Non ha certo bisogno di presentazione il brano in oggetto, dopo il fragoroso ritorno degli ultimi tempi degli AC DC a distanza di circa 20 anni.

Un paio di curiosità tratte da wikipedia, poi la trascrizione del riff principale, e la base su cui suonare!

Back in Black è il titolo di un brano degli AC/DC, uscito nell’omonimo album (1980) e come singolo (1981).

Grande classico dell’hard & heavy, è stata riconosciuta al 4º posto nella lista stilata dall’emittente televisiva VH1 delle “40 migliori canzoni heavy metal della storia”[1], e figura (alla 187ª posizione) nella lista delle 500 migliori canzoni secondo Rolling Stone.

Ha inoltre ricevuto una certificazione dalla RIAA per il superamento del milione di download della suoneria di “Back in Black” effettuati dalla rete.

Scritta dal trio Malcolm Young/Angus Young/Brian Johnson, la canzone appare come sesta traccia dell’album Back in Black. Il pezzo si apre con uno dei riff di chitarra più celebri della storia del rock, costituito da tre semplici bicordi ripetuti (E5/D5/A5).

Ecco la base…buon divertimento!

[Audio clip: leggi l'articolo per ascoltare la base]

A luglio inizia a a fare caldo, è vero, ma cosa c’è di meglio per noi chitarristi che essere al mare e poter imbracciare la nostra beneamata chitarra? Ecco, magari non in spiaggia, che tra colpi di sole e botte di calore non è il massimo…ma durante le lezioni del Campus estivo CHITARRAMARE 2011!

Già l’anno scorso io ed Enrico Porazzi siamo stati invitati a suonare per uno di una serie di concerti didattici rivolti ai tanti chitarristi che popolano il campus. L’esibizione è piaciuta a tal punto che quest’anno la collaborazione ci sarà anche per quanto riguarda l’insegnamento durante tutta la settimana.

Io sarò presente e sarò l’insegnante di chitarra moderna ed elettrica. Quindi chi ha voglia di migliorare ed approfondire le proprie tecniche quest’estate, siano esse relative alla chitarra classica o elettrica, passando una settimana immersi (non solo nell’acqua  ) ma in un clima di alto profilo professionale ed in una gran bella cornice tra scorci di mar ligure e pesto alla genovese…batta un colpo!

Qui sotto trovate tutti i riferimenti e le info per tempi o modalità di iscrizione.

http://www.settecinquetre.it/chitarramare/2011/chitarramare-2011-4a-edizione/36

Mostreremo tecniche moderne, parleremo di improvvisazione, fraseggio, gestione dell’elettronica nei live, dell’interplay e di tanti altri aspetti esecutivi e stilistici che piacciono tanto a tutti noi chitarristi! Vi aspettiamo numerosi e volenterosi di rivolgerci domande e curiosità.

Ingresso 15 euro, è gradita la prenotazione.

Per informazioni 338/3131825 – 348/7454136

Location:
CPG – Via Erba 5 – Melzo
Domenica 29/05/2011 – 15:00

Si può caratterizzare il grado di apertura o di chiusura tonale attraverso la classificazione della stabilità citata sopra, dunque, la frase dotata del più alto grado di chiusura sarà quella che terminerà con la tonica; mentre la frase con il più alto grado di apertura tonale sarà quella frase melodica che termina sulla settima.

Scrivendo melodie una delle regole più importanti è che queste siano indipendenti, cioè che possano essere eseguite anche senza un accompagnamento armonico, e che da sole abbiano un senso, cioè, siano in grado di attirare l’attenzione dell’ascoltatore soddisfando, aumentando o frustrando le sue aspettative. In sostanza l’obiettivo è arrivare alla consapevolezza del risultato che otterremo sull’ascoltatore grazie alle scelte ritmiche e melodiche che stiamo facendo.

