecho real, el filme cuenta la historia de un joven periodista que descubre que un supuesto antiguo nazi vive oculto en Nueva York y que entabla amistad con la adorable esposa del principal sospechoso. Antes de su debut en el largometraje, el director canadiense ha firmado cortometrajes como Lost in Motion (2012), Lost in Motion 2 (2013) y Josef et Aimée (2015).

The Housewife (La esposa perfecta)

Ben Shirinian (Canadá)

País(es) de producción: EEUU

Intérpretes: Naomi Watts, Tye Sheridan, Luke Evans, Michael Imperioli, Lena Olin, Debi Mazar

Nueva York, 1964. Un joven periodista descubre que un presunto oficial nazi está viviendo en la clandestinidad en el barrio de Queens. Cuando entabla amistad con la encantadora esposa del principal sospechoso su investigación toma un giro inesperado, poniendo en jaque su integridad periodística. Basada en una historia real.

Biografía Naomi Watts

Naomi Watts es una de las actrices más respetadas y reconocidas de su generación. Famosa por sus interpretaciones arriesgadas y su extraordinario abanico de registros, ha forjado una exitosa carrera que abarca el cine, la televisión y la producción, lo que le ha valido dos nominaciones a los Óscars, una nominación a los Emmy y numerosos galardones de las entidades más prestigiosas del sector. Más allá de la interpretación, Watts es una reputada productora, emprendedora y activista cuya labor ha contribuido a redefinir el debate en torno a la salud de la comunidad femenina. En 2025, alcanzó el hito de ser autora de un éxito de ventas con Dare I Say It: Everything I Wish I'd Known About Menopause (Me atrevo a contarlo: Todo lo que me hubiera gustado saber sobre la menopausia (Testimonios de vida), que debutó en la lista de los más vendidos del New York Times.

Watts obtuvo su primera nominación a los premios Emmy por su elogiada interpretación de Babe Paley en Feud: Capote vs. The Swans, de Ryan Murphy, la segunda entrega de la exitosa serie antológica de FX. Su sutil transformación le valió el reconocimiento generalizado de la crítica, así como nominaciones a los Globos de Oro y a los Critics Choice Awards. Watts también ejerció de productora ejecutiva de la serie, que recibió diez nominaciones a los premios Emmy.

Ha vuelto a trabajar con Ryan Murphy en la serie judicial de Hulu All's Fair, de la que es productora ejecutiva y que protagoniza junto a Glenn Close, Sarah Paulson, Niecy Nash, Teyana Taylor y Kim Kardashian. La segunda temporada de la serie se encuentra actualmente en fase de producción. Además, protagonizó recientemente la serie antológica de Murphy para FX Love Story, en la que interpretó a Jackie Kennedy, y apareció como actriz invitada en la serie para Netflix Too Much, comedia romántica de Lena Dunham.

En la gran pantalla, Watts protagoniza este año, junto a Tye Sheridan y Michael Imperioli, el thriller psicológico The Housewife, además de actuar en el debut en la dirección de Cody Fern, Closing Night, junto a Sarah Paulson y Odessa A'zion. También interpretará a la legendaria bailarina Margot Fonteyn en el drama romántico sobre ballet Margot & Rudi. Más recientemente, protagonizó junto a Bill Murray la aclamada adaptación de Scott McGehee y David Siegel de la novela superventas de Sigrid Núñez, The Friend, de la que también fue productora ejecutiva.

Watts recibió su primera nominación al Óscar a la mejor actriz por la película 21 grams (21 gramos), de Alejandro G. Iñárritu, en la que trabajó con Sean Penn y Benicio Del Toro. Su interpretación también le valió nominaciones a los premios BAFTA y del Sindicato de Actores (SAG), además de numerosos reconocimientos de la crítica. Recibió su segunda nominación al Óscar por The Impossible (Lo imposible), de J. A. Bayona, con la que consiguió un Globo de Oro, un premio SAG, un Critics' Choice y numerosos galardones internacionales. También ha sido nominada a los premios del Sindicato de Actores por St. Vincent, junto a Bill Murray, e intervenido en Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance) (Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia), filme de Iñárritu ganador del Óscar a la mejor película.

Su salto a la fama se produjo con la emblemática obra maestra de David Lynch, Mulholland Drive, donde su inolvidable doble interpretación como Betty Elms y Diane Selwyn la consagró como uno de los talentos más interesantes del panorama cinematográfico. El papel le valió el premio a la mejor actriz otorgado por la National Board of Review, the National Society of Film Critics y numerosas asociaciones de críticos de todo el mundo. Más de dos décadas después, esta interpretación sigue considerándose una de las más destacadas de los últimos tiempos, que The Ringer ha calificado recientemente como la mejor interpretación en cine del siglo XXI.

A lo largo de su carrera, Watts ha compaginado aclamadas interpretaciones dramáticas con producciones de grandes estudios. Entre su amplio historial en la gran pantalla destacan King Kong, de Peter Jackson; The Ring y The Ring 2, de Gore Verbinski; Eastern Promises (Promesas del este), de David Cronenberg; Funny Games, de Michael Haneke; Fair Game, de Doug Liman; J. Edgar, de Clint Eastwood; While We're Young (Mientras seamos jóvenes), de Noah Baumbach; Mother and Child (Madres & hijas), que le valió una nominación a los Premios Independent Spirit; The Painted Veil (El velo pintado), We Don't Live Here Anymore (Ya no somos dos), Adore (Dos madres perfectas), Luce, Ophelia (Ofelia), The Glass Castle (El castillo de cristal), The Book of Henry (El libro secreto de Henry), Infinite Storm (Tormenta infinita), Goodnight Mommy (Buenas noches, mamá) y Emmanuelle, de Audrey Diwan. También ha ejercido de productora en varios proyectos, entre los que se incluyen The Painted Veil, We Don't Live Here Anymore, Funny Games, Adore, 3 Generations, The Wolf Hour y Penguin Bloom.

Su trayectoria en televisión es igualmente notable, con papeles protagonistas en The Watcher (Vigilante), de Netflix; The Loudest Voice (La voz más alta), de Showtime, donde interpretó a Gretchen Carlson junto a Russell Crowe; Twin Peaks: The Return, de David Lynch; Gypsy, de Netflix, que también produjo; y una memorable aparición especial en BoJack Horseman, de Netflix.

A lo largo de su carrera, Watts ha recibido otros muchos galardones, entre los que se incluyen el Premio Montecito del Festival de Santa Bárbara, el Premio Desert Palm a la mejor actriz del Festival de Palm Springs, el Premio Estrella femenina del mañana de ShoWest, el Premio al mejor debut interpretativo del Festival de Hollywood y un homenaje a su trayectoria por parte del Festival de Cine Americano de Deauville.

Nacida en Inglaterra y criada en Australia, Watts comenzó a estudiar interpretación cuando era una adolescente, para debutar en el cine con la película Flirting, de John Duigan. Más tarde, produjo y protagonizó el cortometraje Ellie Parker, que se estrenó en la sección competitiva del Festival de Sundance y que posteriormente sería un largometraje.

Fuera del mundo del espectáculo, Watts es una comprometida activista por la salud femenina y la sensibilización sobre la menopausia. En 2022, fundó Stripes Beauty, una empresa de bienestar y belleza con base científica dedicada a normalizar la conversación sobre la menopausia, al tiempo que empodera a las mujeres a través de la educación, la creación de redes comunitarias y productos innovadores.

Venta de entradas para las galas de inauguración, clausura y la ceremonia del Premio Donostia

Mañana, 1 de septiembre, a las 10.00 horas, se pondrán a la venta las entradas tanto para la gala de inauguración, en la que Werner Herzog recibirá el Premio Donostia, como para la clausura, así como para la ceremonia de entrega del Premio Donostia a Naomi Watts. Estas tres sesiones de la de la 74ª edición del Festival de San Sebastián tendrán lugar en el Auditorio Kursaal. Además, el Velódromo acogerá la retransmisión en directo de la ceremonia de clausura en una sesión que también incluirá la proyección de las películas de clausura de la Sección Oficial y de Perlak.

Por primera vez, las galas del Festival de San Sebastián estarán escritas y dirigidas por Fer Pérez, que ha firmado el guion de películas dirigidas por Paco León, como Kiki, el amor se hace o Arde, Madrid. El cineasta sevillano presenta este año además en Made in Spain, Los justos / The Righteous, su debut en el largometraje de ficción, dirigido junto a Jorge A. Lara, con quien también ha trabajado en el guion de Aída.

Las actrices Fariba Sheikhan y Mariona Terés serán las encargadas de presentar la gala inaugural, que tendrá lugar el próximo 18 de septiembre a las 20:30 horas, con la colaboración de Cayetana Guillén-Cuervo. Durante la ceremonia, se hará entrega del Premio Donostia al director, guionista, productor y actor Werner Herzog, y se entregará el Gran Premio FIPRESCI. En la misma gala, ese día se presentará al jurado oficial antes de la proyección de la película inaugural, Geister / Ghost Song, de Fatih Akin.

Al día siguiente, sábado 19 de septiembre, tendrá lugar la ceremonia en la que Naomi Watts recogerá su Premio Donostia. La gala comenzará a las 22:15 horas y tras la ceremonia se proyectará The Housewife.

Por último, el sábado 26 de septiembre, a las 20:30 horas, se celebrará la ceremonia de clausura, presentada por la actriz Bárbara Goenaga y el actor Fernando Guallar. Durante la gala se entregarán los premios del 74ª Festival de San Sebastián y se proyectará Le Faux Soir, de Michaël R. Roskam, película que cerrará fuera de concurso la Sección Oficial de esta edición.

Como es habitual, el Velódromo acogerá también la retransmisión en directo de la gala y la proyección de la película de clausura. Antes de la ceremonia, a las 18:00 horas, Juste une illusion / Just an Illusion (Tiempos de ilusión), película de clausura fuera de concurso de la sección Perlak. Tras el pase de este largometraje y la retransmisión de la ceremonia, se proyectará en el Velódromo la película que cierra la Sección Oficial fuera de concurso, Le Faux Soir.

Las entradas para todas estas sesiones se pondrán a la venta mañana, 1 de septiembre, a partir de las 10:00 horas, a través de las páginas web del Festival de San Sebastián (sansebastianfestival.janto.es) y Kutxabank (tickets.kutxabank.es).

Las entradas para las galas de inauguración y clausura en el Kursaal tendrán un precio de 80 euros. Por su parte, las entradas para la ceremonia de entrega del Premio Donostia a Naomi Watts tendrán un precio de 50 euros zona general y 55 euros en zona B.

Los nuevos largometrajes de Ambrossi y Calvo, Araújo, Dhont, Hamaguchi, Hong-jin, Mungiu, McDonagh, Moretti, Pawlikowski, Sachs, Wilde y Zvyagintsev concursarán en la sección Perlak

2026-08-28T15:30:00.000+02:00

La sección Perlak de la 74ª edición del Festival de San Sebastián alberga un total de 16 largometrajes, la mayoría de ellos reconocidos en los principales festivales del mundo. Once de los títulos seleccionados han pasado por Cannes, entre ellos la Palma de Oro, los premios ex aequo a la mejor dirección y los galardones a la mejor interpretación femenina y masculina, mientras que otras películas proceden de festivales como Venecia, Berlín o Sundance. Todas las películas de la sección competirán por el Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián, a excepción de Juste une illusion, de Olivier Nakache y Eric Toledano, que clausurará Perlak fuera de concurso.

Después de mostrar en Perlak Nelyubov / Loveless (Sin amor, 2017), el cineasta ruso Andrey Zvyagintsev (Novosibirsk, 1964) volverá para inaugurar la sección con Minotaur (Minotauro), ganadora del Gran Premio del Jurado en Cannes. El largometraje, adaptación libre de la película La femme infidèle / The Unfaithful Wife (La mujer infiel, Claude Chabrol, 1969), es el retrato de un empresario de éxito cercado por distintas presiones cuya vida empieza a desmoronarse. Con su primer filme, Vozvrashchenie / The Return (El regreso, 2003), Zvyagintsev obtuvo el León de Oro de Venecia, y en el Festival de Cannes su película Izgnanie / The Banishment (Destierro, 2007) logró el Premio al mejor actor para Konstantin Lavronenko. Elena (2011) se llevó el Premio Especial del Jurado de la sección Un Certain Regard de Cannes, mientras que Leviafan / Leviathan (Leviatán, 2014) se convirtió en la primera película rusa en recibir un Globo de Oro, además de ganar el Premio al mejor guion en Cannes y ser nominada al Oscar a la mejor película extranjera.

Protagonizada por Louis Garrel, Camille Cottin y Pierre Lottin, Juste une illusion / Just an Illusion (Tiempos de ilusión) es la nueva película de Olivier Nakache (Suresnes, 1973) y Eric Toledano (París, 1971), que clausurará Perlak tras su exitoso estreno comercial en Francia. El tándem francés mantiene un estrecho vínculo con San Sebastián, cuya Sección Oficial clausuraron con el estreno mundial de Intouchables / Untouchable (Intocable), la película que les proyectó internacionalmente en 2011. Tras cerrar también la edición de 2014 con Samba, compitieron por la Concha de Oro por primera vez con Le sens de la fête / C’est la vie (2017) y, tras clausurar el Festival de Cannes fuera de concurso, volvieron a Perlak en 2019 con Hors Normes / The Specials (Especiales), que les brindó el Premio del Público a la Mejor Película.

Después de alzarse con el Premio del Público y el Gran Premio del Jurado en Sundance, y participar en competición oficial en la Berlinale, la cineasta estadounidense Beth de Araújo (San Francisco, 1985) mostrará en San Sebastián su segundo largometraje. Protagonizado por Channing Tatum, Gemma Chan y Mason Reeves, Josephine plasma el trauma de una niña tras presenciar accidentalmente una violación.

Conocido por codirigir con Alexandre Astier las películas de animación Astérix: Le Domaine des dieux (Astérix: La residencia de los dioses, 2014) y Astérix: Le Secret de la Potion Magique (Astérix: El secreto de la poción mágica, 2018), el animador francés Louis Clichy (Chartres, 1977) se estrena en solitario con Le corset / Iron Boy. Tras años dedicado a la animación 3D en Pixar, donde trabajó en películas como WALL-E (2008) o UP (2009), su primer largometraje está creado con animación tradicional y le ha valido el Premio Especial del Jurado en la sección Un Certain Regard de Cannes, así como el Premio Especial del Jurado y el Premio del Público al mejor largometraje en el Festival de Annecy.

Los actores Emmanuel Macchia y Valentin Campagne obtuvieron el premio a la mejor interpretación masculina ex aequo en Cannes por sus papeles en Coward (Cobarde), donde interpretan a dos soldados de la I Guerra Mundial que se enamoran. El cineasta belga Lukas Dhont (Gante, 1991) proyectará su tercer filme en San Sebastián, donde ya presentó su debut en el largometraje, Girl (Perlak, 2018). Tras alzarse con la Cámara de Oro a la mejor ópera prima en Un Certain Regard de Cannes, esta película ganó el Premio del Público y el Premio Sebastiane en San Sebastián. Su siguiente trabajo, Close, fue distinguido con el Gran Premio del Jurado en la competición oficial de Cannes, y logró una nominación al Oscar en 2022.

