La Magia de...

Tan sólo tú

2012-01-21T07:23:00.000-08:00

El Ruido y la Furia de William Faulkner

2011-02-28T14:16:00.000-08:00

“La armonía en el caos”, esa sería mi definición de “El Ruido y la Furia”, un libro creado de pensamientos, transcripciones de palabras pensadas, nunca pronunciadas, materializadas gracias a la pluma del escritor.
Personajes que piensan, sienten, reflexionan… De pensamientos a recuerdos, de recuerdos a reflexiones… Tal vez para algunos un discurso de pensamiento difícil de seguir, pero para mí tan familiar como el reflejo de mi cara en un espejo.

Inspirado en un verso de “Macbeth” de Shakespeare (el discurso de un idiota) “El Ruido y la Furia” puede resultar un libro difícil de leer si nos acercamos a él con la mentalidad con la que leemos cualquier libro al uso, es por eso que en este caso más que en ningún otro creo importante, sino vital, hacerse con una edición con un buen prólogo, que nos de las claves de su estructura antes de empezar a leer. (Soy una ferviente defensora de los prólogos, esa parte de los libros sumamente interesante la mayoría de las veces y que casi todo el mundo se salta).

Un retrasado, un suicida enamorado platónicamente de su hermana, una hermana díscola con ganas de escapar, un hermano tirano y egoísta, una madre chantajista emocional, una familia de negros que cuidan de esa familia que no es la suya como si fuera la suya, o aún más que a la suya propia… Todos estos personajes irán apareciendo.
A la mayoría los conoceremos desde su interior, desde las cosas que no dicen. A otros desde lo que sí dicen pero sus actos contradice.
Un collage fascinante, una lectura que atrapa.

Con “El Ruido y la Furia” de William Faulkner me pasó algo que sólo me ha pasado con “La Montaña Mágica” de Thomas Mann, ese sentimiento de estar frente a alguien que te comprende. No tiene que ver con algo a nivel intelectual, ni siquiera espiritual, tiene más que ver con ese instinto que hace que un animal reconozca a otro de su misma especie. Y ese sentimiento se afianzó a medida que iba leyendo el libro, sobretodo al ir descubriendo el trato que Faulkner daba a los personajes, los más nobles tienen ese pensamiento en apariencia divagante, mientras que los más mezquinos y ruines tienen un pensamiento más lineal y aparentemente coherente. Fue como sí Faulkner, desde donde quiera que esté hiciera un guiño cómplice a través de su libro.
Sí William, capté el mensaje.

Edgar Degas

2011-02-27T10:24:00.000-08:00

Blue Dancers, c.1899

“El eterno femenino nos impulsa hacia arriba.”
Johann Wolfgang von Goethe

“El eterno femenino" de Goethe ha sido interpretado como la idea de belleza que está en todas las mujeres, como lo verdaderamente femenil, el principio del amor y de la gracia en su más cumplida integridad, puente y guía hacia lo Divino, como la esencial e irrenunciable feminidad”

Siempre he relacionado la figura de las bailarinas con “el eterno femenino” de Goethe, representación de la feminidad en su sentido poético, y creo que Degas ha sido el que mejor ha captado esa idea.

Y fuera de interpretaciones poético-filosóficas, los cuadros de Degas dedicados al ballet transmiten, pincelada a pincelada, la sutileza y sensibilidad que el ballet representa, a través de sus bailarinas al pastel.

En este cuadro aparece la dirección desde la que podéis acceder a la obra de Degas, os recomiendo la página, un lujazo para los amantes de este pintor.

The Star, c.1878

MUERTE EN VENECIA ( Morte a Venezia, Luchino Visconti, 1971 )

2011-02-25T22:26:00.000-08:00

Del amor y de la muerte

Un amor, que en él mismo, contiene todos los elementos que lo forman, no tiene sentido, ni explicación, contradice la razón, pero ahí está y no se puede hacer nada.
Lo ve paseando por la playa y todo se transforma, y su imagen aparece frente a él con una belleza casi perfecta, de esa que hace rechinar las emociones, porque a veces la perfección chirría.
Y cuando ese "David" sonríe, la luz del sol ilumina la playa, y acabamos viendo un cuadro de Sorolla, y él piensa, ¿por qué no? Pero es tan joven.... Y además es un hombre.... Pero lo vuelve a mirar, y aparece de nuevo su belleza, una belleza ambigua, que nos hace comprender, porque él lo ama, a pesar de todo y de todos.

Y aparece la muerte, la huesuda amenaza, y todos se alejan, y su razón le dice que debe alejarse, y lo intenta, pero ya es demasiado tarde. Su corazón ha decidido que aquel es su lugar, a pesar de los peligros. Y él no quiere vivir sin corazón, aunque tenerlo y aceptar sus designios sea peligroso y doloroso. Y la muerte sonríe, porque sabía que tenía la partida ganada, y que él no se alejaría.
Pobre diablo, tu amor será tu condena y pronto te reunirás conmigo.

Y al final un poema, un lienzo que nos muestra el horizonte con el sol recortando la figura del ser amado y las olas acariciando la orilla. Y el "David" señala un punto en el horizonte, y suena Mahler, y él lo mira, mientras su corazón late cada vez más despacio, tal vez porque no pudo resistir tanta belleza (otros dirán que fue el cólera, quien sabe), tal vez porque no puede imaginarse una manera más bella de morir, o simplemente la huesuda decidió hasta aquí llegamos.

No hay nada de poético en la muerte, eso lo sé desde hace mucho, pero la escena final de esta película me parece la forma más poética de reflejar la muerte que he tenido la oportunidad de ver.

Él arriesgó y murió, pero amó, con un amor puro. Y tal vez fue en Venecia donde encontró el verdadero amor.

"Muerte en Venecia”, una adaptación magistral de un libro difícil de adaptar, por la genialidad del autor, por la profundidad de los conceptos.
“Muerte en Venecia”, una película de una belleza plástica sólo comparable a "Barry Lyndon" de Kubrick.

“Aquel que ha contemplado la belleza está condenado a seducirla o morir”

EDWARDS, CAPOTE Y DIAMANTES

2010-12-16T20:37:00.000-08:00

Hasta siempre, señor Edwards...

“¿Conoce usted esos días en los que se ve todo de color rojo?
¿Color rojo? Querrá decir negro.
No, se puede tener un día negro porque una se engorda o porque ha llovido demasiado, estás triste y nada más. Pero los días rojos son terribles, de repente se tiene miedo y no se sabe por qué.”