Un ottimo esercizio:
Considerate la scala maggiore in una tonalità che vi risulti comoda. Suonate la tonica sul vostro strumento (non è importante che sia un pianoforte o una chitarra, l’importante è che possiate cantare suonando e che il vostro range vi permetta di cantare tutte e sette le note della scala sopra la tonica). Ascoltando la tonica suonate il secondo grado della scala e risolvetelo sulla tonica. Continuando a suonare la tonica cantate il terzo grado e risolvetelo sulla tonica. Iterate il procedimento per tutti i gradi della scala. Vi renderete conto di come le note stabili non vi spingeranno a una risoluzione, mentre, quando canterete la sensibile non potrete resistere da alzare la nota di un semitono per raggiungere l’ottava rispetto alla tonica che state suonando.

Alcuni esempi:

alcuni studi di acustica e psicoacustica dimostrano che gli armonici udibili sono in realtà soltanto i pirimi sei. Da questa serie è possibile dedurre alcune proprietà interessanti:

• Gli intervalli più grandi sono in realtà i più vicini alla fondamentale, i più piccoli sono invece più lontani.
• L’intervallo di quinta giusta ha una posizione decisamente rilevante, risulterà dunque estremamente consonante per la sua vicinanza alla tonica in termini della serie degli armonici (è il terzo a comparire),  inoltre è chiara, sempre dalla serie la sua tendenza a muoversi verso la fondamentale come risoluzione, si pensi alle cadenze perfette (ad esempio D-7 G7 Cmaj7).
• La triade maggiore appare nei primi 5 armonici della nota, mentre la triade minore costruita sulla fondamentale non appare affatto.
• La quadriade di dominante compare procedendo fino al settimo armonico (Bb in figura), si noti dunque come non compaia una settima maggiore, bensì una settima minore!
• La sottodominnte (F naturale), non compare mai nella serie degli armonici.

Consideriamo ora la scala maggiore e proviamo a leggerla rispetto alla serie degli armonici:

C  — D — E — F — G — A — B — C

in ordine troviamo:

1. C fondamentale, secondo, quarto, ottavo,  sedicesimo armonico;
2. D nono armonico;
3. E quinto e decimo armonico;
4. F non compare;
5. G terzo, sesto e dodicesimo armonico;
6. A tredicesimo armonico;
7. B quindicesimo armonico.

Possiamo, a questo punto dare una classificazione delle note in termini di stabilità e instabilità: dalla più stabile alla più instabile avremo

fondamentale —> quinta giusta —> terza maggiore —> sesta maggiore —> seconda maggiore —> quarta giusta —> settima maggiore

Si nota subito come le note più instabili di fatto abbiano distino esattamente un semitono dalle due più stabili, rispettivamente, in C maggiore F—>E e B—>C. L’idea che questa disposizione ci suggerisce è che in qualche modo le note abbiano alcuni movimenti in qualche modo determinati naturalmente dalla loro dissonanza, (si potrebbe dire che siano in un certo senso geodetici, o di  minima azione). Questa condotta naturale si può esprimere in termini di tensione e risoluzione nel  modo seguente

D—>C

F—>E

A—>G

B—>C’

Dove C’ è il C l’ottava sopra.

1. Titolo: il titolo del brano viene scritto in maiuscolo e centrato nella prima pagina, sulla destra di indicano gli autori della musica e del testo —Music by:    Lyric by: — Se il brano si compone di più di una pagina è bene numerare le pagine addizionali e su queste scrivere il titolo del brano in alto a destra.
2. Groove: se è necessario scrivere delle indicazioni riguardanti il groove con cui il brano deve essere eseguito scrivetelo in alto a sinistra nella prima pagina.
3. Melodia: la melodia deve essere scritta in modo chiaro, evitate di riportare abbellimenti ritmici o melodici che non danno un contributo forte alla melodia.
4. Armonia: gli accordi vengono scritti in sigle e vanno posizionati esattamente sul quarto o sulla frazione del quarto dove vanno suonati, dunque se per tutta una battuta dovremo suonare un Cmaj7 questo andrà scritto all’inizio della battuta, (sul primo quarto), e non come spesso capita in centro alla battuta. Così se in una battuta desideriamo che sui primi tre quarti venga suonato un B-7 e sull’ultimo quarto un E7, allora scriveremo B-7 all’inizio della battuta e E7 proprio sul quarto quarto.
5. Testo: ogni sillaba deve essere posta esattamente sotto la nota su cui viene cantata.
6. Trattini: separate le sillabe con dei trattini.
7. Linee: disegnate una linea dopo la sillaba se questa viene prolungata oltre la nota sulla quale viene cantata da una legatura
   
8. Legature: se una sillaba occupa più di una nota si scrive una legatura sul gruppo di note associate alla sillaba.
9. Linee di basso: se il brano ha una linea di basso particolarmente caratterizzante scrivetela all’inizio del vostro lead sheet dando delle indicazioni sulla parte del brano in cui deve essere suonata.

