La Henryteca del Cine

Te van a matar; Rescate inesperado

2026-04-07T15:00:00.001+02:00

Por Enrique Bellón.

La trama de "Te van a matar" sigue a Asia Reaves (Zazie Beetz), una ex convicta que busca desesperadamente a su hermana menor, Maria. Siguiendo su rastro, Asia responde a un anuncio para trabajar como empleada doméstica en "The Virgil", un misterioso y lujoso rascacielos en Nueva York. Lo que parece un trabajo extraño pronto se convierte en una pesadilla: el edificio es en realidad la guarida de un culto satánico formado por inquilinos adinerados que han cambiado su humanidad por la inmortalidad.

Con un aspecto visual que podría firmar el propio Tarantino nos encontramos ante una extraña mezcla de cine de acción, supervivencia y sobrenatural. Con un estilo "John Wick" satánico: se trata de una mezcla entre Ready or Not (Boda Sangrienta) y John Wick, debido a sus secuencias de acción coreografiadas de forma extrema y violenta así como el paralelismo que se muestra em esta organización que bebe en muchos momentos de loq ue nos plantean en la sociedad creada en el Lore de John Wick.

El director Kirill Sokolov es famoso por la película rusa Why Don't You Just Die!. En "Te van a matar", mantiene su estilo de "violencia caricaturesca" donde la sangre abunda pero con un sentido del humor muy marcado, mezclando el gore con los sobre natural además de un marcado humor negro. por otra parte el edificio "The Virgil" funciona casi como un personaje más; cada piso representa un "nivel" de dificultad que Asia debe superar, dándole a la película una estructura similar a la de un videojuego.

Zazie Beetz como heroína de acción vuelve después de Deadpool 2, aquí lleva todo el peso de la acción física, realizando la mayoría de sus escenas de lucha con hachas y otros objetos domésticos. Siendo quien sostiene de una manera muy solvente la historia que acaba siendo un verdadero carrusel de diversión donde todos los elementos encajan perfectamente para un entretenimiento de lo más funcional. Aparecen algunas caras conocidas en papeles diferentes, tales como Patricia Arquette, Tom Felton o Heather Graham.

En resumen "Te van a matar" resulta ser una película de lo más entretenido que funciona como un tiro dentro de lo que nos quiere proponer, creando un lore y unos personajes realmente macabros pero que a la vez acaban creando lazos con el espectador, pues son más complejos de lo que aparentan, una propuesta fresca dentro de algo muy visto.

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##check## Lo bueno

Muy divertida.
Los personajes son muy locos.
La historia si bien desvaria demasiado al final tiene un punto de originalidad.

##times## Lo malo

Tienes que entrar en su humor.
No es terror para todos, tienes que abrazar su exceso.
El final es un poco inconexo y se pasa de excesivo.

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Ambientación 8.5

Muy bien construida.

Desarrollo de Personajes 7.5

Pocos personaje y algo excesivos.

Argumento / Guión 7.0

Un guion simple pero con giros interesantes.

Banda Sonora 8.0

Música muy acertada sin brillar en exceso.

Entretenimiento 8.5

Uno de sus puntos fuertes.

Montaje / Innovación técnica 8.5

Montaje curioso y divertido.

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Puntuación Total 8 / 10

Trailer:

Fuente Imágenes: Warner Bros España

Buena Suerte, pásalo bien, no mueras; Apocalipsis diferente

2026-04-06T14:28:00.004+02:00

Por Enrique Bellón.

La historia nos transporta a un futuro donde la humanidad libra una guerra tecnológica contra una IA rebelde. Un hombre del futuro (interpretado por Sam Rockwell) viaja al pasado con una misión crítica: reclutar a un grupo de personas comunes en un restaurante de carretera para detener el fin del mundo. En "Buena suerte, pásalo bien, no mueras" nos encontramos ante una adorable locura, una historia de ciencia ficción de tono Terminator pero lleno humor negro.

Con un principio que hace claro homenaje a películas como "Reservoir dogs" o "12 monos", nos encontramos ante un grupo de personas que no son soldados, sino gente común que debe aprender a trabajar en equipo bajo una presión extrema. La película equilibra el suspenso de una misión suicida con el humor ácido de ver a gente "normal" intentando salvar el universo.

Si algo llama la atención en "Buena suerte, pásalo bien, no mueras" es su ritmo, su humor y la ingente cantidad de referencias al cine de ciencia ficción de los últimos tiempos. Si bien la base de la historia es claramente una mezcla de Terminator con "Al filo del mañana" donde una persona tiene que encontrar las herramientas adecuadas para intentar, viajando en el tiempo, cambiar un destino caótico para el ser humano, una IA que manipula todo y nos quiere engañar.

Es el primer largometraje de Gore Verbinski en varios años. El director es famoso por su estilo visual impecable y por saber manejar presupuestos enormes con conceptos originales, el título: "Good Luck, Have Fun" (GLHF) es una frase icónica en la cultura del gaming. Se utiliza al inicio de las partidas competitivas, lo que sugiere que la película tiene una estética o una estructura influenciada por la dinámica de los videojuegos.

La presencia de una importante cantidad de actores robaescenas y muy en voga como son: Haley Lu Richardson, Michael Peña, Zazie Beetz y Juno Temple, completan la presencia de un Sam Rockwell omnipresente y que llena la pantalla en todo momento, llevando el peso de una historia por y para los fans de la ciencia ficción, una película imperdible de este género, ¿cuantas referencias podrás encontrar?.

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##check## Lo bueno

Ambientación impecable.
El trabajo de Sam Rockwell.
Un carrusel de humor y diversión loquisimo.

##times## Lo malo

Tienes que sabe a lo que vienes, sino puede ser decepcionante.
Algunas referencias y guiños pueden descolocar a más de uno.

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Ambientación 7.5

Muy adecuado.

Desarrollo de Personajes 8.5

Personajes con protagonismo y bien construidos, cada uno tiene una historia que enlaza con la principal, por muy locas que sea.

Argumento / Guión 7.0

Un guion correcto para lo que se quiere contar pero muy caótico.

Banda Sonora 8.0

Correcto.

Entretenimiento 8.5

Un verdadero show en cuanto a diversión.

Montaje / Innovación técnica 8.5

Un montaje grande y loquísimo.

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Puntuación Total 7.5 / 10

Fuente Imágenes: Verice 360

Super Mario Galaxy; Sobredosis de referencias

2026-04-04T19:18:00.004+02:00

Escrito por John Doe

En “Super Mario Galaxy: La película” (2026), continuando los eventos de la primera entrega, tras haber frustrado el plan de Bowser para casarse con la Princesa Peach, Mario y Luigi se enfrentan ahora a una nueva amenaza: Bowser Jr., decidido a liberar a su padre del cautiverio y restaurar el legado familiar. Junto a compañeros, tanto nuevos como de siempre, los hermanos viajan por las estrellas para detener la cruzada del joven heredero.

Tras muchos años en negociación, y tras el fracaso a nivel de crítica y público que fue la película live-action de los 90, “Super Mario Bros.” (1993), el diseñador de videojuegos y gran representante de Nintendo, Shigeru Miyamoto, por fin volvió a confiar en un estudio para llevar a la gran pantalla las aventuras de su fontanero más icónico. Illumination estrenó, después de muchos problemas y algunos retrasos, “Super Mario Bros: La película” (2023) en abril de 2023. La película fue un gran éxito tanto entre fans nostálgicos como entre las nuevas generaciones que querían disfrutar de una película estimulante con una animación deliciosa y llena de referencias. Esta semana, tres años después, se estrena en nuestras pantallas la esperada secuela, prometiendo una aventura mucho más grande y ambiciosa: “Super Mario Galaxy: La película” (2026).

Tras el éxito total que fue la producción de la anterior película no era de extrañar que repitieran con los responsables detrás de las cámaras del primer film. Matthew Fogel, guionista conocido por escribir los guiones de “Esta abuela es mi padre” (2011), “Minions: El origen de Gru” (2022) y la anterior película de la saga que estamos comentando, vuelve a repetir en guion. Con “Super Mario Galaxy: La película”, Illumination quería llegar a una escala mucho mayor que su primer film. Pasar del mundo mundano de Mario y sus amigos al vasto universo que se presentó en el videojuego de 2006 era un paso agigantado. La colección de los juegos tenía muchas entregas entre medio, incluyendo títulos tan legendarios como “Super Mario 64”, y había miedo que dicho salto significara una historia apresurada. Eso no ha sido del todo así, aunque sí que es verdad que hay algunas cosas que han chirriado.

La trama es bastante sencilla, siguiendo la tónica de secuestro y rescate, parecida al primer film, pero pasando por nuevos escenarios de forma rápida y sin descanso. Ese es el principal problema de la cinta, el ritmo es muy apresurado y es un constante de estímulos que supongo que encantarán a las nuevas generaciones, acostumbradas a estar constantemente con mil estímulos a su alrededor, pero que a nivel cinematográfico abruman un poco y hace que el peso emocional y narrativo sea insatisfactorio. En general se siente como una amalgama de momentos que estallan en frente de nuestros ojos, juntados con un hilo conductor mínimo, como si tuvieran miedo a que los niños pudieran aburrirse en dos segundos. Aun así la trama principal funciona, siguiendo los pasos del clásico viaje del héroe, con pocas sorpresas narrativas y una estructura simple pero que se solventa con el carisma de los personajes y los mundos creados por la compañía nipona. A pesar de algunos detalles.

La aventura comienza con el hijo de Bowser, Boswer Jr, capturando a la princesa Estela para poder salvar a su padre y destruir el universo, tal y como siempre habían soñado. Dichos personajes se introdujeron en dos videojuegos distintos, cambiando la trama original de los videojuegos. Eso no es molesto del todo, pero se siente algo apresurado, como si no dieran el tiempo suficiente en darles una personalidad y un mundo rico que los acompañe. Esto pasa con la mayor parte de nuevos personajes introducidos, el conjunto se siente como una amalgama de referencias y guiños al universo ya no solo de Mario y sus amigos, sino de todo Nintendo, apareciendo personajes de otros videojuegos. Sí es cierto que recurren a flashbacks para solventar dicho problema, pero aun así tanta presentación de personajes consigue abrumar un poco y a la vez no sentir que cada personaje tiene un recorrido satisfactorio, incluyendo algunos que son muy principales. A pesar de esto, consiguen imbuir de carisma a todos los personajes y que sean super celebrados cuando aparezcan, sean o no coherentes con el universo Super Mario. Es algo que disfrutaran tanto fans de los videojuegos como nuevas generaciones dispuestas a enamorarse de diseños muy carismáticos.

En el reparto vuelven a repetir los actores del primer film. Por desgracia, Chris Pratt sigue poniendo la voz al protagonista de la película, Mario Bros. Pratt fue lo más criticado de la primera película y con razón. A pesar de haber intentado distintos acentos italianos y neoyorkinos para otorgar personalidad al fontanero más famoso de la historia su voz se siente muy forzada y algo artificial, como si no pegara con el carisma de Mario y el universo que le rodea. Mejores están Anya Taylor-Joy, Charlie Day, Keegan-Michael Key y Jack Black, quienes repiten con entusiasmo y mucha gracia interpretando a Peach, Luigi, Toad y Bowser respectivamente. Las nuevas voces introducidas son, curiosamente, de lo mejor de la película. Entre ellas encontramos a Brie Larson como Estela, actriz que se ha confesado gran fan de la saga durante años, quién brinda una interpretación enérgica y llena de personalidad para la princesa espacial; Benny Safdie, actor y director que da vida a Bowser Jr., el villano de la película, con una modulación de voz muy divertida y que eleva a su personaje y su carisma; al inesperado Donald Glover, rapero y actor que da vida al simpático Yoshi, ofreciendo un trabajo bastante desternillante y sorprendentemente; Luis Guzmán o Glen Powell, que interpretan a personajes que podrían ser considerados spoilers y es mejor descubrir en el film, pero ambos hacen un trabajo más que bueno.

La dirección vuelve a correr cargo de Michael Jelenic y Aaron Horvath, ambos directores responsables del anterior film. A pesar de filmar un prólogo con el tiempo adecuado y con una secuencia de acción bastante bien resuelta, tal y comentábamos en el apartado de guion, parece que ambos directores confíen poco en la atención de los espectadores, decidiendo juntar escenas con un ritmo frenético y demasiado acelerado. Jelenic y Horvath optan por un montaje de atracciones que no deja respiro a los espectadores, incluso introduciendo nuevos personajes no se toman el tiempo para ello, aunque algunas de estas introducciones son con estilos propios de animación y se agradece la apuesta. A nivel de lenguaje cinematográfico, los directores utilizan recursos como la cámara lenta o las distintas escalas de plano principalmente para reforzar la comicidad del conjunto. También hay un uso de los movimientos de cámara algo abusivo, siendo casi todas las escenas con movimientos rápidos y dejando poco espacio para el respiro, reforzando ese montaje acelerado.

Curiosamente, y como pasaba en la primera película, no se menciona a un director o directora de fotografía. Aun así, el aspecto visual de “Super Mario Galaxy: La película” está llena de luces y brillos, reforzando la idea de hacer que los más pequeños no dejen de prestar atención a la cinta y tengan constantes estímulos. Hay algún juego con la distancia focal, aunque en general es bastante plana y destaca poco en ese sentido. Quizás deberían plantearse poner alguna persona al cargo para dirigir la fotografía en próximas entregas, quizás así el apartado visual podría mejorar.

El diseño es de lo mejor que tiene la película. Los diseños estilizados de personajes clásicos lucen muy bien, incluidas algunas sorpresas que se distancian algo más de su aspecto original. Los escenarios, llenos de referencias a numerosos juegos de la franquicia del fontanero italiano, también lucen muy bien, destacando su gran variedad, desde escenarios en el desierto a casinos llenos de brillos o mundos de lava, de metal e incluso acuáticos. Se nota que hay un cariño detrás del proyecto para abarcar un montón de elementos que han hecho grandes a los videojuegos y los departamentos de diseño han hecho muy buen trabajo integrándoles en la película, a pesar de que por la rapidez en la que se mueve la acción se acaba por apreciar demasiado poco, pudiendo haber dado más juego con menos escenarios y/o personajes.

Para terminar, la banda sonora del film corre a cargo de Brian Tyler, compositor americano a quién conocemos por participar en las melodías de grandes franquicias como “Ahora me ves” (2013-2025), “A todo gas” (desde la cuarta entrega en 2009 hasta la última en 2023), “Destino final 4” (2009) y la quinta, “Scream V” y la sexta, “Constatine” (2005) o el universo Marvel con películas como “Thor: El mundo oscuro” (2013), “Iron Man 3” (2013) o “Vengadores: La era de Ultron” (2015). Tyler ha cogido los temas clásicos de la saga de los videojuegos y les ha dado un toque orquestal, dándoles un sentimiento de épica que casa muy bien con la aventura que presenta la película. Brian también ha compuesto algunos temas nuevos, pero acaban palideciendo contra las melodías tan clásicas que todos conocemos y tenemos dentro de nuestra cabeza, retumbando una vez más con instrumentos de cuerda y viento que engrandecen el conjunto en los momentos más espectaculares. Finalmente, es curioso que no se haya optado por poner ninguna canción pop (exceptuando una versión corta de “That’s amore” de Dean Marvin), cosa que hoy en días es raro de ver en este tipo de cine enfocado a los más pequeños de la casa.

