La Macchina Scenica

DISTRIBUZIONE DEI CANALI AUDIO SUL MIXER

2013-09-08T05:48:00.000-07:00

Spesso per le persone che si avvicinano al mestiere di fonico in modo amatoriale non viene spiegato loro come distribuire le varie sorgenti sul mixer in modo che ognuno possa identificare con intuitività e poco sforzo quale è il canale di tal microfono, della chitarra, del cd, ecc …

Alcuni inseriscono le entrate sul mixer a caso, convinti che ogni canale sia identico all’altro con seri problemi poi di identificazione o con appiccicosi nastri adesivi descrittivi incomprensibili con frecce indicatrici che solo loro comprendono! Non ci sarebbe nulla di male se nella loro confusione riuscissero poi a distanza di ore a raccapezzarci ma il problema diventa grave se poi un altro fonico deve mettere mano al vostro montaggio! Immaginatevi cosa succederebbe se in una pila di quindici radiomicrofoni il sesto è nel canale tre, il tre nel canale quindici ed il quindici nel canale uno … già ci pensano i relatori a scambiarsi i microfoni se poi vedete nel ricevitore quello che modula ma non lo trovate nel mixer per amplificarlo il vostro lavoro diventerà epico! E se decidessimo di dare dei colori agli stessi? Stessa cosa! difficilmente avrete la prontezza di identificarlo e con tanti microfoni … auguri.

Per questo si usa distribuire i canali sul mixer “ a lettura”. Significa che ciò che vedete all’estrema sinistra del palcoscenico sarà sul canale uno e ciò che sarà sull’estrema destra nell’ultimo canale utilizzato. Così visivamente avrete un incontro diretto di ciò che succede e prontamente potrete agire sul mixer tempestivamente.

Per quanto riguarda invece una pila di ricevitori di radiomicrofoni, il primo in basso corrisponde al canale uno mentre l’ultimo in alto all’ ultimo canale utilizzato.

Per il live o per la registrazione (ed il missaggio) musicale multi traccia, la disposizione è molto simile. Unica cosa è che la batteria, di solito occupa i primi canali del mixer. Questo deriva dalle vecchie registrazioni a nastro. Sui nastri da quarti o da pollici, l’intera sezione del nastro, rispondeva in modo diverso alle frequenze registrate. Il nastro aveva alla sua estremità sinistra, un deterioramento maggiore e rispondeva meglio alle basse frequenze rispetto alle alte. Da questo, il primo canale del mixer è sempre dedicato alla grancassa. Poi al rullante (anche se sarebbe più opportuno assegnargli via via i tom), charleston, toms (appunto), over head left( panoramico), over head right (panoramico). Poi di seguito basso, chitarre, voci (sempre al centro del nastro dove la resa sonora era migliore), tastiere, …

Alcuni preferiscono amplificare con due microfoni il rullante: uno sopra, ed un microfono sotto, alla cordiera ma dell’ amplificazione della batteria e dei vari strumenti parlerò in un'altra occasione.

Roberto Iacomucci

COME REALIZZARE UN PROPRIO C.D. MUSICALE

2013-08-22T13:55:00.000-07:00

COME REALIZZARE UN PROPRIO C.D. MUSICALE

Proprio oggi ho incontrato un mio amico compositore, giovane alle prime armi con la burocrazia italiana in fatto di pubblicazioni audio ed entusiasta dei suoi brani con i quali vorrebbe completare il suo primo cd solista. Mi ha chiesto come poter fare per stampare, realizzare una copertina e chiaramente poter divulgare la sua musica.

La prima mia domanda è stata: ma hai già registrato i tuoi brani in uno studio? No, mi rispose ho solo delle tracce o delle basi realizzate con il mio piccolo computer…

La seconda domanda, tanto per capire…cosa vuoi farci con il tuo cd? – venderlo nei negozi che conosco o ai miei concerti. Fu la risposta.

Terza stupida domanda…ma sei iscritto alla S.I.A.E.? no, guardandomi con occhi sospettosi come se si immaginasse che io abbia pensato di rubare le sue canzoni!

Io non ho nessuna intenzione di impossessarmi del tuo materiale, se voglio della musica la compongo, gli risposi ma se tu hai questo presentimento, che qualcuno ascoltando la tua musica possa farla propria, innanzi tutto devi tutelarla! Iscriviti prima all’ente come compositore, deposita i tuoi brani e poi costruisci il tuo disco.

Come faccio? Mi chiese…Beh, dopo esserti iscritto pagando la relativa quota, deposita i brani con adeguato spartito, ove basta segnalare la melodia e l’accompagnamento tramite i moduli prestampati che trovi nelle sedi S.I.A.E.. Poi devi trovarti uno studio di registrazione e creare la registrazione multitraccia, il missaggio e l’editing. Cioè un prodotto dove le sonorità ti rispecchiano, gli arrangiamenti ti soddisfino ed il master finale suona come un disco vero di quelli che compreresti tu stesso in un negozio.

Tanti artisti adottano studi diversi per queste operazioni ma potresti anche trovarti bene in un unico studio, se trovi feeling con i tecnici…

Una volta che hai realizzato il master devi pensare alla copertina, al suo formato, alla grafica, le foto, i testi se vuoi includerli, le note…insomma tutto ciò che vuoi rappresentare visivamente. È un’altra operazione importante se pensi che molte persone acquistano dischi solo per la copertina!

Terza cosa, la più fisica ed industriale è stamparlo. Ci sono diverse ditte che fanno questo servizio, hanno bisogno delle prime due cose e cioè master audio, copertina realizzata in bianco/nero o quadricromia con le misure esatte per la stampa, (ti daranno loro una delma per questo) sapere se vuoi un digi-pack o una confezione standard e di una delibera S.I.A.E.

Senza quest’ultima non stampano niente, oltre ai bollini che devono appiccicare singolarmente al prodotto. A meno che non ti metti tu stesso a duplicarli uno per uno. Un po’ come una volta si realizzavano i demo-tape su nastro a cassetta ma ciò ti impedirà di poter vendere i tuoi dischi nei negozi specializzati, al massimo potrai venderne qualche copia sottobanco ai tuoi concerti e se poi realizzi il master da solo, senza conoscere le basi di registrazione e missaggio, dovrai “scusarti “ come si faceva negli anni ’80 con gli acquirenti dicendo che la qualità è scarsa! Alzate il volume del vostro stereo, oppure, attenuate i bassi e così via…

Chiunque spenda soldi per un prodotto esige che questo funzioni bene altrimenti dovrai regalarlo a chi ti viene ad ascoltare o agli amici, se non vuoi fare brutta figura.

A questo punto la sua domanda di rito. “ma quanto mi costa?”

Lo scoglio più importante per un musicista che si autoproduce.

Non saprei quantificare così su due piedi… ma quanti brani hai intenzione di incidere? “Otto”. Fu la risposta, “forse nove…”

Beh, nove brani da un amico che ha uno studio ti costeranno circa 4000 euro…( se è abbastanza bravo) conta che ci vuole del tempo. Poi la copertina…altri 3/400 euro da un grafico al quale tu dai tutte le indicazioni ed immagini, senza servizio fotografico o quant’altro. Solo per l’assemblaggio e poi c’è lo stampaggio. Di quante copie? 100 mi rispose. Cento costano come 500 gli dissi. Devi contare la masterizzazione necessaria agli stampatori, poi un costo per ogni copia ed il costo per ogni bollino S.I.A.E., ma non conviene stamparne poche copie perché il costo più alto per lo stampaggio è proprio il master. quello che con i vinili si chiamava glass master.

Il costo di stampa per ogni cd è inferiore se il numero è maggiore.

Ci penserò, mi rispose. Del resto è un bell’investimento. Sì, risposi, un investimento su te stesso e sulla tua arte con il quale sicuramente farai un salto di qualità.

Questa è la procedura in poche parole per realizzare un disco autoprodotto a meno che non si investa qualche migliaio di euro in più e si crei un piccolo studio personale adatto alle proprie necessità e si sperimenti sino a che non si ha un prodotto qualitativamente apprezzabile.

Roberto Iacomucci

AUDIO - Il Giusto Volume

2013-08-21T00:49:00.000-07:00

IL GIUSTO VOLUME

Quale volume tenere ad un evento? Direi senza sbagliarmi che dipende dall’evento!

Per conferenze ed inaugurazioni di mostre io mi baserei su un volume generale soft dei microfoni dei relatori e dei contributi audio o video se esistenti. Di un emissione maggiore rispetto al vociare dei presenti in attesa dell’inizio ma non alzerei tanto il master del mixer. Il pubblico deve poter sentire le parole del relatore con chiarezza ma non è un concerto. Deve poter essere avvolto dal suono ma non aggredito. Ci deve essere concentrazione e maggiore è il volume maggiore sarà il disinteresse causato dal fastidio. Se il luogo è piccolo, consiglio un buon seppur contenuto impianto di almeno 600W per poter sfruttare con un volume adeguato la pulizia del suono. Con un paio di casse di minor portata dovremmo “spingere” il volume lavorando così alla soglia della distorsione. Se il locale invece prevede un buon palco ed una sala di almeno 800 posti, sfrutterei un buon impianto montato in americana o sospeso in modo che dovendo amplificare maggiormente i microfoni non rischio di assordare le prime file e di non avere copertura in fondo sala. Gradirei anche altre due casse laterali a metà sala linkate o meglio comandate da un sub master del mixer. Questo non vale per i meeting di compagnie multilevel in quanto in queste occasioni serve, soprattutto nel momenti di “carica” della musica e dei microfoni talmente alti da creare un euforia quasi da discoteca. Per un comizio in piazza la voce del politico deve galvanizzare l’attenzione di tutti ed il volume ed il messaggio devono essere ben presenti in ogni angolo. Quindi grandi impianti e grandi volumi.