“Los días rojos son terribles y en esos momentos lo único que me viene bien es ir a Tiffany's, porque nada malo me puede ocurrir allí.”

Entre lo hipnótico y lo fascinante el brillo de los diamantes atrapa con sus destellos, destellos que encierran otros destellos, que recuerdan a otros destellos, constelación de estrellas brillantes que las olas mecen. Sí, nada malo te puede pasar en un lugar donde los destellos del mar quedaron atrapados en unas aristas que centellean en transparente multicolor…

El peor de los miedos es el miedo a sentir miedo… Por eso son tan terribles los días rojos, días en los que sus miedos pasados regresan, tiñendo de cruda realidad en rojo su frágil presente de fantasía. Por eso, cuando aparece uno de esos días rojos ella sigue el camino de baldosas amarillas que la lleva a su Ciudad Esmeralda…

Fascinantemente elegante, de Givenchy, con collar de perlas y peinado sofisticado y chic, desayunando en Tiffany’s… Cautivadoramente hipnótica, mezcla de fragilidad y ternura, cantando Moon River en el marco de una ventana…. El verdadero diamante de la película de Edwards es Audrey Hepburn, por eso Edwards eligió para su Holly un final con beso bajo la lluvia, salvándola de ella misma…

Por eso la Holly de Edwards tiene un final de película…

La Holly de Capote tiene muchas más sombras que la de Edwards, el brillo de los diamantes la ciega más que la ilumina…
Y en su intento inútil por hacer desaparecer aquella que fue, sus pasos la llevarán por un camino que nunca tuvo baldosas amarillas y descubrirá que cuando tratas de olvidar quien fuiste acabas perdiéndote en una búsqueda estéril por saber quién eres…

Las Hollys del mundo jamás podrán pertenecer a un lugar, nunca pertenecerán a nadie, esa opción se la negó la vida.
Y en su constante huída hacia delante, no habrá beso bajo la lluvia, nadie podrá salvarlas de ellas mismas…

Las Hollys del mundo, como la de Capote, no tienen un final de película…

El Lado Oscuro del Corazón (Eliseo Subiela, 1992)

2010-11-30T08:32:00.000-08:00

“Me importa un pito que las mujeres tengan los senos como magnolias o como pasas de higo, un cutis de durazno o de papel de lija…
Pero eso sí, y en esto soy irreductible, no les perdono, bajo ningún pretexto, que no sepan volar…
Si no saben volar pierden el tiempo conmigo.”

No te salves

No te quedes inmóvil
al borde del camino
no congeles el júbilo
no quieras con desgana
no te salves ahora
ni nunca
no te salves
no te llenes de calma
no reserves del mundo
sólo un rincón tranquilo
no dejes caer los párpados
pesados como juicios
no te quedes sin labios
no te duermas sin sueño
no te pienses sin sangre
no te juzgues sin tiempo

pero si
pese a todo
no puedes evitarlo
y congelas el júbilo
y quieres con desgana
y te salvas ahora
y te llenas de calma
y reservas del mundo
sólo un rincón tranquilo
y dejas caer los párpados
pesados como juicios
y te secas sin labios
y te duermes sin sueño
y te piensas sin sangre
y te juzgas sin tiempo
y te quedas inmóvil
al borde del camino
y te salvas
entonces
no te quedes conmigo.

Mario Benedetti

"La combinación del cine de Subiela y la poesía de Benedetti acercan el alma a la experiencia de lo sublime."

Mr. Ripley

Gracias Mr Ripley, por descubrirme esta joya.

Moulin Rouge (Baz Luhrmann, 2001)

2010-08-31T06:07:00.000-07:00

“Estética de videoclip, estética de videoclip…”
Siempre se ataca a esta película con lo mismo.

La orquestación de las canciones y los números musicales son una maravilla.
Hace reír, hace llorar, y, sobretodo, hace sentir que, salga bien o salga mal, estar enamorado es la hostia…
Una película con "magia".

"La Magia del Amor..."

I’ll see you…

2010-06-25T21:19:00.000-07:00

Por causas ajenas a mi voluntad (falta de tiempo mayormente) no puedo continuar con el blog.
No por ahora.

Gracias a tod@s los que habéis pasado por aquí en este tiempo, ha sido un placer compartir con vosotr@s.

Os dejo con un video de “mi” película.

Os voy a echar de menos,
sed muy felices...

Wish you were here

2010-06-25T21:18:00.000-07:00

Para Marco

Aunque sea un desastre para estas cosas y no te lo diga,
me acuerdo de ti todos los días…

Annabel Lee

2010-05-17T08:45:00.000-07:00

Annabel Lee, James Abbott McNeill Whistler

Hace muchos, muchos años,
en un reino junto al mar,
vivía una doncella
cuyo nombre era Annabel Lee;
y vivía esta doncella sin otro pensamiento
que amarme y ser amada por mí.

Yo era un niño, una niña ella,
en ese reino junto al mar,
pero nos queríamos con un amor que era más que amor,
yo y mi Annabel Lee,
con un amor que los serafines del cielo
nos envidiaban a ella y a mí.

Tal fue esa la razón de que hace muchos años,
en ese reino junto al mar,
soplara de pronto un viento, helando
a mi hermosa Annabel Lee.
Sus deudos de alto linaje vinieron
y se la llevaron apartándola de mí,
para encerrarla en una tumba
en ese reino junto al mar.

Los ángeles, que no eran ni con mucho tan felices en el Cielo,
nos venían envidiando a ella y a mí…
Sí: tal fue la razón (como todos saben
en ese reino junto al mar)
de que soplara un viento nocturno
congelando y matando a mi Annabel Lee.

Pero nuestro amor era mucho más fuerte
que el amor de nuestros mayores,
de muchos que eran más sabios que nosotros,
y ni los ángeles arriba en el Cielo,
ni los demonios abajo en lo hondo del mar,
pudieron jamás separar mi alma
del alma de la hermosa Annabel Lee.

Pues la luna jamás brilla sin traerme sueños
de la bella Annabel Lee;
ni las estrellas se levantan sin que yo sienta los ojos luminosos
de la bella Annabel Lee.
Así, durante toda la marea de la noche, yazgo al lado
de mi adorada -mi querida- mi vida y mi prometida,
en su tumba junto al mar,
en su tumba que se eleva a las orillas del mar.