En definitiva, “Super Mario Galaxy: La película” es una película animada que sigue la estela de su predecesora. Un film que hará las delicias de los nostálgicos y fans del fontanero italiano a la vez que entretiene a los más pequeños sin casi ni un momento para respirar, pero que a nivel argumental no va mucho más allá que ser un cúmulo de momentos reconocibles y predecibles que no van a sorprender a nadie. Un film mediocre que busca homenajear más al Universo Nintendo que ofrecer un buen producto.

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##check## Lo bueno

El reparto de actores, exceptuando a Chris Pratt, está realmente bien.
El diseño de los personajes clásicos y los escenarios de la franquicia lucen muy bien.
La banda sonora orquestal de Brian Tyler es toda una delicia para todos los que crecimos con las melodías de los videojuegos.

##times## Lo malo

El guion es simple y demasiado lleno de cameos y referencias en todas partes.
El ritmo frenético y el montaje acelerado hacen que jueguen en su contra a la hora de valorarlo como un conjunto. Arrolla y no en el buen sentido.
Chris Pratt sigue ofreciendo una interpretación sosa y que no va nada con el legendario Mario.

[accordion]

Ambientación 7.5

Buenos diseños de personajes clásicos y mundos de lo más interesantes, aunque poco aprovechados.

Desarrollo de Personajes 6.0

Hay algún arco que apunta a ser interesante, pero se queda a medias. Podrían haber explotado mejor el personaje de Estela.

Argumento / Guión 4.5

Amalgama de escenas y situaciones que siguen un hilo conductor vagamente. Demasiadas cosas en poco tiempo.

Banda Sonora 7.0

Muy bellas versiones de los temas clásicos de Nintendo en estilo épico y algunas nuevas composiciones de calidad.

Entretenimiento 7.0

Si apagas el cerebro y te dejas llevar por el viaje, entretiene con tantas luces y estímulos.

Montaje / Innovación técnica 4.0

La fotografía es plana, la dirección poco arriesgada y el montaje demasiado apresurado.

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Puntuación Total 5 / 10

Trailer:

Fuente Imágenes: Paramount Pictures España

Noche de Bodas 2; Ahora es personal

2026-03-31T20:30:00.027+02:00

Por Enrique Bellón.

Tras sobrevivir a la masacre de su noche de bodas y ver a la familia de su esposo explotar literalmente debido a un pacto satánico incumplido, Grace ya no es una víctima. En "Noche de Bodas 2" (Here I come en version original), la secuela explorará las ramificaciones de ese pacto. Se rumorea que el ritual no terminó del todo o que existen otros "parientes" o familias asociadas al Sr. Le Bail (el demonio del juego) que vendrán a reclamar la deuda de sangre que Grace dejó pendiente. La película nos situa justo después del final de la primera entrega, e intenta enriquecer el Lore de la primera película.

La actriz Samara Weaving ha declarado en varias entrevistas que estaba ansiosa por volver. Su actuación en la primera parte fue tan icónica (especialmente su risa final mientras fuma un cigarrillo cubierta de sangre) que el estudio consideró imposible hacer una secuela sin ella. Mientras que la primera película trataba sobre Grace intentando entrar en una familia rica, la segunda parece que tratará sobre ella intentando destruir el sistema que permite que estos juegos existan, algo que aunque es prometedor en un principio luego se complica seriamente.

No era consciente del éxotp especialmente en lo económico de la primera entrega pero unos cuantos años después llega esta "Noche de Bodas 2". La original costó apenas 6 millones de dólares y recaudó casi 60 millones, además de convertirse en un clásico de culto instantáneo. En este caso se nota que es una película más cara con un escenario más amplio, más actores (algunos de ellos como Sarah Michelle Gellar, Elijah Wood o una aparición rápida de David Cronenberg)

Lo cierto que "Noche de Bodas 2" da lo que promete, fallando cuando intenta enriquecer su lore de manera artificial, buscando crear una especie de mundo John Wick, con familias, poderes y reglas raras y complejas. La pareja de hermanas protagonistas es sin duda lo que mejor funciona, siendo las otras familias muy irregulares, con diferente peso y calidad actoral.

El tono más satánico ayuda, así como este lore pero sin embargo la película en ocasiones se salta sus reglas y los mejores puntos, donde está el humor es donde se nota algo desgastada y vista. En resumen "Noche de Bodas 2" es un entretenimiento sólido y continuista que entretiene pero donde sólo se mantiene por sus protagonistas y su violencia extrema, que harán las delicias de los más fans del género.

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##check## Lo bueno

Sangrienta y excesiva.
Muy bien la pareja de Samara Weaving y Kathryn Newton.
Intenta expandir su lore y variar en el tema satánico.

##times## Lo malo

Monótona en ocasiones.
Guión lleno de agujeros.
Falla en algunos secundarios.

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Ambientación 8.5

Muy buena, enriquece la primera manteniendo el tono de opulencia.

Desarrollo de Personajes 6.9

Disperso, bien las protagonistas.

Argumento / Guión 5.0

Flojo, intenta abarcar mucho sin éxito.

Banda Sonora 6.0

Correcta.

Entretenimiento 6.5

Es entretenida pero pierde la frescura de la primera y falla en enriquecer el lore de manera sólida.

Montaje / Innovación técnica 6.5

Ágil y funcional.

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Puntuación Total 6 / 10

Fuente Imágenes: 20th Century Fox / Disney Pictures

Colección completa Jungla de Cristal; Reportaje Fotográfico

2026-03-28T15:00:00.001+01:00

Por Enrique Bellón.

Por primera vez tenemos el pack con todas las películas de La Jungla de Cristal en un sólo pack, existia una edición de la primera trilogia pero ahora por fin tenemos todas las películas en un solo Amaray, 5 películas de la mano de 20th Century Fox que nos trae Divisa Films.

Pack recopilatorio que incluye cinco películas de la saga Jungla de Cristal; Jungla de Cristal, Jungla de Cristal 2: Alerta Roja, Jungla de Cristal: La Venganza, La Jungla 4.0 y La Jungla: Un Buen Día para Morir.

Características técnicas

Contenido 5 Películas + DVD con extras

Precio 59,99 €

Extras

"Descubriendo Jungla de Cristal" (DVD)

Orígenes: reinventando el género de acción (19:31)

John McClane: un héroe moderno (16:26)

Los villanos: malos hasta la médula (20:38)

Los secuaces: compañeros de viaje (19:06)

Escenas de pelea: golpes de castigo (7:27)

Acción: efectos para las explosiones (14:39)

El legado: el héroe idóneo en el momento adecuado (8:58)

Incluye

Jungla de Cristal

Jungla de Cristal 2: Alerta Roja

Jungla de Cristal: La Venganza

La Jungla 4.0

La Jungla: Un Buen Día para Morir

Galería de imágenes

Fuente; 20th Century Fox / Divisa Films

Pack La Joya del Nilo / Tras el corazón Verde Bluray

2026-03-27T14:30:00.001+01:00

Por Enrique Bellón.

Llega a nuestros hogares un pack con algunas de las películas de aventuras más icónicas de los 80, se trata de La joya del Nilo y Tras el corazon verde, historias con Michael Douglas y Kathleen Turner en plena forma, se trata de una reedición de los mismos discos que se editaron en su momento.

Pack recopilatorio que incluye las películas de aventuras protagonizadas por Michael Douglas y Kathleen Turner; Tras el Corazón Verde y La Joya del Nilo. Al ser una reedición se tratan de ediciones simples, sin mejoras, así que os hemos preparado un amplio reportaje fotográfico.

Características técnicas

Contenido 2 Discos

Precio 19,99 €

Incluye

Tras el Corazón Verde

La Joya del Nilo

Valoración Global

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Calidad de imagen 7.5

Buena calidad sin deslumbrar, se nota que no es remaster.

Calidad Sonora 7.0

Suficiente sin más.

Contenido extra 5.0

Cumplidor sin más.

La edición 6.5

Edición interesante por precio pero sin mejoras.

Galería de imágenes

Fuente; 20th Century Fox / Divisa Films

Proyecto Salvación; La heroicidad es hacer lo necesario

2026-03-26T13:21:00.003+01:00

Por Enrique Bellón.

Esta semana llega a nuestras pantallas "Proyecto Salvación", basada en la aclamada novela de Andy Weir, el mismo autor de The Martian (Marte). La Tierra se está enfriando debido a un organismo llamado "Astrófago" que consume la energía del Sol. Ryland Grace es la última esperanza de la humanidad y debe viajar a otro sistema estelar para encontrar una solución. El giro es que no está solo, y la "amistad inesperada" será la base de esta historia de descubrimiento y supervivencia.

El guion fue adaptado por Drew Goddard, quien ya hizo un trabajo magistral adaptando The Martian. Se dice que la película mantiene la esencia de "ciencia aplicada para resolver problemas imposibles" que hizo tan popular al libro. Y lo ha hecho de manera magistral incluyendo retazos de multiples influencias y géneros de manera ejemplar. La película tiene elementos de "Moon", "Marte", "Cortocircuito", "Deep Impact" o "La llegada", todo en una cocktelera y con un uso sutil y elegante del humor.

Ryan Gosling interpreta a Ryland Grace, un profesor de secundaria convertido en astronauta que despierta en una nave espacial sin recordar quién es ni por qué está allí, acompañan a Gosling la nominada al Oscar Sandra Hüller (Anatomía de una caída) y Milana Vayntrub.. Dirigida por Phil Lord y Christopher Miller (los genios detrás de La LEGO Película y Spider-Man: Un nuevo universo), esto forma el núcleo de "Proyecto Salvación".

Es la segunda vez que Gosling se pone el casco de astronauta tras First Man (2018). En esta ocasión, el tono es mucho más dinámico y con ese humor sarcástico tan característico de los personajes de Andy Weir. Una de las grandes sorpresas es que el coprotagonista, el alienígena Rocky, no es puramente digital. Los directores decidieron usar efectos prácticos y marionetas manejadas por expertos para que la interacción con Ryan Gosling fuera mucho más orgánica y emotiva. Un trabajo sorprendente Gosling, fuera de los tópicos del héroe al uso que construye un personaje que se siente real, un hombre empujado a ser un héroe, alguien inteligente que siente el peso de sus decisiones, de la situación y sobre todo de la soledad, una soledad que gracias a su relación con Rocky le hace mejor ser humano.

La comunicación es vital en esta película. Para las "voces" de los seres que aparecen, se ha diseñado un lenguaje basado en tonos musicales y vibraciones, alejándose de los típicos gruñidos de monstruos espaciales, en este aspecto la película se acerca en buena medida a "La Llegada" en cuanto al uso del sonido como lenguaje universal.

Con un coste estimado de 268 millones de dólares, es la producción más cara de la historia de Amazon MGM Studios. El nivel de detalle técnico y científico es tan alto que han contado con asesores de la NASA para que cada cálculo que Ryland hace en pantalla sea físicamente posible. Una ejecución que se siente integral, donde las cosas funcionan y nada chirria. Especialmente recalcable es la cantidad de elementos y referencias contenidas en su metraje, llena de guiños y de pequeños momentos que haran que todas las generaciones recuerden aspectos de su pasado, especialmente su infancia, una serie de detalles perfectamente medidas que enriquecen el ya de por si magnífico material.

Proyecto Salvación es una película muy entretenida, perfectamente medida y que a pesar de su duración funciona como un tiro, un Blockbuster con un grupo de protagonistas mínimo que consigue que empaticemos con todos ellos. Una película para todos los públicos que deberían de funcionar de manera ejemplar, siendo un gran candidato a Blockbuster de la temporada, con un Ryan Gosling que sostiene la película con un variado registro de acción.

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##check## Lo bueno

Una película que mezcla muchas cosas y lo hace de manera ejemplar.
Impecable realización técnica.
Perfecto ritmo y uso del humor.

##times## Lo malo

Poco se le puede reprochar, tal vez cierta falta de originalidad pues reutiliza elemento de grande films como: Interstellar, Cortocircuito, Marte, Moon y otras muchas pero lo hace de manera muy acertada.
Un poco larga, se va por encima de los 150 minutos.

[accordion]

Ambientación 9.5

Impecable, no tiene esa sensación de entorno CGI sin vida.

Desarrollo de Personajes 8.5

Sólo 3 personajes pero perfectamente construidos.

Argumento / Guión 8.0

Guion sólido, con historias que se entremezclan de manera magnífica.

Banda Sonora 8.5

Música muy acertada usando temas conocidos y música sinfonica, la parte sinfónica brilla.

Entretenimiento 8.5

Sin duda su punto fuerte, funciona impecable y es para un ámplio rango de público.

Montaje / Innovación técnica 8.5

No abusa de los efectos, se trata de una integración perfecta en donde todo se siente natural, con momentos realmente brillantes en cuanto ejecución.

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Puntuación Total 8.5 / 10

Trailer:

Fuente Imágenes: Sony Pictures Releasing España

Torrente Presidente; Caspa y política

2026-03-25T14:20:00.001+01:00

Escrito por John Doe.

La nueva entrega de la saga más prolífica del cine español, “Torrente presidente” (2026), nos pone en 2026, han pasado años desde su última aventura, pero José Luis Torrente, el expolicía más políticamente incorrecto de España, todavía se considera un héroe nacional e intenta hacer carrera en la política.

Han pasado casi treinta años desde que el actor, guionista y director Santiago Segura creó a su personaje más icónico: José Luis Torrente, un expolicía vasto, desagradable, sucio, malhablado y asqueroso que era todo un retrato de la sociedad más casposa del país. La fórmula fue todo un éxito y eso llevó al director de Carabanchel se animó a realizar no una, sino cuatro secuelas más, variando desde aventuras absurdas a comentarios sobre los eventos que fueron marcando a España durante estas tres décadas. La última entrega, “Torrente 5: Operación Eurovegas” (2014), marcó el fin de la saga y el fin de Segura realizando películas enfocadas al público adulto para centrarse en el cine familiar. Ahora, doce años después, Santiago se anima a volver a sus raíces estrenando una nueva crítica ácida a la sociedad española y la política: “Torrente presidente”.

En esta nueva entrega de la saga, dos políticos miembros de un partido político asociado a la ultraderecha ven hablar a José Luis Torrente con sus amigos y la influencia que ejerce este sobre sus pensamientos. Por ello, deciden captarlo como nuevo integrante (o mascota pasada de vueltas) de dicho partido. Pero, claro, Torrente no se conforma con ser uno de los miembros y hará todo lo posible para conseguir ser el nuevo presidente de España y devolver la gloria que algún día gozó el país y que tanto hecha de menos. El film aprovecha su setting para hacer numerosas críticas a todos los partidos políticos, desde la derecha más alejada a la izquierda, pasando por todas las morales y pensamientos que ocupan nuestro estado. O eso pretende en un principio, pero, por desgracia, el guion acaba haciendo más hincapié en el blanqueamiento del pensamiento retrógrado de su protagonista glorificando su viaje y dándole éxito en sus pensamientos a pesar de querer, más o menos, criticarlos, incluso cediendo en algunos puntos que años atrás hubieran sido parte de la espina dorsal de José Luis.

En “Torrente, el brazo tonto de la ley” (1998), Segura hacía una crítica muy pasada de vueltas de dicho estereotipo, pero que funcionaba gracias a su frescura y valentía al no tener pelos en la lengua. La película contaba con numerosos cameos de famosos y figuras importantes en la sociedad española, pero no se apoyaba solo con estas sorpresas, sino que también ofrecía una narrativa de acción y espionaje que, aunque no fuera brillante, funcionaba y entregaba un film bastante solvente. Por desgracia, dicha fórmula se fue desdibujando con el tiempo y ahora, en “Torrente presidente”, Segura parece querer ofrecer una sucesión de apariciones de famosos y grandes figuras (mayoritariamente asociadas a la derecha o ultraderecha), más que ofrecer una trama consistente que se pueda disfrutar por si sola. No toda la película es así, ya que hay que comentar que la primera media hora es bastante interesante y ofrece una crítica o parodia de cómo se construyen las figuras políticas, como empiezan a generar el interés de la gente y cómo van creciendo dentro del estamento político en nuestro país.

