La MaracaCultura y Ocio

Tecnología e Incapacidad Mental - Parte I

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Wed, 20 May 2026 05:13:10 +0000

De la Bandera Roja al algoritmo de TikTok; ¿Por qué siempre le tememos a lo nuevo?

Hablando de tecnología, Generación Z, agenda WOKE y la Neostalgia Camp —que antagonizan directamente con quienes temen a la pérdida eventual de la vida normal—; nos encontramos de frente con un fenómeno que tiene una dinámica de odio/amor (o temor/adicción) en la que muchos son seres que viven en y para el internet de redes sociales, y otros son temerosos de que el ser humano haya caído en la trampa de la alienación.

No se puede defender a ninguno de ambos lados, cabe mencionar, toda vez que la causa de Un problema, de haberlo, es la colonización comercial y manipuladora de quienes han encontrado el sentido práctico de la ignorancia casi general de quienes actualmente manejan la tecnología.

Cada vez que abres las redes sociales o ves las noticias, el panorama es apocalíptico respecto a temas como que la Inteligencia Artificial nos va a dejar sin trabajo, los smartphones están destruyendo el cerebro de los jóvenes y los algoritmos nos están volviendo idiotas. Si escuchas con atención, parecería que estamos viviendo una crisis sin precedentes y que la tecnología actual es un monstruo diseñado para extinguir la civilización.

Pero ya hemos estado aquí antes.

La humanidad tiene una vieja y ridícula costumbre; cada vez que inventamos algo capaz de cambiar el mundo, lo primero que hacemos es reaccionar con un pánico absoluto. A este fenómeno los sociólogos lo llaman tecnofobia o pánico moral. La tecnología casi siempre nace como un adelanto neutral, pero la sociedad —por pura ignorancia o miedo al cambio— proyecta en ella sus peores demonios.

Viajemos un poco en el tiempo para probar la teoría.

El hombre de la bandera roja (y el terror a los motores)

Imaginemos que es el siglo XIX. Alguien inventa el automóvil. En lugar de aplaudir un transporte que no cagaba en la calle, como hacían los caballos, la gente se aterrorizó. El miedo fue tal que en Inglaterra se aprobó la Red Flag Act (Ley de la Bandera Roja). Esta ley obligaba a que cualquier coche autopropulsado tuviera a un hombre caminando delante de él, agitando una bandera roja durante el día y una linterna por la noche, para avisar a los ciudadanos del inminente peligro que se aproximaba a la velocidad de... ¡6 kilómetros por hora!

El arte ha muerto (otra vez)

Cuando apareció la fotografía, los pintores de la época pegaron el grito en el cielo. Decían que era una máquina satánica que venía a matar el arte y que robaba el alma de las personas. Hoy, los artistas digitales y los escritores dicen exactamente lo mismo de los generadores de imágenes por IA. El argumento es idéntico, solo cambió el siglo.

El chisme destruirá los hogares

Cuando el teléfono (de línea) se masificó, los periódicos de la época publicaron editoriales alarmistas asegurando que la gente perdería la capacidad de hablar cara a cara. Es más, se llegó a decir que el teléfono destruiría la estructura familiar porque las mujeres pasarían todo el día metidas en el aparato chismeando en lugar de atender la casa. ¿Te suena familiar a lo que dicen hoy de las pantallas?

Incluso cuando los hermanos Lumière proyectaron por primera vez la película de un tren llegando a la estación, la gente de la sala salió corriendo despavorida pensando que el tren los iba a arrollar. Pasó con el telégrafo, con la radio, con el fonógrafo y hasta con el microondas.

El verdadero problema no es el chip, es el dueño

Entonces, si la tecnología siempre ha sido un adelanto, ¿por qué hoy sentimos que las cosas sí se están saliendo de control? Aquí es donde entra mi teoría. La tecnología no es el problema; el problema es que cayó en manos de manipuladores que aprendieron a monetizar nuestros instintos más bajos.

Un cuchillo es una herramienta neutral y sirve para que un cirujano salve una vida en un quirófano o para que alguien cometa un delito. El microprocesador y el internet son herramientas maravillosas, pero el modelo de negocio actual no busca educar, busca controlar.

Grandes corporaciones se dieron cuenta de que el recurso más valioso del planeta no es el petróleo, sino tu atención. Y para atrapar esa atención, descubrieron que es mucho más lucrativo mantener a la gente indignada, asustada, con la autoestima rota (buscando likes para encajar) o sufriendo de FOMO (quedar fuera). Una mente ansiosa e insegura consume más.

No estamos ante una tecnología malvada, sino ante un sistema que manipula nuestra psicología para volvernos adictos. Nos falta pensamiento crítico y alfabetización digital para entender que lo que vemos en la pantalla no es la realidad, sino un anzuelo diseñado para que no soltemos el teléfono.

Recuerdo algunos detalles respecto a los mismos temores sobre algunos de estos avances a lo largo de casi cuarenta años. Un ejemplo fue cuando estudiaba diseño gráfico y utilicé por primera vez una computadora Macintosh (hoy iMac). Se utilizaba un diskette de arranque y otro de operación, y podías hacer dibujos utilizando el mouse, o bien, escaneabas la imagen con un rodillo manual y la retocabas con el mejor programa de Macintosh (Apple) para ello.

Por supuesto que en esa época —en que caía el muro de Berlín— yo no podía aspirar a tener una cosa de esas y muchos puristas criticaban esos avances porque, a su juicio, acabaría con el arte de la mano alzada. No fue muy diferente a cuando comencé a aprender a utilizar el Corel DRAW! 3.0 (en Windows 3.1) porque, aparte de que tenía que utilizarlo en la oficina de algún arquitecto amigo mío, respaldar los trabajos era todo un albur. Si los diskettes se magnetizaban. Tu trabajo de días podía desaparecer en un segundo.

Por cierto, la capacidad de cada diskette era de 1.44 MB y no eran exactamente un alarde de almacenamiento.

Así es, tanto Adobe como Autodesk y Corel, fueron satanizados hasta el hartazgo.

Lo cierto es que entre los 1990s y los 2010s, programas como Photoshop, Illustrator, Premiere, After Effects y Audition fueron una herramienta muy útil para creadores de imágenes, videos y música. Y, hablando de música, también existieron MusicMatch, MixCraft, y otros que olvido, para crear incluso pistas de instrumentos virtuales. Hasta Finalle servía para realizar partituras.

Actualmente hay artistas que comenzaron de esa manera a falta de presupuesto para equipar un estudio —en el caso de artistas de imagen— o para contratar músicos —en el caso de esto último—, pero jamás se pudo reemplazar el talento humano. Aún intentando hacerlo.

Resumiendo este capítulo, diremos que el problema real respecto al uso de la inteligencia artificial no está en la herramienta misma, sino en quienes la utilizan y dejemos estipulados dos puntos importantes y básicos que nos servirán de referencia dialéctica sobre lo expresado aquí:

A. La Economía de la Atención (Los Manipuladores)

Las redes sociales y los smartphones no se volvieron adictivos por accidente. Empresas como Meta, Google o TikTok —entre otros— contrataron psicólogos conductistas para diseñar interfaces que hackean nuestro cerebro y utilizan el sistema de recompensa variable (el mismo de las máquinas tragamonedas de los casinos) de tal forma que tú haces scroll hacia abajo y no sabes si el próximo video te va a encantar o aburrir, lo que te mantiene atrapado buscando dopamina.

B. El Factor del Bajo IQ (O la falta de alfabetización digital)

Más que un tema de coeficiente intelectual puro, lo que ocurre es una falta de pensamiento crítico y baja autoestima. Los algoritmos se alimentan de la necesidad humana de aprobación (likes) y del miedo a quedarse fuera (FOMO o Fear of Missing Out). Quienes controlan estas tecnologías se dieron cuenta de que es más rentable mantener a la gente indignada, asustada o comparándose con los demás, porque una mente ansiosa consume más y adquiere un hábito de adicción mental difícil de revertir.

Es cuanto

Messy Blues

Messy Blues Bookstore

La Maraca sin Anuncios

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Tue, 27 Jan 2026 15:32:00 +0000

Saludos estimados lectores y seguidores:

El pasado año de 2025, concretamente en Septiembre, este Blog de La Maraca sostuvo una crisis interna en cuanto a los elementos del Staff —que en ese momento era de cuatro personas— por los que un servidor de ustedes, Messy Blues, daba la cara y en varios casos firmaba por ellos y, por una pretendida votación que quedó en mayoría, se habían integrado los anuncios que Google proporciona en el caso de que alguien quiera monetizar sus blogs.

En su momento no me opuse ni apoyé del todo el proceso para incluir esos anuncios pero durante ese tiempo hasta apenas una semana atrás recibí algunos reproches por parte de seguidores que nos leen desde 2006 (hace casi veinte años) y coincidió con el final del periodo de prueba que yo puse para utilizar —o dejar de utilizar— la publicidad de Google: cuatro meses. Esos seguidores coincidieron sin saberlo en el hecho de que los anuncios en cuestión hacían el blog difícil de navegar y desanimaba a los lectores a continuar explorando los temas del mismo. Tanto en dispositivos Android e iPhone, como en computadoras.

Aún más. Quienes fundamos este blog en 2006, Iván Arellano y yo, decidimos que había demasiado equipo para un blog en el que solo aparece mi firma y dimos por terminado el equipo previo. En la actualidad solamente Iván y yo somos quienes quedamos como equipo con la decisión de eliminar la publicidad y continuar publicando contenido que, divertido o serio, sea de calidad y con el respeto que los lectores merecen.

Los anuncios no cumplieron con la expectativa y, por el contrario, comenzaron a alejar la audiencia. Aparte de todo, dejaron una desfavorable idea de que, quienes hacemos este blog, estamos pidiendo caridad. Si bien no estamos ahogados en opulencia, en realidad la idea original de La Maraca nunca fue la explotación monetaria.

Ahora bien. Poco antes de haber incluido los anuncios, yo inserté una liga para vender artículos digitales míos a manera de tener un cierto ingreso (Buy me a coffee) y compensar un poco el tiempo que se invierte aquí. Con toda sinceridad ninguno de ambos métodos arrojó resultados monetarios (lo que no nos sorprendió) pero, a diferencia de los Anuncios de Google, mi inserción de Ko-Fi no resulta ni invasiva ni molesta.

Luego entonces.

¿Por qué se eliminaron los Anuncios de Google?

Porque NO cumplieron su cometido de atraer ingresos a favor del blog y porque comenzaron a alejar a la audiencia.

¿Por qué no se eliminó la liga a "Ko-Fi" (Buy me a coffee)?

Porque no es un anuncio y no ejerce coerción. Esta liga es en realidad un acceso a una pequeña tienda virtual que apenas inicié en Agosto del año pasado en la que, si bien existe la opción de recibir donaciones para alentar el trabajo aquí, yo ofrezco archivos digitales a la venta.

Es decir. Se mantendrá esa tienda (Ko-Fi) para poder eliminar los molestos anuncios de Google y si alguien quiere contribuir, sea Bienvenido, pero no se obligará a nadie a gastar en nada. La Maraca es, y seguirá siendo, un blog de temas varios, tratando de ser una opción de consulta.

Se liberarán los comentarios para recibir sugerencias que pasarán por aprobación y vigilancia digital antes de ser aprobados y de esta manera ganamos ambos lados; nosotros como editores del blog y la audiencia como tal.

Finalmente agradezco el que sigan visitándonos y les devuelvo la libertad de navegar en La Maraca sin los Anuncios de Google.

De mi mayor consideración

Tonatiuh Hendricks, Messy Blues

Messy Blues Bookstore

Hace cuarenta años

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Thu, 18 Sep 2025 19:39:00 +0000

19 de septiembre de 1985, la herida que nunca cerró

Han pasado ya cuarenta años desde entonces. Un amanecer que marcó para siempre a México. El 19 de septiembre de 1985 no es una fecha cualquiera: es un recordatorio imborrable de la fragilidad humana frente a la naturaleza, y al mismo tiempo, de la fortaleza de un pueblo que se negó a rendirse. Un México de acero.

Yo lo viví. No lo leí en los periódicos ni me lo contaron en la televisión. Sentí la furia de la madre tierra abrirse paso para demostrar su poder. Sentí el miedo, la incertidumbre y esa sensación imposible de describir de que la vida podía terminar en cualquier instante. No hay manera de borrar de la memoria el derrumbe de edificios, el polvo, los gritos de auxilio, la confusión generalizada. El miedo al estar en medio de todo aquello

Pero este texto no es para ponerme en el centro de la historia ni para dramatizar mi papel de sobreviviente. No es para ganar admiración. Escribir esto es un acto de memoria.

Es por todos aquellos que no volvieron a ver la luz del día. Es por los miles que perdieron a un ser querido, su hogar o el rumbo de su vida. Es por quienes todavía, como yo, cargamos con la pesadilla y vivimos con un miedo latente que despierta cada vez que suena la Alerta Sísmica.

Esa alerta, que pone los nervios de punta, no existía en 1985 y pudo haber salvado muchísimas vidas.

El terremoto del 85 no solo destruyó edificios, también derrumbó la confianza de un país entero en sus instituciones. Al mismo tiempo reveló, sin embargo, la fuerza de su gente. Miles de ciudadanos salieron a las calles con las manos desnudas a rescatar, a ayudar, a levantar escombros. México aprendió y demostró entonces que la solidaridad podía ser más grande que la tragedia.

Treinta y dos años después, en 2017, la tierra volvió a recordarnos su poder en la misma fecha: 19 de septiembre. La coincidencia fue cruel, como una irónica broma tratando de volver a abrir una herida que muchos aún no terminábamos de sanar. Como diciendo a las nuevas generaciones que la naturaleza es más poderosa que cualquier otra cosa.

Ese 2017 también hubo pérdidas, también hubo dolor y nuevamente se levantó el espíritu solidario que caracteriza a mi país.

Hoy, a cuatro décadas de distancia, sigo agradeciendo a Dios por la oportunidad de estar aquí para contarlo. Pero también sigo honrando la memoria de quienes no sobrevivieron. La memoria no se borra, se transforma en un compromiso con el honor para los que se fueron. No debemos olvidar, ni minimizar, ni dejar que el tiempo diluya la lección aprendida.

El 19 de septiembre no es solo una fecha en el calendario. Es un altar invisible en el corazón de México.

En memoria de quienes partieron en 1985 y en 2017. Recordar es honrar a quienes nos dejaron.

Respetuosamente

Messy Blues

La Inteligencia Artificial; ¿Enemiga?

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Wed, 10 Sep 2025 18:58:00 +0000

Los mitos de ignorancia y la tecnología mal usada

Recuerdo que, de niño, había una gran alarma general porque existía un supuesto grupo de fanáticos religiosos disidentes de la facultad de medicina de la UNAM que visitaba escuelas con el pretexto de vacunar a los estudiantes de primaria pero que en realidad buscaban esterilizar a los menores. Esto sucedió en la Ciudad de México, claro.

Tal asunto comenzó por la popular práctica del sistema del esténcil utilizando un mimeógrafo, que en los años setenta era una costosa maravilla, y algún pudiente ocioso leyó dicha nota en un periódico francés. Es decir, se trataba de una nota policiaca de París referente a un culto religioso y supremacista que buscaba exterminar castas no galas y no sajonas de la región de Europa Occidental, incluyendo solamente Francia y Alemania y siguiendo el ideario Nazi de Hitler, al que llamaban Gran Guía.

Lo que representa que el ocioso que tomó la nota policiaca francesa y adaptó la leyenda a la imaginería mexicana, omitió la parte en la que la Police Nationale francesa había capturado a dicha banda criminal cuando planeaban distribuir sustancias tóxicas entre la población de menores de la capital francesa y posteriormente de la alemana occidental (era aún la guerra fría). El sujeto utilizó entonces su mimeógrafo e hizo una volante anónimo advirtiendo a los pobladores de Polanco del peligro de dicha banda.

En resumen. El sujeto creó el mito valiéndose de su capacidad monetaria para poseer un aparato que en ese entonces era incosteable. Por supuesto que dicho mito trascendió y se convirtió en todo un asunto de histeria que incluso orilló a los padres de familia y docentes a solicitar protección en las escuelas. Privadas y públicas.

Cuando se descubrió el pequeño pero ruidoso fraude, las cosas apuntaban a notas más importantes como el primer accidente fatal del Sistema de Transporte Colectivo —Metro— en la ciudad de México, los Juegos Panamericanos y los muchos análisis a la entonces reciente visita de la Reina Isabel II de Inglaterra a México.

Pero el punto de enfoque aquí no es la repentina referencia histórica de la capital mexicana en 1975 sino la utilización de tecnología de manera equivocada. No era el miméografo el problema, sino cómo se usó.

Del televisor al internet

No hace mucho, cosa de semanas, revisaba los canales de cable y pocos me llamaron la atención. Noté, no obstante, que hay como veinte canales destinados a La Casa de los Famosos. Por lo que entendí, se trata de un Reality Show de obsesiva y morbosa neurosis para el que es evidente que se ha invertido mucho dinero. Esto me llevó a pensar en los muchos talentos verdaderos que prefieren utilizar plataformas como YouTube, Instagram, Facebook y Tik-Tok para crear programas más interesantes en el contexto cultural y artístico. Ya que el presupuesto mencionado no es algo con lo que ellos cuentan.

Es decir, la televisión oficial con cobertura al aire a nivel internacional, vende morbo, lo que no es nada nuevo, acepto. Es como descubrir el hilo negro y la ebullición del agua. Lo chocante es que lo hagan con sumas impresionantes de dinero sin una finalidad positiva.

Ahora regresemos un poco en el tiempo, otra vez, cuando las computadoras eran demasiado costosas y se podían escribir cosas que se imprimían después de ser corregidas y el cálculo programado en las hojas de administración empresarial —utilizando bases de datos— adquirieron una ventaja extraordinaria por encima de las calculadoras y el desperdicio de papel y floretes costosos.

No dejemos de mencionar el diseño gráfico y algunas cosas más igual de creativas. Lo gracioso fue que las computadoras tuvieron más boom por servir como consolas de juegos que por sus beneficios prácticos.

Más cercano está el uso de los blogs que tuvieron su mejor momento en agrias campañas políticas entre 2005 y 2012 y fueron desplazados por los video blogs de opinión que contenían más propaganda agresiva que propuestas progresistas. En otros casos no menos comunes traían al frente la superficialidad de los creadores de contenido (influencers).

En breve resumen, no fue la tecnología la que desplazó a nada ni a nadie sino el uso de la misma con la estupidez como herramienta. Es común leer a muchos en Facebook hablando de aquellos tiempos en los que los niños jugaban en la calle y los muchos carteros que perdieron su trabajo por culpa de los correos electrónicos. Yo mismo llegué a cuestionar el desplazamiento del teléfono de línea y los telégrafos por culpa de los Smartphone.

Sin embargo no fue la tecnología.

En los mejores tiempos modernos del teléfono, todos teníamos que encontrar alguna caseta o servicio de operadora para comunicarnos con otras personas y hacer acuerdos de negocios. En los ochentas se popularizó el Beeper para enviar un mensaje a base de impulsos y avisar a alguna persona para que se comunicara de inmediato. Ergo: se pagaba una fortuna para poder hacer lo que hoy resolvemos con llamadas o mensajes de WhatsApp, Messenger y, en el caso más nostálgico, un SMS o una llamada celular usando un paquete de servicios.

El internet mismo evolucionó mucho a partir de su nacimiento en 1969 con el ARPANET, que era exclusivamente de uso militar en los Estados Unidos y, para la sociedad, dicha idea era parte de la mejor ciencia ficción y en esos años pocos conocían ese secreto por su obvia naturaleza confidencial.

Fue hasta 1989 que se creó el ambiente World Wide Web (WWW) para comercializar el Protocolo de Control de transmisión/Protocolo de Internet (TCP/IP) creado a su vez en 1983 para reducir la dependencia de las terminales (computadoras) hacia los servidores (equipos de alojamiento de datos y transmisión).

El internet comercial de hoy es incluso muy diferente al internet de los años noventa cuando tu módem debía realizar una llamada telefónica para que tú pudieras navegar.

Mi punto al mencionar todo esto es que en los tiempos en que la tecnología no estaba tan avanzada como ahora se invertía mucho dinero, tiempo y recursos materiales. Realizar llamadas a socios comerciales en otros países resultaba costoso y se dependía mucho de los cambios horarios, disponibilidad de horarios de trabajo y en la mayoría de los casos del FAX, que también implicaba una llamada a costo real.

Podemos ponernos muy nostálgicos pero, en una comparación estúpida, trato de imaginar a Jimi Hendrix en 1966 utilizando un laúd medieval sin amplificadores haciendo el mismo sonido que lo hizo famoso. O también a Yngwie Malmsteen sin su guitarra tocando el violín como Paganini y al mismo tiempo conseguir la popularidad que tiene hoy en día. Es decir, sería imposible. Las guitarras eléctricas y los amplificadores son parte esencial de ellos dos y ambas cosas fueron un avance tecnológico en su momento.

Cuando se atacan esos avances recordando aquellos viejos y buenos tiempos, se suele tener una memoria selectiva porque nadie parece recordar cuando se carecía de los mismos. Pero acepto que existe el otro lado de la moneda.

Existe el peligro de la alienación, eso es cierto. Pero con el primer ejemplo que expuse aquí —la falsa campaña a partir del uso del mimeógrafo— también podemos detectar que ese peligro no es de hoy. Tal vez es más acentuado hoy, pero no es nuevo.

La estupidez como problema central

Aquí es donde entra en juego uno de mis temas favoritos con dos de mis autores favoritos: La Teoría de la Estupidez, a cargo de Dietrich Bonhoeffer y Carlo Cipolla. Los traigo —de nuevo—al frente porque eso es exactamente lo que sucede con la tecnología, suele caer en malas manos y por consecuencia es mal utilizada. En un modo mayoritario, aclaro, más no general.

En la sociedad dominada por la estupidez aceptada existen dos tipos de personas: Los Bandidos y Los Estúpidos. Los primeros explotan la tecnología aprovechándose de los otros creando una dinámica de consumo que el bandido ha planeado para hacer que el estúpido sea su consumidor. Obviamente ambos tienen una identidad colectiva en este escrito.

Muchos artistas como músicos, pintores y literarios; hemos tenido algún momento el recelo de la Inteligencia Artificial por sus muchas capacidades. Actualmente crean imágenes, videos y hasta voces con un realismo más allá de lo impresionante. Y también existe la capacidad de hacer canciones utilizando la inteligencia artificial.

Aunque yo mismo entraría al debate cuestionando la creación poco ética de fotos, videos y música; debo hacer notar que incluso en trabajos bien realizados existe la posibilidad de determinar lo que está creado por inteligencia artificial y lo que no lo está. Existe algo llamado Test de Turing, creado para probar la capacidad de dicha tecnología, que ayuda a diferenciar la lógica en las cosas creadas por la inteligencia artificial y detecta sus rastros por los códigos que esta tecnología utiliza.

El punto sigue siendo que precisamente esa es la parte barata del uso de la inteligencia artificial (ó IA). En el caso del uso comercial, para tener una herramienta capaz de realizar trabajos que casi reemplacen el trabajo manual (énfasis en “casi”), sin estar entrenado debidamente, se debe pagar mensualmente por una aplicación que originalmente está prometida como gratuita con los subtítulos casi invisibles de compras dentro de la aplicación. Hasta el día de hoy no existe herramienta alguna con semejante capacidad que pueda usarse y no pagar por ello. Una de las tretas del bandido para atraer estúpidos.

En las redes sociales, de hecho, ya se han integrado funciones de inteligencia artificial que pueden crear un discurso y publicarlo; ya sea una opinión o una historia, sin necesidad de pensar más que en un argumento de tres o cuatro líneas que la IA va a desarrollar. En este punto, los vivales se están aprovechando de los tontos que buscan éxito fácil, y de hecho esos vivales se hacen millonarios a costa de eso.

Pero también existe la utilidad positiva de la inteligencia artificial.

La IA entre el progreso y el desperdicio

Actualmente las empresas de logística, por tomar un ejemplo, utilizan la IA para llevar control de los inventarios de sus clientes y en sus bodegas manejan sistemas de drones para hacer lectura de los números de serie, cantidades, estados, fechas de embarque y datos de los clientes. Tanto de origen como de destino.

Anteriormente se requería que los empleados de bodega realizaran esa tarea pieza por pieza en un lapso de una semana hasta incluso un mes, dependiendo el tamaño de la compañía.

Para que dichos drones funcionen en horarios establecidos y en solicitud del técnico a cargo, deben realizar la tarea que una fuente de inteligencia artificial les ordena. Los empleados que antes realizaban dichas tareas ahora se encargan de descargar, ordenar y posteriormente cargar de nuevo los productos que esas compañías manejan para sus clientes con mayor libertad.

Adicionalmente, algunos clientes pueden llevar su propio control desde sus oficinas ejecutivas a través de aplicaciones y programas con los que la inteligencia artificial se encarga de enviarles información en tiempo real.

Como dicha tecnología está hecha para realizar tareas repetitivas que, en manos de humanos, generan margen amplio de errores, dichos errores se reducen en un ochenta por ciento. Lo que podría sonar simple pero, en cuestión de resultados, para las empresas y organismos de gobierno, ese porcentaje significa la diferencia entre el éxito y la bancarrota (para los gobiernos puede representar pérdidas fatales en las arcas).

Esas mismas empresas, y muchas más de otros tipos, actualmente se están mudando al uso de flotillas de camiones de carga eléctrica así como una compleja vigilancia que no sólo consiste en rastreo satelital sino también de internet y varios niveles de GPS. Todo controlado y optimizado por sistemas de inteligencia artificial manteniendo el seguimiento de cada vehículo desde diferentes sistemas garantizando sus funciones y protección.

Por su lógica multidireccional y sin efectos emocionales, la inteligencia artificial también logra manejar una impresionante cantidad de datos que mantienen al día a las empresas y órdenes de gobierno, de la misma manera que, hoy en día, resuelve sin que sea notorio muchos problemas que antes hacían complicado manejar dispositivos celulares y su relación con las compañías telefónicas. Las tarjetas de transporte por cierto, ya son manejadas por la IA, así como el control de los sistemas de viajes de aviones, autobuses, trenes y barcos, entre otros.

El paradigma

El ser humano, frente a todo esto, ahora tiene la opción de aprender a manejar esos sistemas que, por simple lógica, no pueden hacerlo por su cuenta. A pesar de las muchas leyendas tétricas que afirman lo contrario.

El trabajo manual humano también se facilita con la ayuda de esta tecnología y de hecho hasta algunos sistemas de hidroponía para el uso agrícola tienen un gran resultado a partir del uso de la IA.

No es fácil enfrentar cosas nuevas. Se entiende la desconfianza a partir de las cosas que, por su funcionalidad, pueden prestarse a perjudicar a terceros, pero sucedió en su momento lo mismo con otros adelantos como la fotografía, el celuloide (películas), el teléfono, el internet y de hecho hasta algunas cosas que en su momento fueron el alcance mismo de la tecnología avanzada.

En algo estoy de acuerdo sobre el miedo a esta tecnología y es lo que ya he repetido varias veces: el mal uso.

Un arma es peligrosa en manos equivocadas, así como el poder político. Un tonto puede utilizar una excelente computadora para ver, descargar y hasta vender pornografía, e incluso vivir de ello (bueno, ni tan tonto pero conocemos el punto, ¿no?).

El mejor Smartphone, diseñado para simplificar la vida laboral y conectarla a la personal, puede ser utilizado para ver videos estúpidos y memes mediocres en redes sociales. Sin omitir a los acosadores que se dedican a buscar chicas de buen ver o las chicas de cabeza hueca que suben más fotos en bikini que las veces que se rascan la cabeza.

Si le das un horno de repostería a quien sabe hacer pan, pizzas y buena bizcochería; el horno será bien utilizado. Pero si se lo das a un idiota, dicho horno terminará en alguna casa de empeño o calentando carne asada los domingos mirando el futbol y bebiendo cerveza. Toda vez que un horno de repostería no está hecho para asar carne. Y espero que se entienda el punto.

Básicamente, aquí se expone el hecho de que la IA está siendo manejada en dos ambientes opuestos: el del progreso y el de la estupidez. La estupidez es la única fuerza que no tiene límites y que puede destruir sistemas complejos y prósperos desde dentro. En contraste, el uso correcto de la herramienta marca avances y evolución.