Edgar Allan Poe

Traducción de María Condor y Gustavo Falaquera

Del Impresionismo al Expresionismo, “La Golfa”.

2010-05-09T08:46:00.000-07:00

“La Chienne" (La Golfa), novela de Georges de La Fouchardiere, fue llevada al cine en 1931 por Jean Renoir y en 1945 por Fritz Lang.

Es éste un magnífico ejemplo de cómo, partiendo de una misma novela, y con un mismo argumento, se pueden realizar dos película totalmente distintas, con concepciones del lenguaje cinematográfico diametralmente opuestas, de la mano de dos directores con un sello personal propio y característico, y a su vez, dos joyas del cine.

LA GOLFA (La Chienne, Jean Renoir, 1931)

La obra que van a ver no es ni un drama ni una comedia.
No tiene moraleja ni demuestra nada.
Los protagonistas no son héroes ni traidores.
Son una pobre gente como usted y como yo.
Son tres: él, ella y el otro, como siempre.

Renoir introduce al espectador en las vidas de tres personajes, él, ella y el otro, unas vidas que se entrecruzan hasta finalizar en tragedia.
Es ese triángulo amoroso el eje central de la historia.

Él es un buen tipo, tímido, de mediana edad y muy inocente. Posee una cultura intelectual y sentimental superior al ambiente en que se mueve por lo que le consideran un imbécil.

Ella es una muchacha con cierto encanto un tanto vulgar.
Siempre es sincera, miente continuamente.

El otro es el joven Dédé y nada más.

La estética de cine mudo, unido a la sencillez con la que Renoir presenta la historia, introduce al espectador en la vida de estos tres personajes, le lleva a conocer sus miserias y sus anhelos, a descubrir sus sentimientos.
El director, a través de su objetivo, muestra al espectador el día a día de esos tres personajes, fotograma a fotograma va construyendo su historia, pinceladas de realidad que van conformando el lienzo de sus vidas, convirtiendo al espectador en voyeur de la historia de esos tres infelices, que en el fondo acaban despertando en mayor o menor medida compasión y lástima, incluso el personaje de Dédé, que pasa de verdugo a víctima de sus propias circunstancias.

"La Pintura", queda en un segundo plano en la historia, reducida casi a anécdota.
El protagonista pinta cuadros como afición, como vía de escape a una vida gris, en un hogar en el que dejó de sentirse cómodo hace mucho tiempo y en el que nunca disfrutó de la felicidad.
Serán esos cuadros, paradójicamente, los que mantendrán unidos a los tres protagonistas de la historia en un camino común, unos cuadros que para cada uno de ellos, por motivos muy distintos, se convierten en depositarios de sus sueños de felicidad.

El tema del Arte y la Creación Artística se trata de refilón, utilizado por el director para lanzar una velada crítica a lo que la sociedad termina por considerar Arte y al papel de críticos y marchantes al respecto, aún por encima de la propia calidad de la obra y del talento del artista.

PERVERSIDAD (Scarlet Street, Fritz Lang, 1945)

Un cuadro va brotando...
Eso es lo importante, el sentimiento, trazo una línea alrededor de lo que siento al ver las cosas…
Es como enamorarse, supongo…
Yo creo que el arte es así, cada cuadro puede ser una historia de amor.
Uno se lo calla, lo guarda dentro, como un secreto.

Lang construye una historia donde la psicología de los personajes y la creación artística se convierten en eje central, el triángulo amoroso no es el fin, sino el medio que el director utiliza para que el espectador vaya descubriendo el carácter de los personajes, enfatizado por el magnífico juego de luces y sombras a lo largo de la película, esos claroscuros en los que Lang envuelve a los personajes.

Una historia narrada y ambientada al más puro estilo "Cine Negro", con unos personajes con caracteres muy definidos.

El protagonista, un hombrecillo gris, un "tipo corriente", honrado y noble, que pierde la cabeza por una mujer.
Un amor envenenado que le llevará a cometer actos que nunca pasaron por su imaginación y a transgredir la ley hasta llegar al asesinato.

Una femme fatale, atractiva y sensual, conocedora del poder de sus encantos y manipuladora hasta alcanzar niveles de verdadera crueldad.

El tercero en discordia, un delincuente de medio pelo, fanfarrón y oportunista, con poco cerebro y mucha testosterona, de los que tarde o temprano acaban mal parados.

El Arte, la Creación Artística, es un tema central en la película, la historia gira alrededor del personaje de Edward G. Robinson, un cajero con alma de pintor, con sensibilidad de “artista”, para quien pintar un cuadro no es sólo un pasatiempo, es su manera de expresarse, sin necesidad de palabras, su manera de expresar aquello que su timidez le impide.
Es por eso que cuando descubre que finalmente su obra obtuvo reconocimiento, no le importa lo más mínimo que sea bajo otro nombre, más aún cuando ese nombre es el de la mujer que ama, sólo puede sentir emoción y alegría al saber que su obra es reconocida.

Destacar el magnífico final que Lang da a la historia, con ese preludio en un vagón de tren, y una sentencia “El peor juez es uno mismo”.
Lang nos muestra al protagonista de la historia, un hombre libre de toda culpa frente a la justicia, convertido en vagabundo, sin nada y sin nadie, sólo con la compañía de esas voces que le persiguen, vidas sobre su conciencia, mientras su obra se ha convertido en pieza de arte cotizada.

En esta ocasión, quería utilizar esta entrada, para, aprovechando los conocimientos cinéfilos y pictóricos de muchos de los que por aquí pasáis, lanzar una pregunta.
Todos conocéis mi debilidad por "Perversidad" de Lang, después de verla, durante bastante tiempo anduve investigando sobre el autor de los cuadros que aparecen en la película, sin conseguir averiguarlo, así que, si algun@ conoce el dato, os agradecería enormemente que lo compartierais aquí.

El autor de los cuadros de "Perversidad" es John Decker.
"Los cuadros de la película pintados por el personaje Chris Cross fueron realizados por el artista John Decker, amigo de Fritz Lang, al que contrató para pintar catorce cuadros con el estilo de Henri Rousseau y Camille Bombois".

http://www.elcultural.es/version_papel/CINE/8656/Perversidad

Lamentablemente hay poco sobre su obra y pocas reproducciones de sus cuadros, alguna cosa en inglés y poco más.
Adjunto otro enlace con un trabajo en inglés, en el que hablan sobre los cuadros de perversidad y sobre el artista de hollywood, John Decker.

http://www.scribd.com/doc/17340710/Scarlet-Street-Film-Reviewwps

WILLIAMMUNNY

M. C. Escher

2010-04-25T09:29:00.000-07:00

Relatividad (1953)

“Asombrarse es la esencia de la vida”
M.C. Escher.