Por desgracia, tras esa media hora la trama se va desdibujando y termina siendo un cúmulo de gags y set pieces que no funcionan por si solas si no fueran para mostrar los rostros y las voces de antiguos amigos del director y otras personalidades conocidas en el internet más asociado a la sociedad conservadora, incluyendo grandes figuras internacionales, mostrando una carencia de escritura bastante pobre en el resto del film.

La cinta vuelve a ser protagonizada por su escritor y guionista, Santiago Segura. La faceta de actor de Segura con los personajes más extremos siempre ha sido su punto fuerte. Desde que el actor ganó el Goya a Mejor actor revelación por “El día de la bestia” (1995) ha ido brillando más en los personajes más pasados de vueltas que con los papeles más contenidos. Es por ello que su José Luis Torrente siempre ha funcionado tan bien y ha sido tan querido por el público. Sus colaboraciones con el director Álex de la Iglesia, como en “Perdita Durango” (1997) o “Las brujas de Zugarramurdi” (2013), lucen mucho más que sus papeles en sus otros films ajenos a la saga que comentamos. En esta ocasión, Segura vuelve a apostar por el extremo interpretativo con un personaje caricaturesco que sigue con sus manierismos y construcción corporal típicos. Está tan pasado de vueltas que funciona y tiene un carisma desbordante.

Gabino Diego vuelve a repetir como el mejor amigo de José Luis, Cuco. A Diego lo recordamos en comedias tan legendarias como “Amanece que no es poco” (1989), “¡Ay, Carmela!” (1990), donde ganó el Goya a Mejor Actor de Reparto, o “Belle Époque” (1992). A diferencia de sus otras comedias, en la saga de Torrente, Gabino da vida a un personaje con pocas capacidades intelectuales, por lo que siempre se lo ve pasado de vueltas, creando una caricatura exagerada, pero que va acorde del personaje. Además, al ser víctima de todas las diabladuras de Torrente, se le termina cogiendo cariño. Ambos actores son las dos caras principales del film y, aunque están tremendamente exagerados, acaban funcionando en el mundo tan absurdo del personaje.

Completan el reparto actores consagrados como Carlos Areces o Ramón Langa, como otras personalidades y figuras de la farándola española como Francisco Nicolás (el “Pequeño Nicolás”) o Carlos Herrera además de los centenares de cameos con lo que se sostiene la película.

La dirección de Segura se sostiene como algo pasable. Se nota que el director de Carabanchel tiene experiencia detrás de las cámaras y luce en algunas puestas en escena o blockings, especialmente cuando hay muchos personajes en las secuencias o empieza la (corta) acción. Por contrapunte, también deja algo que desear cuando retrata algunos escenarios que serían fáciles de encuadrar y terminan siendo algo feos y desastrosos, no sabemos muy bien si por falta de tiempo en rodaje o por falta de interés, pero terminan jugando algo en su contra. En la dirección de actores, Santiago sabe muy bien cómo funciona su mundo y adapta a actores y personalidades a ello, transformándolos hasta modelarlos a su merced y ofrecer lo que está buscando de ellos, cosa que es destacable, por lo que en este apartado acaba brillando más.

La dirección de fotografía corre a cargo de Javier Salmones. Salmones, nominado a tres premios Goya a Mejor Fotografía, es conocido por films tan variados como “La lengua de las mariposas” (1999), “Romasanta, la caza de la bestia” (2004) o la reciente “La infiltrada” (2024). Con Segura, esta marca su segunda colaboración después de “Padre no hay más que uno 4” (2024). Se nota que el director de fotografía madrileño tiene años de experiencia y controla especialmente bien las distintas iluminaciones, destacando las escenas en interiores tan variados como bares, sedes políticas o guaridas del mal. El lenguaje cinematográfico es algo simple, buscado, supongo, junto a su director, pero sí que hay algún uso de travellings y zooms para crear comedia que funcionan bien, a pesar de la simpleza del humor que retratan. En general se nota que hay talento detrás de las cámaras pero que el producto final buscando no pretende lucirse más.

El diseño de producción luce bastante para ser una película de nuestros lares. Se nota que Segura va lidiando con grandes presupuestos y sabe exprimirlos en la producción. Cómo comentábamos, “Torrente presidente” luce de escenarios muy variopintos, con numerosos extras y personajes secundarios, que se han creado con especial mimo y buen diseño. Cada escenario luca con montones de detalles y está lleno de objetos decorativos y físicos que hacen crecer el mundo de José Luis Torrente y sus compatriotas, ya sean en las sedes políticas, las fiestas de gala o la sorpresa del escenario final. Los equipos de vestuario, maquillaje y peluquería hacen un gran trabajo también, transformando totalmente a actores y caras conocidas en personajes totalmente pasados de vueltas del Universo Segura. Destacan especialmente las transformaciones de sus protagonistas como las de algunos cameos políticos como Javier Milei o Donald Trump, modelando a actores de gran calibre para asemejarlos totalmente a sus representados. Además, los estilos de vestuario para los nuevos personajes están muy bien trabajados y aportan mucho carisma a todos y cada uno de los integrantes de este universo de caspa y desfachatez. Finalmente, hay algunos efectos especiales y secuencias de acción que brillan también por su ejecución. Buen trabajo en los apartados técnicos.

Para terminar, la banda sonora vuelve a correr a cargo del legendario compositor español Roque Baños, quién se ha encargado de la música de toda la saga. A parte de las películas de Segura, Baños ha compuesto melodías para films tan reconocidos como “El maquinista” (2004), el remake de “Posesión Infernal” (2013), las dos entregas de “No respires” (2016-2021), “Celda 211” (2009) o su colaboración con Jonathan Glazer en “Sexy Beast” (2000). Baños utiliza instrumentos muy marcados por el conservadorismo español como las trompetas o las guitarras españolas para remarcar el espíritu de José Luis Torrente y su mundo político y social. Melodías que definen la España más clásica y retrógrada campan las escenas de la película y refuerzan su tono, ayudando a crear una sensación triunfal cuando Torrente se hace con las suyas, a la vez que enfatiza la adrenalina en la parte final de la película con melodías persecutorias. No podemos afirmar que la banda sonora de “Torrente presidente” vaya a pasar a los anales de la historia, pero sí que consigue su cometido con una calidad musical admirable.

En definitiva, “Torrente presidente” es una nueva entrega del Universo de José Luis Torrente que algunos echaban mucho de menos después de doce años sin nuevas aventuras. Por desgracia, el film se apoya demasiado en sus cameos y sketches que en crear una trama consistente que solo brilla en su primera media hora. Además, el afán de poner en bandeja a la sección más conservadora de la sociedad española hace que sea algo parcial, por lo que si no comulgas con dichos ideales puede resultar demasiado vulgar y sin mucha gracia. Eso sí, se te gustaron las anteriores entregas y estás a favor de todo lo que promueve Torrente la vas a disfrutar como nadie.

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##check## Lo bueno

Su primera media hora es un buen retrato de la política y cómo se construye una personalidad que el pueblo ame.
El universo conseguido es muy consistente y lleno de personajes pasados de vuelta.
Cuando el humor funciona y se aleja de su vulgaridad resulta divertida.

##times## Lo malo

Que se apoye tantísimo en cameos y situaciones sin mucha conexión argumental.
El apartado técnico detrás de las cámaras parece algo descuidado.
La poca imparcialidad con la que trata el film, a pesar de intentar que así no sea.

[accordion]

Ambientación 6.5

Gran variedad de escenarios y situaciones.

Desarrollo de Personajes 4.0

Sin evolución en ninguno de ellos. Personajes carismáticos pero simples.

Argumento / Guión 3.0

Demasiado apoyado en sketches, set pieces y cameos.

Banda Sonora 6.0

Hay calidad en sus partituras y funciona, a pesar de no brillar.

Entretenimiento 6.0

Entretiene y divierte a veces.

Montaje / Innovación técnica 5.0

Aunque se intente tener calidad en la fotografía, la dirección y puesta en escena no termina de brillar.

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Puntuación Total 4.5 / 10

Fuente Imágenes: Sony Pictures Releasing

SONAFILM, Festival Internacional de Música de Cine Marina Alta, dedicará su octava edición al cine épico e histórico con los compositores Trevor Jones y Roque Baños como grandes invitados

2026-03-21T15:00:00.001+01:00

SONAFILM, el Festival Internacional de Música de Cine Marina Alta, ha presentado el viernes 20 de marzo en la sede de la SGAE en Madrid (calle Fernando VI, 4) los contenidos de su octava edición, que se celebrará del 31 de julio al 22 de agosto con ocho conciertos repartidos en las localidades de Ondara, Dénia, Calp, Beniarbeig, Xàbia y Pego. Dedicado este año al cine épico e histórico, el evento contará con grandes invitados como los compositores Trevor Jones o Roque Baños, y recorrerá la música de grandes epopeyas fílmicas como “Ben-Hur”, “Gladiator”, “Troya”, “El último samurái”, “El último mohicano” o “Alatriste”, entre otras.

Al acto de presentación, inaugurado por Juanjo Solana, presidente de la Fundación SGAE, han asistido Javier Gil Pérez, director de SONAFILM y gerente de la Universal Symphony Orchestra, orquesta residente del festival; Pedro J. Mérida, productor de SONAFILM; Federico Jusid e Iván Martínez Lacámara, compositores; José Ramiro Pastor, alcalde de Ondara; Rosana Marí Blasco, concejala de Cultura de Ondara; Guillermo Sendra Guardiola, concejal de Cultura de Calp; Mavi Pérez Font, concejala de Cultura de Xàbia/Jávea; y Ricardo Sendra García, concejal de Turismo de Pego. Nosotros pudimos acudir en persona para apoyar esta iniciativa tan importante y necesaria.

La elección de Trevor Jones como una de las figuras centrales de esta edición no es casual. Su trayectoria ha estado estrechamente vinculada a algunos de los universos cinematográficos más épicos, legendarios y aventureros de las últimas décadas, con partituras que han contribuido de manera decisiva a definir la identidad emocional de películas como “Excalibur”, “El último mohicano”, “Cristal oscuro” o “Dentro del laberinto”. Su perfil artístico dialoga así de forma natural con el eje temático de SONAFILM 8.

En el caso de Roque Baños, su vinculación con SONAFILM 8 resulta igualmente coherente con el planteamiento artístico de esta edición. Considerado una de las grandes referencias de la música de cine española contemporánea, el compositor murciano ha demostrado a lo largo de su trayectoria una especial capacidad para dotar de carácter, tensión y emoción a relatos de gran ambición dramática e histórica, como demuestra de forma especialmente significativa su trabajo en “Alatriste”. Su presencia refuerza así la conexión del festival con el mejor talento nacional y con una manera de entender la música para el audiovisual como un elemento esencial en la construcción de la épica cinematográfica.

Jones y Baños participarán en “La era de los imperios”, el concierto central de SONAFILM 8, que correrá a cargo de la Universal Symphony Orchestra, formación residente del festival, y que se celebrará el sábado 22 de agosto a las 23:00 horas en la Plaça de Bous d’Ondara. Concebido como gran clausura de esta octava edición, el repertorio incluirá músicas de títulos como “Ben-Hur”, “Gladiator”, “Troya”, “El último mohicano” o “Alatriste”.

“La música del cine épico e histórico no solo subraya la acción o la emoción, sino que construye una idea de grandeza, de destino y de memoria; lo que supone un territorio muy estimulante para SONAFILM”, ha señalado Javier Gil, director del festival. Sobre los dos grandes invitados ha señalado que “reunir en una misma edición a Trevor Jones y Roque Baños no responde solo a una cuestión de prestigio, sino que también tiene sentido artístico, ya que ambos han sabido trabajar la épica desde lugares distintos, pero con una misma convicción en el poder narrativo de la música.”

SONAFILM 8 acogerá hasta ocho conciertos, cada uno de diversa índole y con un estilo musical único relacionado con el audiovisual, además de diversas actividades didácticas. La programación se abrirá el 31 de julio con un evento especial cuyos últimos detalles, entre ellos el espacio de celebración, se encuentran aún en proceso de definición y serán anunciados próximamente. A partir de ahí, el festival volverá a extenderse durante varias semanas por distintos municipios de la Marina Alta, consolidando su apuesta por una programación cada vez más diversa, descentralizada y ambiciosa.

Además, al festival también acudirán destacados compositores vinculados al audiovisual español como Federico Jusid (“El secreto de sus ojos”), Arnau Bataller (“Mediterráneo”), Aránzazu Calleja (“Akelarre”), Juanjo Molina (“Crushed Wings”), Iván Martínez Lacámara (“La casa de papel”), Álvaro Peire (“Zorro”) y Maite Arroitajauregi (“Akelarre”). Todos ellos serán los protagonistas de “Música de Cine: Made In Spain 4”, que se celebrará el 14 de agosto en el Auditori de Calp a las 20:00 horas. Se trata de la cuarta entrega de uno de los formatos más celebrados de la trayectoria de SONAFILM, un concierto sinfónico muy singular dentro del panorama nacional por estar dedicado a partituras de películas y series de televisión españolas.

La organización del festival agradece a las empresas y entidades que, a través de patrocinios y colaboraciones, han sido una parte clave para poner en marcha esta nueva edición junto con los municipios participantes.

A continuación, se detalla la programación completa:

Sábado 1 de agosto – 22:00 horas

Pati de la Casa de la Cultura de Pego

“Brass Titans Fire & Film” - interpretado por la Universal Brass Ensemble, dirigida por José Martínez Colomina.

En estreno absoluto, la Universal Brass Ensemble, integrada por profesores de viento metal y percusión de la Universal Symphony Orchestra y dirigida por José Martínez Colomina, propone un vibrante recorrido por algunas de las páginas más épicas e inconfundibles de la música de cine. El programa reunirá fanfarrias y composiciones emblemáticas como “La Entrada de las Aurigas” de “Ben-Hur”, la fanfarria de “Alatriste” o “Summon the Heroes” de John Williams, en una velada concebida para celebrar la fuerza, la solemnidad y el poder evocador del gran repertorio sinfónico vinculado a la gran pantalla.

Entrada libre / gratuita hasta completar aforo.

Miércoles 5 de agosto – 22:30 horas

Pl. de la Constitució de Xàbia

“Cine de barrio” - interpretado por la Bad Education Band, bajo la dirección musical de David Quevedo, con las voces solistas de Esther Ovejero, Fran León y Elisabeth Álvarez-Ossorio.

Con las voces de Esther Ovejero, Fran León y Elisabeth Álvarez-Ossorio, y bajo la dirección musical de David Quevedo junto a la Bad Education Band, formada por músicos profesionales valencianos y de las Islas Canarias, este concierto propone un recorrido por algunos de los temas más icónicos de nuestro cine popular. “Sor Citroën”, “Tómbola”, “Soy minero”, “Mi gran noche” o “Mamá, quiero ser artista” serán algunas de las canciones que podrán disfrutar los asistentes en esta velada.

Entrada libre / gratuita hasta completar aforo.