En la Teoría de la Estupidez, Bonhoeffer y Cipolla tienen enfoques orientados en diferentes bases pero con la misma finalidad. Cipolla define la estupidez no como falta de inteligencia, sino como un comportamiento irracional que perjudica a otros sin generar beneficio propio, o incluso perjudicándose a sí mismo. En tanto Bonhoeffer destaca el peligro del poder en manos de una persona estúpida. Ambos coinciden, entre otros puntos, en la clasificación de personas en cuatro cuadrantes:

Inteligentes: Actúan para su propio beneficio y también benefician a los demás (Gano yo, ganas tú).

Incautos: Actúan para beneficiar a otros pero se perjudican a sí mismos (Pierdo yo, ganas tú).

Bandidos: Actúan para su propio beneficio perjudicando a otros (Gano yo, pierdes tú).

Estúpidos: Sus acciones perjudican a otros y también se perjudican a sí mismos (Pierdo yo, pierdes tú).

Bonhoeffer profundiza en la existencia de estúpidos que tienen control y poder y lo utilizan en perjuicio general. Tal es el caso de los fanáticos de las novedades estimulantes y baratas de la tecnología. Los controladores sacarán provecho personal y los manipulables invertirán en ello.

La estupidez de los controladores en este caso radica en su necesidad de tener poder sin tener una idea clara del contexto de la tecnología hacia la productividad real. Como usar un Ferrari como taxi, como burdo ejemplo.

Ahora, apliquemos a detalle esta lente en la tecnología. No todo mal uso es estúpido; a menudo es malicioso (bandido). La clave es identificar cuándo cruza la línea hacia la verdadera estupidez.

¿Cómo actúa el estúpido manipulador? (o malicioso)

Este, y sus derivados, es el tipo de personas que ponen en polémica todo avance tecnológico pero en este caso hablaremos de la IA y del comportamiento de estos ejemplares. Ellos utilizan el diseño adictivo y el discurso convincente para promover la polarización, la desinformación y la comparación social negativa. En mayoría, son quienes más visitas tienen en sus plataformas y redes sociales debido al morbo y la reacción instintiva de sus seguidores.

Ganan dinero con el enganchamiento para apoderarse del tiempo y los datos de sus seguidores (y el dinero de sus clientes, de haberlos), aunque perjudiquen la salud mental de estos. Y casi siempre utilizan un modelo éticamente cuestionable de negocio que es racional para ellos.

Cuando la desinformación que promueven —como las teorías conspiranoicas y el negacionismo— erosiona la confianza en las instituciones, la ciencia y la democracia, crean un entorno social tóxico e inestable donde todos pierden, incluidas las propias empresas tecnológicas que operan en ese ecosistema. Dicho de manera coloquial: están cortando la rama en la que están sentados.

Este tipo de idiotas no solo están al frente de la cubierta de dulce formada por las plataformas y redes sociales, también los hay que tienen en sus manos tal poder que podrían considerarse el némesis de la humanidad misma. Entre muchos otros ejemplos, los estúpidos con poder pueden (o trabajan en ello manipulando a quienes pueden) desarrollar tecnología de inteligencia artificial sin ética ni control, como hay casos en la carrera armamentística.

Conclusión: La tecnología en sí no es estúpida. Es una herramienta neutra. El uso bandido de la tecnología es común y predecible porque es gente que busca beneficio a costa de otros.

El verdadero peligro, que encaja perfectamente en la Teoría de Cipolla, es el uso estúpido de las herramientas tecnológicas en cuya dinámica falta la visión a largo plazo. En esta irracionalidad e incapacidad de ver las interconexiones del sistema, los fanáticos de estos idiotas son llevados a un terreno en donde todos pierden, incluido el imbécil que inició la acción.

La tecnología amplifica el poder de la acción humana, pero también amplifica el potencial de estupidez. Un estúpido con un palo es un problema local. Un estúpido con el manejo de inteligencia artificial, una plataforma global o una herramienta de ingeniería genética, es un riesgo global.

La solución, como sugeriría Cipolla, no es detener el progreso, sino ser conscientes de esta dinámica y diseñar sistemas (leyes, educación, ética y controles) que protejan a la sociedad de los maliciosos y, sobre todo, que limiten el inmenso daño que los estúpidos en general pueden infligir con las herramientas equivocadas.

La IA no es el enemigo. El verdadero peligro es la estupidez humana amplificada por la tecnología y yo no le temería a la inteligencia artificial, les tengo más miedo a los idiotas.

Es cuánto

Messy Blues

Tommy The Who

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Tue, 09 Sep 2025 19:38:00 +0000

El mago del pinball

1969 fue un año de evoluciones para la música Rock, fue una era parteaguas en grandes sentidos como el hombre en la luna (asunto muy discutido) la guerra fría, la deshonra de los movimientos estudiantiles ante el poder imperialista de EEUU, el recrudecimiento de Vietnam y el ascenso de su creador (Richard Nixon), y la celebración del verano eterno sumando el inminente rompimiento Lennon-McCartney, la muerte del Rolling Stone Brian Jones y los muchos arrestos al Rey Lagarto, Jim Morrison tanto como la celebración del festival de Woodstock y el incidente Abbie Hoffman que defendió al activista político John Sinclair subiéndose al escenario de The Who en ese Woodstock y siendo derribado a fieros guitarrazos por el mismísimo Pete Townshend que lo envió al hospital.

Pero Pete es algo más que un vanidoso golpeador de activistas. Es el guitarrista alto y tímido que compuso la mejor música de los sesentas a cargo de The Who y como guitarrista líder de ellos. Pete. desconcentrado y fuera de moda al no consumir ni drogas ni alcohol intentaba exponer su propia problemática de niño acosado en una historia inspirada por FS Sorrow de los Pretty Things y creó la historia de un niño ciego, sordo y mudo dando sus peripecias en canciones que van desde un padre perdido en la guerra que luego regresa inesperadamente, asesina al nuevo marido de su esposa en frente del Tommy Walker (de 6 años) y le causa un trauma que lo deja como mencioné arriba.

Luego Tommy pasa por muchos intentos de curación desde un predicador farsante, una gitana drogadicta y finalmente un médico que les indica que Tommy debe enfrentarse con el problema que lo dejó ciego, sordo y mudo. Claro, al Tommy le toca lidiar con los típicos familiares perversos como el infame primo Kevin y el desgraciado tío Ernie (ambos personajes creados por John Entwistle).

Al final descubre que su único pasatiempo (el Pinball) es lo que lo lleva a la revelación y, cuando Nora su madre le hace romper un espejo en el que siempre se refugiaba el Tommy, es que este se cura milagrosamente dando paso a un falso mesías que arrastra a sus seguidores a los excesos que toda religión lleva y termina la historia en la destrucción del Campo de Recreo de Tommy en manos de esos seguidores y fanáticos.

Este álbum es para mí uno de los mejores en la historia del rock a pesar de que como guitarrista deberían gustarme discos mas orientados a los guitarristas líder. Lo curioso es que los mejores discos del rock están a cargo de bandas completas, casi de solistas no.

Tommy es un respiro intelectual de la inspiración de un rebelde incomprendido como es Pete Townshend y en cierto modo es la obra que le dio distinción a aquel convulsivo 1969 con todo y su Woodstock y que logró enfrentar a los mismísimos Beatles abatiendo su histórico Abbey Road en las listas con el sencillo Pinbal Wizard como punta de lanza.

Tommy se convirtió a la sazón en un distintivo de The Who y mereció resucitaciones tales como aquel Tommy Symphony" con la orquesta sinfónica de Londres, Tommy The Movie con luminarias tales como Ann Margret, Jack Nicholson, Oliver Reed, Elton John, Tina turner y hasta Eric Clapton sin contar a los propios Who con el vocalista Roger Daltrey como Tommy Walker y 18 años después de esa película fue llevado al escenario de Broadway en manos de Des McAnuff y el propio Townshend.

Para el gusto de muchos, Tommy fue la semilla que germinó en rock óperas posteriores y hasta le valió que los metaleros le robaran el concepto inventándose su estruendoso recurso de combinar voces de opera con elementos de heavy metal y a tan insana combinación le llamaron Género Opera Rock que por cierto está mal usado.

Bueno, por estos días Tommy cumple 57 años de haberse comenzado a grabar. En septiembre de 1968.

Es cuánto

Messy Blues

La depresión NO es un juego

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Thu, 21 Aug 2025 07:02:00 +0000

La importancia de pedir ayuda profesional

Recientemente sufrí la pérdida de una amiga muy querida. Una modelo y dibujante de Michigan, Kelsey Lily Carlysle. Joven de treinta y cinco años con un gran futuro por delante como modelo y artista plástica. De hecho, por sus muchos talentos, ella tenía muchos amigos y seguidores además de mucha preparación cultural.

Repentinamente solíamos debatir de temas simples basados en los libros que ambos habíamos leído y también de música y hasta sostuvimos debates sobre cosas en las que divergíamos. Ella siempre tuvo una forma muy amable para dirigirse a mí y por supuesto que yo le correspondía con el mismo respeto.

En resumen, yo me sentía muy honrado con su amistad.

Pero Kelsey —o Lily, como solíamos llamarla— enfrentaba problemas emocionales que nadie de quienes la tratábamos pudo ver, porque ella simplemente NO los mencionó jamás —por supuesto, solamente su círculo íntimo lo sabía—. Nadie de sus amigos pudimos ver ninguna señal de alerta pero, de acuerdo a su pareja Kevin, ella luchó contra el fantasma del desorden bipolar por años.

Finalmente, el 11 de Agosto pasado Kelsey se rindió, a los treinta y cinco años y con muchas expectativas y muchas metas de sí misma que sus problemas no le permitieron alcanzar.

La depresión no es tristeza común, ni un mal día, ni algo que se pueda resolver con frases de échale ganas. La depresión es una enfermedad real que afecta la mente, las emociones y el cuerpo. Y como toda enfermedad, necesita atención profesional.

Muchas veces, por miedo o vergüenza, las personas callan su sufrimiento. Piensan que ya pasará, que no quieren molestar a nadie, o que pedir ayuda es signo de debilidad. Nada más lejos de la verdad: pedir ayuda es un acto de valentía.

Un psicólogo o un psiquiatra no solo escuchan, sino que cuentan con herramientas científicas y médicas para acompañarte en tu proceso de sanación. A veces se necesita terapia, a veces medicación, y siempre se necesita alguien que pueda guiarte con conocimiento y humanidad.

La vida no es perfecta, lo sabemos. Pero siempre hay caminos que pueden llevarnos a recuperar el sentido, la paz y hasta la alegría. Y ese primer paso suele ser el más difícil: levantar la mano y decir necesito ayuda.

Si estás pasando por un momento difícil, recuerda:

No estás solo. Más personas de las que imaginas han pasado por lo mismo.

No tienes que cargar con todo tú solo. Pedir ayuda es una muestra de inteligencia y amor propio.

Los profesionales están ahí para ti. No se trata de un lujo, sino de un derecho humano: tu salud mental importa tanto como tu salud física.

Es importante que tomes en serio cada señal en tu estado de ánimo, los desórdenes emocionales no siempre se deben a situaciones coloquiales y/o rutinarias. Recuerda que le importas la gente que te ama y te necesita.

Buscar ayuda no te hace débil: te hace fuerte. Y puede ser la diferencia entre actuar a tiempo o un desenlace grave.

Por Kelsey y por muchas personas que enfrentan estos males es que les ruego que, ante cualquier señal, acudan a un especialista. La salud mental es tan importante como la física.

Muchas Gracias por leer

Messy Blues

La Magia del Pincel

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Wed, 16 Jul 2025 04:17:00 +0000

Emilio Martínez; creador de universos

En el pueblo del que se ha dicho que yo vengo: (aunque en realidad yo soy nacido en la Ciudad de México pero mi familia es de ahí) Salvatierra Guanajuato, en México; se han dado algunos buenos genios del arte y algunos de ellos son mis amigos, tengo el honor, pero hay uno en particular que merece mi atención en esta ocasión: el Arquitecto Emilio Martínez Cervantes. No fuimos exactamente compañeros de juegos infantiles ni de correrías juveniles aunque sí somos de la misma generación y culturalmente nos gusta casi lo mismo. Emilio siempre ha sido creativo y ha vivido sus momentos tal y como se vive la vida, sin ocuparse de tonterías. Para ilustrarlo de alguna manera, podría asegurar que, es tan inteligente y avanzado, que el primer fan neto de Pink Floyd en México, o al menos en Salvatierra, fue Emilio.

Por supuesto yo puedo decir muchos elogios hacia un amigo pero creo que en este caso Emilio merece la mención. Como muchos de ustedes saben, aparte de músico de Rock soy ilustrador y por consecuencia también soy admirador de artistas hábiles con sus pinceles. Como saben también, yo nunca he tenido filtros y, aunque pueda equivocarme, siempre traigo en el bolsillo las bases y argumentos para hablar sobre algún tema. Emilio me concede demasiadas razones para mencionarlo, por su talento y por su capacidad poco común de poder ver más allá de un lienzo en blanco. Digamos que Emilio posee la capacidad de escuchar a las pinturas que piden ser creadas.

Hablando claro, yo no soy crítico de arte ni mucho menos pero sí conozco el arte aunque pocas veces me da por opinar sobre el tema. Sin embargo soy muy apasionado cuando algo me llama la atención y suelo crear mis preferencias como las Guitarras Fender, la cultura eslava (Rusia y Ucrania, no me molesten con ideas políticas, por favor), el Rock Progresivo y el Hard Rock, la floricultura, el origami, las artes marciales japonesas y las películas de culto y arte, entre otras cosas. Pocas veces, confieso, suelo elogiar a los propios, la familia y amigos que vi crecer con sus talentos de los cuales soy testigo.

Por lo regular somos entes que solemos menoscabar a los que nos rodean. Somos capaces de ponerle un altar a Jimi Hendrix y menospreciar al amigo que también toca la guitarra o bien, pretender que Claude Monet y Rembrandt son pintores que jamás podrán ser siquiera igualados, mucho menos aquel amigo que vimos cómo dibujaba obras de arte en sus cuadernos escolares. Así somos como sociedad y eso está mal. Por tal razón me decidí en hablar de mi amigo Emilio, exitoso arquitecto, empresario y por supuesto genial pintor. Aclarado el punto de que yo no soy un crítico experto pero sí un sibarita del arte.

Una frase que encajaría perfectamente como parte de su idiosincrasia sería: La Arquitectura es para vivir y la pintura para sentir... con ningún minuto perdido para debatir con mentes mediocres. Justamente es parte de lo que hace especial a alguien como Emilio, que no le gusta desperdiciar algo tan valioso como es el tiempo. Arquitecto por oficio, pintor por obsesión, Emilio solo convive con almas que no confunden lo caro con lo valioso, ni lo popular con lo genuino. Aquí no hay lugar para complacer encargos de hazme algo bonito… Emilio pinta porque así le da la gana bajo la idea de hacer algo verdadero.

Para Emilio Martínez el arte no es decoración, el arte es la expresión del espíritu, salvaje y suave al mismo tiempo, viviendo en el artista. De acuerdo a mí, el arte es un acto de brutal honestidad y sublime declaración de amor a la vida. Bajo esa idea, creo que Emilio Martínez Cervantes construye espacios y pinta lienzos para quienes entienden que la belleza no es contenido para Instagram, sino una inevitable manera de vivir al mismo tiempo que se sueña. Su obra —libre de clichés, popurrís decorativos o concesiones al mal gusto— es un refugio para quienes buscan profundidad en la línea, alma en el color y coherencia en el espacio. ¡Ah caray!, me salió bien inspirado eso, ¡pero es verdad!.

La buena arquitectura educa; la mala, destruye. Eso es algo que nuestro amigo Emilio podría pensar de su profesión, o al menos a mí me da esa impresión, y paralelamente podemos agregar que Emilio pinta como si sus cuadros los vieran solo quienes saben mirar -frase que por cierto aparece en su website oficial-. Digamos que Emilio no pinta para quien pregunta cuánto cuesta, Emilio pinta para hacer reflexionar a todos por qué sus pinturas existen. Emilio no pide permiso para crear universos, como bien dice mi colega y amada amiga Clarisse Hommz -guitarrista profesional-: Woody (así llama ella a Emilio) hace que tú pidas permiso de manera inconsciente para ser digno de apreciar su arte. Así de bueno es Emilio Martínez Cervantes, alguien que destaca por su honestidad espiritual y artística en un mundo donde todo se vende, en donde sus pinturas son aptas solo para quienes reconocen que el espacio y el arte son preguntas, no respuestas prefabricadas.

Hay artistas que decoran galerías de esnobistas, y luego está Emilio Martínez Cervantes: el pintor que, con sus cuadros, derriba muros —los físicos y los mentales—. Conocí su trabajo hace muchos años, y desde entonces no puedo ver una fachada lisa o un lienzo vacío sin preguntarme: ¿Qué haría Emilio aquí? ¿Cómo rompería las reglas sin decirlo?. No es Emilio el tipo de artistas que se apegue a las modas, Emilio es alguien que crea cultos espontáneos, sin etiquetas y sin cadenas, que es la mejor parte de lo que él hace, después de su talento, claro. Sus pinturas no son simplemente cosas bonitas, son espejos. Si solo ves colores y formas, no tienes idea de lo que es arte pero si en cambio reconoces la ironía en ese trazo aparentemente caótico, o la geometría oculta en ese rostro difuminado, felicidades: sí sabes de arte.

Él es el tipo de genios que no desplazan lo establecido, y esto tanto en pintura como en arquitectura, ya que él logra reinventar el concepto de lo que ya existe y, a su vez, abre nuevas puertas y caminos, mejorando la apuesta. Emilio puede describir la alegría de un simple símbolo técnico que describa una época, él es capaz de retratar y describir el sangrado del alma y convertirlo en un canto visual. Vamos, por demás está decir que Emilio parece haber nacido para justificar la existencia de los pinceles. Y después de tantas flores creo que un día Emilio me va a exigir las macetas para ponerlas. Pero hablando con toda honestidad, me nace opinar sobre él porque es algo que ya tenía tiempo de querer hacer, reseñar su trabajo. Emilio no es un artista para todos (y él lo celebra), pero si alguna vez has mirado un cuadro abstracto y has sentido que te devolvía la mirada, o has entrado en su espacio y notado que respiraba, entonces su obra espera que la visites. Y si no… bueno, para los idiotas siempre queda la decoración con plátanos pegados con cinta.

Si alguna vez, amables lectores, han entrado en una de esas casas de diseño que

parecen sacadas de un catálogo de muebles para psicópatas (todo blanco, nada cómodo, y sin alma), entenderán por qué el trabajo de Emilio Martínez Cervantes es un soplo de aire fresco. Él construye mundos que se viven pintando cuadros que se sienten… aunque no siempre se entiendan -y él está perfectamente cómodo con eso-. Sus pinturas podrían no combinar con tu sofá. Si buscas un cuadro que haga juego con las cortinas, mejor ve a una tienda de decoración de interiores. Sus obras son para quienes prefieren que el arte les haga preguntas incómodas o los proyecte al cosmos en vez de servir de fondo para selfies. Sus cuadros no se integran al decorado, sus cuadros dominan el ambiente mismo

Un cierto día, mi adorable colega Irina Briseño (que es fan de los cuadros de Emilio) dijo que el Arquitecto Martínez -a quien llama Emilito- es tan crudo, honesto y directo que si alguien le pidiera un cuadro muy alegre, con la obvia intención de darse el lujo de decorar su oficina o el cuarto de los libros, Emilio le entregaría un lienzo totalmente en negro con un punto amarillo en la esquina titulado: La Felicidad en Tiempos de Instagram. Tal chiste me hizo reír a carcajadas por horas pero hay algo de cierto en ello, el arte de Emilio, al alimón con su personalidad misma, no es algo que te entrega respuestas fáciles, su talento es un reto emocional que te invita a viajar en la magia a bordo de un globo aerostático creado de realidad sin mentiras.

Por su parte, la adorable y bella violinista Daniela Noriega, quien es amiga de ambos, opina que las pinturas de Emilio pueden ser caras -que las hay- pero a mucha gente le ahorrarían una fortuna en terapias. Dice en tanto Doña Jazmín, madre de Irina, que Emilio hace reflexionar en el hecho de que sus pinturas te enfrentan a la realidad porque él no hace pinturas sustentables, Emilio hace pinturas que valen la pena y, más allá, Luisa Itzel Galindo -hermosa veterinaria- dice que una frase muy lógica que Emilio podría decir sería: Si tu apreciación del arte cabe en un filtro de Tik-Tok, tenemos un problema.

Sin embargo, y un poco para justificar que este artículo no lo escribo por lambiscón, es cierto que existe una anécdota muy divertida que él y yo no hemos conversado directamente pero sí la mencionó a las chicas señaladas arriba (Irina, Daniela, Clarisse e Itzel) y que me hicieron carcajear cuando me preguntaron. Un encabezado adecuado para esta anécdota sería: Emilio Martínez Cervantes; El arquitecto que pinta como un anarquista, pero responde emails como diplomático.

Emilio es el único tipo que puede mandarte al demonio con una sonrisa educada. Cuando después de años de distanciamiento (él en Houston, y yo en la Ciudad de México) me agregó en Facebook, yo —siempre fiel a mi papel de agitador profesional— le solté un Pero soy Tonatiuh, ¿no hay problema?, por si a Emilio le preocupaba que su reputación de arquitecto serio se manchara por asociación. Su respuesta fue una risa y un inaudible ¡No seas mamón! que solo los viejos amigos pueden perdonar. Sinceramente yo no me enteré de su reacción hasta mucho después en voz de mis adoradas Aldeanas, citadas arriba, y yo me partía de la risa. Ciertamente mi intención era de prudencia pero la de él fue de madurez. No obstante, es algo que pasó a la posteridad y en casa a veces se menciona con humor lacónico que ha comenzado a trascender en el linaje de los Hendricks. Así es Emilio Martínez Cervantes.

Mientras yo, Tonatiuh, me ganaba mi reputación de rojillo de la guitarra en

nuestra ciudad de origen, Emilio prefería una rebelión más silenciosa: manchar lienzos con colores que los bienpensantes considerarían demasiado intensos y diseñar edificios que, literalmente, reinician el disco duro del entorno. Emilio es la prueba de que se puede ser un revolucionario en modo sigiloso. Mientras yo me ganaba las miradas de reproche por tocar Smoke on the Water en la plaza, él se ganaba premios de arquitectura y luego se reía en privado de la reacción de los aspiracionistas. Hoy, después de años y un pero soy Tonatiuh de por medio, sigo siendo el amigo que lo saca de quicio y él sigue siendo el único que entiende que, en el fondo, los dos jugamos al mismo juego: romper las reglas, cada quien a su manera. Frank Sinatra nos invitaría una copa a ambos por la misma razón.

La obra de Emilio es un grito de libertad sin filtro, él sabe jugar con las reglas para luego torcerlas. Es como si Emilio hubiera descifrado el código del universo y lo interpretara en sus lienzos.

De los dos hijos más creativos y más inconformes de Salvatierra, él es el que dibuja las líneas y yo el que les da sonido con mi guitarra. Sea entonces que, mi sombrero se agita en honor de alguien a quien respeto mucho y de quien merece la pena mirar sus pinturas.

Es cuanto

Messy Blues

Sitio Oficial de Emilio Martínez Cervantes

Guía práctica para ser un “Rico Nuevo” (y que todos te odien en el intento)

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Tue, 06 May 2025 05:47:00 +0000

Lecciones avanzadas de mala educación, incivismo y prepotencia

(English - Русский)

Introducción

En un mundo donde la elegancia y el respeto están sobrevalorados, hoy te enseñamos cómo triunfar siendo grosero, ostentoso y completamente ajeno al sentido común. Si eres de los que creen que el dinero o el "Nivel Social" te dan licencia para pisotear al prójimo, este manual es para ti.

Lección 1: El arte de la ostentación

No debemos perder de vista el “Estilo” que debe caracterizar a alguien de tu clase, ya sabes: Un Flamante Rico Nuevo… o bien, Un esforzado aspiracionista que quiere convertir sus ingresos limitados en una excelente cuenta bancaria de débito, por ahora. Ese estilo nos define, recuerda, y no debe cambiar en ningún momento y las reglas de oro son: ropa con brillitos, tenis fosforescentes, masticar chicle como meretriz, anteojos oscuros aunque estés en interior o de noche, no despojarte nunca y bajo ninguna razón de tu gorra “Chaka” en algún restaurant. Recuerda, ostentación antes que nada.

Un verdadero “Rico Nuevo” nunca pasa desapercibido. Asegúrate de mencionar el precio de TODO lo que compras, especialmente si es una imitación. ¿Un reloj? “Es Swiss, mi amor, pero no cualquiera lo nota”. ¿Un BMW? “Sí, es de agencia, pero lo disfracé de Tsuru usado para despistar. Ya sabes, ¡estos tiempos duros!".

Si no subes 15 historias de Instagram en el restaurante más caro de la ciudad (aunque sólo hayas pedido agua mineral), ¿en qué momento viviste?".

Lección 2: Modales en la vía pública (o la falta de ellos)

Recuerda, los demás son pobres que están aquí para tenerte envidia, y envidia de la brava. Si nadie se abre para darte el paso, para eso están los codos. No importa si es una dama (¡joder, estamos en la era de la igualdad!), un menor (¿por qué su madre no se fija que eres tú quien va a pasar?), una persona mayor (¿qué, ya se llenaron los asilos?) o una señora en estado de ingravidez (¿qué, tú tuviste la culpa?).

Si manejas tu carro que te distingue del resto de mortales, ¿para qué sirven las direccionales si tú sabes a dónde vas?, los demás deberían adivinarlo. Y los estacionamientos para discapacitados son sólo una sugerencia, no una ley. Recuerda siempre eso.

Otra regla fundamental es recordar la ley de todo “Rico Nuevo”: “Yo me aviento aunque no me toque”. Aplicable en el tráfico, filas del cajero automático, ó el súper, y también al hablar con alguien (hablas más alto = más razón tienes).

Lección 3: Trato a los meseros, empleados y demás “Gente Invisible”

Jamás debes dejar de demostrar quién eres tú. El resto de pobres debe entender que TÚ eres más importante que el propio Rey de Inglaterra siquiera, o al menos el equivalente. Todos esos que trabajan para ti deben esmerarse en complacerte y entender que tú eres diferente y especial, que te has esforzado mucho en alcanzar el estatus que tienes. Digo, no en balde eres de los que invierten tres horas regateando la ropa de costal en los mercados ambulantes. Tu comportamiento ante los pobres debe dar lecciones y marcar un impacto. Debes chasquear los dedos para llamar al mesero, o empleado, o el ejemplar de servidumbre que se te ponga enfrente, ¿qué, no eres acaso importante?. Como consejo adicional: si exiges hablar con el gerente porque la sopa estaba “Demasiado Caliente”, te dará puntos extra.

Frases clave cuando alguien opine distinto a ti: “¿Tú qué sabes?”, o bien: “¿Acaso yo te pregunté?”

Lección 4: La Ley del “Yo primero”

Todo “Rico Nuevo” que se respete y se haga valer, jamás debe olvidar dejar clara su clase y demostrarla en lo más posible y las reglas básicas del modo de vida deben quedar claras como tener basura en su lado de la calle, música a todo volumen a las 3 AM, hacer mucho ruido con la motocicleta pagada en abonos y traer mascotas sin correa… ¡Tú disfruta! El vecindario es tu patio trasero.

Si te amonesta la policía, recuerda: la culpa siempre es del otro. ¿Educación?, eso es para pobres.

Recuerda que para dejar claro la clase a la que perteneces: debes tener en mente, siempre estos detalles: comprar en el antro una botella de $500 y dejarla a medias, ¡nomás pa’ que vean!. Y, recuerda también que siguiendo estos pasos, lograrás que te recuerden por todo lo malo… pero, bueno, ¡¡al menos hablan de ti!!

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Existen dos preguntas de calentamiento para enfrentar el Examen Final de Maestría en Incivismo:

1.- ¿Cuántas veces al día gritas en el tráfico: “¡Muévete cabrón!”?

2.- Del 1 al 10, ¿qué tan seguido dices “¿Sabes quién soy yo?”

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Examen de Evaluación:

EXAMEN FINAL: "¿ERES UN RICO NUEVO O UN ASPIRACIONISTA?"

Instrucciones: Marca con ✓ las opciones que apliquen a tu vida. Al final, suma tus puntos y descubre tu nivel de "¡Ay, wey, qué mal estás!".

Sección 1: Modales en la Mesa (o la falta de ellos)

¿Cómo pides el corte de carne en un restaurante fino?

a) "Término medio, por favor".

b) "Tan fresca que casi haga “¡Múh!".

c) "Como pa' tacos"

Al terminar tu comida, ¿qué haces?

a) Das las gracias y dejas propina.

b) Revisas la cuenta 3 veces y reclamas por el pan que no pediste.

c) Te llevas los cubiertos "por si acaso".

