La Henryteca del Cine

Scrooge y los fantasmas de la Navidad: Cuento de pesadilla antes de Navidad

2026-11-14T20:30:00.000+01:00

Por Nacho Cañas.

Ti West, director de X, Pearl y MaXXXine, se adentra en uno de los cuentos más conocidos de la literatura universal con una nueva adaptación de Cuento de Navidad, de Charles Dickens. Johnny Depp se mete en la piel de Ebenezer Scrooge, el avaro empresario que recibe la visita de varios espíritus durante la Nochebuena para enfrentarse a su pasado, su presente y su futuro. La propuesta es sencilla: coger una historia que todos conocemos y darle un envoltorio mucho más oscuro, gótico y sobrenatural.

En esta "Scrooge y los fantasmas de la navidad" Depp parece estar en su salsa, rodeado de una estética que encaja perfectamente con su particular universo interpretativo. El resultado es una versión diferente, con personalidad visual y cierto aire a Tim Burton, aunque también deja la sensación de que estamos ante una película que no termina de aportar demasiado a una historia que ya hemos visto en innumerables ocasiones.

El protagonista es Ebenezer Scrooge (Johnny Depp), un hombre avaro y desagradable que desprecia la Navidad y a prácticamente todo el mundo que le rodea. Su vida cambia cuando recibe la visita del fantasma de Jacob Marley (Ian McKellen), que le anuncia la llegada de tres espíritus encargados de mostrarle las consecuencias de sus decisiones. El reparto cuenta con Rupert Grint como Bob Cratchit, Sam Claflin como Fred, Daisy Ridley como Clara, Andrea Riseborough como el Fantasma de las Navidades Pasadas y Tramell Tillman como el de las Navidades Presentes. Un elenco bastante interesante que acompaña a Depp en esta reinterpretación del clásico de Dickens.

La película tiene bastante claro el tono que quiere conseguir: una historia navideña con un punto de terror, personajes inquietantes y una ambientación que se aleja de las versiones más familiares y luminosas. Johnny Depp parece especialmente cómodo en este registro, interpretando a un personaje que encaja perfectamente con sus habituales papeles excéntricos y góticos. Ti West consigue darle una personalidad visual reconocible, aunque por momentos cuesta no pensar que estamos viendo una especie de película de Tim Burton dirigida por otra persona. No es necesariamente algo malo, pero sí transmite cierta sensación de película de encargo, como si se hubiera buscado una fórmula estética que encajara con el protagonista. Es una propuesta entretenida y diferente, aunque tampoco especialmente sorprendente.

Aquí tampoco hay demasiados misterios. La historia es la de siempre: un hombre egoísta descubre, gracias a tres visitas sobrenaturales, que su forma de entender la vida no es precisamente la más recomendable. El guion de Nathaniel Halpern introduce algunos detalles y matices más oscuros, pero no transforma especialmente el relato original ni consigue que la experiencia resulte novedosa. Los personajes funcionan porque ya conocemos perfectamente sus motivaciones y el recorrido que van a realizar. Depp aporta su particular personalidad a Scrooge, pero tampoco necesita reinventar un personaje que lleva casi dos siglos funcionando. La película cumple con su cometido, aunque en ningún momento consigue que nos preguntemos qué puede pasar a continuación.

El mayor problema es precisamente que cuesta encontrar algo realmente nuevo en esta adaptación. El tono gótico añade algunos detalles interesantes y permite explorar el lado más inquietante del cuento, pero no deja de ser una vuelta de tuerca estética a una historia que todos tenemos bastante interiorizada. No hay grandes sorpresas narrativas ni una reinterpretación especialmente profunda de sus personajes. Es una película que funciona mejor cuando se deja llevar por su ambientación que cuando intenta ofrecer algo diferente desde el punto de vista argumental. Si conocemos el cuento de Dickens, sabemos perfectamente hacia dónde nos dirigimos desde prácticamente el primer momento.

La ambientación es probablemente el apartado más destacado de la película. Ti West consigue construir un Londres victoriano oscuro, con escenarios, vestuario e iluminación que refuerzan constantemente esa sensación de cuento gótico. La fotografía apuesta por una estética sombría y sobrenatural que encaja especialmente bien con la presencia de los fantasmas y con el universo visual de Johnny Depp. Hay momentos que parecen sacados de una ilustración de un cuento de terror victoriano, y es precisamente ahí donde la película encuentra su mayor personalidad. Técnicamente, es un trabajo bastante cuidado y demuestra que West sabe manejar este tipo de atmósferas.

El resto de apartados cumple sin grandes alardes. La banda sonora acompaña correctamente el desarrollo de la historia y ayuda a mantener ese tono inquietante sin convertirse en un elemento especialmente memorable. El montaje funciona, los efectos visuales cumplen y el conjunto tiene una factura bastante sólida. No hay grandes innovaciones técnicas ni secuencias que vayan a revolucionar el género, pero tampoco parece que la película las necesite. Su principal virtud está en la coherencia estética y en conseguir que un cuento navideño tan conocido tenga una apariencia bastante más oscura de lo habitual. En ese sentido, el trabajo técnico está por encima de lo que ofrece el propio guion.

Scrooge y los fantasmas de la Navidad (2026) es una adaptación correcta, con una ambientación muy conseguida y un Johnny Depp que parece haber encontrado un personaje hecho a su medida. Ti West aporta su experiencia en el terror para convertir el clásico de Dickens en un cuento mucho más gótico, oscuro y ligeramente creepy, aunque por momentos parece que estamos viendo una especie de imitación del universo de Tim Burton. Si tuviera un hijo, probablemente le pondría esta versión antes que algunas de las adaptaciones más tradicionales, porque tiene ese punto inquietante que puede hacer más atractiva una historia que ya conocemos todos.

El problema es que, más allá de su estética, tampoco aporta demasiado: la historia sigue siendo la misma, los personajes recorren caminos conocidos y los cambios introducidos no son suficientes para convertirla en algo especialmente novedoso. Es una película que se disfruta por su aspecto visual y por ver a Depp desenvolverse en un registro que domina perfectamente, pero que difícilmente permanecerá en la memoria mucho tiempo. Un cuento de Navidad de toda la vida, solo que esta vez parece que Tim Burton ha pasado por allí y ha dejado las luces apagadas. Correcta, entretenida y con personalidad, pero sin mucho más que contar.

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##check## Lo bueno

La ambientación gótica y la recreación del Londres victoriano.
Johnny Depp está especialmente cómodo en un personaje que encaja con su estilo.
La reinterpretación oscura del clásico aporta una estética diferente y atractiva.

##times## Lo malo

La historia no aporta demasiadas novedades respecto al cuento original.
Los personajes siguen un desarrollo que conocemos perfectamente.
Su parecido estético con el universo de Tim Burton le resta cierta personalidad propia.

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Ambientación 8.0

Una recreación gótica y victoriana muy conseguida, probablemente lo mejor de la película.

Desarrollo de Personajes 5.5

Personajes conocidos y reconocibles, pero con poco margen para sorprender.

Argumento / Guión 4.5

El cuento de siempre con algunos detalles oscuros, pero sin demasiadas novedades.

Banda Sonora 6.5

Correcta y bien integrada en la atmósfera, aunque poco memorable.

Entretenimiento 6.0

Se deja ver y tiene su encanto, especialmente gracias a Depp y al tono diferente.

Montaje / Innovación técnica 6.5

Un apartado técnico sólido, con una estética muy cuidada, aunque sin grandes innovaciones.

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Puntuación Total 6 / 10

Trailer:

Fuente Imágenes: Paramount Pictures España

Aniquilación; Edición especial Steelbook

2026-11-14T15:00:00.000+01:00

Por Enrique Bellón.

La hipnótica, inquietante y visualmente arrebatadora obra de ciencia ficción dirigida por Alex Garland (Ex Machina, Civil War) y basada en la aclamada novela de Jeff VanderMeer debuta en nuestro mercado en una codiciada presentación metálica. "Aniquilación" (Annihilation) vuelve a lucir en todo su esplendor en formato 4K UHD, permitiendo apreciar la fascinante paleta de colores cromática de "El Resplandor", la espeluznante naturaleza mutada y la perturbadora fotografía de Rob Hardy con una fidelidad técnica de referencia. Divisa Films es la encargada de traer a nuestras estanterías esta cotizada pieza de coleccionista de la película producida por Paramount Pictures.

Lena (Natalie Portman), bióloga y exsoldado del ejército estadounidense, se une a una expedición secreta integrada exclusivamente por mujeres científicas (Jennifer Jason Leigh, Gina Rodriguez, Tessa Thompson y Tuva Novotny) para adentrarse en "El Resplandor": una misteriosa zona en la costa de EE. UU. envuelta por una anomalía alienígena en constante expansión. Ninguna de las expediciones anteriores ha regresado salvo el marido de Lena, Kane (Oscar Isaac), quien ha vuelto gravemente enfermo y sin memoria. Una vez dentro, el grupo descubrirá un ecosistema en mutación acelerada donde las leyes de la física, la biología y la mente humana se disuelven por completo

La imagen

La transferencia nativa en 4K UHD procedente del máster original a 4K es un auténtico espectáculo cromático que sirve como disco de demostración pura para pantallas con HDR. El uso del Dolby Vision exprime al máximo la bioluminiscencia y la refracción de la luz en "El Resplandor": los tonos prismáticos, los verdes selváticos saturados y los destellos florales destacan con una tridimensionalidad pasmosa. Además, el manejo del contraste en las secuencias nocturnas dentro de la base militar abandonada ofrece unos negros puros, densos y milimétricos que acentúan la sensación de aislamiento y amenaza.

Imagen: 2.39:1 4K (2160p)

HDR: Dolby Vision / HDR10

El sonido

El apartado sonoro es una de las mayores bazas de la cinta y una experiencia inmersiva descomunal. La pista original en inglés se presenta en un sobrecogedor mix Dolby Atmos (con base Dolby TrueHD 7.1) que utiliza los canales de altura de forma brillante para rodear al espectador con los inquietantes sonidos de la naturaleza mutante, el eco de los conductos y la célebre y perturbadora banda sonora electrónica de Geoff Barrow y Ben Salisbury. Por su parte, el doblaje en castellano cuenta con una cuidada codificación en Dolby Digital 5.1 con excelente claridad vocal y buena pegada en las bajas frecuencias.

Inglés - Dolby Atmos (7.1.4 compatible)

Castellano - Dolby Digital 5.1

Alemán - Dolby Digital 5.1

Francés - Dolby Digital 5.1

La edición

Una cotizada presentación en estuche metálico (Steelbook) de tirada limitada con un elegante acabado en brillo. El diseño exterior apuesta por una estética conceptual centrada en la mutación celular y la figura de Natalie Portman frente a la refracción del Resplandor, e incluye en su interior tanto el disco Ultra HD Blu-ray con la película en 4K como el disco Blu-ray con la película en alta definición y los materiales adicionales

Precio 25,99 €

Características técnicas

Contenido 1 Disco

Presentación Estuche metálico (Steelbook)

Imagen 2.39:1 1080p

Audio Inglés - Dolby Atmos

Castellano - Dolby Digital 5.1

Alemán - Dolby Digital 5.1

Francés - Dolby Digital 5.1

Italiano - Dolby Digital 5.1

Japonés - Dolby Digital 5.1

Polaco - Dolby Digital 5.1

Subtítulos Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Árabe, Danés, Holandés, Finés, Japonés, Coreano, Noruego, Polaco, Portugués, Rumano, Sueco, Tailandés, Inglés

Precio 25,99 €

Extras

Southern Reach:

Refracciones (11 min)

A los que vengan después (15 min)

Área X:

Resplandor (12 min)

Desaparecidas en el caos (15 min)

Hacia el faro:

Mente insondable (12 min)

La última fase (8 min)

Valoración Global

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Calidad de imagen 9.5

Una transferencia 4K nativa de primerísimo nivel. La riqueza de los colores prismáticos del Resplandor y la nitidez en los planos de la naturaleza mutante convierten al disco en una absoluta referencia visual para probar pantallas 4K con Dolby Vision.

Calidad Sonora 9.5

La mezcla original en Dolby Atmos es una auténtica clase magistral de diseño de sonido. El uso de los altavoces de altura y el subgraves durante las secuencias de suspense y el clímax del faro es sencillamente apabullante.

Contenido extra 8.0

Los reportajes desglosados cubren con gran acierto el diseño de criaturas y la adaptación del libro, destacando especialmente las piezas dedicadas a los efectos visuales de la secuencia final.

La edición 9.0

Paramount Pictures y Divisa Films cumplen el sueño de muchos coleccionistas lanzando por fin este filme de culto en formato físico con estuche metálico. Una compra obligada para los entusiastas de la ciencia ficción exigente y de alta calidad técnica.

Galería de imágenes

Fuente: Paramount Pictures / Divisa Films

Wild Horse Nine; El absurdo de la Guerra Fría en el fin del mundo

2026-11-13T20:30:00.000+01:00

El cineasta y dramaturgo británico-irlandés Martin McDonagh (Escondidos en Brujas, Tres anuncios en las afueras, Almas en pena de Inisherin) regresa con Wild Horse Nine (2026), una sátira política cargada de humor negro que confirma su maestría para retratar la miseria humana a través de diálogos afilados y situaciones absurdas. Tras cosechar elogios en Venecia —donde John Malkovich se alzó con la Copa Volpi al Mejor Actor—, la cinta llegó como uno de los platos fuertes de la sección Perlak del 74.º Festival de San Sebastián.

La trama nos traslada al Chile de 1973, en los meses previos al golpe de Estado contra Salvador Allende. Lejos del epicentro político de Santiago, los veteranos agentes de la CIA Chris (John Malkovich) y Lee (Sam Rockwell) son enviados por su superior en la central, MJ (Steve Buscemi, quien asumió el papel semanas antes del rodaje tras la salida por agenda de Mark Ruffalo), a una misión de vigilancia tan burocrática como absurda en la remota Isla de Pascua.

Bajo la sombra imponente de los moáis, el aislamiento y la paranoia de la Guerra Fría sirven como caldo de cultivo para el choque constante entre el cinismo cansado de Chris y la energía acelerada de su protegido, Lee. Este equilibrio precario termina por quebrarse cuando el personaje de Malkovich entabla amistad con dos jóvenes estudiantes universitarias locales de espíritu rebelde, interpretadas por Mariana di Girolamo y Ailín Salas.

Wild Horse Nine respira el ADN de su creador en cada fotograma. Se articula como una buddy movie crepuscular teñida de desencanto, humor negro y una mirada profundamente pesimista sobre las dinámicas de poder. La puesta en escena es impecable. McDonagh aprovecha la geografía aislada de Rapa Nui para construir un entorno cerrado, casi teatral, que potencia la sensación de encierro psicológico y permite que los conflictos entre personajes maduren a fuego lento.

Si hablamos del elenco actoral, aunque Sam Rockwell aporta su habitual magnetismo nervioso y Buscemi cumple con solvencia como el enlace distante de la agencia, la función pertenece por completo a un John Malkovich en estado de gracia, dotando a su agente de una mezcla de patetismo, lucidez y acidez verbal memorable.

En lo narrativo se trata de una historia fiel a la estructura dramática del autor, la acumulación de tensiones desemboca en un giro final impactante e inesperado que reconfigura el tono de lo visto hasta ese momento.

Sin alcanzar las cotas de redención y profundidad emocional de sus trabajos más redondos, Wild Horse Nine resulta una propuesta muy atractiva y disfrutable. Es una obra menor dentro de una filmografía sobresaliente, pero sostenida con pulso firme gracias a su exquisita factura técnica, su ambientación inusual y unas interpretaciones de primer nivel.

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##check## Lo bueno

El humor negro y algunos diálogos.
Los protagonistas, en especial Malkovic.

##times## Lo malo

Muy disperso en su narrativa.
Personajes secundarios atractivos pero poco desarrollados.
La historia principal no engancha y no emociona lo que debe.

[accordion]

Ambientación 8.0

Impecable, simple pero creible.

Desarrollo de Personajes 6.5

Muy bien los protagonistas en especial Malkovic, los demás no tanyo.

Argumento / Guión 7.0

Un argumento inicial muy atractivo pero que no acaba de cuajar, más alla del humor y algunos diálogos, pero falla en la historia.

Banda Sonora 7.0

Muy correcta pero no sorprende.

Entretenimiento 7.5

De lo mejor de la producción, muy divertida.

Montaje / Innovación técnica 8.5

Montaje impecable, sin excesos.

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Puntuación Total 6.5 / 10

Trailer:

Fuente Imágenes: Fox Searchlight / Disney Pictures

Indochina; análisis de la edición Bluray

2026-11-13T15:30:00.000+01:00

Por Enrique Bellón.

La monumental superproducción francesa ganadora del Oscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa y del Globo de Oro regresa al formato doméstico en una cuidada edición de alta fidelidad técnica. "Indochina" nos traslada al crepúsculo de la época colonial francesa en el sudeste asiático, permitiendo apreciar la suntuosa fotografía de François Catonné, los exuberantes paisajes tropicales de la bahía de Ha-Long y la inolvidable interpretación de Catherine Deneuve con una nitidez y fidelidad cromática superlativas. Divisa Films es la encargada de traer a nuestras estanterías esta imprescindible pieza de coleccionista,

En la Indochina francesa de los años 30, Eliane Devries (Catherine Deneuve) dirige junto a su padre una próspera plantación de caucho. Eliane ha criado desde niña a Camille (Linh Dan Pham), una princesa vietnamita huérfana a la que ama como a una verdadera hija. Sin embargo, el frágil equilibrio familiar y sentimental se rompe con la llegada de Jean-Baptiste (Vincent Perez), un joven y atractivo oficial de la marina francesa del que ambas mujeres se enamoran. El convulso trasfondo del auge del nacionalismo vietnamita y el fin del imperio colonial marcarán trágicamente el destino de los tres protagonistas.

La imagen

La restauración a partir del negativo original ofrece una calidad visual orgánica y profundamente cinematográfica. Mantiene con absoluto respeto la fina capa de grano del celuloide, haciendo destacar la rica paleta cromática de la fotografía: los verdes intensos de la selva, los tonos dorados de las mansiones coloniales y la bruma azulada sobre el mar lucen con un contraste soberbio y un nivel de detalle formidable en las texturas de los vestuarios de época.

Imagen: 1.85:1 1080p / 4K (2160p)

Códec / HDR: MPEG-4 AVC / HDR10 (según formato)

El sonido

El apartado sonoro destaca por su elegancia y dinamismo. La pista original en francés se presenta en un limpio e inmersivo mix DTS-HD Master Audio 5.1 que saca un partido fantástico a la icónica banda sonora compuesta por Patrick Doyle, otorgando además una espacialidad estupenda a los ruidos incidentales de la selva y las escenas de tumultos revolucionarios. Por su parte, el clásico doblaje en castellano cuenta con una cuidada pista DTS-HD Master Audio 2.0 / 5.1 con diálogos perfectamente nítidos y bien equilibrados.