Per una musica di sottofondo, come ad esempio per un relax o per accompagnare un voce narrante la base deve essere percettibile ma non direttamente leggibile. Deve avvolgere e non sopraffare. Deve essere piacevole e non invadere. A questo proposito consiglio una musica strumentale, non cantata.

Se per una cena o un punto di ritrovo, ricordatevi che nessuno principalmente è venuto per ascoltare musica ma per mangiare o per conversare e fare relazioni sociali e non è carino che si ritrovino ad urlare.

Differente per i live show, le discoteche e qualsiasi evento si voglia stordire nel bene o nel male le persone coinvolte. L’evento è il suono ed il pubblico deve essere sopraffatto dal suono, stupefatto. Grandi spazi grandi watt, musica live o dj set devono richiamare l’attenzione e magnetizzare. Per un concerto il suono anche di kw deve essere pulito mentre per i dj’s la cosa è meno importante e maccheronica. Tutto a palla sino a che ogni indicatore led non è fisso sul rosso! La distorsione è ammessa a favore della potenza.

Alcuni services audio usano dei limiters fra il mixer ed il P.A. per salvaguardare i loro costosi impianti.

Concezioni diverse, luoghi diversi e culture lontane. Pensiamo alle orchestre di musica classica che con l’amplificazione hanno un rapporto strano… vorrebbero che tutto sia acustico ma siccome l’emissione di un violino non può riempire un arena (forse un piccolo teatro) il musicista non ama vedere ne cavi ne microfoni (tranne i musicisti “evoluti” che usano violini amplificati) e tutto nell’allestimento deve sembrare invisibile. Si usa anche far scendere dal graticcio di un teatro dei microfoni panoramici a scomparsa nascondendoli dietro un cielo per non farli notare. Altrimenti aste e microfoni dinamici (o panoramici) per ogni sezione.

L’amplificazione è una cosa particolare per ogni situazione. La sua esigenza in teatro deve essere quasi impercettibile, naturale come in un opera lirica. Il suono dovrebbe sembrare provenire dal palcoscenico, dalla buca d’orchestra e dai cantanti e non dalle casse acustiche. È questa la sensazione giusta. Molti fonici credono di essere pagati a watt e non a prestazione. Un buon lavoro ed una buona amplificazione dipende dalle circostanze e fa nel nostro mestiere un buon fonico.

Roberto Iacomucci

CONNESSIONI AUDIO

2013-04-05T09:22:00.002-07:00

CONNESSIONI AUDIO

PARLIAMO DELL'AUDIO - MONO O STEREO?

2013-04-05T09:13:00.000-07:00

PARLIAMO DELL’ AUDIO

Mono o Stereo?

Girando per locali d’intrattenimento, ristoranti o circoli privati mi ritrovo spesso a notare come dei dj improvvisati o gestori di locali fatichino nel far funzionare sistemi audio molto semplici costituiti da un semplice mixer a pochi canali ed un paio di casse amplificate, giusto il necessario per far ascoltare alla clientela un po’ di musica o al massimo un paio di microfoni se si tratta del piano barista che intende cantare su delle basi.

Quello che è più sconcertante è che questi improvvisati signori spendano i loro quattrini per strumenti economici risparmiando ancora di più sui cavi di connessione.

Ed a volte sbagliando clamorosamente sulla scelta del cavo microfonico o dei collegamenti mono- stereo. Pare che con un semplice cavo di corrente sia possibile “allacciare” qualsiasi apparecchiatura audio saldandoci all’estremità il giusto connettore. Non è così.

Ho imparato che i cavi di connessione a volte sono più importanti delle apparecchiature usate. Ho conosciuto diversi fonici di studio o live che equalizzano un suono di sorgente con la scelta ponderata del cavo. Con la sua sezione, la sua composizione tecnologica e la sua lunghezza.

Non voglio assolutamente imitare o profetizzare il lavoro e l’esperienza di professionisti ma almeno aiutare coloro che malgrado tutto sono costretti a cablare un piccolo impianto per poter realizzare una serata fra amici.

Le connessioni audio più frequentemente usate sono Quattro:

1 jack mono per strumenti musicali (es. chitarre, Bassi, tastiere)

2 pin jack (rca) per cd player, dvd

3 cannon xlr per microfoni, uscite master mixer

4 mini jack stereo per personal computer, smart-phone

Una chitarra elettrica ha come uscita sempre un connettore jack mono femmina indistintamente dal numero di pick-up che ha sul suo corpo. (di solito tre; uno al manico, uno al ponte ed uno intermedio) mentre una tastiera spesso ha due uscite di collegamento per l’effetto stereo, quindi una per il canale di sinistra (left) ed una per il canale di destra (right). A volte, se si decide di collegarla in mono (un solo canale) basta usare il solo canale sinistro (left). Se si tratta di una tastiera poco professionale occorre usare l’uscita per le cuffie che comunque è stereo, quindi un jack stereo.

Oltre alla diversità fra jack mono o stereo, dobbiamo in qualche modo capire la differenza fra un cavo bilanciato o sbilanciato: un cavo sbilanciato (come un cavo mono ad esempio) ha al suo interno un unico filo positivo detto “caldo” ed una calza collegata a massa (negativo).

Un cavo bilanciato ha tre contatti: un filo rosso per il collegamento positivo (caldo), uno di colore blu per il negativo (meno) e la calza per il collegamento di massa a terra.

Un mio amico un giorno mi duplicò un immagine molto utile dove tutte queste connessioni sono spiegate in modo molto semplice ed esplicativo.

Condivido con voi questo piccolo tesoro. Buon lavoro.

Roberto Iacomucci

INTRAPRENDENZA E SPERIMENTAZIONE

2013-02-07T05:39:00.001-08:00

INTRAPRENDENZA E SPERIMENTAZIONE

La mia intraprendenza mi ha portato ad eseguire lavori importanti ed a risolvere problemi sul campo e nell’immediato non perché io abbia studiato fascicoli e libri e teorie considerevoli di chissà quale genere o mestiere ma solo perché ho sperimentato ed improvvisato “sulla mia pelle” e sulle mie strumentazioni forme e condizioni sconosciute, legate più al cospetto dell’oggetto e della materia piuttosto che alla lettura.

Ricordo di come sperimentavo con amici i primi registratori a nastro Revox o Geloso a due tracce (i primi registratori stereo) e di come poi siamo venuti a conoscenza che un sistema da noi adottato per la registrazione multi traccia si chiamava SOUND ON SOUND.

Eravamo già in grado di poterlo usare e conoscevamo i suoi pregi e difetti quando altri “colleghi” lo scoprirono. Anche se questo sistema risale agli anni ’60 noi nel decennio successivo non avevamo la possibilità di informazione che ora abbiamo grazie ad internet ed i libri in materia erano così costosi e difficili da reperire che con quello che disponevamo preferivamo comprarci strumenti ed impararli ad usarli a volte grazie al manuale delle istruzioni!

In merito ricordo il primo registratore multi tracce a cassette che comprai…

Portato a casa senza imballo ne istruzioni visto che l’avevo acquistato usato provai subito ad accenderlo. Wow si accendeva e quella meccanica mi sembrava così robusta e precisa con il punch-in e punch-out e tutte le memorizzazioni che spinsi subito il tasto play. Ma la meccanica non girava!!! Non succedeva niente! Mi allarmai e convinto di aver comprato con i miei risparmi uno strumento rotto mi disperai. Poi il lampo di genio! Dovevo inserirci la cassetta!!! Cosa che con i normali registratori a cassette non era necessario per veder girare i motorini, solo il pulsante rec non si attivava.

Un sospiro di sollievo mi innondò e la gioia di poter sperimentare tutti quei pulsanti nuovi non mi faceva dormire la notte.

Quindi per noi la sperimentazione era lo scopo del lavoro e delle nostre giornate e scoprivamo giornalmente cose nuove come un bimbo che per gioco parla inglese e poi scopre che è una lingua. Da bambini ci divertivamo a creare band musicali senza strumenti. La batteria era realizzata con fusti di detersivo ed i piatti con cerchi di cartone fissati su stecchi di legno, le chitarre manici di scopa. Non ci serviva altro, suonavamo e basta (per modo di dire). I primi veri strumenti vennero dopo, quando i nostri genitori esausti dalle nostre richieste si decisero ad investire qualche migliaia di lire su una chitarra usata o su dei fusti di legno per batteria. I microfoni erano superfui…così io ho imparato a suonare, a capire se una chitarra si poteva collegare ad un amplificatore che nella migliore delle ipotesi era uno stereo di casa o una vecchia radio a valvole.

Le fender, gibson, Marshall ecc vennero dopo.

Ora in questo grande permissivismo e consumismo ed offerte di mercato avviene l’esatto opposto. Come dice un mio amico: “ha l’i-phone ma non sa nemmeno accenderlo!”

Credo indubbiamente che la tecnologia abbia fatto passi da gigante ma non per questo se non si ha a disposizione il microfono “giusto” si debba per forza mandare tutto all’aria. E che non ci sia bisogno per le nuove generazioni che si affacciano all’audio o ad altri mestieri studiare chissà quali parametri prima di mettere mano su una attrezzatura.

Credo siano importanti poche regole basilari su poi studiare e costruire. Mio padre mi insegnò che i mestieri si imparano osservando altri. Credo che le seguenti regole siano importanti:

1) Talento e predisposizione

2) Orecchio o “occhio”

3) Adattarsi, flessibilità e sapere dare il meglio con pochi mezzi

Ho così basato la mia professione sapendo in principio le nozioni basilari e tutti i miei successi li ho ottenuti usando in audio le mie orecchie ed il mio istinto.