Si la comida no te gusta, ¿cuál es tu reacción?

a) La comes sin quejarte.

b) La devuelves y exiges hablar con el chef para "enseñarle a cocinar".

c) Subes una reseña en Google: "Aquí envenenan a la gente. 1 estrella".

Sección 2: Vida Pública (El arte de ser detestado)

En el tráfico, tu filosofía es:

a) Respetar los señalamientos.

b) "Yo me aviento porque traigo prisa (y mi tiempo vale más)".

c) Usar la banqueta como carril exprés mientras gritas: "¡ES QUE NO SE MUEVEN!"

Al estacionarte, prefieres:

a) Buscar un lugar permitido.

b) El cajón para discapacitados ("Total, son 5 minutos").

c) Donde sea, pero con las luces intermitentes (las "calacas" son tu salvoconducto divino).

En el cine, ¿cómo disfrutas la película?

a) En silencio, como la gente normal.

b) Narrando la trama en voz alta: "¡No vayas ahí, wey, es la mamá del villano!".

c) Contestando llamadas y poniendo el altavoz: "¿QUE NO VES QUE ESTOY EN EL CINE?".

Sección 3: Relaciones Sociales (El don de la grosería elegante)

Cuando alguien no está de acuerdo contigo, respondes:

a) "Entiendo tu punto".

b) "¿Tú qué sabes, pobre?".

c) "¡Ay, perdóname, señora Buckingham!" (con tono de falsa condescendencia).

Al tratar con meseros o empleados, tu lema es:

a) "Por favor" y "Gracias".

b) "¿Y mi refresco? ¡Hace 20 segundos que lo pedí!".

c) Chasquear los dedos y señalar con los ojos (el lenguaje universal del "¡Órale!").

En redes sociales, tu contenido favorito es:

a) Fotos de viajes o memes.

b) Selfies con el volante del BMW (y el logo bien visible).

c) Grabarte tirando basura en la calle con el hashtag #YoSoyLibre.

Sección 4: Bonus (Por si acaso faltaba algo)

¿Qué llevarías a una cena elegante?

a) Un vino decente.

b) Tu certificado de depósito en el banco (enmarcado).

c) Tu bocina para poner corridos tumbados "y que se animen".

Tu frase más usada en WhatsApp es:

a) "Hola, ¿cómo estás?".

b) "Mándame ubicación".

c) "¿Qué traes puesto?, mándame foto…".

RESULTADOS (Suma tus ✓):

0-3 puntos: ¡Qué aburrido! Hasta parece que tienes educación.

4-7 puntos: Vas por buen camino, pero aún te falta gritar más en público.

8-11 puntos: ¡Felicidades! Eres un "Rico Nuevo MasterClass". Tu diploma (de impresora HP) ya está en el correo.

12+ puntos: ¡ALERTA DE SOCIEDAD! Hasta el Chapo diría: "No manches, ya bájale".

Notas: Si este examen te dio más de 8 puntos, por favor no nos sigas en redes. Ya tenemos suficiente con el tráfico. Y si te identificaste con este artículo, por favor no lo compartas: ya somos muchos los que te soportamos.

Messy Blues

Brian Jones... El Príncipe sin Corona

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Mon, 05 May 2025 08:35:00 +0000

El Padre Británico del Slide del Blues Contemporáneo

Aunque Keith Richards es uno de mis guitarristas favoritos y me cae muy bien el sujeto, existe algo que probablemente lo perseguirà siempre y es la sombra de su Alter Ego dentro de la alineación fundadora de los Rolling Stones, sus satánicas majestades del rock, y que es el singular y talentoso fallecido músico Brian Jones, el verdadero creador del concepto rebelde, descarado, autócrata, hedonista y talentoso que ha caracterizado a los Stones desde 1964 a la fecha.

Jones es, contra lo que se cree, el verdadero introductor del blues a la escena comercial y de hecho el mas purista de los músicos al respecto y aceptó comercializarse porque pretendía vivir de la música y sabía que en ese entonces en Inglaterra, el blues era probablemente la peor opción para ello. El individuo poseía la nada despreciable habilidad de dominar prácticamente todo instrumento que se le atravesara y de hecho él tocaba el piano básicamente pero los otros stones le conocieron tocando la guitarra "Slide" durante una audición de Alexis Corner y su banda en el Crawdaddy Daddy (bar de Londres) en la que Jones virtualmente dirigía a los músicos.

Entre otras cosas Jones se destacó principalmente por ese talento nato que le hacía músico por antonomasia pero también por ese lado obscuro de su personalidad bipolar que le hacía sufrir al grado de arrojar al amor de su vida, la modelo alemana Anita Palenberg, a los brazos de su colega en la banda, Keith Richards, precisamente por esos violentos episodios de Brian cuando caía en depresión. Curiosamente Brian Jones fue quien inició la siniestra imagen que Andrew Oldham (su manager de entonces) creo para los rolling stones en mezquina competencia con la limpia y algo sosa imagen de los beatles, fue también el primero en ser enjuiciado por posesión de drogas y el único en no aguantar la presión.

Aún así Jones fue el primero en poner la pauta en el uso moderno del slide y no Johnny Winter ni Duane Allman, como muchos dan por creer. Brian Jones fue el primero en grabar acompañamiento de slide en el tema de Willie Dixon "Li'l Red Rooster", cuando en ese entonces el slide lo utilizaban los músicos de Estados Unidos para tocar baladas modositas y música country, aplicando esta técnica al término de "Líder", cosa que Jones hacía también, cabe destacar, pero dentro del blues. El slide que se escucha en "Prodigal son" y otros blues de los stones son obra de Brian Jones quien no conforme fue quien inició a George Harrison en esos menesteres y quien enseñó a John Lennon a usar el tablero "Slide", habilidad de Lennon que puede apreciarse en "For you blue" dentro del documental "Gat Back" y el filme de "Let it be".

Eric Clapton nunca fue competidor de Jones sino de hecho se frecuentaban para enseñarse mutuamente técnicas y trucos y se cuenta de cierta anécdota en la que Clapton llevó a casa de Jones dos guitarras, una afinada en la tonalidad universal (E, A, D, G, B, E) y otra afinada en tonalidad abierta de G (Sol) para tocar con slide y con gran sorpresa vio que Brian no necesitaba alterar la afinación; asunto que le elogió y aquel solo respondió: "El que toca la guitarra, toca la guitarra".

Lewis Brian Hopkins-Jones, verdadero nombre de Brian, nació en Cheltenham Inglaterra hijo de un ingeniero aeronáutico y una maestra de piano (su capacidad queda clara). Su infancia estuvo rodeada de lujos y formalismos al puro y rancio estilo inglés dentro de una familia mas bien conservadora. Curiosamente su padre era quien, en sus constantes viajes como ingeniero contratado por toda Europa para trabajar en el restablecimiento de aeropuertos militares después de la segunda guerra mundial, le procuraba a Brian los discos mas raros de música blues y jazz que al señor Lewis, padre de Brian, le parecían de buena música y no vio con malos ojos las pasajeras modas del "Skliffe" y las baladas americanas aunque sí apreció con horror el advenimiento del entonces atrevido "Rock and Roll" de Elvis Presley. El padre de Brian se alegró de que este se sentía mas inclinado por la música de Muddy Waters que por el muchacho de la pelvis alocada. La madre de Brian por su lado, quien le ayudaba a transcribir las canciones de sus discos de jazz y blues, también le hizo interesarse en la música clásica, asunto que a Jones le abrió los horizontes que le ayudarían en el futuro.

A los 16 años Brian ya tenía varios hijos ilegítimos y una novia embarazada, se mudó con ella a Londres y fue cuando comenzó a trabajar tocando con Alexis Corner ejecutando principalmente la guitarra y la armónica y su alta capacidad le colocaron en el puesto de "solista" tanto en uno como en el otro y fue, repito, el primero en Inglaterra en utilizar el tubo de slide, uno de estos fabricado por la "Gibson" y regalo de su padre después de un viaje a Norteamérica. Es un tanto irónico que el mas conservador de la familia Jones fuera quien le dio impulso para volverse músico de blues.

Aparte de la guitarra, también tocaba a la perfección el piano, el órgano, el saxo (desde que escuchó un LP de Charlie Parker, uno de sus ídolos). Entraría al negocio musical al entrar en un grupo llamado"Ramrods", donde tocaría el saxo alto. Con el dinero ganado en ese grupo, se fue a diferentes países de Europa por donde estuvo vagando y llevando una vida bohemia tocando en pequeños bares y cafeterías con su armónica y guitarra. Mas tarde sería llamado por Alexis Corner.

En su regreso a Inglaterra cuando Mick Jagger y Keith Richards lo descubrieron, ellos no tenían una banda en forma y de hecho su único colega era Dick Taylor quien bajeaba mientras Keith tocaba su guitarra Gibson ES y Mick cantaba y habían ido al Crawdaddy para conseguir audición. Vieron a la banda de Alexis Corner y a un magnífico par de músicos que los hipnotizaron: Brian Jones y el baterista Charlie Watts. Watts era bastante flemático y sangrón y les dejo claro que él tocaba seriamente, como tratando de desanimarlos, cuando estos le pidieron que tocara con ellos. En tanto Jones, de la misma edad que estos granujas, se animó a ser parte de un nuevo proyecto. Mas adelante Jones hablaría con un amigo suyo quien les consiguió un bajista nuevo ya que Dick Taylor dejaba la banda para irse con "Davies Brothers" (mas tarde llamados The Kinks). El nuevo elemento era mayor que ellos, más músico que ellos y con mas necesidad que ellos: Bill Wyman, quien por su parte era amigo del pianista de Alexis Croner, el popular Ian Stewart.

Siendo seis elementos (Jagger, Richards, Jones, Watts, Wyman y Stewart) Jones consiguió que Andrew Oldham los representara y les desarrollara un estilo que revolvía balada con rock and roll y un marcado sabor a blues con lo que se convirtieron en el primer grupo inglés en grabar música Blues de manera oficial y cuyo primer trabajo era peculiarmente atractivo por la armónica y el slide de Jones. Ciertamente fue el primer periodo de fricciones por ego por parte de Brian Jones y Mick Jagger que se consideraban cada uno como el líder de la banda. Desafortunadamente Jagger como cantante se quedó con el título pero el verdadero músico del grupo era Brian Jones.

Dentro de su espíritu inovador Jones es el creador de los populares riffs de "Last time", "Mother's little helper", "Paint it black" y "Let's spend the night together". Jones también llegó a visitar más frecuentemente el estudio Abbey Road de los Beatles que sus propias sesiones con los Stones y y se dice que llegó a proponerle a John Lennon cambiar lugares y que Lennon declinó porque en los Beatles él era el jefe y con los stones tendría que rivalizar con Jagger y Richards. Anécdota nunca confirmada.

Cuando el Beatle George Harrison comenzó a experimentar con música hindú Jones comenzó a compartir ese interés al grado de grabar piezas experimentales dando a Jagger y a Richards la idea de crear un disco conceptual pero lo hicieron tan accidentadamente que el resultado fue una pésima y envidiosa respuesta al "Sgt Pepper" de los Beatles, el hoy un tanto olvidado "Their Satanic Majesties Request" pero del que se desprendió esa rara fama de los stones de ser "Sus satánicas majestades". Aún con ese tropiezo creativo, Jones tuvo tiempo de influenciar a Eric Clapton, George Harrison, John Lennon y al propio Paul McCartney y se hizo amigo de The Who gracias a su capacidad musical. Por cierto, fue Jones quien sacó de la mano a Jimi Hendrix en el escenario del "Monterey Pop Festival" en julio de 1967, haciéndose también amigo de Hendrix quien por cierto lo respetaba bastante. El legendario Buddy Guy llegó a elogiar a Jones como: "El primer chico blanco que escucho que toca como negro".

Pero Jones tenía un demonio dentro. Brian siempre confrontó su propia personalidad maniaco-depresiva que pasaba del mas dulce y alegre estado de ánimo a la mas profunda de las tristezas sin una explicación aparente. Brian comenzó a desmoronarse cuando Mick Jagger y Keith Richards comenzaron a endurecerse y los choques de personalidad eran cada vez mas constantes en la banda. Justo cuando los problemas tanto legales como personales comenzaron a golpear a los stones. Jagger y Richards aprendieron a hacer frente volviéndose egoístas y herméticos, cosa que no podía hacer Brian, pisciano con corazón de pollo y un ego mas grande que su capacidad para aguantarlo. Jones comenzó a desprenderse de la vertiginosa velocidad con la que se daban las cosas dentro de los Stones y llegó el momento en que ni siquiera podía viajar con ellos ni presentarse en importantes audiciones. A todo esto se le sumó el romance entre Anita y Keith cuando ella era aún novia de Brian y por otro lado las presiones de Mick para que Brian saliera de la banda. A finales de junio de 1969 cuando Brian tocaba fondo, Mick y Keith se las arreglaron para despedirlo del grupo y este aceptó motivado por el resentimiento. Murió el 3 de julio, unos días mas tarde, ahogado en su piscina.

La verdadera crisis de Brian Jones como músico fue por ende el rompimiento entre él y los Rolling Stones respecto al curso que su música debía seguir, porque si bien la banda era en ese momento la segunda mas importante del mundo, Jones se rehusaba a alejarse de sus raíces de blues que eran precisamente lo que los habían catapultado demasiado cerca de los Beatles. Resulta demasiado irónico que las insistentes experimentaciones de Jagger y Richards con respecto al Pop y al Rock Ácido propiciaran la salida de Brian y que al final fuera precisamente el blues lo que terminaran tocando con el reemplazo de Jones, el también bluesista Mick Taylor. Nada más dolido que el blues "Love in vain" en el Madison Square Garden anunciando una nueva etapa de la banda deshaciéndose del músico que les proporcionara ese sonido.

Brian Jones resulta entonces el eslabón perdido entre los músicos de color que crearon el blues y los británicos que lo modernizaron. Jones, el precursor de tantos recursos del blues contemporáneo, entre ellos el uso del slide.

Messy Blues

Cerebros Vacíos, La Nueva Generación

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Sun, 04 May 2025 22:19:00 +0000

La falta de creatividad actual

(English - Русский)

Hace muchos años, 1980’s, tuve la suerte de ver a Deep Purple (Agosto de 1985, Los Ángeles, CA) con su alineación más respetable encabezada por Ian Gillan que por supuesto también estaba engalanada por los legendarios Ritchie Blackmore, Jon Lord, Ian Paice y Roger Glover. Supongo que será para la historia un golpe de suerte para mí porque esa alineación es irrepetible pero, bueno. Algunos temas nuevos, muy buenos, y algunos de antaño casi fieles a los originales y una extraña versión de “Smoke on the Water”. Como músico puedo entender muchas razones para que un grupo de la altura de Deep Purple no hagan en vivo una transcripción del disco, pero en ese concierto me cambiaron el concepto musical de esa canción. Mi vicio hacia lo Retro. Yo esperaba algo parecido a su versión en “Made in Japan” pero vi a Blackmore modificando mucho su propio solo de guitarra, aquel que había inspirado a tantos guitarristas, esta vez utilizando un “Slide” y Ian Gillan haciendo un juego de voces con el público: “Smooooooke on the wateeeer….. a fire in the sky”, para no tener un “Encore” después de eso, o al menos no recuerdo que hubieran tenido alguno. Años más tarde, leí una entrevista que le habían hecho a Blackmore y le preguntaron que por qué sus solos de guitarra resultaban diferentes cada vez que tocaba alguna de sus canciones en vivo, a lo que Blackmore respondió: "El arte está en buscar la nota, no en copiarla", refiriéndose a la poca creatividad que resulta mantener una obra musical como una mera transcripción, especialmente en donde el espacio de un solo, de cualquier instrumento, está destinado a la creatividad espontánea. Es decir, Blackmore hablaba de crear, reinventar y mejorar contra la idea de re-utilizar siempre un mismo recurso, una y otra vez.

Ritchie Blackmore nunca se ha destacado por su estabilidad dentro de una banda, ni siquiera la suya (Rainbow), pero es cierto que siempre ha sido un músico que busca y avanza, sin retroceder en sus pasos. Y esto me trae de regreso al día de hoy y, al margen de lo viejo que yo pueda ser, no encuentro mucha creatividad en el Mainstream actual. Veo que hoy se hace música de pésima calidad, espectáculos pretensiosos, arte plástico surgido de software de vectores, irrelevantes Stand-ups, abusos de toda clase con la Inteligencia Artificial (importante: no critico la IA, critico a quienes NO saben usarla y a quienes abusan de la misma), y una constante sobre-explotación de franquicias taquilleras. Hoy la empresa Disney se está llenando los bolsillos con las regalías de algo que fue una buena idea en 1978: “Star Wars” y la convirtió en franquicia en la que la inocencia de un aventurero Luke Skywalker combatiendo a maloso llamado, en ese entonces, Lord Darth Vader; se convirtió después en la primera Soap-Opera galáctica en la que aparece todo el mundo, incluido Diego Luna, y los principios de la historia resultaron más modernos que el principio de la aventura.

Tiempos aquellos tan geniales en que lo más fantástico del cine era la novedad dominguera de la matiné de palomitas de maíz con tus amigos del colegio, viendo a “The Lone Ranger” con su fiel “Tonto” (así se llamaba), y tú ibas con tu mejor camisa, apestando a loción de “Avón” , los zapatos “boleados” y el pelo todo pegado con “Gel” (léase “Yel”, porque “Hell” significa “Infierno”). Tal vez el Llanero Solitario era una franquicia peor o hasta más mala, pero cada semana había una aventura diferente. Aunque creo que ni iba todos los domingos y, cuando iba, las películas también eran del Enmascarado de Plata, El Santo.

Pero, regresando de ese viaje a la nostalgia, debo aceptar que lo "comercial" no siempre es sinónimo de malo, pero es cierto que el capitalismo tiende a homogenizar el arte. Mi punto: Actualmente hay poca creatividad y ni el arte ni la literatura presentan propuestas nuevas que, como antaño, cambien el curso de la historia. Hago hincapié en “Arte y Literatura” por una razón, el análisis de la ciencia, que más adelante hará un inesperado punto de quiebre en este artículo. Así que, retomando la idea original, la comercialidad del capitalismo implícito en la vida diaria tiende a diluir la esencia de lo que es la cultura como vehículo para pensar, algo a lo que la modernidad parece estar restándole importancia.

Tenemos, por ejemplo, que muchas películas realizadas en el siglo pasado como “The Exorcist”, “Star Wars” (1978), “West Side Story” (1961), “Frankenstein” (1925), entre muchas otras; no han podido ser superadas. Hoy existe una cultura de “Re-Make”, “Prequel”, “Sequel” y “Reboot” para explotar muchas obras de arte hechas anteriormente (y que no se ven precisamente beneficiadas por ello) pero no existen propuestas nuevas. Películas como Star Wars o Avengers (de Marvel), en su contexto original, rompieron moldes, pero hoy muchas de sus secuelas/spinoffs son ejercicios gratuitos de nostalgia con “Marca Registrada”. Y sucede lo mismo con los constantes intentos de reinventar a Batman y a Superman a partir del Superman bobalicón de Ilya Saldkin (1978) y el Batman bastante bastardo de Tim Burton (1979). ¿Y qué podemos decir de Spider-Man?, ese personaje había representado las delicias de la infancia de mucha gente y en los años ochenta tuvo un penoso intento de ser llevado a la pantalla casera (TV). Sin embargo, en 2002, Sam Raimi creó la primer película oficial del superhéroe… idea que fue reciclada varias veces en menos de veinte años. Harry Potter pasó de ser una saga literaria con encanto a un universo expandido forzado (Animales Fantásticos), donde el dinero dicta la creatividad.

¿Cine de terror?, tal vez lo más amargo de este tema. En los años treinta, “Frankenstein” y “Drácula” crearon más reacciones de miedo y tensión psicológica que los constantes abusos de recursos “Gore” y asesinatos sin sentido en las películas de terror actuales, con sus rebuscados intentos de miedo de segunda clase. “The Exorcist” es probablemente la película del género que ha merecido más profanaciones que ninguna, desde un pésimo trabajo en “The Exorcist II; The Herectic” hasta “The Exorcist: Believer”, pasando por malas bromas como “The Exorcist III” (fracaso a cargo de su propio autor: William Peter Blatty), “Exorcist: The Beginning” y “Dominion: Prequel to the Exorcist”. En resumen, todas explotando el éxito que tuvo William Friedkin en 1973. Esto lo traje al frente precisamente para hacer notar la falta de creatividad actual. Es cierto que la moda del “Vintage” tiene sus encantos pero, vamos, no es lo mismo buscar un Volkswagen Sedan modelo 1969 que hacer cientos de películas nuevas sobre temas que hace años marcaron una época. Desde luego, la mediocridad creativa actual también aplica a otras industrias culturales como el K-pop coreano o el Anime japonés, que tienen fórmulas repetitivas. ¿En dónde quedó el talento para crear?.

Hablando de Frida Kahlo. Su pintura "La columna rota" o "Las dos Fridas" son poderosas en un contexto de realidad y mensaje a las mujeres, pero su imagen hoy es más un símbolo de resistencia empaquetado para el consumo (desde museos interactivos, hasta barbies). ¿Ella hubiera querido eso? Es difícil saberlo y en lo personal no creo que Frida haya aprobado su conversión al consumismo (ella era comunista) y, además y en contexto actual, el arte pierde esencia cuando se convierte en mercancía. Pero vamos a retomar la frase de Ritchie Blackmore mencionada arriba. Dicha frase capta justo el núcleo de la crítica: la diferencia esencial entre la búsqueda creativa (el riesgo y la originalidad) y la repetición segura (la fórmula robada y la copia), y así es, bajo esa lupa, muchas franquicias y figuras canonizadas caen en lo segundo. Blackmore hace que regrese una opinión mía sobre las “Bandas Tributo”, aquellas que se dedican a revivir las glorias de grandes grupos como Queen, Led Zeppelin, Iron Maiden, The Beatles, The Who y los propios Deep Purple, entre muchos otros. Blackmore, como músico, sabe que tocar "Smoke on the Water" mil veces no es arte: el arte estaba en componerla en 1973. Hoy, muchas franquicias son como bandas que solo tocan covers de sí mismas y muchos otros músicos se añaden a la repartición de beneficios sin haber tenido una mínima pizca de talento siquiera. ¿Dónde está hoy la "Nota Buscada"?. Incluso como “rebelión”, el verdadero arte está en desafiar, no en repetir, y los artistas actuales más comerciales evidencian sus carencias creativas retomando éxitos pasados.

En los años 1970’s, grupos como Yes, King Crimson, Pink Floyd, Genesis y Emerson, Lake & Palmer llevaron la música a terrenos sinfónicos, conceptuales y técnicamente desafiantes, porque tuvieron Innovación (Fusión de rock con jazz, clásica y folkore -Ejemplo: "Close to the Edge" de Yes-) y Riesgo financiero (álbumes como "The Dark Side of the Moon" o "2112" de Rush eran experimentos sonoros y filosóficos, no productos comerciales calculados). Hoy: Bandas como Porcupine Tree u Opeth mantienen ese espíritu, pero el género ya no es Mainstream. ¿Por qué importa? Porque fue una época en la que el arte en la música popular se tomó en serio a sí mismo, sin miedo a ser pretencioso. Y no dejemos fuera a un genio en toda la extensión de la expresión: Jean-Michel Jarre y su creación del “New Age: El sonido del futuro”. Con sus discos "Oxygène" y "Équinoxe" Jarre fue pionero en llevar los sintetizadores al gran público, creando atmósferas cósmicas y presentó en su momento la Innovación (Uso de tecnología -como el sintetizador ARP 2600- para crear paisajes sonoros: El Legado (Influenció a generaciones de electrónica, desde Vangelis hasta Daft Punk) y El Contrapunto (El “New Age” actual puede sonar "cursi y hasta aburrido", pero en su momento fue revolucionario).

Siendo objetivo y dejando de lado mis enfoques grandilocuentes, también puedo citar a un músico mexicano que probablemente no es precisamente un Mozart y de hecho algunas de sus canciones famosas son un (quiero creer que involuntario) plagio (como “Metro Balderas” con ritmos y acordes extraídos de canciones de Chuck Berry y letra de Rodrigo González, y la canción “La gente dice” que es un claro plagio de la canción “Linda Lu” de Ray Sharpe): Alex Lora. Lora fue auténtico en su momento, pero el rock urbano mexicano luego cayó en clichés que trataron de repetir la fórmula inventada por el líder de “El Tri”. Algo que de nuevo muestra una total falta de creatividad. No es una acusación hacia Lora sino a sus demasiados imitadores… bueno, el plagio no deja de ser una villanía. En contraste, tenemos creadores actuales menos pretensiosos y bastante creativos que podrían superar la línea que estoy señalando como podrían ser “Black Country, New Road” o el jazz experimental de Matana Roberts. “Garbanzos de a libra” en un mundo moderno pleno de carencias intelectuales.

Dentro de la música tenemos sobrevivientes de los 1980’s que aún marcan derroteros a pesar de que podrían tener sus lados oscuros como Metallica que han combinaron crudeza thrash con estructuras complejas ("Master of Puppets") pero se diluyeron mucho a partir de su famoso “Black Album”. Yngwie Malmsteen que posee una técnica deslumbrante, pero para algunos Yngwie carece de emoción y creen que es "shredding" sin sustancia. El multicitado Ritchie Blackmore de quien se destacada la maestría desde "Highway Star" con Deep Purple hasta el folk de “Blackmore’s Night”, buscando siempre algo nuevo (aunque no siempre le ha funcionado). En el cine tenemos verdaderas revelaciones como Yorgos Lanthimos (Poor Things), Ari Aster (Midsommar) o Brandon Cronenberg (Infinity Pool), que juegan con lo grotesco y lo impredecible. O bien el nuevo cine mexicano con Alejandro González Iñárritu (Amores Perros), Alfonso Cuarón (Y tu mamá también) y Guillermo del Toro (El laberinto del fauno); quienes romantizaron lo feo, lo marginal o lo fantástico con una voz propia partiendo de elementos poco usados en el cine antes de ellos.

Algo que podría decir respecto a todos los mencionados en párrafo anterior es que todos tienen algo en común: “Autenticidad”, no siguen fórmulas, las crean; “Técnica al servicio de la idea”, no solo son "hábiles", tienen algo que decir y “Riesgo”, han tenido fracasos, pero eso es parte del arte.

¿Es la Inteligencia Artificial un peligro?

No sé, personalmente yo creo que no. Curiosamente he leído muchas expresiones criticando el advenimiento de la Inteligencia Artificial y traigo al frente el tema porque es precisamente la IA lo que ha evidenciado que hoy existe falta de talento pero además también juicio y sentid común. Remontando los recuerdos, descubriremos que la gente es la que no sabe utilizar los avances tecnológicos. Varios ejemplos son el nacimiento de la fotografía en el siglo XIX y mucha gente temía que el proceso robaba sus “Almas” y por esa razón quedaban impresas en el papel. Como sabemos, la fotografía comercial obtuvo aceptación hasta poco después de la primera mitad de ese siglo. No muy lejano estuvo aquel capítulo de la primera proyección de una película los Hermanos Lumiere, "La llegada del tren a la estación de Ciotat", cuando los asistentes huyeron de la sala pensando que realmente había un tren entrando al lugar. ¿Qué decir de la invención del teléfono?, no es una exageración esto, a mí en lo personal me tocó ver a mucha gente teniendo miedo al teléfono (¡en los años setenta!) y el miedo irracional que, en las décadas de 1970 y 1980, la gente le tuvo al horno de microondas atribuyendo al aparato altas radiaciones que producían enfermedades.

Todo lo anterior fueron situaciones relativamente normales, como sucedió con la prehistoria y los rayos de tormenta; pero la irresponsabilidad de la gente se demostró con el uso del Internet. De repente todo el mundo podía crear una página amateur y conversar con otras personas utilizando una computadora, lo cual recibió muchas condenas por parte de gente que no conocía bien la tecnología. Así, hubo también mucha gente irresponsable que utilizó el medio para objetivos poco recomendables. Luego tenemos el uso de los "Teléfonos Inteligentes" que convirtieron a la gente en zombies funcionales atrapados en el dispositivo y olvidando por completo la vida real. De esa manera, un avance que se supone es para el desarrollo de la tecnología como es la Inteligencia Artificial, es actualmente condenado por ignorancia y explotado por oportunistas que ofrecen apps que convierten fotos, crean besos virtuales y hasta situaciones que podrían destruir a una persona, aparte de incluso poder crear música sin necesidad de tener una banda de Rock… o de cualquier estilo.