Viernes 7 de agosto – 21:00 horas

Casa Santonja

“Tributo a los Bridgerton” - interpretado por el Cuarteto de Cuerda Valencia.

Formado por las profesoras valencianas Lola Bendicho, Mara Ponce, Paloma Castellar y Teresa Alamá, el Cuarteto de Cuerda Valencia propone un recorrido por algunas de las canciones vinculadas a una de las series más exitosas de los últimos años. El programa incluirá versiones de temas como “Material Girl” de Madonna, “Diamonds” de Rihanna o “Thunder” de Imagine Dragons, en una velada concebida para evocar el refinado universo de “Los Bridgerton”. La cita, que contará además con cata de vinos incluida en colaboración con la Bodega Aguilar, tendrá un carácter especialmente singular dentro del festival, ya que no parte de la organización de un ayuntamiento, sino de una iniciativa privada que ha hecho posible seguir ampliando el alcance de SONAFILM. En este sentido, la Casa Santonja ha patrocinado íntegramente el concierto y ha cedido altruistamente sus instalaciones para su celebración, un apoyo que desde el festival se valora de manera muy especial.

Entradas próximamente a la venta en www.sonafilm.es.

Sábado 8 de agosto – 20:00 horas

Teatre-Auditori de Beniarbeig

“Cinematic Pulse” - interpretado por Connecta Percussió, con las colaboraciones de Marina Pellín y Óscar Cortés.

Formado por los percusionistas profesionales valencianos Carles Mulet, Adrià Ribes y Guillem Serrano, Connecta Percussió presenta en estreno absoluto un espectáculo concebido para llevar la música de cine al terreno de la percusión, el ritmo y la fuerza escénica. Con la participación de Marina Pellín y Óscar Cortés, el concierto propone un recorrido por bandas sonoras como “Avatar”, “Origen”, “Top Gun”, “Interstellar” o “Skyfall”, en una propuesta que busca ofrecer una experiencia sonora vibrante y llena de intensidad.

Entradas próximamente a la venta en www.sonafilm.es.

Viernes 14 de agosto – 20:00 horas

Auditori de Calp

“Made in Spain IV” - interpretado por la Universal Symphony Orchestra, dirigida por José Martínez Colomina, con presentación de Gorka Oteiza y la participación de los compositores invitados Federico Jusid, Arnau Bataller, Aránzazu Calleja, Juanjo Molina, Iván Martínez Lacámara, Álvaro Peire y Maite Arroitajauregi.

La Universal Symphony Orchestra, orquesta residente de SONAFILM, ofrecerá bajo la batuta de su director titular, José Martínez Colomina, un programa dedicado a la música para el audiovisual escrita por un elenco de compositores nacionales invitados en esta cuarta edición de “Made in Spain”. La cita reunirá así a algunos de los nombres destacados de la creación musical para cine y televisión en nuestro país, en una velada concebida como escaparate del talento español contemporáneo y marcada además por sus estrenos absolutos.

Entrada libre / gratuita hasta completar aforo.

Sábado 15 de agosto – 11:30 horas

Sala Multiespai l’Androna (Baleària-Dénia)

“Charlas de cine” - moderada por Gorka Oteiza (Soundtrackfest) e impartida por el elenco de compositores nacionales invitados.

La Sala Multiespai l’Androna volverá a acoger esta actividad divulgativa en torno a la música de cine, concebida para todos los públicos y centrada en el diálogo directo con algunos de los compositores nacionales invitados al festival. Moderada por Gorka Oteiza, responsable de la web Soundtrackfest.com, la sesión ofrecerá al público la oportunidad de acercarse de manera amena y accesible a los procesos creativos, experiencias y claves del trabajo de quienes dan forma a la música para la gran pantalla. La cita contará además con cata de vinos incluida.

Entrada libre / gratuita hasta completar aforo.

Viernes 21 de agosto – 20:00 horas

Teatre Auditori del Centre Social de Dénia

“Esencia de mujer en concierto” - interpretado por la Asociación Unicornio, con las voces de Ana Fargas, Candela Vergara, Virginia Alexandre, Juana Escribano y La Negra Mayté.

Con las voces de las cantantes y actrices Ana Fargas, Candela Vergara, Virginia Alexandre, Juana Escribano y La Negra Mayté, este espectáculo propone un recorrido histórico y cultural por la música de cine interpretada por mujeres, desde sus primeras manifestaciones hasta la actualidad. El programa incluirá canciones icónicas como “Moon River”, “Evergreen”, “What a Feeling” o “Lady Marmalade” de “Moulin Rouge”, en una velada concebida para reivindicar la huella, la sensibilidad y la fuerza de grandes voces femeninas ligadas a la historia del cine.

Entradas próximamente a la venta en www.sonafilm.es.

Sábado 22 de agosto – 23:00 horas

Plaça de Bous d’Ondara

“La era de los imperios” - interpretado por la Universal Symphony Orchestra, dirigida por José Martínez Colomina y con los invitados especiales Trevor Jones y Roque Baños.

Concebido como concierto de clausura de esta octava edición, “La era de los imperios” propone un recorrido por algunas de las bandas sonoras más épicas del cine ambientado en épocas de grandes civilizaciones y conflictos históricos. El programa evocará títulos como “Ben-Hur”, “Gladiator”, “Troya”, “El Último Samurai”, “Alatriste” o “El Último Mohicano”, invitando al público a viajar desde la era helénica hasta el coliseo romano o la Batalla de Rocroi a través de músicas de gran fuerza narrativa y espectacularidad sinfónica. La velada contará además con la participación especial de los compositores Trevor Jones y Roque Baños.

Entradas próximamente a la venta en www.sonafilm.es.

Amarga Navidad; La ética detrás del relato

2026-03-20T15:48:00.005+01:00

Escrito por John Doe.

En “Amarga Navidad” (2026), Elsa, directora de publicidad, se refugia en el trabajo para sobrellevar el duelo tras la muerte de su madre en diciembre. Un ataque de pánico la obliga a tomarse un descanso y decide viajar a Lanzarote con su amiga Patricia. La historia de estas mujeres transcurre en paralelo a la de un guionista y director de cine, explorando cómo la vida y la ficción están inseparablemente unidas, a veces de forma dolorosa.

Pedro Almodóvar es y ha sido siempre uno de los mejores directores que hemos tenido en España. Años atrás, sus estrenos eran como un evento cinematográfico, una cita que todo aquel al que le guste el cine debía acudir a ver la nueva historia que el director manchego quería contarnos. Sus historias siempre brillaron por su calidad, su espíritu irreverente, el retrato íntimo y sin tapujos de la mujer española en distintos conceptos, el colectivo LGTB+ o las relaciones interpersonales. A pesar de ganar el León de Oro a Mejor Película en el pasado Festival de Venecia de 2024, su último film, “La habitación de al lado” (2024), no terminó de ser tan aclamada en nuestro país. Lo mismo pasó con sus otros últimos films. Ahora, con “Amarga Navidad”, y al estilo “Dolor y gloria” (2019) Almodóvar vuelve a desnudarse frente la cámara con un relato muy personal.

“Amarga Navidad” empieza con dos relatos. Por una parte, nos presenta la historia de una directora de publicidad que, agobiada por la vida y tras el fallecimiento de su madre en diciembre, tiene un ataque de pánico e intenta refugiarse con un par de amigas, una cerca y otra de la que hace tiempo que no sabe mucho. Por otra parte, un director de cine y guionista está intentando escribir su próxima película, pero el cual tiene problemas para encontrar el foco de su historia. Poco a poco nos damos cuenta de que la primera trama es la que está escribiendo el director, teniendo éste momentos existenciales sobre si lo que está escribiendo es lícito o tiene sentido. Hasta que se da cuenta de que el relato que tiene entre sus manos se basa demasiado en su vida real. Almodóvar muestra, entonces, una reflexión sobre su propia creatividad y debate con él mismo y con los espectadores si todo vale a la hora de crear arte y la ética que hay detrás de basarnos en nuestros seres queridos y/o conocidos para plasmar sus propias vidas, si los permisos son necesarios. Dicha reflexión es algo compleja a nivel argumental, ya que hasta que aparece clara en pantalla la película da muchos tumbos por ambas historias sin mostrar claramente que están interconectadas ni cual es el punto clave que las une. Eso hace que el espectador que busque una narración más clásica y que quiera disfrutar de una historia lineal a veces sienta que se está perdiendo en la propia historia.

Además, Almodóvar incluye elementos inconexos en los tiempos que habitan el relato de la directora de publicidad, ambientada su trama en 2004, incluyendo iconos modernos como Amaia, cuyo nacimiento fue en 1999, o ordenadores modernos con los que la directora planea su vida. Eso sí, al tener a Amaia el director manchego aprovecha para hacer el uso de Chavela Vargas poniendo a la cantante española a hacer una versión de la misma. Ese no es el único momento donde Chavela aparece, ya que tiene un papel crucial en uno de los puntos de inflexión de nuestra protagonista y su mejor amiga con la canción que da título al film, haciendo de esos dos momentos dos de los que brillan más en toda la película. Finalmente, cabe destacar que cuando las piezas se ponen en su sitio y el tema principal de la película sale a relucir, la trama brilla en su reflexión, y el tramo final del film es, sin duda, lo mejor de todo el conjunto, ofreciendo una acalorada discusión sobre la moral y la ética de la creación. Por lo tanto, es un argumento algo críptico que se construye lentamente como un puzle que gustará a quién tenga paciencia por él, pero no es de extrañar que aleje a muchos espectadores.

“Amarga Navidad” tiene dos protagonistas. Por una parte, la fantástica Bárbara Lennie da vida a Elsa, la directora de publicidad. A Lennie la conocemos por películas como “Obaba” (2005), “El Niño” (2014), “María (y los demás)” (2016), “Los renglones torcidos de Dios” o “Magical Girl” (2015), papel que le otorgó el Goya a Mejor Actriz Principal. Lennie sigue demostrando su gran talento en “Amarga Navidad”. La actriz madrileña otorga a su personaje capas de profundidad a nivel emocional. Elsa es una directora de publicidad frustrada y a la vez con un trauma que le ha perseguido durante el último año, queriendo utilizar las vidas de los demás para solventar su propia culpa. En manos incorrectas, Elsa hubiera parecido una caricatura villanesca, pero Lennie le otorga una dignidad que hace que empaticemos con su objetivo.

Hay que apuntar que a veces los diálogos se sienten algo impostados, pero es algo que viene desde la propia narrativa, ya que no deja de ser un personaje escrito por un director en proceso de exploración argumental, por lo que los diálogos son otra herramienta que nos ayuda a distinguirlo. La otra gran cara del conjunto es Leonardo Sbaraglia, quien repite con Almodóvar tras participar en su “Dolor y gloria”. A Sbaraglia lo hemos visto en producciones como “Plata quemada” (2000), “Relatos salvajes” (2014) o, recientemente, en “Puan” (2023). Leonardo tiene el duro trabajo de ser la representación fílmica del propio director, Pedro Almodóvar, en su película. Por suerte, el actor argentino ha trabajado a su personaje para entender lo que quiere contar el manchego y expresar sus preocupaciones y motivaciones por y para el arte. Su interpretación es contenida, pero finalmente explota en la parte final del film, donde demuestra todo su poderío actoral.

El reparto de secundarios no se queda atrás, ya que Aitana Sánchez-Gijón tiene uno de los papeles más difíciles de la cinta y sale totalmente victoriosa de ello, ayudando a moldear al personaje de Sbaraglia y a dar un giro de 360º a todo lo establecido. Victoria Luengo sigue demostrando que es uno de los nuevos rostros con más talento del cine español y da vida a Patricia, una de las mejores amigas de Elsa con una vida emocional bastante compleja. Patrick Criado se desmarca de su condición de guaperas ofreciendo una interpretación más que digna de Bonifacio, el novio de Elsa, a pesar de que su personaje se desdibuje por completo en el tramo final. Finalmente, Milena Smit da vida a Natalia, una chica atormentada por la muerte de su hijo y, a pesar de que Smit sea la actriz que tenga la interpretación más exagerada, no termina de desencajar del conjunto y ofrece unas capas interesantes a la trama.

Almodóvar siempre ha sido un maestro creando un universo propio.

Cada detalle en los escenarios de sus films, cada personaje secundario, cada estética destacada ha sido cuidadosamente elegida por el director manchego. Te puede o no gustar Almodóvar y sus films, pero es innegable que tiene un estilo y una personalidad muy marcada a la hora de tratar sus películas. “Amarga Navidad” no es menos, y Pedro sigue demostrando que es un maestro de la puesta en escena y el lenguaje cinematográfico. La película se basa mucho en planos cortos, ya que estamos entrando casi literalmente dentro de la mente de un director de cine y siendo parte de su creación, a la vez que nos invita a pensar como la protagonista de su historia. Hay pocos movimientos de cámara, siendo la mayoría para acompañar a sus personajes en recorridos, pero a medida que avanzan las historias y los conflictos se van caldeando, la cámara empieza a moverse más y más, pivotando entre los personajes partícipes de las discusiones y los puntos de vista, incluso llegando a la cámara en mano en algunos momentos, pero se siente todo cuidadosamente pensado y medido. Destaca, especialmente, la escena que ocurre en un parque, con uno de los puntos clave de la película que descubre el verdadero significado de todo el film, con una cámara que se mueve sin parar entre dos personajes, aunque no deja de estar totalmente pensado, ofreciendo una batalla fílmica y argumental totalmente espectacular.

Dicha escena también se potencia especialmente con el uso de la iluminación. Utilizando desde una iluminación “real” que se va apagando a medida que avanzan las horas, hasta un uso de la parte lumínica de forma totalmente irreal y expresionista, siempre reforzando la intensidad en la que la conversación va cogiendo forma. Dicho trabajo ha sido posible gracias a su director de fotografía, Pau Esteve Birba, que debuta colaborando con el director manchego, pero es conocido por films tan interesantes como “Caníbal” (2013), por la que ganó el Goya a Mejor Fotografía, “El buen patrón” (2021) o la reciente “Los Tigres” (2025). Birba también demuestra un uso magnífico de la luz retratando interiores, creando sets de luces muy distintos para cada escenario, aportándoles personalidad, y haciendo un juego de contrastes entre los mundos agobiantes e incomodos que habitan los protagonistas en contraposición con los escenarios que utilizan para relajarse o recordar buenos momentos. Además, la puesta en escena de ambos directores está maravillosamente controlada y hay un juego entre encuadres y elementos en distintos planos. Muy buen trabajo técnico, sin duda.

Evidentemente, y como viene siendo norma en los films de Almodóvar, el diseño de producción es más que exquisito. Pedro es fácilmente reconocido por los colores intensos y saturados y “Amarga Navidad” no es menos. Los escenarios lucen por sus diseños, no tan recargados como en otras películas, pero con unos diseños que nos remiten, una vez más, al universo que ha ido creando el director manchego durante toda su carrera. En esta ocasión, también lucen con gran calidad los escenarios naturales elegidos. Pedro nos lleva a Lanzarote con sus espectaculares paisajes volcánicos, destacando especialmente lo bien que lucen los viñedos de la Geria para mostrar el malestar de los dos personajes que deciden ir a vivir un descanso de sus vidas. La villa de ensueño en la isla tiene un diseño maravilloso y enfatiza una sensación de aislamiento especial. Al igual que también brilla el ya mencionado parque que, aunque no sale en demasía, luce increíblemente bien como elemento narrativo. Los diseños de maquillaje, peluquería y vestuario también siguen en una línea de gran calidad que marca tanto el cine de Almodóvar. Cada personaje está muy bien diferenciado solo con su estilo de vestir o estilo de peinado. Los equipos saben incluso usar sus diseños para mostrar el proceso narrativo y recorrido emocional que los personajes siguen a través de la trama, haciendo un trabajo de gran valor.