Audio:

Francés / V.O. - DTS-HD Master Audio 5.1

Castellano - DTS-HD Master Audio 5.1

Catalán - DTS-HD Master Audio 2.0

La edición

Presentación estándar en estuche azul Amaray bajo el catálogo de lanzamientos de cine clásico internacional de Divisa Red. La carátula recupera el póster promocional de cines centrado en la figura de Catherine Deneuve. Se trata de una re-edición de la versión de A Contracorriente que se distribuyó con Libreto y slipcover, mismo master 4K pero con una autoría diferente.

Precio: 17,99 €

Características técnicas

Contenido 1 Disco. Máster restaurado en 4K

Imagen 1.85:1 1080p

Audio Francés - DTS-HD Master Audio 5.1

Castellano - LPCM 1.0

Francés - Dolby Digital 2.0

Subtítulos Castellano

Precio 17,99 €

Extras

Galería de imágenes.

Valoración Global

[accordion]

Calidad de imagen 8.5

Una restauración digital limpia, muy fiel al grano original y con una paleta cromática fantástica que luce a gran nivel en las escenas en exteriores de la bahía y la selva.

Calidad Sonora 8.5

Pistas DTS-HD Master Audio solventes que equilibran a la perfección la presencia de los diálogos con el despliegue orquestal de Patrick Doyle.

Contenido extra 6.5

Una sección de extras ajustada pero suficiente, destacando el documento retrospectivo sobre la complejidad de filmar una gran superproducción europea en Asia.

La edición 8.0

Divisa acerca de nuevo a las tiendas este clásico del cine francés con una gran relación calidad-precio. Una opción magnífica para sumar una obra imprescindible del drama histórico a la biblioteca física.

Galería de imágenes

Fuente: Divisa Films

El festival Confislab – RompeMadrid celebrará una jornada de cine de piratas el día de las elecciones generales con «Hook», «Piratas del Caribe» y «La isla de las cabezas cortadas»

2026-11-13T12:54:40.323+01:00

Coincidiendo con las elecciones generales del domingo 29 de noviembre, Confislab - RompeMadrid, Festival Internacional de Cine de Acción y Aventuras, despedirá su segunda edición con una jornada especial dedicada a los piratas de la gran pantalla, bautizada como «Domingo Pirata». El certamen reunirá en mk2 Palacio de Hielo (C/ de Silvano, 77) tres grandes producciones de Hollywood, «Hook» (1991), de Steven Spielberg, «Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra» (2003), de Gore Verbinski, y «La isla de las cabezas cortadas» (1995), de Renny Harlin, que se proyectarán desde las 12:00 y hasta pasadas las 22:00 horas, en una celebración del cine de aventuras.

La jornada arrancará a las 12:00 horas con una de las fantasías familiares más entrañables de los años noventa, en la que Robin Williams interpreta a un Peter Pan adulto que ha olvidado su infancia y debe enfrentarse al inolvidable capitán Garfio de Dustin Hoffman. A las 16:15 horas llegará el turno de Johnny Depp y su icónico Jack Sparrow, personaje que debutó en la gran pantalla en una aventura que dio origen a una de las franquicias más exitosas de la historia de Disney. Como broche final, a las 20:00 horas, Geena Davis se pondrá al frente de una espectacular superproducción de aventuras que recupera el espíritu del cine clásico de piratas, con batallas navales, duelos de espadas, tesoros escondidos y grandes escenas de acción.

El programa se completará con una edición especial en directo del podcast «Tiempo de Culto», en la que Ángel Codón y Paco Fox, acompañados de otros invitados, repasarán junto al público la historia del cine de piratas y sus personajes más emblemáticos. El encuentro tendrá lugar a las 18:45 horas, entre las proyecciones de «Piratas del Caribe» y «La isla de las cabezas cortadas». Además, Confislab - RompeMadrid ha puesto a la venta un abono especial de 20 euros que permite disfrutar de las tres películas, cuyas entradas individuales tienen un precio de 7,90 euros cada una.

Koldo Serra recibirá el premio «Chulo de Honor» por su trayectoria

El cineasta vasco Koldo Serra será distinguido con el premio «Confislab Chulo de Honor 2026», en reconocimiento a su trayectoria en el cine y la televisión. El homenaje tendrá lugar el viernes 27 de noviembre a las 18:00 horas e incluirá una proyección especial de «Bosque de sombras» (2006), su debut como director de largometrajes, coincidiendo con el 20.º aniversario de su estreno. La sesión contará con una presentación a cargo del propio cineasta y un coloquio posterior con el público.

Protagonizada por Gary Oldman, Paddy Considine, Aitana Sánchez-Gijón y Virginie Ledoyen, el thriller rural «Bosque de sombras» supuso el comienzo de una carrera que incluye películas como «Gernika» y «70 binladens», además de series como «La casa de papel», «El Ministerio del Tiempo» y «Reina Roja».

Nicolas Cage encabeza los nuevos títulos anunciados por Confislab - RompeMadrid

Entre las nuevas incorporaciones a la programación destaca «Best Pancakes in the County» (2026), la última película de Nicolas Cage («La roca», «Con Air»), que tendrá su preestreno en Confislab - RompeMadrid el sábado 28 de noviembre a las 18:15 horas. Dirigido por Ken Sanzel y con Justin Long («Jeepers Creepers») y Lauren German («Lucifer») en su reparto, este thriller de acción transcurre en una cafetería de un pequeño pueblo que se convierte en el escenario de un violento enfrentamiento entre agentes federales corruptos, un estafador con un pasado peligroso y una camarera que oculta sus propios secretos. Una explosiva combinación de acción, suspense y humor negro en la que sobrevivir dependerá de quién sea capaz de desenfundar más rápido.

La programación incorporará asimismo dos propuestas internacionales de acción y aventuras. Desde la India llegará «Half» (2026), dirigida por Samjad, una frenética historia de acción y terror en la que dos seres mitad humanos y mitad vampiros emprenden una sangrienta venganza marcada por persecuciones a toda velocidad y violentos enfrentamientos. Su preestreno tendrá lugar el viernes 27 de noviembre a las 22:30 horas.

Por su parte, la producción polaca «Salvaje» («Dziki», 2026), de Maciej Kawulski, trasladará al público hasta los Cárpatos del siglo XVII, donde un misterioso guerrero mudo y semisalvaje se enfrenta a un despiadado inquisidor imperial en una aventura histórica marcada por la violencia y los espectaculares paisajes naturales. La película se proyectará el sábado 28 de noviembre a las 12:00 horas.

El festival también ha dado a conocer el cartel oficial de esta segunda edición, obra de la ilustradora y animadora Nuria Velasco. La imagen reúne a diversos personajes de las películas programadas en una composición presidida por el Peter Pan de Robin Williams en «Hook», con las emblemáticas Cuatro Torres de Madrid como telón de fondo y una gigantesca explosión que refleja el espíritu del certamen.

Desde La Henryteca colaboramos por primera vez como parte del festival y nos llena de ilusión el poder poner nuestro granito de arena a la organización y desarrollo de eventos como estos, agradeciendo a los productores y el equipo del festival el magnífico trabajo que llevan a cabo desde hace años con estas iniciativas y otras muchas (Aeterna, Cutrecon...), esperemos sea el comienzo de una colaboración fructífera a medio plazo.

Entradas y abonos ya a la venta

Las entradas individuales para las proyecciones de Confislab - RompeMadrid ya están disponibles a través de los enlaces habilitados en la web oficial del festival, www.rompemadrid.com. Asimismo, el certamen ofrece un Abono General de 79 euros, que permite asistir a todas las sesiones de pago, y un Abono Fin de Semana de 49 euros, válido para las proyecciones del sábado 28 y domingo 29 de noviembre en mk2 Palacio de Hielo.

La organización anunciará próximamente el resto de las películas que completarán la programación de esta segunda edición.

Los miserables (2026): La adaptación más fiel del clásico de Victor Hugo

2026-11-12T20:30:00.000+01:00

Por Enrique Bellón.

La novela inmortal de Victor Hugo vuelve a la gran pantalla con Los Miserables (Les Misérables, 2026), una de las superproducciones europeas más ambiciosas del año que ha tenido su puesta de largo en la Sección Oficial a Concurso de la 74.ª edición del Festival de San Sebastián. Bajo la dirección de Fred Cavayé, esta nueva lectura francesa busca distanciarse del formato musical hollywoodiense para abrazar una aproximación visceral, cruda y profundamente realista de la obra original.

Francia, primera mitad del siglo XIX. Tras cumplir 19 años de trabajos forzados por robar un trozo de pan, Jean Valjean (Vincent Lindon) sale en libertad condicional convertido en un paria. Redimido por la compasión de un obispo, Valjean decide romper su condicional y reconstruir su vida bajo una falsa identidad, llegando a convertirse en un próspero industrial y alcalde devoto.

Sin embargo, su destino queda sellado por dos fuerzas opuestas: la implacable persecución del inspector Javert (Tahar Rahim), un hombre obsesionado con la ley estricta que lo busca sin descanso, y la promesa hecha a la moribunda Fantine de cuidar y proteger a su joven hija, Cosette. A través de décadas de agitación política, miseria social y la sangrienta rebelión de junio en París, la historia entrelaza la búsqueda de justicia, el amor filial y la redención en una Francia al borde de la revolución.

El principal rasgo distintivo de esta versión radica en su fidelidad casi escrupulosa al texto literario, tomándose muy pocas libertades creativas. Esta decisión supone a la vez su mayor fortaleza y su principal peaje: por un lado, regala una inmersión académica y rigurosa en el texto; por otro, aporta muy pocos elementos novedosos o puntos de vista inéditos para quienes ya conocemos de sobra las innumerables revisiones que ha tenido esta gran historia en el cine y la televisión.

En el plano técnico y artístico, nos encontramos ante una obra prácticamente redonda. La ambientación, el diseño de producción y la fotografía logran que se respire de forma tangible la atmósfera de la época, desde la opresión del presidio hasta la suciedad de las barricadas parisinas. En el apartado interpretativo, el duelo entre Vincent Lindon (un imponente Jean Valjean) y Tahar Rahim (un implacable e introspectivo Javert) sostiene con firmeza el peso emocional del film, arropados por unos personajes secundarios extremadamente sólidos.

A pesar de rozar las tres horas de metraje, la película posee un ritmo envidiable y se pasa volando, manteniendo el interés gracias a su impecable factura visual y la solidez de sus actuaciones. En definitiva, Los Miserables de Fred Cavayé es una propuesta magnífica y altamente recomendable que se queda a las puertas del sobresaliente únicamente por lo trillado del material de base, pero que se erige con méritos propios como una de las adaptaciones cinematográficas más rotundas del clásico.

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##check## Lo bueno

Su impecable factura técnica, la atmósfera realista de época.
El duelo actoral entre Vincent Lindon y Tahar Rahim.

##times## Lo malo

Aporta pocas novedades narrativas para quienes ya conocen a fondo la novela o sus anteriores adaptaciones.

[accordion]

Ambientación 9.5

Impecable, no puede ser mejor el Paris imaginado por Victor Hugo.

Desarrollo de Personajes 9.5

Gran representación de la estructura de los personajes.

Argumento / Guión 7.0

Magnífico pero al dedillo del libro original.

Banda Sonora 9.0

Muy distinta al musical pero muy correcta.

Entretenimiento 8.5

Si te gustan este tipo de historias te gustará.

Montaje / Innovación técnica 8.5

Un montaje clásico que funciona perfecto.

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Puntuación Total 8 / 10

Fuente Imágenes: Beta Fiction Spain

El día de la bestia; Edición especial coleccionista UHD + Bluray

2026-11-12T14:30:00.000+01:00

Por Enrique Bellón.

La película de culto imprescindible del cine español moderno, ganadora de seis Premios Goya y auténtico hito del terror patibulario, regresa a las estanterías en su reedición definitiva en formato 4K UHD. "El día de la Bestia" deslumbra gracias a una nueva restauración nativa en 4K supervisada a partir del negativo original de 35mm, permitiendo apreciar la suciedad, el ambiente navideño decadente de las calles de Madrid, las luces de neón del cartel de Schweppes y la caótica puesta en escena de Álex de la Iglesia con una calidad de imagen y sonido jamás alcanzadas en nuestro país. Divisa Films es la encargada de firmar esta imprescindible edición física para coleccionistas llena de extras.

El padre Ángel Berriatúa (Álex Angulo), un cura vasco de Teología, tras años de concienzudo estudio de los textos bíblicos y el Apocalipsis, llega a una aterradora conclusión: el Anticristo nacerá en Madrid durante la Nochebuena de 1995. Decidido a impedir el nacimiento del Maligno, el sacerdote viaja a la capital dispuesto a pecar todo lo posible para vender su alma al diablo y averiguar el lugar exacto del alumbramiento. En su delirante periplo contará con la ayuda de José María (Santiago Segura), un joven aficionado al heavy metal, y el profesor Cavan (Armando De Razza), un popular y embustero presentador de programas de esoterismo en televisión.

La imagen

La nueva restauración nativa en 4K UHD procedente del escaneo del negativo original de 35mm ofrece una nitidez y un empaque orgánico deslumbrantes. El trabajo con el rango dinámico (HDR10 / Dolby Vision) hace auténticos milagros en las escenas nocturnas por las calles madrileñas y en los oscuros interiores del piso de José María o las Torres Kio: los negros son densos y puros, mientras que los rojos del neón, los fuegos y los picos de brillo de los tiroteos destacan con una riqueza cromática tridimensional impecable, conservando minuciosamente la Fina capa de grano cinematográfico original.

Imagen: 1.85:1 4K (2160p)

HDR: Dolby Vision / HDR10

El sonido

El apartado sonoro responde con una potencia atronadora que hace justicia al caótico diseño de sonido de la película. La edición incluye una pista masterizada en DTS-HD Master Audio 5.1 que saca un partido brutal a la mítica e inolvidable banda sonora repleta de temas de Def Con Dos, Siniestro Total, Extremoduro o Ministry, ofreciendo además una gran direccionalidad en los tiroteos de la Gran Vía y los sobresaltos en el piso del profesor Cavan. Para los puristas, se incluye además la pista estéreo original restaurada en DTS-HD Master Audio 2.0.

Audio:

Castellano - DTS-HD Master Audio 5.1

Castellano - DTS-HD Master Audio 2.0 Stereo

La edición

Una presentación cuida y elegante presentada en estuche Amaray negro propio del formato 4K UHD con funda de cartón (Slipcover) que recupera el arte original del cartel de cines. El interior alberga el disco Ultra HD Blu-ray con la película en 4K, el disco Blu-ray en alta definición y un libreto exclusivo en papel con análisis crítico y fotos del rodaje, además de postales, un poster y vinilo.

Precio: 49,99 €

Características técnicas

Contenido Ultra HD Blu-ray + Blu-ray

Presentación Funda

Imagen 1.85:1 4K (2160p)

Audio Castellano - DTS-HD Master Audio 5.1

Castellano - LPCM 2.0

Inglés - DTS-HD Master Audio 2.0

Subtítulos Castellano, Inglés, Castellano para sordos

Precio 49,99 €

Extras

Ultra HD Blu-ray

Herederos de la bestia (78 min / Castellano 2.0 / Subtítulos en inglés)

Mirindas asesinas (13 min / Castellano 2.0 / Subtítulos en castellano e inglés)

Blu-ray

Así llegó El día de la bestia.

Storyboards.

Audiocomentario de Álex de la Iglesia.

Audiocomentario del director, guionistas y directores artísticos.

Galería de imágenes.

Tráilers.

Incluye

Libreto 32 páginas

Póster

6 postales

Vinilo del edificio de Schweppes

Valoración Global

[accordion]

Calidad de imagen 9.5

Una restauración 4K nativa formidable. El nivel de detalle en las sombras, la riqueza del color con Dolby Vision y el absoluto respeto por la textura de los 35mm convierten a este disco en la mejor versión posible del clásico de Álex de la Iglesia.

Calidad Sonora 9.5

La pista DTS-HD Master Audio 5.1 retumba con una contundencia espectacular, logrando que la banda sonora metal/punk y los diálogos caóticos de los protagonistas luzcan con una nitidez excelente.

Contenido extra 8.5

Contar con el audiocomentario de Álex de la Iglesia junto a Guerricaechevarría y el completo documental retrospectivo convierte a esta sección de extras en una delicia indispensable para cualquier cinéfilo.

La edición 9.5

Divisa Films firma una de las restauraciones y lanzamientos en formato físico más importantes de nuestro cine. Una adquisición obligatoria e histórica para celebrar el legado de una de las mejores comedias de terror de todos los tiempos.

Galería de imágenes

Fuente: Mercury Films / Divisa Films

EL Gabinete de doctor Caligari; Edición especial UHD + Bluray

2026-11-11T14:30:00.000+01:00

Por Enrique Bellón.

La obra cumbre del cine mudo y cimiento fundamental del cine de terror expresionista alcanza su cénit en el formato doméstico. "El gabinete del Doctor Caligari" debuta en el formato 4K UHD tras un minucioso proceso de restauración digital a partir de los negativos de nitrato originales custodiados en los archivos de la F.W. Murnau Stiftung. Esta edición permite apreciar la angulosa y pesadillesca escenografía de corte pictórico, los contrastes imposibles de luces y sombras y la escalofriante gestualidad de Conrad Veidt con una precisión técnica y una nitidez jamás alcanzadas, poco se habla del grandísimo trabajo de Divisa Films en traernos y restaurar estas ediciones.

En una feria del pequeño pueblo de Holstenwall, el místico Doctor Caligari (Werner Krauss) presenta su atracción estelar: Cesare (Conrad Veidt), un joven sonámbulo que ha permanecido dormido durante veintitrés años y que afirma poder predecir el futuro. Cuando un joven que acude a la feria es hallado asesinado tras preguntar a Cesare cuánto tiempo le queda de vida, las sospechas recaen sobre el siniestro doctor y su criatura, desencadenando una espiral de locura, manipulación y giros psicológicos que cambiarían la historia del séptimo arte para siempre.

La imagen

La transferencia en 4K UHD (2160p) a partir de un escaneo a resolución 4K del negativo de nitrato original preservado es una auténtica milagro de la conservación cinematográfica. La imagen recupera el entintado original en tonos amarillos, azules, verdes y sepias característicos del cine mudo de la época. Mantiene un grano cinematográfico impoluto y orgánico, al tiempo que elimina casi la totalidad de las rayas y quemaduras del paso del tiempo. Gracias al HDR10, la profundidad del blanco y negro virado y la nitidez en los trazos pintados a mano sobre los decorados lucen con un contraste desgarrador y tridimensional.

Imagen: 1.33:1 (4:3) 4K (2160p)

HDR: HDR10 / Dolby Vision

El sonido

Al tratarse de una obra silente, el apartado sonoro destaca por la inclusión de la magistral partitura orquestal original compuesta por Giuseppe Becce, presentada en un impecable e inmersivo mix DTS-HD Master Audio 5.1 que llena la sala con un empaque dramático sensacional. Asimismo, la edición incluye pistas adicionales con arreglos de música de vanguardia y la opción en audio estereofónico DTS-HD MA 2.0 para los puristas. Los rótulos y cartelas intertítulo originales en alemán se acompañan de sus correspondientes subtítulos traducidos al castellano.