El problema no es la Inteligencia Artificial, es la falta de clase, ética y talento para utilizar la tecnología como herramienta y no convertirla en un único recurso, lo que nos trae de regreso al tema principal: la falta de talento que domina hoy en día.

Solo para la reflexión

Messy Blues

La Moda de Ofenderse de Todo

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Sun, 20 Apr 2025 09:30:00 +0000

Generación "Woke"; ¿Moda, Filosofía o Dictadura?

En 2014 fue asesinado Michael Brown a manos de un oficial de policía blanco. Tal acción mereció una reacción, muy normal, de la comunidad Afro Americana en Estados Unidos y posteriormente tuvo eco en otros países. Tal manifestación de disgusto se replicó con la muerte de George Floyd, también a manos de un policía blanco y eso generó que el movimiento llamado “Great Awakening” (Gran Despertar), originalmente propuesto por minorías raciales, tuviera un resurgimiento en voces que poco tenían qué ver con los casos de Brown y Floyd. Es decir, la doctrina propuesta por la comunidad Afro Americana, fue adaptada por feministas, activistas de la comunidad LGBT, Hipsters sin rumbo y algunas identidades modernas adicionales. Los principios son justificados en una base de derechos humanos (el derecho fundamental a existir) pero sin conocimiento de causa, esos principios podrían no estar tan justificados.

En palabras sencillas, la Biblia no es la misma en manos de un Predicador que en la manos de un Manipulador, ¿cierto?. El punto en este tema es la distorsión en que, como en cada movimiento social suele suceder, ha caído el movimiento Woke, que si bien tuvo un buen principio, fue saqueado por conveniencias de terceros. De pronto se volvió una norma “Cancelar” todo lo que abierta o veladamente pudiera atacar sensibilidades y así fue que los Woke comenzaron a exigir que Hollywood incluyera gente de color, latinos y gente de la comunidad LGBT como protagonistas haciendo a un lado los roles de “Persona Blanca Hetero”. La justificación en estos casos podría ser racial pero habría que considerar que Estados Unidos es un país pluricultural. Los Woke nunca voltearon a mirar las telenovelas mexicanas en las que los “Héroes y Heroínas” son blancos, bonitos y de ojos claros, o bien la cantidad de documentales en los que la gente Afro y los nativos de cualquier parte del mundo son “Objetos Visuales” en contraste con “Salvadores Blancos”.

Pero el objetivo de resaltar los pros y contras de un tema tan espinoso como lo es la “Generación Woke” se enfoca a la pregunta de: ¿Es el movimiento un reclamo justo o es una manera de disfrazar una tiranía ideológica?. En experiencia personal de quien esto escribe, claro que conozco personas Feministas, Hipsters y Gays; muchos son mis amigos personales y hasta tengo familiares que lo son y no tengo problemas con eso. Luego entonces mis prejuicios solamente se enfocarían al tipo de música que NO me gusta pero incluso en ello acepto que se trata de neurosis personal, mía.

Un cierto día, no obstante, viajaba yo en el Metro y en seguida se subió un grupo de Travestis, el más bajo de estatura, considerando los altos tacones que usaban; medía al menos 1:70 m y el resto de sujetos eran aún más altos, todos vestidos de mujer. En seguida, uno de ellos comenzó a señalarme con la mirada (lo vi en el reflejo de las puertas) y comenzaron a hacerme “Bullying”. Uno de ellos dijo: “Nada más le falta la guitarra”. Asumí que la melena y los anteojos redondos los hicieron asociarme con John Lennon pero me disgustó su manera de comportarse; antisociales, mezquinos y de hecho agresivos. Me puse a reflexionar: “¿Y este es el respeto que ellos exigen?”, pensando en sus marchas anuales y en el hecho de que ya consiguieron que se estableciera una ley en la que está penado “Faltarles al Respeto”.

Justo en el blanco entonces. Todos aquellos que exigen “Igualdad” e “Inclusión”, entre otras cosas; remarcan uno de sus reclamos como: “Aceptación”, que es justo lo que el movimiento Woke no tiene hacia los demás y de hecho han hecho obligatorias todas sus peticiones. Por este detalle la gente mayor a los cincuenta años o quienes tienen alguna particularidad física no pueden conseguir empleo ni favoritismo social y han desaparecido costumbres artísticas como el cortejo por serenata, por ejemplo, ya que ahora se le considera “Acoso” y Pepe Le Peu y su compadre Speedy González, personajes animados de Warner Brothers, son malos ejemplos basados en el machismo y el patriarcado y, de acuerdo a los Woke, el cine y la televisión deben normalizar la homosexualidad y presentar historias de romances igualitarios, o presentar a una Blancanieves morena, o una Sirenita en versión Afro y algunas travesuras ideológicas más, considerando que personajes como Blancanieves y La Sirenita fueron concebidas en una cultura sajona hace varios siglos.

En sí, el problema no es la propuesta por sí misma si no la manera equivocada en que ha sido utilizada. Es aceptable al menos tratar de entender el fondo de una tesis pero es equivocado manejarla a conveniencia. Es cierto que la Comunidad Afro-Americana ha sufrido históricamente de esclavitud, segregación y racismo y ese es el punto de partida asi como también es cierto que los blancos en Estados Unidos han dominado por siglos el poder de ese país, en todo sentido. Aún así, también es muy cierto que la tiranía blanca sirvió de pretexto para llevar las bases que crearon al Woke, demasiado lejos. Es decir, lograron convertir un reclamo de oprimidos raciales, en la justificación para un movimiento aún más represor. Si se observa bien, los Woke exigen ser respetados pero ninguno de ellos suele respetar a quienes son diferentes a ellos. Un ejemplo es la manera en que suelen cuestionar a la gente de costumbres consideradas como “Convencionales” y los juzgan de ser “Reprimidos”, “Cómplices de la Tiranía”, “Frustrados” y más calificativos en el género. A las personas mayores que suelen seguir ciertas modas, o conservar las modas de su juventud, les llaman “One Over The Hill” (“Chavorrucos” en México) y suelen desdeñar los modales y las reglas de urbanidad, pero especialmente tratan de imponer sus gustos e ideas por encima del resto del mundo.

La función de intersección que logran varios tipos de discriminación en el enemigo de los Woke es lo que dio lugar al movimiento en sus inicios pero incluso en dichos inicios no se logró definir exactamente la identidad de lo que se pretendía vencer y en la dinámica se colaron algunos “Oprimidos” que en realidad querían justificar sus actitudes y defectos utilizando el pretexto. Muchos de los militantes del muy modificado movimiento suelen ser personas incapaces de asumir la responsabilidad de sus gustos, preferencias y/o diferencias (claro, descartando los casos reales de discriminación racial, que es muy aparte). El problema, como es en muchos casos, es que la idealización de una causa suele caer en manos equivocadas. Esto, entonces, deriva en la “Cultura de Cancelación” que suele, obviamente; cancelar, boicotear y avergonzar a todo aquel que no encaje con su nuevo orden social. Es decir, lo que antes era un desempeño normal, hoy, para ellos; es un delito y, aún haciendo a un lado valores morales, asumen que, quienes no están con ellos, están contra ellos.

A diferencia de la genuina protesta, la cancelación busca crear una “Sociedad a Molde” en la que los inadaptados puedan vivir cómodos haciendo ver que los equivocados son las personas con mayor preparación fundamental del sentido común. La “Corrección Política” podrá tener buenas intenciones, en apariencia, pero ha comenzado a pretender callar a una mayoría que ahora teme incluso mirar casualmente a alguien por el riesgo de que ese alguien se ofenda. Actualmente no se puede pedir el regreso a las costumbres de antaño por miedo a la reacción Woke y lo que antes era “Buen Gusto” hoy es “Señal de opresión” y es en donde entra en juego la “Tiranía de Géneros”. Un ejemplo burdo, y tal vez hasta mal abordado es la cantidad de personas que se definen como “No binario” o piden que se les llame “Amigue”, “Compañere” o adjetivos similares. Si bien la preferencia sexual es una particularidad personal, y se debe respetar ese derecho, el hacer obligatoria su tolerancia a base de imposición, convierte ese punto en una tiranía peor que la que dicen combatir y también en vandalismo psicológico.

Pretender que un niño de seis años pueda definirse como Homosexual es una acción coercitiva que en muchos países está penada bajo la definición legal de “Perversión de Menores” y altera el desarrollo psicológico del menor, heredando los traumas de quienes exigen dicha acción coercitiva como derecho. "El Feminismo" no va tan lejos. Pleno de chicas con espíritu vandálico cuyo valor se protege con pañuelos verdes o morados que no consiguen la aceptación completa de todos los niveles sociales que ellas quisieran. Convierten la “Lucha contra el patriarcado” en xenofobia contra el ente masculino que raya en fanatismo, de la misma manera que los jóvenes hoy deciden si alguien es digno de divertirse o es demasiado “Over The Hill”, o en español: “Chavorruco”.

El problema no resulta ser la cultura Woke en su sentido más racional observando su creación, que fue contra el racismo, sino las miles de cabezas que se unen a la causa sin saber siquiera cual es la esencia de dicha “Lucha”. Algunos famosos se han manifestado en contra pero considerando que todos tenemos memoria selectiva y solemos añorar los viejos tiempos por lo bueno que hubo, sería conveniente mencionar las virtudes de estos nuevos tiempos como:

La comunicación urgente: Antaño, la gente tenía que pagar por palabra un telegrama para poder comunicarse con alguien lejano. Hoy existen los SMS (que ya están pasando de moda)

La comunicación rápida (no urgente): Antes, la gente no contaba con redes sociales ni mensajería tipo “WhatsApp” o “Telegram” ni la ventaja de realizar llamadas gratuitas a cualquier lugar del mundo. Se tenía que formar en una caseta de teléfonos en las que, una llamada local, costaba veinte centavos por minuto (en ese entonces eso no era poco dinero) y una de larga distancia costaba un peso por minuto

El correo: Antes la gente pagaba al menos dos pesos (o equivalente) por un timbre postal, en el caso más económico, para enviar una carta dentro del mismo país y a otros países se requerían al menos de tres a cuatro timbres, dependiendo el caso. Hoy existen los correos electrónicos

Ciertamente en la actualidad el Internet ha facilitado mucho las cosas y la Inteligencia Artificial resulta una buena herramienta mientras se sepa aplicar y hoy hay cosas que en tiempos pasados eran cosa de Ciencia Ficción (como las video llamadas) pero curiosamente, los avances tecnológicos actuales han servido más para incrementar la estupidez y el pillaje (Scamming Online) que para hacernos evolucionar, y esto no tiene nada que ver con la memoria selectiva, es real.

Respecto a las personas famosas que se han señalado en contra de la cultura Woke, existe una declaración de Roger Daltrey, primera voz de The Who, que le valió muchos reclamos y ataques. Roger Daltrey, ha criticado duramente a la "Generación Progresista", afirmando que dicha comunidad creará un "Mundo Miserable". En una entrevista en Apple Music 1 de Zane Lowe, Daltrey habló sobre la sociedad actual y dijo sentirse privilegiado de haber vivido en la "Época Dorada". El hombre de 77 años compartió sus pensamientos mientras hablaba de toda la manipulación del mundo.

"Cada vez es más difícil difundir la verdad", dijo. "Es casi como si debiéramos apagarlo todo. Volver al periódico, al boca a boca y empezar a leer libros de nuevo. Se está volviendo absurdo ahora con el mal uso de la IA, todos los trucos que hacen al usarla mal, y la generación progresista. Es aterrador el mundo miserable que se van a crear. O sea, cualquiera que haya vivido una vida y vea lo que hacen, sabe que es un camino a ninguna parte. Sobre todo cuando has vivido las épocas que nosotros hemos tenido el privilegio de vivir. O sea, hemos tenido la época dorada. De eso no hay duda”

Luego tenemos otro ejemplo que, aunque un poco más inclinado al fanatismo religioso, tiene un cierto sentido de realidad. Carlos Santana declaró: “Cuando Dios nos hizo a ti y a mí, antes de que saliéramos del útero, sabes quién eres y qué eres. Más adelante, cuando creces, ves cosas y empiezas a creer que podrías ser algo que suena bien, pero sabes que no está bien, porque una mujer es una mujer y un hombre es un hombre. Eso es todo. Lo que quieras hacer en el armario, es asunto tuyo. Estoy de acuerdo con eso”. El también Rockero Alice Cooper dijo que no está de acuerdo con que los niños de seis años sean confundidos. Además, comentó que, a su juicio, estas imposiciones de la agenda LGBT son una moda. “Estoy entendiendo que hay casos de transgénero, pero me temo que también es una moda pasajera, y me temo que hay mucha gente que dice ser esto sólo porque quiere ser aquello. Me parece mal que tengas un niño de seis años que no tiene idea. Los niños solo quieren jugar y los están confundiendo diciéndole: ‘Sí, eres un niño, pero podrías ser una niña si quieres”. De igual manera, Cooper se refirió a la cultura de cancelación y señaló que todas las personas con las que conversa están en contra de las ideas Woke. “¿Quién hace las reglas? ¿Hay algún edificio en algún lugar de Nueva York donde la gente se sienta todos los días y dice: ‘¿Está bien, ahora no podemos decir madre? Tenemos que decir persona que da a luz’”, cuestionó Cooper.

La actriz Jeniffer Aniston fue incluso objeto de persecución mediática. Jennifer Aniston también explicó que está cansada de que veten a artistas por acciones pasadas y afirmó que no todas las personas que comenten un error son como Harvey Weinstein (productor de cine en prisión por abuso sexual). De igual manera, Aniston resaltó que le da miedo que también la cancelen por sus declaraciones: “Estoy harta de la cultura de la cancelación. Probablemente me hayan cancelado por decir eso. No entiendo lo que significa... ¿No hay redención? No lo sé. No meto a todo el mundo en el cesto de Harvey Weinstein”. Y existe una lista interesante que incluye nombres como Sylvester Stallone, Clint Eastwood, Kurt Russel, Mel Gibson, Harrison Ford, Henry Cavill y otros más, sin descartar celebridades aún más jóvenes que ellos.

En resumen, la Cultura Woke tiene de origen una propuesta de buenas intenciones pero ha sido tergiversada de tal manera que hoy no cuenta con ninguna virtud que avale una certeza de qué es lo que realmente persiguen. Ellos solo señalan que esto o aquello está mal y los ofende pero no son capaces de definir una postura coherente. Dice un dicho provinciano de México: “El gallo que más ruido hace, es el menos útil en el corral”.

Es cuanto

Messy Blues

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Fuentes:

La Trampa de la Ideología "Woke"

Nuevas Plataformas Contra la "Corrección Política"

Queen and Sex Pistols

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Tue, 15 Apr 2025 22:44:00 +0000

"Los Correctos y... los no tanto"

Aquellos Años 70's

Ayer se me ocurrió hacer en mi muro de Facebook una breve reseña sobre el disco "Queen Rock Montreal" que, como su nombre indica, es un concierto de la legendaria banda Queen en Montreal en 1981. Mencioné que el disco es una joyita en su naturaleza de único disco oficial de la banda que incluye una versión en vivo del muy comercial pero histórico tema "Flash Theme" del soundtrack que el grupo hizo para la película clase "B" homónima de Dino de Laurentis en 1980. Volviendo al disco, una excelente grabación superior en mucho a "Queen Live Magic" (que de por sí es para mí una porquería) y a "Queen at Wembley" (que no es tan malo), aunque definitivamente se sigue quedando corto ante "Queen Live Killers", considerado una de las mejores grabaciones en vivo de la historia del Rock. Este disco en Montreal solo tiene dos objeciones de mi parte: la revolcada de sonidos "mafufos" que arrastraron desde precisamente "Live Killers" con esa cosa tarada llamada "Get down make love" y su versión a "Jailhouse Rock" (la de Elvis) y esta última no por la canción en sí, pues el Freddie Mercury era un genio de la versatilidad vocal, sino por el caballero cien veces genial llamado Brian May que, en esta canción en concreto, deja mucho que desear "riffeando" como si se tratara de Steve Jones aporreando inclementemente su Les Paul robada. De ahí parte precisamente un tema derivado hacia los Sex Pistols, banda que fundó el ya citado Steve Jones.

Si bien Queen surgió de la fusión de dos bandas Glam-Progresivas londinenses de finales de los años sesenta y principios de los setenta (Sour Milk Sea y Smile) en un ambiente pretensioso y elitista -irónicamente ejercido por alto-clasemedieros emancipados del hogar paterno- y con fuertes bases académicas (los cuatro estudiaron carreras profesionales); los Sex Pistols eran en realidad un capricho de Malcom McLaren que intentaba colocar un show londinense de parodia musical que argumentaría la creación de instituciones de la talla de Monthy Python. El caso de McLaren fue mas profundo ya que fue a una tienda de ropa en Kings Road (Londres) y miró a un tipo pelirrojo con dientes podridos y, como él mismo dijo, "...con mirada de imbécil". Lo llevó a donde ensayaban Steve Jones y Paul Cook (guitarra y batería respectivamente) que pretendían modernizar el rock and roll de los ya entonces clásicos pero añadiendo la distorsión como elemento de poder. Paul Cook ya tenía experiencia pero Jones distaba mucho de ser un buen guitarrista.

Lo demás es historia. Glenn Mattlock se añadió luego a la alineación dos o tres meses después de Johnny Lydon (el pelirrojo imbécil) y crearon un sonido nuevo, opuesto totalmente a todo y a todos, desde el obrero de sindicato hasta la Reina Isabel misma. Odiaron al rock habitual de moda entonces, odiaron el soul, odiaron el blues y, de no haber existido una fuerte amistad entre Cook y Jones, bien pudo haberse pensado que se odiaban a ellos mismos.

Queen era un grupo aspirante a alcanzar la gloria que los Beatles dejaron vacante en 1970, se preparaban, eran finos, elegantes y políticamente correctos en tanto Sex Pistols era la antítesis de todo ello: les importaba un carajo ensayar, eran patanes y groseros y políticamente eran los mas incorrectos de todos los conocidos hasta entonces. El propio Paul McCartney llegó a evitar verse interrogado por una estación de radio justo en el momento en que los Sex Pistols hacían escandalosa historia con sus bárbaras demostraciones de falta de respeto.

En 1976, Bill Grundy, presentador de una célebre serie de espectáculos de la televisión londinense, fue siempre reconocido por sus bajas formas de poner a los artistas contra la pared. Los Rolling Stones se negaron siempre ha participar en su programa, Peter Frampton había fingido estupidez respondiendo cosas bobas, Elton John le amenazó con tomar nota de la entrevista y dársela a su abogado si Grundy se pasaba el límite. Por ende, la invitación a los Sex Pistols fue un suceso muy esperado por el underground londinense y uno que otro hipócrita que se las daba de santurrón. A Grundy pues se le ocurrió flirtear al aire con la novia de Steve Jones mientras los entrevistaba y eso ocasionó que Steve y los Sex Pistols ultrajaran a toda Inglaterra en un programa visto de manera transcontinental vía cable e intercontinental vía señal abierta:

Grundy: Dime tu opinión entonces chico guapo

Jones: Que eres un sucio bastardo

Grundy: ¿Cómo?, creo que no te han escuchado bien

Jones: ¡Que eres un pinche bastardo!

Después de eso, solo el Daily Mirror tuvo la amabilidad de entrevistarlo posteriormente y jones declaró: "...de hecho no nos va la música. Lo nuestro es el caos". Cuando Grundy quiso demandar a los pistols por su mal comportamiento, las calles de Londres se vieron virtualmente cerradas por las manifestaciones como muestra de apoyo. Lo cierto es que muchos de estos protestantes era mas gente que odiaba a Grundy que la que realmente apoyaba a los Sex Pistols.

Queen, políticamente correctos, fueron invitados dos semanas mas tarde al programa de Grundy. Un grupo en la cima, promoviendo "News of the World" (y sus sencillos "We Will Rock You" y "We Are The Champions") con muchísimo ingenio histriónico y también bastante experiencia fueron repentinamente increpados por Grundy que trató de compararlos con los Pistols a lo que sin pestañear Freddie Mercury repuso: "Bueno, si crees que tocamos como ellos y somos tan payasos como ellos, haríamos bien en tocar aquí juntos especialmente para ti". El público rompió en carcajadas y la broma fue muy celebrada los meses siguientes hasta por los propios Pistols.

Se cuenta que en 1981, cuando Jones apoyaba la carrera de Joan Jett, este quiso visitar a Mercury en su oficina y fue despachado con cajas destempladas. Tal dato nunca ha sido corroborado ni confirmado por nadie de los implicados pero sí es célebre el encuentro entre Freddie Mercury y Sid Vicious en los estudios de EMI Capitol, 1976, cuando Vicious se burló de Freddie haciendo movimientos afeminados de Ballet y diciendo: "¿Ya lograste llevar el Ballet a las masas?". Inesperadamente, Freddie se puso de pie tomándolo de la chaqueta de piel diciendo: "¡Largo de aquí, tú Ferocius, o como carajos te llames!", lanzándolo al pasillo del edificio en Abbey Road.

Sin embargo, y al apunte de todo lo anterior, los Sex Pistols no hicieron nada tan patán que no se hubiera hecho ya, la diferencia es que ellos lo hicieron claramente, no se escondieron, no lanzaron la mordida para hundir a nadie (de no ser a ellos mismos). La diferencia entre ellos y Frank Sinatra, por ejemplo, es que Sinatra sabía cantar pero es probable que él hubiera sido veladamente mas bastardo que los cuatro Sex Pistols juntos. Por su parte Queen no estaba muy lejos de las cosas "no publicables". Las fiestas casi orgiásticas que Freddie solía celebrar invitando a buena parte de la comunidad homosexual de celebridades que terminaban en arrestos masivos, los arrancones ilegales de Porsches, jaguares y ferraris que Roger Taylor (baterista) solía protagonizar y los constantes berrinches que ambos solían gastarse cuando se sentían acosados por la prensa, y que contrastaban con las impecables personalidades de Brian May y John Deacon que poco solían meterse en problemas.

El día de hoy no existe rockero que no tenga al menos una palabra entusiasta hacia Queen, su nombre está en El Salón de la Fama del Rock and Roll y se han editado millares de tributos así como se han reeditado cientos de veces sus discografías. No así el caso de los Pistols que, para tratarse de un grupo que se rebeló contra el mundo (y hasta incluye una dramática muerte por sobredosis de uno de sus bajistas, el citado Vicious), resulta hoy en día una franquicia bastante remunerable. Su sitio web es de lujo y excelentemente programado, te cobra por ser parte del club de fans y sus actuales reediciones se venden hasta en vinil por cifras millonarias. Uno políticamente correcto, el otro no, pero ambos se convirtieron en parte del sistema que alguna vez condenaron (bueno, Queen no pero los Sex Pistols sí).

Es cuanto

Messy Blues

Olvidos y Desolvidos

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Wed, 09 Apr 2025 20:12:00 +0000

Una Decepcionante Transición

De los Greasers, Mods y Hippies... a los Darketos, los Chakas y otros chunches

Decir nombres como Marlon Brando, Dean Martin, Jerry Lewis o Lassie es tanto como tener una visión retro nostálgica que nos llevará a los años cincuenta en un Estados Unidos que hipócritamente cacareaba igualdad y democracia pero que aún segregaba gente de color e hispanos muy a pesar de que ambas razas ya conseguían marcar a los blancos ciertos límites que sólo los militares, blancos, podían darse el lujo de trasgredir. Ciertamente no existía ningún ícono artístico de raza negra o hispana, los pocos que existían, todos mexicanos, parecían obedecer a cierta necesidad "Pre-Dark" de latinizar a la italiana el blanco y negro de Hollywood pero poco mas toda vez que incluso esas estrellas "Latinas" aparecían mas como una mera moda excéntrica apoyados por estrellas del tipo caucásico. Los años cincuenta, tan nostálgicos... y tan racistas.

No así el Rock and Roll tan atacado por la religión y "las buenas costumbres" que no aceptaban, obvio, el hecho de que un movimiento fuera en apariencia una simple moda que funcionalmente incitara a la rebeldía inspirada por Satanás, de acuerdo a la teoría adulta; el Rock and Roll en los años cincuenta venía de fuerte cepa cultivada por afroamericanos como Chuck Berry, Richard Pennyman (Little Richard), The Platters, Frankie Lymon y muchos mas aparte de uno que otro mexicano como Ritchie Valens, Freddy Fender, Triny López y muchos otros. El Rock and Roll que bajo su bandera antibélica ante el terror de las armas nucleares derribó los primeros muros de las desigualdades.

Pero aún así, decir esos nombres, aún los rockanroleros, es mencionar una nostalgia retro y una moda, digamos pasada; sin embargo mencionar íconos a partir de la década de los 1960's (siglo XX) resulta un tanto menos complicado si tomamos en cuenta que la guerra de EEUU contra Vietnam creó un parteaguas en la historia mundial debido a que los que en esa década eran jóvenes de 15 a 20 años. eran también hijos de la generación que enjuició a los Nazis en Nüremberg, jóvenes que trataban de devolver al ser humano cierta dignidad para existir.

Los años 1970's arrojaron nuevos personajes, muchos de ellos venían desde la década anterior pero en presentación adulta y hasta hubo resucitados cincuenteros que lograron recobrar sus fueros bajo la luz neón de la década mas comercial y en cierto modo más frívola del siglo XX, para llegar a los años 1980's en los que los nombres de luminarias y héroes sociales dieron un drástico giro hacia una postura menos romántica y soñadora que las décadas anteriores y de hecho cobrando una dramática tendencia al desencanto y la indiferencia de todo tipo. No es de extrañarse que a partir de los 80's la humanidad se volvió mas fría. Los años 1990's no mejoraron las cosas y de hecho en esta década se dieron dos cosas significativas, una fue la falta de calidad que comenzó a darse en todo y para todo y al mismo tiempo el inicio de la era digital con el advenimiento abierto del internet (tal vez lo único bueno bajo el brazo) pero al inicio del siglo XXI el darketismo se apoderó de todo y hasta Hollywood oscureció la pantalla metiendo abusivamente efectos de lentes y espectros que dejan la pantalla gris, ámbar, azul, verde o de lo que sea pero dejando al color vivo en los recuerdos de los anales de la historia.

Resulta peculiarmente curioso apreciar que The Rolling Stones, The Beatles y The Who hacían en los 70's, y con un puñado de amplificadores de bulbos, pedales de transistores, guitarras estándar (muchas veces endurecidas por la tensión de las cuerdas) y baterías tradicionales; mucho mejor música que las bandas actuales provistas de adelantados y vistosos equipos con tecnología de punta.

Pero retomando el asunto de la justicia que hace el tiempo, podemos ver que solo algunos fueron bendecidos por la memoria y los honores y que, digamos, Elvis Presley -que hasta religión le hicieron- sea hoy considerablemente desconocido por generaciones nuevas en contraste con John Lennon de quien hasta calles y aeropuerto se han hecho con su nombre y que sorprende ver cómo sigue siendo héroe hasta de chiquillos y chiquillas de cuando mucho trece años. Nombres como Jean Paul Belmondo y Alain Delon ensombrecidos por plásticos como Brad Pitt y los tarados llamados Jonas Brothers (quienes han retomado un viejo recurso inventado por David Cassidy en los 70's) o nombres como Leif Garret y Michael Jackson, antaño símbolos de histeria juvenil y chamacas desmayadas y hoy en los expedientes policiacos de mas de un estado en la Unión Americana.

¿Qué tal Linda Carter enfundada en su excitante traje de "Wonder Woman" que se convirtió en la fantasía sexual de mas de uno (y mas de una)? o Lee Majors como el increíble "The Six Million Dollar Man? -ya saben, aquel astronauta que tuvo que ser reconstruido tras un accidente y se volvió en algo mas fuerte que Superman mismo- o bien ¿qué tal Elizabeth Montgomery en, nunca antes mejor dicho, su encantador papel de "Bewitched"?. Tal vez algunos aún recuerden nombres como Claude Akins, Greg Evigan o Fran Drescher (Sheriff Lobo, BJ McKay y The Nanny respectivamente) pero pocos o casi nadie recordará a personajes como Dinah Manoff o Robin Johnson, la primera hizo papeles secundarios en Grease y People Like One y la segunda encarnó a Nicky Marotta en una película que pasó de noche para la crítica de cine pero para el movimiento punk ochentero (Post Sex Pistols) se convirtió en la biblia misma: "Times Square" (1981). Curiosa suerte corrió Linda Blair que aún sigue siendo conocida pero como la niña de "The Exorcist" mas que por sus propios talentos que a decir verdad no son demasiados.