El escritor, productor y actor estadounidense Jordan Firstman (Nueva York, 1991) dirige y protagoniza su debut en el largometraje, Club Kid, cuyo reparto completan Cara Delevingne y Diego Calva, entre otros. Estrenado en Un Certain Regard de Cannes, el largometraje cuenta la historia de un promotor de fiestas de Nueva York, cuyo mundo de excesos cambia al conocer a un niño de 10 años que, según una mujer desconocida, es su hijo.

Virginie Efira y Tao Okamoto lograron en Cannes el premio ex aequo a la mejor interpretación femenina por sus papeles en Soudain / All of a Sudden (De repente), del director japonés Ryusuke Hamaguchi (Kawasaki, 1978), donde encarnan a dos amigas que reflexionan y divagan sobre el capitalismo y la solución a su inhumanidad. Hamaguchi regresa así al Festival, donde estrenó su ópera prima Passion (New Directors, 2008). Ha presentado Asako I & II (2018) en Perlak, sección a la que regresó en 2021 por partida doble con la ganadora del Oscar a la mejor película internacional Drive My Car (Gran Premio Fipresci, 2022) y Guzen to sozo / Wheel of Fortune and Fantasy (La ruleta de la fortuna y la fantasía), y en 2023 con Evil Does Not Exist (El mal no existe), ganadora del Premio Lurra.

El director surcoreano Na Hong-jin (Seúl, 1974) se estrenará en San Sebastián con Hope, un filme lleno de acción y humor con dos alienígenas a quienes dan vida Michael Fassbender y Alicia Vikander. Este largometraje, que fue seleccionado en la competición de Cannes, se suma a otras películas del cineasta como The Chaser (2008), proyectada en la sección Midnight Screenings de Cannes; The Yellow Sea (2010), estrenada en Un Certain Regard de Cannes, y Goksung / The Wailing (El extraño, 2016), mostrada fuera de concurso en el festival galo.

John Malkovich, Sam Rockwell y Steve Buscemi componen el reparto de Wild Horse Nine, la última película de Martin McDonagh (Camberwell, 1970). El cineasta británico ganó con Six Shooter (2004) el Oscar al mejor cortometraje de ficción y su primer largo, In Bruges (Escondidos en Brujas, 2008), recibió el BAFTA al mejor guion original y fue nominado al Oscar en la misma categoría. Con Three Billboards Outside Ebbing, Missouri (Tres anuncios en las afueras, Perlak, 2017) recibió el Premio del Público en San Sebastián, así como el Óscar para Frances McDormand y Sam Rockwell como mejor actriz principal y mejor actor de reparto, respectivamente, y el Globo de Oro a la mejor película, distinción que también obtuvo con The Banshees of Inisherin (Almas en pena de Inisherin, 2022).

Tras su estreno en el Festival de Venecia, el director y actor italiano Nanni Moretti (Brunico, 1953) presentará en el Festival Succederà questa notte / It Will Happen Tonight (Sucederá esta noche), que fue rodada parcialmente en San Sebastián el año pasado. La película se inspira libremente en la colección de relatos Hungry Heart / Lev Raev, del escritor Eshkol Nevo, y está protagonizada por Louis Garrel y Jasmine Trinca. El cineasta ha participado en Perlak con La stanza del figlio (La habitación del hijo, 2001), ganadora de la Palma de Oro en Cannes, y clausuró la sección en 2015 con Mia Madre, que también concursó en el certamen francés igual que lo hicieron Caro Diario, con la que ganó el premio al mejor director; Abril (1998) y Habemus Papam (2011).

La sección Perlak también contará con el título que se ha alzado con la Palma de Oro a mejor película en el Festival de Cannes, además del Premio del Jurado y el Premio FIPRESCI de la competición. En Fjord, el cineasta rumano Cristian Mungiu (Lasi, 1968) dirige a Sebastian Stan y Renate Reinsve en el papel de una pareja rumano-noruega muy religiosa que se instala en un pueblo situado en un remoto fiordo y cuyos tradicionales métodos educativos levantan las sospechas de la comunidad. El director, que ganó su primera Palma de Oro con 4 luni, 3 saptamini si 2 zile / 4 Months, 3 Weeks and 2 Days (4 meses, 3 semanas y 2 días, Perlak, FIPRESCI Grand Prix, 2007), es habitual del festival galo desde su primer filme, Occident (2002), presentado en la Quincena de Cineastas. Después compitió en su sección oficial con Dupa dealuri (Más allá de las colinas, 2012), premio al mejor guion y la mejor actriz e incluido en la retrospectiva Eastern Promises en San Sebastián en 2014; Bacalaureat (Los exámenes, 2016), que le reportó el galardón al mejor director; y R.M.N. (Perlak, 2022).

Tangles es la segunda película de animación que se proyectará en Perlak. Se trata del debut en el largometraje de la directora canadiense Leah Nelson (Vancouver, 1984), que se estrenó en Cannes como Proyección Especial. El filme, que cuenta con las voces de Julia Louis-Dreyfus, Abbi Jacobson, Bryan Cranston y Seth Rogen, entre otros, aborda la historia de una mujer joven que regresa a su conservador pueblo natal canadiense para cuidar a su madre con alzhéimer. Allí aprende a aceptar a su extraña familia y el deterioro mental de su madre.

Pawel Pawlikowski (Varsovia, 1957) regresa a la Europa de la posguerra con Fatherland, un camino que ya inició con sus largometrajes Ida (2013), ganadora de un Oscar a la mejor película de habla no inglesa, y Zimna Wojna / Cold War (Perlak, 2018), que recibió el premio a mejor director en Cannes. Su último filme, que le valió el premio a mejor dirección ex aequo en Cannes, traslada al espectador a 1949 y se centra en la relación entre el escritor galardonado con el Premio Nobel Thomas Mann (Hanns Zischler) y su hija Erika (Sandra Hüller), actriz, escritora y piloto de automovilismo. Ambos emprenden un viaje por carretera y atraviesan una Alemania en ruinas.

Rami Malek, Tom Sturridge y Luther Ford encabezan el reparto de The Man I Love, una película con la que Ira Sachs (Memphis, 1965) ha participado en la competición oficial de Cannes y en la que un artista underground se enfrenta a un momento decisivo en la Nueva York de finales de los 80. El director estadounidense ha sido seleccionado en Sundance con The Delta (1996), su ópera prima; Forty Shades of Blue (2005), que ganó el Gran Premio del Jurado; Keep the Lights On (2012); Passages (2023) y Peter Hujar’s Day (Un día con Peter Hujar, 2025). Married Life (2007) fue estrenada en el Festival de Toronto y Frankie (2019) compitió en Cannes, mientras que en la Berlinale ha participado en las secciones Generation y Panorama con Little Men (Verano en Brooklyn, 2016) y Love is Strange (El amor es extraño, 2014), ambas programadas después en Perlak.

Olivia Wilde (Nueva York, 1984) dirige y protagoniza The Invite (La invitación), una cinta que combina sátira, comedia de situación y drama para abordar de manera directa las grietas y los conflictos que pueden surgir en distintos momentos de la vida en pareja. Tras mostrar el largometraje en Sundance, Wilde, acompañada en el reparto por Seth Rogen, Penélope Cruz y Edward Norton, regresa a San Sebastián, donde ya presentó su segundo filme como directora Don’t Worry Darling (No te preocupes querida) (Perlak, 2022). Además, la exitosa Booksmart (Súper empollonas, 2019) le valió el Premio Independent Spirit a la mejor ópera prima.

Estos títulos se suman a La bola negra, de Javier Ambrossi (Madrid, 1984) y Javier Calvo (Madrid, 1991). El filme, que se anunció en la presentación de las producciones españolas programadas para la 74º edición del Festival de San Sebastián, se alzó en el Festival de Cannes con el premio a la mejor dirección ex aequo junto a Fatherland de Pawel Pawlikowski.

Armani Beauty, Official Beauty Sponsor del Festival, es patrocinador de la sección Perlak.

Minotaur (Minotauro)

Andrey Zvyagintsev (Rusia)

País(es) de producción: Francia - Alemania - Letonia

Intérpretes: Dmitriy Mazurov, Iris Lebedeva, Boris Kudrin, Yuriy Zavalnyouk, Varvara Zmykova, Vladimir Friedman, Elena Bogdanovich-Golubeva, Mikhail Samodakhov

Inauguración

Rusia, 2022. Cuando Gleb, un empresario de éxito, se ve acorralado por las crecientes presiones corporativas y un mundo cada vez más inestable, la vida ordenada que ha construido comienza a desmoronarse, precipitándolo hacia la violencia.

Juste une illusion / Just an Illusion (Tiempos de ilusión)

Eric Toledano (Francia), Olivier Nakache (Francia)

País(es) de producción: Francia

Intérpretes: Louis Garrel, Camille Cottin, Pierre Lottin, Simon Boublil, Alexis Rosesnstiehl, Jeanne Lamartine

Clausura fuera de concurso

1985. Vincent, que pronto cumplirá 13 años, vive en las afueras de París con una familia de clase media, entre un hermano mayor que lo ignora y unos padres que no paran de discutir. Ya no es un niño, pero tampoco un adulto. Vincent se debate entre las grandes preguntas de la vida: la identidad, la amistad, la familia, la religión, el deseo, los primeros amores... y por qué los adultos parecen no haber resuelto ninguna de ellas.

Club Kid

Jordan Firstman (EEUU)

País(es) de producción: EEUU

Intérpretes: Jordan Firstman, Cara Delevingne, Diego Calva

Peter, un promotor de fiestas underground de Nueva York acostumbrado a vivir entre excesos, música electrónica y noches interminables, ve cómo su mundo da un vuelco cuando una desconocida aparece en su puerta con Arlo, un niño de 10 años que asegura que es su hijo. Lo que comienza como una situación imposible pronto da paso a una loca, divertida y tierna conexión, tan inesperada como transformadora.

Coward (Cobarde)

Lukas Dhont (Bélgica)

País(es) de producción: Bélgica - Francia - Países Bajos

Intérpretes: Emmanuel Macchia, Valentin Campagne

Rodeados de brutalidad pero unidos por la ternura, dos soldados de la Primera Guerra Mundial encuentran un frágil santuario de amor y arte entre las sombras de las trincheras belgas. Coward, de Lukas Dhont, plantea una pregunta profunda para una generación enviada a la guerra: cuando el mundo exige violencia, ¿desertar es el acto de valentía más verdadero?

Fatherland

Paweł Pawlikowski (Polonia)

País(es) de producción: Polonia - Alemania - Italia - Francia

Intérpretes: Sandra Hüller, Hanns Zischler, August Diehl, Devid Striesow, Anna Madeley

Fatherland se centra en la relación entre el escritor Thomas Mann, ganador del Premio Nobel, y su hija Erika, actriz, escritora y piloto de rallies. En el verano de 1949, en pleno auge de la Guerra Fría, padre e hija emprenden un exigente y emotivo viaje por carretera en un Buick negro que los lleva a través de una Alemania en ruinas: desde la Fráncfort dominada por Estados Unidos hasta la Weimar controlada por la Unión Soviética. De regreso a casa tras 16 años de exilio en EEUU, Thomas Mann debe enfrentarse no solo a una patria dividida, sino también a una fractura profunda dentro de su propia familia.

Fjord

Cristian Mungiu (Rumanía)

País(es) de producción: Rumanía - Francia - Noruega - Suecia - Dinamarca

Intérpretes: Sebastian Stan, Renate Reinsve

Los Gheorghiu, una pareja rumano-noruega muy religiosa, se instalan en un pueblo situado en un remoto fiordo, donde entablan una estrecha relación con sus vecinos, los Halberg. Sus hijos se hacen amigos a pesar de las diferencias en su educación. Cuando la adolescente Elia Gheorghiu aparece en el colegio con algunos moratones en el cuerpo, la comunidad se pregunta si la educación tradicional que los padres imparten a sus hijos tendrá algo que ver con ello.

Hope

Na Hong-jin (Corea del Sur)

País(es) de producción: Corea del Sur

Intérpretes: Hwang Jung-min, Zo In-sung, Hoyeon , MIchael Fassbender, Alicia Vikander, Taylor Russell, Cameron Britton

Se han desviado refuerzos para combatir los incendios forestales y todas las comunicaciones están cortadas. Bum-seok, jefe del puesto policial de Hope Harbor, y la agente Sung-ae luchan por defender una aldea habitada por ancianos, mientras en las montañas, Sung-ki y los lugareños que salieron a rastrear a la bestia se han convertido en presas. Lo que empezó siendo ignorancia planta la semilla del desastre y los conflictos humanos se convierten en una tragedia de proporciones cósmicas.

Josephine

Beth de Araújo (EEUU)

País(es) de producción: EEUU

Intérpretes: Channing Tatum, Gemma Chan, Mason Reeves

Tras presenciar accidentalmente una violación en el Golden Gate Park de San Francisco, Josephine, de 8 años, comienza a mostrar comportamientos violentos y paranoia. El trauma desestabiliza a su familia mientras sus padres buscan justicia y la manera de recuperar la seguridad perdida.

La bola negra

Javier Calvo (España), Javier Ambrossi (España)

País(es) de producción: España - Francia

Intérpretes: Guitarricadelafuente , Miguel Bernardeau, Carlos González, Milo Quifes, Lola Dueñas, Penélope Cruz, Glenn Close

Narra las vidas interconectadas de tres hombres en tres épocas distintas. Tres existencias íntimamente ligadas por la sexualidad y el deseo, el dolor y la herencia. Es una de las últimas obras, inacabada, de Federico García Lorca.

Le corset / Iron Boy

Louis Clichy (Francia)

País(es) de producción: Francia - Bélgica

Voces: Gary Clichy, Rod Paradot, Dimitri Colas, Aurélie Vassort, Brune Moulin, Alexandre Astier, Jean-Pascal Zadi

Iron Boy cuenta la historia de Christophe, un chico de 11 años que intenta seguir los pasos de su padre ayudando en la granja familiar en la que viven. Pero todo cambia el día que tiene que llevar un corsé metálico por prescripción médica, que le obliga a desatender las tareas cotidianas de la granja. Este cambio repentino, sin embargo, dará a Christophe la oportunidad de descubrir nuevas pasiones como la natación o la música y hacer amistades que marcarán su vida para siempre.

Soudain / All of a Sudden (De repente)

Ryusuke Hamaguchi (Japón)

País(es) de producción: Francia - Japón - Alemania - Bélgica

Intérpretes: Virginie Efira, Tao Okamoto

Como directora de una residencia de ancianos, Marie-Lou se esfuerza por implementar una filosofía de atención innovadora basada en escuchar y respetar la dignidad de los residentes, a pesar de la resistencia de algunos miembros de su personal. Su encuentro con Mari, una directora de teatro japonesa que lucha contra el cáncer, cambiará su vida para siempre. Tras forjar una profunda amistad, ambas mujeres se embarcan juntas en una lucha para "hacer posible lo imposible".