Escher borró esa línea inventada que separa para algunos el Arte de la Ciencia.
Para mí, todo es Ciencia y todo es Arte, la Ciencia es el arte de la vida, el Arte es la ciencia de "las vidas".

"Asombro" sería posiblemente el calificativo más adecuado para definir mis sensaciones respecto a su obra; asombro frente a sus realidades imaginadas, tan creíbles ante nuestros ojos cuando, en realidad, son imposibles.

Perder la capacidad de asombro ante las pequeñas y grandes cosas de la vida es un poco como morirse, morirse mientras seguimos viviendo...

William Shakespeare

2010-04-18T05:41:00.000-07:00

Soneto 116

Let me not to the marriage of true minds
Admit impediments, love is not love
Which alters when it alteration finds,
Or bends with the remover to remove.

O no, it is an ever-fixed mark
That looks on tempest and is never shaken;
It is the star to every wand'ring bark,
Whose worth's unknown, although his height be taken,

Love's not Time's fool, though rosy lips and cheeks
Whitin his bending sickle's compass come,
Love alters not with his brief hours and weeks,
But bears it out even to the edge of doom:

If this be error and upon me proved,
I never writ, nor no man ever loved.

Ante la unión de almas sinceras no dejéis
que ponga impedimentos. El amor no es amor
si al enfrentar la alteración se altera,
o flaquea cuando el que parte se aleja.

Oh, no, es un faro siempre en pie,
que ve pasar las tempestades y nunca es derribado;
es la estrella para el navío a la deriva,
de valor desconocido, aunque se mida su altura.

El amor no es juguete del tiempo, aunque el rosado de labios y mejillas
caiga bajo el golpe de su guadaña;
el amor no se altera en fugaces horas o semanas,
sino que perdura hasta el final de los tiempos.

Si estoy en un error, y en mí puede probarse,
yo nunca he escrito, ni ningún hombre ha amado.

La traducción del poema es una combinación de varias traducciones, con ciertas licencias respecto a la literalidad de algunas palabras, no encontré ninguna que me convenciera por completo.

EL HALCÓN MALTÉS (THE MALTESE FALCON, JOHN HUSTON, 1941)

2010-04-11T10:01:00.000-07:00

Del material con que se forjan los sueños se alimenta la esperanza de un tipo duro que pierde la cabeza por una cara bonita, esperanza en que esa cara bonita no acabe, como presiente, partiéndole el corazón…

Del material con que se forjan los sueños, John Huston elaboró un guión extraordinario, basado en la novela de Dashiell Hammett, con unos diálogos de esos que la memoria retiene, y dirigió una película cuyas imágenes permanecen en la retina, fotograma a fotograma, como fotos fijas de una historia de esas que merece la pena recordar…

Del material con que se forjan los sueños, Huston consiguió con su opera prima una obra maestra, considerada por los entendidos como el inicio de un género entre los géneros, el Cine Negro.
Un género de tipos duros con corazón de gelatina, crápulas y tarambanas, cuyo rostro se intuye entre la neblina de un perenne cigarrillo, tras un sombrero ladeado, en penumbra, entre los claroscuros de la noche, en la que se desenvuelven con mayor habilidad que en la radiante luz del día, esa que con demasiada frecuencia deja ver más de ellos de lo que están dispuestos a admitir.

Sam Spade (Humprey Bogart) es el paradigma de antihéroe de Cine Negro, lobo solitario, de vuelta de todo, bebedor de whisky, fumador compulsivo, con cierta facilidad para meterse en problemas cuando de por medio se encuentra una chica bonita; detective privado de profesión, buscador de la verdad por vocación, con pocos escrúpulos a la hora de aceptar un trabajo, siempre que la cuenta tenga suficientes ceros, pero con un código de honor propio férreo e inquebrantable, aún a costa de esa felicidad que en el fondo anhela su corazón, que lo convierte en eterno perdedor aunque tenga las mejores cartas de la mano.

Brigid O’Shaugnessy (Mary Astor) es la femme fatale por excelencia, cara angelical y pose de mujer indefensa, consciente de que la belleza es una poderosa arma en un mundo de hombres, si se sabe utilizar; manipuladora, fría y calculadora, capaz de arrancarle el corazón a cualquier incauto que caiga en sus redes si es para su propia conveniencia.

Destacar el personaje de Joel Cairo, personaje inquietante donde los haya, que añade intriga a la historia a través de la magnífica interpretación de Peter Lorre.

Por último, entre el sin fin de magníficas escenas, me gustaría hacer mención a la escena final de la película, ejemplo de talento al servicio del Séptimo Arte, donde, sin una sola palabra, Huston nos dice tanto, con un Bogart, viva imagen de la derrota y el desencanto, que alza la mirada para ver, tal vez por última vez, a la mujer que le partió el corazón, mientras las rejas del ascensor se cierran ante el rostro impasible de ella, y él sostiene entre las manos el símbolo de tantos sueños hechos pedazos.

Silvio

2010-02-26T08:12:00.000-08:00

Poeta no es sólo aquel que deja reflejados sentimientos en negro sobre blanco bajo el manto de un género literario.

Silvio Rodríguez estará siempre entre mis poetas preferidos, esos que saben que los Unicornios Azules existen.

Cien mil, o un millón, de amor, yo pagaré…

Ni todo el que escribe poesía es para mí poeta, ni son sólo poetas aquellos que escriben poesía.

MADAME DE ... (Max Ophüls, 1953)

2010-02-21T14:54:00.000-08:00

Madame de… era elegante, brillante, inteligente.
Parecía destinada a llevar una buena vida tranquila.
Seguramente nada hubiese ocurrido sin esa joya…

Desde ese vida tranquila, de visones, sombreros, vestidos caros y joyas, aquellos dos corazones de los que un día se desprendió significaban ahora lo único que de verdad le importaba…
Habían sido sólo una más de sus joyas, y no la más preciada, dos brillantes en forma de corazón de los que poder desprenderse.
Corazones transformados en mentira, que en su viaje de ida y vuelta se convirtieron en dos mitades que debían seguir con ella, unidas, para que el suyo, débil y cansado pudiera seguir latiendo.