Es interesante ver que hace algunos años un colega de RockCel (grupo hoy extinto de pop-rock en Celaya, Gto.) me alegaba que tocar canciones de Héroes del Silencio era mejor que tocar a Jimi Hendrix (casi lo golpeo, por cierto) y hoy por hoy Jimi es un ícono mundial y sus canciones siguen apareciendo y apareciendo en películas nuevas. No dejemos de mencionar lo que sucedió con modas como los nefastos "Menudo" o los aún peores "Timbiriche" y al final del día de hoy es mas conocida "Yesterday" de Los Beatles que las canciones de aquellos retrasados mentales (Menudo y Timbiriche). Curiosamente Rigo Tovar tiene mucho mas seguidores nostálgicos de su música que las bandas gruperas de inicios de los noventa o Selena Quintanilla tiene mas culto que todas las que la imitaron a lo largo de todos estos años después de su muerte.

Es interesante ver que guitarristas superveloces como Steve Vai no han podido alcanzar los escaños de músicos menos presumidos como Roger McGuinn, Eric Clapton o Carlos Santana y resulta igual de pasmoso ver que pocos actores han podido alcanzar la calidad de monstruos como Paul Newman, Pedro Armendariz (Padre), Douglas Fairbanks (Padre), Lon Chaney (Padre), Dolores del Río, Andrés Soler, Christopher Plummer, Susannah York, Vanessa Redgrave, Natalie Wood, Mario Moreno (Cantinflas), Germán Valdés o Carlos Ancira entre muchos otros.

Qué caray, la ciencia y la tecnología podrían haber avanzado todo lo que quieran pero la calidad en el arte no mucho que digamos.... hoy los hippies han desaparecido con sus flores para dar lugar a los darketos con su pesimismo y a los reguetoneros con su mierda... o estoy mal?

Messy Blues

Talking Bout My Generation

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Tue, 01 Apr 2025 09:13:00 +0000

A 60 años de haber lanzado su primer disco sencillo (en el hoy histórico formato de vinil de 45 rpm), "I can't explain", The Who ha alcanzado el histórico record de haber sido a nivel mundial la banda que llevó al Rock mas lejos que nadie.

Qué podría decirse de The Who que no se haya dicho ya?, su biografía ha merecido miles, o tal vez cientos de miles, de espacios web y páginas enteras en revistas, libros y periódicos, es probablemente el grupo británico de rock que, después de The Beatles y The Rolling Stones, ha sido considerado como una de las bases fundamentales del Rock como es concebido hoy en día. La afamada y respetada revista "Rolling Stone" (sin relación genérica con la banda del mismo nombre) dijo hace años lo siguiente: "Junto con The Beatles y The Rolling Stones, The Who completa la santísima trinidad del rock británico" y, a pesar de que para muchos creyentes eso pueda representar una blasfemia, es acertadamente cierto, The Who es esa tercera parte que hizo crecer los parámetros de la música a niveles insospechados pero convendría hacer un breve énfasis en lo relativo a lo que cada uno de esos grupos representó concretamente en los años sesenta.

The Beatles, los universales. Son considerados hasta hoy en día el grupo mas representativo del rock en la historia de la humanidad. Se han convertido en íconos sociales incluso, y cuentan con un culto inmenso a lo largo y ancho del mundo. México tiene el cuarto lugar en ese sentido y, lo mas sorprendente, la Ciudad de México posee el 80% de ese culto en el país. En su momento fueron un lanzamiento artístico en manos del empresario Brian Epstein y representaron por un tiempo un grupo juvenil orientado a divertir desmadradas chicas adolescentes y eventualmente llegó la "Beatlemanía" y se apoderó del globo entero, incluido México, y su difusión fue tal que tanto las modas como los estudiosos serios se ocuparon de Los Beatles logrando que el mundo entero cambiara dramáticamente desde la forma de vestir hasta la forma de pensar. Antes de The Beatles no existían melenudos ni ideologías revolucionario-sociales que hoy son tan diversas como habitantes hay en el planeta.

The Rolling Stones, los barbajanes. Aunque se da mucho por señalar lo contrario, no fueron ni equivocadamente la respuesta "Cockney" (londinense) a The Beatles. De hecho acertadamente se puede decir que los Stones fueron ideados mucho antes del lanzamiento de aquellos y se creó a partir de la afición al Blues mas que al Rock. Sus fundadores, Mick Jagger y Keith Richards, a diferencia de John Lennon y Paul McCartney, fueron jóvenes de clase media alta que estudiaban en la ciudad y vivían en los suburbios. Su conjunción con Brian Jones, el músico real del grupo, fue accidentada pero prolífica y eran, los tres, los sujetos mas desgraciados y chauvinistas que se pudiera haber conocido en esos días. Su lanzamiento fue, sin embargo, a modo de aprovechar la manía que se dio por los grupos ingleses en Norteamérica y su imagen de malditos fue adoptada por adolescentes rebeldes, tanto chicas como chicos, que no encontraban en The Beatles la "Satisfacción" que buscaban y que los Stones, con sus blues comercializado y sus baladas ramplonas, les daban. Hoy son considerados una leyenda pero siempre han estado un paso atrás del esplendor de The Beatles.

The Who eran los elitistas. Suena un poco injusto calificarlos de esa manera pero definitivamente The Who fueron un grupo elitista. A pesar de que comenzaron tan proletarios como los dos anteriores, sus managers los encarrilaron bien y comercialmente como representantes de la corriente social denominada MOD (corriente del proletariado que desahogaba sus ímpetus narcisistas en el consumismo orientado a la moda italiana -motos, ropa, etc-, el sexo libre, el rythm&blues, el jazz y las anfetaminas relativamente inocentes) aunque solo dos de ellos fueran netamente Mods (Pete Townshend y Keith Moon). Su ascenso al estrellato fue el pilar que estableció el circuito London del Rock y le otorgó al Rock mismo la bandera Union Jack (la de la Gran Bretaña) y de ese modo el público comenzó a cobijar tendencias que se independizaron del beatleismo. Tal fue el caso de Cream (con Eric Clapton), Pink Floyd (en ese entonces liderado por Syd Barret), Jeff Beck y The Jimi Hendrix Experience. Sonará algo absurdo, pero el éxito de The Who ya entonces, se limitaba a la Gran Bretaña, Francia, Italia y círculos de clase alta en Estados Unidos (por chicos de padres adinerados que enviaban a sus hijos de paseo a Europa). Incluso ya bien entrados los años setenta, poco se conocía de The Who en Latinoamérica, en donde se conocieron bien con el lanzamiento de la película de Ken Russel, "Tommy The Movie", en 1975, basada en el album que el grupo había grabado en 1969. Aún así es necesario mencionar que The Who fue bien acogido en Estados Unidos a partir de 1967 después de que se presentaran en el "Monterey International Pop Festival" en el que también saltaron a la notoriedad tanto Janis Joplin como el venerado Jimi Hendrix llevado al escenario de la mano del Rolling Stone Brian Jones.

The Who, unos tipos muy legales

Elitistas o no, The Who rompían con todo lo presentado antes de ellos. Tenían una apariencia que hacía pensar en chicos bien portados que solían pedir permiso en casa para salir al baile y sus caras inspiraban la confianza a todos los padres de chiquillas, cosa que aprovecharon para lanzar cuestiones aún mas insolentes que las presentadas hasta entonces por The Rolling Stones. Pareciera mentira mencionar que "I can't explain" resultaba mas dolosa y rebelde que la propia "(I can't get no) Satisfaction" de Sus Satánicas Majestades y su anthem ideológico y cántico glorioso, "My Generation" se montó sobre la moral de los hipócritas que buscaban que sus hijos tuvieran estabilidad y sus hijas un buen partido. "My Generation" fue temporalmente vetada en Estados Unidos precisamente por su contenido "existencialista" pero ya era tarde, a esas alturas el grupo ya había colocado "A quick one", un disco LP que rompía con precedentes de todo tipo y hasta se daba el lujo de batir políticamente a todas las manifestaciones juveniles del tipo. Incluso The Beatles trataron de combatirlos con su "Magical Mistery Tour" pero ni Jimi Hendrix logró minarles la aceptación del respetable.

Pero, en qué consiste la resolución de The Who y por qué marcó a la era moderna?. Un excelente pretexto para analizar a profundidad a The Who como un grupo que rompió con su propia marca es el hecho de que Pete Townshend y Keith Moon hacían un ritual psicosocial existencialista (propio de los Mods) en el que su acto culminaba con la destrucción del equipo (excepción brillante siempre fue el bajo de John Entwistle). En ese momento el destruir guitarras era una excentricidad propia de músicos con presupuesto y después lo repitieron por todos los rincones del orbe muchísimos artistas pero solamente The Who y Jimi Hendrix conservaron la corona, aunque por razones totalmente opuestas. Pero Pete Townshend era algo mas que un chamaco Mod desahogándose destruyendo guitarras. Pete es, aún hoy, el músico que busca mas allá de sí mismo y llevó a su grupo a límites insospechados que colocaron a The Who en lo que ya mencioné antes, ser un ícono del Rock y parte de La Santísima Trinidad del Rock Británico.

La alineación muy peculiar de The Who fue inspirada después de que Roger Daltrey (en esos días de sus accidentados inicios, guitarrista líder y jefe del grupo) echara a patadas a Colin Dawnson, su vocalista original, porque, decía, estaba "harto" de la mediocridad de Colin (esto lo revelaría en los años setenta después de que Dawnson tuviera la ocurrencia de querer demandar al grupo por derechos de autor de una canción de Pete, demanda que Dawnson perdió, por cierto). Roger decidió, azusado por el bajista John Entwistle, pasarse de la guitarra a la primera voz luego de que vieron actuar al grupo londinense "Johnny Kid and The Pirates" (que consistía en un vocalista, un guitarrista, un bajista y el baterista) y, también presionado por John, sugirió que Pete se pasara al venerado estatus de guitarrista líder. Pete lo hizo pero además asumió la responsabilidad de crear las canciones y comenzaron a tocarlas casi desde que iniciaron con esa alineación. Roger, John y Pete se convirtieron así en una central eléctrica que obtenía un sugerente y formidable sonido tomando lo mejor de sus influencias y aportando, además, cosas nuevas saturando sus amplificadores valiéndose también de efectos de eco y trucos de distorsión. Pero el sonido del grupo se escuchaba poco fuerte por un tiempo debido a la actitud tibia de Doug Sandom, su baterista de ese entonces y, durante una actuación en Brighton (patria y refugio de los mods), se subió al escenario un tipo medio alocado por las anfetaminas y el alcohol, se acercó a John y le dijo: "Déjame tocar los tambores, ese bastardo toca como señorita". John, maquiavélico como solía ser, sonrió y sin dejar de tocar se lo permitió. El sujeto arrojó al baterista temporal que reemplazaba a un enfermo Doug y se plantó en la batería levantando el vuelo y haciendo que el grupo fuera obligado a tocar por casi seis horas. El sujeto era nada menos que el demente Keith Moon quien, a partir de eso, fue fichado formalmente como baterista de The Who.

Con ese poderoso arsenal, The Who comenzó a apoderarse de Londres y sus alrededores. Muchos mitos e historias se crearon en torno al grupo, nació la leyenda y aún no pasaban de sus limítrofes geográficas cuando ya eran motivo de temor para sus colegas Beatles y Rolling stones. Fue hasta que John Phillips, que visitaba regularmente Londres, los llevó a Monterey California a presentarse en el festival de Jazz y música Pop, que The Who y Jimi Hendrix rompieron el romanticismo Beatle en mil pedazos. La guitarra filosa como navaja de Pete y la batería aplastante como escuadrón de guerra por parte de Keith Moon hacían que The Who consiguiera hacer con solo tres instrumentos, el mismo escándalo que un batallón de infantería. Los fieros acordes y riffs que no buscaban neciamente un solo gratuito (pero que salían de manera espontánea) y el bajeo supersónico de John Entwistle apoyaron con fuerza la poderosa voz de Roger Daltrey. nacieron también sus personalidades muy marcadas en ese momento. Roger moviéndose como chimpancé imitando los gestos del público y arrojando el micrófono como un sedal de pesca regresándolo a su punto de partida en sus manos para seguir cantando (antológica esa hazaña cuando Roger derribó con el micro a una chica que estaba sentada en los hombros de su, supongo, novio, hazaña que los Simpson parodiaron en el capítulo en el que The Who aparece en ese programa). Pete moviendo el brazo derecho como un molino y pegando saltos que alcanzaban el cielo golpeando ocasionalmente su guitarra contra la base del micro y otras veces contra los amplificadores. Keith con mirada desquiciada aporreando a matar su batería obteniendo el sonido que al menos dos bateristas de otros grupos apenas habrían podido conseguir, secundando a Pete en la actitud odio-amor que desintegraba cada elemento del costoso equipo del grupo. John, el simpático y macabro John, el quieto, el que solo tenía un ocasional movimiento de ceja y permanecía mas quieto que una piedra. De no haber sido por la impasividad de John, probablemente el grupo hubiera volado varias veces por los aires.

La etapa de los super festivales, 1968-70, fue el germinador de la leyenda que acompaña al grupo en la historia. Su primer presentación en un acto de esta naturaleza fue, como ya dije, "International Monterey Pop Festival" en 1967 seguida por "Woodstock", cuya presentación fue tal vez la mas venerada y tipificada a lo largo de la historia tanto por el lado cultural como por el artístico. "Tommy The Who", su ópera rock, vino a apoderarse de la escena y ayudó a cubrir la graciosa huida de Pete de su acto de destrucción, al que ya no quería recurrir. Ese periodo hizo que The Who intentara buscar su propia identidad (que irónicamente ya tenían y, de hecho, ellos eran la banda que mas identidad propia tenía). El bajista John Entwistle tomó cierto liderato que se reflejó en sus canciones "Heaven and Hell" y "Whiskey man" (Heaven and hell por cierto encabezó todos los conciertos del grupo por ese entonces). Rompieron con su representación del movimiento Mod y se dejaron el cabello mas largo de lo habitual. El festival de la Isla de Wight fue una dramática culminación de toda la parafernalia que no les fue bien a todos los artistas del momento. Ahí volvieron a compartir escenario con Jimi Hendrix que esta vez venía en un plan tan sobrio y sofisticado que, para el gusto de muchos resultaba una decepción aunque en realidad, y para mi gusto como su fan, fue tal vez una de las mejores presentaciones de Jimi. Después de ese concierto, en el que tuvieron como fan al teclista Ray Manzarek, Jimi Hendrix falleció, The Beatles anunciaron su separación, The Rolling Stones se recuperaban de la muerte, acaecida un año antes, de Brian Jones. Vietnam estaba en su punto mas crítico y el sonido progresivo de bandas como Jethro Tull, un renovado Pink Floyd, Ten years after, ELP y Moody Blues comenzaban a cobrar fuerza. Era entonces una verdadera ironía que el sonido y la propuesta de Pete amenazara con aplastarlos a ellos también.

1971 representó una especie de ocaso virtual para la escena, las cosas habían dado un giro inesperado e imperceptible y en esa vuelta lanzó a casi todos al vacío. Janis Joplin murió por sobredosis y Jim Morrison, el Rey Lagarto, también murió debido a un infarto. Los Rolling Stones se habían enfrascado en un sonido crudo y agresivo pero al mismo tiempo se iban al extremo del folk y el country americanos y se habían refugiado en Francia huyendo del fisco británico. The Animals de Eric Burdon eran historia y Los Beatles se habían divorciado de una manera cruel, dura y triste. El otrora mancuerna de ese grupo, el antes poderoso Paul McCartney comenzó a hacer música con toneladas de azúcar y piropos a todo lo que antes parecía haber despreciado. Se había vendido para el gusto de muchos. John Lennon no tuvo mejor suerte y su música era depresiva y con demasiados lamentos acompañado de una mujer a la que solo él podía encontrarle encantos, en caso de que tuviera alguno. Pero curiosamente en The Who las cosas cambiaron en otro sentido. A partir de "Tommy The Who", Pete comenzó a buscar hacia sus principios básicos y las guitarras acústicas y el piano habían hecho acto de presencia, lo mismo John con su cuerno inglés y la trompeta y la voz de Roger comenzaba a orientarse a un estilo mas fuerte, brillante y puro. Por primera vez por cierto, Keith Moon se integraba a la parte creativa y dejaba de lado la voluptuosidad de su sonido aplanador pasándose a lo melodioso sin dejar la actitud de músico de rock. Aunque mas tarde Tommy se convirtió en una verdadera pesadilla para ellos, ese disco marcó el principio del fin de la estridencia para dar paso al legado artístico y, no es que antes hubieran sido malos, en realidad todo obedecía a una gran necesidad de reinventarse y renovarse, precaución que solo sus colegas Stonianos habían tenido.

En el momento en que el rock pasaba su mas trágico momento, The Who y Rolling Stones se quedaban como los únicos contendientes por la corona saliendo adelante a pesar de las eventualidades. Ahora tenían competidores más duros con Deep Purple, Black Sabbath, Led Zeppelin y Pink Floyd, aunque Black Sabbath y Led Zeppelin estuvieran explotando la fórmula inventada por The Who (y Jeff Beck). A este punto The Who volvió a dar una sorpresa. Ya en 1967 "A quick one" era todo un reto para los reyes de entonces, Los Beatles especialmente, y en 1969 Tommy barría con lo propuesto hasta entonces (el propio Jimi Hendrix elogió al cansancio ese disco), El espectáculo de Pete era, para variar, la vanguardia en muchos sentidos y el mismísimo Eric Clapton lo tomaba como referencia al menos en el uso de la amplificación. Jeff Beck, en ese entonces amigo-rival de Clapton y Jimmy Page y principal detractor de Jimi Hendrix, defendía a capa y espada a Pete Townshend. Él, y eventualmente David Coverdale (por un tiempo vocalista de Deep Purple), sostuvieron la hipótesis de que Led Zeppelin, y muchos otros, habían copiado vilmente a The Who, lo que en cierto modo es verdad. De tal suerte todo lo anterior, que los conciertos del grupo sostenidos al final de la década, señalaron los derroteros y puntos de partida artísticos que hoy son hasta materia en algunas escuelas modernas de música.

La nueva sorpresa fue "Who's Next", para la consideración de propios y ajenos y de los fans acérrimos, el mejor disco que The Who haya realizado y, de hecho, uno de los mejores discos de Rock hechos en la historia de la música compartiendo galas con "Sergeant Pepper's Loney Hearts Club Band", "Beggars Banquet", "Abbey Road", "Exile on main street" y, más adelante, con "Hotel California". "Who's Next" marcó el parteaguas y dio fin al cuarteto de instrumentos básicos que se subía a un escenario con un backline específico, para dar lugar a todo un complejo sistema que incluía Sintetizadores Moog y orquestadores computarizados (en aquel entonces con cintas y tarjetas perforadas), en este rubro ellos fueron el primer grupo en valerse de la tecnología, lo que hizo que los grupos progresivos tuvieran esperanza de tocar sus trabajos complejos en vivo. "Won't get fooled again" vino a destronar a "My Generation" y "Baba O'Rilley" hizo lo propio con "I can't explain". "Behind blue eyes", por su parte conquistó al mundo y las estaciones de radio, en tanto John arrebataba su lugar con "My wife", una sardónica canción que seguía demostrando su muy especial sentido del humor, negro como la noche. Roger Daltrey usaba su melena larga y rizada estableciendo el modelo de vocalista de rock y el loco Moon comenzó a desbordar sus excesos, destruyendo las habitaciones de hotel, tirando autos Rolls Royce a las piscinas de los mismos y envolviéndose en repetidos escándalos. Varios años antes, en el esplendor del London Swinging, él y Pete eran el parejo de Mods destructivos y con actitud, al iniciar la década siguiente Pete se volvía hacia la filosofía y el budismo, mientras el monstruo interno de Keith crecía cada vez mas. Sus demonios, lejos de alejarse, comenzaron a hacer presa del baterista de 28 años.

Pero la tripla al frente (John, Roger y Pete) cobraron fuerza y en ese momento se convirtieron nuevamente en la principal atracción del Rock. Se adelantaron otra vez a su tiempo y superaron todas las pruebas que el Rock pudiera haber tenido que enfrentar al trascender de los años sesenta, en que era relativamente mas sencillo convertirse en astro de rock, a los años setenta, en los que se requería algo mas que simplemente tocar un instrumento. Los años setenta exigían maestría y cultura musical, buena imagen y actitud, Se requería ser músico joven, o de ideas jóvenes, para ocupar los tronos. Habían surgido grupos nuevos y muy competentes como Queen, Mott the Hopple, Eagles, Peter Frampton, UFO, Genesis, Yes, ELP y algunos mas que casi hacían los llenos de The Who y Rolling Stones en estadios, ya no en teatros. Los setenta representaban una nueva generación que estaba compuesta de adolescentes que difícilmente habían escuchado a los invasores británicos en 1964 ya que en ese entonces eran niños de kindergarten o del equivalente a la primaria. El reto entonces era conquistar un público totalmente nuevo lo que era lo mismo a convertirse en un grupo que comenzaba, tal y como lo habían hecho apenas seis años antes de grabar "Who's Next" y diez antes de cubrir extensas giras para conservar su nombre.

Pero los setentas fueron paradójicamente decisivos para el grupo. Por un lado John, Roger y Pete se consolidaban como maestros del rock y por el otro, Keith demostraba abiertas tendencias a la autodestrucción. En los sesentas Keith se había mostrado como un agresivo baterista un tanto burgués cumplidor de su posición como representante Mod pero en los setenta había perdido la pista y sus veladas de varios días acompañadas de alcohol y anfetaminas se hicieron célebres. Ringo Starr, ex baterista de Los Beatles, seguía su juego al que luego trajeron a John Lennon con quien sostuvieron el famoso "Fin de semana perdido". Pero en cuanto a música las cosas no iban hacia atrás. 1974-75 representó el zenit en la carrera del grupo. Fue su cúspide y de hecho se convirtieron en un ícono mundial. Todo aquel que quisiera ser considerado como rocker de corazón tendría que ver a The Who y tener al menos uno de sus discos para ello. Y si Pete había tratado de refinarse, el grupo se convirtió en el generador de energía mas poderoso del mundo. Los brincos de Pete y su guitarra se apoderaron de la actitud general, el bajo de John era cada vez mas maestro y poderoso en tanto la voz de Roger era probablemente la mas solida del rock. Esto aunado a las repentinas intervenciones de Pete en la voz de algunas canciones y de John cantando sus propias canciones. The Who se convirtió en esa época en el grupo mas ruidoso del mundo pero también en el mejor en escena y ganó, por cierto, muchos discos de oro, plata y platino. Llegaron al grado tal que Robert Stigwood negoció con ellos la realización de "Tommy The Movie" que, aunque cuenta la historia del chico ciego, sordo y mudo, tiene una excelente escena en la que The Who muestra toda su capacidad y su desarrollo aplicado en los conciertos. En ese momento no había asomo de duda, The Who era, y por mucho, el mejor grupo de rock en el mundo. Su obra "Quadrophenia", había superado a Tommy en términos artísticos representando una de esas sorpresas acostumbradas por el grupo.

La caída comenzó a manifestarse en la estabilidad de Keith Moon. Moonie se había hecho dependiente al alcohol y su tratamiento para dejarlo, lejos de ayudarlo, lo envolvió en una dependencia más, esta vez hacia los fármacos. Tenía que tomar medicamentos controlados pero él no era precisamente una persona controlada y tomaba impresionantes cocteles de pastillas que deterioraron severamente su salud y estabilidad psicológica. sus constantes accesos depresivos lo llevaron cada vez mas a seguir tomando y al mismo tiempo a depender de sus pastillas, comenzó entonces la caída mencionada cuando uno de sus amigos de parrandas, John Lennon, dejó el alcohol para cuidar a su esposa y a su futuro bebé, Ringo Starr enfrentaba problemas por tener que firmar su divorcio y Harry Nilsson también comenzó a dejar el grupo de briagos que conformaban todos ellos. El cómico y artista del doblaje Mel Blanc (quien hacía la voz de Bugs Bunny para la Warner Bros y amigo personal de Keith) mencionaría mas tarde que le asustaba el modo en que Keith podía pasar al menos una semana sin dormir debido a su descontrolado consumo de alcohol y medicamentos fuertes. Entre 1975 y 1976 el grupo comenzó a espaciar sus actuaciones en consideración a Keith pero en la entrega de los Grammys de ese año, 1976, fueron derrotados varias veces por "Hotel California" de Eagles contra "Who by numbers" y eso enfadó mucho a Keith (no obstante, Eagles ha sostenido por años una estrecha y respetuosa amistad con The Who), aunque de hecho se habían comenzado a distanciar un poco en virtud a sus carreras solistas y a la catastrófica carrera de "Actor" de Roger Daltrey. En el transcurso de finales de 1976 a mediados de 1977 se reconsideró la idea de volver a grabar pero incluso a esas alturas, en agosto de ese año, sucedió algo que deprimió mucho a Keith Moon, la muerte de Elvis Presley a quien admiraba mucho pero de quien mas le asustó que las causas de su deceso fueran precisamente las adicciones.

Después de muchos experimentos en solitario por parte de los tres frontales de The Who, regresaron al estudio en 1978 para comenzar a grabar "Who are you". En ese año, y durante las grabaciones, filmaron un concierto realizado en Killburn a fin de documentar su nuevo proyecto fílmico biográfico, "The Kids Are Alright", tratando de apoyar a Moonie. Pese a los esfuerzos, Keith falleció el 7 de septiembre de 1978. El año siguiente, 1979, representó, si bien el lanzamiento póstumo de la película, un climax triste y sombrío en el que Pete decidió dejar las drogas (tal vez consumidas en modo menor pero al fin drogas) y John redirigía su repertorio solista. Decidieron volver a grabar en tributo a Keith, invitando a Kenney Jones para reemplazarlo. Publicaron "Face Dances" y luego "It's hard" pero lo bueno de The Who parecía permanecer mas en el escenario. A esas alturas el trabajo en estudio se había reducido a una regresión al tiempo aquel en que fueron un grupo elitista programado únicamente para ser escuchados en Gran Bretaña.

Lo que haya sucedido después de eso con The Who ya es historia. Pete no dejó de ser ese guitarrista que es incluso hoy, Roger no ha dejado de ser la voz característica del grupo. John partió también para alcanzar a Keith en junio del 2002 durante una gira mientras Pete y Roger continuaron en el escenario hasta el día de hoy en que siguen siendo esa leyenda nacida algún día de 1964 con un sonido que jamás será olvidado.

Messy Blues

La Televisión

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Fri, 21 Feb 2025 21:56:00 +0000

Breve historia

La era del blanco y negro

En 1934 se inició el asunto de la televisión cuando un estudiante del IPN se puso a hacer pruebas en un sistema del tipo de lo que ahora conocemos como "circuito cerrado" en el estudio de la estación de radio XEFO, del politécnico, claro.

Desde luego que la gloria debería pertenecer al italiano Abbe Caselli quien fue el primero en transmitir una imagen a través de ondas electromagnéticas en 1862. Treinta y dos años después, en 1884, el alemán Paul Nipkow terminó de hacer su disco de proyección lumínica y ambos principios —el de Caselli y y el de Nipkow— sirvieron para dar inicio a la búsqueda de la transmisión electrónica de imágenes

Fue el escocés Leggie Baird quien terminara de madurar el disco de Nipkow en 1923 y en 1928 transmitió desde Londres hasta Nueva York las primeras imágenes en vivo bajo la tutela de Charles Jenkins y su estación experimental llamada W3XK Washington.

Vladimir Sworykin trabajaba en tanto el famoso iconoscopio y, a partir del 30 de septiembre de 1929, la BBC inició su transmisión de 30 líneas de definición y sin audio en tiempo real. Es decir, se valieron de captions (subtítulos) para un breve programa de 30 minutos. Un año después fue cuando comenzó a transmitir audio y video simultáneamente.

Resulta curioso pensar que en esa época eran bastante pocos los que podían comprar un televisor y menos aún los que realmente se atrevían a hacerlo, ya que el sistema era tan novedoso que no convencía a muchos.

Tal vez el aparato receptor que Sears Roebuck instaló en su sucursal londinense por esos días para que la gente pudiera verlo gratis, contribuyó a despertar la curiosidad del consumidor y, para 1932, esta y otras cadenas de alto poder comercial, lograron vender alrededor de 10,000 unidades de receptores de bulbos que requerían un gabinete bromoso, ciclaje eléctrico de 125 v y, en algunos casos, hasta un ventilador adicional que elevaba su precio considerablemente.