Succederà questa notte / It Will Happen Tonight (Sucederá esta noche)

Nanni Moretti (Italia)

País(es) de producción: Italia - Francia - España

Intérpretes: Louis Garrel, Jasmine Trinca

Matteo juega un partido de tenis cuando una mujer vestida de novia irrumpe en la pista. Es Greta. Ella se quita los zapatos, coge una raqueta y le propone jugar. Durante siete años, Matteo no dejará de pensar en esa mujer. Mientras ambos recorren sus caminos y vidas paralelas, el destino parece empeñado en no reunirles de nuevo. Pero un día se encuentran de nuevo y quizás, ahora sí, ha llegado su momento. ¿Sucederá esta noche?

Tangles

Leah Nelson (Canadá)

País(es) de producción: Canadá - EEUU

Voces: Julia Louis-Dreyfus, Abbi Jacobson, Bryan Cranston, Beanie Feldstein, Seth Rogen, Samira Wiley

Cuando el alzhéimer comienza a borrar la personalidad de su madre, Sarah deja atrás su vida como artista y activista en la San Francisco de los años 90 para regresar al pueblo pequeño y conservador donde vive su excéntrica familia. Al principio cree que podrá hacerse cargo de la situación, pero pronto comprende que solo aceptando la dura y desconcertante realidad de la enfermedad podrá convertirse en la hija que su familia necesita.

The Invite (La invitación)

Olivia Wilde (EEUU)

País(es) de producción: EEUU

Intérpretes: Olivia Wilde, Seth Roger, Penélope Cruz, Edward Norton

Joe y Angela atraviesan una crisis matrimonial. Cuando invitan a cenar a sus enigmáticos vecinos, Pina y Hawk, una velada aparentemente inocente da paso a confesiones, deseos ocultos y situaciones tan incómodas como divertidas que pondrán a prueba su relación.

The Man I Love

Ira Sachs (EEUU)

País(es) de producción: EEUU - Francia

Intérpretes: Rami Malek, Rebecca Hall, Luther Ford, Ebon Moss-Bachrach, Tom Sturridge

En la vibrante Nueva York de finales de los 80, Jimmy George, un conocido artista de la escena underground, atraviesa un momento decisivo en su vida en el que, pese a todo, la belleza y el amor siguen siendo posibles.

Wild Horse Nine

Martin McDonagh (Reino Unido)

País(es) de producción: EEUU - Reino Unido - Chile

Intérpretes: John Malkovich, Sam Rockwell, Steve Buscemi, Mariana di Girolamo, Ailin Salas

Poco antes del golpe de Estado de Chile en 1973, los agentes de la CIA Chris y Lee son enviados por su jefe de oficina, MJ desde Santiago, donde están destinados, a la Isla de Pascua. Entre las icónicas estatuas de la isla, y mientras estos veteranos compañeros lidian con sus oscuros pasados y con conspiraciones presentes, el nuevo vínculo que Chris establece con dos estudiantes rebeldes amenaza con echar a perder el viaje de todos a este remoto paraíso.

Fuente; Festival de cine de San Sebastián

La constelación del perro; el apocalipsis de Ridley Scott

2026-08-27T23:30:06.282+02:00

Por Nacho Cañas.

Ridley Scott lleva su experiencia en el cine de ciencia ficción y supervivencia a La constelación del perro, adaptación de la novela de Peter Heller. Protagonizada por Jacob Elordi, Margaret Qualley, Josh Brolin y Guy Pearce, la película nos sitúa en un mundo devastado por una pandemia de gripe que ha acabado con la mayor parte de la humanidad. La premisa parece apuntar hacia un relato de supervivencia oscuro, pero Scott decide alejarse de la desesperanza habitual del género y construir una historia mucho más optimista sobre la posibilidad de recuperar la humanidad después del desastre. El problema es que, entre tanta esperanza, buenos sentimientos y escenas de acción, cuesta encontrar una película que tenga algo realmente nuevo que contar.

El protagonista es Hig (Jacob Elordi), un mecanico que sobrevive a la pandemia y vive aislado junto a su perro y Bangley (Josh Brolin), un preparacionista listo para defender su refugio de los peligros del nuevo mundo. Una transmisión de radio despierta en Hig la esperanza de que pueda existir algo más allá de su pequeño refugio y lo lleva a emprender un viaje en busca de otros supervivientes. En el camino aparecen Cima (Margaret Qualley), Guy Pearce como Pops y otros personajes que completan este peculiar catálogo de supervivientes del apocalipsis.

El problema es que La constelación del perro parece haber decidido coger todos los tropos de las películas de zombis y utilizarlos sin poner un solo zombi en pantalla. Hay un mundo devastado, supervivientes atrincherados, grupos de saqueadores, armas, refugios, viajes por carreteras desiertas y la amenaza constante de encontrarse con otros humanos. La diferencia es que aquí todo está envuelto en un discurso mucho más buenista y contemplativo. El apocalipsis parece haber eliminado el capitalismo salvaje, pero también buena parte de la capacidad de los personajes para resultar interesantes. Y hay algo casi cómico en que, después de que una gripe haya arrasado la civilización, el mundo resultante parezca poblado exclusivamente por personas extremadamente atractivas. Jacob Elordi, Margaret Qualley, Guy Pearce y compañía convierten el fin de la humanidad en una especie de catálogo postapocalíptico de gente guapa.

La historia quiere hablar de la esperanza, de la necesidad de recuperar los vínculos humanos y de la posibilidad de construir una sociedad mejor después de la catástrofe. Es una idea legítima y, de hecho, la propia película se presenta como una historia sobre la elección de conservar la humanidad cuando sobrevivir ya no es suficiente. El problema es que el guion mezcla demasiadas cosas que ya hemos visto antes: supervivencia postapocalíptica, amenazas humanas, romance, western, ciencia ficción, reflexión filosófica y aventura de carretera. Todo acaba formando un mejunje difícil de sostener.

Los personajes tampoco terminan de tener suficiente peso como para que el viaje resulte especialmente emocionante. Elordi funciona bien como protagonista y Scott sabe construir alrededor de él una atmósfera de aislamiento y peligro, pero la película parece más interesada en transmitir que todavía hay esperanza que en desarrollar de verdad las consecuencias de su mundo. La contradicción es curiosa: cuanto más insiste en que este nuevo mundo puede ser mejor que el anterior, menos convincente resulta ese mundo. No porque la idea de un futuro postapocalíptico esperanzador sea mala, sino porque el guion no consigue construir una sociedad con reglas suficientemente claras como para que esa esperanza tenga verdadero significado.

Aquí es donde Ridley Scott vuelve a demostrar por qué sigue siendo Ridley Scott. Las escenas de acción están rodadas con una solvencia extraordinaria y el director consigue convertir aviones, persecuciones, tiroteos y paisajes devastados en imágenes de enorme potencia. La película cuenta además con una fotografía de Erik Messerschmidt y música de Harry Gregson-Williams que contribuyen a crear esa sensación de inmensidad y aislamiento.

Visualmente, La constelación del perro funciona mucho mejor que narrativamente. Scott domina la escala, la composición y el espectáculo, y cuando la película deja de hablar y empieza a moverse es cuando realmente despierta. El problema es que el despliegue técnico no consigue esconder las carencias del argumento. Hay secuencias magníficas rodeadas de una historia que parece avanzar a base de juntar elementos de películas que ya conocemos. Es como si Scott hubiera construido una máquina espectacular para contar una historia que no termina de necesitar semejante maquinaria.

La constelación del perro es una película técnicamente impresionante pero narrativamente desconcertante. Ridley Scott demuestra que sigue siendo un director extraordinario para rodar acción, construir mundos y convertir un paisaje vacío en algo cinematográficamente enorme, pero el argumento no tiene ni pies ni cabeza y, sobre todo, tiene muy poco interés. Su aproximación buenista al apocalipsis resulta incluso curiosa: frente a tantas historias que imaginan el fin del mundo como una extensión del capitalismo y la violencia actuales, aquí parece que la desaparición de la civilización también ha servido para crear un mundo más humano. El problema es que esa idea nunca termina de desarrollarse con suficiente profundidad. La constelación del perro acaba siendo un collage de tropos del cine de zombis, ciencia ficción, western y supervivencia, pero sin zombis y con un mensaje de esperanza pegado encima. Tiene imágenes espectaculares, buenos actores y momentos de acción magníficos, pero cuando termina uno tiene la sensación de haber visto muchas películas anteriores mezcladas en una sola. Y ninguna de ellas era especialmente necesaria.

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##check## Lo bueno

Ridley Scott demuestra una vez más su dominio de las escenas de acción.
Jacob Elordi, Margaret Qualley y el reparto funcionan bien dentro del tono de la película.
La fotografía, los paisajes y la construcción del mundo postapocalíptico son interesantes.

##times## Lo malo

El argumento mezcla demasiados elementos conocidos sin encontrar una identidad propia.
El tono buenista y contemplativo choca con los tropos de supervivencia que utiliza.
Una historia poco interesante y poco coherente.

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Ambientación 8.5
Desarrollo de Personajes 6.5
Argumento / Guión 5.5
Banda Sonora 7.5
Entretenimiento 5.5
Montaje / Innovación técnica 8.5

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Puntuación Total 6 / 10

Fuente Imágenes: Disney Pictures / 20th Century Fox

2013 Rescate en L.A; Edición especial Steelbook UHD

2026-08-19T15:30:00.000+02:00

Por Enrique Bellón.

La gamberra, desencadenada e icónica secuela de culto dirigida por el maestro del cine de género John Carpenter regresa al mercado doméstico con una codiciada presentación metálica. "2013: Rescate en L.A." (Escape from L.A.) vuelve a lucir en todo su esplendor en formato 4K UHD, permitiendo apreciar la estridente, nocturna y saturada fotografía de Gary B. Kibbe con una nitidez técnica muy superior. Divisa Films es la encargada de traer a nuestras estanterías esta pieza de colección firmada por Paramount Pictures.

En el año 2013, tras un terremoto de magnitud masiva que separa a la ciudad de Los Ángeles del continente americano, la urbe es convertida en una colonia penal flotante para todos los ciudadanos declarados "inmorales" por el régimen teocrático que gobierna Estados Unidos. Cuando la hija del Presidente roba el detonador de un arma de pulso electromagnético global y huye a la isla para unirse al revolucionario Cuervo Jones, el legendario forajido Snake Plissken (Kurt Russell) es chantajeado y enviado en una misión suicida contrarreloj para recuperar el dispositivo antes de que sea demasiado tarde.

La imagen

La restauración nativa en 4K UHD es una auténtica maravilla que respeta de manera escrupulosa la fina capa de grano cinematográfico original. La aplicación del HDR10 potencia enormemente las icónicas secuencias nocturnas en las ruinas iluminadas de Hollywood: los tonos Rojos, Amarillos y Azules de las explosiones y los neones cobran una viveza excelente, mientras que el nivel de detalle en las sombras saca a relucir el texturizado de la mítica chaqueta de cuero y las cicatrices de Snake Plissken sin alterar la estética 'pulp' noventera de la película.

Imagen: 2.35:1 4K (2160p)

HDR: HDR10 / Dolby Vision

El sonido

En el apartado de audio, la pista original en inglés se presenta en un vibrante y limpio DTS-HD Master Audio 5.1 que hace retumbar la sala con los míticos acordes de guitarra de la banda sonora compuesta por John Carpenter y Shirley Walker, ofreciendo además una direccionalidad soberbia en los tiroteos y las persecuciones. Por su parte, el doblaje en castellano cuenta con la pista clásica en Dolby Digital 5.1, con diálogos muy limpios y bien integrados en la mezcla.

Audio:
Inglés - DTS-HD Master Audio 5.1
Castellano - Dolby Digital 5.1
Alemán - Dolby Digital 5.1
Francés - Dolby Digital 5.1

La edición

Una cotizada presentación en formato Steelbook (Caja Metálica) con un diseño artístico de corte marcadamente 'retro' y noventero que rinde homenaje al cartel promocional de cines. El pack incluye el disco Ultra HD Blu-ray con la película en 4K UHD y el disco Blu-ray estándar con el filme en alta definición.

Precio: 32,95 €

Características técnicas

Contenido Ultra HD Blu-ray

Presentación Estuche metálico (Steelbook)

Imagen 2.35:1 4K (2160p)

HDR HDR10 / Dolby Vision

Audio Inglés - DTS-HD Master Audio 5.1

Castellano - Dolby Digital 5.1

Alemán - Dolby Digital 5.1

Francés - Dolby Digital 5.1

Subtítulos Inglés, Castellano, Alemán, Francés, Inglés para sordos, Danés, Finés, Neerlandés, Portugués

Precio 32,99 €

Extras

Tráiler.

Valoración Global

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Calidad de imagen 9.0

Una transferencia 4K nativa sumamente sólida y respetuosa. El tratamiento del color y los negros profundos a través del HDR benefician enormemente a la fotografía nocturna de la película, manteniendo el grano orgánico de los noventa.

Calidad Sonora 8.5

La mezcla DTS-HD MA en su versión original otorga una presencia impresionante a la música de John Carpenter y a los efectos de sonido de la acción. El doblaje en castellano cumple con creces en su codificación 5.1.

Contenido extra 4.0

El talón de Aquiles de esta edición. Una obra de culto tan divisiva y llena de anécdotas de rodaje merecía al menos un audiocomentario de John Carpenter o entrevistas con Kurt Russell, limitándose lamentablemente al tráiler cinematográfico.

La edición 9.5

A pesar de la escasez de extras, el impecable empaque en caja metálica y la sobresaliente restauración técnica convierten a este disco en una pieza de adquisición obligada para completar la filmografía de John Carpenter en las estanterías en formato físico.

Galería de imágenes

Fuente; Paramount Pictures / Divisa Films

Avatar Fuego y ceniza; edición especial Steelbook UHD + Blura

2026-08-18T16:00:00.000+02:00

Por Enrique Bellón.

La colosal saga de ciencia ficción concebida por James Cameron expande de nuevo las fronteras del planeta Pandora en una espectacular e indispensable presentación en formato doméstico. "Avatar: Fuego y Ceniza" (Avatar 3) debuta en una codiciada edición limitada en caja metálica (Steelbook) que exprime al límite las capacidades del formato 4K UHD, permitiendo apreciar la vertiginosa belleza visual, los asombrosos efectos digitales y los nuevos biomas volcánicos con la máxima calidad técnica existente. Divisa Films es la encargada de distribuir en nuestro mercado esta joya de coleccionista.

Tras las trágicas pérdidas sufridas en las regiones oceánicas, Jake Sully (Sam Worthington), Neytiri (Zoe Saldaña) y su familia deben enfrentarse a una amenaza implacable que no solo proviene de la invasión de la RDA, sino de la propia naturaleza dividida de Pandora. En su periplo, la familia Sully entra en contacto con el "Pueblo de la Ceniza", una agresiva y nómada tribu Na'vi vinculada al fuego y al elemento volcánico liderada por la implacable Varang (Oona Chaplin), obligándolos a cuestionar todo lo que creían saber sobre el equilibrio de su mundo.