Audio (Acompañamiento Musical):

Banda Sonora Orquestal (Giuseppe Becce) - DTS-HD Master Audio 5.1

Banda Sonora Vanguardista - DTS-HD Master Audio 2.0

Rótuos / Cartelas: Alemán (V.O.)

Subtítulos: Castellano

La edición

Una edición imprescindible presentada en el clásico estuche Amaray negro propio del formato 4K UHD, acompañado de su correspondiente disco Blu-ray complementario y un libreto exclusivo que analiza la influencia del expresionismo alemán y el contexto histórico de la República de Weimar tras la Primera Guerra Mundial.

Precio: 26,99 €

Características técnicas

Contenido Ultra HD Blu-ray + Blu-ray

Presentación Funda

Imagen 1.37:1 4K (2160p)

Subtítulos Castellano, Portugués

Precio 26,99 €

Extras

Ultra HD Blu-ray

Making of de la restauración digital (4 min).

Comparación de la restauración de 1984 y 2014 (3 min)

Ejemplo de trabajo: compositing digital (2 min).

Blu-ray

Caligari: La invención del terror (Documental): Un pormenorizado análisis sobre la producción de la película, la dirección artística de Hermann Warm, Walter Reimann y Walter Röhrig, y el impacto sociopolítico en el cine de Weimar (52 min).
Sobre la restauración 4K: Desglose técnico por parte de los especialistas de la F.W. Murnau Stiftung sobre el proceso de digitalización y recuperación de las tintas originales (15 min).
Ensayo en vídeo sobre la figura de Conrad Veidt y Werner Krauss.
Galería de carteles originales, bocetos de decorados e imágenes de rodaje.

Valoración Global

[accordion]

Calidad de imagen 9.5

Una restauración que roce el milagro. Teniendo en cuenta que hablamos de un metraje filmado en 1920, la nitidez, el respeto absoluto por el grano de nitrato y la recuperación de los virados de color originales con el tratamiento del HDR convierten al disco en un documento histórico de valor incalculable.

Calidad Sonora 9.0

La grabación de la partitura orquestal en DTS-HD Master Audio 5.1 es rica, envolvente y posee una potencia cromática que casa a la perfección con la tensión de las imágenes expresionistas.

Contenido extra 8.5

El documental sobre la invención del cine de terror y las piezas dedicadas al complejo proceso de restauración digital son de un nivel académico fantástico para cualquier cinéfilo.

La edición 9.5

Tratar una joya fundacional del séptimo arte con el rigor y la excelencia técnica que ofrece este disco 4K UHD es motivo de celebración. Una adquisición obligatoria e histórica para cualquier colección cinematográfica que se precie.

Galería de imágenes

Fuente: Divisa Films

Sacamantecas; Crudeza de época y distancia narrativa

2026-11-10T20:30:00.000+01:00

Álava, finales del siglo XIX. La comarca vive aterrorizada por una serie de macabras desapariciones y brutales asesinatos de mujeres y niños en los caminos rurales. En medio del pánico colectivo y la superstición popular que alimenta el mito del "hombre del saco", las sospechas recaen sobre Juan Díaz de Garayo (Antonio de la Torre), un humilde campesino de aspecto inofensivo que pasa desapercibido pero ¡esconde la personalidad del primer asesino en serie documentado en la historia de España.

Paralelamente, la investigación se cruza con la mirada de una mujer que intenta ejercer el periodismo de sucesos en la época (Patricia López Arnaiz), quien busca desentrañar si los crímenes son obra de un monstruo mitológico o el reflejo de la miseria, la violencia estructural y el colapso moral de una sociedad rural ahogada por la pobreza.

Tras su aplaudido debut con Ane, David Pérez Sañudo vuelve a San Sebastián —esta vez en el marco de las Galas RTVE— para adentrarse en los terrenos del thriller de época con Sacamantecas. La propuesta toma como eje la figura real de Juan Díaz de Garayo, adaptando la crónica negra vasca del siglo XIX para explorar cómo la superstición popular y la miseria moral se entrelazan cuando el terror golpea a una comunidad rural sin recursos.

A nivel técnico, la película exhibe un acercamiento formal impecable. La ambientación de época, la fotografía, la música y la reconstrucción del marco rural están cuidadas al detalle, respaldando una historia que sobre el papel resulta profundamente atractiva.

En cuanto a sus actores, el duelo que sostienen Antonio de la Torre y Patricia López Arnaiz demuestra una vez más por qué son dos de los intérpretes más sólidos de nuestro cine; ambos actores tiran del carro con convicción e intentan dotar de peso y matices a unos personajes que defienden con notable profesionalidad.

Sin embargo, el principal hándicap de Sacamantecas reside en su tono, su ritmo ysu desarrollo. El film adolece de una ejecución fría y distante, que impide que la tensión o el suspense psicológico calen del todo en el espectador. A esto se le suma un preocupante problema de ritmo y una aproximación extraña a la historia: la película no termina de volcarse por una vía decididamente autoral y artística, pero tampoco abraza las dinámicas de un thriller comercial de pulso firme algo que el director habia manejado anteriormente de manera exitosa.

Esta indefinición provoca que la cinta quede en una suerte de tierra de nadie, haciendo que el metraje se perciba por momentos pesado y denso. En última instancia, Sacamantecas se sostiene gracias al enorme empeño de su reparto principal, salvando la papeleta para convertirla en una propuesta que se deja ver, pero que queda lejos de alcanzar todo el potencial que su premisa prometía.

[message]

##check## Lo bueno

El esfuerzo actoral de Antonio de la Torre y Patricia López Arnaiz.
Su factura técnica.

##times## Lo malo

Una narración fría, descompensada en ritmo y que se queda a medio camino entre el cine de autor y el thriller comercial.
Alarmante falta de caracter en los personajes.

[accordion]

Ambientación 8.5

Impecable, se reflejan escenarios de época en tonos ocres y mayoritaríamente oscuros de manera que a veces parecen cuadros.

Desarrollo de Personajes 6.5

Disperso y poco contundente, quitando los protagonistas los demás deslabazados.

Argumento / Guión 5.5

Muy flojo, la narrativa y la historia.

Banda Sonora 6.5

Muy escueto pero funcional.

Entretenimiento 5.5

Aburrida, lenta e inconexa.

Montaje / Innovación técnica 7.5

Técnicamente impecable pero con un montaje irregular.

[message]

Puntuación Total 5.5 / 10

Fuente Imágenes: Buena Vista Internacional / Disney Pictures

Barbarian; Ediciones especiales UHD

2026-11-10T14:30:00.000+01:00

Por Enrique Bellón.

Una de las sorpresas más impactantes, originales y escalofriantes del cine de terror reciente llega por fin al formato doméstico en la edición de lujo que tanto demandaban los coleccionistas. "Barbarian" estrena una codiciada edición limitada en estuche metálico (Steelbook) que exprime al máximo su cuidada atmósfera claustrofóbica en 4K UHD. Esta presentación permite apreciar la lúgubre fotografía, las sombras del suburbio de Detroit y los retorcidos secretos de la casa con una nitidez técnica soberbia. Divisa Films es la encargada de traer esta joya de culto a nuestras estanterías.

Tess (Georgina Campbell) viaja a Detroit para una entrevista de trabajo y alquila una casa para pasar la noche. Al llegar a altas horas de la madrugada bajo una lluvia torrencial, descubre que la vivienda ya ha sido reservada por un extraño llamado Keith (Bill Skarsgård). A pesar de sus dudas, decide quedarse a pasar la noche. Sin embargo, pronto descubrirá que los verdaderos peligros no están en el desconocido con el que comparte tejado, sino en los oscuros y profundos pasadizos que se esconden bajo los cimientos de la casa.

La imagen

La transferencia nativa a 2160p es un trabajo visual formidable que se beneficia enormemente de la tecnología Dolby Vision / HDR10. La película juega constantemente con la penumbra, las luces de las linternas y la oscuridad absoluta de los subterráneos; la edición maneja estos contrastes de forma magistral, ofreciendo unos negros puros, densos y milimétricos sin perder un solo detalle de textura en las paredes desconchadas o el polvoriento sótano. La nitidez en los planos generales del degradado barrio de Brightmoor luce con un realismo y una profundidad orgánicas impecables.

Imagen: 2.39:1 4K (2160p)

HDR: Dolby Vision / HDR10

El sonido

El apartado sonoro es una pieza fundamental para la constante tensión e inmersión de la película. La pista original en inglés se presenta en un sobrecogedor mix Dolby Atmos (con base Dolby TrueHD 7.1) que exprime a conciencia los canales de altura cada vez que se escuchan pisadas, crujidos o eco a través de los conductos y techos de la vivienda. Por su parte, el doblaje en castellano cuenta con una potente pista en formato DTS-HD Master Audio 5.1 que destaca por una impecable nitidez vocal y unos golpes de efecto acústico rotundamente aterradores.

Audio:

Inglés - Dolby Atmos (7.1.4 compatible)

Castellano - DTS-HD Master Audio 5.1

Francés - DTS-HD Master Audio 5.1

Alemán - Dolby Digital Plus 7.1

La edición

Una cotizada presentación en estuche metálico (Steelbook) de tirada limitada con acabado mate y detalles barnizados. El diseño exterior apuesta por una composición artística sumamente sugerente inspirada en la siniestra puerta del sótano y la estética de las cintas VHS de los años 80, e incluye en su interior tanto el disco Ultra HD Blu-ray con el filme en 4K UHD como el disco Blu-ray con la película y sus contenidos adicionales, así mismo os presentamos las fotos y detalles de la edición sencilla UHD 4k

Precio: 34,99 €

Características técnicas

Contenido Ultra HD Blu-ray + Blu-ray

Presentación Estuche metálico (Steelbook)

Imagen 1.85:1 4K (2160p)

HDR HDR10 / Dolby Vision

Audio Inglés - DTS-HD Master Audio 5.1

Castellano - DTS 5.1

Italiano - DTS 5.1

Español latino - Dolby Digital 5.1

Inglés para invidentes - Dolby Digital 2.0

Subtítulos Castellano, Italiano, Danés, Finés, Japonés, Noruego, Sueco, Español latino, Inglés para sordos

Precio 34,99 €

Extras

Bajo los cimientos (Así se hizo): El director Zach Cregger desglosa el origen de la idea, la mezcla de géneros y los retos de rodar en pasadizos subterráneos claustrofóbicos (18 min).
Anatomía del horror: Entrevistas con Georgina Campbell, Bill Skarsgård y Justin Long analizando la construcción del suspense y la dualidad de los personajes.
Escenas eliminadas y extendidas con comentario opcional del director (12 min).
Tráiler original de cine.

Valoración Global

[accordion]

Calidad de imagen 9.5

Una transferencia 4K nativa formidable. El manejo de los negros y las sombras profundas en el subterráneo a través del Dolby Vision convierten al disco en una absoluta referencia visual para probar el contraste de cualquier televisor.

Calidad Sonora 9.0

La mezcla original en DTS-HD MA es una clase magistral de diseño de sonido inmersivo, utilizando los efectos ambientales de los túneles para descolocar de forma aterradora al espectador. La pista en castellano DTS mantiene una gran rotundidad.

Contenido extra 8.0

Los reportajes incluidos y las escenas eliminadas ayudan a comprender a fondo la audaz propuesta de Zach Cregger, ofreciendo un material adicional muy disfrutable para los amantes del género.

La edición 9.0

Divisa y 20th Century Studios cumplen los deseos de los fans del terror físico lanzando una edición metálica imponente. Una compra imprescindible para celebrar uno de los mejores y más impredecibles thrillers de la última década.

Galería de imágenes

Fuente: 20th Century Fox / Divisa Films

Ruega por nosotras; Represión y libertad

2026-11-09T20:30:00.000+01:00

Por Enrique Bellón.

Daniel Monzón y su habitual colaborador Jorge Guerricaechevarría regresan al panorama cinematográfico dentro de las Proyecciones Especiales de la Sección Oficial del Festival de San Sebastián con "Ruega por nosotras". La dupla creativa detrás de títulos como Celda 211, El niño o Las leyes de la frontera vuelve a indagar en los márgenes del drama institucional para exponer una de las realidades más oscuras del final de la dictadura franquista: el Patronato de Protección a la Mujer.

España, años 70. Ana (Zoe Bonafonte) es una adolescente recluida por su propia familia en un centro del Patronato de Protección a la Mujer, una institución opresiva amparada por el régimen franquista y gestionada por órdenes religiosas para «reeducar» a jóvenes consideradas rebeldes, «extraviadas» o inmorales.

La propuesta se inserta de lleno en las dinámicas del cine carcelario clásico, desplazando los barrotes habituales a los claustros de una institución concebida no para encauzar a las jóvenes, sino para castigar la disidencia moral y la rebeldía adolescente.

En el apartado interpretativo, las actrices realizan un trabajo notable, encabezadas por una convincente Zoe Bonafonte. El grupo de jóvenes protagonistas sostiene con solidez la tensión dramática del centro, presentando personajes interesantes y bien construidos en sus interacciones, aunque la escritura no termine de profundizar en sus trayectorias individuales ni aporte rasgos verdaderamente originales a los arquetipos del género.

A nivel de ritmo y dirección, el conjunto se mantiene en un terreno correcto pero contenido. Monzón firma una factura impecable, aunque el film dista de la fuerza y el impacto desgarrador de sus cotas más altas, como la inolvidable "Celda 211". La narrativa opta por un desarrollo convencional, simple y poco arriesgado que rehúsa transgredir los límites narrativos habituales del género, con una duración excesiva, unos personajes secundarios demasiado planos y ante todo una repetición continua de la dinámica: institución mala, me escapo, me atrapan, me castigan, nos unimos más ... repetir.

Sin embargo, la película gana un notable impulso en su tramo final. Es en ese clímax donde el factor humano y las relaciones entre las jóvenes suben de nivel, dotando a la historia de la emotividad y complicidad que la primera mitad administra de forma más sobria.

En definitiva, "Ruega por nosotras" se constituye como un drama testimonial de indudable interés histórico y buena factura técnica, pero que termina conformándose con ser una propuesta sobria que arriesga poco dentro del mapa del cine español reciente.

[message]

##check## Lo bueno

La intensidad que cobran las relaciones personales entre las protagonistas en el tramo final.
La labor del joven dúo protagonista.

##times## Lo malo

Su narrativa predecible y poco arriesgada, lejos de la contundencia de los mejores trabajos de Monzón.
Se vuelve repetitiva y monótona.

[accordion]

Ambientación 6.5

Correcta pero sin brillo.

Desarrollo de Personajes 6.0

Personajes bastante planos.

Argumento / Guión 5.0

Un argumento con potencial pero poca profundidad, trata temas importantes pero lo hace desde lugares comunes y sin profundidad ni emoción.

Banda Sonora 6.0

Acompaña correctamente.

Entretenimiento 6.0

No aburre pero no emociona.

Montaje / Innovación técnica 6.5

Montaje elegante pero sin brillo.

[message]

Puntuación Total 5.5 / 10

Fuente Imágenes: Elástica Films

Manalorian and Gorgu; Análisis de la edición steelbook UHD

2026-11-09T14:30:00.000+01:00

Por Enrique Bellón.

El dúo más querido de la galaxia muy, muy lejana da el salto definitivo a las salas de cine y al formato doméstico por la puerta grande. "The Mandalorian & Grogu" estrena una codiciada edición limitada en estuche metálico (Steelbook) que exprime al máximo su deslumbrante acabado visual en 4K UHD, permitiendo apreciar la riqueza de sus efectos digitales, sus majestuosos paisajes galácticos y la textura del beskar con una calidad técnica sin precedentes. Divisa Films es la encargada de traer esta pieza de auténtico coleccionista a nuestras estanterías.

Tras los acontecimientos que consolidaron su vínculo como familia, el cazador de recompensas mandaloriano Din Djarin y su joven pupilo Grogu emprenden una nueva y peligrosa misión encomendada por la Nueva República. En los confines del Borde Exterior, donde los remanentes del Imperio Galáctico aún conspiran en las sombras bajo el mando de nuevos y peligrosos señores de la guerra, Djarin y Grogu deberán adentrarse en territorios inexplorados para proteger el frágil equilibrio de la galaxia.

La imagen

La transferencia nativa a las 2160p ofrece un espectáculo visual de demostración que hará las delicias de los usuarios de pantallas de gran formato. La cinematografía luce con una nitidez abrumadora tanto en los entornos rodados con la tecnología StageCraft como en los escenarios naturales. La tecnología Dolby Vision / HDR10 potencia a niveles excelsos los reflejos metálicos de la armadura de beskar, los destellos de los disparos de bláster y los paisajes nocturnos iluminados por estrellas, ofreciendo unos negros puros y profundos junto a un contraste milimétrico.

Imagen: 2.39:1 4K (2160p)

HDR: Dolby Vision / HDR10.

El sonido

El apartado sonoro es una tormenta inmersiva de referencia para cualquier equipo de cine en casa. La pista original en inglés viene masterizada en un sobrecogedor mix Dolby Atmos (con base Dolby TrueHD 7.1) que exprime a conciencia los canales de altura durante los combates espaciales, el rugido de los motores de las naves y la icónica banda sonora orquestal de Ludwig Göransson. Por su parte, el doblaje en castellano cuenta con una cuidada pista en formato DTS-HD Master Audio 5.1 que ofrece unos diálogos cristalinos y una pegada atronadora en los subwoofers.

Audio:

Inglés - Dolby Atmos (7.1.4 compatible)

Castellano - DTS-HD Master Audio 5.1

Francés - DTS-HD Master Audio 5.1

Alemán - Dolby Digital Plus 7.1

La edición

Una presentación de auténtico lujo en formato Steelbook (Caja Metálica) de tirada limitada con acabado en brillo y detalles en relieve. El estuche presenta un elaborado diseño artístico exterior dedicado a la figura de Din Djarin y Grogu, e incluye en su interior tanto el disco Ultra HD Blu-ray con la película en 4K como el disco Blu-ray en alta definición y un disco Blu-ray complementario repleto de contenidos adicionales.

Precio: 34,95 €

Características técnicas

Contenido Ultra HD Blu-ray + Blu-ray

Presentación Estuche metálico (Steelbook)

Imagen 2.39:1 4K (2160p)

HDR HDR10 / Dolby Vision

Audio Inglés - Dolby Atmos

Castellano - DTS 5.1

Inglés para invidentes - Dolby Digital 2.0

Subtítulos Castellano, Danés, Finés, Noruego, Sueco, Inglés para sordos

Precio 34,99 €

Extras

Blu-ray

Creando The Mandalorian and Grogu - Únete a los artistas que dan vida a los mundos, personajes y criaturas de la película.

Biomas: De la nieve al pantano - Descubre cómo el director Jon Favreau y su equipo construyeron mundos totalmente nuevos.

Viajando a Shakari - Acompaña a los constructores de la película mientras construyen toda una ciudad de Star Wars.