Ogni situazione è fine a se stessa e se non riesci ad essere flessibile al fine della giusta riuscita non otterrai nulla. L’adeguamento è intelligenza ed introspezione e crescita. La rigidità ottusità ed ignoranza.

Preferisco avere come musicista un fonico che intuisca cosa intendo fare invece di un mega-tecnico che in base all’ xy dei microfoni ed ai Db e la risposta in frequenza io debba suonare in un altro modo. È lui che dovrebbe sapere cosa ricavare da un suono e non io che devo produrre quello che a lui piacerebbe sentire. Se registri i suoni della natura la natura non cambia in base al registratore che hai. Tu devi conoscere il tuo registratore ed utilizzarlo al meglio.

Questo principio è molto valido per il live o per il lavoro on the road e soprattutto per tutti quei concerti in cui Dio perdona i musicisti perché non sanno quello che fanno…(se sei un fonico sappi che se si sente male è sempre colpa tua, quindi adattati e fai si che tutto sia ok prima di tapparti le orecchie).

Io sono fonico, tecnico e regista di spettacoli, compositore e polistrumentista e tutto se non fosse per la mia indiscussa pazienza e malleabilità non sarebbe mai avvenuto.
Roberto Iacomucci

MONOFONIA E STEREOFONIA

2013-01-27T04:20:00.000-08:00

PARLIAMO DELL’AUDIO

MONOFONIA E STEREOFONIA

L’audio è la propagazione nello spazio di suoni, rumori, comunicazioni e segnali percepiti tramite l’ orecchio umano ed animale causati dalla natura o da strumenti o semplicemente dal genere umano ed animale stesso. Parlare di audio in modo astratto e generico è sicuramente dispersivo e comunque l’uomo spesso definisce come audio musica, informazioni verbali e suoni catalogabili in diverse fasce di studio ed adatti alla meccanizzazione ed alla riproduzione. Tralasciando per ora la bellezza della natura e le potenzialità del nostro splendido apparato uditivo ove il suono può avere molteplici origini, mi concentro solo in un unico aspetto dell’ audio, quello sicuramente più vicino al mio mestiere che include la ripresa microfonica e la diffusione tramite speaker o cuffie e la registrazione analogica o digitale.

A questo punto possiamo parlare di segnali e sorgenti. Sappiamo che un microfono spesso capta in modo monofonico ed un compact disk ha un suono stereo ma cosa significa? La monofonia è la ripresa e la diffusione di un unica informazione sonora. Questo suono può essere percepito da un unico microfono o in registrazione destinato ad un'unica traccia e divulgato da un solo altoparlante. Anche se più diffusori possono essere collegati in cascata (parallelo) per coprire l’ascolto in ampi spazi, il suono sarà sempre lo stesso.

La monofonia è stata la prima tecnica che l’uomo scoprì e sicuramente la più semplice ed importante anche se oggi, specialmente nella diffusione di suoni si usano altri sistemi. Qualche nostalgico cantante degli anni ’50 ancora usa questo tipo di sistema per i suoi spettacoli convinto di riuscire a dare al pubblico lo stesso ascolto e che in questo modo uno spettatore a destra della sala non sia né svantaggiato né privilegiato rispetto a quello di sinistra…

In ogni caso un microfono dinamico o panoramico nella maggiore delle ipotesi è sempre una sorgente monofonica e quindi divulgandola in modo stereofonico si avrà sempre un ascolto mono, o per meglio dire falso-stereo. Se provate a registrare un segnale del genere in una traccia audio mono del vostro registratore, vi accorgerete che sarà molto utile modificare il pan pot del vostro mixer. Infatti mantenendo un pan centrale (left e right) il segnale risulterà più debole rispetto ad un segnale monofonico in cui il pan del mixer è posizionato solo su left (o right). Se provate inoltre ad invertire il vostro pan vi renderete conto che il segnale all’ entrata del vostro registratore è uguale a zero.

La stereofonia invece prevede la diffusione di segnali più complessi con molteplici informazioni sonore destinate a diversi altoparlanti posizionati in modo diverso. Spesso si può riassumere definendo l’ascolto stereofonico da due sorgenti una sinistra ed una destra. Questa si basa su il principio del nostro sistema di udito parallelo (due orecchie e due emisferi celebrali). Molto utilizzato per spettacoli dal vivo in quanto da la sensazione di un ascolto spaziale completo e conforme all’ aspetto visivo rivelando le posizioni relative ad ogni singolo musicista. Maggiori saranno i segnali e di conseguenza le sorgenti, maggiore sarà il senso avvolgente dell’ ascolto. Provate ad ascoltare un cd in cuffia chiudendo gli occhi. Avrete sicuramente un immagine mentale chiara di un gruppo sul palcoscenico. Devo dire comunque che molti musicisti alle prime armi con poca esperienza dal vivo ed abituati ad un ascolto stereofonico casalingo, fanno molta difficoltà a comprendere un sistema di ascolto diverso. Sono impacciati sul palco, insoddisfatti e nervosi e poco attenti a trovare i loro punti di riferimento uditivo persino dalla loro linea monitor (mono)! Forse da spettatori sono felici di ciò che ascoltano dalle loro band preferite ma da protagonisti si devono sicuramente disintossicare dell’ idea che tanti altoparlanti non determinano un ascolto preconfezionato. La cosa peggiora se si propone loro un ascolto stereofonico anche sul palcoscenico tramite due “side speaker” . Disturbati dall’ emissione naturale dei loro amplificatori o strumenti acustici e dalle loro posizioni sul palco potrebbero persino avere problemi ad andare a tempo. Ho conosciuto un gruppo musicale che addirittura invece di comprendere il problema ha cercato di farsi costruire strumenti stereofonici…

La stereofonia comunque è impiegata in molteplici contesti. Dalla musica alla radiofonia, dalla televisione al cinema. Derivate da questa scoperta del 1931 dell’ ingegnere inglese Alan Dower Blumlein sono la quadrifonia scoperta negli anni ’70 oggi di scarso utilizzo e la tecnica dolby system o surround molto impiegate nel cinema.

Roberto Iacomucci

PARLIAMO DELL' AUDIO

2013-01-15T02:18:00.001-08:00

PARLIAMO DELL’ AUDIO

È affascinante per un fonico o per una qualunque persona che si voglia immergere in una ricerca quante informazioni si possono ottenere navigando nell’infinito mare del web e di quanto può essere soddisfatta la sete di conoscenza. Addirittura ci si può perdere dietro un concetto o una parola chiave sino ad arrivare all’ essenza, alla sua infinita storia e curiosità insperate.

Questo è quello che mi è successo digitalizzando su un motore di ricerca la semplice parola AUDIO. Nella scuola tecnica che ho frequentato si limitarono a spiegarmi che l’audio non è altro che il propagarsi di vibrazioni emesse da una sorgente sonora e percepite a distanza da un dispositivo capace di decodificarle. E che il nostro “limitato” orecchio riusciva a decodificare solo i suoni di una certa portata. Da qui in poi solo calcoli su transistor ed integrati, resistenze, diodi e condensatori e sezioni di cavi…in amplificatori e traduttori con mia unica soddisfazione sentire alla fine parlare di watt o di hertz. Forse avrei dovuto fare studi classici per sentirmi dire che AUDIO dal latino significa ASCOLTARE. L’ informazione sonora può viaggiare o sottoforma elettronica all’interno di dispositivi o nello spazio in onde elettromagnetiche o chiaramente in questa ultima epoca sottoforma di LUCE all’ interno di FIBRE OTTICHE.

Ed è prima forma di comunicazione per noi umani o animali, fonte di svago, descrizione e magnificenza per coloro che operano nella musica o nelle arti visive e forma medica per chi opera in questo settore. Naturalmente prima ancora di poter pensare a quest’ ultima ipotesi (argomento che tratterò) si è studiato tanto per potere propagare informazioni più lontano possibile ed infatti il primo progetto a riguardo è stato proprio il telefono. Poi la REGISTRAZIONE. È inoltre curioso riuscire a capire ciò che succede nel cervello umano durante l’importante lavoro che il nostro orecchio fa incondizionatamente ed incessantemente facendoci percepire ogni suono, ogni sfumatura sino ad arrivare al nostro piacere o al nostro disgusto. A questo riguardo consiglio a tutti di leggere i libri scritti da uno dei più importanti otorini del nostro tempo: ALFRED TOMATIS.

O addirittura studiando i benefici o malefici della parola pronunciata e di quello che succede nel nostro corpo pronunciandola o ascoltandola, o del perché un tavolo ha quel suono…

Senza soffermarci comunque in meandri così vasti o calcoli matematici e grafici e semplificando la vita di noi addetti ai lavori sporchi, possiamo semplificare estremamente la cosa dicendo che la potenza di emissione di un suono, quindi la sua forza viene misurata in WATT o KILOWATT e la sua FREQUENZA in HERTZ o KILOHERTZ. Una bassa frequenza è un suono grave di pochi hertz mentre un suono acuto è di alta frequenza. Nella trasmissione di segnali a lunghissima portata (come ad esempio il segnale radiofonico o televisivo lanciato da un emittente) viene impiegato una frequenza portante nell’ ordine dei MEGA o GIGAHERTZ ma questo è un altro studio. L’audio essendo in stretta relazione con l’elettronica può essere a sua volta analogico o digitale. ANALOGICO risente dei cambiamenti temporanei in ogni istante mentre in DIGITALE (nato con il primo computer nel 1941) un suono (o un segnale elettronico) viene codificato in eventi che hanno come portata temporale UNO o ZERO e queste informazioni sono raggruppate in byte (un byte è uguale a 8bit).