“Sálvelo Santa mía. Sabe que no somos culpables ni él ni yo. Sólo de pensamiento, ¿pero eso qué es? ¿Lo salvará, Santa mía? Gracias de antemano. Bendita sea en el cielo como en la tierra. Amén”
En ofrenda, mi corazón.

Les dirán que fue frívola y coqueta, rodeada de admiradores, viviendo en su mundo aristocrático de lujos y bailes de gala, acomodada en su matrimonio de camas separadas.

El amor… El amor la transformó…
Bailar el vals, vueltas y más vueltas entre sus brazos, deseando que el resto del mundo desapareciera.
“Ya no quiero que nadie más me mire”.

Luchó y se alejó, y convirtió sus palabras de amor en pedacitos de papel llevados por el viento, cartas rotas y distancia, débiles armas para luchar contra un amor que nació y seguirá creciendo, y se hará más fuerte lejos, porque lo alimentará la añoranza.

Las mentiras... Las mentiras lo destruyeron todo…
Mentiras que eran ya una costumbre, pequeñas mentiras que formaban parte de su día a día, una parte más de su vida cotidiana, pero que hirieron de muerte su amor, porque en las cosas que de verdad importan las mentiras envenenan el alma.

La crueldad... La crueldad la consumió lentamente…
Crueldad de un hombre que se cree su dueño, cuyo orgullo no consentirá que aquel amor siga existiendo, ni siquiera en la distancia. No es amor, él no la quiere, no se puede ser cruel cuando de verdad se ama.

El amor... El verdadero…
El que sufre cuando él sufre, el que vive porque él vive, aunque sea en la distancia, el que ayuda a que un corazón débil siga latiendo gracias a sus recuerdos, y que al no oír un segundo disparo se apaga.

Algunos la juzgarán duramente, Madame de... frívola, coqueta, adultera, caprichosa…
Para mí sólo es Louise, una mujer enamorada.

A través de una historia de amor trágica, porque nace herida de muerte, no sólo por ser un amor “imposible”, Max Ophüls consigue transmitir, en cada plano, con cada pequeño detalle, con cada gesto, cada palabra, algo que no he encontrado en ningún otro director, la elegancia.
No tiene que ver con ambientes de lujo, aristocráticos, ni con cosas caras.
Es algo que se tiene o no se tiene, con lo que seguramente se nace y la educación pule.
Es intangible pero perceptible, Max Ophüls es la elegancia.
Madame de… La elegancia dentro de la elegancia.

El destino, la vida en círculo, el principio y el final en un continúo destinado a encontrarse. Así ve Max Ophüls la vida de sus protagonistas en muchas de sus películas. Personajes atrapados en un círculo, sin que ellos sean conscientes, y es ese mismo desconocimiento sobre la ausencia de control sobre sus propias vidas el que determina su existencia.
La Ronda, los pendientes de Madame de… son sólo algunos ejemplos.

Gertrud, Madame de…, son dos de mis películas favoritas, por muchos motivos, pero, una de las cosas que más me fascina de estas dos películas es que son la creación de dos hombres, dos hombres que supieron comprender a esas mujeres, sin juzgarlas.

CABARET (Bob Fosse, 1972)

2010-02-13T04:30:00.000-08:00

Esta es para mí, sin ningún género de dudas, una de las secuencias más memorables de la historia del cine.

Ese jovencito rubio, de voz angelical, entonando una canción con una melodía preciosa, en un ambiente bucólico, idílico... La cámara bajando para mostrarnos la esvástica en el brazo del angelito... Los allí presentes en día de campo, uniéndose a la canción que se transforma en himno de masas enfervorecidas... Y el único que parece contrariado y preocupado un anciano, que ha vivido lo suficiente para saber que lo que allí se está gestando no traerá nada bueno...

Ver como el jovencito se pone la gorra y levanta el brazo, terrorífico, una de las escenas más terroríficas de la historia del cine.

¿Sigues creyendo que les pararéis los pies?
Lamentablemente, todos sabemos la respuesta.

Charlando una vez a propósito de los musicales me comentaba un amigo que en su opinión “Cabaret”, como casi todos los musicales, flojeaba en el guión. No puedo estar más en desacuerdo.
“Cabaret”, no sólo es una película donde cada plano, cada número musical es de una perfección que abruma, todo tiene un por qué, nada es gratuito, sino que además, tiene, en mi opinión, un guión redondo, la manera en la que se establece ese paralelismo entre el mundo de los protagonistas, esas vidas que se derrumban, y la deriva de una sociedad que acabara en un mundo en ruinas me parece sencillamente fascinante.
Y ese maestro de ceremonias, irónico y corrosivo, que observa como espectador la vida, ese gran Cabaret…

A veces, el talento y la inspiración se dan la mano y crean joyas como “Cabaret”, una película que trasciende el musical para convertirse en una obra maestra.

Os dejo con Sally Bowles

LUZ QUE AGONIZA (GASLIGHT, GEORGE CUKOR, 1944)

2010-02-07T04:42:00.000-08:00

Cae la noche en las calles empedradas de Londres, y la niebla se adueña de la realidad dando paso al misterio de las formas que se intuyen, donde se pierde la seguridad y la confianza depositada en nuestros sentidos, indefensos ante la mente que rellena espacios vacíos de realidad creando fantasmas que nos persiguen, donde los sonidos se acompañan de figuras deformadas que nos acechan, y entonces, aparece el miedo….
Hay otra niebla más poderosa y otro miedo más aterrador.
La niebla que envuelve de irrealidad nuestra propia existencia, que convierte en duda cada una de las percepciones de nuestros sentidos, que transforma cada elemento de realidad en amenaza…
Un miedo que destruye nuestra esencia en pro de una ilusión imaginada. El miedo de comprender que traspasamos la delgada línea invisible que separa la cordura de la locura.
El miedo de sentir que dejamos de tener el control sobre nosotros mismos.