Los Dejariks definitivos - Descubre cómo se llevaron a la gran pantalla las criaturas originales del holoajedrez.

Audiocomentario de Jon Favreau.

Valoración Global

[accordion]

Calidad de imagen 10

Un disco de demostración técnica absoluta. La riqueza cromática del Dolby Vision, el tratamiento de los reflejos en las armaduras metálicas y el nivel de detalle en los vestuarios de criaturas alienígenas convierten a esta edición en una cumbre visual en 4K.

Calidad Sonora 9.5

La mezcla en Dolby Atmos en su versión original es una clase magistral de espacialidad, potencia y dinamismo en las escenas de acción. El doblaje en castellano en DTS-HD MA destaca por una nitidez vocal y un empaque de graves magnífico.

Contenido extra 8.5

Incluir un disco Blu-ray dedicado exclusivamente a contenidos adicionales garantiza una cobertura fantástica de la producción, destacando las entrevistas con Favreau y Filoni sobre el futuro de Star Wars en cines.

La edición 9.5

Walt Disney y Divisa sirven una edición metálica imponente. Por su valor coleccionable y su intachable calidad audiovisual, es una compra obligada para cualquier fanático del universo de Star Wars en formato físico.

Galería de imágenes

Fuente: Disney España / Divisa Films

Resurrection (2025), Edición especial Bluray

2026-11-08T15:00:00.000+01:00

Por Enrique Bellón.

El esperadísimo tercer largometraje del cineasta chino Bi Gan (Kaili Blues, Largo viaje hacia la noche), galardonado en el Festival de Cannes, llega al mercado doméstico en una edición de auténtico lujo en formato físico. "Resurrection" nos sumerge en una fascinante odisea noir y neofuturista sobre la memoria, la conciencia y el cine como fábrica de sueños. La película se presenta en una edición limitada con estuche protector (Slipcover) que exprime al máximo su hipnótica y virtuosa cinematografía en 4K UHD, en nuestro pais esta edición física nos la trae Divisa Films.

En un futuro distópico donde la humanidad ha perdido la capacidad de soñar, una mujer cuya conciencia queda atrapada en la "zona del tiempo eterno" tras una intervención quirúrgica encuentra el cuerpo inerte de un androide. Decidida a despertarlo, comienza a relatarle historias que recorren distintos siglos y estilos cinematográficos. A través de estos relatos y del despertar paulatino de los sentidos del androide, la línea entre el recuerdo, la simulación y la realidad se disuelve por completo.

La imagen

La transferencia de alta resolución es un espectáculo poético y técnico de primer nivel. La cinematografía de Dong Jingsong, caracterizada por sus planos secuencia kilométricos y su elaborada paleta de colores inspirada en la pintura de Mark Rothko, luce con una profundidad descomunal. La aplicación del Dolby Vision y el HDR10 hace maravillas en las secuencias nocturnas bañadas por luces de neón, ofreciendo unos negros puros, densos y líquidos junto a picos de brillo impecables que resaltan el humo, la lluvia y los destellos sobre el asfalto sin alterar la textura orgánica del metraje.

Imagen: 1.85:1 4K (2160p)

HDR: Dolby Vision / HDR10

El sonido

El apartado sonoro es una pieza fundamental para la inmersión onírica de la película. La pista original en mandarín se presenta en un sobrecogedor y pulcro mix Dolby Atmos que saca un partido extraordinario a los canales envolventes y de altura: el goteo constante de la lluvia, los susurros ambientales y el sutil paisaje acústico neofuturista llenan la sala con una tridimensionalidad pasmosa. Por su parte, la pista en castellano cuenta con una cuidada codificación en DTS-HD Master Audio 5.1 que mantiene los diálogos y la narración en voice-over perfectamente nítidos y equilibrados con la banda sonora instrumental.

Audio:

Mandarín / V.O. - Dolby Atmos (Dolby TrueHD 7.1 compatible)

Castellano - DTS-HD Master Audio 5.1

Castellano - Dolby Digital 2.0 Stereo

La edición

Una pieza de coleccionista muy cuidada que incluye una funda de cartón rígido (Slipcover) con acabado al tacto mate y detalles en relieve metalizado que reproducen la estética estética del cartel del film. En su interior alberga el estuche protector con el disco Ultra HD Blu-ray y el disco Blu-ray estándar, acompañados de un libreto exclusivo con ensayos analíticos sobre la obra de Bi Gan.

Precio: 21,99 €

Características técnicas

Contenido 1 Disco

Presentación Funda

Imagen 2.39:1 1080p

Audio Mandarín - DTS-HD Master Audio 5.1

Castellano - DTS-HD Master Audio 5.1

Mandarín - DTS-HD Master Audio 2.0

Castellano - DTS-HD Master Audio 2.0

Subtítulos Castellano

Precio 21,99 €

Extras

Making Of.

Detrás de las cámaras.

La visión de Bi Gan.

Cortometraje ‘A Short Story’ de Bi Gan.

Entrevista exclusiva de Cinema Excelsior al director de la película en la Seminci.

Clips promocionales.

Galería de imágenes.

Tráiler.

Valoración Global

[accordion]

Calidad de imagen 9.5

Una transferencia 4K nativa fascinante. La nitidez en las texturas, el tratamiento cromático mediante el Dolby Vision y la impecable representación de las escenas nocturnas y de penumbra convierten al disco en una absoluta referencia visual.

Calidad Sonora 9.5

La mezcla original en Dolby Atmos es una clase magistral de diseño de sonido envolvente, logrando que el ambiente acústico y la música transporten de lleno al espectador al estado de trance que propone la película.

Contenido extra 8.5

La inclusión del libreto exclusivo junto con las entrevistas a Bi Gan y el desglose de los aspectos pictóricos y técnicos del rodaje enriquecen enormemente la comprensión de esta compleja obra de autor.

La edición 9.5

Una edición coleccionista sobria y elegante. La presencia del Slipcover con acabado especial y el nivel técnico del disco hacen justicia al cine de Bi Gan, convirtiéndose en una compra imprescindible para las estanterías del cine de autor contemporáneo.

Galería de imágenes

Fuente: A Contracorriente / Divisa Films

El día de la revelación; Análisis del combo Bluray + UHD 4k

2026-11-07T15:00:00.000+01:00

Por Enrique Bellón.

El inquietante thriller de ciencia ficción especulativa que plantea las consecuencias del primer contacto a escala global llega al mercado doméstico en una espectacular edición en formato 4K UHD. "El día de la revelación" nos sumerge en una atmósfera de tensión geopolítica, fe y dilemas éticos, permitiendo apreciar la cuidada y fría fotografía de la cinta con una calidad técnica superior. Arvi Licensing es la encargada de traernos esta impecable edición física.

Tras la desclasificación simultánea de archivos gubernamentales a nivel mundial y la confirmación oficial de una presencia no humana en la Tierra, la sociedad entra en un colapso paulatino. Una investigadora de las Naciones Unidas y un analista de inteligencia deben descifrar el verdadero mensaje oculto tras la fecha clave señalada por las entidades antes de que el pánico colectivo y las facciones extremistas destruyan lo que queda del orden mundial

La imagen

La transferencia nativa en 4K UHD ofrece una fidelidad visual impresionante, que resalta especialmente en los encuadres de escala monumental y en la fotografía de tonos fríos y metálicos. El uso del HDR (Dolby Vision) potencia enormemente el contraste en las secuencias nocturnas en los centros de mando y las calles en penumbra, ofreciendo unos negros profundos y unos picos de brillo impecables en los efectos de luz de los fenómenos anómalos.

Imagen: 2.39:1 4K (2160p)

HDR: Dolby Vision / HDR10

El sonido

El apartado sonoro es una auténtica delicia inmersiva. La pista original en inglés viene masterizada en un sobrecogedor Dolby Atmos que aprovecha al máximo los canales de altura para recrear la resonancia de los extraños zumbidos atmosféricos y el eco de las manifestaciones urbanas. Por su parte, el doblaje en castellano cuenta con una cuidada pista DTS-HD Master Audio 5.1 de excelente rango dinámico, que otorga una gran nitidez a los diálogos y una pegada contundente en la banda sonora de suspense electrónico.

Audio:

Inglés - Dolby Atmos (Dolby TrueHD 7.1 compatible)

Castellano - DTS-HD Master Audio 5.1

Alemán - DTS-HD Master Audio 5.1

Francés - Dolby Digital 5.1

La edición

Una propuesta técnica impecable que se presenta en el tradicional estuche Amaray negro propio del formato 4K UHD, acompañado de su correspondiente disco Blu-ray complementario. El diseño de la carátula apuesta por una línea gráfica sobria e imponente que refleja a la perfección la escala del misterio que plantea la película

Precio: 26,95 €

Características técnicas

Contenido Ultra HD Blu-ray + Blu-ray

Imagen 2.39:1 4K (2160p)

HDR HDR10 / Dolby Vision

Audio Inglés - Dolby Atmos

Castellano - Dolby Digital Plus 7.1

Francés - Dolby Digital Plus 7.1

Italiano - Dolby Digital Plus 7.1

Subtítulos Castellano, Francés, Italiano, Holandés, Inglés para sordos

Precio 26,95 €

Extras

(Todos los contenidos adicionales se incluyen en el disco Blu-ray)

El día después (Así se hizo): Un completo documental sobre la concepción del guion, las teorías de contacto y el diseño de la arquitectura alienígena (22 min).
Simulando lo desconocido: Reportaje centrado en la creación de los efectos visuales, la simulación de fluidos y la iluminación de las naves (16 min).
El sonido de la revelación: Un vistazo al complejo diseño de producción de audio para crear el lenguaje acústico del primer contacto (12 min).
Escenas eliminadas y extendidas con comentarios opcionales del director.

Valoración Global

[accordion]

Calidad de imagen 9.5

Una transferencia espectacular que destaca por su absoluta nitidez. La gestión del contraste y las luces a través del Dolby Vision en las escenas de fenómenos atmosféricos la convierten en un disco de demostración visual.

Calidad Sonora 9.5

La mezcla original en Dolby Atmos es una auténtica clase magistral de diseño de sonido envolvente, mientras que la pista DTS-HD MA en castellano ofrece una contundencia y limpieza en los diálogos de primer nivel.

Contenido extra 7.5

Los reportajes incluidos resultan muy instructivos para entender la visión científica detrás del guion y el diseño de sonido, aunque los fans más exigentes echarán de menos un audiocomentario completo.

La edición 9.5

Arvi Licensing presenta un disco impecable en el apartado técnico. Una adquisición muy recomendable para los entusiastas de la ciencia ficción de tono realista, la intriga geopolítica y el formato físico de alta fidelidad.

Galería de imágenes

Fuente: Universal Pictures / Arvi Licensing

Godzilla Minus Zero: Fuego vs Fuego

2026-11-06T23:51:50.198+01:00

Escrito por John Doe.

“Godzilla Minus Zero” (2026), está situada tras la II Guerra Mundial, con Japón reducido a cero, y Godzilla hundiéndolo en el terreno negativo. Han pasado dos años desde entonces, y el país ha afrontado una lucha agónica por lograr su recuperación y, finalmente, recuperar su vida cotidiana. Justo cuando la humanidad lograba aferrarse a una paz duramente ganada, surge una nueva amenaza que aplasta toda esperanza en un instante. No habrá una tercera vez. Solo queda una última opción.

En 2023 el director Takashi Yamazaki sorprendía a todo el mundo ofreciendo una nueva vuelta de tuerca al clásico de monstruos gigantes contra los humanos con “Godzilla Minus One” (2023), una nueva versión de la historia que nació como respuesta al trauma que dejó el bombardeo de Hiroshima con “Godzilla” (1954). El film de Yamazaki conquistó tanto a la crítica como al público y acabó alzándose con la estatuilla Oscar a Mejores Efectos Visuales, un premio con muchísimo mérito dado que el equipo de efectos visuales estuvo solo compuesto por treinta y cinco personas. Ahora, tres años después, Yamazaki vuelve para querer demostrarnos que no estaba todo el pescado vendido y que puede volver a ofrecer un producto de entretenimiento a la altura de su predecesora.

El propio director, Takashi Yamazaki, se encarga de firmar también el guion. Yamazaki se ha encargado de guiones por encargo o films propios, destacando los de las películas “Friends: Aventura en la isla de los monstruos” (2011), “Stand By Me Doraemon” (2014) y su secuela “Stand By Me Doraemon 2” (2020), las adaptaciones a acción real del anime “Parásito. Parte 1” (2014) y “Parásito. Parte 2” (2015), “Lupin III: The Third” (2019) o la propia secuela del film que ya hemos mencionado, “Godzilla Minus One”. La película empieza sin rodeos. Hay una nueva amenaza en el país, el nuevo monstruo Ghidorah está destronzando todo a su paso y el gobierno debe encontrar una solución antes de que sea demasiado tarde. Tras unas escenas de acción la película cambia de registro para pasar a una introducción de los personajes que participaron en la primera entrega además de presentar a los nuevos.

A partir de ese momento el film se vuelvo una especie de thriller estratégico con toques de política para encontrar la solución más adecuada al caos que está causando el monstruo gigantesco y evitar más muertes innecesarias. Esas partes se sienten algo estiradas, aunque no llegan a aburrir en ningún momento. Lo bueno es que Takashi decide poner algunas escenas de acción en medio que se disfrutan de sobremanera para volver a dar parte a una segunda sección más estratégicas que ocupan gran parte del segundo acto. Por suerte, todo parece compensar en el tramo final, donde el film se vuelve una explosión constante de una de las mejores secuencias de acción de lo que llevamos de década que parece recompensar toda la sección más pausada del film.

Es interesante las cuestiones morales que Yamazaki introduce en esta ocasión. El film es un pretexto para hablar del rencor y la venganza tras la catástrofe y la destrucción total del país por parte de los estadounidenses. Dicho dilema acompaña la cinta de dichas formas y, aunque tiene una resolución algo previsible, es de agradecer que se introduzca en una cinta de caire tan comercial. También hay una cuestión de paternidad y justicia que acompaña a los dos protagonistas centrales que es interesante de ver y, aunque se resuelva de forma exagerada y poco realista, consigue tocar el corazón, especialmente si tienes hijos o estás pensando en tenerlos. El problema es que la trama principal se ve algo diluido por demasiadas tramas secundarias que se estiran en demasía. A pesar de ello, todo esto se empaca con un ritmo bastante bueno, con una gran combinación de momentos burocráticos y estratégicos con buenas secuencias de explosiones y peleas. Un guion que eleva el blockbuster con buenas cuestiones y que divierte enormemente por el camino.

Ryunosuke Kamiki vuelve a protagonizar la cinta después de ser la estrella del primer film. Kamiki es muy conocido por ser actor de doblaje de películas de animación tan míticas como “El viaje de Chihiro” (2001), “El castillo ambulante” (2004), “Summer Wars” (2009), “Arrietty y el mundo de los diminutos” (2010), “Your Name.” (2016) o “Suzume” (2022), además de participar en films como “Big Man Japan” (2007) o “As the Gods Will” (2014). Kamiki brinda una buena interpretación, estando mucho más cometido que en la primera entrega, ya sea por controlar más a su personaje o porque narrativamente tiene una nueva prioridad en forma de su hija. Ryunosuke sabe controlar la emoción de Koichi, su personaje, y explota, de una forma muy japonesa, solo cuando la situación llega al límite.

También repite en papel su pareja en la ficción, Minami Hamabe, quién vuelve a ponerse en la piel de Noriko Oishi. A Hamabe la conocemos por sus papeles en films de acción real de series animadas y films del calibre de “AnoHana: The Flower We Saw That Day” (2015), “Quiero comerme tu páncreas” (2017), “The Promised Neverland” (2020), además de aparecer en películas como “Love Me Love Me Not” (2020), “One Day, You Will Reach the Sea” (2022) o “Shin Masked Rider” (2023). En esta ocasión, Noriko tiene un dilema secreto que se ve mostrado físicamente, pero también en forma de dilema moral y maternal, con lo que Minami puede jugar y sacar más jugo de su personaje. Su interpretación no es muy explosiva y está bastante controlada, pero tiene un momento hacia el final de la cinta que consigue emocionar completamente gracias a toda la emoción contenida durante toda la cinta, siendo ella la que más destaca a nivel interpretativo.

Vuelven a aparecer en esta secuela los actores de la primera entrega como Yuki Yamada, Kuranosuke Sasaki, Miou Tanaka o Hidetaka Yoahioka y Sakura Ando, destacando estos últimos con un peso argumental e interpretativo, y con la introducción a la saga del legendario Min Tanaka y el retorno a la saga de Masami Nagasawa.

En cuando a la dirección de Yamazaki se nota que el director ha cogido más experiencia gracias a la dirección del primer film del lagarto nuclear, ya que las escenas de acción lucen más espectaculares incluso, con una gran atención al peso de los monstruos gigantes. Cada vez que aparecen Ghidorah o Godzilla en pantalla se sienten como una total amenaza además de sentir que tienen una gravedad o fuerza desmedida y sintamos en nuestras carnes cada vez que deciden avanzar gracias a los destrozos y muertes que dejan a su paso. La elección de las escalas de plano está totalmente adecuada a la épica de la película y los movimientos de cámara son constantes para acompañar la acción y el próximo paso tanto de los monstruos como de los propios humanos, consiguiendo hacernos participes de lo que están viviendo sin llegar a sobrecargarnos. La dirección de actores es bastante correcta, aunque a veces peca de sobreactuación, cosa que puede ser algo típico de las producciones del país Nipón, pero sabe encontrar la emoción en algunos de los momentos más cruciales como el sacrificio de cierto personaje o la dura separación de una familia.

La dirección de fotografía corre a cargo una vez más de Kôzô Shibasaki, director de fotografía de casi toda la filmografía de Yamazaki a excepción de cinco o seis películas. Aunque la foto de “Godzilla Minus Zero” no sea la más bella de la historia del cine, sí que consigue brillar en los momentos en los que los elementos naturales (y sobrenaturales) entran en escena, como fuego, agua o incluso rayos láser, en un escenario tan pintoresco como la postguerra de la II Guerra Mundial. La escala de plano varia desde los planos absurdamente generales, incluyendo numerosos planos aéreos, a planos de finísimos detalles, mostrando una gran variedad y con gusto elegido. El uso de drones se combina perfectamente con largos planos en grúas o incluso travellings y acompañan la acción perfectamente, haciéndola crecer con dinamismo y haciendo que nos sintamos parte de la misma.

El diseño de producción está bastante bien conseguido. Los distintos escenarios que recorren nuestros personajes por todo Japón están escogidos y decorados con un mimo excepcional. Destacan especialmente los centros de prevención de desastres y todos los escenarios que forman parte del tercer acto del film, haciendo crecer la acción y la tensión gracias a la pasión puesta detrás de su elección y confección. Los equipos de maquillaje, peluquería y vestuario hacen un buen trabajo diferenciando las decenas de personajes del film gracias a su estilo y representación y parecen lucirse más cuando los humanos empiezan a ser diezmados por los monstruos gigantes y sus ropajes, pelos e incluso cuerpos sufren desgarros o modificaciones, que ayudan a aportar un realismo y una mayor inmersión al conjunto. Finalmente, cabe destacar que, aunque ya no sean solo treinta y cinco personas, el equipo de efectos visuales hace un trabajo espectacular a la hora de crear a los monstruos y hacerles parecer totalmente reales, palpables, en nuestro mundo y sufrir por su aparición y la destrucción que dejan a su paso.