Mi occuperò nei prossimi articoli di parlare di suoni monofonici e stereofonici, di registrazione audio analogica e digitale di mixer e di manipolazioni audio che nel cosso del tempo ho utilizzato e sperimentato.

IL PROFUMO DEI LUOGHI NELLO SPETTACOLO

2012-11-04T04:50:00.001-08:00

IL PROFUMO DEI LUOGHI

Quando decisi di aprire questo blog pensavo di scrivere post più tecnici, improntati su schemi di lavoro ed appunti. Grafici ed elettronica.
sicuramente arriverò a questo ma fino ad ora mi sono accorto di aver descritto solo le mie emozioni, le sensazioni ed una certa analisi personale del mondo dello spettacolo. Il profumo dell'ambiente...
infatti potrei parlare anche di questo, dei profumi che si percepiscono nei luoghi di spettacolo.
"chi annusa la polvere del teatro non dimentica più il suo odore". Questa è una frase più volte ripetuta da uno dei docenti della scuola per macchinisti teatrali che frequentai tanti anni fa. ed è vero!
Entrare in un palcoscenico di teatro e vivere nei meandri nascosti di questo magico stabile è qualcosa di unico. l'odore della canapa delle corde, del legno e della colla di coniglio usata per le scenografie.
Delle gelatine "filtri" riscaldate dalle luci accese, dei trucchi dell'artista e dei costumi e l'odore della polvere lasciata dai tanti movimenti di scena di tutti gli spettacoli precedenti creano una sensazione incredibile, inspiegabile, di stupore e devozione per quel luogo incantato.
Ricordo di un tecnico che si lamentò per la polvere che c'era nei vari ballatoi di un teatro. La risposta fu: "Sii devoto a questa polvere lasciata da attori importanti, ragazzo. Qui hanno lavorato personaggi famosi ed i loro spettacoli ancora echeggiano nei palchi e si possono rivivere tramite quei manifesti autografati"

Ripeto che queste emozioni sono personali e qualcuno potrebbe sentirsi più a suo agio in un altro posto ma ogni luogo ha un odore, ogni uomo e donna il suo e chi ama apprezza anche con l'olfatto.
Anche il campo di basket ha il suo profumo diverso da una piscina. Così come il teatro è diverso da un palasport o da uno stand fieristico.
Un profumo che ho sempre amato è l'odore dei dischi in vinile. Il vinile è una cosa che adoro-il vecchio supporto nato per archiviare dati diventato in seguito unico e mondiale per la musica. Ho un migliaio di vinili di tanti generi musicali usati per divulgare musica tramite un altro prezioso e sensazionale strumento che si chiama radioPenso che il fascino della radio stia nel fatto che accompagni chiunque nella propria vita dandogli informazioni, musica ed intrattenimento senza togliere niente alla tua stessa vita. Richiede solo un minimo di attenzione. La televisione ti ipnotizza, sei passivo, annienta i tuoi movimenti e debilita la tua concentrazione al punto di non pensare. Laradio invece ti accompagna nel tuo cammino, nel tuo viaggio e nel lavoro. Se vuoi è interattiva e puoi intervenire in diretta a trasmissioni sulla cucina, sull'arte o lo sport.
A volte penso a mio zio che nel suo laboratorio di falegnameria aveva sempre la radio accesa sulla sua stazione preferita, all'odore della segatura del legno, delle vernici ed alle trasmissioni ascoltate in quell'ambiente...
Ho lavorato circa dieci anni in radio come dj, tecnico d'emissione e curatore di palinsesti. Come tuttti i luoghi il pianeta radiofonico è particolare: Convivere con la nevrosi dei giornalisti in cerca di notizie, il dj "bullo ed incapace", la psicologia della trasmissione sportiva, il pubblicitario, tante personalità che insieme danno vita ad una famiglia che insieme diventano prodotto. la radio ti affianca e diventa amica. Ho saputo di diverse persone che sono guarite dalla depressione grazie alla radio.
E della radio ricordo il mio amico Leonardo che insieme, nel nostro piccolo, abbiamo fatto la storia della radio locale trasmettendo per anni musica nelle ore notturne ed a volte sino al mattino, in diretta radiofonica. L'emozione di quelle notti dove la musica si agganciava alle nostre parole, ai nostri racconti ed ai nostri stati d'animo. La finestra della regiadalla quale vedevamo l'intera città ed il mare ci faceva sentire protetti e dominanti del mondo dalla nostra torre d'avorio. sapere che hai un pubblico che ti ascolta e condivide le tue scelte musicali, il tuo stile ed il tuo modo di pensare. Qualcuno ama il suono della tua voce come di un flauto magico e ciò che dici e racconti lo rilassa, lo fa star bene e chiaramente le nostre serate a microfono spento, in quei quattro minuti scarsi di canzone presa in prestito dava modo a noi di confidarci, divertirci, ridere e crescere.
Ho amato ed amo ancora la radio così come voglio ancora bene a Leonardo e se ci penso sento ancora il profumo del mare da quella finestra aperta...

Roberto Iacomucci

IL TECNICO SEGUE LO SPETTACOLO

2012-10-29T08:00:00.000-07:00

La pratica (IL TECNICO CHE SEGUE UNO SPETTACOLO)

Se smetti di fare regia o assistenze perdi “l’orecchio” per i suoni o la “vista” per le luci. Se lavori tanto perdi entusiasmo per i suoni e le luci o l’emozione per l’insieme valutando ciò che vedi e senti solo con occhio clinico.

Da quando suono e mi interesso di composizione ho perso il gusto dell’ascolto di un brano nel suo insieme ma faccio attenzione in una canzone all’arrangiamento, ai vari strumenti della composizione singolarmente, alla registrazione, alla produzione e la scelta dei suoni.

Nei service, non sempre è importante chi fa “assistenza” ed essendoti stancato ai montaggi ci sei già immaginato ciò che sarà “costruito”, hai già visto il tuo film e sai che chi farà regia lo farà sì nel migliore dei modi e con tutto il suo buon gusto ed appunto per questo se interessante ciò che verrà messo in scena ti riposi, cerchi qualcosa da mangiare e ti godi lo spettacolo da spettatore privilegiato ma con uno

sguardo sempre dietro le quinte.

La sfortuna può essere in agguato e quindi risolvere un problema prontamente senza allarmismi o panico è ciò che occorre fare, come se ti muovessi di tua spontanea volontà.

Non mettetevi mai ad urlare “c’è un problema!”anche se l’avete davvero durante uno spettacolo, perché lo spettacolo sareste voi.

Se invece il concerto o l’opera non è interessante ed aspettate con impazienza e finto interesse che finisca, dovendolo sorbire e guardando l’orologio pensate alla fatica dello smontaggio, al carico, ed al lungo ritorno a casa, potrebbe prendervi il panico se durante questo tormento venite a sapere che dovrete pure scaricare il camion al ritorno in magazzino. È davvero la fine.

In ogni caso non potete andare via. Se non concordato prima con il responsabile per esigenze di lavoro o per riposo o dispendio dalla regia non potete abbandonare il dietro le quinte. Dovete rimanere li.

Se siete amici e capita che non servite potete sempre chiederlo, non vi verrà negato. Se siete dei bravi tecnici lo capite da soli che non servite ed anche il tuo capo lo sa e per questo puoi andare fuori a fumare o bere una birra con un collega ma tornate sempre prima della fine dello spettacolo. Se ve ne andate senza dire niente è meglio che non tornate specialmente se lo fai con un service che è la prima volta che ci lavori. Anche questo fa la differenza fra un professionista ed uno no.

Se invece fate regia, anche se lo spettacolo non vi piace, voi avete in mano le redini della riuscita e lo realizzerete proprio come piace a voi gustandovi il vostro sapere tecnico; la bambina che storpia una canzone al microfono in un saggio scolastico, non vi infastidirà più di tanto e non vi scandalizzerà perché il vostro animo era già in pace da quando eravate partiti da casa proprio sapendo dove lavoravate. Ma il suono e la responsabilità di quel microfono che conta. Lo sentiranno le maestre ed i genitori? Loro vogliono ascoltare l’alunna o la loro figlia che canta sopra una base mal registrata in una audiocassetta di vecchia data in un teatrino di città.

Spendono soldi per farla studiare e se oggi al saggio di fine anno non funziona tecnicamente qualcosa tutti saranno profondamente delusi. I genitori si potrebbero risentire con le maestre e sicuramente queste con voi e nessuno sarà felice. Intanto il microfono cade tre volte…

Quest’ esempio vale per ogni tipo di spettacolo, sia importante o meno.

Se invece godete di dovervi occupare della regia di uno spettacolo o di un concerto di non vostro gradimento ma con allestimenti importanti allora lì vi godete i suoni che fate o le luci che scegliete e ve la spassate perché ciò che viene rappresentato sul palco per voi diventa solo il mezzo per divulgare i vostri suoni e se fate luci (illuminotecnici) gli darete quella spinta scenica che loro non hanno.

Qualsiasi spettacolo senza un seguito tecnico ( scenografie, audio, luci o video ) rende pochissimo.

La televisione ed il cinema senza tecnica sarebbero nulli, il teatro pari ad una rappresentazione giullaresca ed un palco scarno. Pensate ai Pink Floyd od alle grandi opere teatrali di Pesaro o Milano o Verona. Attori senza costumi, arene senza scenografie ed allestimenti senza audio e luci…che cosa rimane?