La imagen

La transferencia en 4K UHD ofrece una fidelidad visual que roza la perfección digital, convirtiéndose desde el primer segundo en un disco de referencia absoluta para probar cualquier pantalla. El uso del Dolby Vision / HDR10 hace maravillas al gestionar los brutales contrastes de esta entrega: las erupciones de magma, los destellos de las brasas y los paisajes volcánicos cobran una tridimensionalidad y viveza cromática deslumbrante, mientras que la piel de los Na'vi y los oscuros refugios rocosos mantienen una textura y un nivel de detalle en las sombras soberbio.

Imagen: 1.85:1 / 2.39:1 (Relación de aspecto variable) 4K (2160p)

HDR: Dolby Vision / HDR10

El sonido

El apartado sonoro es una auténtica tormenta inmersiva de primer nivel. La pista original en inglés viene masterizada en un estruendoso Dolby Atmos (con base Dolby TrueHD 7.1) que exprime a conciencia los altavoces de altura, recreando con una precisión pasmosa el rugir de los volcanes, el vuelo de las criaturas de fuego y los estruendos de la batalla. Por su parte, la pista en castellano cuenta con una cuidada codificación en DTS-HD Master Audio 5.1 que ofrece unos diálogos sumamente limpios y una pegada atronadora en los subwoofers durante las secuencias de acción.

Audio:

Inglés - Dolby Atmos (7.1.4)

Castellano - DTS-HD Master Audio 5.1

Francés - DTS-HD Master Audio 5.1

Alemán - Dolby Digital Plus 7.1

La edición

Una presentación de auténtico lujo en formato Steelbook (Caja Metálica) de tirada limitada. El estuche cuenta con un elaborado diseño artístico exterior de acabado metálico brillo dedicado al elemento del fuego y a la tribu de la Ceniza. La edición incluye un total de tres discos: el Ultra HD Blu-ray con el filme en 4K, el Blu-ray con la película en alta definición y un disco Blu-ray dedicado en exclusiva a albergar horas de contenidos adicionales.

Precio: 34,95 €

Características técnicas

Contenido Ultra HD Blu-ray + 2 Blu-ray

Presentación Funda

Imagen 1.85:1 4K (2160p)

HDR HDR10 / Dolby Vision

Audio Inglés - Dolby Atmos

Castellano - DTS 5.1

Catalán - DTS 5.1

Inglés - Dolby Digital 5.1

Checo - Dolby Digital 5.1

Inglés - DTS-HD Master Audio 2.0

Inglés para invidentes - Dolby Digital 2.0

Subtítulos Castellano, Inglés para sordos, Checo

Precio 26,99 €

Extras

Encendiendo la llama: Así se hizo Avatar: Fuego y ceniza

Escribiendo las secuelas

Diseño de Pandora

Diseño de la RDA

Las mujeres de Pandora

Varang y los Mangkwans

Capturando la actuación

Los especialistas

Montaje y cámara virtual

Weta FX

ILM

La banda sonora

El arte y el impacto del 3D

En casa en Nueva Zelanda

Tributo a Jon Landau.

Orientación de la RDA

Na’vi para principiantes: cursillo oficial de lengua de la RDA

Informe de inteligencia sobre Pandora.

Materiales promocionales y video musical

Video musical “Dream as one”

Tráilers de cine.

Valoración Global

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Calidad de imagen 10

Un espectáculo técnico único en el formato físico. La nitidez, el texturizado de los personajes virtuales y el tratamiento del fuego mediante el Dolby Vision convierten a este disco en el nuevo estándar de demostración visual en 4K.

Calidad Sonora 9.5

ELa pista Dolby Atmos en su versión original es una auténtica lección de diseño de sonido inmersivo y potencia envolvente. El doblaje en castellano en DTS-HD MA destaca por su rotundidad y perfecta nitidez vocal.

Contenido extra 9.5

Como es costumbre en las ediciones físicas supervisadas por James Cameron, el disco dedicado exclusivamente a extras es un tesoro para los amantes del cine que desglosa con absoluta transparencia los secretos de producción del filme.

La edición 9.5

20th Century Studios y Divisa sirven una edición metálica imponente. Por su empaque estético y su apabullante músculo audiovisual, es una compra imprescindible que lucirá con orgullo en la estantería de cualquier cinéfilo.

Galería de imágenes

Fuente; 20th Century Fox / Divisa Films

Atrapado Por su pasado; Edición especial steelbook UHD

2026-08-17T15:30:00.000+02:00

Por Enrique Bellón.

La magistral y elegante tragedia criminal dirigida por Brian De Palma y magistralmente interpretada por Al Pacino y Sean Penn regresa al mercado doméstico con una codiciada reedición en formato metálico. "Atrapado por su pasado" (Carlito's Way) vuelve a lucir en todo su esplendor su brillante transferencia nativa en 4K UHD, permitiendo apreciar la estilizada, barroca y nocturna fotografía de Stephen H. Burum con una precisión técnica deslumbrante. Arvi Licensing es la encargada de traer a nuestras estanterías esta pieza de coleccionista.

Tras cumplir cinco años de prisión, el exnarcotraficante Carlito Brigante (Al Pacino) sale en libertad gracias a un maniobra legal de su abogado y amigo Kleinfeld (Sean Penn). Con la firme promesa de alejarse definitivamente del crimen, Carlito sueña con reunir el dinero suficiente para retirarse a las Bahamas junto a su gran amor, Gail (Penelope Ann Miller). Sin embargo, las lealtades del pasado, la corrupción de su entorno y la inevitable atracción de las calles neoyorquinas de los años 70 complicarán trágicamente su camino hacia la redención.

La imagen

La restauración nativa en 4K UHD es un trabajo de referencia absoluta que respeta minuciosamente el grano cinematográfico original de los 35mm. La aplicación del HDR10/HDR10+ hace maravillas en los planos nocturnos y las secuencias en el club El Paraíso: los tonos rojos, dorados y azules de los neones cobran una viveza espectacular, mientras que el contraste en las sombras y las texturas de los abrigos de cuero y trajes de época lucen con una nitidez orgánica impresionante sin perder el grano de la cinta.

Imagen: 2.35:1 4K (2160p)

HDR: HDR10 / HDR10+ / DTS:X

El sonido

El apartado sonoro de la pista original en inglés es una maravilla inmersiva en formato DTS:X (compatible con DTS-HD Master Audio 7.1), que saca un partido brutal a la antológica secuencia de persecución final en la Gran Central de Nueva York y envuelve la sala con los míticos temas disco y la banda sonora de Patrick Doyle. Por su parte, el excelente doblaje en castellano se presenta en un limpio y nítido DTS Digital Surround 5.1 que respeta la calidez original de las voces y mantiene unos diálogos perfectamente equilibrados.

Audio:
Inglés - DTS:X (compatible DTS-HD Master Audio 7.1)
Castellano - DTS Digital Surround 5.1
Alemán - DTS-HD High Resolution 7.1
Francés - DTS Digital Surround 5.1

La edición

Una cotizada reedición en formato Steelbook (Caja Metálica) con un acabado en brillo impecable. La ilustración exterior recupera la silueta icónica de Carlito Brigante con la sombra de las calles de Nueva York, incluyendo en su interior tanto el disco Ultra HD Blu-ray con la película en 4K como el disco Blu-ray con el filme y sus contenidos adicionales.

Precio: 32,95 €

Características técnicas

Contenido Ultra HD Blu-ray + Blu-ray

Presentación Estuche metálico (Steelbook)

Imagen 2.35:1 4K (2160p)

HDR HDR10 / HDR10+

Audio Inglés - DTS:X

Castellano - DTS 5.1

Francés - DTS 5.1

Japonés - DTS 5.1

Tailandés - DTS 2.0 Mono

Subtítulos Castellano, Francés, Canadiense, Mandarín, Danés, Finés, Japonés, Coreano, Noruego, Sueco, Tailandés, Inglés para sordos

Precio 29,95 €

Extras

Ultra HD Blu-ray

Escenas eliminadas (8 min).

Así se hizo Atrapado por su Pasado (34 min).

Brian de Palma en Atrapado por su Pasado (5 min).

Reportaje promocional (5 min).

Tráiler de Cine.

Blu-ray

Escenas eliminadas.

Comentarios de Brian de Palma.

Cómo se hizo Atrapado por su Pasado.

Valoración Global

[accordion]

Calidad de imagen 9.5

Una transferencia 4K nativa de primerísimo nivel. La gestión de los oscuros, el manejo del HDR en la iluminación nocturna y el respeto absoluto a la textura cinematográfica la convierten en una edición imprescindible.

Calidad Sonora 9.0

La mezcla original en DTS:X es dinámica y muy inmersiva en los momentos de tensión, mientras que la pista en castellano cumple con nota ofreciendo una gran claridad en la voz en off de Al Pacino.

Contenido extra 8.0

Aunque hereda el material clásico del formato Blu-ray sin incluir nuevos extras de reciente grabación, el documental del "cómo se hizo" con De Palma y Koepp sigue siendo una auténtica lección magistral de cine.

La edición 9.5

Que Universal y Arvi vuelvan a poner en circulación esta cotizada presentación en caja metálica es una magnífica noticia para los coleccionistas que se quedaron sin ella. Una obra maestra del cine negro vestida de gala en formato físico.

Galería de imágenes

Fuente; Arvi Licensing

Hoppers Análisis de la edición especial Steelbook Bluray

2026-08-16T15:30:00.000+02:00

Por Enrique Bellón.

La nueva y disparatada aventura original de Disney y Pixar, dirigida por Daniel Chong, llega al mercado doméstico en una edición de auténtico lujo. "Hoppers" nos sumerge en una alocada y divertida premisa de ciencia ficción y comedia animal, permitiendo apreciar la riqueza de texturas, el colorido desbordante y el impecable nivel de detalle de su animación digital con una alta definición soberbia. Divisa Films es la encargada de traernos esta codiciada edición en caja metálica (Steelbook).

Mabel, una joven apasionada por los animales, aprovecha una revolucionaria tecnología que le permite transferir su mente al cuerpo de un castor robótico hiperrealista para infiltrarse en el reino animal. Mientras vive entre la fauna silvestre como si fuera una de ellos, Mabel se gana la confianza del rey de los castores (el Rey Jorge), pero pronto descubre un maquiavélico plan humano que amenaza con destruir todo el hábitat, obligándola a liderar una insólita rebelión animal.

La imagen

La transferencia a las 1080p ofrece una fidelidad visual deslumbrante que exprime al máximo la tecnología de renderizado de Pixar. La definición es milimétrica en el pelaje de los animales, las hojas de la vegetación y los efectos del agua. La paleta cromática es rica y saturada, destacando por el contraste entre los tonos verdes y terrosos del bosque con los elementos tecnológicos brillantes del laboratorio de infiltración.

Imagen: 2.39:1 1080p Alta Definición

Códec: MPEG-4 AVC

El sonido

El apartado sonoro es una delicia dinámica para toda la familia. La pista original en inglés se presenta en un vibrante DTS-HD Master Audio 7.1 que llena el salón con los sutiles ruidos de la naturaleza y el bullicio de los animales. El doblaje en castellano cuenta con una cuidada pista DTS-HD High Resolution 5.1 de excelente nitidez vocal, que integra a la perfección la expresiva banda sonora y los divertidos efectos de sonido de las persecuciones.

Audio:
Inglés - DTS-HD Master Audio 7.1
Castellano - DTS-HD High Resolution 5.1
Catalán - Dolby Digital 5.1

La edición

Una presentación impecable en formato Steelbook (Caja Metálica) de tirada limitada. El estuche presenta una ilustración exclusiva en acabado brillo protagonizada por Mabel en su forma de castor y sus compañeros de bosque, incluyendo en su interior el disco Blu-ray con la película y un completo surtido de materiales adicionales.

Precio: 26,95 €

Características técnicas

Contenido

1 Disco Blu-ray (Caja Metálica Steelbook)

Imagen2.39:1 1080p Alta Definición

Audio

Inglés - DTS-HD Master Audio 7.1

Castellano - DTS-HD High Resolution 5.1

Catalán - Dolby Digital 5.1

Subtítulos

Castellano, Inglés para sordos

Extras

(Los contenidos adicionales se incluyen en alta definición en el mismo disco Blu-ray)

Infiltrados en el bosque (Así se hizo): El director Daniel Chong y el equipo creativo de Pixar explican cómo concibieron la idea de transferir la mente humana a animales robóticos (15 min).
El rey de los castores: Un divertido vistazo al proceso de diseño y doblaje de los personajes animales secundarios.
Escenas eliminadas: Secuencias bocetadas con introducción del director (10 min).
Cortometraje interactivo o promocional.
Comentario de audio del equipo de dirección y animación.

Precio 26,95 €

Valoración Global

[accordion]

Calidad de imagen 9.5

Una transferencia 1080p impecable que roza la perfección digital. La definición del pelaje y el colorido de los entornos naturales lucen con una nitidez y tridimensionalidad espectaculares.

Calidad Sonora 9.0

Excelente trabajo de mezcla. Tanto la versión original en 7.1 como el doblaje en castellano ofrecen una inmersión magnífica en las secuencias de acción y una absoluta claridad en los diálogos.

Contenido extra 8.0

Pixar vuelve a cumplir ofreciendo un audiocomentario indispensable y varias piezas sobre la creación de los personajes que harán las delicias de los fans del estudio.

La edición 7.0

Una edición en caja metálica preciosa que viste de gala una de las propuestas de animación más frescas y divertidas del año. Un imprescindible para la colección de animación en formato físico.

Galería de imágenes

Fuente; Divisa Films

Festival de San Sebastián 2026: Ah Biao, Fred Cavayé, Jesse Eisenberg, Amanda Kernell, Gabriel Martins y Tony Vahl también competirán por la Concha de Oro

2026-08-16T14:16:50.246+02:00

Las nuevas películas de Fred Cavayé, Jesse Eisenberg, Amanda Kernell y Gabriel Martins, junto a los debuts en el largometraje de Ah Biao y Tony Vahl, competirán en la Sección Oficial de la 74ª edición del Festival de San Sebastián. Sus respectivos filmes Les Misérables (Los Miserables), The Debut (El debut), Garrat du váimmu / Brace Your Heart, Vicentina pede desculpas / On Behalf of My Son, Bian jing / Border y Krux se suman a los diez títulos ya anunciados y que también se disputarán la Concha de Oro y el resto de premios del palmarés oficial.

El realizador, guionista y director de fotografía afincado en Bangkok Ah Biao (Shanxi, 1990) competirá con Bian Jing / Border. Su ópera prima está ambientada en un pueblo fronterizo, donde un minero marcado por una vida de abusos es arrastrado a cometer un crimen.

Fred Cavayé (Rennes, 1967) concursará con una nueva adaptación de Les Misérables (Los Miserables) de Víctor Hugo, protagonizada, entre otros, por Vincent Lindon, Tahar Rahim y Noémie Merlant. El guionista y director francés ha demostrado una gran versatilidad a lo largo de su carrera. Tras firmar Pour elle / Anything for Her (Cruzando el límite, 2008), adaptada posteriormente en Hollywood por Paul Haggis, se consolidó en el thriller con À bout portant / Point Blank (Cuenta atrás, 2010) y Mea culpa (2014), para después adentrarse con éxito en la comedia con Radin! / Penny Pincher! (Manual de un tacaño, 2016) y Le Jeu / Nothing to Hide (El juego, 2018), abordar el drama histórico con Adieu Monsieur Haffmann / Farewell, Mr. Haffmann (Adiós, señor Haffmann, 2021) y regresar a la comedia con Les Chèvres! / This Is the Goat! (2024).