Finalmente, la banda sonora está compuesta por Naoki Sato, compositor que ha acompañado casi íntegramente en la creación de la filmografía del mismo director Takashi Yamazaki, desde sus inicios con “Always - Sunset on Third Street” (2005) o “Ballad” (2009) hasta hoy en día, además de participar en la música de películas como “El samurái sin nombre (Sword of the Stranger)” (2007), los live action del anime “Ruoruni Kenshin” (2012-2021) o “Dragon Ball Super: Super Hero” (2022). Sato coge las melodías clásicas creadas por Akira Ifukube y las adapta a nuestros tiempos junto a nuevas creaciones que retumban por toda la sala. Los sonidos de los grandes instrumentos de viento y los tambores crean una epicidad y un estruendo que glorifican a los monstruos gigantes y cada movimiento que deciden dar, como si de auténticas bombas de relojería explotando ante nosotros se trataran. Quizás es verdad que en las partes más sentimentales quizás aprieta demasiado la emoción con instrumentos de cuerda recalcando lo sucedido de forma desmedida, pero en general su banda sonora es un perfecto complemento que ayuda a crecer la película totalmente.

En resumen, “Godzilla Minus Zero” es un film colosal sobre criaturas del mismo calibre y escala que el propio film. Una épica con un diseño de sonido potentísimo que brilla cuando la acción entra en escena y consigue emocionar a pesar de las numerosas tramas secundarias que ensucian un poco un guion que nos invita a reflexionar sobre la venganza y el sacrificio tras una tragedia de altas proporciones. Un puro entretenimiento que sin duda hará las delicias de fans de la saga y nuevos espectadores que busquen pasarlo bien por más de dos horas dentro de una sala de cine.

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##check## Lo bueno

El diseño de sonido es espectacular.
La dirección en las escenas de acción está a otro nivel.
Los efectos especiales siguen sorprendiendo a todo el mundo a pesar de estar a cargo de un equipo pequeño.

##times## Lo malo

El guion se pierde a menudo entre demasiadas tramas secundarias.
Las interpretaciones pueden percibirse sobreactuadas.
El final es algo insatisfactorio respecto al conjunto.

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Ambientación 7.5

Buena elección de escenarios y decoración.

Desarrollo de Personajes 7.5

Hay una construcción de la psique de varios personajes que nos hace reflexionar.

Argumento / Guión 6.0

Aunque la trama principal sea buena, se pierde en tramas secundarias.

Banda Sonora 8.5

Homenajea las películas clásicas a la vez que crea una nueva épica.

Entretenimiento 8.0

Un ritmo espectacular con un desenlace que es una total gozada.

Montaje / Innovación técnica 8.5

Los momentos con los monstruos son brillantes y los efectos especiales dejan con la boca abierta.

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Puntuación Total 8 / 10

Trailer:

Fuente Imágenes: Elástica Films

«Blades of the Guardians», la película wuxia más taquillera de la historia, inaugurará la segunda edición de Confislab - RompeMadrid, Festival Internacional de Cine de Acción y Aventuras

2026-11-03T20:00:00.000+01:00

RompeMadrid, Festival Internacional de Cine de Acción y Aventuras, patrocinado por Confislab, inaugurará su segunda edición el jueves 26 de noviembre con el filme chino «Blades of the Guardians» (2026), superproducción de Yuen Woo-ping (coreógrafo de acción de «Matrix» y «Kill Bill») que ha desbancado a «Tigre y dragón» (2000) como la película del género wuxia más taquillera de la historia a escala mundial. La sesión tendrá lugar a las 21:00 horas en mk2 Cine Paz (C/ Fuencarral, 125), mientras que el resto del festival se desarrollará del viernes 27 al domingo 29 en mk2 Palacio de Hielo (C/ De Silvano, 77). En total, la programación reunirá 13 películas entre preestrenos y clásicos del género.

Con una recaudación global superior a los 215 millones de dólares, «Blades of the Guardians» también se ha alzado con el Premio del Público Focus Asia en el Festival de Sitges 2026. Protagonizada por Wu Jing («La tierra errante», «Megalodón 2: La fosa») y con Jet Li en su reparto, la cinta sigue las peripecias de Dao Ma, un cazarrecompensas que debe escoltar a uno de los criminales más peligrosos del imperio a través del desierto, desatando una persecución implacable y una sucesión de violentos combates.

Otro de los grandes atractivos de esta segunda edición será «Ghost in the Cell» (2026), del cineasta indonesio Joko Anwar, que llega avalada por tres importantes reconocimientos internacionales. La película ha obtenido los premios a la Mejor Dirección y del Jurado Carnet Jove a la Mejor Película de la Sección Oficial Fantàstic en Sitges 2026, así como el galardón a la mejor película de terror en Fantastic Fest 2026. Esta comedia de terror, que combina humor negro, violencia y crítica social, transcurre en una prisión de máxima seguridad donde una serie de brutales asesinatos obliga a los reclusos a unir fuerzas para enfrentarse a una amenaza sobrenatural. Su proyección tendrá lugar el sábado 28 de noviembre a las 22:30 horas.

El festival también acogerá el preestreno de «Entrega al límite» («Runner», 2026), un thriller de acción dirigido por Scott Waugh («Los mercenarios 4») y protagonizado por Alan Ritchson, conocido por la serie «Reacher». La película, que también cuenta con Owen Wilson en su reparto, sigue a un antiguo soldado convertido en mensajero que debe transportar un órgano destinado a salvar la vida de una joven paciente. Sin embargo, la misión se convierte en una peligrosa carrera contrarreloj cuando una organización criminal intenta apoderarse del cargamento a cualquier precio. Su proyección tendrá lugar el viernes 27 de noviembre a las 20:30 horas.

Completa este primer avance de programación «Furia desatada» («Ikatan Darah», 2025), una de las nuevas sensaciones del cine indonesio de artes marciales, dirigida por Sidharta Tata y con Iko Uwais («The Raid») como productor ejecutivo. Tras su paso por el Festival de Sitges, la película llegará a Confislab - RompeMadrid con una historia protagonizada por una antigua atleta de pencak silat, arte marcial tradicional del sudeste asiático, que debe enfrentarse a una violenta red de prestamistas para salvar a su hermano, atrapado por las deudas del juego en línea. La cinta, que destaca por sus brutales coreografías de combate, se proyectará el sábado 28 de noviembre a las 20:00 horas.

Así mismo el Domingo 29 de Noviembre tendremos el día pirata, comenzano por la mañana con la emisión de Hook, para los más pequeños y los no tanto. Para continuar con dos leyendas del cine de aventuras y piratas en pantalla grande: Piratas del Caribe y La Isla de las cabezas cortadas, un verdadero lujo, además habrá sorpresas y sorteos.

Entradas y abonos ya a la venta

Las entradas individuales para las cuatro primeras películas anunciadas de Confislab - RompeMadrid ya están disponibles en los enlaces habilitados en la web oficial del festival, www.rompemadrid.com. Asimismo, el festival ofrece dos modalidades de abono. El Abono General permite asistir a todas las sesiones de pago del certamen, que se celebrarán del 26 al 29 de noviembre en ambas sedes, por un precio de 79 euros. Ya puede adquirirse a través de este enlace.

Por su parte, el Abono Fin de Semana incluye todas las proyecciones de pago del sábado 28 y domingo 29 de noviembre en mk2 Palacio de Hielo, por un precio de 49 euros. O el Domingo Pirata por tan sólo 20 euros. Esta modalidad también se encuentra a la venta en la web oficial del cine.

La organización anunciará próximamente el resto de las películas que completarán la programación de esta segunda edición, así como los invitados que participarán en el festival. Todas las novedades y la información sobre la venta de entradas pueden consultarse en la web oficial www.rompemadrid.com.

Avatar Pack 3 películas UHD + Bluray

2026-10-19T14:30:00.000+02:00

Por Enrique Bellón.

La colosal y revolucionaria epopeya de ciencia ficción concebida por James Cameron se reúne por primera vez en una esperada caja recopilatoria en formato de alta fidelidad. El Pack "Avatar: Colección 3 Películas" reúne la obra original de 2009, su monumental secuela acuática (El sentido del agua) y la tercera entrega (Fuego y Ceniza) en formato 4K UHD, permitiendo disfrutar de la inmensidad del planeta Pandora, la riqueza cromática de su bioluminiscencia y la complejidad de sus efectos digitales con una calidad técnica sin precedentes. Divisa Films es la encargada de distribuir en nuestro país esta pieza indispensable para los amantes de la ciencia ficción y la tecnología audiovisual.

La colección abarca las tres grandes batallas de la franquicia de James Cameron:

Avatar (2009): El exmarine en silla de ruedas Jake Sully (Sam Worthington) se embarca en una misión en la luna Pandora, donde termina enamorándose de la princesa Na'vi Neytiri (Zoe Saldaña) y liderando la resistencia nativa contra la codicia corporativa humana.
Avatar: El sentido del agua (2022): Más de una década después, Jake y Neytiri han formado una familia. Cuando la amenaza de la RDA regresa, se ven obligados a abandonar su hogar en el bosque y buscar refugio con el clan acuático Metkayina, aprendiendo las costumbres del océano para sobrevivir.
Avatar: Fuego y Ceniza (2025): Tras las trágicas pérdidas sufridas en las regiones oceánicas, la familia Sully entra en contacto con el "Pueblo de la Ceniza", una agresiva y nómada tribu Na'vi vinculada al elemento volcánico y liderada por la implacable Varang (Oona Chaplin).

La imagen

ELas transferencias en 4K UHD de las tres películas son un auténtico espectáculo que marca el estándar de demostración técnica para cualquier televisor. La remasterización nativa de la primera entrega y los impecables másteres digitales de sus secuelas ofrecen una nitidez descomunal en las texturas de la piel Na'vi, la vegetación, los entornos submarinos y los nuevos biomas volcánicos. La tecnología Dolby Vision / HDR10 exprime al máximo los picos de brillo en los bosques nocturnos bioluminiscentes, los destellos sobre el agua y la lava incandescente, garantizando unos negros puros y profundos junto a un contraste milimétrico.

Imagen: 1.78:1 / 1.85:1 / 2.39:1 (pantalla completa / relación variable) 4K (2160p)

HDR: Dolby Vision / HDR10

El sonido

El apartado sonoro es una delicia inmersiva de referencia absoluta para equipos de cine en casa. Las pistas originales en inglés vienen masterizadas en sobrecogedores mixes Dolby Atmos (con base Dolby TrueHD 7.1) que hacen un uso magistral de los canales de altura para recrear el vuelo de las criaturas, el viento entre las copas de los árboles, la presión de las profundidades marinas y el rugir de las erupciones volcánicas. Por su parte, los doblajes en castellano cuentan con potentes pistas en formato DTS-HD Master Audio 5.1 que destacan por su rotundidad en los subwoofers y una perfecta claridad en los diálogos.

Audio (Las 3 películas):

Inglés - Dolby Atmos (7.1.4 compatible)

Castellano - DTS-HD Master Audio 5.1

Francés - DTS-HD Master Audio 5.1

Alemán - Dolby Digital Plus 7.1

La edición

Una cuidada presentación recopilatoria que reúne en un único estuche de grosor especial protegido por una funda de cartón (Slipcase) un total de 9 discos: 3 discos Ultra HD Blu-ray con las películas en 4K UHD, 3 discos Blu-ray con las versiones en alta definición y 3 discos Blu-ray dedicados en exclusiva a albergar horas de contenidos adicionales y documentales tras las cámaras de cada entregas.

Precio: 69,95 €

Características técnicas

Contenido 3 Discos Ultra HD Blu-ray + 3 Discos Blu-ray + 3 Discos de Extras (Pack 3 Películas)

Imagen Relación de aspecto variable según entrega 4K (2160p)

HDR Dolby Vision / HDR10

Audio

Inglés - Dolby Atmos

Castellano - DTS-HD Master Audio 5.1

Francés - DTS-HD Master Audio 5.1

Alemán - Dolby Digital Plus 7.1

Subtítulos Castellano, Inglés para sordos, Francés, Alemán, Italiano, Holandés

Precio 69,95 €

Valoración Global

[accordion]

Calidad de imagen 10

Discos de referencia absoluta. La riqueza del color, la nitidez impecable y la profundidad que otorga el Dolby Vision en las escenas bioluminiscentes, acuáticas y de fuego convierten a este pack en la cúspide indiscutible del formato 4K.

Calidad Sonora 9.5

Las mezclas originales en Dolby Atmos son una obra maestra de la espacialidad y el diseño de sonido envolvente, mientras que las pistas en castellano en DTS-HD MA ofrecen una contundencia y limpieza extraordinarias.

Contenido extra 9.0

Disponer de tres discos Blu-ray dedicados íntegramente a contenidos adicionales supervisados por James Cameron garantiza horas de material educativo indispensable sobre la evolución de la tecnología del cine moderno.

La edición 9.5

Divisa Films y 20th Century Studios ofrecen la caja recopilatoria definitiva. Por su apabullante músculo visual y su cuidada presentación, es la adquisición obligatoria para disfrutar de la trilogía completa de Pandora en su máxima expresión física.

Galería de imágenes

Fuente: 20th Century Studios / Divisa Films

El Patriota; Steelbook Combo UHD + Bluray

2026-10-18T17:00:00.000+02:00

Por Enrique Bellón.

LLa imponente superproducción épica sobre la Guerra de Independencia de los Estados Unidos dirigida por Roland Emmerich y producida por Dean Devlin viste sus mejores galas en el formato doméstico. "El Patriota" estrena una codiciada edición limitada en estuche metálico (Steelbook) que exprime al límite las capacidades de su remasterización nativa en 4K UHD, permitiendo apreciar la soberbia, luminosa y detallada fotografía de Caleb Deschanel con una calidad técnica de auténtica referencia. Sony Pictures y Arvi Licensing son las encargadas de traer esta joya de coleccionista a nuestras estanterías.

En las Carolinas de 1776, Benjamin Martin (Mel Gibson), un héroe de la Guerra Franco-India que ha renunciado a las armas para dedicarse a criar pacíficamente a sus siete hijos en su granja, contempla con preocupación el estallido de la Revolución Americana. Pese a sus reticencias iniciales, la incorporación de su hijo mayor Gabriel (Heath Ledger) al ejército rebelde y la irrupción del cruel coronel británico William Tavington (Jason Isaacs), cuya brutalidad azota directamente a su familia, obligan a Martin a tomar de nuevo su fusil de chispa y liderar una feroz milicia colonial contra las tropas del rey Jorge III.

La imagen

La restauración nativa a las 2160p procedente de un escaneo a partir del negativo original de 35mm es un auténtico espectáculo para los sentidos. Mantiene intacta la fina capa de grano cinematográfico orgánico, aportando una textura sumamente natural a la imagen. El trabajo del alto rango dinámico (HDR10) eleva la experiencia visual a cotas insuperables: la nitidez en los uniformes de la casacas rojas, los encajes, el sudor de los combatientes y los paisajes verdes de Carolina luce soberbia, garantizando unos negros puros en las secuencias nocturnas en los pantanos y unos picos de brillo cegadores en el fuego de los mosquetes y cañones.

Imagen: 2.40:1 4K (2160p)

HDR: HDR10

El sonido

El apartado sonoro de la pista original en inglés da un salto abismal gracias al magistral mix en formato Dolby Atmos (con base Dolby TrueHD 7.1). Los canales de altura se activan de forma contundente durante las grandes batallas a campo abierto, recreando con una precisión pasmosa el silbido de las balas de cañón sobre la cabeza del espectador y el estruendo de la caballería, mientras eleva la épica e inolvidable banda sonora compuesta por John Williams. Por su parte, el excelente doblaje en castellano se presenta en un solvente y limpio mix DTS-HD Master Audio 5.1 que destaca por una impecable nitidez en los diálogos y una pegada fantástica en los subwoofers.

Audio:
Inglés - Dolby Atmos (Dolby TrueHD 7.1 compatible)
Castellano - DTS-HD Master Audio 5.1
Alemán - DTS-HD Master Audio 5.1
Francés - DTS-HD Master Audio 5.1

La edición

UUna presentación de auténtico lujo en estuche metálico (Steelbook) con un acabado en brillo impecable. El diseño exterior recupera la icónica estampa de Benjamin Martin liderando la carga con la bandera colonial, incluyendo en su interior tanto el disco Ultra HD Blu-ray (que contiene tanto la versión cinematográfica como el montaje extendido del director) como el disco Blu-ray estándar con los contenidos adicionales históricos.

Precio: 32,95 €

Características técnicas

Contenido 2 Ultra HD Blu-ray

Presentación Estuche metálico (Steelbook)

Imagen 2.40:1 4K (2160p)

HDR HDR10 / Dolby Vision

Audio Inglés - Dolby Atmos

Castellano - Dolby Digital 5.1

Alemán - DTS-HD Master Audio 5.1

Francés - DTS-HD Master Audio 5.1

Italiano - Dolby Digital 5.1

Tailandés - Dolby Digital 5.1

Inglés - DTS-HD Master Audio 5.1

Subtítulos Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Árabe, Coreano, Danés, Español latino, Finés, Holandés, Mandarín, Noruego, Portugués, Sueco, Tailandés, Turco, Inglés para sordos, Inglés

Precio 29,95 €

Extras

Disco 1 - Montaje cinematográfico

Comentario del director y productor.

El arte de la guerra.

Los verdaderos patriotas.

Galería fotográfica.

Tráiler cinematográfico.

Disco 2 - Montaje extendido

6 escenas eliminadas con comentarios.

Los efectos visuales.

Comparaciones entre el arte conceptual y la película.

Incluye

El Patriota Ultra HD Blu-ray (versión de cines - 165 min)

El Patriota Ultra HD Blu-ray (versión extendida - 175 min)

Valoración Global

[accordion]

Calidad de imagen 9.5

Una transferencia 4K nativa de primerísimo nivel. El tratamiento del grano cinematográfico, la nitidez orgánica en el vestuario de época y la profundidad tridimensional que aporta el HDR10 en los campos de batalla convierten a este disco en una joya visual.

Calidad Sonora 9.5

La remezcla en Dolby Atmos en su idioma original es una auténtica clase magistral de diseño de sonido envolvente y potencia para los subwoofers. La pista en castellano en DTS-HD MA rinde a un nivel altísimo en dinamismo y nitidez.

Contenido extra 7.5

Contar con los dos montajes del filme (Cinematográfico y Extendido) más el audiocomentario de Emmerich y los documentales históricos herencia del Blu-ray completa una oferta muy sólida, aunque se echa de menos alguna retrospectiva de reciente grabación.

La edición 9.5

Sony Pictures firma un lanzamiento metálico sobresaliente. Su impecable empaque físico y un músculo audiovisual de demostración convierten a este Steelbook en una adquisición imprescindible para los amantes del cine bélico y de época.