GAG

…non sapevo più cosa fare! Poi ho capito che non era il radiomicrofono che sganciava ma il presentatore che balbettava!!! (jimmy)

Roberto iacomucci

IL BRIVIDO DELLA REGIA

2012-10-29T07:35:00.002-07:00

Il brivido della regia

…se invece fate regia di uno spettacolo che vi piace e ce la mettete tutta per far si che ogni cosa funzioni per il meglio vi sentite parte dello spettacolo. in ogni modo fare regia è sempre una sensazione un brivido importante. Vi sentite scariche di adrenalina o ansia da prestazione quando sta per entrare il pubblico, quando si inizia e si chiama chi è di scena. Proprio come un artista ed anche voi lo siete. Molti attori, cantanti e danzatori diventano in questo momento tesi come una corda di violino e qualcuno sostiene che se non provasse più quest’emozione smetterebbe di esercitare la professione. Tutto dipende da te, lo spettacolo non esiste o non va in scena senza te ma ormai tutti aspettano e nessuno può esimersi. Ricordo le prime volte che facevo radio, ogni volta che accendevo (aprivo) il microfono era come se il mondo fuori si fermasse ed ad occhi puntati ascoltasse in silenzio ciò che avevo da dire. Parlare sul bianco (senza musica) era terrorizzante, la voce mi tremava ed i concetti del discorso che volevo affrontare svanivano. Questo accade a chiunque inizi a parlare in pubblico. Qualcuno poi ci prende anche troppo gusto e non smette più…

Roberto Iacomucci

SITE UMILI

2012-10-11T10:01:00.003-07:00

SIATE UMILI

Se siete tecnici del suono, delle luci o video e lavorate magari come free lance, vi sarà sicuramente capitato di avere avuto l’onore di realizzare uno spettacolo con artisti famosi nel campo della musica o dell’arte in genere. Ora però vi ritrovate a realizzare un saggio di danza della scuola di paese oppure un concerto di giovani band locali o una via crucis o un comizio in piazza oppure montare un maxi schermo per una finale di calcio. Siate sempre umili e dedicate la vostra preparazione al merito ed alla riuscita dello spettacolo per cui siete stati ingaggiati. Se così non fosse e la vostra arroganza o la vostra superbia creasse problemi e discussioni non verrete più chiamati o quantomeno passereste per piantagrane ed ingrati e lo show non avrebbe certo la riuscita pensata. Negli spettacolini, spesso non si pensa e non si conosce il lavoro del tecnico ed è tutto comunque nelle sue mani. Se con la vostra esperienza non riuscite a tenere a bada la maestrina isterica o il ragazzino che si crede una star e che non sanno cosa vogliono e nemmeno come ottenerlo ma che hanno in previsione di creare un nuovo “cats” o un live da stadio e non avete psicologicamente la preparazione per accontentarli e riuscire se non altro a portare in scena uno spettacolo decente sarà colpa vostra. Loro confidano in voi anche se in modo errato con le povere idee che hanno sul mestiere e sta a voi dimostrare quello che sapete fare, consigliare e far funzionare al meglio le poche attrezzature affittate. Se non lo fate verrete riconosciuti come incompetenti e la domanda sarà: ma come ha fatto questo a lavorare con… (x) se non è riuscito nemmeno a mandare due musiche per il mio spettacolo?

NON INGOMBRATE IL PALCOSCENICO

2012-10-11T09:59:00.000-07:00

NON INGOMBRATE IL PALCOSCENICO

Se siete dei musicisti, attori od artisti, quando arrivate su di un palcoscenico di teatro e lo spettacolo è ancora in allestimento, accertatevi del fastidio che potrebbe recare i vostri bagagli e non lasciate mai le vostre cose personali nei bordi del palcoscenico. Se siete invece dei tecnici, i vostri flight case pieni di attrezzature e cavi poneteli sempre a centro palco oppure fuori dallo spazio scenico se il palcoscenico è in una piazza o comunque all’aperto. Non dovrete così spostare continuamente ingombri che rallentano la messa in opera dello spettacolo.

Sembrerà strano ma i lati del palco (bordo palco) sono i punti più utili per passare cavi audio, di corrente e quant’altro serva per allestire uno spettacolo. Sono i punti più nascosti e si utilizzano appunto per stendere tutti quei cavi di connessione che nessuno vuole vedere e soprattutto nessuno ci deve inciampare e l’avere ingombri mentre stendete ruzzole o multicord audio o cavi multipli per le luci è davvero controproducente!!

Vi risparmierete tempo e fatica ed anche qualche arrabbiatura da parte di qualcuno. Se proprio non avete altro posto dove provvisoriamente posizionare abiti di scena o strumenti musicali o attrezzeria, lasciate almeno un metro di distanza dal muro in modo che un tecnico possa lavorare comodo e sicuro di non arrecare danno alle vostre cose..

Più lo spazio scenico è libero, migliore sarà il lavoro di cablaggio e montaggio, più veloce e più preciso.

Per lo smontaggio vale la stessa regola. È davvero fastidioso inoltre dopo aver fatto uno spettacolo e vi accingete a smontare, togliere di mezzo lattine di birra, bottiglie d’acqua e cartoni della pizza dalle vostre attrezzature!

Nei teatri di un certo rilievo avete l’opportunità di lasciare i vostri bauli in fondo al palcoscenico, dietro al fondale ove solo voi tecnici avete l’accesso ed al limite attori e musicisti che devono guadagnarsi l’entrata in scena. se il palco ha un declivio (pendenza), è utile frenare i flight case ed appoggiare davanti le ruote una cantinella (stangone di legno) in modo di assicurarvi che niente scivoli.

Rivoltate sempre i bauli in modo di avere l’apertura a vostro favore così non dovrete più girarli o muoverli se all’occorrenza vi serve qualcosa e potete così aprirli in tutta facilità. Non appoggiateci sopra altre cose.

Dopo lo scarico, la fase successiva del lavoro è la distribuzione delle apparecchiature da montare e di conseguenza il suo cablaggio quindi meno ingombri avete migliore sarà il lavoro.

IL SERVICE

2012-10-11T09:56:00.001-07:00

IL SERVICE- LA DITTA DI SERVIZI AUDIO-LUCI-VIDEO

Dopo queste lunghe premesse arriviamo al vivo del lavoro di art-worker.

Io lavoro spesso per ditte alle quali viene commissionato un allestimento adatto a soddisfare la richiesta oggettiva ai fini della riuscita dell’evento.

Il lavoro inizia con presa in esame dello spettacolo, con la richiesta del materiale per l’audio, la quantità di microfoni necessari, del mixer adeguato, l’impianto di diffusione per l’area da coprire all’aperto o in un luogo chiuso, eventuali apparecchiature per il collegamento di strumenti musicali o computer se ci sono danzatori, parti recitate, ecc…

Per le luci e per tutto l’allestimento ci si informa di quanti KW di corrente si ha a disposizione, si calcolano quanti fari si possono montare e di che tipo, dei filtri colore richiesti o gobos, di che mixer luci, di quanti dimmers occorrono per il loro funzionamento, del POWER-BOX e della struttura necessaria all’appendimento, delle americane agli stativi o alle torri.

Se c’è necessità di proiezione video e di che portata, da cosa questa viene comandata (computer o dvd player o combinate) quanto grande deve essere lo schermo se in proiezione frontale o retroproiezione.

Se è un service che fornisce anche scenografie “standard” tipo quinte nere rigide (con telai in legno e non appese) e palchi per esibizioni all’aperto, si chiede di che metratura e di che altezza, ci si preoccupa del loro ancoraggio e messa a terra della struttura, si attrezza di tutta la ferramenta. Portandone chiaramente più dell’indispensabile.

Per ogni settore non ultima cosa sono i cavi di connessione che devono essere perfettamente funzionanti e superiori in numero alla quantità minima necessaria per avere una scorta sufficiente a coprire ogni imprevisto. Annessi a questi ogni forma di adattatore per non avere sorprese in fase di montaggio.

Immaginate cosa succederebbe se vi facessero una richiesta a distanza per una serata dove la musica viene programmata con un cd-player e quando siete sul posto (400 km di distanza dal vostro magazzino) scoprite che invece la musica viene trasmessa da computer e non avete il cavo di connessione!!! O peggio si presentano persone solo con chiavette USB con musica in MP3 e voi non vi siete portati un computer…

Nei service seri questi disguidi NON devono succedere. Un evento non può andare a monte o subire considerevoli ritardi per un cavo o per un’incomprensione e credetemi che questo è QUELLO CHE IL PUBBLICO NON VEDE ma succede più frequentemente di quello che possiate immaginare! Soprattutto nei service di zona e nelle piccole produzioni.

Mi sono ritrovato più di una volta a sprecare ore di lavoro perché nel flight-case non avevo disponibilità di cavi adatti a collegare apparecchiature messe a disposizione dal committente ed ore a cercare il modo di allungare cavi che coprissero una distanza precedentemente ignorata ed altro ancora a capire come poter fare a sopprimere l’esigenza di un cavo interrotto, l’unico per quel tipo di connessione!

IN QUESTO LAVORO OCCORRE SANGUE FREDDO E MAI FARSI PRENDERE DAL PANICO

Essendo free-lance, con il tempo ho imparato a portare sempre con me il mio zaino con dentro i miei guanti, i miei tappi anti-rumore, il mio nastro isolante, la mia pinza multiuso ed il mio kit di adattatori di ogni sorta (audio). Qualche cavo in più.

A questo punto possiamo caricare il camion, stipare il materiale in modo che ci stia tutto e non subisca danni lungo il tragitto e partire verso la meta.

Gli autogrill dell’autostrada diventeranno punti di riferimento per le vostre soste mattutine, a volte anche per pranzi e cene in orari improbabili.

Siate felici se dopo lo spettacolo, tornando in magazzino all’alba non dovete scaricare tutto ciò che avete nel camion rubandovi ore di sonno doverose per rimpiazzarlo con il materiale occorrente per domani (dopo), dove dall’altra parte di dove siete andati (ieri) vi aspetta un altro spettacolo.