La década de 1940 se destacó por el enfoque de la tecnología durante la segunda guerra mundial, por lo que los avances en televisión se vieron un tanto frenados, salvo los objetivos claramente interesantes para los gobiernos en lisa; que buscaban afanosamente desarrollar tecnología de armamentos, especialmente el de energía nuclear.

La era del color

Fue hasta 1940 que el sistema logró el auge esperado y comenzó la guerra por obtener el color, ya una vez superada la transición de la TV mecánica a la electrónica, y de ese modo el mexicano Guillermo González Camarena creó el adaptador cromoscópico que otorgaba el sistema primario en color a los televisores tradicionales y de ahí nació su ardua labor para lograr que la estación televisiva de su invención, XHGC-TV (fundada en 1946), se actualizara al sistema NTSC (National Televisón System Comitee) en 1952, después de que el gobierno mexicano adoptara oficialmente ese sistema. Curiosamente un año antes de que el gobierno de Estados Unidos hiciera lo propio, quedando México como el primer país en utilizar ese sistema (cromoscópico), o lo que es lo mismo, el primer país en usar el color en la televisión.

Desafortunadamente, Guillermo González Camarena falleció en un accidente de auto el 18 de abril de 1965 en Puebla cuando regresaba de supervisar el sistema de transmisión que recién se había instalado en Las Lajas, Ver.

Para 1967 Francia estableció su sistema SECAM y Alemania el sistema PAL y varias compañías de televisión europeas se organizaron para realizar la primer transmisión satelital en el programa Our World, patrocinado por la ONU, en un histórico capítulo en el que The Beatles cantaron en vivo su célebre canción All you need is love. En ese mismo evento, Harold Wilson —primer ministro británico en ese entonces— dirigió unas palabras al mundo.

A partir de eso, el sistema ya no tuvo límites de crecimiento y se estableció de tal manera en los hogares del mundo que se convirtió en un servicio tan importante como el agua misma (por exagerado que eso pueda sonar) y su proyección comercial terminó por establecer los cánones empresariales y publicitarios así como informativos de la era moderna en el siglo pasado.

Al margen del uso que los gobiernos le hayan dado o dejado de dar, ciertamente la televisión como adelanto tecnológico hizo que la humanidad diera un salto al unificarla por medio de transmisiones remotas y la creación de programas culturales que ilustran las costumbres y desarrollo de unos países para luego ser transmitidos en otros. Hasta este punto es que la televisión resulta por mucho el mejor invento del Siglo XX.

Messy Blues

Concierto "Live Aid" y El Fraude Implícito

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Sun, 27 Oct 2024 02:48:00 +0000

"Live Aid", El Engaño Histórico que hoy Vale Millones

Aunque en 1985, en el desarrollo del activismo humanitario del músico de Rock Bob Geldof para obtener recursos a favor de Etiopía y Somalia, hubo una notable publicidad resaltando una “Gran Fraternidad” por parte de músicos famosos de Rock a través de un par de conciertos históricos, la realidad que rodeó al evento mencionado fue bastante diferente a la que hoy se conoce sobre el tema. Por un lado está la bastante cuestionable idea de un Bob Geldof abrazado ante la prensa internacional con el Dictador de Etiopía en ese entonces, Mengistu Haile Mariam y lo que política y administrativamente sucedió después, que fue el desvío de casi la mitad de los fondos a los corruptos bolsillos de Mengistu y su equipo, además de que lo que se dio en alimentos se echó a perder precisamente porque el dinero para movilizar la ayuda no llegó a su destino. Por el otro lado está el otro gran fraude mediático, tal vez involuntario, de un Bob Geldof que enfrentaba la posible ruptura de la banda a la que había pertenecido por diez años para ese entonces, The Boomtwon Rats y tenía una peculiar debilidad por hacerse notar “Ayudando” a otros y, hasta entonces, poco había logrado aparte de su intento previo de haber sido la voz del movimiento sindical de músicos que se quejaban por la falta de oportunidades en su natal Irlanda.

El punto objetivo del asunto es la parte en la que, por el concierto “Live Aid”, el Rock como música obtuvo un “Día Mundial” a su favor, Julio 13 (vaya número!), y trajo al frente idílicas historias sobre la gran bondad de los demasiados artistas que participaron en el negocio, todos ellos atraídos por la resonancia de muchos satélites transmitiendo a nivel mundial un concierto en dos sedes simultáneas (Filadelfia y Londres) con lo mejor de lo mejor de la música Rock. La lista era extensa y destacaban nombres de los años sesenta recuperando sus fueros al alimón de noveles figuras tan plásticas como la definición misma de los años ochenta. En una manera resumida de decirlo, las luminarias participaron por dos obvias razones: la probable solidaridad humanista y la necesidad de un golpe publicitario a escala mundial, lo cuál, al menos para ellos, dio resultado.

“Live Aid” no solamente consolidó carreras mediocres como Duran Duran y Hall & Oates, entre algunos otros nuevos de la época, sino que también reforzó carreras prometedoras como la de Madonna y The Pretenders, una totalmente promovida con toda la parafernalia discográfica y los otros salidos del frente callejero del suavizado Punk doblegado por el sistema tras la muerte de Sid Vicious (el peor de los Sex Pistols) siete años atrás, en 1978. Dicho evento también revivió a Led Zeppelin y The Who quienes ya hacía tiempo se habían convertido en objeto de culto nostálgico siendo portavoces de rebeldía social y glamour clasemediero encabezando el movimiento pacifista de su época al final de los años sesenta, aunque ambos casos fueron una cruda revelación de decadencia siendo considerados como “La peor actuación de Led Zeppelin” y “Una mediocre actuación de The Who” y, aunque ambos grupos son favoritos de quien esto escribe, resultan terriblemente ciertos tales juicios. Eric Clapton y Carlos Santana podrían ser los menos cuestionables en virtud a sus impecables actuaciones, no así penosos ejemplos de hipocresía funcional por parte de Mick Jagger y Tina Turner. El primero alguna vez bandera del inconformismo social y la segunda considerada un ejemplo de lucha personal. Ambos dieron en Live Aid el número más superfluo y comercial del concierto multitudinario.

La banda Queen, liderada por el vocalista Freddie Mercury, fue tal vez la grieta que resaltó el punto de quiebre y sacó a la luz la demasiado manipulada actividad administrativa del concierto, dado que su baterista, Roger Taylor (famoso por su poca paciencia y mal carácter), protestaba a cada momento de las malas condiciones en las que Queen estaba siendo alojado y presentado. La actitud de Taylor lo confrontó con el resto del grupo en un momento de nervios antes de salir a actuar y, a pesar de lo magnífico que Jim Beach, manager de Queen, y Graham King; hicieron pensar a la gente con la biopic “Bohemian Rhapsody” (2018), la realidad era otra. Queen acababa de terminar una gira mundial en la que sus miembros se tiraban de la greña tiro por viaje por cualquier provocación (la confrontación que en la película casi termina a golpes entre Roger Taylor y Freddie Mercury fue en realidad, según su biógrafo Mark Blake, entre Brian May y el vocalista) y no se sentían en forma para un concierto de tales proporciones al lado de artistas a los que casi les doblaban la edad.

Fue la boca suelta de Bob Geldof la que terminó de convencerlos cuando le espetó por teléfono al mánager del grupo, Jim Beach, que: “Dile a esa maricona miedosa que se perderá del mejor evento de toda su puta vida!”. Queen aceptó presentarse con sus reservas pero la actitud reinante en los preparativos fue más tensa de lo que la historia hace creer. Para el gusto del propio Freddie (que tampoco se destacaba por su sutileza al expresarse), Phil Collins era “un advenedizo que quería un trozo de pastel” mientras consideraba que The Who y Led Zeppelin eran “unas ancianitas que sacaron de su sillón frente a la chimenea y les dieron oportunidad de volver a actuar para recordar sus buenos tiempos”. A pesar de lo agrio que resulta el criterio de Freddie Mercury al respecto, no le faltaba razón en el sentido de popularidad. Ciertamente personajes como Jimmy Page y Robert Plant se habían distanciado radicalmente tanto musical como personalmente llevando cada uno carreras solistas de diferente orientación y Pete Townshend coqueteaba con la modalidad Pop del momento haciendo en el escenario muy notoria su animadversión por el baterista Kenney Jones, quien había reemplazado al fallecido Keith Moon también algunos años atrás, en 1978, y fue el responsable de la ruptura del grupo en 1982. Realidad dolorosa era que tanto Zeppelin como The Who resultaban más un honor de museo musical que un show del momento.

Pero Mercury no reveló, tal vez porque no lo consideraba tan personal, el hecho de que los propios Rolling Stones tenían una de sus peores épocas como grupo y aceptaron actuar por separado por diferentes razones. Keith Richards y Ron Wood por un lado junto al repetitivo Bob Dylan hacían tributo acústico a la verdadera causa, hecho que el envidioso Lou Reed no cesaba de llamar: “Indignidad de tres pésimos músicos”, mientras Mick Jagger sacaba su mejor perfil de celebridad ante los reflectores explotando la antaño imagen de rebelde que lo había hecho famoso años atrás siendo incluso el Anti-Héroe del drama que, en 1969, había derivado en la trágica muerte de Brian Jones en su piscina. Para el gusto de muchos Fans Stonianos, el Mick Jagger violento y contestatario de “Gimme Shelter”, había vendido su alma al dólar y al sistema mostrando su mejor cara digna de “Cosmopolitan” y figura de la música Disco. Nada qué ver con el temor de aquellas madres que leyeron alguna vez aquello de “Dejaría que su hija saliera con un Rolling Stone”. Tan lejano de la figura que había puesto a temblar a los mismísimos Beatles años atrás.

Y hablando de The Who. Pocos saben que para Pete Townshend, guitarrista y líder, aquello hacía mucho que no funcionaba y aceptaron porque Geldof casi le rogó de rodillas, algo que el propio Townshend lo rebelaría años después. Circunstancialmente, la idea de reunir a The Who fue parte de las discusiones de quien había sido su mánager (y hoy en día lo es nuevamente), Bill Cursbishley, con Roger Daltrey y Pete Townshend quienes ya no tenían deseos de volver a actuar juntos dado que ambos comenzaban a gozar de los beneficios de sus respectivas carreras solistas; pero el bajista John Entwistle y el baterista Kenney Jones no corrían con la misma suerte y obviamente necesitaban resucitar musicalmente en un momento difícil puesto que ambos estaban enfrentando la bancarrota. Desde luego que “Live Aid” no representaba ganancia alguna, de hecho era un evento benéfico, pero la publicidad derivada prometía colocar de nuevo a Entwistle y a Jones en la escena. Lo cierto es que a The Who les sucedió lo que sarcásticamente le atribuiye el guionista de “Bohemian Rhapsody” al personaje de Brian May (Gwilym Lee) “Quiénes son estos dinosaurios?”, comentario que, de acuerdo a Jim Beach, fue dicho por el arrogante Phil Collins, medio en broma y medio en serio, al que Roger Daltrey, vocalista de The Who, estuvo a punto de responder a puñetazos. No es de extrañar que posteriormente The Who y Phil Collins rechazaron actuar juntos.

Elton John no fue mejor. El pianista también aprovechó el exhibidor musical y sacó bastante provecho pero posteriormente manifestó que “Live Aid” no había sido el mejor momento de su carrera, lo cual es cierto y, en contraste con Eric Clapton, tuvo que pagar el costo mediático que encasilló su carrera con el evento por mucho tiempo. Al final, los únicos realmente beneficiados fueron los artistas “Del Momento” a quienes la presencia de los legendarios les levantó la popularidad más que a los propios legendarios. Por dentro, Live Aid estuvo muy lejos de ser la gran fraternidad que aparentaba entre rivalidades personales y ciertas discriminaciones de algunas Divas que prohibían a otros inexpertos en el negocio acercarse siquiera de lejos al área donde se encontraran protegidos por más elementos de seguridad que el propio Presidente de los Estados Unidos en aquel momento. Detalle que Geldof y su equipo omitieron muy convenientemente.

Pero los problemas de Geldof apenas comenzaban. Los impuestos en Reino Unido y Estados Unidos tienen reglas inquebrantables y muy vigiladas en cuanto a la política de su recaudación y en ambos países es posible deducir si la captación de fondos de un evento o empresa se enfoca a la Beneficencia y el fisco, de ambos gobiernos, tuvo que revisar minuciosamente la naturaleza y ejecución del “Live Aid” para asegurarse de que el evento realmente fuera de naturaleza benéfica y, para ello, hubo ONGs que tuvieron que asistir la revisión de ganancias y gastos del evento y atender el destino final de los beneficios. Como se mencionó al principio, esto no sucedió en buenos términos ya que Mengistu Haile Mariam, entonces dictador en Etiopía, y como se mencionó también al principio, desvió el dinero recaudado para movilizar etnias para él indeseables al sur del país y concentrarlas en reservaciones y, paralelamente para quedarse con parte del dinero. Lo que se entregó en especie, alimentos, se perdió ya que, por el desvío de fondos, no hubo manera de distribuirlo. Geldof y sus asociados intentaron mantener este asunto lejos del escrutinio pero el periodista Robert Keating dio un resorterazo de proporciones dantescas al publicar en julio de 1986, en la revista Spin, su artículo “Live Aid: The Terrible Truth” (Live Aid: La Terrible Verdad) que reveló el podrido resultado financiero y político de las ganancias del Live Aid. Evento que, para ese momento, tenía circulando en el mundo libros documentales, colecciones fotográficas, un set de discos compactos y otro más de películas en formato VHS recaudando aún más dinero del que no se puede asegurar que haya sido destinado a la causa contra la hambruna o al beneficio por retribución simbólica, de los artistas implicados.

El evento tuvo una réplica con el “Live 8”, veinte años después, contando con el regreso un poco más digno de The Who (irónicamente sin John Entwistle, fallecido en 2002) y la reunión de la alineación original de Pink Floyd, entre muchos otros, pero con una finalidad diametralmente opuesta a la de su inspirador “Live Aid”. En este caso, las ganancias sí implicaron impuestos, gastos y pagos al personal técnico representando una impresionante inversión por parte de sus patrocinadores, aunque desde luego los resultados fueron legal y fiscalmente mucho más claros y justificados.

Hoy mucha gente nostálgica de entre 55 a 65 años expone al “Live Aid” como el mejor par de
conciertos de todos los tiempos aunque en realidad hubo anteriormente algunos aún mejores pero menos mercantiles, tal es el caso de “Monterey International Pop Festival” en 1967 y “Woodstock” en 1969. El primero un tanto elitista alojando a la crema y nata de la sociedad californiana en un evento rebelde en actitud y vanguardista en cuanto a moda pero cuya esencia era el movimiento pacifista de las flores y abrió la puerta a la cultura existencialista que derivó en el segundo concierto mencionado. Después vendrían algunas copias como la envidiosa respuesta de Mick Jagger con su concierto en Hyde Park, disfrazado como un Tributo al guitarrista Brian Jones (que había fallecido un mes antes del evento) y el tristemente célebre concierto de “Altamont” en el que su equipo de seguridad fue una pandilla, Hell’s Angels, quienes asesinaron al fan Meredith Hunter justo en las narices de los Rolling Stones mientras actuaban. El pretexto del crimen fue: “El sujeto se acercó al escenario con una pistola”. El arma en cuestión era un revolver de juguete, según reportó la policía meses después. El punto es que “Live Aid” está lejos de ser un “Evento Rockero” a pesar de los nombres que lo componían.

La gente que aún rinde culto al “Live Aid” poca relación debieron tener en su momento con el Rock como cultura porque de hecho el verdadero Rock, para esos días, había terminado de cavar su tumba tras la muerte trágica del Ex-Beatle John Lennon, asesinado a balazos cinco años antes del evento. El movimiento del Rock, como tal, había ocupado los escenarios una década antes con mejores conciertos de Queen, Led Zeppelin, The Who y The Rolling Stones en los que esas bandas habían sido los monarcas de la música batiendo al propio Elvis Presley y al mismísimo Frank Sinatra en audiencia y herencia cultural y musical. Desde el momento en que Jimi Hendrix y The Who volaron en pedazos las dulces mieles y el ineficaz romanticismo de The Beatles en Monterey Pop en 1967, hasta la última gira de Eagles promoviendo su álbum “The Long Run” en 1980, el movimiento Rock tuvo figuras ilustres como los progresivos Yes y Genesis compitiendo con imponentes colosos como Uriah Heep, Deep Purple, Pink Floyd, Rush, Black Sabbath (con mejores cosas), UFO, Supertramp, America, y muchos otros que habrían sacado a todos los artistas nuevos del Live Aid de su propio escenario con calidad holgadamente superior. Dejando a Eric Clapton y Carlos Santana el venerado estatus de haber sido los únicos dignos en el Live Aid, cabe señalar.

Hoy, poca gente de menos de 50 años podría diferenciar o descubrir si Live Aid fue realmente el “Súper Gran Evento de Todos los tiempos” porque hoy poca gente sabe de buen Rock y lo que el Rock como cultura implica. Pocos querrían creer que Live Aid fue un fraude histórico.

Es Cuanto

Messy Blues

Una porra por Riverdale!!!!!

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Fri, 01 Apr 2022 06:57:00 +0000

Sobre aquel sujeto adolescente de clase media y desabrido que hizo las delicias del mas pintado

No se mucho de cómo ni quién inventó en 1941 a Archie Andrews y a su pléyade de amigos y novias pero recuerdo que, de niño, antes de comenzar a leer siquiera, me gustaba ver sus caricaturas hechas por la Hanna Barbera por el canal 5 (en México, claro).

Vistas ahora, esas caricaturas resultan bastante bobaliconas pero, claro, estaban hechas para niños. Mas adelante, después de su gran éxito con Sugar, sugar fue que mi hermana (mayor que yo) comenzó a comprar sus historietas —publicadas en México por Editorial Novaro y las encontré un poco mas divertidas, luego me interesó ser dibujante de cómics y comencé a leerlas en inglés, envolviéndome mucho en su cultura juvenil; un tanto aburguesada.

Pero Archie es originalmente una historieta testimonial que buscaba levantar el ánimo

de una nación que apenas se recuperaba del crack financiero de la gran depresión, y al mismo tiempo de granjearse a los seguidores de la serie de películas de Andy Hardy; en las que Mickey Rooney fue el protagonista desde 1937.

El cómic de Archie sin embargo fue en su inicio muy del tipo Soap Opera (telenovela) con drama y situaciones cómicas, enfocando en la desorientación de una juventud que aún no hallaba el rumbo y, de hecho, el personaje central —Archie— era un joven en edad de trabajar y en edad de presentarse al servicio militar.

Como todo joven de su edad en aquella época, Archie fantaseaba con las estrellas de Hollywood y con la típica niña rica de la ciudad, Veronica Lodge (Verónica Del Valle) que casualmente era su amiga-novia gracias a que asistían a la misma preparatoria (o High School). Y, como en muchos casos noveleros, existía la tercera en discordia, papel a cargo de Elizabeth Betty Cooper, la bella chica de clase media, amiga de la niñez y enamorada de Archie Andrews (Archie Gómez) que era amigo del alma de Forsythe Pendleton Jones III, quien limitaba su nombre a Jughead (Torombolo), y amigo-enemigo de un patán narcisista llamado Reginald Reggie Mantle III (Carlos Marín). Curiosamente la relación amor-indiferencia de Archie con Verónica era muy común en los jóvenes de los Estados Unidos en 1941.

Como ya dije, la historia original era melodramática pero dado que los dibujos eran caricaturescos —y por la buena acogida que tuvo el cómic—, eventualmente Archie comenzó a ser la diversión juvenil. A pesar de algunas cosas que, de manera disfrazada, implicaban cierta sexualidad. Fue así que la historieta tomó su carácter de comedia juvenil.

Retomando el asunto de su primera publicación que se había planeado para noviembre de 1941, la publicación del primer número de Archie se realizó hasta el 22 de diciembre, debido a que el país había entrado en guerra unas semanas antes, el día 7, a consecuencia del ataque japonés a Pearl Harbor. Fue tal vez por eso que Archie fue tomado por la juventud como un refugio más que como una afición.

Archie compitió por ese entonces con las caricaturas de la Warner Brothers que filmaban cortos motivantes para animar a los soldados (por ejemplo, Daffy Duck martillando a Hitler) y al mismo tiempo Archie también competía con Hollywood; cuyas estrellas también hacían cortos y hasta visitaban a los soldados en sus campamentos.

Archie solo podía publicar revistas y sus editores se sujetaban a la austeridad (por lo que incluso hubo algunos números impresos en sepia, que hoy se venden a costos millonarios en subastas especializadas), pero irónicamente eso fue precisamente lo que le hizo mantenerse en el gusto del público ya que era bastante más barato comprar un magazine de dibujos que ir al cine para ver una caricatura de cinco minutos. Igualmente era bastante difícil asistir a esas proyecciones destinadas a la milicia.

Cuando acabó la guerra, hubo un número especial de la historieta en el que se supone que Archie y Reggie (Carlos) habían asistido al frente europeo y regresaban como héroes y fue el primer número en el que toman instrumentos musicales como elemento de la historieta. De hecho fue a partir de entonces que repentinamente comenzaron a aparecer celebridades reales de Hollywood (y celebridades musicales) que, por una cosa u otra, hacían parada en Riverdale y se relacionaban con la pandilla de Archie, quien seguía loco tratando de ligarse a Verónica, en tanto Betty Cooper (Betty Rosas) andaba vuelta loca tratando de ligárselo a él.

En ese cortejo que Archie le hacía a Verónica, Reggie (Carlos) le hizo siempre la más dura competencia y, a propósito de las celebridades, un cameo muy merecido fue el de Mickey Rooney en su caracterización de Andy Hardy en 1947.

Los años cincuenta fueron, sin embargo, la época que le dio a Archie su naturaleza americana-mundial con el advenimiento del Rock and Roll y todos los items que eso implicaba e, históricamente, Archie fue quien inspiró muchas de las líricas más célebres de esa música.

La primer aparición de una celebridad musical fue Eddie Cochrane. En ese número, el guitarrista pasa por las afueras de Riverdale pero se le poncha una llanta y Marmaduke Moose Mason (Gorilón) trabajaba por vacaciones escolares en una Gas Store (gasolinería), y le ayuda a Eddie. Como agradecimiento, Cochrane le regala entradas para su concierto en una ciudad rival vecina. La historia se desarrolla en el embrollo que sucede para que la pandilla pueda asistir al concierto.

En un número posterior, el propio Elvis Presley fue contratado por el millonario Mr. Lodge (Sr Del Valle, del que nunca se mencionó su nombre de pila), a insistencias caprichosas de su hija Verónica, para actuar en un baile de la preparatoria de Riverdale.

Curioso fue que los editores de la revista le cobraron, y además bien, a Sun Records (la disquera que lanzó a Elvis) por concepto de publicidad y estos a su vez pagaron puntualmente porque Elvis en ese momento era solo una estrella prometedora pero aún no era Rey del Rock. Paradójicamente, hoy ese número tiene un valor aproximado al millón de dólares.

Antes de que acabara la década de los cincuenta, la revista enfrentó serias dificultades legales por haber tomado un tema en su época muy delicado en el que Betty le dice a Archie —apenas en un cuadro— que sería feliz de tener un bebé de él, aún si no se casara con ella.

Derivado de eso, las hipócritas asociaciones cristianas, y de otros órdenes religiosos, iniciaron una cruzada conservadora acusando al cómic de ser inmoral y de ser publicidad sexual disfrazada y que, por lo mismo, motivaba a los jóvenes a tener sexo antes del matrimonio.

Los editores ofrecieron disculpas y trataron de retirar ese número de circulación pero el daño ya estaba hecho. El cómic estuvo dos años sin editarse coincidiendo con el ingreso de Elvis al ejército, con el encarcelamiento de Jerry Lee Lewis y de Chuck Berry y con la muerte de Ritchie Valens y Buddy Holly (que también habían aparecido como invitados). Por si fuera poco, la serie de filmes que habían inspirado su creación, Andy Hardy, habían sido cancelados y Mickey Rooney despedido.

Fue hasta 1960 que Archie fue nuevamente publicado, después de un rescate financiero por parte de un empresario que había comprado acciones de RCA Víctor, quien había crecido con el cómic y quien financió la publicación siempre cuando sus creadores originales siguieran al frente.

Esta vez, Archie y sus amigos era menos inocentes ya que, después de esa compra de la editorial, a los personajes se les permitió hacer comentarios audaces como el de Verónica diciéndole jocosamente a Archie: Aquella vez, ¿recuerdas? y este se sonroja, o Betty siendo cortejada por Cliff Richard (el cantante inglés) y en un cuadro él le dice que no puede atenderla y ella le responde: Mas tarde podrás atenderme mejor.

En esa nueva época, los guiones del cómic comenzaron a coquetear con la música.

Históricamente, el papá de Archie había tocado el trombón en la banda de la marina, y su mamá había tocado el piano en el colegio; por lo que Archie había heredado esos dotes musicales y ahora él tocaba la guitarra.

Pero hay un proceso antes de que todos en la pandilla comenzaran también a tocar algún instrumento. Por ese entonces sus amigos eran simples espectadores de ello.

En un capítulo, durante un torneo escolar de lucha greco-romana, Reggie -Carlos- se burla de Archie diciendo: Tú solo eres capaz de tocar tu guitarra.

Ese proceso en que la pandilla pasó de ser un grupo escolar a una banda de Pop Rock, fue para anexarse a la moda de la llamada Ola Inglesa, surgida en 1964 y encabezada por The Beatles.

En 1967 el cómic, que seguía asesorado por publicistas e historiadores novatos, fue llevado a su peor capítulo cuando los editores decidieron apoyar a The Monkees (un ficticio grupo americano de rock destinado a neutralizar a los británicos) e invitarlos a Riverdale.

Archie enfrentó su peor déficit de ventas en años -ni siquiera la crisis de finales de los 50's les había mellado tanto- y fue cuando su benefactor, el empresario accionista de RCA, tomó las riendas y enmendó el error.

Después de ese bache, los editores voltearon a ver a The Beatles y, de esa manera, fueron invitados especiales en un capítulo en el que Mr Lodge se lleva de cumpleaños a Verónica y su pandilla a Londres. En un enredo loco llegan al estudio donde los melenudos grababan un disco con un antológico diálogo de los chicos con Mal Evans, asistente de los Beatles desde sus inicios.

Para quien no lo sepa, Paul McCartney siempre fue fan de Archie, por lo que su manager Brian Epstein, ya en ese entonces amigo personal de los ejecutivos de RCA, le sugirió a los editores y al empresario conversar con Hanna Barbera para crear su propia serie de TV y hasta llegó a plantear un programa en el que tanto Archie como The Beatles fueran anfitriones, idea que jamás pudo materializarse.

El capítulo de The Beatles con Archie se reeditó en los años setenta pero curiosamente no tuvo la misma reacción a pesar de que ahora también cuesta una fortuna.

Ahora bien. Si en 1964 Los Beatles enfrentaron en la vida real a los Rolling Stones como rivales —y a partir de 1966 a The Who, Cream y Jimi Hendrix—, en 1969 tuvieron como duros rivales nada menos que a The Archie's con su número uno a ambos lados del planeta: Sugar, sugar, grabada por la RCA.

Batidos nada menos que por un grupo de fantasía. Aunque también es cierto que ese disco fue debut y despedida de The Archie's, quienes se enfocaron más en su cómic y su serie de TV teniendo un gran éxito y dejaron a los Beatles la prerrogativa de grabar música de verdad.

La firma que publicó a Archie en los años sesenta pagó alrededor de cinco millones de dólares por invitar artistas. Lista que incluyó al elenco de The Sound of Music (La Novicia Rebelde), Lost in Space (Perdidos en el Espacio), Batman and Robin, The Green Hornet (El Avispón Verde) y Family Affair (Mis Adorables Sobrinos —que también fueron un tributo a Andy Hardy—), entre muchos otros.

En esa misma década, Archie también sostuvo una rabiosa rivalidad con Walt Disney Studios, a quienes de un modo otro, los editores siempre tacharon de Fascistas Disfrazados.

Existe un capítulo en donde Reggie -Carlos- tiene que tomar un descanso por fatiga escolar y alguien le invita ir al Reino Maravilloso a lo que responde ¡No!, ¡odio a un ratón cuyo mejor amigo es un perro (Goofy) y su vecino es un pato (Donald) y todos tienen caras de sospechosos!.