Galería de imágenes

Fuente; Arvi Licensing

Te Van a Matar; Edición UHD+Bluray

2026-10-17T15:30:00.000+02:00

Por Enrique Bellón.

La aclamada comedia negra de enredos, supervivencia y acción absurda que conquistó el circuito de festivales debuta en el mercado doméstico en una impecable presentación de alta fidelidad. "Te van a matar" llega en formato 4K UHD para exprimir al máximo su gamberra propuesta visual, permitiendo apreciar la cuidada fotografía, sus extravagantes escenarios urbanos y la violencia cómica con una precisión técnica deslumbrante. Arvi Licensing junto con Warner Bros Pictures es la encargada de traer a nuestras estanterías este divertido y salvaje viaje.

Tras presenciar por accidente un ajuste de cuentas entre dos peligrosos clanes de la mafia local, un timorato e inofensivo contable llamado Mateo se convierte en el objetivo número uno de una disparatada red de sicarios, policías corruptos y cazadores de recompensas. Atrapado en una espiral de confusión, persecuciones surrealistas y malentendidos cada vez más sangrientos, Mateo deberá agudizar su ingenio para sobrevivir a una noche eterna en la que absolutamente todos los que se cruzan en su camino tienen un único objetivo: acabar con él.

La imagen

La transferencia nativa en 4K UHD ofrece una fidelidad visual impresionante, que resalta especialmente en el tratamiento de los colores y la iluminación. El uso del HDR10 y Dolby Vision hace maravillas en los encuadres nocturnos: los neones de la ciudad, los destellos de los disparos y los tonos cálidos de los interiores destacan con un contraste soberbio, ofreciendo unos negros puros y densos sin perder un solo detalle en las texturas del vestuario o el maquillaje grotesco de los sicarios.

Imagen: 2.39:1 4K (2160p)

HDR: Dolby Vision / HDR10

El sonido

El apartado sonoro es una auténtica fiesta de dinamismo y sobresaltos cómicos. La pista en castellano cuenta con un excelente trabajo de doblaje presentado en una cuidada mezcla DTS-HD Master Audio 5.1 que distribuye de forma magistral los disparos, los frenazos de las persecuciones y los chistes de diálogo rápido. Por su parte, la versión original cuenta con una solvente pista de igual codificación que destaca por una nitidez vocal impecable y una contundente pegada en las bajas frecuencias durante los momentos de acción.

Audio:
Castellano - DTS-HD Master Audio 5.1
Inglés / V.O. - DTS-HD Master Audio 5.1
Castellano - Dolby Digital 2.0 Stereo

La edición

Una edición muy cuidada en su tradicional estuche Amaray negro para el formato 4K UHD, acompañado de su correspondiente disco Blu-ray complementario. La carátula recupera el colorido e icónico póster de cines que evoca de inmediato el tono de comedia negra frenética y acción desenfrenada que caracteriza a la cint

Precio: 25,95 €

Características técnicas

Contenido Ultra HD Blu-ray + Blu-ray

Imagen 2.20:1 4K (2160p)

HDR HDR10 / Dolby Vision

Audio Inglés - Dolby Atmos

Castellano - Dolby Digital 5.1

Francés - Dolby Digital 5.1

Italiano - Dolby Digital 5.1

Español latino - Dolby Digital 5.1

Inglés - Dolby Digital 5.1

Inglés para invidentes - Dolby Digital 5.1

Subtítulos Inglés, Castellano, Español latino, Inglés para sordos, Francés, Holandés, Italiano para sordos

Precio 26,95 €

Extras

Cómo sobrevivir a la película (Así se hizo): Un divertido reportaje entre bambalinas con entrevistas al director y al reparto principal analizando el diseño de las escenas de acción más absurdas (16 min).
Anatomía de una persecución: Un desglose técnico del rodaje de la alocada secuencia del centro comercial con el equipo de especialistas (10 min).
Tomas falsas y secuencias eliminadas (8 min).
Tráiler original de cine.

Valoración Global

[accordion]

Calidad de imagen 9.5

Una transferencia 4K nativa fantástica. La gestión del color y el contraste que aporta el Dolby Vision en los entornos nocturnos dota a la comedia de un empaque visual sumamente estilizado y nítido..

Calidad Sonora 8.5

Tanto la versión en castellano como la VO en DTS-HD MA 5.1 ofrecen una potencia limpia y muy equilibrada, haciendo que los efectos de sonido de los golpes y la música dinámica luzcan con gran presencia.

Contenido extra 7.0

Aunque no es una edición repleta de horas de extras, las piezas incluidas sobre los especialistas y las tomas falsas resultan sumamente entretenidas y encajan a la perfección con el espíritu gamberro del filme.

La edición 9.5

Arvi Licensing firma una propuesta técnica impecable para una de las comedias negras de acción más frescas y divertidas del catálogo reciente. Una compra muy recomendada para pasar un rato de entretenimiento puro en casa.

Galería de imágenes

Fuente; Arvi Licensing

Street Fighter (2026); ¿Una partida más?

2026-10-16T15:30:00.000+02:00

Por Nacho Cañas.

Kitao Sakurai lleva a la gran pantalla el universo de Street Fighter, la mítica saga de videojuegos de Capcom, con Andrew Koji y Noah Centineo como Ryu y Ken, respectivamente. La historia recupera a los dos luchadores para participar en un torneo mundial organizado por Mr. Bison, en el que los combates esconden una conspiración que va mucho más allá de repartir puñetazos. La película tiene claro lo que quiere ser desde el primer momento: una especie de fan film con presupuesto millonario, hecho por gente que conoce y disfruta el videojuego.

No pretende reinventar el cine de acción ni convertirse en una obra maestra, sino trasladar a la pantalla los golpes imposibles, los personajes extravagantes y la estética de las recreativas. Y, curiosamente, cuando deja de intentar ser algo más y se limita a eso, es cuando mejor funciona.

El reparto es una auténtica mezcla de actores, luchadores profesionales, músicos y personalidades del entretenimiento. Andrew Koji interpreta a Ryu y Noah Centineo a Ken, mientras que Callina Liang da vida a Chun-Li. A su alrededor aparecen Jason Momoa como Blanka, David Dastmalchian como M. Bison, Cody Rhodes como Guile, Curtis «50 Cent» Jackson como Balrog y Joe Anoa'i, conocido como Roman Reigns, como Akuma. También encontramos a Olivier Richters como Zangief, Orville Peck como Vega y Andrew Schulz como Dan Hibiki. Es un elenco tan peculiar que parece diseñado por alguien que ha seleccionado a los personajes de una partida y después ha buscado a quien pudiera interpretarlos. Y esa es precisamente parte de su gracia.

Durante sus casi dos horas, Street Fighter ofrece peleas bastante bien ejecutadas, humor absurdo y una sucesión de situaciones que rozan deliberadamente el ridículo. La película se ríe de sí misma y no parece especialmente preocupada por que el espectador se tome en serio sus excesos. Hay escenas que parecen sacadas directamente de una partida, personajes que parecen conscientes de estar dentro de una adaptación de videojuego y momentos que funcionan precisamente porque no intentan disimular lo disparatado de la propuesta. El problema es que el metraje termina pasando factura: media hora menos le habría sentado de maravilla. La película tiene suficiente material para entretener, pero no siempre para mantener el ritmo durante tanto tiempo. Aun así, se nota que detrás hay cariño por la franquicia y no únicamente una calculadora de beneficios.

La historia cumple con lo que cabe esperar de una película de Street Fighter: un torneo, rivalidades, conspiraciones y personajes con motivaciones que sirven, sobre todo, para justificar que se peleen entre ellos. No estamos ante un guion que vaya a cambiar la historia del cine, ni parece que esa fuera la intención. El principal acierto es que la película entiende que adaptar un videojuego de lucha no consiste en convertir cada diálogo en una reflexión trascendental sobre la condición humana. Los actores y actrices se permiten jugar con sus personajes, exagerar sus gestos y protagonizar escenas deliberadamente ridículas. En algunos momentos, la película parece más interesada en hacer disfrutar a los aficionados que en construir una historia especialmente elaborada. Y, para qué engañarnos, probablemente sea la decisión correcta.

Donde sí aparecen los problemas es en el desarrollo y la duración. La trama avanza a trompicones y algunas explicaciones se apoyan en fragmentos de anime que interrumpen la acción real. Se entiende que pueden servir para resumir acontecimientos, explicar partes de la historia o recuperar la estética de la franquicia, pero su integración resulta irregular y da la sensación de que se recurre a ellas más de la cuenta. No terminan de aportar la fluidez que necesita la narración. El resultado es una película que funciona mejor como celebración del videojuego que como historia independiente. Tampoco necesita ser mucho más que eso, pero una cosa es no exigirle profundidad y otra que dos horas parezcan demasiado tiempo para contar lo que cuenta.

Las escenas de lucha son uno de los grandes aciertos de la película. Los combates tienen energía, los movimientos reconocibles del videojuego encuentran su sitio en la acción real y el conjunto transmite esa sensación de espectáculo exagerado que define a Street Fighter. La dirección de Kitao Sakurai entiende que aquí los golpes deben tener personalidad y que cada enfrentamiento tiene que resultar reconocible para los aficionados. No basta con poner a dos personas a pegarse durante cinco minutos: tienen que parecer Ryu y Ken, y la película consigue buena parte de ese objetivo. Los efectos visuales y sonoros ayudan a trasladar al cine la experiencia de las recreativas sin renunciar por completo al lenguaje de la acción real.

La música y los efectos de sonido merecen una mención especial porque son parte fundamental de la identidad de la franquicia. Recuperar elementos sonoros de los videojuegos refuerza la sensación de estar viendo una adaptación hecha por personas que conocen el material original. La película sabe que esos detalles despiertan la nostalgia de los aficionados y los utiliza para conectar con ellos. El problema está en el montaje de los fragmentos animados, que a veces parecen insertados para cubrir huecos narrativos, y en una duración que resta algo de eficacia al conjunto. Técnicamente, no estamos ante una revolución cinematográfica, pero tampoco hace falta: cuando las peleas funcionan, la película demuestra que entiende bastante bien cuál es su principal atractivo.

Street Fighter (2026) es una película correcta, divertida y bastante consciente de sus propias limitaciones. No es un peliculón, ni pretende serlo, pero ofrece una adaptación que parece hecha por gente a la que le gusta el videojuego y que entiende que no todo tiene que tomarse en serio. Las peleas están bien, el humor funciona en bastantes ocasiones y el cariño por la franquicia se nota especialmente en la música, los sonidos y los guiños a los juegos originales.

Su principal problema es que se alarga demasiado y que los fragmentos de anime no siempre encajan bien en la narración. Es una película para ver con amigos, unas cervezas y pocas pretensiones, no para sentarse a analizar cada decisión del guion como si estuviéramos ante el próximo clásico del séptimo arte. Cumple, entretiene y deja la sensación de que, si funciona en taquilla, Capcom y las productoras tendrán motivos para seguir explorando sus videojuegos en el cine. Una segunda parte no sería ninguna sorpresa. Al final, Street Fighter no es una obra maestra, pero tampoco necesita serlo: basta con que te entren ganas de echar otra partida cuando termina.

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##check## Lo bueno

Las escenas de lucha y la espectacularidad de los combates.
El humor y la capacidad de reírse de sí misma.
La música, los efectos sonoros y el cariño por el videojuego original.

##times## Lo malo

Las casi dos horas de duración se hacen algo largas.
Los fragmentos de anime interrumpen el ritmo y no siempre encajan bien, funciona bien en el prólogo pero no fuera de ahí.
El argumento es bastante convencional y no va mucho más allá de justificar las peleas.

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Ambientación 6.5

Recrea con acierto el universo de Street Fighter, aunque sin llegar a sorprender visualmente.

Desarrollo de Personajes 5.5

Los personajes resultan divertidos y reconocibles, pero apenas profundiza en ellos.

Argumento / Guión 5.0

Una trama convencional que sirve de excusa para encadenar combates y situaciones absurdas.

Banda Sonora 7.5

La música y los efectos sonoros de los videojuegos aportan nostalgia y personalidad.

Entretenimiento 6.5

Divertida y gamberra, ideal para verla con amigos, aunque se hace demasiado larga.

Montaje / Innovación técnica 6.5

Las peleas están bien resueltas, pero los fragmentos de anime interrumpen el ritmo y restan fluidez.

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Puntuación Total 6.5 / 10

Trailer:

Fuente Imágenes: Paramount Pictures España

Los Intocables; Steelbook UHD + Bluray

2026-10-15T20:00:00.000+02:00

Por Enrique Bellón.

La aclamada y elegante obra maestra sobre el crimen organizado en los años de la Ley Seca dirigida por Brian De Palma viste sus mejores galas en el formato doméstico. "Los intocables de Eliot Ness" (The Untouchables) se presenta en una codiciada edición limitada en estuche metálico (Steelbook) que exprime al máximo su restauración nativa en 4K UHD, permitiendo apreciar la soberbia fotografía de Stephen H. Burum y el meticuloso vestuario de época con una calidad técnica de referencia. Divisa Films es la encargada de traer esta pieza de auténtico coleccionista a nuestras estanterías.

En el Chicago de 1930, durante la era de la Prohibición, el infame gángster Al Capone (Robert De Niro) gobierna la ciudad con mano de hierro gracias al contrabando de alcohol y al chantaje a las autoridades. Para frenar su imperio de terror, el agente federal Eliot Ness (Kevin Costner) recluta a un pequeño y selecto grupo de policías incorruptibles: el veterano agente de calle Jim Malone (Sean Connery), el joven tirador George Stone (Andy García) y el contable Oscar Wallace (Charles Martin Smith). Juntos formarán "Los Intocables" para llevar a Capone ante la justicia en una cruzada en la que nadie estará a salvo.

La imagen

La restauración nativa a partir del negativo original de 35mm es un trabajo de referencia absoluta. La transferencia a las 2160p respeta meticulosamente la fina capa de grano cinematográfico, dotando a la imagen de una textura profundamente orgánica. El uso del Dolby Vision y el HDR10 hace maravillas en los encuadres de De Palma: los tonos cálidos del vestuario de Giorgio Armani, el brillo de los acabados en madera de las oficinas y el marcado contraste en las sombras nocturnas de los tiroteos lucen con una viveza y una profundidad jamás vistas en formato doméstico.

Imagen: 2.35:1 4K (2160p)

HDR: Dolby Vision / HDR10

El sonido

El apartado sonoro de la pista original en inglés da un salto cualitativo brutal gracias a la nueva remezcla en Dolby Atmos (con base Dolby TrueHD 7.1). El uso de los canales superiores resulta impecable para enfatizar la resonancia de los disparos dentro de las salas de juicios, el rugido de los motores en las calles de Chicago y, sobre todo, para elevar la inolvidable e icónica banda sonora de Ennio Morricone. Por su parte, el excelente doblaje en castellano cuenta con una limpia y equilibrada pista Dolby Digital 5.1 que respeta la calidez vocal original.

Audio:
Inglés - Dolby Atmos (Dolby TrueHD 7.1 compatible)
Castellano - Dolby Digital 5.1
Alemán - Dolby Digital 5.1
Francés - Dolby Digital 5.1

La edición

Una cotizada presentación en estuche metálico (Steelbook) con un acabado en brillo impecable. El diseño artístico rinde homenaje a la estética visual de la película y al inolvidable duelo de voluntades entre Eliot Ness y Al Capone, incluyendo en su interior tanto el disco Ultra HD Blu-ray con el filme en 4K UHD como el disco Blu-ray con la película y sus contenidos adicionales retrospectivos.

Precio: 32,99 €

Características técnicas

Contenido Ultra HD Blu-ray + Blu-ray

Presentación Estuche metálico (Steelbook) con relieves

Imagen 2.35:1 4K (2160p)

HDR HDR10 / Dolby Vision

Audio Inglés - Dolby Atmos

Castellano - Dolby Digital 5.1

Francés - Dolby Digital 5.1

Italiano - Dolby Digital 5.1

Japonés - Dolby Digital 5.1

Ruso - Dolby Digital 5.1

Alemán - Dolby Digital 2.0

Checo - Dolby Digital 2.0

Polaco - Dolby Digital 2.0

Español latino - Dolby Digital 2.0 Mono

Subtítulos Inglés, Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Brasileño, Checo, Chino, Coreano, Danés, Eslovaco, Español latino, Finés, Japonés, Neerlandés, Noruego, Polaco, Portugués, Rumano, Ruso, Sueco, Tailandés, Inglés para sordos

Precio 32,99 €

Extras

El guion y el reparto: Un repaso a la escritura de David Mamet y al casting que reunió a Costner, Connery y De Niro (11 min).
Historias del rodaje: Documental centrado en el estilo de dirección de Brian De Palma y en la recreación del Chicago de los años 30 (17 min).
Reinventando el género: Reportaje sobre cómo la película revitalizó las claves del cine negro clásico (14 min).
El clásico: Un vistazo retrospectivo a la recepción crítica y al impacto cultural de la película.
Featurette original: Reportaje promocional de la época de su estreno en cines.

Valoración Global

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Calidad de imagen 9.5

Una transferencia 4K nativa de primerísimo nivel. El tratamiento del grano cinematográfico, la nitidez en el vestuario de época y la tridimensionalidad que aporta el Dolby Vision en las escenas de luz y sombra convierten a este disco en una absoluta joya visual.

Calidad Sonora 9.0

La remezcla en Dolby Atmos en su idioma original es una auténtica delicia que le otorga un plus de potencia monumental a la música de Ennio Morricone. El doblaje en castellano hereda su codificación clásica en 5.1, pero cumple con nota alta en nitidez vocal.

Contenido extra 7.5

Aunque no se han producido nuevos contenidos para esta restauración y se limita a heredar los reportajes históricos del formato Blu-ray, las piezas con Brian De Palma e información sobre el vestuario y el rodaje siguen siendo enormemente interesantes.

La edición 9.5

Paramount Pictures y Divisa Films firman una edición metálica imponente. Una compra imprescindible para los amantes del cine negro, del virtuosismo técnico de De Palma y del coleccionismo en formato físico.

Galería de imágenes

Fuente; Divisa Films

Animales; Heroísmo condicionado

2026-10-14T20:00:00.000+02:00

Por Enrique Bellón.

Llega a nuestros hogares "Animales" la nueva propuesta de Ben Affleck como director y protagonista, un film que mezcla el thriller con crítica social y política. Mark Kimball (Ben Affleck) es un candidato independiente a la alcaldía de Los Ángeles cuya campaña está al borde de la quiebra por deudas. A solo cuatro días de las elecciones, su hijo Denny es secuestrado y los captores exigen un millonario rescate.

Sin liquidez financiera al haber invertido casi todo en la política, Mark y su esposa Abigail (Kerry Washington) emprenden una desesperada carrera contra el reloj para reunir el dinero por vías no oficiales. A medida que avanzan las horas, la pareja se ve obligada a tomar decisiones límite que destapan secretos, traiciones y la cara más oscura de la élite política.