Dei miei amici erano invidiosi del mio mestiere e fantasticavano su quanti posti io avessi visto, di quanti locali avessi frequentato e di quante donne avevo conosciuto…ho spiegato loro solo poche cose e di quanta autostrada invece ho battuto, degli orari di lavoro e dei panini mangiati con mani sporche. Delle camere d’albergo prenotate solo per fare una doccia…

Non che non si abbiano soddisfazioni o che non ci siano momenti di pausa ma che non si va in giro per il mondo a fare il turista. Si lavora con passione e si fa questo mestiere solo se c’è amore per lo spettacolo. Non si timbra nessun cartellino e non tutti i giorni sono uguali, non si lavora dal lunedì al venerdì e non esistono turni o scuse. Inizi a lavorare in uno spazio vuoto e dopo lo spettacolo lo spazio torna vuoto. Niente si rimanda a domani.

Magari dopo pochi giorni puoi portare tuo figlio al mare proprio mentre tutti gli altri invece lavorano nella loro routine. Non esiste routine, il bello che ogni giorno è diverso dall’altro come ogni spettacolo che segui, come ogni giorno che Dio ha creato, come ogni fiore anche della stessa specie.

Ciò che mi hanno augurato è ciò che auguro a voi. BUON LAVORO.

IL PUBBLICO D'ASSALTO

2012-10-11T09:47:00.004-07:00

IL PUBBLICO D’ASSALTO

Il pubblico d’assalto è il pubblico delle feste. Dei raduni, delle inaugurazioni, delle serate in spiaggia e dei ristoranti.

Non è una folla di persone attenta a ciò che succede ma è lì solo per mangiare e bere e se ciò avviene gratuitamente avrete la peggiore forma di attenzione che si possa immaginare.

Scrivo ciò che vedo e dico ciò che penso.

Se siete all’inaugurazione di una mostra (anche importante) d’arte o di una opera architettonica e le persone possono godere di un ricco buffet gratuito noterete come intellettuali o stimati operatori nel campo si contendono l’ultimo o il primo pasticcino, il flou di prosecco! Accaniti a soddisfare il proprio palato si dimenticano il perché della loro presenza dando sfogo al loro bisogno più razionale.

Strafogarsi a sbafo come cavallette infischiandosene della loro competenza, sempre che ne abbiano in materia. Se poi gli invitati sono un gruppo di iscritti ad una associazione o fondazione senza arte né parte… poveri voi.

Se siete dei DJ o piano baristi e proponete brani in un ristorante per far ballare ed arrotondare il vostro stipendio di magazziniere avrete persone che si innervosiranno dei vostri volumi troppo alti mentre la cena è in corso ma si lanceranno in danze di gruppo appena finito il caffè aspettandosi di ascoltare l’ultimo tormentone dell’estate o come da quarant’anni succede in Italia la hit degli anni sessanta.

Per le feste in spiaggia o per le discoteche il target non è molto diverso…solo che preferiscono bere piuttosto che mangiare e poi…(s)ballare sino a notte fonda. Il vostro dovere di DJ è quello di mantenere un ritmo sostenuto per tutta la serata.

Di tutto ciò non rimane niente, se non uno stomaco pieno a dismisura o uno stordimento sino all’alba o nelle ore consentite tanto poi finiranno la serata altrove.

Nel caso delle discoteche tutto si risolve nelle migliori delle ipotesi con una colazione alle prime ore del mattino in un bar appena aperto dove i reduci cercheranno di mettere insieme i frammenti della serata conclusa parlando di occasioni perse con l’altro sesso o criticando persone.

Pensate poi alle sagre in piazza od alle rievocazioni storiche dove le persone passano, si fermano per un attimo davanti al vostro spettacolo, guardano e continuano il loro excursus con freddezza o al massimo “regalandovi” un tiepido applauso nella bolgia di migliaia di voci dove a malapena ci si riesce a concentrarsi.

È un pubblico senza patria che confonde l’evento con l’avvento. Sono coloro che approfittano di un evento per socializzare o per mettersi in mostra a volte dando il lato peggiore di se stessi tanto per sfogarsi.

Da spettatore ad attrazione. Da acquirente a venditore di se stessi, la scusa per essere ed apparire piuttosto che assistere.

Ogni forma d’intrattenimento ha il suo pubblico, anche i pop-corn al cinema hanno un ruolo integrante e sociale, surrogato che induce attenzione verso lo schermo, soddisfacendo il palato per concentrare la mente e distoglierla dai propri pensieri.

Tutti siamo comunque importanti nel palcoscenico della vita.

i mestieri nello spettacolo

2012-09-26T08:00:00.000-07:00

I MESTIERI NELLO SPETTACOLO

Diverse sono le figure ed i mestieri inerenti allo spettacolo; dal regista all’attore dallo scenografo al macchinista, dal light-designer all’elettricista… tante sono le mansioni artistiche che ai fini di un unico scopo lavorano in sinergia per ottenere il massimo risultato rappresentativo di un idea e molteplici sono le cose da sapere per realizzare un evento. Non credo che al fonico basti sapere dove posizionare dei diffusori tralasciando tutto il resto. Deve conoscere lo spazio scenico, la copertura ottimale per l’audience, la corrente disponibile ed in caso di appendimento almeno il disegno tecnico della prima americana luci per non ostacolare il lavoro altrui.

Per mia natura sono curioso ed è anche per questo che conosco ciò di cui parlerò, anche se la mia specializzazione in audio mi affascina e mi gratifica, realizzare un progetto luci, montato ed operativo mi da soddisfazione ed anche allestire un palco con quinte e scenografie fa di me un tecnico sostanzialmente preparato; un ART-WORKER. Chiaramente scegliendo una professione specializzata maggiore sarà la preparazione quanto maggiore sarà lo studio e la pratica e comunque non si finisce mai di…imparare. Ma ciò che scrivo è frutto finora della mia esperienza ventennale e credo comunque di aver ben assimilato i concetti base.

Ma andiamo per ordine:

Pensiamo di dover realizzare uno spettacolo qualsiasi, in un teatro con attori e musicisti. Per il momento senza supporto video. Abbiamo già il cast recitativo e musicale fatto prove su prove, individuato le musiche, studiato le parti a memoria ed a questo punto da un idea embrionale siamo arrivati come registi ad avere una parte concreta, viva, pulsante dell’immagine che volevamo rendere visibile.

Ora inizia il lavoro più complicato della messa in scena. Decidere le luci, le esigenze audio, le scenografie, la quintatura e se lo spazio scenico da occupare è proporzionato. Le entrate e le uscite di scena degli attori, i costumi e rivedere se l’insieme di cose rende fede alla nostra rappresentazione senza dover comunque rivedere parti del recitato.

Quindi tre figure indispensabili sono state svelate. L’AUTORE, IL REGISTA ED IL DIRETTORE DI SCENA. Ora indicheranno allo SCENOGRAFO ED AL MACCHINISTA quale visione hanno del loro spettacolo; se contiene scenografie fisse o mobili, di quale materiale, se sono previsti dei fondali, come realizzare il montaggio di quinte e tutto ciò che ha a che fare con la struttura “fisica” dello spettacolo.

Lo scenografo in base alle esigenze dello spettacolo (itinerante o no, pensato per grandi o piccoli teatri, riproducibile all’aperto, ecc) realizzerà il progetto degli oggetti occorrenti e costruirà i telai, pitturerà le tele come fossero dei quadri oppure farà stampare gigantografie e studierà insieme al macchinista le giuste strategie per montare e smontare in breve tempo il materiale di scena e che sia il più leggero possibile.

Ora si può pensare di procedere e confrontarsi con il LIGHT-DESIGNER e L’ILLUMINOTECNICO. Insieme si discuterà un progetto luci comprensivo di colori, tipi di fari, esigenze di posizionamento e consumi di corrente. Si decideranno poi dei cambi di luce e delle loro intensità. Il lavoro dell’elettricista in teatro o nello spettacolo in genere assume un importanza rilevante e suggestiva in quanto è colui (o sono coloro ) che danno tridimensionalità all’evento, a ciò che vediamo dalla nostra poltrona ed è quello che ci coinvolge maggiormente da un punto visivo.

LA LUCE in arte è una componente fondamentale.

Pensate alla pittura, alla fotografia o al cinema. Senza luce non ci sarebbe ne colore ne profondità.

Rimane ora da curare la FONICA. Per questo chiederemo ai musicisti le loro esigenze confrontandole con le indicazioni del TECNICO AUDIO che si preoccuperà di amplificare tutte le voci recitative e corali, tutti gli strumenti musicali necessari, la scelta del giusto mixer, delle giuste casse acustiche di diffusione, degli apparati utili per la “messa in onda” di eventuali suoni o rumori previsti.

L’incontro con il COSTUMISTA conclude la serie di consulenze tecniche e d ora possiamo sbizzarrirci nel vestire i nostri attori.

Abbiamo un teatro a disposizione e dopo il montaggio di tutte le apparecchiature POSSIAMO INIZIARE LE PROVE GENERALI che si effettueranno assieme al macchinista, all’elettricista ed al fonico. Questa nuova partenza ci porterà a finalizzare l’insieme del nostro spettacolo, ripensare delle battute o verificare l’efficacia delle luci e dell’audio e così via.

Tutto ora e pronto e siamo pronti per il DEBUTTO.

il pubblico

2012-09-26T07:58:00.002-07:00

I LUOGHI DELLO SPETTACOLO- IL PUBBLICO

Dobbiamo pensare che lo spettacolo e le arti sono in funzione del pubblico. Non esiste opera edita o programmata che non sia stata vista o vissuta da un gruppo di persone, critici o giornalisti. Il successo di una piece teatrale, di un concerto, di un film, di una canzone o di un programma televisivo dipende da quante persone usufruiscono dell’ opera. A quanti di loro piace e del giudizio o come chiamato in questo periodo, del loro FEEDBACK, cioè della impressione dopo aver assistito alla rappresentazione.