Para terminar, la banda sonora del film vuelve a estar a cargo del clásico compositor de las películas de Pedro, Alberto Iglesias. Iglesias ha ganado doce Premios Goya en composiciones musicales e incluso ha sido nominado a cuatro Premios Oscar por sus obras en “El jardinero fiel” (2005), “Cometas en el cielo” (2007), “El topo” (2011) y “Madres paralelas” (2021). En “Amarga Navidad”, Iglesias sigue demostrando que está a otro nivel compositivo. El uso de instrumentos de cuerda que no dejan de jugar y aumentar su ritmo o disminuir su intensidad dependiendo de cómo se encuentran los protagonistas de la película o cómo reaccionan a la información que van obteniendo demuestran el nivel del maestro compositor. Las melodías acompañan los momentos dramáticos, pero a la vez ayudan a perfilar la intensidad de algunas escenas o crear bits narrativos, todo con un empaque de calidad compositiva y un gusto elevado por la delicadeza musical que nos presentan. Además, como ya comentábamos, hay un uso muy especial de dos canciones de Chavela Vargas que golpean al espectador y acaban formando dos de los momentos más emotivos de la película, demostrando una vez más que Almodóvar puede hacernos parte de su mundo solo con el uso de las canciones que le gustan, poniéndolas en momentos críticos calculados hasta el milímetro.

En definitiva, “Amarga Navidad” no es una película fácil dentro de la filmografía de Almodóvar. Es un ensayo sobre el proceso creativo, la ética y la moralidad de la obra y la relación con la realidad que se construye muy a fuego lento y de forma deliberadamente confusa, pero que, si se tiene paciencia, brinda un tercer acto sensacional que pone todas las piezas en su sitio gracias a las maravillosas interpretaciones de sus protagonistas y las partituras de Iglesias, además de la dirección del manchego y su director de fotografía.

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##check## Lo bueno

El tercer acto es sensacional y empaca la obra de una forma mágica.
La banda sonora de Alberto Iglesias sigue siendo de otro planeta.
Las interpretaciones de Lennie y Sbaraglia son todo un deleite.

##times## Lo malo

La trama empieza confusa y cocinada a fuego lento, cosa que alejará a muchos espectadores.
El epílogo acaba siendo algo abrupto y algo insatisfactorio.
Tiene algunos problemas de ritmo en sus dos primeros actos.

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Ambientación 8.5

Maravillosos paisajes y diseños de interiores.

Desarrollo de Personajes 6.0

Hay dos recorridos emocionales principales, aunque no terminan de ser satisfactorios deliberadamente.

Argumento / Guión 6.0

A pesar de tener un gran tercer acto, los otros dos son algo confusos y con problemas de ritmo.

Banda Sonora 8.5

Iglesias sigue demostrando que es uno de los mejores compositores de nuestros tiempos.

Entretenimiento 6.0

Si no se sigue el juego al manchego en su planteamiento puede sentirse pesada. Puede que sea un poco larga por el relato que está contando, pero es divertida la mayor parte del tiempo.

Montaje / Innovación técnica 8.0

Un lenguaje y puesta en escena de gran calidad y un juego lumínico maravilloso.

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Puntuación Total 7 / 10

Trailer:

Fuente Imágenes: Warner Bros España / El Deseo

Predator Badlands; Análisis de la edición UHD 4k

2026-03-11T15:00:00.001+01:00

Por Enrique Bellón.

Una de las películas más esperadas del año llega ahora en formato físico, se trata de de la nueva edición de Predator, "Predator: Badlands", que se edita de mano de Divisa Films en formato DVD, Bluray y 4k, nosotros hemos analizado la edición standard en formarto 4k.

Ambientado en el futuro, en un planeta remoto. Un joven Predator, expulsado de su clan, encuentra una aliada inesperada en Thia y se embarca en un peligroso viaje en busca de su adversario definitivo.

La imagen

Impecable en cuanto a calidad visual.
Imagen 2.39:1 4K (2160p)
HDR HDR10 / Dolby Vision

El sonido

Grandes pistas, níticas y potentes.

Audio Inglés - Dolby Atmos
Castellano - DTS 5.1

La edición

Edición muy bien acabada y con muschos extras, lástima que la calidad de la película en sí no ayude demasiado.

Precio 26,99 €

Características técnicas

Contenido Ultra HD Blu-ray + Blu-ray

Presentación Funda

Imagen 2.39:1 4K (2160p)

HDR HDR10 / Dolby Vision

Audio Inglés - Dolby Atmos

Castellano - DTS 5.1

Alemán - Dolby Digital Plus 7.1

Francés - Dolby Digital Plus 7.1

Italiano - Dolby Digital Plus 7.1

Inglés para invidentes - Dolby Digital 2.0

Subtítulos Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Checo, Danés, Finés, Holandés, Noruego, Polaco, Sueco, Inglés para sordos

Precio 26,99 €

Extras

En la piel del Predator — conoce a los artistas que dan vida a una de las criaturas más terroríficas de la pantalla.

Autenticidad sintética — acompaña a Elle Fanning mientras describe la creación de sus dos personajes.

El diseño de las Badlands — descubre cómo se transformaron localizaciones reales en un paisaje amenazador.

Dek, de los Yautja — vea el desarrollo del mundo natal de los Yautja, su nave espacial y la dinámica familiar.

Audiocomentario del director Dan Trachtenberg, el productor Ben Rosenblatt, el director de fotografía Jeff Cutter y el coordinador de acción Jacob Tomuri

Escenas eliminadas y de previsualización con comentarios de audio del director y los cineastas.

Valoración Global

[accordion]

Calidad de imagen 9.0

Espectacular en lo visual.

Calidad Sonora 9.0

Sonido potente y bien ecualizado.

Contenido extra 9.0

Rico y variado contenido extra.

La edición 8.5

Edición correcta y con su slipcover.

Galería de imágenes

Fuente; 20th Century Fox / Divisa Films

La Novia; Fantasía feminista formal

2026-03-10T16:15:00.005+01:00

Por Enrique Bellón.

La historia de "La Novia" se traslada al Chicago de los años 30. Christian Bale interpreta a un solitario Monstruo de Frankenstein (llamado simplemente "Frank") que viaja a la ciudad para pedirle ayuda a la Dra. Euphronius (Annette Bening). Juntos reaniman el cuerpo de una joven asesinada llamada Ida (Jessie Buckley). Una historia de búsqueda, libertad y soledad al mismo tiempo desde sus dos puntos de vista.

A diferencia de las versiones clásicas donde la Novia apenas aparece unos minutos, aquí ella es la protagonista absoluta. Al despertar, Ida no es la compañera sumisa que Frank esperaba; es volátil, rebelde y desarrolla una agencia propia que desata un movimiento social radical y atrae la atención de la policía.El Romance: La película se convierte en una especie de road movie de forajidos, con Frank e Ida huyendo como una versión monstruosa de Bonnie y Clyde. Pero sin embargo su caótico guión y lo ambicioso de su acercamiento, acaba matando una parte visual y un trabajo actoral impecable.

El elenco de "La Novia" es uno de los puntos más fuertes de la producción: Christian Bale como Frank (el Monstruo). Luce un aspecto rudo, con cicatrices y tatuajes, pero con una vulnerabilidad melancólica, por momentos recuerda esa inocencia del Frankenstein clásico pero es atrapado por su angustia, su miedo a sentirse sólo a buscar la aceptación de alguien, en este caso con ese amor irracional por su novia, una especie de reencarnación de Mary Shelley, la creadora de la obra

Jessie Buckley, como Ida/La Novia y también como Mary Shelley en un prólogo metaficticio, nos plantea un personaje complejo, por momentos absurdo o loco, una representación extrema de la búsqueda de la libertad que confronta directamente con el personaje de Penélope Cruz, inteligente pero que intenta manejarse en los límites de un mundo machista.

Como secundarios tenemos a Annette Bening como la científica "madre" de la nueva criatura, una versión alternativa del Doctor Frankenstein. Por otro lado Penélope Cruz como Myrna Malloy, s la asistente del detective encarnado por Peter Sarsgaard, el detective Jake Wiles, que persigue a la pareja posiblemente el peor y más absurdo papel de la historia, para terminar tenemos a Jake Gyllenhaal en un papel secundario como Ronnie Reed, un actor de Hollywood que el Monstruo idolatra y cuyo paso por la película es bastante lamentable.

Aunque ocurre en los años 30, el estilo visual (maquillaje negro corrido, peinados rebeldes) bebe mucho del punk de los 80 e incluso de "Joker" o el estilo "Batman". Originalmente era un proyecto de Netflix, pero el gigante del streaming lo abandonó por cuestiones de presupuesto y para priorizar la versión de Frankenstein de Guillermo del Toro. Warner Bros. rescató la película.Maggie Gyllenhaal dirige a su esposo, Peter Sarsgaard, y a su hermano, Jake Gyllenhaal.

Podemos salvar las actuaciones de Buckley y Bale, que consiguen que la película no se hunda del todo, pero el guión terrorífico, el uso absurdo del feminismo como único hilo argumental, así como diálogos relamente infantiles acaban mermando una película que trata de ser mucho, pero queda como un ejercicio visual funcional y pretencioso que de no ser por sus actores provocaría risa.

Es cierto que en muchos momentos "La Novia" destaca por su originalidad y el hecho de que no intenta ser una película de superhéroes ni un terror convencional. Pero sin embargo se trata de un batiburrillo que no sabe hacia que lado ir, un Frankenstein cinematográfico mezcla de partes (comedia negra, musical, drama criminal) que no siempre encajan bien, resultando a ratos confusa o demasiado excéntrica. Por muchos, entre ellos yo mismo, se trata de "experimento artístico" más que un éxito comercial masivo, lo cual puede afectar a su paso por las salas y la taquilla.

[message]

##check## Lo bueno

Gran ambientación.
Muy buen trabajo de sus protagonistas.
Es original.

##times## Lo malo

Guión caótico.
Diálogos y escenas absurdas.
Grandes problemas con los secundarios.

[accordion]

Ambientación 8.5

Magnífica.

Desarrollo de Personajes 3.5

Supuestamente profundo pero no.

Argumento / Guión 3.0

Absurdo y deslabazado.

Banda Sonora 7.0

Correcto.

Entretenimiento 5.5

Irregular.

Montaje / Innovación técnica 7.5

Muy bien realizada pero a veces desaprovechado.

[message]

Puntuación Total 4 / 10

Fuente Imágenes: Warner Bros España

Hopers; Un salto al mundo animal

2026-03-09T16:02:00.001+01:00

Por John Doe.

En “Hoppers” (2026, los científicos han descubierto cómo transferir la conciencia humana a animales robóticos realistas, lo que permite a las personas comunicarse con los animales como animales. Mabel, amante de los animales, aprovecha la oportunidad para usar la tecnología y desvelar misterios del mundo animal que superan cualquier imaginación e intenta salvar el estanque en el que pasó toda su vida junto a su abuela.

En los últimos años, la gran factoría de animación que es Pixar nos ha dejado películas originales con un sabor de boca amargo. Siempre han tenido una calidad excepcional en la técnica y el apartado artístico, pero los guiones no llegaban a desprender la magia que la empresa nos había dejado en sus años dorados como con “Toy Story” (1995), “Monstruos S.A.” (2001), “Buscando a Nemo” (2003), “Ratatouille” (2007) o “Wall-E” (2008). Por desgracia, la compañía ha tenido que ir intercalando originales mediocres como “Elemental” (2023) o “Elio” (2025) con secuelas o films derivados que les han cortado las alas, a pesar de tener suerte con alguna como la reciente “Del Revés 2” (2024). Por suerte, parece que Pixar ha decidido apostar por nuevas voces de la animación y firmar proyectos tan frescos e innovadores como el que ocupa estas líneas: “Hoopers”.

Daniel Chong es el elegido por Pixar para escribir y dirigir la nueva película original del estudio. Chong colaboró en sus inicios con Pixar escribiendo algunos capítulos para la serie “Los cuentos de Mate” (2010-2011), pero pronto fue fichado por Cartoon Network para escribir algunos personajes de sus series hasta presentarles el melocotonazo que fue “Somos osos” (2014-2019), una fantástica serie de animación que divirtió tanto a pequeños como adultos con su humor y amor por la vida y sus vertientes. Después de la serie, Chong escribió y dirigió la película basada en la misma, “Somos osos: La película” (2020), y posteriormente realizó un spin-off del serial con una nueva serie llamada “Somos ositos” (2022-2023), pero no acabó de cuajar. “Hoppers” es el primer largometraje original de Chong y se nota que es un proyecto que ha tenido dentro durante mucho tiempo.

El film empieza presentándonos a la energética y carismática Mabel, una joven asiática americana que quiere proteger el estanque donde pasó toda su vida junto a su abuela y evitar que sea destrozado por el alcalde de Beaverton para construir una autopista. Eso la lleva a descubrir que los científicos han encontrado la manera de llevar la consciencia humana dentro de animales robot y poder entender a los animales, por lo que la joven se mete dentro de un castor robótico para poder convencer a un castor de construir una presa en el estanque y pase a ser protegido, conociendo, así, al Rey George, el rey de todos los mamíferos de la zona.

La película tiene un guion divertidísimo. A pesar de que las comparaciones con “Avatar” (2009) sean algo evidentes, el film es consciente de ello y sabe reírse del mismo. Chong construye, con un tono muy humorístico, una exploración sobre la fraternidad, la unión, el bien común y la bondad dentro de todos los seres, sean de la especie que sean, y cómo creer en la redención. La estructura es bien clásica, siguiendo un viaje del héroe que satisface en todas sus vertientes gracias a la originalidad de su setting, creando un riquísimo mundo animal donde la convivencia es algo común y se rigen en unas reglas establecidas para que el ciclo de la vida de la naturaleza siga su curso.

La dualidad entre el mundo animal y el humano es divertidísima y no dejan de sorprender los juegos de sentidos y paralelismos que nos unen al reino bestial, todo ello para contar tanto a los más peques como a los mayores cómo funcionan nuestros sistemas e introducir, muy sutilmente, pero de forma brillante, propuestas que nos ayudarían a crecer como personas y comunidades. El guion tiene un ritmo bastante frenético, algo muy presente en los últimos films familiares, pero hay un uso de los flashbacks algo desmedido, podrían haberse ahorrado algunos de ellos. A pesar de ello, uno de los platos fuertes de la película es, sin duda, sus personajes. A pesar de que algunos secundarios aparezcan sin saber mucho de ellos, todos y cada uno de los animales y humanos tienen personalidades fantásticas, variadas y ricas. Con solo verlos escasos minutos podemos adivinar cómo son y cómo van a actuar. Destacan, especialmente, los protagonistas del film, Mabel y el Rey George, creando una especie de compañerismo y compenetración digna de una buddy movie, o incluso el villano de la cinta, el alcalde Jerry Generazzo, que tiene una evolución fantástica y termina teniendo una construcción de antagonista que se ha visto muy pocas veces en el cine de animación. Fantásticos.