A pesar de llamarse Animals, no aparece ninguna mascota o animal en pantalla. Affleck explicó que el título hace referencia a la naturaleza destructiva e instintiva del ser humano cuando se acorrala a la familia o al ego, algo evidente cuando avanza el metraje y los principales personajes van mostrando su verdadera naturaleza. Esta moldea sus reacciones, demostrando que casi todo el mundo funciona buscando algo, es curioso ese giro y es de lo mejor de la película, que por otra parte tiene un desarrollo irregular, con una primera mitad telefilmesca y un desenlace algo torpe, excepto el cierre final que si puede tener su interés.

Toda la historia de pareja es tratada de manera tangencial y aporta poco o nada al conjunto, viendose como un extra añadido que no acaba de cuajar. El personaje de la negociadora sin embargo parece a priori muy interesante con Gillian Anderson que por momentos parece que puede aportar un contrapunto interesante, pero su parte final y desenlace son tremendamente desilusionantes. Los perfiles del asesor asiatico sin escrúpulos, los trabajadores hispanos sin papeles... son todos tópicos con patas.

En su realización tenemos una película solvente sin más, con pocos escenarios y un desembolso limitado, el "malo" tiene un papel casi ausente y no consigue proporcionar suficiente peso ni protagonista, lo cual unido a unas tramas secundarias flojas resultan en un thriller más, buenas ideas poco desarrolladas.

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##check## Lo bueno

El giro de guión central es curioso.
No está nada mal el desenlace y las escenas finales.
Es entretenida, se pasa rápido.

##times## Lo malo

Tiene unos personajes poco desarrollados, más allá del propio protagonista.
La primera mitad no aporta nada y es muy telefilmesco.
Se supone que la relación de pareja está para dar matices y aportar capas y pasa muy por encima, no aporta nada.

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Puntuación Total 5.5 / 10

Trailer:

Fuente Imágenes: Netflix España

El precio de la red: Horror social

2026-10-13T14:40:55.811+02:00

Escrito por John Doe.

En “El precio de la red” (2026), Frances Haugen, una joven ingeniera de Facebook, recurre a Jeff Horwitz, reportero del Wall Street Journal, para emprender una peligrosa odisea que termina sacando a la luz los secretos mejor guardados de la red social conocida como Facebook.

En 2010 se estrenaba una de las mayores obras maestras de la década pasada con “La red social” (2010). Bajo la escritura de Aaron Sorkin y la dirección de David Fincher, la película mostraba la frialdad y la dedicación y picardía de Mark Zuckerberd, en sus años universitarios, al crear la red social Facebook, tomando difíciles decisiones y traicionando a sus propios amigos por el camino. La película recogió muchos elogios por parte de público y prensa, ganando tres premios Oscar al mejor guion, montaje y banda sonora. Dieciséis años después, el guionista, Sorkin, vuelve a desvelar los secretos de la compañía multimillonaria con “El precio de la red” y el resultado vuelve a ser aterrador.

Aaron Sorkin repite como guionista del film. Sorkin es un reputado guionista que ganó su popularidad por escribir la mítica serie “El ala oeste de la Casa Blanca” (1999-2006), además de escribir films como “Algunos hombres muertos” (1992), “La guerra de Charlie Wilson” (2007), “Moneyball: Rompiendo las reglas” (2011) o “Steve Jobs” (2015). Sorkin imagina cómo fue la investigación de Jeff Horwitz, anhelando indagar sobre la radicalización de una gran parte de la población americana, y cómo llegó a tener contacto con Frances Haugen, que cansada de ser minimizada en el trabajo y queriendo hacer de la red social un sitio mejor empezó a colaborar con el periodista para que publicara toda la información que había sido escondida del público general y con la que jugaban con miles de vida, ya no solo a nivel político, sino también con temáticas como el bullying juvenil a través de la aplicación Instagram, parte del grupo Facebook, o cómo se usó la misma plataforma para captar miembros en grupos terroristas o para traficar literalmente con seres humanos.

Es interesante cómo Aaron trata el tema, con una construcción argumental que sigue totalmente la estructura de las cintas periodísticas como “Todos los hombres del presidente” (1976) o “Spotlight” (2015). La trama sigue dos puntos argumentales clave, en 2019, cuando las colaboraciones entre los dos protagonistas empezaron a hacer efecto, y en 2021, cuando sucedió el famoso asalto al Capitolio de Washington D.C. y Facebook tuvo que tomar una decisión clave al respecto, llevándolos a juicio más tarde ese mismo año. La narrativa va dejando suficientes datos e información, de forma paulatina, para ir haciendo crecer el misterio y aprendiendo, a la vez que su protagonista, de los errores de la compañía de Zuckerberg.

El ritmo está muy bien medido y te mantiene atento a la pantalla durante casi toda la totalidad de las dos horas que dura. A su vez, como la película da tantísima información, desconocida por el público general, puede que la propuesta llegue a abrumar e incluso a hacer perdernos entre tanto dato y tema que quiere tratar, pero si nos perdemos en algún momento sabe como recuperar la atención ofreciendo otro tipo de datos y algunas repeticiones entre sus personajes. El otro gran problema es que es un film tremendamente hablado, dando poco espacio para la acción visual (más allá de la muestra de algunos gráficos), haciendo que casi la totalidad de su argumento se sostenga por base del diálogo, cosa que puede sacar a alguna gente de la narración. Aun así, si se entre en la propuesta, la construcción de los personajes (con un gran antagonista) y el propio tema que trata es tan interesante que vale la pena su visionado, aunque solo sea para conocer los horrores detrás de la gran red social que todos hemos usado una vez en nuestras vidas.

Las dos grandes estrellas del film son Jeremy Allen White y Mikey Madison. Por una parte, Allen White viene de aclamadas series como “Shameless” (2011-2021) y “The Bear” (2022-2026), serie por la que ganó dos premios Emmy a Mejor Actor Protagonista en una serie de comedia, además de participar en films como “Vigilados” (2020, “El clan de hierro” (2023) o “Springsteen: Deliver Me from Nowhere” (2025), dónde sus interpretaciones fueron aclamadas. Por otra parte, Madison viene de ganar el Oscar a Mejor Actriz Protagonista por la sensacional “Anora” (2024), siendo este su primer papel tras dicha entrega de premios, además de participar en películas como “Érase una vez en… Hollywood” (2019) o “Scream” (2022). Ambos actores son dos de las estrellas que están más de moda ahora mismo, y eso puede ayudar a mucha gente a darle una oportunidad al film. A pesar de su talento, la construcción general de la película no permite a ambos actores brindar unas interpretaciones que sean recordadas por su complejidad. Aun así, tanto Allen White como Madison ofrecen interpretaciones de alto nivel estudiando y plasmando los gestos y manierismos de las personas a que interpretan, a pesar de tener la mayor parte del film puro diálogo y un desarrollo emocional algo capado por la trama principal, siendo, quizás, Mikey, la que tiene suerte de poder explorar un arco de personaje que la lleve a brillar más en ese aspecto.

Pero si alguien destaca por encima del resto ese es Jeremy Strong, quien interpreta a Mark Zuckerberg, relevando a la legendaria interpretación de Jesse Eisenberg, quién rechazó volver a interpretar al magnate ya que la primera vez casi le consume completamente. Strong, que es conocido por películas como “La gran apuesta” (2015), “El juicio de los 7 de Chicago” (2020) o “El aprendiz” (2024) o la serie “Succession” (2018-2023), se transforma totalmente en el robótico Mark Zuckerberg, ofreciendo un retrato desalmado y sin escrúpulos del magnate, mostrando la frialdad con la que toma las decisiones y vela por su propio interés por encima de la moralidad o la justicia. Completan el reparto actores como Betty Gilpin, Wunmi Mosaku, Billy Magnussen o Bill Burr.

Aaron Sorkin se pone también detrás de las cámaras para dirigir el film. Esta es la cuarta película que escribe y dirige Sorkin después de “Molly’s Game” (2017), la ya mencionada “El juicio de los 7 de Chicago” y “Ser los Ricardo” (2021). El problema de Aaron es que es mucho mejor escritor que director y en este caso, teniendo la precuela dirigida por uno de los mejores directores de nuestra generación, David Fincher, las comparaciones son inevitables. Sorkin filma “El precio de la red” con una factura muy de telefilm, basándose mucho en planos y contraplanos y con pocas marcas de dirección que eleven al conjunto, haciendo que quede un poco lastrado por la densidad de su trama, cosa que no pasaba en absoluto con “La red social”, donde entre el lenguaje cinematográfico y el montaje se ofrecía un ritmo de lo más fresco y una calidad audiovisual digna de las grandes obras. Además, la escritura de los personajes no da mucho juego con los actores y, aunque están bien dirigidos y se nota un trabajo de construcción de personajes bastante bueno, el equipo actoral no ha podido explorar mucho sus posibilidades. Por otra parte, el montaje, en esta ocasión, al ir mostrando pequeñas escenas entre ambos años ayuda a que haya bastante ritmo y a la vez ayude a hacer crecer el misterio, cosa que es de agradecer.

La dirección de fotografía viene firmada por Jeff Cronenweth, quien colaboró con Sorkin en “Ser los Ricardo” y es colaborador habitual de Fincher en películas como “El club de la lucha” (1999), “Perdida” (2014) o “Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres” (2011), además de fotografiar también la precuela “La red social”, siendo estos dos últimos trabajos merecedores de la nominación a los Premios Oscar a la Mejor fotografía. El apartado visual de “El precio de la red” es algo más comercial que el resto de films del director de fotografía, reforzando la idea de parecer un poco un telefilm. Hay algunos sets de luces e iluminaciones que aportan una calidad visual más interesante, especialmente en las oficinas de Facebook y las secuencias que ocurren en Puerto Rico, pero en general no destaca especialmente el apartado visual, ya sea por cómo están construidas las escenas como por el poco movimiento de cámara que pide la acción y su director. Una pena de talento algo desaprovechado.

El diseño de producción es bueno, aunque no llega a sentirse brillante. La mayor parte de la acción de la película pasa en interiores, ya sea en las oficinas de Facebook, las del Washington Post, el hotel donde se aloja Jeff Horwitz o la casa de Frances Haugen, por lo que el diseño y representación de las estancias reales es bastante fiel, aparentemente, pero no puede llegar a despuntar por su construcción o una calidad por encima de la media. Los equipos de maquillaje, peluquería y vestuario, en cambio, brillan a la hora de reproducir las personas reales que quieren representar. Además, con el personaje de Haugen se permiten una exploración de varios vestuarios y estilos que tienen un sentido narrativo y aportan una frescura a su personaje que encima cambia a nivel emocional y con su propio arco, elevándolo hacia una parte mucho más interesante que sus compañeros interpretativos.

Para terminar, la banda sonora corre a cargo del legendario compositor Alexandre Desplat. Desplat es conocido por componer las melodías de films como “El curioso caso de Benjamin Button” (2008), “Fantático Sr. Fox” (2009), “El discurso del rey” (2010), “Argo” (2012), “The Imitation Game (Descifrando Enigma)” (2014), “Isla de perros” (2018), “Mujercitas” (2019) o la reciente “Frankenstein” (2025), además de “El gran hotel Budapest” (2014) y “La forma del agua” (2017), trabajos por los que ganó el Oscar a Mejor Banda Sonora Original. En “El precio de la red”, Desplat está mucho más cometido. Ofrece un buen trabajo, de gran calidad y trabaja bien la tensión, especialmente en los momentos de revelación o cuando se toman las decisiones más arriesgadas a nivel argumental, combinando instrumentos de cuerdas con arreglos digitales, emulado el mundo del que habla el film, pero no llega la excelencia de Atticus Ross y Trent Reznor con “La red social”, trabajo que les valió el Oscar también, y que construían unas melodías que encajaban completamente con Zuckerberg, el mundo que habitaba y el mundo que construyendo, siendo una banda sonora que será recordada por el resto de los tiempos.

En definitiva, “El precio de la red” es un thriller periodístico brillantemente escrito con muy buenas interpretaciones pero que palidece de una dirección algo mediocre que lastra un poco al conjunto. Aun así, es un muy buen film que debería ser visto por decenas de personas solo por conocer más en profundidad la oscura dirigencia de Facebook y cómo es usada, aun hoy en día, para alimentar discursos de odio, siendo plenamente conscientes de ello, y ser más críticos con las redes sociales que consumimos.

[message]

##check## Lo bueno

El guion es afilado y cuenta muchos secretos que pasan desapercibidos para la audiencia general.
Las interpretaciones del trío principal son de buen calibre.
Un ritmo llena de bits y revelaciones que aguanta muy bien el tipo.

##times## Lo malo

La dirección es digna de un telefilme.
La película puede resultar repetitiva e incluso abrumar a mucha gente.
Sucede en pocos escenarios y no lucen especialmente.

[accordion]

Ambientación 5.5

Buenos escenarios, pero sin mucha gracia.

Desarrollo de Personajes 7.5

Construcción de personajes bastante interesante y una evolución de la protagonista fresca.

Argumento / Guión 8.0

Habla sin tapujos de un problema muy real y presente en nuestra sociedad y de que poca gente es consciente.

Banda Sonora 6.5

Buena, aunque no llega al nivel de su predecesora.

Entretenimiento 7.5

Muy buen ritmo y un argumento de lo más interesante.

Montaje / Innovación técnica 5.5

Dirección digna de un telefilm y una fotografía algo insípida. Buen montaje.

[message]

Puntuación Total 6.5 / 10

Trailer:

Fuente Imágenes: Sony Pictures Releasing

La isla olvidada: La amistad por encima del recuerdo

2026-10-03T14:30:00.000+02:00

Escrito por John Doe

En “La isla olvidada” (2026), mientras Jo y Raissa, recién graduadas de secundaria y mejores amigas, celebran su última noche juntas, se topan con un misterioso portal que las transporta a la fantástica isla de Nakali. Al descubrir que los recuerdos de toda su amistad son el precio a pagar para regresar a casa, Jo y Raissa deben apresurarse a encontrar la manera de abandonar la isla antes de olvidarse la una a la otra para siempre.

En los últimos años, tras una década donde parecían reinar a la par de Disney y entregar películas legendarias y caer en desgracia con no muy inspiradas IPs, DreamWorks Animation ha resurgido de las cenizas del mundo de la animación entregando películas han vuelto a resonar entre la audiencia y el público. Films como “El gato con botas: El último deseo” (2022), “Robot salvaje” (2024) o, en menor medida, “Los tipos malos” (2022) y su secuela han demostrado que el nivel de calidad de animación que proponen puede ser muy alto, combinado con preciosas historias y bandas sonoras que erizan la piel. Este viernes llega a nuestras pantallas su nueva propuesta, “La isla olvidada”, con ganas de demostrar que siguen muy en forma.

Precisamente, el director de uno de los films mencionados vuelve a demostrar que dirigir “El gato con botas: El último deseo” no fue un milagro temporal, Joel Crawford, además de dirigir este film, también escribe su primer guion de largometraje. Pero “La isla olvidada” no sería nada sin la participación del co-director de la misma película mencionada, Januel P. Mercado, quién también dirige el film junto a Crawford y, a su vez, también escribe su primer guion de largometraje. Es importante la participación de P. Mercado, ya que el director es de origen filipino, contexto espacial y espiritual dónde ocurre toda la película, y por lo tanto ha aportado en gran medida su visión sobre su cultura.

El guion nos presenta a Jo y Raissa, dos niñas filipinas con gran imaginación que crecen con las historias de la abuela de Jo sobre los seres mitológicos filipinos y el mundo fantástico donde habitan, Nakali, contándoles que una vez ella misma estuvo allí. Jo y Raissa pasan toda su juventud queriendo encontrar dicho lugar, viviendo aventuras de todo tipo. Pero cuando ya son adultas y el destino las quiere separar, casualmente encuentran la manera de adentrarse en Nakali. Al darse cuenta de que no tienen noción de lo que pasó durante la noche que llegaron, ambas amigas se adentran en una búsqueda del objeto que les permitirá volver a casa, conociendo, poco a poco, todo el caos que causaron durante esas horas y los amigos y enemigos que hicieron por el camino.

Curiosamente, el film tiene una estructura muy similar al clásico de comedia de los 2000 “Resacón en Las Vegas” (2009) con toques de otro clásico de la misma década como es “¡Olvídate de mí!” (2004). Al tener la misma información que las protagonistas, el misterio va creciendo y se va desvelando de forma muy amena y divertida, con bromas cuidadosamente ajustadas y que, la mayoría, no resultan facilonas, y un diseño de personajes muy entrañable que hace que amemos todos y cada uno de los habitantes del mundo de Nakali cada vez que van apareciendo. El ritmo es muy bueno y no llega a aburrir en ningún momento. Si es cierto que el mensaje principal es algo reiterativo y que el clímax se revuelve algo apresuradamente, pero el carisma de los personajes hace que pase desapercibido, ofreciendo una trama muy redonda con un mensaje sobre los recuerdos, las posesiones materiales y la amistad bellísimo.

En el reparto de actores de doblaje tenemos a la cantante H.E.R. como Jo y a Liza Soberano como Raissa. Ganadora del Oscar a Mejor Cancion Original por “Judas y el mesías negro” (2021), a H.E.R. la hemos visto participar en proyectos como “El día del Sí” (2021) o “El color púrpura” (2023). H.E.R. hace un fantástico trabajo dando voz a la incansable Jo. Su personaje tiene una energía descomunal y tiene muchos cambios emocionales y tonales, por lo que es todo un reto interpretarla, pero H.E.R. modula su voz de forma muy divertida para adaptarse a Jo y hacerla crecer con una humanidad muy bonita. Liza Soberano es una actriz americana de origen filipino que fue muy conocida en su país ancestral al participar en las exitosas series “Kung ako'y iiwan mo” (2012), “Forevermore” (2014-2015) y “Dolce Amore” (2016). Soberano ha participado también en films como “Alone/Together” (2019) o “Lisa Frankenstein” (2024). Soberano usa su amplia experiencia interpretativa para dar vida a Raissa, un personaje mucho más cometido que la alocada Jo, pero que tiene un mayor recorrido emocional y una explosión de carácter más acentuado. Por suerte, Liza consigue modular al personaje a su manera y tiene una conexión excepcional con su compañera de reparto, H.E.R., haciendo que la relación entre ambas se sienta totalmente natural y muy divertida.

El resto del reparto combina actores de la talla de Dave Franco, muy divertido en su papel de Raww, ofreciendo una parte super alocada de su rango interpretativo, Jenny Slate como la demonio de los recuerdos Batiba, con una interpretación delicada y muy sentida, o la mítica actriz filipina Dolly de Leon, quién tiene el personaje más entrañable del film; con actores de doblaje legendarios como Lea Salonga, Kevin McCann o el filipino Manny Jacinto. Completan el reparto las jovencísimas Kailey Crawford y Kayla Teruel.