Jesse Eisenberg (Nueva York, 1983) dirige a Julianne Moore y a Paul Giamatti en su tercer largometraje tras la cámara. The Debut (El debut), que sigue a una tímida ama de casa convertida inesperadamente en estrella de la música, está escrita, dirigida y producida por Eisenberg, que también actúa en la película y es el compositor de su música y sus letras originales. Su debut como director, When You Finish Saving the World (Cuando termines de salvar el mundo, 2022), inauguró la Semana de la Crítica de Cannes tras su estreno en Sundance, mientras que A Real Pain (2024) ganó el Premio Waldo Salt al mejor guion en Sundance y le valió, entre otros galardones, una nominación al Óscar y un BAFTA al mejor guion original. En su faceta de actor, Eisenberg ha trabajado con cineastas como Noah Baumbach, Kelly Reichardt, Woody Allen, Zack Snyder y David Fincher. Su interpretación en The Social Network (La red social, 2011) a las órdenes de Fincher le valió una nominación al Óscar al mejor actor.

La directora sueca Amanda Kernell (Umeå, 1986) presentará Garrat du váimmu / Brace Your Heart, en la que una joven hace todo lo posible para mantener con vida el rebaño de renos de su familia, traspasando sus propios límites y renunciando a su verdadero amor. Kernell obtuvo con su primer largometraje, Sami Blood (2016), el Europa Cinemas Label Award y el Premio Fedeora a la mejor dirección novel en la sección Giornate degli Autori del Festival de Venecia, entre otros galardones. Su segunda película, Charter (2020), compitió en Sundance y fue elegida para representar a Suecia en los Óscar.

Vicentina pede desculpas / On Behalf of My Son es el tercer largometraje del brasileño Gabriel Martins (Belo Horizonte, 1987), en el que una mujer busca el perdón de las familias de un accidente provocado por su hijo. El primer filme de Martins, codirigido por Maurilio Martins, se estrenó en el Festival de Rotterdam bajo el título de No coração do mundo / In the Heart of the World (2019), mientras que su segundo largometraje, Marte um / Mars One (2022), fue presentado en Sundance. Asimismo, sus cortos han sido proyectados en festivales de todo el mundo, como por ejemplo la Quincena de Cineastas de Cannes, que acogió la proyección de Nada / Nothing (2017).

Tony Vahl competirá en la Sección Oficial con Krux. Inspirado en hechos reales, su debut en el largometraje narra la oscura historia de un pequeño pueblo del noreste de Alemania al final de la II Guerra Mundial, cuando el régimen nazi ordenó a sus ciudadanos no dejar con vida nada que el enemigo pudiera encontrar. La cineasta alemana ha dirigido cortometrajes como Pein (2014), nominado al Premio Alemán de Cortometrajes y premiado en el Festival de Dresde, y Gömböc (2010), estrenado en Locarno y ganador del Gran Premio del Festival de Bristol.

Estos seis largometrajes se suman a los diez títulos ya anunciados, que también competirán por la Concha de Oro: El mal padre, de Roberto Bueso; 7:40 ce matin-là / Milo, de Nicole Garcia; Sants / Saints, de Mikel Gurrea; Muyou no hito / In My Father’s Room, de Maha Harada; Mis muertos tristes / My Sad Dead, de Pablo Larraín; Tender Loving Care, de Mike Leigh; Markens Grode / Growth of the Soil, de Hans Petter Moland; Glaxo, de Benjamín Naishtat; 5 minutos más / 5 more minutes, de Javier Ruiz Caldera; y Artakalan / What Remains, de Yeşim Ustaoğlu.

Bian jing / Border

Ah Biao (China)

País(es) de producción: Hong Kong - EEUU - Corea del Sur

Intérpretes: Zheyan Li, Feng Qi , Sanming Han, Gang Zheng, Tao Guo

En un pueblo olvidado donde los hombres han aprendido a sobrevivir ocultando sus sentimientos y utilizando pocas palabras, un joven minero sin dinero pasa silenciosamente y a la deriva por una vida que apenas siente. Su entumecida rutina se ve rota por la llegada de una joven enigmática que atiza una curiosidad dormida y la promesa de algo nuevo. Él la sigue por un camino oscuro, dejando atrás la tranquila seguridad del único mundo que conoce, sin saber que esta desconocida no es lo que parece.

Garrat du váimmu / Brace Your Heart

Amanda Kernell (Suecia)

País(es) de producción: Suecia - Noruega - Dinamarca - Islandia - Bulgaria

Intérpretes: Elli Sara Valkeapää, Andte Gaup-Juuso, Vincent Niia

Ejva hereda el rebaño de renos de su difunto padre. Mientras lucha por sacarlo adelante, Heaika, el jefe local, se enamora de ella y, aunque duda, Ejva se siente obligada a aceptarlo. Pero todo cambia cuando llega Nejla, primo de Heaika, y Ejva descubre el amor verdadero por primera vez. Sintiéndose traicionado y celoso, Heaika reacciona con dureza, dejando a Ejva con un trastorno que provoca que le tiemblen las manos de forma incontrolable, poniendo en peligro su capacidad para cuidar del rebaño.

Krux

Tony Vahl (Alemania)

País(es) de producción: Alemania - Polonia

Intérpretes: Jella Haase

Inspirada en hechos reales, Krux narra la oscura historia de un pequeño pueblo del noreste de Alemania al final de la II Guerra Mundial, cuando el régimen nazi ordenó a sus habitantes no dejar nada vivo que el enemigo pudiera encontrar. La mayoría de los hombres están en el frente. Lo que queda es un puñado de mujeres, niños y los pocos hombres a quienes se les permitió quedarse. La vida aún se sostiene en sus viejos rituales: escuela, iglesia, bodas, trabajo. Los vecinos todavía creen que todo terminará bien. Entonces el río devuelve cuerpos que nadie puede nombrar. Nadie sabe cuándo llegará el enemigo ni qué ocurrirá cuando lo haga. Los rumores llenan el silencio donde deberían estar los hechos. De ese silencio crece un miedo más grande que el propio enemigo.

Les Misérables (Los Miserables)

Fred Cavayé (Francia)

País(es) de producción: Francia

Intérpretes: Vincent Lindon, Tahar Rahim, Camille Cottin, Benjamin Lavernhe, Noémie Merlant, Vassili Schneider, Megan Northam, Marie Colomb

Tras 19 años en prisión por robar una hogaza de pan, Jean Valjean busca redención reinventándose como un respetado dignatario bajo una nueva identidad. Promete a Fantine, una trabajadora de fábrica moribunda, rescatar y proteger a su hija, Cosette, quien está siendo explotada y maltratada por la engañosa familia Thénardier. Mientras Valjean cría a Cosette como si fuera su propia hija, es perseguido sin descanso por el inspector Javert. En medio de la agitación social que sacude Francia, los destinos de Valjean, Cosette, su enamorado Marius y Javert se entrelazan en un París turbulento y revolucionario. A través de luchas, sacrificios y un profundo anhelo de justicia, Valjean se esfuerza por culminar su camino de redención y darle a Cosette un futuro de amor y libertad.

The Debut (El Debut)

Jesse Eisenberg ()

País(es) de producción: EEUU

Intérpretes: Julianne Moore, Paul Giamatti, Halle Bailey, Jesse Eisenberg, Cara Buono, Craig Bierko, Eldar Isgandarov, Bernadette Peters

Cuando Mona Friedman consigue un pequeño papel en un teatro comunitario, pasa de ser una ama de casa tímida y discreta a convertirse en una apasionada actriz, dispuesta a hacer cualquier cosa para proteger la integridad artística de su papel, aunque eso signifique entrar en guerra con el autoritario director de la obra.

Vicentina pede desculpas / On Behalf of My Son

Gabriel Martins (Brasil)

País(es) de producción: Brasil

Intérpretes: Rejane Faria, Maíra Azevedo, Renato Novaes, Giovanni Venturini, Giovanna Heliodoro, Grace Passô, Marisa Revert, Fernanda Vianna

Cuando el autobús conducido por su hijo se precipita desde un paso elevado y causa la muerte de decenas de personas, Vicentina busca a las familias de las víctimas para pedirles disculpas y termina descubriendo los límites del perdón.

Fuente: Festival de Cine de San Sebastián

El final de Oak Street; Barrio Jurásico

2026-08-15T18:31:50.235+02:00

Escrito por John Doe

En “El final de Oak Street” (2026), tras un misterioso suceso cósmico que arranca Oak Street de sus suburbios y transporta su vecindario a un lugar desconocido, la familia Platt pronto descubre que su supervivencia depende de que permanezcan unidos mientras se adaptan a su entorno, ahora irreconocible.

La fascinación de la Humanidad para los dinosaurios ha sido algo consistente en los últimos siglos. Varias películas quisieron contar con nuestros antepasados milenarios, mezclándolos, normalmente, con el género de aventuras. Films como “El mundo perdido” (1925) o “Viaje a la prehistoria” (1955) encantaron a varias generaciones. Pero la verdadera fiebre empezó con la saga “Parque Jurásico” (1993), creada por el legendario Steven Spielberg. Desde entonces, tenemos constantemente películas con amigos dinos, ya sean películas de animación que juegan con la libertad de la fantasía de animales parlantes o interminables secuelas de la saga de Spielberg que va comiéndose, poco a poco, a sí misma por su falta de originalidad y calidad. Parecía que el género estaba ya muy gastado, pero esta semana llega la nueva propuesta de David Robert Mitchell, “El final de Oak Street” a demostrarnos que aun se pueden contar historias con dinosaurios de lo más refrescantes y divertidas.

Como es habitual en la filmografía de Robert Mithcell, “El final de Oak Street” está escrita también por él. David es conocido por sus tres primeros films, “El mito de la adolescencia” (2010), “It Follows” (2014) y “Lo que esconde Silver Lake” (2018). Las tres películas presentaban premisas bastante originales que se retorcían, muchas veces destruyendo códigos de género o dándoles mil vueltas, para ofrecer experiencias muy refrescantes. Por desgracia, su último film no funcionó nada bien en taquilla y han tenido que pasar ocho años para que podamos ver una nueva película del director. En esta ocasión, la película se mueve por un registro mucho más comercial, ofreciendo una aventura que inevitablemente recuerda a la saga jurásica más famosa, pero que consigue tener su propia identidad por la fresca propuesta.

La trama empieza cuando una familia desestructurada y al borde de romperse ve como todo su barrio aparece, sin razón aparente, millones de años atrás en el tiempo, siendo rodeados por vegetación y, especialmente, la fauna que habitaba esos lares durante dichos tiempos. A partir de ese momento cada miembro de la pequeña familia tiene que colaborar, de alguna forma, para sobrevivir y encontrar la manera de restaurar la normalidad. La escritura del argumento, aparentemente, sigue una clásica estructura y pasa por algunos lugares comunes del cine de aventuras, con sus grandes dificultades que van aumentando a medida que avanza la trama o el encuentro de aliados inesperados. Lo más interesante, pero, son los pequeños giros que Robert Mitchell decide hacer con sus personajes o algunas de las “pruebas” que tienen que superar, no teniendo ningún reparo a la hora de herir a sus protagonistas, tanto física como mentalmente, y demuestra que su pequeña aventura puede alejarse de la amable película de Spielberg, acercándose más a “Lo imposible” (2012) a la hora de mostrar una cruda realidad nada amable.

Lo peor de la escritura es, posiblemente, la propaganda sobre la unidad familiar tan tradicional siempre impera en la sociedad americana, aunque lo quiera maquillar con un amago de representación queer (sin confirmarlo realmente). Además, muchos diálogos son algo cursis o exagerados, aunque suelen ser algo típicos de dichos films más o menos familiares, buscando la emoción y le reivindicación de dicho modelo familiar mencionado. La escritura de los personajes también queda un poco plana, con algunos estereotipos que se han abrazado en otras cintas y sin tanta profundidad que nos ayude a conectar con sus protagonistas más allá de por el dolor que viven juntos. Tampoco se acaba de dar todas las respuestas que presenta la película, aunque podrían tratase en secuelas, pero deja un cierto sabor de boca agridulce en ese sentido. Aun así, la propuesta es sumamente entretenida, divertida y fresca y hace que dichos puntos pasen un poco por lo alto, ofreciendo un conjunto bastante sólido y que se disfruta enormemente gracias a su bien medido ritmo frenético que no alarga y termina justo cuando lo debe hacer.

El film cuenta con dos grandes estrellas. Por una parte, Ewan McGregor interpreta al patriarca de la familia, Greg Platt. McGregor es muy conocido por sus papeles en films como “Trainspotting” (1996), “Moulin Rouge” (2001), “Big Fish” (2003) o “Lo imposible”, además de participar en la trilogía de precuelas de “Star Wars” (1999-2005) dando vida al legendario Obi-Wan Kenobi. El papel de McGregor no destaca especialmente por su rango interpretativo. El personaje de Greg es un típico padre americano que esconde un secreto a su familia por vergüenza o por temer las consecuencias, a pesar de ser algo que hace para intentar conseguir un bien común. Más allá de ese conflicto personal, el personaje de Ewan es algo simple. Aun así, el actor escocés controla a su personaje y brinda una interpretación decente. Eso sí, tiene poca química con su compañera de reparto, a pesar también de ser una gran actriz, Anne Hathaway. Parece que este año 2026 es el año de Anne Hathaway. La actriz ha estrenado ya este mismo año “Mother Mary” (2026), “El diablo viste de Prada 2” (2026) y “La Odisea” (2026), casi ocupando la totalidad del cine veraniego de este año. Hathaway es conocida por sus papeles en “Princesa por sorpresa” (2001), “El diablo viste de Prada” (2006), “Brokeback Mountain” (2005), “Interestellar” (2014) y “Los Miserables” (2012), papel por el que ganó el Oscar a Mejor Actriz de Reparto. Interpretando a Denise Platt, Hathaway tiene un personaje algo más complejo que le da más juego que al del actor escocés. Aun así, su escritura no permite mucho desarrollo actoral, siendo su recorrido emocional y de supervivencia lo que más destaca. En general ofrece un buen papel, pero nada que vaya a pasar a los anales de la historia.

El reparto se completa con las introducciones de dos jóvenes actores: Christian Convery, a quién hemos podido ver en películas como “Beautiful Boy. Siempre serás mi hijo” (2018), “Venom” (2018), “Oso vicioso” (2023) o las recientes “The Monkey” (2025) o “Frankenstein” (2025). Parece que la carrera de Convery va viento en popa y demuestra en “El final de Oak Street” que es un actor bastante solvente interpretando al pequeño Brian Platt; y Maisy Stella, quién viene del mundo de la televisión siendo una gran estrella de la serie “Nashville” (2012-2018) y con un trabajo cinematográfico anterior destacable con “Mi yo adulta” (2024). Al igual que su joven hermano, Maisy, interpretando a Audrey Platt, brinda una buena interpretación en la que juega algo con el romanticismo sin perder una valentía envidiable de su personaje.