Para poner las voces de nuestros personajes se ha contado con una mezcla nuevas caras dentro del mundo actoral y grandes figuras reconocidas para aportar, mayoritariamente, cameos y/o personajes secundarios. Piper Curda protagoniza el film poniendo voz a Mabel. A Curda la hemos visto en series como “A.N.T. Farm: Escuela de talentos” (2011-2014) o “¡Yo no he sido” (2014-2015) o films como “Madre oscura” (2019), “Teen Beach 2” (2015) o “Secretos de un escándalo” (2023). Piper está estupenda como Mabel. La joven actriz tiene una energía descomunal y aporta a la joven defensora del medio ambiente un rango emocional muy rico, desde una felicidad desbordante a una tristeza y dolor muy palpables.

El Rey George es interpretado por el veterano cómico Bobby Moynihan. Moynihan ha participado en numerosos proyectos animados como “Del Revés” (2015) y su secuela, “La vida secreta de las mascotas” (2016) y su secuela, o “Amigos imaginarios” (2024), además de ser una de las caras más reconocidas de “Satuday Night Live” (2008-2022). Moynihan está divertidísimo como George, dotándole de una inocencia entrañable y una bondad arrolladora que empuja al personaje a ser un ser entrañable y totalmente adorable que toca el corazón y hace sentirnos parte de su proyecto de vida. La gran cara conocida del reparto principal es Jon Hamm, a quien hemos visto en películas como “The Town (Ciudad de ladrones)” (2010), “La boda de mi mejor amiga” (2011), “Baby Driver” (2017) o “Richard Jewell” (2019). Hamm es el encargado de dar vida al complejo alcalde Jerry, con objetivos claros para mejorar la vida de los humanos y ser reelegido, pero con un corazón que tiene que ser encontrado por Mabel para hacerle cambiar de opinión. Hamm es la contraparte de la protagonista tanto a nivel argumental como actoral, siendo una presencia mucho más calmada, enfadada y, más tarde, totalmente estresada. Es una elección de casting muy divertida y con la que Hamm aporta todo su carisma para definir a Jerry.

Otras voces que podemos encontrar en el film son las de Kathy Najimy, Eduardo Franco, Aparna Nacherla o los míticos Meryl Streep, Dave Franco, Eman Abdul-Razzak o Tom Law.

La dirección de Chong es bastante buena y precisa. El director americano decide darle un tiempo a cada personaje que aparece, sea lo secundario que sea o protagonista, para que podamos entender y comprender cómo son, ayudando a crear un ecosistema muy coherente y realista. Además de conseguir una puesta en escena admirable, con multitud de personajes, animales y elementos en todas partes, pero con composiciones bien claras y que ayudan a reforzar los mensajes de unión y la dualidad entre los mundos animales y humanos, Chong se atreve con transiciones y asociaciones por imagen bastante interesantes. El montaje es muy rápido, reforzando su ritmo frenético e incluso algo hiperactivo de las últimas producciones animadas. El único “pero” en sus decisiones directorales son los ya mencionados flashbacks que introduce en varias ocasiones, confiando poco en los espectadores y su capacidad de atención cuando podrían ser totalmente prescindibles.

Para la dirección de fotografía la cinta ha contado con dos grandes figuras del apartado visual de Pixar. Por una parte, Jeremy Lasky ha fotografiado películas como “Buscando a Nemo”, “Cars” (2006), “Wall-E”, “Toy Story 3” (2010), “Buscando a Dory” (2016) o “Cars 3” (2017). Por otra parte, Ian Megibben ha construido la imagen del largometraje “Soul” (2020) y el Oscarizado cortometraje “Bao” (2018). Ambos dirigieron la fotografía de “Lightyear” (2022). Ambos directores de fotografía llenan el mundo de “Hoppers” de color y juegos de luces que se contraponen entre la artificialidad del mundo humano y los reflejos en el agua y otros elementos con la luz natural o fuego del mundo animal. Los movimientos de cámara acompañan la trama para reforzar algunas escenas frenéticas y dinámicas y hay una variedad de encuadres y lentes que ayudan a construir un rico lenguaje visual.

El diseño de producción de “Hoppers” es uno de sus platos fuertes. El mundo animal propuesto en la cinta es muy variopinto y lleno de detalles que componen una sociedad organizada por nuestros amigos peludos, plumados y viscosos. Aprendiendo de sus compañeros de “Zootrópolis” (2016) que, a pesar de hacer el mundo de esta película más humano, dichas sociedades tienen mucho en común, con varias partes de sus habitáculos diferenciados y con órdenes establecidos y coherentes. Además, todos los personajes tienen diseños muy divertidos y diferenciados sin renunciar a su condición animal, siendo lo más estrambótico que algunos de ellos lleven coronas para diferenciarles de sus súbditos. En general, diseños muy frescos y divertidos que ayudan a hacer crecer la cinta.

Finalmente, la banda sonora corre a cargo del ganador del veterano compositor americano Mark Mothersbaugh. Mothersbaugh es conocido por poner la música a películas como “Infiltrados en clase” (2012) y su secuela, “Lluvia de albóndigas” (2009) y su secuela, la saga de “Hotel Transilvania” (2012-2022), “La LEGO película” (2014) y su secuela, o “Una película de Minecraft” (2025), además de trabajar muchas veces con el director Wes Anderson creando las partituras para sus films. La gran experiencia de Mark lo llevó a crear una banda sonora muy divertida y simpática para “Hoppers”, llena de motivos musicales que se asocian a los personajes, temas que refuerzan la comedia y le emotividad de las escenas, y atenuaciones gracias a las distintas notas que van apareciendo. Sí es cierto que no tiene canciones originales que vayan a perdurar con el tiempo y hay un uso algo regular de canciones pop, pero en general se ha creado un acompañamiento musical de mucha calidad. Para terminar, comentar que el tema final de los créditos ha sido compuesto e interpretado por la popular cantante SZA, con un resultado muy fresco y divertido.

En resumen, “Hoppers” es una fantástica película de animación que puede ser disfrutada tanto por los adultos como por los más pequeños de la casa. Un guion maravilloso y divertido que consigue hablar de muchos temas vitales muy importantes como la unión, la fraternidad, la bondad en la gente y la redención con una construcción de personajes magnífica, una animación muy bonita y unos diseños desternillantes con un ritmo frenético y entretenido. Una magnífica cinta que vale la pena ver en pantalla grande.

[message]

##check## Lo bueno

El guion consigue hablar de muchos temas importantes sin renunciar a la diversión y la frescura.
El diseño de los personajes es genial y la dualidad entre el mundo animal y humano y su visión crea escenas desternillantes.
Los actores de doblaje lo dan todo para conseguir imbuir a los personajes de personalidad, emoción y comedia.

##times## Lo malo

El uso repetido de flashbacks termina por ser algo molesto.
El ritmo frenético y la rapidez de los movimientos de cámara puede marear a algunos espectadores.
La banda sonora es bastante buena pero no termina de ser memorable.

[accordion]

Ambientación 7.5

Grandes diseños y creación de un mundo animal con reglas y organizaciones muy convincentes.

Desarrollo de Personajes 8.0

Se atreve con historias de redención y cambios radicales en personajes, algo no muy típico de ver.

Argumento / Guión 8.0

Maravillosa historia sobre la protección del mundo animal además de hablar de la bondad y la fraternidad con diversión.

Banda Sonora 6.5

Buena aunque no termina de quedarse contigo. Las canciones pop sobran un poco.

Entretenimiento 8.0

Es corta y va a tope. No aburre en ningún momento y divierte desde el inicio hasta el final.

Montaje / Innovación técnica 7.5

La dirección ha sido cuidada y se ha creado un lenguaje cinematográfico rico que es de agradecer en este tipo de películas.

[message]

Puntuación Total 8 / 10

Trailer:

Fuente Imágenes: Disney Pixar

Tron Ares; Edición especial Steelbook

2026-03-04T19:25:00.005+01:00

Por Enrique Bellón.

Una de las películas más icónicas del cine cyberpunk llega a nuestros hogares de mano de Disney Pictures y Divisa Films, se trata de "Tron Ares", tercera entrega de las aventuras en este mundo distópico dentro de las máquinas.

Ares es un programa altamente sofisticado que es enviado desde el mundo digital al mundo real en una misión peligrosa, marcando el primer encuentro de la humanidad con seres de inteligencia artificial..

La imagen

Impecable en cuanto a calidad visual.
Imagen 2.39:1 4K (2160p)
HDR HDR10 / Dolby Vision

El sonido

Grandes pistas, níticas y potentes.

Audio Inglés - Dolby Atmos
Castellano - DTS 5.1
La edición

Edición muy preciosa, bien acabada y con muschos extras, lástima que la calidad de la película en sí no ayude demasiado.

Precio 34,99 €

Características técnicas

Contenido Ultra HD Blu-ray + Blu-ray

Presentación Estuche metálico (Steelbook)

Imagen 2.39:1 4K (2160p)

HDR HDR10 / Dolby Vision

Audio Inglés - Dolby Atmos

Castellano - DTS 5.1

Alemán - Dolby Digital Plus 7.1

Francés - Dolby Digital Plus 7.1

Italiano - Dolby Digital Plus 7.1

Checo - Dolby Digital 5.1

Polaco - Dolby Digital 5.1

Inglés para invidentes - Dolby Digital 2.0

Subtítulos Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Checo, Danés, Finés, Neerlandés, Noruego, Polaco, Sueco, Inglés para sordos

Precio 34,99 €

Extras

Blu-ray

La aventura de Tron: Ares: únete al reparto y al equipo para conocer en profundidad cómo se hizo Tron: Ares.

Motos de luz desatadas: echa un vistazo a una de las secuencias más llenas de acción de la película.

El arte de Tron: Ares: descubre qué impulsa la narración tanto dentro como fuera de la Red.

Charlas del elenco: siéntate con el reparto mientras revelan experiencias divertidas y memorables del rodaje.

El legado de Tron: descubre algunos guiños y cameos mientras Tron sigue dejando su huella.

Escenas eliminadas.

Valoración Global

[accordion]

Calidad de imagen 9.0

Espectacular en lo visual.

Calidad Sonora 9.0

Sonido potente y bien ecualizado.

Contenido extra 9.0

Rico y variado contenido extra.

La edición 10

Edición preciosa y bien acabada.

Galería de imágenes

Fuente; Disney Pictures / Divisa Films

Scream 7; El regreso más esperado

2026-03-01T23:24:00.009+01:00

Por Daniel Andrades.

SCREAM 7 es el regreso de Sidney que todo el mundo esperaba. Se demuestra que su personaje es el alma de la franquicia. Ghostface vuelve más víscera y cruel que nunca. Las muertes son ingeniosamente creativas. Gale hace su mejor aparición en la saga. Es super entretenida. Larga vida a Scream.

En Scream 7 surge el regreso más esperado por los fans: el de Sidney Prescott, el auténtico corazón de la franquicia desde su primera película en 1996. Después de varias entregas que intentaron expandir el universo hacia nuevas generaciones (Las hermanas Carpenter), la saga entiende algo fundamental, y es que, Scream no es solo Ghostface y asesinatos, es Sidney enfrentándose al trauma una y otra vez, sobreviviendo, evolucionando y resistiendo.

Neve Campbell recupera su protagonismo absoluto. En esta nueva película hay una gran profundidad emociona. Me atrevería a decir que en esta nueva entrega es donde se presenta a una Sidney mucho más vulnerable y humana.

Gale tiene probablemente su mejor aparición en toda la saga. Más inteligente, más estratégica y más humana que en anteriores entregas, su personaje vuelve a equilibrar ambición profesional y vulnerabilidad personal. Sus escenas aportan tensión, pero también un toque clásico que conecta con la esencia original de Scream. Es el personaje más carismático de la saga.

El regreso de los hermanos Chad y Mindy aporta frescura son la unión directa con las dos anteriores. Tatum (hija de Sidney) y su grupo de amigos nos transporta a la pandilla original, pero eso sí, mucho menos emblemáticos. Aunque la primogénita de nuestra final girl empieza con mal pie se corona como un fuerte legado de Sidney Prescott.

"Scream 7" presenta un nuevo escenario con múltiples asesinatos que obliga a Sidney a regresar, esta vez desde una posición distinta: más madura y con más preocupaciones, pero también más decidida que nunca. El guion juega con la idea del “regreso definitivo” y reflexiona sobre la explotación del trauma y la cultura de la nostalgia. Además, la cinta es un claro homenaje a la trilogía original.

Ghostface vuelve más visceral y cruel que nunca. La película apuesta por un tono más oscuro y agresivo, con un asesino que no solo busca aterrorizar, sino desestabilizar emocionalmente a sus víctimas. La película es, ante todo, super entretenida. Recupera el equilibrio entre terror, ironía y comentario meta que hizo grande a la franquicia. Sin perder brutalidad, mantiene ese juego autoconsciente con las reglas del género.

En lo técnico, Scream 7 apuesta por una fotografía más sombría y con unas sublimes secuencias de asesinato creativas y coreografiadas con precisión, donde la cámara acompaña la violencia sin caer en el exceso gratuito. Además, el diseño sonoro es potente, donde cada respiración de Ghostface y cada silencio previo al ataque elevan el suspense y la tensión en el espectador.

En definitiva, Scream 7 no solo funciona como secuela: funciona como reivindicación. Demuestra que Sidney es el alma de la franquicia y que, mientras haya una historia que contar alrededor de ella, el mito de Ghostface seguirá vivo. Ojalá hubiera una película de Scream cada año, es un disfrute cada visualización de la saga. Mientras Sidney y Gale estén al mando, que hagan 20 películas más.

[message]

##check## Lo bueno

Gale Weathers y el regreso de Sydney.
La unión madre e hija contra Ghostface.
El claro homenaje a la trilogía original.

##times## Lo malo

La revelación de ghostface no es tan icónica como en las anteriores.
El nuevo grupo de adolescentes no tiene tanto carisma como estamos acostumbrados.

[accordion]

Ambientación 8.0

Consigue mantenerte en tensión toda la película.

Desarrollo de Personajes 7.5

La evolución de Sidney y Gale es excepcional, pero Tatum logra un gran desarrollo durante la cinta.

Argumento / Guión 7.0

Entretenido, divertido, nostálgico y emocionante.

Banda Sonora 8.0

Elección perfecta para cada momento.

Entretenimiento 9.0

Como toda la saga, logra mantenerte en vilo todo el metraje e incluso logra algún que otro aplauso.

[message]

Puntuación Total 8 / 10

Fuente Imágenes: Paramount Pictures España

Niágara; Análisis de la edición Bluray

2026-03-01T15:00:00.001+01:00

Por Enrique Bellón.

Una de las películas más icónicas de Marilyn Monroe se reedita de nuevo en formato Bluray, se trata de Niágara que vuelve a editarse en formato Bluray una vez el cambio de los títulos de 20th Century Fox a Divisa.

Mientras la seductora e infiel Rose Loomis y su marido George pasan las vacaciones en unas cabañas con mucho encanto situadas cerca de las Cataratas del Niágara, Rose y su amante conspiran para matar a George .Pero las cosas no salen como estaban previstas, y pronto, una inocente pareja de luna de miel se encontrará arrastrada por el crimen.

La imagen

Muy disfrutable en cuanto a calidad visual.
Imagen 1.33:1 1080p

El sonido

Gran pista en VO y buenas pista en nuestro idioma con formato DTS lo que aporta una ecualización muy correcta.

Inglés - DTS-HD Master Audio 5.1
Castellano - DTS 2.0

La edición

Edición muy básica, una gran oportunidad de traer una edición de buena calidad de una película que llevaba algun tiempo descatalogada.