Paula tiene luz, una luz que ilumina la pantalla cada vez que Cukor nos regala un primer plano. Paula es alegría, alegría y entusiasmo, que conservó y mantuvo a pesar de un pasado de noche oscura con niebla y tragedia…
Paula tiene luz propia, y esa luz y esa alegría se fortalecen con el amor, amanecer luminoso a orillas de un lago con banda sonora de Mattinata.
Pero el amor no es rival para la codicia, juguete en manos de una mente perversa…

El no la ama, ni siquiera la quiere, no hay lugar para el amor o la compasión en su mente maquiavélica. Ella es el medio para llegar a su fin, y para él ese fin justifica destruir el medio. Y en su tortura lenta y calculada, de olvidos irreales, de sonidos que retumban en la mente convirtiendo las noches en una eterna agonía, de luz de gas que la sume en penumbra alimentando sus miedos, sumergiéndola en la confusión y en la duda, la convertirá en prisionera, encarcelándola en el terror de temerse a sí misma, convirtiendo su luz en sombra envuelta en tinieblas, en luz que agoniza…

Ingrid Bergman era una actriz con luz propia, con unos primeros planos de esos que enamoran a la cámara.
Es precisamente el magistral uso de su luz lo que consigue que la película adquiera un dramatismo mayor, a través del paralelismo que Cukor nos plantea, entre la luz que la tortura cada vez que pierde intensidad, y la de una mujer alegre y confiada que poco a poco va apagándose hasta convertirse en una sombra de ella misma.

George Cukor es calificado, entre otras cosas, como el mejor director de actrices de la historia del cine.
Supo sacar el mejor y máximo partido a cada una de las protagonistas de sus películas.
Esta película es un buen ejemplo de ello.

DE LO SUBLIME, DIOS Y MORRICONE

2010-01-28T10:12:00.000-08:00

La majestuosa y sobrecogedora belleza de las cataratas del Iguazú, la serena armonía de la selva...
La majestuosidad de una orquesta filarmónica que sobrecoge, la serena armonía de un oboe…
Lo sublime.

El arte imita a la vida.
A veces, sólo a veces, el arte trasciende al arte fundiéndose con la vida…

La película, una maravilla, los actores, fantásticos, pero ésta es una de esas ocasiones en las que todo se vuelve pequeño frente a la belleza real, la de la Naturaleza, frente a lo sublime de la música que acompaña las imágenes, frente a la intensidad de lo que se siente…

Y es que ante tanta belleza una se siente pequeña, insignificante, y sus sentidos se aturden, y ya no ve ni oye, sólo siente, y le da por pensar, sí, debe ser que Dios existe, y bajó de los cielos para susurrarle al oído a Morricone…

Los que visitáis este blog sabéis que no soy muy de detalles técnicos ni análisis de los mismos en mis entradas, pero, en esta ocasión, creo que es de justicia destacar el trabajo de Chris Menges, director de fotografía de la película.

CALLE MAYOR ( Juan Antonio Bardem, 1956 )

2010-01-22T19:33:00.000-08:00

“Isabel, ¿no tienes novio? Primero eran las amigas… Y a mí qué, yo esperaba…
Isabel, ¿no tienes novio? Después eran mis tías… Me daba igual, yo esperaba…
Isabel, ¿no tienes novio? Luego mi madre… Pero yo, yo esperaba…
Isabel, no tienes novio. Esa soy yo cuando cumplí los que tengo, y tengo 35. Me miré al espejo y dije, Isabel, no tienes novio, ni esperanza de tenerlo… Eso es un fracaso… Sólo tenía una cosa que hacer, casarme…”

Isabel dejó de esperar, Isabel ya tiene novio, y pasea su felicidad por la Calle Mayor, esa calle que recorrió tantas veces entre murmullos y saludos que eran sólo reproche y lástima.
Isabel ya tiene novio, el primer amor, el que no se olvida, el que nace desde la inocencia de quién creyó en la esperanza a pesar de los años, el que devuelve el brillo a su mirada, el que la hace vivir en permanente sonrisa.
Isabel ya tiene novio y en su inocencia no sabe que en realidad no tiene nada…

Se aburren, dice el intelectual de provincias. Hasta él, víctima de una de esas bromas macabras, se contagió del conformismo de quien acepta las cosas, incapaz de revelarse para cambiarlas.
Ya publicaron mis obras completas, alega, llegó su tiempo de instalarse en la nada.
Se aburren… Patética excusa para justificar una crueldad gratuita e innecesaria.

“Calle Mayor” no es sólo la historia de un engaño, es el retrato de la vida en una ciudad de provincias, donde las miserias de la condición humana adquieren protagonismo a través de una clase media acomodada, resignada a su existencia monótona, sin inquietudes, sin ambiciones, sin interés por cambiar nada. Una vida de misa de domingo, de paseos por la Calle Mayor, de mujeres que sólo lo son si llevan un hombre colgado del brazo, de patéticos personajes pagados de sí mismos, que en su absurda existencia hacen de la burla al prójimo, bromas lo llaman, su diversión, su pasatiempo.

Considerada una adaptación libre de “la Señorita de Trevélez” de Carlos Arniches, “Calle Mayor” es una de las obras maestras de nuestro cine, para algunos incluso por delante de “Muerte de un ciclista”. He de reconocer que yo sería incapaz de colocarlas en un orden determinado, aunque tengo cierta debilidad por la que aquí comento.
La película no estuvo exenta de contratiempos, durante el rodaje en Palencia Bardem fue detenido, y no pudo reanudarse hasta meses después, trasladándose a Logroño.
Más tarde, hubo que burlar a la censura, por lo que una voz en off nos advierte al principio de la película aquello de que “cualquier parecido con la realidad es pura coincidencia”, aunque cualquiera que vea la película reconocerá una ciudad de provincias española en la época franquista.

En definitiva, a pesar de la caza al rojo, de cambios de localización, de censuras, y otras tribulaciones, el gran Juan Antonio Bardem nos dejó una joya del cine, que, en mi opinión, ningún cinéfilo debería perderse.

Garcilaso de la Vega

2010-01-22T09:23:00.000-08:00

SONETO XXIII

En tanto que de rosa y d’azucena
se muestra la color en vuestro gesto,
y que vuestro mirar ardiente, honesto,
con clara luz la tempestad serena;

y en tanto que’l cabello, que’n la vena
del oro s’escogió, con vuelo presto
por el hermoso cuello blanco, enhiesto,
el viento mueve, esparce y desordena;

coged de vuestra alegre primavera
el dulce fruto antes que’l tiempo airado
cubra de nieve la hermosa cumbre.

Marchitará la rosa el viento helado,
todo lo mudará la edad ligera
por no hacer mudanza en su costumbre.

Me enamoré de este poema desde la primera vez que lo leí, al punto que, sin pretenderlo, sus versos quedaron grabados en mi memoria.

A través de él descubrí el significado de unas palabras que me acompañan desde entonces Carpe diem.