Detrás de las cámaras, Robert Mitchell demuestra que conoce muy bien los códigos de género.

El director usa varias herramientas típicas del cine de terror para construir una tensión con elementos que pasan en segundo plano o son, literalmente, tapados por otros objetos o que van causando un caos a su alrededor sin mostrar la amenaza directamente. David también utiliza un lenguaje cinematográfico bastante rico. Se nota que el director ha ido perfeccionando su propia visión durante estos últimos años e intenta integrar todos los trucos fílmicos que pueda, pasando por puestas en escena muy bien resueltas en grandes planos generales que encuadran gran parte del barrio de nuestros protagonistas o, también, utilizando dioptrías divididas con más o menos éxito en la narración de sus imágenes. Además, el director no escatima cuando hay que mostrar la violencia, siguiendo mucho el tono constante de aventura tensa que nos recuerda constantemente que no estamos delante un juego, a pesar de ser sumamente divertido, sino que quiere mostrar un peligro constante. A pesar de ser un film mucho más comercial, Robert Mitchell hace un buen trabajo detrás de las cámaras.

En la dirección de fotografía tenemos a Mike Gioulakis, quien colaboró con el director en sus dos anteriores films, además de fotografiar películas tan aclamadas como “Múltiple” (2016), “Glass (Cristal)” (2019), “Us” (2019), “Tiempo” (2021) o “Los ojos de Tammy Faye” (2021). El trabajo de Gioulakis es bastante bueno, reforzando el lenguaje de Robert Mitchell con movimientos de cámara realizados muy elegantemente con grúas que recorren gran parte del escenario siguiendo a nuestros protagonistas con un gran dinamismo. La iluminación es bastante interesante, especialmente cuando usa elementos naturales para crear focos de luces como fuego o pequeñas linternas que alumbran parte de los escenarios y las criaturas, descubriéndolas poco a poco con una tensión palpable.

El diseño de producción es bastante bueno. El barrio de los Platt está ambientado en los 80 con un mimo en la construcción y la colocación de los elementos muy destacable. A pesar de pasar toda la acción en el pequeño barrio, los personajes se van moviendo entre distintos habitáculos y la construcción de los mismos acaban teniendo un peso clave en la narración. Los diseños de vestuario, maquillaje y peluquería tienen un trabajo más modesto, teniendo los protagonistas uno o dos cambios de estilo solamente, pero están bien integrados y destacan, sobre todo, cuando poco a poco van siendo rasgados y golpeados con la realidad que les azota. Finalmente, los efectos visuales están trabajados y, a pesar de que engloban mucho el conjunto y pueden resultar cargantes al ser inevitables en gran medida, no cantan y están muy bien integrados con las acciones de los personajes, interactuando muchas veces elementos digitales con los mismos.

Para terminar, el legendario compositor Michael Giacchino ha sido el responsable de crear la banda sonora del film. Giacchino, quien ganó el Oscar a Mejor Banda Sonora por “Up” (2009), es conocido por composiciones tan legendarias como “Ratatouille” (2007), “Los Increíbles” (2004), “Coco” (2017), “Del Revés” (2015) y su secuela o “The Batman (2022). Giacchino compone una banda sonora muy cercana a las películas de aventuras de finales de los 80 y principios de los 90 con un toque animado y alegre muy característico de las composiciones para films animados que tanto le caracterizan. A veces, dicho estado de animo choca un poco con la trama expuesta y el peligro al que los personajes se están exponiendo, pero la mayoría del tiempo es una banda sonora enérgica que sabe cuándo dejar paso a una construcción más minimalista para los momentos más emotivos y/o dolorosos. Destacan especialmente los instrumentos de cuerda, que tanto intensifican el frenetismo como generan tensión e incluso miedo, además de algunas clásicas secciones viento que aporrean al espectador con acción y efecto.

En resumen, “El final de Oak Street” es una cinta de aventuras bien refrescante que parece ser perfecta para ser disfrutada en pantalla grande con la familia. A pesar de contar con una violencia moderada, es un puro divertimento a base de dinosaurios y un ritmo muy bien medido. Quizás no tendrá la mejor escritura que se recuerde y sus personajes sean algo planos, pero consigue emocionar con la base de su planteamiento y la bien medida acción y golpes de efecto. Refrescante y jurásica.

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Puntuación Total 7 / 10

Fuente Imágenes: Warner Bros España

2026-07-30T15:30:00.000+02:00

La Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas ha acogido en Madrid el anuncio de 25 títulos de producciones españolas (23 largometrajes y 2 series) que podrán verse entre el 18 y el 26 de septiembre en la 74º edición del Festival de San Sebastián.

Sección oficial a concurso

Tras pasar por Made in Spain con sus largometrajes La banda (2019) y Llenos de gracia (2022), Roberto Bueso (Valencia, 1986) concursa por primera vez por la Concha de Oro con El mal padre, su tercera película, protagonizada por Eduard Fernández. Después de años distanciados, el célebre escritor y académico Santiago Balmes reúne a sus tres hijos para pedirles un último deseo: pasar las Navidades en la casa donde veraneaban de niños.

Mikel Gurrea (San Sebastián, 1985) regresa a la competición con Sants / Saints, en la que una mujer, interpretada por Victoria Luengo, entra a formar parte de un grupo de ladrones de figuras religiosas, mientras lidia con la inminente muerte de su madre (Ariadna Gil). Suro (Sección Oficial, 2022), debut en el largometraje del cineasta donostiarra desarrollado en Ikusmira Berriak, logró el Premio Irizar al Cine Vasco, el Premio FIPRESCI de la crítica internacional y el Premio Euskal Gidoigileen Elkartea al mejor guion.

5 minutos más / 5 more minutes es la película con la que se estrena en la competición oficial Javier Ruiz Caldera (Viladecans, 1976). El filme está protagonizado por Javier Cámara, Berto Romero, que también firma el guion, y Belén Cuesta. La historia se centra en un matrimonio en crisis, atrapado en un bucle temporal. El director catalán participó en el I Encuentro de Escuelas de Cine (hoy Nest) con el cortometraje Treitum (2002), para después volver a San Sebastián con trabajos como Superlópez (Made in Spain, 2019) o El otro lado (Velódromo, 2023), serie codirigida junto a Alberto de Toro.

Una serie fuera de concurso en la Sección Oficial

El castillo, un policiaco de seis capítulos que cuenta la historia real del auge de la mafia proxeneta española, se proyectará fuera de concurso. La serie, basada en el libro de no ficción El proxeneta, de Mabel Lozano, está creada y escrita por Isabel Peña (Zaragoza, 1983), coguionista de Que Dios nos perdone (Sección Oficial, 2016), As Bestas (Perlak, 2022) o El ser querido, y Eduardo Villanueva (Madrid, 1981), productor y coguionista de Antidisturbios (Sección Oficial fuera de concurso, 2020). La dirección principal corre a cargo de Elena Martín Gimeno (Barcelona, 1992), autora de largometrajes como Júlia ist (Made in Spain, 2017) y Creatura, desarrollado en Ikusmira Berriak (2020), que se proyectó en Made in Spain (2023) y recibió el Premio Dunia Ayaso. También participa como directora Sandra Romero (Écija, 1993), que presentó en el Festival su ópera prima, Por donde pasa el silencio (New Directors, 2024).

Cuatro largometrajes y una serie en Proyecciones Especiales

La Sección Oficial incluirá en su apartado Proyecciones Especiales cinco títulos fuera de concurso.

Tras Sipo Phantasma (Zabaltegi-Tabakalera, 2016) y Oreina (New Directors, 2018), Koldo Almandoz (San Sebastián, 1973) estrenará su tercer largometraje Azken Agurra / The Last Goodbye (Último Adiós). En esta dramedia existencialista, Iñigo Azpitarte e Izaro Nieto interpretan al dueño de una empresa de funerales laicos personalizados y a una joven que hace prácticas en su oficina. El cineasta donostiarra es un veterano del Festival en el que ha participado desde 1997 con una docena de producciones, entre las que destacan cortometrajes incluidos en su día en el programa Kimuak o la serie Zeru ahoak / Mouths of Sky (Bocas de cielo) (Sección Oficial Proyecciones Especiales, 2025).

Daniel Monzón (Palma de Mallorca, 1968) presentará Ruega por nosotras / Pray for Us, un largometraje ambientado en 1974 que sigue el internamiento de Ana (Zoe Bonafonte), una joven rebelde de 19 años, en el denominado Patronato de Protección de la Mujer de Madrid. Monzón, que en 2015 fue parte del jurado oficial y clausuró fuera de concurso la Sección Oficial con Las leyes de la frontera (2021), suma en su filmografía títulos de éxito como El corazón del guerrero (Made in Spain, 2000) o La caja Kovak (2006), así como Celda 211 (Made in Spain, 2010) y El niño (2014), ganadoras de ocho y cuatro premios Goya, respectivamente.

Antonio de la Torre y Patricia López Arnaiz protagonizan el tercer largometraje de David Pérez Sañudo (Bilbao, 1987), que será una Proyección Especial en la gala conjunta de RTVE-EITB. Sacamantecas / The Harvester es un thriller inspirado en hechos reales ambientado al final de la III Guerra Carlista, cuando varias mujeres son estranguladas en Vitoria y la hermana de una de una de las víctimas busca justicia. Pérez Sañudo consiguió con su debut, Ane (New Directors, 2020), el Premio Irizar al Cine Vasco y el Premio Euskal Gidoigileen Elkartea al mejor guion además de tres premios Goya. Después de presentar la miniserie Alardea (Gala EITB, 2020) y ser seleccionado en 2023 en Ikusmira Berriak con La última noche de un Erasmus en Roma, Pérez Sañudo regresó a New Directors en 2024 con Azken erromantikoak (Los últimos románticos).

Con Más allá de la sociedad / Beyond Society, el director Carlos Torres (Alicante, 1985) lleva a la pantalla la historia de cómo una comunidad aprendió a convivir con la tragedia tras el accidente de los Andes en 1972. Esta serie de no ficción creada por J. A. Bayona y Carlos Torres retoma el relato allí donde terminaba la película La sociedad de la nieve (Perlak, 2023): después del rescate, cuando los supervivientes regresaron a sus hogares y se reencontraron con las familias de quienes no volvieron. La serie de tres capítulos continúa ahora el filme que se estrenó en Venecia, obtuvo doce premios Goya, dos nominaciones al Oscar —entre ellas a mejor película internacional— y el Premio del Público en San Sebastián.

Fernando Trueba (Madrid, 1955) presentará Bajañí, un recorrido sonoro por tres países y universos musicales a través de la guitarra de Niño Josele. El cineasta madrileño, ganador del Oscar a la mejor película en lengua extranjera por Belle époque (1993), ha presentado en San Sebastián su primer cortometraje En legítima defensa (Sección Oficial, 1978); Mientras el cuerpo aguante (Sección Oficial, 1982); El milagro de Candeal (Velódromo, 2004); El baile de la victoria (Sección Oficial fuera de concurso, 2009); El artista y la modelo (Sección Oficial, 2012), ganadora de la Concha de Plata al mejor director; El olvido que seremos, con la que clausuró la Sección Oficial fuera de concurso en 2020, y Dispararon al pianista (Sección Oficial Proyecciones Especiales, 2023).

Tres títulos en New Directors

Javier Giner (Barakaldo) se estrena en el largometraje con Esta soledad / This Solitude, tras codirigir la serie Yo, adicto (Sección Oficial Proyecciones Especiales, 2024). Su primera película aborda el vacío existencial y los vínculos frágiles en un Bilbao donde Oriol Pla y Marina Salas interpretan a dos jóvenes que sobreviven en un estado de confusión y soledad.

También debutará en el largometraje Jaime Lorente (Murcia, 1991), cuya ópera prima, El mal hijo / The Bad Son, está basada en la novela homónima de Salvador S. Molina. Susi Sánchez, Miguel Ángel Puro y Hugo Arbués encabezan el reparto de este drama familiar sobre un niño abandonado por su padre que se ve obligado a vivir con su abuela.

Sieben Tage Februar / February, Seven Days, que el año pasado fue el proyecto ganador del Premio de la Industria WIP Europa y el Premio WIP Europa 2025 en San Sebastián, es el debut en el largometraje de Tatjana Moutchnik (Kiev, 1988). La directora germano-ucraniana utiliza la invasión rusa de su país como telón de fondo del reencuentro entre dos hermanos ucranianos en Stuttgart para el entierro de su madre. En 2014, Moutchnik participó en Nest con el cortometraje Der letzte Kuss / The Last Kiss.

Dos largometrajes de Cannes y tres de la Berlinale, en Horizontes Latinos

Fernando Eimbcke (Ciudad de México, 1970), que participó en 2025 en Horizontes Latinos con Olmo, regresa a la sección con Moscas / Flies, galardonada con el Premio de la Industria WIP Latam en 2025. En la película, presentada este año a concurso en la Berlinale, una mujer de 55 años debe lidiar con la soledad, la precariedad y una intervención quirúrgica que no se puede costear. En 2008, el cineasta proyectó en San Sebastián el corto No todo es permanente (Nest) y el largometraje Lake Tahoe (Perlak), que en 2011 fue programado nuevamente en 4+1 Cine mexicano contemporáneo. La retrospectiva exhibió además el filme colectivo Revolución, que contaba con un segmento dirigido por Eimbcke. Con Club Sándwich (Sección Oficial, 2013) obtuvo la Concha de Plata a la mejor dirección.

Ceniza en la boca / Ashes, estrenada en las Proyecciones Especiales del pasado Festival de Cannes, es el sexto largometraje del mexicano Diego Luna (Ciudad de México, 1979). El director, actor y productor regresa al Festival para mostrar la cruda realidad que dos hermanos se encuentran al emigrar de México a Madrid. Luna debutó tras la cámara con Abel (2010), que después de su estreno en Sundance, pasó por Cannes Séances Spéciales, y ganó el Premio Horizontes y el Premio de la Juventud en San Sebastián. En 2011, volvió a proyectarse en la retrospectiva 4+1: Cine mexicano contemporáneo junto al filme colectivo Revolución, que incluía a Luna como codirector. Además, Perlak acogió la proyección de César Chávez (2014) después de su presentación en Berlinale Special.

Manuela Martelli (Santiago de Chile, 1983) fue jurado de Horizontes Latinos en 2022, una sección en la que un año antes proyectó su ópera prima 1976. La cineasta regresa ahora al Festival para presentar El deshielo / The Meltdown (Proyecta, 2022), estrenada en Un Certain Regard de Cannes. Se trata de un thriller protagonizado por dos niñas que se conocen en un hotel de montaña en Chile, y cuando una de ellas desaparece, la investigación revela secretos ocultos.