Existió, por otra parte, una fuerte colaboración entre los editores de Archie y los editores de DC Comics y Marvel Comics. De hecho Spider Man, Punisher, Hulk y Captain America aparecieron repetidas veces en Archie Comics. Esa sociedad hizo que las tres editoriales se fortalecieran durante los años 1960 y 1970.

En los años setenta también hubo, aunque con menos frecuencia, algunos invitados; como sucedió en el capítulo en el que The Who debía actuar en Nashville pero por error fueron a parar a Riverdale y Archie y sus amigos les prestan los instrumentos, ya que los propios estaban en Nashville (primer capítulo en el que mencionan una ciudad real, por cierto), y actúan como favor en un concierto benéfico de la preparatoria de Riverdale.

Célebre momento cuando Jughead (Torombolo) le dice a Archie: ¡Oh no Archie!, ¡ese sujeto (Keith Moon) está loco y va a hacer pedazos mi batería!, a lo que Reggie (Carlos) le responde: Olvida la batería. Hundirá su Rolls (Royce) en la piscina de Ronnie (Verónica) y su amigote (Pete Townshend) brincará sobre la guitarra de este tonto (Archie).

Los Rolling Stones también fueron parte del elenco pero dada la mala fama que los Stones tenían con las drogas, la historia se desarrolla con la banda fuera de foco. La trama trata de cuando Archie y Reggie (Carlos) pierden la oportunidad de ir a su concierto en el estadio de Riverdale (por primera vez hay un estadio para multitudes) y Verónica logra rentar un palco, pues Mr Lodge (Sr Del Valle) resulta ser socio de Mick Jagger en la casa de bolsa londinense. Esto último fue un truco desesperado de Mick Jagger para limpiar la imagen pública de los Stones ante los jóvenes estadounidenses.

Y, aunque es verdad que Mick Jagger, Keith Richards son accionistas —y Charlie Watts lo fue—desde los primeros años setenta, no fue en Londres sino de Nueva York. En 1970, los Rolling Stones habían huido de Inglaterra por los altos impuestos.

A pesar del favor de ser invitados, los Stones como grupo sólo aparecen tocando en el último cuadro y, por cierto, fue poco el parecido a los originales

Archie hoy

En ochenta y un años, Archie Andrews y sus amigos no han envejecido a pesar de los intentos de muchas películas por presentarlos en edad madura.

Siguen siendo esos inocentes (o no tanto) adolescentes que han hecho las delicias del mundo a partir de 1941 (y el que diga que no lo ha leído, es un mentiroso).

En ochenta y un años, Betty sigue llorando por Archie y existe un capítulo en el que Archie la lleva al baile escolar pero este termina bailando con Verónica. Betty se queda sollozando viendo como bailan en tanto Jughead (Torombolo) se sirve un ponche y le dice: Mira Betty, a mí no me gustan las chicas pero, si tuviera que salir con una, esa serías tú.

Mi favorita también siempre fue Betty Cooper.

Es cuanto

Messy Blues

"Rooted Time" el disco de Vassy Courtes

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Sun, 23 Jul 2017 20:19:00 +0000

Jesús, alias "El Cristo"

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Mon, 17 Dec 2012 02:41:00 +0000

La verdadera Navidad

Este artículo (aunque no sea de la calidad de uno) será posteado en virtualmente todos mis espacios de Internet, bien sea mi website, el website de mi amigo Iván (el que aún se atreve a recordar a un pésimo grupo como Crash Fuego Blanco –jajajajaja, broma colegas, broma-) y en todos mis blogs, tanto de grilla como de blues, el personal, la maraca, el de guitarra, el de los beatles y los que se me olviden. Digo lo anterior porque a algunos les va a extrañar que hable de cosas aparentemente religiosas en virtud de que me he mostrado un tanto mezquino refiriéndome al clero, especialmente a un fraude llamado Ratzinger. Avisados.

En fin. Esta vez no me voy de cabeza hacia las religiones (aunque serán un punto inevitable) sino a lo que para usted y para mí es la NAVIDAD, esa época del año en que adornamos nuestras casas, le damos el abrazo a todos los que queremos (y si podemos les damos un regalo), compramos todo lo que se pueda y cenamos cosas que siempre nos cuesta trabajo comprar a tiempo si no reservamos al menos una semana antes de la nochebuena. Esa época en la que, sorpréndase, incluso hay mas suicidios que en ninguna época del año, Esta época en la que celebramos de todo y de muchas maneras pero no celebramos el verdadero sentido de la navidad.

Jesucristo, la verdadera razón de la navidad. Es decir, celebramos, se supone, el nacimiento del enviado de Dios, de su advenimiento y encarnación destinado a salvar y limpiar los pecados de la humanidad. Pero antes cabría hacer una reflexión, muy personal, acerca de lo que significa “Cristo” separándolo de su nombre, Jesús, y por qué se supone que vino a compartir este mundo para sacrificarse por usted y por mí.

Yo no me considero católico, no al menos oficialmente católico, y no me inclino en reverencia hacia el Vaticano; no soy cristiano, no soy testigo, no soy mormón, no soy musulmán, no soy budista y en cierto modo me ajusto más al protestantismo (iglesia episcopal) y desde luego a las bases místicas de la orden masónica yorkiana. No es ninguna secta y no está en contra de NINGUNA religión, mencionado por aquellos idiotas que atacan a los masones sin conocerlos siquiera. Considero a Cristo como un estado espiritual que se encuentra dentro de uno mismo. Es esa parte de nosotros a la que llamamos “bondad” y que casi siempre mantenemos dormida porque, así como nos hace ser buenos, nos sujeta a la responsabilidad de ser una persona con bases y principios y eso es algo que, como animales racionales, nos cuesta trabajo asumir.

Según yo, Jesús es un iniciado ejemplar que comparte un nivel de evolución con Saint Germain y el resto de personas que hoy hacen milagros. No asumo que los Santos son solamente propiedad de los católicos sino que fueron personas con tal grado de grandeza que lograron trascender y por ello hoy se les da el reconocimiento que tienen. Esto es, los iniciados como Jesús evolucionaron a un nivel tal que alcanzaron el grado de uno previo a Dios peor esto es todo un rollo que me envolvería en demasiadas polémicas y honestamente tengo flojera para ello.

Por qué celebro la Navidad?

Hay quienes me han llamado “Pinche hipócrita” por cuestionar a los fascistas del Vaticano y al mismo tiempo celebrar la navidad. Para ustedes una sorpresa: la navidad no es propiedad de los católicos. Yo celebro el nacimiento de Jesús, a quien admiro por su perfección, por ser ejemplar, por ser quien distinguió a la humanidad del resto de seres vivos, por que él le dio a los hombres (y mujeres, obvio) el grado tal de respeto y dignidad que pocos han sabido apreciar. Es curioso que en el cumpleaños del hijo de Dios existan tantos borrachos como tristezas en el mundo mientras se supone que debería ser de celebración.

Invito a quitarse la culpa

Muchos se ponen tristes o apenados porque sienten que no pueden celebrar a intensidad tan especiales fechas, bien porque han pecado, bien porque su religión se los prohíbe o bien porque se sienten muuuuy solos. Aquí la buena noticia: La navidad está dentro de ti. A mí Satán Claus me parece una broma pesada por parte de Coca Cola (quienes lo inventaron) pero no me importa un carajo si a alguien no le gusta que yo escuche música navideña como “Adeste Fideles”, “Little drummer boy”, “Jingle Bells” y cosas así, mas nefastas me parecen las pinches ardillitas de Lalo Guerrero. No me importa si a alguien le parezca ridículo si voy a una posada a romper una piñata, como mandarinas, colaciones y prendo velitas y lucesitas de bengala, no me importa y no me importa porque a mí me gusta hacerlo. Me gusta ver hacia mis adentros y decir: “Jesús, seas o no hijo de Dios, estés donde estés, Gracias por haber venido al mundo a darnos un ejemplo de valor, amor y superación. Que pases un genial cumpleaños”.

Me gustaría que usted amable lector(a) rompiera un poco con las ataduras y los compromisos de consumismo y se asomara a su Cristo Interior, que se dejara iluminar por ese gran Maestro llamado Jesucristo al que usted puede darle el nombre que usted quiera y se le pegue la gana: Hijo de Dios, Hijo de María, Mesías, Maestro Iniciado Esenio, Maestro de la Metafísica elevada… como usted quiera llamarle. Asómese al corazón de todos los que le rodean comenzando por abrir el suyo. Cante villancicos si así le place, tómese una cervecita para relajarse, cómase unos taquitos al pastor, haga lo que mas le guste pero comience por estar en paz consigo mismo. No importa si cree o no en Dios o no importa el Dios en el que usted crea. Tiene un cerebro inteligente y un corazón que puede ser grande y con eso basta.

El cumpleaños del maestro

Hace años, unos testigos tocaron a la puerta y quisieron convencerme de su argumento de: “Si Dios quisiera que se celebrara la navidad entonces lo hubiera dicho en la Biblia”, los mandé a la... a volar. Pero reflexionando detenidamente es en cierto modo verdad que no existe una fecha precisa de cuando haya nacido Jesús. Sin embargo creo que si alguien pudiera hablar con él agradecería que al menos tenemos una fecha en la que celebramos su nacimiento. No importa cuando sea su cumpleaños, lo que importa es acercarnos a los que no nos hemos acercado en todo el año. Al vagabundo, al que no tiene algo para comer, al que está solo, al que ha perdido a alguien, al que ha sufrido mucho en este año, al triste, al alegre, al renegado, al fanático, al amigo, al enemigo, en fin, a todos. Es el tiempo de sacar nuestro Cristo interno. Es el mejor tiempo de olvidar, perdonar, pedir perdón y comenzar de nuevo. Para mí, servidor de ustedes, eso es la Navidad. Aclaro, lo anterior no incluye a los tiranos, eh? A esos no hay que perdonarlos, jejejejejejeje.

En fin. Sea como sea yo espero que cada uno de ustedes pasen una genial navidad y que el año que viene sea una oportunidad para mejorar. Yo en lo personal no podré seguir el terco consejo de César Navarrete de dejar de fumar ni de voltear a ver a las chicas morenas de piernas bonitas pero se que algo dentro de mí ha estado trabajando en ser mejor y menos absolutista. Defectos tengo pero reconocerlo es un primer paso. En fin. Ojala les haya gustado este posteo y, qué diablos…

¡Feliz Navidad!

Es el deseo de

Messy Blues

Jon Lord (1941 - 2012)

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Tue, 17 Jul 2012 03:57:00 +0000

Jonathan Douglas Lord

El caballero del teclado mágico, no solo fue uno de los creadores del concepto Deep Purple, no solo fue el inventor del tecladista clasico-rocker ingresando al mundo del blues, el hard y el heavy con un sonido Hammond y bocinas leslie, no solo fue el que estableció los estatutos de la disciplina y el profesionalismo de los músicos modernos de rock, Jon fue el mentor mismo del heavy metal sin soltar la música clásica ni el blues, fue quien reivindicó a los músicos serios e hizo de la música de acetatos patrimonio de los músicos de escuela.

Se han escrito libros enteros de cómo y por cuantos años fue el jefe de Deep Purple, hay cientos de websites relacionados a eso, hay miles de blogs de fanáticos publicando en este momento el dolor que nos produce su partida. Así que decirlo nuevamente es tanto como reiterar una y otra vez lo que no se puede evitar.

Pasé años escuchando a Deep Purple desde que tenía 16. Lo primero que supe de ellos fue a través de mi entonces bajista, Marco Rodríguez, que es 4 años mayor que yo y en aquel entonces tenía mas conocimientos musicales. No hice mucho aprecio hasta que fui a Salvatierra a visitar a una vieja loca que era mi amiga y que acababa de sufrir un muy aparatoso accidente de auto y convalecía usando muletas. A ella le gustaban Deep Purple y Pink Floyd, igual que a nosotros aunque yo no los había escuchado todavía. Lo hice a través de Universal ESTEREO FM con la canción "Hush" y andaba loco tratando de sacarla. Ese mismo año vino a México un "Deep Purple" falso acompañado por otra banda algo gris llamada "Black Oak Arkansas". Esa broma de mal gusto fue perpetrada por Rod Evans (el primer vocalista del Deep en su periodo de 1969) en junio de 1980 y se presentó en el estadio universitario. Se levantó tal polvadera que la revista "Conecte" publicó un librito biográfico en el que me enteré de su historia.
Hasta ese momento yo me había limitado a ser guitarrista de ritmos con pocas intervenciones de líder pero a partir de que compré sus discos yo quería tocar como el guitarrista Ritchie Blackmore y como el teclista Jon Lord, ya que yo toco ambos instrumentos. Después del Deep me volví aún mas exigente. Para mí Deep Purple está entre las grandes ligas como The Who, Queen, Pink Floyd, Yes, Camel, Passport, Genesis, Steppenwolf, Mott The Hople, Black Sabbath, Led Zeppelin, Beatles, Rolling Stones y otros a esa altura.

Desde los 16 soy fan del Deep Purple, casi toda mi vida considerando a Jon Lord como la ley misma del teclado de rock (en armonía con Ray Manzarek, Rick Wright y Freddie Mercury, claro) y hoy me enfrento a uno de los días más tristes de mi vida.

Solo puedo decir que lamento la pérdida y que descanse en paz el MAESTRO Jon Lord.

Donde quiera que estés MAESTRO, Dios guíe tu camino!!!!!!

Queen Gaga-Mercury-Rodgers

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Sat, 08 Oct 2011 19:52:00 +0000

Lady Gaga vocalista de Queen??

En lo personal Lady Gaga no me cae ni bien ni mal, simplemente es la clase de artista que ni me impresiona ni me inspira como antaño en 1979 lo hicieran Freddie Mercury, Brian May, John Deacon y Roger Taylor cuando eran realmente una gran banda de rock ya que se necesita algo mas que buenas piernas y mucha publicidad como para motivarme musicalmente así que cuando Kar, ex bataco de mi hijo Messy Jr, me dijo que la "dama" sería la nueva vocalista de Queen solo pude romper a reir.

El punto es que Lady Gaga, muy a pesar de lo corriente que pudiera resultar para todo rockero de hueso colorado, podría hasta considerarse como una carta favorable para el ya caduco "Grupo" que antes eran taquilla y calidad y hoy solo son refritos de aquella buena época. Muchos dirán espantados: "Pero qué carajos le sucede a este estúpido que dice eso?????" pero la explicación es sencilla y creo que muchos me darán a regañadientes la razón completa.

Queen fue una banda por accidente en sus inicios de por sí accidentados a finales de los años sesenta cuando Smile (la banda en la que tocaban Roger y Brian) se desbandó y convocaron a otros músicos en la universidad a lo cual respondió un casi egresado en ingeniería, John Deacon, invitado por el ex vocalista de "Sour Milk Sea", Freddie Mercury, quien también había sido traído por Roger unos meses antes. No se ponían de acuerdo con el nombre y un día Mercury propuso el de "Queen" que obtuvo muchas resistencias pero al final terminaron iniciando sus actuaciones en bares con ese nombre. Eventualmente alguien le prestó un estudio a Brian May, quien trabajaba como músico de sesión, y grabaron treinta y dos horas de música llamada "Rock Progresivo" que en ese entonces era lo que rifaba. Como Mercury era mas bien comercial su toque "Glam" les hizo distintos a todos los que reinaban por esos años londinenses y la banda ganó un concurso en 1972 lo que les llevó a la edición de aquellas grabaciones en dos discos llamados "Queen" y "Queen II" y hasta ahí era el comienzo de la banda que alardeaba por sonar con sintetizadores sin usar sintetizadores con un vocalista al que mucha gente confundía con una mujer. El resto hasta 1979 es la historia de un super grupo que logró incluso la atención de John Lennon y Paul McCartney. El primero los mencionó en una entrevista de la siguiente manera: "Son unos sujetos que superan todo lo que hicimos como Beatles en el sentido de audacia y podría creer que hasta musicalmente pero el cantante me asusta porque parece que romperá en definitiva con la generación anterior", en tanto Paul dijo: "Simples imitadores de lo que hicimos con el White Album" (lo que mereció la respuesta de Brian May que dijo a su vez: "Paul, tú solo perteneciste a una gran banda pero poco mas"). Así y todo Queen logró situarse a la altura de Deep purple y Pink Floyd y al terminar la década de los setenta eran lo máximo en expresión de Rock.

No sucedió lo mismo con los años ochenta en los que Queen hizo el peor disco que se haya hecho en la historia del Rock, Hot Space, y su paulatina prostitución cuyo mejor esfuerzo fueron cosas huecas como Radio Gaga, I want to break free, Another one bites the dust, Crazy little thing called love y A kind of magic, fuera de eso Queen se convirtió en un comedido espectáculo millonario tocando piezas del pasado combinadas con éxitos de radio pero, gústele a quien le guste, para los ochenta Queen era un mero negocio y estaba muy lejos de ser la banda que diez años antes dominaba el mundo.

Lady Gaga tomó su nombre precisamente de "Radio gaga" (compuesta por el baterista Roger Taylor) y apreció la decadente carrera de Queen ya sin Freddie ni John después de la muerte del vocalista a causa del SIDA y miró con beneplácito los vanos intentos de Paul Rodgers, ex de "Free", por recolocar a Queen en la escena. Queen como grupo solo se pudo sostener a lo largo de la primer década de los 2000 gracias a su bastante mediocre espectáculo musical denominado, vaya ingenio, "We will rock you" que, para variar, presentaba el mejor repertorio del grupo en versiones acartonadas, cosa que hoy pretenden hacer película por cierto.

Queen, para mi gusto, dejó de ser Queen en 1979 y lamento ver cómo Brian May insiste en mantener vivo todo aquello por no poder hacer algo mejor como solista. Claro, a estas alturas creo que no tiene mucho a donde ir. En tanto Gaga está en su mejor momento y si alguno de los dos bandos está por cometer un error, perdónenme hermanos del Rock, no será Queen sino Lady Gaga. Si ella se anexa al grupo lo revivirá de Ipso Facto comercialmente hablando pero su carrera caerá en picada porque en este momento los fans que compran sus discos, show y mercancía no conoce a Queen y se sentirían defraudados por tal jugada.

Adoro a Queen con sus primeros discos, Freddie es uno de mis máximos pero hoy esto me causa risa.

Es cuanto

Messy Blues

Viva Wikileaks

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Thu, 02 Dec 2010 06:46:00 +0000

Esas teorías de conspiración en las que nadie creía.

Sorpresivo y truculento resultó aquello de que el periodista australiano Julian Assange colocara en su website, Wikileaks, información clasificada por el gobierno de los Estados Unidos y a la que incluso personal especializado no podía tener acceso hasta no alcanzar cierto nivel de confianza y capacidad. En un tris toda esa información estuvo al alcance de las manos tanto de interesados legales como de irresponsables y toda clase de maloras y buenoras en todo el mundo a través de la red y hoy es un tema que se maneja coloquialmente como divertido (y sorprendente) y a nivel diplomático como delicado. Interesante resulta que los EEUU están maquillando el impacto de eso para no ver rebajada su imagen ante el mundo toda vez que ahora tendrá que dar demasiadas explicaciones, diplomáticas también, para aclarar el asunto.

Pero en realidad el menor de los problemas de los gabachos es si alguien les cree o les deja de creer, de hecho a ellos siempre les ha valido madres si el mundo los quiere o los odia ya que la guerra es uno de sus mejores negocios y se han inventado demasiadas, comenzando por el excesivo autoataque a Pearl Harbor en 1941 para pretextar su ingreso a la segunda guerra que Hitler había inciado gracias a sus patrocinadores, Prescott Bush -abuelo de George W Bush- entre ellos. El verdadero problema de los Estados Unidos de América es el ridículo que un solo hombre -Julian Assange- les hizo pasar en lo que va de su dominio imperialista desde principios del siglo pasado. Lo que hombres y sus huestes como Fidel Castro, el Che Huevotes, perdón, Guevara, Hugo Chávez, Satán Husseim, Osama Ben Laden y toda una serie de fanáticos islamistas y hasta la Unión Soviética en su momento no pudieron conseguir, mengüar a los gringos, un solo hombre lo logró en un día. Aunque se reconoce su ardua labor de años para preparar ese golpe asestado que abrió la puerta trasera del gobierno mas poderoso y controlador del mundo poniéndolo en entre dicho.

Pero no es a los gobiernos (meros comparsas de los gringos) a los que les importe realmente lo que EEUU piensen del resto del mundo. Para los pinches gringos los únicos perfectos son ellos así que nadie debe esperar a que los weritos tengan buenos comentarios hacia los demás y de hecho el temor de los hijos del Tío Sam es la proliferación de la información en la gente común de todos los países una porque perderán esa imagen de resplandor que el mundo tenía hasta ayer de ellos -al menos en un buen porcentaje- y otra porque los grupos extremistas antiamericanos en todo el mundo tendrán una mejor idea de cómo establecer la logística de los puntos débiles de esa nación y eventualmente preparar una guerra psicológico-ideológica que respalde a mas agresiones de tipo, insisto, político-extremista. Es decir Julian Assange ha puesto en bandeja de plata a EEUU para sus enemigos, que son muchos, en los bandos realmente opuestos al modo de vida Norteamericano y eso sí que es peligroso... para Estados Unidos claro.

Pero analicémoslo un poco mas globalmente y de manera fría. Comencemos porque hasta el día de hoy y desde principios el siglo XX, los EEUU lograron establecer un colonialismo político-comercial-militar tan fuerte en buena parte del mundo que se convirtieron en dominadores del control (y órden) mundial de una manera sinuosa y casi imperceptible poniendo como pantalla cosas tales como el glamour de Hollywood, los automóviles de Henry Ford (patrocinador de grupos de supremacía blanca y miembro de Bilderberg y Skull & Bones) y las ventas outsourcing y por catálogo que eventualemnte dieron cábida a los multiniveles, eso entre muchas otras cosas que el mundo vio con buenos ojos dado que los gringos tuvieron el tino de hacer pasar a la raza blanca como prototipo de perfección y belleza pero sin dejar de lado lo mas importante que fue la creación de la centralita mas poderosa del perfil financiero del mundo: Wall Street, en donde se dieron cita los mas prominentes y acaudalados hombres de negocios dando a los EEUU el respaldo necesario para comprar derechos en países necesitados y en donde no se podía, era el ejercito el que se imponía así que a los EEUU no había modo de negarle nada ni de cómo ganarle.

Todo el siglo XX estuvo caracterizado por patrones culturales enfocados y orientados al prototipo norteamericano y de hecho los mejores fraudes teloneros de esa nación enmarcaron supuestos momentos de víctoria de la democracia como el tratado de Versalles que no era otra cosa que un ventajoso contrato que humilló a Alemania a tal grado que eso creó al partido NAZI. La supuesta victoria de los aliados sobre Japón y Alemania en 1945 estuvo tan maquillada que hoy en día resulta un tanto necio ponerse a disernir si los aliados realmente eran aliados y si aquello no tenía un siniestro trasfondo para hacerse nuevamente de los recursos naturales, financieros y territoriales de Alemania. Como sea Hitler no era ciertamente un angelito -pinche vato racista- pero reconozcamos que él comenzó defendiendo su Alemania de lo colonialismos extranjeros -judíos y libaneses principalmente-. EEUU no entró a la guerra no porque quisiera considerarse neutral sino porque estaba calculando el momento preciso para tomar por sorpresa a un confiado Füherer. Otro momento que el Tío Sam quiso explotar al máximo fue la caída del Comunismo Soviético y su consecuente derribo del muro de Berlín en 1989. Democracia definitivamente no es algo que realmente describa al sistema de gobierno de Estados Unidos. Se le puede considerar como el mejor organizado pero definitivamente para nada como justo y en pro de la humanidad. Si EEUU festejó algo ese 1989 no fue la democracia sino haberle ganado la partida al único sistema que había cuestionado rabiosamente al país de Mickey Mouse, el sistema socialista que, dicho sea de paso, reconozco como obsoleto.

Pero la mafia de las élites políticas de los Estados Unidos tiene una serie de capítulos que debieron haber hecho reaccionar al mundo:

1.- La imposición sobre el dominio del canal de Panamá
2.- Las arbitrarias ocupaciones territoriales en Europa, Africa y Asia en los años 30 del siglo pasado
3.- La prostitución y paraíso fiscal otorgados a sus traficantes protegidos en las islas del Caribe como Cuba a través de Batista
4.- Los embargos internacionales económicos a las producciones de países en vías de desarrollo porque, de acuerdo a esto, hacían competencia desleal a las empresas comparsas de la mafia del gobierno estaounidense
5.- Ente muchas otras cosas, la insistencia de llamar "América" a Estados Unidos cuando América es América desde Alaska hasta la Tierra de Fuego (esas mamadas de norteamérica, centroamérica y sudamérica me parecen una soberana pendejada)

Ocultamente Estados Unidos propició cosas como:

1.- La caída de ciertos gobiernos inconvenientes a sus intereses (Chile, 1973)
2.- Las guerras de Vietnam y las Coreas
3.- El aislamiento al mundo de Cuba como nación
4.- Las que se me olviden

La mafia de Richard Nixon (Skull & Bones) está detrás de los magnicidios como los de:

1.- Mahatma Ghandi
2.- Francisco Fernando de Austria (haciendo pasar por culpable al radical nacionalista Gavrilo Princip y detonando la tensa situación de Europa que terminó en la Primera Guerra Mundial)
3.- Leon Trotsky (después de haber negociado con Stalin la liberación de prisioneros estadounidenses en Siberia y quitarle a Trotsky la protección que le brindaron en su estancia en Coyoacán)
4.- Aldo Moro
5.- Robert Kennedy
6.- Luis Donaldo Colosio (apoyando al grupo de Carlos Salinas de Gortari)
7.- Salvador Allende
8.- John F. Kennedy
9.- Carrero Blanco
10.- Los músicos Brian Jones y Jimi Hendrix
11.- Harvey Lee Oswald
12.- Ernesto "Ché" Guevara
13.- El ex Beatle John Lennon
14.- Índira Ghandi
15.- Saddam Husseim

Y de intentos fallidos como:

1.- Alfonso XIII
2.- Hitler (en mas de una ocasión y con negociaciones entre EEUU y nazis opositores a Hitler)
3.- Juan Pablo II
4.- Mónica Seles
5.- Andy Warhol
6.- Hugo Chávez

Irónicamente a principios de los años noventa la credibilidad de EEUU inició su decadencia y un profético atentado en un estacionamiento del WTC en 1993 demostró que los grupos de poder que controlan aún hoy a EEUU y al mundo tenían en serio un enemigo al que lejos de vencer fortalecieron derivando en el 2001 en aquella tragedia del WTC en la que miles de personas inocentes perdieron la vida. (pero consideremos que Ben Laden es socio comercial de los Bush, conste) Es aquí a donde quería llegar.

Estados Unidos es ciertamente uno de los sistemas mejor organizados y capacitados para reconstruirse por inercia pero también es uno de los sistemas mas tramposos, impositivos y maniqueistas por no decir que es el más en todo eso. Pero sería injusto generalizar ya que al pueblo de Estados Unidos yo lo respeto, su gente no es el gobierno y el gobierno no es su gente.

Los gabachos tienen cosas que a mí me gustan mucho como:

1.- Las guitarras Fender
2.- El Blues
3.- Los Levi's
4.- El Jack Daniel's
5.- Tina Turner
6.- El Country

Pero por años las mafias de Bilderberg y Skull & Bones han utilizado su cercanía a las élites del poder para controlar y dominar a través de sus infiltrados en la CIA, el FBI y el gobierno mismo y es aquí donde me causa cierta tranquilidad saber que aquello de las "Teorías de Conspiración" no eran del todo jaladas de los pelos y hoy quienes me atacaron o me criticaron eso tendrán que pensarlo dos veces.

El asunto es que hoy, Diciembre 2 de 2010, EEUU enfrenta, no una crísis, sino una situación de vergüenza internacional y al mismo tiempo una situación de riesgo por lo que mencioné al principio: los documentos de Julian Assange han puesto en frágil posición a Estados unidos como nación ante sus detractores al otro lado del mundo. Si yo fuera Julian Assange pediría asilo a Irán o a Hugo Chávez porque lo que serán sus siguientes años de vida se la pasará huyendo de la implacable mano del Gobierno de los Estados Unidos de Ámerica.

Vientos Julian Assange!, mis respetos para tí..

...sin nada personal contra el pueblo de Estados Unidos que, en mi opinión, es gente que le gusta trabajar para que los mantenidos del Gobierno, la CIA y el FBI sigan jugando a ser los superhéroes y gastando un dinero que no es suyo.