• quanto è disgiunto il moto melodico e se è possibile cantare gli intervalli che avete scelto;
• se avete lasciato spazio per i respiri o se le frasi che avete scritto sono troppo lunghe o fitte;
• se il range vocale è appropriato o meno, e se nel succedersi delle frasi ci sono cambiamenti di range troppo repentini.

Se è possibile sapere in anticipo chi eseguirà i brani che avete scritto, è sicuramente preferibile adattare la vostra linea melodica alla tessitura vocale del cantante, altrimenti potete prendere come riferimento il range che vedete sullo spartito:

Iniziamo questo piccolo corso di Melody in Songwriting dando alcune semplici definizioni.

• Si dice melodia una successione di note caratterizzata da un certo ritmo.
• Una frase melodica è generalemente un percorso melodico che porta tensione o risoluzione, in sostanza una melodia tale da soddisfare, accrescere o frustrare le aspettative dell’ascoltatore.
• È possibile giustapporre frasi brevi al fine di formare una frase melodica più lunga.

L’incedere melodico può essere di due tipi:

• Movimento melodico congiunto: la melodia si muove da un grado di una scala al successivo, (la melodia procede per intervalli di seconda).
• Movimento melodico disgiunto: la melodia procede per intervalli strettamente maggiori di una seconda.

Moto melodico congiunto:

Moto melodico disgiunto:

Il brano risale al 1970 e raggiunse la posizione #4 nella Billboard Hot 100. Il singolo è stato inserito nell’album Abraxas, diventando più facilmente associabile a Santana che ai Fleetwood Mac (gli autori originali del brano).

È tendenzialmente in D minore, con l’armonia che segue il I, IV e V grado.

Questa stessa versione è stata scelta per l’inclusione nel videogioco Guitar Hero III. Ok ora mettiamo da parte la playstation e la sua chitarrina di plastica e tiriamo fuori lo strumento vero!

Gustiamoci la versione originale con un giovanissimo Carlos e subito dopo la base su cui studiare.

Ecco la base:

[Audio clip: leggi l'articolo per ascoltare la base]

Oggi vediamo come sviluppare la nostra tecnica sui pull-off imparando il lick finale di “Sultan of Swing”. Chi non ha mai sentito questo brano rimedi sudito

Mark Knopfler, il chitarrista e cantante dei Dire Straits, ha una tecnica molto particolare della mano destra, noi suoneremo il fraseggio in questione con il plettro, come i comuni mortali .

Diamo un’ occhiata alla trascrizione:

Abbiamo tre diteggiature da imparare, si tratta di tre triadi: Dm, Bb e C.

Nella prima misura abbiamo il Dm; le note al X tasto vanno suonate con un piccolo barrè dell’indice. Cerchiamo di non farle suonare contemporaneamente, ossia in nostro “mini-barrè” si deve muovere in modo da fare suonare la corda che ci interessa e stoppare quella che non serve.

Occhio alle pennate, sono indicate nella prima misura e valgono anche per le successive. E’ fondamentale non cambiarle per ottenere l’effetto ritmico desiderato.

Le prime due note sono legate con un pull-off. Cerchiamo di non fare sentire la differenza tra le note plettrate e quelle legate, nel senso che il volume delle note ottenute con il pull off deve equivalere a quello delle note plettrate e anche la figura ritmica (quartina di sedicesimi) deve essere precisa e regolare.

Nella seconda misura troviamo la triade di Bb e nelle ultime 2 quella di C. E’ la stessa diteggiatura suonata prima al X tasto e poi al XII. Rispetto alla diteggiatura del Dm questa è più semplice, quindi conviene inziare ad esercitarsi da questa. Per ottenere dei risultati concreti è importante partire da una velocità metronometrica bassa, tale da permetterci di ripetere il lick senza errori.

Buon divertimento e a presto!