Gli artisti e gli autori, anche se a volte non ammettono la loro apprensione sono fortemente influenzati da questo meccanismo. Anche se un opera d’arte può essere ideata soddisfacendo solamente la visione artistica dell’artista, senza pensare minimamente alla sua destinazione o collocazione, questa contiene un messaggio, un comunicato che deve essere distribito. Più forte della parola e di linguaggio internazionale, un quadro o un opera visiva o auditiva porta in se un carattere creato dalla capacità dell’artista ed un tema, un titolo.

Ogni opera che incontra un pubblico vede la luce, vive e diventa esperienza di colui o coloro che l’anno condivisa. Tutto ciò che rimane nel cassetto della scrivania o nella mente dell’artista non esiste. Potrebbe essere una rivelazione, qualcosa che sconvolge i confini, qualcosa di incredibile ma se non viene portata nella realtà non esiste. Rimane vittima dell’incapacità o della negligenza o addirittura screditata dal creatore ed inespressa.

Pensate ad un enorme successo: jingle bells.

Una canzone che tutto il mondo canta da decenni e viene imparata ai bambini sin dai primi anni di vita. Sembra un regalo di Dio. Sicuramente Dio ha regalato l’ispirazione e l’artista con il suo talento sviluppato il motivo. La sua divulgazione ha creato il successo.

i luoghi del pubblico

2012-09-26T07:57:00.002-07:00

I LUOGHI DEL PUBBLICO

Il pubblico è fondamentale nella rappresentazione di un opera creativa ed artistica.

Parlando di TEATRO, i posti destinati al pubblico assumono anche una valenza sociale ed anche se pare scemata, questa discriminazione è ancora in voga. Il teatro italiano ospita l’audience in platea di cui le prime file riservate alle autorità quasi a dimostrare che il circolo di appartenenza è simile. Come se fra assessore ed attore non ci siano sostanziali differenze, in bilico fra la sesta parete, qualcosa che ricorda la rivoluzione francese ed il re sole. Questi comunque sono i posti peggiori in un teatro dove sedersi!

Dalla prima fila in teatro notiamo tutta la costruzione della scena! Vediamo i riflettori appesi e la loro accecante luce, forse lo spazio fra una quinta e l’altra, gli attori dall’alto al basso…quando si cerca infatti di coprire la vista delle americane luci e delle scenografie che devono essere coperte dai “cieli” neri, un tecnico si siede in TERZA FILA e comunica ai macchinisti o colleghi la giusta altezza di copertura. Quello è il limite massimo. Se si coprisse tutto in modo che dalla prima fila non si notasse niente appeso rischieremmo di “chiudere” troppo la scena, i proiettori non avrebbero spazio sufficiente per essere puntati sulla scena e vedremo un cielo nero che non sarebbe più coperto dall’arlecchino principale o dalla mantovana.

IL POSTO MIGLIORE PER SEDERSI IN TEATRO ED AL CINEMA E’AL CENTRO DELLA PLATEA.

Infatti l’organizzatore che conosce come si lavora in teatro, invita le autorità al centro della platea, scavalcando i pregiudizi e facendo bella figura.

Altro posto curioso del teatro sono i primi due palchi laterali in primo ordine, adiacenti al proscenio denominati BARCACCIA. Anche questi riservati a sovrani e personalità sono luoghi dove la visione di uno spettacolo è fortemente compromessa, dal palco laterale sinistro vedremo solo il dietro le quinte destro e viceversa. Spesso ora vengono usati per allestire regie o comunque in modo tecnico.

Alzando lo sguardo dal palcoscenico abbiamo appunto diversi ordini di palchi, piccoli stanzini spesso non comunicanti, chiusi da una porta ed aperti chiaramente verso il palcoscenico ospitanti massimo tre o quattro persone. L’ultima fila in alto, denominata LOGGIONE ed anticamente costruita per il pubblico meno socialmente evoluto, non ha palchi. È un unico spazio aperto ove il pubblico deve seguire lo spettacolo adattandosi. Chiamata comunemente QUARTO ORDINE anche se il teatro ne ha più di quattro.

Nelle CONFERENZE, dove spesso le persone partecipanti sono sia spettatori che relatori, non esiste una grossa gerarchia. Chiunque si siede ovunque nelle ampie platee o nelle file di sedie disposte nelle varie salette. Qui sembra piuttosto che si prediliga un aspetto scolastico dove i più intraprendenti e rampanti si siedono nelle prime file ed i più timidi nelle ultime. Unica differenza è che non esistono disturbatori. Credo sia perché il pubblico è adulto, pagante e coinvolto nel lavoro.

Differente è invece la logica del CONCERTO ALL’APERTO. Dei gruppi rock, rap o pop agitatori di folle che in piedi danzando o scuotendosi creano confusione e caos.

Occasione per dimenticare per poco i propri ruoli e doveri catapultandosi in un orgia di potenza sonora e visiva sconvolgente e per niente costruttiva. Non tutti i concerti pop praticano questa devastazione. Dipende dal genere musicale.

Uno spettacolo dei Pink Floyd ti stupisce lasciandoti a bocca aperta per la sua incredibile forza coinvolgente, mentre un concerto dei MOTORHEAD porta sicuramente al movimento…

Ovunque ci sia pubblico c’è spettacolo, anche un fatto di cronaca crea audience, un libro, una pubblicità, INTERNET, lo sport è spettacolo. Ed è qui che notiamo la forza delle idee, della creatività e della preparazione di uno sportivo. Quando dalla nostra sedia clicchiamo su “mi piace” ciò che in un sito web ci ha divertito, piaciuto, sorpreso. Quando viaggiamo per centinaia di chilometri pur di assistere ad un concerto o ad una rappresentazione teatrale o visitiamo un museo, una città.

Tutti siamo spettatori della vita e del lavoro altrui sia esso artistico, architettonico, concettuale o manuale. Turisti infaticabili e visitatori della curiosità e della cultura per la nostra continua sete di conoscenza e voglia di divertirsi.

LA SCATOLA MAGICA

2012-09-20T06:55:00.002-07:00

I LUOGHI DELLO SPETTACOLO – LA SCATOLA MAGICA

Mi piace chiamare scatola magica l’ambiente scenico di un teatro, cioè lo spazio costruttivo sopra il palcoscenico. Questa grande stanza adibita appositamente per ospitare rappresentazioni e spettacoli. Abbiamo notato che nei secoli lo spettacolo ha subito trasformazioni notevoli sia nella sua struttura ospitante che nella rappresentazione. Il concetto di teatro al chiuso ha sicuramente rafforzato l’esigenza di avere uno spazio attrezzato per ogni evenienza creando degli standard esecutivi ed utilizzando delle strutture fisse ma capaci di soddisfare qualsiasi esigenza tecnica. Quello che illustrerò è lo schema di un teatro sette-ottocentesco ma dotato di tutte le moderne necessità indispensabili ad un montaggio odierno.

Sopra il palcoscenico di cui abbiamo già parlato abbiamo la cosa più indispensabile del teatro: il soffitto di scena, chiamato GRATICCIA. Realizzato in traverse di legno e montanti, la graticcia occupa un posto di rilievo, in quanto ad esso vengono appese tramite corde e ROCCHETTI o tramite funi in acciaio pilotati manualmente od elettricamente da argani scenografie, quinte, luci, sipari, fondali schermi e proiettori.

Questo soffitto, la graticcia, nei teatri di rilievo ha un altezza notevole rispetto al palco, a volte può arrivare anche a trenta metri. Questo deriva da un esigenza scenografica. In passato ed in grandi opere rappresentative, le imponenti scenografie raffiguranti città, case o castelli, dovevano necessariamente uscire o rientrare in scena fra un atto e l’altro (cambio di scena). Fra i tempi e luoghi narrativi della commedia o dell’opera ed il modo migliore per il macchinista era di alzarle sino a che lo spettatore non le notasse più (a scomparsa) ed abbassarne altre. Anche per gli oggetti di scena che al punto preciso dovevano apparire averli precedentemente appesi e mantenerli nascosti significava e significa una giusta collocazione.

Davanti a queste vengono posti altri stangoni orizzontali appesi ai quali legate delle stoffe nere che coprono a vista la scenografia o ciò che si preferisce nascondere (anche le luci) chiamati cieli. Senza la graticcia il teatro non sarebbe sicuramente il posto ideale dove realizzare spettacoli. Ai lati del palcoscenico, all’altezza di un metro circa da terra, troviamo murati nelle pareti delle assi rettangolari di ferro o acciaio che servono appunto a legare le corde che scendono dalla graticcia. Questi si chiamano MANTEGNI.

Ogni corda che serve alla scenografia e che scende NECESSARIAMENTE ai lati del palcoscenico viene legata ad un mantegno e la sua costituzione rettangolare ne garantisce la stabilità. La graticcia inoltre ospita nei suoi tagli (spazio fra una traversa e l’altra) anche la “quadratura” superiore del BOCCASCENA.

Infatti abbiamo come prima cosa l’ARLECCHINO; primo drappo orizzontale solitamente fisso e parte storica del teatro. Insieme al sipario creano la prima cornice al palcoscenico, la prima inquadratura. L’arlecchino anticamente dipinto a mano rappresentava anche nei suoi colori, disegni, simboli e stemmi l’appartenenza araldica del teatro, dei suoi proprietari o dello stato regnante.

Dietro l’arlecchino ed il sipario inizia il nostro lavoro, quello di tecnici dello spettacolo, artisti del legno del suono o delle luci, ARTWORKER dir si voglia. La prima parte mobile appesa è la mantovana; il primo cielo di stoffa nero adatto a coprire solitamente il primo stangone con appese luci di scena chiamata AMERICANA.