Marcelo Martinessi (Asunción, 1973) presenta Narciso, ganadora del Premio FIPRESCI en la Berlinale 2026, donde tuvo su estreno mundial en la sección Panorama. En 2020, el proyecto —entonces titulado ¿Quién mató a Narciso? — obtuvo el Premio DALE! (Desarrollo América Latina-Europa) en el Foro de Coproducción del Festival de San Sebastián. Con su ópera prima, Las herederas (2018), el cineasta paraguayo ganó el VI Premio Sebastiane Latino y participó posteriormente en Horizontes Latinos, tras obtener en la Berlinale el Premio Alfred Bauer, el Oso de Plata a la Mejor Actriz, el Premio FIPRESCI y el Premio Teddy.

Chicas tristes / Sad Girlz (Proyecta, 2022 y WIP Latam, 2025) es la ópera prima de la cineasta mexico-española Fernanda Tovar (Ciudad de México, 1991), quien se alzó con el Gran Premio del Jurado y el Oso de Cristal a la mejor película en la sección Generation 14plus de la Berlinale. El filme sigue a un grupo de amigas, cuya amistad se pone a prueba después de que un suceso las obligue a tomar la decisión de guardar silencio o hacer justicia. Previamente dirigió los cortometrajes Mi edad, la tuya y la edad del mundo (2022), proyectado en la Semana de la Crítica de Cannes, y Quiero estrellarme en seco contra el parabrisas del amor (2024), estrenado en Tribeca.

Cinco títulos en Zabaltegi-Tabakalera

Catorce noches se suceden y conforman entre ellas un friso en HAMALAU gau (CATORCE noches). La última película del director navarro Oskar Alegria Suescun (Pamplona, 1973) cuenta con las voces de Ramón Andrés, Julia Otxoa, Josebe Blanco, Josu Venero, Iban Urizar (Amorante), Bertha Bermúdez, Mixel Etxekopar y Jean-Christophe Galtxetaburu, entre otros, para recrear el universo de Oteiza. Alegria proyectó en el Festival su ópera prima, Emak Bakia baita / The Search for Emak Bakia (La casa Emak Bakia) (Zabaltegi-Especiales, 2012).

Meritxell Colell Aparicio (Barcelona, 1983) llega a Zabaltegi-Tabakalera con su nuevo largometraje, Lejos de los árboles / Far From the Trees (Ikusmira Berriak 2022 y Proyecta, 2021), que competirá en la sección oficial en el Festival de Locarno. El filme narra el viaje a Perú de Adela, una artista mexicana, nieta de exiliados republicanos, que sigue el legado de su abuelo: crear un mapa sonoro de lenguas en peligro de desaparición. Colell estrenó en Forum de la Berlinale su debut Con el viento (Made in Spain, 2018), que después obtuvo la Biznaga de Plata a la mejor película en Zonazine del Festival de Málaga. Además, Dúo fue seleccionada en 2018 en el Foro de Coproducción Europa-América Latina. Ha formado parte de programas y residencias artísticas como l’Atelier de la Cinéfondation de Cannes y Berlinale Talents.

Estrenada en la Quincena de Cineastas de Cannes, Les Roches rouges / Red Rocks (Rocas rojas) del cineasta galo Bruno Dumont (Bailleul, 1958), traslada al espectador la rivalidad entre dos bandas de niños pequeños, que se enfrentan al amor, la vida y la muerte. Dumont concursó en la Sección Oficial con Hadewijch (2009). Ese mismo año, su película L'humanité (1999) fue programada en la retrospectiva La contraola: novísimo cine francés. Posteriormente, participó en Zabaltegi-Tabakalera con la serie P’tit Quinquin / Li’l Quinquin (2014), y su continuación Coincoin et les Z’inhumains / Coincoin and the Extra-Humans (2018).

Isaki Lacuesta (Girona, 1975) presentará la no ficción Jaleos / Flamenco Sketches, un recorrido por la historia del flamenco narrado por C. Tangana y que conecta arte, política y cultura popular. El director, guionista y productor catalán ha ganado la Concha de Oro en dos ocasiones con Los pasos dobles (2011) y Entre dos aguas (2018), y ha participado en la Sección Oficial con Los condenados (Premio FIPRESCI, 2009), Murieron por encima de sus posibilidades (Sección Oficial fuera de concurso, 2014) y la serie Apagón (Sección Oficial fuera de concurso, 2022). Otras incursiones de Lacuesta en San Sebastián son La noche que no acaba (2010) y El cuaderno de barro (2011), ambas en Zabaltegi-Tabakalera; Un año, una noche (Perlak, 2022); Segundo Premio (Made in Spain, 2024) y Flores para Antonio (Sección Oficial Proyecciones Especiales, 2025), codirigida con Elena Molina.

La sección también acogerá el estreno de Dust (La deriva), dirigida por el cineasta malayo Tsai Ming-Liang (Kuching, 1957). Se trata de una nueva entrega de su serie El caminante, que sigue por el mundo al monje budista que esta vez ha escogido San Sebastián y Gipuzkoa como telón de fondo de su paseo meditativo. Tsai Ming-Liang, que participó con Rebels of the Neon God (1993) en Zabaltegi – New Directors, y con Rizi / Days (2020) en Zabaltegi-Tabakalera, ha obtenido premios como el León de Oro de Venecia o el Premio Especial del Jurado de la Berlinale.

‘La bola negra’, en Perlak

Javier Ambrossi (Madrid, 1984) y Javier Calvo (Madrid, 1991) regresan a San Sebastián con La bola negra, que en la 79ª edición del Festival de Cannes se alzó con el premio a la mejor dirección ex aequo junto al director polaco Pawel Pawlikowski por su filme Vaterland / Fatherland. Inspirada en una obra inacabada de Federico García Lorca, la película plasma las vidas interconectadas de tres hombres en tres épocas distintas (1932, 1937 y 2017), tres existencias íntimamente ligadas por la sexualidad y el deseo, el dolor y la herencia. El dúo presentó en la Gala RTVE su debut en la dirección, La llamada (2017), y estrenó en la Sección Oficial fuera de concurso la serie La Mesías (2023). Los directores, guionistas y productores son también los creadores de las series Paquita Salas (2016) y Veneno (2020).

Música y karate en el Velódromo

La programación del Velódromo incluirá la proyección de Muguruza FM 40 Tour, codirigido por Ander Merino Etxebeste (San Sebastián, 1995) y Fermin Muguruza (Irun, 1963). El documental, realizado en el contexto de la última gira musical de Muguruza, retrata sus 40 años de compromiso, resistencia cultural y canciones convertidas en identidad colectiva. El músico guipuzcoano ha mostrado sus trabajos previos como director en secciones como Zinemira, donde presentó Checkpoint Rock. Canciones desde Palestina (2009), Next Music Station: Lebanon (2011), NOLA? (2016), Black is Beltza (2018) o Bidasoa 2018-2023 (2023); Zuloak (Zabaltegi Especiales, 2012) y Black is Beltza II: Ainhoa (Velódromo, 2022).

Tras Ventajas de viajar en tren (2019) y Moscas (2023), Karateka es el tercer largometraje de Aritz Moreno (San Sebastián,1980), en cuyo reparto figuran nombres como Andrea Ros, Patrick Criado o Ernesto Alterio. El director donostiarra cuenta la historia de Sandra Sánchez, una mujer que desafió todas las convenciones hasta conquistar el oro olímpico de karate, en la modalidad de kata, a los 39 años. Moreno participó en Zinemira-Kimuak con Bucle (2011) y Cólera (2013).

A todos estos títulos se sumarán otros nuevos con producción española a medida que vaya anunciándose la programación de las distintas secciones del Festival de San Sebastián.

SECCIÓN OFICIAL - A competición

5 minutos más / 5 more minutes

Javier Ruiz Caldera (España)

País(es) de producción: España

Intérpretes: Javier Cámara, Berto Romero, Belén Cuesta, Carlos Bernardino, Marc Soler, Clàudia Melo

5 minutos más narra la historia de un matrimonio en crisis que decide pasar un fin de semana de turismo rural en una casa aislada en el campo. Allí se reúnen con un encargado de la agencia que les enseña la casa y les entrega las llaves. Pero antes de que los deje solos, sucede una cosa extraordinaria: el tiempo retrocede 5 minutos.

El mal padre

Roberto Bueso (España)

País(es) de producción: España

Intérpretes: Eduard Fernández, Adam Jezierski, Francesco Carril, Meritxell Calvo, Cristina Plazas

Después de años distanciados, el célebre escritor y académico Santiago Balmes reúne a sus tres hijos para pedirles un último deseo: pasar las Navidades en la casa donde veraneaban de niños.

Sants / Saints

Mikel Gurrea (España)

País(es) de producción: España - Italia

Intérpretes: Victoria Luengo, Ariadna Gil, Eulàlia Ramón

Mientras lidia con la inminente muerte de su madre, Lali entra a formar parte de una banda de ladrones de figuras religiosas.

SECCIÓN OFICIAL - Fuera de concurso

El castillo

Serie

Elena Martín Gimeno (España), Sandra Romero (España)

País(es) de producción: España

Intérpretes: Raúl Arévalo, Valentina Vidal, Omar Ayuso, Laia Marull

Fuera de concurso

Gerardo Liesa, un joven inspector de policía recién incorporado a la UCRIF (Unidad Central de Redes de Inmigración Ilegal y Falsedades Documentales), y su compañera Carmen Osés intuyen que algo está cambiando en los burdeles de toda España. Suizo y sus socios dirigen varios clubs de carretera donde explotan sexualmente a prostitutas llegadas de todo el mundo. Una de esas mujeres es Claudia, que con 18 años y un hijo pequeño en Colombia, acaba de llegar a España buscando un futuro mejor.

SECCIÓN OFICIAL - Proyecciones Especiales

Azken Agurra / The Last Goodbye (Último Adiós)

Koldo Almandoz (España)

País(es) de producción: España

Intérpretes: Iñigo Azpitarte, Izaro Nieto

Proyecciones especiales - Fuera de concurso

Cuando eres el dueño de una empresa de funerales laicos. Cuando te han retirado el carnet por conducir borracho. Cuando te enamoras de una estudiante de prácticas 25 años más joven. Cuando tu hija comienza a darse cuenta de que no eres el padre que ella creía que eras. Cuando el boxeador retirado al que pediste dinero anda detrás de ti. Cuando la muerte te interesa más que la vida... ¿Qué puede salir mal?

Bajañí

Fernando Trueba (España)

País(es) de producción: España

Intérpretes: Niño Josele

Proyecciones especiales - Fuera de concurso

Bajañí es el nombre que recibe la guitarra española en caló. Partiendo de este instrumento, y en concreto, de la guitarra y el arte de Niño Josele, Fernando Trueba invita a los espectadores a escuchar la música como nunca lo habían hecho. Se trata de un nuevo viaje musical en su cinematografía a través de tres planetas musicales: flamenco, jazz y música brasileña, donde Niño Josele y su guitarra dialogan musicalmente con Caetano Veloso, Ron Carter, Rubén Blades, Kenny Barron y Marisa Monte.

Más allá de la sociedad / Beyond Society

Serie

Carlos Torres (España)

País(es) de producción: España

Proyecciones especiales - Fuera de concurso

El accidente de los Andes no terminó con el rescate. Otra historia empezó cuando los supervivientes regresaron al barrio donde les esperaban las familias de quienes no volvieron. Mientras el mundo convertía su tragedia en un relato universal, ellos tuvieron que aprender a convivir con el peso de lo que habían hecho. Esta serie recorre medio siglo de una comunidad marcada por la grieta entre vivos y muertos y descubre cómo volver a contar una historia puede cambiar la manera de afrontarla.

Ruega por nosotras / Pray for Us

Daniel Monzón (España)

País(es) de producción: España - Francia

Intérpretes: Zoe Bonafonte, Manuela Calle, Adelfa Calvo, María Cerezuela, Shiara Fernández, Carla Domínguez, María Gandiaga, Malena Gutíerrez, Belén Cruz, Bea Segura, Xavi Sáez

Proyecciones especiales - Fuera de concurso

Año 1974. Ana es una chica rebelde de 19 años. Tras una fuga nocturna, su padre decide ponerla en manos del Patronato de protección a la Mujer. Es trasladada de Barcelona a Madrid para ser internada en un reformatorio regentado por monjas y sometida a un brutal régimen disciplinario. Allí tratará de sobrevivir buscando consuelo y apoyo en la amistad con Sole, una chica de pueblo con una vitalidad contagiosa, y otras chicas que están en su misma situación.

Sacamantecas / The Harvester

David Pérez Sañudo (España)

País(es) de producción: España - Bélgica

Intérpretes: Antonio de la Torre, Patricia López Arnaiz, Josean Bengoetxea, Eneko Sagardoy, Haizea Carneros

Proyecciones especiales - Fuera de concurso

Álava, siglo XIX. Mientras la III Guerra Carlista agoniza, varias mujeres aparecen estranguladas en las afueras de Vitoria. Ángela Berrosteguieta, hermana de una de las víctimas, llega en busca de justicia, decidida a demostrar que Juan Díaz de Garayo, un campesino analfabeto, es el responsable de los crímenes. Sin embargo, Pío Pinedo, jefe de los alguaciles, se enfrenta a la falta de recursos en tiempos de guerra y a la presión de las autoridades, que prefieren ocultar la creciente ola de asesinatos.

NEW DIRECTORS

El mal hijo / The Bad Son

Jaime Lorente (España)

País(es) de producción: España

Intérpretes: Miguel Ángel Puro, Susi Sanchéz, Hugo Arbués, Óscar de la Fuente, Abel de la Fuente

Cuando el padre de Rubén, un niño de once años, desaparece misteriosamente, éste se ve obligado a irse a vivir con su abuela a la que apenas conoce. En un entorno rural donde el tiempo parece haberse detenido, el niño aprenderá cómo las heridas familiares se transmiten de generación en generación, y luchará a medida que crece por intentar sanarlas.

Esta soledad / This Solitude

Javier Giner (España)

País(es) de producción: España

Intérpretes: Oriol Pla, Marina Salas, Gemma Martínez, Kai Etxaniz, Itziar Lazkano

Leo y Lorea se han querido. Quizá se siguen queriendo. Pero algo en ellos se ha roto. Su relación, tras cinco años, ha terminado. Él carga con su padre enfermo, atrapado entre la responsabilidad y una desconexión emocional que le pesa. Ella, enredada entre trabajos mal pagados y crisis personales, intenta recomponerse sin saber muy bien por dónde empezar. Son dos cuerpos cansados y solos, atravesados por lo precario, por lo no resuelto, por la herencia emocional de una generación que parece llegar siempre tarde a todo: al amor, a la estabilidad, a la madurez, a la calma, a la satisfacción personal.

Sieben Tage Februar / February, Seven Days

Tatjana Moutchnik (Ucrania)

País(es) de producción: Alemania - Austria - España

Intérpretes: Serhii Korshykov, Volodymyr Holosniak, Maria Shtofa, Arsenii Markov, Moisej Bazijan, Daria Guitbout

WIP Europa 2025

Dos concepciones diferentes de la identidad familiar entran en conflicto cuando un hombre de Odesa y su hijo visitan a su hermano en Alemania para asistir el funeral de su madre en la víspera del estallido de la guerra de Ucrania.