Estados Unidos: ya cambién de gobierno por favor y revivas esa cultura artística que los hace grandes como pueblo

Es cuanto

Messy Blues

Entrevista a Jesús de Nazareth

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Fri, 19 Dec 2008 00:24:00 +0000

El periodista suizo Heinrich Unheimlich, famoso por su penetrante espíritu investigativo y por las osadas entrevistas que pudo conseguir en su dilatada carrera profesional, nos volvió a sorprender recientemente. Sin revelar nunca cómo lo obtuvo, pudo establecer contacto con Jesús de Nazareth, quien aparentemente estaba de incógnito en nuestro planeta, y forzarlo a responder algunas preguntas. Se dijo en un primer momento que el reportaje era apócrifo, pero la cinta de audio (un viejo cassette convencional de grabadora manual), sometida a las más rigurosas pruebas –en centros académicos del más alto nivel e incluso en la NASA–, demostró su autenticidad. No pudo tomar fotos (según contó luego Unheimlich, al querer fotografiarlo usando su teléfono celular, el mismo se bloqueó inexplicablemente… ¿Milagro?). De todos modos, aún quedando en las tinieblas los pormenores de la entrevista, lo importante es que la misma pudo realizarse y luego difundirse.

No pueden dejar de mencionarse dos aspectos importantes, aparentemente marginales al contenido específico de la nota periodística, pero que dan un talante de lo que allí está en juego: por un lado, la grabación del reportaje está hecha en alemán con acento de Zürich en su primera parte, cambiando luego al francés –cambio que inopinadamente hizo el entrevistado– para seguir más tarde en arameo, lengua que, al no ser comprendida por el entrevistador, hizo dar por terminado el reportaje en forma un tanto abrupta. Y un segundo elemento no menos significativo cual es el hecho que, dos días después del encuentro –aparentemente fue en un centro comercial de Ámsterdam, según una versión, o en un hotel en El Cairo, según dicen otros– Unheimlich perdió el habla, que no ha vuelto a recuperar hasta la fecha, y desarrolló un repentino cáncer de próstata.

Gracias a avatares del destino, hoy llegó a nosotros esta riquísima pieza, no digamos ya del periodismo sino de la producción cultural universal, que ahora ponemos a disposición de los lectores en idioma español. Entendemos que la ocasión es más que propicia, dada la cercanía de la cristiana fecha de la Navidad. Ustedes juzgarán.

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Heinrich Unheimlich: Jesús, ¿qué anda haciendo por aquí casi de incógnito?

Jesús: Bueno…. no es la primera vez que lo hago. Habitualmente suelo darme una vuelta por aquí a ver cómo están las cosas. Y permítame decirle que nunca antes me habían descubierto, por lo cual lo felicito: es usted muy perspicaz. En verdad me sorprende que haya podido identificarme. Dígame: ¿cómo lo hizo?

Heinrich Unheimlich: Mire, no se ofenda, pero ahora yo diría que vamos a invertir los papeles. Ahora, quien pregunta soy yo, ¿de acuerdo? Luego, después de la entrevista, si le parece, le cuento los detalles de cómo lo identifiqué. Pero, volviendo a lo que decíamos… ¿así que regularmente viene de incógnito por aquí? ¿Y cómo encontró las cosas ahora?

Jesús: Mal, muy mal. La verdad es que siempre le damos seguimiento a este planeta, nos interesa mucho…

Heinrich Unheimlich: Perdón que lo interrumpa: habla en plural. "Le damos seguimiento" dice. ¿Quién además de usted?

Jesús: Pues, mi padre. Fue él quien hizo todo esto. Y –se lo digo entre nosotros, en privado– a veces se arrepiente. A veces se reprocha por qué se dejó llevar por la pasión inventando esta especie tan rara que son ustedes, y se arrepiente. Pero ya es tarde, no hay marcha atrás. En más de una oportunidad, para reparar ese "error", como suele decir, pensó en eliminar toda la especie. De ahí que permitió que desarrollen las armas de destrucción masiva, fundamentalmente las nucleares. Pero nunca se termina de decidir si hacerlas usar. También considera muy cruel la extinción total. Si bien la especie humana es insoportable, absurda en algunos casos, incomprensible a veces, también tiene cosas muy lindas, muy simpáticas.

Heinrich Unheimlich: ¿Como cuáles?

Jesús: Bueno…muchas, numerosas, numerosísimas. Ustedes no son sólo estupidez; también han hecho cosas importantes, muy lindas. Además de hacer la guerra, por ejemplo, y entre otras cosas, hacen arte, aman a sus hijos, a veces se enamoran, a veces filosofan y dicen cosas bien interesantes, bien profundas. Claro que no hay que olvidar la contracara de todo eso: son egoístas, muy violentos, son muy conservadores, les asusta mucho el cambio, y en estos últimos tiempos han desarrollado una enfermiza cultura de apego a las cosas materiales que ustedes mismos producen. Hay que reconocer que a veces son realmente inteligentes. Yo me sorprendí mucho cuando en estos últimos años empezaron a inventar todos estos artefactos tan llamativos que les reportaron enormes cambios: máquinas para volar, que ustedes llaman aviones, máquinas para ir por debajo del agua, todos los aparatos para comunicarse a la distancia: el telégrafo, el teléfono, la radio, la televisión, el internet. No han logrado dominar aún la telepatía, pero no falta mucho para que lo hagan. Bueno, todo eso realmente me tiene sorprendido. Y a mi padre también. Porque de verdad que él no había planificado todo esto. Él solo dejó la posibilidad abierta; de ahí en más, fueron ustedes los que dieron estos pasos. Y de verdad que los felicito.

Por otro lado, como le venía diciendo, no hay dudas que todas esas cosas, cuando uno lo ve desde afuera, sorprenden gratamente. Y hacen pensar en que la humanidad no es tonta. Claro, después cuando empieza a profundizar… se agarra la cabeza. Tienen internet… ¡para ver pornografía! Me imagino que usted debe saber, bien informado como está al ser un destacado periodista, que una tercera parte de las consultas que se hacen en la red de redes, es para mirar pornografía. No es que esté mal tener apetitos carnales, no, por supuesto. Para eso mi papá les dio la facultad del deseo. ¿O acaso no es grato desear, derretirse de ganas por alguien? Pero, ¡qué pobreza espiritual tener que contentarse con mirar a alguien desnudo en una pantalla!, ¿no? Cosas como esas son las que me abren –o nos abren, mejor dicho– esas dudas: mi padre, a veces con una sonrisa bonachona y mesándose la barba, dice entenderlos y que él así lo quiso. Pero otras veces –y yo soy de esa idea también– piensa que son demasiado tontos, demasiado miedosos ante la vida. Prefieren ver un cuerpo desnudo en una pantalla en vez de tocarlo con sus propias manos. ¿Por qué ese miedo absurdo? Prefieren la mentira y la hipocresía en vez de buscar la verdad. No entiendo por qué esa pusilanimidad, no lo entiendo. Prefieren decir que está todo bien, mientras sufren como condenados.

Bueno, pero me voy por la tangente. Usted me preguntaba qué cosas buenas tienen los humanos. Mire: muchas. Por ejemplo, hacen música, que es algo hermoso, angelical. Y no importa qué música, de las innumerables variedades que tienen. Eso siempre es algo lindo, grato, que alegra el espíritu. La estupidez comienza cuando con esa fiebre enfermiza por el apego a lo material y ese insaciable afán de poderío que se ve tanto en estos últimos años de su historia, comienzan a vender musiquita empaquetada. Por eso le digo que siempre están oscilando entre lo genial (en música han hecho cosas geniales, de verdad. Mire el alemán van Beethoven; pese a estar sordo musicalizó una oda a la alegría, ¿no le parece genial? Bueno, o cualquier música: ¿escuchó alguna vez un ukelele sentimental? Se lo recomiendo, Unheimlich); pero para no irnos por la tangente, le decía que siempre basculan entre lo genial y lo ramplón. Hacen músicas hermosas, y al mismo tiempo componen enlatados estúpidos que se obligan a consumir pagando para escucharlos. Claro que, en eso, el jueguito es más complicado: son algunos pocos los que se aprovechan de la gran mayoría. Son unos pocos los que ganan dinero vendiendo basura, y la gran mayoría silenciosa agacha la cabeza y consume las modas. En música eso se ve con palmaria claridad. ¿Me entiende lo que le quiero decir? Al lado de creaciones realmente geniales ustedes hacen estupideces que no parecen posibles. ¿Por qué ese afán perpetuo de dominarse unos a otros? ¿Por qué esa lucha interminable por el poder?

Heinrich Unheimlich: ¿Y usted que cree? ¿Por qué su papá nos hizo así?

Jesús: Como le decía: a veces se arrepiente de haber hecho eso. Pero también tiene sentido que sean así, si uno lo piensa bien. Como son finitos, tienen los límites siempre a la mano (la muerte está siempre presente, envejecen, se ponen decrépitos o, para graficarlo de un modo muy evidente: al lado de la belleza que puedan tener, se tiran pedos, con lo cual todo se afea –y todos, varones y mujeres, se los tiran, todos…–), pues bien, como la finitud los inunda por todos lados, el poder es lo que les puede hacer sentirse menos frágiles, es la puertita hacia la plenitud. O es lo que, al menos, les provoca la sensación de plenitud. Todos ustedes están condenados a envejecer, a corromperse, a morirse, todos ustedes son siempre falibles, viven presa de los miedos, saben las cosas siempre limitadamente, irremediablemente tienen que decidir ser varón o mujer porque todo al mismo tiempo no se puede…; es decir: como la vida de los humanos está inexorablemente marcada por sus límites (viven tirándose pedos, en otros términos: comen manjares que luego se transforman en flatulencias), el ejercicio del poder los hace sentir menos limitados. De ahí que estén buscándolo perpetuamente. ¿A quién de ustedes no les gustaría ser dios? Tener poder –aunque sean cuotas mínimas: el varón sobre la mujer, el europeo –presuntamente civilizado– sobre los supuestos salvajes del África, el rico sobre el pobre, el adulto sobre el joven– tener poder es alejarse de los límites, aunque sea un poquito. El poder siempre hace sentir impune, absoluto, inmortal. Por eso viven inventando historias que les permita fantasear con todo eso: Superman actualmente, o cualquier héroe de las mitologías históricas en todos los pueblos que han pasado por el planeta. ¿A quién no le gusta ser como un actor triunfador de Hollywood, o como Schumacher, o como John Lennon, que llegó a decir que era más famoso que yo? ¿Me entiende?

Heinrich Unheimlich: Creo que sí. ¿Pero por qué su papá nos hizo así, tan limitados entonces?

Jesús: Vaya pregunta, mi amigo… ¿A quién no le gusta ser dios? Pregúnteselo a mi padre… Pero yo vine al mundo hace dos mil años para tratar de ayudar un poco a soportar esos problemas, para hacer más llevadera la vida pese a todos esos límites. Yo traté de enseñar a vivir sin tantas angustias, sin fascinarse tanto con la búsqueda del poder.

Heinrich Unheimlich: ¿Y qué dice: lo consiguió?

Jesús: ¿Me lo está preguntando en serio? Vamos, Unheimlich: ¡no sea estúpido! ¿No ve acaso cómo está el mundo? A veces soy yo el que se arrepiente de haber venido, me arrepiento de haberme hecho tantas expectativas. Con toda sinceridad le digo que yo pensaba que iba a ser más fácil la transformación ética de los seres humanos. Pero veo que eso no es fácil. No digo que no se pueda cambiar, no, por supuesto que no. Ahí está el socialismo como una promesa abierta. Y eso no ha terminado, créame que no. La historia sigue, y lo que se creía un triunfo absoluto de los grandes capitales hace unos años atrás, hoy se derrumba como castillo de naipes con la crisis financiera internacional. La gente es tonta, pero no tanto. Se deja explotar porque no le queda otra alternativa, pero llega un momento en que se rebela. "Pena sobre pena y pena hace que uno pegue el grito. La arena es un puñadito, pero hay montañas de arena". Creo que eso lo dice claramente: es un poema de un cantor argentino que quizá conozca: Atahualpa Yupanqui. No le puedo decir que fracasé en mi intento de hace dos mil años; pero veo que las cosas son más complicadas de lo que creía. Los que se suponía tenían que ser mis sucesores para seguir predicando ese mensaje de contestación contra el poder –que fue revolucionario en su momento, créame, por eso a mí me crucificaron los romanos–, los que tenían que seguir con mi ejemplo, es decir: la iglesia católica, mire cómo terminaron: una institución con el poder más descomunal durante mil años, dueña de riquezas y conciencias, que se permitió matar a cuanta persona se le opuso, y que ahora, aunque un poco debilitada, sigue siendo lo más contrario a lo que yo vine a enseñar. ¿Cómo podría entender usted que mis sucesores vistan ropas de oro y piedras preciosas si yo vine a combatir esas flaquezas? ¿Cómo puede entender que, en mi nombre, se quemó viva a tanta gente, en nombre del amor? Algo no funcionó ahí.

Heinrich Unheimlich: Habló del amor. Usted predicó aquello de poner la otra mejilla luego de ser abofeteado, de amarse los unos a los otros –bueno: John Lennon decía algo parecido, ¿no?– Pero si observamos detenidamente el mundo, lo que menos encontramos es amor. El amor eterno de los enamorados se termina muy pronto, después de la luna de miel, y las relaciones entres las personas no son muy amorosas que digamos precisamente (se venden más armas que libros, o que flores). ¿Qué pasó con su enseñanza?

Jesús: A veces me lo cuestiono, sí. Quizá fui un poco ingenuo, lo reconozco. Vez pasada hablaba con Quetzalcóatl en un encuentro de dioses que tuvimos en el monte Olimpo, y fue él quien me abrió los ojos al respecto. Yo pensaba que la gente respondería mejor a mi mensaje, que verdaderamente haría un acto de arrepentimiento y buscaría cambiar cuando se diera cuenta de su condición. Pero no sabía con exactitud cómo los había programado mi padre. Veo que la angustia ante la vida que tienen ustedes –que no he encontrado en los seres de otros planetas– es más fuerte de lo que me imaginaba, de ahí que la búsqueda del poder los tiene demasiado trastornados. Viven siempre pensando en sí mismos, siempre preocupados en ver cómo triunfan a costa del otro. Son demasiado individualistas, "narcisistas" para decirlo con un término que inventaron sus psicólogos y me parece muy bueno: viven fascinados y enamorados de ustedes mismos, por eso les cuesta tanto amar al otro. Piensan en primera persona, sueñan en primera persona, el otro les es un instrumento para conseguir sus fines, nada más. Yo creí que lo lograría, pero no sabía bien en la que me metía. Por eso, dos mil años después, rectificaría mi mensaje: no los llamaría tanto a amarse sino a respetarse, lo cual ya es muy mucho pedir.
Mire, Unheimlich: se lo voy a decir con una parábola. Ustedes se aman tanto a sí mismo, les cuesta tanto amar a otro, que está más que demostrado que el 98,5% se procura placer a sí mismo sin compañero sexual, masturbándose.

Heinrich Unheimlich: ¿Y el otro 1,5 por ciento?

Jesús: Es manco. (Risas)

Heinrich Unheimlich: Tiene buen sentido del humor, por lo que veo. Hablando de otra cosa, pronto está de cumpleaños. ¿Qué dice al respecto?

Jesús: Eso, de verdad, me tiene asqueado. Ahora, al menos en una buena parte del mundo, festejan mi cumpleaños, el número 2008 para ser más exactos, tirando la casa por la ventana. Pero vea cómo lo celebran: ¡ni una imagen mía por ningún lado! En mi lugar vino a instalarse ese gordito con risa estúpida vestido de payaso, que no entiendo de qué vive riéndose. ¿Se da cuenta? ¿Entiende lo que le quiero decir? Todo el mundo dice ahora: ¡feliz navidad!, y creo que ni siquiera sabe lo que está festejando. Pregúntele usted a cualquiera que come como condenado en mi fiesta de cumpleaños y chupa como una esponja quién es ese flaco ascético que andaba por ahí harapiento predicando la igualdad hace dos mil años atrás, y seguro que no lo va a saber. Pero seguro que compró regalitos y puso una imagen del gordito este que le mencionaba en su casa. ¿Por qué nadie me pone un pastel con velitas para que las sople? ¿Alguien me preguntó si no me gustarían mariachis para festejar mi cumpleaños? No, nada de eso… Yo hablé de valores espirituales, de lucha contra la ostentación y la frivolidad del poder, de solidaridad genuina, de igualdad para todos y todas –bueno, en mi época no importaba la cuestión de género, se hablaba sólo en masculino–, y ahora celebran mi cumpleaños olvidándose de mí y reemplazando mi mensaje por un consumismo voraz y por un imbécil que se ríe invitando a comprar locamente. ¡Es triste! Pero no hay que darse por vencidos. Yo sigo viendo luz al final del túnel, aunque cueste mucho.

Heinrich Unheimlich: ¿Ve luz? ¿De verdad? ¿Y cuál es el futuro de la humanidad entonces, Jesús?

Jesús: [A partir de aquí Jesús comienza a hablar en francés] Ah…, está pidiendo demasiado. Como me imagino que comprenderá, no puedo darle mayores precisiones. Lo que sí le adelanto es que la historia no está terminada. Aunque los que alientan el consumismo interminable que promueve Santa Klaus crean que ganaron la batalla, se equivocan. En ese sentido, parafraseando a ese buen pensador que tuvieron ustedes en el siglo XIX llamado Hegel, podríamos decir que "el amo tiembla aterrorizado delante del esclavo, porque sabe que inexorablemente tiene sus días contados". Por más parafernalia militar que los amos desarrollen para cuidar sus privilegios, la justicia se va a imponer. No hay espada –ni misil nuclear, digamos hoy día–, por más poderosa que sea, que pueda imponerse sobre la justicia.

Heinrich Unheimlich: ¿Se refiere a la justicia divina, al Juicio Final?

Jesús: ¡No, compañero! ¿De qué justicia divina me está hablando? Quiero decir que la gente, lentamente, va abriendo un poco más los ojos. Antes, cuando yo andaba correteando por los desiertos de Galilea –¡todavía me acuerdo la sed que pasaba ahí!– el emperador, el amo esclavista, eran casi dioses, intocables, impunes. ¿Quién osaba enfrentárseles? Y otro tanto pasaba en otras latitudes: los chinos no podían mirar a los ojos a su emperador. Lo mismo era con cualquier mandamás. Cualquier teocracia –en el Asia, en América– podía decidir con la más absoluta naturalidad sobre la vida de un súbdito. ¿Quién le ponía freno a esos poderes? Lo mismo podía hacer el varón con su mujer. ¿Quién iba a protestar por eso? Pero las cosas están cambiando, mi amigo. La gente va abriendo un poco más los ojos. No sé si habrá sido mi enseñanza, no lo sé. A veces, cuando visito cualquier centro comercial para esta época, unos días antes de mi cumpleaños, me sorprendo y pienso que todo mi esfuerzo fue en vano. ¿Cómo es posible que unos pocos, poquísimos, desde sus limusinas blindadas o desde un pent house que puede costar varios millones de dólares, decidan la vida de las grandes mayorías planetarias? ¿Cómo es posible que a las masas, igual que en mi época en el circo con los gladiadores y los leones, se las siga engañando de esa manera, ahora con todos los nuevos artificios tecnológicos? Parece que las cosas no cambian, y eso llevaría a la desesperanza. Pero no es tan así, Unheimlich: las cosas cambian.

Heinrich Unheimlich: Sí, claro … pero permítame decirle que la gente ya no se siente tan creyente como antes. Los católicos aún siguen los ritos, por ejemplo el de festejar la Navidad, o el de casarse por la iglesia o bautizar a sus hijos, pero la religiosidad va perdiendo importancia en el mundo moderno, más guiado por los jet supersónicos y las tarjetas de crédito que por un mensaje místico.

Jesús: Exactamente. Eso es lo que estoy tratando de decirle: la gente cambia. Y agregaría: ¡felizmente! Si no, aún seguiría en las cavernas. Pero no: hay cambios, siempre. La historia no está terminada. No quiero anticiparle para dónde seguirán esos cambios. Es más: nos pusimos de acuerdo con mi viejito que eso no lo vamos a revelar por ahora. Pero, aunque parezca que no, las cosas se mueven. Como dijo aquel italiano famoso que la iglesia casi cocina en la hoguera: eppur si muove.

Heinrich Unheimlich: Entonces, haciendo un balance de estos primeros dos mil años de su trabajo, ¿qué diría?

Jesús: [Comienza a hablar en arameo y el periodista corta la entrevista]
mmcolussi@gmail.com

Nota original

Madonna y la anorexia

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Mon, 28 Jul 2008 00:03:00 +0000

Madonna no es precisamente mi vocalista favorita, de hecho siempre me ha fastidiado la música que canta y sin parecerme un fraude o algo parecido, la considero un producto de plástico respecto al asunto de la música. Así y todo le reconozco a Madonna su esfuerzo por salir de su inicial estado de marginada social a primera estrella en los años ochenta. Madonna es al final de cuentas un cierto ejemplo de tenacidad y precisamente el hecho de que su imagen la sacó de pobre es que se esmera tanto en cuidarse por lo que enfrenta la típica crísis de los cincuenta de una forma un tanto indecorosa al someterse a una dieta "Zen" que podría provocarle consecuencias a futuro.

La anorexia nerviosa (Anorexia Nervosa) es una enfermedad mortal que representa un severo desorden psicológico en la persona que la padece al sentir un gran sentimiento de culpa por comer derivado el miedo a la obesidad y en muchos casos por previas humillaciones en la escuela o entorno de amigos de infancia y/o adolescencia que hacían mofa o demasiados señalamientos en torno a una pretendida (o existente) obesidad. Desde luego esa es ua de las bases mas comunes de la anorexia pero siempre hay mas razones que la acompañan pero corresponde a un médico decirnos cuales son.

La anorexia a simple apreciación suena como una vil enfermedad de modelos y mujeres vanidosas pero en realidad es algo menos simple que eso, la anorexia es definitivamente uno de los desórdenes psicológicos que mas víctimas cobra y de la que, quienes la padecen, son un porcentaje reducido los que llegan a superarla, ya sean hombres o sean mujeres. Es tan peligrosa como fácil de adquirir en parte por culpa de los estándares de belleza que muestran a mujeres con cintura de avispa, pierna larga y apariencia de Barbie. Ciertamente la anorexia es el resultado de la publicidad maniqueísta en un primer plano pero definitivamente sus orígenes también son de índole familiar y educativo, tanto como se le eduque a un(a) hijo(a) tanto entonces como se desenvuelva psicológicamente en el mundo.

Entre las anoréxicas mas famosas están Angelina Jollie, la propia Maddona, Britney Spears, Kelly Osbourne, Mary-Kate Olsen, María Conchita alonso, Christina Ricci, Allegra Versace, la princesa Victoria de Suecia, Uma Thurman, Hall Berrie, Pamela Anderson y algunas (muchas) que se me escapan y entre las celebridades que ya ha cobrado esta enfermedad están Karen Carpenter y las modelos que recientemente ocuparan encabezados precisamente por esto, no en balde las leyes en España comenzaron a modificarse para proteger a las mujeres de este mal haciendo que las agencias no aceptaran a mujeres por debajo de su peso normal.

Ojalá Maddona supere pronto esto.

Messy Blues

Linux, Windows UE, Suricata OS y las compus viejitas

noreply@blogger.com (Messy Blues) — Tue, 22 Jul 2008 05:33:00 +0000

Volviendo al tema de "Linux", he estado experimientando un poco con todos los sistemas relacionados y me acomodé mucho con solaris, ubuntu, bianca y conuna versión muy simpática que hasta se puede correr desde un USB llamada "Puppy Linux" lo que me llevó a versiones ligeras de Linux que fueron creadas para los equipos que no cuentan con los recursos que Linux les exige. Sí, sorprendentemente Linux también tuvo por un tiempo el fallo de no pensar mucho en los que no podemos costearnos un equipo caro. Yo sabía que existía el "Windows Fundamentals for Legacy PCs" que es una versión del XP para esas compus de hecho lo tuve un tiempo pero terminó hartándome por los mismos errores que me alejaron de Microsoft y todo el sufrimiento que ello implica. Confieso, no obstante, que el sistema en mento sí me hizo sufrir bastante menos que el XP Professional y le reconozco cierta buena labor.

La cosa es que Linux hizo su trabajo por parte de sus diversos programadores que han realizado sus versiones y de ahí me fui adentrando al asunto de los Linux Ligeros y las versiones también ligeras de Windows (mejor conocidas como Unattended Windows) ya que al instalarlas no exigen atención absoluta y arrojan un sistema operativo que puede correrse como un Windows XP o Vista en computadoras 486 o pentium básica, claro, con mejores resultados en pentium III, hoy un tanto obsoletas.

Primeramente me topé con un sistema que accidentalmente yo había bajado hace dos años llamado Suricata OS y que desafortunadamente hoy ya no está en la web porque su creador se retiró pero lo corrí en una compu celeron (basada en pentium III) y me arrojó buenos resultados aunque me dio problemas al conectarme a internet (mas tarde aprendi que hay que cambiar ciertos valores en el win.ini y otros lados). Luego conseguí el Windows UE (cuyo creador también se rajó) y me aventé a seguir martirizando esa celeron y, sorpresa, aunque con algunos otros problemillas minimos jaló bien y, sí, logré hacer que esa compu trabajara bien.

Como no la uso mucho que digamos confieso que me dio un tiempo por experimentar para evaluar y me dio por usar el Puppy Linux de cuando en cuando por mera vanidad y hasta mis hijos ya son fans del sistema aunque se han sentido especialmente atraídos por el Linux Bianca en una compu actualizada. Aunque también la novedad de ver una compu para el museo trabajar como si fuera nueva les causa expectación. Resulta un asunto así medio película retro de Tim Burton, jajajajajajaja.

Ya en serio. Como sigo siendo adepto del Linux a pesar de los windows recortados, me resisto a reconocerle a mocosoft sus repentinos destellos de amabilidad (como hacer gratuito el Visual Basic) pero de todos modos me gustaría decir algunas excelencias de esos Windows desatendidos que son el optimizar el consumo de recursos y en ocupar mínimo espacio en disco duro por lo que no deja de ser una buena opción pasarse de Windows XP Home a un Windows UE que les hará trabajar como si estuvieran en XP Pro y, claro, si son mas ambiciosos hasta pueden pasarse al Windows Vista UE o bien, existe otra versión de esos recortados llamada BioWindows tanto en XP como en vista aunque en estos sistemas la cosa ya amerita un equipo un tanto mas avanzado partiendo de los pentium III en adelante. Otra opción sobre los windows de este tipo es utilizar el programa nLite para crear ustedes mismos su versión recortada del Windows a partir de sus discos de instalación del XP o el Vista y esta también vale la pena si se tienen un puñado de conocimientos básicos sobre cómo trabaja Windows.

Pero la delantera sigue siendo de Linux en ese sentido ya que sus versiones ligeras están diseñadas para todos los gustos, tamaños y necesidades y hasta los hijos pueden llevar esos sistemas en Live CD a la escuela en el caso de que las compus que suele haber ahí estén plagadas de virus o simplemente sean mas lentas que un gobierno surgido del fraude (jajajajaja, mala broma, perdón).

Yo uso mucho el Puppy Linux como ya mencioné por las muchas opciones que me ofrece para su uso pero hay mas y muy buenas como:

Si siguen con el miedo a pasarse a estos sistemas les doy la buena noticia de que todos ellos ofrecen el uso del Live CD (que erroneamente mencioné en posteos pasados como el disco de instalación y en realidad es el disco de ejecución) y por lo tanto ni siquiera tienen que instalar el sistema en sus equipos y se puede trabajar muy bien.

Por otro lado, siendo diseñador gráfico tengo los problemas comunes de otros diseñadores al usar Linux y al mismo tiempo depender de "Adobe Photoshop" (que ciertamente solo se puede ejecutar en Windows o Mac) y honestamente el Gimp (equivalente de photoshop en open source) aún carece de muchas herramientas del Photoshop por lo que descubrí gratamente que la interfaz WINE (que sirve para ejecutar programas de Windows en Linux) ya soporta el "Adobe Photoshop CS2" con lo que pasarse a Linux ya deja de tener pretextos.

En fin. Este posteo sirve para animar a los que se quedaron con equipos viejos y no pueden costearse uno nuevo o simplemente creen que es un desperdicio deshacerse de estos y al mismo tiempo a los que no se decidían a pasarse al Linux bajo el pretexto de que sus programas habituales solo corren en Windows. Ya vimos que eso es falso.

Messy Blues