Precio 14,99 €

Características técnicas

Contenido 1 Disco

Imagen 1.33:1 1080p

Audio Inglés - DTS-HD Master Audio 5.1

Castellano - DTS 2.0

Alemán - DTS 5.1

Francés - DTS 5.1

Italiano - DTS 2.0

Japonés - DTS 5.1

Español latino - Dolby Digital 1.0

Inglés - DTS-HD Master Audio 1.0

Subtítulos Castellano, Francés, Danés, Holandés, Finés, Noruego, Portugués, Sueco, Croata, Checo, Griego, Hebreo, Húngaro, Islandés, Polaco, Turco, Inglés para sordos, Alemán, Italiano, Japonés

Precio 14,99 €

Extras

Tráilers de películas de Marilyn Monroe.

Valoración Global

[accordion]

Calidad de imagen 8.0

Buena calidad de base.

Calidad Sonora 7.0

Buenas pistas sonoras, mejor la VO.

Contenido extra 4.0

Muy justo en este aspecto.

La edición 7.0

Edición solvente, una gran oportunidad de acceder a este tipo de películas.

Galería de imágenes

Fuente; Divisa Films

Casino; Edición especial Steelbook UHD + Bluray

2026-02-28T15:00:00.001+01:00

Por A. Alberto.

Una gran película llega ahora en formato físico de la mano de Universal Pictures y Arvi Licensing se trata de "Casino" con una preciosa edición steelbook que contiene el disco UHD 4k y el Bluray, podeis encontrar un gran reportaje fotográfico en la parte final del artículo.

Las Vegas, 1971, es el escenario de este argumento basado en hechos reales acerca del modo en que funcionan los casinos multimillonarios de la mafia, en los que las fortunas y las vidas se hacían y se perdían en una tirada de dados. Una historia de poder, corrupción, traiciones y mafia, medida con mano implacable por el gran Martin Scorsese.

La imagen

Muy buena calidad visual.

Imagen 2.35:1 4K (2160p)
HDR HDR10

El sonido

Magníficas pistas de sonido, contundentes y bien ejecutadas, con diálogos claros y altos.

Audio Inglés - DTS:X
Castellano - DTS 5.1

La edición

Maravillosa edición, steelbook elegante que acompaña unos discos perfectamente ejecutados, los extras son los que habia previamente en el Bluray que en este caso viene acompañando el disco UHD.

P.V.P. recomendado- 29,95 euros.

Características técnicas

Contenido Ultra HD Blu-ray + Blu-ray

Presentación Estuche metálico (Steelbook)

Imagen 2.35:1 4K (2160p)

HDR HDR10

Audio Inglés - DTS:X

Castellano - DTS 5.1

Alemán - DTS:X

Italiano - DTS 5.1

Turco - DTS 5.1

Subtítulos Castellano, Alemán, Italiano, Portugués, Turco, Inglés para sordos

Precio 29,95 €

Extras

Blu-ray

Escenas inéditas.

Las Vegas y la mafia.

Historia viva.

Delincuentes auténticos: Nicholas Pileggi.

Momentos con Martin Scorsese, Sharon Stone, Nicholas Pileggi y otros.

Valoración Global

[accordion]

Calidad de imagen 8.0

Magnífica edición.

Calidad Sonora 9.0

Casi perfecta tanto en VO como en nuestro idioma.

Contenido extra 8.0

Poco contenido adicional pero suficiente, precioso Steel.

La edición 9.0

Una edición vistosa y una gran mejora técnica.

Galería de imágenes

Fuente; Universal Pictures / Arvi Licensing

M el vampiro de Dusseldorf; Análisis de la edición Bluray

2026-02-27T15:00:00.001+01:00

Por Enrique Bellón.

Una de las películas más importantes e influyentes del cine clásico ha llegado de mano de Divisa Films a nuestros hogares, estamos hablando de "M el Vampiro de Dusseldorf" de Frixz Lang, editada en formato Bluray y de la que podeis un amplio reportaje fotográfico al final del artículo.

M es para muchos el primer largometraje que presenta a un asesino en serie. Para otros fue una alerta de la ascensión nazi debido a su título original y que supuso su posterior prohibición: “M. Mörder unter uns” (M. Asesino entre nosotros). Pero en la que fue su primera obra sonora, Lang plasmó uno de los mejores retratos del hombre acosado por sus propios demonios y por una sociedad marginal que se une para combatir a quien pone en peligro su delicado equilibrio, un tema extraído de “La ópera de tres peniques”.

La imagen

Gran trabajo de restauración de estos clásicos que está haciendo Divisa, se trata de un film mudo de 1931.
Imagen 1.19:1 1080i

El sonido

Sendas pistas estereo cumplidoras.

Audio Alemán - Dolby Digital 2.0
Castellano - Dolby Digital 2.0

La edición

Edición muy básica, una gran oportunidad de traer una edición de buena calidad de un film hasta ahora difícil de acceder.

Precio 14,99 €

Características técnicas

Contenido Blu-ray + DVD

Imagen 1.19:1 1080i

Audio Alemán - Dolby Digital 2.0

Castellano - Dolby Digital 2.0

Subtítulos Castellano, Portugués

Precio 14,99 €

Extras

Blu-ray (Versión alemana restaurada)

Asesinos entre nosotros.

El verdadero Vampiro de Düsseldorf.

Galería.

Filmografías.

Fichas.

DVD (Versión rodada en inglés)

M y M: Las dos versiones

Valoración Global

[accordion]

Calidad de imagen 8.0

Muy buena restauración.

Calidad Sonora 6.0

Correctas pistas 2.0 en Dolby Digital.

Contenido extra 7.0

Bastantes extras.

La edición 7.0

Edición solvente, una gran oportunidad de acceder a este tipo de películas.

Galería de imágenes

Fuente; Divisa Films

EPIC; Elvis Presley in Concert

2026-02-26T21:00:00.001+01:00

Por Enrique Bellón.

Esta semana llega a nuestras pantallas "EPIC; Elvis Presley in Concert" un documental plagado de material inédito del Rey del Rock'n Roll en el que se lleva a cabo una diserción sobre la persona y el artista de la mejor manera posible, desde su trabajo, utilizando material inédito, restaurado y de calidad increible el director Baz Luhrmann lleva a cabo un impecable trabajo de montaje que hará las delicias de cualquier aficionado a la música.

Durante la producción de la película Elvis (2022), el director Baz Luhrmann y su equipo encontraron una mina de oro: 68 cajas de material de archivo inédito. Luhrmann confesó que gran parte de este material era demasiado valioso para ser solo una referencia para los actores; eran tomas descartadas de documentales clásicos como Elvis on Tour (1972) y grabaciones personales en 8mm y 16mm que nunca habían visto la luz. De ahí nació la idea de crear una experiencia puramente documental y musical.

A diferencia de un documental biográfico tradicional, este se centra en la experiencia visceral del concierto. El material ha sido restaurado digitalmente para aprovechar el formato gigante y el sonido envolvente de última generación, incluso haciendo posible su visionado en IMAX. Si bien la película cubre parte de su carrera, el núcleo es su legendaria residencia en el International Hotel de Las Vegas (1969-1976).

Salpicados con los diferentes conciertos se incluyen grabaciones de audio donde el propio Elvis "cuenta su historia", entrelazadas con las actuaciones, dando la sensación de que él es el narrador de su propia vida, La película utiliza una técnica de edición que mezcla diferentes tomas de una misma canción, permitiéndonos ver a Elvis en diferentes trajes y noches, pero manteniendo la continuidad de la música, lo cual aporta a un dinamismo y una vida a la historia que lo separa de los clásicos documentales aburridos.

"EPIC: Elvis Presley in Concert" brilla especialmente por el impresionante trabajo técnico y la calidad visual y sonora, marcando un referente dentro de la calidad y el nivel de este tipo de documentales musicales, la nitidez visual y sonora de todo el metraje es sin duda uno de sus puntos fuertes, junto al acercamiento al artista, un artista mucho más humano, cercano y que sobre todo disfruta de la música, mostrando que básicamente se entregó a este arte, un documental simplemente épico.

[message]

##check## Lo bueno

La visión de la persona y el artista.
El impecable montaje.
Reflotar y traer este metraje perdido.

##times## Lo malo

Que no dure más.
Que no haya más documentales como éste.

[message]

Puntuación Total 8.5 / 10

Trailer:

Fuente Imágenes: Universal Pictures España

Trance; Análisis de la edición Bluray

2026-02-26T15:00:00.000+01:00

Por Enrique Bellón.

Divisa Films re-edita "Trance" en su formato Bluray, después de algún tiempo descatalogada esta producción de 20th Century Fox está disponible en formato físico, nosotros hemos podido revisar la edición que ya se editó años atrás.

Simon, subastador de artículos de bellas artes, se compincha con una banda criminal para robar una obra de arte que vale millones de dólares, pero después de haber recibido un golpe en la cabeza durante el atraco, descubre, al despertarse, que no recuerda dónde ha escondido el cuadro. Cuando las amenazas y la tortura física no logran ninguna respuesta, el jefe de la banda contrata a una hipnoterapeuta para que hurgue en los recovecos más oscuros de la psique de Simon. A medida que va adentrándose en su destrozado subconsciente, lo que está en juego llega a ser mucho más y los límites que separan el deseo, la realidad y la sugestión hipnótica comienzan a difuminarse y desaparecer.

La imagen

Disponemos de una imagen clara y nítida, muy recomendable.
Imagen 2.40:1 1080p

El sonido

Pistas de sonido de gran calidad en formato DTS, aún siendo algo mejor la de VO la de nuestro idioma es contundente y con diálogos claros.

Audio Inglés - DTS-HD Master Audio 7.1
Castellano - DTS 5.1

La edición

Edición básica pero con bastantes extras y buen contenido, correcta.

Precio 14,99 €

Características técnicas

Contenido 1 Disco

Imagen 2.40:1 1080p

Audio Inglés - DTS-HD Master Audio 7.1

Castellano - DTS 5.1

Alemán - DTS 5.1

Italiano - DTS 5.1

Ruso - DTS 5.1

Subtítulos Inglés, Castellano, Holandés, Ruso, Alemán, Italiano, Danés, Estonio, Finés, Coreano, Lituano, Noruego, Sueco, Turco, Ucraniano

Precio 14,99 €

Extras

Escenas inéditas (16 min)

Retrospectiva Danny Boyle (15 min).

El poder de la sugestion: Rodando Trance (33 min)

Comienzo

El cine negro de Danny

Hipnoterapia

El look

La revisión final

Cortometraje: Eugene de Spencer Susser (13 min).

Valoración Global

[accordion]

Calidad de imagen 8.0

Calidad notable, aunque se nota cierta antiguedad.

Calidad Sonora 9.0

Grandes pistas sonoras en DTS, mejor la pista VO.

Contenido extra 8.0

Muy correcto e interesante en este aspecto.

La edición 8.0

Edición correcta que es muy disfrutable y que nos permite volver a adquirirla para aquellos que se perdieron la edición previa.

Galería de imágenes

Fuente; 20th Century Fox / Divisa Films

El hombre rompecabezas; Análisis de la edición Bluray

2026-02-25T15:00:00.004+01:00

Por Enrique Bellón.

El gran Michael Caine nos trae uno de los films más entretenido de su época y lo hace acompañado de los siempre solventes Lawrence Olivier y Robert Powell, "El hombre rompecabezas", ahora en formato Bluray y de mano de Divisa Films.

Tras desertar y trasladarse a la Unión Soviética, el exagente del Servicio Secreto Británico Philip Kimberley regresa a su país para cumplir una última misión. La KGB le somete a una operación de cirugía estética, le rejuvenecen su rostro y le cambian de identidad, ahora se llama Serge Kuzminsky, y las agencias de prensa afines al partido comunista elaboran una noticia informando de la muerte del espía británico Kimberley a causa de una enfermedad hepática. Su misión consistirá en recuperar unos documentos, que él mismo escondió, donde se recogen los nombres de los agentes que venden secretos a los soviéticos, sin que sus antiguos compañeros del MI6, dirigidos por sir Gerald Scaith, le descubran.

La imagen

Una imagen disfrutable pero con ciertos problemas y defecto de grano y definición.
Imagen 1.78:1 1080p

El sonido

Pistas de sonido limitadas, estereo sin mucho "punch" simplemente cumplen y no brillan.

Audio Inglés - LPCM 2.0
Castellano - LPCM 2.0 Mono

La edición

Edición muy básica algo cara teniendo en cuenta lo que aporta pero sin embargo una buena oportunidad de hacernos con esta película épica.

Precio 17,99 €

Características técnicas

Contenido 1 Disco

Imagen 1.78:1 1080p

Audio Inglés - LPCM 2.0

Castellano - LPCM 2.0 Mono

Subtítulos Inglés, Castellano

Precio 17,99 €

Extras

Galería de imágenes.

Valoración Global

[accordion]

Calidad de imagen 6.5

Calidad aceptable sin gran brillo.

Calidad Sonora 5.0

Pistas sonoras LPCM 2.0 algo planas y sólo cumplidoras.

Contenido extra 2.0

Testimonial, algo decepcionante.

La edición 6.0

Edición correcta pero sin brillo, sólo para coleccionistas que quieren completar sus films de Caine o de Espias.

Galería de imágenes

Fuente; Divisa Films

Bala Perdida; Análisis del combo UHD + Bluray

2026-02-24T15:00:00.003+01:00

Por Enrique Bellón.

Sony Pictures y Arvi Licensing nos trae una película realmente divertida y entretenida, se trata de "Bala Perdida" que llega ahora en versión física. Tras años de dramas intensos y oscuros como La Ballena (The Whale) o Réquiem por un sueño, Aronofsky decidió hacer algo "pulp" y desenfrenado. Se dice que se inspiró en el cine de los hermanos Safdie y de Guy Ritchie para darle ese ritmo frenético de comedia negra que nadie se esperaba de él.

Hank Thompson era un fenómeno del béisbol en el instituto que ya no puede seguir jugando, pero todo lo demás le va bien. Tiene una chica estupenda, es camarero en un antro en Nueva York y su equipo favorito está sorprendentemente luchando por el campeonato. Cuando su vecino punki Russ le pide que cuide de su gato durante unos días, Hanks se encuentra atrapado en medio de un variopinto grupo de gángsters amenazantes. Todos quieren algo de él; el problema es que él no sabe por qué. Mientras Hank intenta eludir sus cada vez más estrechas garras, tendrá que emplear toda su habilidad para mantenerse con vida el tiempo suficiente para averiguarlo…

La imagen

Disponemos de una imagen clara y nítida, muy recomendable.

Imagen 1.85:1 4K (2160p)
HDR HDR10 / Dolby Vision

El sonido

Pistas de sonido de gran calidad
Audio Inglés - Dolby Atmos
Castellano - DTS-HD Master Audio 5.1

La edición

Contamos con la edición básica en amaray negro con el cartel en portada y ambos discos.

P.V.P. recomendado- 26,95 euros.

Características técnicas

Contenido Ultra HD Blu-ray + Blu-ray

Imagen 1.85:1 4K (2160p)

HDR HDR10 / Dolby Vision

Audio Inglés - Dolby Atmos

Castellano - DTS-HD Master Audio 5.1

Alemán - DTS-HD Master Audio 5.1

Francés - DTS-HD Master Audio 5.1

Italiano - DTS-HD Master Audio 5.1

Inglés - DTS-HD Master Audio 5.1

Inglés para invidentes - Dolby Digital 5.1

Francés para invidentes - Dolby Digital 5.1

Subtítulos Inglés, Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Árabe, Estonio, Finés, Holandés, Letón, Lituano, Noruego, Portugués, Sueco, Turco, Inglés para sordos

Precio 26,95 €

Extras

Aronofsky: El verdadero negocio.