HORIZONTES LATINOS

Ceniza en la boca / Ashes

Diego Luna (México)

País(es) de producción: México - España

Intérpretes: Anna Díaz, Adriana Paz, Luisa Huertas, Guillermo Rios, Sergio Bautista, Benny Emmanuel, Teresa Lozano, Adriana Jacomé

En busca de una vida mejor, Lucila viaja con su hermano Diego desde México para encontrarse con su madre en Madrid, quien lleva ahí ocho años trabajando ilegalmente para mantenerlos. Al llegar, la vida que los espera resulta más dura de lo que imaginaban.

Chicas tristes / Sad Girlz

Fernanda Tovar (España)

País(es) de producción: México - España - Francia

Intérpretes: Rocío Guzmán, Darana Álvarez

WIP Latam 2025

Proyecta 2022

La Maestra y Paula son las mejores nadadoras de su equipo y mejores amigas hasta que un incidente en una fiesta lo trastoca todo. La Maestra, intensa e imparable, nota que algo en su mejor amiga ha cambiado: ahora está triste. Cuando la verdad sale a la luz, ambas se enfrentan a una decisión imposible: Paula quiere guardar silencio, y la Maestra quiere justicia. Su amistad, antes invencible, se pone a prueba como nunca.

El deshielo / The Meltdown

Manuela Martelli (Chile)

País(es) de producción: Chile - EEUU - España - México

Intérpretes: Maya O'Rourke, Saskia Rosendahl, Maia Rae Domagala, Jakub Gierszal, Paulina Urrutia

Proyecta 2022

Chile, 1992. Durante su estancia en el hotel de sus abuelos en las montañas, Inés se hace amiga de Hanna, una esquiadora alemana. Cuando Hanna desaparece sin dejar rastro, su búsqueda revela verdades que se mantenían ocultas.

Moscas / Flies

Fernando Eimbcke (México)

País(es) de producción: México - España

Intérpretes: Teresita Sánchez, Bastián Escobar

WIP Latam 2025

Desde que Olga sufrió una gran pérdida, se ha aferrado a la soledad, pero la falta de dinero para llevar a cabo una intervención quirúrgica en el dedo gordo de su pie la orilla a rentar un cuarto de su departamento a Tulio, el marido de una paciente hospitalizada en el centro médico que se encuentra frente al enorme multifamiliar en el que vive Olga. Cuando el hombre debe irse por unos días y deja a su hijo Cristian en su lugar.

Narciso

Marcelo Martinessi (Paraguay)

País(es) de producción: Paraguay - España - Uruguay - Brasil - Portugal - Alemania - Francia

Intérpretes: Diro Romero, Mona Martínez, Nahuel Pérez Biscayart

Foro de Coproducción Europa-América Latina 2020

Paraguay, 1959. Bajo un régimen militar sofocante, Narciso regresa de Buenos Aires fascinado por el rock and roll. Carismático, enigmático y deseado por hombres y mujeres, pronto se convierte en una estrella de la radio y en un símbolo de libertad. Pero tras su último show aparece sin vida. En un país donde el silencio domina y el miedo asfixia la verdad… ¿quién mató a Narciso?

ZABALTEGI-TABAKALERA

Dust (La deriva)

Tsai Ming-Liang (Malasia)

País(es) de producción: España - Taiwán

Intérpretes: Lee Kang-Sheng

El Caminante llega a San Sebastián, un paisaje de luminosa belleza. Una franja de color rojo ocre se mueve lentamente a través de los bosques y a lo largo del borde del viento y el mar, entre el ruido de la noche y la quietud del día. Con pasos pausados, circula ante los ojos de muchos: una figura tranquila en la inmensidad del mundo, dejando una huella fugaz en la memoria de los desconocidos. El pasado y el presente se funden entre sí. Tanto la creación como la naturaleza se disuelven en polvo.

HAMALAU gau (CATORCE noches)

Oskar Alegria Suescun (España)

País(es) de producción: España

"En esta película se hará de noche 14 veces. Las iremos contando”. Así comienza este viaje noctámbulo y musical, una deriva por el ideario del artista vasco Jorge Oteiza, en la que domina una noche: la que transcurre en la basílica de Arantzazu. Allí se vive la noche más larga, junto al órgano del santuario, donde el cineasta Oskar Alegria se encierra para contar las 14 noches al pianista Iñar Sastre, a quien convoca para que imagine a través de las teclas unas imágenes que el músico no verá. De este desafío surge una colección de 14 lunas, 14 oscuridades, 14 misterios que conforman un mismo friso. 14, como el número de apóstoles que Oteiza logró colocar en la fachada de ese mismo lugar, y 14 porque, como él mismo decía, “no cabían más”.

Jaleos / Flamenco Sketches

Isaki Lacuesta (España)

País(es) de producción: España

A partir de materiales de archivo y una estructura fragmentada y polifónica, la película propone una historia del flamenco que lo vincula con la modernidad, lo popular y lo político. A través de relatos, asociaciones inesperadas y figuras de distintos tiempos y contextos, el filme explora un flamenco impuro, en constante diálogo con el mundo, donde conviven tradición, cultura de masas e imaginario contemporáneo.

Lejos de los árboles / Far From the Trees

Meritxell Colell Aparicio (España)

País(es) de producción: España - Perú - Italia

Intérpretes: Angélica Castelló, Jose Luis López Cama, Teresita Sánchez, Caterina Ramirez Guallar, Ángel Santos, Anna Muxart, Walter Yuri

Ikusmira Berriak 2022

Proyecta 2021

Adela, una artista sonora mexicana, viaja desde la selva hasta los Andes peruanos junto a Lucho, guía y traductor. Siguiendo el legado de su abuelo, republicano catalán exiliado en México, teje un mapa sonoro de lenguas en peligro de desaparición. Cuando irrumpe el miedo a la muerte, la realidad se fractura. La travesía de Adela se transforma en un viaje íntimo hacia la casa de su infancia. Lejos de los árboles está llena de historias sobre la fragilidad de la existencia y la necesidad de recordar, escuchar y amar.

Les Roches rouges / Red Rocks (Rocas rojas)

Bruno Dumont (Francia)

País(es) de producción: Portugal - Francia - Italia - España - Qatar

Intérpretes: Kelsie Verdeilles, Louise Podolski, Mohamed Coly, Alessandro Piquera, Meryl Pires, Kaylon Lancel

En la Costa Azul, dos bandas de niños se enfrentan en su juego favorito: saltar desde los acantilados rojos del Mediterráneo. Géo, de apenas cinco años, descubre a lo largo de un verano un mundo donde la amistad se mezcla con la rivalidad y donde los primeros impulsos del corazón se convierten en fuente de tensiones.

PERLAK

La bola negra

Javier Calvo (España), Javier Ambrossi (España)

País(es) de producción: España - Francia

Intérpretes: Guitarricadelafuente , Miguel Bernardeau, Carlos González, Milo Quifes, Lola Dueñas, Penélope Cruz, Glenn Close

VELÓDROMO

Karateka

Aritz Moreno (España)

País(es) de producción: España - Bélgica

Intérpretes: Andrea Ros, Patrick Criado, Ernesto Alterio, Pilar Castro, Mizuki Yoshida, Denden

Esta es la historia de Sandra Sánchez, una mujer que desafió todas las convenciones hasta convertirse en la mejor karateka de todos los tiempos. Con la guía de Jesús del Moral, su entrenador y compañero de vida, Sandra emprendió un viaje imposible: conquistar el oro olímpico a los 39 años en un deporte dominado por los japoneses y donde los más veteranos se retiran a los 30 años. Un relato de amor, grandeza y lucha que trasciende el karate y se convierte en leyenda.

Muguruza FM 40 Tour

Ander Merino Etxebeste (España), Fermin Muguruza (España)

País(es) de producción: España

Cuatro décadas después de subir por primera vez a un escenario, Fermin Muguruza se embarca en su última gira a gran escala: un viaje colectivo para celebrar 40 años de música, compromiso y resistencia cultural. Este documental musical capta el pulso de ese viaje: conciertos con el aforo completo, muchos kilómetros en la carretera, distintos encuentros a lo largo del camino y una energía compartida que ha trascendido generaciones, desde las bandas Kortatu y Negu Gorriak hasta su actual carrera en solitario.

GALA RTVE-EITB

Sacamantecas / The Harvester

David Pérez Sañudo (España)

País(es) de producción: España - Bélgica

Intérpretes: Antonio de la Torre, Patricia López Arnaiz, Josean Bengoetxea, Eneko Sagardoy, Haizea Carneros

Proyecciones especiales - Fuera de concurso

Spiderman; Brand New Day; Reconstruyendo una nueva realidad

2026-07-29T14:39:25.904+02:00

Por Enrique Bellón.

Esta semana llega a nuestras pantallas el amigo y vecino en "Spiderman: Brand New Day", después de los hechos de No Way Home, el hechizo del Doctor Strange eliminó el recuerdo de Peter Parker de la mente de todo su universo. Sin tía May y sin que sus amigos (MJ y Ned) sepan quién es, Peter vive volcado al 100% en ser Spider-Man a tiempo completo en Nueva York.

A todo ello se une una presión constante, la soledad y el estrés extremo lo cual parece que puede desencadenar una mutación/evolución biológica en sus poderes arácnidos. Esto le provoca pérdida temporal de control, aumento de agresividad y síntomas físicos inestables, requiriendo incluso el apoyo de Bruce Banner.

La historia de "Spiderman: Brand New Day" consige construir un personaje más complejo, con más capas que tiene que sobreponerse a problemas personales y físicos para luchar ante un nuevo enemigo, algo nunca visto y que poco a poco se nos mostrará, un poder inimaginable que puede aparecer en cualquier lugar y que la película maneja de manera muy correcta, hacia un desenlace que es bastante satisfactorio al menos en su trama principal.

La inclusión del personaje de The Punisher también es un elemento muy acertado, aportando un contrapunto muy necesario a nuestro protagonista, y siendo un "buddy" fuera de lo común, que mantiene sus valores y forma de actuar de manera consistente.

A diferencia de las amenazas multiversales o cósmicas de las entregas anteriores, Brand New Day combina un tono callejero muy marcado con elementos científicos, La presencia de Frank Castle / Punisher (Jon Bernthal) y Mac Gargan / Scorpion (Michael Mando) sitúa la acción en los rincones más oscuros de Nueva York.

El elenco está a muy buen nivel, destacando por supuesto el gran peso de la historia en Tom Holland, así como la aparición de algunas caras conocidas que no vamos a desvelar que papeles tienen, pues resultan importantes y reveladores en la historia, estamos hablando de Sadie Sink (Stranger Things) y Tramell Tillman (Severance).

En lo técnico la película no brilla en demasía, se trata de una línea continuista, los efectos son correctos, la ambientación buena y el sonido acompaña. La trama principal si bien suena a vista funciona y las relaciones de personajes se toman su tiempo de manera correcta. Bien es cierto que hay algunos diálogos o el desenlace algo mejorables, pero en general todo funciona bien.

Por lo tanto con este "Spiderman: Brand New Day" tenemos una película clásica de Marvel que continua en la línea de mezclar historias y universos de los comics, un blockbuster sólido con mucha diversión, algo de humor y unos personajes bien desarrollados, además de sorpresas para todos tanto los fans clásicos como las nuevas generaciones, destacar que tenemos una escena post-créditos (sin mucha enjundia) al final del metraje.

[message]

##check## Lo bueno

La historia principal se desvela de manera paulatina y a muy buen ritmo.
La presencia de Frank Castle (Punisher) y lo bien que mezcla con Spiderman.
La inclusión de muchos temas, personajes y líneas de otros elementos del universo Marvel de manera muy orgánica.

##times## Lo malo

El desenlace de la historia de Peter con sus amigos es un poco tonto.
No tiene especial despliegue visual.
El avance en la historia principal del universo MCU es mínimo.

[accordion]

Ambientación 7.5

Correcta pero sin un brillo excesivo.

Desarrollo de Personajes 7.5

Ahonda lo suficiente sin abusar.

Argumento / Guión 7.0

Historia principal previsible pero bien construida.

Banda Sonora 6.5

Sin más.

Entretenimiento 8.5

Uno de sus puntos fuertes.

Montaje / Innovación técnica 7.5

Montaje que no sorprende pero funciona bien.

[message]

Puntuación Total 7.5 / 10

Fuente Imágenes: Marvel / Sony Pictures Releasing

Alas de Mariposa; Análisis de la edición Bluray

2026-07-25T15:30:00.000+02:00

Por A. Alberto.

Tenemos ya disponible en nuestro mercado una nueva película editada por MERCURY FILMS y distribuida por DIVISA, uun drama asfixiante dirigido por Juanma bajo Ulloa, Alas de Mariposa.

Una niña de 6 años llamada Amanda introvertida y muy sensible observa como su madre intenta quedarse embaraza a toda costa otra vez, queriendo solo tener un varón para así complacer a su padre. Vive obsesionada de tal manera que solo le importa el ansiado embarazo, hasta que lo consigue y da a luz a un varon,entonces comenzara una pesadilla para ambas en que lo psicológico y la locura acabara de engullir a madre e hija.

La imagen

Disponemos de una imagen algo oscura en algunos tramos y granulada aun así gran trabajo de restauración supervisado en todo momento por su director.

BLU RAY/ –1.85.1.

1080 P/24P.

El sonido

Pista de sonido en Castellano no ha sido restaurada como debiera debido a la calidad del master de sonido original.

Audio Castellano - LPCM 2.0
Euskera - LPCM 1.0

La edición

Contamos con la edición básica amaray azul con con clásico poster de la película Y UNA FUNDA ELEGANTE PARA ESTA EDICION.

En los extras contamos con el comentario de su director además de una escena clave eliminada del montaje. Tenemos un corto relacionado con la temática de la película titulado AKIXO.Disponemos de varias galerías de imágenes y de dos trailers realizados para la ocasión del lanzamiento de esta edición.

Precio: 17,99 €

Características técnicas

Contenido 1 Disco

Presentación Funda

Imagen 1.85:1 1080p

Audio Castellano - LPCM 2.0

Euskera - LPCM 2.0

Subtítulos Castellano, Inglés, Castellano para sordos

Precio 17,99 €

Extras

Audiocomentarios de Juanma Bajo Ulloa.

Secuencia 111 (eliminada de montaje final).

Cortometraje Akixo en Castellano y Euskera.

Galería de fotos.

Fotos de rodaje.

Publicidad y varios.

BSO.

Galería cortometraje Akixo.

Tráiler.

Tráiler nuevo.

Valoración Global

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Calidad de imagen 7.5

La calidad es muy buena a pesar de ser una película oscura, pero cuenta con un gran trabajo de restauración.

Calidad Sonora 5.5

El sonido seria su pega más grande al no estar tratado, suena algo vacío y poco claro en algunos tramos.

Contenido extra 7.0

La edición que hemos podido evaluar contiene extras variados y complementarios para la película en sí, aportando empaque a la edición.

La edición 7.0

Una edición buena con mención especial a su espectacular imagen, presentación y extras pero lastrada en medida por su justito sonido, aun así, recomendable compra.