Como ya comentábamos, la dirección del film está a cargo de Joel Crawford y Januel Mercado. Crawford había dirigido ya “Los Croods: Una nueva era” (2020), un corto especial de los Trolls, “Trolls: Días de fiesta” (2017), y la ya mencionada “El gato con botas: El último deseo”. En cuanto a Mercado, este es su primer trabajo como director principal, habiendo participado activamente en la animación de muchos otros proyectos de la factoría DreamWorks. Si algo quedaba patente en los avances que se habían publicado de la película, es que la dirección de ambos directores apostaba por centrar mucho la acción, casi diseñando los planos para poder ser contenido en posibles plataformas como YouTube Shorts o TikTok, cosa que degenera la calidad técnica y artística del film, a no ser que se busque la intención expresiva con esa decisión.

Aunque sí que es cierto que eso es palpable durante una buena duración del film, tampoco termina siendo la totalidad del mismo, apostando por composiciones bastante creativas a veces, usando el lenguaje cinematográfico clásico cuando la situación lo necesita o probando diferentes maneras de expresión, como distintos estilos de animación (gracias, “Spider-Man: Un nuevo universo” (2018)) que le sientan muy bien a los personajes cuando tratan de expresar sus fantasías y recuerdos exagerados. Además, hay una apuesta por gags visuales creados con ricas composiciones que son de agradecer. No ofrecen una dirección que revolucione el mundo del cine o el género de la animación, pero sí que hay apuestas que elevan el conjunto, a pesar de contener dicho énfasis por centrar la acción.

Como ya hemos visto en varias ocasiones en otras cintas de animación, los créditos no mencionan un director o directora de fotografía. A pesar de ello, el apartado visual de “La isla olvidada” es bastante bello, hay un trabajo de iluminación en distintas partes de la isla Nakali que crean distinciones entre zonas y ofrecen un mundo más rico. También es muy importante el fuego o el uso de la oscuridad para ciertos personajes, por lo que hay un especial cuidado con ese tratamiento que les sienta muy bien. Finalmente, la cámara se mueve de forma ágil en casi la totalidad del film, aportando mucho dinamismo a la energía que desprenden nuestras protagonistas y las decenas de pruebas que deben superar.

El diseño de los espacios es precioso. Tanto los escenarios del mundo real de Filipinas, rico en homenajes a la cultura, la gastronomía y la decoración y folklore del país, como las partes fantásticas de la isla de Nakali han sido cuidados con muchísimo detalle. La parte fantástica funciona maravillosamente bien porque parece que todo tiene un sentido real en el mundo creado. La película no hace un énfasis en enseñarnos cómo viven las criaturas de ese universo, pero nos los sugieran y gracias a los puestos, tiendas o las distintas criaturas se puede adivinar qué tipo de sociedad se vive en cada sitio y las costumbres y culturas de todos los habitantes. Los diseños de los personajes principales son sensacionales. Jo y Raissa tienen una personalidad muy marcada solo por cómo se visten o se estilan. Además, dichos looks evolucionan con la trama y tienen un sentido dentro de la misma narración, cosa que le sienta muy bien al conjunto. Los secundarios no se quedan atrás, especialmente los tres aliados principales y los antagonistas, los cuales son muy disntintos entre ellos pero a la vez con una personalidad única y muy marcada que los hacen inconfundibles y a la vez nos hace quererles solo por cómo se ven y los diseños que tienen.

Finalmente, la banda sonora original de la película corre a cargo de Nathan Matthew David. A Matthew David lo conocemos por componer las bandas sonoras de films como “Clase letal“ (2019), “Hipnótico” (2021) o “Locas en apuros” (2023). Nathan firma, posiblemente, su mejor trabajo hasta la fecha con composiciones muy emotivas que combinan la música tradicional filipina con arreglos de instrumentos de cuerda y vientos clásicos de las bandas sonoras del Séptimo Arte. Quizás, por venir también de origen filipino Mathew David ha puesto especial énfasis en representar con honor y orgullo la cultura que filipina que rodea todo el film, ofreciendo un resultado final de lo más bonito y estimulante que casa perfectamente con el sentimiento del film. Además, temas pop de los 90/2000 suenan entre sus composiciones de forma diegética, siendo las dos protagonistas muy fans del karaoke y poner canciones, incluyendo, incluso algunas propias versiones de dichas canciones realizadas por el equipo artístico que casan fenomenal con toda la película.

En definitiva, “La isla olvidada” es una maravillosa película animada que nos recuerda que pasar tiempo con nuestros seres queridos es mucho más importante que querer conservar souvenirs o recuerdos físicos de los mismos. Un relato con un misterio llevado a la aventura que combina el humor con la reflexión con una animación y banda sonora preciosas perfecta tanto para los más pequeños como para los adultos.

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##check## Lo bueno

El original guion que toma cosas prestadas de otros films y le da una vuelta para invitar a la reflexión.
La ambientación en la cultura filipina tratada con mucho respeto y diseños maravillosos.
La banda sonora es preciosa y combina temas pop de forma muy divertida.

##times## Lo malo

Que se intente centrar gran parte del film en medio de la pantalla.
El ritmo es muy bueno, pero el tramo final se siente algo apresurado.
Que explore muchas posibilidades, pero no llegue a desarrollar más sobre el propio mundo que presenta.

[accordion]

Ambientación 8.0

Diseño del mundo espiritual precioso y las Filipinas se ven preciosas.

Desarrollo de Personajes 8.5

Ambos protagonistas (e incluso secundarios) tienen una evolución muy bonita.

Argumento / Guión 8.0

Toma prestado de otros films pero tiene una identidad propia y combina el folklore filipino con la trama de manera fantástica.

Banda Sonora 7.5

Preciosa banda sonora con instrumentos filipinos y buenos temas pop que están bien introducidos.

Entretenimiento 8.5

Divertidísima con un gran ritmo y solo se siente atropellada en el tramo final.

Montaje / Innovación técnica 7.5

A pesar de apostar por centrarlo todo, tiene buenas ideas a nivel de dirección y del tratamiento de la luz y el color.

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Puntuación Total 8 / 10

Fuente Imágenes: Universal Pictures España

Digger: Sed testigos del fin del mundo

2026-10-01T15:30:00.000+02:00

Escrito por John Doe

En “Digger” (2026), el hombre más poderoso del mundo se embarca en una misión frenética para demostrar que es el salvador de la humanidad antes de que el desastre que él mismo ha desencadenado lo destruya todo.

El mundo se está acabando. El mundo se va a la mierda. Muchas películas se han hecho sobre esta cruda y dura realidad, pero pocas se han atrevido a criticar las personas que han sido responsables del mismo suceso, con una perspectiva directa y sin tapujos. A lo bote pronto, recientemente podemos hablar de “Okja” (2017), con una mirada claramente medioambiental, o “No mires arriba” (2021), que apostaba por usar la comedia para adentrarnos en una reflexión sobre el fin de nuestros tiempos a nivel de los poderosos. Esta semana, la nueva obra del director mejicano Alejandro González Iñárritu, “Digger”, llega a nuestras pantallas para ofrecernos una nueva propuesta crítica sobre los tiempos que vivimos… y los que podríamos vivir.

El guion de la película ha sido construido a ocho manos, sin incluir que la historia original incluía, incluso a una quinta persona, Jez Butterworth. El propio director del film, Alejandro González Iñárritu, escribe junto a Alexander Dinelaris, quién escribió junto a él “Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia)” (2014), Nicolás Giacobone, responsable también de la película mencionada y otros films del director mejicano como “Biutiful” (2010) o “Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades” (2022), y Sabina Berman, quien debuta como colaboradora de Iñárritu, pero tiene experiencia escribiendo para Arturo Ripstein o Christian Keller films como “La tía Alejandra” (1980) o “Gloria” (2014). Es complicado hablar del guion de la película sin destripar mucho su historia, incluso al principio del film hay un mensaje pidiendo que no se hable de sus secretos a los demás, invitándoles a ir a verla para descubrir la experiencia por ellos mismos.

La trama empieza con el magnate del petróleo Digger Rockwell despertando en su mansión y encontrándose con que una de sus petrolíferas en Groenlandia ha provocado un desprendimiento de un iceberg gigantesco, que se acerca peligrosamente hacia Europa, amenazando con acabar con la vida de millones de personas, y tiene que encontrar una manera de lidiar con la situación. Es un punto de partida muy interesante y la construcción del personaje de Digger, que parece salido totalmente de “¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú” (1964), hace que sintamos una increíble curiosidad (que no empatía) por saber cómo actuará el egoísta, desvergonzado y cruel multimillonario. A partir de ahí, la película es un total descenso hacia los infiernos de un personaje cruel que toma las peores decisiones posibles pensando sobre su persona y su fortuna por encima del bien común. Decenas de personajes desfilan por la pantalla, cada uno más caricaturesco que el anterior, para demostrar que, aunque exista gente con buen corazón e intenciones, no son nada si por encima tienen personas sin escrúpulo alguno que están dispuestas a ignorarles y provocar el efecto contrario. Es una película valiente y no tiene ningún temor a tirarnos en cara todas las malas decisiones que hemos tomado, como sociedad, para cargarnos el mundo en el que habitamos, sabiendo que podríamos haberlo habitado.

Aunque el código del film sea mayoritariamente comedia, su afán por estirar a sus personajes hacia el extremo hace que se tambalee en una fina línea entre la crítica ácida y la parodia más absurda. Además, es muy reiterativa y cuando se repite el mensaje una y otra vez al final puede crear una desconexión con el espectador, especialmente cuando dicho mensaje interpela a las propias personas que lo están contemplando. Eso sí, el tramo final del film es un ejercicio de metacine crítico que funciona estupendamente dentro del conjunto y hará salir reflexionando de la sala a más de una persona que haya conectado con su propuesta, a la vez que alejará a mucha otra gente que haya encontrado el film una burla estúpida y de proporciones desmedidas. Es, sin duda una apuesta muy arriesgada por parte de guion y dependerá de cada uno decidir si entre o no en su juego. Al menos, podemos agradecer el intento de hacer algo tan fresco y difícil.

Tom Cruise es la absoluta estrella del film. Caracterizado de una forma bastante impresionante, el actor conocido por films como la saga “Misión imposible” (1996-2025), “Top Gun (Ídolos del aire)” (1986), “Minority Report” (2002) o “El último samurái” (2023); interpreta el magnate Digger Rockwell. Cruise se acerca más a su interpretación en “Tropic Thunder, ¡una guerra muy perra!” (2008), dónde daba vida al irreverente Les Frossman, un poderoso ejecutivo con aires de superioridad y bastante caricaturesco, acercándose peligrosamente a la sobreactuación digna de las peores películas del amado Nicolas Cage. Aun así, Tom parece encontrar un equilibro bastante bueno entre la exageración y el retrato de personaje avaricioso, ignorante y cruel, ofreciendo la que sea, posiblemente, una de las mejores interpretaciones de su carrera, depende de cómo se mire y, a la vez, una de sus peores.

Muchos espectadores encontraran su Digger pasadísimo de vueltas, aunque es algo que viene marcado por guion y con sentido dentro de la misma obra, pero si se dejan llevar por el tono cómico y ácido del film, podrán encontrar una interpretación brillante, muy divertida cuando se lo permite y totalmente irreverente (¡ese discurso en la ONU!) que demuestra que el actor neoyorkino, a sus 64 años, aun tiene mucho por decir. Otro actor que también está estupendo, a su manera, es John Goodman. A Goodman lo conocemos por películas como “El gran Lebowski” (1998), “Argo” (2012) o “Calle Cloverfield 10” (2016). Goodman está divertidísimo interpretando al presidente de los Estados Unidos Compson. Su personaje está en constante decadencia y tiene una presencia arrolladora, por lo que es muy importante encontrar el equilibrio entre la comedia y el miedo que imbuye su personaje, especialmente en la primera mitad del film, y Goodman lo borda estupendamente. Sin duda, una interpretación que dará mucho que hablar en la temporada de premios.

Riz Ahmed, conocido por la comedia “Four Lions” (2010), la cruda miniserie “The Night Of” (2016) o la estupenda “Sound of Metal” (2019), da vida al pobre científico Dr. Ganesh. Ganesh es el responsable medioambiental de la compañía de Digger y tiene la mala suerte de contar todos los detalles de las catástrofes que van sucediendo, intentando aguantar el temple ante el egoísmo imperante de las altas esferas, hasta que se entrega totalmente a la desgracia. Ahmed brinda una muy buena interpretación y sirve como el contrapunto empático del film que funciona estupendamente. Podemos estar horas comentando el inacabable casting, pero por el film pasan rostros de la talla de Sandra Hüller, Michael Stuhlbarg, Jesse Plemons o Emma D'Arcy, mucho más cometidos que sus allegados, pero a la vez divertidos y con interpretaciones bastante buenas.

Cómo ya comentábamos, el film viene dirigido por Alejandro González Iñárritu. Iñárritu ha dirigido obras de verdadero culto como “Amores Perros” (2000), “21 gramos” (2003), “Babel” (2006) o “El renacido” (2015). A lo largo de los años ha ido desarrollando un estilo propio que lo ha caracterizado y en “Digger” es uno de los sitios donde más se acentúa. La película tiene un claro planteamiento. En todo momento filma a sus personajes con planos algo contrapicados, deformando los cuerpos de ricos, poderosos y otros seres de las altas esferas, haciéndonos ser partícipes de la acción sintiéndonos como si fuéramos pequeñas hormigas a la merced dichos individuos que pueden decidir sobre nuestro futuro. Es una apuesta arriesgada, pero la mantiene perfectamente durante casi todo el metraje del film, solo rompiendo la perspectiva cuando algunos personajes de clase baja aparecen, dominados y sentenciados por las decisiones del propio Digger. Además, Alejandro opta por planos muy cerrados cuando sus caricaturas empiezan a tomar decisiones fatales, como sugiriendo que no podemos escapar de dicho mundo, aunque quisiéramos, siendo engullidos por estos seres sin empatía. Dicha apuesta se rompe, en la mayoría de los casos, para ridiculizar a los mismos personajes en grandes set pieces y decorados perfectamente medidos, cegados por su avaricia, ofreciendo una comedia con planos super abiertos que los hace parecer simples monigotes haciendo pantomimas. Una apuesta difícil pero que casa muy bien con el tono y el mensaje de la misma.

Tras ganar los Oscar a Mejor Fotografía por “Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia)” y “El renacido”, Emmanuel Lubezki vuelve a colaborar, una vez más, con su colega mejicano para fotografiar su película. Lubezki también es conocido por fotografíar films como “La princesita” (1995), “Sleepy Hollow” (1999), “El nuevo mundo” (2005), “Hijos de los hombres” (2006), “El árbol de la vida” (2011) o “Gravity” (2013), trabajo por el que ganó también un Oscar. Aunque la cámara se mueva poco en esta ocasión, los movimientos están muy medidos mediante grúas o railes y no hay mucha cámara en mano, solo en las contadas ocasiones donde la trama se rompe. La iluminación está sumamente cuidada y juega un papel esencial para adentrarnos en la fantasía presentada y romperla cuando la ocasión lo requiera. El color es interesante. Normalmente el color en los trabajos de Emmanuel es vívido y tiene una pátina como de ensueño. En “Digger”, la apuesta está en hacerla lo más fea y real posible, asemejando su imagen a los films grises y desalmados que han ido apareciendo en los últimos años, acercando el film lo más posible a la realidad, aunque eso genere rechazo, ya que es totalmente la intención de la película.

El diseño de producción es bastante impresionante.

La película trascurre en muchos escenarios ficticios que han sido cuidadosamente fabricados en sets. Desde la opulente mansión de Digger a la sede de la ONU en Europa o incluso el interior del Air Force One. Todo tiene una construcción intencionadamente teatral, como si viviéramos en una gran representación de la que no podemos ser partícipes y solo observar. Cómo ya apuntábamos, todos los elementos han sido cuidadosamente colocados para crear composiciones ajustadas por el director, con elementos prácticos que crean una comedia física entre absurda y genial. Los diseños de vestuario, maquillaje y peluquería crean unos personajes super alocados pero que tienen un sentido propio dentro del film. Digger es una caricatura perfecta de un magnate tejano con el vestuario que le caracteriza. La decadencia del Presidente ofrece una visión ridícula del mismo e incluso hay una progresión en los personajes secundarios. Finalmente, el equipo de efectos prácticos denota un amor enorme para hacer de la película lo más física posible, con elementos de paisaje que explotan o incluso un gato robot de lo más divertido y asqueroso. Todo combina perfectamente con los efectos digitales añadidos y hacen que pasen lo más desapercibidos posible.

Finalmente, la banda sonora ha sido compuesta por el joven músico Cosmo Sheldrake. Sheldrake debuta en el largometraje de ficción, aunque ya había participado en la música de los documentales “Descending the Mountain” (2021) y “Where Is Heaven?” (2023). Sheldrake apuesta por unas composiciones muy minimalistas para “Digger”, ofreciendo pequeñas notas que recalcan la tensión de la situación y que solo explotan a medida que el problema va creciendo, pasando de pequeños pianos e instrumentos de cuerda a rebotes de enormes instrumentos de viento y tambores que recuerdan un poco a las composiciones de Hans Zimmer. No hay una búsqueda para emocionar ni distraer al espectador con las melodías, sino que apuesta por dejar hablar a los personajes (y hablan mucho) y hacer que sean sus acciones las que marquen la tonalidad del film. Una apuesta muy acertada, aunque eso no haga lucir al músico inglés, cosa que le honra.

En definitiva, “Digger” es una apuesta arriesgadísima que critica sin tapujos no solo a las grandes esferas, su afán de riqueza por encima de todo y su ignorancia sobre los problemas medioambientales y sociales del mundo, sino también a nosotros, simples espectadores, que decidimos estar de acuerdo por seguir teniendo nuestras comodidades. Una comedia ácida brillantemente o desastrosamente interpretada y dirigida que camina peligrosamente entre la genialidad y el bochorno y que dividirá, sin duda, a gran parte de su audiencia.

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##check## Lo bueno

El guion no tiene miedo a decir todo lo que piensan sus responsables, para bien o para mal.
Cruise brinda una de las mejores (o peores) interpretaciones de su carrera y se disfruta.
Una apuesta de dirección con un claro mensaje.

##times## Lo malo

El constante interpelo a la audiencia puede generar mucho rechazo.
Las interpretaciones rozan tanto la sobre exageración que pueden incomodar.
Explotan, quizás demasiado, el recurso del gato de Digger.

[accordion]

Ambientación 8.0

Decorados perfectamente construidos con una apuesta teatral.

Desarrollo de Personajes 7.0

Hay una evolución en el cruel Digger que resulta satisfactoria a la vez que incomoda por su final.

Argumento / Guión 8.5

Generará mucho debate, pero si entras en su propuesta es muy buena crítica a la sociedad actual.

Banda Sonora 6.5

Aunque sea muy minimalista casa perfectamente con el conjunto y es bella.

Entretenimiento 7.5

Se basa mucho en largas conversaciones, pero lo estrambótico de las situaciones las hacen sumamente entretenidas.

Montaje / Innovación técnica 8.0

Una apuesta arriesgadísima que se agradece enormemente. Si entras en su propuesta es genial, sino te genera mucho rechazo.

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Puntuación Total 8 / 10

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