"New York, New York" Liza Minnelli

2010-01-16T09:06:00.000-08:00

En 1977, llegaba a las pantallas “New York, New York” de Martin Scorsese, su primera película de alto presupuesto; una incursión en el género musical de la mano de Liza Minnelli y Robert de Niro.
Un homenaje al jazz y a Nueva York.

La película fue un fracaso en taquilla, una gran inversión en una producción que no consiguió el favor del público.
Una verdadera delicia, a pesar del fracaso, en especial para los amantes del jazz.
Una historia de amor entre artistas, una historia de amor al jazz, una historia de amor por una ciudad…

Es precisamente en el género, musical, y el jazz en particular, donde reside su atractivo y su mayor hándicap, ya que, para aquellos quienes los musicales no se encuentren entre sus preferencias, aún no siendo un musical al uso, y no sean precisamente amantes del jazz, la película puede hacerse lenta, incluso larga (dos horas y media de metraje).

Es ésta una de esas películas donde el tema principal de la banda sonora trasciende la película, y, frente al fracaso de “New York, New York” película, la canción adquirió una popularidad y trascendencia más allá del film, popularidad a la que contribuyó la versión de Sinatra, sin duda, convirtiendo la canción en un himno para los neoyorquinos.

Posiblemente mucha gente desconozca el origen de la canción y ni siquiera haya oído hablar de la película de Scorsese, pero la canción, esos primeros acordes, todos los hemos escuchado alguna vez.

Ladies and gentlemen, Liza Minnelli

Grande Liza, muy grande...

William Holden

2010-01-12T11:14:00.001-08:00

Sonrisa luminosa, alto, rubio, ojos azul americano, como describió Cabrera Infante, arrebatadoramente atractivo, con una voz que lo llevó a la radio...
William Holden fue uno de esos actores reclutados por su cara bonita y su aspecto seductor.

Y esos fueron sus papeles en los inicios de su carrera.

De la mano de Wilder el “Golden Boy” entró a formar parte de la época dorada del cine americano, inscribiendo su nombre con letras de oro en la historia del celuloide, a través de personajes como el de ese proyecto de guionista en ciernes que siempre quiso tener una piscina… (Sunset Boulevar, 1950, Billy Wilder)
Gracias a esta interpretación consiguió su primera nominación al Oscar.

De la mano de Wilder también, consiguió la ansiada estatuilla, por ese traidor descreído y de vuelta de todo que en el fondo era simplemente un superviviente con mejores intenciones de las que aparentaba (Stalag 17, 1953, Billy Wilder)

George Cukor, William Dieterle, John Sturges, Otto Preminger, Robert Wise, David Lean, Carol Reed, John Ford, John Huston, Sam Peckinpah, Blake Edwards, Clint Eastwood, Sidney Lumet…
Son algunos de los directores que vieron en él su talento como actor.

No sólo consiguió con sus interpretaciones despojarse del cliché para convertirse en un excelente actor, sino que el “chico guapo” supo madurar en la pantalla, dejándonos papeles memorables como Pike Bishop, en el inmenso western “Grupo Salvaje” (1969, Sam Peckinpah) o Max Schumacher, de la magnífica “Network” (1976, Sidney Lumet)

Cautivador, encantador, duro, descreído, de vueltas de todo...
Comedia, drama, cine bélico, de denuncia…
William Holden se ganó, con cada uno de los papeles que interpretó, un lugar destacado dentro de la historia del cine.
Sus interpretaciones y su filmografía le avalan, más allá de gustos personales, filias o fobias…

Filmografía

Six Cylinder Love. (1931) Six Cylinder Love. De Thornton Freeland
Prison Farm. (1938) Prison Farm. De Louis King
Sueño dorado. (1939) Golden Boy. De Rouben Mamoulian
Invisible Stripes. (1939) Invisible Stripes. De Lloyd Bacon
Million Dollar Legs. (1939) Million Dollar Legs. De Nick Grinde
Arizona. (1940) Arizona. De Wesley Ruggles
Sinfonía de la vida. (1940) Our Town. De Sam Wood
Those Were the Days. (1940) Those Were the Days. De Theodore Reed
Tucson, Arizona. (1940) Arizona. De Wesley Ruggles
Vuelo de aguilas. (1941) I wanted wings. De Mitchell Leisen
Texas. (1941) Texas. De George Marshall
Rivales por un beso. (1942) The Fleet's In. De Victor Schertzinger
Meet the Stewarts. (1942) Meet the Stewarts. De Alfred E. Green
The Remarkable Andrew. (1942) The Remarkable Andrew. De Stuart Heisler
Juventud ambiciosa. (1943) Young and Willing. De Edward H. Griffith
Blaze of Noon. (1947) Blaze of Noon. De John Farrow
Dear Ruth. (1947) Dear Ruth. De William D. Russell
Variety Girl. (1947) Variety Girl. De George Marshall
Apartment for Peggy. (1948) Apartment for Peggy. De George Seaton
Vuelve a amanecer. (1948) Rachel and the Stranger. De Norman Foster
Hombre de Colorado, El. (1948) The Man from Colorado. De Henry Levin
Cerco de odio. (1948) The Dark Past. De Rudolph Maté
Querida esposa. (1949) Dear Wife. De Richard Haydn
Miss Grant Takes Richmond. (1949) Miss Grant Takes Richmond. De Lloyd Bacon
Tres tejanos. (1949) Streets of Laredo. De Leslie Fenton
Father Is a Bachelor. (1950) Father Is a Bachelor. De Abby Berlin y Norman Foster
Crepúsculo de los dioses, El. (1950) Sunset Blvd.. De Billy Wilder
Nacida ayer. (1950) Born Yesterday. De George Cukor
Union Station. (1950) Union Station. De Rudolph Maté
La fuerza de las armas. (1951) Force of arms. De Michael Curtiz
Submarine Command. (1951) Submarine Command. De John Farrow
Boots Malone. (1952) Boots Malone. De William Dieterle
Un hombre acusa. (1952) The Turning Point. De William Dieterle
Fort Bravo. (1953) Escape from Fort Bravo. De John Sturges
Forever Female. (1953) Forever Female. De Irving Rapper
Luna es azul, La. (1953) The Moon Is Blue. De Otto Preminger
Traidor en el infierno. (1953) Stalag 17. De Billy Wilder
Torre de los ambiciosos, La. (1954) Executive Suite. De Robert Wise
Angustia de vivir, La. (1954) The Country Girl. De George Seaton
Sabrina. (1954) Sabrina. De Billy Wilder
Puentes de Toko-Ri, Los. (1955) The Bridges at Toko-Ri. De Mark Robson
Picnic. (1955) Picnic. De Joshua Logan
Colina del adiós, La. (1955) Love Is a Many-Splendored Thing. De Henry King
Al borde del infierno. (1956) Toward the Unknown. De Mervyn LeRoy
Los héroes también lloran. (1956) The proud and profane. De George Seaton
Puente sobre el río Kwai, El. (1957) The Bridge on the River Kwai. De David Lean
Llave, La. (1958) The Key. De Carol Reed
Misión de audaces. (1959) The Horse Soldiers. De John Ford
Mundo de Suzie Wong, El. (1960) The World of Suzie Wong. De Richard Quine
Espía por mandato. (1962) The Counterfeit Traitor. De George Seaton
El león. (1962) The Lion. De Jack Cardiff
Satanás nunca duerme. (1962) Satan Never Sleeps. De Leo McCarey
El séptimo amanecer. (1964) The 7th Dawn. De Lewis Gilbert
Encuentro en París. (1964) Paris - When It Sizzles. De Richard Quine
Alvarez Kelly. (1966) Alvarez Kelly. De Edward Dmytryk
Casino Royale. (1967) Casino Royale. De John Huston
Brigada del Diablo, La. (1968) The Devil’s Brigade. De Andrew V. McLaglen
Vidas truncadas. (1969) The Christmas Tree. De Terence Young
Grupo salvaje. (1969) The Wild Bunch. De Sam Peckinpah
Dos hombres contra el Oeste. (1971) Wild Rovers. De Blake Edwards
Vengadores, Los. (1972) The Revengers. De Daniel Mann
The Blue Knight. (1973) The Blue Knight. De Robert Butler
Primavera en otoño. (1973) Breezy. De Clint Eastwood
Los cazadores. (1974) Open Season. De Peter Collinson
Coloso en llamas, El. (1974) The Towering Inferno. De Irwin Allen
Network, un mundo implacable. (1976) Network. De Sidney Lumet
21 horas en Munich. (1976) 21 Hours at Munich. De William A. Graham
Maldición de Damien, La. (1978) Damien: Omen II. De Don Taylor
Fedora. (1978) Fedora. De Billy Wilder
Ébano. (1979) Ashanti. De Richard Fleischer
Evasión en Atenea. (1979) Escape to Athena. De George P. Cosmatos
Mi nuevo campeón. (1980) The Earthling. De Peter Collinson
Día del fin del mundo, El. (1980) When Time Ran Out.... De James Goldstone
S.O.B. Sois honrados bandidos. (1981) S.O.B.. De Blake Edwards