Da qua sarà un susseguirsi di americane (luci) cieli (coperture di stoffa nera) scenografie e quinte.

Nei grandi teatri, davanti al palcoscenico abbiamo il GOLFO MISTICO, chiamato anche semplicemente buca d’orchestra. Sul palcoscenico in PROSCENIO (la zona davanti al sipario) troviamo una botola centrale con apertura rivolta al palco raggiungibile da sotto palcoscenico realizzata per il suggeritore. Lo spazio delimitato dal sipario aperto e dall’arlecchino si chiama BOCCASCENA.

I PALCOSCENICI ALL’ APERTO non sono così equipaggiati, essi sono spesso formati da una sola pedana rialzata ma tutto ciò sia di notevoli o modeste dimensioni che verrà su esso o accanto montato rispecchierà la modalità ed il concetto del teatro. Vedremo in seguito i vari mestieri e le esigenze che si hanno nell’allestire e creare uno spettacolo, dall’ elettricista al fonico, al macchinista.

Il Palcoscenico

2012-08-21T05:00:00.000-07:00

I LUOGHI DELLO SPETTACOLO – IL PALCOSCENICO

Il palcoscenico è l’area dove viene rappresentato lo spettacolo. Al chiuso, in piazza o in qualsiasi locazione si decida, questo magico spazio ospita al suo interno, qualsiasi elemento si voglia far vedere allo spettatore ai fini della “narrazione” recitativa: Attori, musicisti,danzatori, scenografie, ecc. tutto può essere palcoscenico, anche una coperta stesa a terra.

Ma da sempre, come in pittura ed in fotografia poi la sua forma delimitante l’immagine da osservare è discussa e sperimentata e possiamo ormai affermare che il rettangolo pitagorico con rapporto“4/3” fra i suoi lati rimane lo spazio usato per eccellenza a favorire i diversi soggetti in scena. Alcuni speciali teatri comunque adottano palcoscenici avanguardistici, rotanti o a più livelli adatti a concerti imponenti o a opere liriche magistrali oppure alla rappresentazione di più spettacoli giornalieri. Come abbiamo notato che nel teatro settecentesco il palcoscenico venne spostato da centrale la scena a laterale alla scena, nel novecento e nel nuovo millennio i concetti ed i pregiudizi antichi e moderni si intersecano e si sviluppano in ogni fantasia ed in ogni dimensione a beneficio dello spettatore. Anche gli schermi di proiezione video adottano il rapporto di 4/3 (o 16/9) sui suoi lati e spesso anche un tavolo presidenziale o un podio per conferenze è rettangolare.

Ma rimanendo con i piedi per terra, come si dice, un'altra particolarità del palcoscenico di teatro è il suo declivio; ossia l’inclinazione del pavimento a favore della platea. Solo così le gigantesche scenografie o i pochi elementi scenografici decisi per l’allestimento della scena acquistano tridimensionalità.

Questo elemento è molto importante. Nelle rappresentazioni operistiche, potrete notare che diversi elementi scenografici non sono “a squadro” ma hanno la base tagliata in modo obliquo, a favorire appunto l’appoggio su di un palcoscenico con declivio. È il sapiente lavoro del macchinista che nel montaggio livellerà a (seconda dell’inclinazione del palco) e riporterà in asse l’intera struttura. Maggiore in percentuale è il declivio maggiore sarà l’effetto tridimensionale della scena e sicuramente maggiore e lontana l’area “platea e soppalchi” destinata allo spettatore. Di solito sono i teatri antichi “ del ‘700 ed ‘800” ad avere questa particolare predisposizione. Sicuramente in un palcoscenico “a moduli” montato per ospitare un concerto in piazza non avremo declivio. Questi palchi realizzati con supporti in acciaio o alluminio e tavole di materiali mdf o legnosi non sono permanenti ma servono solo a rialzare dal terreno e delimitare l’ambiente scenico.

Un altro elemento importante per il palco è il materiale usato per la sua realizzazione: nei teatri di un certo rilievo è costruito in legno di abete o comunque di legno “morbido” per favorire l’uso di chiodi e viti nel montaggio di scenografie. Con tale materiale, i buchi lasciati durante lo smontaggio si richiuderanno nel tempo. Inutili i palchi in cemento (a volte se ne vedono in posti all’aperto) realizzati da qualche bizzarro architetto; in questi il montaggio di scenografie risulta pressochè impossibile. Nelle sfilate di moda o nelle passerelle, di solito sono stretti e lunghi per far si che le modelle abbiano la possibilità di mostrare in movimento il loro abito.

Dall’ idea di profondità e prospettiva il rettangolo è il movimento del tempo, del fluire di elementi che insieme creano una situazione – la nuova delimitazione essenziale dello spazio differenziandosi dalle immagini primordiali di graffiti preistorici. La voglia di esprimersi trova una sua cornice.

i luoghi dello spettacolo - il teatro

2012-08-19T06:52:00.001-07:00

I LUOGHI DELLO SPETTACOLO – IL TEATRO

Possiamo sicuramente affermare che il teatro è lo spazio adibito a spettacoli per eccellenza. Nato in Grecia fra il sesto ed il quarto secolo avanti cristo, l’anfiteatro greco era formato a gradinate semicircolari o circolari e gli attori, ancora non professionisti recitavano al centro della scena indossando maschere che amplificavano la voce mentre candele e fuochi venivano usati per illuminare.

Lo spettacolo o la rappresentazione è l’unione fra scrittori ,registi, attori, scenografi, macchinisti, attrezzisti, illuminotecnici, fonici e costumisti che insieme partendo da un testo edito od inedito ideano e realizzano la messa in scena. Questo concetto è basilare per comprendere come la scatola magica viene allestita ed usata. Spesso si ha la sensazione che l’attore o il musicista sia la parte predominante dello spettacolo ed il pubblico segue solo le sue gesta o le sue note.

Ma ogni opera visiva “live” che si rispetti ha come regola questo meccanismo articolato e complesso. Un cattivo attore o un grande musicista non riuscirebbero ad esprimersi al meglio senza un adeguato supporto tecnico di scena. A mi giudizio non esiste una figura sopracitata più creativa dell’altra. Pensate alle bellissime tele e fondali che raffigurano ambienti o situazioni dipinte dallo scenografo o alle variopinte ed efficaci luci programmate dal light designer o ai suggestivi suoni curati dal fonico. Solo insieme si avrà un opera. Nel tempo la magica collocazione dello spettacolo è cambiata.

Dall’anfiteatro greco o romano precristiano, nel medio evo le rappresentazioni passano in piazza abbattendo il concetto di spazio chiuso divulgando la magnificenza della cristianità. Ancor oggi possiamo assistere durante il periodo di quaresima le vie crucis itineranti del parroco di paese o città. Di epoca in epoca il rinascimento riporta il teatro in uno spazio stabilito chiuso ove lo spazio scenico ancora in centro alla platea da vita all’interno di corti facoltose alla commedia dell’arte. In Europa sorgono due correnti di pensiero molto importanti: il teatro elisabettiano inglese ed il teatro italiano.

Con la commedia dell’arte nasce la professione dell’ attore e l’arte dell’improvvisazione che nel seicento poi si consolida in una fiorente e prospera attività. Il teatro che noi ora conosciamo, cioè al chiuso con il palcoscenico frontale non più ad una gradinata ma ad una serie di palchi sempre a semicerchi costruiti su vari settori (ordini) ed una platea nasce nei secoli successivi delimitando anche la differenza fra classi sociali. Lo sviluppo di tecniche e tecnologie affiorano all’interno del palcoscenico ed il ruolo di attore si trasforma diventando specialista nel ricoprire ruoli e personaggi diversi.

Ed è proprio del teatro del settecento e dell’ottocento che approfondirò gli aspetti tecnici sviluppati nei secoli e che alcuni, ancor oggi utilizzati. Nel novecento, il teatro diventa futurista eliminando o trasgredendo i principi basilari dei secoli passati. L’attore infatti non è più la principale figura, ma il regista, questa nuova professione che è cardine dello spettacolo.

Colui che con sapienza esprime una sua visione o una sua interpretazione di un testo o di un opera e la realizza coordinando attori e tecnici. Nel novecento grazie forse all’intelligenza al servizio del cuore ogni forma ed ogni pensiero vengono ampliati, sperimentati e resi liberi di esprimersi.

L’affascinante mondo magico dello spettacolo rende reale ogni finzione, ogni fantasia si voglia “far Federe” al di là delle apparenze e condividere in ogni sua forma espressiva con le varie tipologie di pubblico. L’arte di comunicare artisticamente non ha più confini né territori mantenendo intatte le culture. Il fantastico viaggio del creare tramite elementi rende questo lavoro entusiasmante, l’espressione del proprio essere e delle proprie conoscenze appagante al nostro animo, alla nostra creatività ed al nostro essere.

buona lettura

2012-08-19T06:27:00.000-07:00

Salve a tutti;

sono Roberto Iacomucci, lavoro come tecnico in spettacoli teatrali, concerti e conferenze.

essendo anche compositore e musicista, da sempre mi interesso di audio e fonica. Ho un attestato di macchinista teatrale e conosco l’illuminotecnica. Ho deciso di aprire questo blog per condividere le mie esperienze lavorative, le mie impressioni e la mia cultura in materia cercando di illustrare a coloro che non lo conoscono il favoloso mondo dello spettacolo visto e vissuto da dietro le quinte e dare informazioni e consigli utili a tutti coloro che vorranno intraprendere questa professione o ancora di poter confrontarmi con altri colleghi sugli argomenti che tratterò.

Buona lettura