Un casting de criminales, caos y un gato.

No conduzco.

Una historia de Nueva York.

Valoración Global

[accordion]

Calidad de imagen 8.5

Muy solvente y con una calidad notable.

Calidad Sonora 9.0

Grandes pistas sonoras en HD.

Contenido extra 7.0

Completa, sin brillo excesivo.

La edición 8.0

Cumplidora sin deslumbrar.

Galería de imágenes

Fuente; Sony Pictures / Arvi Licensing

13 Días 13 Noches; Análisis de la edición Bluray

2026-02-23T15:00:00.002+01:00

Por Enrique Bellón.

Tenemos ya disponible en nuestro mercado la última película editada por DeAplaneta y distribuida por Arvi Licensing "13 Días 13 Noches", historia sobre una crisis militar en territorios hostiles muy comentada y ganadora de galardones en múltiples festivales, ya podeis acceder a esta versión física.

Kabul, agosto de 2021. Mientras las tropas estadounidenses se preparan para abandonar el país, los talibanes asaltan la capital y toman el poder. En medio del caos, el comandante Bida intenta garantizar la seguridad de aquellos que se encuentran en el único refugio que queda en la ciudad, la embajada francesa. Con cientos de vidas en juego, Bida negocia con los talibanes con el fin de organizar un convoy hacia el aeropuerto. Comienza entonces una carrera contrarreloj para huir del infierno de Kabul antes de que sea demasiado tarde.

La imagen

Disponemos de una imagen muy correcta que basa su realismo en algunas ocasiones en bajar esa calidad, pero en general es muy disfrutable.

Imagen 2.39:1 1080p

El sonido

Maravillosas pistas sonoras, contundentes y bien ecualizadas, no tiene nada que envidiar la pista en castellano a la original.
Audio Francés - DTS-HD Master Audio 5.1
Castellano - DTS-HD Master Audio 5.1

La edición

Contamos con la edición básica en amaray azul con poster de la película, en contenidos extras tenemos lo mínimo exigible con un "Cómo se hizo".

P.V.P. recomendado- 21,95 euros.

Características técnicas

Contenido 1 Disco

Imagen 2.39:1 1080p

Audio Francés - DTS-HD Master Audio 5.1

Castellano - DTS-HD Master Audio 5.1

Francés - DTS-HD Master Audio 2.0

Castellano - DTS-HD Master Audio 2.0

Subtítulos Castellano, Catalán

Precio 21,95 €

Extras

Detrás de las cámaras.

Valoración Global

[accordion]

Calidad de imagen 8.0

Bastante buena y adaptado al tono general.

Calidad Sonora 9.5

Grandes pistas DTSHD tanto en VO como en castellano.

Contenido extra 6.0

Cumple sin más.

La edición 6.0

Buena edición pero sin demasiado brillo.

Galería de imágenes

Fuente; DeAplaneta / Arvi Licensing

Los Rose; Análisis de la edición Bluray

2026-02-22T15:30:00.005+01:00

Por A. Alberto.

Tenemos ya disponible en nuestro mercado la última película editada por SEARLIGHT y distribuida por DIVISA "Los Rose", una comedia protagonizada por Benedict Cumberbatch, basada en la comedia de los 90 de Michael Douglas pero con una nueva reinterpretación. Podéis encontrar un detallado reportaje fotográfico al final de este artículo de la edición sencilla que es la que hemos analizado.

Un matrimonio perfecto es el que componen Ivi y Theo. Su día a día con sus dos hijos encantadores y traviesos es una montaña rusa que aporta alegría a la familia. Él es el que trabaja mientras ella educa y mantiene la casa en orden, pero pronto las tornas se cambiaran cuando Ivi consigue una gran oportunidad de negocio y a Theo le echan de su trabajo. Juntos tendrán que asimilar los nuevos roles y evitar los problemas y las confrontaciones que la familia va a encontrar a partir de ahora.

La imagen

Disponemos de una imagen muy buena, detallada y con grandes contrastes en los colores dando más brillo y nitidez.

BLU RAY- IMAGEN –1.85.1.
1080 P/24P.

El sonido

Pista de sonido en castellano en DTS,correcto en diálogos y banda sonora.
INGLES-DTS-HD MASTER AUDIO 5.1.
CASTELLANO/ITALIANO/ESPAÑOL LATINO-DTS DOLBY DIGITAL 5.1.

La edición

Contamos con la edición básica en amaray azul con el divertido cartel en portada. En los extras tenemos un como se hizo de una hora de duración repartido en tres segementos,divertido y muy ameno además de contar con 5 tomas falsas muy recomendadas que nos muestra la química de la pareja protagonista fuera del plato de rodaje.

P.V.P. recomendado- 21,99 euros.

Características técnicas

Contenido 1 Disco

Imagen 1.85:1 1080p

Audio Inglés - DTS-HD Master Audio 5.1

Castellano - DTS 5.1

Alemán - Dolby Digital 5.1

Italiano - Dolby Digital 5.1

Canadiense - Dolby Digital 5.1

Español latino - Dolby Digital 5.1

Inglés para invidentes - Dolby Digital 2.0

Subtítulos Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Checo, Danés, Finlandés, Japonés, Noruego, Polaco, Sueco, Inglés para sordos

Precio 21,99 €

Extras

Una casa por la que luchar.

Los Rose: una mirada interna.

Comedia pura.

Tomas falsas.

Valoración Global

[accordion]

Calidad de imagen 8.5

La calidad de la imagen es perfecta, destacamos las escenas de exteriores siendo muy luminosas y nítidas.

Calidad Sonora 7.0

Es una pista la de castellano bastante buena, pero compadece ante la gran pista en ingles que roza la perfección.

Contenido extra 7.0

La edición que hemos podido evaluar contiene el cómo se hizo, muy completo, y las desternillantes tomas falsas como reclamo.

La edición 7.0

Una edición con una muy buena calidad en imagen e interesantes extras para una película divertida que en su mayor reclamo esta la pareja formada por Olivia colman y Benedict Cumberbatch.

Galería de imágenes

Fuente; Fox Searchlight / Divisa Films

Clave Omega; Análisis de la edición Bluray

2026-02-21T15:00:00.005+01:00

Por A. Alberto.

Tenemos ya disponible en nuestro mercado la última película editada por MERCURY FILMS y distribuida por DIVISA HOME, una película de acción made in PECKINPAH, Clave Omega, remasterizada y en calidad Bluray.

Un hecho trágico cambiara la vida para siempre del agente de la CIA Lawrence Fasset,el asesinato a sangre fría de su mujer Linda. Dispuesto a hacer pagar el daño que le han hecho, emprende una investigación que lo llevará por el mundo y descubrirá que una organización llamada OMEGA está detrás del asesinato de su mujer, pero pronto descubrirá que su propio jefe, el máximo dirigente de la CIA tiene también su papel en este macabro juego de ajedrez.

La imagen

Disponemos de una imagen bastante regular con tonos apagados y bastante oscuros, máster sin restaurar.

BLU RAY- IMAGEN –1.78.1.
1080 P/24P.

El sonido

Pista de sonido en castellano y en original en un justísimo LPCM
INGLES/CASTELLANO –LPCM 2.0 mono.

La edición

Contamos con la edición básica en amaray azul con el cartel en portada.

P.V.P. recomendado- 17,99 euros.

Características técnicas

Contenido 1 Disco

Imagen 1.78:1 1080p

Audio Inglés - LPCM 2.0

Castellano - LPCM 2.0 Mono

Subtítulos Inglés, Castellano

Precio 17,99 €

Extras

Galería de imágenes.

Valoración Global

[accordion]

Calidad de imagen 5.5

La calidad de la imagen es regular e incluso borrosa en algunos momentos debido a que el máster original no ha sido remasterizado correctamente.

Calidad Sonora 5.0

El sonido es su punto más negativo, el LPCM proporciona una calidad justa y enlatada.

Contenido extra 4.0

La edición que hemos podido evaluar contiene solo la galería de imágenes.

La edición 5.0

Una edición justa para una de las películas menos valoradas de este director que nos sirve para completar su filmografía.

La Henryteca del Cine

Te van a matar; Rescate inesperado

Trailer:Fuente Imágenes: Warner Bros España

Buena Suerte, pásalo bien, no mueras; Apocalipsis diferente

Fuente Imágenes: Verice 360

Super Mario Galaxy; Sobredosis de referencias

Trailer:Fuente Imágenes: Paramount Pictures España

Noche de Bodas 2; Ahora es personal

Fuente Imágenes: 20th Century Fox / Disney Pictures

Colección completa Jungla de Cristal; Reportaje Fotográfico

Características técnicas

Galería de imágenes

Fuente; 20th Century Fox / Divisa Films

Pack La Joya del Nilo / Tras el corazón Verde Bluray

Características técnicas

Valoración Global

Galería de imágenes

Fuente; 20th Century Fox / Divisa Films

Proyecto Salvación; La heroicidad es hacer lo necesario

Trailer:Fuente Imágenes: Sony Pictures Releasing España

Torrente Presidente; Caspa y política

Fuente Imágenes: Sony Pictures Releasing

SONAFILM, Festival Internacional de Música de Cine Marina Alta, dedicará su octava edición al cine épico e histórico con los compositores Trevor Jones y Roque Baños como grandes invitados

Amarga Navidad; La ética detrás del relato

Trailer:Fuente Imágenes: Warner Bros España / El Deseo

Predator Badlands; Análisis de la edición UHD 4k

La imagen

Impecable en cuanto a calidad visual.Imagen 2.39:1 4K (2160p)HDR HDR10 / Dolby Vision

El sonido

Grandes pistas, níticas y potentes.Audio Inglés - Dolby AtmosCastellano - DTS 5.1

La edición

Características técnicas

Valoración Global

Galería de imágenes

Fuente; 20th Century Fox / Divisa Films

La Novia; Fantasía feminista formal

Fuente Imágenes: Warner Bros España

Hopers; Un salto al mundo animal

Trailer:Fuente Imágenes: Disney Pixar

Tron Ares; Edición especial Steelbook

La imagen

Impecable en cuanto a calidad visual.Imagen 2.39:1 4K (2160p)HDR HDR10 / Dolby Vision

El sonido

Grandes pistas, níticas y potentes.Audio Inglés - Dolby AtmosCastellano - DTS 5.1La edición

La edición

Características técnicas

Valoración Global

Galería de imágenes

Fuente; Disney Pictures / Divisa Films

Scream 7; El regreso más esperado

Fuente Imágenes: Paramount Pictures España

Niágara; Análisis de la edición Bluray

La imagen

Muy disfrutable en cuanto a calidad visual.Imagen 1.33:1 1080p

El sonido

Gran pista en VO y buenas pista en nuestro idioma con formato DTS lo que aporta una ecualización muy correcta.Inglés - DTS-HD Master Audio 5.1Castellano - DTS 2.0

La edición

Características técnicas

Valoración Global

Galería de imágenes

Fuente; Divisa Films

Casino; Edición especial Steelbook UHD + Bluray

La imagen

Muy buena calidad visual.Imagen 2.35:1 4K (2160p)HDR HDR10

El sonido

Magníficas pistas de sonido, contundentes y bien ejecutadas, con diálogos claros y altos. Audio Inglés - DTS:XCastellano - DTS 5.1

La edición

Características técnicas

Valoración Global

Galería de imágenes

Fuente; Universal Pictures / Arvi Licensing

M el vampiro de Dusseldorf; Análisis de la edición Bluray

La imagen

Gran trabajo de restauración de estos clásicos que está haciendo Divisa, se trata de un film mudo de 1931.Imagen 1.19:1 1080i

El sonido

Sendas pistas estereo cumplidoras.Audio Alemán - Dolby Digital 2.0Castellano - Dolby Digital 2.0

La edición

Características técnicas

Valoración Global

Galería de imágenes

Trailer:

Fuente Imágenes: Warner Bros España

Trailer:

Fuente Imágenes: Paramount Pictures España

Trailer:

Fuente Imágenes: Sony Pictures Releasing España

Trailer:

Fuente Imágenes: Warner Bros España / El Deseo

Impecable en cuanto a calidad visual.
Imagen 2.39:1 4K (2160p)
HDR HDR10 / Dolby Vision

Grandes pistas, níticas y potentes.

Audio Inglés - Dolby Atmos
Castellano - DTS 5.1

Trailer:

Fuente Imágenes: Disney Pixar

Impecable en cuanto a calidad visual.
Imagen 2.39:1 4K (2160p)
HDR HDR10 / Dolby Vision

Grandes pistas, níticas y potentes.

Audio Inglés - Dolby Atmos
Castellano - DTS 5.1
La edición

Muy disfrutable en cuanto a calidad visual.
Imagen 1.33:1 1080p

Gran pista en VO y buenas pista en nuestro idioma con formato DTS lo que aporta una ecualización muy correcta.

Inglés - DTS-HD Master Audio 5.1
Castellano - DTS 2.0

Muy buena calidad visual.

Imagen 2.35:1 4K (2160p)
HDR HDR10

Magníficas pistas de sonido, contundentes y bien ejecutadas, con diálogos claros y altos.

Audio Inglés - DTS:X
Castellano - DTS 5.1

Gran trabajo de restauración de estos clásicos que está haciendo Divisa, se trata de un film mudo de 1931.
Imagen 1.19:1 1080i

Sendas pistas estereo cumplidoras.

Audio Alemán - Dolby Digital 2.0
Castellano - Dolby Digital 2.0

Disponemos de una imagen clara y nítida, muy recomendable.
Imagen 2.40:1 1080p

Pistas de sonido de gran calidad en formato DTS, aún siendo algo mejor la de VO la de nuestro idioma es contundente y con diálogos claros.

Audio Inglés - DTS-HD Master Audio 7.1
Castellano - DTS 5.1

Una imagen disfrutable pero con ciertos problemas y defecto de grano y definición.
Imagen 1.78:1 1080p

Pistas de sonido limitadas, estereo sin mucho "punch" simplemente cumplen y no brillan.

Audio Inglés - LPCM 2.0
Castellano - LPCM 2.0 Mono

Disponemos de una imagen clara y nítida, muy recomendable.

Imagen 1.85:1 4K (2160p)
HDR HDR10 / Dolby Vision

Pistas de sonido de gran calidad
Audio Inglés - Dolby Atmos
Castellano - DTS-HD Master Audio 5.1

Disponemos de una imagen muy correcta que basa su realismo en algunas ocasiones en bajar esa calidad, pero en general es muy disfrutable.

Imagen 2.39:1 1080p

Maravillosas pistas sonoras, contundentes y bien ecualizadas, no tiene nada que envidiar la pista en castellano a la original.
Audio Francés - DTS-HD Master Audio 5.1
Castellano - DTS-HD Master Audio 5.1

Disponemos de una imagen muy buena, detallada y con grandes contrastes en los colores dando más brillo y nitidez.

BLU RAY- IMAGEN –1.85.1.
1080 P/24P.

Pista de sonido en castellano en DTS,correcto en diálogos y banda sonora.
INGLES-DTS-HD MASTER AUDIO 5.1.
CASTELLANO/ITALIANO/ESPAÑOL LATINO-DTS DOLBY DIGITAL 5.1.

Disponemos de una imagen bastante regular con tonos apagados y bastante oscuros, máster sin restaurar.

BLU RAY- IMAGEN –1.78.1.
1080 P/24P.

Pista de sonido en castellano y en original en un justísimo LPCM
INGLES/CASTELLANO –LPCM 2.0 mono.