Gertrud (Carl Theodor Dreyer, 1964)

2010-01-07T18:04:00.000-08:00

He sufrido mucho y he cometido muchos errores, pero he amado.

En primavera habrá anémonas, si pasas por allí alguna vez, coge una anémona y piensa en mí, piensa que es una palabra de amor que ha sido pensada pero no pronunciada.

La genialidad construye realidades evocando sentimientos convertidos en tonalidades. Tonalidades de grises que aparecen en la pantalla reflejo de sentimientos adormecidos, de pasiones dormidas, tal vez porque nunca despertaron...
Un paisaje de claroscuros, de luces y sombras, de estatismo pretendido, de gestos pausados, de un hablar sin mirarse, de miradas perdidas en la búsqueda de aquello que sólo se reconoce cuando se encuentra.

No hay mucho espacio para la luz en sus vidas, sólo instantes de claridad en una mirada. La mirada de una mujer que se sabe prisionera de unos sentimientos que son sólo sombras. Y esa mirada perdida, descubre aquello que anhela, aquello que ni siquiera sabía que era lo que andaba buscando.
Y cuando el amor aparece, la luz inunda la pantalla, y es entonces cuando ella mira a los ojos, porque ella se ve en su mirada.

Y para ella el desamor no es derrota, no hay derrota en haber amado. Es ese amor, luz en un universo de sombras, el que le muestra el camino de los lugares soñados, donde los sentimientos no duermen, donde las pasiones mueren porque antes vivieron, donde los silencios son poesía, porque son el lenguaje del alma.
Y ese amor que muere casi antes de haber nacido es su fuerza, que cual espada del guerrero, blandirá para vencer a sus fantasmas, fantasmas del pasado que la acosan, la persiguen, intentan retenerla. Pero no se puede retener con sentimientos tibios a alguien que conoció el amor, eternidad del instante convertido en infinito.

Eligió la soledad, no es cierto. Eligió el camino de buscar en su interior para encontrarse, de descubrirse y reconocerse más allá de otras miradas, en su propia mirada.

Es Gertrud, la mujer del "amor omnia"... El amor lo es todo...
Porque conoció el amor, renunció a la vida entre sombras. Porque fue en el amor donde descubrió su propia luz, esa que todos tenemos pero sólo algunos encuentran.

Sólo la sensibilidad de un genio, Dreyer, puede conseguir, con un juego de luces y sombras, retratar un alma...

Gertrud, retrato del alma de una mujer.

Dylan Thomas

2010-01-07T12:49:00.000-08:00

De los suspiros algo nace
que no es la pena, porque la he abatido
antes de la agonía; el espíritu crece
olvida y llora:
algo nace, se prueba y sabe bueno,
todo no podía ser desilusión:
tiene que haber, Dios sea loado, una certeza,
si no de bien amar, al menos de no amar,
y esto es verdadero luego de la derrota permanente.

Después de esa lucha que los más débiles conocen
hay algo más que muerte;
olvida los grandes sufrimientos o seca las heridas,
él sufrirá por mucho tiempo
porque no se arrepiente de abandonar una mujer que espera
por su soldado sucio con saliva de palabras
que derraman una sangre tan ácida.

Si eso bastase, bastaría para calmar el sufrimiento,
arrepentirse cuando se ha consumido
el gozo que en el sol me hizo feliz,
qué feliz fui mientras duró el gozar,
si bastara la vaguedad y las mentiras dulces fueran suficiente,
las frases huecas podrían soportar todo el sufrimiento
y curarme de males.

Si eso bastase: hueso, sangre y nervio,
la mente retorcida, el lomo claramente formado,
que busca a tientas la sustancia bajo el plato del perro,
el hombre debería curarse de su mal.
Pues todo lo que existe para dar yo lo ofrezco:
unas migas, un granero y un cabestro.

Versión de Elizabeth Azcona Cranwell